El nombre del músico Rodriguez es uno de los más repetidos de la temporada en la escena musical, gracias a la amplia repercusión que ha tenido el documental Searching For Sugar Man (2012). Esta película dirigida por Malik Bendjelloul retrata la figura de Sixto Rodríguez, un cantautor residente en Detroit que regista dos discos de estudio titulados Cold Fact (1970) y Coming From Reality (1972) que pasan completamente desapercibidos por el público estadounidense pero arrasan en Sudáfrica, sin que el músico lo sepa. Esta historia inverosímil no es solo un análisis crítico de los recovecos de la industria discográfica y la importancia del componente ideológico en las letras de la música popular, sino también el retrato de una persona carismática, entrañable, consciente del valor de sus canciones.

El filme se alzó con el premio al mejor documental en la última edición de los Óscar de Hollywood, pudo verse en el festival IN-EDIT, llegó recientemente a las salas cinematográficas de nuestro país y actualmente se puede visionar online en páginas web legales y de pago como Filmin o gratuitas e ilegales como Cuevana. Rodriguez debía interpretar sus canciones en directo en el marco del Primavera Sound 2013, pero hoy mismo se ha anunciado la cancelación del concierto en la web del festival. A pesar de esto hoy también se ha hecho saber que el cantante ofrecerá una actuación en el Poble Espanyol de Barcelona el próximo 8 de julio. Sus discos se pueden escuchar en plataformas como Grooveshark o en el mismo YouTube:

» Tráiler de Searching For Sugar Man

» Searching for Sugar Man (Full Album)

» Cold Fact de Rodriguez

Papa Topo presenta mañana 16 de Mayo un nuevo videoclip para la canción Sangre en los zapatos (mi amor), producido por CANADA. El evento tendrá lugar a las 19h en Miscelanea (c. de la Guàrdia 10, Barcelona) y contará con los conciertos de Papa Topo y Jessica And The Fletchers. Además, los directores del videoclip serán los encargados de seleccionar la música que sonará en la zona de bar del espacio.

A principios de Marzo la banda estrenaba formación y lo hacía con una nueva referencia: un vinilo rojo de 7'' titulado Sangre en los zapatos (Elefant Records). En dos meses ya tienen dos videoclips.

Como el segundo no lo conoceremos hasta mañana, aprovechamos la ocasión para recordar el primero, que fue el vídeo de la canción Meteoritos en Hawaii producido también por CANADA y teniendo por autor a Marçal Forés, director de la película Animals, y de videoclips como Para Elisa, de Internet 2. El animado videoclip parte de la estética de videojuegos para la Game Boy basados en series de animación manga como podrían ser la saga Pokémon, Sailor Moon o incluso FLCL, para ilustrar la lucha de unos jóvenes para detener una lluvia de meteoritos en Hawaii, tal y como narra la letra del tema.

» Meteoritos en Hawaii por Marçal Forés

También en Miscelanea empieza mañana una parte de la muestra All Of Us, que durará hasta el 25 de Mayo y se encuentra dentro del marco del Screen Festival (LOOP 2013). Comisariada por Kika Nicolela, All Of Us distribuye por distintos espacios de la ciudad obras audiovisuales de varios artistas internacionales. Concretamente en Miscelanea se encontrarán varios vídeos del autor egipcio Aalam Wassef, conocido también como Ahmad Sherif.

Encontrareis más información sobre All Of Us aquí.

Ficha técnica:
Formato de grabación: Vídeo HD.
Duración: 5 min. 36 seg.
Dirección: Orencio Boix.
Guión: Carlos Aquilué, Javier Aquilué, Orencio Boix y Antxon Corcuera.
Fotografía y cámara: Sebastián Vanneuville.
Producción: Eva Vargas.
Producción ejecutiva: En vez de nada.
Montaje: Orencio Boix.
Etalonaje: Sebastián Vanneuville.
Foto fija: Antonio Romeo.
Reparto:
Ana Calvo Palacios.
María José Hasta.
Rosa Broto.
Lara Giménez.
Luis Antonio Boix.
Javier Aquilué.
De tarima (Kiev cuando nieva)
Javier Aquilué: Guitarra y voz.
Antxon Corcuera: Guitarra, teclados y coros.
Carlos Aquilué: Batería, bajo y coros.
De tarima. (Repetidor, 2013) producido por Rafael Martínez Del Pozo. Grabado, mezclado y masterizado en Grabaciones de campo, Castro de Cepeda (León).

