T E A T R O N

Festival Internacional Cádiz en danza 2026

Murotron — Tue, 19 May 2026 18:01:34 GMT

Feeling That Fantasy as If It Was the Fucking Reality

Murotron — Tue, 19 May 2026 17:59:51 GMT

Gemma Polo Bosch - 20 de mayo en Santa Mònica Una conferencia performativa que habita el colapso entre lo digital y lo físico. Desde el gesto mínimo hasta la exposición total, la pieza interroga cómo es la realidad que construimos en tiempos de scroll infinito. A medio camino entre el manifiesto y el delirio, la pieza se activa como un directo de TikTok, un ritual de exposición mediática que juega con la ironía, la vulnerabilidad y el hastío. En escena, una única performer comparte un espacio híbrido en el que cuerpo, voz y avatar se confunden. Esta investigación nace como un ejercicio de traducción entre lenguajes: el cuerpo, el texto, la pantalla y las redes sociales. Inspirada en metodologías de apropiación y repetición, la performance explora el transformismo digital como práctica artística y política: cómo lo virtual produce ficciones corporales, cómo lo ficticio emana de las cotidianidades, cómo imaginar un cuerpo online que sigue siendo sensible, crítico y poético. Más información.

Symphony of horror

Murotron — Tue, 19 May 2026 17:55:33 GMT

Sara Manubens - 23 y 24 de mayo en Réplika Teatro Estreno en Madrid de la última obra de la artista, coreógrafa y travesti Sara Manubens, a quien ya pudimos ver en Réplika Teatro en 2024 y que esta vez se acompaña de la artista travesti multidisciplinaria y activista por las disidencias sexuales y de género Norma Pérez (más conocida como Muerte a la norma). Tras su estreno el año pasado en la última edición del Festival TNT, llegan a Réplika Teatro para presentar Symphony of horror. Más información y entradas. “Pelucas, vampiros y travestismo. Sara Manubens se acompaña de la Norma Pérez (más conocida como Muerte a la norma) para escenificar una revisión en clave queer y trans-travesti del mito de Nosferatu, partiendo de cómo el cine de terror ha construido la figura de la vampiresa como un tipo de cuerpo LGTBIQ+. Chupa-sangre de uñas largas, transmisor de enfermedades, con rostro andrógino y un deseo insaciable y contranormativo: puede ser que las vampiresas que crecimos viendo en el cine o a las películas de mediodía se asemejen mucho más a nosotras de lo que pensábamos de pequeñas.” (Marc Villanueva Mir).

La felicidad no importa

Murotron — Mon, 18 May 2026 11:03:55 GMT

Tomàs Aragay - Del 21 al 24 maig a la Fundació Joan Brossa Es desperta, condueix, arriba a la feina en un centre cultural, perd el temps, passeja i prepara l’escenari per a un recital de poesia. Després plega, té una cita fallida, torna a casa i dorm. Mentrestant, la veu en off del seu cap reflexiona sobre els mecanismes, la potència i la necessitat d’imaginar per poder visualitzar altres realitats que no són la que viu ara. A escena, el director de la pel·lícula, el protagonista i el sonidista —en aquest cas, un bateria que ha fet la banda sonora i posa la “veu en off” del protagonista— executen aquesta banda sonora en directe i remunten el film quan ho consideren necessari. Mes informació i entrades.

Convocatoria de Residencias La Caldera 2027 + Beca 'Extraordinaria' Barcelona Crea - Fàbriques de Creació 2026

La Caldera — Mon, 18 May 2026 09:07:37 GMT

Abrimos la Convocatoria anual de Residencias La Caldera 2027, que este año incluye una Beca Extraordinaria Barcelona Crea - Fàbriques de Creació para este 2026. La convocatoria para el Programa de residencias anual de La Calderaabarca el período de enero a diciembre de 2027. Se prevé acoger un total de 12 proyectos: 10 residencias de investigación y creación y 2 residencias técnicas. Está dirigida a creadoras, colectivos e investigadoras vinculadas a las artes escénicas, con trayectorias provenientes de cualquier ámbito artístico, que consideren el cuerpo y/o el movimiento como materia, herramienta o pregunta central en su proyecto. Su procedencia puede ser local, nacional e internacional. Ofrecemos, dentro de la misma convocatoria, una Beca Extraordinaria Barcelona Crea - Fàbriques de Creació 2026 para un proyecto de investigación y creación. Esta beca está dirigida a artistas racializadas, afrodescendientes, árabes, asiodescendientes, gitanas, indígenas y otras comunidades racializadas con trayectorias provenientes de cualquier ámbito artístico que consideren el cuerpo y/o el movimiento como materia, herramienta o pregunta central en sus proyectos de investigación y creación. Las propuestas presentadas deben estar en relación con la ciudad de Barcelona o su área metropolitana.

Plazo hasta el 14 de junio del 2026 a las 23.59h. Bases en la web

Delfos

Lagartijas tiradas al sol — Sat, 16 May 2026 05:36:20 GMT

Para los antiguos griegos, el omphalos, el ombligo del mundo, es decir, su centro, estaba situado en el templo de Delfos. Y la diosa Gaia había dado nacimiento a La Tierra en ese lugar. La palabra Delfos puede vincularse con la idea de “útero de La Tierra”, pues su raíz está relacionada con la palabra griega “delphis”, que significa útero o matriz.

