The Creators Project

« Parade » de Rone, remixé par un enfant et une boîte de pastels [Exclusif]

Mon, 24 Dec 2012 12:45:57 -0500

Vous avez sans doute remarqué qu’on a tendance à parler énormément de Rone ces derniers temps. La semaine dernière, on vous présentait le clip psychédélique « Bye Bye Macadam », sorte de transe spatiale de quatre minutes qui faisait suite aux vidéos aériennes du réalisateur Filip Piskorzynski, « Gravity » et « Parade ». Le réalisateur et le musicien s’associent à nouveau pour le remix de « Parade », que vous pouvez visualiser ci-dessus. Dans ce nouvel exercice, les photos du clip en stop-motion d’origine se retrouvent barbouillées, gribouillées et colorées par les mains d’un petit garçon qui fait ici office de motion painter, Noah Rothermel.

Lorsqu’on a demandé au réalisateur comment ce joli projet avait vu le jour, il nous a raconté une histoire aussi mignonne qu’un conte de Noël, ce qui est plutôt de circonstance : « Noah est le fils d’un ami. À chaque fois qu’on se croise, on fait un bordel pas possible. Il est génial, c’est un vrai concentré d’énergie et de fun ».

Par ailleurs, le réalisateur ne semble pas du tout être vexé de voir son œuvre peinturlurée de toutes parts : « Le clip était une belle opportunité de faire quelque chose ensemble, et au final, je crois que je préfère sa version à la mienne. Le concept est né à la sortie de “Gravity”, je me suis aperçu que beaucoup d’enfants aimaient le clip. J’avais rencontré quelques problèmes pendant le tournage en Corse et je n’étais pas très content du résultat sur certains plans. Je me suis dit que je pourrais peindre par dessus pour gommer ces petits erreurs, puis finalement Noah est arrivé. À ce moment, c’était une évidence pour moi. La plupart des clips sont propres et lisses – mais je préfère les choses imparfaites, vivantes ».

Quelques photos du clip ci-dessous :

Photos publiées avec l’aimable autorisation de Filip Piskorzynski.

@Creators_fr

L'histoire de la musique en GIF 8-Bit

Fri, 21 Dec 2012 06:54:41 -0500

ENFIN ! Le rassemblement tant espéré de l’histoire de la musique, du 8-Bit et des GIF. Des instants de l’histoire de la musique populaire que tout le monde a en tête. De la danse chevaleresque de PSY que vous n’avez que trop regardé cette année, auw Beatles sur Abbey Road en passant par le moonwalk de Michael Jackson, les pantalons de MC Hammer et l’incontournable playing “Johnny B. Goode” de Mary McFly.

Le musicien Joshua Carrafa est a l’origine de cette série de GIF que l’on retrouve sur son Tumblr Music History In GIFs. Vous pouvez retrouver quelques-uns de nos préférés ci-dessous. Même si vous n’étiez pas encore né à cette époque, il est certain que vous reconnaîtrez chacun de ces morceaux d’histoire. Et comme 2012 a plus ou moins été l’année du GIF, on vous a concocté une liste des meilleurs GIF artistiques .

Oppa! Gangnam Style

LCD Soundsystem sortie du premier album

Wayne Coyne de The Flaming dans sa balle géante à Coachella

White Stripes sort Elephant

Napster change la face de la musique à tout jamais

Prince devient une icône

Les Beatles traversent Abbey Road

Nirvana sort Nevermind

STOP! It’s Hammertime

Michael Jackson en plein moonwalk

Premier album de Devo Are We Not Men? We Are Devo!

[via FastCoDesign]

@stewart23rd

L'année 2012 en listes : les clips les plus novateurs

Fri, 21 Dec 2012 06:11:01 -0500

À une époque, l’idée seule du clip était novatrice, et chacune des vidéos qui sortait ressemblait étrangement à « In The Summertime » de Mungo Jerry. Mais au fil des années, les réalisateurs se sont mis à multiplier les techniques de narration pour augmenter la musique de manière visuelle. Aujourd’hui, le monde du clip nous livre chaque jour de nouvelles méthodes de réalisation, faisant parfois office de terrain d’expérimentation pour des animateurs et des cinéastes en tout genre. Voici les vidéos les plus cool qu’il nous ait été donné de voir cette année.

Tanlines – “Not The Same”

Dans ce clip, les deux membres du groupe Tanlines sont à la fois réalisateurs, acteurs et figurants.

Jon Lindsay – “Oceans More”

Cette vidéo utilise le RGB+D Toolkit, qu’on espère vivement revoir en 2013.

Warm Myth – “Working”

Dans ce clip, les origamis et les kaléidoscopes sont enfin réunis, vous permettant ainsi de replonger dans votre enfance.

Benga – “I Will Never Change”

Voilà ce qui arrive dès que Benga quitte une pièce. On ne se demande plus pourquoi il est aussi prolifique.

Liars – “Brats”

Oubliez tout ce que vous connaissez de Bugs Bunny, Elmer Fudd, de la chasse et des glitches, puis regardez cette vidéo.

Lorn – “Weigh Me Down”

Selon Lorn, l’enfer est un abattoir. UN ABATTOIR 8-BIT !

Kid Sundance – “Tech City”

Une des vidéos les plus sous-estimées de l’année. Superelectric ont créé leur propre science, et leurs personnages sont d’une sincérité touchante.

Bjӧrk – “Mutual Core”

On était vraiment ravis d’apprendre qu’Andrew Huang s’associait à Björk, et cette collaboration s’est avérée être à la hauteur de nos espérances.

Unstoppable Death Machines – “Do The Devo”

Tod Seelie s’est associé à des centaines d’animateurs pour réaliser ce clip.

Death Grips – “RETROGRADE”

Cliquez ici pour regarder “RETROGRADE”

La vidéo la plus novatrice de l’année est tellement novatrice qu’il ne s’agit même plus d’une vidéo. En réalité, ce clip est constitué de 109 vidéos, chacune comprenant un élément de la chanson en boucle. C’est infernal à regarder et à écouter, mais on pourrait presque affirmer avec certitude qu’il n’existe rien de tel.

@ImYourKid

Rencontre avec Fleur & Manu, les réalisateurs de la trilogie épique de clips pour M83

Thu, 20 Dec 2012 11:03:28 -0500

Après avoir travaillé avec des artistes tels que Tricky, Sébastien Tellier et Bag Raiders, les réalisateurs Fleur & Manu sont devenus des experts pour complémenter la musique de leurs collaborateurs avec des visuels créatifs. Leur trilogie de clips pour M83 témoigne de leur imagination sans limite.

La trilogie commence avec « Midnight City », où l’on rencontre un groupe d’enfants télékinésistes qui s’échappent d’un asile. Ensemble, ils vivent des moments tranquilles jusqu’à ce qu’ils se fassent poursuivre par les autorités dans « Reunion ». L’épisode final « Wait », créé avec le soutien de The Creators Project, s’achève sur un dénouement épique.

Le point d’orgue de ce conte nous entraîne dans un monde en apparence étranger, au summum de l’abstraction. Dans notre reportage qui suit la création du clip de « Wait », Fleur and Manu nous en disent plus sur le message qu’ils ont voulu transmettre, et comment les personnages incarnent à la perfection l’innocence de l’enfance.

@ImYourKid

Joyeux Noël de la part de Grizzly Bear

Thu, 20 Dec 2012 07:09:01 -0500

Si vous aimez tous ce qui se rattache à Noël, vous vous devez de regarder cette vidéo de Grizzly Bear qui a pour but de vous embaumer le cœur, comme lorsque Charlie Brown et ses potes décorent leur sapin. Sauf que vous venez simplement de regarder sept minutes d’images aléatoires accompagnées par une version piano des morceaux du dernier album du groupe Shields.

Pour Noël, le groupe Grizzly Bear s’est fendu d’une note d’humour, malgré ses apparences très sérieuses (j’en veux pour preuve leur dernier « Yet Again » ci-dessous). Pour voir la version piano du morceau, c’est ici.

Au moins, lorsque l’enfant qui est en vous ressurgira à Noël, au lieu de crier sur votre mère parce qu’elle ne comprend rien à vos goûts musicaux, vous pourrez essayer de mettre ça en insistant : « Tu vois, ils peuvent vraiment jouer ! » Faites tout de même attention et n’allez pas jusqu’à faire croire que vous êtes prêt a jeter vos albums de Slayer.

@Mark__ODonnell

Associated Press fait entrer Li Wei dans son top des meilleures photos de 2012

Thu, 20 Dec 2012 06:09:09 -0500

L’artiste pékinois Li Wei aime capturer les forces invisibles afin d’en faire d’épiques photos défiant la gravité. Un de ses tricks préférés consiste à suspendre son sujet à l’aide de câbles métalliques puis de les effacer avec Photoshop. Comme le dit si bien Wei dans notre documentaire que vous pouvez voir ci-dessus : « la magie est dans le détail ».

(AP Photo/Francois Mori)

Cette année, Associated Press a fait rentrer dans son top 150 des photos de l’année ce cliché de Wei lévitant dans le ciel parisien du parc de la Villette. Si l’on y regarde de plus près, les câbles sont encore visibles, à croire que Wei ne l’avait pas retravaillée.

@Creators_fr

300 bateaux en papier viennent égayer Canary Wharf

Thu, 20 Dec 2012 05:16:05 -0500

Le quartier de Canary Wharf, situé à Londres, est actuellement pris d’assaut par une flotte de bateaux. Mais ces bateaux ne sont pas comme les autres, puisqu’il s’agit de modèles miniatures illuminés. Ils font partie d’une installation artistique intitulée Voyage, qui rassemble 300 petits bateaux interactifs.

Cette flottille multicolore a été conçue par Aether & Hemera, Claudio Benghi et Gloria Ronchi dans le cadre du programme Winter Lights. Ils voguent tranquillement depuis le 12 décembre et leur voyage s’arrêtera l’année prochaine, le 15 février 2013.

En plus d’être particulièrement jolis, ces bateaux sont également interactifs et permettent aux gens de changer leur couleur et leurs motifs grâce à un téléphone portable.

Images: Colossal via Sean Batten and Ian Docwra

[via Colossal]

@stewart23rd

Le créateur de Maniac Mansion s'est mis à la spéléologie

Wed, 19 Dec 2012 06:59:26 -0500

Ron Gilbert fait partie des figures légendaires du monde du jeu vidéo, du moins pour les nerds qui avaient déjà un ordinateur personnel en 1995. Réputé pour son travail chez la société américaine LucasArts, le concepteur est à l’origine des célèbres jeux d’aventure The Secret of Monkey Island et Maniac Mansion. À rebours des développeurs actuels qui s’acharnent à concevoir les environnements les plus réalistes possibles, Gilbert mise sur un univers loufoque depuis ses débuts.

Son dernier jeu en date, The Cave (dont le trailer est visible ci-dessus) ne déroge pas à la règle. Fruit d’une collaboration avec les développeurs de Psychonauts, ce jeu d’aventures met en scène sept personnages aux passés tortueux : le Moine, l’Aventurier, le Chevalier, le Voyageur spatio-temporel, le Paysan, la Scientifique et deux Jumeaux un peu creepy. Chacun d’eux possède un pouvoir spécial qui permet d’évoluer dans le jeu. Par exemple, la Scientifique peut hacker n’importe quel système informatique tandis que le Paysan est en mesure de respirer sous l’eau. Autre héroïne de l’histoire à part entière : La Grotte, où se déroule l’intégralité du jeu.

Ron Gilbert nous a précisé ses motivations principales : « De mon enfance, je me rappelle très bien des journées passées avec des amis à résoudre des énigmes sur un jeu d’ordinateur. En réalité, seule une personne avait la possibilité de jouer, tandis que les autres devaient lui souffler ce qu’il devait faire. Avec The Cave, j’ai voulu optimiser le jeu de manière à ce que chacun puisse jouer en même temps, avec trois personnages disponibles à la fois ». Reste maintenant à savoir si ce jeu sera également propulsé au rang de légende. Mais comme l’a déclaré Gilbert quelques années plus tôt : « On ne peut faire qu’un seul pacte avec le diable. Malheureusement, j’ai tout niqué sur un jeu 16-bit ».

The Cave sortira sur PS3, Xbox 360 et PC début 2013.

@Creators_fr

Un chapeau qui s'éclaire en fonction de vos mouvements

Wed, 19 Dec 2012 06:53:04 -0500

C’est l’hiver, c’est la période de l’année où chacun sort de quoi garder les oreilles au chaud, bonnets, chapkas, faites comme bon vous semble, vous ne trouverez pas mieux que cet incroyable couvre-chef qui fera de vous la plus belle décoration de noël de votre quartier. Younghui Kim et Yejin Cho sont a l’origine de ce chapeau imprimé 3D où sont incrustées des LED qui répondent aux mouvement de votre tête en s’éclairant.

Au niveau du style, on pourrait croire à un des chapeaux cloches de Zelda Fitzgerald, les LED en moins, évidemment. Nommé Gravity of Light. L’idée du projet vient d’une réflexion sur le comportement de la lumière sur une surface si elle était soumise a la gravité, si elle devait réagir comme de l’eau, par exemple.

Le résultat est ce couvre-chef qui semble tricoté, et s’éclaire comme par magie en fonction des mouvements de celui qui le porte. On est seulement un peu déçu que cela ne soit pour le moment qu’un prototype.

[via Gizmag]

@stewart23rd

L'année 2012 en listes : les décorations de Noël les plus inventives

Wed, 19 Dec 2012 06:01:00 -0500

Avec les cadeaux, les morceaux festifs et les chocolats, les décorations de Noël participent grandement à rendre la fin d’année plus réjouissante. Voici une liste des décorations les plus inventives qu’on a pu rencontrer cette année.

LES LUMIÈRES DE NOËL À MADRID

Chaque année, le conseil municipal de Madrid invite un architecte ou un designer de renommée internationale, pour décorer les rues de la ville. Cette année, c’est le cabinet d’architectes de Teresa Sapey qui a été choisi pour habiller la rue Serrano, qui appartient à un des quartiers les plus luxueux de Madrid. Ils ont décoré les rues avec des formes colorées et géométriques, mobilisant ainsi quelques milliers de LED.
[via]

THE CHRISTMAS WISH MACHINE

The Mill s’est associé à INT Works pour créer une installation interactive qui transforme les tweets en flocons de papier. Pour participer, il vous suffit d’envoyer un vœu via Twitter à @TheMillWishes, et il sera ensuite imprimé sur un flocon unique qui viendra rejoindre la tempête de neige artificielle qui sévit dans une vitrine de la Great Marlborough Street, à Londres. Pour chaque flocon, 10 pence sont donnés à l’association Crisis UK. Découvrez la machine en action ici.
[via]

LE COMMUNITREE

Le Communitree est issu d’une collaboration entre les marques ScentSicles et Balsam Hill, qui se sont associées pour célébrer la notion de communauté à travers la technologie. Du 19 au 21 novembre, les utilisateurs étaient conviés à contrôler un robot décorateur en se connectant sur Facebook. Pour chaque tentative de décoration, les marques faisaient don de 5 dollars à la Fondation Toys for Tots.
[via]

tha ltd.

Le collectif tha ltd. a conçu une ville miniature en pain d’épicé, installée dans un magasin MUJI à Tokyo, au Japon. Elle se compose de 100 maisonnettes pourvues d’écrans qui affichent des tweets festifs et des photos Instagram. Il vous suffit d’utiliser le hashtag #mujixmas pour participer, ou de regarder le live feed.

Abies Electronicus

Les créateurs de 1024 architecture ont conçu une réinterprétation révolutionnaire du sapin de Noël, qui prend ici la forme d’une sculpture architecturale augmentée de lumières, de sons et de visuels. Elle sera visible jusqu’au 28 décembre à Bruxelles, en Belgique dans le cadre de l’évènement Plaisir d’hiver. Selon 1024, « Le tronc du sapin est composé d’un escalier qui mène le visiteur à une vue panoramique (19m de haut) inédite sur la Grand-Place et le centre de Bruxelles ».
[via].

@Creators_fr>/a>

Sur Mars, personne ne vous entendra crier

Tue, 18 Dec 2012 12:44:03 -0500

Me balader sur Mars ne me fait pas du tout rêver. Vous trouverez peut-être que je manque de Curiosity, mais si les plaines désertiques sont tentantes, je pense préférer les steppes kazakhs au cosmos. Par contre, s’il s’agissait de survoler la planète rouge, j’accepterais de suite. Surtout s’il m’est donné l’occasion d’assister pour de vrai à cette expérience issue de la rencontre du studio de motion-design lituanienne Korb et de Echolab, spécialiste du design sonore.

L’idée de ce projet vient d’une interrogation : comment se propage le son dans l’espace ? Dans l’air, c’est quelque chose comme 1230km/h, mais sans test de la NASA, difficile d’avoir la moindre idée de ce que donne physiquement l’impact d’une onde sonore à la surface d’une planète. Dans cet incroyable GALE, le résultat a beau être virtuel, il n’en reste pas moins tout à fait impressionnant, on pourrait se croire au fond d’une tasse de thé lorsque le nuage de lait vient se dissoudre dans l’eau trouble. L’ocre martienne forme un nuage immense répondant à l’impact oppressant des vagues de son émises par Echolab. Il règne dans cette courte vidéo une atmosphère d’essai nucléaire et on se mettrait presque à redouter les prochaines expérimentations spatiales.

@Creators_fr

Les Champs-Élysées se parent d'arbres lumineux

Tue, 18 Dec 2012 11:33:24 -0500

À l’approche des fêtes, les guirlandes et les sapins commencent à envahir les rues. Cette année, la célèbre avenue des Champs-Élysées à Paris se voit à nouveau parée des Tree Rings de l’agence de design ACT Lighting. Après avoir gagné une compétition internationale qui leur permettait d’illuminer les Champs-Élysées pendant l’espace de quatre ans, l’agence belge a mis en place ce projet l’année dernière. Leur concept de base est d’habiller chacun des 200 arbres de l’avenue avec des LED afin de symboliser la relation harmonieuse qu’entretiennent les gens avec la nature.

Par rapport à l’année dernière, les Tree Rings ont été revus à la hausse, avec une nouvelle palette chromatique et des séquences dynamiques qui représentent les différentes phases de la nuit. Un gigantesque rideau de lumières étincelantes a également été installé sur des branches afin de bien mettre en valeur la prestigieuse avenue. Quelques photos des décorations ci-dessous :

[Via Designboom]

L'année 2012 en listes : les films d'animation qui vont vous scotcher

Tue, 18 Dec 2012 07:45:31 -0500

C’est une année à marquer d’une pierre blanche pour l’animation, puisqu’elle a donné lieu à de nombreuses innovations et d’impressionnantes réalisations que vous avez probablement déjà vu passer. Mais même les plus dévoués d’entre nous ne peuvent pas passer leursvie entière a regarder des vidéos en ligne, surtout avec tout ce qu’on a faire a côté, comme poster des statut Facebook.

Donc, si vous avez loupé une des pépites de l’année, nous avons collecté quelques unes d’entre elles dans la liste ci-dessous. Au cas où votre journée de boulot serait un peu trop longue, faites-vous une pause.

Meilleure utilisation d’une licorne psychédélique : Fancy Mike – “Miami Vice” par Alexandre Louvenaz

Il n’est pas autorisé de faire un clip pour un morceau s’appelant « Miami Vice » sans y mettre une demi tonne de néon, c’est un fait, il y a probablement une loi pour ça. Alexandre Louvenaz devait le savoir puisque sa version psyché des palmiers de Floride se trouve mélangée à un monde de voitures de sport, de licornes, de démons avec même un ours cracheur de feu.

Meilleure interprétation du mythe japonais de l’esprit des neiges par une mouette en colère :
The Carp and the Seagull par Evan Boehm

Dans ce film interactif de Evan Boehm, vous vous promenez entre deux mondes, suivant un pécheur dont la vie a pris un inquiétant tournant après une altercation avec un mouette qui se trouve être Yuki-onna—un esprit de la neige—qui l’entraîne ensuite dans un étrange voyage par delà d’autres dimensions. En tant que spectateur habitué a regarder une vidéo d’un bout a l’autre, la surprise est grande puisque vous devez explorer cette fois-ci un monde complexe soutenu par la bande son de Plaid.

Meilleure utilisation d’un arc-en-ciel comme d’une représentation de la musique : IV.10 by Beeple

On se croirait dans un niveau caché de Super Mario World dans cette vidéo de Beeple qui pousse le concept de représentation du son au niveau supérieur. Tout ce que vous entendez ici a sa représentation physique dans la vidéo. Comme Beeple l’explique : « La vidéo et l’audio ont besoin d’une corrélation qui donne a voir chaque note, tout ce qui se trame dans un morceau de musique. »

Meilleure réalisation d’une photo longue exposition avec light painting ayant pour sujet une McLaren P1 Concept Car : Marshmallow Laser Feast

Le virtuel et le réel se mélangent tellement souvent dans cette vidéo qu’il devient parfois difficile de faire la différence. Ce projet prend place dans une soufflerie pour test d’aérodynamisme et se sert des informations collectées pour faire ressortir les lignes de la voiture à l’aide de lumières. Il aura fallu pas moins de 720 000 clichés pour réaliser cette animation et chacune des photos a été prise en longue exposition afin de faire de chaque ligne une trainée de lumière.

Meilleure utilisation des bouleversements mondiaux pour générer un film non-linéaire : FIELD – Energy Flow

Le projet unique de FIELD est disponible en application sur iOS et Android. Il explore les tensions qui existent dans notre monde au travers de différents thèmes comme la gravité, les émeutes, la chance et l’infini afin de créer ce qu’ils appellent « une peinture numérique en mouvement ». FIELD a voulu réaliser ce projet après la tumultueuse année 2011 qui aura vu des événements majeurs changer l’ordre mondial—aussi ont-ils tenté d’en tirer la beauté afin d’en faire un film expérimental donnant a celui qui le regarde la possibilité d’une nouvelle expérience à chaque visionnage.

@Creators_fr

L'année 2012 en listes : 5 visions d'un futur post-apocalyptique

Tue, 18 Dec 2012 05:40:24 -0500

Je ne sais pas si c’est parce qu’il fait un temps catastrophique, si je suis stressée à l’approche des vacances ou si je subis juste les symptômes fâcheux d’un mardi de ramasse, mais je me suis levée du mauvais pied aujourd’hui. Quand je suis arrivée au bureau, un ami m’a taquinée en me glissant subtilement que la fin du monde était proche, et que c’était probablement la raison principale de ma mauvaise humeur. Comme vous le savez sans doute déjà, le 21 décembre pourrait très bien marquer le début d’une nouvelle ère, mais personnellement, j’attends de voir. Dans tous les cas, voici nos interprétations favorites d’un futur post-apocalyptique. Sans grande surprise, ils ont tous un rapport plus ou moins étroit avec les cyborgs ou les zombies.

Factory Fifteen : Robots of Brixon

Le collectif de réalisateurs Factory Fifteen a réalisé un court-métrage intitulée Robots of Brixon, qui suit la révolution d’une main d’œuvre robotique, à travers le regard de quelques machines qui se réveillent dans un monde onirique avant de provoquer une émeute.

Neon Indian : “Polish Girl” de Tim Nackashi

Pour le clip « Polish Girl » de Neon Indian, le réalisateur Tim Nackashi a inventé l’histoire d’un humanoïde solitaire qui passe ses journées à scanner les corps et les pensées des gens dans le but de retrouver son amour perdu. Retrouvez notre reportage sur les coulisses du tournage ici.

Cassette Playa : KARMAGEDDON A/H 2012

Si la fin du monde est prévue pour cette semaine, autant partir comme un prince. La collection A/H 2012 de Cassette Playa (et la vidéo réalisée par Weirdcore) propose quelques suggestions pour se parer contre l’apocalypse. Si vous choisissez de célébrer votre dernière nuit sur terre en faisant la fête, tant mieux pour vous.

