Esta canción ayudó a perpetuar la imagen de los Stones como los aterradores chicos malos, totalmente opuesta a la de The Beatles y fue un tremendo éxito para la banda.

La letra fue inspirada por “The Master and Margarita” (El Maestro y Margarita), un libro de Mikail Bulgakov. En el momento, la cantante británica Marianne Faithfull era la novia de Mick Jagger y le había regalado el libro. Faithfull provenía de una familia de clase alta y expuso a Jagger a muchas nuevas ideas. En el libro, el diablo pertenece a una clase social sofisticada y se nos presenta como un “hombre de riqueza y buen gusto.”

El libro, escrito durante la represión soviética de la década de 1930 –cuando las obras de Mijail Bulgakov se habían prohibido,- envuelve su mensaje anti-estalinista en una alegoría compleja del bien y del mal. El personaje principal lo forma Satanás, que se nos aparece bajo la apariencia de un extranjero y autoproclamado mago, de origen oscuro, llamado Voland.

Jagger afirma que la canción nos habla del lado oscuro del hombre y no es una celebración del satanismo.

El cineasta francés Jean-Luc Godard realizó un documental llamado “One Plus One” donde captura las sesiones de grabación de esta canción, las cuales se llevaron a cabo durante cinco días, desde el 5 de Junio hasta el 10 del mismo mes en 1968. En un momento dado, una de las lámparas usadas para el documental provocó un incendio en el estudio. Aunque las cintas se salvaron, gran parte de los equipos de los Stones fueron destruidos.

El título original era “The Devil is my Name.” Jagger dice: “Las canciones pueden sufrir varias metamorfosis y “Sympathy for de Devil” es una de esas canciones que comenzó de una manera diversa. La escribí en una forma y luego seguimos con el cambio del ritmo. Entonces pasó a ser completamente diferente. Llegó un momento en que nos pareció muy emocionante. Empezó como una canción popular y luego se convirtió en una Samba. Una buena pieza puede transformarse en cualquier cosa. Ésta tiene un montón de referencias históricas y mucho de poesía.”

Keith Richards en 2002, declaró: “’Sympathy’ es una canción muy edificante. Es el hecho de enfrentar y mirar al diablo en la cara. Él está allí todo el tiempo. Yo, personalmente, he tenido un estrecho contacto con Lucifer, me he topado con él varias veces. La gente malvada tiende a esconderse y no mostrarnos su horrible cara. ‘Simpatía por el Diablo’ resulta tan apropiada ahora, con lo sucedido el 11 de Septiembre.” Refiriéndose a los atentados del 11 de Septiembre de 2001. (Comúnmente denominados como 9/11 en el mundo anglosajón y 11-S en España y Latinoamérica, fueron una serie de atentados suicidas que implicaron el secuestro de cuatro aviones de pasajeros por parte de 19 miembros de la red yihadista Al-Qaida). “Ahí se nos presenta de nuevo de una manera desgarradora. Cuando la canción fue escrita era una época de confusión. Fue el primer caos de tipo internacional desde la Segunda Guerra Mundial. La confusión no es una aliada de la paz y el amor. Quieres pensar que el mundo es un lugar perfecto y todos hemos sido absorbidos por esa idea. Estados Unidos se ha enfrentado a ello muy a su pesar y no se puede ocultar. Es mejor aceptar el hecho de que el mal existe y enfrentarlo de cualquier manera que sea posible. ‘Simpatía por el Diablo’ es una canción que nos dice, ‘No se olviden de él.’ Si te le enfrentas, él se queda sin su trabajo de maldad.”

En el concierto de 1969, en Altamont Speedway, una persona del público fue fatalmente apuñalada. A pesar de que los Rolling Stones interpretaban en ese momento “Under My Thomb”, debido a la protesta pública que el incidente causó, durante 7 largos años no la cantaron, pues se había corrido la voz que el apuñalamiento ocurrió cuando tocaban “Sympathy For The Devil.”

Algunos de los acontecimientos históricos mencionados en la canción son: La crucifixión de Jesús, la Revolución Rusa, la Segunda Guerra Mundial y los asesinatos de los Kennedy. Aunque el asesinato de Robert Kennedy ocurrió después de ser escrita la letra de la canción, la misma fue modificada para poder incluir este hecho.

Otros acontecimientos históricos que se aluden son, la Guerra de los 100 Años, “Fought for ten decades” (lucharon por diez décadas), y el Holocausto, “and the bodies stank” (y los cuerpos –quemados- hedían).

Keith y Anita

La novia de Keith Richards, Anita Pallenberg, durante una de las sesiones de ensayo comenzó, como un juego, a cantar “Whoo-Whoo” en los coros. A los Stones les gustó como sonaba y decidieron incluirlo en la canción. La misma Pallenberg cantó los coros en la grabación, junto con Keith Richards, Brian Jones, Bill Wyman, Marianne Faithfull y Jimmy Miller.

La línea “Troubadours who got killed before the reached Bombay” (Trovadores que fueron asesinados antes de llegar a Bombay), hace referencia a los hippies que viajaban por el “Hippie Trail” por carretera. Muchos de ellos fueron asesinados y estafados por vendedores de drogas en Afganistán y Pakistán. Los negocios turbios fueron probablemente las trampas (“traps”).

Dice Richards: “Sympathy for the Devil comenzó como una especie de canción popular con acústica, luego finalizó como una especie de samba loca, conmigo tocando el bajo y mezclando el sonido de la guitarra más tarde. Por eso no me gusta ir al estudio con las canciones completamente elaboradas o planeadas de antemano.”

En 1995 Jagger declaró: “Tiene un ritmo muy hipnótico; es una samba que tiene un enorme poder hipnótico, algo así como una buena música para bailar. No cambia de velocidad, ni aumenta, ni disminuye, simplemente mantiene este surco constante. Además, el ritmo de samba es fabuloso para cantar, pero también contiene otras sugerencias, una corriente subterránea del ser primitivo, porque tiene la parte primitiva de África mezclada con América del Sur. Así que para los blancos contiene algo siniestro, si se quiere. Pero olvidando los colores culturales, es un vehículo muy bueno para la producción de una pieza de gran alcance. Si se hubiera hecho como una balada, no habría sido tan buena.”

Jagger continúa: “Sabía que era una buena canción. Simplemente tienes esta sensación. Tiene su comienzo poético y después todas las referencias históricas, filosóficas, apuntes, etc. Está muy bien escribir todo eso en un verso, pero convertirlo en una canción, es algo completamente diferente.”

Entre las cosas interesantes que encontré sobre esta canción, les mencionaré algunas que me parecieron relevantes.

En su gira de 1989 “Steel Wheels/Urban Jungle Tour”, Los Stones la cantaron mientras Jagger permanecía desde lo más alto del escenario rodeado de un gran fuego. Claro, Jagger llevaba un cinturón de seguridad para prevenir cualquier posible caída.

También la interpretaron para “Rock and Roll Circus,” un especial de la televisión británica que fue grabado en 1968, pero que nunca había salido al aire. Sin embargo, en 1995 fue lanzado en vídeo. Durante la actuación, Jagger se quita la camisa para revelar una serie de tatuajes diabólicos en sus brazos y pecho.

Las primeras líneas con que comienza la canción, “Please allow me to introduce myself, I’m a man of wealth and taste”, fueron citadas por el personaje del Diablo interpretado por el actor Rick Collins, en la película The Toxic Avenger Part III: The Last Temptation of Toxie.

En 2003, los Stones lanzaron un “súper-sencillo” con cuatro versiones de esta canción. La original estaba allí, así como las versiones de The Neptunes, Fatboy Slim y Full Phatt.

Un verso de la letra fue recitado por el Vicepresidente de Intel, Steve McGeady, durante su testimonio en el juicio antimonopolio de Microsoft en Noviembre de 1998. McGeady había escrito un memorándum sobre Microsoft, donde el asunto del mismo rezaba: “Simpatía por el Diablo.” Cuando se le preguntó si estaba llamando a Microsoft “el diablo,” McGeady recitó el pasaje de la lírica que dice “Use all your well-learned politesse.”

En su libro “Mystery Train,” Greil Marcus afirma que esta canción fue influenciada por la canción de Robert Johnson “Me and the Devil Bues.” Sin embargo, Keith Richards describe la influencia de Johnson como “igual que un cometa o un meteoro”, en las notas de Robert Johnson – The Complete Recordings.

Guns N’Roses hizo una versión en 1995 para la película Interview With The Vampire. La canción aparece al final del filme, que protagoniza Tom Cruise, Brad Pitt y una joven Kirsten Dunst. Esta versión ocupó el puesto Nro. 9 en Inglaterra.

En 2006, fue incluida en la lista de la revista The National Review como una de las 50 canciones de rock más conservadoras. Alegaron que es un tema anti-comunista y conservador, y el diablo que se menciona en la canción, es la Rusia comunista y el comunismo en sí.

Sympathy For The Devil
The Rolling Stones

(Mi traducción)

Please allow me to introduce myself / Permíteme que me presente
I’m a man of wealth and taste / Soy un hombre de riqueza y buen gusto
I’ve been around for a long, long year / He estado alrededor por un año largo, largo
Stole many a man’s soul and faith / Robé a muchos hombres su alma y su fe
And I was ’round when Jesus Christ / Y yo estaba alrededor cuando Jesucristo
Had his moment of doubt and pain / Tuvo su momento de duda y dolor
Made damn sure that Pilate /Me aseguré por los infiernos que Pilatos
Washed his hands and sealed his fate / Lavase sus manos y sellara su destino

Pleased to meet you / Encantado de conocerte
Hope you guess my name / Espero adivines mi nombre
But what’s puzzling you / Pero lo que te desconcierta
Is the nature of my game / Es la naturaleza de mi juego

I stuck around St. Petersberg / Di un golpe en San Petersburgo
When I saw it was a time for a change / Cuando vi que era hora de un cambio
Killed the Tzar and his ministers / Maté al Zar y a sus ministros
Anastasia screamed in vain / Anastasia gritó en vano

I rode a tank / Conduje un tanque
Held a general’s Rank / Mantuve el rango de general
When the Blitzkrieg raged / Cuando la Blitzkrieg hizo estragos
And the bodies stank / Y los cuerpos hedían

Pleased to meet you / Encantado de conocerte
Hope you guess my name, oh yeah / Espero que adivines mi nombre, oh yeah
What’s puzzling you / Lo que te tiene intrigado
Is the nature of my game, oh yeah / Es la naturaleza de mi juego, oh yeah

I watched with glee / Observé con júbilo
While your kings and queens / Mientras vuestros reyes y reinas
Fought for ten decades / Luchaban durante diez décadas
For the Gods they made / Por causa de los dioses que crearon

I shouted out / Grité al viento
“Who killed the Kennedys?” / “¿Quién mató a los Kennedy?”
When after all / Cuando después de todo
It was you and me / Fuimos tú y yo

