T E A T R O N

Perros Chaos (y otras historias)

Murotron — Tue, 13 Oct 2026 13:20:28 GMT

En el marco del programa Murmullos, Lolo & Sosaku presentan una instalación activada mediante dos conciertos. Poblada por máquinas autónomas, esculturas cinéticas y percusiones mecánicas, la propuesta dialoga libremente con el imaginario posindustrial de The Killing Machine y otras historias, la emblemática exposición de Janet Cardiff y George Bures Miller presentada en el MACBA en 2007.

Desde hace más de dos décadas, Lolo & Sosaku desarrollan una práctica situada entre la escultura cinética y la música experimental. En sus performances e instalaciones intervienen motores, mecanismos de percusión y objetos industriales que, lejos de comportarse como simples instrumentos, parecen adquirir vida propia. En esta ocasión, varios sound systems autoconstruidos ocuparán el altar de la Capella, proyectando el sonido como una experiencia física y colectiva. Máquinas y altavoces golpean, vibran, vacilan, se sincronizan o se desajustan unos con otros. Más que asistir a la ejecución de una partitura, el público presencia el despliegue de un ecosistema donde las máquinas dejan de ser herramientas para convertirse en cuerpos capaces de escucharse y responderse mutuamente. Los días 16 y 17 de octubre, Perros Chaos se activará mediante dos conciertos, mientras que la instalación permanecerá abierta al público en la Capella MACBA del 18 al 25 de octubre de 2026. La propuesta rememora, como punto de partida, The Killing Machine y otras historias, una de las exposiciones más recordadas de la historia reciente del museo. En la misma época en que se presentó aquella muestra, Lolo & Sosaku, recién instalados en Barcelona, iniciaron la estrecha amistad y la colaboración artística que mantienen hasta hoy. Casi veinte años después, aquel recuerdo reaparece aquí como un eco lejano desde el que hacer resonar un lenguaje singular. A este entramado se suma Tito Díaz, cuya trayectoria entre las artes visuales, la experimentación sonora y la performance aporta a Perros Chaos una práctica marcada por la transformación de la materia y los cruces entre sonido, escultura y tecnología. Más información y entradas.

Apoyatura

Murotron — Tue, 13 Oct 2026 12:54:47 GMT

Óscar Bueno - Del 16 al 18 de octubre en Teatro Ensalle Apoyatura es una pieza que forma parte de la investigación La excitación del paisaje, un proyecto que explora las posibilidades de la música y acción y la imagen para adentrarnos en la idea de paisaje, entendiendo este como una relación. La obra propone un diálogo entre un cuerpo, un piano y un cielo ficcionado, configurando un paisaje en el que sonido, movimiento e imagen se afectan mutuamente y generan un ecosistema de decisiones sonoras, corporales y visuales. Para esta adaptación, el trabajo coreográfico y musical se pone en relación con una videoproyección que viaja a través de diferentes cielos. La sucesión de horizontes y atmósferas amplía la investigación sobre el paisaje y acompaña una experiencia de contemplación que busca suspender la idea de avance para habitar un tiempo expandido.

Piel de plátano II Encuentro de humor y artes vivas

Murotron — Tue, 13 Oct 2026 12:49:12 GMT

Piel de plátano nace del deseo de generar un archivo vivo de referentes que trabajan con, desde o hacia lo humorístico en la escena contemporánea. Es un intento de hacer convivir a profesionales de las artes vivas que jueguen con lo cómico con profesionales de la comedia que tengan una perspectiva experimental, analítica o crítica de su oficio.

En esta ocasión participarán la artista escénica gaditana Rosa Romero y el cómico tinerfeño Ignatius Farray.

Concebido como un espacio de reflexión, exhibición y diálogo, este encuentro aborda el humor desde una perspectiva interdisciplinar, entendiendo la práctica humorística como una herramienta de pensamiento crítico, investigación y producción artística.

La primera edición reunió a más de un centenar de asistentes entre estudiantes, profesorado, profesionales del ámbito cultural y ciudadanía. Esta segunda, da continuidad a aquella experiencia y busca consolidar un espacio de encuentro entre diferentes formas de entender, practicar e investigar el humor.

