AntikClub Клуб Антиквариев и Коллекционеров

Реставрация керамики Кинцуги

admin — Tue, 26 Aug 2025 20:00:17 GMT

Кинцуги, более известный термин, обозначающий кинцукурои, описывает процесс починки разбитой керамики золотым, иногда серебряным лаком. Название kintsugi, происходящее от сокращенных японских слов "кин", означающих "золотой", и "цуги", означающих "соединение", по сути, означает "красиво чинить сломанную вещь". Именно этот принцип сделал kintsugi таким популярным.

Известно, что где-то до XV века жители Японии ценили свою богато украшенную, но хрупкую керамику. Тем не менее, эти тонкие и изящные изделия обычно трескались, поэтому владельцы гончарных мастерских выбрасывали разбитые вазы, горшки и чашки.

Хотя нет точного имени изобретателя кинцуги, многие признают историю восьмого сегуна Асикаги Есимасы, который якобы отправил одно из своих разбитых глиняных изделий в Китай для ремонта. В ответ он получил свою любимую чашу, отреставрированную крупными скобами, которые не радовали глаз. Это побудило его отослать ее японскому мастеру, который, возможно, нашел бы более подходящий способ починки керамики. Говорят, что Есимаса и его решимость уделять приоритетное внимание эстетике положили начало давней традиции починки керамики золотом, которую многие люди по всему миру практикуют и по сей день.

К XVI веку жители Японии начали чинить свою потрескавшуюся керамику. Вместо того, чтобы использовать что-то похожее на наш современный быстросохнущий клей, детали были скреплены лаком — клеем, получаемым из сока дерева, произрастающего в Японии.

Лак, также известный как уруси, сыграл важную роль во многих видах японского искусства, начиная с доисторического периода Дземон. Уруши считается невероятно ценным материалом; единственный способ приобрести его - срубить дерево, из которого владелец намеревается извлечь одну-единственную чашку сока.

Японские художники часто рассматривают древесный сок как его кровь, и использование этого сока для создания уруши неизбежно приводит к прекращению жизни дерева. Поэтому этот клей предназначен только для самых проверенных и ценных целей. Это также рассматривается как великолепный способ для художника работать с природой и выражать свою безграничную благодарность за предоставление этого величественного материала для создания ослепительных и значимых произведений искусства.

Чаще всего кинцуги используется для ремонта керамических изделий, представляющих значительную сентиментальную ценность. Нередко можно встретить керамику с кинцуги, которая передавалась по наследству из поколения в поколение. Процесс реставрации каждого керамического изделия может занять до трех месяцев — первый слой лака должен полностью затвердеть, прежде чем его можно будет покрыть золотом или серебром. Эта простая, но в то же время терапевтическая процедура устраняет необходимость скрывать несовершенства и, скорее, стимулирует стремление воспринимать эти недостатки как естественную красоту.

Метод починки керамики кинцуги основан на вере в то, что каждая золотая трещинка на закрепленных вазах и горшках отражает историю создания этого произведения искусства. В каждом сверкающем сколе и трещинке прослеживается все, что пережило каждое конкретное изделие. Кинцуги сегодня является одним из источников преобразующей практики, которая учит многих людей тому, что нет ничего плохого в том, чтобы подчеркивать свои достоинства и недостатки. Философские основы кинцуги также основаны на японском принципе, известном как ваби-саби. Ваби, что означает смирение перед лицом природных явлений, и саби, что означает то, что человек чувствует по отношению к работе времени и человечества. Эти общие принципы формируют концепцию признания несовершенств.

В России замечено две мастерские kintsugi: Константин Корнилов, Дмитрий Никитин.

Рабочий процесс

Ремонт начинается с обсуждения внешнего вида готового изделия и подборки материалов для ремонта. Вся поступившая ко мне утварь тщательно моется и подготавливается к ремонту. Я делаю пробные сборки, чтобы учесть возможные деформации.

Следующий этап — приготовление специального клеящего состава на основе сырого лака уруси и склеивание фрагментов. Этот состав сохнет очень долго (до двух месяцев), и всё это время изделие должно оставаться в покое.

Следующий этап — это чистка излишков клеящего состава, проверка правильности совмещения фрагментов разбитой посуды.

Если результат меня не устраивает, то всё повторяется сначала. Если же всё хорошо, то я перехожу к следующему этапу.

После высыхания и чистки клеящего состава на швы наносится тонкий слой лака уруси. Это делается для защиты клеящего слоя и создания ровной поверхности швов. Таких слоев может быть много — около 5–6. Каждый слой сохнет около недели. После высыхания каждый слой полируется. Этот этап самый долгий. Он может повторяться до тех пор, пока меня не удовлетворит результат.

Финальный этап — это нанесение на швы лака с пудрой металла. Это может быть платина, золото, серебро, медь и прочее. <…>

После окончания ремонта мной проводятся тесты с горячей водой, чтобы убедиться в успехе ремонта.

Еще больше информации по реставрации методом кинцуги здесь.

***

Кинцуги (金継ぎ), или «золотой шов», представляет собой уникальную японскую практику реставрации керамических изделий, которая превращает разрушение в источник новой красоты. В отличие от западной традиции, где целью ремонта является максимально полная скрытость следов повреждения, кинцуги целенаправленно подчёркивает линии трещин и шрамы, придавая им золотой цвет. Этот процесс не просто техническая операция по восстановлению функциональности предмета; он является глубоким философским высказыванием, воплощающим вековые японские концепции эстетики, такие как ваби-саби, моно-но-аварэ и мусин. В последние десятилетия искусство кинцуги вышло за рамки узкоспециализированного ремесла, став мощной метафорой для обсуждения таких универсальных тем, как личностный рост, исцеление от травм, принятие несовершенства и ценность переработки.

Историческое происхождение и технологические аспекты

История кинцуги неразрывно связана с японской культурой XV века, периодом Муромати, когда чайная церемония (тя-но-ю) становилась не просто ритуалом, а духовной практикой. Именно в этом контексте возникла потребность в ремесле, которое бы соответствовало новым эстетическим принципам.

Наиболее известная легенда о происхождении кинцуги рассказывает о сёгуне из династии Асикага Ёсимасе (в разных источниках — Ёсимаса, Есимасе, Ёсимицу). Согласно преданию, его любимая китайская чайная чаша была случайно разбита, и он отправил её в Китай для реставрации. Вернувшаяся посуда была исправлена, но мастерами были использованы грубые металлические скобы, что вызвало у сёгуна глубокое разочарование . Он поручил японским ремесленникам найти более эстетичное решение, которое не будет портить внешний вид изделия, но одновременно позволит ему служить дальше . Эта история, хотя и может быть скорее анекдотической, символизирует ключевой момент перехода от механистического подхода к ремонту к художественному. Японские мастера, вероятно, использовали существующую технологию маки-э — роспись на лаке золотом — и применили её для реставрации, создав технику, где трещина сама по себе становится элементом декора.

Существует несколько вариаций этой легенды. Некоторые источники указывают на сёгуна Ёсимицу Асикагу (правил в XIV веке), что смещает время возникновения кинцуги в более ранний период. Другая версия связывает начало практики с недовольством сёгуна Ёсимасы ремонтом его чашки, отремонтированной китайскими мастерами с помощью железных скреп . Независимо от точной биографии сёгуна, общая идея остается неизменной: именно высший японский класс, будь то аристократ или самурай, проявил интерес к ремонту, который был бы гармоничным и красивым. Это свидетельствует о том, что в то время уже существовал культ поврежденных вещей, которые не выбрасывались, а хранились в память о прошлом.

Технологический процесс кинцуги основан на использовании двух ключевых материалов: лака уруси и порошковых наполнителей. Лак уруси получают из сока дерева Rhus verniciflua, которое произрастает в Юго-Восточной Азии, и его производство требует особых климатических условий — теплого и влажного. Основные плантации находятся в префектуре Ниихэме (Нинохе), где сосредоточено около 70% внутреннего производства Японии. Сбор сока проводится с июня по октябрь с деревьев, которым уже исполнилось 10–15 лет . Сам лак в сыром виде токсичен, но после полимеризации (за счет воздействия влаги и тепла) он становится абсолютно безопасным и используется даже в медицине . Для клеящего состава используются различные виды уруси, например, хон-уруши и шин-уруши , иногда смешиваемые с пшеничной мукой и водой для получения нужной консистенции . В качестве наполнителя для придания шву объёма и текстуры используется специальная паста саби-уруси.

Порошки для придания золотого цвета могут быть различными. Традиционно используется порошок из золота (гинцуги), серебра или платины. Золото поставляется в виде тонкого порошка различных размеров (кеши-фун, мару-фун, нобэ-фан), который наносится слоем толщиной от 0,3 до 6 микрон. Однако в последнее время появились и другие варианты, например, порошки из бронзы, латуни или меди. Процесс ремонта очень трудоёмкий и долгий. Он включает подготовку (мытье, пробную сборку), склейку основных осколков, лепку недостающих частей или заполнение швов пастой, нанесение нескольких промежуточных слоев лака и, наконец, нанесение финишного слоя лака и посыпание золотом . Каждый слой должен полностью высохнуть, что может занимать от нескольких дней до недели в специальном сушильном шкафу (муро), имитирующем тропический климат . Из-за этих особенностей изделия, отреставрированные традиционным способом, не рекомендуется использовать для еды или мыть в посудомоечной машине . Эти технологические ограничения привели к появлению современных версий кинцуги с использованием синтетических лаков, которые являются пищевыми и термостойкими, что позволяет создавать не только декоративные, но и функциональные предметы. Тем не менее, аутентичное кинцуги требует настоящего золота и многолетней практики, чтобы достичь мастерства.

Философское ядро

Философия кинцуги неразрывно связана с одним из центральных понятий японской культуры — ваби-саби (wabi-sabi). Хотя это понятие многогранно, в контексте кинцуги оно заключается в принятии и даже почитании несовершенства, непостоянства и следов времени . Ваби изначально относилось к уединенной жизни в сельской местности, к простоте и скромности, а саби — к чувству тоски по прошлому, старению и выветриванию . В абстрактном смысле ваби-саби противопоставляет себя западному стремлению к идеальной симметрии, совершенству и вечной молодости . Кинцуги является прямым визуальным воплощением этой философии: вместо того чтобы скрывать следы утраты и старения, мастер делает их видимыми и украшает их золотом, тем самым превращая беду в богатство . Повреждённый предмет не считается бесполезным или испорченным; он обретает новую, более глубокую ценность благодаря своей истории . Эта идея подкрепляется работами таких мастеров, как Соэн Янаги, который в 1920-х годах развивал теорию «Мингэй» («народное искусство»), прославляя красоту простых, неправильных и повседневных вещей.

Дзен-буддизм оказывает огромное влияние на кинцуги, предоставляя ему духовную основу. Концепция муки (или мушин, «пустой ум») — состояние осознанности и непривязанности, принятия изменчивости бытия — является ключевой для мастера . Мастер, работающий с кинцуги, не должен быть привязан к результату, должен принимать все неожиданности процесса. Ремонт — это не конец жизни предмета, а продолжение его жизненного пути . Кроме того, существует концепция моно-но-аварэ — «чувствования вещей», «тонкой печали по поводу быстротечности жизни» . Эта эмоция позволяет человеку сопереживать вещи, видеть в ней душу и историю, что полностью соответствует подходу кинцуги. Мастер, восстанавливая чашу, работает не только с керамикой и лаком, но и с историей, связанной с этим предметом. Также в некоторых источниках упоминается концепция сиёганай («ничего не поделаешь»), выражающая принятие неизбежного, что также ложится в основу философии кинцуги. Все эти дзен-буддийские идеи создают парадигму, в которой разрушение и восстановление рассматриваются как естественные и даже благородные процессы, а не как поражение.

Эта философия находит своё практическое выражение в самом подходе к реставрации. Вместо того чтобы пытаться сделать ремонт невидимым, мастер создаёт контраст между гладкой поверхностью керамики и золотым швом, который словно выхватывает повреждение на свет. Этот контраст является метафорой человеческой жизни: наши раны, ошибки и трудности не являются недостатками, которые нужно скрывать. Напротив, они формируют нашу личность, делают нас уникальными и сильными. Цитата персидского поэта Руми о том, что «Рана - это место, через которое в тебя входит свет», прекрасно описывает эту идею . Таким образом, кинцуги призывает не скрывать свои «душевные шрамы», а чтить их, поскольку именно через них мы растем и обретаем мудрость . Эта метафора стала особенно актуальной в современной психологии, где кинцуги используется как инструмент для обсуждения личностного восстановления и эмоционального исцеления . Так, психолог Томас Наварро и терапевт Селин Сантини применяют эту модель для помощи клиентам в работе с травмами, показывая, что пережитые боли могут стать источником силы и мудрости . Японская поговорка «Тёсё-ва тансё» («наши сильные стороны — это наши недостатки») также отражает эту глубокую мысль.

Технические разновидности реставрации

Хотя в массовом сознании кинцуги часто ассоциируется с единственной техникой — покрытием трещин золотом, на самом деле существует несколько методов выполнения этой ремесленной практики. Эти разновидности позволяют мастеру адаптировать технику к конкретному повреждению и желаемому художественному эффекту. В большинстве источников выделяются три основные техники, которые можно систематизировать и описать подробнее.

