En el segundo día de actuaciones de esta segunda edición del Ahí está Juan Navarro y Óscar Cornago intervinieron el hall del MUSAC de León con su performance Se alquila, que va ya por la sexta versión. El punto de partida de este proyecto es el archivo viviente de un singular creador escénico y actor, Juan Navarro, con más de veinte años de trayectoria a sus espaldas, en diálogo con un singular investigador de las artes escénicas contemporáneas, Óscar Cornago, con más o menos la misma trayectoria que su compañero en escena. Un encuentro de dos primeras espadas de la escena ibérica, amigos y compañeros de largo recorrido que ya habían colaborado en otros proyectos escénicos pero a los que nunca habíamos visto tanto tiempo juntos en un mismo escenario.

Hemos seguido ese proyecto desde sus inicios, nos han hablado de él, hemos visto algunas activaciones en vivo y en directo pero precisamente porque lo conocíamos no sabíamos qué es lo que iba a pasar ese día. Ni siquiera lo podían saber sus propios creadores, por varias razones. La primera es porque el contenido cambia en cada actuación. La segunda es porque, aunque Juan Navarro y Óscar Cornago trabajan intensamente el guión y los contenidos, las actuaciones no se ensayan. Subrayando este punto, en una pancarta colgada en los muros del hall del museo, ante el público, leíamos lo siguiente: Toda repetición es un fraude. A su derecha, un montón de papeles, uno por cada obra en la que Juan Navarro ha participado en su larga trayectoria (con su título, fecha y lugar del estreno), empapelaban el muro.

En la entrada del hall, Carlos Ordás, el coordinador del museo para el Ahí está, acogía a los visitantes que habían reservado sus entradas gratuitas y les indicaba por dónde entrar al espacio reservado para el público, quienes encontraban un papel impreso, un bolígrafo y un sobre en cada uno de sus asientos. Durante todas las actuaciones del Ahí está la puerta del museo permanece abierta y el público que entra, aunque vaya a ver las exposiciones, se encuentra, en ocasiones con sorpresa, con la actuación de turno. Esto genera situaciones verdaderamente interesantes.

El papel que encontramos en nuestras sillas, impreso por las dos caras, contenía los deseos que el público quiso compartir con los artistas en la última de las actuaciones de Se alquila, que tuvo lugar en el Antic Teatre de Barcelona hace unas semanas. Dentro del sobre que acompañaba a ese papel encontrábamos dos tarjetas en blanco para escribir nuestros deseos y entregarlos al final de la actuación, si ese era nuestro deseo (valga la redundancia). Lo que se proponían Óscar Cornago y Juan Navarro era hacer realidad algunos de esos deseos. En gran parte, lo consiguieron. En cualquier caso, lo intentaron.

Juan Navarro vestía camiseta del Atlético de Madrid, que en ese momento jugaba el partido que decidiría su histórico triunfo en la Liga. Juan es hincha del Atleti. La camiseta se la cedió amablemente un parroquiano que encontraron en el bar Reyes Leoneses, que está enfrente del museo. Subió a su casa para cambiarse de camiseta y hacerle entrega de la suya a Juan Navarro. Óscar se puso enseguida una peluca de pelo largo teñido de verde. La peluca que todos los teóricos de las artes deberían utilizar como uniforme oficial distintivo, de manera que uno pudiese detectarlos a distancia, en lontananza.

Ahí están Óscar Cornago y Juan Navarro, calentando ayer antes de la presentación de Se alquila en el @musacmuseo pic.twitter.com/5Tq86s6bkl

— Rubén Ramos Nogueira (@maestroramos) May 23, 2021

Juan y Óscar comenzaron sugestionándonos para convencernos de que estábamos en el Valle del silencio, un paraje natural precioso del Bierzo, a una hora de León. Es más, quisieron que imaginásemos que estábamos desnudos allí, bailando y bebiendo vino. Para invocar ese deseo salieron a la plaza del MUSAC y nosotros vimos cómo se desnudaban (hasta cierto punto) a través de las vidrieras del museo. A partir de ahí todo fue cumplir deseos con Juan y Óscar como maestros de ceremonias, a veces sobreexcitados, a veces propiciando un espacio para la meditación, a veces emocionados, a veces bailando.

Hubo momentos para reír, para que todo el público se levantase de sus asientos para bailar, gritamos todos juntos un mensaje de amor para un desconocido con el que nos conectamos por videoconferencia (proyectado en el muro del museo), leímos todos juntos todos los deseos como si estuviésemos recitando una oración religiosa, vimos cómo David Lynch respondía en un vídeo a los deseos de Núria Lloansi, actriz compañera de aventuras de Juan Navarro en numerosos montajes de Rodrigo García con la que también conectaron en directo, e incluso vimos con nuestros propios ojos cómo mataban a un tiburon con un arpón para satisfacer el deseo de un niño. El tiburón, que desde lejos parecía una merluza fresca, asistió a la actuación hasta el final.

Cuando ya estaban acabando Juan Navarro se puso serio. Puso un vídeo de Flors, la celebrada pieza que la General Elèctrica estrenó hace veinte años en el Mercat de les Flors, en la que él se vestía de mujer, se empolvaba el cuerpo con polvos de talco, se pintaba los labios y luego derramaba cerveza sobre su cara. Mientras veíamos el vídeo proyectado Juan repetía la acción sincronizadamente, paso por paso. Luego, se paseó entre nosotros, muy serio. Óscar y él se abrazaron, en un gesto que no parecía preparado, y algunos entre el público casi no podían contener la emoción. Eso es un buen actor, alguien que es capaz de llevarte de la risa al llanto sin que sepas cómo ha pasado.

Acabamos todos bebiendo vino en la plaza. En las manos llevábamos ramitas de pino. Óscar y Juan sostenían que aquello era el Valle del silencio y que habían venido caminando desde allí hasta el MUSAC. Si ese era su deseo, ¿quién éramos nosotros para negárselo? Se estaba tan a gusto en el Valle del silencio…

(Fragmento de Yo estoy acá porque te quiero, publicado en La Ilustrada)

Del infinito al bife fue primero un libro, una biografía coral que pergeñó Esteban Feune de Colombi para la editorial Caja Negra a partir de los testimonios de más de ciento cincuenta personas de su entorno familiar, amistoso o profesional. El texto empieza por el final, por el funeral de Federico Manuel Peralta Ramos, que en realidad, hoy lo sabemos, fue otro principio, el principio de la leyenda, de la vida post mortem que lo fue convirtiendo con los años en el mito que nos convoca.

En su segunda página, el fotógrafo Guillermo Fernando Aquino menciona un cuento de Cortázar, Conducta en los velorios, cuyo primer párrafo dice: “No vamos por el anís, ni porque hay que ir. Ya se habrá sospechado: vamos porque no podemos soportar las formas más solapadas de la hipocresía. Mi prima segunda, la mayor, se encarga de cerciorarse de la índole del duelo, y si es de verdad, si se llora porque llorar es lo único que les queda a esos hombres y a esas mujeres entre el olor a nardos y a café, entonces nos quedamos en casa y los acompañamos desde lejos. A lo sumo mi madre va un rato y saluda en nombre de la familia; no nos gusta interponer insolentemente nuestra vida ajena a ese diálogo con la sombra. Pero si de la pausada investigación de mi prima surge la sospecha de que en un patio cubierto o en la sala se han armado los trípodes del camelo, entonces la familia se pone sus mejores trajes, espera a que el velorio esté a punto, y se va presentando de a poco pero implacablemente”.

