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Anbindung neuer Bezahldienstleister an bestehende Payment-Systeme

Felix Gerdes — Tue, 07 Jul 2026 09:38:51 +0000

Referenz Software-Entwicklung

Payment-Integration für Versicherungen: neue Bezahldienstleister nahtlos anbinden

Wachsende Kundenerwartungen, neue Zahlungsstandards und steigende Wettbewerbsanforderungen machen moderne Payment-Lösungen auch für Versicherungen zur strategischen Notwendigkeit. red6 integriert neue Bezahldienstleister nahtlos in bestehende Systeme – ohne Unterbrechung des laufenden Betriebs und ohne dass interne Teams tief in die Komplexität der Zahlungsabwicklung einsteigen müssen.

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Die Herausforderung

Die Migration von einem bestehenden auf einen neuen Zahlungsdienstleister ist für Versicherungen besonders anspruchsvoll, da bestehende Zahlungsprozesse, Datenstrukturen und Schnittstellen häufig eng mit dem bisherigen Anbieter verknüpft sind und gleichzeitig der laufende Geschäftsbetrieb ohne Unterbrechungen sichergestellt werden muss. Zusätzlich müssen historische Transaktionen, SEPA-Mandate, Rückerstattungen und verschiedene Zahlungsarten nahtlos unterstützt werden, während die Integration der neuen Plattform sorgfältig getestet und abgesichert wird. Gerade im Umfeld einer Versicherung kommt hinzu, dass Beitragszahlungen, Rückerstattungen und Mahnprozesse besonderen regulatorischen Vorgaben unterliegen.

Warum das bestehende System umfangreich angepasst werden musste:

- Wachsende Anforderungen der Kunden an diverse Zahlmöglichkeiten wie Apple Pay, Google Pay oder PayPal
- Reduktion der Abwicklungskosten bei externen Anbietern
- Bessere Service-Level-Agreements des Anbieters, wie Service-Verfügbarkeit, 24/7 Kundenhotline oder IT-Sicherheit/Souveränität

Unsere red6-Lösung

Durch die Integration von modernen Bezahldienstleistern profitiert Ihr Versicherungsunternehmen von einer deutlich schnelleren Time-to-Market, ohne dass Sie selbst in die komplexe Welt der Zahlungsabwicklung mit Apple Pay, Google Pay, VISA, SEPA und EBICS einsteigen müssen.

Volle Integration in ihre bestehenden Systeme

Der neue Bezahldienst wird nahtlos in die bestehende Systemlandschaft des Unternehmens eingebunden, ohne dass grundlegende Änderungen an Kernprozessen oder der bestehenden IT-Architektur erforderlich sind. Dadurch bleiben bestehende Workflows, Datenmodelle und Frontends weitgehend erhalten, während gleichzeitig moderne Zahlungsfunktionen ergänzt werden.

Migrationsbegleitung

Während des gesamten Umstellungsprozesses wird das Versicherungsunternehmen aktiv unterstützt – von der technischen Analyse über die schrittweise Umstellung bis hin zum stabilen Parallelbetrieb. Dadurch wird sichergestellt, dass laufende Zahlungsprozesse nicht unterbrochen werden und Risiken bei der Migration minimiert bleiben.

Markenbildung im Endkundenbereich

Die Zahlungsprozesse werden im Erscheinungsbild des Versicherungsunternehmens gestaltet, sodass Endkunden ein konsistentes Markenerlebnis behalten. Logos, Farben und Kommunikationsstile können in den Checkout-Prozess integriert werden, wodurch Vertrauen gestärkt und die Markenbindung auch im Zahlungsprozess erhalten bleibt.

Wie unsere Lösung Ihr Unternehmen voranbringt

- Schnellere Time-to-Market: Neue Zahlungsarten wie Apple Pay, Google Pay oder PayPal lassen sich deutlich schneller integrieren und aktivieren.
- Höhere Conversion im Checkout: Mehr und vertraute Zahlungsoptionen reduzieren Kaufabbrüche und verbessern die Kundenerfahrung.
- Geringere Komplexität & Kosten: Zentralisierte Payment-Infrastruktur reduziert Wartungsaufwand, interne Abhängigkeiten und Betriebskosten – ein Vorteil, den auch Versicherer mit ihren oft historisch gewachsenen Bestandssystemen zu schätzen wissen.
- Mehr Flexibilität & Skalierbarkeit: Einfachere Anpassung an neue Märkte, regulatorische Anforderungen und zukünftige Payment-Trends.

Ihr Ansprechpartner: Dennis Grönger

Mit unserer Lösung gewinnen Versicherungsunternehmen mehr Flexibilität bei Zahlungsoptionen, senken ihre Betriebskosten und verbessern spürbar die Conversion im Checkout – ohne ihre bestehende IT-Landschaft grundlegend umzubauen. Sprechen Sie mit Dennis Grönger und erfahren Sie, wie eine Payment-Integration konkret für Ihr Unternehmen aussehen kann.

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Von Orgelpfeifen und Software-Plugins, Teil 7: Mit Emagic von Hamburg ins Appleversum

ligeti zentrum — Mon, 06 Jul 2026 10:25:55 +0000

Von Dr. Fabian Czolbe

Während Steinberg 1996 in Hamburg den VST-Standard veröffentlichte und damit die Tür für Tausende von Plug-in-Entwickler:innen aufstieß, arbeiteten keine zehn Kilometer entfernt Gerhard Lengeling und Chris Adam in Rellingen bei Hamburg an einer anderen Antwort auf dieselbe Frage: Wie kann der Computer zu einem kreativen Werkzeug für Musiker:innen werden?