Первая и наиболее распространенная техника — это хиби-но кинцуги (hi-bi no kintsugi), что переводится как «соединение трещин». Этот метод применяется, когда предмет разбит на множество мелких осколков, и основная задача — соединить их обратно в единое целое. Мастер аккуратно склеивает осколки друг с другом с помощью лака уруси, смешанного с золотой пудрой, по всей длине трещины. Получается, что вся линия повреждения покрывается золотом, как если бы трещина была заполнена расплавленным металлом. Этот метод подчёркивает единство личности после пережитых трудностей, показывая, как разрозненные части жизни сливаются воедино.

Вторая разновидность — какэ но кинцуги рэй (kake no kintsugi rei), что можно перевести как «соединение (по типу) мозаики». Эта техника используется в случаях, когда от предмета откололся значительный кусок или целая часть. Вместо того чтобы пытаться точно воссоздать недостающий фрагмент, мастер использует золотой лак для заполнения образовавшейся пустоты . В некоторых вариациях этого метода вместо обычного лака используется золотая эмаль, что создает более объемный и яркий эффект. Эта техника символизирует приемлемость и интеграцию нового опыта, который меняет нас изнутри, но не обязательно заменяет старое полностью.

Третья, более радикальная техника — ёбицуги (yo-bi-tsugi), что означает «стыковка» или «замена». Этот метод применяется, когда от предмета отсутствует слишком много, чтобы его можно было заполнить лаком. В этом случае мастер берет другой фрагмент керамики — возможно, из совершенно другой чашки или вазы, — который отличается по цвету, фактуре или рисунку, и вставляет его на место утерянного куска . Получается своего рода «пэчворк», где восстановленный объект становится уникальным и неповторимым сочетанием разных частей. Этот метод является мощной метафорой трансформации и создания нового целого из разных, порой несовместимых, компонентов. Российский мастер Костя Корка (Корнилов) в одном из своих проектов использовал ёбицуги, заменив потерянную руку скульптуре другой, что демонстрирует, как эта техника может быть применена для создания новых смыслов.

Практические аспекты реставрации кинцуги представляют собой длительный и кропотливый процесс. Как уже упоминалось, после каждого этапа требуется значительное время на просушку в специальных условиях. Это связано с тем, что лак уруси затвердевает не за счет испарения воды, а путем полимеризации, что требует влажности и тепла . После того как все швы склеены и заполнены, изделие проходит несколько этапов шлифовки, чтобы добиться гладкой поверхности перед нанесением золотого слоя. Стоимость ремонта сильно варьируется в зависимости от сложности повреждения, размера предмета и мастерства мастера. Например, в России стоимость может колебаться от 1–2 тысяч рублей за небольшой предмет (отсиделец) до 50–60 тысяч за молочник или чашку из известного дизайнерского дома Икеа. В некоторых случаях стоимость ремонта может превышать цену самой вещи, что подчеркивает ее ценность не как товара, а как уникального произведения искусства с собственной историей . Некоторые люди намеренно разбивают дорогой фарфор, чтобы получить возможность отреставрировать его методом кинцуги, таким образом превращая случайное разрушение в осознанный акт творения и переосмысления.

Кинцуги в современном искусстве и дизайне

Если в прошлом кинцуги было преимущественно ремеслом, практикуемым узким кругом мастеров для реставрации ценных предметов, то сегодня оно стало мощным художественным и коммерческим феноменом. Его философия и узнаваемый визуальный стиль нашли применение в самых разных сферах, от haute couture до интерьера и промышленного дизайна. Одним из ключевых факторов этого превращения стала способность кинцуги говорить на универсальном языке, метафорически выражая такие современные ценности, как экологичность, устойчивое развитие, индивидуальность и принятие несовершенства.

Одним из самых заметных примеров является коммерциализация кинцуги в области дизайна. Итальянский бренд Seletti в сотрудничестве с дизайнером Маркантонио Раймонди Малерба выпустил коллекцию посуды и предметов интерьера в 2025 году, полностью имитирующей технику кинцуги. Здесь золотые «швы» наносятся вручную из 24-каратного золота на целую фарфоровую посуду, создавая декоративный эффект, который символизирует борьбу с перфекционизмом и ценность уникальности . Стоимость коллекции варьируется от 4 300 ₽ за стакан до 44 500 ₽ за набор столовых приборов, что свидетельствует о высоком спросе на этот стиль . Другие компании, такие как Fioranese, производят плитку в технике кинцуги, а студии Forge Creative и 1stdibs создают мебель с элементами реставрации . Этот массовый выпуск товаров в стиле кинцуги является двойственным явлением. С одной стороны, он делает эту эстетику доступной для широкой публики и популяризирует идеи переработки и ценности повреждений. С другой стороны, некоторые эксперты опасаются, что при такой коммерциализации философская глубина и ручная кропотливость оригинальной техники могут быть утрачены.

В сфере современного искусства кинцуги служит мощным источником вдохновения для художников, работающих с темами утраты, соединения и трансформации через разрушение. Художница из Сеула, Йисукинг (Yeesookyung), известна своими скульптурами «Переведённая ваза», где она соединяет разные фрагменты керамики с помощью эпоксидной смолы и золота, обращаясь к тому факту, что в корейском языке слова «золото» и «трещина» звучат одинаково (Geum). Британский художник Билли Бонд создает скульптуры голов людей (Kintsugi Head 2), которые, будучи разбитыми и восстановленными, символизируют исцеление и надежду . Американский художник Глен Мартин Тейлор использует проволоку и пряжу в своих фарфоровых скульптурах (Kintsugi Heart, 2020), чтобы визуализировать сложные и порой болезненные связи между людьми . Интересно, что сама техника маки-э, из которой родилась кинцуги, также находит применение в современном искусстве. Например, в фильме «Звёздные войны: Скайуокер. Восход» шлем Кайло Рена был восстановлен в стиле кинцуги, что подчеркнуло его повреждённость и внутреннюю борьбу.

Помимо скульптуры и дизайна, философия кинцуги находит применение и в других областях. В Киеве в рамках проекта Balbek Bureau был создан салон красоты «Скажи нет Мо», интерьер которого выполнен в технике кинцуги, что символизирует отказ от идеала безупречности. Ресторан Carmina и Pilar в Париже также был отреставтирован в этой технике, превратив повреждения стен и конструкций в часть уникального дизайна интерьера. Таким образом, кинцуги перестал быть просто ремеслом для реставрации керамики. Он стал комплексной культурной метафорой, которую используют художники, дизайнеры и архитекторы для исследования глубоких вопросов о жизни, смерти, восстановлении и преображении. Этот феномен демонстрирует удивительную жизнеспособность и актуальность древней японской практики в современном мире.

Культурное влияние

Кинцуги, зародившись в строгих рамках японской культуры, в XXI веке вышло за их пределы, став международным явлением с глубоким культурным и символическим влиянием. Его популярность во многом обусловлена универсальностью его философии, которая легко транслируется в различные контексты, от бизнеса до личной жизни. Этот процесс перевоплощения демонстрирует, как одна культура может предоставить инструмент для самовыражения и рефлексии для всего мира.

В Японии, где кинцуги имеет свою историческую почву, он популяризируется не только среди художников и реставраторов, но и в повседневной жизни. Например, в Токио есть специальное студия Kintsugi TSUGU TSUGU, которая проводит мастер-классы по кинцуги в районах Асакуса и Эбису, позволяя жителям и туристам попробовать свои силы в этом ремесле. Российский мастер Костя Корка (он же Корнилов), начавший заниматься кинцуги в 2015 году, также способствовал популяризации этой практики на постсоветском пространстве, проводя бесплатный ремонт предметов с наиболее трогательными историями в рамках своего новогоднего конкурса.

На глобальном уровне кинцуги стал символом движения к устойчивому развитию и отказу от одноразовой культуры. В эпоху, когда производство вещей происходит с огромными экологическими издержками, философия кинцуги предлагает альтернативный взгляд: вместо того чтобы выбрасывать сломанную посуду или разрушенные отношения, следует попытаться их починить и превратить ущерб в новую ценность. Этот идеал находит отражение в коммерческом дизайне, как уже упоминалось, и в деятельности некоммерческих организаций. Психология также активно использует метафору кинцуги для терапевтических целей. Психолог Томас Наварро и терапевт Селин Сантини применяют эту модель для работы с клиентами, помогая им рассматривать пережитые травмы и шрамы как источник силы и мудрости. Кинцуги становится метафорой личностного восстановления, призывающей принять жизненные трудности как неотъемлемую часть формирования уникальной личности.

Однако, по мере роста популярности, кинцуги подвергается процессу культурной апроприации и переосмысления. В разных странах и культурах его значение может меняться, адаптируясь к местным реалиям. Например, в США художник Глен Мартин Тейлор использует кинцуги для исследования сложных социальных и личных связей, в то время как в Великобритании Билли Бонд фокусируется на теме исцеления и надежды. В Южной Корее Йисукинг обращается к лингвистическим и культурным ассоциациям, связывающим золото и трещины . В России Костя Корка, будучи выходцем из промышленного альпинизма, придает ремонту дополнительный пласт мужественности и преодоления трудностей. Этот процесс перевоплощения показывает, что кинцуги — это не догма, а живой, развивающийся концепт. Его универсальность позволяет использовать его как каркас для обсуждения самых разных проблем, от экологии до психического здоровья.

Культурное влияние кинцуги огромно. Он стал символом не только японского искусства, но и глобального движения, направленного на переосмысление понятий разрушения, ценности и красоты. Отреставрированная чаша больше не является просто керамикой; она становится рассказом о прошлом, знаком надежды и символом устойчивости. Кинцуги напоминает нам, что несовершенство — это не недостаток, а неотъемлемая часть бытия, а шрамы — это не отметины о прошлых бедах, а дорожные знаки, указывающие путь к мудрости и силе. Этот древний японский секрет превращения потерь в приобретения нашел своё место в сердце современной глобальной культуры, предлагая всем нам, кто когда-либо чувствовал себя разбитым, возможность восстановиться и блеснуть заново.

Пусть и в вашей жизни трещины превращаются в золото 🌟💛

Чайники Асиягама

admin — Tue, 05 Aug 2025 13:23:36 GMT

В японских новостях наткнулся на упоминание чайников Асиягама. Никогда о таких японских чайниках не слышал — и полез разбираться. Оказалось, что я такие чайники на картинках видел неоднократно — просто не обращал на них особого внимания. Ну стоит на очаге посудина — мало ли в Японии таких посудин… А оказалось, что это чайник. Металлический, без носика и знаменитый.

Впрочем, обо всем по порядку.

Асиягама (ашиягама, ашиякама, если угодно — 芦屋釜, короче) — это, буквально, «Чайник из Асия». А Асия — это городок в префектуре Фукуока, где эти самые чайники изготавливали, ориентировочно с середины XIV века и до начала XVII века.

Асиягама — это чугунная кастрюля с крышкой, обычно колоколообразной формы. С двумя проушинами, в которые можно продеть ручки или за которые чайник можно подвесить над огнем. Носика у Асиягамы нет, а чайником она называется (и является) потому, что основное ее назначение — кипятить воду для чайной церемонии.

Если вы помните, в японской чайной церемонии кипяток зачерпывают из кипятильника сверху, специальным черпаком, который называется хисяку. Это чудесное слово, если начать его склонять, то оно становится совершенно русским. «Вон ведро, зачерпни там воды хисякой, да попей». «Он пришел домой, выпил хисяку водки — и начал песни горланить». «Налей-ка мен щец три хисяки, со дна пожиже». «Ну что, мастер, доставай свою хисяку»… Отвлекся, извините.

Так как во время японской чайной церемонии кипяток черпают хисякой, кипятильнику носик не нужен. И если оценивать такой кипятильник по форме, то чайником его назвать не очень получается. Но при этом этот кипятильник кипятит воду для чая — то есть по функциональности это стопроцентный чайник. Так что Асиягама называется чайником совершенно справедливо.

Чугунная кастрюля колоколообразной формы с крышкой и проушинами под ручки. Все очень просто. И вообще не очень понятно, отчего эти чайники так высоко ценятся. Действительно высоко — пишут, что из девяти чайников, причисленных в Японии к особенным культурным ценностям, восемь — Асиягамы.

Бес, как водится, в деталях. Причем в некоторых деталях — реальный бес. Проушины под ручки на Асиягамах часто выполняются в форме голов демонов. Реже — в форме голов животных. Сами чайники обычно покрываются орнаментом или рисунками — но бывают и гладкими. Их форма, проста, элегантна и, что очень важно, композиционна — они прекрасно вписываются практически в любой интерьер. В том числе и в интерьер чайной комнаты. И немаловажную роль в этой высокой композиционности играет отсутствие носика.

Вообще, надо сказать, что лучшие образцы чайников Асиягама обладают характерной чертой всех действительно красивых предметов и явлений — чем дольше на них смотришь, тем больше они нравятся. Собственно этим и отличается красота от прелести. Прелесть всегда зовет за новыми впечатлениями. Красота — нет.