Me parece que a los funerales, como a las revistas donde publicamos, uno no puede ir para hacer relaciones públicas, o por presumir de amistad con el muerto o el autor. No. Tanto Cortázar como Esteban como Federico como Némesis y como yo somos gente que no podemos soportar las formas más solapadas de la hipocresía. Así que brindo por los que estamos aquí reunidos: la editora, el cronista, el improbable lector. Brindo por estar, por estar presente, por seguir vivos a pesar de todo, por ser gánicos ¿Qué es ser gánico? Federico Manuel Peralta Ramos escribió veintitrés mandamientos de la religión que inventó, una suerte de manifiesto poético y vital que deberíamos tatuarnos si tuviéramos espacio entre tanta peca y vena y arteria y grano sin explotar.

Habitantes de este sistema solar, yo, Federico Manuel Peralta Ramos, me dirijo a ustedes para comunicarles los mandamientos de una nueva religión que he inventado:

1. Ser gánico (significa hacer siempre lo que uno tiene ganas.)

2. Hay que irse a los bofes.

3. A Dios hay que dejarlo tranquilo.

4. Perder tiempo

5. No perder tiempo.

6. Regalar dinero.

7. No distraerse.

8. Ampliar la esencia hasta llegar al halo.

9. Vivir poéticamente.

10. Hacer programas aburridísimos.

11. Tratar de divertirse todo el tiempo.

12. Creer en el gran despelote universal, tomar como punto de referencia eso.

13. No endiosar nada.

14. Superar lo controlable.

15. Superar el plano físico.

16. Jugar con todo.

17. Darse cuenta.

18. Creer en un mundo invisible mas allá del plano físico, mas allá de los lejos y de los cerca.

19. Hay que andar liviano en este mundo… o no.

20. Provocar movimiento.

21. Despreciar todo.

22. No mandar.

23. Flotar.

(continúa el texto en La Ilustrada)

ESTEBAN FEUNE DE COLOMBI
Del infinito al bife
Jueves 27 de mayo, a las 18:30 h

Esteban Feune de Colombi nació en 1980 en Argentina. Reside en Barcelona. Trabaja en distintas partes del mundo. Es escritor, actor, performer, fotógrafo y editor. Publicó Lugares que no (2010), No recuerdo (2011) y Leídos (2014). Protagonizó las películas Por el camino (2010) y Vermelho Russo (2017), del brasileño Charly Braun. Presentó cuatro muestras individuales: tres de fotos y una de performance. Con Marc Caellas creó la Compañía La Soledad, que produjo distintas propuestas escénicas, destacándose Juego de cartas, Nobel a Borges y El paseo de Robert Walser, obra de teatro a pie que desde 2012 representaron en más de veinte ciudades.

Carolina Bonfim es una artista brasileña que durante algunos años, antes de trasladarse a Bruselas, vivió en Barcelona. En esa ciudad descubrí por primera vez su trabajo durante la presentación que hizo de Remake movements in nightclub en el Centre d’arts Santa Mònica. A su llegada a Barcelona, Carolina, que venía de São Paulo, se dio cuenta de que en las discotecas de Barcelona la gente bailaba el mismo tipo de música electrónica que en São Paulo pero de una manera muy diferente. Entonces se propuso una investigación que consistía en ir a bailar cada noche al Moog, un pequeño club de electrónica cercano a las Ramblas. Luego, al volver a casa, cada noche se grababa en vídeo intentando reproducir lo que había visto, tal y como lo recordaba, pero fijándose solo en los movimientos más alejados a como ella y sus amigos solían bailar en Brasil. Con esos movimientos montó una coreografía en la que bailaba mientras escuchaba una música que solo ella podía oír, con unos auriculares, mientras el público la rodeaba, como en una disco. Me pareció fascinante. Una brasileña destilando la esencia del movimiento de los cuerpos de baile barceloneses.

Queríamos traer Remake movements in nightclub a esta nueva edición del Ahí está, que debería haber tenido lugar el año pasado, pero, debido a su aplazamiento por culpa de la pandemia, Carolina no podía estar presente en las nuevas fechas en las que finalmente se celebrará esta edición. Pero entonces descubrimos que Carolina había seguido trabajando en esa misma línea de investigación durante estos años, ahora ya desde Bruselas.

90 movimientos sobre TECHNOGYM G6508D, la vídeo-instalación que presentará en el MUSAC durante estos días (del 21 al 28 de mayo), es fruto de esa investigación. Esta vez Carolina se propuso ir cada día a un gimnasio de Bruselas para correr sobre una cinta desde la que podía observar al resto de personas que corrían sobre otras cintas. De la misma manera que, en Barcelona, extrajo el movimiento de los cuerpos bailando en la discoteca a partir de una observación activa, en Bruselas se fijó en el movimiento de los cuerpos que corrían. Después de noventa días de observación el resultado quedó fijado en un vídeo en el que Carolina encarna esos cuerpos para reproducir su manera de correr. El resultado es sorprendente, hipnótico y, nuevamente, fascinante. Podría parecer que correr es algo que todo el mundo hace de la misma manera pero no. La diversidad, “lo que hay de único y propio en cada forma de moverse”, en palabras de la artista, se impone para desafiar a la uniformidad a la que parecería que todos estamos abocados en este momento histórico en el que el capitalismo tardío parece estar consiguiendo lo que ni la Unión Soviética consiguió: todos nos vestimos en las mismas tiendas de ropa, todos comemos en las mismas franquicias, todos tenemos Instagram, todos publicamos fotos en las que parecemos felices, aquí y en casi cualquier parte del planeta, aunque luego todos lloremos, deprimidos, en la intimidad de nuestro hogar.

90 movimientos sobre TECHNOGYM G6508D se inaugurará el 21 de mayo a las 18:00 con una breve presentación a cargo de Rubén Ramos Nogueira, uno de los comisarios del Ahí está. La video-instalación podrá verse hasta el 28 de mayo durante el horario habitual del MUSAC. La entrada es libre y gratuita.

Anarchy es una pieza de largo recorrido que nació de la colaboración entre una activista y performer, Semolina Tomic, y una pareja de creadores escénicos, la Societat Doctor Alonso. Ya desde el título se deja claro cierta voluntad reivindicativa. Vivimos en una época en que la palabra anarquista se usa en los medios de comunicación como sinónimo de alborotador o quemador de contenedores. Cada vez que hay incidentes en Barcelona que impliquen cierto nivel de violencia se habla de unos misteriosos grupos de anarquistas italianos, que siempre están listos para liarla en Barcelona. Todo daría mucha risa si no fuera un indicador de una sociedad que se deja engañar y que ha olvidado partes esenciales de su historia.

Me cito con Semo en la terraza del Antic Teatre, un espacio de libertad creativa que lleva años resistiendo presiones políticas, vecinales e inmobiliarias, dando espacio a los que no tenemos espacios en otros lados, y apostando siempre por proyectos radicales y ajenos a las lógicas del mercado. Semo llega agitada tras una sesión de entrenamiento matinal. Me cuenta de unas jornadas de teoría crítica con creadores jóvenes, de la programación regular del Salmon, de la supervivencia de Antic, que en el año 2023 cumplirá 20 años desde su fundación.

Muchos frentes abiertos, pero hoy toca hablar de Anarchy.

Le pregunto a Semo por sus motivaciones para mantener Anarchy viva, tras tantas funciones.

