http://www.youtube.com/watch?v=_ZUGQ2e4jK0

• How to Raise a Dragon
  (Tags: flash, jump'n'run, adventure)
• Ping Pong Ball Suction Construction
  (Tags: offline, sports, art, wtf)
• Art of the Instakill
  (Tags: action, offline, video, wtf)
• The Story Of Molyjam London 2012
  (Tags: indie, video, event)
• Progress Quest
  (Tags: rpg, wtf)
• Retro Basic Custom Wall Sticker
  (Tags: retro, design, shop)
• Breakfast Folge 494: Reload
  (Tags: podcast, tv)
• First Person Mario
  (Tags: unity, 3d, mario, beta)
• Beat Juice Radio
  (Tags: unity, music, wtf)
• How to Build an 8-Bit Computer
  (Tags: 8bit, hardware, diy)

Puh, das massive Aufkommen (mehr oder weniger interessanter) Kickstarter-Projekte im Bereich der Spieleentwicklung (siehe z.B. hier, hier und hier) führt gerade zu einer unangenehmen Übersättigung — zumindest empfinde ich das so. Deswegen bin ich mir nicht sicher, ob die zwei Entwickler der Space Quest-Serie den richtigen Zeitpunkt für Two Guys SpaceVenture wählten. Andererseits kann ich natürlich verstehen, dass man auf den Geldtransporter aufspringen und an Erfolge von Früher anknöpfen möchte.

Vollkommen egal, ob diese Finanzierung von Erfolg gekrönt sein wird oder nicht (ich tippe auf letzteres), erwarte ich mit Spannung die ersten Resulte erfolgreicher Finanzierungen, wie beispielsweise Double Fine Adventure und Wasteland 2. Diese Resultate werden nämlich einen maßgeblichen Einfluss auf den Erfolg oder Misserfolg zukünftiger Finanzierungsversuche via Crowdfunding haben. Sollte die erste Welle an Spielen also tendenziell enttäuschen und sich der Vertrauensvorschuss in Softwareschrott auflösen, könnten es neue Projekte sehr schwer haben, Käufer und Spender zu finden.

Ich habe Space Quest damals nur am Rande mitbekommen, jedoch nie gespielt, da ich mit anderen Adventures von Sierra und Lucasarts beschäftigt war. Das ist wohl auch der Hauptgrund, warum mich das neue Projekt ziemlich kalt lässt, auch wenn ich gestehen muss, dass die Präsentation recht gelungen ist. Wie sieht’s mit euch aus? Vertraut ihr den beiden Andromedanern eure Portokasse an?

Das ist technisch nicht mal gelogen.

Bei Old Man Baby handelt es sich nicht etwa um den Titel meiner Autobiografie, sondern um einen gelungenen Puzzle-Platformer, den ich euch empfehlen möchte.

Wie bei diesem Genre üblich, gilt es auch hier unbeschadet von A nach B zu gelangen, allerdings wird das Vorhaben etwas erschwert. Der Spielcharakter kann mittels Durchqueren eines Wasserfalls das Alter eines Babys, Erwachsenen oder Greises annehmen, was jeweils Vor- und Nachteile mit sich bringt. Der Senior verträgt zum Beispiel keine Sprünge in die Tiefe, das Baby kann gar nicht springen, ist aber leicht genug für Aufzüge. Und so weiter. Prima, ich vergebe vier von fünf Bandscheibenvorfällen.

Achtung: Das Spiel ist äußerst harntreibend. Ich übernehme keine Haftung für eingenässte Kleidung.

• Making-of | Reload | Donnerstag 20.15 Uhr in EinsPlus
  (Tags: video, tv)
• VIVA 1986
  (Tags: retro, advertising)
• My Three Hours With the Most Violent Videogame I’ve Ever Seen
• #sworcery
  (Tags: indie, design, blog)
• Stunt Car Racer Win32
  (Tags: retro, pc, freeware, remake, racing)
• Micro Sprint
  (Tags: pc, racing, demo)
• Carmageddon: Reincarnation by Stainless Games
  (Tags: racing, kickstarter)
• M!oment M!al – Messe(un)lust
  (Tags: offline, event)
• kollisionsabfrage | Ein offener Brief an Reload
  (Tags: tv)
• Box Life
  (Tags: unity, 3d, jump'n'run, puzzle)
• Puzzling: Double Fine Teases Ron Gilbert’s New Game
• Passengers
  (Tags: flash, puzzle, wtf)
• TwitStreet – Twitter Stock Market Game
  (Tags: twitter, strategy simulation)
• Score in Videogames
  (Tags: psychology)

Wir bei Superlevel lesen mit großem Vergnügen, in rauen Mengen und nicht bloß während der Ladevorgänge unserer Spiele. Da QUOTE.fm uns in letzter Zeit sehr bei der Suche nach lesenswerten Artikeln und Geschichten sowie bei der Diskussion über selbige zugute kam, haben wir uns dazu entschieden, besondere Empfehlungen zu bündeln und in einer neuen Artikelreihe namens “w00t zum Sonntag” zu präsentieren.

Diese Sammlung von Zitaten ist als wöchentliches Magazin zu verstehen, gefüllt mit lesenswerten Funden rund ums Thema Spiele, die der ein oder andere von euch anderenfalls womöglich übersehen hätte. Also bereitet Kaffee oder Tee, Plätzchen oder Mettbrötchen, Kaminfeuer oder Heizdecke vor, lehnt euch zurück und genießt unsere Lieblinge der letzten Zeit. Ein Klick aufs blau markierte Zitat führt zum jeweiligen Text. Viel Spaß!

Der erste (und ganz nebenbei einzige deutsche) Artikel, dem wir einen uneingeschränkten Lesebefehl anhängen, ist die interessante Auseinandersetzung von @Scheinprobleme mit der Frage, warum Frauen verhältnismäßig wenig Präsenz zeigen, wenn es um Spielethemen geht:

In einem erfrischend ehrlichen Profil zu Jonathan Blow, dem für Braid und The Witness verantwortlichen Indie-Rockstar, beleuchtet Taylor Clark dessen beeindruckende Persönlichkeit sowie die Attitüde gegenüber seines neu erlangten Ruhmes und Reichtums:

Nach beachtlichen Kontroversen um seinen Jon-Blow-Artikel erklärt Clark in diesem Folgeartikel außerdem, was genau die beiden Herren zum Gedanken führte, die meisten zeitgenössischen Spiele seien “dumm”:

Paolo Pedercini von Molleindustria beschäftigt sich mit den fragwürdigen Marketing-Strategien der Macher der Call of Duty-Reihe und den real existierenden Militäreinsetzen, auf denen die Black Ops-Spiele basieren:

Jeremy Antley seziert das Prinzip der Quick-Saves, listet deren zerstörerische Auswirkungen auf Spiele auf und liefert nebenbei interessante Ansätze zur Beziehung zwischen Spielern und Spieleentwicklern:

In einem Post-Mortem zu Andrei Tarkovskys Film Stalker und der gleichnamigen Spielumsetzung zeigt Gabriel Winslow-Yost vom New York Review of Books, was beide zu Meisterwerken macht, die unterschiedlicher nicht sein könnten:

Zu guter Letzt untersucht Keith Burgun (von Dinofarm Games) den Zufall, seine Bedeutung und Vorteile im Bezug auf Spiele:

Lesenswert, an dieser Stelle allerdings nicht direkt zitiert, ist außerdem ein spannender Schriftwechsel zwischen der Indie-Entwicklerin Mitu Khandaker und Emily Flynn-Jones, in dem die Geschlechterproblematik, inbesondere die “Männlichkeit” der Spieleszene, thematisiert wird.

