The Creators Project

Uma Instalação Onde Peixinhos Dourados “Tocam” Uma Harpa De Vidro

Fri, 14 Dec 2012 14:18:50 -0500

O artista de nova mídia de Hong Kong Henry Chu é conhecido por seus designs divertidos e minimalistas que frequentemente envolvem o usuário para além da tela. Por exemplo, seu aplicativo para iPad Squiggle permite que o usuário desenhe linhas retas coloridas na tela e depois transforma o iPad numa harpa digital quando o tablet é inclinado.

A mais nova obra de arte de Chu, Fish Harp (veja o vídeo acima), em exposição atualmente na LIBRAIRIE GALERIE da agnès b., transforma o usuário num espectador contemplativo. A instalação sonora é feita de muito copos dispostos em cima de uma placa de vidro. Abaixo, peixinhos dourados nadam livremente num pequeno lago. Da mesma forma que mãos habilidosas tocariam uma harpa de vidro, sensores desencadeiam sons ambientes quando os peixes nadam embaixo dos copos.

Conversamos rapidamente com Chu para saber mais sobre a concepção de Fish Harp.

The Creators Project: De onde veio a inspiração para Fish Harp?
Henry Chu: No começo eu queria fazer algo relacionado com ilusão, como uma miragem. Planejei fazer uma obra com os temas de flores e peixes, e criar imagens fantasmas a partir da luz refletida. Eu tinha limitações nos aspecto de tempo e orçamento, então no final criei só a versão de peixes. Outra razão é a música, flores são difíceis de relacionar com música.

A parte mais difícil do projeto foi adicionar o som. Diferente de Squiggle, onde inclui a música e o elemento visual logo no começo, eu não queria transformar isso num instrumento, então criei algo não-interativo e puramente para contemplar. É como ter um aquário. Você não tem muita interação (mesmo que você bata nele, a intenção é “admirar” os peixes. A observação leva à experiência e compreensão). Eu estava procurando pelo método mais natural de criar sons generativos. Finalmente pensei no instrumento “harpa de vidro”. Os conceitos do aquário e da harpa de vidro se tornaram a obra de arte.

Rascunho da Fish Harp.

A maioria do seu trabalho anterior lida com interação, mas suas últimas obras como Fish Harp e The Five Colors Blinds The Eye nem tanto. Você está tomando uma direção criativa diferente agora?
É divertido e interessante criar com interação como premissa, mas isso eventualmente se torna restritivo. O processo de aprendizagem da obra, por exemplo, também não pode ser complicado. Em Fish Harp e Five Colors eu quis fazer algo “mais leve”. Fazer algo diferente e direto é apenas uma fase antes de embarcar novamente num novo projeto interativo.

Algum novo projeto em andamento que você queira compartilhar conosco?
Farei uma exposição para crianças em Hong Kong no ano que vem onde elas poderão ver e tocar a arte. Cerca de dez artistas vão participar e eu estou fazendo uma obra de sombra interativa. Antes disso, vou revelar minha primeira pintura generativa na Gallery 27 de Alan Chan.

Fish Harp, juntamente com a obra When The Cloud Is Low do nosso criador Gaybird, está em exposição na LIBRAIRIE GALERIE da agnès b. até 12 de janeiro de 2013.

Imagens cortesia de Henry Chu.

Maquete De Cidade-Conceito É Mapeada No Guggenheim

Fri, 14 Dec 2012 12:57:07 -0500

Depois de ser exibido no festival CRio, no mês passado, o projeto de cidade conceitual FREE City pode ser visto no museu Guggenheim, em Nova York, no último dia 12. A maquete de cidade do futuro concebida pela empresa de arquitetura FR-EE foi mapeada e animada pelos nossos criadores do SuperUber, para ajudar a contar a história de um modelo urbano que permitiria o crescimento contínuo da cidade, em todas as direções.

Conforme os arquitetos da FR-EE, liderada pelo mexicano Fernando Romero explicam, “FREE City garante a infraestrutura necessária para uma melhor qualidade de vida, o potencial para prosperidade econômica e a plataforma de lançamento para ideias inovadoras. FREE City nasce do desejo de criar um modelo capaz de integrar ideias de sustentabilidade e interação urbana de uma maneira inteligente e sistematizada, convidando-nos a redefinir o conceito de cidade do século XXI”.

Lucas Werthein do SuperUber nos explicou como se deu a parceria com a empresa de arquitetura para executar o projeto, que foi exposto com outros trabalhos da FR-EE em virtude do lançamento do livro You Are the Context (em tradução livre, significa algo como “Você é o Contexto”). “Chegou até nós o desafio de criarmos uma instalação que contasse a história da cidade-conceito FREE City. Sendo assim, pensamos em um projeto em que esta história pudesse ser contada através de uma maquete mapeada. O processo foi completamente colaborativo e ocorreu com inúmeras ideias e trocas entre FR-EE e SuperUber”, diz Lucas, que revela ainda que foram as limitações apresentadas no espaço do museu que acabaram definindo os rumos da criação.

“Pela dificuldade de pendurar projetores, curto tempo de montagem e outros aspectos complicadores, desenvolvemos o esqueleto do projeto da seguinte maneira: dois projetores embaixo da mesa criam uma imagem única em uma tela redonda, especial para retroprojeção, que é mapeada milimetricamente ao modelo arquitetônico, construído com acrílico fosco para receber a luz dos projetores”, explica Werthein.

Para destacar o aspecto extremamente futurista da cidade, a equipe do SuperUber criou uma animação que ilustra esses conceitos através de movimentos e representações minimalistas de transporte, energia, água e edifícios. “O maior desafio do projeto foi criar uma narrativa que cativasse o olhar do público, mas que também pudesse contar a história da cidade de uma maneira elegante e eloquente”, finaliza Lucas.

Abaixo, imagens do projeto, e acima, um teste com a maquete antes da abertura da exposição.

Conheça mais sobre o trabalho do SuperUber na entrevista em vídeo abaixo:

@Creators_Brasil

Explorando O Novo Álbum Aplicativo De Scott Snibbe Para REWORK_ de Phillip Glass, Apresentando Amon Tobin, Beck, Nosaj Thing E Mais

Fri, 14 Dec 2012 12:45:48 -0500

A composição minimalista de música mudou muito desde que Philip Glass começou a desenvolver isso décadas atrás, e as possibilidades de manipulação de som para pessoas comuns cresceu enormemente. É isso que torna seu álbum remix REWORK_ um marco da música. Trata-se de um álbum que une diferentes gerações de produtores, pessoas como Amon Tobin que foram influenciados diretamente por Glass e jovens produtores como Nosaj Thing que foram influenciados por aqueles influenciados primeiramente pelo artista, puxando assim um fio de textura sonora através de todo o trabalho de artistas variados. A precisão, contenção e abstração que Philip Glass introduziu na composição musical estabeleceram um precedente que permanece intacto depois de todos esses anos e de todas as mudanças pelas quais a música já passou.

E as qualidades sonoras da música não foram tudo o que mudou nesse tempo. Os elementos visuais combinados com a música também evoluíram desde que Glass fez a composição original para Koyaanisqatsi. Para acompanhar cada faixa do álbum, o prodígio do design interativo Scott Snibbe, o homem por trás do aplicativo Biophilia da Björk, criou um aplicativo para iOS que contém visualizações interativas para cada faixa de REWORK_. Cada peça começa com uma configuração simples de formas geométricas que reagem selvagemente ao toque e evoluem em padrões mais e mais complexos conforme as músicas progridem. Tudo isso arrematado com a Glass Machine, um instrumento que consiste de quatro círculos manipuláveis que permitem que você crie arpejos inspirados em Glass em combinações infinitas.

Conversamos com Snibbe e sua produtora (e esposa) Ahna Girshick sobre o desenvolvimento do aplicativo, bem como sobre algumas especificidades das visualizações e da Glass Machine.

Vocês já criaram vários aplicativos musicais, tanto através do seu estúdio próprio como para músicos como Björk e Passion Pit. É um desafio encontrar novas maneiras de apresentar música na forma de aplicativos? Vocês têm algum método ou modelo para o qual sempre acabam voltando?
Ahna Girshick: O espaço da visualizações musical interativa rederizada por computador é virtualmente ilimitado e o formato de aplicativo é ideal por causa da tela touchscreen. A Björk nos deu o livro Notations 21 de Teresa Sauer depois que trabalhamos nas partituras musicais abstratas para os aplicativos de Biophilia. O livro abriu nossas mentes para notações musicais criativas não tradicionais, e nossas favoritas eram as menos convencionais. Decidimos ficar longe das notações musicais literais e nos concentrar em transmitir o estado de espírito através de visualizações abstratas. Scott e eu também encontramos inspiração infinita nas animações abstratas poéticas de Oskar Fischinger e Len Lye a partir dos anos 20 e 30 que têm a mesma qualidade de contraponto.

Nosso perfil em vídeo de Scott Snibbe.

Como o estilo de vocês amadureceu desde os aplicativos de Biophilia?
Scott Snibbe: Assim que recebi o convite de Björk para trabalhar no Biophilia, eu soube que ia aprender muito com ela como artista e como uma das grandes colaboradoras do mundo. Trabalhar no Biophilia me abriu ainda mais para um modelo cinematográfico de interatividade onde muitos grandes artistas se reúnem por conta própria, e você é atraído por seus talentos e ideias para formar um todo coerente que brota da visão de um diretor. Os colaboradores centrais do projeto, Ahna Girshick como produtora com Graham McDermott e David Wicks na engenharia criativa, não estavam apenas executando um design, mas trabalhando criativamente (e às vezes dolorosamente) através de ideias e revisões para criar formas que complementassem o álbum que tanto amávamos. Estou ansioso para continuar avançando com esse modelo cinematográfico em direção à interatividade com times fortes (e às vezes grandes) de pessoas altamente talentosas que fazem grandes contribuições criativas para o projeto.

Glass Machine.

Fale um pouco mais sobre o aplicativo que permite que o usuário toque com alguns dos idiomas musicais de Glass, como descrito no trailer.
Girshick: A música de Philip Glass tem padrões muito fortes, mas suas formações podem ser difíceis para pessoas não iniciadas em música. A Glass Machine, desenvolvida por Lukas Girling, permite que as pessoas criem os padrões musicais das composições de Glass dos anos 70. Lukas foi brilhante em ver além das notações musicais tradicionais que poucas pessoas entendem, e destilar os fatores necessários para a compreensão dos primeiros padrões de Glass e permitir que as pessoas dirijam essa interação visual. A distância dos pontos ao centro corresponde às notas: linhas longas correspondem à notas mais altas. Movendo e puxando os discos coloridos, a pessoa pode criar uma infinidade de combinações de notas e poli ritmos. Foram necessários ajustes muito sutis nas escalas, no tempo e na musicalidade para fazer isso dar certo, e o Trevor Gureckis, assistente do Philip Glass, foi muito paciente e perspicaz para nos ajudar a entender os “algorítimos” musicais de Glass.

Qual foi o remix mais desafiador de trabalhar para o aplicativo?
Girshick: Ficamos certamente intimidados com o remix de “NYC:73-78” do Beck, não só porque tem 22 minutos de duração e inclui 80 partes de peças de Philip Glass, mas porque é uma obra de arte musical. Com a ajuda brilhante de David Wicks e Pete Hawkes, desenvolvemos um sistema dinâmico que conseguiu capturar os sentimentos e estados de espírito complexos que vão da luz e da suavidade à escuridão e ao enérgico.

Aplicativo do Beck para o REWORK_ .

Descreva brevemente os aspectos visuais e interativos dos aplicativos para os remixes dos nosso criadores Amon Tobin e Nosaj Thing.
Girshick: Nos inspiramos nos cubos que Amon Tobin usou em ISAM e sentimos que eles funcionaram bem com os sons masculinos e sintéticos do remix dele. Um plano de construção de blocos por si só pode soar estéril e simples, mas através do aplicativo isso ganha vida com o movimento dos blocos: ondulações, rachaduras, rotações e explosões 3D. É difícil pra mim resistir a brincar com esse aplicativo por causa da maneira como os blocos 3D respondem a interação.

Aplicativo do Amon Tobin para o REWORK_ .

A elegância do remix de Nosaj Thing nos levou a ver o que poderíamos fazer com uma configuração simples de linhas, com a crença de que seriam suas curvas e movimentos animados que fariam o usuário se sensibilizar de uma dimensão diferente da música. Elas são ao mesmo tempo uma metáfora para a viagem das ondas musicais, uma partitura musical tradicional, ou cordas arrancadas de uma guitarra, e são dirigidas por algorítimos generativos que criam a complexidade a partir das regras simples, assim como a música.

Aplicativo do Nosaj Thing para o REWORK_ .

Scott Snibbe mostrando os aplicativos para Philip Glass.

@ImYourKid

Agenda Creators – As Boas De Arte E Tecnologia Para O Fim De Semana 14-16/12

Fri, 14 Dec 2012 09:06:07 -0500

SP>>Curumin + Emicida

O multi-instrumentista Curumin se apresenta hoje, dia 14 de dezembro, no Sesc Vila Mariana. O artista apresentará as faixas de seu novo álbum “Arrocha” e conta com a participação de nosso criador Emicida.

Para mais informações, clique aqui.

RJ>>Video Ataq

O Rio de Janeiro recebe a 6ª edição do Video Ataq no dia 19 de dezembro. Durante o dia, o evento terá workshop de videomapping avançado com o VJ Spetto, que teve recente passagem pelo SP_Urban Digital Festival. Além do workshop, a noite do evento será agitada, com uma série de shows acompanhados de performances visuais. Entre as colaborações estão a banda Biltre com os visuais de Folkatrua VJs (foto), a cantora Alessandra Maestrini com projeções horizantes de Jodele Larcher e outros.

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SP>>Music Video Festival

O Music Video Festival começou com tudo essa semana! Ontem já rolou um documentário sobre o N.A.S.A. com direito a discotecagem do Dj Zegon pós-exibição. O próximo na lista é o documentário I’m Now: The Story of Mudhoney sobre a trajetória do Mudhoney, que será exibido no dia 20 de dezembro, seguido de discotecagem de Chuck Hipolitho e Zé Antonio Algodoal. Além da exposição inovadora que reúne cerca de 350 videoclipes que marcaram a história do vídeo musical, o evento terá um festival com palestras e premiações no dia 19 de janeiro.

Seção Smoke and Mirrors sobre clipes com efeitos especiais.

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SP>>A Rede

Aproveite o final de semana pra dar uma passada no Sesc Consolação pra ver a instalação A Rede, que é feita de sucata digital de forma colaborativa. A instalação aborda como tema a efemeridade dos produtos tecnológicos do dia a dia. Já falamos um pouco mais sobre a proposta da obra aqui.

Foto da obra que é construída coletivamente.

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São José dos Campos>>Daqui pro fim do mundo

O Sesc São José dos Campos será palco de uma intervenção artemídia até o final do mês (ou até o fim do mundo). O dupla VJ Suave realiza animações digitais em diálogo com a arquitetura do local.

Para mais informações, clique aqui.

Belo Horizonte>>Zona Digital

Com curadoria de Heloisa Buarque, Eliane Costa e Cristiane Costa, o Oi Futuro BH recebe o bate papo Zona Digital. O evento conta com Greg Bateman, expert em tecnologia e empreendedor do negócio de e-books, e Cristiane Costa, coordenadora do curso de jornalismo da ECO-EFRJ e pesquisadora com foco em novas estratégias narrativas em mídia digital.

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@Creators_Brasil

Projeto Osmos Reúne Live Mapping, Performance E Música

Thu, 13 Dec 2012 14:00:27 -0500

“Osmos” é uma palavra grega que significa “impulso”, e foi a partir do conceito associado à osmose que o estúdio de criação audiovisual paulistano Laborg idealizou a performance Osmos, apresentada no Sesc Campinas em 2011 e mais recentemente no Sesc Santo André (vídeo acima).

A premissa do grupo com este trabalho era de abordar as relações das pessoas que vivem nas cidades — os urbanóides — com a própria cidade, traçando um comparativo entre o fenômeno biológico em questão e a vida urbana.

Para colocar este conceito na prática foram criadas imagens e animações, além de efeitos de luz usados para a apresentação de um performer. As imagens foram captadas pelos próprios integrantes do estúdio em São Paulo, e as animações foram desenvolvidas no After Effects. O destaque foi para as imagens “orgânicas”, captadas com lente macro dentro de aquários, onde foram misturados água, óleo, tinta nanquim e outras substâncias, como explica Charles Oliveira, produtor técnico e diretor de arte do Laborg. O estúdio audiovisial ainda inclui produtor de vídeo e pós-produtor Baia, e Ale, que cuida da criação e da produção.

Osmos originalmente foi apresentado sem o performer, conta Oliveira: “O projeto surgiu quando fomos convidados pelo Ateliê Aberto a criar uma apresentação áudiovisual para participar da exposição Instante que aconteceu em outubro de 2011 no SESC Campinas. Partimos dos princípios do live cinema, onde áudio e vídeo são criados e tocados ao vivo. Na primeira vez que o Osmos foi apresentado ainda não havia a figura do performer, no lugar dele ficavam os músicas que eram iluminados e destacados pelo live mapping”.

Abaixo, apresentação na exposição Instante em Campinas:

@Creators_Brasil

Cantoni & Crescenti Instalam A Obra Fachada Na Fundação Telefônica Da Argentina

Thu, 13 Dec 2012 10:58:20 -0500

Quem esteve em nosso evento no Moinho este ano com certeza se lembra da Parede da dupla Cantoni & Crescenti, que ficou logo na entrada do espaço expositivo. A instalação interativa reagia ao movimento do público, com placas de alumínio que giravam 180 graus, além de funcionar como espelhos (falamos sobre ela por aqui).

Recentemente, a obra ganhou uma versão com mais que o dobro de tamanho na Argentina. Com o título Fachada, a intervenção ocupa a frente do prédio do Espacio Fundación Telefónica, em Buenos Aires, com 15 metros de comprimento. “O desafio do projeto era enorme, por se tratar de uma área externa e com exposição de um ano. De matar! Nem camiseta Hering resiste a um ano de uso intenso!” brinca Rejane Cantoni. “Por ser externo, o trabalho tem que ser construído para resistir à chuvas, vento, folhas de árvore, sol… Toda a tecnologia e os materiais foram pensados com essa função”, explica a artista.

Outro desafio da dupla foi o cuidado em intervir o menos possível no fluxo da calçada em frente ao edifício, que é estreita. “Projetamos para o alto. A obra está fixada entre 5 metros e 7,5 metros de altura. Isso representou muitas vantagens para a visualização da obra, mas também implicações com relação à manutenção, fixação e montagem”, diz a artista.

Ela destaca também a preocupação da dupla em não atrapalhar a vista ou a entrada de luz dos usuários da biblioteca do prédio, já que a obra foi montada na altura de suas janelas. “Nós desenhamos projetos para expandir os sentidos, por isso a obra se constitui de lâminas espelhadas que se movem de acordo com a passagem de pessoas na rua. O efeito é dupla face: da rua ele é de um jeito, da biblioteca é de outro”.

Veja abaixo algumas imagens da montagem e da obra:

Conheça os bastidores da dupla Cantoni & Crescenti na entrevista em vídeo acima.

@Creators_Brasil

Energy Flow Do FIELD: A Força Física Bruta Da Gravidade

Thu, 13 Dec 2012 10:40:41 -0500

No próximo capítulo de sua experiência em filme generativo, Energy Flow, o FIELD explora a força da gravidade através de uma série de animações que mostram sua influência sobre objetos físicos. As animações mostram a colisão de dois objetos e os poderosos efeitos posteriores de tal evento.

Os corpos se chocam um contra o outro, se fragmentando em vários cacos e expressando a intensa energia que é desencadeada e a enorme potência do empuxo gravitacional que atrai objetos materiais um para o outro. Explorando a magnitude dessa força influente, o FIELD demonstra como as ações da gravidade podem às vezes ser momentâneas, mas seus efeitos perduram.

O impacto e o legado da colisão.

Como uma força que ocorre em todo o universo, a gravidade é algo que exerce sua atração em muito objetos diferentes, do pequeno ao grande, e a maneira fundamental como isso atrai corpos físicos é algo que o FILED queria investigar. Bem como mostrar a ferocidade e o poder de uma colisão, eles também queriam trazer uma estética mais orgânica para suportar a textura dos objetos – então eles se inspiraram em superfícies como mármore e cristal, adicionando uma característica etérea para balancear a fisicalidade da obra.

Inspiração para a textura dos objetos.

De um ponto de vista técnico, o desafio era criar um impacto realista, se certificando de que a física estivesse correta, e isso significou muitas horas de experimentações em ambientes 3D. É essa combinação de física realista com a complexidade da colisão e detalhe da superfície que torna as animações tão atraentes e poderosas. O FIELD fala mais sobre esse processo abaixo.

The Creators Project: A gravidade na terra na verdade é uma força muito fraca, mas também tem um efeito muito poderoso no universo e nos corpos astrais. Essa dualidade, ou relatividade, é algo em que vocês pensaram quando criaram as animações?
FIELD: Nós adoramos essa ideia de padrões que se repetem em escalas muito diferentes, num nível micro, macro e universal. Nas nossas animações os dois corpos realmente parecem gravitar em direção um ao outro, como uma força muito sutil mais inevitável – não muito diferente de um planeta arrastado ao longo de sua órbita.

O processo e desenvolvimento da colisão levou muitas horas de trabalho.

Como a história da gravidade se encaixa nos outros temas que vocês exploram no filme, como em “Infinity”, “Chance” e “Riots”?

Cada história no Energy Flow observa um diferente tipo de transformação de energia; num nível físico, técnico, biológico e espiritual. “Gravity” é sobre a força bruta, a materialidade dos objetos quando colidem e se despedaçam. Mas ao mesmo tempo, os dois objetos de mármore também lembram corpos humanos, formas masculinas e femininas – então a história também pode ser lida como o choque de duas personalidades. Elas gravitam em direção uma a outra mesmo que a colisão venha a ferir ambas; como um encontro que deixa marcas, se você preferir.

Quão complexo foi o processo de design na criação de um impacto realista de dois corpos celestiais?
Recriar detalhes suficientes para uma colisão crível foi um dos maiores desafios técnicos; descobrir o peso e o comportamento certos para fazer que a matéria parecesse natural. Passamos dias apenas aprimorando as configurações e rodando as simulações físicas várias vezes, o que pode demorar horas para apenas poucos quadros.

Visite EnergyFlow.io para mais informações sobre o projeto e imagens dos bastidores.

Conheça o FIELD no vídeo abaixo.

@stewart23rd

A Música Se Transforma Numa Escultura Cinética Em Partitura-Ligeti De Quayola E Abstract Birds [Vídeo]

Thu, 13 Dec 2012 09:30:06 -0500

Mês passado, mostramos aqui um pedacinho da colaboração entre o compositor audiovisual Quayola e Abstract Birds, Partitura Ligeti. Anteontem, Quayola soltou um registro da performance ao vivo da obra no mês passado no Nemo Festival de Paris, incluindo o seguimento visual para cada um dos seis movimentos musicais.

O violinista Odile Auboin apresentou a sonata de Ligeti, e as projeções reagiram em tempo real a cada nova linha da música, renderizadas todas de forma diferente na tela.

O primeiro movimento é mostrado como uma faixa tridimensional simples que é torcida e agitada pelas notas e suas ressonâncias. Uma das peças, que apresentava mais acordes, é representada como um conjunto de cordas finas entrelaçadas que se expandem e contraem como se cada novo acorde fosse um pulso correndo através de uma mecha de veias.

Em outro movimento, os visuais ecoam as dissonâncias da composição modernista de Ligeti. Quando cada acorde irregular é tocado, as linhas se quebram da faixa central como glitches momentâneos.

As interpretações me fizeram pensar numa versão ao vivo de Energy Flow do FIELD, concentrando na cinética dos trabalhos de Ligeti ao invés de nos seus atributos musicais como atonalidade e clave. Veja as interpretações de Quayola e Abstract Bird no vídeo acima.

Conheça mais sobre Quayola no nosso perfil em vídeo abaixo.

Imagens cortesia de Quayola.

@Creators_Brasil

Shapes Que Brilham E Drones Com Câmeras: Esse Não É Um Vídeo De Skate Comum

Wed, 12 Dec 2012 13:39:14 -0500

Vídeos de skate podem ser de diversas variedades, tipo doces – das equipes da Chocolate e da Girl se enfrentando nos shapes pelo mundo todo a skates invisíveis, shapes de chachorro e até skates brilhantes. Sim, skates que brilham no escuro, como o mostrado no vídeo Firefly, dirigido por Jan Minol da Samadhi Production.

O filme segue um skatista enquanto ele viaja pela cidade fazendo todas as manobras de praxe, filmado por uma câmera suspensa num helicóptero RC, o que mostra a visão aérea de um drone da jornada do skatista através da escuridão com seu skate iluminando o chão enquanto ele voa por escadas e desliza pela cidade.

O ângulo de filmagem e o shape iluminado dão ao vídeo uma qualidade atmosférica quase de CG, o que o distancia dos vídeos de skate comuns. Veja o making of abaixo.

@stewart23rd

Interferências Coloridas Brotam Da Tela da TV No Videoclipe "As a Start", Criado Por Geso

Wed, 12 Dec 2012 13:28:43 -0500

Tudo começa com uma cena em que um televisor é o elemento central, e ao se deparar com as imagens mostradas nele num primeiro momento, até pode parecer que você encontrou uma das cópias do VHS de Samara Morgan de O Chamado, pois aos poucos as interferências que aparecem na tela vão saindo da TV e ganham vida própria. Mas não se trata de nenhum roteiro de terror e sim de um videoclipe criado por Pablo Iglesia aka Geso para o projeto musical AMPbEND, da dupla formada por Sergio Mesa (aka Nev.Era) e David Jornet (aka Strange2).

“As a Start” do primeiro EP do AMPbEND, Fluid Walls, foi a faixa escolhida, e Geso foi o nomeado por Jornet para interpretá-la visualmente em função do trabalho desenvolvido pelo videomaker em Mind Over Mirrors., que já falamos por aqui.

“David Jornet (aka Strange2) é meu amigo pessoal e quando ele viu o vídeo que fiz para Mind Over Mirrors me mandou uma mensagem perguntando sobre a possibilidade de trabalharmos num novo projeto musical que ele estava desenvolvendo em parceria com Sergio Mesa (aka Nev.Era). Este processo foi acelerado quando o selo ENPEG resolveu lançar o primeiro EP deles. Foi uma grande colaboração, e em todos os momentos eu tive completa liberdade para fazer o que eu achasse que era a melhor maneira de desenvolvê-la”, contou Geso.

Para colocar o trabalho em prática, Geso partiu de experimentos visuais que já vinha fazendo, e que define como um “laboratório de pesquisa visual”, espécies recortes de experimentos visuais construídos ao longo de semanas ou meses. Finalmente estes recortes foram reunidos quando começaram a se conectar uns aos outros. “Estas histórias sempre estão conectadas com o assunto principal do meu trabalho, os paradoxos e mistérios da comunicação em diferentes níveis. Neste caso, a TV é o símbolo do processo que vai do feed de informações ao auto-conhecimento e evolução”, disse o artista. Ele diz também que a inspiração neste projeto teve relação com o forte sentimento de sinestesia passado pela música do AMPbEND.

“Algumas das imagens que você vê no vídeo foram processadas usando diferentes softwares e técnicas. Eu usei minha câmera de vídeo quebrada para obter alguns dos glitches originais, e também vidro iridescente e um prisma que eu mesmo construí para conseguir as cores e reflexões das mesmas, algumas partes disso foram processadas com um simulador de sintetizador Rutt/Etra Video, VDMX, FX, e um programa de vídeo para fazer os ajustes finais”, explica Geso. Ele diz ter trabalhado por vários meses nos experimentos visuais e após ter a ideia central do video, cerca de um mês antes de ele começar a desenvolvê-lo de fato, o material levou duas semanas e meia para ser finalizado.

As cores, formas, interferências e ruídos propostos pelo designer podem ser vistas no vídeo acima e nas imagens abaixo. O próximo passo desta parceria, revela Geso, é usar as imagens nos shows do AMPbEND. “Nós queremos transformar tudo isso num set audiovisual ao vivo, no qual eu poderia criar e processar imagens em tempo real. Acho que esse seria um próximo passo bem importante”, conclui.

@Creators_Brasil

2,5 Anos De Uso De Um Computador Transformados Numa Deslumbrante Visualização de Dados

Wed, 12 Dec 2012 12:44:14 -0500

Em todos esses anos em que você esteve navegando pela internet e mexendo no seu computador, alguma vez você pensou qual seria a aparência de todo esse uso? Um borrão de vídeos de gatos, atualizações de status e planilhas de Excel, talvez?

Marcin Ignac criou um conjunto de visualizações de dados, uma série de linhas coloridas num fundo preto, que documentam todas as suas atividades no computador nos últimos dois anos e meio em seu projeto Every Day Of My Life.

Ele explica:

Cada linha representa um dia e cada bloco colorido é o aplicativo mais usado em determinado momento. As áreas pretas são os períodos em que meu computador ficou desligado. Padrões de infiltração (ou a falta deles) e épocas de férias e viagens (lacunas maiores), podem então ser facilmente identificados.

Os resultados foram apresentados em grandes impressões no Click Festival em Helsingør, Dinamarca.

Digitação no teclado

Cliques do mouse

A impressão no Click Festival

[via Boing Boing]

@stewart23rd

Raquel Kogan Transforma Interações De Usuários Em Paisagens Humanas

Wed, 12 Dec 2012 10:41:40 -0500

“O o.lhar é um trabalho que não existe. Ele só existe a partir do momento que o visitante olha no visor e quando ele olha no visor ele não vê nada, mas a obra vê ele e em tempo real é jogado pra uma projeção”. É assim que Raquel Kogan define o.lhar (foto acima), trabalho apresentado por ela no The Creators Project: São Paulo deste ano.

O nome “olhar” sugere o que a própria instalação mostra: olhares dos visitantes que passavam por ali e deixavam a imagem de seus olhos registrados para as câmeras, em movimento, piscando e focando os registros deixados pelos demais. Para captar o olhar dos passantes, era feita uma sequência de quatro fotos que depois eram projetadas na instalação, formando assim o conteúdo da obra, modificado a todo momento para se adaptar às novas capturas de dados.

No inicio da exposição, as projeções mostravam olhos grandes que aos poucos foram diminuindo conforme a chegada de novos olhares, incluindo todos no contexto e evidenciando-os num histórico que é a obra. Assim, aos poucos, de visitante em visitante, um mosaico ia sendo construído com pequenas memórias de cada um. “Um diário visual e sonoro das pessoas que estiveram e interagiram com a obra”, segundo Kogan.

A interatividade e também a presença do ser humano é uma questão frequente nas obras de Kogan, que assumidamente diz preferir as paisagens moldadas pelo homem às da natureza. A formação da artista em Arquitetura talvez explique um pouco desta fascinação com a influência da ação humana na natureza. E é sobre estas paisagens humanas que o trabalho dela fala, em instalações, vídeos e projeções que ela desenvolve desde a década de 90.

Abaixo, algumas imagens da preparação de Kogan para a instalação e acima, nossa entrevista em vídeo sobre seu trabalho e visões sobre arte e tecnologia.

Estudo da projeção dos olhares captados.

Conectores entre caixa, câmera, e interface.

Interface (faz a comunicação entre captação, olhares, e transmissão para a projeção via computador).

Montagem das caixas das câmeras.

Estudo da caixa com câmera.

Fotos cortesia de Raquel Kogan

@Creators_Brasil

Brasileiro Mistura Filme, Fotografia E Desenhos Em Animações Influenciadas Por Kentridge

Tue, 11 Dec 2012 11:51:25 -0500

Foi a partir da admiração pela obra do artista sul-africano William Kentridge, especialmente sua animações feitas com desenhos a carvão, que o brasileiro Evandro Machado decidiu produzir animações, em 2007. Interessado na “construção de conexões entre, filme, fotografia e desenhos”, Machado mistura estas técnicas para criar obras reflexivas em preto e branco. Há uma “sujeira” em seus traços, uma espécie de memória que fica do que foi apagado anteriormente, assim como faz Kentridge em sua animações. Mas apesar da influência, o brasileiro encontrou seu próprio estilo, menos cru que o do sul-africano, até mesmo por causa do uso da fotografia.

Na última edição da Art Basel, em Miami, Machado exibiu seu curta Desmaterial (vídeo acima), como parte da mostra de vídeos sob o tema “Love, Time and Decorum”.

Conversamos com o artista sobre seu processo de trabalho, Desmaterial e a relação com a obra de Kentridge.

The Creators Project: Sobre Desmaterial, o vídeo lembra alguns trabalhos do William Kentridge, por causa da ‘memória’ dos traços dos desenhos que permanecem. Existe influência dele no seu trabalho?
Evandro Machado: Sou seu admirador desde que tomei conhecimento da existência do seu trabalho, e minhas primeiras animações foram bastante influenciadas por ele. Com o tempo, sinto que esta influência vai sendo diluída por outros atravessamentos, outras soluções narrativas e gráficas (Quay Brothers, Jan Svankmajer, Alejandro Jodorowsky e mais alguns). Tenho um profundo respeito e admiração por ter sido através dele, Kentridge, que tomei a decisão de investigar também animações como expressão do meu trabalho.