N1ON Productions : True Skin

Le court-métrage dystopien True Skin de N1ON est peuplé d’écrans et d’hologrammes. Si ce futur devient réalité, la peau augmentée sera une norme et l’immortalité ne sera plus un fantasme lointain.

HEALTH : “Tears” de David Altobelli et Jeff Desom

Le clip de « Tears » réalisé par David Altobelli et Jeff Desom pour HEALTH est absolument terrifiant. Si vous trouvez que la série The Walking Dead est flippante, attendez de voir les bébés zombies de la vidéo ci-dessus.

@kfloodwarning

Marcus Reugels sculpte l'eau pour créer de délicates photographies bariolées

Mon, 17 Dec 2012 11:49:07 -0500

Une plante carnivore polymorphe dont la vivacité des couleurs traduirait la toxicité de son poison ? Le verre en fusion bouillant sous la force du feu, près a être souffle dans les ateliers de Murano ? Même pas, la vérité est plus simple, et depuis le temps qu’on se le dit on devrait le savoir, la vérité est toujours plus simple. De l’eau ! Simplement de l’eau, de l’eau telle qu’on ne la verra jamais, même si vous passez vos vaisselles à la regarder couler puis s’éclater sur le gras de vos repas, même si vous clignez frénétiquement des yeux sous la douche.

Pour la voir ainsi, il vous faut, comme Marcus Reugels, un dispositif des plus complexes et beaucoup de temps. Passé maître dans la discipline, ce photographe allemand travaille depuis plusieurs années maintenant sur ces instantanés d’explosions liquides colorées, sorte d’amanites d’eau multicolores. Voici quelques-uns de ces derniers travaux :

Découvrez l’envers du décor, avec ce making-of des fantastiques photos de Reugels :

[Via Colossal]

@Creators_fr

Le street art du futur

Mon, 17 Dec 2012 11:37:30 -0500

Immortaliser des moments précieux est un travail qu’on pourrait croire réservé à l’entreprise Kodak, mais Evan Roth ne semble pas partager cet avis. Artiste numérique accompli, Roth a une approche similaire à celle d’un hacker. À une époque où tout semble s’enchaîner à une vitesse effrénée, son travail nous invite à nous arrêter un instant pour contempler ce qui nous entoure.

Un de ses projets les plus connus s’intitule Graffiti Analysis. Comme son nom le suggère habilement, il s’agit d’une étude des mouvements dans le graffiti. Ce travail consiste en un logiciel spécifique conçu pour les graffeurs, afin de créer un outil de visualisation qui permet de matérialiser leurs gestes requis pour réaliser un tag. Les données sont ensuite documentées, analysées et converties en fichiers Graffiti Markup Language (.gml).

Mais le projet ne s’arrête pas là. Roth a développé une suite à Graffiti Analysis, qu’il a baptisée Cap (Graffiti Analysis Series). Comme pour le projet précédent, cette série de sculptures mobilise des analyses des mouvements de graffeurs dans l’espace, et transforme les données en impressions 3D. Roth a utilisé des algorithmes pour capturer les mouvements de Cap —un artiste qu’on retrouve dans le documentaire de 1983 Style Wars. Les sculptures sont ensuite crées avec de l’ABS trempé dans du chrome.

Pour en savoir plus sur le processus de création, regardez la vidéo ci-dessous :

Photos extraites du site Evan-Roth.com.

[via Lost At E Minor]

@embovoy

Des vêtements inspirés par les rythmes mathématiques de la musique minimale

Mon, 17 Dec 2012 08:29:07 -0500

Que la musique inspire la mode, ce n’est pas nouveau —des clous et des chaînes des punks aux sneakers et aux casquettes du hip-hop, en passant par les horribles pantalons de rave qu’on préférerait tous oublier. Cependant, la créatrice berlinoise Alba Prat s’est inspirée de la façon la plus directe possible de la musique, et d’un artiste en particulier.

Carsten Nicolai développe une musique mathématique et minimale qui l’a guidé dans la conception de la collection Syn Chron. L’amour de Prat pour les compositions de Nicolai vient du fait qu’elles sont connues « pour la précision de leur esthétique, son travail demeure au carrefour entre l’art et la science. Il réussit à unir les deux disciplines pour en faire des sculptures, des installations sonores et lumineuses, créant alors un monde froid, technique et minimal. »

Dans l’idée d’une visualisation des données, Alba Prat utilise le battement de son cœur comme base pour quelques-uns de ses designs. « J’ai enregistré mon rythme cardiaque dans deux situations différentes et je me suis servie d’un logiciel spécifique pour visualiser le résultat dans sa forme la plus abstraite, c’est ce qui sert de base a mes impressions… L’enregistrement de la première impression est celle d’une situation calme. En me servant de la représentation graphique du spectogramme, j’ai produit une ligne aux lumières digitales. Pour les autres, je sortais juste d’un exercice intense. J’ai ensuite transformé le rythme audio de mon cœur en bits afin de créer un tissage jacquard. »

Son interprétation de l’œuvre de Nicolai se décline en une série de pièces aux couleurs simples et aux motifs prenants. Peut-être même que Carsten Nicolai échangera son look noir habituel pour quelques-uns de ces fantastiques vêtements.

Découvrez-en plus sur le travail de Carsten Nicolai dans la vidéo ci-dessous :

[via Triangulation]

@ImYourKid

L'année 2012 en listes : les meilleurs .gif artistiques

Mon, 17 Dec 2012 05:30:11 -0500

Même si l’université d’Oxford n’avait pas déclaré que GIF était le mot américain de l’année, on trouverait quand même une excuse pour faire cette liste de .gif. Mais on vous promet que cette liste ne ressemblera pas à celles que vous pourrez retrouver sur Buzzfeed et consorts —cette liste compile les .gif les plus beaux et les plus artistiques de l’année.

LES PLUS FANTASQUES

La tête dans les nuages. GIF de Pierre Busschere.

La bijouterie peut aussi donner des ailes. [via]

GIF d’Ignacio Torres.

LES PLUS INSPIRÉS PAR LES JEUX VIDÉO

Il y a quelques mois, Reed + Rader ont réalisé une série de .gif inspirés du jeu Animal Crossing, et ils sont adorables. Découvrez le making-of ici.

Celui-ci a été réalisé par Woody Jang en réponse à notre article sur le jeu indépendant d’Axel Shokk, TRIP.

Inutile d’en dire plus sur celui-là. [via]

LES PLUS TENDANCES

GIF d’Alis Pelleschi pour le magazine SuperSuper, en collaboration avec badsmellingboy.

Rodarte P/E 2013. FASHGIF s’attache à donner vie aux catwalks de la manière la plus excentrique qui soit.

Bernhard Willhelm P/E 2013. Des .gif réalisés en collaboration avec Geoffrey Lillemon, Petrovsky&Ramone et Random Studio.

Les fringues colorées de Cassette Playa. GIF de Josh Greet.

LES MEILLEURS MONSTRES

Ne laissez pas ces monstres stéréoscopiques envahir vos cauchemars. GIF de Dain Fagerholm.

GIF de The Saline Project.

LES PLUS ARTISTIQUES

Source du GIF inconnue.

Une Mona Lisa insolente. [via]

Nighthawks revisité. GIF d’Ibon Mainar.

LA MEILLEURE ARCHITECTURE AUGMENTÉE

Comment rendre un immeuble en béton plus joli. GIF d’ INSA.

Into Time au MIS de São Paulo. GIF et installation de Rafaël Rozendaal. [via]

Pour ceux qui regrettent l’été. GIF de Max Capacity.

Un Banksy aboyant. GIF de ABVH.

LES PLUS TROUBLANTS

Des membranes s’entrecroisent dans le clip “Mutual Core” de Björk, réalisé par Andrew Huang. GIF de DVDP.

GIF de mr. div.

GIF de Yoshi Sodeoka.

Regardez le point du milieu pendant 45 secondes puis détournez le regard, et votre monde se trouvera b-o-u-l-e-v-e-r-s-é.

@kfloodwarning

Le dispositif interactif Réflexions défie le mythe de Narcisse

Fri, 14 Dec 2012 12:03:25 -0500

C’est dans le cadre de l’évènement Montréal Créative, organisé conjointement par MASSIVart et Artv que l’on a pu découvrir Réflexions, la toute dernière installation de Département. Le studio de création pluridisciplinaire n’en est pas à son premier essai en termes de production visuelle et interactive et il faut reconnaître que les quatre associés contribuent largement au bouillonnement créatif montréalais. À l’aise dans de nombreux champs d’exploration, l’équipe nous offre cette fois-ci l’opportunité de dresser un portrait numérique de nous mêmes.

Présentée pour la toute première fois, Réflexions est en quelque sorte un portail vers une nouvelle dimension ; elle fait le pont entre le monde analogique et le monde numérique et provoque ainsi la rencontre de nos identités réelles et virtuelles. Outre sa portée ludique, Réflexions se veut être une vraie interrogation sur notre identité plurielle.

Concernant la technologie du dispositif, l’installation a été développée grâce à Openframeworks. Cet environnement est écrit en C++ et permet la création d’applications interactives. La captation visuelle et sonore est quant à elle réalisée par une Kinect et les données obtenues sont traitées puis projetées. Par cette installation, le spectateur est invité à faire connaissance avec son reflet, créé et modifié en fonction des mouvements et des sons ambiants, la trame visuelle semble presque animée d’hyperactivité angulaire.

Au fur et à mesure, la possibilité d’interagir avec « un autre soi » devient plus qu’attractive. L’œuvre propose de marcher, sauter, crier et ainsi donner vie à un jumeau numérique, sans pour autant tomber dans le piège de Narcisse.

Réflexions sera présenté du 11 décembre 2012 au 16 février 2013 à l’ARTVstudio.

« Bye Bye Macadam », le dernier clip de Rone, est un rituel chamanique à la gloire des étoiles [Exclusif]

Fri, 14 Dec 2012 11:27:28 -0500

Le nouveau clip de Rone, « Bye Bye Macadam » (ci-dessus) nous transporte au cœur d’un rituel mystique et spatial se déroulant quelque part au carrefour d’un rêve et d’un trip. Les yeux et les oreilles grands ouverts, on suit l’histoire d’une jolie étoile, de sa création à sa mort. La lumière danse en rythme avant de mourir en trou noir. « Bye Bye Macadam » est le deuxième single issu de l’album Tohu Bohu, dont Rone nous avait déjà longuement parlé.

Dans ce clip qu’on vous présente aujourd’hui en exclusivité, on retrouve tout l’univers aérien de Rone amorcé avec « Parade », mêlé au travail d’animation de Dimitri Stankowicz, jeune réalisateur de films d’animation diplômé de l’ENSAD. Pour l’occasion, nous avons rencontré les deux comparses afin de comprendre comment il fallait s’y prendre pour faire un projet qui paraisse à la fois si simple, si complexe et si beau.

The Creators Project : Comment vous êtes vous rencontrés et comment s’est déroulée la conception du clip « Bye Bye Macadam » ?
Dimitri Stankowicz : Je connaissais un peu Rone grâce à un ami en commun, Vladimir Mavounia Kouka qui est aussi réalisateur de films d’animation. J’ai donc été contacté par InFiné pour réfléchir sur un clip à la sortie de Tohu Bohu. Après avoir discuté un peu avec Rone, nous nous sommes mis d’accord sur une collaboration. Les choses se sont faites naturellement et très simplement.

Rone : Mon ami Vladimir qui a fait le clip de « Spanish Breakfast » ainsi que la pochette du disque, m’a fait rencontrer Dimitri, donc j’avais déjà confiance, et puis j’avais pu me faire une idée en regardant en profondeur tous les clips qu’il avait déjà réalisés. Beaucoup étaient non officiels mais il en avait fait de très beaux pour Chris Clark et Björk. On a eu une brève discussion pour se mettre d’accord sur les détails. Je n’aime pas restreindre les possibilités créatives des gens avec qui je travaille, tout comme je n’aimerais pas qu’on me pose des barrières. Et je me suis retrouvé avec un clip génial, très fort.

Croquis préparatoires de Dimitri Stankowicz.

Ça marque vraiment une rupture avec tes clips précédents, c’était vraiment quelque chose de voulu ?
Rone : C’était de toute façon un nouveau partenariat, et c’est ce que j’aime avec le fait de travailler pour différentes personnes c’est que je me plonge dans leur univers et que j’aime bien confronter le mien. Ça forme des contrastes. Celui de Ludovic Duprez (de Studio Fünf) est très différent de celui de Vladimir Mavounia Kouka qui est lui-même très différent de celui-ci, il y a aussi celui de « Parade » qui est complètement à part puisque c’est mon seul clip en prise de vue réelle, sinon je n’ai que des clips d’animation. Là, Dimitri m’a tout de suite dit qu’il voulait travailler en noir et blanc, ça me parlait, c’est vrai que le reste de mes clips sont plutôt colorés, mais ce n’est pas une rupture voulue.

Stankowicz : La rupture graphique s’est faite naturellement, sans même que j’y pense. J’avais également envie de trancher avec l’esthétique papier découpé à laquelle je m’étais habitué. Depuis longtemps, je voulais revenir au dessin et à l’animation traditionnelle. Ayant bénéficié d’une grande liberté sur ce projet, j’ai pu laisser libre cours à mon imagination sans me soucier de coller aux œuvres préexistantes. L’idée était de créer quelque chose de subjectif quant à mon ressenti sur l’ambiance de « Bye Bye Macadam ».

Quelles ont été vos inspirations sur ce projet, d’où vient cet intrigant aspect mystique qui donne l’impression d’assister aux rites d’une secte vouée au cosmos ?
Stankowicz : Pour ce clip, je me suis inspiré de certaines danses modernes, du chamanisme au sens large et de certains phénomènes astrophysiques. L’idée de créer une chorégraphie sur fond de Supernova me plaisait assez. Le clip est avant tout une boucle sur les différentes étapes d’une étoile. De sa création à son explosion en supernova jusqu’à son effondrement en trou noir. Les personnages et l’espace sont liés, ils s’influencent mutuellement. L’interaction étant poussée à son paroxysme par l’allongement des corps sous l’effet des forces de marées gravitationnelles provoqué par le trou noir. J’ai toujours voulu tester une chorégraphie basée sur l’incantation. Au lieu d’utiliser des morceaux de bois ou des osselets, les personnages jouent avec le feu, la gravité, les forces de marées… Le côté rituel occulte et mystique a du coup été renforcé par l’aspect fantastique de ces interactions.

Je n’ai pas vraiment pensé à une secte mais plutôt à un mélange entre le chamanisme et les Sélénites de Georges Méliès. Mais il est vrai qu’il se dégage quelque chose de sombre. A la différence des humains, les personnages du clip ont réellement des pouvoirs surnaturels. Des sortes de divinités païennes célébrant leur propre création. Le film reste assez mystérieux pour que chacun l’interprète à sa façon.

Photos publiées avec l’aimable autorisation de Dimitri Stankowicz.

@Creators_fr

L'univers conté avec une incroyable projection aquatique

Fri, 14 Dec 2012 11:20:10 -0500

La naissance de l’univers, la formation de la Terre jusqu’à notre époque – c’est l’histoire que retrace cette ambitieuse projection aquatique, Beginning, réalisée par Novina Studio pour un évènement en extérieur.

Ce film en noir et blanc est projeté sur un jet d’eau, à l’image de l’œuvre X de Max Hattler. Ce travail nous montre des explosions abstraites et un voyage dans le cosmos, aux côtés d’une flopée d’astéroïdes. Le spectateur se retrouve ensuite face à des volcans en éruption, jusqu’à ce que débarque l’homme moderne.

@stewart23rd

Le cabinet MAD Architects sort des rangs avec ses Absolute Towers aux courbes sensuelles

Fri, 14 Dec 2012 05:44:36 -0500

Le cabinet MAD architects a récemment finalisé un projet dingue de tours torsadées. L’incroyable ouvrage se trouve dans la ville de Mississauga au Canada et a nécessité six ans de travaux. Mesurant 170 mètres pour l’une et 150 pour l’autre, l’accès aux balcons devrait probablement être interdit aux personnes sujettes au vertige.

Parce qu’ils en avait marre de faire des grattes-ciels en forme de boite Ma Yansong s’est employé à créer un projet plus organique, une sculpture aux courbes naturelles pour y percher des appartements en haute altitude.

Mais voilà plutôt ce que les architectes ont à dire sur le sujet :

« Malgré ce qu’on voit dans toutes les villes, il ne suffit pas de faire grand pour faire un monument. Notre design sur ce projet incorpore des balcons tout autour du bâtiment, brisant la barrière verticale qu’on trouve sur toutes les grattes-ciels. Le building tout entier se tord à différents niveaux. Notre but est que chaque résident profite d’une vue à 360 degrés, et que les gens dans la rue soient en contact avec un élément naturel qui réveillerait leur amour de la nature ».

Découvrez-en plus sur Ma Yansong dans notre interview ci-dessous :

Images : © Iwan Baan

@stewart23rd

Rencontre avec Vitalic et 1024 pour leur incroyable live VTLZR

Thu, 13 Dec 2012 11:29:08 -0500

Début novembre sortait Rave Age, le dernier album de Vitalic. Et comme nous avions été conquis par son dernier live réalisé avec les deux architectes de 1024, nous étions particulièrement contents de voir que cette collaboration était reconduite pour VTLZR, un show aussi puissant qu’impressionnant. Lorsqu’on a su que c’était la tête d’affiche des Rencontres Transmusicales 2012, on a sauté dans le TGV et on a rencontré Pier Schneider de 1024 ainsi que Vitalic une petite heure avant d’assister au live et de prendre une jolie claque.

The Creators Project : Comment fonctionne votre collaboration ?
Vitalic : En ce qui concerne le premier live, on a un très bon contact dès notre première rencontre quand je suis allé les voir à leur atelier. Puis très vite, Pier et François sont venus me voir a Dijon avec quelque chose de très concret, des idées très avancées, très cohérentes par rapport a l’album. Pour le second, ça s’est fait naturellement, même si je sais que 1024 ne veut plus trop faire de scénographie en musique, on s’est tout de même entendu pour qu’ils m’accompagnent sur le second et le troisième album.

Qu’apportes-tu personnellement dans la construction de ces projets ?
Vitalic : J’apporte la musique dans un premier temps, évidemment. Puis on fait un brainstorming, et même si je ne me rend pas tout à fait compte de ce qui se passe, ils extraient l’essentiel de ces discussions. Au final, il ne reste plus que quelques mots qui donnent le concept d’ensemble. Puis ils avancent de leur côté et on se retrouve pour répéter le show, on mélange ce que j’ai travaillé côté musique et eux sur la scénographie. On le retravaille petit a petit au fil des répétitions afin d’avoir un live cohérent.

1024 : On part évidemment de la musique que Vitalic produit, on en définit un propos, une histoire, il a le mérite d’être très concis. Par exemple, sur le premier projet qu’on a fait ensemble, V Mirror pour l’album Flash Mob, il est venu avec une définition de son travail qui était claire et cohérente puisque ce n’était que quelques mots : « une électro, disco, poilue ». On est parti de ça, sur l’univers de la disco, sur la boule à facettes, qu’on a remis à plat avec ce V Mirror, une sorte de boule a facettes bidimensionnelle qui illustrait parfaitement l’histoire que Flash Mob raconte. Pour le deuxième, cet album qui s’appelle Rave Age contient une musique de rave qui fait des ravages, on est parti sur un dispositif qu’on voulait puissant, limite dangereux. On a aussi travaillé sur le dispositif de synchronisation, un processus qui est en place depuis qu’on s’est rencontré, c’est-à-dire qu’on a écouté et vu comment Pascal faisait sa musique et on peut désormais s’insérer dans la fabrication du son pour récupérer des information qui permettent de contrôler un dispositif lumineux.

Qu’est ce que ça te faisait d’être presque à trois sur scène lors de tes lives de V Mirror ?
Vitalic : Avec mes deux reflets ? C’était assez plaisant. J’avais déjà fait une petite scéno auparavant, mais ce n’était pas vraiment comparable. Là ce que j’aimais, c’était d’être englobé dans une sorte de cocon, c’était assez spécial. Avec ce nouveau live, il se passe beaucoup de choses, avec les musiciens et cet espèce de synthé de lumière derrière. On est plus sur la puissance et le résultat est beaucoup moins intimiste que sur Flash Mob.

1024 : C’est normal parce qu’avec Flash Mob, Vitalic avait besoin d’envoyer et de recevoir, et ce V Mirror c’est une sorte d’antenne satellite qui attrape les ondes du public et les renvoie, créant un interaction simple qui plaçait le public presque au centre du live. Et pour Rave Age, Vitalic a tout de suite précisé qu’il voulait travailler avec des musiciens. Et comme ils sont trois sur scène, Vitalic, un clavier et un batteur, l’installation s’en trouve multipliée. Nous avons donc voulu faire une sorte d’instrument de musique visuelle qui joue avec ces musiciens, et c’est Vitalic qui le manipule, au travers de son live. Techniquement, tout ce qu’il produit en temps réel sur Ableton live est codé en pistes midi et envoyé par signaux videos au 32 sharpy. En fait, il joue sa musique en même temps qu’il joue la lumière. On ne fait clairement rien pendant le live.

V Mirror

Est-ce que c’est deux fois plus dur, comme si tu jouais deux fois ou finalement c’est comme d’habitude ?
Vitalic : Le dispositif suit de lui même le live donc je joue en même temps que la musique est préparée, je n’arrive pas sur scène en demandant aux musiciens « Allez les gars on se fait un petit bœuf devant 8000 personnes !» C’est tout de même quelque chose d’assez scénarisé, tout ne se fait pas sur scène.

Dans votre relation, qu’est ce qui a changé entre Mirror et VTLZR ?
Vitalic : On se connaissait plus, Pier et Francois ont tourné avec nous sur des dates, sur les gros lives et dès que possible, donc évidemment, même si on s’est tout de suite apprécié, ce n’est pas pareil lorsqu’on a côtoyé les mêmes personnes sur une longue période. C’est vrai que les premiers rendez-vous pourVTLZR étaient beaucoup plus productifs et libres qu’avant, il n’y avait plus de gêne entre nous, on allait beaucoup plus vite.

En quoi l’innovation technologique influe sur votre travail ?
Vitalic : Je pense que c’est essentiel, a l’époque de V Mirror tout le monde avait des LED, par contre eux ont eux l’idée de ces écrans miroirs, ce qui a été repris depuis d’ailleurs. Et sur VTLZR, on s’est dit que le mieux serait cette avalanche de lampe sharpy avec des écrans en second plan, ce sont des trucs qui ne sont jamais faits pour des lives. Ils se tiennent vraiment au courant de ce qui se fait et reste toujours innovant.

1024 : C’est surtout une technologie qu’on met en œuvre, qui permet un dialogue entre l’espace sonore et l’espace visuel —on transcrit tout ça de manière légère. Et pour y arriver, il faut surprendre, parce que la surprise est légère et qu’elle passe, en tout cas avec nous, par quelque chose que les gens n’ont jamais vu, ce qui nous oblige à toujours chercher de nouveaux médiums, de nouvelles technologies. Et malgré ça, on joue à l’inverse, on cherche à éviter la débauche de moyens, on pourrait vouloir avoir la meilleure définition, mais non, on veut cette légèreté. Là, par exemple, sur VTLZR on utilise 32 sharpy et on envoie dedans un contrôle vidéo génère en live, en temps réel par Vitalic, et c’est finalement un écran géant de 32 pixels, c’est une sorte de low-tech. C’est amusant ce contraste entre cette installation gigantesque, très puissante et puis cette réalisation presque minimale. Ça va parfaitement avec la musique de Vitalic, cette puissance alliée a la célérité et la fluidité.