Mit dieser Auswahl literarischer Fundstücke seid ihr hoffentlich fürs Erste gut versorgt, mehr Lesestoff folgt dann nächsten Sonntag in Teil zwei. Empfehlungen für besonders gute Texte sind bis dahin selbstverständlich herzlich willkommen, kontaktiert uns dazu bitte mittels Twitter oder Mail.

Sämtliche Artikel sind übrigens in hübsch aufbereiteter Version zum Nachlesen für eure elektronischen Lesegeräte verfügbar. (Kindle / Epub) – Viel Spaß beim Lesen!

Die gesamte Belegschaft des Internet-Online-Web-Magazins Superlevel ist besonders stolz, Ihnen heute das Spiel zum Muttertag vorstellen zu können. Bitte bewegen sie Ihren Mauszeiger auf das blaue “Diesen Beitrag weiterlesen”, um unsere Würdigung Ihrer Mutter in Erfahrung zu bringen. Wir danken Ihnen für Ihre Treue und Ihr Vertrauen in uns.

(Link zum Video)

Ein leises Servus an euch, Leserschaft von Superlevel,
und auch an dich, Ludum Dare #23!

Heute geht alles vorbei. Mit dem heutigen Tag beende ich meinen Testlauf der 1.402 Spiele, die du uns geschenkt hast. Unsere Zeit zusammen war nicht immer leicht. Der rapide Schlafmangel sowie die erhöhte Koffeinzufuhr, die du mir aufgedrängt hast, hinterließen starke Spuren – insbesondere unter den Augen. Aber dennoch war es auch schön, faszinierend, ermutigend. Für das alles und noch viel mehr möchte ich dir, liebes Ludum Dare #23, mit einem kleinen Abschiedsbrief danken.

[Der letzte Beitrag der Ludum Dare #23-Reportage. Ein Stilbruch.]

Zu Beginn erschienst du mir noch so unverfänglich und harmlos. 200 Spiele am Tag testen – na gut, komm schon, wie schwer kann das schon sein in Anbetracht der Tatsache, dass die Spiele ja nur innerhalb von 48 beziehungsweise 72 Stunden programmiert wurden? Läppisch, dachte ich jedenfalls.

Aber dem war nicht so. Wie ein kleiner, von einem Bakterium-Parasiten gelenkter Planet hast du Laserstrahlen und Raketen voll mit digitalem Kulturgut auf mich niederprasseln lassen. Nie hast du nachgelassen, auch noch weitere Teile meiner Galaxie einzunehmen. Von einem kleinen Planeten bist du für einige Zeit zu meinem Universum geworden.

(Tiny Conflict)

Es gab nichts mehr außer dir. Du warst eine neue Welt, die es zu entdecken galt. Sicher, das menschliche Bedürfnis des Essens musste noch ab und an gestillt werden, aber das war ja kein Problem. Viel schlimmer waren frustrierende Testläufe, in denen ich Dutzenden von hintereinander auftretenden Spielen nichts abgewinnen konnte. Es kam mir vor, als würde ich von kleinen Aliens angegriffen werden oder – schlimmer noch – von zeit- statt hirnfressenden Zombieastronauten. Aber weißt du, manchmal kam auch ein schimmernder Stein, schon fast einem Diamanten ähnlich, mir in den Weg. Die Motivation war wieder da. Denn ich wusste, dass ich das ja alles aus dem richtigen Grund tat: Aus der Liebe zum digitalen Spiel und aus der Liebe zur Computerspielkultur. Ich konnte dich nicht einfach so im Stich lassen; nicht wegen ein paar kleiner Hindernisse.

(ONLY US)

Dennoch hoffe ich, dass du nie dachtest, dass ich einfach von oben auf dich herabschaue und dich analysiere. Nein, ich wollte dich nicht wie eine unberechenbare Gottheit bewerten, immer wieder diese ‘objektiven Maßstäbe’ anlegen wie Grafik, Sound, Gameplay, Story oder sonst irgendetwas. Nein, das wollte ich wirklich nicht. Weißt du, alle deine TeilnehmerInnen hat nur eine Sache wirklich geeint, und das war nicht einmal das Thema. Es war das Engagement für dich. Überleg dir das mal: Bei 1.402 Spielen macht es bei der Multiplikation mit 48 Stunden schon knapp 67.300 Stunden, die für dich investiert wurden! Da kann ich wirklich nichts objektiv bewerten, sondern nur meine persönlichen Lieblinge hervorheben und möglichst vielen Menschen zugänglich machen.

(Tiny Religion)

Dabei war meine kleine Schatzkiste gar nicht ganz enthüllt: Ich habe kleine Geheimnisse wie BEEFWAR, Buggy, Tank and Missile Launcher!!!, Copulous, Cosmicro, Fracuum, Intersection, It’s a Tiny Life…, Miniature Worlds, NaMa Tek, Recluse, Rubiq’s Garden, SAVE YOUR FOLKS!, Singularity, Sirus the Virus, Soul Searchin’, The world of Marceline, Tiny Boss und Tiny Garden of Hope für mich behalten – nur aus Formgründen, weil ich dachte, ich könnte sie nie einarbeiten. Es gab einfach zu viel. Zu viel erschien mir identisch, zu viel ließ sich kaum beschreiben, zu viel war nicht einzuordnen. Ich versuchte mein Bestes, indem ich mir immer fünf bis sieben für mich interessante Spiele heraussuchte und sie innerhalb eines Oberthemas zu beschreiben versuchte. Alles ließ sich irgendwie einordnen. Ich wollte eben eine gewisse Struktur haben. Jetzt ist mir das nicht mehr möglich – irgendwann stoße auch ich an meine Grenzen.

(Bottlecolonies)

Deine enorme Vielfalt erschien mir heute ehrlich gesagt wie eine Plage. Eine gar apokalyptische Schreibblockade schwebte wie mein höchstpersönliches Damoklesschwert über meinem Schädel. Ich sah mir die besten Spiele aus dem letzten Testlauf von 202 Spielen noch einmal an und versuchte eine Verbindung herzustellen, aber irgendwie… Es wollte mir nicht gelingen. Doch die Bindung zu diesen Spielen war immer noch da. Ich wollte sie nicht einfach so unbemerkt fortgehen lassen.

(Crimson Booties)

Natürlich waren die Spiele nie die perfekten Beispiele. Kaum etwas würde einfach so im Handel vertrieben werden können; aber ist das unbedingt nötig? Eher nicht. Diese Leute haben alles aus reiner Leidenschaft produziert. Das ist wundervoll. Ein Hobby, an dem sie alle teilhaben lassen können. Du hast einen Stein ins Rollen gebracht, liebes Ludum Dare #23, da bin ich mir sicher. So vielen Menschen hast du neue Kontakte, Ideen und Freude geschenkt. Es mag sich vielleicht nicht heute, nicht morgen, nicht übermorgen auszahlen, aber der Dankbarkeit kannst du dir gewiss sein. So freue selbst ich mich als Reporter über dich, da ich nicht nur die Spiele und einige der ProgrammiererInnen, sondern auch das Superlevel-Team ein wenig kennenlernen durfte.

(ONLY US)

Liebes Ludum Dare #23, du warst eine Bereicherung für mich.
Danke, Sebastian.

http://www.youtube.com/watch?v=a93iHtQeG44

So, what are indie games then? After listening to the Cactus keynote at the Berlin A MAZE Indie Festival and watching the various complaints levelled against the EA Indie Bundle, there seem to be lots of reasons to talk about about the meaning of the “indie game” label. And it’s a good question, too. Not even game designers themselves seem to able to define the word whenever we, the press, ask them to. So, what then, are indie games? Games made by independent developers? Affordable, digital-only games? Art projects? 8-bit puzzle platformers? A bad word?

Most people, it seems, love to talk about what indies should be, not about what they are. I’d like to try and explain why Journey and Super Meat Boy can both fit the indie label while Zynga and EA cannot.