Programa

17:30 – 18:00

Rosa Romero DEBUT Pieza escénica

DEBUT es un solo donde la intérprete o performer atraviesa un acto de iniciación frente al público con el objetivo de ser aceptada, de ser amada, a fin de cuentas. Atravesar la puerta, pasar el umbral, cambiar de cuerpo, espacio y estado para pasar a ser otra cosa, de sólido a líquido, de líquido a gaseoso.

Esta obra, que no es más que un acto de iniciación que adopta la forma de una pieza escénica, es un deseo de pertenencia a la comunidad. Como en todo acto iniciático, la iniciada, en este caso Rosa, tiene que demostrar su valía enfrentándose a la comunidad con todo su cuerpo. Se para frente al público (la comunidad de la que depende su aceptación) y les dice: miradme.

18:00 – 18:20

Damián Montesdeoca ¿Por qué nos reímos? Desvaríos sobre el placer del error Presentación

Según estudios en neurociencia cognitiva, el cerebro genera risa como recompensa al detectar una incongruencia o un fallo en la lógica esperada. La risa es una forma de pensamiento corporal.

La propuesta de comunicación mezcla neurología, pensamiento crítico y procedimientos escénicos como repetición, escucha activa y metateatralidad.

18:20 – 18:30

Pausa

18:30 – 19:30

Ignatius Farray Orígenes y márgenes del stand-up comedy Conferencia performativa

¿De dónde nace la necesidad de subir a un escenario?

El oficio de la comedia puede entenderse como un modo de responder a esa cuestión. Hay algo que empuja a repetir ese acto una y otra vez, aunque muchas veces no sepamos explicar de dónde viene.

Desde una experiencia personal, la conferencia explora algunas de esas zonas de incertidumbre. El miedo a hablar y ser malentendido. La dificultad para encontrar una palabra que parezca verdaderamente propia. La sensación de falsedad que puede aparecer después de hablar. La necesidad de pensar las cosas dos veces.

El escenario puede convertirse en un lugar para enfrentarse a todo ello. Situarse delante de otras personas implica ponerse voluntariamente en un aprieto. El público mira. Hay que encontrar una palabra con urgencia. En ese momento desaparece, al menos durante un instante, la posibilidad de seguir pensando qué decir.

Ser cómico no significa necesariamente ser una persona graciosa. Un cómico es alguien que tiene la necesidad de hacer reír.

19:30 – 20:00

¿Dónde está la gracia? Coloquio con Rosa Romero e Ignatius Farray

Organizado por Damián Montesdeoca.

Gracias a la Universidad de Castilla-La Mancha, la Facultad de Bellas Artes de Cuenca y el Patronato Universitario Gil de Albornoz.

Actividad del grupo ARTEA, Investigación y Creación, dentro del proyecto EXPERIMENTA: Artes vivas y prácticas expandidas de investigación-creación: experimentalidad y genealogía. Proyecto PID2023-148236NB-C21, financiado por la Agencia Estatal de Investigación (AEI-MICIU).

Sofía Asencio i Júlia Barbany exploren la percepció del temps a El futuro como trabajo escénico

Antic Teatre — Tue, 13 Oct 2026 09:51:35 GMT

La conferència performativa, que es podrà veure els dies 17 i 18 d’octubre en el marc del Sâlmon – Festival d’arts vives de Barcelona, investiga com sorgeixen les preguntes i es construeixen les certeses en una situació de comunicació en directe. El futuro como trabajo escénico és una conferència performativa de Sofía Asencio i Júlia Barbany que aborda el temps en escena des d’una perspectiva no lineal. La proposta parteix d’una pregunta sobre com es produeix i es percep el pensament en directe i articula una investigació escènica al voltant de la relació entre qui emet una idea i qui la rep. La peça s’activa a través d’un dispositiu que les artistes han anomenat «La màquina de pensar». Aquest mecanisme separa els diferents elements que intervenen en l’emissió i la recepció d’idees en un auditori, habitualment percebuts com un procés simultani. La màquina permet observar el moment en què apareixen les preguntes i la manera com es materialitzen les certeses que es generen durant la conferència entre Asencio i Barbany. La proposta desplaça així el format convencional de la conferència cap a un territori performatiu, en què el pensament no es presenta com un discurs tancat, sinó com un procés en construcció. El dispositiu escènic fa visibles les relacions i els temps que intervenen en aquest intercanvi, i situa l’acte de pensar i comunicar com a matèria de treball artístic.