Estar dentro del útero de mi madre, fue, quizá, estar en el hogar más cálido, el lugar más cercano a otro corazón en el que podré estar nunca. Esa bolsita delicada y poderosa, con su intensa irrigación sanguínea, donde fui concebida, crecí, sentí lo que mi madre sentía, comí lo que ella comía; donde, protegida, empecé a conocer el universo. Estoy cumpliendo 56 días de haber entrado al quirófano para someterme a una histerectomía laparoscópica. 56 días de haber despedido al útero de mi cuerpo y con él la posibilidad de asilar otra vida dentro de mí. 56 días de involucrarme en el proceso para reconocer mis vínculos amorosos, confiar y dejarme cuidar. Es difícil explicar ese momento en que se reconoce en la mirada de las otras personas el valor de la propia existencia. Observar en esa mirada ajena la ternura que procura la vida y la aparta del malestar, la enfermedad y de la muerte. Esos esfuerzos tan humanos y ¿maternales? de la doctora, las enfermeras, les amigues, la familia, la pareja. Prestarme un hogar para recuperarme, cocinarme, tenderme la cama, lavar los trastes, vestirme, prepararme el agua para el baño, levantar algo que se me cayó, no cobrar la consulta, traerme comida, darme un masaje, tomarme la presión, escribirme una postal, mandarme remedios-libros-helados y audios larguísimos para contarme algo, hacer guardia de noche y platicar durante horas haciendo una pausa en medio del frenesí de la vida diaria. Y esos esfuerzos míos, como aprender a pedir, recibir, tener paciencia, sosegar el pánico y esos otros empeños milimétricos, instantáneos y urgentes por preservar mi vida. Mirar, atender, cuidar, proteger, acompañar. Estoy también cumpliendo 68 días de haber hecho un pedimento al Sr. de T. (al agua, a la luna), en una cueva a la orilla de un río en medio de unos cañones en la Mixteca, una tarde que recibiría la primer luna llena del año 2026. Cumplo 70 días de haber visto a don P. tendido sin vida en el campo, sobre un petate, cubierto por una sábana, a la sombra de un enorme árbol de espino. 71 días de haberlo visto caminar, de haber hablado con él, de haberle dado la mano. Y no sé cuántos días han pasado desde que Estados Unidos e Israel comenzaron los bombardeos en Irán y cuántos desde que mataron a 168 personas en una escuela, la mayoría niñas de entre 7 y 12 años. El silbido de los misiles, el estruendo, los gritos, la sangre, el temblor, el fuego, la muerte y las lágrimas de sus madres. Todas las realidades ocurriendo al mismo tiempo: las personas que salvan, las que oran, las que cuidan, las que construyen, las que compran, las que viajan indocumentadas, las que viajan como turistas, las que son indiferentes, las que odian, las que declaran la guerra y mandan matar, las que destruyen y matan con sus propias manos. Una de las respuestas más famosas del oráculo de Delfos fue la que le dio al rey Croesus de Lidia cuando preguntó si debería atacar Persia. La respuesta que obtuvo fue: Si cruzas el río Halys destruirás un gran imperio. Croesus interpretó que el oráculo se refería al imperio persa, sin embargo, cuando cruzó el río fue derrotado por el rey Cyrus de Persia y el imperio de Lidia fue destruido. Desde hace 56 días he tenido una especial consciencia de mi ombligo, el que un día fue el conducto que me unió a mi madre y que fue perforado hace 56 días en un procedimiento casi rutinario pero que tiene sus riesgos: la hemorragia, el daño a los órganos vecinos y la infección. He sido disciplinada, creyente, quizá miedosa, para que no se vuelvan a reventar los puntos internos, para no morir desangrada. Porque hace 33 días esa posibilidad casi se materializó. Fue una lección que me hizo recordar que el cuerpo es finito, frágil e interdependiente. Dice la antropóloga Yayo Herrero La ficción de poder vivir emancipados de la naturaleza, de nuestro propio cuerpo o del resto de las personas, constituye un eje central del proyecto civilizatorio occidental. La inmanencia y vulnerabilidad de cada individuo y la existencia de límites físicos han podido ser temporalmente ignoradas gracias a que los bienes y ciclos naturales, otros territorios, otras especies, las mujeres y otros pueblos sometidos, han soportado las consecuencias ecológicas, sociales y cotidianas de estas vidas falsamente ajenas a la eco dependencia e interdependencia. Construida sobre cimientos patriarcales, antropocéntricos y capitalistas, la arquitectura de las sociedades actuales pone en riesgo los equilibrios ecológicos que permiten la vida humana (y la de otras especies) y amenaza con provocar un verdadero naufragio antropológico. Sobre “El naufragio del hombre” de Alba Rico y Fernandez-Liria. Desde hace 70 días he pensado en cómo nos sacudió empezar el año con la muerte del hombre más firme y alegre de la comunidad en la que vivo. Don P., el último campesino/pastor que recorría con sus animales las laderas, joyas y barrancas de este territorio agreste que cada vez tiene más casas deshabitadas y que, paradójicamente, me hace ser testigo de la maravillosa regeneración del bosque por la ausencia humana. Desde hace 68 días he imaginado cómo sería si yo pudiera fluir más contenta y tener los atributos amorosos, sensuales y envolventes de los signos de agua. ¿Cómo sería si me vinculara conscientemente con los ciclos de la luna y las fluctuaciones del agua? ¿Cómo sería si pudiera entenderlas? El dios Apolo se enamoró de la ninfa Castalia, quien se refugió en el monte Parnaso para escapar de su acoso. Apolo la persiguió y, al no poder alcanzarla, la convirtió en una fuente de agua. La fuente se convirtió en un lugar sagrado, y Apolo fundó el oráculo de Delfos en ese lugar. La Pitia era una sacerdotisa que se encargaba de transmitir los mensajes de Apolo a los mortales. Se creía que la Pitia entraba en trance y que Apolo hablaba a través de ella. La gente iba a Delfos para consultar al oráculo sobre cuestiones