Me gusta mucho hacerla porque es de esas obras que es muy actual. La anarquía fue muy potente en España hasta que el fascismo la aniquiló totalmente ¿Te acuerdas en la transición, cuando se inventaron el caso Scala? Ellos vieron que cuando muere Franco empiezan a funcionar espacios libertarios. Ellos pensaron que esto se iba a desmadrar. Se inventaron lo de los sabotajes y otra vez la criminalización de cualquier intento de libertad. Cualquier sistema es un sistema autoritario. Mientras haya un estado habrá autoridad. Y nadie nos regalará libertad. Si el pájaro no paga por estar encima de un árbol y no paga por comer, ¿por qué nosotros tenemos que hacerlo? Esta aceptación generalizada de que tenemos que pagar por un techo y por la comida, y que todo nuestro sueldo va para esto, este nuevo esclavismo me sorprende mucho que lo tengamos tan asumido, que esto que llaman pueblo lo acepte tan tranquilamente. Ya ni hablo de la clase obrera, si es que existe aún.

Le pregunto a Semo por el tema de Anarchy. Leyendo a Kropotkin, de quien se cumplen 100 años de su muerte este año, uno entiende que los estados no han estado siempre, es algo muy reciente, nos podríamos gestionar sin estado, como se hizo durante muchos años. 

La peña piensa que es bueno que el estado controle lo público. Un funcionario, ¿qué genera? Su sueldo lo pago yo. En mi sector, el de la cultura, me jode un huevo pagar unos impuestos que, supuestamente, van a una hucha pública, cuando luego ves que lo que hacemos nosotros, arte contemporáneo, se lo queda una élite que se ha apoderado de un recurso público ¿Por qué damos 10 o 20 millones de euros al Liceu, que es una Fundación Privada de empresarios? ¿por qué la tengo que mantener yo? Si hasta lo quemaron para cobrar el dinero del seguro… En esta ciudad sólo dos equipamientos escénicos son realmente públicos, el Teatre Nacional y el Mercat de les Flors, los demás son fundaciones privadas. El otro día me encuentro con Ángels Margarit, ¿dónde está la diferencia? Ganó un concurso, tiene unas obligaciones. Ella es artista, pero no se programa a sí misma. En cambio, en el Lliure, su director se programa cinco semanas, en la sala grande, y hace una obra que es teatro medieval, de lo viejo que es… A mí me jode mantener unas fundaciones privadas con esos sueldos. Yo vengo de Yugoslavia donde un director de un espacio no es un tipo rico, como aquí. En el Anarchy hablamos mucho del libro de George Orwell, del Homenaje a Catalunya, un libro que casi nadie ha leído aquí, cuando es algo que debería explicarse en las escuelas, que casi todo el país estaba colectivizado, que hubo gente que abolió el dinero. La idea de abolir el dinero es la base del pensamiento anarquista, porque la propiedad privada es un robo, como bien dijo Proudhon. Es la base. No tener que pagar por vivir.

Le pregunto a Semo por la forma con la que Anarchy se relaciona con los espectadores, quienes tienen al lado de su butaca una guitarra eléctrica, y en un momento de la pieza son invitados a tocar, algo que muchos, quizás, nunca pudieron o se atrevieron a hacer.

Claro, es de esta libertad que hablamos. Porque en este país tu derecho a tocar depende de tu nivel adquisitivo. Porque en España, en la educación pública, no existe el arte. Yo tengo amigos cuyos hijos tocan el chelo, el violín, pero es un extra, actividad extra escolar, cuesta un pastón. Aquí tocar la guitarra es un lujo. En mi país todo esto estaba dentro del programa educativo. Hasta que esto no se introduzca como una normalidad no habrá avance. Mientras en la educación no se introduzca el arte no habrá transformación social. Me río de los proyectos “comunitarios” de Barcelona en comú. Esto no es un evento. En Antic tenemos un proyecto comunitario y llevamos once años, es un trabajo de chinos, necesita tiempo. No es un evento que introduzcas en una programación cultural. Esto es una herencia del fascismo. Estamos en el 2021 y aún no se ha resuelto. Yo antes me ponía más nerviosa con la parálisis de la gente, pero claro, si no existe la educación artística, la educación sexual en primaria, secundaria, luego no sorprende que el pueblo esté dormido, que se la sude un partido u otro.

Finalmente le pregunto a Semo por cómo se siente presentando la pieza en un museo.

Para mí la existencia de un museo siempre es discutible, esto de mantener un patrimonio muerto. Ya sólo el concepto del museo no sé si tiene sentido hoy en día. En Viena, en otros países, funcionan de otra manera, son más espacios culturales donde suceden talleres, conferencias, donde fluye el pensamiento. Yo les cambiaría el nombre. Un centro cultural tiene que responder al territorio y el contexto dónde está. Mira el Macba, tiene ahí una comunidad de skaters que son vistos como una molestia. Si yo fuera la directora del Macba diría: hacemos una semana o un mes de skaters dentro del Macba. Además, si ves el edificio, es perfecto para ellos. Y si se ensucia o se daña pues mejor, un museo no es un hospital, no tiene que estar limpio y bonito como si fuera un aeropuerto. Daniel G. Andújar puso en cifras el otro día cómo se reparte el presupuesto. El 70% del presupuesto se va en pintar las paredes, encender la luz y los demás gastos estructurales. Para lo que justifica el museo, los artistas, queda apenas el 8%. No tiene sentido.

La represión no aplasta las ideas. El único método para aplastarlas es ignorarlas. Negarse a pensar, negarse a cambiar. Y eso es precisamente lo que está haciendo nuestra sociedad.

El viernes 28 de mayo se presenta Anarchy en el Musac.

Entrada libre hasta completar el aforo. Inscripción previa acá.

La forma es un solo de Anabella Pareja Robinson que se ha ido cociendo a fuego lento en los últimos años. A finales de 2018 vi una muestra de ese trabajo en el Antic Teatre de Barcelona. Entonces publiqué mis impresiones en Mambo. El trabajo ha seguido desarrollándose desde entonces (en La Caldera, también en Barcelona) sin repetirse nunca exactamente igual. Por eso espero con ansia su actuación el próximo viernes en León, una ciudad que, al igual que la mayoría de artistas de esta edición, la verá actuar por primera vez.