„My first synthesizer as a teenager was a Minimoog“, erinnert sich Lengeling. „It blew my mind as a musician. It sparked my interest in the crossings of technology and art. I wish that every generation could have the same opportunities.“

Es dürfte eine freundschaftliche Rivalität gewesen sein, die beide Teams antrieb

Begonnen hatte alles mit dem Atari ST, denn der Atari hatte etwas, das kein anderer Heimcomputer der 1980er-Jahre hatte: eingebaute MIDI-Anschlüsse. Für Musiker war er deshalb das Gerät der Stunde. Lengeling, damals Medizinstudent an der Universität Hamburg, und sein Partner Adam entwickelten für diesen Rechner zunächst Creator, dann Notator (ein Sequenzer, der als erster überhaupt Noten in Echtzeit anzeigen konnte, während man spielte). Der Hamburger Musikerverlag C-Lab vertrieb die Software. Steinbergs Cubase saß gleich um die Ecke und tat dasselbe – auf demselben Rechner, für dieselben Nutzer. Es dürfte eine freundschaftliche Rivalität gewesen sein, die beide Teams antrieb.

Das Problem war: Die Software gehörte ihnen nicht. C-Lab war kein Verlag im üblichen Sinne, sondern ein Unternehmen, das Lengeling und Adam die Vertriebsinfrastruktur stellte und im Gegenzug die Rechte an ihrem Code hielt. Als die Zusammenarbeit 1992 im Streit endete, standen die beiden Entwickler ohne ihr eigenes Produkt da. Notator gehörte C-Lab. Was sie jedoch mitnahmen, war das Wissen, wie man so etwas baut und die Überzeugung, es im Folgenden noch besser zu machen.

Lengeling, Adam und ihr Kollege Sven Junge gründeten in Rellingen die Emagic Soft- und Hardware GmbH und schrieben ihre Software von Grund auf neu. Das Ergebnis hieß Notator Logic und erschien 1993. Diesmal jedoch nicht für den Atari, sondern für den Mac. Der Atari war mächtig, doch der Mac die Zukunft und das verstand Lengeling früh.

Der Atari war mächtig, doch der Mac die Zukunft und das verstand Lengeling früh

Was Logic nun von Cubase unterschied, war kein Standard und keine offene Schnittstelle, sondern eine Haltung. Logic behandelte den Computer nicht nur als digitales Aufnahmegerät, sondern als Kompositionsumgebung. Den Kern bildete ein modulares Patchsystem, mit dem sich MIDI-Signale verteilen, transformieren und neu gestalten ließen. Zudem ermöglichte es der objektorientierte Editor, das jeder Kompositionsabschnitt als eigenständige, verschiebbare Einheit behandelt werden konnte, und der Hyper Editor, das einzelne MIDI-Events in grafischen Spuren sezierbar wurden. Da wo andere Sequenzer Noten und Klang streng trennten, liefen bei Logic Notation und Sequencing von Anfang an zusammen. Logic war komplex und es brauchte bereits damals Zeit, es in Gänze zu verstehen.

Cubase setzte auf Zugänglichkeit, Logic dagegen auf Differenziertheit und gewann damit Arrangeure, Komponisten und Produzenten. Ende der 1990er galt Logic auf dem Mac über Jahre hinweg als technisch überlegen. Steinberg und Emagic, zwei Hamburger Firmen, nicht weit voneinander entfernt, aber zwei grundverschiedene Philosophien.

Im Juli 2002 griff dann Apple zu. Der Konzern kaufte Emagic und es war das erste Mal, dass ein globaler Technologiekonzern ein Musiksoftware-Unternehmen übernahm. Zu dem Zeitpunkt hatten 200.000 Musiker:innen weltweit Logic im Einsatz, 65 Prozent davon auf dem Mac. Die Windows-Version wurde noch im selben Jahr eingestellt und ein Aufschrei ging durch die Branche. Was dann passierte, war für die Musikproduktion noch folgenreicher als die Übernahme selbst. Apple entwickelte Logic weiter, günstig, stabil und tief in das Betriebssystem integriert. Nebenbei baute Apple GarageBand, eine abgespeckte Version von Logic, aber kostenlos auf jedem Mac. Was in Rellingen als professionelles Werkzeug erschien, bot nun einer ganzen Generation an Musikproduzierenden einen Einstieg.

Was in Rellingen als professionelles Werkzeug erschien, bot nun einer ganzen Generation an Musikproduzierenden einen Einstieg

Lengeling wechselte mit zu Apple und blieb die musikalische Instanz hinter der Software. Er prägte die Design-Philosophie bis hin zu Logic Pro X und sorgte dafür, dass Logic trotz Konzernstrategien ein Werkzeug für Musiker:innen blieb. Im Januar 2026 ehrte ihn die MIDI Association mit dem Lifetime Achievement Award. Eine Auszeichnung für jemanden, der als Medizinstudent in Hamburg begann, Software für Musiker:innen zu schreiben, und damit die Art, wie Musik entstehen kann, grundlegend veränderte.