Dues trajectòries vinculades a la investigació escènica

Sofía Asencio és artista i investigadora en arts escèniques i codirigeix la Societat Doctor Alonso, projecte amb el qual desenvolupa des del 2002 una pràctica de creació i investigació. Entre el 2004 i el 2011 va codirigir el festival d’art de context MAPA, a Pontós, i va formar part de l’equip curatorial del Festival Sâlmon en les edicions del 2021 i el 2022. Actualment participa en El Consulado, una nau situada al barri de la Fonteta de Sant Lluís, a la perifèria de València, dedicada a acollir activitats al voltant de les arts vives expandides. Júlia Barbany és performer i creadora. La seva pràctica se situa en la ironia, el posthumor i l’exploració dels límits de la performativitat, que defineix com a «tova». Forma part del Col·lectiu las Huecas, amb qui ha codirigit peces com Projecte 92, Aquellas que no deben morir, Algo de amor i De l’amistat, així com la seva obra més recent, Riure Caníbal. Aquellas que no deben morir va rebre el premi al millor espectacle contemporani als Premios de la Crítica, mentre que De l’amistat va ser reconeguda com a millor espectacle als Premios Time Out 2024. La trobada entre totes dues artistes dona forma a una proposta que connecta la investigació sobre el temps escènic amb els mecanismes de producció i transmissió del pensament. El futuro como trabajo escénico es podrà veure els dies 17 i 18 d’octubre de 2026, en el marc del Sâlmon – Festival d’arts vives de Barcelona.

Sofía Asencio y Júlia Barbany exploran la percepción del tiempo en El futuro como trabajo escénico

La conferencia performativa, que podrá verse los días 17 y 18 de octubre en el marco del Sâlmon – Festival de artes vivas de Barcelona, investiga cómo surgen las preguntas y se construyen las certezas en una situación de comunicación en directo. El futuro como trabajo escénico es una conferencia performativa de Sofía Asencio y Júlia Barbany que aborda el tiempo en escena desde una perspectiva no lineal. La propuesta parte de una pregunta sobre cómo se produce y se percibe el pensamiento en directo y articula una investigación escénica en torno a la relación entre quien emite una idea y quien la recibe. La pieza se activa a través de un dispositivo que las artistas han denominado «La máquina de pensar». Este mecanismo separa los distintos elementos que intervienen en la emisión y la recepción de ideas en un auditorio, habitualmente percibidos como un proceso simultáneo. La máquina permite observar el momento en que aparecen las preguntas y la manera en que se materializan las certezas que se generan durante la conferencia entre Asencio y Barbany. La propuesta desplaza así el formato convencional de la conferencia hacia un territorio performativo, en el que el pensamiento no se presenta como un discurso cerrado, sino como un proceso en construcción. El dispositivo escénico hace visibles las relaciones y los tiempos que intervienen en este intercambio, y sitúa el acto de pensar y comunicar como materia de trabajo artístico.

Dos trayectorias vinculadas a la investigación escénica

Sofía Asencio es artista e investigadora en artes escénicas y codirige la Societat Doctor Alonso, proyecto con el que desarrolla desde 2002 una práctica de creación e investigación. Entre 2004 y 2011 codirigió el festival de arte de contexto MAPA, en Pontós, y formó parte del equipo curatorial del Festival Sâlmon en las ediciones de 2021 y 2022. Actualmente participa en El Consulado, una nave situada en el barrio de la Fonteta de Sant Lluís, en la periferia de València, dedicada a acoger actividades en torno a las artes vivas expandidas. Júlia Barbany es performer y creadora. Su práctica se sitúa en la ironía, el posthumor y la exploración de los límites de la performatividad, que define como «blanda». Forma parte del Colectivo las Huecas, con el que ha codirigido piezas como Projecte 92, Aquellas que no deben morir, Algo de amor y De l’amistat, así como su obra más reciente, Riure Caníbal. Aquellas que no deben morir recibió el premio al mejor espectáculo contemporáneo en los Premios de la Crítica, mientras que De l’amistat fue reconocida como mejor espectáculo en los Premios Time Out 2024. El encuentro entre ambas artistas da forma a una propuesta que conecta la investigación sobre el tiempo escénico con los mecanismos de producción y transmisión del pensamiento. El futuro como trabajo escénico podrá verse los días 17 y 18 de octubre de 2026, en el marco del Sâlmon – Festival de artes vivas de Barcelona.