Você mistura desenho e fotografia. Conte como produziu e que história quis contar com Desmaterial?
Desmaterial foi finalizado em 2011, mas o trabalho começou no fim de 2009, com as fotografias. O processo de fazer o filme começa com uma vaga intenção, que aos poucos vai tomando forma, desde a visualidade até a própria narrativa. Costumo trabalhar sem roteiros, sendo a própria imagem das últimas cenas, o fio que desdobra a narrativa.

Como é seu processo de criação?
Às vezes fico bastante envolvido em resolver qual caminho seguir, mas isso também me traz a possibilidade de pequenas revoluções narrativas a cada cena. O fazer do filme se torna vivo e imprevisível em certos momentos, e isso me parece bastante estimulante como autor. Parte do meu interesse pela imagem animada é a construção de conexões entre, filme, fotografia e desenhos. Gosto da ideia de aproximar os meios de produzir imagens, unidos por um fio narrativo solto, e que podem promover contaminações estéticas entre si. O acaso é super bem-vindo nas minhas narrativas e opções estéticas.

Atualmente, Evandro Machado está com outro de seus curtas em cartaz em Tokio, no Espaço Louis Vuitton. Sua animação Ferrolho é parte da exposição Madness is Part of Life, sob curadoria do artista brasileiro Ernesto Neto. “É uma honra para mim, Ernesto Neto é um arista que admiro muito”.

Caso você não esteja dando um passeio por Tokio, pode assistir ao curta abaixo:

E se ficou curioso em saber mais sobre William Kentridge, dê uma espiada no post que já fizemos sobre o artista na ocasião da mostra de suas animações que aconteceu em São Paulo, ano passado.

@Creators_Brasil

Original Creators: Michael Snow – Cineasta Experimental

Tue, 11 Dec 2012 09:44:37 -0500

A cada semana prestamos homenagem a um “criador original” selecionado, um artista icônico do passado cujo trabalho influencia e informa os criadores atuais. Esses artistas foram inovadores e revolucionários em suas áreas. Visionários e radicais, homens e mulheres que inspiraram e participaram da formação da cultura como a conhecemos. Esta semana, no seu aniversário de 83 anos: Michael Snow.

O Início

Com décadas de filmes, música e instalações experimentais marcantes, Michael Snow estabeleceu uma forte reputação na cena de arte global e é considerado um tesouro nacional canadense. Ele começou sua carreira quando estudava na Upper Canada College e depois na Ontario College of Art, criando seu primeiro filme, um curta de animação de quatro minutos intitulado A to Z em 1956.

Ele realizou sua primeira exibição solo com 26 anos em 1957, e logo estabeleceu seu nome na sua cidade natal, Toronto. Mas sua ascensão à fama internacional só começou depois que ele se mudou para Nova York em 1962, onde começou a circular entre mentes criativas influentes como Philip Glass e Yvonne Rainer. Foi lá que ele criou seu primeiro disco experimental amplamente elogiado, New York Eye And Ear Control (1965), que reflete o interesse de Snow pelo improviso no jazz, gravado por alguns membros do grupo de Albert Ayler.

“A Y”, da trilha sonora de New York Eye And Ear Control

Wavelength E O Sucesso Cinematográfico

Logo Snow se conectou à comunidade de cineastas envolvidos na Filmmakers’ Cinematheque, que se tornaria depois o Anthology Film Archives. Isso o levou a aplicar sua criatividade no meio do filme e em 1967 ele completou Wavelength, um filme celebrado por suas qualidades estruturalistas. O cineasta Jonas Mekas, curador da Filmmakers’ Cinematheque, chamou Wavelength de “um marco no cinema”, e a recepção crítica da obra impulsionou grandemente a reputação de Snow como cineasta.

Wavelength (1967)

Instalações

Nos anos 70 e 80, Snow focou sua energia criativa em instalações artísticas. Em 1981, ele criou Flightstop, esculturas de gansos canadenses em voo, para o Toronto Eaton Center. Isso levou a um caso judicial bastante famoso de preservação da integridade artística, quando o centro resolveu colocar fitas nos gansos na época de Natal em 1981. O tribunal ficou do lado de Snow nesse julgamento.

Em 1989, Snow criou a obra The Audience para o Rogers Center (na época conhecido como SkyDome), também em Toronto. Mais recentemente, em 2006, a instalação The Windows Suite de Snow agraciou ainda outra fachada em Toronto. Snow descreveu a obra como “um loop de duas horas e quinze minutos de muitas sequências variadas que são mostradas nas telas de plasma em sete vitrines na fachada de um novo prédio no centro de Toronto, o Partages Hotel. As sequências são mostradas continuamente todas as noites das 18h até as 3h. As pessoas podem ver as imagens da rua e a obra é permanente, devendo continuar para sempre.”

The Audience (1989)

@ImYourKid

Você Usaria A Primeira Camiseta Interativa Que Brilha No Escuro Do Mundo?

Tue, 11 Dec 2012 08:37:14 -0500

A companhia do sul da Califórnia Glow Threads afirma ter desenvolvido a primeira camiseta que brilha no escuro interativa, inaugurando uma nova tendência em moda iluminada completamente wireless.

Diferente da tecnologia eletroluminescente ou das roupas com LED incorporado, essas camisetas são feitas com um material UV especial que permite que você faça uma pintura de luz no próprio corpo sem precisar estar ligado numa tomada. A única desvantagem é que o brilho desaparece depois de 15 minutos.

Como no vídeo, você pode desenhar na camiseta tocando o chaveiro UV (que já vem com o produto) diretamente no tecido, ou fazer um upgrade no laser UV que permite que você desenhe a mais de 12 metros de distância.

É óbvio que a Glow Threads tem como alvo a vasta cena da música eletrônica jovem, mas seria inteligente ajustar a marca para ter um apelo também com um público mais fashion. Isso – combinado ao preço certo – realmente poderia a chamar a atenção.

[via PSFK]

@kfloodwarning

Baixe Energy Flow do FIELD Para iOS e Android

Tue, 11 Dec 2012 08:02:15 -0500

Nos últimos meses, temos narrado aqui no blog a criação de um novo experimento em narrativa digital, uma experiência em filme do estúdio de arte digital FIELD do Reino Unido. Desenvolvido em parceria com The Creators Project, Energy Flow é um filme digitalmente animado não-linear composto por 10 linhas narrativas entrelaçadas que se recombinam a cada vez que é assistido. As histórias são metáforas de tensão, tumulto e mudança – inspiradas nos levantes sociais que vemos pelo mundo todo hoje – e desenham sobre a sensação penetrante de interconexão que parece comandar nosso mundo.

Agora você pode finalmente experienciar Energy Flow baixando gratuitamente o aplicativo para iOS ou Android.

Os visuais impressionantes de Energy Flow, que o FIELD chama de “pinturas em movimento”, parecem enganosamente simples para o espectador comum mas são na verdade o resultado de meses de pesquisa visual, criação de protótipos e complexos processos gerados por computador. O FIELD nos levou aos bastidores do filme e revelou o processo criativo e as fontes de inspiração em posts semanais para o blog que mergulham nas 10 linhas de história para explicar seus significados e métodos.

O Novo Filme Generativo do FIELD Captura Um Mundo Em Turbilhão:
O FIELD revela como escultures e pintores contemporâneos como Gerhard Richter e David Schnell inspiraram a estética visual do filme.

Visualizando O Fluxo De Energia Da Vida: Conheça O Estúdio De Arte Digital FIELD:
Vemos aqui como o capítulo “Life” de Energy Flow foi igualmente inspirado pelos filmes da National Geographic e visualização de dados.

Energy Flow Do FIELD Explora A Ordem E O Caos Em “Chance”:
O FIELD explica como o antigo sistema de adivinhação chinês do I Ching, sistemas geométricos complexos e teorias da física como a variedade de Calabi-Yau influenciaram o capítulo “Chance”.

Energy Flow Do FIELD Apresenta A Energia Tumultuosa Das Revoltas: O Capítulo que deu início a tudo, “Riots”, observa como os tumultos de Londres e a Primavera Árabe fizeram o FIELD perceber que havia uma mudança de energia em andamento, fazendo nascer a ideia de Energy Flow.

Continuaremos lançando posts e vídeos exclusivos, despindo as intrincadas camadas dessa experiência cinematográfica complexa nas próximas semanas. Acesse EnergyFlow.io para mais informações. Conheça melhor o FIELD no nosso perfil em vídeo abaixo.

@Creators_Brasil

Radical Friend Revela Os Segredos Dos Bastidores Do Videoclipe Épico Deles Para O Skrillex

Mon, 10 Dec 2012 15:46:31 -0500

Conheci o Radical Friend alguns anos atrás em Los Angeles, e dos diretores que chamo de amigos, eles definitivamente ocuparam o papel de místicos, críticos e sinceros. Foi por acaso que o filme se tornou o meio comum dessa dupla visionária, apesar de termos visto que eles também podem materializar sua visão na forma de uma instalação transmídia transcendental como The Digital Flesh, que viajou pelo mundo com a nossa série de eventos de 2010.

Eles são observadores apaixonados da desconstrução da sociedade nas mãos da cultura digital e como por sua vez, isso dirige nossa revolução intelectual e biológica. Eles têm elevado o mundo virtual a uma estatura religiosa e buscam consistentemente criar novos mundos e mitologias que capturem o relacionamento entre homem, terra e tecnologia. Eles criam tendência ao invés de segui-las e são inflexíveis em sua visão da concepção até a performance, na direção de arte, no estilo e na pós-produção. Há muito mistério por trás desses dois, mas tivemos sorte de ver um relance do mundo e do trabalho deles na documentação de seu mais novo trabalho, o videoclipe “Breakn’ a Sweat”, de Skrillex com participação do The Doors.

Visite os bastidores do clipe com o Radical Friend no vídeo acima, assista ao videoclipe e leia nossa entrevista com eles abaixo.

The Creators Project: Falem um pouco sobre o background de vocês como cineastas e artistas. Quando vocês começaram? Como vocês se juntaram para formar o Radical Friend?
Julia Grigorian: Cresci na Rússia nos anos 90 – uma década de reformas políticas e sociais que deveriam ser libertadoras e acabaram se transformando em caos. Eu sentia que tudo a minha volta era absurdo e canalizei isso no que escrevia. Eu enchia cadernos com desenhos, poemas absurdos e histórias estranhas – como essa sobre um culto secreto ao Leonardo DiCaprio que bebia leite de vacas radioativas assistindo Titanic, coisas assim. A realidade na minha cidade era tão sombria que tive que criar minha própria realidade. Quando me mudei para os Estados Unidos, comprei uma câmera e fiquei obcecada por fotografia, o que me levou à escola de arte.

Kirby McClure: Quando eu era bem novo, eu tinha um grupo de rap, era obcecado por história e escrevia contos bizarros que fizeram os meus pais acharem que eu era depressivo, mas eu não era. Quando meus pais compraram um computador, me interessei por criar formas geométricas e depois animá-las em Flash. Larguei a escola para experimentar e criar coisas no Photoshop, o que felizmente me rendeu uma bolsa de estudos na escola de arte de Atlanta. Lá comecei a fazer vídeos muito secos de arte, mas eu era secretamente obcecado por filmes como As Aventuras do Barão de Münchausen, A Montanha Sagrada e O Vingador do Futuro.

Nos conhecemos nessa escola e nosso interesse mútuo por documentários sobre natureza, guerra, tecnologia e desenhos animados dos anos 70 nos levou a criar arte interativa e videoclipes animados. Juntos formamos uma mente composta. Não tem como voltar atrás.

Apesar da continua evolução dos seus filmes e dos mundos manifestados neles, vocês estão constantemente explorando temas de batalha, sinergia e conflito entre humanidade e tecnologia. Como o trabalho de vocês evoluiu nesse espaço? Qual a visão de vocês do futuro?
Acho que somos sensíveis à obsessão global pela tecnologia. Observar tecnologia pra nós é como olhar nos olhos de uma macaco ou de uma criança. Há essa inteligência um tanto superior, um potencial além do que se pode imaginar, algum tipo de segredo que não podemos decodificar, então olhamos em seus olhos hipnotizados pelo mistério. Colocamos a tecnologia num pedestal. É um novo personagem na história humana – um novo herói, é uma princesa menina superinteligente que ainda não pode falar e vamos cuidar dela até que ela diga sua primeira palavra. O que ela vai dizer? Tocamos esse sentimento de antecipação e não dá mais para não ser influenciado por isso.

Como é o processo criativo de vocês quando estão trabalhando num videoclipe? Qual é a relação com os artistas com quem vocês trabalham?
Primeiro ouvimos a música um milhão de vezes e deixamos ela agitar todas as ideias e imagens que temos na cabeça. Nós meio que deixamos a música construir seu próprio mundo com o material que temos no cérebro. Também nos inspiramos em como os artistas imaginam suas músicas, e sempre misturamos as ideias deles com as nossas. Às vezes os artistas têm muitas ideias… como o Yeasayer. Trocamos centenas de imagens e pensamentos antes de chegarmos a um tratamento. Foi bizarro perceber o quanto nossas ideias para as músicas eram similares. No caso do clipe do Skrillex a única coisa que o Sonny queria é que isso “parecesse um filme”. O resto ficou por nossa conta. Claro que ele teve que aprovar tudo e também os membros remanescentes do The Doors.

Falem especificamente sobre o processo criativo e de produção. Onde essas ideias começam? Como os visuais se desenvolveram e as manifestações da história tomaram forma?
A visão de amantes mutantes em jet skis é algo que tem assombrado nossos sonhos há algum tempo. Quando o Skrillex nos procurou e ouvimos sua música, nos imediatamente vimos um escuro mundo oceânico onde esses mutantes viveriam. O som do The Doors está no lado negro do rock psicodélico e o Skrillex está definitivamente do lado negro da música eletrônica, apesar de ser meio que pós-música. O som do Skrillex se tornou a ação, os tubarões, a velocidade, o medo, e o órgão e a guitarra líricos dos The Doors se tornaram a vasta paisagem, a história de amor e o clima geral. A ideia de um bebê eletrônico dentro da barriga de vidro da mulher veio de samples do Jim Morrison, onde ele prevê um futuro de música eletrônica. A criança é esse artista eletrônico proverbial de quem Jim Morrison estava falando, ninguém específico, mas o espírito do músico do futuro. Ele é carregado por ela do seu mundo eletrônico fantástico para o nosso.

A própria filmagem foi selvagem e intensa no mar aberto. A adrenalina começa a subir quando você vê sua ideia ganhando vida e você quase não percebe o enjoo e o vento gelado. Filmamos toda a parte do oceano no modo HDR da câmera RED Epic, o que nos permitiu muitas paradas na exposição para usar no desenvolvimento da aparência sintética e estilizada dos personagens e do ambiente. Esse definitivamente foi o vídeo mais pesado que já fizemos e quando os efeitos especiais deram certo pareceu mágica. Nós escolhemos nosso próprio time de artistas e trabalhamos com um animador de personagens muito incrível chamado Erik Lee. Ele nos ajudou a atingir a ferocidade e a personalidade que queríamos para os tubarões e o bebê de CG. Queremos explorar mais personagens e mundos de computação gráfica no futuro.

E qual é o próximo plano?
Estamos tentando realizar nosso longa-metragem.

Se orçamento não fosse problema, qual a obra de arte que vocês gostariam de fazer?
Eu daria para todas as pessoas do mundo um tipo de aparelho que pudesse amplificar o som de suas batidas cardíacas e conectaria todos numa obra sonora ao vivo que tocasse por muitos minutos através de alto-falantes gigantes no meio do deserto ou da Times Square ou num monte de lugares ao mesmo tempo.

Saiba mais sobre o Radical Friend abaixo.

@dielamb

Primary Expansion: Criando Novas Cores E Grafismos A Partir Da Pressão Do Ar

Mon, 10 Dec 2012 15:41:56 -0500

Nas nossas pesquisas diárias pelos vídeos mais incríveis do mundo, encontramos esse divertido registro da ação do ar numa superfície de borracha. Trata-se de uma produção intitulada Primary Expansion, de autoria de Johan Rijpma, um artista holandês que tem na vídeoarte, com filmes, animações e clipes, a expressão de sua criatividade.

Em Primary Expansion, ele faz uso de uma ideia simples, mas de resultado visual bem interessante e registra as alterações estéticas de pontos coloridos de tinta numa superfície flexível. O que não fica claro num primeiro momento é do que se trata a tal superfície que estica e encolhe conforme transcorrem os 60 segundos de imagens. As cores se alteram, se expandem e craquelados no desenho das formas as modificam também. Então nos últimos 5 segundos do material a pressão atinge o limite do objeto e uma explosão acontece.

Nas palavras do próprio artista: “Quando cores diferentes se sobrepõem, novas cores surgem que consistem em duas ou mais camadas primárias e assim se expandem de maneiras diferentes. O processo continua produzindo estruturas elaboradas e composições a partir de pequenas imperfeições e mistura de cores até que a pressão fica grande demais”.

@Creators_Brasil

Como Os Grafiteiros Estão Migrando Das Ruas Para As Telas Dos Computadores

Mon, 10 Dec 2012 13:09:43 -0500

Artistas de rua e grafiteiros que usam a internet para promover sua notoriedade não são exatamente uma novidade, mas uma nova geração de artistas tem abraçado a internet como uma plataforma virtual que pode aumentar e influenciar seus trabalhos e não apenas mostrá-los. Eles estão criando obras que começam nas ruas mas que se completam quando visualizadas online, e essas obras digitais estão perturbando o meio e forçando as pessoas a repensarem o que constitui arte de rua na era digital.

Qualquer pessoa pode manejar uma lata de tinta spray (o que alguém já fez nos muros do prédio onde moro), mas poucos são capazes de criar uma carreira comercial a partir de sua arte, sem falar numa onipresença viral online. Enquanto as estrelas da arte de rua como o Banksy e Shepard Fairey podem fazer praticamente qualquer coisa que seus fãs já ficam ouriçados, a maioria dos entusiasta olham as imagens por apenas alguns segundos e passam para o próximo artista – procurando avidamente algo mais em que se interessar.

Gente como Katsu, Kidult, Blu, Insa e Lush são alguns dos artistas que estão virando a arte de rua de cabeça para baixo adicionando dimensão digital ao seu trabalho. Esses artistas não estão apenas documentando seus processos, mas rejeitando a direção comercial do meio e usando a internet para assegurar que seus trabalhos sejam vistos por milhões – estabelecendo no processo novas definições de arte de rua, uma cuja única intenção é ser consumida pelo público online.

Kidult
O mais controverso do grupo, o bad boy francês do mundo do grafite fez seu nome quando começou a “bombardear” ou pichar lojas de luxo como a Louis Vuitton, Agnes B e, mais recentemente, Marc Jacobs em Nova York. Usando um extintor de incêndio cheio de tinta, Kidult rapidamente marca seu nome em grande escala na frente dos prédios.

“Illegalize Graffiti” de Kidult, onde ele pichou uma série de lojas famosas.

Registrando em vídeo suas atividades ilegais, Kidult ganhou uma base de fãs maravilhados com o fato de que ele consegue pichar pontos tão proeminentes e se safar disso. Seus curtas não são apenas a prova de sua ligação com as obras, mas pacotes de alta qualidade muito bem filmados que podem ser comparados às filmagens do filme Exit Through the Gift Shop do Banksy.

Como os trabalhos de Kidult são “limpos” logo depois de executados, os vídeos são a única documentação de que a obra um dia existiu, demonstrando que o objetivo é criar os trabalhos somente para que possam ser capturados em vídeo.

Katsu
Katsu usa tecnologia simples para criar filmes que gostam de brincar com a nossa mente. O artista se filma pixando seu nome em áreas proeminentes, como uma pintura de Picasso no MoMA ou a calçada em frente a Casa Branca – e mesmo existindo a possibilidade dos vídeos serem falsos, Katsu ganhou imensa notoriedade com eles. Para confundir, ele joga na mistura filmagens reais dele realmente vandalizando áreas, como pichando o lado de fora do MOCA em Los Angeles com um extintor de incêndio.

“Pichando” a “Menina diante do espelho” no MoMA

Pichando mesmo o MOCA, L.A.

Com apenas os vídeos como evidências de sua arte, Katsu facilmente engana o público enquanto questiona as nunces que separam realidade e ficção – ele também comenta a noção de que o grafite não é um produto físico, podendo existir apenas digitalmente. Para esse fim, ele também colaborou com Theo Watson num aplicativo de grafite.

Blu
A identidade de Blu é um dos segredos mais bem guardados da arte de rua apesar de milhões de pessoas terem visto seus filmes. O artista mascarado da Itália é representado por seus trabalhos surreais de larga escala internacionais carregados de conteúdo político, mas ele ficou mais conhecido por popularizar os vídeos de grafite com lapso de tempo – um vídeo acelerado que mostra o artista criando uma obra do começo ao fim. Depois disso, ele diversificou para a criação de vídeos usando a técnica de lapso de tempo que lembram os folioscópios.

Big Bang Big Boom

Filmes como Muto e Big Bang Big Boom – que traçam a evolução do homem – foram feitos criando milhares de variações de obras pintadas em espaços abertos, que quando editadas juntas criam movimento e uma história. É um processo trabalhosos que leva semanas para se completar, mas o produto final é fascinante de assistir.

Lush
Polarizando os fãs da arte de rua e do grafite, nenhum assunto é tão controverso quanto o grafiteiro australiano Lush. Descrevendo a si mesmo como o “Babaca do Grafite”, Lush criou trabalhos cheios de palavrões que são tão divertidos e ofensivos quanto as piadas do Doug Stanhope. Se suas técnicas chocantes asseguraram que a comunidade do grafite tomasse conhecimento de suas obras, os curtas de suas performances deram ainda mais pano pra manga.

Jesus vs. Satan Round 1

Não dando a menor bola para as regras não escritas da cena do grafite, Lush mira a hipocrisia e os estereótipos associados aos pichadores de tag. Ele explica: “Como uma imagem estática de um grafite envelhece rápido, às vezes tenho ideias maiores que uma pintura tosca de spray num muro. Os vídeos levam a fama nos blogs; as pessoas falam dos vídeos mais do que qualquer coisa se você fizer isso direito.”

Insa
A maioria das pessoas conhece Insa por sua série Girls on Bikes, com garotas de lingerie posando em bicicletas pimpadas em frente a cenas coloridas e abstratas. Mas o artista tem mais para mostrar do que apenas peitos e bundas – mesmo que as pessoas possam trombar com seus trabalhos pelas ruas, Insa também promove as obras como GIFs animados. Como Blu, Insa repinta várias nuances de uma obra para criar as imagens para os quadros. Ele diz que a chave de um GIF de sucesso é “criar um loop para que o último quadro flua diretamente para o primeiro.”

Apesar de estar pintado na rua, o trabalho é criado primariamente para fazer um GIF que será visto por “Centenas de milhares de pessoas online e não apenas as milhares que passaram pelo grafite antes que ele seja apagado”, diz o artista.

Então por que criar esses trabalhos online em primeiro lugar? Simplificando, essa arte de rua digital está mais alinhada aos valores centrais da arte de rua antes que os negociantes de arte trouxessem o gênero para as paredes brancas das galerias. “O grafite já foi uma forma de arte muito livre que qualquer um podia desfrutar, mas tem sido cada vez mais mercantilizada, embalada e vendida aos mais altos valores”, lamenta Insa. “Eu gosto do fato de que meus GIFs não podem ser vendidos, comprados ou pendurados na parede de uma galeria. Quando um GIF é subido na internet, ele está livre para viajar e ser visto por muitas e muitas pessoas.”

Vote No The Creators Project Como Melhor Festival De 2012!

Mon, 10 Dec 2012 11:00:08 -0500

É com muito orgulho que convidamos nossos fiéis leitores a votarem no The Creators Project: São Paulo 2012 como um dos melhores festivais do ano pelo Guia da Folha. Basta clicar neste link aqui e selecionar o The Creators Project no Moinho como melhor festival do ano.

Relembre abaixo os melhores momentos do que pra nós já é, sem dúvida, o melhor festival de 2012. :)

Um breve resumo do evento:

Karol Conká, que esbanjou sua irreverência no palco ao som de “Gandaia”…

… e de quebra deixou com a gente um videoclipe de “Corre, Corre Erê”:

Emicida mandando uma rima na base pesadona de AraabMUZIK:

AraabMUZIK apavorando geral:

E os moços do Tanlines falaram sobre suas expectativas…

Leia também os resumos do primeiro e segundo dia, e relembre as incríveis instalações que transformaram nosso evento num dos melhores deste ano!

Veja mais fotos na nossa página do Facebook.

E se ainda não votou, faça isso já!

@Creators_Brasil

Agenda Creators – As Boas De Arte E Tecnologia Para O Fim De Semana 07-09/12

Fri, 07 Dec 2012 09:38:59 -0500

SP>>Festival Novas Frequências

O esperado e festejado Festival Novas Frequências acontece neste final de semana em São Paulo e traz a vanguarda da cena eletrônica mundial. O Festival que também passa pelo Rio, terá o minimalismo dub/glitch do alemão Pole (foto em destaque), o dub eletrônico enfumaçado e lo-fi do Hype Williams e a música concreta e eletrônica distorcida do Actress.

Para mais informações, clique aqui.

SP>>VOODOOHOP

Sábado tem festa da VOODOOHOP de encerramento da 30ª Bienal de São Paulo. O pessoal vai dançar ao som dos DJs Pilantröpóv, Samuca e Urubu, e aproveitar o pôr do sol na cobertura do Edifício Planalto. A festinha também conta com performances de Keroøàcidu Suäväk, Rosa Laura e Thereza do Amaral (vídeo abaixo), Huper Alm e outros.

Para mais informações, clique aqui.

SP>>SP Urban Digital Festival

No SP Urban Digital Festival, o prédio da FIESP/SESI na avenida Paulista será transformado numa tela de exibição de obras visuais, como já falamos aqui. O festival já está rolando, mas neste domingo, novas obras serão exibidas. Entre os dias 9 e 13, você poderá ver a obra O ritmo de São Paulo de Mar Canet & Varvara Varvara e City Sleep Night de Antoine Schmitt, além de um mix de conteúdos previamente transmitidos.

Testes de projeção na fachada do prédio da FIESP/SESI. Fotos por Luciano Bonomo

Para mais informações, clique aqui.

Recife>>Panoramas do Sul

A exposição Panoramas do Sul chega a Recife, depois de ter passado por algumas cidades de São Paulo e pela Cidade da Guatelama. As obras premiadas do projeto Itinerância Videobrasil 2012-2013 | 17º Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil, entre videoinstalações, vídeos e instalações, fazem parte da exposição. Vale a pena dar uma olhada na obra As aventuras de Paulo Brucky de Gabriel Mascaro, um vídeo que conta a história do encontro virtual entre Mascaro e Paulo Bruscky no Second Life. Outra obra interessante é a videoinstalação Oracle de Sebastian Diaz Morales, que alterna imagens aleatórias e compõem um mosaico em construção.

Oracle, Sebastian Diaz Morales

Para mais informações, clique aqui.

SP>>White Cube — You Don’t Believe in Love But I Believe in You

A renomada galeria londrina White Cube chegou ao Brasil em dezembro e trouxe a exposição You Don’t Believe in Love But I Believe in You de Tracey Emin para sua estreia. A artista britânica faz um trabalho interessante com luzes de neon, como a obra que dá nome à exposição (abaixo). Composta por autorretratos, desenhos e instalações, o trabalho confessional de Emin fica até o dia 23 de fevereiro de 2013 na galeria.

You Don’t Believe in Love But I Believe in You (2012)

Para mais informações, clique aqui.

@Creators_Brasil

Paraíso do Gamers: Os Videogames “Indieviduais”

Thu, 06 Dec 2012 15:34:45 -0500

Nesta coluna, Leigh Alexander visita novas fronteiras criativas no espaço dos videogames, que passa por um período incrível de crescimento e diversificação, atraindo novos talentos e demonstrando inovações intrigantes. Aqui ela cobre artistas emergentes, tendências e mais.

A ascensão da cena indie nos games levou a algo como uma revolução na maneira como os videogames são criador e adquiridos. Antes a única maneira de desfrutar dos videogames era comprando um produto direto de uma loja para jogá-lo num hardware caro.

Mas graças à iniciativa de pequenos grupos e estúdios criativos, games artísticos acessíveis floresceram nos computadores, celulares e canais digitais de download, e toda uma cultura de festivais, arte e comunidades surgiu para apoiá-los. Hoje em dia, parece bem menos interessante comprar um jogo de 50 dólares com pesquisa de mercado até os ossos, e muito mais legal jogar algo inovador, artesanal e acessível.

Já falamos aqui de games indies para jogos em grupo em espaços públicos; exposição instigantes e experimentamos novos gêneros. O espaço tradicional do console também foi abordado. Onde antes as vendas de jogos para hardware se resumiam a quantos títulos exclusivos cada plataforma detinha, essa geração viu um ciclo de consoles extraordinariamente longo e a contração das vendas no varejo – isso significa que agora o sucesso de um hardware tem menos relação com jogos exclusivos e mais com cada plataforma ter seu próprio canal digital povoado pelo único e pelo diverso. Jogos indies menores estão lentamente ganhando a liderança em termos de interesse do consumidor.

Imagem de The Sky in The Room da Porpentine

“Indie” é o diminutivo de independente, claro, uma referência a liberdade que estúdio pioneiros tiveram em relação ao ecossistema tradicional dominado por grandes companhias. Mas toda mídia precisa de sua cultura marginal. Enquanto os indie ganham destaque e se tornam cada vez mais trabalhados e avançados graças às ferramentas de desenvolvimento cada vez mais acessíveis, uma nova veia de cultura experimental está brotando em meio às outras. Com uma comunidade tão robusta e utilitários tão acessíveis, hoje quase qualquer pessoa pode fazer seu próprio videogame.

Bem-vindo a era onde o “indie” também significa “individual”. Em seu livro mais recente, Rise of the Videogame Zinesters, a designer independente Anna Anthropy (Mighty Jill Off, Dys4ia) faz uma analogia com a cultura dos zines, através da qual o inédito pode simplesmente acessar seus próprios recursos e fazer pequenas experiências para adicionar sua voz à paisagem – ajudando assim a enriquecê-la e diversificá-la.

Apesar do espectro de jogos disponíveis ter crescido consideravelmente na era digital, a própria cultura dos videogames se manteve teimosamente estática, um tanto quanto insular e autorreflexiva. A estética retrô frequentemente domina a cena indie e uma comunidade pequena de criadores populares tende a permanecer sempre junta. Agora aqueles a quem Anthropy se refere como “esquisitos, normais, amadores, artistas, sonhadores, desistentes, gays, donas de casa e pessoas como você” têm a oportunidade empolgante de liderara a cultura zinester dos games simplesmente abraçando a ideia de que os jogos são hoje algo que qualquer pessoa pode fazer.

A ascensão da cultura dos blogs chacoalhou o mundo do jornalismo tradicional quando tornou possível para qualquer um começar e atualizar regularmente seu próprio site de mídia de graça; algo similar pode acontecer com os videogames, agora que existem tantas ferramentas disponíveis. Essa maneira de ver os games os respeita como meio de autoexpressão que qualquer indivíduo pode desfrutar.

Tela do jogo Dys4ia de Anna Anthropy

Em seu livro, Anthropy recomenda diversas ferramentas para quem quer começar. Uma das mais populares é o Game Maker, que ela descreve como tendo “a metáfora mais fácil para a gerência de todas as partes do game”, e por suportar um ampla variedade de gêneros gráficos mais facilmente.

Falamos aqui sobre a ascensão dos videogames de texto como um gênero empolgante, acessível e cada vez mais relevante na era dos tablets e dos e-readers. Outra ferramenta que vem ganhando uma popularidade incrível é o Twine, um utilitário visualmente simples usado para desenvolver games de texto. Minha amiga Courtney Stanton desafiou a si mesma a fazer um jogo de ficção interativa no Twine todos os dias deste mês, e muitas outras pessoas da comunidade têm experimentado com o Twine para fazer de tudo, de contar piadas interativas até criar jornalismo interativo. Se você ficou curioso, o tutorial online da própria Anthropy é altamente recomendado.

Tela do Gamemaker Studio

Exemplos de criadores individuais fazendo trabalhos pessoais expressivos estão por toda parte. A Porpentine publica ficções artísticas interativas juntamente com poesia e fotografia; o prolífico Stephen “Increpare” Lavelle cria trabalhos assombrosos e frequentemente profundos que exploram ideias sobre corpos e alienação (e aqui temos um sobre história, migração e alteridade). O jornalista de games e ativista Mattie Brice fez um jogo recentemente que serve como “um comentário sobre como usamos atualmente o design de jogos para linhas gerais de experiências universais ao invés de hiper pessoais, incluindo frequentemente vozes das minorias.”

