T E A T R O N

Laila y lo flamencoide (o Enrique y Laila)

Mambo — Tue, 03 Nov 2026 12:52:55 GMT

Voy a hablar de Fondo alto casi todo el rato, pero me vais a permitir una mijita de contexto. Será un párrafo, lo prometo; luego, solo hablaré de o desde (y ante, bajo, con, en, para, por, sobre y tras) Fondo alto. La pieza se estrena el segundo fin de semana de la temporada 26/27 del Teatro Central de Sevilla, que arrancó el 23 y 24 de octubre con El corazón de Esther, de Alberto Cortés. No es una temporada más: es la primera en la que no ha participado Manuel Llanes, director del teatro desde su inauguración en 1992. La nueva directora, Elena Carmona, fue nombrada hace poco más de quince días y tampoco ha intervenido en su diseño. Es, por tanto, una temporada sin padre ni madre “oficial”, de transición entre lo que fue y lo que será: continuista, con algunas diferencias. Lo dicho: una mijita de contexto antes de meterme en faena.

La obra nos recibe con el público a tres bandas. En una mesa alta con ruedas están el umbráfono de Enrique del Castillo (quien no lo conozca, que bichee su Bandcamp, allí se explica que se trata de “lectores ópticos capaces de transformar en sonido los estímulos luminosos que se proyectan sobre células fotosensibles”), un teclado Casio, una mesa de sonido y una controladora. Hay celuloide sobre la mesa y colgado de una estructura al fondo, a la izquierda del público. Del peine del teatro cuelgan micros de cable que se sujetan a la mesa con unas pinzas, y así pueden subir y bajar. Enrique está de pie tras la mesa; Laila, tumbada boca abajo cerca de ella.

Le doy al pause en este momento, que es pura potencia: una situación de partida que, como el gato de Schrödinger, contiene a la vez dos piezas fantasmas, la viva y la muerta. La que nos conmoverá y nos hará felices, y la que veremos aburridos o, peor aún, ausentes, deseando que termine para huir de allí. En ese rato antes de que empiece la obra, desde la butaca, siempre está la promesa de una vida más alta que la propia vida.

Basta de lo mío; me pongo con lo de Enrique y Laila (cocogua). La cosa arranca con un inicio fúnebre de Enrique (silbido, Casio y umbráfono) y con Laila tumbada, esta vez, boca arriba y en proscenio. El micro baja hasta su boca y ella canta un romance truculento que yo no conocía y que, según mis pesquisas, es una mezcla de varios: el de Sebastiana del Castillo, el de la Valiente Espinela... Después, Enrique empuja el micro, que pendulea sobre ella y recoge al pasar sonidos, palabras y risas, mientras el umbráfono lo envuelve todo con sus texturas hermosas e intrigantes. Ella se levanta y sortea el micro; él mueve la mesa. Ambos hacen música, ambos bailan. Y bailan también la mesa y los micros, que se desplazan, suben y bajan y nos cambian el punto de vista sin que tengamos que movernos.

En un momento dado, Laila graba unas palabras incomprensibles que, reproducidas al revés, resultan ser la letra de unas bulerías de Lole. Suenan otras bulerías con el umbráfono y, más tarde, un verdial grabado al que no acompaña una guitarra flamenca, sino un instrumento de cuerda hawaiano que le queda que ni pintao, mientras Tafur se pone unas cintas en las piernas y unas zapatillas. Luego, Enrique recrea ese aire y ella lo canta y lo baila. Vienen después unas sevillanas corraleras en las que ella se acompaña de percusión y que nos siguen invitando al juego, a la ligereza. Y, al final, unas siguiriyas robóticas en las que la voz modificada de Laila dialoga con las atmósferas que crea, generoso, del Castillo para que ella baile.

Todo ese viaje lo acompaña la iluminación de Irene Cantero, hermosa y sutil. Arranca abierta, con mucha luz y un recorte rectangular sobre la cabeza de Laila tumbada. Pronto asoman, como manchas, un rojo y un azul sólidos; luego la penumbra va y vuelve y unos azules más suaves nos van sumergiendo en un nuevo estado, hasta desembocar en el verde de la siguiriya, hondo y bellísimo.