Pendant la conception de l’album, tu penses déjà à l’installation que tu vas avoir pour tes lives ?
Vitalic : Sur Rave Age oui, pour Flash Mob pas du tout, c’était un album très posé, très aérien, disco voire un peu solaire, et lorsqu’on a eu fini la tournée, il y a deux ans au Japon, je me suis tout de suite « putain, il faut y retourner tout de suite ! », je savais que j’allais travailler avec 1024, et j’avais envie de ça, de grosses scènes, d’une scéno imposante et donc j’ai composé la musique pour ça, ce qui s’entend, je crois.

1024 : Tu le dis toi-même, c’est un album que tu as voulu avant tout pour le live. Et on l’a compris comme ça, nous, dès la première écoute, il est beaucoup plus dansant. Peut-être que V Mirror t’a montré toute l’étendue d’une scénographie et que tu as pris conscience de ça pour nous accompagner dans VTLZR, du coup, on s’est régalé a travailler dessus. C’est un album qui est fait pour être vécu.

Tout à l’heure tu disais que pour V Mirror le fil conducteur c’était ces trois mots « Electro, Disco, Poilue », c’était quoi pour VTLZR ?
Vitalic : Il y en a plusieurs mais celle qu’il faut retenir c’est « Rave Age, Ravage, Hippie ».

Retrouvez ci-dessous notre interview avec 1024 :

Concours

Vous n’avez pas eu la chance d’être aux Transmusicales, ou vous faites partie de ceux qui n’ont pas pu rentrer dans le hall 9, rattrapez-vous avec son live ultra complet à la Flèche d’Or le 19 décembre prochain, on vous fait gagner des places !

Vous avez jusqu’à demain midi pour faire un tweet mentionnant @Creators_fr et le lien suivant : http://
bit.ly/TglV1Q

Les deux plus retweetés d’ici samedi 15 décembre à 12h gagneront une place. Bonne chance !

Sinon, consolez-vous puisque VTLZR sera au Zénith de Paris en février 2013.

@Creators_fr

Les morceaux de Björk revisités par Matthew Herbert, Peaches, Omar Souleyman et bien d'autres

Thu, 13 Dec 2012 04:39:26 -0500

Le mois dernier, Björk présentait son dernier album de remixes Bastards, constitué exclusivement de reprises des morceaux de son septième album, Biophilia, sorti l’année dernière. C’est l’artiste elle-même qui a choisi de compiler ces morceaux, afin de contenter ses fans « qui n’ont pas le temps ou l’énergie de s’adonner aux rituels primitifs de l’Internet », comme elle l’a déclaré à Fact Mag. Sur cet album, on retrouve une flopée de créateurs tels que Peaches, Matthew Herbert et Alva Noto (plus connu sous le nom de Carstein Nicolai pour certains).

La pochette de Bastards a été réalisée par l’artiste Andrew Huang (voir vidéo-ci-dessus), qui reprend l’esthétique de son clip “Mutual Core”, où on retrouve les images de déconstruction organique et les thèmes visuels tribaux qui lui sont chers. Voici un aperçu de l’album, avec les remixes d’Omar Souleyman, Death Grips et Hudson Mohawke :

Concours

On vous fait gagner des exemplaires de l’album Bastards. Pour participer, il vous suffit de surveiller notre Twitter @Creators_fr aujourd’hui.

Étienne Périn ne croit pas au concept de casual gaming

Wed, 12 Dec 2012 12:08:27 -0500

Au cours de ces dernières années, les jeux chronophages se sont mis à pulluler sur les Internets, entraînant les téléphones et les consoles portables dans leur conquête du monde. Étienne Périn fait vraisemblablement partie de ces concepteurs de jeux destinés à nous faire oublier nos tâches quotidiennes, comme en témoignent ses derniers faits d’armes Square et Gauge, des jeux minimalistes aussi simples que prenants. On s’est brièvement entretenu avec lui pour en savoir plus sur son travail de concepteur indépendant, sur ses projets passés et son jeu à venir, Zorbié, qui met en scène une guerrier extatique en quête de volatiles à se mettre sous la dent.

The Creators Project : Comment es-tu devenu concepteur de jeu vidéo ?
Etienne Périn : J’ai démarré alors que j’avais 19 ans, en tant que graphiste pixel. J’ai choisi cette voie quand j’étais tout petit, et j’ai commencé à bidouiller des jeux très vite avec le logiciel Multimedia Fusion, que j’utilise encore aujourd’hui. Lorsque je suis arrivé sur Paris pour travailler, c’était à la grande époque de la Game Boy Advance et des jeux basse résolution pour téléphones portables, il y avait vraiment beaucoup de travail à faire. C’est comme ça que je me suis retrouvé à Gameloft pendant quatre ans, puis j’ai monté ma propre boîte qui s’est écroulée parce qu’on nous demandait de faire des jeux de chevaux pour filles. C’est quelques années plus tard que j’ai commencé à faire mes propres jeux. J’ai travaillé seul sur Gauge pendant plusieurs mois, et des amis m’ont aidé à le sortir sur iPhone.

Gauge

Quand est-ce que tu as développé Square ?
J’ai commencé les deux jeux la même semaine, j’ai trouvé leurs concepts en une dizaine de jours. Quand j’ai commencé à être indépendant, j’ai commencé une ébauche de shoot ‘em up trop ambitieux, qui demandait beaucoup trop de graphismes. À ce moment là, j’avais bien plus envie de travailler sur des concepts et j’ai commencé à faire des jeux très épurés, j’expérimentais des mécaniques de jeu. Après, il m’a fallu cinq mois pour finir la version PC de Gauge et je développais Square en parallèle, tout en travaillant sur un autre projet encore inachevé à ce jour, Kung Fu. J’ai tendance à jongler entre trois projets en même temps, histoire de ne jamais me lasser.

Quels sont les grands avantages quand on est indépendant ?
Tu auras remarqué qu’un jeu comme Kung Fu est à des millions d’années lumières de Square et Gauge. C’est un des grands avantages d’être indé, je peux faire ce que je veux et surtout n’importe quoi, sans être catalogué dans un genre. J’aime bien faire des jeux d’abrutis et les improviser plus ou moins n’importe comment, et c’est quasiment impossible de bosser comme ça pour un éditeur.

Est-ce que tu as d’autres projets en cours ?
Oui, je travaille sur Zorbié, un jeu au style hyper cartoon bien plus classique que Square, par exemple. C’est vraiment parti d’une blague avec mon frère, à une époque on s’est retrouvés à faire un film débile complètement improvisé, dont l’histoire et les dessins ne veulent absolument rien dire. En gros, ça raconte l’histoire d’un type qui veut sortir de lui pour manger des oiseaux, mais rencontre des problèmes avec la police parce qu’il s’avère que c’est interdit. On en rediscutait, et on s’est dit que ça pourrait être pas mal d’en faire un jeu vidéo, moins expérimental que ce que j’ai pu faire. Ce sera une sorte de Game & Watch, le joueur aura pour seul ennemi sa propre hache. J’essaie un peu de contrer le côté casual des jeux iPhone.

Un aperçu des personnages de Zorbié.

Pourquoi, qu’est-ce qui t’ennuie là-dedans ?
C’est un concept auquel je ne crois pas, tout simplement. Dans la tête des gens, ce qui rend un jeu hardcore ou non, c’est la manette, le nombre de boutons, la complexité de contrôle… Les gens jouent à la Wii ou l’iPhone en pensant que ça va être facile, alors qu’il existe des gens qui jouent à Jetpack joyride ou Angry Birds pendant une soixantaine d’heures pour débloquer tous les bonus. Je les considère comme des hardcore gamers, au même titre que les gros nerds de World of Warcraft. Ça reste addictif, compulsif et peu raisonné.

Qu’est-ce que tu regardes en premier dans un jeu ?
Le concept, parfois l’univers. Mais ça arrive fréquemment que l’univers soit cool et qu’il n’y ait rien derrière. C’est le cas de nombreux jeux indépendants. C’est un défaut qu’énormément de jeunes développeurs ont, ils mettent l’accent sur l’univers sans penser au concept et à l’interaction qui prendront les gens aux tripes.

Certains développeurs comme ceux de Dishonored préfèrent mettre en place un univers avant toute chose.
Ça dépend des cas, c’est par exemple les dessins de mon frère qui m’ont soufflé le concept de Zorbié. Mais dans tous les cas, c’est le concept de base qui doit prévaloir sur tout le reste.

Un aperçu du jeu en développement Kung Fu.

J’ai cru voir que tu avais une dent contre des jeux très prisés type Uncharted, Gears of Wars ou encore Assassin’s Creed. Qu’est-ce que tu leur reproches ?
C’est souvent des gameplay trop automatisés à mon goût, je trouve l’action trop confuse. En ce qui concerne les univers, je pense qu’Uncharted pourrait vraiment me plaire si c’était fait autrement, les graphismes sont objectivement fous, bien que trop chargés. Mais j’ai un gros problème avec les jeux où tu t’auto-regénères en te mettant à couvert.

Pourquoi, par souci de réalisme?
Non, pour moi prendre une boîte de soins n’est pas réaliste non plus, mais le principe de s’auto-regénérer m’ennuie. On ne devrait pas avoir à sélectionner un niveau de jeu difficile pour se débarrasser de ça. Sur une fusillade de Uncharted, je trouve ça illisible. L’aberration de vouloir faire du réalisme oblige les développeurs à ne plus offrir la possibilité d’esquiver les balles, ce qui les fait décider d’implanter un système d’autoregénération. En conséquence, on délaisse la prise de risque pour aller chercher un bonus, ce qui annule beaucoup de règles fondamentales à mes yeux. Dans un jeu vidéo, on devrait pouvoir interagir avec tout. À force de vouloir être trop cinématographiques, les jeux deviennent majoritairement contemplatifs, au détriment du joueur.

@Creators_fr

Insa provoque l'apocalypse sur Hollywood avec GIF-iti

Wed, 12 Dec 2012 10:34:25 -0500

La semaine dernière, on vous parlait justement de la numérisation du graffiti et du street art qu’effectue la nouvelle génération d’artistes qui baigne dans le web et le fait ressentir dans leurs travaux. C’est précisément le cas de Insa et de ses GIF-iti qui transforment ses superbes fresques effectuées dans la rue en GIF animés.

Dernier fait en date, un projet en partenariat avec Stanley Donwood aussi appeléHollywood Dooom, réalisé a l’occasion de la sortie d’AMOK, premier album d’Atoms For Peace, sorte de supergroupe regroupant entre autres Thom Yorke et Flea. La fresque habille les murs du bâtiment du label XL à Los Angeles et reproduit la cover apocalyptique de l’album, sauf que celle ci prend vie une fois a l’écran, résultat d’un travail titanesque et de centaines de couches de peinture.

Mais écoutons plutôt ce qu’Insa en dit :

Le défi pour moi, c’était de prendre des choses totalement statiques, une jolie fresque ainsi qu’un immeuble en béton beaucoup moins joli, et de leur donner vie. Après une semaine de travail éreintant sous le soleil d’été de Los Angeles, passé à repeindre des centaines de fois le bâtimen,t j’ai pu faire un animation continue et l’exporter en GIF qui ne peut prendre vie que sur le net —mais c’est finalement là où la plupart des gens passent leur temps.

@stewart23rd

I Spy transforme votre iPad en Big Brother

Wed, 12 Dec 2012 09:31:41 -0500

Ces derniers temps, on ne compte plus les créateurs qui s’interrogent et s’inquiètent de la place des nouvelles technologies dans nos vies. On parlait, il y a peu de l’experience de Marcin Ignac ou encore de Watch Dogs, jeu vidéo à venir dont le trailer est effrayant. C’est aujourd’hui au tour de Neil Mendoza et de son bien nommé I SPY de faire de nos iPad nos pires cauchemars.

Et il s’y prend bien, pour nous questionner sur le sujet, puisque cette structure installée telle un module fait de tablettes et de Kinect suit du regard tel un Big Brother sauronesque n’importe quel visiteur qui a le malheur de mettre les pieds dans la pièce. Le visage constitué des 6 tablettes est une sorte de collage fait de différentes personnes—une manière de symboliser le manque d’intimité que laisse l’usage quotidien de nos téléphones, ordinateurs, réseaux sociaux, etc—ne nous lâche pas de son regard oppressant.

Techniquement, deux Kinect épient les mouvements des personnes dans la pièce et transmettent alors l’emplacement de chacun des visiteurs via un OpenFramework et une installation Arduino des plus simples afin de finalement transmettre l’ordre aux sept moteurs de l’installation pour vous faire toujours face. Promis je range mon iPhone mais ne mettez pas ça chez moi !

@Creators_fr

The Decelerator Helmet fait de vous le maître du temps

Tue, 11 Dec 2012 13:03:04 -0500

La vie va trop vite pour vous ? Vous auriez probablement besoin d’une sorte de casque experimental qui vous ferait voir la vie en slow-motion ? Vos vœux sont exaucés puisque le designer Lorenz Potthast vient de créer The Decelerator Helmet, qui vous permettra de vous détendre comme jamais —en plus de vous donner des airs de troisième membre des Daft Punk.

En rejoignant les rangs de l’armée de chapeaux, de casques et de casquettes permettant d’influer sur notre perception et la réalité—comme ce casque à réalité (super) augmentée ou ce Substitutional Reality system. Ce projet est entre autres équipé d’une webcam qui enregistre ce qui se trame devant vous avant de vous le faire percevoir à l’intérieur du casque de façon ralentie, comme si vous subissiez les effets d’un puissant tranquillisant. De plus, le casque étincelant ne manque pas de faire remarquer aux personnes aux allures « normales » ce qu’ils manquent.

Le casque est doté de trois modes : automatique, qui transforme votre vie en scène de Matrix où tout se ralentit autour de vous avant de reprendre son cours ; le mode press qui vous donne le contrôle du temps puisque vous seul décidez des moments que vous souhaitez ralentir, et finalement le mode scroll, celui des dieux du temps, qui vous donne le contrôle ultime.

[via Lost at E Minor]

@stewart23rd

Téléchargez Energy Flow de FIELD sur iOS et Android

Tue, 11 Dec 2012 12:27:20 -0500

Au cours de ces derniers mois, nous avons suivi de près la création d’une expérimentation audacieuse en terme de narration numérique, une expérience du studio artistique anglais FIELD. Développé en partenariat avec The Creators Project, Energy Flow est un film animé composé de 10 histoires intimement liées. Ces histoires constituent de parfaites métaphores de la tension, des tumultes et du changement—inspirées par les soulèvement sociaux dont le monde est encore témoin aujourd’hui—et construites sur l’énergie qui semble régir notre planète.

Vous pouvez enfin découvrir Energy Flow en téléchargeant gratuitement l’application mobile iOS ou Android.

Les incroyables visuels d’Energy Flow, que FIELD qualifie de « peintures en mouvement », ont l’air incroyablement simples au premier regard. En réalité, ils résultent de plusieurs mois de recherches visuelles, de conceptions de prototypes et de processus informatiques complexes. FIELD nous a entraîné dans les coulisses du film, allez sur EnergyFlow.io pour plus d’informations, et regardez notre profil ci-dessous :

@Creators_fr

Une planche lumineuse et une caméra-drone : une vidéo qui met tous les films de skate à l'amende

Tue, 11 Dec 2012 12:12:16 -0500

Les vidéos de skate prennent plusieurs formes, un peu comme des bonbons—des crews Chocolate et Girl aux boards invisibles, jusqu’aux planches lumineuses. On retrouve cette dernière option dans la vidéo Firefly, réalisée par Jan Minol de Samadhi Production.

Le film suit le voyage d’un skateur, filmé par une caméra suspendue sur un hélicoptère RC. Ce voyage nocturne met en scène une planche qui illumine le trajet du skateur tandis qu’il explore la ville. L’angle choisi et la planche lumineuse apportent une qualité éthérée à la vidéo, qui la fait sortir du lot des films de glisse qu’on peut subir tous les jours. Découvrez aussi le making-of ci-dessous :

@stewart23rd

Marcin Ignac a enregistré chacun de ses mouvements sur ordinateur pendant plus de deux ans

Tue, 11 Dec 2012 11:51:11 -0500

Je passe trop de temps devant mon écran. Je me le dis quand j’ai mal à la tête, lorsque je m’aperçois que tous mes bouquins ont plus de deux ans, quand je parle de .gif de pandas roux en soirée comme s’il s’agissait d’une exposition et mes réflexions ressemblent à des lignes de codes. Ne vous moquez pas trop, faites le point, la triste vérité éclatera alors à vos yeux.

Si vous n’arrivez cependant pas à visualiser ce que nos vies d’êtres 2.0 ont de malheureusement pathétiques et répétitives, jetez un œil à Every Day of my Life de l’artiste Marcin Ignac. Si le constat est déroutant, le résultat graphique l’est tout autant.

En compilant deux ans et demi d’enregistrements des données d’usage de son ordinateur grâce à l’application Tapper, Marcin réalise d’imposants graphiques ou chacune des lignes représente un jour, chaque marque de couleur représente le logiciel utilisé, les vides sont les (rares) moments de repos où l’ordinateur est éteint. Encore plus effrayant, dans son auto-surveillance, les marques jaunes sont la retranscription de l’usage du clavier, tandis que les rouges représentent chaque clic de souris. On peut presque alors tenter de deviner la vie de cet artiste polonais basé à Copenhague, ou bien retourner chasser les pandas roux.

[Via : Creative Applications]

@Creators_fr

Court 13 nous parle de la bande originale pleine d'émotion des Bêtes du sud sauvage

Tue, 11 Dec 2012 11:48:59 -0500

« Dans un million d’années, quand les enfants iront à l’école, ils apprendront qu’il existait une fille prénommée Hushpuppy qui vivait avec son père dans le Bathtub ». Ça paraît assez loin, mais on peut être certains que les gens parleront très prochainement des Bêtes du sud sauvage. Grand favori de festivals cinématographiques tels que Sundance, le film est déjà lauréat de deux Gotham Audience Awards et risque bien de continuer de brasser des trophées dans les jours à venir. En plus du talent certain de la petite Quvenzhane Wallis et des fameuses bêtes conçues par l’équipe Court 13, le troisième grand acteur du film est indéniablement sa bande originale. Et à l’image de l’héroïne du film, la bande-son oscille entre l’émotion et les sonorités triomphantes, avec des mélodies d’accordéon cadiennes et des arrangements folk.

On s’est entretenu avec Zeitlin et le co-compositeur Dan Romer pour tourner le reportage ci-dessus et discuter de la bande originale et de la « capacité scientifique » de Romer à composer en accord avec les images du réalisateur. Leur relation est tellement harmonieuse que Zeitlin se chargeait de minimiser l’accent sur les dialogues de son film pour que « la musique puisse se mettre en place ». Le duo nous a parlé de ses instruments préférés et nous a joué quelques morceaux du film.

Regardez nos reportages sur les coulisses des Bêtes du sud sauvage ci-dessous.

Concours

On vous fait gagner des places de cinéma pour deux personnes, en partenariat avec Trois Couleurs, valable pour le film de votre choix dans tout le réseau MK2. Surveillez notre Twitter @Creators_fr aujourd’hui.

L'histoire du .gif en deux minutes

Mon, 10 Dec 2012 13:28:17 -0500

2012 est officiellement l’année du .gif. Bien qu’on ait l’impression que ce soit le cas depuis deux ans consécutifs, cette année a consacré le gif comme étant le mot américain de l’année et ce célèbre format fête aujourd’hui son 25ème anniversaire. Ça suffit pour sortir les cotillons, en tout cas.

Et ce format étant plus populaire que jamais, c’est le moment idéal pour le redécouvrir avec cet excellent article de Josh Kopstein (en anglais) et de regarder le court-métrage ci-dessus intitulée A Short History of the Gif, réalisé par Sean Pecknold et Legs Media.

La vidéo revient aux origines du .gif, en 1987, et raconte comment l’homme a pu en arriver à des chats aux yeux pourvus de laser que l’on voit pulluler sur tous les newsfeed d’aujourd’hui. Une question reste en suspens : comment est-on censé prononcer .gif ? (Pour ma part, je le prononce comme le gif de « gifle »).

[via Vimeo]

@stewart23rd

L'incroyable trailer de Watch Dogs fait de vous un « hacktivist »

Mon, 10 Dec 2012 13:27:06 -0500

Lorsqu’il s’agit d’exciter les foules en vue d’une sortie prochaine, on peut faire confiance aux trailers de jeux vidéo pour faire trépigner les plus flegmatiques d’entre nous. Et pour ne pas échapper à cette tradition, Ubisoft Montréal et Patrick Clair se sont surpassés pour Watch Dogs, qui devrait sortir l’an prochain.

Le jeu propose de devenir un hacker dans un monde digital piraté et matérialisé. Ici, le joueur crée au fur et à mesure l’environnement dans lequel il évolue en hackant des portables. Ce trailer nous plonge dans un univers basé sur le blackout de 2003 qui a touché la côte est des États-Unis, le tout dans un style proche de l’infographie. On se rappelle alors du chaos qui avait régné à l’époque. Le jeu imagine ce même problème en 2013, alors que la ville entière est contrôlé par un programme —ce qui, à défaut d’être déjà le cas, paraît plutôt probable dans un futur proche.

Watch Dogs joue sur nos peurs liées à l’ère numérique qui se tisse autour de nous, sur les notions d’intimité, sur la façon dont nos comportements se trouvent influencés par nos vie digitales. Les graphismes de Clair sont à coup sûr la meilleure façon de prendre conscience de la paranoïa dans laquelle ce jeu nous immergera bientôt.

[via Vimeo]

@stewart23rd

Le son cinématique de Hurry Up We're Dreaming : rencontre avec Anthony Gonzalez de M83

Mon, 10 Dec 2012 12:53:20 -0500

Après s’être fait une place de choix en tant que musicien inventif en l’espace de sept ans et cinq albums, Anthony Gonzalez et ses alliés ont visé la lune avec l’album Hurry Up, We’re Dreaming, sorti en 2011. Cet ambitieux double album qui a nécessité trois ans de travail a remporté un énorme succès, considéré comme une grande évolution pour le groupe M83. Suite à la sortie de l’album, le groupe a sorti une poignée de clips qui racontaient l’histoire d’un groupe d’enfants télékinésistes s’échappant d’un asile. La semaine dernière, nous avons révélé en exclusivité le chapitre final de cette trilogie, avec le clip de “Wait” réalisé en association avec The Creators Project.

On a aussi eu l’occasion de rencontrer Anthony Gonzalez pour discuter de l’évolution du groupe et du thème de l’enfance, largement exploité dans la trilogie futuriste des réalisateurs Fleur & Manu. « Le cinéma m’influence énormément », nous explique Gonzalez, « cet album est un peu construit comme la bande originale d’un film imaginaire, et c’est ce qu’on a voulu atteindre avec cette trilogie ». Il discute aussi du clip “Steve McQueen” et du bonheur qui l’a envahi lorsqu’un morceau de M83 a été utilisé dans le trailer du film The Art Of Flight de Curt Morgan.

Crédit photo : Timothy Saccenti
Photographie live : Jason Williamson

@ImYourKid

Lyon, capitale des lumières

Mon, 10 Dec 2012 12:11:38 -0500

Au mois de décembre de chaque année, la capitale des Gaules accueille un événement tout à fait singulier. La fête des lumières qui fêtait cette année sa 14ème édition, rassemble des créateurs, artistes, architectes, designers et leur offre le centre de Lyon comme aire de jeu, ainsi que ses monuments et ses rives superbes. C’était ce week-end, nous revenons pour vous sur les installations les plus marquantes.