Indie is a label that is mainly being associated with four aspects: a developer’s business model, the games’ format, the games themselves and a wibbly-wobbly “indie ethos”. All of these influence whether a developer is perceived as indie or not. Depending on which aspects you see as most important to the idea of indie-ness, different indie models emerge.

The Business Model

Whenever we talk about anti-establishment, artsy and hip indies, we tend to limit ourselves to discussions about dry business models. But there’s a reason for that. Business models seem to be at the forefront of defining what indie games are.

There’s a huge range of people making games, from lone hobbyists coding games for friends to giant companies with hundreds of employees, that are funded by large publishers or may even be publishers themselves (hey Valve). Here’s a rule of thumb: The less developers resemble a “companies” or — God forbid — corporations, the more indie they seem. So, let’s recap: Team Meat are indie, Bioware are not. But the lines between indie and mainstream are so, so blurry. If you use the definition of indie as “game developers independent from publishers”, what do you make of Epic, the creators of shooters such as Gears of War. Epic is a giant independent studio. Yet, considering their size and dependency on traditional forms or distribution, they’re just not comparable to a hobby Flash-game developer. They just don’t fit the same label.

The Format

You download indie games, but mainstream games come in boxes. This is making things way too easy, but it’s part of the expectation towards indie games. They’re small products you get from download stores. They are free or relatively cheap. “Real” games are stuffed into boxes. Indie’s not full price, it’s not 60 dollars worth of game, it doesn’t come with a DVD box. If it does, it better be something very special. Just take a look at the gorgeous boxed copies of Limbo or Binding of Isaac by Head Up Games: They are collectibles. No wonder people get conspicious of games like Serious Sam 3. 40 dollars? Can that still be indie?

The Games

This is where things get exciting. Could indie even be a genre? I’m sure critics and creators would disagree. Yes, indie is a label, not the actual description of a game. It raises expectations, though. Indies are puzzle platformers, chiptunes and chunky pixels, simple game mechanics with complex outcomes. Shooters are not indie, particularly not when they belong to the greyish-brown variety of military manshoots. Indie games tend to have that special something, clearly distinguishing them from more mainstream offerings. There are some non-tangible aesthetics at play, that you can’t find in, say, Gears of War or Assassin’s Creed. The more an indie game resembles a more popular genre, the less it seems to feel indie. And the more it differs from popular indie aesthetics — think hardcore strategy games, Interactive Fiction or old-school RPGs — the less it is perceived as one of the cool indies.

The Ethos

Cactus is indie, Zynga not so much. Why’s that? To pass for an indie, developers need to display a certain attitude towards games and the games industry. They need a slight aversion against publishers and suits (well, or look really cool and casual in a suit). They can use the word “art” when talking about their games, but they’re not required to — as long as they are communicating that their game follows an uncompromised artistic vision. In order to be perceived as indie, developers need to show some disregard for money, unless they are bordering on homelessness. Each step away from this set of values makes it harder to be considered indie. Zynga are evil despite being independent and despite developing cute browser and smartphone games. They are evil, because they bluntly prioritize money over creative vision. If money comes first, neither the format nor the price can change that a developer is not seen as indie.

So, where does this leave us?

Indie is a complex term. It’s firmly connected to developers’ ideas of business, but it also has lots to do with our expectations towards the type of games and the type of people making them. Successful indie designers are shown as a mix between mad coder, artist and punk. This is a difficult role to play — and probably a reason why there are lots of young developers who don’t want to be part of “the scene” ( as much as there are those who do want to be part of it, I suppose). The unwritten rules of indie dictate how people are supposed to behave if they want to fit the label.

This approach to examine indie-ness illustrates why certain developers are indie while others are not. The wonderful thatgamecompany isn’t really independent, but thanks to Jenova Chen and Kellee Santiago’s support of artsy ideas in games as well as their games fitting format (inexpensive, short, digital-only titles), there’s not much protest when their Journey is labelled as indie. At the same time, the harsh critique the EA Indie Bundle got might be confusing to those who are not putting the indie ethos first when defining indie for themselves.

Does all this now make the indie label okay all of sudden? Nope. It remains a label that’s just as helpful as it is problematic. However, we should be aware of what exactly we mean when we say “indie game”. Ultimately, the indie label should help developers, not hinder them in their ideas and their approaches to game development.

In den vergangenen Monaten habe ich sehr wenig über Videospiele und den ganzen Indie-Kram an sich geschrieben. Alles wirkte irrelevant, monoton, viele Diskussionen und Produkte langweilten mich. Videospielen gerieten aus meinem Fokus, wurden von anderen Dingen verdrängt. Währenddessen entwickelte sich Superlevel rasant; Dom, Dennis und Marcus bereicherten das Online-Magazin enorm.

Ich überlegte aufzuhören.

Manchmal reicht jedoch ein kleines Ereignis, ein Bild, eine Melodie, ein Gefühl, um dich daran zu erinnern, warum du 2009 bei Superlevel überhaupt eingestiegen bist. Ein Screenshot von Souvenir löste eine solche Erinnerung bei mir aus.

Die Bäume, die verschlungenen Pfade, die surreale Architektur, die Farbstimmung, die einfachen Texturen sogen mich sofort in die abstrakte Spielwelt. Souvenir ist ein Fragment, eine Kurzgeschichte, in der von der gewöhnlichen Kindheit eines amerikanischen Mädchens erzählt wird.

Auf der kurzen Reise sammelt man kleine Gegenstände und Erinnerungen auf, bewegt sich von Ort zu Ort, die miteinander verknüpft sind, mit dem Elternhaus als Zentrum. Ich fühlte mich dabei in die Rolle des Beobachters versetzt, vor dessem Auge scheinbar verlassene Orten nur durch Wörter und simple Souvenirs zu neuem Leben erwachten.

Souvenir wirkt auf mich einzigartig, auch wenn es nüchtern betrachtet ein wildes Mashup aus “VVVVVV + Proteus + Dear Esther + a bit of Portal” ist.

Für das hervorragende Leveldesign, der eigentliche Star des Spiels, zeichnet sich Robert Yang verantwortlich, der mit Mohini Dutta und Ben Norskov Souvenir im Rahmen einer Thesis produzierte. Er ist unter anderem auch für den Radiator-Mod, basierend auf HL2, verantwortlich.

Manchmal jedoch wirft einen Souvenir einfach aus der Welt und lässt einen in die bodenlose Leere fallen. Kleine Fehler erschweren das Erkunden und ein klares Ende fehlt, wobei ich das nicht als Kritikpunkt ansehe, besonders da es sich noch um eine sehr frühe Version des Titels handelt.

Souvenir steht zum kostenlosen Download (50mb) für Mac und PC bereit. Es richtet sich an ein Publikum, das erlesene Kost wie Dear Esther oder Proteus zu schätzen weiß — und daran erinnert werden muss, wie großartig Indie-Games sein können.

• 25 Of The Most Memorable Video Game Box Covers
  (Tags: design, history)
• Hartverdrahtet – Infinite complexity in 4096 Bytes
  (Tags: design, video, demoscene)
• Ski Safari
  (Tags: sports, ios)
• 8BitMemory Mouse Pads
  (Tags: 8bit, shop)
• What Happened To Black Mesa: Source?
  (Tags: mod, interview)
• Pixel-fitting by Dustin Curtis
  (Tags: design, pixel)
• Quick-Saves: Player Control Over Narrative & Meaning
• Superlevel Indie Fresse on Bitlove
  (Tags: podcast, torrent)
• Minecraft-Server künftig möglicherweise im Abo
  (Tags: indie, minecraft)
• Nintendo Special!!! – 30,000 Dominoes
  (Tags: offline, video, diy, nintendo)

Heute Abend um 20:15 Uhr wird auf EinsPlus die erste Folge von Reload ausgestrahlt.