Über die Reihe Von Orgelpfeifen und Software-Plugins

Hamburg ist eine Musikstadt – im 17. Jahrhundert entsteht hier eine der ersten Bürgeropern Europas, große Komponist:innen wirkten seit Jahrhunderten an der Elbe, und heute reihen sich Elbphilharmonie, Musicalproduktionen und die Clubs der Reeperbahn in eine Geschichte, die klassische, populäre und experimentelle Musik gleichermaßen umfasst. Was dabei meist übersehen wird: Hamburg ist seit dem Mittelalter einer der produktivsten Orte der Welt, wenn es um Erfindung und Weiterentwicklung von Musiktechnologie geht – nicht Kulisse, sondern Werkstatt.

Die Serie Von Orgelpfeifen und Software-Plugins erzählt in acht Beiträgen eine Ideengeschichte und eine Geschichte des Wissenstransfers: von der Orgel als Hochtechnologie des Mittelalters bis zum ligeti zentrum als Entwicklungsort hybrider Instrumente der Gegenwart und Zukunft. Eine Einladung, Hamburg neu zu lesen – als Stadt mit technologischen Visionen und Musiktechnologien von Weltgeltung.

Titelfoto: Hyper Editor für die Kontrolle von MIDI Events in Notator Logic 1993 | Bild: https://www.muzines.co.uk/, UK-music-magazines-Archiv

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ligeti zentrum auf dem HHIS 2026: Innovation braucht die Künste!

ligeti zentrum — Tue, 23 Jun 2026 13:00:58 +0000

Zum dritten Jahr in Folge präsentierte sich das ligeti zentrum beim Hamburg Innovation Summit in der HafenCity. Mit Talks, interaktiven Projekten und Installationen zeigte das Transferzentrum, wie die Künste, Wissenschaft, Gesundheit und Technologie in Hamburg-Harburg zusammenwirken.

Mit einem Infostand, zwei Bühnenformaten und der immersiven Sonic Exploration Box präsentierte sich das ligeti zentrum auf dem 11. Hamburg Innovation Summit (HHIS). Das größte Innovationsevent der Hansestadt zog am 18. Juni 2026 rund 2.200 Besucher:innen ins Oberhafenquartier und bot trotz hochsommerlicher Temperaturen zahlreiche Gelegenheiten für spannende Gespräche und interdisziplinären Austausch.

Austausch in der Gleishalle

Wie arbeiten vier Hamburger Hochschulen mit unterschiedlichen Forschungsschwerpunkten gemeinsam unter einem Dach? Wie werden Wissenschaft, Technologie und Gesundheit mit den Künsten vereint? Und was hat der Komponist György Ligeti damit zu tun? Antworten auf Fragen wie diese erhielten Besucher:innen am Infostand des ligeti zentrums im HHIS-„Headquarter“ in Theorie und Praxis. Auf den „Sound Bananas“ etwa konnten sie die eigene Klangwahrnehmung durch Bewegung spielerisch testen. Die modifizierten Schaukelbananen wurden im Projekt Klangskulpturen von Quirin Nebas (Artistic Research Lab) entwickelt.

Vorträge auf der „Headquarter Stage“

Wie kann digitale Kunstvermittlung über das reine Streaming hinausgehen? Dieser Frage näherten sich Christian Frank und Peter Wolff (XR Lab) um 14:20 Uhr im Gespräch mit Jonas Laacke auf der „Headquarter Stage“. Hier stellten sie MultiView vor: verschiedene Kameraperspektiven, die sich vom digitalen Publikum frei wählen lassen. Das System findet bereits bei zahlreichen Konzertaufnahmen in der Mediathek der Hochschule für Musik und Theater Hamburg (HfMT) Anwendung.

Auch am späten Nachmittag rückte das ligeti zentrum auf der „Headquarter Stage“ erneut in den Fokus. In einem 20-minütigen Vortrag präsentierte Dr. Greg Beller (InnoLab) MusiXSpace – eine Musikproduktionsanwendung, die die Grenzen herkömmlicher Digital Audio Workstations (DAW) überschreitet. In einer sogenannten phygitalen Umgebung ist Klang nicht mehr nur eine Abstraktion auf einer Zeitachse, sondern ein räumliches und physisches Objekt, das durch Bewegungen direkt beeinflusst werden kann.

Ausprobieren in der Sonic Exploration Box

Besonders in der vom ligeti zentrum bespielten Sonic Exploration Box, einem mit Glas abgetrennten Raum in der „Innovation Corner“, ergaben sich zahlreiche persönliche Begegnungen und die Gelegenheit für Deep Dives in vier Programmpunkte und Projekte. Um 12 Uhr eröffneten Prof. Dr. Georg Hadju (Leitung ligeti zentrum), Gianni Tamanini und Barnabás Tóth den immersiven Raum mit einer angeleiteten Improvisation mithilfe von grafischer Notation, ehe Michel Blümel (Agentur für gesellschaftliche Teilhabe und Vermittlung) um 14 Uhr zeigte, wie sich im ehemaligen Kohlekraftwerk Moorburg aufgezeichnete Klänge in vollkommen neue akustische Realitäten überführen lassen. Auch um 15 Uhr konnten Besucher:innen sich kreativ ausprobieren und den Spatial Sampler XR, ein innovatives Musikinstrument von Dr. Greg Beller (InnoLab) in einer Mixed-Reality-Umgebung testen. Um 16 Uhr schließlich ging es um Stimmen und neu generierte Klangskulpturen: Der record-o-mat von Joana Welteke (Sustainable Theater Lab) und Nadja Rix zeichnet Gesagtes auf Knopfdruck auf – um es prompt zu fragmentieren, zu verfremden und neu zusammenzusetzen. Wie dieser zufallsbasierte Klangakteur klingt, zeigte das koppelbare Snappi-Lautsprechersystem von Prof. Dr. Jacob Sello (InnoLab).