Главная же фишка Асиягамы — тонкостенность и легкость, удивительные для чугуна. Именно эта фишка, скорее всего, и стала одной из причин упадка Асиягам. Нет, там и с объективными причинами все было в порядке, время было неспокойное. Но, кроме всего прочего, чайники Асиягама были сложны в производстве — мне попадалась информация, что доделать до конце удавалась только один чайник из трех начатых. И еще они были недолговечны в обиходе, тоже из-за тонких стенок. Поэтому, кстати, среди сохранившихся чайников Асиягама часто встречаются отремонтированные — например, с замененной нижней частью.

Так или иначе, но с XVII века и до недавнего времени эти чайники не производились. Сейчас, вроде как, поговаривают о восстановлении их производства, но тут пока без подробностей.

В современной же японской чайной культуре эти чайники играют роль, немного похожую на роль старинных самоваров в чайной культуре русской. О них знают, их коллекционируют, старые образцы можно купить тысячи за три долларов, ими любуются, их используют для особенных чаепитий и как тему для разной забавной сувенирки. Пирожные в форме Асиягам делают, например.

И, как и в случае со старыми самоварами и, наверное, с большей частью других эстетизированных обиходных предметов, в массе своей чайники Асиягама не особенно интересны. Тот, что я нашел за три тысячи долларов, мне, например, совсем не понравился — кастрюля кастрюлей. Но лучшие образцы Асиягам прекрасны.

Путевые заметки чайного клоуна

10 невероятно ценных китайских антикварных вещей, обнаруженных случайно

admin — Tue, 08 Oct 2024 14:37:36 GMT

В комедии часто встречается такой прием: если неуклюжий человек заходит в антикварный магазин, он обязательно опрокинет ненадежно стоящую и бесценную вазу эпохи Мин. На протяжении столетий коллекционеры на Западе искали самые редкие китайские антикварные вещи, из которых вазы эпохи Мин являются самыми известными. Поскольку в последнее время Китай переживает экономический бум, цены на китайские произведения искусства резко возросли.

Это привело к многочисленным случаям, когда люди, которые собирались выбросить старый горшок или отдать треснувшую тарелку в лавку старьевщика, внезапно обнаруживали, что на самом деле владеют чем-то стоящим целое состояние. Вот десять случаев, когда китайский антиквариат оказался неожиданной находкой.

1 миллион фунтов стерлингов на чердаке

В доме семьи Майора обнаружена чрезвычайно редкая императорская шкатулка китайского императора

Коллекция, принадлежавшая торговцу антиквариатом майору Эдварду Коплстоуну Рэдклиффу, оставалась нетронутой в течение полувека.

Уборка чердака может стать одной из самых раздражающих задач для любого домовладельца. Там пыльно и полно пауков, а затем вам приходится решать, какие из вещей, которые вы хранили годами, стоит сохранить, а какие следует выбросить на помойку. Однако иногда вы можете просто наткнуться на золото.

Эдвард Рэдклифф стал торговцем антиквариатом как раз перед Второй мировой войной, и за свою карьеру он собрал прекрасную коллекцию китайских антикварных вещей. Некоторые из них были настолько изысканными, что он одалживал их музеям по всему миру. Но по какой-то причине после его смерти эта коллекция была сброшена на чердак и забыта более чем на 50 лет, прежде чем его семья решила ее оценить.

Среди звезд коллекции была эмалированная шкатулка, изготовленная для императора Сюаньдэ династии Мин в 15 веке. Найти ее — феноменальная редкость, так как известно, что в мире существует всего четыре таких вещицы. Семья, должно быть, была рада, когда его оценили в 10 000 фунтов на аукционе. Они, должно быть, были вне себя от радости, когда молоток опустился, и он был продан за 288 000 фунтов стерлингов. С учетом остальной части коллекции, весь лот принес почти 1 миллион фунтов стерлингов.

Винный кувшин, найденный в Великобритании во время карантина

Британцы любят чашку чая, поэтому не редкость найти пожилого родственника, у которого дома хранится один или два чайника. В 2020 году мужчина наконец разобрал вещи, которые его родители хранили на чердаке. Он нашел пластиковый пакет с крошечным металлическим и эмалированным чайником, привезенным из Китая в 1940-х годах его отцом. Он подумал о том, чтобы отнести его в благотворительный магазин. Вместо этого его отнесли аукционисту, который оценил его в 100–150 фунтов стерлингов.

Вскоре стало ясно, что это на самом деле нечто более особенное, чем чайник. Оказалось, что это был императорский винный кувшин, изготовленный для императора Цяньлуна в XVIII веке, и один из трех в мире. В день аукциона девять участников со всего мира соревновались за право обладания крошечным шедевром, и в конечном итоге он был продан за 380 000 фунтов стерлингов.

Владелец, строитель, был в восторге от своего внезапного богатства. На вопрос, что он собирается делать с деньгами, он предположил, что, возможно, купит металлоискатель. С такой удачей, как у него, кто знает, какие сокровища он может найти.

Императорская ваза

Редкая китайская ваза, сделанная для двора императора Цяньлуна, обнаружена на кухне

Знакомство порождает презрение, поэтому то, что мы видим каждый день, имеет тенденцию упускаться из виду. Однажды, когда аукционист посетил дом друга, он заметил, что старая ваза, которая только что стояла у них на кухне, выглядела довольно необычно. Высокая ваза была куплена за несколько сотен фунтов и представляла собой красивый предмет из фарфора, но для владельцев она не была чем-то слишком захватывающим.

Только спустя годы предмет, сделанный при императорском дворе императора Цяньлуна, был выставлен на продажу, и коллекционеры начали волноваться. Богатая синяя ваза украшена золотом и серебром и изображает журавлей и летучих мышей, летящих на фоне облачного неба. Ваза такого возраста, с таким декором и такого размера вызвала переполох, и ее оценили примерно в 100 000 фунтов стерлингов.

Торги были жаркими, и ваза была продана за 1,2 миллиона фунтов стерлингов. Неплохо для старой вещи, засунутой на кухню.

ОЧЕНЬ РЕДКАЯ ИМПЕРАТОРСКАЯ НОМЕРНАЯ ЧАША «ЦЗЮНЬ» С НАРЦИССОМ, ДИНАСТИЯ СОН

Керамика — прочный материал, но ее легко разбить и повредить. Для коллекционеров антиквариата даже самый маленький скол может уничтожить ценность предмета, поэтому большинство сделает все возможное, чтобы защитить свои сокровища. Одна семья унаследовала чашу, принадлежавшую известному коллекционеру китайского антиквариата, но не заботилась о ней так, как ему бы хотелось. Они поставили ее в гостевой комнате, где друзья оставляли свои ключи и монеты, пока они гостили.

Только из любопытства они взяли бирюзовое глазурованное блюдо шириной 9 дюймов (22,9 см) на день открытых дверей на аукционе. Сразу стало ясно, что оно было изготовлено для раннего императорского двора Мин. Этот предмет, известный как чаша для нарциссов, заставил оценщиков дрожать руки, и владельцы с радостью выставили его на аукцион.

Чаша была продана за 240 000 фунтов стерлингов. Будем надеяться, что новый владелец не будет бросать в нее металлические предметы.

Треснувшая "подставка для зонтов"

Иногда нам дарят вещи, и мы не знаем, что с ними делать, но мы все равно храним их по сентиментальным причинам. Одна пара в Англии получила в подарок сине-белую вазу и больше не думала о ней в течение 50 лет. Они отнесли ее в свободную комнату, и поскольку она была примерно подходящего размера, они положили в нее свои зонтики. Само собой разумеется, что это был неправильный способ обращения с вазой.

Оказалось, что ваза была сделана для двора императора Цяньлуна и пережила столетия практически нетронутой. К сожалению, годы использования в качестве подставки для зонтов оставили свой след на вазе, она потрескалась и покрылась царапинами изнутри. Несмотря на повреждения, ее все еще оценивали примерно в 500 000 фунтов стерлингов.

Покупатели, похоже, смогли проигнорировать тяжелую жизнь, которую пережила ваза, и в итоге заплатили 765 000 фунтов стерлингов.

Бесценная ваза династии Мин

Должно быть, в китайских вазах есть что-то такое, что заставляет людей смотреть на них и думать: «Из нее получилась бы отличная подставка для зонтов». Когда эксперту из аукционного дома Christie’s сообщили о большой сине-белой вазе с драконом, которая когда-то была подставкой для зонтов, он спросил у французских владельцев, может ли он осмотреть ее лично. Как только он взглянул на нее, он понял, что ваза является идеальным образцом императорской керамики династии Мин XV века.

Фаза подставки для зонтов в жизни вазы чудесным образом не оставила никаких следов на безупречной глазури. Большой мотив дракона был таким же свежим, как в тот день, когда его расписали императорские мастера. Когда ваза была выставлена на аукцион в Гонконге, оживленные торги привели к тому, что цена достигла 20 447 642 долларов.

Чаша с распродажи

Чаша на распродаже во дворе за 35 долларов продана за 721 тыс. долларов

Все любят выгодные покупки, и нигде вы не сможете так легко найти выгодную сделку, как на распродаже во дворе. Люди пользуются распродажей во дворе, чтобы избавиться от разных вещей, которые они накопили за годы, и обычно просто хотят выбросить их из дома. За 35 долларов вы можете купить симпатичную чашу для своего дома или такую, которая может принести вам состояние на аукционе.

Когда покупатель увидел маленькую сине-белую чашу на распродаже во дворе, она ему так понравилась, что он не стал торговаться из-за ценника в 35 долларов. Почти сразу он заподозрил, что купил что-то особенное, и сообщил об этом в аукционный дом. Выяснилось, что чаша была сделана из фарфора эпохи Мин в начале XV века в форме, называемой чашей-лотосом, — в музеях по всему миру сохранилось всего шесть экземпляров.

Чаша была продана за 721 800 долларов, всего в 29 000 раз дороже, чем была куплена.

Купленная всего за $35 недалеко от Нью-Хейвена, штат Коннектикут, эта небольшая сине-белая цветочная чаша теперь стоит почти в 29 000 раз больше. На ней изображены мотивы лотоса, пиона, хризантемы и граната, и изначально она была заказана императорским двором Китая во времена династии Мин.

Хотя Sotheby's не раскрывает личность продавца, глава отдела китайского искусства Анджела Макатир сообщила: «У нас инстинктивно возникло очень, очень хорошее предчувствие».

При более внимательном рассмотрении артефакт, известный как «лотосовая чаша» из-за своего сходства с бутоном лотоса, оказался при дворе императора Юнлэ, правившего с 1403 по 1424 год — в период, известный своими отличительными и знаменитыми фарфоровыми техниками.

«(У чаши) был невероятно гладкий фарфоровый корпус» и «действительно маслянистая шелковистая глазурь», — сказала Макатир, которая, как она отметила, «никогда не была воспроизведена в будущих правлениях или династиях». В дополнение к яркому кобальтово-синему цвету, добавила она, «она имела все отличительные черты, которые можно было бы ожидать от этих великих заказов периода Юнлэ».

«Загадка»

Во время своего правления император Юнлэ преобразовал фарфоровое ремесло, размещая крупные заказы для своего двора и осуществляя больший контроль над императорскими печами в Цзиндэчжэне, самом важном городе по производству фарфора в Китае.

«Император Юнлэ действительно продвигал художественную значимость фарфора», — сказала Макатир. «Он поднял его из утилитарной чаши, например, в настоящее произведение искусства».

Диаметром чуть более шести дюймов, эта небольшая, но детализированная чаша, вероятно, имела как художественную, так и практическую ценность для двора. Однако Макатир сказала, что очень мало известно о ее происхождении или о том, как она оказалась на распродаже. «Это досадная загадка», — сказала она, добавив, что существует «скудная документация» того периода.

По данным Sotheby's, сохранилось всего шесть других подобных чаш, а другие находятся в таких учреждениях, как Национальный дворец-музей в Тайбэе, а также Британский музей и Музей Виктории и Альберта в Лондоне.

Давая свой совет другим охотникам за фарфором по выгодным ценам, Макатир сказала: «Ищите равновесие и баланс в дизайне... и оцените качество и мастерство, вложенные в него».

Находка была продана на аукционе в рамках «Недели Азии» — серии торгов Sotheby's, на которых представлены артефакты, антиквариат и современное искусство со всего региона.

После продажи Макатир сказал в пресс-релизе: «Результат этой исключительно редкой цветочной вазы, датируемой XV веком, олицетворяет невероятные, уникальные истории открытий, о которых мы мечтаем как специалисты в области китайского искусства... это напоминание о том, что драгоценные произведения искусства остаются скрытыми на виду и ждут, когда их найдут».

Ваза Цяньлун

Секонд-хенды — отличные места для поиска необычных вещей, потому что вы никогда не знаете, что пожертвовали люди. Вы можете купить вещи дешево и также помочь доброму делу. Иногда вы действительно находите что-то особенное.

Один покупатель заметил несколько безвкусную вазу с желтой глазурью и нарисованными на ней китайскими иероглифами. Она была оценена всего в 1 фунт стерлингов, поэтому они решили ее купить. Думая, что она может стоить немного больше, они выставили вазу на продажу на eBay. Однако, когда цена начала стремительно расти, они сняли ее с сайта и показали вазу аукционисту.