Si vous n’êtes pas lyonnais et que votre périple lumineux commençait à la gare Saint-Paul, ce sont les deux esquimaux joueurs d’Hanookis qui vous accueillaient tout sourires dans un Lyon beau comme jamais. Courant, dansant, mettant a mal la façade de la gare, ces sales gosses sont nés du partenariat lyonnais entre Moetu Batle & David Passegrand et du chorégraphe Jean-Baptiste Delorme.

Jusqu’à dimanche dernier, le théâtre des Célestins, la place Bellecour et les quais de Saône constituaient encore le triangle des Bermudes lyonnais. Difficile de ne pas se perdre devant tant de grandiose. Des projections colossales comme des clins d’œil appuyés a l’art moderne recouvraient la colline Fourvière, rappelant au passage les favelas de JR.

Sur la place Bellecour trône le roi soleil. Et si Louis XIV faisait briller Versailles grâce aux efforts drastiques de son peuple, l’histoire se répète en 2012. Certes, il suffit aujourd’hui de monter sur un Velo’v et de donner quelques coups de pédales pour faire illuminer sa majesté. Imaginé par Gilbert Moity, ce Magic Cube permettait de se réchauffer pour reprendre la balade.

À quelques pas de là se trouve le théâtre des Célestins. L’une des plus vieilles scènes de France était alors au comble de la modernité, revêtue d’un voile de lumière. Le mapping détaillé à l’extrême de Francois Langlois transformait le lieu, lui donnant tour à tour des airs d’église orthodoxe ou de toile pop-art.

L’hôtel de ville, place des Terreaux était quant à lui la cible du Highlight du duo Skertzo composé de Hélène Richard et de Jean-Michel Quesne, habitués de cette fête des lumières puisqu’ils avait déjà fait briller leur Réfléctions lors de l’édition de 2003.

On notera que cette année le cœur de Lyon s’est fait envahir par une foules d’animaux tous plus illuminés les uns que les autres. Si le serpent de la Sarabande des animaux vous a effrayé, alors ne mettez pas les pieds Place de la République, au risque de tomber nez a nez avec Le Roi des Dragons, l’impressionnant animal de compagnie de Bibi, ce plasticien bien connu des parisiens pour avoir décoré la façade du squat de la rue de Rivoli en 2001.

Il fallait voir aussi la cathédrale Saint-Jean, habillée par le génial Damien Fontaine ainsi que le nouvel Hôtel de Région qui, pour sa première mise en lumière, faisait doucement pousser un coquelicot gigantesque. On a drôlement hâte de voir ce que l’an prochain nous réserve, pour une fois de plus rêver le temps d’une promenade nocturne.

@Creators_fr

Une sculpture interactive qui rendrait presque la surveillance amusante

Mon, 10 Dec 2012 05:25:33 -0500

En apparence, la surveillance n’a vraiment rien d’amusant. Personne n’a jamais vraiment eu envie de se faire suivre par un Big Brother tenace, mais le studio de design Bios Design Collective a conçu une œuvre interactive qui espionne les mouvements du public pour en faire un affichage LED coloré fondé sur leurs faits et gestes.

L’œuvre prend la forme d’un pavillon temporaire à San José, intitulé Coloniatecne. Ce projet surveille les visiteurs qui traversent le tunnel grâce à des capteurs à ultrasons attachés à la structure en bois. Leurs mouvements activent les lumières LED qui sont également disséminées sur l’installation.

Ces LED sont liés à des microprocesseurs qui reçoivent et traitent les informations de capteurs, traduisant ainsi les chemins que les visiteurs suivent à travers la sculpture en changeant les couleurs et les motifs de lumière. C’est peut-être une des rares installations qui pourrait vous donner envie d’être espionné par un quelconque dispositif technologique.

Photos: Peter Prato

[via Architizer]

@stewart23rd

Le photographe Matjaz Tancic nous apprend à faire des photos 3D

Fri, 07 Dec 2012 12:33:30 -0500

Matjaz Tancic est un photographe de mode slovène qui expérimente énormément avec la photographie 3D (à l’image de notre Créateur Sebastian Denz). Après avoir longuement travaillé en Europe, Tancic réside actuellement à Pékin, où il se plaît à capturer l’esprit traditionnel de la Chine, des paysages urbains et des designs architecturaux audacieux. Sa série en cours de photographie 3D intitulée « Mimicry » est constituée de photos grand format qui explorent des sujets en pleine nature, évoluant dans des environnements froids et étrangers.

« Mimicry » Chine, 2012

La passion de Tancic pour la photographie 3D vient de sa capacité à impliquer les gens de façon personnelle, en plus d’avoir une place de choix dans les galeries et autres magazines imprimés sur papier glacé. Après avoir exposé son travail à la Chambers Fine Art de Pékin, il a ramené ses photographies dans des hutongs sur le point d’être détruits. Il a monté ces photos de 200 × 140 cm à l’endroit exact où elles avaient été prises, et cette exposition spontanée a rassemblé de nombreuses personnes munies de lunettes 3D. On a discuté avec Tancic pour en savoir plus sur sa technique.

The Creators Project : Comment êtes-vous devenu photographe ?
Matjaz Tancic : J’ai eu une enfance plutôt normale, j’ai grandi dans la capitale de la Slovénie, Ljubljana. Ce sont les voyages avec ma famille qui ont eu le plus d’impact sur mon expérience de photographe. J’ai pris ma première photo en Suède. Je me rappelle aussi avoir dépensé toutes mes économies à Rome pour acheter deux appareils instantanés. J’ai eu mon premier appareil photo à Vienne, pour mon anniversaire. J’ai perdu ce même appareil à Paris. Je suis aussi allé étudier la photographie de mode à Londres. Sans oublier Pékin, où je vis actuellement.

Exposition à Pékin, 2012

Quand avez-vous commencé à prendre des photos en 3D ? Qu’est-ce qui vous a donné envie de faire cette transition ?
J’ai commencé il y a quatre ans. J’ai vu une série photo de grottes réalisé par mon ami Peter Gedei. J’étais vraiment époustouflé et surpris de ne pas avoir vu plus de photos 3D auparavant, j’ai donc décidé de m’y coller. J’ai appris avec l’aide de Peter, et j’ai fait ma propre série. « Mimicry » a été photographié en Slovénie et au Royaume-Uni dans une dizaine d’endroits différents.

Exposition à Pékin, 2012

La photographie 3D requiert un procédé technique plutôt complexe, pouvez-vous nous expliquer un peu comment ça marche ?
C’est assez compliqué, en effet. C’est un type de photographie très technique si on veut un résultat optimal. Mais le concept de base est très simple. Il faut deux appareils identiques à 6,5 cm d’écart (la distante moyenne entre deux yeux humains) qu’il faut déclencher au même moment. Mais quand cette théorie devient pratique, il faut appliquer pas mal de calculs, des ajustements, des équipements spécialisés, etc.

Exposition à Pékin, 2012

C’est quoi le plus difficile quand on travaille sur le terrain ?
Transporter du matériel encombrant qu’il faut parfois fabriquer soi-même, trouver les endroits qui vous offriront les meilleurs effets 3D, la post-production et les retouches —sachant que toutes les touches que vous apportez doivent être les mêmes sur les deux images.

Quel matériel utilisez-vous ?
Tout dépend du projet… en général, deux Nikons pour la 3D. Étant donné que ces appareils doivent être parfaitement synchronisés pour prendre la photo au même moment, un bon déclencheur est crucial. C’est aussi important d’avoir un bon trépied pour maintenir les deux appareils correctement.

Exposition à Pékin, 2012

Quels changements faut-il prendre en compte par rapport à la photographie 2D ?
Quand on prend des photos 2D (en ce qui concerne la mode et les portraits en tout cas), il faut une grande ouverture pour avoir une certaine profondeur. C’est l’inverse avec la 3D. Il faut prendre en compte chaque objet de la photo. Certains peuvent aider à obtenir de meilleurs effets 3D, tandis que certains peuvent s’avérer problématiques s’ils sont trop proches du modèle principal. Ils peuvent vous faire un peu mal à la tête.

Exposition à Pékin, 2012

C’est d’ailleurs un gros problème dont se plaignent les gens qui regardent des photos et des films en 3D, comment palliez-vous à ce souci ?
Il suffit d’être très consciencieux. « L’espace stéréo », comme on l’appelle, ne doit pas être trop vaste. Ce qui signifie qu’il ne faut pas photographier un paysage lorsque l’herbe que vous souhaitez mettre en valeur se trouve à quelques centimètres de vous, avec un arbre à 14 mètres de distance, une maison à 50 mètres et des montagnes à un kilomètre. Il y a trop de profondeur et d’informations à traiter pour notre cerveau. Ça devient impossible à regarder. C’est une des erreurs les plus courantes, d’ailleurs.

Exposition à Pékin, 2012

Sur quoi travaillez-vous actuellement ?
Je vais revenir en Slovénie pour assister à deux expos 3D que je fais là-bas. L’une d’elles est particulièrement intéressante – il s’agit d’un calendrier en édition limitée pour une compagnie aérienne slovène. Je travaille aussi sur un projet de photos en noir et blanc peintes à la main avec un pote de Pékin qui possède une superbe collection de photos chinoises peintes à la main. Ça va être long et méticuleux, mais vraiment cool.

Photos publiées avec l’aimable autorisation de Matjaz Tancic.

@Creators_fr

Rube Goldberg défie les lois de la physique dans l'une de ses folles expériences

Thu, 06 Dec 2012 12:26:37 -0500

D’incroyables chaînes aux effets dominos en série faisant appel à autant d’objets incongrus que de lois physiques, il y en a par centaines, toutes plus ou moins réussies, toutes dénotant un peu des autres, pour vendre des voitures, pour un groupe de rock à lunettes, pour le lipdub de vos école d’ingé, etc. Mais celle-ci, à défaut d’être la plus impressionnante en apparence, est peut-être celle qui prend le plus de risque. Parce qu’avec Isaac Newton Vs Rube Goldberg, c’est un combat contre la physique qui se joue. Et probablement même contre une des plus fondamentales lois de l’ordre des choses puisque ici, l’équipe de 2D House s’attaque à la gravité.

Habitué à l’exercice, c’est désormais sur un fil que l’expérience est renouvelée, lorsqu’on remet en cause ce qui est évident, il est alors certain que l’erreur est impossible et que la marge de manœuvre se resserre. Au final, on ne sait pas bien à quel moment on est à l’endroit, puis à l’envers, on se perd à essayer de comprendre. On imagine la montagne d’ingéniosité déployée pour parvenir à cr trompe-l’œil. Patience le making-of arrive bientôt, en attendant tentez toujours et encore de deviner le secret derrière cette vidéo qui met à mal le génie des sciences.

@Creators_fr

Pop Block vous débarrasse de toutes les choses que vous n'avez pas envie de voir sur Internet

Thu, 06 Dec 2012 11:12:58 -0500

Parmi leurs inventions les plus merveilleuses, le Fat Lab nous a offert d’incroyables applications web qui paraissent être des énormes blagues au premier regard, jusqu’à ce qu’on leur découvre des fonctions particulièrement utiles. C’était par exemple le cas avec Shaved Bieber, un add-on qui permettait de bloquer toutes les mentions et les images de l’enfant star, afin de vous préserver d’une potentielle dépression nerveuse ou un simple état d’énervement. Le Fat Lab approfondit ce concept avec Pop Block, qui vous permet de bloquer tous les sujets que vous choisirez, qu’il s’agisse de Bieber, Chris Brown, Rush Limbaugh ou Philippe Sollers.

Il vous suffit d’ajouter Pop Block à Chrome et de bloquer tout ce que vous détestez. Il est bien entendu déconseillé de bloquer des trucs importants type « Voyage spatial », « Technologie », « Science » ou « Dinosaures », à moins que vous soyez vrillé au point de croire qu’il y a trop d’articles sur Internet à ce sujet. On s’est brièvement entretenu avec Greg Leuch, le créateur de Pop Block, pour en savoir plus sur la genèse du projet.

The Creators Project : Shaved Bieber était la première étape du projet, mais qu’est-ce qui vous a donné envie de l’étendre ?
Greg Leuch : Après Shaved Bieber, un groupe de personnes (comprenant quelques publicitaires) m’ont proposé d’en faire plusieurs variantes. L’une d’elles bloquait les Jeux Olympiques, il y a aussi eu le le plugin BP Oil Spill, un projet collaboratif avec JESS3 et Tinted Sheen, un autre add-on qui permettait de bloquer toutes les références à Charlie Sheen.

Selon vous, quels sont les meilleurs termes à bloquer ?
Mes cinq préférés sont Justin Bieber (bien entendu), « Gangnam Style », Lindsay Lohan, corgis (ils sont adorables, mais vraiment trop distrayants) et Nyan Cat.

Vous n’avez pas peur que les gens décident de fermer les yeux sur des choses qu’ils devraient savoir ?
Au tout départ, j’avais peur que ces blocages poussent les gens à rester campés sur leurs points de vue. C’est pour cette raison que je n’ai pas activé de blocages pour des thèmes politisés, et que j’ai attendu la fin des élections pour lancer Pop Block. C’est important de savoir ce qu’il se passe, même s’il existe beaucoup de pipelettes. Mais je reste persuadé que beaucoup s’accorderaient à déroger à la règle en bloquant des noms tels que Trump, Beck et Limbaugh.

@ImYourKid

Créateurs du passé : l'architecte brésilien Oscar Niemeyer

Thu, 06 Dec 2012 07:01:11 -0500

Contempler les nuages a toujours constitué ma distraction favorite. J’y voyais des cathédrales, des guerriers, des animaux, des corps de femmes et toutes sortes de choses fantastiques. Ce n’est pas l’angle droit qui m’attire. Ni la ligne droite, inflexible, créée par l’homme. Ce qui m’attire, c’est la courbe libre et sensuelle. La courbe que je rencontre dans les montagnes de mon pays, dans le cours sinueux de ses fleuves, dans les nuages du ciel, dans le corps des femmes. Tout l’univers est fait de courbes—Oscar Niemeyer.

Si vous êtes familier du travail de l’architecte brésilien Oscar Niemeyer qui vient malheureusement de nous quitter aujourd’hui, vous savez probablement qu’il a dessiné quelques uns des plus célèbres bâtiments du Brésil et presque entièrement créé le centre ville de Brasilia, la capitale du pays. On se rappelle aussi du fameux Copan Building de São Paulo et du pavillon de la Biennale de São Paulo, où nous avions organisé nos évènements brésiliens l’année dernière.

Mon architecture est très simple : je la veux différente. Je veux utiliser le béton dans toutes ses possibilités. La qualité première d’une œuvre d’art c’est l’étonnement, la surprise. Il en va de même pour l’architecture—c’est un spectacle architectonique—Niemeyer.

Niemeyer ne s’est jamais employé à concevoir des projets purement fonctionnels. Son but était de provoquer des émotions aux visiteurs de ses bâtiments. Plus de 600 d’entre eux sont éparpillés autour du monde. Lorsqu’il était enfant, il adorait dessiner et ses brouillons aux tracés fluides restent à ce jour sa signature la plus reconnaissable. Communiste autoproclamé et anciennement président du Parti Communiste brésilien, il s’est toujours engagé pour l’égalité sociale, même s’il admettait a contrecœur que son travail n’était pas assez accessible pour les pauvres même s’il est toujours possible « de s’arrêter, de contempler, de voir quelque chose de différent. Pour le moment l’architecture est cantonnée a ceux qui ont de l’argent. « Les autres se font niquer dans les favelas » disait-il dans un film réalisé par Fabiano Maciel.

Brasília, Bossa Nova, et le renouveau du Brésil

Le projet qui concrétisa Niemeyer en tant que jeune architecte a été la conception du quartier de Pampulha à Bela Horizonte, situé dans l’état de Minas Gerais à la demande du maire (devenu ensuite président) Juscelino Kubistchek. Pour la première fois, Niemeyer utilise le béton pour faire de longues courbes « une architecture plus plastique, différente… Une invention que Le Corbusier aurait pu avoir ».

L’église de São Francisco de Assis à Belo Horizonte

Des années plus tard, Kubitschek a proposé à Niemeyer le plus gros projet de sa carrière : le nouveau quartier administratif et d’affaires pour la nouvelle ville de toutes les promesses : Brasilia. Il y a notamment créé la Place des trois pouvoirs et le palais présidentiel « Palacio da Alvorada », devenus les icônes de l’architecture brésilienne. Ses travaux ont énormément influencé la culture brésilienne des années 1950 et 1960 alors que le pays connaissait un renouveau complet, et que sa musique envahissait le monde portant l’annonce d’un Brésil moderne au-delà des frontières.

Place des trois pouvoirs

Palais présidentiel d’Alvorada

Après ces projets, l’architecte a été invité à travers le monde pour réaliser des projets démesurés. En France, il a réalisé l’imposant siège du Parti Communiste Français, les anciens bureau du journal L’Humanité, ainsi que la salle culturelle du Volcan au Havre.

Siège du parti Communiste français – Source photo.

C’est à Rio de Janeiro, sa ville natale bien-aimée où il travaillait encore il y a peu dans son studio de Copacabana, que l’on trouve le plus grand nombre de ses travaux. Le musée d’art contemporain Niteroi est construit sur une des collines de la ville et offre une vue imprenable.

Plus récemment, Niemeyer travaillait sur la rénovation du Sambadrome en prévision des Jeux Olympiques de Rio en 2016. Il publiait aussi le magazine Nosso Caminho (Notre chemin), dédié a l’architecture et a l’art. Il avait aussi dû abandonner son projet de centre culturel a Avilés en Espagne, lancé il y a un an et abandonné en raison des trop grandes dépenses des administrateurs. Désolé par la nouvelle, Niemeyer ne s’était pas découragé, fort comme il l’était de dire « il faut rire et pleurer toute sa vie ».

@Creators_fr

L'installation Iceberg propose une symphonie boréale

Thu, 06 Dec 2012 06:15:49 -0500

Par les temps qui courent, il nous est désormais impossible de prévoir de quoi notre hiver sera fait. Le réchauffement climatique, conséquence du déséquilibre thermique, des gaz à effet de serre ou encore de la grosse boule de feu supposée nous percuter dans moins d’un mois, nous déboussole et change complètement notre rapport aux saisons. C’est précisément cette incertitude qui a poussé Atomic3 et Appareil Architecture à précipiter l’hiver au cœur du centre-ville de Montréal, comme si nos lointains cousins n’avaient pas assez froid comme ça.

En collaboration avec Jean-Sébastien Côté et Philippe Jean, leur installation intitulée Iceberg nous conte le parcours de l’un de ces blocs de glace millénaires. Le spectateur est amené à accompagner le morceau polaire, de sa descente dans les eaux glacées jusqu’à la dissolution près du littoral méridional. Les quatre « icebergs interactifs » échoués au Quartier des spectacles sont en réalité des « arrêts sur image ». Ce sont quatre tailles, formes et ambiances sonores qui nous permettent de suivre la vie de l’un de ces glaçons démesurés.

Le spectateur est ainsi invité à déambuler à l’intérieur d’arches lumineuses. Les couloirs s’animent au gré des passages. Des lumières bleues, qui virent au rouge en se nourrissant de la chaleur humaine, créent alors un faisceau coloré se déplaçant le long du corridor. Enfin, la trame sonore est générée en fonction des mouvements des visiteurs. Les sonorités qui s’en dégagent sont proches de celles d’un orgue, elles reproduisent la résonance des cavités de ces bâtiments de glace à la dérive.

Iceberg sera visible du 6 décembre 2012 au 3 février 2013.

Photos publiées avec l’aimable autorisation du Quartier des spectacles.

@Creators_fr

Des céramiques fondues et des cerfs pixelisés corrompent l'Histoire américaine

Wed, 05 Dec 2012 13:07:31 -0500

Nous étions déjà tombés sur les travaux de Chad Wys avec sa série Nocturne, qui était une succession de portraits de la Renaissance aussi déformés que troublants.

Similaire autant dans le style que dans le concept, son projet American Tapestry utilise « un mélange d’images digitales et originales inspirées par l’Histoire américaine » afin de créer une étonnante série de vases fondus et de peintures pixelisées. Il y a quelque chose de malsain dans cette série, mais il s’avère difficile d’en détourner le regard. Peut-être parce que ces objets sont en quelque sorte corrompus, proches de la destruction. Quelques exemples ci-dessous :

Découvrez en plus sur Chad Wys dans notre Galerie. Rejoignez-nous pour tout savoir sur le blog, le site ainsi que nos événements.

@stewart23rd

La réalité augmentée transforme vos trajets quotidiens en conte interactif

Wed, 05 Dec 2012 12:43:59 -0500

Alors que pour nous tous, habitués des transports en commun, être a la fenêtre d’un wagon est souvent synonyme d’angoisse, chaleur et nuisance, être assis contre la fenêtre d’un train peut aussi être un endroit fantastique pour observer le monde défiler en rêvassant. Avec le projet Touch the train Window, des japonais du collectif audiovisuel Salad (Particle at Rest) se sont aventurés dans le monde imaginaire de l’enfance, celui ou presque tout est possible pour peu qu’on le souhaite assez fort. Ce projet fait apparaître sur la glace des objets et des personnages au simple toucher. Comme on peut le voir dans la vidéo ci-dessus, les passagers n’hésitent plus alors à réveiller l’enfant qui est en eux en faisant apparaître des montgolfières, des petits personnages, des cerf-volants, etc.

Rendu possible grâce a une Kinect, un GPS, un vidéo-projecteur, un iPhone et ce bon vieux openFramworks, il est certain que ce projet peut transformer votre trajet quotidien, aussi ennuyeux soit-il. Prochainement, ce procédé permettra sans doute de jouer à des jeux interactifs ou d’apporter des informations sur les paysages traversés. La réalité augmentée a encore de beaux jours devant elle.

@stewart23rd

M Box présente son mur interactif

Wed, 05 Dec 2012 11:28:11 -0500

Imaginez-vous face à 20 écrans, connectés à 11 ordinateurs. Un mur entier de lumière, d’animations et d’interactions. Les surfaces interactives murales ne sont pas nouvelles et ne risquent pas de disparaître tout de suite, mais il faut reconnaître à M Box, une jeune entreprise berlinoise, que les graphismes de son M Wall sont tout à fait superbes. Mais ce n’est pas tout, l’installation permet des centaines de possibilités d’interactions, avec un smartphone, un iPad ou encore un dispositif Kinect. Il est ainsi possible d’envoyer et de recevoir des datas depuis l’écran. Imaginé pour un usage quotidien au travail ou à la maison, c’est précisément dans cette institutionnalisation de l’usage que M Box marque un point.

Conçu à partir du logiciel VVVV et le framework IRIS, le M Wall est adaptable à n’importe quelle taille, écran ou projection, permettant alors toutes les folies qu’il nous est possible d’imaginer, et on se rêve déjà encerclés de ce dispositif pour une immersion totale dans un jeu vidéo.

@Creators_fr

La lampe sautillante de Pixar prend vie

Wed, 05 Dec 2012 10:45:56 -0500

Beaucoup de gens connaissent très bien la petite lampe sautillante qu’on retrouve au début des films Pixar (voir vidéo ci-dessous). Adam Ben-Dror, Shanshan Zhou et Joss Dogget viennent d’en faire une version réelle, avec le projet Pinokio— une lampe animatronique qui semble pourvue d’émotions.

L’équipe déclare qu’il s’agit « d’une exploration des potentiels comportementaux des systèmes robotiques », ce qui signifie que cette lampe est capable d’interagir avec son environnement, d’entendre des sons et d’attendrir toutes les personnes qui croisent sont chemin. Toutes ses réactions sont rendues possibles grâce à un logiciel de reconnaissance faciale, une webcam et le pouvoir d’Arduino.