HÄXAN

Murotron — Fri, 09 Oct 2026 20:07:45 GMT

ÉSKATON - Del 23 al 25 de octubre en Réplika ¿Es posible realizar un acto verdadera y extremadamente mágico dentro del viejo y manoseado edificio del teatro? En esta propuesta de la agrupación artística ÉSKATON, coreografía, música, canto, maquinaria, iluminación, proyecciones, diálogos, liturgia y performatividad se ponen al servicio de esta pregunta. Para ello las mitologías, filosofías y rumores acerca de la brujería se ponen en diálogo con las de la creación escénica contemporánea a través de la acción de una figura de cuerpo extraño, aspecto marginal y comportamientos tan desesperados y masoquistas como tiernos y delicados. Una acción que evoca conocimientos y prácticas demonizados, y que exalta la potencia estética de la monstruosidad y el peligro de los cuerpos disidentes. Una acción que podría ser una liturgia menor de orígenes ancestrales que abre las puertas del infierno, o una simple y divertida varieté llena de trucos donde la música te envuelve y te olvidas de todo. HÄXAN es el título de la película danesa de 1922 del director Benjamin Christensen que aborda el fenómeno de la brujería en la época inquisitorial y que influye en la aparición del falso documental. El film sirve de inspiración y base para la creación de esta obra por tres de sus características: la confusión formal entre lo documental, lo ficcional y lo histórico; por la turbación social de sus imágenes clasificadas como perturbadoras, violentas y crueles; y por el uso en aquel entonces de pioneros efectos especiales para reflejar lo sobrenatural y lo mágico. Si en su época Christensen establece un paralelismo entre la caza de brujas y el impacto de la psicología moderna del siglo XX sobre el cuerpo de las histéricas, esta obra se pregunta por el rol del teatro dentro de una sociedad de consumo y producción cultural digitalizada. Más información y entradas. ÉSKATON es una agrupación artística fundada en 2021 con base en Madrid co-dirigida por George Marinov y Miguel Deblas, dedicada a la investigación artística a través de la creación escénica, dramatúrgica, coreográfica y performativa. Hasta ahora han estrenado: Cicuta Contagiosa (2021), Ejercicios militares para confundir éxtasis con agonía (2023), La poesía y el discurso (2023) [Festival Surge], HÄXAN (2025) y force song (2026). ÉSKATON ha trabajado, ya sea a través de presentaciones de sus piezas como en residencias, en diferentes teatros e instituciones nacionales como Réplika Teatro | Centro Internacional de Creación, Teatros del Canal, Festival de Otoño, SURGE Madrid, Teatro Pradillo, DT Espacio Escénico, Nau Ivanow, Festival Tara o Festival Autóctonxs entre otros, y en países como Italia, Alemania o Paraguay. George Marinov. (Teteven, Bulgaria, 1995). Director de escena, diseñador de iluminación y performer. Graduado en Dirección de Escena y en Interpretación en el Teatro de Texto por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD). Formado en la trienal Scuola Cònia dirigida por Claudia Castellucci, y distinguido por su trabajo Il senso della carne, que recibe la residencia escolástica Catalysi. Realiza el diseño de iluminación de las obras; Si fuera una película y Cosa. Intervenir un cuerpo de la compañía Macarena Recuerda Shepherd; Petróleo: Pasolini del Grupo Enigma; Oasis of Serenity y Serenity Rave de Laura Ramírez; Padecer la Carne y Self Plesaure de Celia Reyes, Morituri te salutant de Checho Tamayo, entre otras. Coordina el programa intergeneracional Duplo – Teatro de la Fundación Gregal desarrollado en diversos centros y residencias de mayores de la Comunidad de Madrid, en el que realiza un trabajo de mediación a través del arte y el teatro contemporáneo con el fin de suplir la brecha generacional entre jóvenes y mayores. Miguel Deblas (Úbeda, ES, 1994) es director de escena, dramaturgo, performer y profesor. Graduado en Anatomía Patológica y Citología, Diplomatura en Arte Dramático en Réplika Teatro y en Dirección de Escena y Dramaturgia en la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid (RESAD). Completa los estudios triennales Scuola Cònia - Tecnica della Rappresentazione, dirigida por Claudia Castellucci. Trabaja como intérprete para Óscar Nieto (TRIPAS, 2019), Alejandría Cinque (Cruising, 2020), Mikolaj Bielski (Europa. Los tutelados, 2020; Lo que tiembla y casi danza, 2022), Marie Delgado - La tarara company (La intimidad, 2024) y Alberto Cortés (Los chicos de la playa Adoro, 2025), entre otros. Ha sido seleccionado para participar como representante español en el Internationales Forum organizado por el Theatertreffen del Berliner Festpiele (Berlin, DE) y el Goethe Intstitut Madrid durante 2025. Es profesor de la asignatura Escenas y dramaturgias vivas dentro de la Diplomatura en Arte Dramático de Réplika Teatro. Y ha impartido el laboratorio Estética del peligro: prácticas y teorías en el CCE Juan de Salazar.