Let me please introduce myself / Déjame, por favor, que me presente
I’m a man of wealth and taste / Soy un hombre de riqueza y buen gusto
And I laid traps for troubadours / Y puse trampas para los trovadores
Who get killed before they reached Bombay / Asesinados antes que llegaran a Bombay

Pleased to meet you / Encantado de conocerte
Hope you guessed my name, oh yeah / Espero que hayas adivinado mi nombre, oh yeah
But what’s puzzling you / Pero lo que te desconcierta
Is the nature of my game, / Es la naturaleza de mi juego,
oh yeah, get down, baby / Oh yeah, disfruta con abandono, baby

Pleased to meet you / Encantado de conocerte
Hope you guessed my name, oh yeah / Espero que hayas adivinado mi nombre, oh yeah
But what’s confusing you / Pero lo que te está confundiendo
Is just the nature of my game / Es simplemente la naturaleza de mi juego

Just as every cop is a criminal / Así como cada policía es un criminal
And all the sinners saints / Y todos los pecadores santos
As heads is tails / Así como la cara es cruz
Just call me Lucifer / Sólo llámame Lucifer
‘Cause I’m in need of some restraint / Porque necesito algo de freno

So if you meet me / Así que si te encuentras conmigo
Have some courtesy / Ten un poco de cortesía
Have some sympathy, and some taste / Ten algo de simpatía y cierto gusto
Use all your well-learned politesse / Usa todos los buenos modales aprendidos
Or I’ll lay your soul to waste, um yeah / O haré que se pudra tu alma, um yeah

Pleased to meet you / Encantado de conocerte
Hope you guessed my name, um yeah / Espero adivines mi nombre, um yeah
But what’s puzzling you / Pero lo que te desconcierta
Is the nature of my game, um baby, get down / Es la naturaleza de mi juego, um baby, disfruta con abandono

Woo, who / Woo, quién
Oh yeah, get on down / Oh yeah, disfruta
Oh yeah / Oh yeah
Oh yeah! / Oh yeah!

Tell me baby, what’s my name / Dime baby, ¿cuál es mi nombre?
Tell me honey, baby guess my name / Dime, cariño, baby adivina mi nombre
Tell me baby, what’s my name/ Dime baby, ¿cuál es mi nombre?
I tell you one time, you’re to blame / Te lo diré una vez, eres culpable

Ooo, who / Ooo, quién
Ooo, who/ Ooo, quién
Ooo, who/ Ooo, quién
Ooo, who, who / Ooo, quién, quién
Ooo, who, who/ Ooo, quién, quién
Ooo, who, who/ Ooo, quién, quién
Ooo, who, who/ Ooo, quién, quién
Oh, yeah / Oh, yeah

What’s my name / ¿Cuál es mi nombre?
Tell me, baby, what’s my name / Dime, baby, ¿cuál es mi nombre?
Tell me, sweetie, what’s my name / Dime, dulzura, ¿cuál es mi nombre?

Ooo, who, who/ Ooo, quién, quién
Ooo, who, who/ Ooo, quién, quién
Ooo, who, who/ Ooo, quién, quién
Ooo, who, who/ Ooo, quién, quién
Ooo, who, who/ Ooo, quién, quién
Ooo, who, who/ Ooo, quién, quién
Ooo, who, who/ Ooo, quién, quién
Oh, yeah / Oh, yeah

Esta canción fue inspirada basada en las experiencias de Joel mientras tocaba en “The Executive Room”, un piano bar en Los Angeles, luego de que lanzara su primer álbum como solista: “Cold Spring Harbor”. Joel lo menciona en una entrevista para el periódico Metro, el 6 de Julio de 2006: “Fue algo temporal que se extendió por seis meses, pues tenía que pagar la renta. Estaba viviendo en Los Angeles y tratando de salir de un contrato de grabación que había firmado que se tornó agrio. Trabajaba bajo el nombre de Bill Martin. No tengo idea del por qué esa canción se hizo tan popular. Es como una de las favoritas para karaoke. La melodía no es tan buena y es más bien repetitiva, mientras que la letra va en rimas. Estaba conmocionado y a la vez avergonzado cuando se convirtió en un éxito. Sin embargo, mis canciones son como mis hijos y cuando veo ésta canción, entonces pienso, ‘bueno, mi hijo lo hizo bastante bien’.”

Joel tocaba bajo el nombre de Bill Martin, lo que explica el motivo de que en la canción, los clientes del lugar, se refieran a él como Bill. Martin es su segundo nombre.

Piano Man es la primera canción del álbum y la que le da el título al mismo. Fue lanzado poco después de firmar con Columbia Records. Mientras su primer disco había sido bajo la firma Family Records, en 1971, el contrato que había aceptado con ellos se convertiría a la larga en una amarga experiencia. Como usualmente sucede con los jóvenes músicos, Joel no entendió el contrato en el que acababa de poner su rubrica, ya que le ataba “de por vida” al sello musical. Durante años, aún después de haber firmado con Columbia, Joel se vio forzado a pagar miles de dólares a Family Records por regalías y derechos de autor.

La canción que les traigo hoy, con su alegre ritmo de waltz, podría pasar como algo superficial. Sin embargo, la lírica de de la misma, está llena de una profundidad sorprendente. Entre líneas nos habla sobre la soledad de las personas, del lugar donde todos se reúnen para olvidar sus penas y la necesidad de compañía de todo ser humano, así como los anhelos de cada uno de los personajes que forman parte de la canción.

Hablemos sobre alguno de los caracteres que nos presenta Joel. Nos encontraremos con Paul, quien es un corredor de bienes raíces, pero también es un escritor de novelas. La realidad es que sí existió tal persona, quien era asiduo al bar y siempre alardeaba de estar trabajando en “el libro” que le daría a conocer. Joel supuso que Paul nunca terminaría el libro, ya que siempre estaba sentado en el bar.

Después, tenemos a Davy, “quien aún está en la marina y probablemente lo estará el resto de su vida”. Se pudiera interpretar que continúa en la Marina o, estando ya retirado, sigue viviendo sus días de gloria pasada. Sin embargo, el personaje fue inspirado por David Heintz. Su hija Lisa explica: “Él, mi padre, conoció a Billy Joel en un pub en España en 1972, estando en la Marina. Mientras perteneció al Cuerpo de Marines, se casó y tuvo tres hijos. En 2003, falleció de Esclerosis Lateral Amiotrófica (ELA ó ALS por sus siglas en inglés). Realmente me siento herida cuando oigo tocar esta canción en la radio y dejan esta parte afuera.”

Aquí debo aclarar que en la versión lanzada para la difusión radial, Columbia Records eliminó el verso de “Paul” y “David”, adaptando la pieza más acorde con el tiempo de duración para el radio en 3.05 minutos, siendo 5:35 la original. Esto enfureció tanto a Joel, que en su próximo disco grabó la canción “The Entertainer“, donde expresó lo que pensaba: “Fue una hermosa canción / pero duraba demasiado tiempo / si quieres tener un éxito / tienes que hacer que encaje / Como no encajaba, la recortaron a 3:05.”

Aunque Billy Joel sí escribió sobre la gente que realmente conoció en el bar, en la mayoría de los casos empleó diferentes nombres para ellos. Así pues, tenemos a “John” y “Paul” en la canción. Es su manera personal de rendir homenaje a John Lennon y Paul McCartney, pues Joel es un gran fan de The Beatles.

Paul McCartney ha dicho que esta es la canción que más le hubiera gustado haber escrito.

La parte donde suena la armónica se inspira en Bob Dylan. Dylan fue la primera persona que Joel vio usando una correa, con un arnés, para poder sujetar la armónica mientras la hace sonar. De esta manera puede tener las manos libres y tocar otro instrumento al mismo tiempo. Cabe señalar que Joel, en sus presentaciones personales, incluye el sujetador de la armónica para poder tocar simultáneamente tanto el piano como la armónica.

En sus espectáculos en vivo, Billy Joel nunca canta la parte del coro. Dejó de hacerlo, pues las voces del público le ahogaban su propia voz. Así que, por lo general, deja de tocar, se dirige al público y le sujeta el micrófono a la multitud para que sean ellos quienes canten el estribillo.

En 1980 la cantante española Ana Belén lanza el disco “Con las manos llenas,” en el que se incluyó una versión de este tema que, bajo el título “El hombre del piano,” es una adaptación de Víctor Manuel, sobre la canción que nos ocupa. Esta pieza se convierte en una de las más importantes de la carrera musical de Ana Belén en España. Sin embargo, debo señalar que lo único que conserva de la letra original es que “el micrófono huele a cerveza.” En ella se habla más sobre el pianista que “se agarra a su tabla de naufrago, volviendo a su eterna canción”, su pasado, su depresión por un amor no correspondido y su propio alcoholismo. Apenas se hace un esbozo de los personajes que menciona Billy Joel, donde son éstos los protagonistas y el pianista un simple observador que nos relata la historia.

Fuentes:

Metro New York
Songfacts
Wikipedia

Piano Man

Billy Joel

(Traducción: Sara / Ulianova)

It’s nine o’clock on a Saturday / Son las nueve en punto de un Sábado
The regular crowd shuffles in / El público regular se entremezcla
There’s an old man sitting next to me / Hay un viejo sentado a mi lado
Makin’ love to his tonic and gin / Haciéndole el amor a su gin-tonic

He says, “Son, can you play me a memory? / Él dice: “Hijo ¿puedes tocarme un recuerdo?
I’m not really sure how it goes / No estoy muy seguro de cómo era
But it’s sad and it’s sweet and I knew it complete / Pero es triste y es dulce, y yo la sabía completa
When I wore a younger man’s clothes.” / Cuando usaba la ropa de un hombre más joven.”

La la la, de de da
La la, de de da da da

Chorus / Coro
Sing us a song, you’re the piano man / Cántanos una canción, eres el pianista
Sing us a song tonight / Cántanos una canción esta noche
Well, we’re all in the mood for a melody / Bueno, todos tenemos ganas de una melodía
And you’ve got us feelin’ alright / Y tú nos haces sentir bien

Now John at the bar is a friend of mine / Ahora John en el bar es amigo mío
He gets me my drinks for free / Él me da los tragos gratis
And he’s quick with a joke or to light up your smoke / Y es veloz con los chistes o para encenderte un cigarrillo
But there’s someplace that he’d rather be / Pero hay otro lugar donde él preferiría estar
He says, “Bill, I believe this is killing me.” / Él dice, “Bill, creo que esto me está matando.”
As the smile ran away from his face / Mientras la sonrisa se desvanece en su rostro
“Well I’m sure that I could be a movie star / “Bueno yo estoy seguro que podría ser una estrella de cine
If I could get out of this place.” / Si sólo pudiera irme de este lugar.”