Ваза была изготовлена при дворе императора Цяньлуна, и отметка на основании гласила, что она не предназначена для экспорта из страны. Как она оказалась в благотворительном магазине в Англии, неизвестно. На аукционе ваза была продана за 480 000 фунтов стерлингов.

Горшок для кисточек

Секонд-хенды не всегда позволяют ценным антиквариату ускользать из их рук. Волонтерам, которые сортируют пожертвованные предметы, часто дают советы, как заметить потенциально важные предметы и показать их экспертам. Когда один работник благотворительного магазина St. Peter’s Hospice в Бристоле, Англия, взял треснувший старый деревянный горшок, который был передан, и по какой-то причине заподозрил, что он может быть особенным, — несмотря на то, что он не выглядел очень многообещающе.

Горшок оказался горшком для кисточек, который использовался в каллиграфии и был сделан из бамбука около 1700 года, что, возможно, объясняет, почему он был таким треснувшим. На горшке не только была очаровательно вырезана сцена из пейзажа, но и он был создан Гу Цзюэ, одним из выдающихся мастеров по обработке бамбука того времени.

К счастью для благотворительной организации, этот драгоценный маленький предмет не оказался на их полках и не был продан за гроши. Она была продана на аукционе за 360 000 фунтов стерлингов, что намного превысило оценку в 15 000 фунтов стерлингов.

Императорская китайская ваза, найденная на французском чердаке

Если этот список не поможет вам, он должен заставить вас задуматься о том, чтобы очистить свой чердак. Самый яркий пример сокровища, таящегося на чердаке, произошел во Франции и касается одной из лучших китайских ваз, когда-либо выставленных на продажу.

Аукционист Sotheby's мог упустить это открытие, поскольку владелица вазы просто отправила им электронное письмо, в котором говорилось, что она нашла на своем чердаке некоторые азиатские предметы, готовясь к переезду, но не сможет отправить им никаких фотографий. Некоторые другие детали, которые она предоставила, предполагали, что они могут быть достойны внимания, поэтому они пригласили ее принести их. По дороге в метро она несла вазу в коробке из-под обуви. Владельцы отправили ее на чердак, решив, что она «слишком розовая» на их вкус.

Ваза с ее анималистическими мотивами была настолько прекрасна, что даже если бы она была копией того, на что она была похожа, она все равно могла бы стоить €100 000. Однако эксперты признали ее подлинной. Это действительно была ваза, сделанная ко дню рождения императора Цяньлуна и оцененная на аукционе в €700 000. Она пролетела мимо этой отметки, когда начались торги, и в итоге была продана за €16 182 800.

Были ли куклы Кокэси прототипами Hello Kitty и Pokemon?

admin — Wed, 06 Dec 2023 21:49:53 GMT

На фото: Куклы кокэси в стиле Кидзияма от Икуо Накакавы, работающего в префектуре Акита.

Мастер кокэси в стиле Дзао Икуо Оказаки рисует голову большой куклы кокэси в своей студии в Дзао Онсэн.

Недалеко от Сан-Франциско в 1960-х годах куклы кокэси воспринимались с китчевыми сувенирами, продаваемыми в Японском чайном саду в парке Золотые Ворота, а также с стройными рядами одинаковых деревянных фигурок без конечностей, выстроившихся вдоль полок туристических магазинов.

На взгляд американского мальчика, куклы кокэси не вызывали особого интереса, главным образом потому, что их изящно раскрашенные, цилиндрические формы казались плохо подходящими для любимых детских игр — катания «любимого» грузовика Тонка вверх и вниз по склону в грязи за нашим домом. В моих руках кукла кокэси ручной работы не выжила бы и дня.

Манами Оказаки выросла в Австралии, почти так же далеко от страны кукол кокэси, как и я (Сан-Франциско и Сидней находятся в 5000 милях от Токио, плюс-минус несколько сотен). Но в отличие от меня, Оказаки всю жизнь увлекалась и любила куклы кокэси, страсть, которая наполняет каждую страницу ее недавней книги «Японские куклы кокэси: деревообработка и культура знаковых кукол Японии» (Tuttle, 2021). Действительно, любовь к куклам кокэси практически заложена в ее ДНК.

«Моя мать родом из региона Тохоку», — рассказывает мне Оказаки, имея в виду ту часть Японии, которая занимает северную треть Хонсю, крупнейшего острова страны. «Я посещала Японию во время летних каникул по шесть недель, и во время этих каникул мы ездили в Тохоку, чтобы увидеться с бабушкой и дедушкой».

В 2011 году Тохоку получил нежелательную международную известность после того, как подводное землетрясение вынесло на берег стену соленой воды высотой 20 футов, затопив более 200 квадратных миль прибрежной Японии, включая семейный дом матери Окадзаки. Цунами также охватил ядерный реактор Фукусима-дайити, частичная авария которого привела к эвакуации около 150 000 человек на десятки миль вокруг.

До цунами Тохоку был более известен своими горнолыжными курортами и горячими источниками, или онсэнами, которые живописно расположены в густых лесных горах региона.

Именно там в середине 19 века впервые начали производить куклы кокэси, скорее всего, они произошли от глубоко укоренившихся в этом районе традиций обработки дерева. Первоначально торговля кокэси в 19 веке была ориентирована на японских сельскохозяйственных рабочих, которые зимой после весны, лета и осени посещали бодрящие воды онсэнов в Наруко, Цутию и Тогатте после тяжелого труда на полях. Имея скромные средства, эти рабочие, тем не менее, покупали кокэси, чтобы привезти их домой своим детям и внукам.

«Я познакомилась с кокэси благодаря связи семьи моей матери с Тохоку. Во время моих летних каникул мы ездили в деревни с горячими источниками, где изготавливали кокэси, просто чтобы посмотреть на них. После катастрофы я довольно часто возвращался в Тохоку в качестве журналиста. Кокэси стал своего рода талисманом региона. Так что эта детская игрушка, это воспоминание из моего прошлого внезапно снова вышли на первый план моего сознания».

Первой книгой Окадзаки о куклах кокэси была книга «Кокэси: Из Тохоку с любовью» (Kingyo, 2013), в которой были собраны средства для ряда организаций по оказанию помощи жертвам цунами.

В книге «Японские куклы кокэси» Оказаки углубляется в историю и производство кокэси, определяет 12 традиционных стилей, затрагивает качества дерева, берет интервью у мастеров кокэси, или кодзинов, которые открывают свои мастерские для посетителей, и исследует работу нескольких современных кодзинов, чьи кокэси включают в себя все: от традиционных японских элементов, таких как кимоно, до иконографии международных мегабрендов, таких как Hello Kitty и Star Wars.

Мы узнаем, например, что кизил, или мизуки, является одним из нескольких предпочтительных пород дерева для кокэси, а для некоторых других — клен. Ветки этих деревьев срезают, зимой снимают кору, а затем оставляют сушиться в открытых сараях на срок до двух лет.

«Когда вы едете по Тохоку, — говорит мне Окадзаки, — вы можете определить, готовит ли кто-то кокэси, по размеру дровяного сарая».

Основным инструментом кодзина является токарный станок, или рокуро, который используется в Японии по крайней мере с 9 века. Ранние токарные станки приводились в движение веревкой, которая была обернута вокруг вала, прикрепленного к куску кизила, вишни или дзельковы, над которым работал кодзин. Когда ученик кодзина тянул веревку взад и вперед, токарный станок поворачивался в одну сторону, а затем в другую, а это означало, что кодзинам приходилось делать разрезы короткими, повторяющимися очередями. Такие станки с возвратно-поступательным движением с ручным приводом, как их называют, были в основном заменены в 1890-х годах станками с педальным приводом, которые освободили учеников кодзина для выполнения других задач, таких как ковка железных инструментов, или хамоно, используемых для обработки детали из сухого кизила.

Так кусок дерева превращали в красивую цилиндрическую куклу кокэси. Что еще более важно, токарные станки с педальным приводом постоянно вращались в одном и том же направлении, что сделало эти простые станки предшественниками прецизионных электрических токарных станков, используемых кодзиноами сегодня.

Токарные станки также используются для покраски, создавая токарные линии на многих стилях кокэси. Эти декоративные горизонтальные полосы иногда наносятся на плечи и основания кукол, обрамляя нарисованные вручную традиционные узоры, такие как хризантемы, на теле куклы. В других стилях кокэси токарные линии являются единственным украшением фигурки, за исключением нарисованных вручную минималистских деталей, которые тонко оживляют лицо куклы.

«Поскольку кокэси такие скудные, они развивают ваше воображение. В отличие от современных кукол, таких как Барби или Ликка-тян, ее эквивалента в Японии, вы можете создавать свои собственные истории о кокэси. Когда я играю в видеоигры, это невероятно. Графика потрясающая, вы можете погрузиться в целые миры, но воображению ничего не остается».

Для некоторых эти рассказы — чистая поэзия.

«Я взял интервью у владельца магазина кокеши в Камакуре. Он сравнил кокэси с хокку, потому что оба они очень минималистичны и просты. В хокку достаточно нескольких строк, чтобы разжечь воображение».

Точно так же пара параллельных черных дуг может стать глазом и бровью, а одинокой красной точки может быть достаточно, чтобы обозначить рот. Мотивы взяты из многовековых традиций и техник декоративного искусства, например, использование быстрых мазков кисти суми для обозначения волос.

Кокэси и его традиционная эстетика появились на сцене в поворотный момент японской истории. В 1867 году, примерно в то время, когда японские фермеры начали привозить домой кукол кокэси из Тохоку для своих детей, период Эдо закончился. Это открыло границы Японии миру, что, в свою очередь, вызвало экономическое цунами западного «прогресса», прокатившееся по островному государству.

«После этого Япония очень изменилась. В период Эдо стандартной одеждой были кимоно. Но в последовавшую за этим эпоху Мэйдзи у многих японцев появилось своего рода стремление к Западу: от ношения западной одежды до чтения западной литературы».

Перед лицом таких тенденций Кокэси оставался упрямым японцем, своего рода оплотом как против влияния западной эстетики, так и против проникновения западных идей вокруг индустриализации, особенно когда речь шла о достоинствах специализации рабочих в производстве. Кодзины продолжили свою многовековую практику ученичества, в ходе которой будущих кодзинов учат тому, как выбирать древесину, сушить ее, изготавливать инструменты для придания ей формы, делать кисти для рисования, а затем использовать эти кисти для достижения художественного эффекта. Такое упрямство оказалось полезным для кокэси, которое преодолело волну негативной реакции против массового производства и вызвало интерес к народным ремеслам.

«Некоторые люди в эпоху Мэйдзи начали тосковать по вещам, пропитанным определенной энергией ручной работы».

Кокэси были, несомненно, милыми, тип «приглушенной» милашки, известный как сибу каваи.

«Каваи, культура привлекательности, вероятно, является доминирующей эстетикой поп-культуры на данный момент. На моей банковской карте есть Hello Kitty. Вы видите автобусы в форме медведей или панд, самолеты в форме собак. Это бесконечно. Но сибу кавайи — это своего рода милашка, которая мила в другом смысле — милашка в стиле ретро или старой школы».

Другими словами, уровень милости, который не вызовет у вас диабета...

«Я написала книгу о культуре каваи, разговаривая с дизайнерами игровых компаний, чьи работы на 100 процентов максимально симпатичны. Они сказали мне, что если ты действительно хочешь увидеть корни каваи, тебе следует узнать кокэси».

С натяжкой, если вам интересно, что общего может быть у куклы кокэси с Пикачу, но сходство связано не столько с украшениями на формах, сколько с полезностью самих форм для множества вариаций.

Коллекционеров кокэси привлекают эти вариации, а также их недостатки.

«Одним из качеств японского и западного ремесла является ценность, придаваемая несовершенствам. По сути, несовершенство — это доказательство того, что что-то было сделано вручную. Глаз одной куклы может быть немного ниже, чем у другой. Всегда есть элемент, который немного не соответствует действительности, но это часть привлекательности».

Автор Ben Marks

Антикварная ярмарка в Киото "Kyoto Antique Fair"

antikvarius — Wed, 23 Mar 2022 21:10:18 GMT

Три раза в год, весной летом и осенью, в Киото уже более 20 лет проходит крупнейшая антикварная ярмарка Западной Японии. На Kyoto Antique Fair съезжаются около трех сотен продавцов со всей страны.

25- 27 марта 2022 г. состоится 82-я ярмарка при поддержке Ассоциации туризма города Киото.

Здесь найдёте уникальные предметы старины не только из Японии, но и из других стран Азии и Европы.

Организатор ярмарки компания Gomedo Co., Ltd. проводит крупнейшее мероприятие антикварного искусства в западной Японии — «Ярмарку антиквариата Университета Киото».

У нас солидный послужной список дорогих покупок.

Гомедо тщательно оценит каждый предмет, будь то антиквариат и произведения искусства или реликвии.
Даже предметы, которые считаются бесполезными, могут быть предметом дорогих покупок.

Они тщательно проверяют все выставленные на продажу артефакты, так что риск нарваться на подделку минимальный.

Добираться до места проведения ярмарки очень удобно на бесплатном автобусе от станции метро Takeda.

Вход на выставку бесплатный.