importantes, como la guerra, la política y la vida personal. La Pitia respondía con mensajes crípticos y ambiguos. Desde hace quién sabe cuánto, los miomas estaban presentes en mi útero y yo no les puse atención a pesar de que eran monitoreados por la doctora cada vez que iba a hacerme el Papanicolao. Uno de los episodios más significativos en torno a ellos sucedió al final de un retiro de diez días que hice para dietar con ajo sacha en la ceja de selva peruana. Al décimo día me reconcilié, no sé muy bien cómo, con la idea de traer al mundo a un ser vivo. O, mejor dicho, con la idea de ser madre. Desde niña recuerdo haber rechazado esa posibilidad pensando que sería incapaz de criar de una manera sana, sensata y pacífica. Estaba convencida de que antes tendría que saldar profundas cuentas con ese pasado iracundo, voluble, lastimero que traía cargando quién sabe desde cuántas vidas anteriores. Pero también pensaba en esas niñas y niños en necesidad y contextos de violencia a quienes yo podría… en fin. Recuerdo estar en la cima de un cerro y sentir por primera vez paz al respecto. No sentí deseo, pero tampoco sentí rechazo. Esa noche, después de la ceremonia de cierre, la hija de nuestra guía dijo señalando mi vientre: tienes que atenderlo, hay algo malo ahí dentro. Otro de los episodios fue en CDMX: iba caminando por eje 4 y pasé por el consultorio de un iridólogo, me dio curiosidad y entré. No había mucha gente y la consulta costaba 50 pesos, así que me senté a esperar. Cuando tocó mi turno, no me preguntó más que mi nombre y edad. Sacó una hoja con un ojo dibujado y una lista de órganos y sistemas del cuerpo humano y anotó mis datos en ella. Tomó una cámara digital e hizo zoom sobre mi ojo. Los resultados del escaneo de mi iris fueron 4 cosillas que atender. La más significativa, según el iridólogo, estaba en mi útero. Me dijo que él no podía ver particularidades, solo, al igual que la hija de la curandera, pudo ver que algo malo andaba por ahí. Dos oráculos. Dos maneras de ver sin ver. No sé cuántos días después, en revisión y como siempre, la doctora me hizo ver en su pantalla los miomas y sus medidas, entre ellos había uno minúsculo que se había metido al endometrio (o algo así). La doctora me preguntó si había tenido malestar o síntomas de que algo estaba cambiando, le dije que se estaba alargando mi periodo y aumentando el sangrado. Entonces dijo: si este miomita se queda acá, esto se puede poner complicado. Yo no pregunté nada más. Investigué sobre alimentos que ayudan a que los miomas no crezcan: la cúrcuma, por ejemplo. También supe que era bueno no comer carne roja ni lácteos. Investigué ejercicios para evitar el dolor y fortalecer el vientre. Hice tinturas para tomar, meditaciones diarias y algunas visualizaciones. El dolor agudo y el malestar general fueron casi erradicados. Pero no el sangrado, que pronto se volvió muy abundante. Un sangrado menstrual abundante puede hacer que los niveles de glóbulos rojos y hierro en la sangre sean demasiado bajos. Esto se traduce en anemia por deficiencia de hierro y se produce porque el organismo trata de compensar y utiliza las reservas de hierro para fabricar más hemoglobina y transportar así suficiente oxígeno a los tejidos y órganos. En la década de 1950, mi edad (43 años), era la esperanza promedio de vida de una mujer en México. Las causas de muerte más comunes eran las enfermedades infecciosas, las complicaciones del embarazo y el parto y el cáncer de útero y de mama. Hoy, la esperanza de vida es de 78 a 79 años y las tres principales causas de muerte son enfermedades del corazón, diabetes y el cáncer cervicouterino y de mama. En este contexto de longevidad me intriga cómo pensar mi relación con la enfermedad y la muerte. Me dijo hace 33 días mi cuñada no, pues no te tocaba, porque cuando te toca aunque te quites y cuando no te toca aunque te pongas. Pero ¿qué es quitarse y qué es ponerse? ¿Cómo se decide que te toca, quién decide, desde dónde? ¿Es un asunto de la suerte, el contexto, el sistema, el género, tu karma, todas las anteriores o ninguna? Phoibos [el luminoso Apolo] ya no tiene su casa, ni su bahía mántica, ni su manantial profético; el agua se ha secado. Última profecía del oráculo de Delfos Aquí, en esta casa, en esta montaña donde vivo y estoy escribiendo, nació en 1934, entre muchas hermanas, doña E. Su ombligo fue enterrado aquí mismo. Ella, en su vida, tuvo 14 embarazos, 12 de ellos se lograron: 4 mujeres y 8 hombres. Su último hijo nació de camino durante la peregrinación al Sr de T., hace casi 50 años. Cuando sintió los dolores, en medio del monte, fue guiando a su hija e hijo que la acompañaban para que la ayudaran a dar a luz. El cordón umbilical lo cortaron con la penca de un magueyito. ¿Qué era aquello que la llevó a hacer esa peregrinación embarazada de 7 meses? ¿Qué iba a pedirle al Sr? ¿Qué iba a ofrendar además de su caminar por la barranca? En el mes de noviembre, si fue un buen año de lluvia, ese lugar tiene agua por todas partes y dentro de la cueva del Sr. pareciera que está lloviendo. Doña E. contaba que acá también corría un buen caudal de agua en los ríos que hoy son arroyos. Sus hijos cuentan que los que eran arroyos ya desaparecieron, que los ojos de agua que antes daban agua todo el año, ahora se secan durante 6 meses hasta que empiezan las lluvias, si es que empiezan. Me parece curioso que la gran peregrinación para ver al Sr de T. sea en noviembre, porque es cuando termina la lluvia. Antes de ser una peregrinación católica ¿habrá sido una peregrinación para agradecer que llovió y se pudo sembrar y por ende se cosecharía? Pienso en esas ceremonias que se hacían en primavera en varias zonas de la Mixteca para pedir la lluvia: preparar ofrendas, llevarlas a las casas de agua en procesión, pedir, y regresar a hacer una fiesta en la comunidad. Cuando fuimos hace 68 días a hacer el