Oh, la la la, de de da
La la, de de da da da

Now Paul is a real estate novelist / Ahora Paul, es un corredor de bienes raíces y escritor de novelas
Who never had time for a wife / Quien nunca tuvo tiempo para una esposa
And he’s talkin’ with Davy who’s still in the navy / Y está hablando con Davy, quien aún está en la Marina
And probably will be for life / Y probablemente esté allí de por vida

And the waitress is practicing politics / Y la mesonera practica la política
As the businessmen slowly get stoned / Mientras los hombres de negocios lentamente se embriagan
Yes, they’re sharing a drink they call loneliness / Sí, ellos comparten un trago que le llaman soledad
But it’s better than drinkin’ alone / Pero es mejor que estar bebiéndolo solos

Chorus/ Coro

It’s a pretty good crowd for a Saturday / Esta bastante lleno para ser un Sábado
And the manager gives me a smile / Y el dueño me regala una sonrisa
‘Cause he knows that it’s me they’ve been comin’ to see / Porque sabe que es a mí a quien ellos vienen a ver
To forget about life for a while / Para olvidar sobre sus vidas por un rato
And the piano, it sounds like a carnival / Y el piano suena como un carnaval
And the microphone smells like a beer / Y el micrófono huele como cerveza
And they sit at the bar and put bread in my jar / Y ellos se sientan en el bar y ponen propinas en mi jarra
And say, “Man, what are you doin’ here?” / Y dicen, “Hombre, ¿qué haces aquí?

Oh, la la la, de de da
La la, de de da da da

Chorus/ Coro

John Lennon y Yoko Ono escribieron esta canción en su habitación, en un hotel de la Ciudad de Nueva York y la grabaron durante la tarde del 28 de Octubre, de 1971, en The Record Plant Studios, New York, con la ayuda del productor Phil Spector, quien había trabajado en algunas de las canciones de The Beatles. El sencillo sería lanzado el 6 de Diciembre de ese año, en Estados Unidos, pero ni siquiera llegó a las listas de popularidad; por su parte, en el Reino Unido sería retrasada su edición hasta noviembre del año siguiente.

Para continuar con la historia de esta bella pieza musical, deberemos remitirnos al hervidero que provocó el enfrentamiento entre Vietnam del Sur y Vietnam del Norte (desde 1959 hasta 1975). Lo que desembocó en una guerra entre ambos países, se convertiría en un conflicto internacional cuando, Estados Unidos y otros 40 países más, apoyaron a Vietnam del Sur, mientras que la Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS) y la República Popular China suministraban municiones a Vietnam del Norte y al Vietcong.

Aunque las manifestaciones en contra se iniciaron casi desde el comienzo de la intervención, en 1968 fue cuando definitivamente los movimientos contra la guerra de Vietnam comenzaron a ser mayoritarios. La oposición a la guerra se extendió dentro y fuera de Estados Unidos entre la juventud, siendo una de las causas de los movimientos contra el sistema, al igual que el movimiento hippie que promovía “Paz y Amor.” Las universidades estadounidenses fueron escenario de manifestaciones de protesta contra la implicación de Estados Unidos en una guerra no declarada y, en opinión de muchos, injustificada. Hubo encuentros violentos entre los estudiantes y la policía con el resultado de terribles masacres. En octubre de 1967, 200.000 manifestantes marcharon frente al Pentágono, en Washington DC, exigiendo la paz, siendo uno de los puntos más álgidos del movimiento pacifista.

Durante finales de la década del 60 y principio de la del 70, John y Yoko habían pasado mucho tiempo trabajando para promover la paz. En 1969, como parte de la campaña que habían iniciado, rentaron y colocaron carteles y grandes vallas publicitarias en once de las principales ciudades de todo el mundo (Nueva York, Los Ángeles, Tokio, Roma, Atenas, Amsterdam, Londres, París, Toronto, entre otras), que decían: “War is over! (If you want it),” -¡La guerra ha terminado! (si tú así lo quieres).- Dos años después, el lema que habían creado se convierte en la base de esta canción, cuando Lennon decide hacer un disco de Navidad con un mensaje en contra de la guerra. Desde el minuto 1:02 hasta finalizar la canción, se repite intermitentemente, con las voces de los niños del coro: “War is over! (If you want it), war is over, now!,” [¡La guerra ha terminado! (si tú así lo quieres), la guerra ha terminado, ahora].

Las dulces voces infantiles de los coros, pertenecen a Harlem Community Choir y aparecen dentro de los créditos de la canción.

Antes de que John comience a cantar, si ponemos cuidado y mucha atención, pues apenas se percibe, se distingue, primero la voz de Yoko, susurrando: “Happy Christmas, Kyoko,” inmediatamente le sigue John, murmurando: “Happy Christmas, Julian.” Kyoko Chan Cox es la hija de Yoko con Anthony Cox; Julian, es el hijo de John con Cynthia. Este hermoso y tierno detalle, del saludo navideño para sus respectivos hijos, es pasado por alto si no ponemos especial atención.

Faltando menos de tres semanas para la Navidad de 1980, mientras Lennon y Ono regresaban a su apartamento, Mark David Chapman, un fanático, le dispara a John cinco veces con un revólver. Cuatro balas le alcanzan en la espalda y pocos minutos después, fallece en los brazos de su esposa.

El 20 de Diciembre de ese mismo año, la canción es re-lanzada en el Reino Unido, alcanzando la posición # 2 de las carteleras de popularidad.

El 12 de Mayo de 2009, se abrieron las puertas al público en general, del museo de Rock and Roll Hall of Feme, en Manhattan, donde se presenta hasta Enero de 2010, una exposición llamada “John Lennon, The New York City Years,” exhibiendo una variada muestra de objetos que pertenecieron al ex – Beatle. Una de las cosas que más conmoción causó, fue la bolsa de papel que le entregara la oficina del forense a Yoko, conteniendo la ropa manchada que llevaba John aquel fatídico día. Cuando la prensa le preguntó el por qué, la razón de Yoko se ve justificada “John regresó a mí en una bolsa de papel. Quería que el mundo lo supiera. Hay que mostrar a la gente los efectos de la violencia con armas de fuego.”

Hoy, más que nunca, es tiempo propicio para examinarnos y reconciliarnos, buscar soluciones y no confrontaciones. Una vez más, John Lennon, nos deja un mensaje póstumo de paz.

“All we are saying, is give peace a chance” (Todo lo que pedimos es que le des un chance a la paz).
John Lennon

Fuentes:
Songfacts
Wikipedia
“Guerra de Vietnam”. Enciclopedia Encarta
“John Lennon, The New York City Years”

Happy Xmas (War Is Over)
John & Yoko
(Traducción: Ulianova)

So this is Christmas, / Así que es Navidad
And what have you done? / Y ¿Qué has hecho?
Another year over, / Otro año ha terminado
And a new one just begun / Y uno nuevo acaba de comenzar
And so this is Christmas, / Y así esto es Navidad
I hope you have fun, / Espero que te diviertas
The near and the dear ones, / La gente cercana y la querida
The old and the young / Los mayores y los jóvenes

A very Merry Christmas, / Una muy feliz Navidad
And a Happy New Year / Y un feliz Año Nuevo
Let’s hope it’s a good one, / Esperemos que sea bueno
Without any fear / Sin ningún temor

And so this is Christmas, (war is over) / Y así, esto es la Navidad (se acabó la guerra)
For weak and for strong, (if you want it) / Para débiles y para fuertes (si tú así lo quieres)
For rich and for poor ones, (war is over) / Para ricos y pobres (se acabó la guerra)
The world is so wrong (now) / El mundo está tan mal (ahora)
And so happy Christmas, (war is over) / Por eso, feliz Navidad (se acabó la guerra)
For black and for white, (if you want it) /Para negros y para blancos (si tú así lo quieres)
For yellow and red ones, (war is over)/ Para amarillos y rojos (se acabó la guerra)
Let’s stop all the fight (now) / Detengamos toda lucha (ahora)

A very Merry Christmas, / Una muy feliz Navidad
And a Happy New Year / Y un feliz Año Nuevo
Let’s hope it’s a good one, / Esperemos que sea bueno
Without any fear / Sin ningún temor

And so this is Christmas, (war is over) / Y así esto es la Navidad (se acabó la guerra)
And what have you done? (if you want it) / Y ¿Qué has hecho? (si tú así lo quieres)
Another year over, (war is over) / Otro año terminado (se acabó la guerra)
And a new one just begun (now) / Y uno nuevo acaba de comenzar (ahora)
And so happy Christmas, (war is over) / Por ello, feliz Navidad (se acabó la guerra)
I hope you have fun, (if you want it) / Espero que te diviertas (si tú así lo quieres)
The near and the dear ones, (war is over) / La gente cercana y la querida (se acabó la guerra)
The old and the young (now) / Los mayores y los jóvenes (ahora)

A very Merry Christmas, / Una muy feliz Navidad
And a Happy New Year / Y un feliz Año Nuevo
Let’s hope it’s a good one, / Esperemos que sea bueno
Without any fear / Sin ningún temor
War is over, if you want it / Se acabó la guerra, si tú así lo quieres
War is over now / Se acabó la guerra, ahora
Happy Christmas! / ¡Feliz Navidad!

A mediados de los años 60, la leyenda de la música, Frank Sinatra, tuvo que realizar una carrera contra el tiempo para poder grabar “Strangers in the Night.” Él estaba ahora en sus 50 años de edad, pero aún continuaba compitiendo con una cantidad de jóvenes cantantes con estilos similares al suyo, como Bobby Darin. Usualmente, la música popular suele ser un juego de hombres jóvenes, pero Sinatra tenía todavía más influencia que otros artistas; también tenía otra cosa: ¡Su propio sello discográfico, Reprise!

La canción que se convertiría en “Extraños en la Noche,” fue originalmente interpretada por Ivo Robic para un festival de música en Split, Croacia (aunque Wiki dice que fue en St. Petersburg, Russia); poco después Robic grabaría las versiones en croata (Stranci u Noci, letra de Marija Renota) y en alemán (Fremde in der Nacht, letra de Kurt Felitz). Sin embargo, la lírica en inglés sobre el amor a primera vista, fue escrita por Charles Singleton y Eddie Snyder.

Bert Kaempfert reescribió este tema para la melícula “A Man Could Get Killed,” protagonizada por James Garner, Melina Mercouri, Sandra Dee, y Anthony Franciosa; la canción sería usada como el tema del film. La película iba a salir el 25 Marzo de 1966, y todo el mundo sabía que la melodía sería un gran éxito.

Todo esto contribuyó a que, repentinamente, se convirtiera en una carrera por ver quién sería la persona que lanzaría “la canción.” Como generalmente sucede, el que esté en el primer lugar es el que recibe la mayor atención. Los chicos que escribieron la letra en inglés, Singleton y Snyder, ya habían comenzado el envío de los demos para casi todos los cantantes importantes del momento.