Creo que la obra nos ha ido trayendo sin que nos demos cuenta a este lugar siguiriyero, más hondo, más emocional. Tiene mucho que ver la entrega de los dos a ese concierto expandido, que es juego y lenguaje, juego con el lenguaje. Y cuando quien juega se entrega de verdad, sin preguntar para qué, acaba calando un manojo de verdades.

Fondo alto se plantea como un diálogo entre dos haceres y sus hacedores: un músico experimental que inventa sus instrumentos y una bailarina que empuja límites. Él ya era performativo antes al manipular celuloides en directo; ella ya habitaba el borde de concierto, en su voluntad de desbordar-se. Pero los diálogos, si son reales, obligan a ir más allá (o más acá). Por eso, Enrique mueve el cuerpo de maneras nuevas: arrastra a Laila, desplaza la mesa, empuja los micros. Por eso, Laila canta desde un lugar inédito, con más exigencia técnica, pero con una actitud todavía (y esperemos que siempre) amateur. Por eso, el sonido surge y se transforma y la danza habita ese tránsito, y caben imágenes que duran hasta derretirse, la palabra cantada y hablada, los silbidos, los gritos y los susurros, los pasos y mudanzas, los micros que pendulean, la percusión como otra forma de movimiento, y ella bebiendo agua y él sonriendo antes de cambiar de "película". Y, en medio de todo, un flamenco y un folklore desubicados, en un origen que, como dicen ellos, está lleno de extranjeros.

En Enrique reconozco el juego con las texturas y la sutileza del viaje sonoro; lo nuevo es el compás, que le trae otras lógicas rítmicas y otras calidades de sonido. En Laila, el uso del archivo y esa manera de habitar la fricción entre lo heredado y lo inventado. Los dos trabajan desde el placer de la investigación, de seguir el vestigio, la huella, y eso pide paciencia y atención al detalle. La pieza es una invitación a abrirse al encanto de ese tiempo otro. Si buscas emociones fuertes, rápidas y continuas, mejor scrollea.

Nada de lo que se pone en juego necesita un discurso externo para sostenerse. Hay, claro, asuntos que sobrevuelan la pieza y se encarnan en escena, pero ningún concepto se instala como un tirano que obligue a todo lo que aparece a encajar en un sistema cerrado. El significante no se rinde al significado, baila con él. No digo que tenga que ser siempre así: hay tantas propuestas y de naturaleza tan variada que es absurdo pontificar sobre cómo hacer o deshacer. Pero aquí agradezco que no se haya apretado la cosa hasta convertirla en un artefacto pesado, sino que se nos presenta un mecanismo suave, liviano.

Tan liviano que, al final, la pieza nos pide lo más sencillo:

Mírame a los ojos,
hazme ese favor,
que con la mirá de mis ojos
camelo decírtelo to’.

¿Lo intentamos?

David Montero

Fotos de Lolo Vasco

Dirty

Murotron — Mon, 02 Nov 2026 21:12:28 GMT

Juan Domínguez - 7 de noviembre en el Mercat de les Flors dentro del Festival IF

A partir de la experiencia concreta de tocar barro con las manos, Juan Domínguez propone en esta instalación performativa i participativa poner la atención en otros sentidos más allá de la vista, como son el tacto y el oído. Se trata de desarrollar una forma de escucha a través del contacto y el contacto como una forma de conocimiento. Dos preguntas atraviesan la pieza: ¿qué escucho cuando toco? ¿qué toco cuando escucho? La obra refleja la importancia de lo que sucede entre los cuerpos mientras escuchan y tocan juntos.

Juan Domínguez es artista, creador, curador y docente en el ámbito de la coreografía y las artes vivas. Vive y trabaja entre Berlín, Ciudad de México y Madrid. Desde 1992 desarrolla una práctica que explora el teatro como medio expandido, replanteando los límites de la danza y la performance a través de la investigación del cuerpo, el tiempo, el espacio y la percepción. Ha creado numerosas obras y ha desarrollado una importante labor curatorial y de programación.

Más información y entradas.

Becas para la investigación en artes vivas 2027 La Nau Ivanow

Convocatorias / Ayudas — Mon, 02 Nov 2026 12:26:03 GMT

La Nau Ivanow abre el 20 de octubre una nueva convocatoria de Becas para la Investigación en Artes Vivas 2027, un programa que pone el foco en la investigación, experimentación y desarrollo de las prácticas artísticas. La convocatoria ofrece dos modalidades de residencia: la Residencia de Investigación en Sala y la Residencia de Investigación Técnica/Escenográfica.