Festival Sâlmon 2026

Murotron — Fri, 09 Oct 2026 19:59:43 GMT

Como un espejo que se precipita por la ventana, en este Sâlmon 2026 el punto de vista se hace añicos. El teatro se convierte en una cueva y, sumidos en la oscuridad, no se sabe dónde acaba la piel y dónde empieza el mundo. Cerrados y dormidos los ojos bailan para invocar todo lo que no es y el frágil espejismo de la realidad tiembla bajo el vasto influjo de lo que podría ser. La imaginación nos transporta a un lugar donde los sueños son compartidos. Palabras, imágenes y sensaciones desdibujan los cuerpos hasta volver irreconocible su forma, origen y género. La alteridad es la costura precaria que mantiene la ilusión de la identidad. Basta con tirar del hilo para que brote un reguero de lentejuelas y cristales de colores. La escultura, el cine, la coreografía, el dibujo, la performance, la poesía y la música se entrecruzan entre ellas una y otra vez hasta que resulta imposible nombrar lo que tenemos delante. Aunque la danza sigue aquí, fuera y dentro del escenario: un baile que es tanto una celebración como un cortejo y donde todas las formas de deseo son bienvenidas. Contaremos con dos piezas míticas que han girado por toda Europa pero que nunca se han visto en Barcelona: “Light Years Away” de Edurne Rubio y “Labourer” de Madeleine Fournier; cuatro estrenos en Cataluña, dos coproducciones Sâlmon —Noela Covelo/Élise Moreau y Toni Hervàs—, una semana de talleres, perfos y conferencias sobre comunidades que sueñan y muchas más propuestas que se podrán ir descubriendo en el programa.

Quim Pujol

Programa completo e información.

Miércoles de sonido y cuerpo. Otoño 2026

Santa Mònica — Fri, 09 Oct 2026 10:58:51 GMT

El programa Miércoles de sonido y cuerpo de Santa Mònica continúa consolidándose como un espacio donde el sonido y el cuerpo se convierten en un territorio de experimentación compartido. Concebido como un lugar de encuentro entre artistas y públicos, el ciclo reunirá cada miércoles de este otoño propuestas que exploran las múltiples formas en que la escucha, el movimiento, la voz y la presencia pueden generar experiencias artísticas que escapan a categorías estables. A través de conciertos, performances, activaciones sonoras y sesiones de escucha, la Sala Bar del centro se transforma en un laboratorio de proximidad.