Sinatra veía con preocupación que Bobby Darin, o peor aún, Jack Jones (a quien consideraba como una verdadera amenaza a la hora de competir), pudieran lanzar la canción antes que él.

Fue entonces que Sinatra se enteró de que Jones sí iba a lanzar la canción el 13 de Abril, y sólo quedaban tres días para la fecha.

Entonces, Sinatra se movió rápidamente y reservó el estudio de grabación (United Recording) y contrató a la orquesta. En una noche, el 11 de Abril de 1966, quedaba terminado el track de “Strangers in the Night.”

Al día siguiente, el 12 de Abril, el sencillo era lanzado convirtiéndose, muy pronto, en el mayor éxito que Sinatra había tenido en once años, alcanzando el puesto número uno de las listas de popularidad.

Un mes más tarde grabaría las canciones para el resto del álbum, todas con el mismo estilo característico.

La versión de Jones no le fue tan bien (del álbum The Impossible Dream)… Tampoco la de Bobby Darin.

En 1967 ganó el Globo de Oro por la Mejor Canción Original en una Película. Además, también se había llevado el Grammy de 1966 en cuatro diferentes categorías: Disco del Año, Mejor Arreglo de Acompañamiento, (Vocalista o instrumentista, que fue para Ernie Freeman como arreglista), Mejor Interpretación Vocal Pop Masculino y Mejor Ingeniería de Grabación – No Clásica (Eddie Brackett y Lee Herschberg fueron los ingenieros).

Aunque Sinatra demostró que se sabía mover cuando era necesario, con el tiempo llegaría a despreciar esta canción, llamándola “un pedazo de m…da,” y también agregaba: “es la canción más *%#$°* que haya escuchado.” A pesar de que había sido su mayor éxito en años, jamás incluyó el número en ninguno de sus recitales.

El legendario cantante de música country Glen Campbell, quien para entonces era un músico de sesión, tocó la guitarra rítmica para la pista. El 9 de Octubre de 2008 en una entrevista para el Daily Telegraph declaró: “Yo estaba tan atónito por encontrarme ante la presencia del maestro, que no podía dejar de mirarlo. Quizás lo hice insistentemente, pero es que estaba embelesado. Entonces, Frank le preguntó al productor Jimmi Bowen,  ‘¿quién es el guitarrista  m…co?’ ¡Ahí sí!, ¡Le dije que le daría una bofetada si lo repetía otra vez!” Después agrega, “Desde luego, después nos hicimos amigos. La hicimos en dos tomas. Estábamos todos reunidos en el estudio, Frank y los músicos. Luego, se seleccionaron y colocaron juntas las mejores partes de las dos grabaciones para el registro definitivo.”

Al final de la canción Frank Sinatra tarareó su famoso “Dooby dooby doo.” Pues bien, el animador Iwao Takamoto, creador de los dibujos animados del perro Scooby-Doo, dice que le llegó la inspiración para el nombre de su personaje gracias al tarareo de Sinatra.

Muchos fans de Sinatra lamentaban el hecho de que la improvisación, al final de la canción, se interrumpe demasiado pronto. Para el CD “Nothing But the Best,” la canción fue remasterizada y el tiempo de ejecución es de 2:44 en vez de 2:35. Los extra nueve segundos son la continuación de “Dooby, dooby, doo, daaa, daaa, daaa.”

Fuentes:
Legends Revealed
The Daily Telegraph
Songfacts
Wikipedia

Versión extendida

Strangers in the Night
Frank Sinatra
(Traducción: Sara / Uli)

Strangers in the night exchanging glances / Extraños en la noche intercambiando miradas
Wond’ring in the night, what were the chances? / Pensando en la noche, qué oportunidades hubieron
We’d be sharing love before the night was through / Podríamos compartir un amor antes de que se acabe la noche
Something in your eyes was so inviting / Algo en tus ojos me invitaba
Something in your smile was so exciting / Algo en tu sonrisa me emocionó
Something in my heart told me I must have you / Algo en mi corazón me dijo que debía tenerte
Strangers in the night, two lonely people / Extraños en la noche, dos personas solitarias
We were strangers in the night up to the moment / Éramos extraños en la noche hasta aquel momento
When we said our first hello / En que nos dijimos el primer “hola”
Little did we know / No nos pudimos imaginar
Love was just a glance away, / Que el amor estaba tan sólo a un paso
A warm, embracing dance away and / De una cálida danza que cortó la distancia
Ever since that night, we’ve been together / Desde aquella noche, estamos juntos
Lovers at first sight in love forever / Amantes a primera vista, enamorados para siempre
It turned out so right / Todo salió tan bien
For strangers in the night / A pesar de que fuimos extraños en la noche
Love was just a glance away, / El amor estaba tan sólo a un paso
A warm, embracing dance away / De una cálida danza que cortó la distancia
Ever since that night, we’ve been together / Desde aquella noche, estamos juntos
Lovers at first sight in love forever / Amantes a primera vista, enamorados para siempre
It turned out so right / Todo salió tan bien
For strangers in the night / A pesar de que fuimos extraños en la noche.

“Papa Was a Rollin’ Stone” es una canción soul escrita por los compositores del sello Motown, Norman Whitfield y Barrett Strong, para “The Undisputed Truth” en 1971. Dicha versión fue lanzada en un sencillo a principios de 1972 y alcanzó el puesto Nro. 63 en las listas de popularidad, y en las de R & B llegó al 24 de las mismas.

“The Undisputed Truth” fue un grupo formado por el productor de Motown, Norman Whitfield, en los años ’70, como un medio para poder experimentar sus técnicas de producción de soul psicodélico. El vocalista líder del grupo fue Joe Harris que, junto con Billie Rae Calvin y Brenda Joyce, ex integrantes de The Delicates, completaban las voces adicionales.

Más tarde, en 1972, Whitfield, quien también es el productor y coautor de la canción que nos ocupa, tomó la pieza y la rehízo en una versión que, con doce minutos de duración, grabaron “The Temptations.” A pesar de lo poco común por lo extensa de la misma, llegó al puesto número uno en el Billboard Hot 100 y ganó tres premios Grammy en 1973. Si bien la versión original de “Undisputed Truth” ha sido olvidada en gran medida, la de “The Temptations” es una canción que ha perdurado y se convirtió en un influyente clásico del género soul. Está catalogada en el puesto Nro. 168 en la lista de Rolling Stone “Las 500 Mejores Canciones de Todos los Tiempos.” Aunque en la misma recopilación figuran dos canciones más del grupo, Otis Williams, miembro de The Temptations, considera que esta canción fue el último y verdadero clásico grabado por ellos.

La canción comienza con una extensa introducción musical; cada uno de los tres versos que componen la misma, están separados por largos pasajes musicales, en el que Whitfield trae diversas texturas instrumentales dentro y fuera de la mezcla. Partiendo con un solo de bajo, y acompañado por el sonido de los platillos y batería, establece el tema para la melodía. Gradualmente se unen al bajo otros instrumentos, incluyendo una guitarra de blues, guitarra wah-wah, piano eléctrico, palmas, trompetas y cuerdas, todos unidos siempre por la presente línea de bajo y el repetitivo ritmo de hit-hat. De acuerdo a los entendidos hay algo muy peculiar en esta canción, y es que el Si Bemol Menor es el único acorde usado en toda la melodía.

La parte vocal se va ensamblado paulatinamente. Los integrantes de “The Temptations”, Dennis Edwards, Melvin Franklin, Richard Street, Otis Williams y Damon Harris, alternan su participación cantando cada uno diferentes líneas, tomando el roll de unos hermanos que cuestionan a su madre, sobre su padre ya fallecido, para después unir todas las voces en los coros. Las preguntas se van incrementando con otras más, pero la repetitiva respuesta de la madre, pinta un panorama bastante sombrío para los hijos que nunca han visto a su padre y han “oído nada más que cosas malas acerca de él.”

Versión completa

Durante la grabación de “Papa Was a Rollin’ Stone” comenzaron a surgir fricciones por una serie de razones. A “Las Tentaciones” no les gustaba el hecho de que la instrumentación de Whitfield estaba recibiendo más énfasis que sus propias voces. Incluso, en varias oportunidades, se habían visto obligados a presionarlo para que produjera más baladas para el grupo. Adicionalmente, Dennis Edwards estaba furioso por la primera estrofa de la canción. El padre de Edwards había muerto en esa fecha y, aunque la canción no fue escrita originalmente para “The Temptations”, él estaba convencido de que Whitfield le había asignado a él, en forma intencional, aquella línea. Aunque Whitfield negó la acusación, utilizó este hecho como una ventaja: Hizo que Edwards repitiera una y otra vez la línea en discusión, hasta que finalmente obtuvo lo que deseaba, que la voz de Edwards sonara con un toque de amargura y enojo. Sin embargo, aquel incidente fue una de las causas que contribuyó a que Whitfield fuera despedido como productor de la agrupación.

La versión de “The Temptations” sentó un precedente no sólo por su duración, sino por la mezcla que se logró. Preparó el terreno para futuras canciones, como “Love to Love You Baby” que, con catorce minutos de duración lanzara Donna Sommers, y los instrumentales de MFSB (por sus siglas en inglés  “Mother Father Sister Brother”), expandieron los conceptos durante la década de 1970.

Posteriormente, “Papa Was a Rollin’ Stone” sería editada con siete minutos de duración y lanzada como un sencillo en Septiembre de 1972; el lado B del disco lo ocupaba la interpretación puramente instrumental de la misma, sin las voces del grupo. “Papa” alcanzó el puesto número uno de las listas pop de EE.UU. y el puesto número cinco en las de R & B, convirtiéndose en la última canción de la agrupación que alcanzaría esos lugares. La misma, que había sido el ancla del álbum “All Directions”, ganó tres premios Grammy en 1973. El lado A del sencillo ganó por Mejor Canción R & B Interpretada por un Grupo, el lado B ganó por la Mejor Canción R & B Instrumental (otorgado a Whitfield y al arreglista y director de orquesta Paul Riser), adicionalmente, Whitfield y Barret Strong, ganaron por la Mejor Canción R & B, como sus compositores.