pedimento a la cueva del Sr de T., durante toda la caminata, en ese camino de peregrinos, lo que más encontramos fue basura. No listones, no imágenes religiosas, no ofrendas, no cartas, no fotos; si no latas y botellas de refresco, vasitos de yogurth, platos y vasos de unicel, envases de redbull. Pienso en el constante relato que se nos cuenta de que en las culturas antiguas se solía ofrendar oración, comida y sangre para que el mundo continuara, para que los dioses hicieran favores. Sangre de niñas, sangre de guerreros, sangre de corderos, sangre de toros y su carne, por supuesto. Tanto valor tenían la carne, la sangre y la oración. ¿Hoy quién ofrenda y qué ofrenda? ¿Quién hace oración? ¿Qué se pide? ¿Qué ceremonias se hacen hoy a cambio de todo lo que tomamos del planeta y de las personas? La sangre es tejido vivo formado por líquidos y sólidos. La parte líquida, llamada plasma, contiene agua, sales y proteínas. La parte sólida de la sangre contiene glóbulos rojos, glóbulos blancos y plaquetas. Los glóbulos rojos suministran oxígeno desde los pulmones a los tejidos y órganos. Los glóbulos blancos combaten las infecciones y son parte del sistema inmunitario del cuerpo. Las plaquetas ayudan a la coagulación de la sangre cuando sufre un corte o una herida. Hay cuatro grupos de sangre: A, B, AB y O. La sangre es Rh positivo o Rh negativo. Saber el tipo de sangre es importante si se necesita una transfusión. Dice la ginecóloga Christiane Northrup: Lo que cree una persona está muy influido por la cultura en la que vive. Las creencias sostenidas en común perpetúan el tipo de sociedad en que vivimos. (….) Prácticamente no se ha estudiado el útero separadamente de su papel en la reproducción, un hecho que refleja los sesgos culturales de fondo de esta sociedad. El útero se considera el hogar en potencia de otra persona y se alora cuando está capacitado para desempeñar ese papel. Una vez que ha acabado su función, o cuando la mujer decide no tener hijos, el útero no tiene ningún valor intrínseco para la medicina moderna. (…) A las mujeres se les enseña a considerarse a sí mismas más o menos del mismo modo, valiosas como madres o compañeras, pero sin ningún valor propio intrínseco. (…) La edad promedio de la mujer que se hace una histerectomía es de 42,7 años. A mí me hicieron la histerectomía a los 5 días de haber cumplido 43 años. Dijo la doctora que mientras iba despertando de la anestesia le pregunté si ya había salido mi útero. Ella me contesto que sí y me dijo que al escucharla mi gesto se fue transformando en uno de profunda tristeza. Ella me dijo estaba muy enfermo, ¿quieres verlo? Yo le dije que sí. No sé por qué no recuerdo la conversación, ni tampoco el haberme sentido tan triste, pero de la imagen de mi útero y los miomas sí me acuerdo. La palabra mioma proviene del griego myo-, que significa músculo o ratón, y el sufijo -oma, que indica tumor, masa o estructura biológica. Literalmente se traduce como «tumor de músculo». Se refiere a tumores benignos que crecen en el tejido muscular, generalmente el útero. Durante la segunda semana de recuperación, tuve una gastroenteritis que me provocó muchísimo dolor: me bajaba la presión, tenía fiebre y temblaba sin control. Estuve acompañada, cuidada, protegida, medicada. Aún así, aunque no lo decía, el dolor era tan intenso que me hacía sentir desesperanza. Para no dejarme llevar por la angustia, pensé en la fortuna de lo transitorio, en que todo, lo que sea, pasaría. Y en las personas que hoy están desplazándose forzosamente desde sus hogares hasta lugares donde quién sabe si les recibirán; seres vulnerables a través de territorios hostiles. Y pensé en las historias de tantas mujeres, como doña N. que parió en su casa del cerro, sola, se fajó y salió al campo cargando al recién nacido y dándole la mano a su otro hijo de 2 años; o como B. que con todo y cesárea, sin cumplir la cuarentena tuvo que salir a trabajar con su recién nacida a cuestas. Y pensé en esas personas que se encuentran en campos de refugiados sin cuidados suficientes, sin certezas, sin curaciones, alejadas de la piedad del mundo que las ignora. Y me pregunté cuándo se va a acabar este tiempo de hombres que procuran la muerte, la represión, la iniquidad; estos hombres que están al frente del mundo mandando arrasar territorios y aquellas comparsas que les aplauden sin consciencia del sufrimiento ajeno. La sacerdotisa Diotima [de quien Sócrates fue alumno sobre temas de amor] le preguntó al oráculo cómo ayudar a su ciudad a superar una plaga. El oráculo contestó Sacrifica a la más bella de tus doncellas. Lo que pensó Diotima fue en sacrificar una idea o un proyecto, entonces ofrendó la escultura de una hermosa doncella, y la plaga cesó. En tres ocasiones me he sentido expuesta a la posibilidad de morir: Una en un choque mientras iba de copiloto y nos estrellamos contra un muro de contención en una autopista. Otra en manos de un hombre armado que bloqueaba un camino rural solitario en Guerrero, a quien observé inhalar cocaína de un bolsita, cuando recargó su pistola en el lado izquierdo de mi cabeza. Otra fue la hemorragia de hace 33 días, porque mi cuerpo simplemente estaba perdiendo toda su sangre. Me internaron de urgencia y suturaron después de otra anestesia general. Al día siguiente recibí una transfusión que ayudó a estabilizarme. Desde entonces me he propuesto no volver a sentir aquel miedo al abandono, la orfandad y la muerte, y reconocer, irremediablemente, sin dudas y con el corazón alegre, todos los vínculos amorosos, humanos y no humanos, que sostienen y nutren mi existencia. Luisa Pardo* Yuxaxino, Oaxaca Marzo 2026 Gracias a toda esa constelación de personas que estuvieron pendientes y me cuidaron. Gracias a Lázaro G. Rodríguez por sus comentarios a la primera versión del texto. *Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte luisitapardo@gmail.com