“Dass Videospiele in der Mitte der Gesellschaft angekommen sind, weiß jeder, der sich nicht jeder technischen Entwicklung konstant verweigert. „Reload“ geht den aktuellen Spiele-Trends auf den Grund und beleuchtet ihre Ursprünge. Dabei werden die Entwicklungen des Gamings von der Frühzeit bis heute analysiert.”

Klingt gut. Im Hintergrund der Sendung agieren u.a. Heiko Gogolin (ehemaliger Chefredakteur der GEE) und Uke Bosse (ehemaliger Nazi-Offizier).

Wer ungeduldig ist, den Sender nicht empfangen kann oder die halbstündige Sendung zu einem späteren Zeitpunkt konsumieren möchte, wird hier fündig. Oder nach dem Klick.

(Link zum Video)

Hallo Zielgruppe. In der Vergangenheit wurden wir des Öfteren gefragt, warum wir denn nicht den Klingelbeutel-Dienst Flattr ins Blog integrieren — schließlich wolle man uns mit Geld und Liebe überhäufen. So sei es, am Ende eines jeden Artikels findet ihr nun einen Flattr-Button. Jeder Autor verfügt, sofern er es denn wünscht, über einen eigenen Button, d.h. auf diese Weise getätigte Spenden kommen dem jeweils Verantwortlichen zugute. Eine Ausnahme bilden bereits veröffentlichte Artikel, die dem Superlevel-Account zugewiesen sind. Das ist etwas doof, liegt aber am hier verwendeten WordPress-Plugin. Vielleicht fällt uns diesbezüglich noch eine Lösung ein.

Ich persönlich betrachte Flattr tendenziell skeptisch. Nicht, weil mir die Idee nicht zusagt, sondern weil ich die Verbreitung als zu gering einstufe, um einen nennenswerten Geldfluss generieren zu können. Vielleicht liege ich da aber auch vollkommen falsch und der Einsatz von Flattr macht sich bezahlt. Das wäre natürlich ganz famos. Smiley.

Stellt euch vor, ihr wärt der Bionic Commando, mächtigster Abenteurer/Cyborg, der mit einem Greifhakenarm durch den Dschungel schwingt. Jetzt stellt euch vor, ein böser Wissenschaftler hätte euch beide Beine gebrochen, alle Waffen weggenommen, und euch in ein putziges Pixel-Etwas verwandelt, um bunte Laufvögel vor Lavaströmen zu retten. Das wäre dann Chain Champ.

Das kleine Pixel-Etwas muss zum Vogel, kann aber nicht laufen, sondern bewegt sich alleine mit dem Greifhaken fort. So katapultiert es sich von Vorsprung zu Vorsprung während man selbst versucht, die Greifhakenphysik auszuloten. Das Ganze klingt sehr nach einem Arcade-Plattformer, aber Todd Luke und Shelby haben hier ein Puzzlespiel erschaffen, bei dem jede Bewegung richtig geplant werden muss. Leider frustriert Chain Champ durch das Fehlen von Speicherpunkten im Level, aber alleine der wunderbar entspannte Soundtrack macht vieles wieder gut.

http://www.youtube.com/watch?v=gnjwiH2J-8g

Na holla die Waldfee aber auch, Leserschaft von Superlevel!

Das war vielleicht ein Tag (und eine Nacht). In keiner der bisherigen Testrunden habe ich so viele gute und vielseitige Spiele auf einmal erleben dürfen. Es fiel mir am Ende wahrlich schwer, meine größeren Lieblinge herauszupicken. Doch fünf digitale Prachtexemplare hatten diesmal einen interessanten Einbau des Zufalls in ihrer Spielmechanik, der heute näher beleuchtet werden soll. Dabei lässt der Zufall das Spiel nicht zwangsweise willkürlich werden, sondern konkretisiert oder gar konstituiert es erst. Spannend ist jedoch auch das Ausbleiben des Zufalls, was beispielsweise ein basaler Faktor für die meisten Kriegsshooter ist. Von Glücksspiel ist hier keine Rede mehr.

Konstanter Zufall als Freiheitsbeschränkung

(Tinysasters)

In der scheinbaren Aufbausimulation Tinysasters könnte alles so einfach sein. Auf einem 8×8-Spielfeld wird eine kleine Welt dargestellt mit Gras-, Wald-, Wasser-, Berg- und Wüstenflächen. Das Ziel ist es, einen Schrein der höchsten Stufe (Level 4) aufzubauen. Um die Ressourcen dafür zu erhalten, müssen diese auf sämtlichen Landschaftstypen – abgesehen von der Wüste – mithilfe von anderen Gebäuden abgebaut werden. Für den Aufbau eben dieser benötigt man wiederum aber auch Ressourcen, sodass man versuchen muss, mit einem Anfangskapital an Rohstoffen ein optimales, profitables System aufzubauen. Wie wild klickt man zu Beginn herum, um kleine Förstereianlagen, Minen und Ackerfelder anzulegen. Plötzlich geschieht jedoch das Unfassbare, was einem eigentlich schon die ganze Zeit angezeigt wurde: Eine Naturkatastrophe. So kann ein Erdbeben die Idylle trügen, indem es an einer zufälligen Stelle einen Berg entstehen lässt und dafür sämtliche Felder, die dafür zurückgedrängt werden müssen, in das Nichts katapultiert. Eine von vielen anderen Varianten ist die Dürre, die aus dem eben noch so saftigen Weideland eine trockene, unbebaubare Wüste macht. Wichtig ist dabei zu wissen, dass diese Naturereignisse mit vorgetakteten Zeitintervallen – je nach Schwierigkeitsgrad zwischen 15 und 40 Sekunden – geschehen, allerdings in zufällig generierter Reihenfolge: Mal zwei Erdbeben, mal eine Überflutung, dann nochmal zwei Erdbeben, eine Dürre gleich noch hinterher, und schwups, schon war die ganze vorherige Strategie für die Katz’. Das sich so frei anfühlende Aufbauspiel der ersten Minute wird mit einem Schlag zu einem Reaktionstest umgestaltet, jedenfalls im höchsten Schwierigkeitsgrad. Die durchschlagende Präsenz des Zufalls ermöglicht den SpielerInnen somit eine herausfordernde Anpassungsaufgabe.

(Serendipity with Cubes)

Ein wenig eleganter und subtiler geht das Puzzle-Spiel Serendipity with Cubes mit dem Zufall um. Ein 3D-Würfel kann hierbei aus allen Kameraperspektiven näher betrachtet werden. Jede Runde fangen zwei zufällig ausgewählte Stellen an zu pulsieren und markieren so den Anfangs- und Endpunkt eines von den SpielerInnen zu erstellenden Wegs. Dieser Weg von Punkt A nach B darf nur aus Steinen der gleicher Farbe bestehen, die zu diesem Zweck mit den anderen vertauscht werden können. Sobald die Verbindung zwischen beiden Punkten hergestellt ist, lösen sich die Steine von dem Hauptkubus ab. Gewinnen tun diejenigen, die es schaffen, alle Steine aufzubrauchen. Der Clou bei diesem Spielkonzept ist allerdings die an das Verlieren geknüpfte Bedingung: Steht eine Steingruppe nur noch für sich alleine, so sind die Elemente des Wegbaus nicht mehr miteinander gekoppelt und das Spiel beendet. Runde für Runde muss so jeder einzelne Zug genau überdacht werden. Nur durch die Implementierung eines dermaßen simplen Zufallsgenerators entsteht eine Einschränkung der Spielfreiheit, aber auch eine enorme Spannung. Fesselnde Runden sind garantiert.