Du hast das ligeti zentrum auf dem HHIS 2026 verpasst?

Auch in den kommenden Monaten gibt es zahlreiche Gelegenheiten, die Projekte des ligeti zentrums kennenzulernen. Alle kommenden Veranstaltungen, Ausstellungen, Konzerte und Workshops sind im Eventkalender zu finden.

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Von Orgelpfeifen und Software-Plugins, Teil 6: Hamburg 1996 – als das Tonstudio ins RAM zog

ligeti zentrum — Mon, 22 Jun 2026 12:39:34 +0000

Von Dr. Fabian Czolbe

1983 lernten sich der Ingenieur Karl „Charlie“ Steinberg und der Keyboarder Manfred Rürup zufällig bei einer Aufnahmesession im Delta-Studio kennen. Dies wurde zu einem der innovativsten Impulse aus Hamburg, der in den folgenden zwölf Jahren das Musik-/Tonstudio neu erfinden sollte. Das ersten Steinberg-Research-Produkte waren der DX Saver und ein bescheidener Multi-Tracker für den Commodore 64 – minimalste Mittel, größte Folgen.

When I first had the Multi-Track sequencer ready I felt it would be successful because I saw that there was nothing else like it around. I knew that using this MIDI mode gave you the capability to do such powerful things with computers

– Charlie Steinberg, 1986

Fünf Jahre später erschien, zunächst noch als reiner MIDI-Sequenzer für den Atari ST von einem Team (Werner Kracht, Wolfgang Kundrus, Chris Mercer, Michael Michaelis, Stefan Scheffler) um Charlie Steinberg entwickelt, Cubase. Mit der Maus ließen sich nun ganze Arrangements zusammensetzen, unsauber eingespielte Noten geraderücken („quantisieren“) und Tempi nach Belieben verändern. Plötzlich konnte nahezu jeder musizieren, auch ohne ein Instrument zu beherrschen. Mit Anfang der 1990er-Jahre konnte zudem eine Audiospur direkt in Cubase aufgezeichnet werden und das analoge Tonstudio sah sich seinem digitalen Doppelgänger gegenüber.

Irgendwie war jedem im Team klar, wo wir hinwollten – unsere Vision war das Studio im Computer

– Manfred Rürup, 2024

Der eigentliche Paradigmenwechsel kam jedoch 1996: Mit Cubase 3.02 definierte die Firma Steinberg die Virtual Studio Technology, kurz VST. VST war eine Schnittstelle, über die sich Hall, Chorus und Echo, ab 1999 dann auch komplette Synthesizer, als kleine Programme (Plugins) direkt in die Aufnahmesoftware einklinken ließen. Klangerzeuger und Effekte mussten nun nicht mehr als Hardware angeschafft, verkabelt und gepflegt werden. Was zehn Jahre zuvor noch in Schaltkreisen aus London, New York oder Vermont saß, zog ins RAM eines Heimcomputers und katapultierte die computergestützte Musikproduktion in neue Dimensionen.

Kurz darauf veröffentlichte Steinberg die Audio-Stream-Input/Output-Architektur (ASIO), was die Latenz zwischen Tastendruck und Klang dramatisch verringerte und die Interaktion zwischen Keyboard und Computer musikalisch machte. Beides, VST und ASIO, stellte Steinberg schließlich als freie Protokoll-Architekturen im Netz zur Verfügung. Binnen weniger Jahre wurden VST und ASIO zum globalen Standard.

Heute basiert nahezu jedes professionelle Musik-Plugin auf diesem Hamburger Standard. Ohne ihn gäbe es wohl keine solche Vielfalt an virtuellen Instrumenten und digitalen Effekten in der heutigen Form. Was bei Harald Bode in Vermont begann und bei EMS in London im Aktenkoffer landete, war mit Steinberg endgültig als innovative Musiktechnologie im Computer angekommen.

Über die Reihe Von Orgelpfeifen und Software-Plugins

Titelfoto: Steinberg Research mit Karl „Charlie“ Steinberg vor einem Atari ST Computer 1983 | Foto: Tony Hastings

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uxHH – UX Community Hamburg 2026-06-22 11:45:07

uxHH - UX Community Hamburg — Mon, 22 Jun 2026 10:45:07 +0000

Mark the date: 8-Jul-2026. Reserve a (free) spot. On-site in Hamburg-Hoheluft or online.
Our next #uxHH Roundtable is on the UX of Video Games – retro and new /with Dina Elaraby and Meik Mense-Koch
More info: https://uxhh.de/#roundtable
RSVP on eventbrite: https://www.eventbrite.de/e/uxhh-roundtable-video-game-edition-tickets-1990550679667

The Ear Wants to Hear: Interaktive Klangausstellung in Hamburg

ligeti zentrum — Wed, 17 Jun 2026 14:59:09 +0000

Vom 20. bis 25. Juni 2026 verwandelt sich das historische Schulgebäude in der Seilerstraße 43 auf St. Pauli in einen interaktiven Ausstellungsraum. Die kostenfreie Klangausstellung The Ear Wants to Hear verbindet Bewegung, Spiel und Klangwahrnehmung zu einem immersiven Erfahrungsraum.