Entrevista a Tomàs Aragay sobre La felicidad no importa

Fundació Joan Brossa - Centre de les Arts Lliures — Fri, 15 May 2026 21:26:11 GMT

Tomás Aragay (Societat Doctor Alonso) estrena La felicidad no importa en la Fundació Joan Brossa del 21 al 24 de mayo dentro del ciclo Portabella: agent provocador, donde también se ha presentado Els polítics de Leonardo V. Granados con texto de Wolfram Lotz, este finde puede verse Fasting Girls de Marta Azparren, y próximamente ¡Yo me transformo! Strip-conference de Banda Esfèrica 29 y 30 de mayo, y Guerrilla de El Conde de Torrefiel del 11 al 18 de junio. Fernando Gandasegui entrevista a Tomàs Aragay con motivo del estreno de su última obra. Fernando Gandasegui: La felicidad no importa trata sobre un día en la vida/trabajo de Joan Forner, con quien tienes una relación de amistad. ¿Cómo nace ese vínculo y cómo y por qué acaba convirtiéndose Joan en el protagonista y colaborador artístico de esta película/performance? Tomàs Aragay: A Joan le conocí en el máster que coordinábamos en el IVAM, donde ya hubo gestos que derivaron en la obra que vamos a estrenar. En una clase con Suely Rolnik, él escribió un texto sobre sus dudas con respecto a su futuro laboral. Su padre es camionero, y Joan había estudiado Historia del Arte. Así que no sabía si sacarse el carnet de camionero o continuar con su carrera. Ese texto me gustó mucho, plantea una cuestión de siempre, pero quizás más de ahora por lo precarizada que está esta generación, y por los dos mundos laborales que ponía en relación. Se me quedó grabado. Luego Joan fue alumno de un taller que doy en casa de guión, y ahí desarrolló la posibilidad de hacer un documental sobre él y su padre. Al tiempo empezó a trabajar de conserje o chico para todo en un centro cultural paupérrimo aquí en Valencia, de esos que los ayuntamientos mantienen abiertos pero descuidados. Algunas mañanas le iba a visitar, y veía a Joan pasando el tiempo esperando a poner una sillas por la tarde para un evento. Esa situación me interesó. Luego Georgina Oliva de la Fundació Joan Brossa me invitó al ciclo que estaban preparando sobre Portabella, y decidí aprovechar para hacer una película. Al contrario de lo que hago normalmente, que es escribir un guión súper serio, hice un esquema muy sencillo a partir de la realidad de Joan y lo que veníamos hablando juntos, y el proyecto se convirtió en acompañar a Joan en una jornada laboral suya y empezamos a rodar. En la película se dice: “El infierno es llegar al trabajo”, pero también transita por el vacío existencial, o el individualismo consecuencia del turbocapitalismo que vivimos y los nuevos vínculos en la era de las redes sociales. ¿Cuál es la temática que vertebra la obra? Lo que ha sido sido interesante durante el proceso ha sido descubrir la película según la íbamos haciendo, porque si bien un día en la vida laboral de Joan siempre ha sido la estructura y algunos ítems más que estaban claros, las capas que se han ido añadiendo y quitando a la película la han ido afinando poco a poco. De hecho, hemos rodado, y vuelto a rodar. Ha habido mucha elaboración en el proceso. Por ejemplo al principio habíamos tirado mucho de reel de Instagram o TikTok de pensadores que hablaban del trabajo, que nos han servido para entender la estructura pero luego los hemos quitado. Hemos intentado varias voces en off. Más tarde se incorporó Nilo Gallego, que hace la banda sonora en directo. Al final entró Sofía Asencio como acompañante. La película trata de un joven en la crisis global que vivimos, también del trabajo, y reflexiona sobre la función del arte y si tiene sentido dedicar la vida a trabajar de ello. La película es muy contemplativa, no tiene mucha peripecia, conflicto ni acción dramática, se centra en una persona que es normal, como somos la gran mayoría de las personas, pero que no es en quien suele fijarse el cine. La película atiende a momentos del día de impás que todo el mundo tenemos y que normalmente no se filman porque supuestamente no tienen interés, pero aquí yo quería poner el ojo justamente ahí, cuando no estamos haciendo nada. El proyecto lo defines como “una película que es una performance con una película en el centro”. ¿Qué formato final va a tener La felicidad no importa en su estreno? Es complicado, porque cuando pones una pantalla delante de un espectador, sabemos que captura mucho su atención. Hay varios niveles en el formato. En uno estarán Joan y Nilo haciendo la banda sonora en directo, una banda sonora rítmica a partir de la batería de Nilo, que para mi también es el ruido del cerebro del personaje a lo largo de la peli, y que intenta expresar algo interno a través del beat. Luego Joan estará dando voz a su propio personaje. Y en un tercer nivel, la película se interrumpe y Joan hace una acción performativa. Como si saliera de la pantalla a explicar otra capa del personaje. Joan también estará recibiendo al público en la Brossa como hace en el centro cultural. Camina entre la ficción y la realidad. Nilo trabaja desde la performance para la película exclusivamente, y luego ya la peli es el hilo conductor. En el dossier de proyecto, más allá de la ficción y la realidad, hablas de la veracidad de los discursos y de las imágenes. ¿Cómo trabajáis esa veracidad en la obra? Nos ha costado mucho encontrar la relación de la voz en off con la película. Si esa voz estuviera inserta en la película es cine, y al cine le damos total veracidad dentro de la ficción, pero al decirla desde fuera el personaje, desde la realidad del espectador, esa voz se permite el lujo estar dentro de la película, entre la película y el personaje, como una reflexión totalmente alejada de la película pudiendo opinar sobre ella. Hemos encontrado un juego interesante sobre a qué da más veracidad el espectador, intentando hacerle ver que hay más de una capa en el discurso audiovisual, a qué se da más importancia. Me ha interesado mucho trabajar con Joan porque tiene 25 años y otra relación con lo internáutico, trabaja como historiador del arte a partir de muchas cosas de TikTok, y hace unos vídeos muy interesantes. Este mundo con pastillas de conocimiento enlatadas, nos lleva a un nuevo paradigma de pensamiento que no tiene que ver con la profundización si no con la combinación y lo relacional. Esta película es más lenta y contemplativa, pero para su discurso hemos bebido y nos ha sido útil la exploración de TikTok. Llama la atención siempre en tu trabajo y en el de la Societat Doctor Alonso con Sofía Asencio, cómo en cada obra os inventáis casi un nuevo género o formato escénico. Esta obra se parece mucho al Live Cinema, que hemos visto los últimos años en artistas escénicos con altos presupuestos, pero tratado son la ligereza y agilidad con la que soléis trabajar, casi haciendo de La felicidad no importa un Live Home Cinema. Siento tú además de creador escénico guionista de cine, ¿cómo has hibridado estos dos mundos para esta ocasión? Yo soy guionista, entre comillas en un ámbito más convencional, y me interesan muchísimo otros cines, y por fin me he permitido el lujo de empezar a entender qué es esto de rodar. Esta peli está hecha con un móvil, una ayudante y una zoom. Es muy low-tech. El montaje ha sido con Virginia García del Pino. Ha sido un aprendizaje brutal sobre qué es grabar y montar. He entrado en el proceso de amasar por dentro las imágenes. Ha sido rico y divertido y difícil, pero muy guay. Estamos en un formato pequeño, simple. A mí la simplicidad me parece siempre el camino. Lo más difícil ha sido encontrar el camino entre las intervenciones externas y la película, y que ninguna cosa se coma a la otra, que se sumen, integrarlas pero que sean independientes y con vuelo, y que el espectador pueda gozar. Ha sido un proceso mucho más largo que hacer un montaje escénico, pero gustoso. El verano pasado Joan y yo ya quedamos para trabajar, en septiembre empezamos a rodar, primero yo hice un montaje muy largo y con Virginia García del Pino se acortó un montón, después empezamos a discutir sobre la voz en off y rodamos nuevas escenas… y estrenamos casi un año después. El audiovisual tiene esto de que lo tienes ahí, no necesitas quedar para ir a un ensayo. Lo puedes volver a mirar, cortar y pegar. Es muy agradecido. Pero también pasan cosas como que al rodar te enamoras de algo que cuando se lo das a ver a otra gente, te dicen que es un mierda y tienes que reconocer el rapto y cortar, aunque otras hay que ser fiel a la propia poética. Otra de las características de vuestro modo de hacer, es trabajar con lo que tenéis alrededor. Para esta obra ha sido la colaboración con Joan Forner, y para la anterior, Despierta Polifemo!, fue con Héctor Arnau, también del entorno valenciano, donde además gestionáis el espacio independiente El Consulado. ¿Cómo estáis en Valencia? Las últimas dos obras son con dos personas cercanas a la vida diaria y artística de la ciudad. El Consulado sigue en marcha. Hay un grupo de 9 personas muy consolidado. Es una experiencia artística y humana muy enriquecedora. El grupo es muy variopinto en edades, prácticas y formas de ser, pero funciona muy bien. Yo estoy aprendiendo mucho de la gente joven. De cómo se organizan, trabajan y se cuidan. En Valencia estamos peor que hace unos años a nivel de política cultural, pero hay un grupo de gente bastante sostenido que nos alimentamos, vemos, acompañamos y apoyamos. Estamos bien.