Antes de pasar a la letra de “Papa” y su traducción, me gustaría aclarar un punto para quienes no estén tan familiarizados con el idioma inglés. La expresión “Rolling Stone,” si la traducimos literalmente, significa “canto rodado” o “piedra rodante.” Sin embargo, en inglés encierra otras connotaciones. Para explicarme mejor, usaré un pensamiento que dice: “A rolling stone gathers no moss,” en pocas palabras, “una piedra que rueda no cría moho,” y si  queremos hacerlo más poético, lo podríamos expresar así: “la piedra movediza nunca moho la cobija.” Entonces, tomando en cuenta lo anterior, puedo agregar que Rolling Stone también se utiliza para referirse a un vagabundo, un trotamundos, o una persona que va dando vueltas por la vida sin ningún tipo de responsabilidad ni rumbo fijo.
Fuentes:
Billboard Magazine
Legends Revealed
Wikipedia
Songfacts

Versión editada y recortada

Papa Was a Rollin’ Stone
The Temptations
(Traducción: Sara / Uli)

It was the third of September / Fue un tres de Septiembre
That day I’ll always remember, yes I will / Ese día siempre lo recordare, sí señor
‘Cause that was the day that my daddy died / Pues ese fue el día que mi papi murió
I never got a chance to see him /Nunca tuve el chance de conocerle
Never heard nothing but bad things about him / Nunca escuché más que cosas malas de él
Mama, I’m depending on you, tell me the truth / Mamá, dependo de ti, dime la verdad
And Mama just hung her head and said, / Y Mamá simplemente bajó su cabeza y dijo,
“Son, Papa was a rolling stone / “Hijo, Papá era un trotamundos
Wherever he laid his hat was his home / Su hogar estaba donde posaba su sombrero
(And when he died) All he left us was alone.” / (Y cuando murió) Lo único que nos dejó fue solos.”
“Papa was a rolling stone, my son / “Papá era un trotamundos, hijo mío
Wherever he laid his hat was his home / Su hogar estaba donde posaba su sombrero
(And when he died) All he left us was alone.” / (Y cuando murió) Lo único que nos dejó fue solos.”

Well, well / Sí, sí…

Hey Mama, is it true what they say, / Oye Mamá, ¿es cierto lo que dicen?
that Papa never worked a day in his life? / ¿Que Papá nunca trabajó ni un solo día de su vida?
And Mama, bad talk going around town / Y Mamá, se escuchan comentarios malos por el barrio
saying that Papa had three outside children and another wife / que dicen que Papá tenía tres hijos por fuera, y otra esposa
And that ain’t right! / ¡Y eso no está bien!
Heard some talk about Papa doing some store front preaching / Escuché rumores de que Papá predicaba a las puertas de negocios
Talkin’ about saving souls and all the time leeching / Hablando de salvar almas y todo el tiempo como una sanguijuela
Dealing in debt and stealing in the name of the Lord / Traficando, endeudado, y robando en nombre del Señor
Mama just hung her head and said, / Mamá simplemente bajó su cabeza y dijo,
“Papa was a rolling stone, my son / “Papá era un trotamundos, hijo mío
Wherever he laid his hat was his home / Su hogar estaba donde posaba su sombrero
(And when he died) All he left us was alone.” / (Y cuando murió) Lo único que nos dejó fue solos.”
“Hey, Papa was a rolling stone / “Hey, Papá era un trotamundos
Wherever he laid his hat was his home / Su hogar estaba donde posaba su sombrero
(And when he died) All he left us was alone.” / (Y cuando murió) Lo único que nos dejó fue solos.”

Uh! / Aah!

Hey Mama, I heard Papa call himself a jack of all trade / Oye Mamá, oí que Papá se calificaba a sí mismo de hombre orquesta
Tell me is that what sent Papa to an early grave? / Dime, ¿es eso lo que envió a Papá a una muerte temprana?
Folk say Papa would beg, borrow, steal to pay his bill / La gente dice que Papá pedía limosna, pedía prestado y robaba para pagar sus cuentas
Hey Mama, folk say that Papa was never much on thinking / Oye Mamá, la gente dice que Papá nunca pensaba muy bien las cosas
Spent most of his time chasing women and drinking / Pasó la mayor parte del tiempo persiguiendo mujeres y bebiendo
Mama, I’m depending on you to tell me the truth / Mamá, dependo de ti para que me digas la verdad
Mama looked up with a tear in her eye and said, / Mamá me miró con una lagrima en sus ojos y dijo,
“Son, Papa was a rolling stone. (Well, well, well, well) / “Hijo, Papá era un trotamundos (Sí, sí, sí, sí)
Wherever he laid his hat was his home / Su hogar estaba donde posaba su sombrero
(And when he died) All he left us was alone.” / (Y cuando murió) Lo único que nos dejó fue solos.”
“Papa was a rolling stone / “Papá era un trotamundos
Wherever he laid his hat was his home / Su hogar estaba donde posaba su sombrero
(And when he died) All he left us was alone.” / (Y cuando murió) Lo único que nos dejó fue solos.”
“I said, Papa was a rolling stone. / He dicho, Papá era un trotamundos
Wherever he laid his hat was his home / Su hogar estaba donde posaba su sombrero
(And when he died) All he left us was alone.” / (Y cuando murió) Lo único que nos dejó fue solos.”

Escrita para la película de “El Mago de Oz”, y especialmente para Judy Garland, esta canción es utilizada al comienzo de la misma. Dorothy, papel interpretado por Garland, intenta escapar de su triste vida en una granja en Kansas y le implora al cielo por una vida mejor. Cuando la película comienza, es en blanco y negro. Poco después, como respuesta a su ruego, un tornado transporta a Dorothy, dentro de su casa, y la deposita en Munchkinland. Luego de reponerse,  Dorothy abre la puerta en un total silencio y la transición al color se realiza con todo su esplendor.

La música fue escrita por Harold Arlen y la letra por Yip Harburg. Los productores les pidieron escribirla basándose en sus anteriores éxitos: “It’s Only a Paper Moon“, “Brother, Can You Spare a Dime” y “Lydia the Tattooed Lady.”

Un día, mientras Arlen estaba sentado en su vehículo frente a “Schwab’s Drug Store”, en Hollywood, se le ocurrió la melodía. Al principio, Harburg la detestaba, pues pensaba que era demasiado lenta. Después de consultarlo con Arlen e Ira Gershwin, letrista de musicales de Hollywood, se le aceleró los tempos y fue entonces que Harburg escribió la letra.

El título original de la canción era “Over the Rainbow is where I want to be” (Más allá del arcoiris es donde quiero estar).

Una gran cantidad de esfuerzos requirió la primera línea, pues no se llegaba a un acuerdo al respecto. Algunas de las ideas que fueron eliminadas incluyen “I’ll go over the rainbow” y “Someday over the rainbow.”

La letra tuvo un gran significado político, pues Harburg quiso expresar un sentimiento de esperanza para los Estados Unidos que, bajo el mandato de Franklin Roosevelt y su diseño del programa con nuevas medidas económicas denominado “New Deal”, trataba de sacar al país de la Gran Depresión acontecida a principios de los años ’30, debido al hundimiento de la bolsa en el fatídico Jueves Negro de 1929.

Algunos ejecutivos de la MGM pensaron que la película era demasiado larga y querían eliminar la canción. También estaban considerando que la misma les “frenaba” los acontecimientos de acción que querían imprimirle y, al mismo tiempo, contrastaba con la música energética desplegada en el film. Aún así, las frecuentes referencias instrumentales de la canción se dejan escuchar a lo largo de la cinta, incluso en la escena final.

Originalmente, había un verso adicional que fue cortado de la película. Una grabación de un ensayo sobrevivió y pudo ser incluida en un CD de lujo que mucho tiempo después saldría a la venta.

Una de las leyendas urbanas que circula hasta la fecha es que, la película había sido comprada con la intención de tener a Judy Garland en el papel de Dorothy, pero luego, los ejecutivos se decidieron por Shirley Temple incluso después de haberle dado el papel a Garland. Sin embargo, continúa la leyenda, la Fox se negó a liberar a Temple, quien estaba bajo contrato. Nada más lejos de la verdad, lo cierto es que “El Mago de Oz,” desde un inicio, se hizo con la intención, por parte de la Metro Golden Mayer, de que fuera protagonizada por Judy Garland. Los ejecutivos de la MGM sabían muy bien que Shirley Temple no hubiera podido alcanzar las notas musicales especialmente pensadas para la maravillosa voz de Garland.

El film fue nominado para 6 Oscar, pero tuvo la poca fortuna de ser presentado el mismo año de “Gone With The Wind” (Lo que el Viento se Llevó), que ganó como la mejor película. “El Mago de Oz” sólo ganó el Oscar por “Mejor Canción Original” y se llevó otro por la “Mejor Banda Sonora,” que había sido escrita por Herbert Stothart.

En la entrega de los Oscar de 1939 se le instó a Garland a cantar, después de haber aceptado la estatuilla. Lo hizo, pero estaba tan emocionada que con gran dificultad pudo finalizar la canción.

Innumerables cantantes han grabado o cantado en vivo sus propias versiones de esta canción. Son tantos y tan diversos sus estilos como contrastantes. Va de Glen Miller a Jimi Hendrix, de Guns N’ Roses a Louis Armstrong, por poner dos ejemplos, pero sólo me referiré a alguno de ellos.

Durante su gira internacional en 2001, Eric Clapton tocó en vivo una hermosísima versión blues de la misma.

Liza Minnelli, hija de Garland, la cantó durante el homenaje especial que se le hiciera a Michael Jackson en 2001.

Kermit the Frog (la Rana Gustavo, en España; o la Rana René, en Latinoamérica), del Show de Los Muppets, la interpretó de la manera más dulce que una rana pudiera cantar.

Israel Kamakawiwo’ole. Este popular cantante hawaiano, conocido como Iz, hizo una versión a ritmo de ukelele. Cabe resaltar que Iz fusionó en la misma, mis dos canciones favoritas de siempre: Over the Rainbow y What A Wonderful World. Esta bellísima fusión salió en su álbum “Facing Future” de 1993, y es usada en las películas “Finding Forrester,” “Meet Joe Black” y “50 First Dates,” así como para un capítulo de la serie de TV “ER.”

En una encuesta realizada en el 2001 por la Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos y la Fundación Nacional de las Artes, “Over the Rainbow” fue votada como la Canción Número 1 de Todos los Tiempos. Y la RIAA (por sus siglas en inglés, Asociación de la Industria Discográfica de Estados Unidos), la conserva en el puesto Nro. 1 en su lista de “Las Canciones del Siglo XX”, debido a su importancia histórica.

La canción, escrita especialmente para Judy Garland, acompañaría a la actriz durante toda su vida; en cada una de sus apariciones públicas se le pedía que la cantara y siempre quedará asociada con ella y con el Séptimo Arte, ya que, su letra y melodía han sido toda una fuente de inspiración para muchos.

En su momento, Garland declaró: «“Over the rainbow” se ha convertido en parte de mi vida. Simboliza tan bien los deseos y sueños de la gente, que estoy segura de que ése es el motivo por el que el público llora cuando la oye. La he cantado cientos de veces y sigue siendo la canción que llevo más cerca del corazón.»
Fuentes:
The Judy Room
Songfacts
Wikipedia

Over The Rainbow
Judy Garland
(Traducción: Sara)
Somewhere over the rainbow… way up high / En algún lugar al otro lado del arco iris… A gran altura
There’s a land that I heard of / Hay un país del cual escuché
Once in a lullaby / Una vez en una canción de cuna

Somewhere over the rainbow… skies are blue / En algún lugar al otro lado del arco iris… El cielo es azul
And the dreams that you dare to dream / Y los sueños que te atreves a soñar
Really do come true. / Realmente se convierten en realidad.