(datos extraídos de la cuenta Vimeo del realizador)

En diciembre de 2010 Roberto Amaba inició el proyecto Canciones Ilustradas en su imprescindible blog Kinodelirio. Esta propuesta de meme personal está delimitada por una serie de premisas donde se relacionan versos de canciones con fotogramas de películas –ya sea por su vínculo "temático, iconográfico o simbólico". En la primera entrada de la iniciativa se establecen las nueve normas que se deben respetar por el bien de esta manifestación de arqueología audiovisual. La identificación de cada una de las canciones y las imágenes utilizadas es un aspecto obligatorio en una nueva forma artística online que, como indica en el punto número ocho, puede tener un forma abierta –"ristra, mosaico, viñetas, fotomontaje, Power Point, slideshow, vídeo, etc. Hasta ahora las Canciones Ilustradas eran listados de fotogramas con estrofas de letras de canciones como pie de fotografía. En la sexta entrega es un vídeo de imágenes estáticas que ilustran la letra de la canción Dolores se llamaba Lola de Los Suaves, el que sirve para demostrar la gran capacidad de síntesis narrativa-visual y la riqueza de referencias fílmicas de su artífice.

» Canciones Ilustradas: el Meme

» Canciones Ilustradas II: el bis

» Canciones Ilustradas III: la trilogía

» Canciones Ilustradas IV: la revolución de los frames

» Canciones Ilustradas V: Level five

» Canciones Ilustradas IV: en forma de simulación

Conozco a Tigres Leones por Luismi, su guitarrista, los dos trabajábamos en El Intermedio como guionistas y chicos de los recados.

De Tigres Leones me flipan sus canciones, sus letras, sus portadas, los tweets y los gifs de gatitos de Rosa y su batería, así que cuando me propusieron que dirigiera un videoclip para su EP Arder/Bailar me hizo mucha ilusión.

El resultado fue Baila, creo que nadie vio el vídeo, pero yo me lo pasé tan bien que les pedí que me dejaran hacer otro para su primer disco, Mucho Spirito.

Si en Baila dibujé perritos y gatitos, en Anna Casteller usé a Ignatius Farray, uno de mis mejores amigos y el segundo mejor cómico de Canarias, después de Manolo Vieira.

Las tardes que he pasado dibujando el cuerpo desnudo de Ignatius mientras escuchaba ese "Dónde estás, dime Anna, dónde estás..." han sido las mejores de mi vida.

por Miguel Esteban

Malditos Produce
Director: Emilio Rebollo
Productor ejecutivo: Andreu Vidal
Jefa de Producción: Emi Fort
Ayudante de Producción: Blanca Ballesté
Auxiliar de Producción: Alex Martí
Ayudante de dirección y Casting: Antonina Obrador Ramis
Ayudante de dirección: Anna Capdevila
Auxiliar Casting: Xènia Fuentes
Auxiliar Dirección: Guillermo Álvarez
Director de Fotografía: Ruy Rodríguez
Ayudante Cámara: Gema Briones
Auxiliar Cámara: Chema García
Dirección de Arte: Andrea Batlló
Ayudantes de Arte: Sandra Marín, Roser Pérez
Efectos: Diego Urruzola
Vestuario: Cris Quer
Ayudante estilismo: Isis Velasco
Maquillaje: Javier Ceferino & Laura Moral
Ayudante maquillaje: Carolina Roa
Ayudantes peluquería: Javier Cuadripániz, Dulce Madrid, Marta Oller
Jefe Eléctricos: Juli Carné
Eléctricos: Dani Pujalte, Celso Brandiaran, Eran, Boris Faverau, Peter Kreil
Montaje: Octavio Roes, Emilio Rebollo
Posproducción: Octavio Roes, Jose Rosales, Enric Socias
Storyboard: Miquel Francísco
Dibujos: Mariano Espinosa
Grafísmo: Maggie Adrover
Equipo Artístico: (por Orden de aparición) Marc Castellà, Telmo Moreno, Lucia Lara, Alfons Navarro, Mario Rebollo, Abel Serra, Joël Iriarte, Olga Goncharenko, Victor Moya, Jessica Ross, Aleyda Puerto, Yama, Pako, Alvaro, Omar Iglesias, Naiara Edroso, Mariano Espinosa, Albert Flores, David Trias, Christian Marín, Jose Rosales, Andreu Vidal, Pere Fortunyo, Ernest Viñas, Roger Tribaldo, Arnau Puig, Sara Parici Vehículos de escena: Victor Moya (Opel Astra), Adrian Guardiola (Seat Leon1), Javi (Seat Leon 2), Albert (Seat Ibiza), Jonathan Gomez (Honda Civic)
Proveedores: Exodo rental, Service Vision, Muxart, Enelmo, Catering i acció, Telefurgo, Ricard Hidalgo
Agradecimientos: Andrea Batlló, Diego Urruzola, Pablo Tregebov, Palau de Congressos de Catalunya, Sarssimón, Mateu Sampol, Enric Socias. Sergio Pérez, Jairo. Cesc Tnuning-light.net, Seven Models, Escuela de baile Sonia Navarro.