Comenzó la sesión Anabella Pareja Robinson, coreógrafa mexicana que desde hace poco menos de un año vive en Barcelona, a quien hemos ido siguiendo con gusto cada vez que ha ido viniendo por aquí para presentar sus trabajos en solitario o con el Colectivo AM. Anabella está trabajando ahora en un solo de danza al que ha llamado La forma. El sábado presentó treinta minutos de lo que, por el momento, es una investigación dancística que apoyó con textos proyectados en los que compartió con el público sus notas, apuntes, dudas, reflexiones e incluso las trampas que ella misma se descubre poniéndose a sí misma. Durante esos treinta minutos, Anabella, vestida con pantalón, camiseta y zapatillas deportivas, no dejó de bailar, la mayoría del tiempo en silencio y solo hacia al final con un breve acompañamiento de música electrónica. El texto proyectado hablaba del origen y la trayectoria del trabajo, los lugares por los que ha pasado, las numerosas veces que su trabajo ha sido rechazado, los ejercicios que utiliza en su práctica diaria, la temática que aborda, la forma, los caminos desechados y algunos de sus referentes: el Comité invisible o el Manifiesto hacker, por ejemplo. El despliegue físico fue considerable. Como ella misma señalaba en esos textos, últimamente parece mucho más fácil encontrarse con propuestas colectivas, en un momento en que lo comunitario y lo colectivo es lo que se impone, que con una persona creando en solitario un solo de danza. Tiendo a pensar que tiene razón, que esa es la realidad. Quizá por eso agradecí tanto que su propuesta se sostuviese en bailar sola, sin tregua, durante media hora, sin más añadidos que esos textos, que en el contexto en el que se presentaban tenían todo el sentido pero que no eran imprescindibles para degustar lo que sucedía en escena. “Volver a lo primario”, dice Anabella. Bendito sea lo primario, volver a la esencia para darse cuenta de que la danza, despojada de cualquier añadido, es capaz de conectarse perfectamente con nuestro presente, siempre y cuando esté en manos de alguien capaz de proponérselo. Cuando muchos han abandonado ese tipo de prácticas es un placer descubrir a alguien que insiste en ello sin que sepa a viejo sino todo lo contrario. El entusiasmo que Anabella siente por la práctica de la danza es contagioso. Si algo te da placer e insistes en practicarlo con una cierta continuidad, con una cierta dirección y una cierta consciencia de lo que haces, al final de ahí puede salir una especie de zumo concentrado, un néctar que otros serán capaces de paladear con fruición, conscientes también del valioso extracto que desprendes después de horas y horas de práctica con la ayuda de las más básicas y valiosas de nuestras herramientas: cuerpo y mente. ¿Una propuesta dura? Lo que es duro es ver a un grupo de bailarines mercenarios sudando para levantar propuestas en las que no creen porque ni quien las ha creado siente ya nada por ellas, solo sigue en esto porque es lo que le da de comer, en el mejor de los casos, o por el reconocimiento, el éxito, la moda, pero ya no por amor, si es que alguna vez llegó a sentir algo parecido. Yo prefiero pasarme horas enteras viendo bailar a Anabella Pareja Robinson, en completo silencio.

El viernes 21 de mayo en León. Entrada gratuita. Inscripciones aquí.

A nation is born in me es un solo de Soren Evinson. Una pieza trabajada con música original de Daniel Papell. La pieza está construida como un diálogo entre el sonido y el cuerpo. Parte de una fascinación por el fenómeno nacionalista, que le sirve de nutriente a Soren para enarbolar su propia estética.

Tengo imágenes en la retina muy precisas de la tarde que vi la pieza en Antic Teatre. Soren arrodillado, Soren animalizado, Soren frente a un espejo, Soren enarbolando una bandera, Soren cantando. Son imágenes inconexas que funcionan como diapositivas de un viaje del que regresé agitado. Era julio del 2019. Ahora, casi dos años después, A nation is born in me se verá en el hall del MUSAC. Hay ganas de ver a Soren ocupando ese espacio.

Recordar la obra de Soren me hizo recuperar este subrayado del brillante libro de Laura Llevadot: Jacques Derrida, democracia y soberanía.

Las lenguas que hablamos y con las que escribimos nos han sido, desde siempre, impuestas. Las lenguas nunca son nuestras y no son naturales, son del otro (…) Derrida nos recuerda que siempre somos presos de una violencia originaria y que optar por la resistencia a la dominación no es necesariamente eludirla. La única manera de resistir al dominio de la lengua que heredamos es hacerla pasar por una impropiedad, expropiarla, recordarle su origen mestizo y que nunca ha sido ni será un modelo hegemónico para nadie que piense, ya que es con la lengua como se piensa.

En un artículo publicado en Tea-tron, Roberto Fratini escribió:

“A Nation Is Born In Me pone en entredicho o “desobvia” la vitalidad política de la performance política, poniendo en entredicho y desobviando la eficacia política de la performativización de la lucha política. Porque si aún es cierto que esa lucha esgrime aspectos performativos, sólo una cultura radicalmente hipócrita y sustancialmente consensual puede deducir de estos aspectos el axioma de que la performance sea un formato disidente en sí, y de que la performance, como consumo cultural de la experiencia de la disidencia, pueda y deba convertirse en la más eficaz de las armas políticas. El único resultado político de la mayoría de las performance es asegurar a un público persuadido de ser progresista que también el artista lo es. Encerrada en este círculo mágico, que se resuelve en infinitas circulaciones discursivas, la disidencia, literalmente, se resguarda de la posibilidad de volverse real”.

En un artículo publicado en Núvol, la investigadora teatral Ana Prieto escribió:

A Nation Is Born In Me es colisión, interpelación herida e hiriente, brutal. A través de este personaje hecho de fisicalidad e ira, maquinal y intimidatorio, Evinson incide en el fascismo de un yo nutrido de odio – «Este odio no es un intruso […] Pido que todo lo que me rodea sea capaz de morir por mí «-. La criatura que saca a pasear a escena es alguien mucho más peligroso que Narciso, porque no está enamorado de sí mismo, sino de su odio. Al final, el ángel exterminador será también objeto de violencia, como un pájaro herido. O como un águila imperial convertida en presa, abatida por el mismo odio que la propulsa.

Nos vemos el miércoles 26 en León.

Inscripciones por acá.

Anna Karina nunca nació ni nunca murió, sólo visitó este planeta entre el 22 de septiembre de 1940 y el 14 de diciembre de 2019. Se impuso o le impusieron una misión: cambiar el cine para siempre. Lo logró. No fue simplemente una actriz a las órdenes de un gran director, un tal Jean-Luc Godard, sino una intérprete sin la cual no se entienden las siete películas que hicieron juntas, su co-autora.

Su ojos, su mirada, son los ojos y la mirada de la Nouvelle Vague, un movimiento que se adelantó al mayo del 68, a la revolución sexual, a Warhol, al punk y a tantos otros gestos y actitudes claves del arte del siglo XX. Fueron los ojos de Anna Karina los que marcaron el camino a seguir, un camino incierto y sin destino claro, un camino que se hacía bailando en un café, como en Bande a part, hablando de filosofía con un viejo, como en Vivre sa vie, o disertando sobre el significado del amor en esa ciudad tan peligrosa como hermosa bautizada Alphaville.

¿A quién mira Anna Karina?

Quizás a los que llegan de “países exteriores” para participar en un festival. Es el momento de hacerlo. No está claro que el festival se repita los próximos años. A veces la realidad es demasiado difícil para transmitirla por vía oral. Esto es siempre así, nunca se entiende nada. A veces no hace falta entender. Mucho menos a los artistas. Lo cierto es que el control de habitantes ya está aquí hace rato. Y lo aceptamos como quien ve llover, o llorar, o como se acepta que la programación de los teatros repita códigos y teatralidades caducadas.

¿A quién mira Anna Karina?

Tal vez a esa espectadora que no piensa en lo que hará después de la función. A ese espectador que nunca vio bailar en su bar de cabecera a ninguna mujer vestida de marinero. A ese espectador que no se atreve a cruzar todas las salas del MUSAC al trote. Sus ojos de amatista, ojos gris Velázquez, muestran lo que no se ve a la primera, lo que queda fuera de plano o de foco, lo que completa la obra de la que formamos parte, una obra viva, hecha de caricias y retazos, de abrazos y empujones, de cantos y gritos, gestos y movimientos que embellecen este mundo injusto y cruel que nos toca transitar.

¿A quién mira Anna Karina?

Posiblemente a ese director loco e inteligente con el que compartió sus mejores años y con el que desarrolló una muy trabajada naturalidad que nos embelesa. Un director preciso que parecía que improvisaba y que incluso ponía en bocas de otras actrices las frases que Anna Karenina-Karina había pronunciado en el fragor de una discusión conyugal. ¿Qué puedo hacer? ¡No sé qué hacer!