Someday I’ll wish upon a star / Algún día pediré un deseo a una estrella
And wake up where the clouds are far behind me. / Y despertaré donde las nubes estén lejos de mí.
Where troubles melt like lemon drops / Donde las preocupaciones se derriten como caramelos de limón
Away above the chimney tops… / Por encima de los topes de las chimeneas…
That’s where you’ll find me. / Allí me encontrarás.

Somewhere over the rainbow… blue birds fly / En algún lugar al otro lado del arco iris… Vuelan pájaros azules
Birds fly over the rainbow… why oh why can’t I? / Si los pájaros vuelan al otro lado del arco iris… ¿Por qué? ¡Oh! ¿Por qué no puedo hacerlo yo?
If happy little blue birds fly beyond the rainbow / Si alegres pajaritos azules vuelan al otro lado del arco iris
Why… oh why can’t I? / ¿Por qué? ¡Oh! ¿Por qué no puedo hacerlo yo?

Esta canción country fue inspirada en una escena de la película estadounidense “The Asphalt Jungle” (La Jungla de Asfalto), de 1950, dirigida por John Huston. Nominada a 4 Premios Oscar, es considerada como uno de los clásicos del cine negro o film noir y está basada en la novela homónima de W. R. Burnett. El compositor Claude “Curly” Putman Jr., radicado en Nashville (Tennessee, EE.UU.), la había compuesto en 1964 y fue grabada inicialmente por Porter Wagoner; poco después, por Johny Darrell en 1964; y luego, por el cantante de música country Bobby Bare en 1965.

Sin embargo, Tom Jones decide grabar esta canción después de haber escuchado la versión que hiciera de la misma el legendario rocanrolero Jerry Lee Lewis, quien había comenzado a hacer discos country. Lewis la había grabado para su álbum “Country Songs For City Folks” (Canciones Country para Gente de Ciudad), pero no corrió con mucho éxito.

En la entrevista que le hiciera Jon Kutner y Spencer Leigh a Tom Jones, para ‘1000 UK #1 Hits,’ Jones recuerda: “Le dije a mi mánager, Peter Sullivan, que me encantaría grabar esa canción. Él me preguntó, ¿Una canción country? Y le dije ‘¡Sí! Hasta ahora no he hecho ninguna canción country.’ Les Reed fue quien hizo los arreglos y él mismo tocó el piano en el disco. Reed la hizo más como una canción pop que una country, porque cuando Jerry Lee Lewis la cantó, la hizo al puro estilo country. Cuando regresé a Inglaterra la grabé para la TV y, en el estudio, se recreó una cárcel. Pero no sabías que era ‘una cárcel’ hasta que la cámara se abría y retrocedía, entonces podías ver las barras y allí estaba yo, sentado en la cárcel y cantando The Green, Green Grass Of Home.”

Aparte de los ya mencionados, entre los numerosos artistas que publicaron esta canción, se encuentran: Johnny Cash, Joan Baez, Elvis Presley, Kenny Rogers y Trini López, entre otros. Se tradujo en muchos idiomas, desde suizo hasta portugués, incluso hay una versión de la misma, en japonés, interpretada por Ryōko Moriyama.

Figura como el mayor éxito de Tom Jones en el Reino Unido, con una venta de 1.205.000 copias. Fue el primer sencillo de Decca Records -por un artista del Reino Unido- en vender más de un millón de copias en Gran Bretaña. Alcanzó el puesto Nro. 1 de las listas y se mantuvo allí por 7 semanas consecutivas.

El personaje de la canción regresa a su hogar de la infancia; aparentemente, es su primera visita desde que se marchara en su juventud. Cuando baja del tren, sus padres están allí para recibirle y, su amada Mary, corre para reunirse con ellos. Todos le dan la bienvenida mientras extienden sus brazos con rostros sonrientes. Con Mary, el hombre pasea a sus anchas por los monumentos de su infancia, incluyendo al viejo roble donde solía jugar… Es bueno tocar la verde, verde grama del hogar. Sin embargo, la música y la letra están llenas de presagios y, muy sugestivamente, de luto.

Bruscamente, cambia el rumbo de la canción al despertar el hombre en la cárcel: “Entonces me despierto y miro a mi alrededor, a las cuatro paredes grises que me rodean y me doy cuenta que estoy soñando.” De hecho está en el corredor de la muerte. A medida que la canción se desarrolla, nos enteramos que él se está despertando en el día de su ejecución. Está acompañado por un guardia y un sacerdote, triste y viejo, que le llevan cada uno de un brazo, tan pronto despunta el nuevo día. Él retornará al hogar sólo para ser sepultado. “Sí, todos vendrán a verme, a la sombra del viejo roble, cuando me lleven a descansar bajo la verde, verde grama de mi hogar.”

En las innumerables versiones que se han hecho de esta canción no es inusual que se usen solamente los tres primeros versos y omitan el cuarto verso. Los tres primeros pueden muy bien llevar la canción a término, pero es el cuarto verso el que le da a la canción el giro inesperado, donde nos da a entender que, nuestro protagonista no es alguien que regresa a su hogar después de una larga ausencia, sino los pensamientos de un reo condenado a muerte.

Fuentes:
Songfacts
Wikipedia
1000 UK #1 Hits

Green, Green Grass Of Home
Tom Jones
(Traducción: Sara)
The old hometown looks the same / El viejo pueblo tiene el mismo aspecto
As I step down from the train / Bajándome del tren
And there to meet me is my mama and papa /Y mamá y papá están allí para recogerme
Down the road I look, and there runs Mary /Más adelante en la calle miro, y por allí viene Mary corriendo
Hair of gold and lips like cherries /Cabellos dorados y labios como cerezas
It’s good to touch the green, green grass of home /Es bueno tocar la verde, verde grama de mi hogar.

Yes, they’ll all come to meet me, /Sí, todos vendrán a verme
Arms reachin’, smilin’ sweetly /Brazos extendidos, sonriendo dulcemente
It’s good to touch the green, green grass of home /Es bueno tocar la verde, verde grama de mi hogar.

The old house is still standin’, /La vieja casa está todavía en pie
Though the paint is cracked and dry /A pesar de que la pintura está agrietada y seca
And there’s that old oak tree that I used to play on /Y allí está el viejo roble en el cual solía jugar
Down the lane, I’ll walk with my sweet Mary /Por la acera, caminaré con mi dulce Mary
Hair of gold and lips like cherries /Cabellos dorados y labios como cereza.

It’s good to touch the green, green grass of home /Es bueno tocar la verde, verde grama de mi hogar.

Then, I awake and look around me /Entonces, despierto y miro a mi alrededor
At four gray walls that surround me; /A las cuatro paredes que me rodean
And I realize, yes, I was only dreaming; /Y me doy cuenta, sí, que sólo soñaba
For there’s a guard and there’s a sad old padre. /Porque hay un guardia y un viejo y triste cura
Arm in arm, we’ll walk at daybreak. /De brazo en brazo, caminaremos al amanecer
Again, I’ll touch the green, green grass of home. /Nuevamente, tocaré la verde, verde grama de mi hogar.

Yes, they’ll all come to see me /Sí, todos vendrán a verme
In the shade of that old oak tree /A la sombra de ese viejo roble
As they lay me ‘neath the green, green grass of home /Cuando me lleven a descansar bajo la verde, verde grama de mi hogar.

Hoy les voy a comentar sobre una canción y su intérprete, cosa nada rara en mí, lo único diferente es que no ocupó los primeros puestos de las listas de venta. Tampoco estuvo en los primeros lugares del Billboard, todo lo contrario, esta canción alcanzó el puesto 99 de los 100 mejores éxitos en su época. Para los que estén familiarizados con ella, comprenderán a qué me refiero y, para los que no la han escuchado les aliento a que lo hagan.

“Aplaudir los nuevos talentos que surgen en shows como “American Idol,” “Star Search,” etc., se ha convertido en algo común en nuestra cultura, energiza e inyecta esperanza a los nuevos intérpretes que tratan de abrirse paso. Aún así, ¿estamos poniendo mucho énfasis en los nuevos talentos y fallamos en reconocer los ya existentes? Cuando un hombre, ya maduro, termina de completar su actuación musical, en un salón completamente lleno, con un público que le aplaude hasta las lágrimas, (cosa que sucedió recientemente en Santa Rosa, California), va siendo hora de que nos tomemos una oportunidad de echar una buena mirada a Turley Richards.” Así comienza una de las poquísimas reseñas que encontré de Turley Richards.

Aunque la vida de Richard ha estado llena de lo que otros perciben como tragedia, él exuda un espíritu positivo y contagioso para todos los que tienen la suerte de cruzarse en su camino. Nacido en Charleston, West Virginia, EE.UU., fue el menor de cinco hermanos.

A la edad de 4 años, Turley estaba jugando, con su amiguito y vecino, un juego tonto; consistía en colocarse una almohada en el trasero y agacharse, para que, con arco y flecha, el contrario le atinara a la almohada. Cuando le llegó su turno, Turley se colocó la almohada y se preparó. Curioso, se giró para ver por qué su amiguito se demoraba y la flecha le atravesó el ojo izquierdo, ocasionándole la pérdida total de la visión de ese ojo. Debido al inadecuado tratamiento médico que recibió, el ojo derecho se le infectó gravemente y pocos años después también perdería la vista de ese ojo.

Para mantener al joven y energético Turley ocupado, su padre le compró una victrola y algunos discos, con el dinero de una colecta hecha entre sus compañeros de trabajo. Su madre le trajo un kazoo, que había adquirido en una tienda de cinco y diez centavos. Mediante el uso de estas herramientas, Turley desarrolló una de las gamas vocales más increíbles del mundo.

De los 6 a los 16 años, se sometió a ocho cirugías para recuperar y mejorar la poquísima visión que tenía. Cada vez que le quitaban los vendajes tenía la esperanza de alguna mejoría. Lamentablemente nunca sucedió y se enfrentó con la frustración y la decepción.

Mientras otros podrían sumirse en una oscura depresión, Turley lo tomó como otro de los retos que debía superar para el mundo del espectáculo.

Teniendo 15 años, formó un grupo musical llamado “The Five Pearls,” con otro chico blanco y tres chicos negros. Al inicio, su música estaba en el terreno de R & B, teniendo inclinaciones hacia el jazz. A finales de los 50s se presentó en “The Dick Reid Record Hop” y viajó por todo el estado. Se convirtió, literalmente, en la “Súper Estrella de West Virginia”, con chicas gritando y lanzándose sobre su vehículo para llegar a él. Más de una vez se vio forzado a tumbarse al borde del suelo para escapar del entusiasmo de su público.