Der Moment der Erleuchtung

(6 Degrees of Sabotage)

Interessant ist der Einsatz des Zufalls auch in 6 Degrees of Sabotage, einem Logik-Spiel, in dem es um die Rekonstruktion eines Kriminalfalls geht. Nach einem Bombenanschlag erhalten die SpielerInnen drei Informationen: 1.) Wer die ausführende Person war, 2.) Wer die auftragserteilende Person war, und 3.) Dass drei Personen ebenfalls involviert sind. Diese Fünfer-Gruppe ist jedoch bei jedem Spiel neu zusammengewürfelt: Mal ist der Schlachter, mal der Colonel, mal die Lehrerin die ausführende Person, oder auch der Seemann oder der Barkeeper. Die Rekonstruktion der zufallsgenerierten Personenkette wird dadurch spannend, dass nach dem Startbildschirm vier mehrdeutige Sequenzen gezeigt werden, in denen der/die TäterIn sich mit zwei anderen – möglicherweise komplett unsschuldigen – Personen auf dem Weg zur Arbeit befindet oder der/die AuftragsgeberIn beim Nachmittagsfilm im Kino neben drei verdächtigen Personen sitzt. Dieses Bildmaterial muss auf die Beziehungen untereinander von den SpielerInnen untersucht werden, denn im letzten Akt kommt es zum finalen Schlag. Man soll in der panisch umherrennenden Horde alle Kriminellen mit jeweils einer Kugel umbringen, natürlich möglichst ohne Unschuldige zu verletzen.

(Nanofactory)

Das Puzzle-Spiel Nanofactory hingegen unterliegt zwar keinem Zufallsgenerator, hat aber dennoch etwas dem Zufall sehr ähnliches an sich. So werden wohl sämtliche Adventure-SpielerInnen die Situation kennen, in dem ein Rätsel besonders absurder Art bei seiner Lösung zu einem befreienden Lachen führte (wie in The Secret of Monkey Island). Hier lacht man, da man mit reinem logischen Denkverstand nie weitergekommen wäre. Im hoffnungslos überfüllten Inventar versucht man Gegenstände zu irgendwelchen neuen Kombinationen zu formieren, ohne dass man überhaupt nachdenkt, welche Funktion das Endresultat haben könnte. Hier liegt die Zufälligkeit nicht im Spiel selbst, aber umso mehr im Akt des Spielens. Man kommt nicht weiter und versucht irgendwie mit allen Mitteln weiterzukommen und urplötzlich gelingt der Durchbruch, den man nicht erwartet hätte. Nutze Grog auf Metallschloss. Ja, klar. Die Irrationalität der Rätsel bietet eine schier enorme Anzahl an potenziellen Lösungsmöglichkeiten. Ähnlich gestaltet sich auch Nanofactorys Gameplay. Die Puzzleteile sind größere Schaltkreiselemente, die jedoch in sich ebenfalls nochmal in einzelne zu drehende Elemente aufgeteilt ist. Je komplexer die Rätsel werden, wird durch die Doppelebene der Rätsel – Form drehen und Formelemente drehen – das Rätsel bis ins Absurde hochgetrieben. Irgendwann reicht der reine logische Menschenverstand nicht mehr aus und man klickt nur noch minutenlang herum. Von einen Moment auf den anderen scheint sich jedoch die Lösung zu offenbaren, aus der zufälligen Drehung eines einzelnen Bauelements kann das ganze Lösungsmuster sichtbar werden. Ein wahrer Erleuchtungsmoment tritt ein.

No Country for Coincidence

(Real War)

Es scheint jedoch auch Genres zu geben, die keinerlei Zufall zulassen. Ein unglaublicher Moment für mich war das Spielen von Real War, einem Kriegsspiel. Als namenloser Soldat bahnt man sich seinen Weg durch das Schlachtfeld, spricht mit dem Befehlshaber, erschießt Feinde, sieht hilflos dabei zu, wie die eigenen Kameraden von Kanonenkugeln in ihre Einzelteile zerschossen werden und sieht einen ängstlichen jungen Soldaten hinter der Front kauern, der mit seinem ersten Feindesermordung zu kämpfen hat. Sämtliche Kriegsshooter, insbesondere die historischen wie die Weltkriegsshooter, sind höchstgradig linear verlaufend, da das Ende des Kriegs immer schon festgelegt wurde. Wie schon Christian Huberts im Sammelband „Welt|Kriegs|Shooter. Computerspiele als realistische Erinnerungsmedien?“ korrekt feststellte:

„Im Grunde genommen ist der Krieg [...] zu Ende, bevor er angefangen hat, […] wir fahren nur noch einmal in historischer Kulisse die spannendsten Szenen ab.“

Das stimmt. Real War kann uns mit seiner Ästhetik allerdings ein noch aufprägsameress Bild vom Krieg als zufallsloser Gewalt schaffen, wie es ein Call of Duty-Teil niemals vermögen würde.

(Real War)

Und sonst so?

Ansonsten gibt es übermorgen (!) den letzten Test-Beitrag und heute noch drei weitere Kurzempfehlungen. Viel Spaß!

Overpopulous: Ein ausgesprochen sauberer, Weltraums-Kolonialisierungs-Trip, der ungeheuer viel Spaß macht!
Moon Base: Mit der wachsenden Welt in den Händen entsteht hier ein Gravitationsfeld, das bei der Sprungmechanik einberechnet werden muss. Sehr schönes Spielprinzip.
Exposed: Ein Point’n'Click-Adventure der Extraklasse, bei dem der Zufall ebenfalls eine wichtige Rolle spielt. Stichwort: Absurde beeinflussbare Evolution.

Die einen lassen ihre Kunstwerke drucken, andere platzieren sie auf Leinwänden oder als .JPGs in mittelgut besuchten Blogs. Auf der My Famicase Exhibition 2012 in Tokyo wurde es Künstlern aus der ganzen Welt ermöglicht, ihre Bilder als Labels für Famicom/NES-Spiele auf Cartridge-Dummies zu präsentieren.

Nicht nur das Medium selbst ist ungewöhnlich: Jeder Beitrag wurde passend zur eigens erdachten Spielidee des Künstlers gestaltet. Meine fünf Favoriten gibt es (inklusive Kurzbeschreibungen der häufig japanischen und entsprechend verrückten Ideen) nach dem Klick, alle anderen der insgesamt 80 Labels in der Famicase-Galerie.

想いデーモン (Feelings Demon) von Pikosaru, in dem der Spieler die letzte lebensverändernde Entscheidung ändern kann. Schicksal, Glück, Zeitreisen und lauernde Dämonen.

PNPTPTTP von Karabako San, bei dem ich Google Translate das Wort überlasse: “Papas magisches Höschen ist verschwunden und Superdetektiv Kochizu benötigt deine Hilfe! Wenn du das Höschen nicht findest, bevor Papas Teekränzchen beginnt ist sein köstliches Brot ruiniert – das Höschen ist irgendwo im Teig!”… Äh, okay!

FLESH. von Shunsuke Hasegawa, ein Horror-Survival-Titel, der den Ausbruch eines gefährlichen Virus in einem Krankheitszentrum behandelt. Irgendwas mit Gehirnen, Zombies und verrottendem Fleisch, genau nach meinem Geschmack also.

ポコポコのザラザラのフワフワ (“Gritty of werid inside fluffy”) von KIMA, ein Spiel über hungrige Monster, Bäume, bunte Muster und eine Pistole zum Einfärben und/oder Erschießen und/oder Reproduzieren von Dingen. Oder so ähnlich.

めんでるのマメ農場 (“Mendel’s Pea Farm”) von Mitsuru Takahashi, ein auf Erbsen spezialisierter Farming-Simulator mit Unterstützung von Downloadable Content (hübsche Zäune, seltene Erbsensorten, …) über das Family Computer Network System und obligatorischer Gregor Mendel-Badge auf dem Label.