Wie klingt eine Bananenschaukel? Wie lässt sich Klang durch Bewegung, Balance oder die eigene Stimme formen? Und wie hört sich das an? Im Projekt Klangskulpturen untersucht Quirin Nebas (Artistic Research Lab) neue Formen des Hörens, der Klanggestaltung und -wahrnehmung. Nach zahlreichen Tests verschiedener Prototypen präsentiert er im historischen Schulgebäude in der Seilerstraße 43 nun das Ergebnis: The Ear Wants to Hear, eine interaktive Klangausstellung.

Fünf Tage, vom 20. bis 25. Juni 2026, können Besucher:innen zwei Rauminstallationen testen: „Plapalapap“ – überdimensionale Ohrenskulpturen, die Stimmen aufnehmen und verfremden, und die „Sound Bananas“ – Schaukelbananen, die Balance mit Klang verknüpfen.

Die Interaktionen sind bewusst simpel gestaltet. Sie sollen kaum Überwindung kosten. Laufen, stehen, sitzen, schaukeln und wippen – das schließlich sind Bewegungen, die wohl alle im Alltag ausüben. Wie aber verändert sich die eigene Wahrnehmung durch die Verbindung mit Klängen? In der kostenlosen Ausstellung können Besucher:innen jeden Alters genau das spielerisch herausfinden.

The Ear Wants to Hear eröffnet am Samstag, den 20. Juni 2026, um 12 Uhr. Ab 18 Uhr findet zudem eine Vernissage statt.

„The Ear Wants to Hear“ – Interaktive Klangausstellung

Seilerstraße 43 (Eingang im Hinterhof)
20359 Hamburg

Ausstellung
20.–25.06., 12–18 Uhr
Eintritt frei

Vernissage
20.06., ab 18 Uhr

Weitere Informationen

Projekt Klangskulpturen
The Ear Want to Hear

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Harburg im Zeichen der Computermusik: ligeti zentrum veranstaltet erfolgreiches Begleitfestival zur ICMC HAMBURG 2026

ligeti zentrum — Wed, 17 Jun 2026 11:14:40 +0000

Mit 400 Besucher:innen, interaktiven Performances und einem internationalen Science-Slam brachte die Off-ICMC aktuelle Forschung zu computergestützter Musik aus den Konferenzräumen der ICMC HAMBURG 2026 direkt in den öffentlichen Raum Hamburg-Harburgs.

Vom 10. bis 16. Mai 2026 fand die International Computer Music Conference (ICMC) in Hamburg-Harburg statt. Damit kehrte die renommierte Konferenz für computergestützte Musik nach 26 Jahren erstmals nach Deutschland zurück. Das offizielle Konferenzprogramm ergänzte das ligeti zentrum durch die Off-ICMC. Unter dem Titel „Musik in unserer digitalen Zeit“ öffnete das kostenlose Begleitfestival einen Raum für öffentliche Konzerte, Workshops, interaktive Performances und kreativen Austausch mit der internationalen wissenschaftlichen Community. Das offizielle Konferenzmotto „Innovation, Translation, Participation“ übersetzte die Off-ICMC in alltagsnahe Fragen: „Was ist Musik für dich? Wie klingt sie heute? Wo beginnt sie, wo hört sie auf?“

Musikforschung zum Mitmachen

Um das umfangreiche Programm – bestehend aus fünf Workshops, fünf Performances, drei Konzerten und einem Science Slam – einem möglichst vielfältigen Publikum zugänglich zu machen, fanden die Veranstaltungen der Off-ICMC im öffentlichen Raum sowie in bekannten Harburger Institutionen statt. Während das Festival-Zentrum in der Harburg Info drei Tage lang als zentrale Anlaufstelle diente, beleuchteten Workshops an der Technischen Universität Hamburg (TUHH) etwa die Grundlagen des Programmierens oder neue Perspektiven auf Virtual Reality. Derweil lud das Stellwerk Hamburg zu interaktiven Installationen und Performances mit Clubatmosphäre ein.

Auch sprachlich sorgte die Off-ICMC mit mehrsprachigen Audioformaten und Live-Übersetzungen für Zugänglichkeit. Für internationalen Austausch auf der großen Bühne sorgte etwa der Science-Slam im neu sanierten Kultur Palast Harburg. Begleitet durch eine Synchronübersetzerin präsentierten internationale Künstler:innen und Forschende ihre Projekte auf humorvolle und verständliche Weise. Den besten Beitrag – ein interaktiver Vortrag über musikalische Chemie von Walker Smith (USA), 2025 dreimonatiger Resident im ligeti zentrum – wählte das Publikum.

