Felices de anunciar que Qué es el agua forma parte de la programación inaugural de las Trobades Camus, un festival que desde el 2017 promueve el encuentro entre pensadores y creadores reivindicando la vigencia del pensamiento de Albert Camus —cuya abuela nació en la localidad menorquina de Sant Lluís—, y la necesidad de recuperar el papel de la cultura y de los artistas en nuestras sociedades.

Las Trobades reúnen no solo a expertos en la vida y en la obra del premio Nobel de literatura franco-argelino de ascendencia menorquina sino también a escritores, pensadores, periodistas y creadores de todo el mundo quienes comparten con el público días dedicados a la reflexión en común sobre el legado del pensamiento camusiano y su relevancia para afrontar nuestro presente.

QUÉ ES EL AGUA
Viernes 8 de mayo
18,15 horas

El mar como escenografía, banda sonora, espacio poético, escenario de libertad…, pero también como lugar de conflicto y de tensión entre continentes ¿Qué es el agua? es un itinerario poético o una serie de cuadros o escenas creada por Marc Caellas, Esteban Feune de Colombi y Corinne Spitalier sobre el agua como elemento vital.

En Menorca, la propuesta, una creación dramática, visual y sonora, invita a los espectadores a formar parte de un recorrido alrededor de la Illa del Rei.

«Están dos peces nadando uno junto al otro cuando se topan con un pez más viejo nadando en sentido contrario, que los saluda y dice: “Buen día, muchachos, ¿cómo está el agua?”. Los dos peces siguen nadando hasta que después de un tiempo uno voltea hacia el otro y pregunta: “¿Qué demonios es el agua?”», David Foster Wallace.

«El mar tiene el sonido que tendría el deseo si sonase», Lorenzo Oliván.

Este jueves es Sant Jordi. Nos gusta Sant Jordi. Un día dedicado a los libros, las rosas y los encuentros más o menos azarosos por las calles de tu ciudad.

La Compañía La Soledad (Esteban Feune de Colombi y Marc Caellas) estará atendiendo el stand de La Uña Rota, donde podéis encontrar textos de creadores que trabajan la escena en distintos formatos.

Y también novelas, poesía, ensayos raros, manuales. Pasad a saludar y seguro que os encontráis aquel libro que le falta a alguien que queréis más que a vuestro teléfono.

Como quizás sepáis, La uña rota ganó el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial Cultural el año pasado “por su dedicación constante, perseverancia, originalidad y su apuesta por la edición de gran calidad con un catálogo que es testimonio de su espíritu exigente y uno de los ejemplos más valiosos del panorama editorial independiente”

Estamos muy orgullosos de formar parte de su catálogo al lado de Angélica Liddell, Rodrigo García, El Conde Torrefiel, Juan Mayorga, María Salgado, Ángela Segovia, Shaday Larios, María Velasco, Camila Cañeque, Kate Zambreno, Carlos Bueno Vera y tantas otras.

Estaremos en la plaza del Setge de 1714, en el Poble Sec, como parte de la Feria de Editoriales Alternativas que organiza el Bar La Cañada.
A partir de las 12 horas y hasta que anochezca.

Releía estos días Gólgota Picnic, de mi admirado Rodrigo García, y subrayé este fragmento.

Nuestra época es un chollo para los humoristas
La pos-pos-modernidad nos ha hecho irónicos hasta la médula
Estáis por encima de todo
Todo lo conocéis
Todo lo sabéis
Todo lo habéis vivido
Habéis construido, conmigo, la metrópolis irónica
Las paradas de metro se llaman Mordacidad, Sátira, Cinismo
No podéis hacer nada con gesto serio
Pasó la época de arriesgar la vida por causas perdidas, de jugarnos el pellejo
Todo se ejecuta ahora con distancia, a la distancia, con frialdad y supuesta inteligencia. Mentira
Da lo mismo si se trata de un alcalde o de un artista conceptual: hacéis movimientos, gestos, que promueven en vuestro auditorio esa sonrisita de mierda de «te entiendo, ya lo pillo, entiendo el guiño, esto debe tener algo que ver con Godard»
Una comunidad especialista en guiños
Así que todo en vuestras vidas son guiños
Amanece, capullos
Y no lo celebráis, miráis el amanecer con autosuficiencia, tenéis vuestro guiño para estar por encima de la salida del sol
El sistema se fundamenta en el déja-vu y yo me pregunto si un otoño se repite.