A cultura do criador individual ao redor dos games se torna cada vez menos relacionada com o puro entretenimento para qual a indústria comercial dá prioridade. Isso agora está mais relacionado com o poder de criar algo como expressão pessoal, como conversação ou simplesmente para autocapacitação – e diferente de outras mídias, os jogos recompensam esses criadores abrindo um diálogo com os jogadores. Uma maneira muito interessante de se pensar os videogames.

@leighalexander

Aquecimento Para O Music Video Festival: Saiba Como Será O Projeto

Thu, 06 Dec 2012 14:45:01 -0500

Já falamos aqui no site sobre o festival especializado em videoclipes que acontece nos meses de dezembro e janeiro em São Paulo, o Music Video Festival. A ideia é celebrar a arte dos vídeos de música e contar um pouco da história dessa mídia que ganhou grande notoriedade nas décadas de 80 e 90.

Ficamos curiosos sobre este histórico dos videoclipes e sobre como este projeto foi colocado em prática, então para saber mais a respeito conversamos com Lia Vissoto, da Cinnamon Comunicação, que organiza o evento e Duda Leite, curador da parte nacional do projeto.

Os Chemical Brothers estão na seção Smoke and Mirrors sobre clipes com efeitos especiais

The Creators Project: Como surgiu a ideia de montar este festival e trazer a exposição Spectacle para o Brasil?
Lia Vissoto: A ideia de fazer um projeto que olhasse o videoclipe como forma de arte existe há mais de três anos, mas foi somente quando cruzei com o Flux (Jonathan e Meg Wells) que consegui vizualizar o projeto. Ele acabou virando um projeto maior, com exposição — Spectacle, criada por Jonathan e Meg e adaptada para o Brasil — exibição de filmes, bate-papo com diretores e músicos, e mostra competitiva.

Como foram selecionados os vídeos que integrariam a programação?
Além dos curadores do Flux, que têm um olhar bem focado no cenário internacional, convidamos Duda Leite para selecionar os clipes nacionais. Mas acabamos falando com vários artistas no processo de liberação de uso dos vídeoclipes para a exposição e daí vieram várias surpresas!

Na sua opinião, qual o papel do videoclipe na música atual, pós era MTV?
Acho que ele continua tendo o mesmo papel, como um produto audiovisual: o de dar espaço para uma linguagem mais livre, solta, criativa, e , com isso, revelar novos talentos na área. A única coisa que mudou foram os formatos de produção e distribuição, que, inevitavelmente, influenciaram também a sua estética.

Ter um videoclipe bem feito pode fazer a diferença na carreira de um artista nos dias de hoje?
Não saberia dizer agora, mas é algo que pretendo verificar com a realização do m-v-f-. Além das premiações de Melhor Direção em Videoclipe Nacional e Internacional, teremos também o projeto m-v-f- Future Talent da Mixer, em que um novo talento será convidado para co-dirigir um videoclipe profissional para uma música nacional, que ainda estamos escolhendo. A produtora Mixer entrará com toda a parte de equipamento, produção e pós-produção, com consultoria do diretor da casa Seb Caubron.

Como você percebe a relação entre as produções audiovisuais na música e o cinema? Eles se influenciam de alguma forma?
Sim, totalmente. Afinal, basicamente, estamos falando da mesma coisa: imagem e som.

Lego Wall, que reproduz o videoclipe de “Fell in Love With a Girl” do White Stripes

The Creators Project: Quais foram os critérios usados para selecionar as produções que integram a lista de participantes nacionais do MVF?
Duda Leite: O principal critério foi escolher clipes que podem ser considerados “obras de arte” em si, e outro critério importante foi o lado histórico. Escolhemos clipes que marcaram a história do videoclipe no Brasil como, por exemplo “Garota de Ipanema” da Marina Lima, que foi o primeiro clipe a ser exibido pela MTV Brasil.

É possível encontrar alguma característica em comum nos vídeos feitos no Brasil? Existe algum elemento marcante na produção de videoclipes nacional?
Eu acredito que a produção nacional de clipes segue um padrão semelhante ao da produção musical, ou seja: há uma enorme diversidade de estilos. É difícil encontrar características em comum nos clipes. Mas uma tendência que eu encontrei foi que temos ótimos clipes feitos com animação, com técnicas variadas. Nos anos 1990, quando os investimentos das gravadoras era muito mais altos do que hoje em dia, haviam grandes produções com clipes com aspirações cinematográficas. Essa foi uma característica dessa década. Por fim, temos uma tendência bem brasileira de reciclar de forma muito criativa tudo o que vem de fora.

Hoje em dia ainda é relevante para as bandas e artistas do cenário nacional produzir videoclipes de suas músicas?
Sim, com certeza! Os clipes ajudam a definir as propostas estéticas de um artista. E hoje em dia, com a democratização dos meios de produção e exibição, ficou muito mais fácil para um artista fazer e mostrar seu clipe. Basta ver a quantidade de clipes novos sendo produzidos por artistas nacionais. Mesmo se a MTV não exibe mais tantos videoclipes quanto antes, a internet com o Youtube, Vimeo, e outros canais de vídeo, surgiram como uma ótima janela alternativa de exibição.

O Music Video Festival acontece a partir do dia 11 de dezembro, no Museu da Imagem e do Som de São Paulo. A programação completa e mais informações sobre o festival podem ser obtidas na página do projeto no Facebook: Music Video Festival

Imagens cedidas pelo “The Contemporary Arts Center”, Cincinnati, Ohio

@Creators_Brasil

A História Do GIF Em Dois Minutos

Thu, 06 Dec 2012 13:37:20 -0500

Esse é oficialmente (bom, não oficialmente, oficialmente) o ano do GIF. Mesmo parecendo que os últimos dois anos têm sido o ano do GIF, neste ano em especial o Dicionário Oxford nomeou GIF a palavra norte-americana do ano e ele acabou de fazer 25 anos, logo é o ano do GIF e pronto.

E com o GIF mais popular do que nunca, agora é uma boa hora para tirar a poeira da história desse vernáculo da internet que sobreviveu à Web 1.0 de onde emergiu. Você pode fazer isso lendo esse artigo ótimo de Josh Kopstein (em inglês) e completar a operação assistindo o curta acima, A Short History of the GIF, de Sean Pecknold e Legs Media.

O conto retorna ao ano de 1987 (logo, 25 anos atrás), começando com um formato de imagem chamado 87a e fazendo toda a jornada, passando por bebês dançantes até gatos que atiram lasers pelos olhos. Mas todo mundo sabe qual é a questão principal sobre o formato: Como é que a gente pronuncia isso? (Eu acho que é GIF como em gift).

[via Vimeo]

@stewart23rd

Relembrando Oscar Niemeyer, O Arquiteto Lendário E Mestre das Curvas, Em Suas Próprias Palavras

Thu, 06 Dec 2012 13:13:06 -0500

A lenda do mundo da arquitetura Oscar Niemeyer faleceu ontem, o que com certeza é uma notícia muito triste. Porém ele viveu até uma idade bem avançada, 104 anos, e deixou um legado de prédios curvilíneos inspirados nas formas femininas que povoam Brasília e além.

Conhecido por sua paixão por bons momentos, ele foi o festeiro dos modernistas (e pós-modernistas), trazendo os elementos da diversão e da emoção aos seus designs esculturais. Ele trabalhou com Le Corbusier nos prédios da ONU em Nova York e seus desenhos de Brasília se tornaram patrimônio da humanidade. Um comunista durante toda a vida, Niemeyer construiu o quartel general do Partido Comunista em Paris e mesmo sabendo que muitos dos seus prédios ficavam em localidades abastadas, ele esperava que os menos afortunados também pudessem apreciar seu trabalho.

Em sua homenagem, selecionamos algumas das nossas citações favoritas da carreira do arquiteto (muitas em que ele fala sobre curvas e mulheres) e imagens de seu trabalho. Então aproveite sua sabedoria e visão, agora que ele foi para aquele grande prédio envidraçado curvilíneo no céu.

Veja também nosso post Original Creators sobre ele aqui.

· “Não é o ângulo reto que me atrai, nem a linha reta, dura, inflexível, criada pelo homem. O que me atrai é a curva livre e sensual, a curva que encontro nas montanhas do meu país, no curso sinuoso dos seus rios, nas ondas do mar, no corpo da mulher preferida. De curvas é feito todo o universo…”

· Meu trabalho não é sobre “a forma seguindo a função”, mas sobre a “forma seguindo a beleza” ou, melhor ainda, “a forma seguindo o feminino”.

· Eu pego minha caneta. Ela flui. Aparece um prédio.

A Catedral de Brasília

· Desprezo deliberadamente o ângulo reto tão louvado e a arquitetura racionalista feita de régua e esquadro, para penetrar nesse mundo de curvas e retas que o concreto oferece .… Esse protesto deliberado surgiu do ambiente em que vivi, com suas praias brancas, montanhas monumentais, suas velhas igrejas barrocas e belas mulheres bronzeadas.

· Minha ambição sempre foi reduzir o suporte de um prédio ao mínimo. Quanto mais diminuímos as estruturas de suporte, mais audaciosa e importante é a arquitetura. Esse tem sido o trabalho da minha vida.

Museu de Arte Contemporânea de Niterói

· A vida é muito fugaz. É importante ser gentil e otimista. A gente olha para o que passou e pensa no que fizemos de bom em nossas vidas. Foi uma vida simples, foi modesta. Cada um cria a sua história e segue adiante. É isso. Eu não me sinto importante em especial. O que criamos não é importante. A gente é muito insignificante.

· Essa é a arquitetura que faço, procurando por formas novas e diferentes. Surpresa é a chave de toda a arte.

Centro Niemeyer, Espanha

· O aqui e agora é o que quero contar com a minha arquitetura. Criei isso com coragem e idealismo, mas também com a consciência do fato de que o mais importante não é a arquitetura, mas a vida, os amigos e este mundo injusto que devemos modificar.

· Se você tem que vencer um espaço grande, a curva é a solução natural.

Museu Oscar Niemeyer

@Creators_Brasil

Instalações Multimídia Que Te Fazem Viajar Pelo Mundo

Thu, 06 Dec 2012 12:14:44 -0500

Apostamos que poucos poderiam imaginar que o conjunto de oito instalações registrado no vídeo acima fez parte de uma competição de educação profissional. Durante as Olimpíadas do Conhecimento, a maior competição do gênero das Américas realizada pelo SENAI, o estilista Ronaldo Fraga fez exposição multimídia com a ideia de que, através do conhecimento, pode-se transportar para qualquer lugar. E foi exatamente o que as instalações fizeram, provocando sensações que levavam o público ao clima caótico e deslumbrante de Tokio, ao calor de um vulcão, pra debaixo da chuva ou pro deserto.

Com a direção artística de Fraga e ambientes criados pelos arquitetos Paulo Waisberg e Clarissa Neves, ficou a cargo de Henrique Roscoe (Vj 1mpar) a parte de programação, interatividade, criação, design, animações 2D e 3D. Já conversamos com o artista sobre os caminhos da arte digital por aqui. Brayhan Hawryliszyn fez design e edição de vídeo enquanto Fabiano Fonseca cuidou da sonoplastia. “Nos chamaram para fazer toda a parte que envolvia vídeo, mapping, áudio e interatividade. Os briefings que recebemos foram bem amplos, deixando espaço para nossa criação”, conta Roscoe.

Dentre as instalações, havia uma que contava com interatividade, a Árvore do Conhecimento. “Pensamos em uma árvore que crescesse e se movimentasse de acordo com a posição dos visitantes. O movimento que ela fazia tinha a ver conceitualmente com o conhecimento, por tentar “abraçar” o observador, além de crescer com ele. Os galhos com pontas finas expressavam a forma aguda com que o conhecimento transforma as pessoas”, nos explica 1mpar, que conta ter desenvolvido o projeto com o software vvvv, usando o kinect como sensor para captar os movimentos dos visitantes. “É uma mistura de um cenário em vídeo com a árvore generativa, ambos rodando dentro do vvvv.

Seu funcionamento é bem simples: quando não há ninguém na sala, a árvore fica em estado de espera, na forma de broto. Assim que alguém fica dentro da área de alcance do sensor, ela cresce rapidamente, se tornando uma árvore. De acordo com a variação da posição da pessoa nos eixos X e Y (horizontal e vertical) ela movimenta seus galhos em direções variadas, enquanto que a movimentação no eixo Z (aproximação e afastamento) altera o seu tamanho”. Abaixo, um trecho que mostra apenas a Árvore do Conhecimento:

A seguir, Roscoe nos fala sobre as demais instalações, que tinham características bem diferentes, sendo algumas mapeadas, outras exibidas em painéis de LED, além de uma que contava com um cubo de LEDs solaris envolvido por placas de g-lec.

Tokio

Tokio, metrópole tecnológica onde várias coisas acontecem ao mesmo tempo. Neste fizemos os vídeos para dois painéis espelhados, com uma cidade onde a fachada de vários prédios têm imagens em movimento. Foi desenhada uma cidade completa, que era explorada por vários movimentos de câmera.

Água

A ideia inicial que nos foi passada era de ter uma chuva projetada nas paredes. Fizemos uma vídeo-cenografia composta de vários círculos, cada um com a imagem de uma gota caindo e seu respectivo som. Com o tempo o número de gotas aumentava até se transformar em uma tempestade. Neste ambiente mapeamos duas paredes com esta cenografia e dez círculos no chão, com imagens relacionadas ao tema água.

Vulcão

Tinha um painel de LED de baixa resolução, no qual inserimos imagens simulando o movimento do magma dentro da terra até sua saída em forma de lava. Isso de maneira mais gráfica e não realista. Também fizemos um ambiente que se chamava Deserto, com mapeamento das paredes e teto com imagens mais realistas de céu e nuvens, além de trilha sonora.

Segundo a organização das Olimpíadas do Conhecimento, cerca de 250 mil pessoas estiveram no evento, que aconteceu entre os dias 12 e 18 de novembro, no Anhembi, em São Paulo.

@Creators_Brasil

Vasos Derretidos E Cervos Pixelados Corrompem A História Norte-Americana

Thu, 06 Dec 2012 08:44:34 -0500

Já cruzamos com o trabalho de Chad Wys antes com sua série Nocturne, onde ele distorcia retratos da renascença até que eles se tornassem uma sucessão de rostos derretidos encarando o espectador.

Seu novo trabalho American Tapestry é similar em estilo e conceito, usando “imagens apropriadas, originais e de mídia mista inspiradas na história norte-americana” para criar vasos derretidos e cervos pixelados.

Há algo de doentio nessas imagens de é impossível desviar o olhar, mesmo elas sendo tão perturbadoras. Talvez porque os objetos e imagens capturados estejam se dissolvendo ou foram corrompidos de alguma forma, pegos entre a existência e a destruição.

Veja mais do trabalho de Chad Wys na nossa Behance Gallery. Junte-se a nossa galeria para ter chance de aparecer no nosso blog, site e nos nosso eventos.

@stewart23rd

Gather Strengh: Diretamente Da Russia O Techno Do Nocow

Thu, 06 Dec 2012 08:27:52 -0500

O Nocow — projeto criado por Alexey Nitikin, em São Petesburgo — acaba de lançar um novo disco pelo selo russo Bekas, e ele é composto de 14 faixas bem diversas que vão “do techno obscuro e house aos sons ambientes, às batidas quebradas inspiradas em acid e maravilhas analógicas cruas”, segundo definição dada pelo próprio selo.

O disco se chama Gather Strengh e pode ser ouvido e adquirido (via download) no Bandcamp do Bekas por apenas 10 dólares. E para empolgar o público com o lançamento do álbum, foram criados também dois vídeos para as músicas The Light e Tv Hole in A Head, ambos entre o psicodélico e o delirante, cheios de luzes e imagens sobrepostas que devem prender a atenção dos fãs tanto quanto as faixas do disco.

Nocow – The Light

Nocow – TV Hole in A Head

@Creators_Brasil

“Wait” Completa A Trilogia De Videoclipes De Ficção Científica Do M83

Thu, 06 Dec 2012 08:12:37 -0500

Logo no início de sua existência, os videoclipes se tornaram curtas narrativos, e eventualmente já não importava mais se a música tinha alguma relação direta com a história que se desenrolava ou mesmo se a banda não aparecia nenhuma vez. O clipe se tornou uma entidade em si, um filme com mérito próprio. E às vezes uma história é épica o suficiente para garantir uma sequência, ou ainda mais raramente – uma trilogia.

Foi isso que o time de diretores Fleur & Manu fizeram com a tríade das músicas mais teatrais do disco de 2011 Hurry Up, We’re Dreaming do M83, contando a história de poderosas crianças telecinéticas escapando de um sanatório e sendo apenas crianças (com superpoderes) em “Midnight City”, e enfrentando as autoridades em “Reunion”.

“Wait”, o terceiro vídeo dessa série meticulosamente produzida, ganhou vida com o apoio do The Creators Project.

Veja as datas da turnê do M83 no EUA:
· 7/12 — San Diego, Califórnia – Viejas Arena – 91x ‘Wrex The Halls’
· 8/12 — São Francisco, Califórnia – Oracle Arena – LIVE 105 NSSN Presents Not So Silent Nights
· 9/12 — Los Angeles, Califórnia – Gibson Amphitheatre – KROQ’s Almost Acoustic Christmas

@ImYourKid

Estúdio Português Cria Instalação Meditativa

Wed, 05 Dec 2012 14:06:11 -0500

O estúdio português Dub Video Connection te convida a entrar em uma sala com vista panorâmica para uma paisagem natural, porém criada digitalmente. Mais especificamente, feita de projeção mapeada, ilustração ao vivo, VJ e DJ. Chamado pela equipe de criação também de “sala meditativa”, a instalação Panoramic Room 2.0 transformou a Casa da Música , na cidade do Porto, em um mix de cinema, galeria e por que não dizer, uma lembrança de planetário. Isso porque a obra se adaptou ao espaço de tal forma, que levou o público a uma experiência imersiva e contemplativa bem envolvente.

“Convidamos as pessoas a sentarem-se nos pufes e ali ficarem a ‘saborear’, a admirar a peça. Utilizamos de maneira assumida a tecnologia de tape sobre parede mapeada (termo inventado agora), o que confere à imagem um contraste surpreendente. Utilizamos também sons de chuva, vento, trovões para melhor emergir o espectador”, explicam os criadores. Enquanto paisagens e climas eram mapeados, ilustrações eram improvisadas ao vivo por Rui Cardoso, que inseria personagens inusitados na história, como um astronauta, homens misteriosos de chapéu s seres peludos. “O fato de a ilustração acontecer ao vivo permitiu uma maior cumplicidade do espectador na apreciação do desenho feito em tempo real”, conta a equipe da Dub Video.

Antes deste trabalho, o estúdio havia produzido Panoramic Room 1, no mesmo espaço, mas com resultado bem diferente. “A primeira (instalação) foi uma abordagem do espaço com mais profundidade tridimensional, onde vários objetos do cotidiano invadiam o território e formavam uma “manta de retalhos” retro-futurista. O esforço de concretização foi consideravelmente maior. Foram utilizados 13 projetores em simultâneo, sincronizados e operados em tempo real e 10 pessoas na operação. Veja abaixo:

@Creators_Brasil

Conheça Fill Spector: Um Cachorrinho Misterioso Que Pode Se Encaixar Em Qualquer Lugar

Wed, 05 Dec 2012 13:46:08 -0500

Enquanto o Phil Spector podia ser meio assustador às vezes, “Fill Spector”, criado pelos estúdio de design de Tóquio e Londres WOW, é de uma espécie diferente que com certeza vai atrair carinho. Na imaginação de Kazumasa Teshigawara, Fill é uma criatura fofinha parecida com um cachorro que gosta de se espremer em todo espaço imaginável. Enquanto a história e a função reais de Fill ainda estão em desenvolvimento pelo time de designers, ele vive atualmente online.

Juntamente com o lançamento anterior do WOW, o aplicativo Visua Musio que permite ao usuário compor música com formas geométricas, Fill Spector é outro exemplo da originalidade do WOW, que inspira maneiras criativas de se comunicar visualmente. Curiosos com o peculiar processo por trás de Fill, conversamos com o diretor Kazumasa Techigawara para saber mais sobre esse bichinho incomum.

The Creators Project: Como você teve a ideia para o Fill Spector?
Kazumasa Techigawara: Bom, sempre fui intrigado pelo senso de ser comprimido ou empurrado em algo. Uma coisa deveria ser inflada, mas então outra coisa a empurra e força essa coisa a tomar forma. Posso ver que existe uma relação de força entre as coisas. Isso pode ser engraçado e cheio de humor, ou pode ser muito assustador. Esse fenômeno me deu a dica para prestar atenção ao espaço e em como ele é preenchido. Digamos, por exemplo, que você enfia um animal de pelúcia numa caixa pequena ou algum tipo de molde, enquanto aquele animal fica amassado, o espaço dentro da caixa fica “preenchido” e foi por isso que decidi que essa coisinha amarela teria a característica ou tendência de preencher espaços, e o chamei de “Fill”.

Fill nasceu da atração pela sensação de ser compactado. Algo assim pode ser encontrado com frequência no nosso cotidiano, fui inspirado a fazer o Fill Spector de um tipo de comida. Que tipo de comida? Isso eu não posso contar pra você aqui.

O Fill Spector tem alguma coisa a ver com o Phil Spector?
Absolutamente. Ouço os Beatles desde que era jovem e conheço os meios estranhos de produção de Phil Spector. Seu trabalho, como o “Muro Sonoro”, era simplesmente preencher uma lacuna com cada som. O Fill preenche espaços e o Phil Spector preenchia espaços com som. Uma bela dupla, não? Em japonês não há diferença entre Phil e Fill. Pronunciado ou soletrado, os dois são apenas “フィル”, então troquei Phil por Fill… e assim temos Fill Spector.

De onde o Fill veio? Do que ele é feito? E quantos anos ele tem agora?
Vamos revelar a história e de onde ele veio mais para frente no projeto. Ele é um ser extremamente leve. Ele pode mudar sua forma da maneira que quiser, mas foi moldado ao que parecer ser um cachorro por um longo tempo e fica confortável com essa forma. O que há dentro dele deve ser essa “alguma coisa” importante que está dentro de cada um de nós. Quantos anos ele tem? Bom, pelo menos em anos humanos ele tem 10 (isso desde que renasceu).

Além do site, onde mais vamos poder ver o Fill em ação?
No momento você só pode ver o Fill em ação no site dele e no Tumblr, onde temos algumas fotos e animações conceituais.

Como você acha que o Fill Spector vai se desenvolver no futuro?
Planejamos lançar séries baseadas na internet para o Fill e também planejamos lançar um aplicativo para iPhone, as duas coisas em algum momento de 2013. Se você tem alguma sugestão ou opinião sobre o Fill Spector, entre em contato conosco no info[at]w0w.co.jp. Ficaremos muito felizes em ouvir sua ideia ;)

Para saber mais sobre o que está acontecendo no WOW, assine a WOW Magazine cadastrando seu e-mail no canto direito do topo do site.

Imagens cortesia de WOW.

@Creators_Brasil

Lentes De Contato De Realidade Aumentada São Reveladas

Wed, 05 Dec 2012 11:58:32 -0500

Temos ouvido muita coisa por aí sobre como os óculos de realidade aumentada vão ser os novos smartphones e sobre uma “guerra de realidade aumentada” iminente entre fabricantes desse novo produto – mas esses óculos já ficaram obsoletos para gente depois que o Centre of Microsystems Technology (CMST), um laboratório da Universidade de Gante na Bélgica, fez avanços consideráveis em direção a lentes de contato de realidade aumentada.

Isso mesmo, os cérebros do CMST criaram uma tela de LCD esférica curvada capaz de ser incorporada a lentes de contato – deixando o mundo um passo mais perto da terra prometida da realidade aumentada, e sem óculos pesados. De acordo com a Imec, uma companhia de pesquisa de nanoeletrônicos associada ao laboratório, as lentes de telas de LCD são muito melhores que as lentes baseadas em LED, que possuem pixeis limitados. Com a tecnologia do LCD a lente de contato toda pode ser usada como tela, então você consegue uma superfície muito maior e mais pixeis.

No vídeo acima você pode ver as lentes de contato em ação mostrando um sinal de dólar (uma brincadeirinha dos pesquisadores). Mas antes de se empolgar, saiba que o usuário não pode ver o sinal, só quem o observa pode, porque os olhos não conseguem captar coisas que estão tão próximas – meio broxante. Mas não se preocupe, com mais algumas pesquisas eles esperam resolver esse problema e criar uma tela de LCD que tanto o usuário quando os observadores poderão ver, daí estaremos no caminho certo para um mundo de realidade aumentada livre de crimes de moda (ou seja, óculos feios).

[via Nanowerk]

@stewart23rd

Original Creators: O Construtivista Aleksandr Rodchenko

Tue, 04 Dec 2012 12:55:06 -0500

A cada semana prestamos homenagem a um “criador original” selecionado, um artista icônico do passado cujo trabalho influencia e informa os criadores atuais. Esses artistas foram inovadores e revolucionários em suas áreas. Visionários e radicais, homens e mulheres que inspiraram e participaram da formação da cultura como a conhecemos. Esta semana: Aleksandr Rodchenko.

Entre as muitas ideias influentes que a Revolução Russa produziu, os conceitos e filosofias artísticas trazidas pelos criadores do período são algumas das mais duradouras. A revolução abriu caminho para mudanças políticas e sociais sem precedentes, que juntas formaram alguns dos movimentos artísticos mais transformadores do século XX.

Aleksandr Rodchenko, entre outros, foi uma parte fundamental da formação de alguns desses movimentos. Seu trabalho vanguardista não só influenciou e avançou o desenvolvimento do Construtivismo e do Produtivismo, mas também influenciaria na formação de futuros movimentos como Bauhaus e De Stijl, assim como na formação posterior do Minimalismo. Aqui temos algumas de suas obras mais influentes, que apesar de diferirem drasticamente em forma, servem todas como um testemunho da visão de arte radical de Rodchenko.

Construção Espacial no. 12, (1920)

Construção Espacial no. 12 foi uma das primeiras tentativas de Rodchenko de aderir aos princípios recém-formados do Construtivismo. Apesar da obra ter sido criada antes que o artista abandonasse a pintura em 1921, o que marcou a partida do futurismo abstrato encontrado no seus primeiros trabalhos, Construção Espacial no. 12 pode ser vista como um dos trabalhos seminais que começaram a estabelecer a estética construtivista. Os componentes da escultura foram cortados do mesmo pedaço de compensado pintado de prata. A escolha desse material reflete a ideia inicial do Construtivismo de que os objetos e materiais do cotidiano deveriam ser usados para criar obras de arte abstratas, o que expandia as definições conceituais de arte no geral. Apesar da estética do Construtivismo ter evoluído para longe do abstrato, inclinando-se mais para o Realismo, a série Construções Espaciais e outros trabalhos desse período da carreira de Rodchenko foram extremamente importantes no desenvolvimento do movimento construtivista.

Cor Vermelha Pura, Cor Azul Pura e Cor Amarela Pura, (1921)

Essa obra em três partes, criada para a exposição construtivista de Moscou em 1921, foi produzida no momento em que Rodchenko abandonou completamente a pintura. Isso representava, nas palavras do próprio Rodchenko, a “conclusão lógica” da pintura. Como afirmava o Construtivismo, o clima de mudança social e política da Rússia pós-revolução demandava mudanças similares na forma e na definição da arte. Arranjada como um tríptico (que define um diálogo um tanto cínico com passado religioso do meio), Cor Vermelha Pura, Cor Azul Pura e Cor Amarela Pura pretendia de uma vez por todas trazer a morte para a pintura tradicional para abrir novas portas para a expressão artística. Era também uma declaração política drástica sobre a maneira como a arte funcionava antes da revolução, dando um novo peso sociopolítico ao movimento construtivista. A estética simplista porém pungente da obra pode ser vista como uma das primeiras influências da arte abstrata e do Minimalismo dos anos 60 e 70.

Livros (Cartaz publicitário da Editora Lengiz) (1924)

Depois de se aposentar da pintura, Rodchenko experimentou com muitos meios diferentes, incluindo fotografia, escultura e design gráfico. Esse último, que veio a se tornar um dos meios mais marcantes do Construtivismo, ofereceu a Rodchenko uma plataforma para explorar o mundo do Realismo como distribuído através da mídia de massa. “Livros” é um dos primeiros exemplos da virada de Rodchenko para o design gráfico e o realismo. Isso marcou o começo da fascinação do artista pela mídia de massa soviética e distingue o estilo construtivista do meio dos anos 20 de suas abstrações construtivistas primordiais, que tinham emergido na época de “Livros”, aparentemente enraizadas num movimento artístico inteiramente diferente. Seu trabalho com design gráfico criou um novo tipo de acessibilidade ao comentário político artístico e veio a influenciar pesadamente as fundações do movimento Bauhaus.

Escada (1930)

A fascinação de Rodchenko pela fotografia começou em 1925, quando ele fez sua primeira série de fotos nas ruas de Moscou. Seu objetivo como fotógrafo era capturar cenas comuns e familiares de uma perspectiva que fizesse o fundo parecer instigante e novo. Escada captura uma cena comum de uma mulher e seu filho subindo uma escadaria, mas o assunto ordinário ganha uma abstração misteriosa com a perspectiva da câmera. A mulher e o filho ficam justapostos com a rígida escada branca e preta, no que parece ser um reflexo da polarização dos humanos à sombra da industrialização durante os dias mais utópicos da União Soviética. A foto ainda parece moderna, mesmo tendo sido tirada muito antes do afluxo da fotografia abstrata dos anos 60 e 70.

@Creators_Brasil

Os Mistérios Por Trás Do Membro Fantasma De Elijah Wood No Clipe “Tiny Tortures” Do Flying Lotus

Tue, 04 Dec 2012 08:53:35 -0500

Mesmo tendo ganhado o carinho de todo mundo como o Frodo, desde que Elijah Wood interpretou Kevin, um canibal sobrenatural em Sin City que é desmembrado por Marv, podemos vê-lo em contextos mais sombrios, e é esse Elijah Wood que temos no novo clipe do Flying Lotus, “Tiny Tortures”. Quando conversamos com FlyLo, ele não disse nada sobre tentar algo mais hollywoodiano em seus videoclipes, mas parece que suas colaborações ganharam algumas estrelas. Em “Tiny Tortures”, passamos um tempo com o amputado Wood lidando com sua lesão através de uma ilusão de membro fantasma que agarra telecineticamente objetos aleatórias na casa para formar um novo apêndice.

Alguns dias depois do lançamento do clipe, o diretor David Lewandowski soltou um vídeo de making of que mostra toda a produção, da captura de movimento a síntese do cotoco até a animação do braço imaginário. Usando Cinema 4D e filmagens de teste reais, podemos ver como o diretor criou essa estranha narrativa e transformou Wood num personagem estranho porém simpático.

Uma ótima escolha musical de Pearson Sound para a trilha do making of (ouça alguns exemplos na página do Soundcloud dele).

@ImYourKid

Faça Uma Viagem Glitch Através do Google Earth

Tue, 04 Dec 2012 08:21:06 -0500

Eles estão lá fora, mudando e se adaptando ao nosso mundo sem dar a mínima para o que você pensa disso. São os algorítimos, afetando diversos aspectos da nossa vida, das bolsas de valores globais até as coisas que você procura na Amazon ou no Google – você saberia disso se estivesse familiarizado com a palestra “Those Algorithms That Govern Our Lives” (Esse Algorítimos Que Governam Nossas Vidas) de Kevin Slavin (abaixo), ou sua palestra similar no TED, onde ele postula que esses algorítimos megalomaníacos estão cada vez mais dando as cartas no nosso mundo.

Inspirado na palestra de Slavin, Charlie Behrens fez o curta Algorithmic Architecture (acima), que usa uma estética glitch para levar o espectador numa jornada usando o Google Earth. Utilizando a discrepância virtual que ocorre quando o Google Earth não computa as imagens 3D apropriadamente, Behren criou “uma metáfora para a maneira como nossas supercidades do século XXI estão mudando fisicamente para se encaixar às necessidades dos algorítimos de computador ao invés de trabalhadores humanos.”

Veja algumas imagens de Algorithmic Architecture abaixo:

[via The New Aesthetic]

@stewart23rd

Pole Mostra Seu Minimalismo Dub/Glitch No Festival Novas Frequências

Mon, 03 Dec 2012 14:46:05 -0500

Então todo mundo já está sabendo da edição paulistana do Festival Novas Frequências, que acontece neste final de semana em São Paulo, como já falamos aqui no blog.

O festival desembarca na capital paulista em 2012, depois de uma bem sucedida primeira edição no Rio de Janeiro no ano passado, e traz entre suas atrações a mistura de rhythm & blues, música concreta e eletrônica distorcida e saturada do inglês Actress, o mestre do minimalismo dub/glitch do alemão Pole, e o dub eletrônico enfumaçado e lo-fi do duo radicado na Inglaterra, Hype Williams.