(datos extraídos de la cuenta YouTube de la discográfica)

A mediados de los años sesenta la música pop confluye con las imágenes en movimiento para ampliar su afán propagandístico. Su consecuencia es la consolidación del vídeo musical televisivo como fenómeno hegemónico para publicitarla, más allá de la radio. Pero es en otro contexto, el artístico, donde emergen una serie de problemáticas que atañen al valor estético e ideológico de la representación audiovisual del pop-rock. Las obras expuestas en la muestra This Is Not A Love Song plantean algunas de estas cuestiones.

Música visual

Música e imágenes en movimiento han ido ligadas desde los inicios del cinematógrafo. Representar la percepción visual y auditiva del ser humano mediante dispositivos tecnológicos ha sido una de las búsquedas más insistentes en la creación del siglo XX. Durante la etapa muda de la historia del cine, las interpretaciones musicales en directo eran habituales. La ausencia de diálogos sincrónicos o voces en off que relataran los conflictos de los personajes quedaba subsanada por el acompañamiento de composiciones musicales durante la proyección. Antes de que las películas habladas –los talkies de los años treinta– mermaran aportaciones específicamente cinematográficas logradas por realizadores formalistas, la experimentación musical y la investigación sonora eran campos inherentes a la práctica fílmica.

Es en las obras cinematográficas de vanguardia donde se hallan las conjunciones más precisas entre audiovisual y música popular, por el hecho de elaborar dialécticas entre la plasticidad de las imágenes y la armonía de los sonidos. El concepto música visual designa toda una corriente de animación abstracta representada por cineastas como el alemán Oskar Fischinger, quien unifica composiciones pictóricas geométricas con temas musicales de origen clásico. Sus poemas ópticos hallan cadencias temporales cuyos recursos dinámicos han inspirado innumerables vídeos musicales posteriores. Esa búsqueda incesante de combinaciones auditivas y visuales influye directamente muchas de las aportaciones del cine experimental norteamericano de los años sesenta. Es ahí donde deben explorarse las conexiones con la representación audiovisual de la música actual. Teóricos como William Moritz han señalado, persistentemente, el vínculo entre la música visual norteamericana representada por cineastas como los hermanos Whitney o Jordan Belson, y los vídeos musicales de la década de los años ochenta, omnipresentes con la irrupción fulgurante de la MTV.

Pero para buscar el origen específico del videoclip hay que acudir a los Beatles de la etapa psicodélica. Ante las dificultades para asistir a los platós de los habituales magazines del momento –Top Of The Pops o Ready Steady Go!– para interpretar sus nuevas canciones, los cuatro de Liverpool deciden producir y protagonizar piezas audiovisuales que puedan emitirse por las cadenas televisivas de medio mundo. Es precisamente el padre del videoarte, el coreano Nam June Paik, quien recicla una documentación del los fab four para desmitificar su imagen, distorsionando tanto sus figuras como sus interpretaciones. Beatles Electroniques (1966-69) reutiliza un registro videográfico del grupo británico para transformar la señal del tubo de rayos catódicos, proponiendo un cúmulo de texturas electrónicas articuladas como feedbacks continuos. Se deja de lado el componente publicitario para desviarse hacia las consideraciones pictóricas de la pantalla televisiva. La iconografía pop queda tergiversada por una actitud descarada, que es una de las señas de identidad del videoarte primerizo.

La dimensión psicodélica de la música pop viene marcada por un movimiento contracultural posicionado entre dos ejes principales: un rechazo a los rígidos convencionalismos de la sociedad y un deseo por expandir la consciencia personal. En 1967 los titubeos alucinógenos, las músicas envolventes y los espectáculos multimedia favorecen una nueva dimensión cognitiva de percepciones visuales insólitas que en el ámbito fílmico se vincula al expanded cinema. Es en la ciudad de Nueva York –entre las paredes plateadas de la Factory de Andy Warhol–, donde la multiplicación de estímulos sensoriales alcanza su máxima expresión. Multiproyecciones de Screen Tests, pases de diapositivas, luces estroboscópicas y danzas estáticas de Edie Sedgwick se fusionan durante el directo ensordecedor de la Velvet Underground. Ronald Nameth lo documenta en un filme experimental titulado Exploding Plastic Inevitable (1967), que acelera o ralentiza las velocidades de filmación para expandir y contraer el tiempo. Es una respuesta cinemática a un evento prácticamente hipnagógico, pautado por la música ruidosa, perversamente ensoñadora, de Lou Reed y compañía.