Salva a los que lloran, le suplica a Anna un personaje de Alphaville justo antes de morir. ¡Cómo no salvar a Anna Karina tras esa inmensa llorada en un cine viendo las lágrimas derramadas por la Juana de Arco de Dreyer! Todo está en sus ojos: ese mar, ese mal, esa peligrosa bondad, ese crimen, ese profundo espíritu que todo lo sabe, esos ojos que saben que hemos de morirnos toda la vida para no rompernos el alma y no llorar de amor. ¡Qué ganas de llorar!

¿Qué es, entonces, el amor?, le pregunta Anna Karina a Mr Johnson, el agente secreto encargado de matar a su padre, el profesor Von Braun, el fundador de Alphaville. Su respuesta es un poema, un poema para leernos de balcón a balcón, de semáforo a semáforo, de tumba a tumba, un poema que podemos tunear y convertirlo en la definición de un género, estilo o manera de hacer que no tiene definición posible, o que la rehuye, o que pasa de tenerla, ¿para qué? Un poema ideal para recitarnos en esas noches de toque de queda en las que soñamos en nuestras camas, si es que hay camas de alguien. 

Entonces, ¿qué son las artes vivas?

Tu voz, tus ojos, tus manos, tus labios,

nuestro silencio, nuestras palabras

la luz que se apaga, la luz que se enciende

una sola sonrisa entre nosotros.

Fuera, fuera, dice el odio

más cerca, más cerca, dice el amor,

una caricia nos guía desde la infancia.

Cada vez veo más la forma humana

como un diálogo entre creadores.

Una mirada, una palabra.

Todas las cosas se mueven.

Tenemos que avanzar para vivir.

Espectador, dirige tu camino hacia los que amas.

Yo iba hacia ti, sin pausa hacia la luz.

Si sonríes, es para invadirme mejor.

Los rayos de tus brazos, perforan la niebla.

]]> http://www.tea-tron.com/ahiesta/blog/2021/04/14/vuelve-ahi-esta-del-21-al-28-de-mayo-en-el-musac/ Wed, 14 Apr 2021 09:26:24 +0000 http://www.tea-tron.com/ahiesta/blog/?p=299 Sigue leyendo →]]>

Ahí está
MUSAC, León
Del 21 al 28 de mayo de 2021
Entrada gratuita

Carolina Bonfim, Anabella Pareja Robinson, Juan Navarro y Óscar Cornago, Søren Evinson, Esteban Feune de Colombi y Sociedad Doctor Alonso con Semolina Tomic

Comisariado: Marc Caellas y Rubén Ramos Nogueira / Coordinación: Carlos Ordás

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Los que tengan ojos, que miren.

La práctica de las artes vivas sigue estando ahí, en el margen. Creadores de distintos orígenes y formación no cesan en su empeño de buscar caminos, trazar sendas, levantar puentes. La mayoría pasan de largo sin verlos. Los que tengan ojos, que miren.

Ahí está presenta seis propuestas que desafían los lugares comunes del sonido, el baile, la comida, la identidad o la música. Propuestas que invitan a mirar hacia otro lado, en otra dirección. Propuestas que no tratan de iluminar sino que permiten ver las sombras, el otro lado. Propuestas para espectadores con los ojos abiertos.

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Programa

Viernes 21 de mayo
Carolina Bonfim
90 movimientos sobre TECHNOGYM G6508D
Vídeo-instalación

Anabella Pareja Robinson
La Forma

Sábado 22 de mayo
Juan Navarro y Óscar Cornago
Se alquila

Miércoles 26 de mayo
Søren Evinson
A Nation Is Born in Me

Jueves 27 de mayo
Esteban Feune de Colombi
Del infinito al bife

Viernes 28 de mayo
Sociedad Doctor Alonso y Semolina Tomic
Anarchy

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CAROLINA BONFIM
90 movimientos sobre TECHNOGYM G6508D
Vídeo-instalación
Del 21 al 28 de mayo, en horario de apertura del museo
Presentación el 21 de mayo a las 18:00 h

¿De qué modo el cuerpo y la subjetividad pueden ser pensados, manipulados, transmitidos y vividos, a través de una actividad física? ¿La manera en que nos movemos refleja lo que somos? ¿Por qué nos movemos del modo en que nos movemos? El proyecto 90 movimientos sobre TECHNOGYM G6508D supone una nueva escala en la línea de investigación que la artista viene desarrollando desde hace seis años, relacionada con el estudio de acciones corporales comunes, triviales, como andar, mirar, bailar o sentarse. En palabras de la artista, “sobre esta cinta me puse a correr en un gimnasio durante noventa días y, desde una observación activa, estudié los cuerpos que corrían delante de mí. En este estudio quise poner el foco en la acción « correr» y llevarla al extremo: fragmentarla, archivarla, incorporarla, evidenciar lo que hay de único y propio en cada forma de moverse”.

Carolina Bonfim vive y trabaja en Bruselas. Deseo, alteridad, cuerpo y archivo son algunos de los temas recurrentes en su trabajo. Investiga procesos de apropiación, incorporación y de transmisión del conocimiento inmaterial a través del cuerpo. En los últimos años ha expuesto y presentado su trabajo en centros e instituciones tales como el 14º Salão Nacional de Arte de Itajaí, Casa do Povo, Galería A Gentil Carioca (Brasil), MACSur (Argentina), Centre national de danse contemporaine d’Angers (Francia), Lugar a dudas (Colombia), Hôtel Van de Velde/La Cambre (Bélgica), Homesession Artspace, Arts Santa Mònica, Fundació Miró, La Capella, Centre d’art contemporani Fabra i Coats y MARCO de Vigo (España).

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ANABELLA PAREJA ROBINSON
La Forma
Viernes 21 de mayo, a las 18:30 h

En palabras de la artista, “La Forma es una investigación que acude constantemente a la teoría para motivar a este baile de articulaciones, textura, volumen y piel. Mientras se mueve piensa en otras cosas, piensa en palabras, anécdotas, citas; en nuestra realidad, en lo real y es este el motivo que me lleva a acompañar el movimiento por un texto. Es en este texto donde confronto la escritura y la imagen, donde coloco la coreografía, donde deposito la razón; una coreografía que acompaña a esta danza, esa razón que esta danza no necesita”.

Anabella Pareja Robinson es una bailarina y coreógrafa mexicana, residente en Barcelona, que últimamente investiga y practica principalmente desde la danza. Las palabras que la acompañan son la atención, la materia, el hacer, la pasividad, lo común, lo real.

Esta investigación ha sido apoyada por la Poderosa dentro de su programa ARTAS 2018 y 2019 / El Centro Cívico de la Barceloneta acogió este proyecto en sus inicios / Agradecimientos: Mónica Muntaner, Bea Fernández, Amador Fernández Savater, Paz Rojo, Itxaso Corral, Cris Celada, Xavi Manubens, Óscar Dasí, Marina Colomina, Mayte Luque y Rafa Ruano

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JUAN NAVARRO Y ÓSCAR CORNAGO
SA# 6 – Archivo vivo
Sábado 22 de mayo, a las 18:30 h

Dicen que uno de los motivos para que alguien que se va a suicidar no llegue a matarse es sentirse objeto del deseo de otra persona. El deseo de los otros nos mueve.

SE ALQUILA nació como un archivo de acciones, acciones que fueron hechas en el pasado y otras tan solo imaginadas, acciones que podrían haber sido pero no fueron. En su última presentación en el Teatre Antic de Barcelona a este archivo se le superpuso otro de deseos. 85 deseos (que dejó el público a lo largo de tres días) son el punto de partida de esta próxima edición.