Pole, nome pelo qual o produtor alemão Stefan Betke é conhecido, é um dos destaques da programação e vai mostrar no palco do festival seu minimalismo dub/ glitch. Sua trajetória na música experimental inicia em 1996, inspirada pelos ruídos de estática, estalos e chiados produzidos após uma queda acidental do filtro para masterização de discos de vinil, o Waldolf 4-Pole — elemento que deu origem ao seu nome artístico — usando estes sons como base para seus quatro primeiros discos: 1, 2, 3, e R.

De acordo com o artista, o filtro quebrado lhe mostrou a importância do ruído e a randomicidade ao fazer música. "Sem o filtro quebrado eu já estava entendendo a teoria por trás do uso de acidentes de percurso e instrumentos quebrados (Brian Eno também escreveu coisas semelhantes sobre aparelhos danificados em seus diários), mas ter esta máquina em minhas mãos para fazer o que eu quisesse… isso foi extraordinário", afirmou em entrevista à produção do evento.

Pole — “Stadt”

Outra característica do trabalho de Pole são suas linhas de baixo dub, usando melodias de sintetizadores em tons menores que, segundo ele surgem de maneira espontânea, para posteriormente ganhar novos elementos, como no caso da trilogia de EPs Waldgeschichten — algo como “histórias da floresta”, em alemão — de 2011. A sonoridade surgiu de uma linha de baixo e atmosfera que o músico tinha em mente combinada ao acaso e experimentação.

Pole — “Silberfisch”

“Para esta trilogia eu tinha uma ideia para o baixo e uma atmosfera específica na minha cabeça. Eu queria que a música fluísse e encontrasse seu próprio caminho, então se eu fosse muito “control freak” isso jamais teria acontecido", disse. Waldgeschicten tem uma conexão direta com seus trabalhos anteriores e, segundo conta Pole, e teria sido lançada no momento certo para reformar sua própria linguagem artística. “Este trabalho é mais leve em termos conceituais, mas acho que Waldgeschichten é tão forte quando minha primeira trilogia. Então talvez eu tenha criado uma trilogia para me forçar a criar um conceito ainda mais profundo que se conecte com minhas origens. Quero dizer, o rhythm box que usei para criar as batidas em Waldgeschichten não é uma ferramenta precisa, semelhante ao filtro quebrado. Então o erro que ela cria é a base para minha música. Eu é um elemento novo, mas a mesma ideia original, apenas expandida”, conta.

Pole — “Winkelstreben”

Seu próximo disco deve ser lançado no ano que vem, mais funky que nunca e adicionando alguns elementos de “field recordings” da natureza, como chuva, vento e barulhos de riacho. Mas enquanto este novo material não é lançado, vai aquecendo os ouvidos com os trabalhos anteriores do músico, que com certeza integrarão o setlist de seu show no festival.

Veja abaixo uma apresentação do produtor por Chico Dub, organizador e curador do festival:

Crédito entrevista: Bernardo Oliveira, editor do blog Matéria

@Creators_Brasil

Não Dá Para Escapar Do The xx Na Nova Instalação Do Sonos Studio

Mon, 03 Dec 2012 09:39:33 -0500

Woody Allen tem uma apresentação de comédia stand up muito boa sobre como os objetos eletrônicos o odeiam. Ele participa de uma sessão de psicoterapia com seus eletrodomésticos que acaba com ele espancando a televisão e ficando preso num elevador falante vingativo. Atravessar a instalação imersiva Missing do Sonos Studio me fez sentir um pouco assim também.

Como parte da exposição atual “Coexist” do Sono Studio em colaboração com o The xx, a instalação consiste de 50 alto-falantes motorizados, lâmpadas de luz suave e arames suspensos a partir do teto do estúdio. Conforme os espectadores passam pela exposição, câmeras Kinect detectam o movimento das pessoas e viram os alto-falantes na direção delas, tudo isso enquanto o single “Missing” do The xx toca. Apenas 10 pessoas podem atravessar a instalação de cada vez, para dar a todos uma quantidade suficiente de imersão.

A exposição foi criada por Kyle MacDonald, Matt Mets — os caras por trás desta máquina de autorretrato – e Aramique. Além disso, a exposição “Coexist” também contará com uma oficina sobre como gerenciar um selo musical independente, uma performance multimídia com Nosaj Thing e recentemente foi sede de uma festa de audição do EP True, de Solange e Dev Hynes. Assista ao vídeo sobre a exposição acima e veja nosso vídeo com o Jamie xx discutindo o álbum Coexist abaixo.

Inauguração da instalação “Missing”. Imagem via Notcot

Um esquema digital da instalação.

Os motores que rotacionam os alto-falantes.

Imagens via Creative Applications e Sonos Studio.

[via Creative Applications]

@Creators_Brasil

A-Trak do Fool's Gold Abre Nosso Apetite Para Tuna Melt

Mon, 03 Dec 2012 08:43:14 -0500

Quando se trata de assinar e criar estética para artistas de hip hop indie e música eletrônica, o Fool’s Gold é a opção top do mercado. Conversamos com eles em seu escritório no Brooklyn, e ouvimos histórias sobre “o amor que você pode sentir” quando segura um dos vinis deles e da identidade criativa que o trio formado por Nick Catchdubs, A-Trak e o diretor de arte Dust La Rock criou para sua ideia.

Depois de todo o trabalho duro envolvido em trazer outros artistas para a fama, os membros do Fool’s Gold gostam de roubar a cena ocasionalmente, e assim sendo, A-Trak preparou algumas novas faixas para os fãs famintos. Lançado pelo selo Fool’s Gold, Tuna Melt EP é sua mais recente mistura. São quatro faixas que prometem abalar as estruturas com poderosas viagens eletrônicas e viradas de mestre entre estilos. O EP explora electro, house, trap, garage e techno e conta com participações especiais de Tommy Trash e GTA, entre muitos outros.

Tuna Melt sai dia 4 de dezembro, e para atiçar seu apetite, A-Trak soltou alguns trechos do álbum. Sinta o gostinho abaixo:

Foto via MTV Iggy

@embovoy

A Rede: Uma Escultura Colaborativa Feita De Sucata Digital

Fri, 30 Nov 2012 12:45:42 -0500

A efemeridade dos produtos tecnológicos com os quais lidamos no dia a dia nas últimas décadas está em pauta num curioso projeto em cartaz no Sesc Consolação em São Paulo. Hardwares descartados — placas mãe, processadores, placas de vídeo, memórias antigas ou danificadas — são a base dele, que está sendo criada de forma colaborativa pelo público que passar por lá nos meses de dezembro e janeiro.

Trata-se de A Rede, uma instalação feita de sucata digital, concebida em etapas e com a participação do frequentadores do espaço cultural paulistano. O projeto foi criado pela equipe de Cultura Digital do Sesc Consolação formada pelos instrutores Caio Lazaneo e Diga Rios, com supervisão de Tatiana Zacariotti.

“A Rede é alimentada pelo público, que contribui trazendo peças de eletrônicos e hardware em geral que não funcionam ou não têm mais uso. Estes materiais são anexados pelos frequentadores do espaço em uma teia de fios e cabos localizada dentro da sala da Internet Livre, com o auxílio dos instrutores de Cultura Digital”, explica Tatiana Zacariotti, técnica do Sesc Consolação.

Assim, no espaço expositivo do Sesc foram reunidos os elementos necessários para o desenvolvimento da instalação: sucata digital, um monitor, um computador — com webcam e microfone para capturar os sons e imagens, elásticos e prendedores de roupa, cabos de aço, e um canhão de luz. Tudo isso se reverte na obra central, um móbile, também chamado de “hardwarescultura”, feito com as peças de maquinário de informática antigas, ou sem serventia, que traz ainda uma espécie de varal no qual os participantes podem ainda anexar suas próprias criações e reflexões em papel e caneta, fixando-as com um simples prendedor de roupa.

O objetivo central da instalação é promover a partilha de saberes entre os praticantes do espaço, compondo a obra aberta com dicas de sítios interessantes e reflexões sobre a cultura digital, que ainda fazem um convite à criação artística — mesmo dos leigos, ao exercício crítico, e ao diálogo sobre o consumo na era digital.

As fotos que ilustram este post mostram o andamento da construção da obra que seguirá em processo de aprimoramento até o começo do ano que vem.

Para conhecer o trabalho em andamento, vale visitar a unidade do Sesc Consolação entre dezembro e janeiro, e quem sabe até participar do bate-papo especial agendado para o próximo dia 19, às 17h, “Obsolescência Programada e a Efemeridade Produtiva”. Na conversa serão abordados alguns conceitos sobre os quais A Rede levanta, como a existência crescente de aparelhos eletrônicos que desatualizam-se em questão de meses, incentivando ou até mesmo forçando o consumidor a desfazer-se de peças com plenas condições de uso porque já não são mais o “último modelo”.

Fotos: Marcelo Stoenescu

@Creators_Brasil

Intervenções Urbanas Que Questionam Nossa Relação Com A Cidade

Fri, 30 Nov 2012 12:39:08 -0500

Marcos Zotes é um artista e arquiteto que usa a cidade como tela para seu trabalho. Através de seu laboratório de design, o Unstable, ele encena intervenções urbanas para fazer com que as pessoas se envolvam com seus ambientes e os experimentem de uma maneira não convencional. Essas intervenções tomam a forma de projeções de luz e acontecem em edifícios e propriedades abandonados ou desativadas, dando vida nova a lugares que se tornaram estagnados ou vazios.

Seus trabalhos frequentemente incluem cidadãos que vivem no ambiente urbano e os desafiam a questionar sua relação com a cidade, recontextualizando o familiar para fazer com que as pessoas reavaliem seus arredores. Seu projeto Your Text Here permitia que o público enviasse mensagens de texto anônimas expressando qualquer opinião (ou reclamação), essas mensagens eram depois projetada num prédio no centro de Detroit.

Your Text Here

Outras obras chamam a atenção para a cultura de vigilância predominante na maioria das cidades, como CCTV/Creative Control e [e]mission. A primeira apresenta uma projeção de um vídeo de um olho na parte de baixo de uma caixa d’água abandonada no Brooklyn, a segunda criava um holofote sobre as pessoas quando elas passavam por uma câmera de circuito fechado, transformando a cidade num palco e lembrando as pessoas do que essas câmera onipresentes fazem.

Fizemos algumas perguntas a Zotes para saber um pouco mais sobre seu trabalho.

O que te fez escolher o ambiente urbano como tela para sua arte?
Mais do que uma escolha, isso foi o resultado de um processo natural que começou quando eu era um jovem skatista e grafiteiro no começo dos anos 90. Através dessas formas de arte aprendi que o ambiente urbano poderia seu uma experiência além das limitações de sua finalidade pretendida. A cidade inteira se transforma num playground, um ambiente para ser colonizado através do processo criativo. Hoje, meu trabalho como arquiteto continua a seguir essa abordagem. Minhas intervenções procuram desafiar as limitações do espaço público urbano fornecendo oportunidades de debate, autonomia e interação social.

CCTV/Creative Control

O que usar práticas multidisciplinares acrescenta ao seu trabalho?
Acredito que uma abordagem multidisciplinar é necessária quando se tenta abordar a complexidade de questões sociais e políticas que afetam o espaço público. Portanto, entendo isso como um aspecto essencial da minha prática. Sempre que concebo um novo trabalho, gosto de explorar novos territórios e incorporar elementos que podem ser estrangeiros a minha área de especialização. É através do processo multidisciplinar de criação que sou capaz de aprender como usar novas ferramentas, técnicas artísticas e métodos de design, o que me permite crescer como criador.

Você sente que o espaço urbano é frequentemente negligenciado por aqueles que vivem nele, puramente porque se torna um lugar comum?
O espaço público urbano se tornou hoje um ambiente altamente controlado que se define por exclusões, onde apenas certos tipos de usuários, atividades e comportamentos são permitidos. Geralmente dominado pelas forças do mercado, o ambiente urbano é negligenciado primariamente pelos mecanismos opressivos de cima para baixo que o controlam. Nós, como cidadãos, precisamos tomar a iniciativa de identificar e transformar as condições problemáticas urbanas para criar novas oportunidades e capacitar nossas comunidades locais.

[e]mission

@stewart23rd

Distorcendo O Conceito De Tempo Através De Manipulação Fotográfica

Fri, 30 Nov 2012 11:48:26 -0500

Em sua mais recente série, Time Scanning, o fotógrafo Donato Maniello demonstra como transcendeu o meio. Suas manipulações fotográficas surreais, que capturam qualidades da fotografia e do filme, parecem flutuar num espaço relativamente inexplorado entre os dois formatos. Para atingir esse efeito, Maniello não usa nenhuma tecnologia de ponta ou técnicas super elaboradas. Na verdade, seu processo é bastante simples.

Pelo que posso deduzir, Maniello simplesmente se envolve no processo de escaneamento de suas fotos, esticando, contraindo e chacoalhando certas partes da cena. Ao invés de apenas pegar a imagem estática original, o scanner nota o movimento das fotos, criando um produto final distorcido. Apesar do processo de Maniello ser relativamente descomplicado, a série em si aborda algumas questões complexas sobre a área cinza que existe entre a fotografia e o filme.

Time Scanning #1 (2012)

Time Scanning #2 (2012)

Time Scanning #3 (2012)

Time Scanning #4 (2012)

Time Scanning #5 (2012)

Time Scanning #6 (2012)

Time Scanning #7 (2012)

Time Scanning #9 (2012)

@Creators_Brasil

Anaísa Franco Instala Um Arco-íris Borbulhante Na China

Fri, 30 Nov 2012 11:33:16 -0500

“Por que tudo não pode ter vida?” questiona nossa criadora Anaisa Franco, ao falar de suas obras que usam a tecnologia como meio de dar vida a obejtos e traduzir emoções. A artista já representou, por exemplo, o sentimento de frustração com um espelho que se partia virtualmente em pedaços, como mostramos por aqui.

Em seu mais recente projeto, Wave of Rainbow, a brasileira reinventa o arco-íris em uma instalação pública no parque Hangzhou Xixi National Wetland Park, na China. Em uma ponte sobre um lago, o passeio dos visitantes era surpreendido por um semitúnel multicolorido, translúcido e borbulhante. A obra, desenvolvida especialmente para o evento Westlake International Invitational Sculpture Exhibition, é formada por 28 tubos de acrílico preenchidos com água, sensores, dispositivos de jato de ar e LEds em cada uma das sete cores do arco-íris. Conforme o visitante caminha sobre a ponte, a água dentro dos tubos iluminados borbulha, formando uma espécie de ‘onda de arco-íris’.

“O tema da exposição era “Gazing Between Water and Land”, um olhar sobre a terra e a água, num parque que ficava ao pé de uma montanha e muito próximo da cidade. ‘Deep or shallow, the water flows; near and far, the land stands’ (profunda ou superficial, a água flui; perto ou longe, a terra fica parada) , dizia um trecho do texto que me foi enviado como briefing”, nos conta Anaisa. Conversamos com ela sobre suas inspirações e intenções com a obra.

The Creators Project: Suas obras em geral envolvem tecnologia para traduzir certas emoções, elementos da natureza ou dar vida a objetos inanimados. Neste caso, você trabalhou com a ideia do arco-íris. O que te motivou? Que sensações se relacionam a este fenômeno fugaz da natureza pra você?
Anaísa Franco: Como o tema da exposição era o olhar sobre a terra e a água, num parque cheio de pântanos, pensei que trabalhar com o arco-íris seria ideal. Ele é um evento óptico, imaterial, que se forma através da química das partículas de água e da luz suspensas no limiar da terra e da água. Me interessou também pensar nas ondas, que são um transporte de energia e física da natureza, formadas entre a água e a terra. Unindo estas duas substâncias o projeto Wave of Rainbow foi concebido, proporcionando uma experiência de passagem e poesia às pessoas que passeiam pelo parque.

Tecnicamente, quais foram os desafios no processo de execução desta obra?
A dificuldade maior foi trabalhar com eletricidade sobre a água e a chuva. Durante a montagem chovia muito e alguns sensores romperam. A equipe ainda continua trabalhando na interatividade das cores. Por enquanto, a obra ativa as borbulhas de ar quando as pessoas entram no arco-íris, mas em uma semana a interatividade será complementada ativando também as cores ao entrar no arco íris.

Qual foi o feedback do público que vivenciou a experiência da obra?
A proposta do projeto para o expectador que passeia no parque era de adicionar fantasia no percurso de descoberta da obra, proporcionando uma experiência de harmonia entre tecnologia e natureza. O publico se encantava com a experiência de passagem sobre a ponte, caminhando sobre a água, entrando nas cores do arco íris, vendo a paisagem através das borbulhas de água e os reflexos que a luz emitia sobre o lago ao redor.

Saiba mais sobre o projeto no vídeo abaixo:

Conheça mais sobre o trabalho de Anaísa Franco na entrevista em vídeo acima

@Creators_Brasil

Agenda Creators – As Boas De Arte E Tecnologia Para O Fim De Semana 30-02/12

Fri, 30 Nov 2012 10:31:44 -0500

Salvador>>Festival de Artes Visuais VISIOpontos

A primeira edição do Festival de Artes Visuais VISIOpontos acontece nesse final de semana em Salvador. São 40 espaços culturais espalhados pela cidade que reúnem exposições, live performances, mostras audiovisuais e oficinas. Através dos pontos, o Festival busca criar um novo roteiro cultural para a cidade. Entre as atrações do Festival, o destaque vai para o Video Mapping, intervenção do VJ ESQUIZOMACHINE (foto acima), que faz um mapeamento com cores, texturas e imagens sobre a fachada do antigo casarão do SESI Rio Vermelho.

Para mais informações, clique aqui.

SP>>30ª Bienal de São Paulo e sua iminência das poéticas

Essa é a última semana para visitar a 30ª Bienal de São Paulo. Essa edição da mostra tem como tema “A Iminência das Poéticas” e reúne mais de 3.000 trabalhos e 111 artistas do mundo todo.

Pavilhão da Bienal por veralu.wordpress.com

Para mais informações, clique aqui.

RJ>>Festival Multiplicidade

A oitava edição do Festival Multiplicidade já teve tributo aos 100 anos do John Cage, Ryoichi Kurokawa e apresentação da dupla britânica D-Fuse. O festival, que une a arte visual e sonoridade experimental em espetáculos multimídia, encerra essa edição com a apresentação de Tom Zé e de nossos criadores do SuperUber no dia 6 de dezembro.

Para mais informações, clique aqui.

BH>>Mostra Marginalia+Lab

A Mostra Marginalia+Lab terá a apresentação dos resultados das residências artísticas do Marginalia+Lab e performances audiovisuais. São quatro projetos na Mostra: Auras, de Lívia Chagas e Wemerson Machado, VerSom, da videoartista Cecília Lucchesi e musicalista Juliana Perdigão, Open Knitting, de Mar Canet e Varvara Guljajeva e Analogue Pixel Screen de Robert Mathy, que você pode ver no vídeo abaixo.

Para mais informações, clique aqui.

SP>>Rio Corrente

Aproveite o final de semana para ver a exposição da dupla de artistas Angela Detanico e Rafael Lain. Já falamos das paisagens geométricas dos artistas aqui, mas as obras ficam mais interessantes dispostas na galeria.

A exposição fica até o dia 22 de dezembro na Galeria Vermelho. Para mais informações, clique aqui.

Longe/Perto Série Palavras Compostas

@Creators_Brasil

Prédio Em São Paulo Ganha Nova Cara Com As Luzes E Cores Do SP Urban Digital Festival

Thu, 29 Nov 2012 10:13:16 -0500

A partir de segunda-feira da semana que vem, a noite paulistana ficará mais iluminada. Quem passar pelo prédio da FIESP/SESI na Avenida Paulista, em São Paulo, poderá ver um show de iluminação e cores. Trata-se do SP Urban Digital Festival que vai levar para a fachada desta construção trabalhos dos artistas brasileiros VJ Spetto (United VJs), coletivo BijaRi, Goma Oficina, do colombiano Esteban Gutierrez, do francês Antoine Schmitt e a dupla Mar Carnet & Varvara Guljajeva da Espanha e Estônia.

O prédio será transformado numa tela para exibição de obras visuais tendo como base uma plataforma digital formada por 26.241 clusters, compostos por 4 lâmpadas de LED cada um, formando um pixel. A cadeia elétrica montada a partir desta base permitirá a transmissão de até 4,3 bilhões de combinações de cores e será instalada na estrutura metálica que reveste o edifício, criando uma espécie de galeria de arte digital a céu aberto. O projeto terá início às 21h do dia 03 de dezembro, e durante o mês seguirá exibindo os trabalhos dos participantes todas as noites, sempre entre 20h e 6h do dia seguinte, até o dia 31.

Teste de projeção na fachada do prédio da FIESP/SESI. Foto por Luciano Bonomo.

Conversamos com Marília Pasculli, da Verve Cultural, responsável pela curadoria nacional do projeto, para saber mais sobre esta empreitada no coração de São Paulo.

The Creators Project: Como foram escolhidos os artistas e trabalhos que integram o festival?
Marília Pasculli: Foi uma escolha colaborativa, eu escolhi quatro artistas, e a curadora alemã Susa Pop ficou encarregada dos outros, os internacionais. Alguns foram escolhidos por terem uma relação forte com São Paulo e o cenário da Avenida Paulista, outros pela temática usadas nas obras deles. Muitas destas obras foram comissionadas e feitas especialmente para este projeto,

Foi escolhido algum tema ligado à cidade de São Paulo, ou mesmo ao Brasil para os trabalhos que serão apresentados? Existe uma unidade estética, ou fio condutor entre eles?
O fio condutor são as relações da metrópole São Paulo com a tecnologia. As obras retornam com esse fio condutor e tem essa pegada muito forte de tornar visíveis elementos como ondas magnéticas e fluxos de informação que a gente não vê. A ideia é de que está tudo ligado com toda essa informação invisível, principalmente em relação a Avenida Paulista, com o estilos de vida que passam por lá, e a relação do habitante da cidade com os meios eletrônicos.

Projetos semelhantes ao SP Urban Digital Festival já foram realizados em cidades como Viena e Linz, na Áustria, e em Madri, na Espanha. A arquitetura de São Paulo, tão distinta destas cidades europeias, influencia de alguma forma nas projeções e trabalhos apresentados no festival?
Neste caso, como não estamos fazendo video mapping, e não estamos usando os prédios como superficie de projeção, a princípio ela não interfere. Mas São Paulo tem uma relação diferente de arquitetura com construções que são muito particulares, muito diferente de outras cidades porque o campo de visão em São Paulo é maior. A maioria das construções data das décadas de 50, 60 e 70, o que propicia uma relação maior de visibilidade e profundidade, com um campo de visão num de raio de dois ou três quilômetros da plataforma principal. Além disso, mais que a arquiterura da cidade, a construção do prédio da FIESP influencia bastante.

Nos últimos anos o uso das projeções no contexto urbano tornou-se bastante difundido, virando inclusive uma ferramenta para ações de marketing e publicidade de grandes empresas. Ainda é possível propor algo novo neste segmento? O que seria o diferencial do SP Urban Digital Festival neste sentido?
O diferencial desta plataforma é ser um canal cultural específico. Você tem vários edifícios no mundo, na Europa, Estados Unidos e até na China que usam projeções em suas fachadas, mas isso não é arte porque não tem uma proposta curatorial, é apenas uma ferramenta voltada para a publicidade e para o comercial.

O SP Urban Digital Festival também conta com workshops e palestras. Veja a programação completa do festival aqui.

@Creators_Brasil

Tanlines Recrutam Seus Clones Como Extras Para O Clipe “Not The Same”

Thu, 29 Nov 2012 09:53:07 -0500

Quando nos encontramos com o Tanlines pela primeira vez (assista acima), eles nos levaram para um passeio por seu estúdio em Greenpoint, no Brooklyn, onde eles constroem o som electro pop multifacetado pelo qual a banda ficou conhecida. Depois ficamos ainda mais impressionados quanto eles arrasaram com seu show ao vivo no The Creators Project: São Paulo 2012, provando que podiam recriar suas músicas ao vivo muito bem sozinhos. O novo clipe do Tanlines, “Not The Same”, revela como seria se eles tivessem corpos suficientes para tocar suas músicas como uma banda multi instrumental ao vivo, com uma dupla de membros para cada som individual. Claro, a única equipe que poderia fazer isso é composta de muitos e muitos clones do Jesse Cohen e do Eric Emm.

A própria dupla dirigiu o vídeo, um envolvimento que fica bastante claro quando a câmera se afasta e mostra os dois nas cadeiras de diretores supervisionando a performance de seus clones – outro exemplo da criatividade desses dois. Assista ao videoclipe de “Not The Same” abaixo, e abaixo disso, veja a apresentação da dupla no nosso evento de São Paulo no começo de agosto.

E quem estiver em Nova York pode assistir o Tanlines ao vivo no Webster Hall hoje à noite.

@ImYourKid

Capas De Almofada Glitch Arte

Thu, 29 Nov 2012 09:16:09 -0500

Capas de almofada não são um lugar onde você esperaria topar com uma estética digital como a glitch arte, mas isso se deve mais a um lapso da indústria de decoração de interiores do que à falta de demanda. E mesmo você achando esquisito encontrar tal estilo como opção de decoração, a glicth arte não é estranha ao mundo do artesanato.

Phillip Stearns já produziu vários cobertores glitch em seu projeto Glitch Textiles. E agora Benjamin Berg (também conhecido como Stallio) produziu diversas opções de capas de almofada no estilo digital para que você possa decorar sua casa com dados corrompidos.

Como você pode ver, elas são incríveis e vêm numa variedade de cores e designs pixelados diferentes. Quem sabe a comunidade seapunk não aparece com umas cortinas para combinar, né?

[via Prosthetic Knowledge]

@stewart23rd

Vem Aí: Poker Knight, Um Game Brasileiro Que Mistura Poker E RPG Para iPhone

Wed, 28 Nov 2012 14:52:21 -0500

O Brasil está lentamente se colocando no mercado de games, com produtoras lançando jogos cada vez melhores, um festival dedicado aos games independentes, o BIG — Brazilian International Game Festival, no MIS em São Paulo, e até destacando a cultura popular do país – caso do game ambientado no sertão nordestino, Xilo, que já mostramos por aqui.

Mais um exemplo que vale ser citado é o da produtora Instant Games, que tem apostado nos jogos para iPhone. Depois de uma história na Idade da Pedra com Paleolithics (que mostramos aqui), um novo jogo que ainda nem está disponível na AppStore já está fazendo sucesso fora do Brasil. Muita gente já espera ansiosamente para jogar o Poker Knight.

Descrito como o primeiro RPPG (Role Playing Poker Game), o jogo é uma mistura de poker, RPG e Puzzle. “A temática do jogo foi escolhida porque gostamos muito de poker. No início do projeto fizemos uma pesquisa sobre o perfil de vários jogadores de poker famosos para que o jogo tivesse essa essência. Com esse documento em mãos, contratamos um bom escritor de roteiro de jogos, o Mark Barrett, para desenvolver a história e criar as descrições dos personagens”, nos explica Leonardo Kasperavičius, da Instant Games.

Na trama, um herói exímio jogador de poker é subitamente transportado para um universo paralelo fantasioso. Lá, ele vai encontrar vilões com quem irá lutar, quer dizer, jogar poker! Sim, as batalhas serão decididas no carteado. Não sabe jogar poker? Tudo bem. “Não é preciso saber jogar poker para jogar o nosso jogo. Inclusive, os jogadores aprendem as mãos de poker durante as batalhas, temos tutoriais muito bons durante as primeiras batalhas e um módulo de ajuda bem completo”, garante Kasperavičius.

A cada jogo/batalha ganha, o herói recebe um amuleto que lhe dá diferentes poderes – clonar cartas, mudar seus valores ou até mesmo congelar o inimigo. Os desenvolvedores estão prometendo o lançamento do jogo para o dia primeiro de dezembro, neste link. “Nós temos muitas ideias para próximos projetos incluindo o contexto brasileiro”, avisa Kasperavičius. Ficamos no aguardo.

Veja abaixo algumas das imagens do jogo:

@Creators_Brasil

Oitava Edição Do Festival Multiplicidade Recebe A Dupla Londrina D-Fuse, SuperUber & Tom Zé E Mais

Wed, 28 Nov 2012 12:43:52 -0500

Já sabe que a dupla britânica D-Fuse vem ao Brasil? Os londrinos Michael Faulkner e Matthias Kispert tem rodado o mundo com suas instalações audiovisuais e live cinemas, e amanhã se apresentam no Rio de Janeiro num show cheio de cores, luzes e movimento, em que mostrarão para os cariocas uma fusão de dois de seus trabalhos, Tekton e Particle #2. A apresentação é parte integrante da programação do Festival Multiplicidade.

O festival, em sua oitava edição, acontece tradicionalmente no Oi Futuro, e tem no seu formato o principal diferencial, com shows em dias alternados, criando um calendário de atrações entre os meses de setembro e dezembro que baseia-se na união de performances nacionais e internacionais, sempre buscando mostrar no mesmo palco arte visual aliada à sonoridade experimental.

No dia 6 de dezembro, a temporada 2012 se encerra com um espetáculo que vai unir o músico Tom Zé e a produtora de arte digital SuperUber. Conversamos com Batman Zavareze, idealizador do projeto que falou sobre a edição de 2012 e os shows que ainda estão por vir.

The Creators Project: Como surgiu a ideia do Festival em 2005? O que mudou na concepção dele desde então?
Batman Zavareze: Fui convidado em 2005 para uma apresentação pessoal de VJ no espaço [Oi Futuro] que seria concluído em dois meses e revidei com uma proposta de festival anual onde eu estaria nos bastidores. Eu propus o festival que adoraria participar — plural, com palcos onde as atrações não seriam sobrepostas, acavaladas na mesma noite, para criarmos cenários e explorações tecnológicas únicas. Estreamos o Festival Multiplicidade, tal qual ele é hoje, na semana de inauguração do centro cultural. O Festival tem o compromisso de preencher um calendário de junho a dezembro, sempre na última quinta-feira do mês, com um repertório plural com muitos sotaques, nacionais e internacionais, sem classificações óbvias do universo eletrônico, construindo um encontro singular e inusitado entre imagem e som.

Na verdade, o que mudou é que oito anos de existência provam que não existe nenhuma resposta exata do caminho que deveremos seguir nos próximos anos e enquanto existir multiplicidade na arte contemporânea, estaremos ao lado dela, abrindo espaços e aprendendo coisas novas.

Daito Manabe e Zach Lieberman em 2011

A curadoria deste ano foi focada na convivência entre o low e o high tech. Como esta dualidade se manifesta nos artistas que integram a programação?
Esta é a pesquisa que me guia em 2012: misturar artesanato e tecnologias analógicas com ciência e interatividades. Este deslumbramento eletrônico é fascinante e perturbador e por isso eu adoro a solução da gambiarra digital. No fundo, quando mesclamos em nossa multiplicidade cultural contemporânea Ryoichi Kurokawa e O Grivo, Paulo Nenflidio e D-Fuse, isso fica muito claro sobre o nosso liquidificador, a programação que estamos vivendo hoje: um mundo de possibilidades digitais que ainda estão muito abertas. É irônico e real, porque o jovem que já nasce com um iPad no colo, desconhece o som musical da máquina de escrever.

HOL em 2010

Quem viveu estas ultimas três décadas, como eu, curtindo tantas transformações, sabe que o scanner do escritório, a conexão a cabo discada, o Atari, o Genius e a máquina de tomografia computadorizada são instrumentos musicais incríveis, não podem ser excluídos de uma criação artística nova. A ideia é resgatar este pensamento artístico antropofágico já que estamos no meio de um ciclo, longe de estar concluído. Citando Oswald de Andrade, um dos pais da Semana de Arte de 1922 e autor do Manifesto Antropófago: “É a contribuição milionária de todos os erros”.

Como é a presença da produção nacional na programação? Existe a intenção de mesclar nomes de dentro e fora do país no lineup do festival?
Nos últimos oito anos foram realizados mais de cem espetáculos, mas recebi muito mais de mil projetos. São pessoas que pensaram, tiveram sonhos e ideias para apresentar um projeto com os recursos e tecnologias que disponibilizamos, para construir uma linguagem única e original a cada performance. Ao mesmo tempo em que é muito satisfatório, é frustrante deixar tanta gente de fora. Este exercício em juntar artistas é um prazer e um grande esforço. Daedelus, Anna Dantes e Luisa Marcier fizeram umas das belas apresentações, prova que não há regra e limites entre artistas daqui e de fora com linguagens tão diferentes.

Este é o DNA do festival, unir artistas que estão em busca de uma experimentação singular, um encontro que não fique nos sessenta minutos de performance, que reverbere em outros palcos ou no cerebelo dos presentes fora de nosso festival.

MOO em 2009

O que está sendo preparado para o encerramento com a apresentação de Tom Zé e SuperUber? É possível revelar algum detalhe sobre este show?
O que posso revelar é o processo e posso afirmar que é latente. O repertório, depois de trinta dias de conversa, fechou há pouco tempo, dez dias antes do evento. Músicas que gostaria de ouvir não entraram, mas surgiram outras que me inspiram igualmente. Tom Zé vai trazer sua poesia explosiva e a base será seu ultimo disco, Tropicália Lixo Lógico, mas ele vai trazer também músicas que foram concebidas naquele encontro com David Byrne e que para mim são muito eletrônicas na sua essência.