Pour le moment, vous devez être très ému face à l’humanité qui se dégage de cette petite lampe, mais attendez un peu que tous les objets de votre quotidien deviennent capables de jouer avec vos émotions —vous risquez de vous retrouver noyé dans un océan de trucs mignons jusqu’à ce que votre seule option soit de tous les briser en morceaux pour vous échapper.

La lampe de Pixar et ses origines

[via Gizmodo]

@stewart23rd

"Wait" conclut la trilogie futuriste de M83 [Exclusif]

Wed, 05 Dec 2012 08:19:20 -0500

Ces derniers temps, les clips ont tendance à devenir des courts-métrages narratifs, et le morceau d’origine n’a parfois plus de relation directe avec l’histoire. En lui-même, le clip est devenu une entité, parfois même un film à part entière. Il arrive même que son histoire soit tellement épique qu’il en découle une suite —et dans le cas des dernières vidéos de M83, une trilogie. C’est précisément ce que l’équipe de réalisateurs Fleur & Manu a fait pour les trois morceaux les plus théâtraux de M83, en racontant l’histoire d’un groupe de gosses télékinésistes échappés d’un asile avec “Midnight City”, et en proie avec les autorités dans “Reunion”. Le troisième épisode de la série, “Wait,” a été réalisé avec le soutien de The Creators Project.

@ImYourKid

Lunar Trails transforme les actions du joueur en œuvres d'art robotisées

Tue, 04 Dec 2012 13:07:28 -0500

Les mouvements produits lorsque l’on joue à un jeu vidéo sont rarement considérés comme artistiques. Mais ça n’empêche pas certaines personnes d’essayer de les matérialiser et de les transformer en œuvres d’art. Récemment, on vous parlait du Angry Birds All Levels d’Even Roth, c’est désormais Seb Lee-Delisle qui s’y colle, dans le cadre de l’exposition Game a la Dublin Science Gallery.

Intitulée Lunar Trails, cette installation permet de jouer au classique du jeu d’arcade créé par Atari en 1979, Lunar Lander, où il fallait tenter un atterrissage sur la lune.

Alors que vous cherchez à réussir au mieux cet alunissage, le chemin qu’emprunte votre astronef se retrouve dessiné sur un mur immense par un robot. Plus les joueurs sont nombreux, plus le dessin devient complexe, si bien que chacun des voyages interstellaires se perd dans une masse de lignes vagues.

[via Waxy.org]

@stewart23rd

Botanical Layers vous habille d'un Photoshop plus fleuri que jamais

Tue, 04 Dec 2012 12:22:05 -0500

Parfois, lorsqu’on travaille trop longtemps devant son écran, l’image se floute et se mélange pour ne plus faire qu’un immense kaléidoscope. C’est le plus souvent à ce moment qu’on émerge et qu’on se rend compte qu’on est à milles lieues du boulot à effectuer, qu’on a probablement bullé, la bave aux lèvres lors des cinq dernières minutes. Avec un peu d’exercice on peut réussir à prendre conscience de ce rêve éveillé et jouer avec cette nouvelle perception de son écran. Je ne sais pas si c’est véritablement le cas, mais j’aime à imaginer que c’est ainsi que Masha Reva s’y est pris pour imaginer sa dernière collection, Botanical Layers.

En effet, cette jeune créatrice ukrainienne étudiant désormais au Central Saint Martins de Londres semble avoir, pour ce partenariat avec Syndicate, passé beaucoup trop de temps devant Photoshop à retoucher d’infimes détails d’un papier peint art nouveau aux motifs floraux. L’expérience étonnante qu’elle propose avec ce projet, c’est de rendre l’univers de la PAO tangible, en l’apposant sur une série de sweat-shirts, allant même jusqu’à y faire figurer les interminables fenêtres « loading » et l’affreux damier du plan de travail, se cachant malicieusement derrière chacune de nos créations numériques. Tout cela côtoyant l’univers chaleureux d’une nature printanière et colorée, le résultat de ce singulier projet est une superbe collection utilisant une interface de travail devenue aussi populaire que n’importe quel motif ; ou plutôt, tout comme ceux galvaudés d’une nature stylisée vue et revue aux cours des siècles.

Pour Masha, l’inspiration est dans ce qui nous entoure, et il est tout à fait naturel pour sa génération d’utiliser cet univers graphique au quotidien, elle confesse d’ailleurs à Triangulation qu’elle ne travaille qu’avec Photoshop et que se séparer un instant de sa page Facebook lui requiert un véritable effort. Comme je te comprends Masha.

[Via Triangulation]

@Creators_fr

C=1/√ΡΧ vous réconciliera peut-être avec la chimie

Tue, 04 Dec 2012 11:32:15 -0500

Aussi étonnant que cela puisse paraître pour certains, nombreuses sont les personnes qui trouvent une certaine beauté dans les équations mathématiques, à l’image du photographe espagnol Alejandro Guijarro qui a arpenté des salles de classe studieuses pour compiler une série de clichés à la gloire des tableaux noirs et des formules compliquées. Plus largement, de nombreux artistes contemporains tendent à se réapproprier des outils scientifiques dans un but artistique. Pour construire son installation sonore C=1/√ΡΧ, l’artiste française Cécile Beau a rassemblé des éléments en verre que l’on trouve habituellement dans des laboratoires, comme des tubes, des ballons et des valves.

Tous ces éléments de verre constituent ainsi une maquette architecturale transparente, à l’intérieur de laquelle on peut trouver des systèmes de captation et d’émissions sonores qui créent une circulation. Le robinet de l’installation diffuse également des sons aléatoires légèrement filtrés par le verre, dont la transparence permet « une visibilité accrue par opposition à l’invisibilité du son ». L’installation C=1/√ΡΧsera présentée au festival l’Ososphère à Strasbourg du 7 au 16 décembre 2012. Pour plus d’informations, rendez-vous sur cette page. Quelques images sont disponibles ci-dessous :

@Creators_fr

Art Point M organise une braderie artistique à huis clos

Tue, 04 Dec 2012 09:15:26 -0500

La Braderie de l’Art existe depuis 1991, née d’une impulsion de Fanny Bouyagui de l’association artistique Art Point M, qu’on avait rencontrée lors de notre escapade de l’année dernière au N.A.M.E festival de Lille—comme en atteste la vidéo ci-dessus. Elle nous avait gentiment fait visiter ses locaux et parlé des projets passés et actuels d’Art Point M, ainsi que de sa transition du papier calque aux technologies de pointe.

À partir du 8 décembre, une nouvelle édition de la Braderie de l’Art se tiendra à La Condition Publique, à Roubaix. Pendant 24h, 150 artistes en tout genre se retrouveront dans un immense workshop où ils créeront des œuvres à partir d’objets et de matériaux de récupération, qui seront ensuite vendues à un prix oscillant entre 1 et 300 euros. Parmi les artistes invités, on pourra compter des sculpteurs comme Quim Rifa Castro, et des designers comme Ousmane M’baye et Hamed Ouattara. Pour plus d’informations sur la Braderie de l’Art, rendez-vous sur le site officiel.

L'arc-en-ciel à bulles d'Anaísa Franco

Tue, 04 Dec 2012 09:11:16 -0500

« Toute chose ne mérite-elle pas la vie ? » C’est la question que s’est posée la créatrice Anaísa Franco à propos de ses travaux utilisant la technologie pour donner vie et émotions aux objets. Par exemple, elle offre à ce miroir la capacité de se briser virtuelement pour traduire la frustration. Pour son dernier projet, Wave of Rainbow, elle réinvente l’arc-en-ciel dans une installation publique au cœur du Xixi National Wetland Park de Hangzhou, en Chine. Sur un pont au-dessus d’un lac, les visiteurs sont invités à passer par une sorte de demi-tunnel ou des milliers de bulles multicolores s’animent. Ce projet développé spécialement pour le Westlake International Invitational Sculpture Exhibition, est composé de 28 tubes d’acrylique remplis d’eau, de capteurs et de LED aux couleurs de l’arc-en-ciel. Lorsque les passants utilisent le pont, l’eau à l’intérieur des tubes se met à frémir, créant une sorte de vague colorée.

The Creators Project : Vos travaux utilisent le plus souvent les technologies afin d’offrir des émotions ou de donner vie aux objets. Pour ce projet, vous avez travaillé avec l’idée d’arc-en-ciel. Quelle était votre motivation ? Avez-vous un lien particulier avec les arcs-en-ciel ?
Anaisa Franco : Parce que le thème était « Observer entre l’eau et la terre » et que l’exposition avait lieu dans un parc plein de marécages, j’ai pensé qu’il serait parfait de travailler sur l’arc-en-ciel. Cet événement immatériel et optique qui s’opère lorsque la lumière rencontre les particules d’eau, répondait exactement au sujet. Je voulais aussi m’intéresser aux vagues, celles qui se forment au contact des terres et transporte l’énergie de la nature. En combinant ces deux manifestations, Wave of Rainbow est né, proposant une expérience poétique aux badauds.

Techniquement, quelles ont été les difficultés rencontrées ?
Le plus dur, c’était toute la partie électrique, la proximité de l’eau et le fait que tout soit en extérieur, beaucoup de capteurs n’y ont pas résisté. L’équipe travaille toujours sur l’interactivité des couleurs. Pour le moment, l’œuvre active des bulles d’air lorsque les gens passent sur l’arc-en-ciel, mais dans une semaine, l’interaction sera plus forte puisqu’en plus, les couleurs se mettront en marche.

Quels sont les retours des gens qui ont pu l’essayer ?
Le but du projet était d’apporter un peu de fantaisie dans la promenade du parc, en permettant une expérience où technologie et nature seraient en parfaite harmonie. Les gens adorent passer par le pont, marcher parmi toutes ces couleurs en observant les alentours aux travers des bulles, entourés par la réflexion des lumières dans l’eau.

Un aperçu de Wave a Rainbow est disponible dans la vidéo ci-dessous :

@Creators_fr

Une deuxième vie plus colorée pour vos vieilles cassettes

Mon, 03 Dec 2012 12:45:12 -0500

Pauvres cassettes audio ! Elles qui étaient il y a peu le format suprême pour écouter de la musique sont désormais reléguées à de simples curiosités pour nostalgiques en manque. Mais tout n’est pas perdu puisqu’il semble qu’elle puissent avoir une seconde vie en tant que support artistique, comme nous le montrait ces covers d’albums en cassettes. C’est aujourd’hui au tour du graphiste Benoit Jammes de transformer de ces bonnes vieilles cassettes en sympathiques œuvres d’art, certaines étant fondées sur des affiches de films.

Jammes épure et transforme les posters ou les images en un graphisme minimaliste révélant ce qu’ils ont de plus essentiel. Les formes simples et colorées alliées à l’esthétique des cassettes en font une série qui accroche le regard. Vous savez désormais comment utiliser les cartons entiers qui traînent au fond de la cave de vos parents.

Images © Benoit Jammes

[via PSFK]

@stewart23rd

Des peintures géométriques qui imitent le numérique à la perfection

Mon, 03 Dec 2012 11:29:28 -0500

Au premier regard, on pourrait jurer que ces images de Francesco Lo Castro résultent d’une multitude d’heures passées sur un quelconque logiciel de graphisme. Mais en les observant de plus près, on peut remarquer des marques d’acrylique, de la peinture aérosol, de la résine époxyde et parfois même des feuilles d’or sur bois. « Les artistes numériques essaient constamment de faire des travaux plus organiques et je me suis toujours demandé comment transférer l’organique au numérique », nous a confié Lo Castro sur ce paradoxe qu’il considère comme unique.

Chacune de ses peintures colorées est une vision kaléidoscopique qui comporte ses propres mouvements. C’est ce qui l’a poussé à faire animer ses travaux. « J’ai pensé que mes peintures fonctionneraient très bien en tant qu’animations ». Il a ainsi commandé deux adaptations audiovisuelles de ses toiles. Sa peinture Ubicomp Everyware (2012) a servi de base pour Meridiana (voir ci-dessous), par Dark Intersection:

Son œuvre ENDO a été transformée en Gematria par l’animateur 3D Beeple, dont Lo Castro est un grand admirateur. « Je pensais qu’il refuserait l’idée, mais contre toute attente il a adoré et a vu ça comme un nouveau défi à relever », explique-t-il. L’illustrateur sonore Kyle Vande Slunt s’est chargé de composer une bande originale.

« On travaille actuellement sur une autre vidéo pour un évènement à venir dans un musée au printemps 2013. Le but est de créer des environnement 3D interactifs et immersifs qui sont aussi bien impressionnants d’un point de vue visuel qu’éducatifs », explique Lo Castro sur sa collaboration avec Beeple. Avant ça, une projection à grande échelle de ses peintures envahira la façade de l’Intercontinental Hotel pendant l’Art Basel Miami 2012, qui commence le 6 décembre à Miami.

« Quand j’avais dix ans, j’ai vu mon premier tableau de Victor Vasarely et je ne l’ai jamais oublié. Aujourd’hui, je suis inspiré par de nombreux talents dans le domaine de l’animation. J’adore mêler la peinture traditionnelle à des médiums numériques ».

ENDO (2012)
Acrylique, sérigraphie, peinture aérosol, résine époxyde sur MDF

Gamete (2012)
Acrylique, sérigraphie, peinture aérosol, résine époxyde sur bois

Ubicomp Everyware (2012)
Acrylique, sérigraphie, peinture aérosol, résiné époxyde sur MDF

@Creators_fr

Isotopes est une prison de lumière au rythme nucléaire

Mon, 03 Dec 2012 11:24:05 -0500

Lorsqu’on parle d’isotopes, il vous vient peut être en tête sa définition—adj. Qui se différencie uniquement par le nombre de neutrons ; une équipe de baseball au teint jaune et bien d’autre choses encore. Mais si vous avez eu la chancer de croiser le chemin d’Isotopes, alors il est certain que c’est désormais pour vous le nom de l’installation audiovisuelle de Nonotak Studio et rien d’autre, tant cette chambre au mur de lumière marque les esprits.

Sur 36m2, une pièce dématérialisée de 2.50 mètres soutenue par un son épuré. Imaginée a la suite de la catastrophe nucléaire de Fukushima, ce projet invite a la réflexion quant au contraste entre l’usage quotidien de l’énergie et les risques encourus. Notre quotidien en apparence libre est aussi une prison infinie, où nous sommes à la merci de choix qui ne nous appartiennent pas. L’espace ouvert et pourtant clos de Isotopes se veut une traduction de cette situation. Le rythme des sons et des lumières évolue de façon à illustrer la prise de conscience puis l’oubli des Japonais face aux problèmes de radioactivité.

Une installation intelligente traite sérieusement du nucléaire sans la condamner et propose une expérience sensibilisant aux éventuels risques qui nous entourent.

@Creators_fr

Des diamants, des lévriers afghans et de la K-pop : le dernier clip de Digipedi pour Seo In-Young

Mon, 03 Dec 2012 10:54:26 -0500

1MORETIME et OROSHI de Digipedi sont à l’origine des clips les plus excentriques du genre musical ineffable qu’est la K-pop. Depuis peu, ils ont recruté un troisième membre, Wondersiung, tout en s’occupant de la direction visuelle de la star de K-pop Seo In-Young. Des néons et des diamants accompagnent la transformation de Seo dans la ballade enjouée “Anymore”.

Plus récemment, Digipedi a réalisé la video ci-dessus pour le morceau “Let’s Dance”, avec la direction artistique d’OKEH du label coréen Buried Alive. Le résultat incroyablement ringard évoque également 2001: l’Odyssée de l’espace et “Bang Bang Bang” de Mark Ronson. Reprenant la thématique de diamants galactiques de la première sortie d’In-Young, ce clip entraîne la chanteuse dans un voyage sur la Planète des Diamants avec un pilote à tête de chien et un groupe de danseurs, avec des néons et des lasers ainsi que des caméos de la Panthère Rose et de Miss Piggy. C’est un concept compliqué à comprendre sans information supplémentaire, aussi a-t-on posé quelques questions à Digipedi pour en savoir plus.

The Creators Project : Pouvez-vous nous expliquer le concept de “Let’s Dance” ?
Digipedi: C’est une histoire assez simplette : Seo In-Young trouve un diamant et se retrouve dans un vaisseau de diamants qui l’emmène sur une planète de diamants. Pour ce clip, on s’est inspiré de films de science-fiction des années 1980 et 1990.

Qu’en est-il du chien ? J’aimerais comprendre.
C’est un lévrier afghan. Il était adorable et très bien dressé. Ces chiens sont vraiment intelligents, il paraît qu’ils peuvent vraiment piloter des vaisseaux spatiaux.

Quand on compare ce clip à vos autres travaux, on dirait que vous avez passé plus de temps sur la post-production. Vous avez utilisé des logiciels en particulier ? Comment s’est déroulé le processus de production ?
Les accessoires étaient déjà pris en charge par l’équipe. Le cockpit, le dancefloor en diamants et le périscope ont été fabriqués avant et utilisés lors du tournage. Tout le reste était fait par ordinateur. En plus de ça, on a utilisé Photoshop pour faire quelques retouches et After Effects pour composer l’extérieur du vaisseau.

Est-ce que cette vidéo a un lien avec votre première collaboration avec Seo In-Young, “Anymore” ? Ce clip souligne vraiment les transformations de l’artiste.
Pour résumer, “Anymore” représente “Seo In-Young sans ses talons”. En prenant en compte tous les personnages de Seo In-Young, , on voit les premiers pas d’une chanteuse commerciale qui devient une vraie musicienne. Le diamant brisé apparaît pour la première fois dans ce clip. “Let’s Dance” explore sa position de musicienne et s’écarte de l’image de Seo In-Young en tant que chanteuse. La différence entre les deux vidéos est la manière de s’exprimer. Elles expriment aussi les difficultés qu’on peut rencontrer lorsqu’on travaille en solo, tout en la célébrant en tant qu’artiste indépendante. On ne pouvait aussi prendre en compte le fait qu’elle est une véritable icône mode de cette génération.

En plus de ça, la scène mêle plein de références différentes. OKEH de Buried Alive s’est chargé de la direction artistique, comment avez-vous travaillé ensemble ?
On connaissait le travail d’OKEH depuis un moment et on l’avait même rencontré plusieurs fois. On s’est occupé du concept du clip, mais OKEH nous a donné énormément de retours. Ses pièces personnelles ont été utilisées pour remplir le plateau d’"Anymore". On serait ravis de retravailler avec lui à l’avenir, que ce soit sur un clip ou autre chose.

Vous allez collaborer à nouveau avec Seo? Qu’est-ce qui occupe vos journées ces derniers temps ?
Pour l’instant, nous n’avons rien de prévu avec Seo. Mais c’est une fille très talentueuse et ce serait génial de pouvoir retravailler avec elle. Pour l’instant, on travaille avec un autre artiste coréen mais on ne peut pas encore en parler. On refait un clip avec Kero One et un autre avec le groupe canadien Dirty Radio. Enfin, nous bossons sur un album collaboratif avec JINBO. Tenez-vous prêts.

@Creators_fr

Impossible d'échapper à la nouvelle installation de The xx

Mon, 03 Dec 2012 06:17:55 -0500

Woody Allen se plaît fréquemment à parler de la haine que semblent éprouver les objets mécaniques à son égard. Dans ce sketch cathartique, il parle de cette lutte constante qui s’achève dans un combat contre sa télévision, suivie de la vengeance de son ascenseur parlant. En regardant Missing, l’installation immersive de Sonos Studio, on se dit qu’Allen aurait probablement eu la peur de sa vie s’il s’était retrouvé face à elle.

Missing fait partie de l’exposition « Coexist », fruit du partenariat entre Sonos Studio et The xx. L’installation consiste en 50 enceintes, ampoules tamisées et câbles suspendus au plafond du studio. Alors que le public déambule au cœur de l’exposition, des caméras Kinect détectent leurs mouvements et tournent les enceintes pour que celles-ci fassent face au spectateur en éructant le célèbre single de The xx, « Missing ». Afin de rendre l’immersion plus prenante, seules dix personnes peuvent expérimenter l’installation en même temps.

L’exposition a été pensée par Matt Mets—l’homme derrière la machine à autoportraits—et Aramique.

De plus, l’exposition « Coexist » accueillera des ateliers qui distilleront quelques astuces pour tenir un label indépendant, ainsi qu’une performance de Nosaj Thing et la possibilité d’écouter True, le dernier EP de Solange et Dev Hynes. Retrouvez une vidéo de l’exposition ci-dessus et celle de Jamie xx à propos de l’album Coexist juste en dessous.

Le vernissage de “Missing”. Image via Notcot

Le schéma de l’installation

Images via Creative Applications et Sonos Studio.

[via Creative Applications]

@Creators_fr

Des coureurs éclairés embrasent la ville de Bangkok

Mon, 03 Dec 2012 05:14:54 -0500

Avec ses lumières aveuglantes et son énergie frénétique, Bangkok fait partie des villes aux allures les plus futuristes qui soient. C’est dans cette ville que Stephan Zlotescu a choisi de filmer son court-métrage dystopien True Skin, qui met en scène des consommateurs augmentés et robotisés en quête d’immortalité. Dans un registre moins déprimant mais tout aussi visuel, on peut parler du projet Light Emitting Dudes – LED Freerunning de Frank Sauer.

Trois coureurs—Jason Paul, Shaun Wood et Anan Anwar—sont habillés de costumes pourvus de LED créés par la styliste Christina Zahra et s’aventurent dans les rues de Bangkok. Ils semblent tout droit échappés du film TRON et se transforment en traînées de lumière pendant leur course, visible ci-dessus.

[via Vimeo]

@stewart23rd

Chromosaturation flatte nos rétines

Thu, 29 Nov 2012 12:06:51 -0500

Depuis les années 1960, l’artiste franco-vénézuélien Carlos Cruz-Diez explore les différentes possibilités de l’art cinétique. Avec son projet Chromosaturation entamé en 1965, l’artiste réalisé une série d’œuvres autour des couleurs primaires et de notre perception de l’espace. Ce travail est composé de chambres colorées (rouges, bleues et vertes) qui immergent le spectateur das un environnement très visuel. Après avoir fait le tour du monde, du MOCA de Los Angeles à la Sang Sang Tok Gallery de Séoul, Cruz-Diez envahit le Musée en Herbe de Paris jusqu’au 16 décembre 2012.

L’artiste explique plus amplement son projet au Musée : « « Ces dernières cinquante années, j’ai insisté pour projeter la couleur dans l’espace, sans support ni anecdote, en révélant toute son ambigüité : la couleur comme circonstance éphémère, la couleur comme une mutation continuelle. Le spectateur découvre qu’il peut créer et faire disparaître la couleur avec ses propres moyens perceptifs, dans une expérience vitale. »

Quelques images des chambres colorées de Carlos Cruz-Diez :

Photos : Carlos Cruz-Diez

[Via Design Boom]

Des taies d'oreiller et des glitches

Thu, 29 Nov 2012 09:59:43 -0500

On imagine difficilement des taies d’oreiller se confronter à une esthétique digitale comme le glitch art, mais c’est probablement dû aux lacunes de l’industrie de la literie plutôt que d’un manque de demande. Et bien que ce choix puisse vous sembler étonnant, le glitch art n’est pas étranger au monde du textile.

Phillip Stearns a déjà réalisé une série de couvertures glitchées avec Glitch Textiles. Benjamin Berg (aka Stallio) se joint à lui avec une série de taies d’oreiller afin que vous puissiez décorer votre maison avec des formes de données corrompues. Peut-être que la communauté seapunk pourrait concevoir une série de rideaux pour aller avec.