Este es un trabajo sobre la economía de las acciones y la economía de los deseos, sobre los modos de intercambio y relación a través de los deseos, no de nuestros propios deseos, sino de los deseos de los otros, los deseos que nos ponen en el lugar del otro, de lo que no somos, pero podríamos ser.

El budismo identifica los deseos como la fuente del dolor, y por tanto habría que eliminar el deseo, y las religiones monoteístas lo relacionan con la tentación y el placer. Los deseos han sido señalados por las religiones como lugares peligrosos, fuerzas oscuras que nos saca de nosotros mismos y nos sumergen en un territorio difícil.

La economía de los deseos es una economía de excesos y pérdidas. El secreto del capitalismo fue domesticar los deseos convirtiéndolos en estrategias de producción y consumo. Sin embargo, compartir un deseo es compartir una falta, celebrarnos en modo potencial, habitar lo incierto que resta entre lo que ya no es y lo que podría ser.

Juan Navarro es un creador que ha trabajado con artistas como Roger Bernat y Marta Galán, Rodrigo García, Jan Lawers, Markus Öhrn, Anna Boralho y João Galante, Luis Garay, entre otros.  Ha dirigido Tala, una adaptación de la novela homónima de Thomas Bernhard, además de espectáculos de creación contemporánea como Fiestas Populares, Agrio Beso, Baby, Nancy Spungen, Pequeño preludio (Inmortal), No-one is an island, El Bosque y estrenó en diciembre 2019 En lo alto para siempre, una creación a partir de la obra de David Foster Wallace.

Óscar Cornago viene del campo de la investigación en Ciencias Humanas y Sociales. Su trabajo, desarrollado desde el Consejo Superior de Investigaciones Científicas de Madrid, está especializado en artes escénicas, estética, arte público y teoría comparada de los medios. Forma parte del equipo de investigación ARTEA, y es autor de numerosas publicaciones, ha impartido cursos y conferencias por Latinoamérica y Europa, y comisariado proyectos, encuentros y seminarios en colaboración con artistas y plataformas de creación en torno a la idea de teatralidad y comunidad, economía de las prácticas artísticas, archivo y memoria, o relación entre artes y entornos públicos.

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SØREN EVINSON
A Nation Is Born in Me
Miércoles 26 de mayo, a las 18:30 h

A Nation Is Born in Me ocupa el encuentro mismo entre intérprete y público transformando nuestra presencia en un resbaladizo campo de batalla. Y a base de perforar ese encuentro, construye una forma irreemplazable. Algo que desactiva cualquier resistencia. Algo contra lo que no se puede luchar. Algo por lo que vale la pena rendirse.

Søren Evinson investiga con el cuerpo, la palabra, el canto, los materiales y objetos para construir trabajos que reflexionan sobre la idealización de la cultura contemporánea. Se abastece de motivos e imaginarios desprendidos de la vida contemporánea y de la sociedad de consumo. Utiliza el medio de la performance para filtrarse en lo teatral para generar nuevas fantasías de lo espectacular.

Idea, texto, creación e interpretación de Soren Evinson / Música de Daniel Papell / Acompañamiento artístico de Florine Lindner / Vestuario de Samara Scott / Construcción de objeto escénico de Charlie Hope / Diseño de luz de Julia Bauer / Acompañamiento de producción de Marine Budin / Una propuesta de Antic Teatre con el soporte del Grec 2019 Festival de Barcelona / Coproducción: TNT (Terrassa), Le Phénix Valenciennes Pôle Européen de création à Valenciennes / Coopération international (Francia), Antic Teatre (Barcelona) y Kulturfabrik (Luxemburgo) / Con el soporte de Graner – Mercat de les Flors, Konvent.0, L’Estruch. Fàbrica de creació de les arts en viu i Teatre Enjòlit i Generalitat de Catalunya

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ESTEBAN FEUNE DE COLOMBI
Del infinito al bife
Jueves 27 de mayo, a las 18:30 h

En 1968, Federico Manuel Peralta Ramos ganó la Beca Guggenheim y gastó el dinero –unos 40 mil dólares de hoy– en diversas e insólitas acciones artísticas; una de ellas, quizá la más resonante y menos documentada, fue una cena para 25 amigos que ofreció en el célebre hotel Alvear de Buenos Aires y por la que luego la fundación estadounidense le pidió explicaciones e, incluso, la devolución del dinero. A modo de homenaje, la propuesta es recrear esa cena con una mesa presidida por Feune de Colombi a la que se sentarán 24 espectadores/comensales. La conferencia incorpora la proyección de videos e imágenes inéditas, anécdotas propias de la investigación que llevó a cabo el autor para la realización del libro, audios correspondientes a algunos entrevistados y un músico en vivo.

Esteban Feune de Colombi nació en 1980 en Argentina. Reside en Barcelona. Trabaja en distintas partes del mundo. Es escritor, actor, performer, fotógrafo y editor. Publicó Lugares que no (2010), No recuerdo (2011) y Leídos (2014). Protagonizó las películas Por el camino (2010) y Vermelho Russo (2017), del brasileño Charly Braun. Presentó cuatro muestras individuales: tres de fotos y una de performance. Con Marc Caellas creó la Compañía La Soledad, que produjo distintas propuestas escénicas, destacándose Juego de cartas, Nobel a Borges y El paseo de Robert Walser, obra de teatro a pie que desde 2012 representaron en más de veinte ciudades.

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SOCIEDAD DOCTOR ALONSO Y SEMOLINA TOMIC
Anarchy
Viernes 28 de mayo, a las 18:30 h

Anarchy es un experimento entre el kaos y el orden. La experiencia no es inocua y es muy compleja, se podría resumir en «si quieres silencio tienes que trabajártelo» o «haz lo que quieras». Esta toma de poder no es sencilla. Uno desde que nace está ligado a sus circunstancias y depende de los demás para desde la infancia conseguir cosas tan vitales como el alimento o el calor. Nosotros dependemos del público, de los teatros y también del gobierno para hacer funcionar nuestras obras. Esto que es una interdependencia social no convierte ni al público ni a los teatros ni a los gobiernos en nuestros dueños. El problema del gobierno es que está hecho para mandar, para administrar y para regir nuestras acciones. El arte es el medio homogéneo donde poder experimentar o reproducir ciertos estados y suposiciones.

Sofía Asencio y Tomás Aragay codirigen la compañía Sociedad Doctor Alonso. Se plantean cada espectáculo o proyecto desde el punto 0, para volver a replantear su lenguaje artístico cada vez. Mezclan géneros, formas escénicas y tipos diferentes de gente, creando su propia manera de habitar el escenario. Les gusta plantear la escena como un lugar donde colocar, allí donde debería haber espectacularidad, lo menos espectacular posible, creando así una poética de lo patético.

Por su parte, Julijana “Semolina” Tomic es una figura ineludible de la escena cultural barcelonesa desde hace más de tres décadas, cuando llegó a Barcelona procedente de la antigua Yugoslavia y decidió quedarse, enamorada perdida de la ciudad y de su incipiente comunidad punk. Desde el año 2003 es la fundadora y actual directora del Antic Teatre – Espai de Creació, un referente de la escena teatral y cultural más independiente e insobornable de la ciudad de Barcelona.