O SuperUber está criando um cenário bem holográfico, volumétrico, com fitas translúcidas sobrepostas. As projeções serão interativas com a voz ou a música do Tom Zé e vai além. Tom Zé terá em seu peito, no seu figurino, um sensor que poderá acionar imagens, ele vai tocar as imagens no cenário de seu show. Isso foi criado há poucos dias entre os artistas, o que acho sensacional, pois esta vibração e provocação em usar o palco do Festival Multiplicidade para criar algo singular e autoral é o que me move.

Retrotech, de Carlos Trilha, em 2009

Veja a programação completa do Festival Multiplicidade aqui.

@Creators_Brasil

Florence + the Machine Continua A Cantar As Dores Do Amor

Wed, 28 Nov 2012 12:30:13 -0500

Nossa queda pela Florence + the Machine não é só papinho: é algo forte e poderoso como a voz da própria ruiva Florence Welch. Depois do sucesso do disco de estreia, Lungs, a banda ganhou reconhecimento mundial com a vocalista afogando a tristeza de seu coração numa mistura excêntrica e obsessiva de baladas românticas. Ano passado, visitamos o grupo nos estúdios Abbey Road, e você pode assistir ao resultado deste encontro no vídeo acima.

Semana passada, o novo clipe “Lover to Lover” do Florence + the Machine fez sua estreia, ilustrando o single do segundo disco da banda, Ceremonials. Dirigido por Vincent Haycock, que trabalhou anteriormente no vídeo “Little Girl” do Spiritualized, “Lover to Lover” mostra Florence atormentada por seus demônios femininos, movendo-se entre mares revoltos e mobília incendiada.

@Creators_Brasil

Veja A Experiência De Dança Surreal De Daito Manabe Para "Eclipse/Blue" Do Nosaj Thing [Estreia]

Wed, 28 Nov 2012 11:58:31 -0500

Tivemos a chance de ascender ao mundo dos sonhos sonoros de Nosaj Thing no nosso The Creators Project: Nova York 2011, onde ele se apresentou ao lado de algumas instalações fantásticas como Six-Forty by Four-Eighty de Zigelbaum + Coelho e o boneco mímico do Team Dis-Kinect. Envolvido numa dança sutil com seu MPD32, Nosaj teceu um set palpitante e melancólico em frente a visuais projetados. Apesar de ter sido uma experiência ao vivo surreal, o componente visual daquela apresentação nem se compara ao que Daito Manabe imaginou para a música “Eclipse/Blue” do produtor.

Com apoio do Creators Project, e em colaboração com a coreografa MIKIKO da banda Perfume, Manabe criou um ambiente virtual dinâmico para servir como pano de fundo para as bailarinas, com seus movimentos no palco sendo amplificados pelos gráficos atrás delas, fazendo com que cada ação pareça maior e mais emocionante.

Você deve conhecer Manabe por seu incrível projeto Electric Stimulus, no qual ele controlava o som usando movimentos musculares, uma técnica que ele utilizou recentemente em seu vídeo para "Straight and Arrow” do Falty DL. Para “Eclipse/Blue” esse conceito foi ampliado para a bailarina, com os intrincados visuais reagindo a cada um de seus movimentos.

Conversamos com Manabe e Nosaj Thing para saber mais sobre a ciência por trás dessa experiência visual.

Daito Manabe

Assistindo ao vídeo fica difícil dizer se estamos vendo uma performance de dança ao vivo com uma projeção sobre ela ou se os gráficos e a dança foram combinados depois. Como esses componentes se unem na verdade?
É tudo performance ao vivo. Usamos uma câmera Point Grey de alta velocidade para rastrear a bailarinas e depois irradiamos os visuais a partir do corpos delas.

Existe uma história por trás da coreografia e da estética visual do vídeo? Como isso se relaciona com a faixa de Nosaj Thing?
Nos inspiramos na estrutura de um eclipse solar. A bailarina que dança na frente da tela é o sol, a outra atrás da tela é a lua. A configuração “projetor – bailarina – tela” também é inspirada nessa estrutura.

A criação desse vídeo empregou algumas das técnicas ou da ideologia por trás de Electric Stimulus ou do seu vídeo mais recente para o Falty DL?
Nos inspiramos em Klaus Obermaier e no projeto “Apparition” do Ars Electronica Futurelab. O sistema é quase o mesmo. A diferença é que uma bailarina dança atrás da tela.

Nosaj Thing

O que fez você escolher essa música como o single do seu novo disco?
Essa é a música que estabelece o tom do álbum. A Kazu [Makino do Blonde Redhead] estava no topo da minha lista para essa música. É incrível como tudo deu certo.

Já se passaram três anos do lançamento de Drift, que teve um efeito enorme nos ouvintes e construiu uma grande expectativa para o lançamento seguinte. O que mudou na sua produção com o passar desses anos? Alguma surpresa sonora que não se reflete no meu trabalho mais recente com remixagens? Algum novo equipamento ou tecnologia?
Tudo que aconteceu durante esse tempo afetou minha produção, viagens, mudanças recentes na minha vida, tudo. Gravitei ao redor de diferentes ritmos e sons com esse álbum, gastando a maior parte do tempo com arranjos e mixagem. É um disco muito pessoal.

Qual a razão para esperar tanto tempo para lançar um novo trabalho?
Fiquei preso numa turnê. E também não esperava tudo o que aconteceu com o “Drift”, então levou um tempo para ajeitar todas as coisas.

Descreva o Innovative Leisure em três palavras.
Nova Visão Aberta.

@ImYourKid

Francesco Lo Castro Cria Pinturas Tradicionais Que Parecem Digitais

Tue, 27 Nov 2012 14:41:20 -0500

À primeira vista você jura que as imagens criadas pelo italiano Francesco Lo Castro são fruto de múltiplos cliques em um software de design. Mas aproximando o olhar é possível notar a textura da tinta acrílica, do spray, resina epoxy e até folhas de ouro sobre madeira. “Artistas digitais estão sempre procurando maneiras de tornar seus trabalhos mais orgânicos. Eu estou sempre pensando em como transformar o orgânico em digital”, nos explica o artista sobre essa frequente contradição presente na arte contemporânea.

As pinturas gráficas e coloridas de Lo Castro apresentam diferentes dimensões, uma visão caleidoscópica que possui movimento próprio. Tanto que há tempos ele tinha o desejo de vê-las animadas em vídeo. “Sempre achei que minha pinturas fariam uma ótima transição para o motion graphic”. A seu pedido, recentemente duas de suas obras foram adaptadas ao audiovisual. Primeiro foi Ubicomp Everyware (2012), que serviu de inspiração para o vídeo feito pelo amigo Dark Intersection, Meridiana:

Depois foi a obra ENDO (2012) que ganhou sua versão animada, a Gematria pelas mãos do animador 3D Beeple, de quem Lo Castro é admirador. “Achei que ele ia recusar minha proposta, mas para a minha surpresa ele adorou e considerou um desafio”, lembra o italiano. A trilha ficou a cargo de Kyle Vande Slunt.

“Estamos trabalhando em outro vídeo para um mostra que vai acontecer no ano que que vem. Pretendemos criar uma instalação imersiva e interativa que seja visualmente incrível e também educativa”, adianta Lo Castro sobre sua parceria com Beeple. Antes disso, uma projeção em larga escala de suas pinturas irá ocupar a fachada do Intercontinental Hotel, em Miami, durante o Art Basel Miami 2012, que começa no dia 6 de dezembro.

“Quando tinha 10 anos vi pela primeira vez uma obra de Victor Vasarely e acho que isso nunca me abandonou. Ultimamente tenho me inspirado por inúmeros talentos da área de motion graphic. Gosto da ideia de sobrepor a pintura tradicional com as mídias digitais”.

ENDO (2012)
Acrílico, silkscreen, spray, resina epoxy em MDF

Gamete (2012)
Acrílico, silkscreen, spray, resina epoxy sobre madeira

Ubicomp Everyware (2012)
Acrílico, silkscreen, spray, resina epoxy em MDF

@Creators_Brasil

Original Creators: O Pioneiro Do Hip Hop E Electro Afrika Bambaataa

Tue, 27 Nov 2012 13:32:29 -0500

A cada semana prestamos homenagem a um “criador original” selecionado, um artista icônico do passado cujo trabalho influencia e informa os criadores atuais. Esses artistas foram inovadores e revolucionários em suas áreas. Visionários e radicais, homens e mulheres que inspiraram e participaram da formação da cultura como a conhecemos. Esta semana: Afrika Bambaataa.

Trinta anos atrás, um single inovador caiu em Nova York como um meteoro, criando um efeito big bang que fundiu diferentes estilos musicais e desencadeou a revolução do electro. Isso também transformou gêneros menos conhecidos como o house, drum and bass, trip hop e outros na influência maciça que são hoje. O single era o seminal “Planet Rock”, criado pelo pioneiro do hip hop e inventor do electro funk Afrika Bambaataa.

No começo dos anos 80, a visão dos vagões de metrô grafitados, b-boys e b-girls dançando ao ritmo de rappers rimando através de boomboxes explodindo com faixas de funk e disco definiu a inquieta subcultura que emergia do sul do Bronx. Afrika Bambaataa, um ex-líder de gangue que se tornou DJ, fazia as festas mais disputadas da vizinhança com o amigo também fundador do hip hop DJ Kool Herc.

Se Kool Herc foi o responsável pelo desenvolvimento do Turnablism do hip hop, Bombaataa foi reverenciado como o Mestre dos Discos, responsável por desenterrar músicas de sua gigantesca coleção que colocavam qualquer pista de dança em frenesi. As festas de Bambaataa eram únicas e às vezes estranhas, porque ele nunca estava satisfeito em apenas tocar funk, R&B e soul já familiares da comunidade do hip hop, ao invés disso ele frequentemente experimentava misturando músicas de outros gêneros como Beatles, The Monkees e Rolling Stones em seus sets.

Yellow Magic Orchestra tocando no programa Soul Train em 1980.

Assim que Bambaataa detectou a imensa popularidade de grupos de synthpop como Yellow Magic Orchestra, Kraftwerk e Gary Numan nos clubes, ele decidiu fazer algo que nenhum DJ de hip hop tinha feito antes: infundir um som de computador gerado eletronicamente com rap e funk. Afrika Bambaataa e o Soul Sonic Force surgiram com essa receita de electro funk e gravaram “Planet Rock”, que explodiu a cena em seu lançamento em 1982.

Utilizando a última tecnologia de produção musical como samplers digitais e vocoders, Bambaataa foi o primeiro a usar a bateria eletrônica Roland TR808 no hip hop, o que veio a se tornar o kit básico dos artistas de hip hop, persistindo ainda hoje como evidenciado no álbum 808s & Heartbreak de Kanye West. Bambaataa tirou a melodia de ficção científica de “Planet Rock” de “Trans-Europe Express” do Kraftwerk e o 808 emulou as batidas de “Numbers” do Kraftwerk e “Riot in Lagos” do Yellow Magic Orchestra.

No momento em que a disco estava saindo da cena dos clubes e o hip hop estava apenas emergindo como subcultura, “Planet Rock” de Bambaataa surpreendeu as massas mostrando o potencial multifacetado do hip hop. “Planet Rock” abriu os portões para que o público ouvisse mais faixas de electro clássicas como “Hip Hop, Be Bop (Don’t Stop)” de Man Parrish e “Al Naafiysh” de Hashim. Esse movimento electro foi um bloco fundamental no desenvolvimento de grandes bandas como Beastie Boys, Massive Attack, The Chemical Brothers e muitos outros, todos seguindo os passos do hip hop inspirado pela música eletrônica de Afrika Bambaataa.

@Creators_Brasil

Faça Uma Pausa Para O Cafezinho Com Esse Mashup Cósmico De Terror

Tue, 27 Nov 2012 12:25:40 -0500

Uma mulher perturbada correndo por uma clareira na floresta, monstros rastejando pela escuridão, olhos ensandecidos gritando pra você – todos tropos de filmes de terror e todos incluídos na jornada audiovisual It’s in the Trees! It’s Coming!, dirigida por Ash Dorn.

Essas visões familiares, aumentadas por animações de Will Adams e música de Sandy Martin e Matt Bradley, são catapultadas para um lugar mais cósmico depois de três minutos de filme.

Nesse ponto, os visuais de filmes de terror dão lugar a planos astrais para que você tenha a chance de experimentar uma iluminação temporária, antes de voltar ao sossego dos mortos-vivos, crianças zumbis e abominações cheias de tentáculos se contorcendo diante de seus olhos. E depois de volta para a realidade, infelizmente.

[via Vimeo]

@stewart23rd

Struct Transforma Os Movimentos Da Multidão Em Sons Intrincados E Visuais Impressionantes

Mon, 26 Nov 2012 14:42:33 -0500

Struct é uma nova instalação audiovisual de Eduard Haiman e Vadim Smakhtin, e pode ser exatamente aquilo que você estava procurando para sua festa – isso se a sua casa for grande o suficiente para acomodá-la. O ambiente audiovisual generativo reage em tempo real aos movimentos do público, transformando o empurra-empurra dos festeiros em sons piscantes e visuais que se metamorfoseiam.

Projetados num muro de 30 metros, um punhado de polígonos evoluem enquanto milhares de partículas e favos geram sons orgânicos, puros e relaxantes que parecem dançar com as animações num colorido balé – uma visualização perfeita para baladas.

@Creators_Brasil

Curta Em CG Retrata Um Oceano Cintilante Repleto De Diamantes

Mon, 26 Nov 2012 14:03:03 -0500

Se você está vivendo um dia frenético, se desligue um pouco da realidade com esse curta em computação gráfica de Tetsuka Niiyama chamado Hinode. Ele reimagina os mares como um lugar adornado com joias cintilantes, mostrando a vida marinha crescendo e se movimentando, mas enfeitada ao máximo com diamantes e rubis.

As imagens geradas por computador são tão vistosas que seus olhos vão doer. A animação mistura formas cristalinas com os movimentos orgânicos da vida marinha de uma maneira muito gostosa de assistir. Niiyama explica: “O vídeo cria um cenário místico e atrativo com criaturas marinhas semelhantes a combinações de minerais e isso transforma a refração e a reflexão da luz que é afetada pelos movimentos orgânicos.”

[via Vimeo]

@stewart23rd

Imagens: Niiyama

Festival Internacional De Games Chega A São Paulo

Mon, 26 Nov 2012 12:07:25 -0500

Quem poderia dizer em meados da década de 80, com a febre dos primeiros joguinhos digitais no Brasil, que eles ainda renderiam muito assunto no futuro, sendo até mesmo tema de graduação universitária? Pois é, os games se popularizaram e foram ganhando espaço em muitos segmentos do nosso cotidiano, especialmente na arte, assunto sobre o qual falamos com frequência aqui no site. Em São Francisco, nos Estados Unidos, existe inclusive um festival especializado na criação de novos jogos, o Independent Games Festival, criado em 1998. E inspirado no modelo norte-americano, um evento semelhante chega ao Brasil neste ano: o BIG – Brazilian International Game Festival.

O festival de games está em cartaz no MIS, em São Paulo, até o próximo domingo, e visa fortalecer a produção independente de games no Brasil, capacitando profissionais com a troca de experiências e intercâmbio de produtos, além de estabelecer um ponto de encontro anual de referência para desenvolvedores de jogos nacionais e internacionais. Na programação, uma série de atividades estão envolvendo os gamers que passam pela mostra montada no prédio do museu paulistano. Uma delas é a competição em que concorrem 4 jogos nacionais e 15 estrangeiros, valendo mais de 50 mil reais em prêmios no total.

Outro destaque é a Dev Island, um desafio entre equipes, envolvendo um isolamento de 24 horas para o desenvolvimento de um jogo. O desafio aconteceu no final de semana e agora os jogos criados pelos participantes ficam expostos para votação popular até sexta-feira, quando acontece a grande premiação dos ganhadores. Amanhã, terça-feira, dia 27, é o dia das palestras com profissionais do meio falando sobre mercado de trabalho, game como ferramenta de educação e games e terceira idade. Para participar basta se inscrever pelo link disponibilizado no site do evento: BIG palestras .

As novidades seguem durante esta semana com a realização da Demo Night, na quarta-feira, dia 28, na qual desenvolvedores apresentam novos projetos, finalizados ou não, a uma plateia composta por nomes relevantes do game design nacional e internacional, jornalistas e outros formadores de opinião.

Conversamos com Melina Manasseh, da organização do evento que falou um pouco mais sobre o evento e sobre games, é claro.

The Creators Project: Como surgiu a ideia de realizar o BIG no Brasil? O que ele tem de especial em relação a outros eventos de games?
Melisa Manasseh: O BIG nasceu da vontade de dar um empurrão no mundo de games, assim como as outras mídias tiveram nos últimos anos. Percebemos a necessidade de conceber um evento que fosse palatável aos gostos brasileiros, por isso misturamos aquilo que conhecemos: Festival de Curtas de São Paulo, Kidscreen, mercados que dão capacitação assim como os da MIP e assim criamos algo diferenciado, considerando também a necessidade de criar um marco nas agendas dos desenvolvedores.

Aí chegamos no mix do BIG, festival de games independentes — daqueles que não são vistos e conhecidos pelo grande público, mas que podem vir a ser o próximo “Angry Birds” — com fórum, Developers Island, Demo Night, mercado e palestras, capacitação e atividades infantis. Hoje quando penso no BIG e como ele é grande ainda acho que a iniciativa além de ousada é bastante completa, atingido o universo dos games de diferentes ângulos. E posso garantir que tem sido uma experiência incrível para todos os envolvidos.

O que pode ser dito sobre o mercado nacional de games hoje em dia? É um mercado em crescimento?
Sim, é um mercado em crescimento, mas ainda está anos luz dos mercados de outros países. É sem dúvida um mercado que merece um certo cuidado. A concorrência fora do Brasil é enorme e os investimentos são muito maiores do que aqueles destinados aos lançamentos cinematográficos. Se não nos aproximarmos, nesse primeiro momento de formatos independentes, criativos e econômicos, se não nos esforçarmos para afinar uma conversa com possíveis parceiros e se não desenvolvermos games capazes de viajar, nunca iremos chegar lá.

Nós observamos o crescimento do cinema e da animação através dos anos e percebemos que se hoje somos capazes de exportar conteúdo é porque lá atrás houve um investimento do governo para que o cinema e a animação fossem tratados como indústria. O mesmo precisa acontecer com os games.  

Que tipo de público tem ido ao MIS para o evento e como tem sido a recepção do BIG por parte deles?
Ficamos felizes em verificar que todos que visitaram o BIG adoraram a exposição. O público é variado, todas as faixas etárias e econômicas estavam lá representadas. Percebemos, por fim, a necessidade de ser um evento anual que traz as tendências do que está sendo criado além de marcar na agenda dos desenvolvedores e dos publishers uma data para se encontrar, um evento que capacite, ajude as empresas a se encontrarem, um mercado destinado para eles! Aproveito para agradecermos ao público pela presença!

E se você ainda está curioso sobre o que vai encontrar por lá, abaixo listamos os cinco finalistas do Festival na categoria Melhor Jogo, conheça um pouco sobre cada um deles e escolha seu favorito.

Awesomenauts

MOBA bidimensional desenvolvido pela Ronimo Games, marcado por momentos de ação e tensão, mas sempre gratificantes.

Capsized

Puzzle-platformer desenvolvido por Lee Vermeulen, com mecânica dinâmica e conteúdo audiovisual de excepcional qualidade.

Papo & Yo

Aventura narrativa desenvolvida pela Minority Media reconhecida por abordar temas complexos em seu universo encantador e emocionante.

Tiny & Big

Adventure platformer desenvolvido pelo Black Pants Game Studio, destaca-se pela identidade visual e mecânica de jogo únicos.

Unmechanical
Jogo de puzzle e exploração desenvolvido pela Talawa Games, com um universo misterioso que instiga o jogador a buscar suas respostas.

@Creators_Brasil

GIFs Hipnóticos Diretamente Da Croácia

Mon, 26 Nov 2012 07:45:27 -0500

Quando pensamos que já vimos tudo que podíamos ter visto no que se refere à ilustrações digitais e nas pequenas derivações delas, eis que surge mais um tumblr de gifs animados para prender nossa atenção. A razão provavelmente está no quanto esse tipo de arte é capaz de nos hiptonizar, já que não se trata apenas de uma imagem interessante estática, ela se mexe, e em loop!

Usando recursos já bem conhecidos como Cinema 4D, After Effects, Processing, Flash e Photoshop, o artista croata, residente em Zagreb, Paolo Čerić cria GIFs a partir de formas geométricas em extensas repetições e sobreposições. Veja alguns dos trabalhos dele abaixo, e se tiver com tempo dê uma olhadinha também neste trabalho aqui: ZEF mas cuidado para não ficar colado na tela do computador movendo o cursor eternamente.

@Creators_Brasil

Transformando Videogame Em Música Ao Vivo: Conheça O Tacit Group

Fri, 23 Nov 2012 09:55:40 -0500

Para o Tacit Group, arte algorítmica é como montar um elaborado carrilhão de vento para permitir que a brisa componha a música. A música é incidental dentro de construções deliberadas, e essas construções são muito mais complexas que qualquer carrilhão de vento.

Com um nome inspirado pela composição “4’33” de John Cage, o time de artistas e performers coreanos incorpora elementos dos videogames em seus projetos audiovisuais, utilizando-se dos games para produzir música como um subproduto do jogo. Implementando seus conceitos usando projeção mapeada em tempo real e gráficos computadorizados, o Tacit Group revoluciona o conceito de som e performance na cena de arte de nova mídia coreana.

Desde 2008, o Tacit se constrói sobre os talentos complementares de Jar Ho Jang e Jin Won Lee (também conhecido como Gazaebal). Jang teve educação musical clássica enquanto Lee é proficiente em música eletrônica contemporânea. Junte isso a obsessão coreana pela cultura dos videogames e você terá uma união inigualável de música eletroacústica e interação improvisada.

Veja por exemplo Puzzle 15 (mostrada abaixo), uma improvisação do jogo clássico de quebra-cabeça. Os performers competem um com o outro para resolver quebra-cabeças de seus rostos com peças virtualmente embaralhadas. Enquanto isso, o jogo foi desenvolvido para gerar várias melodias de acordo com os padrões das peças combinadas. E assim a disputa segue através da experiência espontânea dos performers, resultando em áudio acidental.

Puzzle 15

Saiba mais sobre o Tacit Group no nosso perfil em vídeo acima.

@Creators_Brasil

Agenda Creators – As Boas De Arte E Tecnologia Para O Fim De Semana 23-25/11

Fri, 23 Nov 2012 09:32:47 -0500

RJ>>CRio- Festival Internacional de Criatividade

Uma reflexão sobre as transformações urbanas é o tema do Festival Internacional de Criatividade que rola no Rio até domingo, dia 25 de novembro. O evento que tem curadoria de nossa criadora Liana Brazil do SuperUber reúne obras de arte de 19 artistas entre fotografias, esculturas, símbolos, instalações interativas e impressões. Já destacamos alguns trabalhos do Festival aqui, como Ash, obra de Masbedo, Free City, um protótipo conceitual para cidades do futuro (foto acima) e a instalação interativa How to Disappear Completely.

Para mais informações, clique aqui.

SP>>BIG – Brazilian International Game Festival

Os melhores games independentes nacionais e internacionais de 2012 estão no BIG — Brazilian International Game Festival que começou ontem e vai até o dia 2 de dezembro no MIS em São Paulo. O evento terá uma competição para a seleção dos melhores games independentes, workshops e palestras. Quem visitar o festival pode aproveitar para jogar e votar nos games que estão concorrendo a prêmios.

Para mais informações, clique aqui.

SP>>Vídeo Guerrilha

Quem curte projeções mapeadas exibidas ao ar livre e intervenções urbanas não pode perder a terceira edição do Vídeo Guerrilha na Rua Augusta em São Paulo neste final de semana. A intervenção terá trabalhos de artistas do Brasil, como o Agigantador de Pessoas do VJ Alexis (abaixo) da produtora Visual Farm, e de artistas de países como Rússia, Cuba, Espanha, França, China e Índia.

As projeções vão até sábado, dia 24 de novembro. Para mais informações, clique aqui.

SP>>Isaac Julien: Geopoéticas

A exposição Isaac Julien: Geopoéticas no SESC Pompeia vale a sua visita. A primeira exposição no Brasil de um dos principais nomes mundiais da arte em meios artevisuais conta com quatro instalações em múltiplas telas e duas décadas de produção do artista. A exposição tem curadoria de Solange Farkas e tem exibição paralela de destaques da filmografia de Julien pelo SESCTV.

Para mais informações, clique aqui.

SP>>20ª edição da Green Sunset

A 20ª edição da Green Sunset, a festa mensal que reúne a música electrônica a arte, acontece no sábado, dia 24 de novembro, no MIS. A atração principal do evento é o Tomas Barfod, baterista da banda WhoMadeWho. Além disso, o evento conta com intervenções do grupo Grite Poesias e My Paper Sunglasses, foto abaixo, do designer Otavio Santiago.

@Creators_Brasil

Conheça Philippe Zdar: Pioneiro Da French House E Um Dos Produtores Mais Requisitados Da França

Fri, 23 Nov 2012 09:10:32 -0500

Quando Margaret Thatcher inadvertidamente criou a cena rave na Europa, primeiro fechando as indústrias têxteis e liberando espaço em galpões e depois tornando a música “caracterizada pela emissão de uma sucessão de batidas repetitivas” ilegal, os defensores franceses da cena adotaram sua própria tomada do estilo, incorporando influências do disco funk. Mesmo que nunca tenha ouvido o termo “French house” antes, você com certeza já dançou ao som da música que leva esse nome, hits de músicos eletrônicos proeminentes como Laurent Garnier, Étienne de Crécy e de um grupo que talvez você já tenha ouvido falar chamado Daft Punk. E foi dessa cena de música dance que emergiu Philippe Cerboneschi (aka Zdar).

Desde que conheceu Hubert Blanc-Francard (o Boombass) em 1988, a dupla lançou três álbuns como Cassius, instigando as multidões de todo o mundo com o hit “I <3 U So”. Zdar também colocou a mão na produção de músicos como MC Solaar, Phoenix, The Rapture e os Beastie Boys. Mais recentemente ele mixou o primeiro disco solo de Lou Doillon, Places, e produziu os últimos discos do Cat Power e Kindness.

Conversamos com Zdar por e-mail para descobrir como ele acabou trabalhando com uma variedade tão grande de artistas.

The Creators Project: Você tem trabalhado com um monte de músicos de diversos gêneros. Como você escolhe os artistas com quem quer colaborar?
Philippe Zdar: Geralmente são os artistas que dão o primeiro passo. Tenho recebido muitas propostas ultimamente e tive que fazer algumas escolhas muito difíceis. Meu primeiro instinto é ouvir as músicas que a pessoa tenha feito no passado e sua demo para ver se posso acrescentar algo. Depois me certifico que a pessoa entenda completamente meu trabalho como produtor. Mas para os Beastie Boys, por exemplo, concordei instantaneamente porque sou um grande admirador do trabalho deles.

Kindness: “Cyan” do álbum World, You Need A Change of Mind produzido por Philippe Zdar.

Qual é sua abordagem como produtor?
Na minha opinião, um produtor está ali simplesmente para ajudar o artista a terminar seu disco. Sendo músico, vejo como pode ser difícil às vezes saber quando uma faixa está finalmente terminada. Acho que é parte do papel do produtor decidir isso. Às vezes, ser produtor é como ser um diretor, mas costumo trabalhar com artistas que sabem exatamente o que querem fazer. Eles me contatam com uma ideia muito clara do resultado que estão procurando, e estou ali pra ajudá-los a atingir seu objetivo – esse foi o caso do Phoenix, por exemplo.

Você tem planos para produzir algum artista em breve?
Não no momento. Gostaria de dar uma pequena pausa nas colaborações para escrever minhas próprias coisas. Estamos planejando lançar um novo disco do Cassius.

Cat Power: “Cherokee”, do álbum Sun produzido por Philippe Zdar.

Conheça mais sobre o trabalho de Philippe Zdar no nosso perfil em vídeo acima.

@Creators_Brasil

Música Misteriosa de Ludovico Einaudi Inspira Animação Noir

Fri, 23 Nov 2012 08:27:10 -0500

Animador sueco de apenas 20 anos, Rickard Bengtsson já acumula um extenso portfólio de projetos comerciais e pessoais. No entanto, na intrigante animação acima, I’m not quite sure what it was, o jovem artista se aventurou pela primeira vez na mais antiga técnica de animação, a cell animation. Desenhada frame por frame, ela é trabalhosa mas garante um resultado único. A experiência foi inspirada na paixão do artista pelo compositor Ludovico Einaudi.

Há dois anos, depois de encontrar a faixa “Prima”, que serviu de trilha e tema para o vídeo, Bengtsson ficou fascinado com a peculiaridade e a aura misteriosa da
música. “Ela é definitivamente misteriosa e intrigante. Tem algo nela que te prende, te envolve”, diz ele sobre os arcordes sombrios e as vozes que recitam uma espécie de poema. “Desde a primeira vez em que a ouvi soube que teria que fazer uma animação para ela”. O processo durou três meses e, apesar de ter sido “doloroso”, para o animador valeu cada frame.

A interpretação da música feita na animação envolve dois personagens, um homem e uma mulher, que aparentemente têm uma relação amorosa em conflito. “Não necessariamente deve fazer sentido ou haver uma explicação por trás. Definitivamente existe um relacionamento entre os personagens na história. Mas o que é este relacionamento é um mistério, assim como a canção. Na minha opinião, essa é uma das características que tornam esta criação tão legal”, diz.

O que resta saber agora é o que Ludovico Einaudi achou da animação/homenagem. Rickard tentou entrar em contato com o músico, sem sucesso. Não encontrou nenhum email válido. “Sou meramente um artista fazendo o que tenho que fazer: criar. Inspirado pelo trabalho dele”, finaliza.

Veja mais criações de Rickard Bengtsson no Vimeo do artista.

@Creators_Brasil

Energy Flow do FIELD: As Paisagens Tecnológicas Ilimitadas de “Infinity”

Thu, 22 Nov 2012 14:11:38 -0500

Para o capítulo “Infinity” de sua experiência em filme animado Energy Flow, o FIELD retratou uma vasta paisagem raramente vista por olhos humanos. Se inspirando em enormes torres de supercomputadores e na extensão digital dos centros de dados do mundo, “Infinity” dá forma à “nuvem” onipresente que usamos diariamente mas para a qual não temos uma verdadeira metáfora digital.

“Essas enormes paisagens formadas por servidores se tornaram um símbolo fascinante da nossa natureza digital”, diz Vera-Maria Glahn, cofundadora do FIELD. “Elas são uma parte crucial da infraestrutura global, mesmo que dificilmente alguém já tenha visto uma delas. “Às vezes nos esquecemos que os serviços virtuais e digitais em que confiamos na verdade escondem uma infraestrutura mecânica pesada e complicada atrás de si.”

É um foco temático que combina bem com um projeto que explora a transmissão de energia através do nosso mundo – e o senso de interconectividade que esse “fluxo de energia” promove. Imagens de dados percorrendo a intrincada estrutura de informação da internet, e dos supercomputadores e servidores que a abastece, parece algo inteiramente moderno e representativo do momento particular em que vivemos. Também parecem anunciar o futuro ainda inexplorado – como destaca Glahn: “a maioria das descobertas científicas do passado recente não seria possível sem os supercomputadores, por exemplo a física quântica, previsão do tempo, pesquisa das mudanças climáticas, modelagem molecular, simulações físicas e assim por diante.”

Apesar das paisagens digitais de “Infinity” já estarem concebidas, o FIELD nota que as imagens recentemente reveladas dos centros de dados do Google são muito interessantes, já que as fotos marcam a primeira vez que muitas pessoas veem como é realmente uma super via da informação.

Um dos centros de dados do Google.

O grupo também se inspirou no trabalho do fotógrafo Andreas Gursky, cujas imagens em grande formato de paisagens e arquiteturas mundanas como essas de supermercados compartilham uma sensação similar de imensidão, grandeza e reverência.

Andreas Gursky, 99 Cent.

A modelagem 3D de “Infinity” foi feita com um processo chamado instanciamento, que duplica e distribui de forma aleatória uma série de blocos de construção pré-definidos, como os tipos diferentes de racks, estruturas do teto etc., para criar a ilusão de uma escala maciça.

Conforme o espectador se move através dos panoramas digitais de “Infinity”, as bestas digitais começam a se fragmentar e partir, quebrando as redes imensamente complicadas em simples bites de dados piscantes.