La programación del útimo trimestre de 2026 arranca con Embodied Physis, donde Edurne Arizu y Diana Alina Serbanescu exploran el diálogo entre acordeón, inteligencia artificial y tecnologías vestibles, para continuar con Tea Ceremony, una propuesta de Kuanmaru con Elsa de Alfonso que activa la ceremonia del té como práctica performativa. La programación acoge también la investigación sobre memoria familiar y herencia colonial de À mon père de Abigaïl Sia, Interrupcions, una serie de performances de investigación sobre la sincronicidad impulsada por el colectivo Ocells al cap, y Escolta del cos elèctric de Amidea Clotet, una propuesta centrada en la escucha del cuerpo atravesado por tecnologías y flujos de energía. El ciclo continúa con la activación sonora Ekpe, Sounds of a Second Coming de Jordi Mani, la experiencia inmersiva Rèplica / Retorn, la improvisación con artefactos sonoros e instrumentos experimentales de Cercle trencat, y la presentación del Laboratori de cos i moviment del Santa Mònica con Públics tan difícils de satisfer. El trimestre culmina con No depèn de l'ocell que canta igual sense ser escoltat com li canta a una multitud de edu r. pineda, una sesión de escucha íntima que vuelve a situar la fragilidad, la voz y la atención en el centro de la experiencia. Entre las propuestas, hay tres piezas que permiten detenerse en algunas de las cuestiones que atraviesan la programación: la memoria familiar, las herencias culturales y las formas de escucha. Son À mon père de Abigaïl Sia, programada por Africa Moment; Ekpe, Sounds of a Second Coming de Jordi Mani, programada por el Festival Sâlmon; y No depèn de l'ocell que canta igual sense ser escoltat com li canta a una multitud de edu r. pineda, propuesta por L'Afluent. Las tres invitan a pensar el sonido desde lugares muy diferentes: la intimidad familiar, la memoria colectiva de la diáspora y la vulnerabilidad de la experiencia individual. En À mon père, propuesta programada por Africa Moment el 21 de octubre, Abigaïl Sia construye junto a Pascal Beugré-Tellier un dueto que toma como punto de partida la relación entre un padre marfileño y su hija mestiza. La pieza aborda "la complejidad de un vínculo intergeneracional atravesado por la migración, la herencia colonial y los silencios que estructuran la memoria familiar", situándose en ese espacio donde conviven el afecto, la distancia y aquello que no siempre encuentra palabras para expresarse. Más que una reconstrucción biográfica, la performance se acerca a la forma en que la historia se inscribe en los cuerpos y continúa resonando en las relaciones familiares. La obra además cuenta con la participación en el espacio sonoro de Maguette Dieng aka MBODJ. Ekpe, Sounds of a Second Coming, programada el 18 de noviembre por el Festival Sâlmon, amplía la mirada hacia una memoria colectiva que conecta distintos territorios y épocas a través del sonido. A partir de "un archivo sonoro vivo" formado por grabaciones en Malabo, testimonios orales, percusiones y cantos rituales, Jordi Mani pone en relación tradiciones del golfo de Guinea y del Caribe con la electrónica contemporánea. La pieza hace convivir tiempos y geografías aparentemente distantes y propone una escucha que atiende a los rastros que permanecen tras los desplazamientos, las diásporas y las transformaciones culturales. En palabras del propio Jordi Mani en una entrevista de Inés Sybille: "Es una pieza viva, experimental que si bien representa algunos de los parámetros de esta práctica, no será una representación como tal. No seré yo imitando a mis ancestros delante de un público blanco. Mi intención a nivel de danza y sonoridad es coger y ofrecer desde mi perspectiva el principio o el final no sé (risas). Creo que sería más ofrecer al público una mordida de lo que está siendo este proceso para mí como bailarín, como DJ o productor. Incluiré material que he podido captar y conseguir en Guinea y lo mezclaré con componentes de trabajo que ya hemos hecho con Don’t Hit a la Negrx para crear una pieza que abra el paladar al público a lo que vendrá después, mi afrofuturismo desde mi etnia, mi cultura. Quiero que sea algo desenfadado también (risas)". La propuesta de edu r. pineda, programada por L'Afluent, para cerrar el año el 16 de diciembre, se acerca a una escala mucho más íntima. Definida como una "sesión de escucha íntima", No depèn de l'ocell que canta igual sense ser escoltat com li canta a una multitud invita a adentrarse en el universo de La santa espina a través de "intuiciones susurradas en forma de canción" que reivindican "la presencia del cuerpo tímido y las condiciones materiales de la creación musical". La escucha se convierte aquí en una práctica de atención hacia el silencio, la duda, la ausencia o el error como formas posibles de presencia y creación.