'Pop My Religion'

Con su interminable serie de retratos filmados entre 1964 y 1966, el adalid del pop-art, Andy Warhol, mitifica el rostro humano hasta alcanzar connotaciones religiosas. Los Screen Tests son más de cuatrocientas bobinas, de poco más de tres minutos, que ensalzan personalidades del mundo de la cultura como Marcel Duchamp, Allen Ginsberg o Nico. Estas pruebas de pantalla son retratos temporales de estética fotográfica, en plano fijo y sin sonido, que desvelan una condición espectral, inevitablemente fantasmagórica.

La identificación con la estrella del rock por parte del adolescente es una de las consecuencias ante la crisis de la Iglesia tras la Segunda Guerra Mundial. Es también el punto de partida para que el artista multidisciplinario Dan Graham articule un discurso ensayístico titulado Rock My Religion (1982-1984). Jim Morrisson, Patti Smith o Henry Rollins son algunos de los protagonistas de un documental reflexivo que conjetura la existencia del rock –y del punk– como refugio espiritual. Graham compone un altar de elucubraciones para afirmar que los clubs de rock son iglesias, santuarios en contra del estancamiento del mundo adulto. Rock, juventud y mirada queer son tres de los pilares sobre los que se asienta Scorpio Rising (1963) de Kenneth Anger: un homenaje ecléctico a la motocicleta, Marlon Brando, la homosexualidad, los símbolos nazis, la figura de Jesucristo y canciones imperecederas como Blue Velvet de Bobby Vinton o Hit the Road Jack de Ray Charles. Anger es, junto a Bruce Conner, uno de lo cineastas más influyentes para la consolidación del vídeo musical como producto cultural. Sus filmes sugieren una estética pop elaborada audazmente desde el underground –Anger colaborará con Mick Jagger y Bruce Conner lo hará con Brian Eno y David Byrne.

En la realización televisiva en directo existe un territorio común que consiste en la búsqueda, por parte del cantante de turno, de la cámara que registra la señal durante su actuación. Esa mirada al objetivo busca una complicidad con el espectador que es, finalmente, un potencial consumidor. En el espacio galerístico o museístico también es habitual presenciar el cuerpo del videoartista dirigiéndose al espectador, a través de un monitor o una pantalla. Son creadores que registran el devenir temporal de sus presencias físicas, entre apreciaciones intelectuales relacionadas con la desmaterialización del arte. Rosalind E. Krauss visualizó algunos de estos aspectos en un escrito paradigmático titulado El vídeo: la estética del narcisismo (1976). Theme Song (1973) de Vitto Acconci y Baldessari Sings LeWitt (1972) de John Baldessari son vídeos de baja definición en los que recitan monólogos autorreflexivos situados entre la parodia y la crítica; tanto del circuito del arte como de la industria musical. Son piezas que demuestran la capacidad del arte conceptual para romper fronteras entre el arte y los discursos teóricos que lo sustentan. Dan lugar a una reformulación de su definición, un cuestionamiento de sus códigos que desemboca en una postura ensimismada, a menudo tautológica, arte sobre arte.

Ruido reciclado

Guitar Drag (2000) de Christian Marclay es una de las obras audiovisuales que mejor captura el fenómeno del ruido en el ámbito videoartístico. A lo largo de catorce minutos, este reconocido artista sonoro documenta una acción que consiste en arrastrar una guitarra eléctrica atada, por una cuerda, a un camión en movimiento. El sonido amplificado de la Fender Stratocaster emite zumbidos disonantes y frecuencias estruendosas a medida que las cuerdas y la madera del objeto se van deteriorando por el violento contacto con el asfalto. Lastimando la herramienta principal del mundo del rock, Marclay invoca tanto el espíritu Fluxus representado en los destrozos practicados a pianos de cola, como las actuaciones incendiarias de Jimi Hendrix. Producir sonidos aleatorios mediante la destrucción de instrumentos musicales es una práctica sonora improvisada que Philip Corner ya reclama a principios de los años sesenta, en defensa de la indeterminación, ante los desarrollos previsibles del serialismo integral de Anton Webern.