Официальный сайт антикварной ярмарки

Фото zajcev-ushastyj.livejournal.com

Самурайский парад Сингэн-ко мацури

antikvarius — Wed, 09 Feb 2022 10:21:36 GMT

В апреле в городе Кофу префектуры Яманаси можно побывать на крупнейшем в мире параде самураев.

В 2022 году пройдет уже 49 "Фестиваль Синген-ко Леди Сандзё" , посвященный женщинам-воинам и женам Сандзё.

На улицы городка выходят более полутора тысяч человек в традиционных боевых доспехах 16 века.

Парад Сингэн-ко отмечает день памяти Такеды Сингэн – легендарного японского полководца, жившего почти полтысячелетия лет назад. После парада возле посвященного ему храма проходит реконструкция великой битвы при Каванакадзиме.

В масштабном шествии, входящем в книгу рекордов Гиннесса как крупнейшее собрание самураев на планете, может принять участие любой желающий, приглашаются и женщины, и мужчины ростом до 155 см.

Для участия нужно оставить заявку на сайте организаторов и заплатить от 7 до 12 тысяч иен (около 7 тысяч рублей). А просто посмотреть, разумеется, можно бесплатно.

Официальная страничка фестиваля

Матрёшка и кокэси - часть культуры России и Японии

antikvarius — Fri, 23 Oct 2020 16:27:01 GMT

В России и Японии есть очень популярный сувенир — русская деревянная кукла матрешка и японская кокэси, известные во всем мире достаточно давней историей. По неподтвержденным данным, они имеют родственную связь.

Во множестве источников, без документальных свидетельств, говорится, что в Россию из Японии была привезена забавная деревянная кукла Фукурокудзю — бог богатства, счастья и долголетия из пантеона семи богов счастья (ситифукудзин), где фигурки лысого старичка вкладывались одна в другую. Она якобы и послужила источником вдохновения для создания первой матрешки.

Считается, что первая матрешка выполнена в московской мастерской «Детское воспитание», созданной для сохранения русских народных традиций. Токарь Василий Звездочкин выточил деревянную заготовку, где куклы вкладывались одна в другую, образуя целое «семейство».

Принято считать, что расписал первую деревянную заготовку художник Сергей Васильевич Малютин (1859–1937), но такого эскиза в его творческом наследии нет. Первая русская матрешка была 8-местной, изображала мать и семерых детей. Традиционный платок на голове, милое доброе лицо, яркие краски росписи — эти черты облика стали отличительными чертами самого популярного русского сувенира, ведущего свое происхождение с конца XIX в. Теперь этот образец хранится в музее игрушек в Сергиевом Посаде (ил. 1). До конца 90-х гг. XIX в. матрешки изготавливались в московской мастерской «Детское воспитание», а после того, как ее закрыли, производство матрешек было налажено в мастерских Сергиева Посада под Москвой.

На раннем этапе создания и развития техники матрешки представляли как женские, так и мужские образы. В них нашли отражение облик членов многочисленных семей, исторические и сказочные персонажи. Первые матрешки Сергиева Посада были нарочито простыми, но в этой простоте заключалась особая выразительность, характерная для народного искусства. Дальнейшему поиску изобразительного стиля матрешки способствовали иконописцы из Сергиева Посада. Соединение раннего типа матрешек из Сергиева Посада с традицией местной иконописной школы дали интересные результаты и способствовали расширению и обогащению палитры изобразительных средств полюбившегося всем сувенира.

Матрешку можно разделить на традиционную и авторскую, современную.

Традиционная сохраняет (или стремится сохранить) исторические черты народной игрушки тех мест, где ее изготавливали, например, семеновская матрешка. Всем известны не только ее традиционная форма, имеющая определенные пропорции фигуры, но и яркость росписи, особый колорит очень ярких, «светящихся» контрастных цветов: желтого, фиолетового, красно-розового и зеленого с дорисовкой черной линией. Отличаются они величиной и «вместимостью», сколько кукол меньшего размера помещается в наружную, самую большую. Семеново — один из старейших центров традиционного ремесла. Исторически поселок Семеново был окружен лесами, древесина использовалась для производства бытовых изделий. Некоторые мастера делали деревянные игрушки для детей.

Первую семеновскую матрешку создал Арсентий Майоров. Он был известен как умелый мастер, изготавливающий деревянную посуду и игрушки, пользовавшиеся большим спросом у населения. В 1924 г. Майоров привез с ярмарки, проходившей в Нижнем Новгороде, деревянные заготовки матрешки, которые и были расписаны в особой манере. Роспись отличалась своей яркостью и самобытностью. И уже в 1931 г. в поселке была создана артель, которая изготовляла различные сувениры, в том числе и матрешки. Уникальный облик семеновской матрешки складывался постепенно, прежде, чем стать неповторимым, узнаваемым стилем. Ему присуща особая декоративность и яркость. В цветовой палитре доминирует желтый, красный, зеленый и фиолетовый. Детали прорисованы черной живой линией. В росписи используются «светящиеся» анилиновые красители; после росписи матрешку покрывают лаком.

Технологически сначала прорисовываются очертания лица, наносятся румяна на щеки, затем рисуется юбка, фартук, платочек и руки. В центре фигуры, на фартуке — букет цветов, имеющих свою, узнаваемую, отличимую от других форму. Вся роспись производит впечатление очень живой, смелой, выполненной «на одном дыхании». Черты лица неповторимы, это всегда узнаваемый женский образ с характерными элементами (разрез глаз, брови, губы «бантиком», румянец на щеках). Лицо всегда приветливое, не злое и не хмурое. Его черты отражают основные свойства характера русской женщины, матери и гостеприимной хозяйки: доброта и приветливость, чадолюбие. В настоящее время именно семеновская матрешка широко распространена на рынке как традиционная русская матрешка. Другие виды и стили традиционных матрешек, представлены только на региональных рынках, но повсюду продаются подделки под региональные стили, зачастую очень грубые, а порою и вульгарные, наспех сделанные неумелой рукой.

Другой популярной традиционной матрешкой является полхов-майданская, созданная в селе Полхов-Майдан, который находится в 240 км юго-западнее Нижнего Новгорода. Первая полхов-майданская матрешка была сделана в 30-х гг. XX в.

Этот вид матрешки отличается формой и пропорциями. Они более вытянутые, с небольшой «уплощенной» головой. Роспись смелая, яркая. В элементах росписи присутствуют цветы, плоды и ягоды, которые растут в этом районе. Они стилизованы, но при этом вполне узнаваемы: георгины и розы, колокольчики, ромашки и шиповник, которые можно видеть в палисадниках сельчан.

Историю матрешки делят на три больших периода: первый — 1890–1930-е гг., второй — 1930-е — начало 1990-х гг., третий — начало 1990-х гг. до настоящего времени. Конечно, это разделение очень условно и внутри каждого периода существует своя периодизация разных школ и стилей создания матрешек.

Самыми известными историческими центрами по изготовлению традиционных матрешек являются: Сергиев Посад, Полхов-Майдан, Семенов, Вятка. Заготовки для росписи матрешек делаются, как правило, из липы, осины и березы. Древесина для изготовления качественной заготовки должна быть предварительно хорошо высушена.

В настоящее время на рынке широко представлена авторская матрешка. Художник, не стремящийся сохранить черты традиционной матрешки, в меру вкуса, таланта и умения, создает образы, взятые из современной жизни и литературы. Спектр разнообразия образов и колорита очень велик. Есть и персонажи узнаваемых политиков, космонавтов, героев известных мультфильмов и т. д. Неизменной остается привязка к традиционной форме матрешки. Среди этих авторских матрешек не так велик и разнообразен выбор тех, которые хоть как-то можно отнести к сфере художественной культуры. Их художественные достоинства весьма и весьма сомнительны. Возможно оттого, что у мастеров по созданию традиционной матрешки, существовали семейные традиции передачи умений и навыков, своеобразный «кодекс чести» не только мастера, но и членов его семьи или творческой мастерской. А на авторской матрешке далеко не всегда ставится имя мастера, да и занимаются этим, зачастую, дилетанты, а не профессионалы, задачей которых является сбыт «товара», а не профессиональная репутация.

История японской кокэси

Много поучительных примеров поиска новых художественных средств в создании традиционной сувенирной куклы, и требовательного, серьезного отношения к качеству как самого сувенира, так и его фирменной упаковке, можно видеть на примере японской кокэси.

История японской кокэси насчитывает более 200 лет, кокэси возникли в середине периода Эдо (1603–1867). Кокэси — деревянные куклы, состоящие, как правило, из круглой головы на цилиндрическом туловище. Бывают неразъемные и разъемные формы. Выполняются из различных пород дерева, зачастую из камелии.

В зависимости от места изготовления, по разному решается конструкция крепления головы к туловищу и вид росписи.

У специалистов нет единого мнения о происхождении кокэси.

Одна версия происхождения куклы — печальная. По ее трактовке кокэси является своего рода поминальной куклой. Такую куклу ставили в крестьянских домах, когда избавлялись от лишних новорожденных, как правило, девочек, которых не могли прокормить.

Но есть и другая, более оптимистическая версия происхождения: кукла была создана в районе горячих источников в память о том, что на них вылечилась от бесплодия жена сегуна.

Во всяком случае, родиной кокэси считается префектура Мияги, район знаменитых курортов с горячими источниками. Именно там, в городе Наруко, в начале сентября проходит Фестиваль кокэси. Съезжается большое число художников, создающих кокэси, коллекционеров со всей страны и просто почитателей этой самой популярной сувенирной куклы. В городе есть музей истории кокэси, проходит выставка — конкурс новых кукол, созданных за прошедшее с прошлого Фестиваля время, проводится церемония их освящения в местном синтоистском храме.

Кокэси имеет свои неповторимые черты обаяния национального облика, формы и росписи.

Заготовка для кокэси делается также из дерева, ее вытачивают на токарном станке. Дерево, наряду с бумагой, глиной, металлом, бамбуком и тканью является одним из излюбленных традиционных материалов.

После росписи водорастворимыми красками кукла покрывается воском и полируется. Рисунок росписи, как правило, представляет собой чередование полос, цветных или черно-белых, и стилизованных цветов. Чаще всего это хризантемы. Цвета росписи традиционных кукол — красный, зеленый и черный, иногда желтый и фиолетовый.

На информации, которая вкладывается в упаковку с кокэси, владельца сувенира предупреждают, что кукла боится прямых солнечных лучей и воды. Кроме художественных достоинств самой куклы, стоит обратить внимание, что кокэси, будь это традиционная или современная авторская, тщательно упакована. На нижней части цилиндрического туловища стоит авторская подпись, кукла положена в деревянную или картонную коробку. На рисунке упаковочной бумаги традиционных кукол рассказана вся история их создания, от подготовки дерева до конечного этапа росписи. Не только к художественным достоинствам кокэси, но и к их упаковке отношение очень серьезное и ответственное. Продать кокэси без соответствующей, качественной, брендовой упаковки — невозможно. Красивая упаковка — свидетельство уважения к покупателю и самому товару.

Кроме традиционной деревянной куклы на современном рынке широко представлены авторские кокэси. Известные художники и дизайнеры работают над созданием кокэси, не связанных с региональными традициями. В их изготовление вкладывается большая творческая фантазия, вкус и мастерство.

Коллекции, объединенные одной темой, отличают разнообразие формы и пластики, богатство фактуры и цвета, часто отражающего природные сезоны, уникальные детали, размер и пропорции. Каждый мастер стремится создать свой неповторимый стиль, добиваясь выразительности образа через простоту и поэтичность, умение творчески использовать каждый штрих, каждую деталь, узнаваемые символы и знаки декора (сосна, сакура, листья японского клена момидзи, бабочка и т. д.), исключающих вульгарность, преувеличенную яркость и некачественное исполнение.

Современные кокэси бывают мало похожи по декору и форме на традиционные, но они неизменно сделаны из дерева, которое используется во всем богатстве свойств природного материала, его текстуры и фактуры.
Японская культура строится на устойчивом фундаменте вековых традиций. Она обладает высокой степенью приспособления к изменениям условий современной жизни и способности усваивать достижения других культур, успешно совмещая традиционные ценности культуры и вновь приобретенные.

Взаимоотношение старого и нового является одной из актуальных проблем современной культуры. Возможно ли найти форму развития традиций, сохраняющую устойчивые черты «памяти прошлого» и отвечающую современным потребностям общества. Конечно, в полной мере это относится и к сувенирам, где узнаваемые черты национальных традиций дополняются новыми формами, технологией и образами.

Достижение равновесия старого и нового, традиционного и современного, ручного и машинного, естественного и искусственного, и еще массой всяких противоположностей, составляющих богатый арсенал средств и образов современной культуры, частью которой является сувенирная продукция. Разъезжаясь по всему миру, часто именно сувениры, как «небольшой памятный подарок», становятся тем знаком идентификации места, города, страны, по которому их узнают, помнят и оценивают.

Литература
1. Григорьева Т. П. Красотой Японии рожденный. — М. : Искусство, 1993. — 464 с.
2. Журавская Т. М. Стремление к совершенству : очерки о традиционном ремесле и современном дизайне Японии». — СПб. : Сова, 2009. — 160 с.
3. Молодяков В. Э., Молодякова Э. В., Маркарьян С. Б. История Японии. XX век. — М. : ИВ РАН : КРАФТ+, 2007. — 528 с.
4. Japan crafts sourcebook : a guide to traditional handmade objects / introd. by D. Durston. — Tokyo : Kodansha International, 1996. — 207 p.