El sábado 28 de febrero se cierra el ciclo ENMEDIO, una serie de intervenciones artísticas que he comisariado para el MNAC (2025-2026), bajo el programa público Géiseres.

Será una jornada doble.

A las 11, 12 y 13 horas (reserva necesaria aquí), Ángulo de visión, de Sofía Montenegro.

Ángulo de visión es un recorrido que se despliega como un ejercicio de atención y de observación, invitando a atravesar el museo de forma transversal: en diagonal, de dentro a fuera, de arriba hacia abajo. Por espacios que nunca antes se abrieron al público.
Se invita a detener los ojos para mirar de otro modo.

A las 13 horas (único pase, reserva aquí), Tourist, de Nuria Lloansi y Pierre Peres.

Tourist es una visita guiada. Fantasmas de turistas nos guían a través de la Colección Gótica del MNAC.
Espíritus conocedores de los secretos que esconde el museo se mueven entre cuadros, esculturas, salas vacías y sarcófagos.
Psicofonías turísticas rebotan por las paredes y se deslizan entre los espectadores en un recorrido paranormal que trastoca las dimensiones espacio-temporales. Ya podemos subir muy arriba o bajar muy abajo, que nunca salimos de nuestras sensaciones.

Gracias totales | Espazo RPM
VENRES
19 DE DECEMBRO DE 2025
20 HORAS

ESPAZO RPM
Rúa San Carlos 8 baixo 2
15001 A Coruña

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INSCRICIÓN

Gracias totales é un ritual de agradecemento arredor dunha mesa. É unha posta en situación que reúne textos, discursos, xestos e movementos arredor do simple feito de dar as grazas. Unha peza relacional onde o ritual comparte espazo coa comida, a conversa, a maxia, a investigación dun xesto ou dunha palabra.

Un grupo de persoas xúntase arredor dunha mesa para lembrar e invocar artistas, poetas, cantantes ou actrices que souberon agradecer de forma fermosa. Indagan en linguas descoñecidas –do quechua ao islandés pasando polo xaponés– a contaxiosa sonoridade da gratitude, a súa textura, o seu sabor, o arrecendo que desprende, o seu poder sutilmente transformador, e mentres o fan hai algo neles que se predispón mellor, algo así como unha sanación.

Ao mesmo tempo, mentres se escoitan agradecer e se agradecen, os performers van construíndo no centro da mesa un pequeno altar que alimentan con fotos familiares, libros, colares, plantas, cunchas, pedras, talismáns, etc.; toda unha serie de obxectos que conforman a ofrenda viva do agradecemento, o seu rexistro máis fiel e palpable, ofrecendo ao outro facer o propio. Porque, ao fin e ao cabo, nunca agradecemos o suficiente, e agradecer non ten data de caducidade.

Compañía La Soledad

Marc Caellas e Esteban Feune de Colombi fundaron en Bogotá no ano 2011 a Compañía La Soledad, oxímoro que aproveitan para unir compañías itinerantes ás súas irremediables soidades.

Desenvolven, así, desde hai máis de dez anos, proxectos de literatura amplificada, teatro ou performance onde os textos –poemas, manifestos, cancións, grafitis– se len e interpretan de maneira poética e lúdica, en roce e recollimento con outras disciplinas, escenificando a cor, a voz, o arrecendo e mesmo o tacto da(s) escritura(s).

Nas súas montaxes traballan a palabra en relación coa paisaxe e co contexto local onde realizan as obras, cada unha das cales xera o seu propio dispositivo e deixa varias estelas: a do propio proxecto estreado e outra, máis sutil e colectiva, incluso máis duradeira, que contempla a rede vincular que se teceu na previa á estrea, hibridando disciplinas e saberes, plataformas e linguaxes, préstamos e trocos.

La tercera activación del ciclo Una escotilla en el vacío, concebida por el artista Marc Caellas en el marco de la exposición Antoni Tàpies. La imaginación del mundo, contará con la participación de Esteban Feune de Colombi y Félix Denuit.

En esta ocasión, Caellas instalará una serie de oráculos al servicio de los espectadores, a quienes se invitará a participar en una breve sesión personalizada. Lejos de cualquier artificio predictivo, estos oráculos funcionan como dispositivos poéticos y sensibles, herramientas que nos ayudan a desvelar lo que permanece oculto, ya sea en nuestra percepción, en la experiencia estética o en el gesto de mirar. La actividad propone un ejercicio de abertura: permitir a la intuición, la sabiduría ancestral y las energías latentes hallar un espacio en el que manifestarse.