Alle 80 Labels sowie die Beiträge der letzten Jahre lassen sich in der Famicase-Galerie bestaunen. Ich schließe dann mal mein NES an und spiele nicht ganz so abgedrehte Spiele. Klempner, die gewaltsam Schildkröten zerquetschen oder so.

(via)

• The Gay Cat Adventure
  (Tags: flash, jump'n'run, wtf)
• Sega sagt Gamescom ab
  (Tags: sega, business, event)
• The Prestigious 2011 AGS Awards
  (Tags: adventure)
• Mojang: We’re boycotting E3
  (Tags: business)
• Frauen die Computer spielen…
• Presseschau: Für ein paar Blogger mehr | NEGATIV
• Silly Sausage
  (Tags: flash, arcade)
• Electronic-Arts-Quartalszahlen: 100 Millionen Verlust drohen
  (Tags: business)
• 10 Shocking Surprises And Secrets In Video Games
  (Tags: history)
• Stay Forever – Folge 11: Torment!
  (Tags: retro, podcast)

Existenzialistische Grüße sende ich euch, Leserschaft von Superlevel!

200 weitere Spiele sind durchstöbert worden und so bin ich nun also bei der großen runden Zahl, der Tausend, angelangt. Langsam ist das Ende dieses Projekts in Sicht. Zur Zeit investiere ich täglich rund 16 Stunden in die Prozeduren des Testens und Schreibens. Aber was passiert, wenn die Reportage vorbei ist? Es wird eine gewisse Leere folgen, ein kurzzeitiges Tief. Dadurch, dass ich auf einmal wieder viel mehr Zeit für andere Dinge haben werde, wird mir jede Stunde, jede Minute für ein paar Tage viel deutlicher bewusst sein. Die Leere und die Fülle – in diesem Fall die Leere der Arbeit für eine Herzenssache und die Fülle an dazugewonnener Zeit – stehen damit in einem dialektischen Verhältnis zueinander. Diese Beziehung wurde mir heute durch fünf Spiele nochmal bewusst. Dabei wird sich zum Ende zeigen: Leere muss nicht zwangsweise als etwas Negatives verstanden werden.

Die Präsenz des Nichts

(The Dream Sequencer)

Dass der Begriff aber negativ konnotiert ist, erscheint nachvollziehbar. Nur dann, wenn etwas oder jemand im Leben fehlt, kann eine tiefe Leere entstehen. Leere ist damit immer an ein Entbehren gekoppelt. Sie entsteht beispielsweise, wenn der/die beste FreundIn dauerhaft ins Ausland umzieht, wenn das Haustier, dass die eigene Kindheit begleitet hat, stirbt oder der Erfolg ausbleibt, auf den man monatelang hingearbeitet hat.

Das Point’n'Click-Adventure The Dream Sequencer jedoch behandelt diese Thematik wesentlich extremer. Leider ist das Spiel recht arm an herausfordernden Rätseln, entwickelt jedoch in seiner Narration eine gewisse Eigendynamik. Spannend wird die Geschichte eines vermeintlichen Astronauten erzählt, der seit seiner Geburt nichts anderes als den Weltraum kennt. Schon kurz nachdem man aus seiner Perspektive aufwacht, redet er davon, dass ihn eine Art Sehnsucht plagt. Zu gerne würde er einmal die Nacht und den Tag auf der Erde erleben. Als er sich dennoch dazu entschließt mit seiner täglichen Arbeitsroutine zu beginnen, gelangt er in ihm fremde Räume mit obskuren an die Wand geschriebenen Botschaften, sieht lebendige Schatten und erwacht plötzlich wieder in seinem Bett. Alles erscheint ihm wie ein Déjà-vu, doch die Szene wechselt dabei abrupt, er erwacht zwar in denselben Räumlichkeiten, erzählt aber nun von seiner Frau und seinem Leben als Farmer. Am Ende löst sich das Rätsel auf: Er ist kein Mensch, nicht einmal eine Kreatur oder ein Lebewesen. Er ist Teil der void, der Leere, er ist eine Manifestation der Leere – nicht die Manifestation, aber eine. Sein Meister erzählt ihm, dass er immer wieder zu träumen beginnt und diese Ideen für real hält, obwohl dies unmöglich sei, da er eben ein Nichts ist. Dieses Geschehen hat sich schon tausende Male wiederholt, immer wieder wird das Wesen von seiner Nicht-Existenz, seiner wortwörtlichen Leere geplagt. Ein zwar fachlich oberflächlicher, aber dennoch packender Dialog über existenzialistische Ansichten zwischen ihm und dem Meister entwickelt sich, der einen Blick wert ist.

(Obsolescence)

Von so einer metaphysischen Sicht der Leere wendet sich das Explorationsspiel Obsolescence ab. Hier geht es um die greifbarere Frage danach, was passiert, wenn der Erde sämtliche Rohstoffe ausgehen. So müssen die SpielerInnen den Mauscursor in einen Winkel des gedachten Orbits lenken, um dann eine Untersuchungssonde abzuschießen. Diese ermittelt, ob gefundene Planeten zur Kolonialisierung geeignet werden. Wenn ja, so wechselt das Level mit aufgefüllten Ressourcen auf die neue Heimat der Menschheit. Doch auch hier währt das neue Glück nicht ewig: Immer wieder werde sämtliche Bäume gefällt und Wolkenkratzer gebaut, während die Ressourcenzahl beständig absinkt. Der Nicht-Zustand ist dauerhaft präsent, die Distanz zu ihm reduziert sich mit jedem Augenblick. So sind die SpielerInnen ständig dazu gezwungen einen neuen Planeten zu finden. Ist dies nicht mehr möglich, so ist das Spiel vorbei. Hier wird das übliche Verständnis der Leere zur Spielmotivation angewendet. Sobald die Welt dauerhaft aller lebensnotwendiger Rohstoffe beraubt wird, wird sie zu einem bedeutungsleeren Himmelskörper. Damit wird durch Obsolescence eine moralische Botschaft geäußert: Es ist als ein Aufruf zu einem nachhaltigen Denken und Handeln lesbar. Der Mensch selbst kann die Leere des Planeten verhindern.

Die Leere als Handlungsantrieb

(Scape)

Damit wird die Leere plötzlich etwas Positivem, zu einem Anlass für Produktivität. Im kurzweiligen Puzzle-Spiel Scape geht es tatsächlich darum, nachwachsende Rohstoffe – in diesem Fall Bäume – zu produzieren. Die Leere muss um jeden Preis vermieden werden, jede einzelne Grünfläche muss am Ende bepflanzt sein. Das Problem besteht jedoch dabei, dass nach zwei Schritten die Bäume bereits vollkommen ausgewachsen sind und man sich so leicht selbst den Weg versperren kann. Jeder Tastendruck muss in den elf Levels gut bedacht sein. Zusätzlich baute der Programmierer intmain im Spielverlauf fließend weitere Rätselelemente ein. Ein Beispiel wären die ab dem sechsten Level auftretenden braunen, eigentlich unbrauchbaren Felder, die plötzlich zu Grünflächen werden, wenn sie einen ausgewachsenen Baum direkt neben sich haben. Aus einem leeren Fleck entsteht so eine blühende Landschaft. Das macht auch noch durch das so gut konzipierte Rätsel-Design dermaßen viel Spaß, dass man sich wünscht, dass intmain das Potenzial auch über das Ludum Dare #23 weiter ausbaut. Wie man die Leere als Gameplay-Konzept einarbeitet, das weiß er jedenfalls ganz sicher.
Das ist aber auch kein neues Konzept. Schon der 1972 veröffentlichte Videospielklassiker Pong arbeitete die Leere des Raums in das Spiel selbst hinein. Pongs Spielaufbau besteht grundsätzlich nur aus einem schwarzen Hintergrund, zwei von den SpielerInnen lenkbaren Strichen sowie einem als Ball fungierenden Pixelfigur. Das eigentlich so omnipräsente Schwarz ist dabei allerdings eine starre, nicht-dominante Farbfläche. Alles ist schmucklos, wodurch der Fokus der SpielerInnen einzig und allein auf die Bewegungen der weißen Pixel ausgerichtet ist. Die hintergründige Leere baut also die Konzentration auf das eigentliche Spiel mit auf. Die Ludum Dare #23-Pong-Variante MacroPong bestätigt diese Aussage. Trotz des aberwitzig gigantischen Hintergrunds und den auf ein Minimum heruntergebrochenen Abschlagflächen konzentriert man sich – sogar noch verstärkter – auf das Spiel selbst. Durch das Auslassen sämtlicher dekorativer, unnötiger Elemente wird der Kern des Ludischen im digitalen Spiel wieder sichtbar; dabei ist es egal, wie monströse Ausmaße diese Leere dabei haben mag, Hauptsache ist, dass sie existiert.