Журавская Татьяна Михайловнаиз

материалов IV Всероссийской национальной
научно-практической конференции
"ОБРАЗ, ЗНАК И СИМВОЛ СУВЕНИРА",
15 ноября 2018 г.

«Энциклопедия Юнлэ» продана на аукционе за 8,12 млн евро

antikvarius — Thu, 30 Jul 2020 13:47:34 GMT

Два тома (четыре свитка) сокровища древней классики династии Мин «Юнлэ Дадянь» («Энциклопедии Юнлэ») были проданы 7 июля на парижском аукционе за 6,4 млн евро, а окончательная цена сделки вместе с комиссией составила 8,12 млн евро. Покупателем столь дорогой коллекции стала китаянка.

Два тома «Энциклопедии Юнлэ» были представлены на аукционе художественных произведений Азии, организованном французским аукционным домом Beaussant Lefèvre. На аукционе всего было выставлено 277 лотов, главным образом фарфоровые изделия, статуи Будды, произведения каллиграфии и живописи, среди которых наибольшее внимание привлекли данные два тома редкой рукописной копии «Энциклопедии Юнлэ», переписанной в период Цзянцзин династии Мин.

«Энциклопедия Юнлэ» была составлена в период Юнлэ династии Мин. Первоначальным названием издания было «Вэньсянь Дачэн». Главными составителями шедевра стали Се Цзинь, Яо Гуансяо и т. д., которые потратили шесть лет (1403-1408 гг.) на составление и редактирование данной классики.

Книга содержит 22877 свитков, среди них 60 свитков - каталоги и предисловия, которые делятся на 11095 томов, в общей сложности около 370 млн китайских иероглифов. Таким образом, в «Энциклопедии» было собрано 7000-8000 видов древних книг. Версия, отредактированная в период Юнлэ династии Мин, была оригиналом, а версия, переписанная в период Цзянцзин, была копией. Однако оригинал «Энциклопедии Юнлэ» уже исчез, и не осталось доказательств того, что он существует в мире. Копию также неоднократно утрачивали.

По состоянию на настоящий момент, было обнаружено всего чуть более 400 томов «Энциклопедии Юнлэ», включающих более 800 свитков и отдельные страницы, которые находятся в музеях или у коллекционеров многих стран и регионов.

Дэн Цзе、«Жэньминь жибао»

Коллекционеры открыли в Пекине частный музей

antikvarius — Thu, 30 Jul 2020 13:40:57 GMT

X Museum Майкла Сюйфухуана и Терезы Цэ наконец-то заработал в столице Китая

Экспозиция «С чего начнем?» (открыта до 13 сентября) преподносится как первая триеннале современного искусства. В числе ее 33 участников — как молодые таланты, так и более известные имена вроде Чэн Жаня и Мяо Ин. На ней представлены разнообразные гендерные и сексуальные идентичности, что необычно для групповых выставок в Китае.

Следующей, в соответствии с международным видением составленной владельцем музейной программы, станет экспозиция норвежского художника Ингве Холена.

Двухэтажное экспозиционное пространство площадью 2,4 тыс. кв. м находится на территории новой застройки в пекинском районе Чаоян, где в будущем могут появиться и другие художественные площадки. Первоначальную стоимость открытия музея в размере $1,5 млн покрыли его основатели; дополнительное финансирование ожидается от попечительского совета, клуба меценатов, спонсоров, а также в виде прибылей от магазина, кафе и ресторана, которые будут работать при музее. Частные собрания Майкла Сюйфухуана и Терезы Цэ, насчитывающие в общей сложности около 450 произведений искусства, как пояснил коллекционер, «объединятся под эгидой музея».

Майкл Сюйфухуан и Тереза Цэ (26 и 27 лет соответственно) собираются представлять не только художников, но и вообще людей различных творческих профессий своего поколения, в том числе дизайнеров, архитекторов, ученых и музыкантов. Чтобы эффективнее привлекать аудиторию «миллениалов», у музея будет собственный маскот-талисман Lil X, а цена билетов составит демократичные 50 юаней ($7).

Лиза Мувис

Южная Корея активно занялась возвращением артефактов из зарубежья

antikvarius — Thu, 30 Jul 2020 13:18:39 GMT

Государственные структуры Южной Кореи стали активно выяснять, какие объекты культурного и исторического наследия Кореи находятся за границей и пытаются добиться их возвращения. В ход идут различные способы: выкуп на аукционах, приобретение у частных коллекционеров, убеждение с целью получения на основе добровольной передачи, а также, при необходимости, и возврат путем инициирования судебных разбирательств.

Как сообщило англоязычное издание The Korea Times, которое ссылается на статистику Корейского фонда зарубежного культурного наследия (КФЗКН), по состоянию на 1 апреля фонд выявил около 193 тысяч корейских артефактов, которые находятся в 21 стране мира.

Больше всего разного рода исторических и культурных объектов находятся в Японии, на которую приходится 42 процента от всего количества, или почти 82 тысячи объектов. На втором месте США - 27,5 процента, затем идут Китай (6,7 процента) и далее Германия и Великобритания.

КФЗКН - одна из нескольких государственных структур РК, которые ведут работу по возвращению корейских памятников на историческую родину. Это осуществляется самыми разными способами: скупкой через аукционы или у коллекционеров, для чего есть соответствующий бюджет, переговорами с обладателями артефактов, когда владельцев пытаются убедить в качестве жеста доброй воли передать Корее объекты. А если есть основания полагать, что тот или иной памятник был вывезен из Кореи и присвоен незаконно, то тогда к работе подключаются юристы и пытаются вернуть культурное наследие через суд.

"Далеко не все находящиеся за границей объекты культурного и исторического наследия Кореи были вывезены незаконно. Хватает и тех случаев, когда иностранцы получали что-то в подарок или сами покупали…

К каждому случаю мы подходим индивидуально, пытаясь определить настоящую историческую ценность объекта и выяснить то, как он оказался за границей…

Конечно, отнюдь не все объекты мы можем вернуть в Корею, потому мы активно и работаем с самыми разными экспертами", - заявил представитель КФЗКН, комментируя их работу по возвращению корейского культурного наследия.

Часто фонд сам объявляет о намерении приобрести артефакты Кореи, пытаясь найти тех коллекционеров, кто готов на возмездной основе передать часть их собраний. Только в этом году на эти нужды фонд получил финансирование из госбюджета на уровне 5,7 миллиарда вон, или почти пять миллионов долларов.

Другое направление работы - помощь в реставрации и восстановление корейских памятников за рубежом. Если не получается по тем или иным причинам вернуть объекты, то госструктуры РК стараются, чтобы артефакты хотя бы были в хорошем состоянии и готовы выделять на это деньги иностранным партнерам.

Еще одно направление - организация и проведение в Корее временных выставок "прописавшихся" за рубежом корейских артефактов.

Среди последних успехов работы КФЗКН - приобретение в начале июля редкой перламутровой шкатулки эпохи королевства Корё (начало Х - конец XIV вв. н.э.) у частного японского коллекционера. В июне же корейцам удалось добиться возвращения из Музея искусств Лос-Анжелеса буддийской картины, которую незаконно вывезли американские солдаты в годы Корейской войны 1950-1953 гг. Картина первоначально хранилась в храме Синхынса недалеко от Сокчхо и теперь передана буддийскому ордену Чоге Кореи, к которым принадлежит упомянутый храм.

"Если объекты культуры и истории были украдены или взяты иным незаконным путем, то мы добиваемся их возвращения. Если же они попали за границу без нарушений, то могут там оставаться, помогая тем самым рассказывать о богатом культурном наследии Кореи", - отметили в Корейском фонде зарубежного культурного наследия.

Олег Кирьянов (Сеул)

Выставка «Кимоно: становление символа» в Токио

antikvarius — Thu, 16 Jul 2020 16:24:36 GMT

Первая столь масштабная выставка, посвященная истории кимоно, и первая крупнейшая экспозиция текстиля в Токийском национальном музее за последние 47 лет. На выставке прослеживается вся восьмисотлетняя история кимоно, а также его влияние на современный мир моды.

Посетители могут увидеть некоторые из лучших сохранившихся на сегодняшний день текстильных изделий, а также картины, гравюры и другие произведения искусства, находящиеся в коллекциях в Японии и во всем мире. Подобная выставка – это уникальная возможность рассмотреть прошлое, настоящее и будущее этого повседневного и вместе с тем культового предмета японской одежды.

Среди уникальных экспонатов выставки представлены кимоно, созданные художником по текстилю Итику Куботой. Кураторами Токийского национального музея отобраны 16 работ мастера — одна из самых первых, выполненных в технике «цудзигахана», и 15 кимоно из панорамной коллекции «Симфония света» - коллекции, включающей композиционно связанные кимоно с изображением сезонных пейзажей, создающих своеобразную панораму.

Фаттах Шодиев, основатель Международного Фонда Шодиева, прокомментировал это событие: «Мы гордимся тем, что работы Итику Куботы являются частью этой великолепной и уникальной выставки. Именно здесь, в Токийском национальном музее, молодой Кубота увидел фрагменты текстиля, созданного в технике цудзигахана, и в тот момент решил посвятить свою жизнь изучению и возрождению этого утерянного метода окрашивания. Это очень символично, что более 80 лет спустя мы можем продемонстрировать новаторский подход Итику Куботы и его работы, созданные в возрожденной и модернизированной технике «Итику цудзигахана», именно здесь, где все это началось, - в Токийском национальном музее.

Творческий гений Итику, его готовность выйти за традиционные рамки дизайна, характерное использование цвета и его преданность своему ремеслу завоевали мастеру международное признание. Сегодня Итику - один из самых важных японских художников текстиля ХХ века. Его концепцию кимоно как произведения искусства можно увидеть в работах из его коллекции «Симфония света», представленных на этой выставке».

Выставка «Кимоно: становление символа» будет открыта в Токийском национальном музее до 23 августа 2020 года.

В Японии вышел мультфильм о боях с СССР на Курилах

antikvarius — Thu, 16 Jul 2020 16:15:10 GMT

В Японии вышел в эфир короткометражный анимационный фильм «Шумшу». Мультфильм рассказывает о Курильской десантной операции – последнем бое между силами СССР и Японии во время Второй мировой.

Как отмечается в японских СМИ, в создании мультфильма участие принимала и российская сторона. Вместе с тем, в ленте представлен японский взгляд на события.

Российские представители занимались изображением советских солдат и озвучивали персонажи, говорящие на русском языке.

Анимационный фильм снят по книге Хидеки Айхара «Последнее поле боя, увиденное мальчиком-танкистом». В основе сюжета атака танкового полка под командованием полковника Икеда на позиции советских десантников на острове Шумшу.

Танковая атака была отбита, а японские силы уничтожены. В анимационный фильм вставлена фотография танка полковника Икеда, который является национальным героем Японии.

В эпилоге мультфильма проводится мысль о бессмысленности войны.

Вся лента снята энтузиастами, а средства на производство фильма собраны через краудфандинг.

Шумшу – название острова в северной части Курильской гряды.

Остров был значительно милитаризован Японией. Японский гарнизон насчитывал 8,5 тыс. человек, 60 танков, до 100 орудий и миномётов. Остров покрыли многочисленные доты и дзоты, соединённые подземными галереями. Все склады, госпитали и электростанция располагались под землёй на глубине до 50 м.

Взятие Шумшу в 1945 году стало решающим событием всей Курильской операции. Сама операция считается последней крупной битвой Второй мировой войны.

Уникальная выставка «Русско-японская: война и миф» готовится в Иваново

antikvarius — Thu, 16 Jul 2020 16:06:58 GMT

В Ивановском государственном историко-краеведческом музее имени Д.Г. Бурылина продолжается подготовка крупного выставочного проекта «Русско-японская: война и миф», презентация которого состоится в конце августа 2020 года.

Коллекция авторских негативов периода русско-японской войны, хранящаяся в собрании музея, вызвала значительный интерес среди общественности и исследователей этого периода истории в Японии.

В настоящее время идет исследовательская работа по атрибуции изображений негативов, в которой активное участие принимает японская сторона. Итогом работы станет крупный выставочный проект «Русско-японская: война и миф».

Информационный материал о коллекции негативов размещен на сайте ведущего японского информационного агентства «Киодо Цусин», корреспондент которого посетил музей им. Д.Г. Бурылина 13 июля. Корреспондент Осаму Хирабаяси подарил 9 японских газет с самой широкой географией издания, в которых рассказывается об уникальной музейной коллекции и выставочном проекте.

Напомним, что в марте 2020 года проект «Русско-японская: война и миф» музея имени Бурылина стал победителем конкурса проектов фонда «История Отечества» по поддержке выставочной и экспозиционной деятельности.

В рамках проекта широкой аудитории будет представлена коллекция печатной графики периода русско-японской войны: лубки, литографии, хромолитографии, плакаты многих издателей и издательств Российской империи. Уникальная коллекция насчитывает около 400 единиц хранения. Она практически никогда не экспонировалась, ни в дореволюционном Иваново-Вознесенске, ни вообще в стране, за исключением нескольких экземпляров, представленных в августе 1945 года на выставке о войне Советского Союза с Японией.