Fernando Gandasegui

(DE)TOUR DE FORCE A ARNAU ITINERANT

Pedro Bennaton — Fri, 15 May 2026 17:21:38 GMT

¿Puede una ciudad entera convertirse en un espectáculo turístico en el que cada persona interpreta un rol exigido por esta situación? ERRO Grupo presenta a DE(TOUR) DE FORCE, una pieza itinerante que invita al público a recorrer las fricciones entre el urbanismo y las pasiones humanas, cuestionando hasta qué punto una ciudad puede convertirse en espectáculo turístico. La obra pone en tensión la lógica semántica de los urbanistas, la publicidad y el capital -que tienden a simplificar y empaquetar la realidad- con lo ambiguo, inclasificable y profundamente humano. En este proceso, la ciudad corre el riesgo de convertirse en un parque temático autófago, donde el espacio urbano se transforma en mercancía. Apropiándose de la expresión francesa que alude a una acción de alta dificultad y gran destreza, DE(TOUR) DE FORCE articula una experiencia deambulante que explora los códigos de las rutas turísticas, la mercantilización de los entornos urbanos y las luchas cotidianas que configuran constantemente la calle como constantemente la calle. Dirección y dramaturgia: Luana Raiter y Pedro Bennaton/// Performer:SantiagoBastidas/// Voces:Alice Raiter Bennaton, Joan Mardorella con la participación de las IAs Carolina, David, Charlotte, Enric y Joana /// Dirección de arte y sonido: ERRO Grupo /// Capgròs: Montse Pieroni/// Registro audiovisual: Rafael Frazão/// Producción: ERRO Grupo/// Dos fechas: 23 de mayo 2026 y 30 de mayo 2026 Inicio: 11:30 h (recorrido de 55 minutos) Punto de encuentro: Plaza Bella Dorita (Frente al Molino) Acceso gratuito Actividad programada como resultado del 4º llamamiento de proyectos de artes vivas para la programación del Teatro Arnau Itinerante en el Sant Antoni en conexión con los objetivos de la Mesa Comunitaria y la Comisión de Cultura del Sant Antoni. Pot una ciutat sencera convertir-se en un espectacle turístic on cada persona interpreta un rol exigit per aquesta situació? ERRO Grupo presenta DE(TOUR) DE FORCE, una peça itinerant que convida el públic a recórrer les friccions entre l’urbanisme i les passions humanes, tot qüestionant fins a quin punt una ciutat pot convertir-se en espectacle turístic. L’obra posa en tensió la lògica semàntica dels urbanistes, la publicitat i el capital —que tendeixen a simplificar i empaquetar la realitat— amb allò que és ambigu, inclassificable i profundament humà. En aquest procés, la ciutat corre el risc d’esdevenir un parc temàtic autòfag, on l’espai urbà es transforma en mercaderia. Apropiant-se de l’expressió francesa que al·ludeix a una acció d’alta dificultat i gran destresa, DE(TOUR) DE FORCE articula una experiència deambulant que explora els codis de les rutes turístiques, la mercantilització dels entorns urbans i les lluites quotidianes que configuren constantment el carrer com a espai de convivència i conflicte. Direcció i dramatúrgia: Luana Raiter i Pedro Bennaton/// Performer:SantiagoBastidas/// Veus:Alice Raiter Bennaton, Joan Mardorellamb la participació de les IAs Carolina,David, Charlotte, Enric i Joana /// Direcció d’art i so: ERRO Grupo /// Capgròs: Montse Morreres///Comunicació i difusió: Gabriella Pieroni/// Registre audiovisual: Rafael Frazão/// Producció: ERRO Grupo/// Dues dates: 23 de maig 2026 i 30 de maig 2026 Inici: 11:30 h (recorregut de 55 minuts) Punt de trobada: Plaça Bella Dorita (Davant el Molí) Accés gratuït Activitat programada com a resultat de la 4a crida de projectes d’arts vives per a la programació del Teatre Arnau Itinerant al Sant Antoni en connexió amb els objectius de la Taula Comunitària i la Comissió de Cultura del Sant Antoni.

L'Antic Teatre acull DÍPTICO #3, la proposta d'Estévez / Paños y Compañía sobre flamenc, percussió i silenci

Antic Teatre — Fri, 15 May 2026 11:42:17 GMT

El programa reuneix les peces “Landscape” i “Silencios” en una investigació coreogràfica sobre el zapateado i els límits entre dansa contemporània i flamenc

L’Antic Teatre presenta DÍPTICO #3, una proposta d’Estévez / Paños y Compañía que forma part d’una sèrie numerada de programes coreogràfics construïts a partir de peces de curta i mitjana durada. El projecte planteja una investigació escènica on els mateixos ballarins assumeixen múltiples funcions dins la representació: s’assisteixen mútuament amb la veu, la llum, els cossos, les presències i petits instruments, generant una escena construïda des de la col·laboració i la fisicitat compartida.

En aquesta ocasió, DÍPTICO #3 inclou les coreografies Landscape i Silencios, dues peces que dialoguen entre elles per construir una experiència experimental i sinestèsica al voltant del “zapateado”, la percussió corporal, el silenci, l’aleatorietat i el ball flamenc. La proposta situa el ritme i el cos com a eixos centrals d’una exploració que travessa tant la tradició flamenca com els llenguatges contemporanis de la dansa.

El tàndem artístic format per Rafael Estévez i Valeriano Paños desenvolupa des de 2003 una trajectòria marcada per la investigació i l’obertura de nous llenguatges dins la dansa espanyola i el flamenc contemporani. Al llarg de la seva carrera han coreografiat i dirigit artistes com Lola Greco, Rocío Molina, Olga Pericet, Manuel Liñán, Patricia Guerrero o Miguel Poveda, entre molts altres, i han treballat en espais com el Teatro Real de Madrid, les exposicions universals d’Aichi i Saragossa o el Ballet Flamenco de Andalucía, que també han dirigit.

La seva trajectòria ha estat reconeguda amb el Premio Nacional de Danza 2019 en la modalitat de creació, “per la seva labor d’obrir nous llenguatges i per la seva investigació de la dansa espanyola, flamenc i contemporani, des de la tradició a l’avantguarda”. Les seves creacions combinen rigor formal, investigació històrica i experimentació escènica, articulant un llenguatge propi que connecta el flamenc amb les pràctiques contemporànies.