El futuro como trabajo escénico

Murotron — Wed, 07 Oct 2026 12:03:16 GMT

Sofía Asencio/ Societat Doctor Alonso (muestra de proceso) - 10 y 11 de octubre en Artea Lab Una conferencia performativa sobre el tiempo en la escena, visto desde una perspectiva no lineal que se acciona en el presente, aceptando los errores como parte fundamental de esta investigación. El futuro como trabajo escénico es una conferencia performativa sobre el tiempo en la escena, visto desde una perspectiva no lineal. Esta conferencia está realizada por Sofía Asencio y Júlia Barbany y se acciona a través de un dispositivo al cual han llamado “La máquina de pensar”. La función de la máquina de pensar es la de separar los elementos que intervienen de una forma instantánea en la emisión de ideas, de manera que, podemos ver el momento exacto cuando surgen las preguntas y cómo se materializan las certezas que entre Júlia y Sofía encuentran en esta conferencia. Más información y entradas.

Carnícula

Murotron — Wed, 07 Oct 2026 11:45:18 GMT

Julia Irango - 10 de octubre en Proyecto Inestable Obra de dansa per a quatre cossos que proposa la contemplació d’un paisatge tou. És estiu. Em sent enfront del riu d’una ciutat europea. Note com les meues cames es deformen en asseure’s, com la meua massa s’estén i s’aplana. El palmell de la meua mà, ben oberta, no acaba de poder abastar la superfície de les meues cuixes quan estic asseguda. Fa molta calor, la meua carn sembla més flàccida que de costum, com si l’ambient m’estiguera cuinant, com si fos jo l’element principal d’un estofat. En el gest d’eixugar-me la suor del front em trobe amb el meu escot: traspue. Anit vaig encendre un ciri ací mateix i va acabar escampat per la pedra. Podria a mi passar-me el mateix? Em concentre en això. Sent un lleuger mareig i em concentre en la meua carn ablanida, en l’acte d’ablanir-me. Salive. Mes informació i entrades.

Festival Cuidar es Punk

Murotron — Wed, 07 Oct 2026 11:41:27 GMT

El Festival Cuidar es Punk opera sobre la urgencia de reivindicar el espacio, el tiempo y el lugar para cuidarnos y descansar en tiempos de frenetismo impuesto. Cuidarnos construyendo vínculos fuertes, tejiendo relaciones que nos potencien. Cuidar es conspirar: respirar juntas y hacernos compañía. Cuidar es Punk nos sitúa en la interdependencia, en el reconocimiento de una vinculación mutua a través de la cual nutrimos nuestro sentido como comunidad.

Esta primera edición, el Festival Cuidar es Punk, comisariado por hablarenarte, se articula desde una invitación cómplice a Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol, recuperando una trayectoria y experiencia en común a partir de la Cumbre de Sanadoras, espacio de sanación colectivo llevado a cabo en el espacio Planta Baja de la asociación, en 2023.

Tendrá lugar el 11, 15 y 16 de octubre, con la siguiente programación:

Una multitud de amantes bailando, nunca puede perder Escucha sonora con Magui Davila aka Las lindas pobres y Fefa Vila

Fecha: 11 de octubre de 2026 a las 13:00 h
Lugar: C.A.L.A (Club Atlético Lxs Amores) Calle Antonio Vicent 24 (puerta garaje)
Entrada libre hasta completar aforo

A Magui Dávila (aka) Las Lindas Pobres y a Fefa Vila les une la amistad y la fuerza. Ambas son doctoras en cuidar desde el amor, la rabia, la enfermedad y la lucha. En Cuidar es Punk compartirán un espacio de prueba y acción sonora donde poder soñar ruidos, palabras y miradas.

La vía láctea, performance de María García Vera

Fecha: 15 de octubre de 2026 a las 19:00 h
Lugar: Infinito Delicias (Auditorio)

''En un contexto en el que imaginar alternativas a nuestras formas de vida y de producción parece cada vez más difícil, me pregunto cómo dar un primer paso que active otra dirección, por pequeña que sea.''

La vía láctea es una conferencia performativa que gira en torno al concepto de inicio: el inicio de un proceso, de una acción, de un camino. María se plantea cómo dar un primer paso que active otra dirección. La pieza se construye como una acumulación de comienzos y una pregunta ¿cómo permanecer en el momento en que algo nuevo aparece cuándo vamos tan acelerados que no podemos permanecer?

Entrada gratuita con inscripción aquí.

El Cuarto Encuentro de Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol en colaboración con Alessandra García.