Dirección: Sofia Asencio / Dramaturgia: Tomás Aragay / Dirección coreográfica: Sofía Asencio Aznar / Creación e Interpretación: Semolina Tomic / Iluminación y espacio escénico: CUBE / Espacio sonoro: Alfonso Ferri / Producción: Imma Bové / Distribución: Societat Doctor Alonso / Coproducción del CAET Festival TNT de Terrassa y Antic Teatre y Societat Doctor Alonso / Con el apoyo de: Departamento de Cultura de la Generalitat (ICEC), INAEM y el Ayuntamiento de Báscara

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SOBRE LOS COMISARIOS

Marc Caellas escribe libros, crea y dirige obras que convenimos en llamar “de teatro” y ejerce ocasionalmente de comisario de proyectos culturales que juntan literatura, música, teatro y arte contemporáneo. Es uno de los creadores de El paseo de Robert Walser, obra que ha llevado el caminar como práctica artística por barrios y ciudades de España y Latinoamérica. Ha publicado los libros Carcelona, Caracaos, Drogotá, Neuros Aires y Teatro del bueno.

Rubén Ramos Nogueira desarrolla su actividad artística principalmente en el ámbito de las artes en vivo, la escritura y la música. Es uno de los creadores de Teatron, medio digital de referencia en el ámbito de las artes en vivo, donde desarrolla una ininterrumpida labor como cronista desde hace más de una década.

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SOBRE LA IMAGEN

Anna Karina (1940-2019) fotografiada por Norbert Perrau durante el rodaje del telefilm Anna dirigido por Pierre Koralnik en la Gare de l’Est de París el 2 de febrero de 1966.

Por ANTONIO GONZÁLEZ CHAMORRO

Diez años ya del Musac. Curadas las heridas del proceso de lucha por nuestros derechos laborales en el museo, he de decir que volver como usuario a programaciones tan bien planteadas como la que disfrutamos del 10 al 12 de abril, me ilusiona. Me ilusiona como siempre lo ha hecho este proyecto. Cubrir la enorme carencia que a nivel escénico tiene la ciudad de León es un acierto. Y sé a ciencia cierta lo agradecidos que estamos todo el público asistente a esta retrospectiva de 10 años de artes en vivo que tan inteligentemente han programado Rubén Ramos Nogueira y Marc Caellas. Agradecimiento que extiendo a los coordinadores del museo, Helena López Camacho y Carlos Ordás (hasta de técnico de luces les vimos).

Muchas fueron las propuestas y a todas no asistí, así que la selección que hago es parcial. Por allí pasaron Amaia Urra, Sandra Gómez, Arantxa Martínez, Txalo Toloza, El Conde de Torrefiel, Masu Fajardo y Amaranta Velarde. Todo piezas presentadas por primera vez en León. Me detendré en tres de ellas.

Txalo Toloza presentó Todos los grandes tienen problemas de piel (2009). En sus propias palabras: un collage, un mashup, un remix, un ready made. Un sampler de bajo presupuesto.

Durante hora y media, él solo en escena, desgranando interpretaciones personales de piezas de otros autores que ha visto y suyas propias. Y ya en el comienzo afloran elementos que recorrerán todo su monólogo coral. Un análisis de la sociedad, en especial de lo relativo a la cultura visual. Al principio el tema de la autoría, del software libre, de la piratería. Luego vendrán las relaciones personales o el selfie. Todas las cuestiones que plantea surgen desde una sinceridad apabullante y una complicidad constante con el espectador. Quizás derivada de la apariencia amateur de la puesta en escena. A veces da la sensación de estar en su salón. O quizás porque utiliza la mirada directa, dedica el espectáculo a un espectador al azar (le tocó a Luis Melón), te da abrazos de verdad o pide ayudantes por dos veces para realizar la misma escena repetida.

Y todo lo hace con el humor, la ironía, el cachondeo. Con su corta y pega nos cuenta sus propias vivencias y experiencias. Grandioso fue el momento del videoclip casero que hace contando su viaje entre México y Barcelona. Utiliza todos los medios a su alcance con mucha versatilidad, es muy polifacético. Le vemos danzar, cambiar focos, conectar el móvil al proyector. El mismo es espectador en ocasiones a través de ese ojo que todo lo ve del móvil. Y es de reseñar como utiliza de forma socarrona todo lo relacionado con la cultura visual, música incluída.

Lee el resto de la crónica en Tam Tam Press

La verdad es que presentar esto con dos míseros párrafos quizá sea un poco radical. Pero puede que también sea lo más coherente con el espíritu de ese Ahí está que le da título. Incluso puede que sea hasta higiénico dejarse de discursos e ir al grano para comunicar simplemente un par de ideas y un poco de información práctica. Los juicios de valor no nos corresponden a nosotros sino, en todo caso (y si insisten en ejercer ese derecho) a quien se acerque al MUSAC de León este fin de semana, a quien siga las intervenciones por streaming o a quien nos haya acompañado hasta aquí en la lectura de las entrevistas y textos que hemos ido preparando para este blog con la ayuda de tres desinteresados colegas y de quienes van a actuar ante el público de León. Es imposible controlar cómo se recibe la información. Surgen los equívocos, los malentendidos, las interpretaciones que no tienen nada que ver con la supuesta intención original. Aceptémoslo. Le llaman ciclo, festival, retrospectiva, aniversario, muestra, genealogía… Llamadlo como queráis, no dejará de ser lo que sea cuando tenga lugar. Pero nos llegan mensajes de gente que nos pide que nos expliquemos más. Una cosa no quita la otra. Está bien, vamos a hacerlo. Pero mejor ahora, al final, cuando esto ya está a punto de comenzar (y de acabar).

Ahí está nace de una historia de carambolas. Un miembro del equipo del MUSAC nos invita informalmente a que hagamos una propuesta para presentar un par de trabajos nuestros que se conecten de alguna manera con León y nos pide que, a su vez, comisariemos dos o tres propuestas de creadores de artes en vivo para que nos acompañen. ¿Artistas al mismo tiempo que comisarios? No lo acabamos de ver claro. Pero que de lo que se trata es de celebrar los 10 años del MUSAC. ¡Ah, los 10 años del MUSAC! Haber empezado por ahí (quizá empezaron por ahí pero puede ser que no lo pillásemos a la primera). Recogemos la desacostumbrada invitación (no solemos recibir ninguna y eso hace que aún la valoremos más) y presentamos una primera propuesta que se parece bastante a esos dos míseros párrafos con los que definitivamente presentamos esto porque ahí está casi todo lo que tenemos que decir. Nuestra primera idea es la de llevar al MUSAC 10 piezas de creadores de artes en vivo del Estado español que no se hayan visto nunca en León (ni en muchos otros puntos de la geografía española). Una pieza por cada año. Presentamos la propuesta al director del MUSAC, que es quien decide. El director se interesa por la idea pero no quedamos con él hasta dos meses después. Seguramente con muy bien criterio, no dice ni pío sobre lo de la presentación de nuestros trabajos, sólo habla de la selección de piezas de los últimos 10 años que decimos que podríamos hacer. Que decimos que podríamos hacer, porque sólo le hemos presentado algunos ejemplos. Nos parece muy bien. Nos dice que la idea le parece interesante pero que sólo hay presupuesto para 8 piezas, nos sugiere que no incluyamos a gente que ya ha sido invitada otras veces al MUSAC (en los ejemplos iniciales habíamos incluido a alguno) y nos comunica que la política que siguen es que, gastos de producción a parte, el caché para cada pieza es siempre el mismo independientemente de la gente que intervenga (sólo se muestra dispuesto a hacer una excepción si llegase a ser necesario). El presupuesto del que habla es tan mínimo, bastante por debajo del caché habitual (tanto para creadores como para los comisarios) que nos hace pensar que, si esto tira adelante, sólo podemos pensar en piezas que se ajusten muy bien a las condiciones técnicas del MUSAC, de muy pequeño formato y de creadores que, además, tengan muchas ganas de participar en esto. Le damos nuestra opinión, muy crítica, sobre esa política presupuestaria. Nos escucha pero el equipo del MUSAC tiene sus razones y el MUSAC no va a cambiar su política por nuestra opinión. Así son las cosas. Lo tomas o lo dejas. A pesar de todo la oportunidad nos parece valiosa. Decidimos intentarlo.