Entre els seus espectacles destaquen La Consagración —guardonada amb el Premi Giraldillo a la millor coreografia de la Biennal de Flamenc de Sevilla—, Muñecas, Bailables, El sombrero, La Confluencia o Retablo experimental sobre el baile flamenco. També formen part del seu repertori les peces Campanillero, Nondedéu i Landscape, integrades dins els programes Dípticos y Trípticos.

Aquest espectacle forma part de T’apropem allò que ens mou, un cicle impulsat per situar la dansa dins la programació estable dels teatres de proximitat, afavorint-ne la continuïtat, la visibilitat i el contacte directe amb els públics. El projecte, impulsat per On el teatre batega, neix en el marc del II Pla d’Impuls de la Dansa de Catalunya 2023-2026, amb el suport de l’Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC) del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, la col·laboració d’ADETCA i la complicitat de l’APDC i l’ACPDC.

El Antic Teatre acoge “DÍPTICO #3”, la propuesta de Estévez / Paños y Compañía sobre flamenco, percusión y silencio

El programa reúne las piezas “Landscape” y “Silencios” en una investigación coreográfica sobre el zapateado y los límites entre danza contemporánea y flamenco

El Antic Teatre presenta DÍPTICO #3, una propuesta de Estévez / Paños y Compañía que forma parte de una serie numerada de programas coreográficos construidos a partir de piezas de corta y media duración. El proyecto plantea una investigación escénica en la que los propios bailarines asumen múltiples funciones dentro de la representación: se asisten mutuamente con la voz, la iluminación, los cuerpos, las presencias y pequeños instrumentos, generando una escena construida desde la colaboración y la fisicidad compartida.

En esta ocasión, DÍPTICO #3 incluye las coreografías Landscape y Silencios, dos piezas que dialogan entre sí para construir una experiencia experimental y sinestésica en torno al “zapateado”, la percusión corporal, el silencio, la aleatoriedad y el baile flamenco. La propuesta sitúa el ritmo y el cuerpo como ejes centrales de una exploración que atraviesa tanto la tradición flamenca como los lenguajes contemporáneos de la danza.

El tándem artístico formado por Rafael Estévez y Valeriano Paños desarrolla desde 2003 una trayectoria marcada por la investigación y la apertura de nuevos lenguajes dentro de la danza española y el flamenco contemporáneo. A lo largo de su carrera han coreografiado y dirigido a artistas como Lola Greco, Rocío Molina, Olga Pericet, Manuel Liñán, Patricia Guerrero o Miguel Poveda, entre muchos otros, y han trabajado en espacios como el Teatro Real de Madrid, las exposiciones universales de Aichi y Zaragoza o el Ballet Flamenco de Andalucía, que también han dirigido.

Su trayectoria ha sido reconocida con el Premio Nacional de Danza 2019 en la modalidad de creación, “por su labor de abrir nuevos lenguajes y por su investigación de la danza española, flamenco y contemporáneo, desde la tradición a la vanguardia”. Sus creaciones combinan rigor formal, investigación histórica y experimentación escénica, articulando un lenguaje propio que conecta el flamenco con las prácticas contemporáneas.

Entre sus espectáculos destacan La Consagración —galardonada con el Premio Giraldillo a la mejor coreografía de la Bienal de Flamenco de Sevilla—, Muñecas, Bailables, El sombrero, La Confluencia o Retablo experimental sobre el baile flamenco. También forman parte de su repertorio las piezas Campanillero, Nondedéu y Landscape, integradas dentro de los programas Dípticos y Trípticos.

Este espectáculo forma parte deT’apropem allò que ens mou, un ciclo impulsado para situar la danza dentro de la programación estable de los teatros de proximidad, favoreciendo su continuidad, visibilidad y el contacto directo con los públicos. El proyecto, impulsado por On el teatre batega, nace en el marco del II Pla d’Impuls de la Dansa de Catalunya 2023-2026, con el apoyo del Institut Català de les Empreses Culturals (ICEC) del Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, la colaboración de ADETCA y la complicidad de la APDC y la ACPDC.