El programa parte de una concepción de la creación artística como un proceso vivo, abierto e indisociable del pensamiento crítico y la investigación. Por eso, las residencias quieren ofrecer tiempo, espacio y recursos para explorar, ensayar, equivocarse y generar conocimiento, sin imponer un resultado concreto.

Residencia de Investigación en Sala

Esta modalidad se dirige a proyectos de artes vivas que se encuentran en fase de exploración, investigación o primer desarrollo. El objetivo es ofrecer las condiciones necesarias para profundizar en lenguajes, metodologías e intuiciones creativas sin presión de llegar a un resultado final.

Se seleccionarán 2 proyectos, que dispondrán de:

5 semanas de cesión de sala/estudio no técnico para la investigación y el desarrollo del proyecto, de forma continuada o intermitente durante 2027.
Contratación de los participantes, con una dotación de 1.750 € brutos por persona (máximo 3 personas por proyecto)
Posibilidad de acceder, según las necesidades del proyecto, a sesiones de acompañamiento en gestión, mentoría empresarial, vinculación con proyectos de mediación y territorio, la agenda de contactos y el archivo de memorias y prácticas de la Nau Ivanow.
Acompañamiento continuo del equipo de la Nau Ivanow durante el proceso de residencia.

Consulta las bases de la Beca de investigación en sala

Residencia de Investigación Técnica / Escenográfica

La segunda modalidad pone el foco en la investigación técnica, escenográfica y el diseño de los espacios escénicos. Está pensada para proyectos que necesitan tiempo, espacio y equipamiento para experimentar con luz, sonido, escenografía, materiales o dispositivos técnicos vinculados a la escena contemporánea.

La residencia se desarrollará principalmente en el teatro de la Nau Ivanow, poniendo a disposición de los proyectos el equipamiento técnico y la experiencia del equipo de la casa para profundizar en procesos de prueba, ensayo técnico, prototipado o ensayo escenográfico.

Se seleccionarán también 2 proyectos, que dispondrán de:

3 semanas de cesión del teatro, con acceso al espacio ya los recursos técnicos necesarios, de forma continuada o intermitente durante el 2027.
6.000€ de dotación económica por proyecto.
Asesoramiento y acompañamiento del responsable técnico de la Nau Ivanow.
Posibilidad de acceder a acompañamiento en gestión, mentoría empresarial, proyectos de mediación y territorio, agenda de contactos y archivo de memorias y prácticas de la Nau Ivanow.

Esta modalidad parte del reconocimiento de la investigación técnica como parte esencial de la creación escénica y apuesta por dar espacio al riesgo, la prueba y la innovación en los lenguajes materiales y visuales de las artes vivas.

Bases de la Beca de investigación Técnica

Un marco compartido de apoyo a la investigación

Más allá de las especificidades de cada modalidad, ambas becas comparten un mismo marco de trabajo. Las residencias de la Nau Ivanow quieren ser espacios para habitar e investigar, y no sólo espacios a producir, donde la práctica artística, la reflexión crítica y la comunidad tengan un peso central.

La convocatoria también incorpora una mirada de diversidad, pluralidad y representatividad del sector creativo, con especial atención a la diversidad de género, racializada y capacidades, tanto en los criterios de valoración como en la composición de la comisión de selección.

Ambas modalidades están abiertas a proyectos y personas de ámbito local, nacional y estatal.

Calendario de la convocatoria

20 de octubre de 2026 — Apertura de la convocatoria

28 de octubre, a las 12 h — Sesión informativa online, conéctate a través de este enlace

2 y 3 de noviembre, de 10 a 20 h — Días de acompañamiento en la presentación de candidaturas en la Nau Ivanow

12 de noviembre de 2026, a las 14 h – Final del plazo de presentación de proyectos

13-18 de noviembre — Revisión y aprobación de la documentación

19 de noviembre–7 de enero de 2027 — Fase de selección

Segunda quincena de enero de 2027 — Publicación de la resolución definitiva

Para participar, será necesario rellenar el formulario de la convocatoria y adjuntar la documentación requerida según la modalidad escogida.