Al cumplir los 18, firmó su primer contrato con Fraternity Records, en Cincinnati, con un disco llamado “All About Ann.”

Al principio de los 60s, Richards adquirió una Ford Station Wagon y algún equipo de sonido y partió para Los Angeles con otros dos músicos, con grandes esperanzas de convertirse en un famoso artista. Poco después de su llegada, los dos músicos deciden renunciar a su sueño al buscar dinero seguro mediante trabajos regulares, abandonándole, con el vehículo y el equipo, cosas que él no podía usar. Rápidamente pasó a ser indigente, vendió todo y tomó el tren de regreso a West Virginia. Su frustración llegó a tal punto en ese momento, que pensó finalizar con el negocio de la música.

A mediados de los 60s, aún sin aceptar su derrota, parte a Nueva York con US$ 87, una maleta y una guitarra. Rápidamente los US$ 87 desaparecen; casi una semana sin comer y cerca de la inanición, trata de vender su sangre por dinero, en el banco de sangre. Debido a que estaba tan débil, se desmaya y pierde su cita. Mientras caminaba de regreso al “hotel de las pulgas,” encontró US$ 1.83 en una cuneta. Después de comprar una soda y una barra de caramelo con chocolate, regresa a su habitación y, con un cuchillo y un tenedor, come la barra de caramelo como si fuera un filet mignon, compartiendo las migajas que quedaban al arrojarlas a las cucarachas.

Durante la semana siguiente, mientras dormía en el Central Park con su guitarra y la maleta atada con su correa, se preguntó, “¿Qué es lo que sé hacer mejor?” Respondiéndose, “Bien, sé cantar, hacer deportes y tener suerte con las damas.” Contando con 23 años, rehusaba regresar a casa con la “cola entre las patas”, pues lo consideraba un fracaso. Por lo tanto, comenzó a cantar en pubs, a cambio de comida, y fue amistoso con las damas. Una de esas amigas le presentó a Norman Schwartz, quien fuera el manager de Stan Getz y Gary McFarland, artistas de jazz. Esto lo llevó al primer contrato discográfico con MGM/Verve.

Luego, firmó para “20th Century Fox” y el fruto fue “The Many Souls of Turley Richards,” con Toots Thielemans en la armónica y guitarra. También cantó en “Grenwich Village” y en “Café Wha” con Ritchie Havens, David Frye, gran comediante e imitador de personalidades políticas y Richard Pryor, uno de los grandes comediantes americanos, con el que entabló una gran amistad.

Muchos artistas no poseen un contrato discográfico. Turley tuvo la suerte de ser firmado con nueve compañías discográficas como Warner Bros., Atlantic Records, Epic Records, CBS / Columbia, MGM y 20th Century Fox. Cada disco lanzado siempre fue elegido con un “excelente” por Billboard, Cashbox, y Record World. A pesar de que Richards, acumulativamente vendió 1.400.000 discos, la mala gestión de su carrera le impidió alcanzar el estrellato que todo el mundo predijo.

En 1985 y debido a un problema genético, comenzó a perder su voz. “Tenía un miedo de muerte, porque por primera vez, a pesar de que había sido ciego durante 17 años, me sentí realmente ciego, porque sin mi voz no podía ganar lo suficiente para poner la comida en la mesa para mi familia.”

Sin darse por vencido, se inscribió en cursos de re-adaptación profesional para así aprender habilidades de trabajo alternativas, incluyendo la terapia de masaje, el funcionamiento del computador y la mecanografía, que le ayudarían a disponer de los avances tecnológicos al alcance de los ciegos. Afortunadamente recobró su voz, sin el temor que le embargaba, dio un verdadero cambio a su vida.

Por los últimos 15 años Richards trabaja como entrenador vocal, productor de discos y actúa en pequeños clubes y conciertos. También continúa escribiendo, componiendo y produciendo su propia música.

“Sé que me han dado un regalo. Yo sé que tengo que ser oído. Tal vez nunca seré una super estrella pero, si puedo hacer una diferencia positiva en una vida, entonces habré tenido éxito. Sigo oyendo de muchas personas el impacto que he tenido en ellos.”

Al Kooper, músico, compositor y productor discográfico de rock y blues, quien ha trabajado con Blood, Sweat & Tears, Bob Dylan y muchos otros, declaró: “Hablando como músico, la versión de Turley de ‘I Heard The Voice Of Jesus’, que grabó para Warners, es la más grande interpretación vocal que he escuchado en toda mi vida. Resulta que Turley la grabó en el estudio, solo, acompañándose con una guitarra acústica. El productor Lou Merenstein la escuchó y, siguiendo los datos que proporcionaba el libro de otro gran productor, Tom Wilson, sobrepuso una orquesta completa encima de la interpretación de Turley, incluyendo el arreglo de una sesión de cuerdas. Aquello CASI cubre la increíble interpretación vocal; pero, de alguna manera sorprendente, la fabulosa voz de Richards se escucha y “rasga” a través de todo ello. Hay momentos en que puedes diferenciar cuatro o cinco notas ¡¡AL MISMO TIEMPO!! Si amas verdaderamente una buena interpretación, dime si puedo conseguir esta rareza, cosa que dudo encuentres a la venta en estos momentos, para que todos puedan maravillarse con esta única e increíble interpretación.”

Amigos, sean ustedes los jueces…

Fuentes:
Wikipedia
Turley Richards Home

Turley Richards
I Heard The Voice Of Jesus
(Traducción: Sara)

I heard the voice of Jesus say / Escuché la voz de Jesús decir
“Come on to me and rest” / “Ven ante mí y reposa”
Lay down thy weary, / Recuéstense aquellos que están cansados
Weary one lay down, / Aquellos que están cansados, recuéstense
Lay thy head upon my breast. / Recuesta tu cabeza sobre mi pecho.
I went to Jesus as I was, / Fui hasta Jesús tal como estaba,
I was weary, worn and sad / Estaba cansado, desgastado y triste
I found in Him a resting place / Encontré en Él un lugar de reposo
And He has made me glad. / Y Él me ha hecho feliz.
Take my yoke upon you / Acoge mi yugo
And learn about me, / Y aprende de mí,
For my yoke is easy / Mi yugo es fácil
And my burdens are light / Y mi carga es ligera
And my burdens are light / Y mi carga es ligera
I heard the voice of Jesus say / Escuché la voz de Jesús decir
“Behold I freely give” / “Fíjate que doy libremente”
Oh!, the living waters, oh! thirsty one, / ¡Oh!, las aguas vivas, ¡oh!, aquel sediento,
Stoop down and drink and live. / Agáchate y bebe y vive.
I heard the voice of Jesus say / Escuché la voz de Jesús decir
“Come on to me and rest” / “Ven ante mí y reposa”
You’ve got to lay down thy weary, / Deben recostarse aquellos que están cansados
Weary one lay down, / Aquél que está cansado, recuéstese
Lay thy head upon my breast. / Recuesta tu cabeza sobre mi pecho.
I went to Jesus as I was, / Fui hasta Jesús tal como estaba,
You know I was weary, worn and sad / ¿Sabes?, estaba cansado, desgastado y triste
I found in Him, yes I found in him a resting place / Encontré en Él, sí, encontré con Él un lugar de descanso
Oh, you know He’s made… me glad. / Oh, sabes que Él me ha hecho… feliz.
I heard the voice, yes of Jesus say / Escuché la voz, sí, de Jesús decir
“Behold I freely give” / “Fíjate que doy libremente”
Oh, the living waters, oh thirsty one, / Oh, las aguas vivas, oh, aquel sediento,
Stoop down and drink and live. / Agáchate y bebe y vive.
Oh I wonder, I wonder you could ever hear me? / Oh, me pregunto, me pregunto si ¿alguna vez podrás escucharme?
I keep on calling, you’ve got to hear me / Sigo llamando, debes escucharme
Oh, I’m pleading, everybody hear my plead / Oh, te ruego, escucha mi plegaria
Oh, Jesus, hear my name, Oh Jesus / Oh, Jesús, escucha mi nombre, Oh Jesús
I said: “Jesus, Jesus, Jesus!” / Dije: “¡Jesús, Jesús, Jesús!”
I’m pleading, I’m pleading / Estoy rogando, estoy rogando
You’ve got to hear me, yeah / Debes escucharme, sí
You’ve got to hear me calling / Debes escucharme llamando
I’m calling “Jesus!”, I keep calling / Estoy llamando “¡Jesus!”, sigo llamando
I said Yeah…, Jesus / Dije Sí…, Jesús
I’ve just got to keep on calling, / Debo seguir llamando
Calling your name, I just call, I just call… / Llamando tu nombre, yo llamo, yo llamo…
Yeah Yeah, You’ve got to hear me, hear me / Sí, sí, debes escucharme, escucharme
Hear me, hear me calling, yes I did, / Escucharme, escucharme llamando, sí lo hice,
You’ve got to hear me / Debes escucharme
I said Yeah…, Jesus Ahh… / Dije Sí…, Jesús Ahh…
You’ve got to hear me, Jesus / Debes escucharme, Jesús
I keep calling, calling your name / Continúo llamando, llamando tu nombre
Oh Jesus, Oh Jesus, / Oh Jesús, Oh Jesús,
I’m calling, calling your name I keep on calling / Estoy llamando, llamando tu nombre sigo llamando
Hold down my name / Recuerda mi nombre
I pray, I pray….Yes, I’m praying / Rezo, rezo…. Sí, estoy rezando
Jesus, hear my, hear my call… / Jesús, escúchame, escucha mi llamado…

Esta canción fue el tema de la película “A Star Is Born” de 1976, protagonizada por Barbra Streisand y Kris Kristofferson.

“A Star is Born,” conocida en Latinoamérica como “Nace una Estrella” y “Ha Nacido una Estrella en España,” es una película de 1954 con Judy Garland y James Mason, la cual, es un remake del film homónimo de 1937, con Janet Gaynor y Fredric March. La película, protagonizada por Streisand, fue muy popular y esta canción ganó el Premio de la Academia por la Mejor Canción.

Paul Williams, quien había escrito canciones para The Carpenters y Three Dog Night, escribió ésta con Streisand. Las canciones para la película tenían que estar terminadas antes de comenzar a filmar, debido a que se interpretarían en cámara. Cuando finalmente Williams aceptó el proyecto, Streisand ya tenía la música y un verso de la canción “Everything,” que formaría parte del repertorio. Durante las próximas 7 semanas ellos escribirían todas las canciones para la película.

Paul Williams

En la entrevista de Carl Wiser para Songfacts, Williams describe su colaboración con Streisand en ésta canción: “Ella se sentó y tocó en la guitarra la melodía de ‘Evergreen’ que había escrito. Era simplemente una melodía tan bella, que le dije, ‘Ahí está tu canción de amor. Ahí está la gran canción de amor.’ Entonces, le pedí que me la diera y ella la pasó a una cinta y me la llevé a casa. La realidad fue que escribir esa canción fue lo último que hice, cosa que pienso la molestó algo. Pero es que todo el material de Kris Kristofferson era lo primero que saldría en el calendario del rodaje, así que escribí primero las canciones para Kris.”