[via Prosthetic Knowledge]

@stewart23rd

Binatone Galaxy nous immerge dans la mélodie singulière de nos radiocassettes d'antan

Thu, 29 Nov 2012 09:58:32 -0500

La banalisation des nouvelles technologies dans la création et dans nos quotidiens permet de réaliser nos rêves les plus fous en inventant sans cesse de nouvelles choses, de nouveaux objets, concept, usages, etc. Mais on peut aussi réinventer ce qui existe déjà, détourner, repenser, et hacker. Personnellement, je suis plutôt un adepte de ce second procédé, tout comme l’est Stephen Cornford —en témoigne son fascinant projet Binatone Galaxy. Cette installation propose aux nostalgiques une relecture de la cassette audio tout à fait intéressante.

Alors qu’une frénésie certaine accompagne le retour du vinyle, qu’en est-il de la cassette ? Après les avoir récemment vu disparaître des concerts de garage, elles semblent avoir trouvé un nouvel essor avec Binatone Galaxy. En s’interrogeant sur la récurrence de la rotation dans les technologies liées aux médias (CD, K7, films, pellicules…) Cornford a mis en place ce projet qui pose une question simple : que reste-t-il du son d’une cassette sans sa bande magnétique ? Si l’on connaît par cœur le vrombissement du 35 tours sur sa platine, il lui a été nécessaire de remplacer l’intérieur d’une cassette par un micro ainsi qu’un détecteur de mouvements qui influe sur le rythme pour réaliser cette installation. En accumulant le nombre des lecteurs, walkman et autres autoradios, Cornford crée une symphonie des plus étranges qui ne manquera pas de rappeler à nombre d’entre nous, ces moments passés attendre qu’un morceau passe à la radio pour pouvoir l’enregistrer sur nos mixtapes d’adolescents.

[via : Creative Applications]

@Creators_fr

Zach Lieberman illumine la campagne anglaise

Thu, 29 Nov 2012 08:39:30 -0500

À la fin du mois d’août, les paysages verdoyantes qui entourent le mur d’Hadrien, une fortification construite sous l’Empire Romain en Grande-Bretagne, sont devenues les plus grandes œuvres de land art jamais connues. 400 ballons-sondes pourvus de LED et d’émetteurs radio ont transmis des messages codés en lumière sur toute l’étendue du mur, dans le cadre d’une commande pour l’Olympiade culturelle développée par le studio d’art interactif YesYesNo.

Ce projet, intitulé Connecting Light, a été conçu pour bouleverser le rôle traditionnel des murs et des frontières dans notre société —au lieu de séparer les gens, ce mur est devenu un outil de communication destiné à les rassembler. À l’aide d’une application mobile ou du site officiel de Connecting Light, le public était en mesure de soumettre des messages texte, ensuite convertis en fichiers audio et interprétés par des lumières colorées qui voyageaient le long du mur d’un ballon à l’autre, sous le regard surpris de quelques vaches laitières et de paysans du coin.

Le mur d’Hadrien est une relique historique de l’Empire Romain en Grande-Bretagne.

Connecting Light illumine la façade d’un vieux château en pierre.

L’artiste Zach Lieberman est une des figures les plus importantes de YesYesNo, et plus largement dans la communauté d’artistes œuvrant au croisement des médiums et de la technologie. Lieberman est également un des fondateurs d’openFrameworks, ce qui fait de lui une personne très respectée dans le milieu. Ses projets technologies ont toujours une dimension très humaine et se concentrent sur les gestes et la narration en apportant des éléments magiques (d’ailleurs, il a même déjà bossé avec un magicien) aux outils technologiques les plus sophistiqués qui existent.

Dans notre reportage ci-dessus, nous avons discuté avec Lieberman de ses projets favoris et des thèmes récurrents qu’il aborde dans ses travaux. On l’a également suivi en Angleterre pour découvrir l’installation Connecting Light, une des œuvres les plus ambitieuses de sa carrière.

Un test de l’installation à New York.

Une démo dans les rues de New York.

@juliaxguila

Tanlines a embauché une armée de clones pour le clip "Not The Same"

Thu, 29 Nov 2012 05:39:53 -0500

Quand on a rencontré les deux membres de Tanlines pour la première fois (voir ci-dessus), ils nous ont gentiment fait visiter leur studio situé à Brooklyn. On a aussi eu la chance de les accueillir à The Creators Project : São Paulo 2012, où ils nous ont montré qu’ils étaient parfaitement capables de jouer leurs morceaux avec la même intensité que dans le confort de leur studio. Le dernier clip pour “Not the Same” met en scène Jesse Cohen et Eric Emm, accompagnés d’un troupeau de clones.

Les deux membres de Tanlines ont réalisé le clip eux-mêmes, chose qui devient très claire à la fin de la vidéo où on peut les voir dans des chaises de metteurs en scène, supervisant avec bienveillance la performance de leurs clones. Ci-dessous, vous retrouverez le clip de “Not The Same” et leur performance à notre évènement brésilien.

@ImYourKid

Aux origines d'Alpha Lyrae, la collection électroluminescente de Vega Zaishi Wang

Wed, 28 Nov 2012 13:07:31 -0500

Depuis l’obtention de son diplôme au Central Saint Martins in 2008, la styliste pékinoise Vega Wang tire profit de sa fascination pour la lumière, qu’elle intègre de manière peu conventionnelle à ses dessins. Plus récemment, la bioluminescence marine lui a donné envie d’augmenter le tissu avec des animations organiques qui prennent vie grâce à l’électroluminescence —un tuyau qui lui vient de ses parents, tous deux ingénieurs électriciens.

Sa dernière collection Alpha Lyrae poursuit son exploration et s’inspire de la vie sous-marine et de l’espace. « Vega », le prénom de Wang, vient d’une des étoiles les plus brillantes de la galaxie, un corps céleste que certains appellent également Alpha Lyrae. Avec sa collection de huit robes luminescentes, Wang raconte l’histoire complète de l’univers.

La collection a été dévoilée pour la première fois en septembre à The Creators Project : Pékin 2012 en collaboration avec UFO Media Lab, le musicien Zhang Shouwang et Top Right Optoelectronics Ltd, avec le soutien de The Creators Project. Bien que les robes existent réellement, on peut facilement les imaginer su des icônes virtuelles telles que Lula, Hatsune Miku ou même Quorra de TRON.

Alpha Lyrae est également disponible sous forme d’expérience interactive sur notre Galerie digitale, où vous retrouverez aussi des making-of, des informations sur la collaboration et des animations de chaque robe.

En plus d’être particulièrement jolies, les robes augmentées de Wang repoussent les limites de la mode. Les robes sont irradiées dune lumière bleue cosmique —une fois branchées à un ordinateur, des animations spatiales y sont projetées, en référence à la mode et la technologie, ainsi qu’au futur réjouissant de ce croisement de médiums.

Découvrez Alpha Lyrae sur la galerie digitale

Une vidéo et des images de la collection à un défilé pékinois sont disponibles ci-dessous.

Alpha Lyrae de Vega Zaishi Wang

Photos de Zhuang Yan.

@kfloodwarning

Des nuages en intérieur qui s'adaptent aux conditions météorologiques

Wed, 28 Nov 2012 12:04:38 -0500

Parfois le temps est tellement maussade que la dernière chose que l’on pourrait désirer serait de le retrouver dans son salon, mais ce constat n’a pas empêché le studio de design allemand Micasa Lab de créer une lampe qui prédit le temps à venir. Ce projet intitulé Nebula 12 rassemble des données météorologiques du Met Office et le reproduit dans votre maison sous forme de lumières ou de nuages en intérieur.

Grâce à l’azote liquide, au wifi et à un système d’aspiration très puissant, la lampe combine de l’hydrogène liquide et de l’eau chaude pour créer des petits nuages de vapeur —tout en étant connectée à Internet avec un Nokia Lumia 920. Cette idée, encore à un stade conceptuel, permettrait d’augmenter les maisons avec le temps à venir dans les 48 prochaines heures.

En plus d’être au fait des prévisions météorologiques, les utilisateurs peuvent contrôler la lampe comme ils le souhaitent, en ajustant sa luminosité et sa couleur pour créer des créations nuageuses de toutes sortes.

[via core77]

@stewart23rd

Des milliers de lumières rendent hommage au scientifique Carl Sagan

Wed, 28 Nov 2012 10:45:27 -0500

Même en rassemblant les colliers d’épithètes les plus élogieuses qui puissent exister, il me paraît difficile de décrire l’enthousiasme sincère qui m’anime à la vue de l’astronome et scientifique Carl Sagan. Visiblement, l’artiste américain Leo Villareal partage cette profonde affection, comme en témoigne sa dernière installation Cosmos, qui tire son nom de l’émission de vulgarisation scientifique où Sagan s’épanchait poétiquement sur la science, la raison et l’humanisme.

Actuellement installée au Johnson Museum of Art à l’université Cornell aux États-Unis, l’installation comporte 12 000 LED connectées à un ordinateur, qui génèrent des motifs aléatoires représentant tour à tour des amas d’étoiles et des galaxies lointaines. Ce travail entamé en novembre 2010, aux côtés de l’architecte Walter Smith et des donateurs Lisa et Richard Baker, a nécessité un certain temps de réflexion. Après avoir longuement étudié les plans architecturaux du musée, l’artiste et son équipe ont commencé à installer l’œuvre en avril dernier. L’artiste explique : « Cette œuvre est comme un instrument de musique qu’il faudrait accorder à la perfection. C’est un vrai processus de découverte, parce que je ne sais jamais à quoi ça va finir par ressembler. »

Voici quelques images de la construction et de l’œuvre finale :

[ Via New Scientist]

@Creators_fr

Daito Manabe orchestre une danse surréelle pour illustrer "Eclipse/Blue" de Nosaj Thing [Exclusif]

Wed, 28 Nov 2012 07:27:40 -0500

La première fois que nous avons eu la chance de plonger dans le monde onirique de Nosaj Thing, c’était à l’occasion de nos évènements The Creators Project : New York 2011. Aux côtés d’installations sublimes comme Six-Forty by Four-Eighty deZigelbaum + Coelho et des travaux étonnants de la Team Dis-Kinect, Nosaj a entamé une danse gracieuse avec sa MPD32. Son set était sublimé par des visuels surréels, et c’est donc peu étonnant de le voir collaborer avec l’artiste Daito Manabe sur le clip d’"Eclipse/Blue".

Avec le soutien de The Creators Project et l’aide de MIKIKO, chorégraphe du groupe japonais Perfume, Manabe a créé un environnement virtuel et dynamique qui sert d’arrière-plan pour deux danseurs dont les mouvements sont amplifiés par les graphismes qui les entourent.

Vous connaissez peut-être déjà le travail de Manabe et son incroyable Electric Stimulus, dans lequel il contrôle les sons grâce à des mouvements musculaires, une technique qu’il a également utilisée dans le clip “Straight and Arrow” de Falty DL. Pour “Eclipse/Blue”, ce concept est directement appliqué aux danseurs et aux visuels complexes qui réagissent à chacun de leurs mouvements.

On a discuté avec Manabe et Nosaj Thing pour en savoir plus sur les secrets de cette expérience visuelle.

Daito Manabe

Quand on regarde votre vidéo, on a un peu de mal à savoir si on se trouve face à des danseurs sur lesquels des visuels sont projetés ou si le graphisme et les images de danse ont été combinés après le tournage. Comment avez-vous assemblé tout ça ?
C’est une performance en direct. Nous avons utilisé une caméra Point Grey pour suivre le danseur, et on a ensuite projeté des visuels sur le corps du danseur.

Est-ce qu’il y a une histoire derrière cette chorégraphie et l’esthétique visuelle de la vidéo ? Comment est-elle liée au morceau de Nosaj Thing ?
Nous nous sommes inspirés de la structure d’une éclipse solaire. Un des danseurs, celui qui danse en face de l’écran, représente le soleil. Celui qui se trouve derrière l’écran incarne la lune. La mise en scène du projecteur, du danseur et de l’écran est également fondée sur cette structure.

Est-ce que la création de cette vidéo mobilise une des techniques d’Electric Stimulus ou de votre clip pour Falty DL?
Nous nous sommes appuyés sur les travaux de Klaus Obermaier et d’“Apparition”, un projet de l’Ars Electronica Futurelab. Le système est presque similaire, la seule différence étant qu’un des danseurs évolue derrière l’écran.

Nosaj Thing

Qu’est-ce qui vous a poussé à choisir ce morceau pour en faire un single ?
Ce morceau donne vraiment le ton de l’album. Kazu [Makino de Blonde Redhead] était mon premier choix pour cette chanson, c’est incroyable de voir que ça a fini par se faire.

Drift est sorti il y a trois ans, et son succès a donné lieu a beaucoup d’attente sur le deuxième album. Qu’est-ce qui a changé dans votre style de production entre temps ?
Tout ce qui m’est arrivé pendant ces années a affecté ma manière de produire, que ce soit mes voyages, mes déménagements et les changements qu’il y a eu dans ma vie. Je m’oriente vers d’autres rythmes et d’autres sons, et je passe plus de temps sur mes arrangements. C’est un disque bien plus personnel.

Pourquoi avoir attendu trois ans ? Il y a une raison particulière ?
J’ai été très pris par les tournées, et je ne pensais pas que Drift entraînerait autant de changements, il m’a fallu un peu de temps pour mettre tout ça à plat.

Comment décririez-vous Innovative Leisure en quelques mots ?
C’est une nouvelle vision ouverte.

@ImYourKid

Quand le ciel nocturne devient un sublime globe étoilé

Wed, 28 Nov 2012 05:41:18 -0500

À l’heure qu’il est, vous devez probablement être lassé de l’omniprésence des time-lapses sur Internet, mais on ne peut nier que cette technique produit de superbes images —qu’ils dépeignent des villes, des monuments célèbres ou autres panoramas d’exception. Pour réaliser la vidéo Leonid and Zodiacal Light, le photographe Stephane Vetter s’est emparé de son Nikon D3 et d’un Sigma 8mm fish eye et a capturé le ciel nocturne la nuit du 17 novembre.

La masse d’étoiles devient tour à tour un amas de points et des traînées de lumières. On peut également y voir une pluie de météores et l’ISS, de quoi apprécier une nouvelle fois le ciel depuis votre ordinateur. C’est relativement court, pile le temps pour vous de vous octroyer un petit moment comme seul Carl Sagan sait les apprécier.

[via Vimeo]

@stewart23rd

Florence + The Machine continue de chanter les tumultes des relations amoureuses

Tue, 27 Nov 2012 10:38:03 -0500

Plus besoin de présenter le groupe londonien Florence + The Machine fondé par Florence Welch, une rousse à voix de sirène dont on n’a eu de cesse de vous parler ces derniers temps. Après le succès de leur premier album, Lungs, dans laquelle la chanteuse noyait sa peine de cœur dans un mélange excentrique de ballades romantiques et obsédantes, on avait pu rencontrer le groupe dans les studios d’Abbey Road et y tourner le reportage ci-dessus.

La semaine dernière, l’artiste sortait le clip “Lover to Lover”, pour illustrer son morceau tiré de son deuxième album Ceremonials. Réalisé par Vincent Haycock, qui avait déjà signé la vidéo de “Little Girl” de Spiritualized, le clip met en scène une Florence Welch visiblement toujours en proie à ses démons de femme, évoluant entre une mer agitée et des meubles enflammés :

Florence + The Machine se produira au Zénith de Paris ce soir, à partir de 18h30. Pour plus d’informations, rendez-vous à cette adresse.

@Creators_fr

Avec L'œil acidulé, Yroyto amène le low-tech au service de l'art

Tue, 27 Nov 2012 10:02:33 -0500

Dans une pièce obscure du Centre de la Gabrielle situé dans la commune paisible de Claye-Souilly, des rideaux noirs masquent la lumière du soleil et confèrent à la salle une ambiance feutrée et intimiste qui tente à rappeler celle d’une salle de spectacle. C’est en ces lieux jonchés de ballons de baudruche, de bandelettes de papier, de cerceaux colorés et de ses caméras que le plasticien Yroyto orchestre les répétitions de la performance qu’il donnera ce soir au Cube, avec la participation de quelques personnes en situation de handicap mental accompagnées par l’établissement « Couleurs et Création ».

Cette performance audiovisuelle, intitulée L’œil acidulé, est née d’une association entre Arcadi, agence culturelle d’Ile-de-France et le Centre de la Gabrielle (MFPass). Pendant plusieurs mois, l’artiste Yroyto a travaillé avec des personnes en situation de handicap mental et des professionnels de Couleurs et Création, Gaël Lecerf, plasticien et Audrey Posada, médiatrice culturelle, en favorisant la pratique manuelle et expérientielle des « arts numériques » et en mobilisant les méthodes simples mais efficaces qu’on lui prête habituellement. Cette performance met en image cette rencontre, le parcours des uns vers les autres, du monochrome, minimal et géométrique vers la couleur, la courbe et la naïveté du trait.

L’apport des nouvelles technologies a en effet participé à la conception de la performance. « Cette question avait été travaillée dans le cadre d’un projet de recherche européen sur l’apport des nouvelles technologies auprès des personnes en situation des personnes en handicap mental », explique Bernadette Grosyeux, directrice générale du Centre de la Gabrielle. « Il y a une vraie valeur ajoutée à ce média – l’utilisation des nouvelles technologies favorise sans aucun doute la capacité d’expression et de création des personnes. Après un an de pratique, nous constatons que les personnes accompagnées maîtrisent de mieux en mieux les logiciels et réalisent des œuvres de plus en plus abouties. »

L’artiste Yroyto nous a expliqué le déroulement de sa résidence « J’ai commencé à venir en mars de manière ponctuelle, en commençant à amener un ordinateur, des caméras… des outils que les personnes accompagnées à Couleurs et Créations ont su s’approprier. Il fallait passer par cette étape pour établir une relation de confiance avec le groupe, pour ensuite construire une forme artistique, que l’on a réalisée en quatre semaines à partir de septembre. Il fallait penser à chacun, partir de leur dessin, fabriquer des objets, organiser des tournages, se costumer, improviser, rebondir sur un mot, une envie… Si on leur pose la question, aucun n’a réellement conscience, pas même-moi, de faire de l’art numérique. On tente de faire un spectacle, de créer une zone hors du temps sur cet espace particulier qu’est la scène ». Lorsque se pose la question du processus collaboratif, Yroyto déclare avoir également appris du groupe qui l’accompagne. « Au delà de la rencontre avec ces personnalités incroyables et attachantes, ils m’ont apporté une vision, une esthétique auquel il a fallu que je me confronte. Ils m’ont fait me poser des questions sur ma propre pratique artistique et sur la manière de la transmettre et de la partager. C’est toutes ces certitudes tombées, ces instants de complicité et de bonheur qui ont fabriqué ce beau spectacle. »

L’œil acidulé sera présenté le 29 novembre au Cube à Issy-les-Moulineaux dans le cadre du festival Némo organisé par Arcadi, puis le 3 décembre au Batofar, à Paris.

Photos publiées avec l’aimable autorisation de Yroyto.

Voici probablement les statuettes 3D en bois les moins farouches qui existent

Tue, 27 Nov 2012 09:49:21 -0500

On parlait il y a peu de ce photomaton japonais qui permet en un instant de faire une figurine de vous même. Avec ce projet, vous pourriez même vous procurer une statuette en bois, le tout détaillé à l’extrême. Ce processus issu de la rencontre entre 3Dwood et Ben Godi permet de transformer de très complexes réalisations sur logiciel 3D en de délicates sculptures en bois. Et quoi de plus délicat que les frêles membres d’une poupée d’antan dont la fragilité était alors renforcée par la porcelaine, ces jouets et bibelots aux allures aussi innocentes que malicieuses.

Le dispositif se base sur un pantographe 3D, la réalisation des modèles se fait entièrement par ordinateur, après la taille, il ne reste plus qu’à polir quelques détails, puis peindre la pièce. Ce processus permet de reproduire à foison des pièces en bois de tous types d’un réalisme ébahissant.

Découvrez la conception de I’m not your rabbit, Emancipated et des autres muses de Godi dans les photos ci-dessous. Sachez aussi qu’il vous en coûtera 300 euros pièce et que chacune de ces demoiselles de bois fait partie d’une série limitée à 200 exemplaires.

[via : Designboom]

@Creators_fr

Le tour du ciel en une trentaine de secondes

Tue, 27 Nov 2012 06:11:01 -0500

Après avoir fait la pluie et le beau temps avec son installation interactive Dérive, actuellement visible à Albuquerque dans la continuité de l’ISEA 2012, François Quévillon revient avec Ciels Variables. Présentée à deux reprises dernièrement dans le cadre des 15 ans du centre d’artistes montréalais Perte de Signal, cette installation fait écho au projet Dérive. Leur dénominateur commun est la retranscription de données météorologiques et astronomiques après une retransmission par des capteurs disséminés à travers l’environnement.

Pour Ciels Variables, l’artiste a choisi une méthode de captation bien particulière. Il utilise des caméras web dispersées à sept latitudes différentes (Norvège, Canada, États-Unis, Inde, Australie, Nouvelle-Zélande et Antarctique) qui captent une portion du ciel pendant 24 heures grâce au procédé slit-scan. L’image obtenue quotidiennement résulte de l’analyse et de la traduction des données collectées, puis prend la forme d’une succession de faisceaux colorés. L’installation présente un échantillonnage annuel généré par la compilation des 365 photos prises à chaque point géographique donné. Ainsi, les photos compressées au nombre de 10 par seconde, sont présentées en boucle sur sept écrans (correspondant aux sept points de captation) et permettent de voir les fluctuations sous des formes abstraites, mais ordonnées.

En plus des images dynamiques créées par l’oscillation des données, une trame sonore soutient le visuel. Les variations de cette trame, perçues par le spectateur, correspondent à la traduction sonore des couleurs et des intensités lumineuses préalablement synthétisées. La production sensorielle (visuelle et sonore) dépend alors de la spécificité du « spot » choisi, par exemple la pulsion de la lune chaque 28 jours depuis Hawaï, ou encore la pollution lumineuse les nuits d’hiver à Montréal.

Une partition annuelle du ciel de Montréal.

L’œuvre de François Quévillon captive, elle nous propose une retranscription technique des réalités difficilement perceptibles par l’homme. Par le biais artistique, il nous facilite ainsi l’accès aux fluctuations environnementales qui nous entourent.

@Creators_fr

Des hélices, des lumières et des lasers qui simulent les mouvements de la nature

Tue, 27 Nov 2012 05:47:41 -0500

C’est chose plutôt courante de voir des artistes lutter avec les mystères du monde naturel. Des épopées d’Homère aux sculptures de pierre d’Andy Goldsworthy en passant par les paysages de Monet, les créateurs s’emploient depuis toujours à comprendre la nature, sans passer par les mesures quantifiables de la science et des mathématiques mais en évoquant des vérités immatérielles difficiles à saisir. Flying Stick, la dernière installation de l’Atelier GH exposée cette année au Mondial de l’Automobile, ne s’écarte pas de cette tradition créative.

Cette installation mobilise 60 « tiges volantes » afin de produire un environnement qui évoque les sons et les sentiments de la nature. Chaque tige comporte une hélice, un vaporisateur d’eau, une LED et un laser, afin de créer ce que l’artiste appelle un « écosystème techno poétique ». Le vent, la lumière et l’eau sont reproduits par l’installation robotique, qui place le visiteur « au coeur d’une métaphore technique des phénomènes de la nature ».

Photos publiées avec l’aimable autorisation de l’Atelier GH, 2012

@Creators_fr

Angry Birds en 300 mouvements de doigts sur papier

Mon, 26 Nov 2012 13:29:34 -0500

Si vous avez un smartphone, vous avez probablement déjà installé Angry Birds dessus, comme les milliers de personnes qui ont fait de ce jeu le succès planétaire qu’il est aujourd’hui. Et si vous avez eu assez de temps à perdre pour le finir, vous avez eu la chance de ressentir l’immense satisfaction lie au dénouement de n’importe quel jeu vidéo.