Öffentliche und mediale Resonanz

Verteilt über sechs Tage nahmen über 400 Besucher:innen aller Altersgruppen an den Veranstaltungen der Off-ICMC teil. Die Organisator:innen aus dem ligeti zentrum – Nadine Schwalb (Agentur für Vermittlung und gesellschaftliche Teilhabe), Joana Welteke (Sustainable Theater Lab) und Christian Tschirner (Sustainable Theater Lab) – blicken auf eine erfolgreiche Programmwoche zurück. „Mit der Off-ICMC ist es unserem interdisziplinären Team gelungen, Menschen außerhalb des klassischen Konferenzkontexts zu erreichen und das Themenfeld ‚Computermusik‘ bewusst in öffentliche und nicht-universitäre Räume zu tragen“, berichtet Nadine Schwalb. „Besonders in Erinnerung geblieben sind mir die Momente, in denen Konferenzbesucher:innen und Meschen aus Harburg zusammengekommen sind – sei es zu Techno auf einem digitalen Akkordeon in der Fußgängerzone oder beim interaktiven Musikbeitrag während des Science Slams, an dem alle mit ihren Handys teilnehmen konnten.“

In der intensiven Woche sind wir auf viel Neugier, Offenheit und Interesse gestoßen. Harburg habe ich wieder einmal mehr als einen Stadtteil erlebt, in dem Menschen einander herzlich begegnen und neue Formate bereitwillig annehmen

– Nadine Schwalb, Leiterin der Agentur für Vermittlung und gesellschaftliche Teilhabe

Auch die mediale Resonanz unterstrich das öffentliche Interesse an der Verbindung von Forschung, Musik und Gesellschaft. Beiträge über das ligeti zentrum, die ICMC und Off-ICMC erschienen unter anderem bei ByteFM, im Hamburger Abendblatt sowie im NDR Hamburg Journal, Kulturjournal und auf NDR 90.3.

So geht es weiter

An den erfolgreichen und öffentlichkeitswirksamen Transfer knüpft das ligeti zentrum auch künftig an. Neben individuellen Projektpräsentationen und Veranstaltungen öffnet das gesamte Zentrum am 5. Dezember 2026 im Rahmen eines Tages der offenen Tür erneut seine Labs und Büros für interessierte Besucher:innen.

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Von Orgelpfeifen und Software-Plugins, Teil 5: Der Synthi im Koffer – Wie Bodes Idee nach Europa kam

ligeti zentrum — Wed, 17 Jun 2026 08:48:06 +0000

Von Dr. Fabian Czolbe

Denkt man an elektronische Musik der 1970er-Jahre, haben sicherlich einige Pink Floyd, Tangerine Dream oder David Bowie im Ohr. Was sie eint, ist ein Klang, der zehn Jahre zuvor in einer Hauswerkstatt in Vermont gedacht wurde und Anfang der 70er in London zum portablen Instrument reifte.

Ohne Bodes Vorarbeit wäre der europäische Synthesizer der 70er-Jahre wohl kaum denkbar gewesen

1969 gründete der Komponist und Synthi-Pionier Peter Zinovieff in London die Firma Electronic Music Studios (EMS). Sein Ziel: ein Synthesizer für die Bühne, nicht nur fürs Studio. Dafür griff er auf eine Idee zurück, die Harald Bode wenige Jahre zuvor in den USA formuliert hatte: ein spannungsgesteuertes, frei verschaltbares Modulsystem. Ohne Bodes Vorarbeit wäre der europäische Synthesizer der 70er-Jahre wohl kaum denkbar gewesen.

Den ersten EMS Synthesizer entwickelte Zinovieff gemeinsam mit David Cockerell und Peter Grogono 1969: der VCS 3. Statt Patchkabel zu verlegen wie bei Moog, verband man die Module über eine Pin-Matrix, ein Schachbrett aus Steckstiften: kompakt, übersichtlich und ein Jahr vor dem Mini-Moog auf dem Markt. Ursprünglich war er, ähnlich wie Buchlas „Electronic Music Box“, die ihrerseits Bodes Modulkonzept aufgriff, als Studiogerät zum Komponieren gedacht. Zinovieff fügte jedoch noch eine Tastatur hinzu, was den britischen Musiker:innen gerade recht kam. Während Moog- und Buchla-Instrumente auf der Insel kaum zu bekommen waren, gab es den VCS 3 vor Ort zu einem erschwinglichen Preis. Brian Eno machte ihn zur Klangsignatur seiner frühen Roxy-Music-Phase. Tangerine Dream nutzten ihn auf Phaedra zur Modulation eines Mellotrons. The Who jagten 1971 auf „Won’t get fooled again“ eine Hammondorgel durch seine Filter und King Crimson oder Jean-Michel Jarre griffen ebenfalls zu.

Der Synthi AKS klang nach Zukunft und wurde so zum Sound einer Dekade

Mit dem Synthi 100 erschien 1971 das EMS-Flaggschiff: zwölf Oszillatoren, Digitalsequencer, zwei 60×60-Matrizen – ein ganzes Tonstudio in einer Maschine. Nur 31 Exemplare wurden gebaut und standen in Rundfunkanstalten Europas und den USA wo sie von Künstlern wie Karlheinz Stockhausen, Rolf Gehlhaar oder Stevie Wonder gespielt wurden.