Este juego de interpretaciones, que combina performatividad, presencia e imaginación, dialoga directamente con el pensamiento de Tàpies. Como los magos, el artista era plenamente consciente de que casi todo es un truco, pero también sabía que la auténtica magia no radica en el engaño, sino en lo que se activa entre quien crea y quien observa. Para Tàpies, lo importante no era tanto el resultado como el proceso, el misterio compartido y la relación afectiva que se establece a través de los objetos y los gestos.

«Magia inconfesable» nos invita a explorar este territorio entre lo visible y lo invisible, entre el arte y el ritual, y a experimentar la obra y el pensamiento de Tàpies desde una proximidad íntima e inesperada.

Martes 16 de diciembre, 18 horas

[Imagen: detalle de una de las vitrinas de la exposición Antoni Tàpies. La imaginación del mundo.]

Esteban Feune de Colombi (Buenos Aires, 1980), creador multidisciplinario, autor de libros, películas, obras de teatro, performances, caminatas, objetos y canciones, recoge la invitación de participar en el programa Guèisers y decide visitar el museo regularmente, casi a modo de ritual, durante casi un año. Sus paseos por Montjuïc y por el museo lo ponen en contacto no solo con el arte que hay en las salas sino también con lo que ocurre en el exterior del museo y empieza a conversar con los músicos, dibujantes y performers que trabajan en la calle, frente al museo. En el umbral entre lo que hay afuera y lo que hay adentro nace la acción que propone.

Artista externo
Sábado 4 de octubre
A las 12h

Inscripción y reservas aquí

“Artista externo es lo que ponía en la credencial que me dieron en el MNAC en enero, cuando se confirmó mi participación en el proyecto. Y ahora, en bastardilla, porque lo elegí como título de lo que haré allí dentro, cuando lo haga: Artista externo.

La credencial me permite entrar gratis al museo durante todo el 25. Una ofrenda divina que agradezco cada vez que voy, dos o tres por mes. Como en un ritual, llego por las escalinatas del costado, después de esquivar la escultura de Mistral, el hombre más alto de la ciudad. Como en un ritual, entro por las salas del románico, mi perdición, converso en silencio con las figuras de los frescos y a viva voz con quienes las vigilan. Como en un ritual, cada visita se convierte en un texto.

De tanto ir –la mirada, si insiste, es virtualmente loca, dice Barthes–, descubrí que la explanada exterior del museo funciona como un teatro al aire libre, un escenario en el que músicos y pintores performean a cualquier hora a lo largo del día, sea verano o invierno, para disfrute de miles de turistas. Empecé a sentir que eran ellos los verdaderos artistas externos. Nunca mejor dicho. A veces lo metafórico cae por el peso de lo literal. Charlé con varios y, al cabo de unas pláticas, me pareció justo, y en cierta medida un gesto conceptual, que esos músicos y pintores fueran los protagonistas de mi acción, que se volvieran “internos” por un rato.

Sin ponerme teórico, porque nada me excita menos, entendí que yo también era (soy) un artista externo que se inmiscuía (inmiscuye) en la rutina interna de un museo para crear sus cosas a partir de un encargo. Me hacía más ruido lo de artista que lo de externo, pero eso da igual, es una tara mía. Creo que lo importante pasa por profundizar en la cualidad “externa”, en la fertilidad de la periferia, de los bordes, de la marginalidad, del roce de todo eso e invertir algunos contextos. “Jamás tan cerca arremetió lo lejos”, escribió el poeta peruano César Vallejo, un verso que viene de perlas para volver más enigmático el enigma.

Y de eso va, me parece, Artista externo. Elegí a cuatro personas muy talentosas y perseverantes que dejarán el escenario de la calle para intervenir en los distintos escenarios del museo, cuyas paredes seguramente jamás vieron a un acuarelista chino pintar mudras cristianos o a una contorsionista argentina llenar con sus movimientos los faltantes en las pinturas de Santa Maria de Taüll. De eso se trata, quizá: de frotar una superficie lisa con una superficie rugosa porque del frotado surgirá, sin lugar a dudas, algo nuevo, algo atractivo, algo discordante.”