Fecha: 16 de octubre de 2026 a las 19:00 h
Lugar: Infinito Delicias (Auditorio)

Alessandra, Jorge y Guillem nos invitan a conspirar juntas y darle forma a esta ceremonia para conectar con la ilusión y la alegría como estado poderoso de transformación: trabajando desde las políticas del entusiasmo a partir del cuerpo y estrategias de autoficción para generar una dramatúrgia del compartir. El Cuarto Encuentro está lleno de contagios, trata de navegar un sostenimiento colectivo frente al estado exhausto. Jorge y Guillem son pareja desde hace casi 20 años y trabajan, desde las artes vivas, con el cuerpo, la voz y el lenguaje, por y para la apertura de las conciencias, la evolución y la sanación. Alessandra García es creadora, performer, gestora, agitadora, programadora, sostenedora, acompañante y compaginadora de todo. Entrada gratuita con inscripción previa: aquí. El Festival de la Cuidar es Punk cuenta con el apoyo de la Ayuda a festivales y ferias culturales 2026-2027 del Ayuntamiento de Madrid. Artistas: Alessandra García. Creadora y performer. Su línea de trabajo corresponde al teatro participativo, relacional y las artes vivas. Creadora y comisaria de la performance colectiva Vulva y artífice de la pieza Patrimonio dentro del proyecto #Portals de Shared Studios entre Málaga y San Francisco. Compagina su trabajo artístico con la programación de las artes escénicas y música de la Universidad de Málaaga Contenedor Cultural. Actualmente gira con su última pieza en solitario Mujer en cinta de correr sobre fondo negro. Fefa Vila Núñez, doctora en sociología y antropología con Tósigo, Deseo y Revuelta. El Madrid cuir de los 90. Es profesora de sociología en la UCM. Promotora del grupo de acción y creación cuir LSD en la década de los noventa. Desde hace tres décadas compatibiliza su actividad como docente e investigadora con la investigación cultural, la escritura, la creación artística, el comisariado y la producción cultural independiente queer-feminista, donde la articulación deseo-memoria-archivo han sido ejes fundamentales en toda su trayectoria. En este campo sus trabajos han sido, entre otros muchos: la dirección de la investigación para el MNCARS, ¿Archivo queer? (2011); la dirección artística del programa El porvenir de la revuelta. Memoria y deseo LGTBI-Q (2017), el comisariado, Con-Tacto: Políticas y poéticas de la tocabilidad (UMH, 2021), y la reciente performance “Me aCUIRdo” (Ministerio de Memoria Histórica, 2026). Jorge Dutor y Guillem Mont de Palol son pareja de reconocidos artistas escénicos, performers, coreógrafos, de amplia trayectoria profesional -internacional- y vital, centrados - periféricamente- en abordar diferentes temas y medios como lo corpóreo, la voz, el lenguaje, para, a través del arte, fomentar la apertura de las conciencias, la evolución y la sanación de diferentes colectivos. Magui Dávila (aka) Las Lindas Pobres. Nacida y criada en la Patagonia Austral. Trabaja con autoedición, entre la investigación y la creación artística a través de la imagen, el cuerpo y el sonido, explorando formas de hacer política a través de la música electrónica techno m4rr0n. Doctorada en Estudios Artísticos, Literarios y Culturales en la UAM (2022) con un texto a punto de publicarse por el sello TraTraTrax. Curadora de programas sonoros como Sonido por fricción en Intermediae Matadero, Manuales de Reparaciones / Soném en MACBA o ArcoParty en el Museo Reina Sofía. Creadora de La ficción de la maleta de discos, un programa de radio en Radio Relativa y La Casa Encendida Radio, donde cuento historias performativas de música electrónica desde una maleta feminista marrón. Actualmenteclases e imparte clases en la Universidad de Diseño, Innovación y Tecnología (UDIT) de Madrid donde se dedica también a la investigación y desarrollo científico. María García Vera. Performer y creadora. Desarrolla proyectos en la intersección entre el teatro, la danza y las artes visuales a menudo atravesados por el humor y la relación entre cuerpo, palabra e imagen. Es co-directora de la Compañía de Artes Escénicas Los Detectives, cuyas obras Kopfkino (2016), Pienso casa Digo Silla (2019), Concrete Matter (2022) y Les Chevaliers, Capítulo 1 y 2 se han estrenado y presentado en teatros, festivales y museos nacionales e internacionales. En paralelo trabaja como intérprete en artes escénicas, performance y cine.