Lírica: La frase permanece

Mambo — Thu, 14 May 2026 18:31:44 GMT

Crónica sobre de noche / de plata / hacia de María Salgado con Eddi Circa. Vamos porque vamos con ánimo de todo al Círculo, las que vamos siempre y la tronca de la tronca de la tronca (que) trajo a una amiga del trabajo1, y así somos cientos y sumadas a las otras muchas que no pudieron esta noche venir, formamos (quizá añadiendo alguna barba y alguna cana más) el convoy de unicornios, mullets, camisas estampadas, camisas leñador, varias épocas y periodos de camisas, rejillas, aros, piercings, gafas redondas, gafas montura aviador fina metálica2, que dice María trae Eddi Circa. Y horas antes ya se perciben los nervios, esperamos las colas, intentamos conseguir entradas de estraperlo a los amores que se durmieron, compartimos la excitación. Oímos decir parece esto el concierto de Rosalía, y también oímos contestar, sin pizca de sarcasmo, más quisiera Rosalía. Si lo pensamos fríamente, aunque nos cueste en ese momento horrores, estamos haciendo cola para asistir a la lectura por la noche de un libro sobre poesía, Lírica de María Salgado, que sacó en la editorial La Uña Rota hace unos meses. Ese bello desajuste se subraya con la poderosa performance que el convoy de las maravillas hace sólo ocupando un sitio como sabemos que es y para quien es, o si no sabemos sí creo será fácil de imaginar, este espacio que se llama La Sala de Billares del Círculo de Bellas Artes. El convoy aplaude con devoción cuando toca y a veces porque se muere de ganas y guarda un silencio ceremonial para cuidar la velada, porque sabe que es un lujo frágil y es a su vez fuerte que María Salgado y Eddi Circa se junten en un escenario para leer, cantar y hacer pasar las frases que contiene Lírica. Frases que algunas ya oímos antes, sentimientos privados encontrados escuché yo concretamente el 12 de julio de 2014 la primera vez en una azotea en Móstoles en una Picnic del CA2M y, cuando la oí sudando en los billares el 24 de abril de 2026, esas palabras ya las tenía grabadas a fuego en la memoria desde entonces. Los versos de María se mueven con nosotres, saltan de un formato a otro y cuando menos te lo esperas, se te aparecen. No sólo en la cabeza que también y mucho, sino escritas en la vida real, como en aquel 8 de marzo histórico de 2018 que entre los cientos de lemas que lucían en cartelería casera, leí en uno de los cartoncitos: es mujer y es mujer no, exponencial es el sujeto de la era3 que yo tan bien conocía porque pertenece al manifiesto que se grita en la pieza Jinete Último Reino. Frag. 34. O, sin ir tan atrás, en el 8m de este año, no tan histórico pero sí muy de verdad, cuando la corriente llegó a la calle Alcalá y en la fachada del Círculo aparecieron sus frases, esta vez gigantes y en banderolas impresas5, intervención que forma parte, al igual que esta lectura, de la muestra La lechuza de Minerva comisariada por Isabella Lenzi. VAMOS PORQUE VAMOS CON ÁNIMO DE TODO Lírica es un libro de ensayos y poemas que ensanchan la idea misma de escritura. Recoge una galaxia de formas que evidencian el poder inmenso que la lengua tiene de hacer realidad y viceversa y, por si esto fuera poco, lo hace a través del goce que se siente con la combinación de palabras, sonidos y ritmos. Incluye poemas maravillosos de, entre otres, Luz Pichel, Fernanda Laguna, Mariano Blatt o las propias letras de Eddi Circa. Por lo que leer con sus canciones en los billares era también revivir lo que escribe en el capítulo que le dedica, Contracultura la sibila. Notas sobre las barras de Eddi. Como Lírica ya se había publicado, algunas de las del convoy lo releyeron en directo y buscaron los efectos de esas dos voces distintas pero profundas, hondas, enormes que muchas conocían bien pero por separado, asombrándose de cómo se adaptan la una a la otra y de los brillos que relucen al sonar juntas. Me pidieron esta crónica diez días después de la noche de los billares, así que hago el ejercicio de recordar sin ver vídeos qué frases se me han quedado. Eddi le dice a María si jugara al fútbol te dedicaría un gol, justo antes de cantar Demonio español, single donde están los versos que María mete después en su ensayo: Lírica: me lavaba el pelo pensando en tu pelo arrodillada en la bañera peinando tu pelo se me enreda se me enreda se me enreda el pelo (Eddi Circa)6 Así, el juego infinito del hilo de oro eléctrico que se intercambia y mueve en la devoción entre ellas y entre ellas y el convoy que transmite la frasecita a una mani, a un póster al lado de una cama, a una canción, a un tatuaje, a un mail perdido de una amiga que luego se vuelve a imprimir en un libro para hacer que reverbere. María en su escritura recoge múltiples formas de escribir en el mundo y en su lectura despliega múltiples formas de leer, como directamente con el libro, con micro, a través de grabaciones o a viva voz de memoria, mientras que en sus poemas nos advierte de que sospechemos de esas maneras que quizá no sean lo que parecen. Y en la lectura no para quieta, lee en todos los puntos de la sala para repartir la magia, nos repite manteneos a distancia de voz mientras se va alejando hasta uno de los fondos, pero es fundamental subrayar aquí que se aleja no como performer sino como poeta. ¿Qué cuál es la diferencia? Ahora mismo no os la sé explicar, pero es una diferencia importante. La performance de ser poeta. En esta lectura se van sucediendo acciones así evidentes e infinitos movimientos pequeños, ritmos y energías sutiles que hacen que se le vaya el cuerpo y la garganta al leer. Recordé que la artista Rosa Romero dijo que la danza de flamenco piensa que las otras danzas clásicas están mudas, no entiende por qué no salen sonidos de esos otros cuerpos bailando. María combina los gestos de todo el cuerpo con las palabras, sobre todo en las que lee de memoria, como si fuera esa su forma lógica. Como bailando. Como cantando. Explica en Lírica con muchas razones de peso por qué Eddi Circa es una poeta natural por hechizo. Y mientras lee de memoria por ejemplo el verso almizcle floral amaderado mueve el pie para marcar las tres palabras al ritmo y, aparte de ese gesto, con la mano que no tiene micro, que es su izquierda, hace círculos hacia dentro justo al leer la frase que viene después que es casi igual que la anterior, pero es muy diferente: almizcle floral amanerada7. A raíz de esta lectura pensé qué pasaría si considerásemos a María Salgado cantante y bailarina. Esto parece Bolleras al Vapor de Barna, me acuerdo también que dice Eddi, porque realmente hacía muchísimo calor en los billares. De hecho, hubo un momento en el que María se tiene que sentar para poder seguir leyendo, pide agua y el convoy provee (así, de una mano a otra, a otra, a otra, como flotando le llega), abrimos los ventanales de la sala y entra una brisa que alivia nuestras 400 nucas y, a la vez, el ruido de la calle. En ese momento algo se expande hacia afuera y algo se contamina hacia dentro, y es bonito de verdad que esto ocurra. Algo se abrió ahí esa noche. Eddi adelantó temas inéditos de su próximo disco como Yo soñaba que le hablara y se notó que entre ellas está empezando algo que no puede más que continuar. No se puede decir que ninguna de las dos sea en escena tímida, aunque creo que esta noche, por ser la primera juntas, un poco sí lo fueron. Como por dejar espacio a la otra, por admiración y respeto, leí yo. Pero sé que saben la potencia que tuvo cuando leyeron juntas las frases que en Lírica están en tinta flúor rosa al final, que saldrán como canción en el próximo disco de Eddi y como tal se nos quedó grabada a todas, o por lo menos con las que estuve yo, y la cantamos en la calle después medio voladas, muchísimo tiempo, muchísimas veces y palpitaba en nuestras cabezas antes de dormir y por ahí se metió en nuestros sueños. Y me imagino en el invierno de 2038, en el búnker de la resistencia de algún barrio quizá de la periferia norte de Madrid, en donde María y Eddi nos convoquen, se oiga salir de sus dos voces de noche de plata hacia y el convoy recuerde emocionado.

Vito Gil-Delgado

Fotos de Rubén García-Castro (@anfivbia)

1 Frase de la canción Cierva Imperio Perreo. Del disco En el bosque un claro (Eddi Circa, 2023). 2 Página 129, Lírica. 3 Se lo vi llevar a la escultora Julia Spínola. Ahí me di cuenta de que María Salgado, entre otras muchas cosas, es además la poeta de nuestra generación de artistas, como pasaba en las vanguardias del XX. 4 Pieza escénica de María Salgado y Fran MM Cabeza de Vaca, estrenada en 2017. 5 Y que en el libro están escritas en un fanzine artesanal llamado en el panfleto al día siguiente frente a los portones impreso en L’automática. Gráfica de ANFIBVIA (Rubén García-Castro y María Salgado). 6 En la página 161 de Lírica. 7 Ambos versos de su poema contradicción que recoge Lírica en la página 201.