[Esta intervención forma parte de la segunda edición del programa Guèisers, comisariado por Marc Caellas y que lleva por título En medio]

Invitados por Cristina Rivera Garza, escritora y comisaria invitada a esta edición del ILB Festival, presentamos Ustedes brillan en lo oscuro en Berlín.
Jueves 18 de septiembre
19 horas
Entradas aquí

Sinopsis/Obra
Un accidente radiológico. Pánico radiactivo, crisis del sistema, paranoia colectiva. Mientras tanto, un grupo de ciudadanos resiste. Sus armas son la deriva, el baile, el ritual, pero también el miedo, la locura y el tesón. La luz que puede matarte es la luz que puede iluminar… ¿ustedes brillan en lo oscuro?
La obra de Liliana Colanzi ha sido adaptada al lenguaje teatral y su puesta en escena en formato mise en place, a cargo de Marc Caellas, en una producción de Casa América Catalunya.

FICHA ARTISTÍCA/TÉCNICA
Una creación escénica de Compañía La Soledad

Texto original: Liliana Colanzi
Adaptación y dirección: Marc Caellas
Intérpretes: Esteban Feune de Colombi y Maria Salarich
Una producción de Casa América Catalunya
Iluminación: Edu Filippi
Asistencia de dirección: Natalia Barraza
Asistencia de producción: Mauricio Sierra
Diseño de vestuario: Javiera Besten / Mónica de la Paz

Compañía La Soledad
En sus puestas en escena, la compañía trabaja la palabra en relación con el paisaje y con el contexto local donde realizan las obras, cada una de las cuales genera su propio dispositivo y deja varias estelas: la del propio proyecto estrenado y otra, más sutil y colectiva, incluso más duradera, que contempla la red vincular que se tejió en la previa al estreno, hibridando disciplinas y saberes, plataformas y lenguajes, préstamos y trueques. Desde 2011, Esteban Feune de Colombi y Marc Caellas (Compañía La Soledad) llevan a cabo proyectos de literatura expandida y teatro documental que son exhibidos en festivales literarios, bienales de arte o museos, entre ellos Kosmopolis (Barcelona), FILBA (Buenos Aires), Museo del Chopo (Ciudad de México), Balada Literaria (São Paulo), MUSAC (León), Círculo de Bellas Artes (Madrid), Museo de Bellas Artes (Buenos Aires), Centro Cultural García Márquez (Bogotá), Teatro São Luiz (Lisboa) o Cidade da Cultura (Santiago de Compostela).

La autora
Liliana Colanzi (Bolivia, 1981) ha publicado los libros de cuentos Vacaciones permanentes (2010) y Nuestro mundo muerto (2016), y editó La desobediencia. Antología de ensayo feminista (2019). Nuestro mundo muerto fue traducido al inglés, italiano, francés, holandés y danés. Ganó el premio de literatura Aura Estrada, México, 2015. Fue seleccionada entre los 39 mejores escritores latinoamericanos menores de 40 años por el Hay Festival, Bogotá39-2017. En 2017 creó Dum Dum, editora en Bolivia. Enseña literatura latinoamericana y escritura creativa en la Universidad de Cornell. Con Ustedes brillan en lo oscuro obtuvo el Premio Ribera del Duero de Narrativa Breve en 2022.

Estreno en el Festival KmAmérica (4o Festival de Literatura Latinoamericana), 20 de junio

Estreno en el Festival Con Acento, Conde Duque Madrid, 26 de junio

Un accidente radiológico. Pánico radiactivo, crisis del sistema, paranoia colectiva. Mientras tanto, un grupo de ciudadanos resiste. Sus armas son la deriva, el baile, el ritual, pero también el miedo, la locura y el tesón. La luz que puede matarte es la luz que puede iluminar… ¿ustedes brillan en lo oscuro?

Adaptación del cuento homónimo de Liliana Colanzi, Premio Narrativas a Escena 2025, a cargo de la Compañía La Soledad.

Ficha artística:
Adaptación y dirección: Marc Caellas
Intérpretes: Esteban Feune de Colombi y Maria Salarich
Iluminación: Edu Filippi
Asistencia de dirección: Natalia Barraza
Asistencia de producción: Mauricio Sierra
Vestuario: Mónica de la Paz y Javiera Besten

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El sábado 24 arranca ENMIG, la segunda edición del programa Guèisers, que he comisariado para el MNAC. La primera intervención va a cargo de Rubén Ramos Nogueira. Os comparto el texto de presentación. El cuadro que usamos de imagen es una compra reciente del museo, Joven en un interior, de Josep Maria Tamburini.

TEMPS MORT

¿Y si el tempo se hubiera acelerado artificialmente hasta desvirtuar por completo las intenciones de los compositores clásicos? ¿Y si eso hubiera servido para robarnos lo que era nuestro y hacernos pagar por escuchar a virtuosos que tocan como ametralladoras? ¿Cómo nos sentaría revertir todo eso ahora que la aceleración de la vida solo nos provoca ansiedad?