Выставка "Островные люди – айны" в Питере

antikvarius — Mon, 10 Feb 2020 18:10:07 GMT

Выставка рассказывает о культуре одного из интереснейших и загадочных народов Тихоокеанского бассейна. Обитали айны (от аину – «человек», «настоящий человек») в низовьях бассейна р. Амур, южной части о. Сахалин, на юге Камчатки, на островах Курильской гряды и на о. Хоккайдо – самом северном острове Японского архипелага.

Из коллекционного собрания по айнской культуре, насчитывающего 2600 экспонатов, на выставке будет представлено около 300 уникальных артефактов по двум основным территориальным группам айнов Хоккайдо и Сахалина. Значительную часть экспонатуры составят предметы, собранные в 1912 г. на Сахалине и Хоккайдо известным фольклористом, этнографом, участником многих экспедиций в Сибирь, внештатным сотрудником Этнографического отдела В. Н. Васильевым. Они дополнены предметами по айнам Хоккайдо из коллекции политического ссыльного и известного исследователя культуры айнов Б.О. Пилсудского.

На выставке будут демонстрироваться уникальные архивные фотографии конца XIX – начала XX в. из фондов Российского этнографического музея, документальные киноматериалы и рисунки японских художников, позволяющие не только организовать выставочное пространство, но и представить культуру айнов во всем ее многообразии. В том числе на выставке будут показаны копии акварелей из серии «Жизнь и обычаи айнов» знаменитого японского художника середины XIX в. Безана Хиросавы из собрания Омского областного музея изобразительных искусств им. М.А. Врубеля.

Выставка проходит в Российском этнографическом музее

peterburg2.ru

Четыре драгоценности учёного

antikvarius — Thu, 10 Oct 2019 21:00:05 GMT

На днях мне подарили набор "четыре драгоценности учёного". Очень рада, но, к сожалению, совсем не умею рисовать. Что, ж буду хранить дома как реликвию.

Мне было на самом деле удивительно, когда я рассмотрела набор поближе, неужели кисть для письма такая тонкая! Вообще, насколько мне известно, на первом месте по значимости в списке четырех драгоценностей всегда стоит именно маоби - кисть для письма. Рукоятка у нее обычно бамбуковая или костяная. Непосредственно саму кисть связывают из тончайших волосков меха животных. Она имеет округлую форму и заостренное окончание. Кисть является главным инструментом в китайской традиционной каллиграфии и национальной живописи гохуа.

В Китае существует более 200 видов кистей для туши.

Прежде всего, они различаются по размеру. Самая большая кисть называется «чжаби». Ее ручка в диаметре шире чайной пиалы. Вес такой может превышать десять килограммов. Далее по убывающей величине идут кисти «тидоу», «тяофу», «дакай», «чжункай», «сяокай». Самая маленькая из них из-за своего размера и внешнего сходства образно называется «гуйби», что можно перевести как «капелька». Каждая из разновидностей кистей имеет свое предназначение. Например, тем, кто только начинает занятия каллиграфией рекомендуется пользоваться «дакай» для написания иероглифов большого размера, а «сяокай» - для изображения маленьких письменных знаков. Кисти также делятся на различные виды в зависимости от материала, из которого они сделаны. Самыми известными и популярными являются кисти, которые называют «цзыхао» или «фиолетовый волосок» и «ланхао» или «волчий волосок». Дело в том, что «цзыхао» изготавливают из особого заячьего меха темной окраски. Правда, кисть «волчий волосок» к этому животному никакого отношения не имеет. Ее делают из меха одного из разновидностей хорька. Просто в его китайском названии есть иероглиф «волк». В каллиграфии манера написания иероглифов, их художественная выразительность очень часто зависит от материала, из которого изготовлена кисть. Трудно переоценить значение маоби в китайской культуре.

Каллиграфия – правила написания китайских иероглифов и утонченная форма живописи. В китайской каллиграфии существуют строгие правила. Каллиграфы неустанно вырабатывают «четкость и легкость» при написании базовых линий, добиваясь их гармоничного сочетания, особое внимание уделяя откидным линиям, с крюком и многообразию точек. Не менее важны в каллиграфии композиция и художественный колорит, как отдельного иероглифа, так и всего текста.

Каллиграфия действительно считается традиционной драгоценностью китайской культуры. Искусству каллиграфии более 3000 лет. О знаменитых древнекитайских каллиграфах Ван Сичжи, Ван Сяньчжи, Чжан Сюе, Янь Чжэньцине и других сложено много легенд и увлекательных историй. Многие эти сюжеты связаны с каллиграфией. Один из них об отце и сыне, Ван Сичжи и Ван Сяньчжи.

Ван Сяньчжи, младший сын знаменитого каллиграфа Ван Сичжи, с 7–8 лет начал учиться у отца. Мать предупредила мальчика, что достичь вершин каллиграфии можно только благодаря неустанному усердию и регулярным занятиям. Прошло пять лет. И вот однажды подросток преподнес отцу свою работу. Не высказав сыну никаких замечаний, Ван Сичжи лишь добавил к его иероглифу «большой» точку. Сын показал «исправленный текст» матери, сказав: «Пять лет я неустанно занимаюсь каллиграфией. Посмотрите, есть ли разница между моим письмом и каллиграфией отца». Внимательно рассмотрев текст сына, мать сказала: «Только точка в иероглифе «большой» выдает руку твоего отца». Подросток был потрясен услышанным и с еще большим усердием продолжил занятия каллиграфией, став спустя годы таким же знаменитым, как его отец. В Китае их называют «двумя Ванами».

Эта история говорит нам о том, что искусством каллиграфии невозможно овладеть без постоянного и упорного труда.

Гохуа – это китайская национальная живопись. Такие картины пишут кистью на тонком шелке или на бумаге самого высокого качества, затем наклеивают на шелковую основу в виде свитков. До начала ХХ в. национальную живопись называли «гухуа» (древние картины), а ближе к нашему времени, чтобы отличить от западной живописи стали называть «чжунго хуа» или «гохуа». В китайской живописи в основном используют красный и сине-черный цвета. Сине-черный цвет – это между темно-синим и темно-зеленым цветом. «Гохуа» подразделяется на три основных вида: портрет, пейзаж и картины с изображением цветов и птиц. В изображении людей стараются предать характер, в пейзаже – основную идею, а в изображении цветов и птиц стремятся к естественности.

Китайская национальная живопись значительно отличается от западной. Она является идеальным сочетанием живописи, поэзии, каллиграфии и искусства печати (личная печать художника). Очарование «гохуа» в основном создается линиями и различной степенью глубины и интенсивностью черного цвета. На картинах есть много свободного пространства. Но в это незаполненное пространство обычно каллиграфически вписываются стихи, а затем ставится печать автора. Кроме того, китайская живопись стремится к передаче основной идеи, главное здесь естественность, а не реалистичное изображение. Например, в изображениях людей нельзя определить, кто это конкретно, но можно понять, что это служанка, знатная дама или озорной ребенок... Одна из десяти наиболее известных во всем мире китайских картин «На реке в день Цинмин» - типичный образец живописи «гохуа».

В западной живописи не используется каллиграфия, на полотнах не пишут стихов, художник не ставит свою личную печать, даже название произведения и имена автора не найдете на картине. В западной живописи путем сопоставления ярких оттенков цвета, света и тени изображаются реальные предметы, часто все полотно картины заполнено изображением. Главным в произведении, в центре которого, как правило, человек, является его реалистичность. Поэтому портреты в западной живописи часто называются именем изображенного персонажа, например, «Мона Лиза».

Выставка «Тропой лотоса» в Омске

antikvarius — Wed, 20 Mar 2019 13:02:26 GMT

В Музее изобразительных искусств им. М.А. Врубеля начинается череда мероприятий, приуроченных к 95-летию музея (праздничная дата отмечается в декабре). Первым из них стала выставка «Тропой лотоса», знакомящая зрителей с искусством Востока.

В двух залах представлено свыше 250 произведений живописи, графики, скульптуры, декоративно-прикладного искусства Бурятии, Вьетнама, Индии, Индонезии, Китая, Монголии, Японии.

Экспозиция разделена на два тематических блока: «Храм» и «Дом». Один из них посвящен буддийскому культовому искусству во всем его многообразии. Второй демонстрирует наиболее интересные светские традиции стран, объединенных культурой буддизма.

– Эта выставка располагает к медленному, неспешному созерцанию, – говорит директор Музея им. М.А. Врубеля Фарида БУРЕЕВА. – Конечно, здесь есть вещи, которые бросаются в глаза, вызывают такой «wow-эффект». Но большинство из них предполагает вдумчивое рассматривание. Коллекция «восточных редкостей» начала формироваться еще в XIX веке. Первые экспонаты поступили из Западносибирского отдела Императорского русского географического общества, которое снаряжало свои экспедиции на Восток, и, соответственно, оттуда привозились различные этнографические сборы. Позже к нам поступали вещи из Государственного музейного фонда, что-то передавалось в дар. Десять лет мы не показывали искусство Востока, поэтому на выставке будет много «премьер».

Так, впервые сегодня демонстрируется масштабная вьетнамская храмовая скульптура, рельефы и детали культовых сооружений. Гипсовые слепки с подлинных образцов XVIII столетия привозились в Московский государственный музей Востока в 1960 году, многое тогда осталось в запасниках. Часть предметов передали омскому музею лишь спустя полвека.

Была проведена большая исследовательская работа, в результате которой стало известно, какими именно мифологическими персонажами являются безымянные Будды. Например, среди выполненных в человеческий рост скульптур есть «Нагасена, прочищающий ухо» или «Будда Шакьямуни в заснеженных горах» – фигуры из храма Тэйфыонг.

Впервые можно увидеть и предметы, любезно предоставленные коллекционерами Омска для нынешней выставки. Среди них – собрание нэцкэ. Традиционные японские фигурки представляют такие же традиционные для Японии сюжеты: «Мышь на персике», «Крыса с просяным колосом», «Лягушка на грибе» и др.

Зрителям наверняка будет интересно познакомиться с китайской живописью шань-шуй и хуаняо, узнать, что такое «сто драгоценностей» и «пять видов счастья».

– «Сто драгоценностей» – это название китайского декора, основанного на символике благопожеланий, – поясняет куратор выставки Ирина СИМОНОВА. – Вот мы видим вазу, расписанную таким образом. Здесь есть и буддийские символы, а даоистские. Лотос – символ Просветления, он тоже является одной из ста драгоценностей. Пион – символ весны, пробуждения природы. А цветущая слива майхуа относится к символам зимы, потому что расцветает первой, когда еще лежит снег. И вот каждый из этих символов несет в себе какую-то смысловую нагрузку, а в целом – это такое благопожелание, где всего много и все сразу.

Кстати, китайцы любят оперировать цифрами. Рядом с вазой можно увидеть тарелки с декором «четыре благородных искусства» (поэзия, каллиграфия, живопись, игра в го) и «Пять видов счастья». Для каждого вида изображена летучая мышь, которая соответствует либо долголетию, либо здоровью, либо легкой смерти. Да, это тоже считается счастьем.

Все витрины на выставке – тематические. Одна из них посвящена каллиграфии и миру чиновников, поскольку без красивого письма в Китае не получить хорошей должности.

Здесь присутствуют печати, нефритовые подставки для кистей, тушечница, капельница, и самый странный предмет – шар в шаре. На самом деле шаров больше, чем два, каждый выточен из цельной кости. Их надо совместить так, чтобы через отверстия прошла костяная палочка. По сути, эта элитная игра-головоломка – прототип кубика Рубика.

Витрина с разноцветными стеклянными флакончиками посвящена не благовониям, а… табаку. Это, пожалуй, единственное, что было завезено в Китай из Европы, а не наоборот. Произошло это в XVII веке, когда начались активные торговые отношения.

– Китайцы верили в волшебную, чудодейственную силу табака, – рассказывает Ирина СИМОНОВА. – Этому способствовал случай, когда была вспышка малярии, и вымирали целые селения, а в том месте, где курили табак, никто не заболел и не умер. Просто табачный запах отпугивал насекомых – переносчиков инфекции. В Китае очень влажный климат, и сохранить табак в нужном состоянии трудно. Поэтому появились табакерки в виде флакончиков с закручивающейся крышкой.

Одними из самых красивых экспонатов являются вазы с изображением фениксов. Собственно, китайский феникс – это та же русская жар-птица. Только значений у него, наверное, больше. Это и солярный символ, корни которого восходят к древним верованиям, когда солнце представлялось в виде птицы, и символ Востока и красного цвета. А еще – символ императора. Считается, если человек видит феникса, он получает известие о том, что скоро появится новый, мудрый владыка. Поэтому образ мифологической птицы входит в благопожелательную символику.

Сходите на выставку. Она продлится до 19 мая.

В Новгороде японская гравюра XVIII – XIX веков

antikvarius — Fri, 19 Oct 2018 10:55:13 GMT

19 октября в 16 часов в Музее изобразительных искусств новгородского музея-заповедника откроется выставка «Укиё-э. История японской гравюры XVIII - XIX вв.». На выставке представлено около семидесяти произведений графики и шесть японских традиционных костюмов из частной коллекции Кирилла Данелия (Москва).