En el videoclip Close (To the Edit) (1984), que el realizador Zbig Rybczynski realiza para el grupo de rock experimental The Art of Noise, se arremete contra instrumentos clásicos mediante sierras mecánicas. Diversos planos de esta misma herramienta talando árboles son el elemento más significativo del vídeo Timber (1997) de Hexstatic para Coldcut. En este montaje vertiginoso registrado en la selva amazónica, el audio se compone de sonidos pertenecientes a los propios fragmentos videográficos. El proceso de reciclaje defiende la ecología audiovisual, denunciando, simultáneamente, la deforestación del planeta. No existe ningún rastro publicitario en esta pieza electrónica, sino todo lo contrario: hay un compromiso ideológico con el medio ambiente propuesto con estética rompedora. Aquí la música emerge de las imágenes, lo que se oye es lo que se ve.

Apropiarse de materiales visuales ajenos para proponer nuevos usos estéticos e ideológicos es uno de los recursos más evidentes en la videocreación actual. Found footage o scratch video son términos que designan tendencias creativas situadas alrededor del (des)montaje. Con la llegada de las herramientas digitales y la accesibilidad de internet estas estrategias se multiplican exponencialmente. La descontextualización de fragmentos audiovisuales pertenecientes al mundo del pop se observa en piezas artísticas como Fiorucci Made Me Hardcore (1999) o Crash!!! (2008). Con el primero Mark Leckey ofrece un recorrido por las diferentes escenas musicales británicas (del northern soul al acid house), centrado en los bailes de los clubs nocturnos. Se visualiza una mirada nostálgica a un pasado reciente, ensalzado con temas musicales emblemáticos, transformados en texturas ambientales atemporales. Javier Largen distorsiona gradualmente unos pocos planos de actuaciones de estrellas del rock como Pete Townshend, hasta hacerlas completamente abstractas. La dimensión auditiva de este trabajo responde al proceso de desfiguración, añadiendo estructuras repetitivas, espirales minimalistas pertenecientes a una composición de Steve Reich.

Canciones expuestas

Con la exposición This Is Not A Love Song se dibuja un recorrido híbrido por el cúmulo de influencias mutuas acontecido entre las artes visuales y la música pop. Para hacerlo se toma en consideración el punto de vista de cineastas experimentales, videocreadores y artistas visuales. Videoinstalaciones, vídeos monocanal y vídeos musicales ofrecen una amplia perspectiva del fenómeno audiovisual en relación al imaginario de la música pop-rock. Comisariada por Javier Panera, la muestra utiliza el título de una canción de Public Image Ltd. –el grupo del que fuera cantante de los Sex Pistols, Johnny Rotten– para vertebrar una selección heterogénea de piezas que ponen sobre la mesa el debate sobre la relevancia del discurso, la estética y el contexto en toda manifestación artística. Especialmente en una producción audiovisual multifacética y versátil que cuando se acerca a la música pop-rock lo hace sin los impedimentos informativos de los medios de comunicación, ni las imposiciones comerciales de la industria discográfica.

Videoclip de Ficus de Oso Leone, extraído de su disco Mokragora (Foehn, 060)
Filmado por Carlota Guerrero y Xavier Marin, y editado por Eusebio Alomar y Xavier Mari

(datos extraídos de la cuenta YouTube de la discográfica)

Del 5 al 12 de mayo se celebra en la ciudad de Madrid el festival de cine documental, Documenta Madrid. De la innumerable lista de proyecciones programadas para esta decimotercera edición del festival, cabe remarcar el ciclo dedicado a largometrajes documentales realizados durante los años de la Transición. La historiadora cinematográfica Laura Gómez Vaquero es quien ha seleccionado un conjunto de títulos que acompañan la publicación una investigación escrita sobre el tema, titulada Las voces del cambio. La palabra en el documental durante la Transición. De las diecisiete películas incluidas en el programa se encuentran Canet Rock y La Nova Cançó, dos documentales musicales que Francesc Bellmunt filmó en 1976.

» Canet Rock (1976) de Francesc Bellmunt

La canción habla de alguien que recuerda su vida después de morir y antes de alejarse completamente de su cuerpo. El vídeo es un recorrido por los lugares vacíos donde ha estado, una última mirada al mundo antes de marcharse para siempre. El viaje en coche sirve como metáfora de este viaje que es la vida.

por Vicente Gil Ginestar

Extintor de infiernos está incluída en el disco La vida es extraña y rara, el último disco de Fernando Alfaro. Sensibilidad y realidad se dan la mano en un vídeo con una fotografía luminosa y unos planos subjetivos.

(datos extraídos de la cuenta YouTube de la discográfica)