The Creators Project: As fileiras gigantescas de servidores retratadas em “Infinity” são elementos do nosso cotidiano nos dias de hoje, mesmo assim nunca as vemos e só pensamos nelas quando algo derruba nosso site favorito. Como elas não possuem uma “metáfora visual”, como vocês dizem, que tipo desafios e oportunidades isso representou para o retrato artístico delas feito por vocês? Como você representa algo que é muito grande para se imaginar?
FIELD: Acho essas paisagens fascinantes porque não podemos ver o que elas fazem. Os cálculos em que elas estão trabalhando são um mistério completo para nós – elas podem estar rodando nosso site favorito, também podem estar calculando o possível trajeto e intensidade de um furacão, ou rodando simulações que mudam nosso entendimento do universo. Esse amplo leque que vai do virtual ao existencial é o que faz delas uma metáfora tão poderosa. Isso atiça nossa imaginação.

Fale um pouco mais sobre o processo de modelagem 3D aplicado em “Infinity”. Quantos “blocos de construção” diferentes vocês acabaram criando para serem instanciados? Como vocês garantiram a variedade de paisagem mesmo permitindo que o processo fosse semiautomático?
É um equilíbrio entre elementos únicos suficientes versus números de repetições – a partir de uma certa escala em diante, a cena se torna um padrão que nossos olhos lutam para questionar atrás de detalhes. Todas as unidades nos racks são modulares e combináveis. A explosão e intervalos são ligeiramente diferentes e deslocados para cada rack. Pequenas irregularidade como essas fazem a cena parecer natural, como os cabos soltos.

É interessante ver como supercomputadores como esses acabaram entrando no seu filme, já que vocês confiaram pesadamente no poder de renderização de um computador personalizado da Intel para ser capaz de processar grandes arquivos digitais que vocês estava criando para Energy Flow. Quando vocês estavam ali, desejando que o computador pudesse processar tudo mais rápido, ele adicionou um toque ainda mais pessoal a essa história?
Sim, na verdade temos um rack como esse no nosso estúdio onde ficam todas as nossas máquinas de renderização. Muitas vezes quis que elas fossem supercomputadores. E nós tivemos uma referência visual sempre à mão para as texturas de superfícies dos racks :).

Visite EnergyFlow.io para mais informações sobre o projeto e mais imagens dos bastidores de “Infinity.” Toda quarta-feira estaremos apresentando mais detalhes sobre o projeto e as diferentes histórias apresentadas no filme.

Conheça o FIELD no nosso perfil em vídeo abaixo…

@juliaxgulia

Terceira Edição Do Vídeo Guerrilha Invade A Rua Augusta Em São Paulo

Thu, 22 Nov 2012 14:00:01 -0500

Nos últimos dois anos já falamos bastante sobre trabalhos feitos com projeções mapeadas e o quanto este tipo de mídia cresceu com aplicações que vão bem além da arte, sendo totalmente incorporada pela publicidade e marketing de grandes empresas. Apesar da popularização e multiplicação destes projetos, alguns ainda se destacam, tanto pelo pioneirismo, quanto pelo público que movimentam. Um exemplo disso foi o Invasion Lab, realizado por Laura Ramirez, que aconteceu recentemente em Bogotá, e outro é Vídeo Guerrilha, que realiza entre hoje e sábado a sua terceira edição, na Rua Augusta, em São Paulo.

Trata-se de uma grande junção de trabalhos de artistas do Brasil e de países como Rússia, Cuba, Espanha, França, China e Índia, entre outros, exibidos ao ar livre em projeções feitas nas paredes dos prédios da rua que é cartão postal paulistano, entre as esquinas da Fernando de Albuquerque e da Marquês de Paranaguá. A iniciativa é da produtora Visual Farm e surgiu em 2010 com o objetivo de estimular a reocupação dos espaços públicos das cidades pela arte, promovendo-a no cotidiano das pessoas, estimulando a produção, o acesso gratuito e o intercâmbio artístico e cultural na área das artes visuais e videoarte. “O Vídeo Guerrilha é uma intervenção urbana que estimula a produção artística na arquitetura e no espaço público das cidades, projetando em grandes formatos obras de diferentes linguagens e autores”, explica a organização do evento sobre o mesmo.

Para a edição de 2012 do Vídeo Guerrilha, estão confirmadas atrações como o Agigantador de Pessoas, criado pelo VJ Alexis (que você pode ver no vídeo abaixo durante a primeira edição do evento) – uma instalação que capta imagens das pessoas e as projeta ao vivo nas paredes de um prédio, em versão enorme, como se o voluntário tivesse 30 metros de altura; e projeções comandadas por sensores de movimento, que permitirão “desenhar” ao vivo nas construções arquitetônicas do local.

Saiba mais sobre o Vídeo Guerrilha aqui, e se estiver em São Paulo, não deixe de dar um rolê pela Augusta para ver esta guerrilha visual de perto.

@Creators_Brasil

A Coleção Primavera Verão 2013 Do Studio K Traz Dimensão À Estrutura E Ao Design

Thu, 22 Nov 2012 12:48:28 -0500

A estilista coreana Hyejin Hong foi provavelmente uma das pessoas mais empolgadas com as notícias sobre o concreto invisível, o que a inspirou na criação de sua mais recente linha de roupas.

Abrangendo as últimas inovações em nova mídia, sua marca The Studio K apresenta desenhos minimalistas e práticos. Até agora, ela vinha aplicando algorítimos matemáticos, padrões dobráveis de precisão e outras técnicas experimentais para criar looks clássicos e inteligentes, mas a coleção Primavera Verão 2013 de Hong apresenta uma abordagem elegante e refinada para roupas transparentes. Assista ao vídeo acima para conhecer o processo tecnológico por trás de sua coleção e leia nossa entrevista com Hong abaixo.

The Creators Project: Sua coleção Primavera Verão 2013 enfatiza as linhas limpas de várias maneiras. Qual é a intenção e o conceito por trás desse foco?
Hyejin Hong: O foco do desfile é o concreto translúcido. Muitos pensam em transparência quando ouvem a palavra translúcido, no entanto a abordagem do The Studio K não é sobre mostrar a pele. Isso tem a ver com correlação de estruturas, formas e detalhes que se consegue mostrando simultaneamente a frente e a parte de trás das roupas. A estrutura arquitetônica lembra o empilhamento de objetos como blocos. Como uma estrutura feita de concreto translúcido, as linhas do exterior aparecem ostensivamente. E através desse tipo de experimento dimensional que minha coleção foi feita com formas e detalhes tão únicos.

Do lado de fora, as peças são visualmente concisas, transmitindo ao mesmo tempo o processo experimental por trás dos desenhos. Como foi o processo de real produção dessa coleção?
Para os designs de passarela, papel translúcido foi usado para desenhar os padrões criando a intersecção de linhas da frente e de trás das roupas. Padrões inteiros foram intersectados, e componentes específicos do design também foram divididos e segmentados. Fizemos todo tipo de correlações nos detalhes da estrutura e da forma, de frente para trás e de um lado para o outro. Além disso, adicionei dimensões ás formas planas com intersecções em superfícies totais ou parciais. Como resultado cada peça contém um dimensão única. A simplicidade e classe dessas formas de vestir são limpas e refinadas, assim as pessoas que as usam podem sentir a felicidade do minuto incorporada no processo.

ALL ABOUT PAISLEY

Você comenta sobre seu trabalho colaborativo com CA Plan em seu perfil em vídeo, você está trabalhando em alguma outra colaboração no momento?
Tenho uma coleção em colaboração com o stylist Han Suk Chae chamada ALL ABOUT PAISLEY. Com 12 itens bem básicos como jaqueta, casaco, camisa, camiseta, moletom, shorts, calça e lenço, compomos um look. Estampamos cada item em tecido translúcido em seus tamanhos reais e penduramos isso no teto como uma cortina. Isso dá ao usuário a chance de testar camadas de itens sem precisar experimentá-las. Não é tanto uma aplicação de tecnologia, é mais uma ideia usando aparelhos simples mostrando meios alternativos da ação de vestir algo.

Parece que mesmo além de suas coleções, você utiliza a tecnologia de muitas maneiras…
Pessoalmente, me interesso muito em usar tecnologia no meu trabalho. Encontrar inspiração num artista ou designer, depois usar isso diretamente como um foco do meu trabalho ou mesmo como meio do processo de produção – tudo isso é muito interessante pra mim. Vivendo na sociedade contemporânea e ao mesmo tempo sendo uma pessoa que vai viver na sociedade futura, sempre tive muita curiosidade pelas novas tecnologias.

Desfile de Primavera Verão 2013 do Studio K

@Creators_Brasil

Festival CRio: Obras Fazem Reflexão Sobre Novos Modelos Urbanos

Thu, 22 Nov 2012 12:07:58 -0500

Existiria um modelo urbano ideal para as sociedades do mundo pós globalizado? Quais seriam os novos parâmetros para se viver em uma realidade que sofreu tantas transformações nos últimos anos? As obras de arte de 19 artistas propõem variadas reflexões sobre a questão da transformação urbana, na 2ª Bienal Mundial da Criatividade, no Píer Mauá, Rio de Janeiro. Fotografias, esculturas, vídeos, instalações interativas, animações, impressões, abordam temas como individual e coletivo, público e privado, símbolos, memórias, sustentabilidade e globalização.

Parte da Bienal, o Festival Internacional de Criatividade (CRio), tem curadoria de uma de nossas criadoras do SuperUber, a diretora artística da produtora multimídia, Liana Brazil. “A Bienal tem uma sintonia entre os conceitos das instalações que, juntas, formam um panorama de ideias sobre cidades e transformação. Por exemplo, a escultura cinética de Jan Detavernier mostra a sincronização entre as partes para criar o movimento do todo, enquanto a escultura mapeada com projeção do FR-EE mostra uma visão única dentre as peças da Bienal: o projeto de uma cidade conceitual, apresentado com animações”, diz Liana. O SuperUber também assina toda a identidade visual do evento carioca.

Destacamos aqui alguns dos trabalhos presentes no Festival, que representam bem a diversidade e o conceito do CRio:

Masbedo

Ash, um vídeo exibido num único canal formado por duas janelas interligadas é a série de obras mais recentes criadas por Masbedo, na Islândia. A filmagem foi feita durante a erupção do vulcão Eyjafjallajokull, em 2010, que paralisou o tráfego aéreo no mundo todo. A obra faz uma metáfora do poder avassalador da natureza em contraste com os caprichos materiais do ser humano, forçando-o a buscar conforto e esperança na oração.

Ash mostra as cinzas forçando os humanos a literalmente cobrirem suas bocas, baixarem os olhos para o chão a se reunirem numa igreja (que na verdade era a única estrutura no vilarejo de Vik, na encosta do vulcão, capaz de oferecer abrigo). Ash fala das sensações de impotência, perigo, medo e submissão como estados inerentes à alma humana.

FR-EE

Free City é um protótipo conceitual para cidades do futuro. Elas garantem a infraestrutura necessária para uma melhor qualidade de vida, o potencial para prosperidade econômica e a plataforma de lançamento para ideias inovadoras. Em diversos países em desenvolvimento, legislações ineficientes prejudicam o crescimento e o avanço da sociedade. Free City nasce do desejo de criar um modelo capaz de integrar ideias de sustentabilidade e interação urbana de uma maneira inteligente e sistematizada, convidando-nos a redefinir o conceito de cidade do século XXI.

Shahar Zaks

A instalação interativa How to Disappear Completely convida os visitantes a olhar num espelho e testemunhar a desintegração de seus corpos físicos, reduzidos a pó por uma força invisível. A obra proporciona ao público uma vivência do conceito abstrato da efemeridade da existência do corpo e do ser, em uma dimensão visceral, quase literal.

Conheça mais sobre o trabalho de Liana Brazil e da produtora SuperUber:

@Creators_Brasil

Por Trás Da Trilha Sonora Do Plaid Para The Carp And The Seagull [Entrevista]

Thu, 22 Nov 2012 11:50:34 -0500

O filme interativo The Carp and the Seagull de Evan Boehm, é um conto de terror que acompanha um homem numa jornada misteriosa por outra dimensão desencadeada pelo encontro com um sinistro demônio das neves. O acompanhamento musical dessa história só poderia ser tão sombrio quanto seu tema, aumentando a tensão nas horas certas enquanto os espectadores navegam através dela. Por isso o Plaid foi uma escolha incomum para compor a trilha sonora.

A dupla começou a jornada como membros da The Black Dog, depois fizeram uma longa carreira na Warp Records, e agora Andrew Turner e Ed Handley são especialistas num estilo que qualquer ouvinte descreveria imediatamente como “feliz”. Ritmos alegres, sintetizadores cintilantes e melodias sentimentais estão no centro das criações do Plaid, o que nos faz imaginar como eles conseguiram mudar suas psiques e afundar no mundo de desespero em WebGL de Boehm.

E parece que foi só uma questão de inverter as vibrações. Basta ouvir a trilha sonora do Plaid para “Myopia” para entender que a dupla consegue ir da luz à escuridão e vice-versa. Falamos com eles para saber mais sobre suas trilhas sonoras, sua carreira na Warp e sobre quem eles gostariam de ouvir cantando em suas faixas.

The Creators Project: Muito da música de vocês é bem rítmica, com várias camadas de melodias dinâmicas. Foi necessário uma grande mudança mental para criar faixas ambientes que são de certa forma mais simples em composição como a de The Carp and the Seagull? Ou há mais coisas aí do que o que chega aos nossos ouvidos?
Plaid: O filme guiou a composição. Esse é um conto sinistro e a trilha sonora precisava refletir isso. É uma situação com que não trabalhamos frequentemente, mas já estivemos em momentos similarmente desoladores com Tekkon kinkurîto, onde tivemos que ser mais emotivos.

De “Shackbu” até “Missing”, sempre associei a música do Plaid a batidas e imagens felizes, como se essa fosse a natureza do processo sonoro e melodia de vocês. Foi um processo diferente para criar a trilha de The Carp and the Seagull?
Somos por natureza alegres e felizes; as pessoas mais próximas da gente podem não concordar muito com isso. Nossos momentos mais obscuros raramente duram tempo suficiente para produzir um trabalho completo. The Carp and the Seagull exigiu mais design de som do que o normal e muita contenção melódica, bem mais que as outras trilhas com que já trabalhamos, já que é o usuário quem decide quando atuar ao invés do diretor. Não é possível construir a melodia num momento chave quando você não sabe quando ele está vindo.

Nos últimos anos, vocês realmente investiram em trilhas sonoras, primeiro com Tekkon kinkurîto, depois com Heaven’s Door e agora com The Carp and the Seagull. Vocês têm algum plano no momento para uma futura trilha sonora? Com quem vocês gostariam de trabalhar? E quanto a essa questão, há algum filme do passado para o qual vocês gostariam de fazer a trilha sonora?
Estamos ansiosos para fazer mais disso e temos alguns possíveis projetos pela frente. Gostaríamos muito de compor para ficções científicas. Lunar é um exemplo recente excepcional, mas a trilha de Clint Mansell para o filme tem um papel importante nisso. É difícil imaginar gostar de um filme que tenha uma péssima trilha sonora. Gostamos do trabalho de Darren Aronofsky, Wes Anderson, os irmãos Coen… Os diretores tendem a encontrar compositores que gostam e continuar com eles.

Vocês estão na Warp desde sempre. Qual é o disco favorito de vocês saído pela Warp Records e qual sua música favorita desse álbum?
Sim, a gente ainda se lembra de quando assinamos o contrato com eles – ninguém tinha uma caneta, foi hilário! São muito álbuns bons para escolher apenas um. Tom Jenkinson (Squarepusher) é um dos meus artistas favoritos do selo, tanto por seus shows ao vivo quanto por suas gravações.

Se vocês tivessem que contribuir com uma música de vocês para um rapper, que batida do catálogo vocês escolheriam e qual rapper?
Adoraríamos ouvir o Busta Rhymes em “Squance”.

Eu também! Qual o equipamento que vocês adquiriram nas últimas décadas que mais mudou o som de vocês?
Sem dúvida nenhuma o computador.

Uma das faixas mais antigas (e uma das minhas favoritas) do Plaid se chama “Scoobs In Columbia”. Faz muitos anos e nunca a entendi. De onde veio esse nome?
Scoobs era um nome de DJ antes de Plaid.

E finalmente… a música eletrônica piorou agora que todo mundo está fazendo isso?
Alguns artistas são movidos pelo tédio e outros tentam explorar novas áreas da música e alguns deles são músicos eletrônicos. Música derivativa é um saco.

@ImYourKid

Uma Amostra Do Que Quayola E Abstract Bird Estão Preparando Para A Performance Audiovisual Partitura-Ligeti

Wed, 21 Nov 2012 13:01:03 -0500

O projeto colaborativo do artista plástico Quayola e Abstract Birds, Partitura-Ligeti, é uma ferramenta de visualização de som em tempo real que cria gráficos generativos numa linha horizontal, imitando a estrutura de uma partitura musical. Padrões abstratos fluem pela tela, mudando e evoluindo juntamente com o som. As formas variam em estilo, fluidez e complexidade, e foram inspiradas em artistas como Wassily Kandinsky, Paul Klee, e nos cineastas Oskar Fischinger e Norman McLaren.

Quayola e Abstract Birds vão apresentar Partitura-Ligeti no Nemo Festival em Paris. A obra vai envolver duas performances audiovisuais – baseadas na sonata para viola solo de Ligeti executada por Odile Auboin – na terça-feira, dia 27 de novembro no MAC de Créteil, e na sexta, dia 30 de novembro no Le Cube. Uma instalação tríptica estará em exposição no MAC de Créteil durante todo o festival, de 27 de novembro a 16 de dezembro de 2012.

Como Quayola afirma no vídeo acima, muitos de seus projetos têm explorado visualizações musicais com o objetivo de criar um sistema para visualizar o som e desenvolver sua própria linguagem. Partitura-Ligeti de certa maneira vai mais além na realização dessa visão. Durante as apresentações em Paris, seis peças de Ligeti serão transformadas em partituras visuais, traduzindo os sons em formas abstratas e geométricas. Você pode ter uma ideia de como serão esses visuais no vídeo abaixo:

Partitura-Ligeti foi comissionada pela Arcadi em colaboração com a Ensemble Intercontemporain para o Nemo Festival de Paris.

@stewart23rd

Festival De Luzes De Inverno Ilumina Tóquio

Wed, 21 Nov 2012 12:35:09 -0500

Se a decoração no shopping center mais perto de sua casa ou pelas ruas da cidade ainda não deixaram claro, nós te contamos: estamos em novembro, a mais ou menos um mês do Natal e festividades de final de ano. Enquanto você ainda não se desesperou para dar conta de tudo que precisa fazer antes que o ano termine, e ainda não fez sua lista de presentes, o mundo já está decorado com bolinhas coloridas, neve artificial (aqui no Brasil), papai noel e luzinhas, muitas luzinhas, de várias cores, tamanhos e formatos…

No Japão, a tradição de iluminar a cidade para o final do ano não é diferente, mas digamos que o povo da terra do sol nascente coloca um pouco mais de empenho (e provavelmente mais dinheiro também) para garantir que as festas não passem em branco, decorando vários cantos da capital japonesa com um sem fim de LEDs, projeções em 3D e o que mais a tecnologia permitir. Trata-se do Winter Illuminations que por lá começa em novembro e segue até fevereiro, em muitos lugares até o dia de São Valentim (14 de fevereiro).

As atrações luminosas já viraram um evento clássico no calendário local, se reinventando a cada ano, tentando surpreender mais uma vez os moradores e os turistas que por lá passam. Imaginamos que seja também uma maneira de aquecer o país no frio do inverno oriental para celebrar em grande estilo a passagem de mais um ano.

Veja abaixo o que alguns bairros de Tóquio prepararam para as festas em 2012:

Yesubi Garden Place

Aqui acontece um evento chamado Baccarat Eternal Lights, com um grande lustre de cristais, árvores decoradas e iluminação ao redor:

Shiodome

Recebe o Carreta Illumination 2012, que apresenta uma vastidão de LEDs e projeções em 3D:

E algumas fotos:

Yokohama

Trata-se de uma cidade localizada na região metropolitana de Tóquio que recebe o Smart Illumination Yokohama:

Marunouchi

No final do ano, todo o distrito de Marunouchi fica iluminado, especialmente na rua Nakadora:

Tokyo Midtown

Toda a área do complexo Midtown ganha iluminação destaque é o Starlight Garden, neste ano iluminado com luzes de LED azuis:

Tokyo Dome City

Uma das iluminações que permanece por mais tempo é a Love Illumination, em Tokyo Dome City, que se estende até o Dia de São Valentim, em 14 de fevereiro, quando é comemorado o dia dos namorados em alguns países:

Rappongi Hills

O Artelligente Christmas inclui três áreas de iluminação, na Keyakizaka Street, no Mori Gargen e no 66 Plaza, em frente à Mori Tower:

Fotos: ELCAN KE-7A e reprodução.

Aplicativo Animado Report M do Sticky Monster Lab Conta A Origem De Um Monstro

Wed, 21 Nov 2012 12:29:00 -0500

O estúdio criativo coreano Sticky Monster Lab usa suas habilidades em design gráfico, ilustração e design de movimentos para criar cenário animados em um universo povoado por personagens que eles chamam de “monstros”. Fofos porém problemáticos, eles são desenhados com uma estética simples e animados com um absurdo sombrio que acaba refletindo nosso próprio mundinho distorcido.

The Creators Project e Stick Monster Lab se juntaram a vários outros artistas num aplicativo para Facebook que vai criar monstros em miniaturas customizados com base nas informações do perfil do usuário da rede social. Mais informações serão divulgadas em breve, mas enquanto isso você pode imergir no aplicativo para iPad mais recente criado por eles.

O app se chama Report M e conta a origem dos monstros de uma maneira divertida. A história segue uma nave espacial que cai na Terra e as pesquisas científicas conduzidas com essa cápsula e o que estava contido nela – um monstro alienígena – pelos membros do Sticky Monster Lab.

A história se desdobra numa série de cenas com elementos interativos e lindas ilustrações pop up 3D que mostram detalhes sobre os equipamentos e a fisiologia dos monstros. Temperado com todo tipo de documentos para dar corpo a história, como um muito estranho onde aprendemos mais sobre as canções das baleias e a teoria sobre o motivo da jornada delas até os polos (uma ressaca de quando elas enfrentavam tubarões gigantes chamados megalodontes, aparentemente), o aplicativo apresenta uma quantidade quase inesgotável de itens para se explorar. Há também um vídeo muito divertido de uma autópsia.

Assista abaixo o perfil em vídeo do Sticky Monster Lab:

E não esqueça de assinar nosso canal no YouTube para assistir mais documentários sobre artistas visionários e obras de arte únicas.

@Creators_Brasil

Explore Uma Nova Narrativa Interativa Com O Filme Experimental The Carp and the Seagull [Estreia]

Mon, 19 Nov 2012 12:06:18 -0500

Recentemente lançamos o filme experimental interativo The Carp and the Seagull de Evan Boehm, produzido pela Nexus Interactive Arts em associação com The Creators Project. O filme se centra num pescador chamado Masato e seu confronto com um fantasma da neve japonês, o Yuki Onna, enquanto eles viajam entre o mundo espiritual e o real. A natureza experimental da tecnologia e do filme significam que diferentes usuários e sistemas vão experienciar o filme de maneiras diferentes, mas ele pode ser melhor visualizado no Chrome.

Diferente de um filme padrão, a ação acontece dentro de um ambiente interativo baseado em navegador criado com tecnologia WebGL, onde os usuários podem explorar o que está à volta do protagonista. Para descobrir as surpresas escondidas, os usuários são encorajados a clicar em áreas, pessoas e objetos dentro do espaço da narrativa – os usuários também podem arrastar com o mouse ou no touchpad para se locomover entre o mundo espiritual e o real. Quanto mais tempo você passa explorando esse espaço, revendo e clicando, mais camadas dele serão reveladas.

A narrativa é dividida em quatro capítulos, cada um contando componentes diferentes da história e cada um apresentando um ambiente e personagens com os quais você pode interagir. A viagem pela história é guiada por uma trilha sonora original e design de som do Plaid. A estética do filme é de polígonos despojados que transmitem o que os personagens estão sentindo, com polígonos fluídos indicando unicidade e formas abstratas distorcidas mostrando o mal estar do personagem.

No filme, o ambiente onde as ações acontecem é tão importante quanto a narrativa, como explica Boehm: “Esse filme não é sobre um texto escrito mais sobre um espaço escrito. The Carp and the Seagull é um experimento que busca explorar o significado disso numa história que de outra maneira seria contada pela mídia do filme. Basta apontar e clicar, a ideia é explorar e se movimentar num espaço. É sobre explorar o espaço da história tanto quanto a narração.”

Comece sua jornada por esse universo experimental aqui.

@stewart23rd

Artistas de Vanguarda Homenageam Os 50 Anos Do Movimento Fluxus Em Exposição Comemorativa

Mon, 19 Nov 2012 11:44:10 -0500

No começo da década de 60 o artista lituano George Maciunas criou as bases para um dos movimentos mais importantes da arte contemporânea, famoso pelo pioneirismo que emprega em seus trabalhos: o Fluxus. O nome, palavra latina que significa fluxo, movimento, escoamento, era inicialmente o título de uma revista planejada por Maciunas, mas acabou sendo usado como sinônimo para um grupo de artistas de vanguarda, do qual Marcel Duchamp, John Cage, e Yoko Ono fizeram parte, apresentando trabalhos em vários suportes, tendo os “happenings” uma de suas grandes características.

Em 2012, o Fluxus completa 50 anos de história e para celebrar este momento uma mostra de vídeos, outra mídia muito explorada pelo grupo, acontecerá em Belo Horizonte a partir de amanhã. Fluxus | Black&White apresenta os momentos iniciais em que o filme extrapolou seu espaço de exibição usual e ocupou galerias e museus e leva para a capital mineira uma seleção com 45 produções audiovisuais em preto e branco, realizadas pelo coletivo entre os anos de 1960 e 1970.

Integram esta seleção oito artistas pioneiros deste cenário, cada um com uma obra. Entre eles estão dois brasileiros, Letícia Parente, com o vídeo Preparação 1, de 1975, e Ivens Machado, com Versus, de 1974. Os 36 filmes da Fluxfilm Anthology que apresentam vídeos realizados como parte de happenings e performances no contexto da arte experimental produzida em Nova Iorque, também fazem parte da exposição, com obras bem humoradas de artistas como Nam June Paik, Wolf Vostell, Yoko Ono, Ben Vautier e Paul Sharits.

O foco da exposição é mostrar o momento da história do audiovisual em que o filme e o vídeo passam a ser explorados em linguagens experimentais e pouco convencionais por meio da apropriação destes novos meios e suportes pelos artistas. Estes vídeos vanguardistas, feitos com em formatos como o super-8 mm, o 16 mm, e o portapak, foram responsáveis por pensar e criar relações até então não muito evidentes entre várias formas de expressão como cinema, teatro, performance, música e televisão, gerando o que hoje em dia conhecemos como videoarte.

Uma prévia do que esperar da Mostra:

Semiotics of the Kitchen, Martha Rosler (1975)

Two Stage Transfer Drawing (Returning to a Past State) &Two Stage Transfer Drawing (Advancing to a Future State), Dennis Oppenheim (1971)

Preparação 1, Letícia Parente (1975)

Eye Blink, Yoko Ono (1966)

A mostra Fluxus | Black&White começa no dia 20 de novembro às 20 horas na Galeria de Artes Visuais do Oi Futuro em Belo Horizonte. Mais informações aqui.

@Creators_Brasil

O Nascimento Do Divine Fits

Mon, 19 Nov 2012 10:17:09 -0500

Em 2007, Britt Daniel da banda de rock Spoon trombou com Dan Boeckner do Handsome Furs num show do Furs. A camaradagem nascida aí levou os dois músicos a cruzar caminhos muitas vezes nos anos que se seguiram, como músicos e colaboradores casuais. Boeckner tocou com o Spoon no Radio City Music Hall, e os dois passaram a trocar músicas, sempre adicionando algo ao trabalho um do outro.

Os dois vivem a vida invejável dos roqueiros profissionais, tocando com várias bandas de diferentes estéticas. Além do Spoon, Daniel tocou com Drake Tungsten, The Alien Beats, Golden Millenium e, no começo de sua carreira, com Skellington. Boeckner começou no Atlas Strategic e mais recentemente tocou com Wolf Parade e Handsome Furs, bandas que acabaram no verão de 2012. Os dois encontraram um no outro parceiros confiáveis.

Compondo as músicas com uma bateria eletrônica dando o ritmo e planejando se apresentar ao vivo com esse novo projeto chamado Divine Fits, o produtor Mike McCarthy, que trabalhou extensivamente com Daniel, recomendou um baterista. Eles então convenceram Sam Brown do New Bomb Turks a sair de Ohio e vir até Los Angeles para se juntar às fileiras do Divine Fits.

Ressurgindo como um trio, a banda imediatamente demonstrou que era uma força a ser reconhecida, fazendo shows ferozes começando em Austin e, mais recentemente, lançando seu primeiro álbum, modestamente intitulado A Little Thing Called Divine Fits (uma coisinha chamada Divine Fits). No vídeo acima, vemos como Daniel e Boeckner criaram o som do Divine Fits de um jeito realmente colaborativo, o que levou à gravação de um disco onde fazem livremente o que mais gostam – rock and roll de cabo a rabo.

Assista abaixo uma versão de “Civilian Stripes” do Divine Fits gravada num quarto do hotel para o programa Bowery Presents.

Conheça Zach Lieberman: Artista, Hacker E Iluminador Da Paisagem Rural Inglesa

Mon, 19 Nov 2012 09:16:15 -0500

No final de agosto, o trecho de 117 quilômetros na zona rural inglesa que acompanha a Muralha de Adriano, uma antiga fronteira do Império Romano na Grã-Bretanha, se tornou o local de uma das maiores obras de land art já instaladas. Cerca de 400 balões meteorológicos, equipados com LEDs e rádios transmissores, passavam mensagens codificadas em luz ao longo da muralha como parte da arte pública comissionada pela Olimpíada Cultural de Londres e desenvolvida pelo estúdio de arte interativa YesYesNo.

O projeto, chamado Connecting Light, foi desenvolvido para subverter o papel tradicional dos muros e fronteiras na sociedade – ao invés de separar as pessoas, o muro se torna um aparelho criado para uni-las. Usando um aplicativo de celular ou o site do Connecting Light, o público podia mandar mensagens de texto que depois eram convertidas em aquivos WAV de som e interpretadas como uma combinação de luz e cores pulsantes que viajavam pelo comprimento da muralha, de um balão para o outro, para surpresa e deleite de vacas incautas e moradores do local.

A Muralha de Adriano é uma relíquia do Império Romano na Grã-Bretanha.

Connecting Light ilumina a fachada de um velho castelo de pedras.

O artista Zach Lieberman é uma das principais mentes por trás do YesYesNo e uma figura essencial da comunidade de artistas que trabalham na linha de frente da mídia e tecnologia. Como um dos fundadores da openFrameworks, uma ferramenta de codificação C++ e comunidade criativa global, Lieberman é considerado como um sensei no que se trata de arte de nova mídia. Ele cria projetos que continuamente localizam o ser humano na tecnologia, focando em gesto e narrativa, e trazendo elementos de jogo, performance e mágica (aliás, ele até já trabalhou como mágico) para as ferramentas tecnológicas mais avançadas de hoje.

No vídeo acima, falamos com Lieberman sobre alguns de seus projetos passados favoritos e dos temas que dirigem seu trabalho. Também fomos com ele até o Reino Unido para a estreia de Connecting Light, o empreendimento mais ambicioso de sua carreira até o momento.

Testando a instalação em Nova York.

Demonstração nas ruas de Nova York.

@juliaxguila

Experimentos Tipográficos E Ondas Sonoras Que Formam Paisagens Geométricas Compõem A Obra De Angela Detanico E Rafael Lain

Mon, 19 Nov 2012 07:59:59 -0500

“Acho que arte é isso: diz respeito a fazer as pessoas pensarem e sonharem. Mas o que é sonhar? É também um jeito de ver as coisas de maneira diferente,” disse a filósofa Angela Detanico ao lado do parceiro Rafael Lain em entrevista ao museu parisiense Jeu de Paume.

A tentativa de definir a arte deixando no ar uma pergunta e quiçá algumas reticências diz muito sobre a essência da dupla de artistas brasileiros radicados em Paris, Angela Detanico & Rafael Lain. Questionar para eles é um exercício e uma proposta constante, o ponto de partida de suas criações que invarivelmente investigam os símbolos e meios da comunicação e do desenho gráfico, subvertendo mapas e criando novas letras, brincando com as palavras e seus significados.