(MacroPong)

„I’m So Meta, Even This Acronym“

Der als Spiel getarnte Meta-Kommentar Wander nutzt diese Erkenntnis als Wirkstrategie. Indem durch das Titelbild eine „immersive interactive experience“ versprochen wird, werden hohe Erwartungen an das Produkt geschürt. Doch das Programm schüttet auf einmal Fehlermeldungen aus, dass gewisse Features nicht vorhanden sein würden, da die Hardware der SpielerInnen diesen hohen Aufwand nicht leisten kann. Das Spiel zeigt nur noch eine verpixelte Mini-Map des Versprochenen an. Ein Schloss, ein Wald, eine riesige Stadt, ein Meer sowie ein durch das Land gezogener Fluss lassen sich erkennen: Es hätte ja so schön sein können, wenn die Hardware nur besser wäre. Aber ist wirklich nur an Technik unser Erleben des Spielens gekoppelt? Was unterscheidet denn meine SpielerInnen-Generation, die mit Super Nintendo und der PlayStation One aufgewachsen ist, großartig von den älteren Commodore64-Veteranen oder der jüngeren Anhängerschaft der Xbox360, der PlayStation 3 und des Nintendo 3DS? Die technischen und grafischen Faktoren haben sich immer verändert, das stimmt in jedem Fall, aber: Die Grundvoraussetzung dafür, dass jemand spielen kann, war immer dieselbe. Immer haben wir nur eine einzige Fähigkeit dazu gebraucht um zu spielen, egal ob mit Lego, Puppen, Stofftieren oder eben mit den digitalen Vertretern. Welche Fähigkeit das ist, verrät der Programmierer Dramble mit seinem kleinen Kunstwerk mit einem brillanten wie eleganten Satz:

(Wander)

Und sonst so?

Ansonsten gibt es morgen wieder den nächsten Beitrag und heute noch zwei weitere Kurzempfehlungen. Viel Spaß!

Finding Yourself: Neben der Ich-Suche eines charmanten Wesens auch noch ein sehr, sehr, sehr (!) herausforderndes Puzzle-Spiel.
Tinyville Confidential: Was wäre, wenn das populäre Social Network-Spiel Ville sich um eine realistischere Abbildung von zwischenmenschlichen Beziehungen kümmern würde?

Fast 11 Jahre ist es nun her, dass mit Lord of Destruction der letzte Teil der Diablo-Reihe auf den Markt kam. Jetzt steht der Release von Diablo III kurz bevor, die allgemeine Vorfreude könnte nicht größer sein und ich… Ich habe keinen blassen Schimmer mehr, was in der dämonenverseuchten Welt eigentlich genau los ist.

Um das Gedächtnis älterer Spieler aufzufrischen und Neulingen eine Einführung in die Materie zu liefern, haben Blizzard in Zusammenarbeit mit dem Animationsstudio Titmouse und Regisseur Peter Chung (bekannt durch Æon Flux und Animatrix) einen animierten Kurzfilm namens Wrath produziert.

Der knapp sieben Minuten lange Film reißt aus Sicht von Deckard Cain die Thematik von D3 an und erklärt, was die verschiedenen Erzengel unterscheidet, in welchem Verhältnis sie zueinander stehen und was sie von Bösewichten wie Diablo halten – dieser könnte im Spiel nämlich möglicherweise eine Rolle spielen.

Den Film gibt’s nach dem Klick, hier ein kleines Behind the Scenes. Also schnell beides ansehen, bevor Diablo III sämtliche Zeitpläne sprengt. Man sieht sich in Tristram!

http://www.youtube.com/watch?v=uEWrQ-XVa3g

(Link zum Video)

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Ich heiße euch willkommen, Leserschaft von Superlevel!

Seit Freitag spiele und schreibe ich nun gut zwei Drittel der Zeit. 800 Spiele fanden bereits ihren Weg auf meinen Monitor, auf den ich mal gelangweilt, mal gebannt starrte. Heute feiere ich das Bergfest dieser Reportage: Über die Hälfte der Spiele sind getestet. Die erste Hälfte habe ich hinter mir, eine andere wartet noch. Ein Anfang, ein Ende – zwei Teile.

Das Wort “Teil” finde ich ebenfalls faszinierend. Er ist für mich undefinierbar. Was ist das schon: Ein Teil. Ist ein Teil nur ein einzelnes Fragment eines großen Systems? Lässt es sich einfach so von seinem Kontext abkoppeln, kann es für sich alleine stehen? Es heißt, dass das Ganze mehr als nur die Summe seiner Teile sei. Aber was bedeutet es dann, Teil von etwas zu sein, teilzunehmen, teilzuhaben? Sechs Spiele aus dem letzten Testdurchlauf treffen ihre eigenen Aussagen dazu. Eins davon ist mir darüber hinaus behilflich die Antwort auf eine ganz persönliche Frage zu finden: Was tue ich hier überhaupt?

Zur Essenz des Genres

(A Super Mario Summary)

Der legendäre Nintendo-Klempner Super Mario ist nicht nur innerhalb des Dunstkreises der Hardcore-VideospielerInnen einen Begriff, sondern im Laufe der Jahrzehnte zu einer Pop-Ikone mutiert. Für viele stellen die Spiele rund um den dicklichen Pilznascher so etwas wie die Quintessenz des Jump’n'Run- und Plattformer-Genres dar: Rennen, auf Plattformen springen, ab und ein auf einen Gegner hüpfen, Punkte einsammeln, möglichst unbeschadet zu einem Endpunkt kommen, und schon ist die ganze Sache gegessen. A Super Mario Summary scheint diese Vermutung zu bestätigen. In leicht veränderter Indie-Ästhetik wird uns eine auf das level- wie spieltechnische Minimum reduzierte Kopie von Super Mario Bros. präsentiert. Einerseits ist das mittlerweile über zweieinhalb Jahrzehnte alte Spiel hier komplett wiedererkennbar, aber auch das Plattformer-Genre an sich. Befreit von sämtlichen Schnörkeleien wie dem Unbesiegbarkeitsstern oder dem Instant-Wachstumsschub durch den Pilzverzehr, wird das Spielerlebnis selbst nur durch das Rennen, Springen, Überwinden von Hindernissen und das erfolgreiche Ankommen an einem Endpunkt erzeugt. All diese zusätzlichen Features mögen zwar das Erlebnis des Spiels positiv oder negativ beeinflussen, aber sind noch längst nicht dessen Kern. Sie wirken wie überflüssige Teile, die abgestreift werden müssen, um zur Essenz des Genres, aber auch des digitalen Spiels, an sich zu gelangen.