Radial

Murotron — Mon, 02 Nov 2026 12:09:10 GMT

6 y 28 de noviembre en el CCCB

Radial es un ciclo de danza escénica del CCCB comisariado por el coreógrafo Guillem Jiménez. Reúne creaciones de danza de pequeño y mediano formato, nacionales e internacionales, en unas noches compartidas que nos invitan a transitar por distintos mundos poéticos.

Inspirado en los shared evenings, Radial propone una experiencia escénica que permite disfrutar de tres espectáculos de creadores nacionales e internacionales en una sola sesión, para compartir unas tardes de otoño en las que viajar juntos con la danza. Potenciando el «juntarse para» como herramienta de resistencia en la era de la atención individualizada, Radial reconoce el espacio teatral como un lugar en el que dejarse afectar conjuntamente, para crear comunidad, cultura y experiencias compartidas. Como una radial, el ciclo apuesta por una danza escénica que utiliza la materia viva para generar brechas en la realidad y revelar otras formas de pensamiento y reflexión.

En esta segunda edición presentamos trabajos de artistas que se apropian del lenguaje coreográfico para convertirlo en universos únicos y concretos. El 6 de noviembre tendremos obras de Andrea El Ameri, Panzetti/Ticconi, Camilo Mejía, y el 28 de noviembre de underthepulse, Jana Jacuka, Carles Castaño y Sau-Chin Wong.

Más información y entradas.

Recorrer un cuadrado de todas las formas posibles

Murotron — Mon, 02 Nov 2026 11:46:04 GMT

Esther Ferrer cierra el programa Murmullos con una activación colectiva de Recorrer un cuadrado de todas las formas posibles, a cargo de c a m p a r campo. La propuesta parte de un proceso de trabajo compartido con la artista, en el que cada interpretación da lugar a una nueva versión de la obra.

Concebida inicialmente como obra plástica en los años ochenta y desarrollada como performance a mediados de los noventa, Recorrer un cuadrado de todas las formas posibles explora las relaciones entre cuerpo, espacio, tiempo y repetición. Su punto de partida es una instrucción elemental: recorrer un cuadrado pasando por sus cuatro vértices, señalados con las letras A, B, C y D. A partir de ahí, las posibilidades se multiplican. Se puede caminar, correr, bailar, ir hacia atrás, detenerse, cambiar de ritmo o compartir el recorrido con otras personas. La estructura permanece, pero cada ejecución produce una experiencia distinta.

Para esta ocasión, Esther Ferrer ofrecerá varias sesiones de trabajo, en las que mantendrá conversaciones con las participantes del programa de formación en artes performativas c a m p a r campo, que asumirá la realización colectiva de la pieza. A partir de las instrucciones preparadas por la artista, estos encuentros permitirán explorar las múltiples posibilidades de la acción sin establecer una coreografía cerrada. Los encuentros, las interrupciones, los desajustes y las decisiones improvisadas forman parte de una propuesta en la que el azar y la voluntad individual conviven con las reglas compartidas.

Más información.

Convocatoria Becas Barcelona Crea - Fàbricas de Creación 2027 en La Caldera

La Caldera — Mon, 02 Nov 2026 09:24:11 GMT

Abrimos la convocatoria para las Becas Barcelona Crea - Fàbriques de Creació en La Caldera para el 2027. Son un total de cuatro becas en las siguientes modalidades:

Beca de Investigación para la creación
Beca de Investigación coreográfica
Beca para Prácticas curatoriales
Beca dirigida a artistas racializadas

Se abre un plazo de tres semanas para presentar los proyectos. Una comisión de selección escogerá las propuestas finalistas, que se comunicarán antes de Navidad.

Recepción de proyectos del 2 al 22 de noviembre 2026

BASES en la web

Finissage today I painted nothing. doesn't matter. Marc Salas Armengol

L'Estruch — Mon, 02 Nov 2026 08:17:06 GMT

Dijous 12 de novembre. 18h. Sala d'Exposicions de L'Estruch

Una trobada al voltant de l’exposició today I painted nothing. doesn’t matter, per aprofundir en les peces, els processos de creació i les referències que acompanyen la recerca de l’artista. A través d’una visita comentada, Marc Salas Armengol traçarà una genealogia d’interessos, intuïcions i connexions que travessen la seva pràctica artística.