Algumas criações da dupla ficaram famosas no Brasil e na Europa, caso do sistema alfabético baseado na obra de Oscar Niemeyer, Tipografia Utópica, em destaque acima, e do Mapa Mundi realinhado como um texto de Word, em O Mundo Alinhado – Alinhado à esquerda – Centrado – Alinhado à direita, abaixo:

Novos questionamentos e reflexões da dupla entram em exposição na Galeria Vermelho a partir de 21 de novembro. Entre elas, a animação Horizonte de Ondas (um e dois meios) é composta por duas projeções em preto e branco e uma partitura impressa. A obra combina formas geométricas a ondas de sons sinusoidais, cuja imagem é semelhante ao movimento das ondas do mar, do som e da luz. Abaixo, uma pequena amostra em vídeo:

Oito faixas de elementos gráficos e sonoros deslizam no campo da imagem, criando um horizonte em movimento na instalação. Cada faixa é composta de três elementos correspondentes ao comportamento das ondas. As faixas mais próximas deslizam mais rapidamente e soam mais agudas; as mais distantes deslizam mais lentamente e soam mais graves. A combinação desses elementos constrói uma paisagem geométrica de ondas sonoras. A projeção é acompanhada por um mapa que descreve a estrutura em palíndromo da composição, ou seja, o fato dela poder ser lida tanto da direita para a esquerda como da esquerda para a direita.

Horizonte de Ondas (um e dois meios) (2012)

Na instalação Palavras Compostas, palavras com sentidos opostos, como sim/não, sempre/nunca ou cheio/vazio, são posicionadas de forma a constituir um único desenho. Para isso, a dupla utiliza a metade superior de cada palavra e a posiciona exatamente sobre a oposta criando um desenho abstrato feito de antônimos.

Claro/Escuro (2012)

Dentro/Fora (2012)

Sempre/Nunca (2012)

@Creators_Brasil

Agenda Creators – As Boas De Arte E Tecnologia Para O Fim De Semana E Para O Feriado 16-20/11

Fri, 16 Nov 2012 12:08:17 -0500

RJ>>Panorama Festival

O Panorama Festival que há 20 anos celebra a dança e artes do corpo no Rio de Janeiro vai até o dia 18.11. A programação do último final de semana do festival conta com a performance de Ricardo Matos, ou Siri, que mistura instrumentos convencionais a percussões inusitadas ao vivo. Outros destaques do Festival são a instalação visual e sonora We see fireworks de Helen Cole e Alex Bradley e a interface digital 1331”timeline desenvolvida pela dançarina e coreógrafa Thembi Rosa e o matemático Manuel Guerra. A primeira obra é composta por um arquivo de vozes de pessoas que já viram a obra e evoca lembranças de performances ou eventos cotidianos. 1311”timeline é uma interface digital que gera ao vivo uma cartografia entre movimento, som e imagens.

Veja a programação completa aqui

SP>>Animaldiçoados – Festival Internacional de Animação de Horror 2012

Depois de passar pelo Rio de Janeiro, a terceira edição do Festival Internacional de Animação de Horror 2012 chega ao MIS nesse final de semana. O Festival traz diversos filmes de animação, brasileiros e estrangeiros de horror, suspense e especiais com os temas gospel, motosserra, zumbis e cruz de Malakias. Vale a pena dar uma passada por lá e assistir ao curta de Alessandro Corrêa, Phantasma, que será exibido no domingo, dia 18/11.

Mais informações aqui.

SP>>Uma homenagem ao samba e choro

Passe o feriado ao som de muito samba e choro. A homenagem do MIS ao Dia Nacional da Consciência Negra traz o sexteto Cadeira de Balanço acompanhado da cantora Dona Inah em apresentação ao ar livre. Obras do mestre Pixinguinha, além de uma homenagem a Dona Ivone Lara, Cartola, Ataulfo Alves, Wilson das Neves e Batatinha estão no repertório. A homenagem também terá uma mostra dos documentários O mistério do samba, Cartola – música para os olhos e Paulinho da Viola – meu tempo é hoje em homenagem a grandes sambistas.

Mais informações aqui.

@Creators_Brasil

Trabalho Mais Recente Do Semiconductor Usa Dados Sísmicos De Todo O Globo

Fri, 16 Nov 2012 11:31:19 -0500

A dupla multidisciplinar Semiconductor sempre incorporou uma boa dose de ciência a sua arte, felizes em abraçar essas duas disciplinas como dois velhos amigos. Eles já transformaram ventos solares em visuais arrepiantes, já deram presença colorida aos campos magnéticos escondidos e fizeram perguntas impossíveis de serem respondidas aos cientistas da NASA.

Recentemente no Cafe OTO em Londres, junto com uma obra de Valentina Vuksic, estava o mais recente trabalho deles: uma obra de arte sonora que agrega dados sísmicos do mundo todo. Este trabalho é parte do lançamento da exposição online Not For Human Consumption, que vai apresentar trabalhos artísticos e científicos – envolvendo mosquitos, troncos cerebrais, buracos negros, discos rígidos e mais – que exploram sons que são experienciados por outros destinatários que não nós mesmos.

Os trabalhos do Semiconductor sempre procuram questionar nossa percepção do mundo material que nos cerca, destacando como isso muda e flutua dependendo dos instrumentos usados para percebê-lo.

Veja o vídeo acima para saber mais sobre o trabalho da dupla.

@stewart23rd

Videoclipes São O Assunto De Festival De Música E Exposição Em São Paulo

Fri, 16 Nov 2012 10:56:43 -0500

E se o videoclipe virasse peça de museu, como seria? Uma exposição que entra em cartaz no MIS (Museu da Imagem e do Som de São Paulo) no próximo dia 11 promete responder esta pergunta. É o Music Video Festival (m-v-f) que reunirá no espaço cultural paulistano cerca de 350 registros audiovisuais neste formato, de artistas pioneiros nesta arte na época do surgimento da MTV, como Devo, Beastie Boys, e Madonna, e de outros mais recentes como Lady Gaga e Ok Go, que obtiveram popularidade já na era do Youtube.

Mas não se trata apenas de exibir estas produções numa grande tela de projeção, e sim de homenagear o trabalho de bandas, cantores, e cantoras que de alguma forma contribuíram para criar imagens novas na música, destacando também os bastidores da construção de seus clipes. Assim, além das projeções, o evento trará ainda uma exposição, intitulada Spectacle: the music video, organizada pelo coletivo Flux, de Los Angeles, que conta com objetos originais usados na gravação de peças que de alguma maneira foram relevantes para o mercado musical.

Para aprofundar um pouco mais a viagem no universo dos videoclipes, o projeto prevê ainda a realização de debates e discotecagens com gente bem conhecida neste meio como Jerry Casale, vocalista, baixista, e tecladista do Devo, que também já atuou como diretor de vídeos de outras bandas como o Foo Fighters — “’ll Stick Around”, do primeiro álbum da banda, tem a assinatura dele — e Kahlil Joseph que se destacou recentemente com Until The Quiet Comes, criado para Flying Lotus.

Enquanto a hora de ver tudo isso em exposição no museu não chega, vale ir aquecendo em casa com algumas dos títulos mais legais lembrados pelo Facebook do Music Video Festival. Veja abaixo:

“Protection”, Massive Atack, por Michel Gondry:

“Gringo”, Banda Uó, por Tim Perissé:

“House of Cards”, Radiohead, por James Frost:

“Diário de um Detento”, Racionais MC’s, por Mauricio Eça e Marcelo Corpanni:

“Wicked Game”, Chris Isaak, por Herb Ritts:

“Praise You”, Fatboy Slim, por Spike Jonze:

“Não vou ficar”, Roberto Carlos, (retirado do filme Roberto Carlos e O Diamante Cor de Rosa), por Roberto Farias:

“Sweater”, Willow, por Filip Sterckx:

@Creators_Brasil

Novo Curta Do Neon Indian É Um Conto Sobre O Condicionamento À Internet

Fri, 16 Nov 2012 10:05:02 -0500

Como você pode ver em “Polish Girl” acima, os videoclipes do Neon Indian tendem a ter uma vibração similar à sua música cheia de teclados inspirados nos anos 80. O contraponto visual ao som envolve cores néon, charmosos gráficos de baixa gradação e maquinário que seria considerado futurista 30 anos atrás. O estilo do visualista habitual dos shows ao vivo do Neon Indian, Johnny Woods, se encaixa perfeitamente para esses tipo de estética. Agora ele se une mais uma vez ao membro central da banda, Alan Palomo, para um novo curta, em colaboração com Gleam House e MoCA. Veja um trecho de Outer Osmo Ghost Mode abaixo.

O filme centra em um casal cujos “comportamentos e interesses foram condicionados por anos de navegação na internet”, o que os leva a criar avatares virtuais num “num programa proto-virtual de exploração da internet” que parece um tipo bizarro de Second Life. Embora os idealizadores do projeto não tenham revelado muito mais do que essa premissa, o curta aparentemente vai jogar com o desligamento da realidade decorrente da abundância de engajamentos virtuais que afogam as pessoas reais, mais comumente chamado de “MUITA INTERNET”.

Julgado pelas colaborações em curtas anteriores como Step Into The World With Your PAL198X, podemos esperar muita estética lo-fi, tons perturbadores e uma boa dose de desorientação. Veja como Alan Palomo se tornou um apaixonado pelos doces sons dos sintetizadores clássicos no nosso perfil em vídeo do Neon Indian abaixo.

@Creators_Brasil

Estreia Exclusiva Do Videoclipe "After the Wait" do WIN WIN

Fri, 16 Nov 2012 09:28:42 -0500

Cerca de um mês atrás, conversamos com o WIN WIN – o trio de produtores formado por Alex “XXXChange” Epton, Chris Devlin e Ryan “Ghostdad” Sciaino – alguns dias antes do lançamento de seu segundo álbum, Double Vision, pela VICE Records. Agora fazemos a estreia do videoclipe deles “After the Wait” – um curta simpático e irônico sobre um homem cujo carro morre na rua, dirigido por Bo Mirosseni.

Mirosseni, que já dirigiu clipes para o Sleigh Bells e Black Moth Super Rainbow (sem falar nos comerciais para a Virgin Mobile e Starburst), gravita em torno de narrativas que apresentam personagens idiossincráticos e cenários levemente exagerados.

Conversamos com Mirosseni por e-mail para descobrir como ele filmou “After the Wait” e ficamos sabendo que a narrativa do vídeo foi inspirada em eventos reais. Compre o disco Double Vision aqui.

The Creators Project: A música do WIN WIN inspirou o conceito de estranhos reunidos em torno de um ato aleatório de bondade, ou você já tinha essa ideia na cabeça há algum tempo?
Bo Mirosseni: Eu estava ouvindo a faixa na minha casa e estava tendo problemas para pensar em alguma coisa. Coloquei isso de lado e fui comprar tacos com um amigo. Estávamos sentados do lado de fora da lanchonete quando vimos um cara com o carro quebrado bem no meio da Sunset Boulevard em Silver Lake. Atrás dele vinha um carro de bombeiro e os bombeiros desceram e começaram a ajudar o homem a empurrar o carro. Do outro lado da rua estava um caminhão da Heineken. O motorista do caminhão atravessou a rua correndo para ajudar também. E havia esse velho vestido de cowboy assistindo tudo e ele também foi lá ajudar a empurrar. A música estava tocando na minha cabeça e foi um momento mágico onde o conceito apareceu bem na minha frente. Vi aquelas pessoas empurrando o carro do cara e isso se encaixava perfeitamente na música. Voltei pra casa e escrevi tudo. Só depois percebi como fui folgado em não ajudar a empurrar aquele carro. Eu amo a ironia.

Como o vídeo foi filmado? Que equipamentos você usou?
O vídeo foi filmado com câmera RED Epic usando somente luz natural.

Como o conceito mudou (se é que mudou) entre a ideia e a realização?
O conceito físico não mudou em nada. Mas tive que modificar algumas cenas e escrever cenas novas no último minuto devido a disponibilidade de atores. Isso foi uma benção disfarçada, já que consegui personagens e cenas melhores para o clipe.

A câmera lenta realmente capturou o ritmo de “After the Wait”. Você teve que fazer algum outro trabalho na pós produção?
Toda a câmera lenta foi feita diretamente na câmera, variando a taxa de quadros para cenas diferentes, mas tivemos trabalho de pós-produção para todos os efeitos especiais.

O que você considera atraente nessa estética um tanto quanto cafona? Você se inspirou em diretores ou vídeos da sua infância?
Não sei bem o que acho atraente nessa estética. A coisa exagerada é difícil de fazer já que há uma ciência nisso e uma necessidade de equilibrar tudo. Não, nem sei do que estou falando. Acho que simplesmente gosto de comédia e gosto de fazer as pessoas rirem, então é algo visceral. Minha principal inspiração para esse vídeo, fora a cena que contei antes, é o filme Highlander.

Alguma outra coisa divertida ou interessante que a gente deveria ficar sabendo sobre o processo de filmagem do clipe?
Era muito difícil parar o carro algumas vezes. Quanto mais pessoas empurravam, mais rápido o carro ia. Eu não queria que ninguém empurrasse só de mentirinha, então todas as vezes nosso ator principal, Jim Turner, tinha que literalmente mergulhar dentro do carro para pará-lo. Os atores colocaram suas vidas em risco pra fazer isso acontecer. Na verdade, essa foi uma tomada muito ambiciosa e quero agradecer todos mundo que ajudou isso a acontecer. Tivemos muita sorte de ter o Jim Turner no papel principal, ele é um cara muito respeitado no mundo da comédia e um grande ser humano. Adoro seu trabalho nos filmes e na TV, então foi muito legal trabalhar com ele. Waymond Lee do “Workaholics” interpretando o repórter também foi um toque especial. Esse cara é hilário e acho que ele nem faz ideia disso. Finalmente, queria agradecer ao Reggie, o mendigo engraçado do centro que achou que o carro do vídeo estava realmente quebrado e quis nos dar uma mãozinha.

Tivemos muito pouco tempo e muitas locações para filmar com um número decente de pessoas no elenco. Usei um software chamado FrameForge para fazer o storyboard. Aí mostrei alguns quadros para o meu diretor de fotografia e para os atores para sabermos exatamente o que precisávamos gravar. Claro que boa parte dos quadros que filmamos não estavam no storyboard.

Veja um pouco do storyboard criado por Mirosseni abaixo.

@kfloodwarning

Entre No Universo De Luz E Cores De João Dos Santos

Wed, 14 Nov 2012 16:51:55 -0500

A luz é elemento de trabalho e fascinação de vários artistas, explorado das mais diversas formas. Para o artista visual João dos Santos, o interesse pela luz virou obsessão. “Desde quando soube que fotografia significa escrever com luz, isto me tocou profundamente. A luz é um fenômeno interessante, tudo aquilo que reconhecemos como real só podemos ver pela incidência da luz”, conta.

Motivado pela forte identificação com a fotografia como meio e conceito, o artista começou a procurar o mesmo resultado da fotografia artesanal na digital. Ao brincar com longas exposições do obturador, movimentos e diferentes fontes de luz, a série The Lighting Seeker começou a ganhar forma e cor. As imagens foram produzidas em longas sessões de 5 a 6 horas que, no final, se tornaram uma busca espiritual para o artista.

“A luz é o que me parece mais real neste mundo e estou envolvido numa busca pelo seu real significado, e sou conduzido por ela. Ao observar os fenômenos que dela decorrem sinto que é possível encontrar respostas e explicações para o sentido de estarmos aqui neste universo”, diz. Através das belíssimas e intrigantes imagens, o Santos oferece sua visão sobre a humanidade e sobre a luz. Veja só algumas imagens do artista:

Veja mais do trabalho de João dos Santos na nossa Galeria Behance. Junte-se à nossa galeria para ter a chance de aparecer no nosso blog, site e nos nossos eventos.

@Creators_Brasil

Imagens Dos Locais De Ataques De Drones São Postadas No Instagram

Wed, 14 Nov 2012 10:31:22 -0500

James Bridle, o homem que iniciou todo o debate sobre a Nova Estética em março deste ano com seu painel de discussão sobre o assunto no SXSW, tem um novo projeto chamado Dronestagram: The Drone’s-Eye View. A ideia é postar no Instagram imagens de locais que tenham sido alvo de ataques de drones.

“Os drone são apenas a tecnologia mais recente numa longa linhagem de armamentos militares que aprimoram o negócio da morte”, escreveu ele, e continua afirmando que eles são “consequências das tecnologias invisíveis de distanciamento, e de uma sociedade e mídia tecnologicamente desengajadas.” As fontes de Bridle buscam onde os ataques de drones estão acontecendo na Bureau de Jornalismo Investigativo – disponibilizando isso também no Tumblr e no Twitter – juntamente com uma breve descrição do ataque e do local.

Bridle espera que vendo essas imagens, as pessoas sintam empatia pelas vítimas anônimas que morrem nos ataques, e também fornecer informação – que ele observa ser incrivelmente escassa – sobre esse aspecto secreto da guerra moderna.

[via The New Aesthetic]

@stewart23rd

Conheça Os Alienígenas Vulcânicos Voadores Do Clipe De Andrew Huang Para "Mutual Core" da Björk

Wed, 14 Nov 2012 09:55:24 -0500

No nosso perfil em vídeo de Andrew Huang (acima), ele descreve como se inspirou em diretores como Chris Cunningham, e vendo os primeiros trabalhos de Huang, como seu hit viral Doll Face, é possível perceber os temas da ficção científica sombria e transhumanismo abstrato que ele tira dessa influência. Mas em vídeos mais recentes, como Solipsist, Huang incorpora muito de sua própria visão, capturando imagens de desconstruções humanas mais orgânicas e coloridas, temas visuais quase tribais. É essa estética que ele eleva a novos níveis em seu mais novo trabalho.

Não é de se admirar que Björk tenha escolhido Huang para dirigir o clipe de “Mutual Core”, música saída de seu álbum de inspiração orgânica Biophilia. Quando ela começou a fazer experiências com ajuda do produtor eletrônico Mark Bell em Homogenic, o estilo de Cunningham completou sua música perfeitamente em clipes como “All is Full of Love”. Agora, uma década e meia depois, sua música explora biologia, uma disciplina naturalmente interpretada no senso visual de Huang. Em “Mutual Core”, encontramos Björk enterrada até a cintura na areia, com coloridos organismo geológicos emergindo do chão e interagindo uns com os outros, se juntando e se transformando em vulcões ativos expelindo lava. O vídeo representa um novo nível de qualidade e inventividade de Huang, que parece estar construindo sobre seus estilo visual agora estabelecido.

Assista abaixo o aguardado videoclipe para “Mutual Core”, apresentado ontem pela MOCA.

@ImYourKid

Original Creators: O Surrealista Biomecânico H.R.Giger

Wed, 14 Nov 2012 09:14:59 -0500

A cada semana prestamos homenagem a um “criador original” selecionado, um artista icônico do passado cujo trabalho influencia e informa os criadores atuais. Esses artistas foram inovadores e revolucionários em suas áreas. Visionários e radicais, homens e mulheres que inspiraram e participaram da formação da cultura como a conhecemos. Esta semana: H.R.Giger.

Imagine o filme Alien, o Oitavo Passageiro sem os designs biomecânicos de H.R.Giger – ele provavelmente teria afundado sem deixar vestígios, ao invés de gerar uma franquia que se espalhou por filmes de ficção científica, quadrinhos, romances e brinquedos. O monstro alienígena com sua cabeça alongada e uma segunda mandíbula, sua cauda e exoesqueleto, é um ícone do cinema tão famoso quanto King Kong.

Mas seus projetos vencedores do Oscar por Alien não são as únicas conquistas de Giger, ele também é pintor, escultor e design de interiores (criando bares e móveis que parecem saídos de mundos alienígenas). Ele cultiva uma estética perturbadora de pesadelo que também é atraente e única, o que torna seu trabalho instantaneamente reconhecível – o que ele descreve como uma “estética biomecânica, uma dialética entre homem e máquina, representando um universo ao mesmo tempo perturbador e sublime.”

Suas bizarras criações parecem abjetas em seu terror, incorporando imagética sexual, morte, formas humanas e tecnologia para distorcer corpos e máquinas e criar aberrações cheias de ideias e emoções contrastantes – frias e inumanas mas de beleza sobrenatural. Não é de se surpreender que ele sofra de terrores noturnos, representados por ele em suas criações. Criações cheias de um estranho erotismo atormentado com visões do “outro”, visões ao mesmo tempo repulsivas e sedutoras.

Necronomicon

Necronom V

Necronom IV

Esse foi o primeiro livro de Giger, cheio de aerografias da vida na terra da morte, imagens (como as duas acima) que se tornariam a gênese de sua criação mais famosa. Na introdução ele reconta seu primeiro encontro com o fantástico, quando viu stills do filme A Bela e a Fera de 1946 na revista Life durante férias com a família.

Ele também reconta como uma série antiga de desenhos à tinta chamada Shaft se originou de pesadelos que ele tinha sobre abismos seu fundo. Mais detalhes sobre sua estética vêm quando ele menciona sonhos recorrentes onde o porão da casa de sua família se transformava num “labirinto monstruoso, onde todos os tipos de perigo esperavam por mim.” São essas paisagens de pesadelo – que ele considera atrativas e intimidadoras, cheias de imagens sombrias conjuradas do subconsciente — que ele usa como combustível criativo. E é essa combinação de atração e intimidação que ele manifesta tão bem em seu trabalho, e que inspiraram a criatura horrível de Alien.

Alien

Rascunhos do facehugger

Capa do livro “Giger’s Alien”

O Space Jockey no filme

Seu gênero ambíguo, sua forma humanoide blindada, seu crânio sem olhos e sua mandíbula faringeal fazem dela uma criatura realmente abominável, tipificando a estética biomecânica de Giger combinando o humano e a máquina numa nova espécie. Giger desenvolveu os ciclos da vida do alienígena – do ovo ao face-hugger, do chestbuster à forma adulta – juntamente com o planetoide alienígena que a equipe encontra e a nave espacial do Space Jockey. Seus designs aparecem em todos os filmes da franquia, incluindo Prometheus, e ele também é o responsável pelos designs de Poltergeist 2 – O Outro Lado, A Experiência e Teito Monogatari.

Outros Trabalhos

Debbie Harry – “Koo Koo”

Emerson, Lake and Palmer – “Brain Salad Surgery”

Além de seu trabalho no cinema, pintura e escultura, Giger também criou várias capas de disco, como Koo Koo de Debbie Harry e Brain Salad Surgery de Emerson, Lake and Palmer. Ele também desenhou um suporte de microfone para o vocalista do Korn. Para aqueles que quiserem experimentar seus designs ao vivo, existem dois bares projetados pelo artista na Suíça, um em Gruyères e outro em Chur. O bar de Gruyères fica dentro de um castelo com arcos vertebrais alinhados em paredes cavernosas, lembrando seus designs para a nave espacial do Space Jockey. Suas visões surreais também foram transformadas nos videogames Dark Seed e Dark Seed II.

Suas imagens continuam a chocar, repelir e inspirar, e sua estética vai viver sempre que alguém combinar o surreal, o mecânico, o sedutor e o macabro.

@stewart23rd

Animação Feita Com Recortes Em Couro Sintético Mostra o Cotidiano Nordestino Brasileiro

Tue, 13 Nov 2012 13:52:44 -0500

A busca pelas ricas raízes culturais brasileiras acaba por se tornar fonte inesgotável de inspiração para artistas nos mais diversos campos de atuação. Foi, por exemplo, no trabalho do artesão Espedito Seleiro, mestre em couro famoso pelas sandálias de Lampião, que o artista Renato Fernandes buscou inspiração para seu curta Celeiro de Seleiros. A animação em stop motion feita com recortes em couro sintético traz as cores vivas usadas nas peças do artesão e música Dois Nordestes de Clay Ross e a banda Matuto.

O lançamento do curta que representa o cotidiano de uma figura típica do Nordeste brasileiro marcou a estreia de Fernandes na área de animação e stop motion, que aconteceu durante a Mostra Cearense na IV Semana da Animação do Ceará, no final de outubro. Veja abaixo algumas das imagens criadas pelo artista:

@Creators_Brasil

Veja O Novo Clipe Do Illya Kuryaki & The Valderramas, Após 10 Anos

Tue, 13 Nov 2012 12:41:15 -0500

“The funk is back, mother fucker!”, proclama o trailer de retorno da banda argentina Illya Kuryaki & The Valderramas (IKV), depois de dez anos fora de atividade. O clipe da faixa “Ula-Ula”, acima, marca o retorno de Dante Espinetta e Emmanuel Horvilleur, para a alegria de uma saudosa legião de fãs da banda dos anos 90 que mistura funk, rock, hip hop e soul.

O vídeo é lançado junto com o sétimo álbum de estúdio do IKV, Chances. A dupla de diretores também argentinos Luciano Cieza & Hernan Corera mandou ver na pós produção, usando e abusando das cores, efeitos gráficos diversos, Glitch Art e referências sessentistas. Uma explosão de sabores visuais. Mira:

@Creators_Brasil

9 Tecnologias Que Estão Mudando O Futuro Da Indústria Cinematográfica

Tue, 13 Nov 2012 12:17:20 -0500

“A Indústria do cinema está morrendo!”, lamentam-se desesperadamente membros da indústria, jornalistas e comentadores já há alguns anos. Eles têm números para provar isso: as bilheterias dos 12 filmes mais bem sucedidos chegaram no ponto mais baixo que já estiveram em quase uma década durante uma semana de setembro deste ano, lucrando miseráveis $51,9 milhões. Ainda assim, a significância cultural dos filmes não diminuiu em nada – continuamos falando, pensando e tuitando obsessivamente sobre eles mais do que nunca.

Claro que a indústria está apenas se adaptando, se movendo entre dois polos: os visuais de altíssima qualidade e experiências sensoriais nos cinemas que procuram chacoalhar o cérebro do público, e filmes cada vez mais pessoais e decentralizados para serem experienciados em casa.

Aqui nós destacamos nove tecnologias influentes que atualmente estão – ou prestes a – abalar a indústria do cinema. No entanto, pensando melhor, talvez devêssemos parar de chamar isso de “cinema”…

IMAX—Com Lasers!

Fonte

Em breve (até o final de 2013), num cinema perto de você: filmes IMAX melhores e mais vistosos, graças aos… LASERS! Além de serem fundamentais em raves e para estourar pipoca mais rápido, os lasers também produzem cores escuras mais profundas, o que significa cores melhores e mais qualidade de imagem – solidificando assim a crença de que o IMAX será o futuro do cinema.

Os sistemas de projeção a laser prometem arrumar a qualidade desbotada dos filmes 3D, que força a vista e que todo mundo odeia, e como os lasers não queimam como as lâmpadas, as salas mais simples de cinema vão poder economizar muito dinheiro.

Grandes companhias de filmes como a Sony têm testado um protótipo, e deram sinais de aprovação durante a CinemaCon 2012. Então é quase certo que você também vá aprovar.

Câmeras Digitais Para Correr Pela Floresta

Fonte

O debate filme versus digital continua, com grandes diretores como Chris Nolan se recusando a abandonar o meio tradicional, afirmando que “É mais barato trabalhar com filme, a aparência e muito melhor, é uma tecnologia que conhecemos e entendemos há 100 anos e é muito confiável.”

Por outro lado, Steven Soderbergh já se proclamou um grande fã do formato digital, particularmente com câmeras bem mais leves como a Red One, que foi usada para filmar a cinebiografia Che, de 2008. Soderbergh filmou com a câmera em estilo guerrilha nas florestas úmidas da América do Sul e emergiu de lá como um convertido completo. Ele ainda afirma que a tecnologia “vai mudar o jogo” com sua qualidade, portabilidade e custo acessível.

A Red desde então partiu para a produção de câmeras ainda menores e mais portáteis. Da mesma maneira que câmeras de filme mais leves permitiram que pioneiros da New Wave como Truffaut capturassem a espontaneidade da vida urbana nos anos 50, essa nova linha de câmeras digitais terão um efeito igualmente revolucionário na maneira como os filmes são filmados e no tipo de narrativa que os dirige.

Assistindo Filmes no Seu Celular ou Tablet – E Até Filmando Com Eles

Fonte

Os rumores são que a tela do novo iPad tem uma resolução maior do que a de uma TV HD. Então prepare-se para ver muito mais gente com a cara enfiada em seus tablets! Mesmo que assistir um filme no seu iPad no ônibus (enquanto tenta não socar o bebê que fica gritando no banco de trás) não seja a mesma coisa que a experiência imersiva que os cinemas oferecem, é óbvio que a mobilidade desse tipo de opção é extremamente atraente para os espectadores.

Cada vez mais, filmes independentes que não contam com o luxo de uma ampla distribuição estão sendo lançados direto no YouTube ou Hulu no sistema on-demand, da mesma maneira que costumavam estrear nos cinemas. Alguns já estão indo direto para iPhone: um novela inglesa chamada Persona está disponível para download exclusivamente para smartphones e tablets.

Os diretores também estão fazendo filmes inteiros em seus celulares. Em 2011, Hooman Khalili foi o primeiro a filmar um longa-metragem inteiro, seu filme Olive, com um smartphone Nokia. E em se tratando de iPads, um inglês fez um filme chamado The Silver Fox que ele alega ser o primeiro feito especificamente para iPads. A sinopse como um “drama romântico sombrio” pode não ser lá muito atraente, mas você pode conferir vários exemplos incríveis de filmes para iPhone no iPhone Film Festival.

Projete Filmes do Seu Celular em Qualquer Superfície (Até na Testa Dos Seus Desafetos)

Novo projetor móvel MP410 da 3M. Fonte

Agora você pode projetar filmes em qualquer superfície (incluindo tetos, mesinhas de aviões e testas) diretamente do seu celular através de projetores de bolso baratos como o MPro 120 da 3M. E projetores 3D de alta qualidade já chegaram ao mercado, com a Epson oferecendo sistemas que proporcionam resolução de alta qualidade de 1080 pixeis a preços que não vão fazer um buraco tão grande assim no seu bolso.

3D Sem Óculos

Photo source

As pessoas não vão mais parar de falar que o 3D é a “próxima grande inovação”, mesmo parecendo que isso nunca vai acontecer – provavelmente porque ninguém quer ter que ficar usando aqueles óculos irritantes que te deixam parecendo um nerd dos anos 80 (um look não muito legal para um primeiro encontro, né?). Mas parece que logo logo vamos poder nos livrar desses adereços pouco práticos graças à “tecnologia das lentes lenticulares”, telas irregulares que redirecionam a luz para cada olho – permitindo que você processe duas imagens diferentes ao mesmo tempo (do jeito que fazemos na vida real), o que dá a impressão de profundidade.

Uma segunda solução com um nome que parece igualmente saído de uma ficção científica é a “barreira paralaxe”, onde uma grade muito fina é colocada na frente de uma tela de LCD para que as fendas bloqueiem partes diferentes, permitindo que você perceba a imagem em 3D.

Toshiba, Nintendo e Sony já começaram a trabalhar nessas duas tecnologias, mas ninguém ainda foi capaz de produzir uma TV 3D perfeita, e alguns críticos reclamam que é preciso manter a cabeça numa posição exata para conseguir o efeito desejado. Agora é esperar pra ver os resultados das pesquisas.

Experiências Auditivas Insanamente Realistas

Novo sistema de som Atmos da Dolby

Aquele som arrepiante dos passos do assassino subindo pela escada de madeira está prestes a ficar ainda mais assustador, graças ao novo sistema de som Atmos da Dolby, que foi introduzido em abril deste ano e vai ser usado nas futuras exibições do filme O Hobbit.

Adicionando um anel de alto-falantes no teto e mais feeds e entradas de áudio em volta, o sistema transmite o som de ainda mais direções – fazendo os efeitos sonoros mais naturais ainda.

“4D” (Ao Estilo Coreano)

Fonte

OK. Esse aqui pode parecer meio bobo: filmes 4D incorporam efeitos físicos de verdade, como gotas de água para a chuva, cheiros especiais e vento. Um negócio meio exagerado, e a maioria dos cinemas que disponibilizam isso nos Estados Unidos são lugares como o Madame Tussaud. A Coreia, no entanto, se agarrou a isso com unhas e dentes – eles adaptaram grandes blockbusters como Avatar para 4D, assim o público pode experimentar a brisa de Pandora soprando em seus cabelos, assim como o cheio da fumaça e das folhagens. E ainda melhor, Kung Fu Panda vem com cadeiras de massagem que realmente batem no espectador durante as cenas de luta. Alguém precisa começar um Kickstarter para trazer essas coisas pra cá.

Telas Interativas

Photo source

Isso parece um pouco com aqueles livros infantis interativos… só que no formato de filme. Apesar de ainda estarem num estágio primordial, filmes interativos usam tecnologia como WebGL (uma ferramenta baseada na internet que oferece gráficos 3D para navegadores compatíveis) para mergulhar o público mais fundo na narrativa.

Alguns permitem que você guie os personagens através de ações físicas, como o filme inspirado em Corra, Lola, Corra Turbulence, que te deixa afetar o enredo em pontos chaves – por exemplo, se você acha que é uma boa ideia alguém mandar uma mensagem de texto na história, é só tocar no celular brilhante dos personagens para fazer isso.

Outros, como o projeto BLA BLA do cineasta Vincent Morisset num museu de Paris, repensam completamente o fluxo narrativo tradicional, transformando um filme baseado na internet numa instalação interativa, onde som surround, detectores de movimento, câmeras e sensores trabalham silenciosamente nos bastidores para criar um mundo vivo onde os visitantes podem caminhar.