Nos ponemos manos a la obra. Intentamos confeccionar en un tiempo récord una programación posible sin perder de vista en ningún momento el espíritu que intentamos reflejar en esos dos párrafos de presentación. Ahí está toda una generación que hemos visto crecer durante estos diez años en el ámbito de lo que algunos llaman artes en vivo, a quien los escenarios no prestan la suficiente atención y que, en cambio, tienen ahora la oportunidad de estar en lugares como el MUSAC, que sí que parece mostrarles algo más de interés (aunque observamos que el reciente interés por las artes en vivo en los museos y centros de arte genera, al mismo tiempo, expectación y cierta controversia). Optamos porque las piezas propuestas provengan de gente menor de 40-41-42. Gente que no sean los típicos de este tipo de saraos, para ser coherentes con el espíritu de la propuesta. Los que en estos 10 años hemos visto aparecer. Estamos a punto de desviarnos varias veces pero conseguimos mantener el rumbo, a veces por los pelos, y por alguna causa justificada, pero intentando no traicionar el espíritu de la propuesta. Intentamos que el máximo de años estuviesen representados con solo 8 piezas (el máximo que nos permitieron). Observamos que hay años en las que se encuentra una cosecha abundante de piezas interesantes y, en cambio, otros de bastante sequía. Tenían que ser piezas que encajasen en las condiciones del museo (ni demasiadas luces ni escenografías, en algunos casos con público paseando por el museo durante las actuaciones…). No fue fácil encajar todo esto. No sólo tiramos de lo que habíamos visto, investigamos. Pero hasta en los archivos se observan los años de sequía. En la programación sólo hay una pieza que no vimos en su día, pero no era tan importante eso. Lo importante era centrar el foco en creadores como Schlegel (el jugador de básket que se convirtió en la imagen de Ahí está). Conocemos a bastantes, en el Estado español, que se merecen más atención y no la han tenido. Además, con el caché disponible, tenían que ser solos, salvo alguna excepción. Intentamos guardar un equilibrio geográfico teniendo en cuenta el lugar de nacimiento, que es el que nunca cambia. Al final fueron Asturias, Barcelona, Chile, Donostia, Madrid, Suiza/Ontinyent, Tenerife (peleamos por lo de Tenerife pero Canarias tenía que estar) y Valencia. Este listado es lo máximo de equilibrado que hemos podido conseguir, teniendo en cuenta el equilibrio de años y todo lo demás. Aún y así, que quede claro que esto no es la lista de lo mejor que se ha visto en los últimos 10 años. No pretendemos eso. Mentiríamos. Falta mucha otra gente, de muchos otros sitios (Galicia, Murcia, Andalucía,…), gente que no podía venir porque el presupuesto no daba para más, porque se han retirado, porque ya no trabajan juntos, porque están embarazadas, porque han emigrado, porque sólo podíamos traer a 8…

Lo de Mike Schlegel como imagen del cartel es una metáfora de todos estos que ahí están pero a quienes creemos que quizá no se les ha prestado la suficiente atención. Schlegel jugó en León (Thompson, el de la izquierda del cartel, años después, también). Dicen de él que era un gran jugador, elegante, talentoso, generoso con el equipo, un falso tres adelantado a su tiempo (algo raro en la época en la que él jugaba, ahora completamente normalizado, ¿les suena?), pero lo ningunearon en el draft (el ranking de nuevos jugadores que decide cada año si se incorporan o no a la NBA) y en España nunca tuvo la suficiente atención a pesar de unas estadísticas propias de Magic Johnson. En los cuartos de final de la Copa del Rey robó el balón y metió un triple en el último segundo que le hubiese dado al León una victoria bella e histórica sobre el Madrid, por un punto, pero el árbitro lo anuló (muchos creen que injustamente). En León se le quería, entre otras cosas, por eso. Mike Schlegel murió de un cáncer fulminante con cuarenta y cinco años, en mitad de la década que conmemoramos. Nos parece un símbolo. Buscábamos una imagen que un leonés pudiese reconocer y que apelase a todo esto sobre lo que queremos llamar la atención. Y que no fuese un tipo bailando o la imaginería de la performance habitual, porque estamos hablando de gente que trae consigo nuevas maneras de entender las cosas. Y, buscando, descubrimos a Schlegel y su interesantísima historia. Cualquier día el baloncesto será considerado un arte vivo. Es poco ortodoxo ahora pero a los de las artes en vivo históricamente también les ha pasado algo así y mira. Quizá cuando deje de ser una competición.

La imagen del cartel es también la imagen del cuerpo de dos tipos que miran, de dos artistas que a su vez son espectadores. Sospechamos que esta generación de creadores ha crecido mirando con curiosidad, quizás incluso divertidos y a ratos excitados, lo que hacían sus colegas. Seguramente se han alimentado unos de otros. De alguna manera han jugado todos en este extraño equipo de las artes en vivo.

Por último, Ahí está tiene que ver con dejar a un lado los juicios de valor. Es una interpretación (que no tiene por qué ser la buena, si es que existe) de la respuesta de Valcárcel Medina cuando le preguntaban su opinión sobre una pieza en el bar de un desaparecido festival de artes en vivo (otro más de los que hemos visto desaparecer en estos diez años). Una postura muy cageana. Discutible, como todas, pero que abre la mente hacia otras maneras de entender el arte, la creación, que, creemos, son más que nunca necesarias en este momento de cambio (esperamos). Ya ni siquiera se trata de si son buenos o no, de si son los mejores ni nada por el estilo, sino que estos ocho y muchos otros más como ellos (que no caben por razones presupuestarias y otras que ya hemos ido desgranando) ahí están. Esta realidad existe aunque algunos insistan en ocultarla. Y mejor no esperar a que estén muertos como Schlegel para prestarles un poquito de atención. A ellos, a los que vinieron antes que ellos y a los que ya vienen apretando desde abajo (porque no aprenden, oiga, no aprenden, que con esta actitud no se va a ningún lado). Miren al gran Nate Davis, tres veces máximo anotador de la Liga ACB, a quien muchos comparan con Michael Jordan antes de que Jordan fuese Jordan, de quien aún se estudia su estilo de tiro en algunas escuelas de baloncesto, compañero de Mike Schlegel en los tiempos en los que jugaron juntos en Ferrol, trabajando ahora como chico para todo, a sus 60 años, en una empresa de informática en la que nadie sabe de su pasado y en la que un día sus compañeros se preguntan por qué los de la televisión española vienen a buscar al tipo que limpia las mesas para entrevistarle y grabar un documental, antes de llevárselo a Ferrol para rendirle un multitudinario homenaje en un pabellón abarrotado de gente que, después de 30 años, aún le recuerda con enorme cariño porque, para ellos, haber tenido la suerte de verle jugar fue una de las mayores alegrías de las que pudieron gozar durante aquellos duros años. Da que pensar.

Agradecemos mucho esta invitación del MUSAC y os invitamos a celebrar juntos en León estos diez años de vida y de creación. Celebrémoslo con todas nuestras fuerzas antes de que, para muchos, sea demasiado tarde. Ahí está.

Rubén Ramos Nogueira y Marc Caellas

Foto: archivo del Diario de León

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