Ein Jahr später brachte EMS den Synthi AKS, eine VCS-3-Variante im Aktenkoffer, mit Touchpad-Tastatur und eingebautem Sequencer heraus. Der AKS prägte den Sound von Pink Floyds Dark Side of the Moon und die Hi-Hat von „On the Run“ ist in Wahrheit nur ein kurzes Rauschsignal des VCS. Der Synthi AKS klang nach Zukunft und wurde so zum Sound einer Dekade.

Was in Vermont als Projekt begann, wurde in London zum Instrument einer Generation. Bodes Gedanken vom Synthesizer ohne feste Form waren auf der Bühne angekommen.

Über die Reihe Von Orgelpfeifen und Software-Plugins

Titelfoto: EMS Synthi AKS von 1972 | Foto: Kimi95 CC BY-SA 3.0

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Von Orgelpfeifen und Software-Plugins, Teil 4: Der „Vater des Modularsynthesizers“ war ein Hamburger

ligeti zentrum — Mon, 08 Jun 2026 12:43:54 +0000

Von Dr. Fabian Czolbe

Wer heute einen Synthesizer hört, in einem Popsong, in Filmmusik oder in EDM hört das Echo eines Ingenieurs, den kaum jemand kennt: Harald Bode. Geboren 1909 in Hamburg, gestorben 1987 in den USA – dazwischen wohl einer der stillsten, aber folgenreichsten Entwickler für die elektronischen Musik im 20. Jahrhundert.

Bode wuchs in einem musikalischen Haushalt auf: Der Vater spielte Orgel, die Mutter Cembalo. Statt Musiker wurde er aber Physiker. An der Universität Hamburg studierte er Physik und Mathematik, schloss 1934 ab und baute schon kurz darauf eines der ersten polyphonen elektronischen Tasteninstrumente – die Warbo Formant Orgel von 1937. Hamburg war für Bode nicht der Ort, an dem er bekannt wurde, sondern der, an dem er das Denken in Schaltkreisen, Schwingungen und Klangfarben lernte. 1954 zog er in die USA, wo er tagsüber für Estey Organ arbeitete und abends an einer Idee tüftelte, die so einfach wie radikal war: Was wäre, wenn ein elektronisches Musikinstrument keine feste Form mehr hätte?

Hamburg war für Bode nicht der Ort, an dem er bekannt wurde, sondern der, an dem er das Denken in Schaltkreisen, Schwingungen und Klangfarben lernte

Ende 1959 stand das Konzept vom Audio System Synthesizer. Statt Röhren setzte Bode auf die noch junge Transistortechnik – seine Module wurden kleiner, stabiler und für Studio und Bühne tauglich. Oszillatoren, Filter, ein Bandschleifenhall, ein Tapedeck und ein Ringmodulator ließen sich per Kabel beliebig verschalten und über Steuerspannungen lenken: das erste patchbare, spannungsgesteuerte Modulsystem überhaupt. Zudem musste das Instrument seinen Klang nicht selbst erzeugen – über ein Mikrofon oder einen LineIn ließ sich beliebige Klänge einspeisen und verfremden. Aus dem Synthesizer wurde so zugleich ein Klangbearbeiter, ein Vorläufer späterer Effektketten eines Studios.

Bodes Gedanken wurden zur Grundlage der gesamten modernen Synthesizer-Architektur und er selbst damit wohl zum Vater des Modularsynthesizers

1960 stellte Bode das System auf der Tagung der Audio Engineering Society in New York vor. Im Saal saß der junge Robert Moog, der Bodes Konzept aufgriff und daraus wenige Jahre später den berühmten Moog-Synthesizer entwarf – auch Donald Buchla übernahm das Prinzip. Ab 1962 arbeitete Bode zudem eng mit dem Komponisten Vladimir Ussachevsky zusammen und entwickelte aus dieser Verbindung den Bode-Ringmodulator und Frequenzschieber, die in zahlreiche Studios und Synthesizer einzogen.
Bodes Gedanken wurden zur Grundlage der gesamten modernen Synthesizer-Architektur und er selbst damit wohl zum Vater des Modularsynthesizers. Dass diese Geschichte in einem Hamburger Hörsaal begann, weiß kaum jemand.

Weiterführende Informationen zu Harald Bode und seinem Wirken finden sich auf der Seite des ZKM Karlsruhe, wo sich auch der Nachlass Bodes archiviert ist.

Über die Reihe Von Orgelpfeifen und Software-Plugins

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Kill the HiPPO: Wie kleine Software-Teams entscheiden, was sie bauen

Steve McLeod — Tue, 02 Jun 2026 05:30:42 +0000

Ich habe vor Kurzem zusammen mit einem Co-Autor ein Buch geschrieben: Kill the HiPPO. Darin gehen wir der Frage nach, wie kleine, eigenfinanzierte Software-Unternehmen entscheiden, welches Feature sie als Nächstes bauen.

Zu diesem Thema gibt es bereits jede Menge Material – allerdings mit einem starken Bias: Das meiste richtet sich an Teams in großen Organisationen mit üppigen Ressourcen und oft auch VC-Funding. Dabei wird der Großteil aller Software von kleinen, eigenfinanzierten Teams entwickelt. Und diese Teams arbeiten unter völlig anderen Voraussetzungen. Im Grunde haben sie von allem weniger: weniger Daten, weniger Zeit, weniger Ressourcen und weniger Leute. Trotzdem müssen sie kritische Produktentscheidungen treffen.