Concluindo, alguém precisa fazer um filme interativo do Goosebumps…. pra já.

Aplicativos de Experiência de Segunda Tela

Imagem do aplicativo de experiência de segunda tela Comic Book Origins. Fonte

O aplicativo de segunda tela dos Avengers recebeu muitos elogios. Todo mundo já ficava mesmo fuçando no celular no cinema. Agora os desenvolvedores estão se aproveitando disso criando aplicativos que acompanham o filme – deixando o espectador navegar por trívias, fotos e até vídeos sincronizados com o que acontece na tela grande. É até melhor que assistir os comentários do diretor simultaneamente, e uma adição divertida para a geração DDA.

@MichelleLHOOQ

Faça Mini Réplicas Coloridas De Você E Sua Família Com Essa Cabine De Fotos Com Impressão 3D

Tue, 13 Nov 2012 08:47:42 -0500

Desde que a impressão 3D entrou na consciência coletiva, a ideia de uma versão impressa em 3D de você mesmo (ou dos seus entes queridos, para os menos autocentrados) – uma versão colorida e não apenas uma bolha de plastico monocromática – provavelmente é algo em que a maioria das pessoas já pensou nos momentos de ócio.

Agora, o laboratório criativo PARTY do Japão, em colaboração com Rhizomatiks e Engine Film, vai abrir uma cabine de fotos com impressão 3D, a Omote 3D, no bairro de Harajuku em Tóquio. Lá as pessoas poderão ser escaneadas e depois impressas em cores numa variedade de tamanhos: pequeno (10 cm), médio (15 cm) e grande (20 cm), com preços que variam de $264,00 até $528,00.

O serviço estará disponível diariamente de 24 de novembro até 13 de janeiro de 2013, numa pop-up store na galeria Eye of Gyre. Assim você já pode esquecer as velhas e chatas fotos 2D e fazer mini figuras de você e toda sua família. E talvez, com um pouco de criatividade, no futuro vocês possam aparecer num site de impressões 3D de família bizarras.

[via DVICE]

@stewart23rd

Animação Brasileira Faz Livre Adaptação De O Fantasma da Ópera

Mon, 12 Nov 2012 15:07:38 -0500

Durante o Festival de Cinema de Brasília, em setembro deste ano, o discurso de um dos diretores sobre seu curta de animação reafirmou a nova cara das produções independentes: totalmente baseada na tecnologia. “O filme nunca existiu fisicamente, ele sempre foi só um monte de zeros e de uns, todo o trabalho com a equipe de cinco pessoas de diferentes lugares do mundo foi realizado pela internet, não houve um só contato físico durante a produção”.

Alessandro Corrêa se referiu ao esquema de produção de seu curta Phantasma, uma livre adaptação do clássico O Fantasma da Ópera, de Gaston Leroux. A trilha sonora foi feita em Wisconsin (EUA), o canto foi gravado na Suíça e os efeitos sonoros e mixagem de áudio foram feitos em Amsterdã. Tudo se desenrolou através de muitas trocas de emails e arquivos via internet por Alessandro, em São Paulo.

Depois de um ano de produção, o filme foi lançado este ano e tem sido bastante elogiado, já tendo passado por diversos outros festivais no Brasil, Itália e EUA. Agora Phantasma faz parte da programação do evento que acontece no próximo fim de semana, Amaldiçoados – Festival Internacional de Animação de Horror, no MIS.

Já havíamos citado outro curta de Alessandro inspirado em um clássico da literatura, Moby Dick, quando fizemos uma retrospectiva dos 60 anos de animação no Brasil. Desta vez conversamos com o ilustrador e animador sobre sua obra mais recente e ele nos explicou como foi fazer um filme com uma equipe espalhada pelo mundo, o uso das cores fortes em uma trama de terror e como está o mercado brasileiro para os animadores.

The Creators Project: Os envolvidos na produção de Phantasma estão em países diferentes. Isso já havia acontecido em outros trabalhos? Como foi esta experiência?
Alessandro Corrêa: Trabalhar com pessoas residindo em outros lugares foi muito tranquilo. Quando comecei a produzir o Phantasma, ainda em 2011, um amigo me mostrou o site do Gavin Folgert (trilha sonora), mostrei o projeto pra ele e começamos a conversar pela internet. Muito do Phantasma acabou seguindo as músicas que o Gavin ia produzindo. A cena do solo da protagonista já estava pronta e eu havia escolhido um amarelo vibrante para o cenário. Pedi pro Gavin fazer uma trilha meio shanti, algo indiano com cítaras eletrônicas ou coisa assim (sabe-se lá o que eu queria na verdade). Ele então me apresentou outra proposta, bem mais legal, e quando ouvi a música gostei tanto que modifiquei o cenário inteiro. Por alguma razão o amarelo não cabia com aquela música. Optei então pelo azul, com umas constelações girando.

O Enio Mendes (canto) já conheço há muitos anos. Achei que seria ótimo que um homem fizesse a voz feminina, pra acentuar o aspecto teatral da animação. No início ficamos pensando se a música seria cantada em alguma língua, mas acabamos optando mais por sons do que palavras. Com o Davidson Lopes (mixagem e efeitos de áudio) eu já havia trabalhado no Moby Dick, então simplesmente entreguei o filme pra ele com algumas indicações e fomos resolvendo as coisas. Num determinado momento do curta, meu papel principal era receber e enviar arquivos de um membro da equipe para outro, procurando dar liberdade para que cada um pudesse executar a própria visão em termos de áudio.

Você já fez sua livre adaptação de outro clássico, Moby Dick. E agora essa do Fantasma da Ópera. São obras que você lia na infância/adolescência?
O Moby Dick eu li uma versão quando era criança, e fiz o filme a partir do que eu lembrava, misturando com coisas que eu queria explorar, que eram principalmente imagens da cidade e o vazio do oceano. Já meu primeiro contato com o Fantasma da Ópera foi através do filme mudo de 1925. Depois de muitos anos fui pesquisar e li o livro do Gaston Leroux. Gostei principalmente da primeira parte, em que o fantasma ainda é um fantasma, aloprando pelos corredores da ópera, e da impressão que tive de que a protagonista era meio vira casaca, flertando com o fantasma e com o mocinho. Resolvi explorar essas duas coisas que ficaram.

Você acha que histórias fantásticas como essas combinam mais com a linguagem da animação? Que outra obra tem vontade de adaptar?
Acho que em animação, ou o desenho, quadrinho, audiovisual em geral, música etc., pode-se utilizar qualquer história, fica ao gosto de quem está contando – no meu caso, gosto das histórias fantásticas. A partir do curta Phantasma comecei a me interessar bastante pelo uso do teatro e da música, que são coisas que aprecio. No momento começo a adaptar a peça Medeia, de Eurípedes, junto com a atriz Luciana Fins, que trabalha com teatro físico. A intenção é utilizar rotoscopia para reproduzir os movimentos dela.

A escolha de usar cores vivas em vez de algo mais sombrio acabou dando certa leveza ao curta. Sua intenção era mesmo dar uma aliviada e fazer algo com mais humor? Ficou elegante.
Tentei reproduzir a intenção das cenas através da cor. Comecei com amarelo e violeta como cores principais no início do curta, quando a protagonista está fodida na vida. Quando ela vira prima-dona, passei a usar bastante laranja, vermelho e azul. No fim, que é a cena do subsolo, desci o tom pra um verde escuro com roxo. A intenção era teatralizar a história. Os movimentos dos personagens são marcados, dramáticos, como se tudo fosse ensaiado, os planos são frontais como se eles estivessem atuando num palco, o canto lírico, a música e até as cenas de violência são exageradas, beirando o cômico.

Nas cenas de matança optei pelo contraste de preto e branco, como se fosse um contra luz em negativo, achei que daria um respiro no meio de tanta cor e a entrada do vermelho do sangue causaria mais impacto. Foi uma parte bem divertida de fazer e acabei colocando um crocodilo saindo de um alçapão por conta da lenda do crocodilo do Napoleão que escapou pros esgotos de Paris. Usei uns peitinhos de fora também, inspirados nas charges das Playboys antigas. Isso deu um ar mais sacana.

Desde quando você faz animações? É um campo bom para se trabalhar no Brasil?
Comecei como cenarista em 2003 e até 2007 participei de três curtas nessa função. Em 2008 lancei meu primeiro curta-metragem como diretor. A partir de 2009 fui fazendo animações de um minuto até passar pra histórias mais longas. Acho que a animação é um campo excelente. Além dos curtas autorais, tem campo pra animação de vídeos corporativos, vinhetas pra televisão, eventos etc., que podem sustentar o indivíduo e pagar as contas. Hoje existem leis de incentivo pra produção de curtas de animação, incentivo para séries animadas para TV.

O interessado tem que ler os editais, se informar e montar o projeto. Pode ser contemplado ou não, claro, mas é um bom caminho, apesar de burocrático e concorrido. O proponente provavelmente vai levar um monte de porta na cara, ficar puto, mas há que se tentar. E se não rolar patrocínio junta uns camaradas e produz o curta na base do 0800. E se não tiver camaradas faz sozinho. O negócio é fazer. Com o advento do computador e dos programas de animação o “não tenho como produzir” ficou lá pelos idos de 99.

A animação Phantasma será exibida no próximo domingo, dia 18 de novembro, às 18h.

Veja mais animações de Alessandro no Vimeo do diretor.

@Creators_Brasil

O Que Essas Esculturas De Mapeamento De Textura Da Forma Humana Te Lembram?

Mon, 12 Nov 2012 11:58:14 -0500

O artistas Kohei Nawa constrói sua série de esculturas Trans escaneando a forma humana e manipulando as texturas da superfície dos modelos, alterando os dados 3D para alcançar essas formas distorcidas. O processo é conhecido como "mapeamento de textura”. De acordo com Nawa: “A forma completa do modelo com superfície fluída tridimensional é como uma forma paralela a esse mundo, uma forma que qualquer objeto ou ser pode ter.”

@Creators_Brasil

24 Relógios Analógicos Se Transformam Num Display Digital

Mon, 12 Nov 2012 10:18:32 -0500

Como transformar 24 relógios analógicos num display digital? Os designers da Humans Since 1982, juntamente com o engenheiro David Cox, conseguiram fazer isso em The Clock Clock, alinhando cada conjunto de seis relógios para mostrar um número digital usando os ponteiros de minutos e horas.

Misturando o analógico e o digital, a peça coreografa os dois ponteiros para que eles mostrem os cantos ou lados de um número num relógio de 24 horas, transformando o mural de relógios analógicos num grande mostrador.

[via Gizmag]

@stewart23rd

Arma Sonora Telemática: Uma Instalação Sonora Movida Por Protestos Via Twitter

Mon, 12 Nov 2012 09:04:35 -0500

Ok, você também já deve estar cansado de tanta rebeldia inútil nas redes sociais, mas um projeto criado no México promete causar barulho de verdade quando protestos contra a situação de violência do país forem postados no Twitter. Arma Sonora Telemática é uma instalação criada pelo coletivo Astrovandalistas que consiste em uma estrutura metálica de 4×6 metros quadrados, com 64 tubos galvanizados conectados a um motor que produzem uma espécie de apito ao ser movimentado. O mecanismo é ativado a distância, cada vez que alguém usa a hashtag #BANGCampoMarte no Twitter.

A peça foi instalada em frente ao Campo Marte, um local bem significativo para os mexicanos, pois ali se encontra um campo militar que guarda histórias do passado de repressão militar não muito distante do país. O objetivo dos integrantes do Astrovandalistas com esta instalação é transformar as tão criticadas manifestações digitais em algo mais próximo do real, para que não fiquem perdidas nas boas intenções do universo virtual.

O funcionamento é semelhante ao usado pelos dinamarqueses do Copenhagen Institute of Interaction Design em #CPHsignals, que emitia sinais de luz em código morse a cada uso da hashtag que dá nome ao projeto. Mas na versão mexicana o efeito é sonoro mesmo, como forma de chamar a atenção para a distância existente entre duas realidades: a do mundo virtual e as ações fora dele.

E para quem quiser experimentar a arma sonora, mas não estiver no México, os artistas do coletivo criaram um mecanismo que possibilita ativá-la de qualquer lugar. Na página do grupo foi disponibilizado o código fonte e a instalação do Arduíno que faz com que o motor se mexa a cada menção da hashtag no Twitter. A montagem do aparelho também foi registrada no site em vídeos e fotos.

@Creators_Brasil

Agenda Creators – As Boas De Arte E Tecnologia Para O Fim De Semana 09-11/11

Fri, 09 Nov 2012 13:25:13 -0500

SP>>SP-Arte/Foto

Esta semana começou o Sp-Arte/Foto no JK Iguatemi. A sexta edição do evento mais importante do mercado de arte da América Latina tem a presença de 23 galerias, além do lançamentos de livros. O evento terá um ciclo de encontros em que Mauro Restiffe e Agnaldo Farias falam sobre arte e política na documentação urbana, e Claudia Andujar e Augusto Massi abordam o tema “Um outro ponto de vista – As experimentações dos anos 1960 e 1970”. Ambos encontros são às 14 horas, um sábado e outro no domingo respectivamente.

SP-Arte/Foto, JK Iguatemi, 8-11 de novembro. Mais informações aqui.

SP>>Prototype- Festival de Sustentabilidade na Arte

Muita música, oficinas, bikes e arte prometem agitar o experimental e paradigmático Prototype Festival, que tem a proposta de misturar arte e sustentabilidade de forma inusitada. As atrações musicais, Madrid e Jessie Evans, prometem embalar o público do Festival que acontece na Praça Victor Civita em Pinheiros. Outra atração interessante é a oficina “Umbrellaphone” de Niklas Roy. A construção mecânica, quase uma turbina de vento, é feita de dois guarda-chuvas presos em um radar que, ao girar, aciona uma caixa de música.

Prototype, Praça Victor Civita, sábado, dia 10 de novembro. Mais informações aqui.

SP>>Pixel Show São Paulo 2012

O Pixel Show, está em sua sétima edição com o tema Tendências Criativas do Século 21. Grandes nomes nacionais e internacionais das áreas de animação, ilustração, cinema, arte e tecnologia estarão por lá neste final de semana. Quem animar de participar da conferência, não pode perder a palestra do artista multidisciplinar californiano Dev Harlan. Com obras recentes exibidas em festivais como Optronica e One Dot Zero, o artista trabalha com luz, escultura e projeção. Para quem só vai dar uma passadinha, vale mais a pena ir na Feira de Arte e Design do Pixel Show. Gratuita, a Feira terá um lounge com o festival de animação e o tradicional painel de graffiti para a intervenção dos visitantes.

Dev Harlan – “Parmenides I”, 2011 from Dev Harlan on Vimeo.

Pixel Show, no Fecomercio, 10 e 11 de novembro. Para a programação, clique aqui.

@Creators_Brasil

Este Vídeo Surreal Vai Te Fazer Duvidar Dos Seus Olhos

Fri, 09 Nov 2012 09:33:17 -0500

O efeito Slit-scan de fotografia e filmagem cria imagens estranhas que parecem esticadas e distorcidas enquanto o tema gravado é capturado numa série de quadros. O resultado é uma imagem torta que não dá a menor bola para a física, como podemos testemunhar no vídeo acima, intitulado de maneira prática como timeRemapExportHD.

O vídeo de Adrien M e Claire B mostra duas pessoas envolvidas numa dança surreal enquanto seus corpos se contorcem e refratam como se estivessem sendo sugados por um buraco de minhoca, tremulando na tela em ondas de estranheza.

A mesma técnica tem sido usada por várias pessoas, incluindo Ansen Seale e sua câmera Slit-scan personalizada especialmente para criar o efeito.

[via Colossal]

Explorando O Significado De Espaços Transicionais: Conheça João Vasco Paiva

Fri, 09 Nov 2012 08:55:22 -0500

Às vezes colocar a si mesmo em um lugar não familiar pode ajudar você a observar e vivenciar o mundo de uma maneira inesperada. Esse é o caso do artista português João Vasco Paiva, que mora em Hong Kong desde 2006. Apesar da barreira da linguagem limitar suas interações com os locais, seu trabalho incorpora a complexidade da situação urbana, bem como as informações moldadas por fatores sociopolíticos que ele observa. Paiva traduz essas informações abstratas em vídeos e instalações esteticamente unificados e minimalistas.

Vivendo numa tranquila ilha da costa de Hong Kong, Paiva viaja de sua casa até a cidade densamente povoada de balsa e de metrô todos os dias. As observações que ele acumula como estrangeiro estão enraizadas em seu trabalho, enquanto ele procura transformar o fenômeno urbano em “não-lugares” — espaços sem contexto cultural real, como aeroportos, estações de metrô e hotéis) em interpretações visuais e sonoras que as pessoas possam apreciar no contexto de uma galeria.

Catracas de Metrô em Palimseptic (2011)

Essa abordagem criativa é demonstrada na exposição solo mais recente de Paiva, Palimseptic, que recria uma movimentada estação de metrô de Hong Kong completa com cinco catracas, diagramas de informações para o público, mapas e placas. Organizados na galeria, todos os textos foram removidos para mostrar apenas suas propriedades gráficas minimalistas. As catracas estão programadas para girar de acordo com o número de passageiros diários que passam através delas, criando cliques e movimentos como se fantasmas estivessem entrando e saindo da sala. Um vídeo ali perto mostra as multidões de passageiros do metrô como blocos de formas coloridas negativamente se movendo pra cima e pra baixo na tela. Através de extrações e abstrações, Palimseptic amplia efetivamente a beleza minimalista da experiência diária.

Placas de informação do metrô com todo o texto removido em Palimseptic (2011)

Placas de informação do metrô com todo o texto removido em Palimseptic (2011)

Fora as paisagens urbanas e o estilo de vida chineses, Paiva também se inspira em padrões e comportamentos da natureza. Sua instalação interativa sonora Chirp (exposta no The Creators Project: Pequim 2010) e sua série de vídeos generativos Traces, exibido no The Creators Project: Pequim 2011, usam um vasta gama de mídias para interpretar seus temas de uma perspectiva completamente diferente, criando experiências únicas para os espectadores.

Conheça mais sobre os conceitos e processo criativo de João Vasco Paiva no vídeo acima.

Chirp (2010)

Traces (2011)

Imagens cortesia de João Vasco Paiva e Saamlung Gallery.

@Creators_Brasil

A Times Square Está Derretendo (Graças A Takeshi Murata)

Thu, 08 Nov 2012 18:36:45 -0500

Apesar de recentemente ter investido em coisas hiper realistas e impressões digitais estranhamente imaculadas com temas como Marte e “Sintetizadores”, o vídeo psicodélico de 3 minutos Melter 2, do animador que vive nos Estados Unidos Takeshi Murata, está em destaque novamente – nas luzes brilhantes da Times Square.

Todas as noites deste mês às 23h57, Melter 2 será exibido nas telas da Times Square (melhor visualizadas da Duffy Square ou da Military Plaza) como parte da Times Square Moment: A Digital Gallery, apresentado pela Times Square Advertising Coalition com curadoria da Electronics Arts Intermix.

O vídeo é uma paisagem espetacular de cores que se derretem e colidem, e com certeza vai deixar muita gente de queixo caído com sua estreia nessas enormes telas.

Saiba mais sobre a criação de Melter 2 no nosso vídeo dos bastidores acima. Veja um trecho da obra abaixo.

@kfloodwarning

Conheça Os Bordados iluminados De Alexandre Paiva

Thu, 08 Nov 2012 11:59:29 -0500

Um ilusão de óptica confunde nossa visão ao observar esta série de imagens do catarinense radicado em São Paulo Alexandre Paiva. Contornos que saltam aos olhos como luzes de neon na verdade são linhas comuns bordadas em papel fotográfico. “Bordo em papel pelo simples desejo de querer romper padrões”, diz Paiva sobre a técnica que, sim é simples, mas cujo efeito transcende o de peças rotineiras onde costumamos vê-la empregada. Seja em panos de prato ou em vestidos de alta-costura, nossa ideia de bordado dificilmente traz na lembrança algo parecido com o que faz este artista.

Usar uma base de papel para bordar não é novidade. A sacada aqui é o uso do papel fotográfico, que traz uma textura, história e brilho próprio – características que ajudam a criar um efeito visual diferenciado. “A série de bordados sobre papel fotográfico é elaborada a partir de imagens apropriadas de diversas fontes e alteradas. A escolha destas imagens é sempre muito pessoal. No papel velado, a fotografia é então resgatada através de bordado, desacelerando assim seu processo natural, e adquirindo um tempo que eu considero necessário para sua elaboração”, nos explica Paiva sobre o processo de criação.

Luzes da cidade II (2011)
Bordado sobre papel fotográfico
25,5 × 35,5 cm

Série Super 8 (2011)
Bordado sobre papel fotográfico
Díptico 25,5 × 25,5 cm

Série Snapshots (2010)
Bordado sobre papel fotográfico
poliptico 15 × 19 cm

Leicester Square, série Snapshots (2011)
Bordado sobre papel fotográfico
15 × 19 cm

Paiva também é autor de criações feitas em neon e cabos eletroluminiscentes (cabos que se assemelham ao neon, mas são flexíveis). De fato, a estética da luz artificial é algo que definitivamente lhe interessa como linguagem. Tanto que sua obra mais recente une a técnica do bordado com uma fonte de luz artificial. “Optei por bordar uma tela com fio eletroluminiscente”, conta.

Com inspiração em trabalhos de Jaspers Johns, Andy Warhol, Lucio Fontana e Bruce Nauman, Para Não Acertar o Pé é um conjunto de círculos concêntricos, segundo o artista, “usado aqui para representar as diversas fases do processo criativo. O título, Para Não Acertar No Pé, é intencionalmente irônico por fazer alusão ao medo que todos temos de não conseguirmos atingir o resultado esperado”.

Para não acertar o pé(2012)
Cabo eletroluminiscente sobre tela
140 × 140 cm

Two of a kind, (2011)
Cabo eletroluminiscente
Díptico, 50 × 40 cm

Clouded, (2011)
Dimensões variáveis
Neon

Dee, (2011)
65 x65 cm
Neon

Nesta quinta-feira, dia 8, a obra estreia na exposição coletiva Aluga-se Ville (grupo Aluga-se), na Galeria Central.

@Creators_Brasil

Visualizando O Fluxo De Energia Da Vida: Conheça O Estúdio De Arte Digital FIELD

Thu, 08 Nov 2012 09:21:24 -0500

Por boa parte do ano, o estúdio de arte digital do Reino Unido FIELD pensou sobre energia, essa força vital invisível que corre através de cada partícula do universo. Depois de assistir aos levantes sociais (a Primavera Árabe, o movimento Occupy) e inúmeros desastres naturais que aconteceram por todo o planeta no ano passado, Vera-Maria Glahn e Marcus Wendt, o casal por trás do FIELD, não conseguiram se livrar da sensação de que uma mudança de fluxo da energia global estava em progresso. Algo nesses eventos parecia estar ligado e interconectado. Então, com o mundo em volta deles num aparente turbilhão, o FIELD embarcou no seu projeto mais ambicioso até agora, produzindo uma exploração artística da energia e das tensões físicas, sociais e espirituais do nosso mundo, em parceria com o Creators Project.

Chamado Energy Flow, o projeto é uma experiência em filme não linear composto de 10 histórias que se entrelaçam para criar um tipo de “pintura digital em movimento” – inspirado por eventos e processos reais, mas oferecendo uma tomada mais abstrata e impressionista deles. Os espectadores são deixados para construir suas próprias narrativas a partir das ligações cruzadas e formar leituras subjetivas das conotações presentes neles.

“Estávamos interessados em imagens e narrativas expressivas e em como isso é influenciado pela maneira como consumimos notícias e informações através de múltiplos canais, a internet, televisão, redes sociais etc. Esse é o ponto de partida para as composições generativas de Energy Flow”, explica Glahn.

Depois de desenvolver o conceito por algum tempo, o FIELD listou a ajuda de 22 colaboradores para os gráficos e animações 3D e encarregou vários proeminentes animadores digitais como Andreas Nicolas Fischer, Sergio Calderón e DXMIQ de fornecer suas próprias interpretações do “fluxo de energia”. O resultado é um filme muito mais dinâmico e diverso que qualquer outro do corpo de trabalho anterior do FIELD, que consiste em vídeos generativos baseados em código e instalações como Communion (uma colaboração com Matt Pyke e Universal Everything), Muse e Interim Camp. Mas seu estilo estético distinto ainda permeia a obra – o uso vívido da cor, uma ênfase quase arquitetônica na estrutura e na forma, uso expressivo de movimento – mas pela primeira vez, eles estão deixando a abstração para trás e enraizando seus visuais na vida real.

Um still de Interim Camp (2009), um vídeo generativo criado usando software personalizado que gera topografias de icebergs e geleiras em tempo real.

Energy Flow fará sua estreia como experiência em aplicativo para iOS e Android no começo de dezembro e depois vai viajar com a série de eventos The Creators Project em 2013. Enquanto isso, faremos uma cobertura editorial semanal detalhada sobre a magia técnica e do design que alimenta esse filme experimental. Acredite quando dizemos – só parece fácil.

Comece visitando o estúdio do FIELD na vizinhança de Hackney em Londres no nosso perfil em vídeo (no topo), depois confira um teaser de Energy Flow para ter uma ideia de como será o filme (segundo vídeo), e finalmente, mergulhe nas minúcias do design de personagens e composição para a primeira narrativa de Energy Flow, “Life” (abaixo).

Veja mais detalhes do processo criativo por trás de Energy Flow aqui toda quarta-feira.

FIELD Nos Mostra O Processo Criativo Por Trás Do Capítulo “Life” De Energy Flow

“Life” mostra de perto dois oponentes arquetípicos da natureza: leopardo e impala. Os movimentos dos animais guiados pelo instinto são enquadrados em oito cenas, como esculturas em movimento: se lançando para a caçada, sentindo o perigo; enquanto correntes coloridas de fluxo de energia correm através de sua pele, músculo, veias e nervos. Com a gama de histórias de Energy Flow tocando em muitos temas diferentes, “Life” observa o ciclo de energia mais fundamental e biológico: caça e alimentação, sobrevivência e morte.

The Creators Project: Esse filme é muito mais abstrato que seus trabalhos anteriores, vocês estão trabalhando com imagens um pouco mais representacionais do que de costume. Como o processo foi diferente para vocês dessa vez?
FIELD: Temos explorado visuais abstratos como paisagens em muitos dos nossos projetos nos últimos anos, e sentimos como que nos movendo para formas mais tangíveis e reconhecíveis. Aplicar um nível similar de abstração e detalhamento a ambientes reais, os corpos dos animais, objetos da vida real, foi um dos grandes objetivos com Energy Flow.

O que gosto na nossa abordagem é que mantemos o final em aberto o quanto for possível, ao invés de trabalhar em direção a uma imagem particular em nossas cabeças. É a pesquisa e desenvolvimento para os efeitos visuais que fazemos no começo do projeto que na verdade traz muitas das imagens apresentadas; coisas que não poderíamos ter criado na mesa de desenho.

Uma visão geral de quantas interações de design entraram no desenvolvimento do estilo visual dos personagens, ambiente e iluminação.

Quais foram os maiores desafios que vocês encontraram em termos de design de personagem? Fale um pouco sobre a evolução do leopardo, por exemplo.
Coisas vivas que eram muito familiares pra nós foram as mais difíceis de recriar em animação de uma maneira crível. Para todas as histórias de Energy Flow, estamos tentando construir uma representação muito natural e física de eventos reais. Elas são a base com que podemos nos relacionar quando os visuais se tornam abstratos, gráficos e pictóricos.

Para “Life”, isso começou com modelos 3D realistas dos animais, que depois precisaram ser equipados com um esqueleto. Todos os movimentos foram animados à mão, quadro a quadro, sempre comparando cada parte do corpo com muitas referências em vídeo (somos versados em todos os documentários sobre safári agora).

Imagens que inspiraram a obra:

Queríamos tornar os processos internos de transformação de energia visíveis, mas foi complicado encontrar um ponto de partida de como isso devia parecer ou se comportar. Eventualmente, desenvolvemos um segundo modelo, uma representação dos músculos dos animais, o que se tornou a base para a aparências das veias e dos músculos.

Passamos várias semanas desenvolvendo testes de animação para como o movimento, o comportamento natural dos animais, poderia guiar os resultados estéticos – por exemplo, o movimento de respiração do leopardo que deixa rastros de cores através das veias, ou a pele abrindo caminho para os músculos quando ele dispara com força total.

Como os dados informaram a animação? Como isso é diferente da maneira como normalmente nos relacionamos com dados e até mesmo visualização de dados?
Os filmes não estão representando dados, mas ao invés disso a noção e a estética de dados e visualizações científicas foram uma grande inspiração para Energy Flow. Elas são um novo aspecto para nosso ambiente visual, uma metáfora para nossa nova natureza digital. Como visualização de dados, as animações são baseadas em sistemas estéticos, onde parâmetros, formas e cores são conectados a parâmetros de dados. Em “Life”, por exemplo, o fluxo de cores através dos músculos é dirigida pela tensão na superfície, que vem de quão rápido cada parte do corpo se move.

Cada trecho da animação cria um sistema de animação personalizado que extrai parâmetros de dados do movimento, como a tensão nos músculos individuais.

Esses dados guiam então os efeitos visuais: fluxos de cor revelam o poder dos músculos sob a pele do leopardo; oxigênio flui através das veias do leopardo adormecido. O movimento, a forma e a cor da criatura se tornam um.

Visite EnergyFlow.io para mais informações sobre o projeto, imagens dos bastidores e vídeos de “Life”. Toda quarta-feira estaremos apresentando mais detalhes sobre o projeto e as diferentes histórias apresentadas no filme aqui no blog.

@juliaxguila

Alexandre Herchcovitch Cria Coleção Inspirada Em Folk Andino Futurista

Thu, 08 Nov 2012 08:44:16 -0500

A inspiração eram as roupas típicas do Peru e as formas retas dos anos 60. E num primeiro momento a mistura destes temas pode soar um pouco inusitada, mas ao olhar as roupas desfiladas ontem na passarela de Alexandre Herchcovitch, no Fashion Rio, compreende-se que no universo criativo do estilista em mesmo assuntos que parecem desconexos se somam para criar imagens interessantes. E olha que nem estamos falando de uma coleção conceitual. Talvez o maior feito da linha jeans de Alexandre seja o apelo comercial da mesma, sem cair em modismos.

Se na coleção desfilada em São Paulo o destaque era a modelagem, o que foi mostrado ontem no Rio foi um show de inovação em tecidos, que uniu materiais tecnológicos aos artesanais, do 100% reciclado, passando pelo jeans resinado, com acabamento espatulado em prata, chegando às texturas de tricô cobertas de bordados e o tear manual. Nas roupas, ele criam uma silhueta seca e ajustada ao corpo, que ganha volume apenas nas saias mais rodadas com comprimento pelo calcanhar e nos ponchos em jeans que lembram bastante as roupas das mulheres andinas.

O destaque, sem dúvida, vai para as peças em lã com trama grossa e um bordado fininho em canutilho preto que visto de longe parecem tirinhas luminosas refletindo a luz. Outro detalhe que merece ser visto mais de perto são os óculos, desenvolvidos em parceria com a Chilli Beans, que têm uma pequena fenda no meio das lentes. Ao fim da apresentação surgem quatro looks mais amplos, lembrando uniformes utilitários, feitos em jeans com aplicações prateadas que novamente dão um efeito de brilho em contato com a luz da passarela. Veja os looks abaixo e deixe sua opinião nos comentários.

Se você ainda não viu nossa entrevista em vídeo com Alexandre Herchcovitch, tire uns minutinhos e aproveite o momento para conhecer um dos grandes nomes da moda brasileira.

@Creators_Brasil

Composições De Philip Glass Ganham Releitura De Pantha du Prince, Amon Tobin E Beck

Wed, 07 Nov 2012 14:23:47 -0500

Que a obra de Philip Glass inspirou muita gente na música e na arte não é novidade para ninguém, mas alguns dos artistas diretamente influenciados pelas composições do músico norte-americano resolveram prestar uma homenagem, remixando algumas delas e compilando esta homenagem em um disco. O álbum chama-se Philip Glass_Rework e tem contribuições dos nossos criadores Pantha du Prince e Amon Tobin, além do remixes feitos por Beck, Cornelius, Dan Deacon, Tyondai Braxton, Memory Tapes, Jóhann Jóhannsson, Nosaj Thing, Peter Broderick, Silver Alert, e My Great Ghost.

O material sairá em dois formatos, CD ou LP duplo, com um código especial para downloads incluso junto com o vinil. E já que a homenagem é para Mr. Glass (que significa vidro em inglês), uma edição especial transparente do disco (originalmente fabricado em material prata) será lançada com 500 cópias. O lançamento oficial acontece no próximo dia 13, mas as pré ordens já estão abertas desde 23 de outubro no site Philip Glass_Rework.

E enquanto isso, você pode ter um gostinho do remix de Pantha du Prince no vídeo não-oficial abaixo:

Saiba mais sobre o trabalho do produtor alemão na nossa entrevista em vídeo acima.

@Creators_Brasil