“¿Sabes…? Barbra había grabado dos o tres de mis canciones antes de que hiciéramos A Star Is Born. La gente siempre me pregunta, ‘¿Estabas nervioso al escribir las canciones de Streisand?’ ¡Por supuesto! ¡Ella es de un talento increíble! Pero, sentarse y escribir canciones y tocarlas para Kris… Es decir, éste es el hombre que escribió ‘Sunday Morning Coming Down,’ ‘Me And Bobby McGee.’ Fue maravilloso. Kris es grandioso con sus canciones. Pero lo último que escribí fue ‘Evergreen.’ Se la di a Barbra, luego salió a la luz y no miré más hacia atrás.”

“Realmente, las dos primeras líneas las escribí en orden inverso. Había escrito ‘Love, fresh as the morning air, love soft as an easy chair.’ Mientras estaba en el avión para ir de gira con Olivia Newton-John, llamé a Barbra. Estábamos haciendo una gira de 6 semanas y Barbra estaba en Arizona preparándose para comenzar a filmar ‘A Star Is Born.’ La llamé y le dije, ‘¿Sabes qué? Cámbiale el orden a esas dos primeras líneas, porque suena mejor así. Incluso recuerdo decirle a Barbra que, ‘Probablemente la gente se reirá de nosotros, en los teatros, por comenzar una canción de amor con una línea acerca de una poltrona, pero creo que se escucha mucho mejor de esta manera.’ Pienso que fue el álbum más vendido de una banda sonora, hasta ese momento y, por supuesto, la canción se llevó la triple corona: el Oscar, el Grammy y el Golden Globe.”

Junto con Kenny Ascher, Williams también escribió la banda sonora musical para la película. A Star is Born fue galardonada con cuatro Oscares: mejor canción, mejor banda sonora adaptada, mejor sonido y mejor fotografía. Igualmente, ganó cinco Globos de Oro en la categoría de comedia o musical como: Mejor película; mejor actor: Kris Kristofferson; mejor actriz: Barbra Streisand; mejor banda sonora original: Paul Williams y Kenny Ascher; mejor canción: Paul Williams y Barbra Streisand por “Evergreen.”

Evergreen: Planta de hoja perenne o siempre florida (N.A.)

Fuentes:
Songfacts
Wikipedia

Evergreen
Barbra Streisand
(Traducción: Sara)
Love, soft as an easy chair, /Amor, suave como una poltrona
Love, fresh as the morning air. /Amor, fresco como el aire de la mañana
One love that is shared by two, /Un amor compartido por dos
I have found with you. /Yo he hallado contigo.
Like a rose under the April snow /Como una rosa bajo la nieve de Abril
I was always certain love would grow. /Siempre tuve la certeza de que el amor crecería
Love, ageless and evergreen /Amor, duradero y siempre florido
Seldom seen by two. /Raramente visto por dos
You and I will make each night a first /Tú y yo haremos de cada noche la primera
Every day a beginning. /Cada día, un comienzo
Spirits rise and their dance is unrehearsed /Almas suben en un baile sin ensayo
They warm and excite us /Nos dan calidez y nos emocionan
Cause we have the brightest love, /Porque nosotros tenemos el amor mas bello
Two lights that shine as one. /Dos luces brillando como una
Morning glory and the midnight sun. /Gloria de la mañana y sol de la medianoche (también Morning Glory es una flor: Don Diego de Día, o Campanilla)
Time, we’ve learned to sail above, /Con el tiempo hemos aprendido a salir a flote
Time can’t change the meaning of /El tiempo no puede cambiar el sentido de…
One love ageless and ever, evergreen. /Un amor, duradero y siempre florido

The Four Tops grabaron esta canción en sólo dos tomas y prácticamente se olvidaron de ella hasta que fue lanzada; habían asumido que se trataba simplemente de un track “desechable” para un álbum. El jefe de Motown, Berry Gordy, tenía otras ideas y lo lanzó como un sencillo. Gordy poseía un don particular para identificar las canciones de éxito y tampoco se equivocó con ésta.

Telma Hopkins y Joyce Vincent fueron las voces del coro. Ellas junto con Tony Orlando, formarían luego el exitoso trío Tony Orlando & Dawn y nos deleitarían con canciones como “Candida”, “Knock Three Times”, “Tie A Yellow Ribbon” y tantas otras.

El equipo de compositores de Motown, Eddie Holland, Lamont Dozier y Brian Holland (Holland / Dozier / Holland) escribieron la canción. Ellos le pidieron a Levi Stubbs que tratara de cantar al estilo Bob Dylan en la canción “Like a Rolling Sone”. El excéntrico productor de música Phil Spector, una vez lo describió como el “Dylan negro.”

El grupo de The Four Tops estaba compuesto por: Levi Stubbs, Abdul “Duke” Fakir, Lawrence Payton y Renaldo “Obie” Benson. Durante los 41 años que permanecieron juntos, desde 1956 hasta 1997, no hubo cambios entre sus integrantes. Stubbs fue el vocalista líder del grupo. Él era barítono, algo poco común pues la voz líder usualmente era un tenor. Ellos fueron contratados por Motown Records y comenzaron como un grupo de apoyo para “The Supremes.” El nombre original del grupo fue “The Four Aims,” nombre que cambiarían por “The Four Tops” para así evitar confusiones con el popular cuarteto de música pop “The Ames Brothers.”

Diana Ross grabó esta canción para su álbum “Surrender” en 1971 y alcanzó el puesto 29 en las listas de EE.UU. Su versión, producida por Ashford & Simpson, es drásticamente diferente a la original de The Four Tops, ya que Ross la canta en un estilo similar a su éxito de 1970 “Ain’t No Mountain High Enough.”

Stubbs fue quien le dio la voz a la cantarina planta come-hombres Audrey II, en la película musical de 1986 “Little Shop of Horrors” (La Tiendita del Horror), donde con un implorante y lastimoso tono le pedía a su cuidador, Seymour, que la alimentara. Esta película musical fue basada en la película de humor negro “The Little Shop of Horrors” de 1960. Aunque el musical de 1986 no tuvo un gran impacto en su salida a los cines, hoy en día es considerada como una película de culto.

En 1990 The Four Tops fueron incluidos dentro del “Rock and Roll Hall of Fame” y en 1998 en el “Grammy Hall of Fame.”

Payton y Benson sucumbieron ante el cáncer. Peyton en 1997 a la edad de 59 años y Benson en 2005 a los 68 años. El 17 de Octubre de 2008, Stubbs abandonó este mundo, apaciblemente, mientras dormía, a la edad de 72 años. Abdul “Duke” es el único miembro sobreviviente.

Entre sus numerosos éxitos se encuentran: “I Can’t Help Myself (Sugar Pie Honey Bunch)” (1965) • “It’s the Same Old Song” (1965) • “Standing in the Shadows of Love” (1966) • “Bernadette” (1967) • “If I Were a Carpenter” (1967) • “Walk Away Renée” (1968) • “Still Water (Love)” (1970) • “It’s All In The Game” (1970) • “River Deep – Mountain High” (1971) • “A Simple Game” (1972) • “Keeper of the Castle” (1972) • “Ain’t No Woman (Like the One I’ve Got)” (1973) • “When She Was My Girl” (1981) • “Loco in Acapulco” (1988), entre otros. The Four Tops son considerados como el grupo americano más exitoso de la época conocida como “La invasión musical inglesa.”

Fuentes:
Wikipedia
Songfacts

Reach Out I’ll Be There
The Four Tops
(Traducción con la colaboración de Sara)
Now if you feel that you can’t go on (can’t go on) / Si ahora sientes que no puedes continuar (no puedes seguir)
Because all of your hope is gone (all your hope is gone) / Porque has perdido toda la esperanza (has perdido toda la esperanza)
And your life is filled with much confusion (much confusion) / Y tu vida está llena de mucha confusión (mucha confusión)
Until happiness is just an illusion (happiness is just an illusion) / Hasta la felicidad es sólo una ilusión (la felicidad es sólo una ilusión)
And your world around is crumblin’ down, darling / Y tu mundo alrededor se desmorona y cae, cariño
(Reach out) Come on, girl. Reach on out for me. / (Búscame) ¡Vamos, niña! Acude a mí
(Reach out) Reach out for me. / (Búscame) Acude a mí
I’ll be there with a love that will shelter you / Estaré allí con un amor que será tu refugio
I’ll be there with a love that will see you through / Estaré allí con un amor que te apoyará
When you feel lost and about to give up (to give up) / Cuando te sientas perdida y a punto de darte por vencida (darte por vencida)
‘Cause your best just ain’t good enough (just ain’t good enough) / Porque lo mejor de ti simplemente no es suficiente bueno (no es lo suficientemente bueno)
And you feel the world has grown cold (has grown cold) / Y sientes que el mundo se ha vuelto frío (se ha vuelto frío)
And you’re drifting out all on your own (drifting out on your own) / Y estás flotando a la deriva (flotando a la deriva)
And you need a hand to hold, darling / Y necesitas una mano, cariño
(Reach out) Come on, girl. Reach out for me / (Búscame) Vamos niña. Acude a mí
(Reach out) Reach out for me / (Búscame) Acude a mí
I’ll be there to love and comfort you / Yo estaré allí para amarte y consolarte
And I’ll be there to cherish and care for you / Y yo estaré allí para venerarte y cuidarte.
(I’ll be there to always see you through) / (Estaré siempre allí para apoyarte)
(I’ll be there to love and comfort you) / (Estaré allí para amarte y consolarte)
I can tell the way you hang your head (hang your head) / Me doy cuenta por lo cabizbaja (cabizbaja)
You’re not in love now, now you’re afraid (you’re afraid) / De que ya no estás enamorada, ahora tienes miedo (tienes miedo)
And through your tears, you look around (look around) / Y a través de las lágrimas, miras a tu alrededor (miras a tu alrededor)
But there’s no peace of mind to be found (no peace of mind to be found) / Pero no tienes consuelo (no tienes consuelo)
I know what you’re thinkin’ / Sé qué es lo que estás pensando
You’re alone now, no love of your own, but, darling / Estás sola ahora, no tienes un amor, pero, cariño
(Reach out) Come on, girl. Reach out for me / (Búscame) ¡Vamos, niña! Acude a mí
(Reach out) Reach out / (Búscame) Acude a mí
Just look over your shoulder / Sólo tienes que mirar más allá de tu hombro
I’ll be there to give you all the love you need. / Estaré allí para darte todo el amor que necesitas.
And I’ll be there, you can always depend on me. / Y yo estaré allí, siempre puedes depender de mí.