Как сообщают в музее-заповеднике, укиё-э (дословно – «картины зыбкого мира») – обобщённое название жанра японской живописи и ксилографии, основной темой которого являются радости повседневной жизни. Название состоит из понятий «уки» (зыбкий или бренный), «ё» (мир) и «э» (картина, или изображение). Изначально понятие «укиё» было выражением, которым в японском буддизме определялось непостоянство мирского бытия, этакий буддийский аналог библейского «суета и тлен».

В конце XVI и на протяжении XVII веков направление укиё-э оформилось в самостоятельный жанр в рамках японской традиционной живописи для свитков и ширм. Как правило, композиции изображали сцены из повседневной жизни и развлечения, такие как танцевальные праздники, любование природой и т.д. В начале XVIII века новый живописный жанр полюбился представителям т.н. «прочих сословий» (купцам и ремесленникам) трёх главных городов Японии – Киото, Осаки и Эдо. В свою очередь, растущий массовый спрос на работы в жанре укиё-э послужил импульсом к адаптации под новый изобразительный жанр заимствованной из Китая техники печати текстов и изображений с деревянных блоков – ксилографии. На протяжении первых десятилетий изображения печатались с одного блока и были черно-белыми, затем их стали раскрашивать вручную, а к середине XVIII века появилась технология печати по ключевой отметке с блоков, отвечавших за разные цвета.

В конечном итоге, популярность укиё-э стала столь высокой, что вопросами регулирования тем, размеров листов и т.д. стало заниматься государство – с 1799 года надзор за выпуском печатных листов стали осуществлять самурайские цензоры, – рассказывают в музее.

Изначально, когда ксилографическая печать представляла интерес для узкого круга художников и ценителей, господствующим жанром была эротика. Еще одной популярной темой стали картинки с изображениями красавиц (бидзин-га), которые вместе с ростом массовой популярности печатных листов вытеснили эротику с лидирующих позиций. Картинки с красавицами стали основной темой для ксилографии, начиная примерно с 1730-х вплоть до конца XVIII века, когда самурайское правительство по морально-этическим соображениям наложило на этот жанр ряд жёстких ограничений.

Ярчайшими мастерами этого жанра являются: Нисикава Сукэнобу (1671 – 1750), Нисимура Сигэнага (1697 – 1758), Судзуки Харунобу (1724 – 1770) и Китагава Утамаро (1753 – 1806).

Вторым по популярности жанром, занявшим главенствующее положение в XIX веке, были якуся-э (картинки с актерами Кабуки). Самым известным художником этого жанра был Кацусика Хокусай (1760 – 1848). Работы Хокусая в 1790-х годах положили начало популярности листов с ландшафтами, за пределами Японии являющимися наиболее узнаваемыми ксилографическими работами художников стиля укиё-э. Развитие ландшафтной темы в ксилографии продолжил Андо Хиросигэ (1797 – 1858), чьи работы лишь немногим уступают в узнаваемости работам Хокусая.

Жанр муся-э (картинки с воинами) большую часть времени существовал в качестве поджанра театральных листов, так как изначально происходил от изображений актёров в ролях героических персонажей из пьес Кабуки. Однако к 1840-м годам он оформился самостоятельный жанр, ярчайшим представителем которого является Утагава Куниёси (1798 – 1861).

Выставка продлится по 10 декабря.

Анна Огороднийчук, vnovgorode.ru

Фото: novgorodmuseum.ru

В Южно-Сахалинске выставка японских кокеси и русских матрешек

antikvarius — Fri, 19 Oct 2018 10:43:47 GMT

Год Японии на Сахалине благодаря энергии генерального консульства Страны восходящего солнца в Южно-Сахалинске, Японскому фонду подарил ценителям немало ярких впечатлений о культуре соседней страны — фотография, живопись, джаз, нэцкэ, икебана. А выставка "Матрешки и кокэси" родилась из коллекций областного художественного музея и известной сахалинской художницы Натальи Кирюхиной. В ней, как в зеркале, отразилась искренняя влюбленность в богатейшие культурные традиции, менталитет, правила жизни Японии, с которой художницу связывают узы разностороннего сотрудничества ("иной раз соседи поближе далеко живущих родственников").

Создание деревянных круглоголовых человечков давно перетекло из бытового обихода в область высокого (и стройного — глядя на фигурки) искусства. На глаз художника выставка получилась сочной, как выразился директор музея Александр Бурыка. А другой коллега неутомимой художницы, Де Сон Ен, то ли в шутку, то ли всерьез сказал, что после "Музея медведя" Наталья Кирюхина, кажется, стала собирать музей кокэси. Впервые они появились в ее доме лет тридцать назад. Довольно случайно, когда знакомый подарил Наталье Сергеевне найденные на погибшем японском корабле первых трех куколок.

— Поначалу я не думала, что буду их собирать, но потом поняла, что частичка души Японии воплотилась в этих куклах, и они стали мне близки. Япония до сих пор остается страной-загадкой, и куклы несут тайну. Когда мастера создают столь удивительные предметы, что русские, что японцы, они думают о мире, красоте, дружбе и жизни, и это нас объединяет, — сказала художница, представившая на выставке почти 70 кокэси. Кого-то ей привезли из Голландии, кого-то подарили в Японии, а то и расписали сами.

Кокэси по-прежнему волнуют японских художников. Они создают милейших кукол с одушевленными лицами, не то что Барби какая-нибудь. Сегодня в стране существует 11 школ по созданию кокэси, из которых самые популярные Наруко и Тогатта. Для этого используется древесина кизила, хурмы, вишни, березы и клена. Если в создании традиционных кокэси из пары обточенных чурбачков мастера придерживаются лаконичного, строгого облика, то современное авторское ответвление пошло вразнос и ни в чем себе не отказывает. В витринах рядом со столбиками с лакированными круглыми головками уживаются фигуристые красотки с модными прическами — "шишечками", бантиками и дредами, джентльмены в шлемах и с туловищами, сохраняющими текстуру дерева, а то и из еловых шишек. А сахалинский художник Герман Костюшин создал круглолицее божество удачи Дарума из папье-маше, личиком несколько смахивающее на енота, по мнению художницы.

Это сейчас матрешки ассоциируются с буйным пестроцветьем, но изначально они отличались довольно скромной, притушенной цветовой гаммой, а в руках держали непременно горшочек, младенчика, кошку или лукошко. Музей выкатил все свое богатство — помимо сергиев-посадских, также вятских, городецких, семеновских ("Манечка и Ванечка"), полхов-майданских (все с Нижегородчины) матрешек. Матрешки, как старинные кареты, называют многоместными. Будете в Сергиевом Посаде, зайдите в Музей матрешки — там самая большая семейка разрослась до 45 "мест", не пожалейте времени, и будет вам счастье — умилительно живое, нарядное.

Как и кокэси, матрешки не выходят из моды у художников. Наталья Бянкина создала цикл матрешек "Дары сахалинские". Компания "Сахалин Энерджи" заказала корпоративную серию матрешек, расписанных сюжетами по мотивам шельфовых нефтяных проектов. Наталья Кирюхина переложила на матрешек "Историю государства Российского", украшенную акварельными капельками жемчужного шитья, а также и более частную историю — про освоение Сахалина. Матрешка — что двуликий Янус: с одной стороны оборачивается русским первопроходцем-бородачом с рыбой (пока еще доступной) в руках, с другой — нивхской красавицей…

Матрешки и кокэси одинаково родились в глубинке, провинции, которой художница отдала дань и плененную душу в живописно-графических декорациях. Многие годы Наталья Кирюхина пропагандирует в Японии исконные русские народные промыслы, ее мастер-классы по лепке из глины, росписи по дереву неизменно пользуются успехом у любителей русской старины. Вместе со скульптором Окаи Хитоко она запустила в Невельске церемонию обжига керамики, которая ныне стала народным фестивалем и "фишкой" портового города. А сама Япония — маленькая, несуетная, изначальная — "осела" на листах и холстах рядом с зарисовками про храмы и монастыри среднерусской полосы. Здесь можно заглянуть в домик Окаи Хитоко, которая живет на Кюсю в домике "Лес Тоторо", услышать диалог предметов, простых и вечных, в натюрморте и погрузиться в умиротворенную тишину, в которой рождаются новые замыслы. Перекличка миров и времен продолжается.

Марина Ильина

Японский коллекционер искусства полетит к Луне в 2023 году

antikvarius — Sat, 29 Sep 2018 09:55:28 GMT

Юсаку Маедзава рядом со своей картиной Баскии за $110 500 000

Источник: artinvestment.ru

Юсаку Маедзава — это тот самый покупатель самой дорогой картины Жана-Мишеля Баскии за $110 500 000. Он только что официально объявлен первым космическим туристом первой лунной миссии Илона Маска

По словам Илона Маска, японский коллекционер и куратор возьмет с собой еще восемь человек — смелых художников и деятелей искусства, которые готовы рискнуть ради неземной красоты. Полет намечен на 2023 год — совсем скоро. Художников доставит к спутнику Земли новая ракета SpaceX BFR — Big Falcon Rocket.

Сам полет продлится около недели, корабль с художниками на борту обогнет Луну, приблизится к ней на расстояние 200 км, а потом отправится в обратный путь на Землю.

Юсаку Маедзаве 42 года, его состояние в прошлом году оценивалось в $3,5 млрд. Он заработал капитал на онлайн-магазине Zozotown и нескольких других бизнесах. В его коллекции кроме рекоррдного Баскии есть шедевры Джеффа Кунса, Брюса Наумана, Александра Колдера, Ричарда Принса и Роя Лихтеншттейна.

Владимир Богданов, AI

Выставка «Куклы и праздники Японии» в Мурманске

antikvarius — Fri, 07 Sep 2018 19:54:49 GMT

В Мурманском областном краеведческом музее (пр. Ленина, 90) открыта выставка «Куклы и праздники Японии».

Организатор выставки – Посольство Японии в России, куратор – Марина Голомидова, известный российский просветитель, кавалер высшей награды Японии – ордена Восходящего солнца.

Передвижная выставка японских кукол была организована Посольством Японии в РФ в начале 1990-х годов. С тех пор побывала во многих городах России, повсеместно вызывая большой интерес. В сентябре 2011 выставка, дополненная новыми экспонатами и предметами из коллекции Марины Голомидовой, вновь начала движение по России.

Выставка раскрывает яркие страницы из жизни японцев – на ней представлены куклы, игрушки и предметы, связанные с праздниками и церемониями страны восходящего солнца.

Среди экспонатов выставки – несколько десятков кукол, выполненных в различных стилях и техниках: куклы итимацу, изображающие детей; фарфоровые куклы, народные игрушки, куклы-обереги, куклы – украшения жилища и используемые на детских фестивалях; куклы хина, изображающие императора и императрицу – для праздника девочек Хина-мацури; игрушечные самурайские доспехи и куклы-самураи – атрибуты Дня мальчиков; талисманы и обереги: фигурка кошки манэки-нэко, приносящей деньги и удачу в дом; похожий на неваляшку Дарума, исполняющий желания; фигурки животных – символов года, гарантирующих удачу. На выставке представлены образцы японской одежды: кимоно – свадебное и повседневное, праздничные детские наряды, пояс оби длиной в несколько метров; обувь гэта и дзори.

Потребность человека создавать предметы для детских игр и развлечений естественна, поэтому в быту каждого народа присутствуют куклы и игрушки. Но только в Японии уже с древности они стали важной частью не только бытовой, но и художественной культуры.

Выставка работает до 28 сентября.

Комитет по культуре и искусству Мурманской области, gov-murman.ru

Выставка "Открывая Японию" в библиотеке иностранной литературы

antikvarius — Sun, 11 Mar 2018 17:53:34 GMT

Выставка редких изданий, посвященных истории и культуре Японии.

2018 год объявлен перекрестным годом России в Японии и Японии в России, в рамках которого пройдут разнообразные мероприятия. В честь этого события группа редкой книги библиотеки иностранной литературы проводит выставку «Открывая Японию»!

На выставке будут представлены издания из фонда редких книг, посвященные стране восходящего солнца.

Самые разнообразные аспекты истории Японии и ее культуры отражены в сочинениях, представленных посетителям библиотеки.

Издания XIX века о путешествиях к японским берегам, сочинения XVIII столетия о религии, истории и международных связях страны, словари и справочники по японскому языку XVII-XX веков, а также другие произведения, раскрывающие уникальность Японии.

Представлена также великолепно иллюстрированная серия книг-бабочек с произведениями японского фольклора, драмы и поэзии на изысканной крепированной бумаге.

Долгое время Япония была закрыта для западных путешественников, что позволило сохранить неповторимое своеобразие ее культуры. У всех читателей библиотеки иностранной литературы есть возможность окунуться в прошлое Японии на нашей выставке «Открывая Японию»!

В Детском читальном зале выступит с лекцией «Фантастический мир японской анимации: авторы, жанры, истории, ценности» исследователь современной массовой культуры Фабио Бартоли (Италия). Он расскажет об аниме и манге — японских жанрах анимации и комиксов, которые захватили весь мир. Лекция пройдет на итальянском языке с переводом.