L’activitat es completarà amb un visionat d’una peça audiovisual en la que l’artista ha estat treballant en els darrers mesos, que permeten apropar-nos a la seva manera d’entendre la pràctica.

today I painted nothing. doesn’t matter es planteja com una exposició al voltant de les idees de contingència i possibilitat, de la tensió entre la contenció i el desplegament, entre allò que es deixa veure i el que queda amagat, que s’intueix, o no, i entre materialitat i immaterialitat. El títol sorgeix a partir d’una anotació del poeta rus Daniil Kharms en un del seus diaris: ‘Today I wrote nothing. Doesn’t matter’. Treballant a partir de la relació amb la sala d’exposicions i l’experiència a l’espai, l’exposició es construeix com un procés obert que explora la relació amb els materials que m’envolten i les seves possibilitats. La intenció és mantenir les peces en un estat de provisionalitat proper al que es dona a l’estudi, entenent l’espai expositiu com una oportunitat per a generar obertures més que un lloc on el procés conclou.

Marc Salas Armengol (Sabadell, 2002) graduat en Belles Arts per la Universitat de Barcelona (2025). La seva investigació parteix de la pintura però troba sentit en el seu desplegament a l’espai, abordant el medi a partir de les característiques materials i les seves relacions espacials. La recerca se centra en la contingència de l’acció, en allò que pot passar, o no, explorant la potencialitat dels materials i els límits entre materialitat i immaterialitat. Entén la pràctica com un procés en constant transformació, com una cosa viva que té lloc en la trobada entre objecte i subjecte i en l’experiència a l’espai.

Projecte guanyador dins la convocatòria Estruch Obert 2026.

Actividad pública Noviembre LAV-C

Tenerife LAV — Sun, 01 Nov 2026 11:15:33 GMT

14 Noviembre Apertura de residencia Island Connect Lisa Giambra Escuela Vértice, La Laguna, hora por confirmar 19 Noviembre BetaBlastoCuir de Ona Bros Danza en Breve Sala de Cámara del Teatro Leal de La Laguna, 19:00 20 Noviembre Apertura de residencia Bella Báguena Residencia en colaboración con Festival Dansa Valencia Espacio La Granja, Santa Cruz de Tenerife, 20:00 29 Noviembre Sun Dance Family Session DJ Juana La Cubana y Darío Bardam Sala de Cámara del Teatro Leal de La Laguna, 11:30 - 13:30 #LAVC

CCC#120 Gabriela Cordovez

La Caldera — Fri, 30 Oct 2026 10:23:28 GMT

Jueves 5 de noviembre, a las 19h Muestra del trabajo en proceso Sal da Boca de Garbiela Cordovez, resident amb una Beca Barcelona Crea 2026. SAL DA BOCA, en portugués, la sal de la boca, podría también llamarse el cielo de la boca. Y me gusta imaginar ese trabajo así, como una boca llena de estrellas. La boca como una cueva, como una salina. És un solo hecho con la garganta, la respiración, todas las partes del cuerpo que hacen posible hablar, cantar, gritar, y también hacer sonidos innombrables, pero audibles. És una apuesta por todo aquello que el sonido puede movilizar y transmitir antes de las palabras o junto a ellas. Los procesos de circulación y cambio de la materia, y el cuerpo como dispositivo que la genera, la transforma, la tensiona y la hace audible. En esta trayectoria me han acompañado paisajes de Brasil y España, y otros que se ubican en mi imaginario, así como muchas personas: algunas ya no están, otras viven a un océano de distancia, otras están cerca, muy cerca, y ayudan a sostener este solo. Me acompañan también canciones, que habitan mi memoria y mi voz, para que las escuchemos. Alguém cantando longe, alguém cantando muito. Entrada gratuita con reserva + info en la web

Catropezas 2026 en Teatro Ensalle

Murotron — Wed, 28 Oct 2026 15:32:47 GMT

La Carne del Mundo de Lucía Martote del 6 al 8 de noviembre. Ábrego de Corpo Liminal del 13 al 15 de noviembre. La intérprete de Clara Pampyn del 20 al 22 de noviembre.