Solo un vampiro, por su longevidad, podría tener la perspectiva suficiente para contarnos qué ocurrió realmente, qué nos ha pasado para acabar viviendo con esta prisa actual. A partir de su extensa colección de arte del siglo XIX y de su fortepiano de la misma época, quizá él podría darnos las claves para entender —y quién sabe si para revertir— esta situación.

El tempo de la interpretación musical se aceleró durante el siglo XIX de tal forma que quedó fuera del alcance de los intérpretes amateurs (destinatarios de una gran parte de las composiciones de la época), tergiversando así las intenciones de muchos compositores. Así lo parecen demostrar recientes investigaciones sobre la mala interpretación actual de las indicaciones metronómicas de las partituras que nos dejaron los compositores del siglo XIX, quienes, según los defensores de la teoría del double beat, pretendían indicar un tempo la mitad de rápido que el que actualmente consideramos correcto.

La mitad de rápido es un cambio enorme que lo transforma todo, no solo la interpretación y la experiencia del oyente, sino también la manera de relacionarse con la música, que pasó a estar en manos de virtuosos profesionales y de quienes comercian con el arte, como primer paso hacia la creación de una industria fuera del control del ámbito doméstico y en la que el público solo participa de forma pasiva.

No solo se aceleró la música, por supuesto, el ritmo de la vida también se fue acelerando progresivamente hasta llegar al punto en que nos encontramos ahora, viviendo a una velocidad difícil de soportar para la mayoría de personas.

Rubén Ramos Nogueira es músico, escritor y performer. Ha desarrollado su actividad artística principalmente en el terreno de las artes vivas con piezas que abordan la relación entre música y vida, como la trilogía Amateur, Patada a seguir o Can 60. Actualmente trabaja para recuperar la idea de salón amateur del siglo xix y trasladarla a domicilios particulares del siglo xxi con el proyecto Fanny (por Fanny Mendelssohn), junto a Núria Lloansi, Pierre Peres y otros artistas invitados como Juan Loriente o Gema Ramos. Ha publicado dos libros de ficción, Punk cursi y Master, y es uno de los fundadores de Teatron, revista digital especializada en artes vivas.

Creación e interpretación: Rubén Ramos Nogueira.

Forte-piano COLLARD & COLLARD “late Clementi, Collard & Collard” de 1847 restaurado por Jaume Barmona i Vives (Forte Piano Taller) y cedido por la Associació Muzio Clementi de Barcelona.

Con la colaboración de Carmen Aldama.
Vestuario de Irene G. Ontiveros (@g.ontiveros_).

Agradecimientos:
Wim Winters y Alberto Sanna (AuthenticSound)
Museo de la Música de Barcelona
Fundació Joan Brossa – Centre de les Arts Lliures

Enmedio es un proyecto curatorial de Marc Caellas, enmarcado bajo el paraguas de Guèisers en el Museu Nacional d’Art de Catalunya. Un ciclo de intervenciones artísticas a cargo de Rubén Ramos Nogueira, Esteban Feune de Colombi, Sofía Montenegro y el dúo Núria Lloansi y Pierre Peres.

Existe una evidente contraposición entre la estabilidad patrimonial de los museos y la búsqueda de la experiencia en las prácticas artísticas contemporáneas. En este sentido, la estrategia del Museo se ha acostumbrado a ser vista como traidora por encapsular prácticas concebidas desde la experiencia y lo transitorio. Pero el Museo también puede ser un facilitador de experiencias: un lugar por el que transitar, donde generar narrativas y relatos.

Enmedio propone utilizar el Museo como un espacio de experiencia, donde ocurran cosas más allá del aparente estatismo patrimonial; de hecho, que activen el Museo como un espacio de relación, de relaciones y de conocimiento. Para ello, recupera prácticas que incorporan la performance, la teatralidad, el acontecimiento y la ficción.

Las acciones y propuestas de Enmedio están entre y en medio del Museo. Los artistas invitados nos presentan acciones que alteran la concepción del tiempo lineal o la delimitación dentro-fuera que instaura la propia arquitectura del Museo. Enmedio es también una oportunidad para acceder a ciertas áreas que, a pesar de estar ubicadas justo en el centro, habitualmente quedan fuera de la ruta sugerida. Y es una invitación a observar el comportamiento de los turistas culturales, un tipo particular de público con su propia agenda, situado entre las políticas culturales, el arte y la ciudadanía.