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Weitere red6 Referenzen

Anomalie-Erkennung in Logfiles mithilfe von AI

Umsetzung der Anforderungen des Digital Operational Resilience Act (DORA)

Entwicklung und Betrieb einer Wissensmanagement-Software als SaaS-Produkt

Semantische Suche von Dokumenten in einem Vertriebsportal

AI-gestützte Zusammenfassung komplexer GOÄ-Inhalte

Anbindung neuer Bezahldienstleister an bestehende Payment-Systeme

Entwicklung und Betrieb des größten europäischen Bestandssystems für Versicherungen

Gap-Analyse zur Umsetzung digitaler Barrierefreiheit im Online-Vertrieb

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Von Orgelpfeifen und Software-Plugins, Teil 7: Mit Emagic von Hamburg ins Appleversum

Es dürfte eine freundschaftliche Rivalität gewesen sein, die beide Teams antrieb

Der Atari war mächtig, doch der Mac die Zukunft und das verstand Lengeling früh

Was in Rellingen als professionelles Werkzeug erschien, bot nun einer ganzen Generation an Musikproduzierenden einen Einstieg

Über die Reihe Von Orgelpfeifen und Software-Plugins

Titelfoto: Hyper Editor für die Kontrolle von MIDI Events in Notator Logic 1993 | Bild: https://www.muzines.co.uk/, UK-music-magazines-Archiv

ligeti zentrum auf dem HHIS 2026: Innovation braucht die Künste!

Zum dritten Jahr in Folge präsentierte sich das ligeti zentrum beim Hamburg Innovation Summit in der HafenCity. Mit Talks, interaktiven Projekten und Installationen zeigte das Transferzentrum, wie die Künste, Wissenschaft, Gesundheit und Technologie in Hamburg-Harburg zusammenwirken.

Austausch in der Gleishalle

Vorträge auf der „Headquarter Stage“

Ausprobieren in der Sonic Exploration Box

Du hast das ligeti zentrum auf dem HHIS 2026 verpasst?

Von Orgelpfeifen und Software-Plugins, Teil 6: Hamburg 1996 – als das Tonstudio ins RAM zog

When I first had the Multi-Track sequencer ready I felt it would be successful because I saw that there was nothing else like it around. I knew that using this MIDI mode gave you the capability to do such powerful things with computers

Irgendwie war jedem im Team klar, wo wir hinwollten – unsere Vision war das Studio im Computer

Über die Reihe Von Orgelpfeifen und Software-Plugins

Titelfoto: Steinberg Research mit Karl „Charlie“ Steinberg vor einem Atari ST Computer 1983 | Foto: Tony Hastings

uxHH – UX Community Hamburg 2026-06-22 11:45:07

The Ear Wants to Hear: Interaktive Klangausstellung in Hamburg

Vom 20. bis 25. Juni 2026 verwandelt sich das historische Schulgebäude in der Seilerstraße 43 auf St. Pauli in einen interaktiven Ausstellungsraum. Die kostenfreie Klangausstellung The Ear Wants to Hear verbindet Bewegung, Spiel und Klangwahrnehmung zu einem immersiven Erfahrungsraum.

„The Ear Wants to Hear“ – Interaktive Klangausstellung

Harburg im Zeichen der Computermusik: ligeti zentrum veranstaltet erfolgreiches Begleitfestival zur ICMC HAMBURG 2026

Mit 400 Besucher:innen, interaktiven Performances und einem internationalen Science-Slam brachte die Off-ICMC aktuelle Forschung zu computergestützter Musik aus den Konferenzräumen der ICMC HAMBURG 2026 direkt in den öffentlichen Raum Hamburg-Harburgs.

Musikforschung zum Mitmachen

Öffentliche und mediale Resonanz

In der intensiven Woche sind wir auf viel Neugier, Offenheit und Interesse gestoßen. Harburg habe ich wieder einmal mehr als einen Stadtteil erlebt, in dem Menschen einander herzlich begegnen und neue Formate bereitwillig annehmen

So geht es weiter

Von Orgelpfeifen und Software-Plugins, Teil 5: Der Synthi im Koffer – Wie Bodes Idee nach Europa kam

Ohne Bodes Vorarbeit wäre der europäische Synthesizer der 70er-Jahre wohl kaum denkbar gewesen

Der Synthi AKS klang nach Zukunft und wurde so zum Sound einer Dekade

Über die Reihe Von Orgelpfeifen und Software-Plugins

Titelfoto: EMS Synthi AKS von 1972 | Foto: Kimi95 CC BY-SA 3.0

Von Orgelpfeifen und Software-Plugins, Teil 4: Der „Vater des Modularsynthesizers“ war ein Hamburger

Hamburg war für Bode nicht der Ort, an dem er bekannt wurde, sondern der, an dem er das Denken in Schaltkreisen, Schwingungen und Klangfarben lernte

Bodes Gedanken wurden zur Grundlage der gesamten modernen Synthesizer-Architektur und er selbst damit wohl zum Vater des Modularsynthesizers

Über die Reihe Von Orgelpfeifen und Software-Plugins

Titelfoto: Harald Bode | © Harald Bode, ZKM | Karlsruhe, Nachlass Harald Bode

Kill the HiPPO: Wie kleine Software-Teams entscheiden, was sie bauen

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