Ce que vous ne savez peut être pas, ou du moins ce dont vous n’avez pas conscience, c’est l’action physique qu’il vous a été nécessaire de produire afin d’arriver au terme de ce phénomène culturel, tous ces glissements de doigts sur l’écran, tout ce qui a été nécessaire pour lancer ces centaines d’oiseaux en colère sur ces crapules de cochons verdâtres voleurs d’œufs. C’est ce qu’a fait l’artiste Evan Roth en matérialisant chacun des mouvements nécessaires à finir ce satané jeu pour sa série Angry Birds All Levels (dans le cadre de son projet Multi-Touch Paintings) actuellement exposé a la Science Gallery de Dublin.

Angry Birds All Levels – Photo: Seb Lee-Delisle

L’œuvre finale permet de visualiser chacune des actions nécessaires grâce à l’action d’encre noire sur quelques 300 morceaux de papier calque, ce qui, selon Roth « contraste l’excitation provoquée par le jeu à la monotonie imposée à nos actes dans l’espace physique ». Exposer la répétition de la sorte permet aussi de se rendre compte que ces gadgets sont en fait l’extension de notre réflexion mentale, puisqu’elle produit visuellement l’intérêt qu’on ne trouve pas dans l’acte physique lorsqu’on joue.»

L’artiste enregistre ainsi notre façon d’interagir avec la technologie évoluant, démontrant alors l’importance grandissante qu’ont les écrans tactiles dans nos vies, devenant peu à peu la norme dominante dans notre appréhension du monde digital. Il met d’ailleurs en lumière par la même occasion, l’expansion massive du jeu vidéo, ne se contenant plus au joystick et au canapé, puisque toujours avec nous, au fond de nos poches.

[via DVICE]

@stewart23rd

La valse endiablée et aérienne des pigments et du son

Mon, 26 Nov 2012 12:15:25 -0500

Faire danser des milliers de pigments sur la membrane d’une enceinte en action, transformer cette surface en trampoline pour nuances, la rencontre des vibrations du son et de la couleur pure. Les deux éléments les plus fondamentaux des deux médiums les plus plébiscites par l’art depuis des siècles, finalement immortalisés sur un cliché. C’est le pari de Fabian Oefner (dont on vous avait déjà vanté les expériences) et de son projet Dancing Colors.

Une série qui se veut un pont entre le monde acoustique et visuel, les photos représentent des sculptures éphémères formées par le son en une fraction de secondes. Afin de réaliser ces instantanés étonnants, l’artiste suisse drape dans un premier temps une enceinte avec une toile cirée noire, puis y dépose les pigments de manière aléatoire. L’action du son, du flash et de l’appareil est synchronisée et se déroule dans une chambre obscure. On pourrait imaginer une multiplication des prises de vues autour de l’expérience afin de créer un effet Bullet Time et de transformer ces photos en film. Oefner, si vous me lisez.

[via : Designboom

@Creators_fr

Laser Show est une plongée dans le monde poétique de Robin Fox

Mon, 26 Nov 2012 09:48:21 -0500

C’est fou tout ce qu’il est possible de faire avec des lasers : réparer la cornée, s’enlever des tatouages, rendre fou n’importe quel chat, ou encore créer d’incroyables performances audiovisuelles comme le fait Robin Fox. Passé maître dans le mélange entre musique, science et art, cet australien travaille particulièrement autour de la tension, des courants et autres vibrations. C’est cet intérêt qui l’a amené à travailler avec des chercheurs de l’Institut Bionic Ear de Melbourne afin de développer des compositions à l’intention de malentendants porteurs d’implants cochléaires. Son projet Laser Show est une performance tendue sur un fil où se trame une bataille poétique entre son et lumière.

Impressionnant, ce projet l’a fait mondialement connaître. Aussin Fox sera prochainement à Paris dans le cadre du Festival Némo organisé par Arcadi, agence culturelle d’Île-de-France. Un des rendez-vous majeurs de l’art numérique qui aura lieu du 27 novembre au 11 décembre dans de nombreux espaces parisiens, et notamment au CENTQUATRE où par deux fois, les 7 et 8 décembre, son Laser Show sera présenté. Vous pouvez aussi, rejoindre sa Master Class que ce magicien des lumières donnera avant sa deuxième représentation.

@Creators_fr

Un court-métrage qui transforme l'océan en une mer de diamants, de rubis et autres pierres précieuses

Mon, 26 Nov 2012 06:16:29 -0500

Si vous passez une journée compliquée, c’est le moment de regarder Hinode, le dernier court-métrage d’animation réalisé par Tetsuka Niiyama. Ce projet imagine simplement la mer comme un océan de diamants et autres pierres précieuses scintillantes allant de la salinité de l’eau à la vie aquatique des fonds marins. Ici l’obscurité des profondeurs est trompée par les couleurs et le rayonnement des milliers de saphirs, d’émeraudes et autres diamants scintillants.

Votre ordinateur va se mettre à briller d’une telle puissance qu’il n’est pas dit que vous réussissiez à garder les yeux ouverts tout le long de la vidéo. L’animation des formes cristallines et géométriques combinée aux mouvements organiques du monde sous-marin vous berce doucement dans cette immersion abyssale. Niiyama explique que « Les minéraux prennent la forme de créatures marines aux mouvements fluides, mais gardent tout de même leur faculté de renvoyer la lumière, cette rencontre donne un aspect mystique et attirant au film. »

[via Vimeo]

@stewart23rd

Images : Niiyama

Des sculptures humaines qui évoquent la torture de Han Solo

Mon, 26 Nov 2012 04:25:38 -0500

À quoi aurait ressemblé Han Solo s’il s’était fait congeler dans du chocolat blanc, faute de carbonite ? Plutôt que d’emprisonner des mercenaires de l’espace, Kohei Nawa a construit sa série de sculptures Trans en scannant des formes humaines et en manipulant les textures de ses modèles. Grâce à la technique du texture mapping, l’artiste a ajouté les détails nécessaires pour produire ces formes irrégulières. Selon Nawa, « avec sa surface fluide et tridimensionnelle, la forme finale du modèle semble exister en parallèle de ce monde —c’est une forme que n’importe quel sujet pourrait avoir ».

Quelques exemples tirés de sa série :

Une danse surréelle qui défie toute logique

Fri, 23 Nov 2012 12:47:40 -0500

La photo et la vidéo Slit-scan donne un effet assez étrange, les photos se trouvent distordues et étirées dans une série de plans. Il en sort des vidéos déformées et des images qui ne s’embarrassent plus d’aucune loi physique comme nous le montre par exemple la vidéo ci-dessus, intitulée timeRemapExportHD.

Ce court-métrage de Adrien M et Claire B, montre deux personnes procédant à une danse défiant toute logique puisque leur corps se déforment et se désagrègent comme s’ils étaient tirés de part en part. Cette technique a désormais de nombreux adeptes comme Ansen Seale et la caméra Slit-can qu’il a customisée lui-même.

[via Colossal]

@stewart23rd

Un entretien avec Plaid, compositeurs de la musique de The Carp And The Seagull

Thu, 22 Nov 2012 13:20:14 -0500

Le film interactif The Carp and the Seagull, réalisé par Evan Boehm que vous pouvez retrouver sur notre Galerie Digitale, est un conte de terreur, qui suit le sombre voyage d’un homme dans des dimensions inexplorées suite à sa rencontre avec un démon de neige menaçant. L’accompagnement musical le plus adapté pour une telle histoire se devait d’être aussi sombre et capable de sublimer les moments de tension du spectateur. C’est pourquoi Plaid semblait constituer un choix étonnant.

Depuis les débuts du duo en tant que membres de The Black Dog, suivi d’une longue carrière avec Warp Records, Andrew Turner et Ed Handley se sont spécialisés dans un style que tout le monde qualifierait d’« enjoué ». Le travail de Plaid est ponctué de rythmes joyeux et de mélodies sentimentales, et on se demande vraiment comment ces deux musiciens se sont retrouvés dans le monde sans espoir de Boehm.

Pour mieux comprendre, il vous suffit d’écouter leur morceau “Myopia” qui passe du joyeux au triste en l’espace de quelques secondes. On a discuté avec le duo pour en savoir plus sur leur travail et leurs années Warp.

The Creators Project : La plupart de vos morceaux sont très rythmiques, dynamiques et mélodiques. Ce n’était pas trop difficile de composer une bande-son ambient pour The Carp and the Seagull?
Plaid : Le film a vraiment guidé la composition. C’est un conte incroyablement maussade, et il fallait que la bande originale reflète ça. Ce n’est pas quelque chose qu’on aurait fait naturellement, mais on a déjà eu une expérience similaire avec Tekkonkinkreet; où on nous avait demandé d’être beaucoup plus émotifs.

De “Shackbu” à “Missing,” j’ai toujours associé votre musique à un univers visuel particulièrement joyeux. Est-ce que votre processus de composition a changé avec The Carp and the Seagull?
Par nature, nous sommes heureux et optimistes. Même nos moments les plus sombres ne sont pas assez longs pour produire un travail fini. The Carp and the Seagull a nécessité beaucoup plus de design sonore que d’habitude et pas mal de contraintes mélodiques, puisqu’ici c’est l’utilisateur qui décide du déroulement de l’action à la place du réalisateur. C’est impossible de faire une construction mélodique pour sublimer un moment-clé lorsqu’on ne sait pas exactement quand il arrive.

Au cours de ces dernières années, vous vous êtes fait une bonne réputation de compositeurs de B.O avec Tekkonkinkreet, Heaven’s Door et The Carp and the Seagull. Vous comptez en faire d’autres ? Idéalement, avec qui aimeriez-vous collaborer ?
Nous avons vraiment envie d’en faire d’autres, on a quelques projets en cours. On adorerait composer pour des films de science-fiction. Moon était vraiment exceptionnel, mais la bande originale de Clint Mansell a beaucoup joué là-dessus. Ça nous paraît impossible d’apprécier un film avec une mauvaise B.O. On aime bien le travail de Darren Aronofsky, Wes Anderson, les frères Coen… les réalisateur tendent à choisir un compositeur qu’ils apprécient et à lui prêter allégeance.

Ça fait des siècles que vous êtes sur Warp, maintenant. Quel est votre album préféré sorti sur ce label ?
Oui, on se rappelle très bien du jour où on a signé notre contrat, personne n’arrivait à trouver de stylo, c’était hilarant. Il y a eu trop de bons albums pour qu’on n’en choisisse qu’un. On aime beaucoup Tom Jenkinson (Squarepusher), autant pour ses enregistrements que ses performances live.

Si un rappeur devait chanter sur un de vos morceaux, quelle serait votre combinaison idéale ?
On adorerait entendre Busta Rhymes rapper sur “Squance”.

Ahah, moi aussi. Un de mes morceaux préférés de Plaid s’appelle “Scoobs In Columbia”. Ça fait des années que j’essaie de comprendre, sans succès. Ça vient d’où ?
Scoobs était notre nom de DJ, avant Plaid.

Et pour conclure, vous trouvez que la musique électronique plus ennuyeuse depuis que tout le monde s’y est mis ?
Certains artistes sont régis par l’ennui et par d’autres facteurs qui les poussent à explorer d’autres genres de musique, et les autres sont des vrais compositeurs de musique électronique. On déteste la musique sans originalité.

@ImYourKid

Deux minutes et des poussières pour choisir votre film préféré

Thu, 22 Nov 2012 12:43:27 -0500

« Et vous, quel est votre film préféré ? » est la question inévitable qu’on peut entendre dans toutes les discussions qui s’éternisent. Le plus souvent, cela signifie qu’on n’a pas grand-chose à se dire et que la demie-heure à venir va être une suite de blancs entrecoupé de lieux communs, et vos interlocuteurs préfèreront dire qu’ils sont des inconditionnels Rohmer plutôt que de confesser leur amour pour les blockbusters américains. Au final, personne n’arrive vraiment à savoir quel est son film favori, on a d’ailleurs souvent du mal à se souvenir du dernier film qu’on a vu.

Heureusement, Jonathan Keogh a eu la chouette idée de compiler les 250 meilleurs films du classement du site référence IMDB, dans une vidéo de trois minutes. Histoire de vous rafraîchir les idées quant à ces chefs d’œuvres du 7ème art. Essayer de tous les reconnaître s’avère purement impossible, le rythme de la vidéo est bien trop rapide pour cela, même si personne ne vous empêche de cliquer frénétiquement sur la touche pause. Sachant qu’en plus, cette immersion est accompagnée par une bande son aussi prenante que ce mash-up de Dj Faroff où s’entrecroisent Joan Jett, les Beatles, Cypress Hill et House of Pain, l’expérience ne peut pas être plus réussie, ou bien il faudrait qu’elle se termine sur un extrait d’Annie Hall, définitivement mon film préféré, ce qui, à mon grand bonheur, est bel et bien le cas.

Keogh s’est prêté au même exercice avec 2 minutes 30 de films d’horreur, où vous retrouverez tous les personnages qui ont peuplé vos cauchemars d’enfants, du Jack Nicholson vrillé de The Shining au requin des Dents de la Mer, c’est ici et c’est tout aussi bien réalisé.

@Creators_fr

Avec Energy Flow, FIELD peint l'infini d'Internet

Thu, 22 Nov 2012 10:41:45 -0500

Pour le chapitre Infinity de leur film expérimental d’animation Energy Flow , FIELD s’est mis a dépeindre des paysages improbables, probablement jamais vus par un être humain—puisant son inspiration des énormes tours de serveurs et des Data Centers du monde entier. Infinity donne un visage au « cloud » que nous utilisons tous les jours.

« Ces paysages grandioses que forment les rangées de serveurs à perte de vue sont devenus des symboles fascinants de notre environnement digital » nous explique Vera-Maria Glahn, co-fondatrice de FIELD. « Ils sont un élément crucial de l’infrastructure mondiale, et pourtant personne ne les voit. On peut rapidement oublier que derrière l’aspect léger du digital et du virtuel se cachent des machines lourdes et complexes.

C’est le point d’ancrage d’un projet de film qui explore la transmission d’énergie à travers le monde, allant de la nature à la mécanique, du sens d’interconnections aux « flux d’énergie ». Ces images des données informatiques voyageant au travers de l’architecture du web et de ses serveurs semblent tout à fait représentatives de l’ère dans laquelle nous vivons. Il faut aussi y voir un signal d’alarme quant au futur comme le note Glahn, « La plupart des découvertes scientifiques récentes n’aurait pas été possible sans la puissance de ces supercalculateurs, en physique quantique, par exemple, ou bien pour ce qui est des prévisions météorologiques, de la recherche climatique, la modélisation moléculaire, les simulateurs physiques et ainsi de suite. »

Même si les paysages d’Infinity étaient déjà réalisés, FIELD a remarqué que les photos de la visite du centre de données de centre de données de Google rendaient également possible une visualisation des autoroutes de l’information, destinée au grand public.

Un des datacenter de Google

Une série qui rappelle un peu les travaux du photographe Andreas Gursky donnait cette même impression de répétition et d’immensité avec ses grands formats modernes, comme celui du supermarché.

Andreas Gursky, 99 Cent.

Le rendu 3D d’Infinity est un procédé appelé Geometry Instancing qui duplique et dispose aléatoirement une série de d’objets prédéfinis. Dans le cas présent, il s’agit bien évidemment des racks, des dalles du plafond, etc, ceci afin de créer l’illusion d’un espace gigantesque.

En fonction des mouvements du public dans ce panorama numérique, les éléments de la composition se défont, se brisent et passent du réseau complexe à une simple étendue d’octets clignotants.

The Creators Project : Les rangées de serveurs présents dans Infinity sont au centre de notre quotidien alors qu’on ne les voit jamais et que l’on y pense seulement lorsque l’un d’entre eux plante et nous empêche d’avoir accès à notre site préféré. Ceci parce que nous n’avons pas de « métaphore visuelle » implantée dans l’imaginaire collectif. Comment ce défi vous est-il apparu ? Avez-vous rencontré des problèmes pour représenter quelque chose de tellement grand qu’il ne peut pas être réel ?
FIELD : Je pense que ce qui rend ces paysages fascinantsn c’est qu’on ne sait pas ce que tout cela fait vraiment. Ce qui se passe dans ces machines est un mystère complet pour nous. Ça peut, en effet, vous amener jusqu’à votre site préféré, mais aussi calculer le parcours d’un ouragan ou encore simuler l’expansion de l’univers. C’est parce que ça va de l’aspect le plus simple au plus existentiel que la métaphore est puissante. Elle titille votre imagination

Pouvez-vous nous en dire un peu plus sur le procédé de rendu 3D utilisé pour Infinity ? Combien d’élémenst différents ont été nécessaires à la réalisation du projet ? Comment faites-vous pour que le rendu semble si naturel alors que ce n’est qu’une succession de copier-coller quasi-automatique ?
C’est juste une question d’équilibre, il faut qu’un élément ne se répète pas trop de fois. A partir d’un certain nombre, l’image devient un patchwork et le regard a du mal à voir les détails. Chacun des racks est modulable et associable. Les explosions et leur timing sont toutefois différents pour chacun des racks, afin de rendre la scène plus naturelle.

C’est intéressant de voir que ces superordinateurs, comme celui-ci, ont vraiment un rôle à part entière dans votre film. De plus, je sais que vous vous êtes servi de la puissance de rendu de certain des ordinateurs Intel afin de pouvoir traiter les plus gros fichiers possible. Lorsque vous vous énervez devant l’ordinateur, c’est pour donner une touche personnelle à l’histoire ?
Oui, complètement, en plus, nous avons un de ces racks au studio où sont situés nos machines a rendu. Le plus souvent, j’aimerais bien qu’il soit un peu plus proche d’un superordinateur. Ça nous a permis d’avoir une référence visuelle pour les textures et les formes.

N’hésitez pas à visiter EnergyFlow.io pour plus d’informations sur ce projet ainsi que le making-of d’Infinity.

Retrouvez tous les épisodes d’Energy Flow ici

@juliaxgulia

La collection Printemps-Automne 2013 de Studio K s'inspire du béton translucide

Thu, 22 Nov 2012 06:29:31 -0500

La styliste coréenne Hyejin Hong était probablement une des premières personne à se réjouir de la découverte du béton invisible, puisqu’elle s’en est largement inspiré pour sa dernière collection.

Avec sa marque The Studio K, la styliste s’inspire des avancées technologiques pour concevoir des pièces minimalistes et pratiques. Jusqu’ici, elle s’est fondée sur des algorithmes mathématiques, des patrons pour pliage et quelques techniques expérimentales pour dessiner des silhouettes classiques mais intelligentes. Mais sa collection Printemps-Été 2013 présente une approche raffinée aux vêtements transparents. Regardez la vidéo ci-dessus pour en savoir plus sur son processus de création, et lisez l’interview qui suit.

The Creators Project : Votre collection Printemps-Été 2013 met l’accent sur les coupes précises. Quelle était votre intention ?
Hyejin Hong : Le point le plus important de ce défilé est le béton translucide. La plupart des gens pensent à des vêtements transparents, mais notre préoccupation n’est pas uniquement de montrer des bouts de peau. Nous voulons établir une corrélation entre la structure, la forme et le détail en montrant simultanément les deux côtés du vêtement. La structure architecturale ressemble à un empilement d’objets, comme des blocs de béton. À l’image d’une structure faite de béton translucide, les lignes extérieurs apparaissent de manière visible. C’est sur cette expérimentation dimensionnelle que ma collection repose, avec des formes uniques et détaillées.

À vue d’œil, les vêtements sont très condensés, tout en dévoilant un processus expérimental complexe. Comment se sont déroulées les phases de production ?
On a utilisé du papier translucide pour dessiner les patrons afin de créer une intersection de lignes sur les deux côtés du vêtement. Des patrons entiers étaient faits d’intersection, et des composants spécifiques du design étaient divisés et superposés. Nous avons établi toutes sortes de corrélation dans les détails de la structure et de la forme. J’ai aussi ajouté de la dimension aux formes plates. En conséquence, chaque pièce a une dimension unique.

ALL ABOUT PAISLEY

Vous parlez de votre travail collaboratif avec CA Plan dans notre reportage, vous prévoyez d’autres collaborations ?
Je prépare une collection en collaboration avec la styliste Han Suk Chae qui s’appelle ALL ABOUT PAISLEY. Avec 12 objets très basiques comme une veste, un manteau, une chemise, un t-shirt, un pull, un short, un pantalon et une écharpe, nous avons envisagé plusieurs looks. On a imprimé chaque vêtement sur du tissu translucide et on les a pendus au plafond comme des rideaux. Ce dispositif permettait de tester plusieurs couches avant de les faire essayer.

En dehors de vos collections, vous semblez utiliser la technologie de manière régulière.
Personnellement, je ne m’attache pas trop à intégrer la technologie dans mes travaux. Je puise mes inspirations chez d’autres artistes et stylistes, et je me sers plutôt de la technologie comme un moyen de production —tout ça m’intéresse vraiment. Le fait de vivre dans une société contemporaine me pousse à m’y intéresser énormément, cela dit.

Le défilé Printemps-Été 2013 de Studio K

@Creators_fr

Comment forcer le corps humain à devenir un outil de visualisation musicale

Wed, 21 Nov 2012 13:14:28 -0500

Daito Manabe est un artiste qui se sert des corps comme support afin de produire d’étonnantes expériences audiovisuelles. Il avait par exemple transformé un visage humain en batterie ou encore en outil de Vjing. Il s’y remet à présent avec son dernier clip, « Straight &Arrow », conçu pour FaltyDL.

Dans cette vidéo, il crée une symphonie de tapotement de doigts en branchant un groupe de personnes à son système afin qu’ils produisent, sous le coup d’impulsions électriques, des mouvements synchronisés à la musique. Les protagonistes deviennent alors esclaves du rythme et des manipulations électriques de Manabe.

[via Design Boom]

@stewart23rd

L'installation Concerto Of Clouds de GayBird vous met dans la peau d'un oiseau

Wed, 21 Nov 2012 13:01:54 -0500

Quand on voyage en avion côté hublot, une des meilleures choses à faire est de regarder la mer de nuages qui s’étend devant nos yeux. Même s’il fait un temps catastrophique quelques kilomètres plus bas, il n’y a rien de plus grisant que d’observer les nuages ondoyants. Inspiré par ces moments contemplatifs, le musicien chinois Leung Kei-chuek, aka GayBird, a créé une musique onirique qui constitue le noyau de sa dernière installation sonore When The Cloud Is Low.

« En utilisant une machine à fumée et la projection vidéo, j’espère recréer le sentiment que l’on peut avoir lorsqu’on regarde les nuages en avion. Plus besoin de s’envoler, ils descendent désormais au niveau terrestre », explique GayBird. « Vous pouvez aussi écouter le son des nuages et de leur transformation, avec des images synchronisées. C’est un concerto de nuages ».

L’installation est actuellement exposée à la LIBRAIRIE GALERIE, à Hong Kong jusqu’au 12 janvier 2012.

Photos publiées avec l’aimable autorisation de GayBird. Merci à Orlean Lai et Thomas Ip.

@Creators_fr

Sur-Natures, l'installation qui vous prépare à avoir la tête dans les nuages

Wed, 21 Nov 2012 11:46:02 -0500

C’est une sorte d’invitation au voyage, moins baudelairienne certes, mais qui reste tout à fait poétique et qui gagne en immersion ce qu’elle perd en lyrisme. Sur-Natures est une installation toute récente de Digitalarti, qui se trouve dans le nouveau terminal de l’aéroport Charles de Gaulle à Paris. À l’origine de ce projet, on trouve l’artiste Miguel Chevalier, pionnier des arts numériques qui a investi trois grand murs du terminal 2E porte M23, d’une flore interactive qui se meut en fonction du passage et des mouvements des voyageurs. L’imposant jardin se compose de fleurs colorées dont la vie et la taille est régie par leurs « codes morphologénétiques », l’ensemble forme un espace ludique qui pourrait bien tromper l’attente des longues correspondances.