Dabei muss man allerdings präzisieren, was das erfolgreiche Ankommen genau meint. Zu verlockend erscheint die Annahme, dass die Spielfigur möglichst nicht sterben darf – sie muss am Leben erhalten werden, ein lebendiger Teil bleiben. Der Plattformer Crysthurl aber bescheinigt das Gegenteil: Der Tod des digitalen Stellvertreters wird zu einem grundlegenden Faktor der gesamten Spielmechanik. Hierbei spielt man ein winziges, dafür übermäßig starkes Wesen, das einen Block über den Kopf trägt und diesen an für die Lösung des Raumrätsels wichtige Stelle werfen kann. Doch ein Block alleine ist dafür nicht genug. Der Mini-Charakter muss in die Klippe in den sicheren Tod springen, damit er sich mitsamt einem weiteren neuen Block reproduzieren kann. Repetitiv steuern die SpielerInnen das kleine Wesen so, dass es wirft und stirbt, wirft und stirbt, wirft und stirbt – ein ewiger Kreislauf, bis man an das Ende gelangt. Crysthurl zeigt damit auf, dass abzählbare Leben oder Energiepunkte kein Grundbestandteil des Plattformers an und für sich sind. Das Herunterbrechen auf diese elementaren Teile, auf die Essenz, wird so für die SpielerInnen selbst erfahrbar gemacht.

(Crysthurl)

Im Einklang mit der Umgebung

Doch gibt es so eine Essenz auch für das digitale Spiel an und für sich? Der Computerspieltheoretiker Jesper Juul schrieb dazu (in einem sehr empfehlenswerten Sammelband), dass es auf jeden Fall ein regelgebundenes System sei. Die SpielerInnen begeben sich damit in ein Regelsystem, das sie annehmen müssen. Sobald man spielt, partizipiert man an diesem System, um ein Teil dessen zu werden. Auch die Steuerung selbst ist insofern ein Regelsystem, als dass man seine eigene Figur in manchen Spielen nur nach links oder rechts laufen, aber nicht springen, fliegen oder durch den Boden graben lassen kann. Es wird den SpielerInnen einfach eine äußere Umgebung präsentiert, die festgelegt ist und nicht mehr geändert werden kann. In Boxed in wird diese Struktur aber insofern aufgebrochen, als dass man nicht eine einzelne Figur bewegt, sondern auch die Umgebung mitsteuern muss. Indem man die das Level (und damit auch die kleine Pixelfigur am Rande) enthaltene Box auch nach links, rechts, oben und unten schütteln kann, verändert man die physikalischen Gesetze darin. So werden die SpielerInnen gezwungen, gleich zwei Steuerungsebenen zu bedienen.

(Inside My Radio)

Das Spiel Inside My Radio hingegen setzt auf die bewährte Schiene einer nicht-steuerbaren Raumphysik, bindet aber alle Bewegungen der Spielfigur (von nach links und rechts gehen abgesehen) zusätzlich an einen weiteren, selten dazu verwendeten Faktor: Den Hintergrundsongs. Die SpielerInnen können den kleinen, grünen Kopfhörerklumpen nur auf Flächen springen oder blitzschnell zu einer Seite rasen lassen, wenn sie die Tasteneingaben genau an die Beats anpassen. Was zum Anfang nur holprig gelingen wollte, wird schnell zu einer reinen Gewohnheit. Im wortwörtlichen Sinne begibt man sich so in einen Einklang mit der Umgebung. Das scheinbar obskure Regelsystem wird für eine kurze Zeit zu einem natürlichen Teil der SpielerInnen.

Ich

(Memento XII)

Doch das Anpassen an Strukturen sämtlicher Art ist ein potenziell flüchtiger Moment, der nach langer Zeit vergessen werden kann. Was macht die Persönlichkeit eines Menschen und seine Identität also aus? Welche Teile gehören zum Menschsein? Das fantastische Adventure Memento XII greift genau diese Frage auf. Hier erwacht ein Greis in seiner Gefängniszelle bereits zum 4380. Mal. Seit zwölf Jahren besteht sein Leben aus einer reinen Routine. Auf einmal wird er auf drei zerrissene Teile einer Fotografie aufmerksam, die eine Frau namens Lydia zeigt. Die Spielumgebung wandelt sich plötzlich in einen hellen, warm leuchtenden Wohnraum um, in dem sich weitere Erinnerungsstücke an die Vergangenheit des Protagonisten finden lassen. Erinnerungen erweisen sich dabei nicht nur als die narrative Grundlage von Memento XII, um dem Charakter eine gewisse Vorgeschichte aufzubauen, sondern zeigen ihre eigene Relevanz in Bezug auf den Aufbau einer menschlichen Identität. Ohne das Wissen um die Vergangenheit kann niemand erkennen, wer er ist und was er warum tut. Das hier nicht weiter erläuterte Ende von Memento XII reicht den SpielerInnen diese Erkenntnis auf eine sehr harte, tragisch wunderbare Weise weiter.

(Flyspeck)

Projiziert man diese Frage nach dem eigenen Ich auf sich selbst zurück, so muss man sich also fragen, was man getan hat; aber auch warum. Diese Frage stelle ich mir auch selbst bei dieser Reportage. Ich bin auf ein kurzes Adventure namens Flyspeck gestoßen, in dem als Nebencharakter eine kleine Katze namens Kitteh auftritt. Kitteh stellt tiefgründige, existenzielle Fragen, eben auch die, die schon im Bild ersichtlich wird: „„Are there fixed and accepted standards for judging artistic experiences or is art is best left to relative assesment?“ Ich musste bei diesem Satz schmunzeln. Diese Reportage kann tatsächlich von außen so ähnlich wirken, nämlich wie die Bewertung von digitalen Spielen als künstlerische Endprodukte.

Aber dem ist nicht so. Was ich hier mache, ist nicht etwa die Suche nach akzeptierten, objektiven Standards. Alles ist höchstgradig subjektiv. Ich versuche die besonders wichtigen Erfahrungen, die ich mit einigen wenigen Spielen mache, in einen Beitrag zu bündeln und euch, der Leserschaft, zukommen zu lassen. Es ist das Reichen einer Hand zu dem viel weitergehenden Potenzial dieses vergleichsweise jungen Mediums. Es sind Berichte über die Lebendigkeit, die darin schlummert. Digitale Spiele sind nicht nur einfache Unterhaltungsprodukte. Digitale Spiele können uns emotional und körperlich an sie koppeln, Wissen über die Struktur von Systemen und Ereignissen vermitteln, unser Bewusstsein erweitern. Man darf nicht zulassen, dass sie objektiven Bewertungskriterien wie fünf Sternchen für Grafik, Sound und Gameplay unterliegen; diese einzeln für sich bewertbaren Teile bilden eben noch nicht das Ganze. Diese Reportage ist mein persönlicher Versuch das zu verdeutlichen. Ein Teil von mir, meinem Ich.

Und sonst so?

Ansonsten gibt es morgen wieder den nächsten Beitrag und heute noch vier weitere Kurzempfehlungen. Viel Spaß!

Und sonst so?

Ansonsten gibt es morgen wieder den nächsten Beitrag und heute noch fünf weitere Kurzempfehlungen. Viel Spaß!

Tondie and Zupe: Ein Tower Defense-Jump’n'Punch-Spiel, in dem von den Türmen hin zur Sprungfähigkeit bis einschließlich der Weltgröße absolut alles upgradbar ist.
Tiny Wor ds: Wer schon immer mal hunderte Tweets als Plattformen hochspringen wollte, ist hier bestens bedient.
Naos: Für die tägliche Dosis Surrealismus; kann Kopfschmerzen verursachen.
microrail: Ausgezeichnetes Puzzle-Design mit Bahngleisen in einem Mikroorganismus.
Atomsmash: Verdient einfach schon allein deshalb einen Ehrenplatz, da hier ein Commodore64 Disk Image programmiert wurde. Nostalgie!