Sur-Natures utilise le logiciel Music2eye et est installée par Muchomedia. La bonne nouvelle c’est que l’aéroport parisien est à la recherche d’une deuxième installation dans un autre terminal, histoire, peut être, d’offrir à ses passagers un voyage onirique avec leurs vrais voyages. Un moyen de détendre les plus aérodromphobes d’entre vous.

@Creators_fr

L'application animée Report M de Sticky Monster Lab raconte les origines d'un monstre

Wed, 21 Nov 2012 11:44:27 -0500

Le studio coréen Sticky Monster Lab se sert de ses talents en graphisme et en illustration pour créer des animations qui se déroulent dans un univers peuplé de « monstres » adorables mais névrosés, dessinés de manière très simpliste. The Creators Project s’est associé au Sticky Monster Lab et à d’autres artistes pour créer une application Facebook qui génère des monstres miniatures dont la customisation dépend des informations divulguées sur votre profil Facebook. Vous en saurez plus très bientôt, mais en attendant, on vous laisse découvrir leur nouvelle application iPad.

L’application s’appelle Report M et raconte les origines des monstres avec humour. L’histoire suit un vaisseau spatial qui s’écrase sur notre planète et documente la recherche scientifique qui s’ensuit —révélant un monstre d’un autre monde, conçu par les membres du Sticky Monster Lab.

L’histoire est divisée en plusieurs scènes qui comportent des éléments interactifs et des illustrations 3D joliment détaillées. On y trouve des informations qui accompagnent l’histoire, notamment sur le chant des baleines et le voyage de ces dernières vers différents pôles. L’application regorge de trésors à découvrir —il y a même une vidéo d’autopsie hyper drôle.

@Creators_Fr

La naissance de Divine Fits

Wed, 21 Nov 2012 09:23:03 -0500

Photo : Banner Gwin

En 2007, Britt Daniel, le frontman du célèbre groupe de rock Spoon a rencontré Dan Boeckner des Handsome Furs à un de leurs concerts. Leur bonne entente immédiate les a poussés à se croiser fréquemment au fil des années, parfois pour des collaborations. Boeckner a notamment joué avec Spoon au Radio City Music Hall, en échangeant certains de ses morceaux avec eux.

Ces deux hommes vivent la vie souvent fantasmée de rockeurs accomplis, jouant dans des groupes variés aux esthétiques très différentes. En plus de Spoon, Daniel a notamment fait partie de Drake Tungsten, The Alien Beats, Golden Millenium et Skellington. De son côté, Boeckner a commencé avec Atlas Strategic et joué plus récemment avec Wolf Parade et Handsome Furs —mais ces deux derniers groupes se sont séparés pendant l’été. Les deux artistes se sont naturellement associés, en se libérant du rôle qu’ils avaient pu jouer dans leurs projets antérieurs.

Les deux musiciens se sont mis à composer ensemble à l’aide d’une boîte à rythmes. Alors qu’ils préparaient leur première performance avec leur nouveau groupe baptisé Divine Fits, le producteur Mike McCarthy, qui avait déjà beaucoup travaillé avec Daniel, leur a recommandé un batteur. Ils ont ensuite convaincu Sam Brown des New Bomb Turks de partir de son Ohio natal pour s’installer à Los Angeles et rejoindre Divine Fits.

Le trio s’est très vite fait remarquer avec des concerts enflammés à Austin. Dans la foulée, ils ont sorti leur premier album sobrement intitulé A Little Thing Called Divine Fits. Dans la vidéo ci-dessus, Daniel et Boeckner expliquent leur processus collaboratif et parlent de leur liberté totale —tout en restant savamment rock ‘n’ roll.

Un aperçu de la performance audiovisuelle de Quayola et Abstract Birds : Partitura-Ligeti

Wed, 21 Nov 2012 05:03:52 -0500

Le projet collaboratif entre l’artiste visuel Quayola et Abstract Birds, Partitura-Ligeti, est un outil de visualisation sonore en temps réel qui crée des graphismes génératifs à l’horizontale, imitant la structure d’une partition. Des motifs abstraits défilent sur l’écran et évoluent au gré du son. À la fois fluides et complexes, les formes sont inspirées de travaux d’artistes comme Wassily Kandinsky, Paul Klee et des réalisateurs Oskar Fischinger et Norman McLaren.

Quayola et Abstract Birds présenteront Partitura-Ligeti au Festival Némo à Paris, organisé par Arcadi, agence culturelle d’Île-de-France. L’œuvre se divise en deux performances audiovisuelles, fondée sur la sonate pour alto solo du compositeur Ligeti jouée par Odile Auboin— qui se tiendront le mardi 27 novembre au MAC de Créteil et le vendredi 30 novembre au Cube. Une installation triptyque sera exposée au MAC de Créteil pendant tout le festival, du 27 novembre au 16 décembre.

Comme Quayola l’explique dans la vidéo ci-dessus, la plupart de ses projets explorent la visualisation de la musique, dans l’espoir de créer un nouveau type de langage. Partitura-Ligeti participe à ce objectif. Pendant les performances, six compositions de Ligeti seront transformées en partition visuelle. Pour un aperçu, regardez la vidéo ci-dessus :

Partitura-Ligeti est une commande d’Arcadi en collaboration avec l’Ensemble Intercontemporain pour le festival Némo, à Paris.

@stewart23rd

Erdal Inci transforme ses travaux sur la répétition en .gif hypnotisants

Tue, 20 Nov 2012 12:46:27 -0500

Avez-vous déjà eu un déjà vu alors que vous étiez en train de traîner sur internet ? Si ça ne vous est jamais arrivé, possible que ce sentiment étrange vous envahisse face aux expériences visuelles du vidéaste et graffeur Erdal Inci.

Ses travaux vidéos sont un éternel enchaînement de répétitions où l’action est copiée-collée à l’infini. Il en résulte une animation hypnotique et amusante sans aucune coupure qu’on peut retrouver sur son Tumblr—et ses expériences vidéos ont l’air d’être en bonne voie pour conquérir l’Internet.

[via Colossal]

@stewart23rd

Le documentaire de skate Pretty Sweet part faire le tour du monde

Tue, 20 Nov 2012 12:18:35 -0500

Andy Mueller a dessiné des tas de planches pour Girl Skateboards—avec des visuels colorés et intelligents, qui finissent bien entendu griffés de partout lorsque la planche est utilisée à bon escient. Les designs de skate ont une nature temporaire, à l’image des mandalas de sable tibétains qui sont méticuleusement dessinés avant d’être cruellement époussetés pour souligner leur côté éphémère. Très instructif.

Dans le genre instructif, vous pouvez aussi regarder deux des plus grandes équipes de skate écumer les trottoirs du monde entier. C’est plus ou moins le concept de Pretty Sweet, un documentaire sur le skate réalisé par Ty Evans, Spike Jonze et Cory Weincheque, avec des images des crews Girl et Chocolate qui enchaînent des tonnes de tricks à travers le monde, du Nicaragua à l’Espagne en passant par la Chine. Le trailer est ci-dessous :

Le film est sorti en avant-première vendredi dernier à Los Angeles en présence des deux équipes, ainsi que de nombreuses figures légendaires du skate, des amateurs et Tyler, The Creator, venu présenter le film. Le documentaire est projeté ce soir à la Gaîté Lyrique. Le reste des dates mondiales est disponible sur cette page.

@ImYourKid

Struct invente l'ambiance de vos soirées en temps réel

Tue, 20 Nov 2012 11:36:15 -0500

Struct est le tout récent projet issu du partenariat entre Eduard Haiman et Vadim Smakhtin de Mathrioshka et de V4w.Enko de Sound Design ffSpace. Il s’agit d’un générateur d’ambiance intelligent qui réagit avec son environnement et produit un son et lumière aux graphismes impressionnants, le tout, en temps réel.

Projeté sur une surface de quelques 30 mètres, évoluent des centaines de polygones, des milliers de particules, des nids d’abeilles réagissant et produisant des sons, organiques, épurés, relaxants qui semblent danser avec les images dans un ballet qui habille la pièce. Réalisée avec l’aide de vvvv, Max/Msp et Grasshopper, nul doute qu’on devrait avoir l’occasion de voir cette installation prochainement, et peut-être même un soir dans un canapé du Rex.

@Creators_fr

Bruce Munro veut vraisemblablement récupérer tous vos vieux CD

Tue, 20 Nov 2012 10:28:05 -0500

Après avoir peuplé les lacs de Longwood Gardens de nénuphars métalliques et esquissé une véritable mer irisée, l’artiste anglais Bruce Munro traduit une fois de plus son obsession pour le recyclage des vieux disques compact.

Cette fois-ci, Munro a pris ses quartiers dans les somptueux jardins verdoyants du Waddesdon Manor, situé dans le comté de Buckinghamshire, en Angleterre. Pour l’occasion, l’artiste a conçu deux installations, Angel of Light et Blue Moon on a Platter qui seront visibles jusqu’au 1er janvier 2013. Chacune d’elle est constituée de milliers de CD destinés à refléter la lumière et à livrer un vibrant hommage à la technologie désuète. Pour découvrir les coulisses de la conception de la deuxième installation, regardez la vidéo ci-dessus.

Angel Of Light

Blue Moon on a Platter

[Via My Modern Met]

Armes à feu et femmes lascives : une étude de l'iconographie des génériques de James Bond

Mon, 19 Nov 2012 12:51:30 -0500

La franchise James Bond fait très probablement partie des dynasties cinématographiques les plus célèbres de l’histoire du 7ème art. Cet astucieux mélange de voitures surpuissantes, de bastons d’anthologie, de méchants prêts à conquérir le monde et de jolies pépées a récemment fêté ses cinquante ans —et quelque chose me dit qu’on risque d’en entendre parler encore un bon demi-siècle. Mais en plus des filles, des gadgets et des sublimes acteurs qui ont pu endosser le rôle de 007, tout le monde garde un souvenir inébranlable des génériques. Ces génériques préparent le spectateur à l’ambiance de chaque film et présentent une iconographie propre à James Bond —accompagnés d’une chanson parfois inoubliable, parfois particulièrement monotone.

Le générique du premier James Bond, Dr. No (1962), qui mettait en scène un Sean Connery aussi chevelu que débonnaire, a établi les conventions stylistiques que nous avons pu retrouver dans tous les films qui l’ont suivi. Parmi ces caractéristiques récurrentes, on peut bien entendu compter la séquence du Gun barell, imaginée par le créateur de génériques Maurice Binder, qui s’est servi d’un sténopé pour réaliser cette image détaillée. Au moment où le coup de feu est tiré, le sang coule sur l’écran, les premières notes de la chanson se font entendre, et des ombres de femmes exotiques s’adonnant à toutes sortes d’activités viennent envahir le champ de vision du spectateur.

La séquence d’ouverture de Dr. No

À l’aide de la technologie de son époque, Binder a peaufiné ses expérimentations visuelles en mêlant animation, filtres de lumière et jeux d’ombre. Au fil des années, l’imagerie des films a progressé avec des projections d’ombres mouvantes (Opération Tonnerre, 1965) et les formes féminines ont commencé à servir de toile de projection pour les crédits (Goldfinger, 1964).

Les techniques établies par Binder étaient à la fois audacieuses et innovantes, combinant le film traditionnel à l’animation, aux lasers et autres effet expérimentaux. En conséquence, l’artiste a laissé derrière lui un travail que beaucoup citent encore comme influence majeure, y compris son successeur Daniel Kleinman qui déclare à Hollywood.com : « Binder était particulièrement fasciné par la technologie et les techniques modernes. Dès l’invention des lasers, il s’en est servi dans un générique. Il utilisait aussi de la peinture fluorescente. Il faisait toutes sortes d’expériences un peu folles, dont le résultat était toujours différent et innovant ».

La séquence d’ouverture de GoldenEye, (1995)

En 1995, Kleinman a pris le relais sur GoldenEye—connu pour ses publicités et ses clips, l’artiste a ouvert la voie au numérique. En tournant des images du James Bond du moment—Pierce Brosnan—et des femmes qui l’accompagnent, Kleinman a augmenté le film avec des visuels réalisés par ordinateur et créé une séquence ressemblant à des extraits de jeu vidéo. Il s’est ainsi approprié les génériques et trouvé sa marque de fabrique.

Mais bien que Kleinman ait choisi de moderniser la franchise grâce à des techniques d’animation sophistiquées, il s’est aussi attaché à rester fidèle à la tradition. Heureux de pouvoir rendre hommage à Binder, Kleinman a fait des clins d’œil au premier film de son prédécesseur (Dr. No) dans la séquence d’ouverture de Casino Royale (2006). Les animations font référence aux cercles colorés du générique de Binder pour Dr. No, les enseignes de carte deviennent de plus en plus grandes et le minimalisme se déploie en chaos orchestré dans une symphonie d’images de synthèse.

La séquence d’ouverture de Casino Royale

Le dernier fait d’armes de Kleinman est le générique de Skyfall (2012), où il mélange les silhouettes dénudées à des visuels plus noirs, fluides et impressionnistes, qui confèrent à la séquence un côté sombre et morbide dans la continuité de la première scène du film. « C’est une séquence macabre », a déclaré Kleinman à Movieline.com, « Je pense que c’est parce que ce film est particulièrement chargé d’émotion—bien plus que les autres James Bond. Mon intention était de donner quelques indices au spectateur, mais rien de trop spécifique ».

La séquence d’ouverture de Skyfall

Kleinman incorpore les plans iconiques qui ont rendu Binder célèbre—des regards féminins, des images kaléidoscopiques, des plans figés du corps et de l’arme de Bond— et y ajoute un environnement proche du travail d’Escher, des visuels éthérés et abstraits (qui rappellent le travail du photographe Luka Klikovac) et le thème de la mort. S’enchaînent alors des crânes fumants, du sang, des tombes, et des environnements labyrinthiques où Bond semble se faire chasser avant de sombrer au plus profond des ténèbres. Cette séquence brasse un style traditionnel avec des images plus modernes pour créer une nouvelle norme des génériques de James Bond, une esthétique qui fait évoluer les conventions précédemment établies tout en esquissant une potentielle nouvelle direction à prendre.

@Creators_Fr

Des sculptures digitales inspirées des bustes de la Grèce antique

Mon, 19 Nov 2012 12:44:17 -0500

Jon Rafman, l’artiste à l’origine du projet 9-Eyes qui collectionnait les clichés insolites de Google Street View s’est récemment mis à repenser les bustes de la Grèce antique afin d’en faire les œuvres digitales qui composent son dernier projet New Age Demanded.

Au lieu de tailler le marbre, ce qui avouons le, peut s’avérer être un peu chronophage, Rafman compose des bustes 3D sur logiciel pour les envelopper ensuite d’images trouvées sur le net afin de créer d’impressionnantes statue digitales. Et si vous y portez un peu d’attention, vous remarquerez très rapidement que ces bustes vous disent quelques chose —très certainement parce que Rafman s’est servi d’artistes aussi connus que Picasso, Rothko, de Kooning, Kandinsky ou encore Lichtenstein afin de réaliser ce projet.

Crushed Stingel

Rippled Kandinsky

Zigzagman Lichtenstein

Bulbous Masson

Pockmarked O’Keefe

Swirlyface Oppenheim

Muscleface Franz Marc

Picasso Swirlyface

[via Triangulation Blog]

@stewart23rd

A Mechanical Mind : les insectes recyclés de Justin Gershenson-Gates

Mon, 19 Nov 2012 11:02:17 -0500

Vous rappelez-vous de l’araignée mécanique géante du Dr Loveless dans Wild Wild West ? Elle en a visiblement marqué plus d’un, parmi lesquels on peut certainement compter Justin Gershenson-Gates, qui réalise avec A Mechanical Mind une série d’insectes à la fois effrayants et intrigants, à la croisée entre le steampunk et l’horlogerie. Las de la bijouterie traditionnelle, Gershenson-Gates s’est mis à transformer un immense stock de vieilles montres, de réveils, d’engrenages d’horloge et d’ampoules en une grande famille d’araignées, de scorpions, de libellules et autres rampants peu ragoûtants. L’assemblage est minutieux et peut nécessiter jusqu’à douze heure de travail comme ce fut le cas pour le scorpion. Chacun des éléments est soudé à l’ensemble qui forme au final une minuscule sculpture fragile rappelant les œuvres cinétiques de Jean Tinguely.

Retrouvez ci-dessous les étranges bestioles de Gershenson-Gates. Sachez aussi que vous pouvez aussi vous procurer une de ses sculptures sur sa page Etsy et suivre son actualité sur sa page facebook.

[via Neotorama]

@Creators_fr

Ma Yansong refuse de dompter les étendues sauvages

Mon, 19 Nov 2012 07:03:22 -0500

Les travaux du cabinet d’architectes MAD et leur figure de proue Ma Yansong présentent une certaine dualité. Bien que leurs travaux soient à la pointe de la technologie, chacune de leurs nouvelles structures imite l’espace qui l’entoure, donnant ainsi lieu à une étrange combinaison de camouflage et de spectacle. Parmi leurs derniers projets, on peut par exemple citer un ensemble de bâtiments dans un village balnéaire qui prend la forme d’une chaîne de montagnes, un musée titanesque au beau milieu du désert de Gobi, où une structure informe qui flotte au-dessus des sommets de la ville.

Avec ses nouveaux plans pour un ensemble de bâtiments près du lac Taiping, l’architecte s’est inspiré de peintures anciennes de paysages chinois. Cet immeuble de 700 appartements émerge des rives brumeuses du lac, imitant la silhouette créée par les sommets des monts Huang. Les balcons de l’immeuble imitent également la surface miroitée du lac.

Alors que des artistes comme Yang Yongliang adaptent des images de villes modernes pour en faire des travaux traditionnels, Yansong emploie une approche différente. Plutôt que de transformer les métropoles en peintures modernisées, l’artiste préconise un certain retour aux sources. Ainsi, l’architecte souhaite que les résidents de l’appartement « soient en relation avec l’environnement qui les entoure, plutôt que de se complaire dans les grandes villes ».

Images from MAD

Via [Dezeen]

Rafael Lozano-Hemmer dévoile les secrets de son installation, Open Air [Vidéo]

Fri, 16 Nov 2012 11:10:40 -0500

Lors d’une soirée un peu fraîche à Philadelphie, des centaines de personnes se sont rassemblées sur la Benjamin Franklin Parkway. La plupart d’entre elles naviguaient tranquillement sur leurs téléphones, pour laisser un message à leurs proches, tout en regardant le ciel nocturne où 24 puissants projecteurs robotiques diffusaient des motifs fantomatiques. Ces lumières étaient en réalité contrôlées par ces spectateurs anonymes, dont les voix permettaient de diriger l’installation céleste Open Air, le plus grand projet artistique de crowdsourcing que la ville de Philadelphie ait connue, créée par l’artiste mexico-canadien Rafael Lozano-Hemmer.

Depuis une vingtaine d’années, Lozano-Hemmer explore la lumière, l’architecture et les installations interactives régies par leurs participants, en mobilisant des technologies comme la robotique, la surveillance par ordinateur et la télématique. Aujourd’hui, c’est l’un des artistes numériques les plus importants en activité, et contrairement à la plupart de ses camarades, il fait partie des rares personnes également acclamées dans le monde de l’art contemporain.

L’élégance et la simplicité de ses idées y sont sans doute pour quelque chose. Les travaux de Lozano-Hemmer jouent habilement avec la lumière et les ombres et constituent de vraies plateformes participatives (invitant les visiteurs à prêter leur voix, leur respiration, leur rythme cardiaque ou leurs empreintes pour construire le spectacle) tout en soulignant des problèmes parfois modernes, parfois atemporels et humanistes.

Nous avons sélectionné quelques-uns de nos travaux préférés de Lozano-Hemmer et il nous a gentiment aidé à les recontextualiser. Pour en savoir plus, regardez notre documentaire sur Open Air ci-dessus.

Vectorial Elevation, Relational Architecture 4 (1999)

Rafael Lozano-Hemmer : Il s’agit de mon premier projet avec des projecteurs. Nous voulions que les visiteurs puissent participer en masse, parce c’est assez difficile de s’emparer de la place Zócalo [au Mexique] qui peut contenir 300 000 personnes. Contrairement à la plupart des spectacles qui célébraient le nouveau millénaire, ce projet n’avait aucune vocation cathartique. Il ne comportait pas de bande-son ou de places VIP, et n’avait pas ni fin, ni début. L’idée était de personnaliser l’espace plutôt que de livrer un spectacle passif.

Pulse Park, Relational Architecture 14 (2008)

Photo de James Ewing.

Dans ce projet, les rythmes cardiaques des participants transforment un parc entier. Chaque personne est représentée par une lumière vacillante. Lorsque vous marchez dans le parc, vous êtes entouré des signes vitaux des 200 participants qui vous ont précédé, tout ça grâce à un système d’enregistrement. Ce projet crée un motif rythmique similaire à la musique d’artistes comme Conlon Nancarrow, Glenn Branca ou Steve Reich, où les séquences répétitives entraînent un effet plus conséquent. Le plus souvent, je souhaite que mes installations n’existent que si les gens participent. Quand il n’y a personne en face du capteur, il n’y a tout simplement rien à voir.

Pulse Index (2010)

Photo d’Antimodular Research.

Ce travail est similaire au précédent, à ceci près que j’utilise un lecteur d’empreintes digitales et un capteur de pouls. Ce projet présenté au MCA de Sydney pouvait montrer les données biométriques de 10 925 participants.

Sandbox, Relational Architecture 17 (2010)

Photo d’Antimodular Research.

C’est un spectacle de marionnettes qui s’est déroulé sur la plage de Santa Monica. Alors que les gens placent leurs mains dans un petit bac à sable, leur image se fait projeter à grande échelle sur la plage. Mais au même moment, un système de surveillance détecte les gens sur la plage et projette des petites ombres sur le bac à sable. C’est un jeu de représentation qui permet de rassembler des gens qui ne se connaissaient pas avant. L’intimidation devient intimité. En plus d’être amusante et expressive, cette œuvre est développé avec un système extrêmement inquiétant qui sert habituellement à repérer les immigrés à la frontière qui sépare le Mexique et les États-Unis. Comment peut-on détourner l’usage de ces technologies destinées à tout contrôler pour créer une plateforme justement hors de contrôle ?

Voice Array, Subsculpture 13 (2011)

Photo d’Antimodular Research

J’ai fait pas mal de travaux qui visent à visualiser la voix, une grande tradition de l’art des médias. Ce travail utilise des enregistrements de voix, qui sont ensuite superposés. Chaque nouvel enregistrement prend la place d’un enregistrement plus vieux, on peut les voir comme des “memento mori”. Bien entendu, le contenu ne peut pas être contrôlé, et j’adore ça. Je partage la responsabilité de ce travail avec le public.

@juliaxguila

Le dernier clip de Mr. Div est un voyage dans l'abstrait

Thu, 15 Nov 2012 13:10:48 -0500

Vous vous rappelez peut-être de Mr. Div (aka Matthew DiVito) et de sa série de GIF géométriques, mais ce graphiste se débrouille aussi très bien lorsqu’il se met a l’animation. Pour son dernier projet, il a réalisé le clip du morceau « That Will Be The Day » par le compositeur Aldo Aréchar.

La vidéo se passe dans un monde entièrement géométrique que vous devez probablement connaître si vous avez déjà vu les travaux de Mr. Div. Mais ici, les formes sont chaudes et vivantes, comme ce soleil qui recouvre la mer de ses rayons. À l’image de ces .gif, cette vidéo a un côté rétro, rappelant les travaux de John Whitney. Ajoutez à ça les rythmes transcendants d’Arechar et vous obtenez un clip qui vous prend vraiment au cœur.

[via Vimeo]

@stewart23rd