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Homenagem ao Camaleão do Cinema

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Fri, 11 Mar 2011 07:43:23 PST

Se adaptar a diferentes ambientes não é para qualquer um. Poucos são aqueles que se sentem à vontade em áreas distintas e conseguem se sair bem fora de seus espaços de confiança.

Um dos maiores astros do cinema nos últimos anos, Johnny Depp atingiu sua alta popularidade por trabalhos consistentes em tipos distintos de produções, como aventura (a saga Piratas do Caribe), comédia (Ed Wood), suspense (A Janela Secreta), fantasia (Alice no País das Maravilhas), romance (Don Juan DeMarco) e terror (Do Inferno). O ator é a alma por trás do personagem título da animação Rango, que chega hoje ao Brasil.

Assim como David Bowie é chamado de 'O Camaleão do Rock', Depp é o detentor do título quando o assunto é a sétima arte. O desenho animado soa como uma homenagem a seu legado nas telas, principalmente pelo fato de que o protagonista é um camaleão.

Apesar de poder se camuflar e ter habilidade de adaptação a muito locais, Rango tem a dura missão de decifrar o quem ele é. A busca pelo autoconhecimento faz com deixe a cidade grande e chegue ao pequeno vilarejo de Dirty, que muito lembra as cidades típicas do velho-oeste norte-americano. Uma enorme confusão coloca o simpático e atrapalhado animal como xerife local.

É comum que grandes nomes do cinema emprestem suas vozes para personagens animados. A recente geração de filmes agora consegue captar os gestos e pequenos detalhes faciais dos atores para utilizar as informações no momento de criar as figuras a serem exibidas nas telas. Apesar da aparência estranha de Rango, não há como negar que o novo caubói trata-se de Johnny Depp – apesar da voz ligeiramente mais fina em certos momentos.

Os trejeitos característicos e até mesmo o estilo excêntrico são os mesmos. Em uma de suas entrevistas, o ator afirmou que o estilo adotado foi o de captura emocional e que a produção foi uma oportunidade para que um bando de adultos pudesse fazer papel de bobo.

O trabalho de dublagem brasileira é de grande qualidade, mas a versão nacional faz com que o público não se sinta em meio a figuras como Alfred Molina, Bill Nighy, Isla Fisher e Abigail Breslin, também dubladores da versão original. Todos são comandados pelo diretor Gore Verbinski, o mesmo dos três Piratas do Caribe e que estreia em animações. A aventura é boa e Rango deve se camuflar ao gosto do público.

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Filmes se Expandem Para os Quadrinhos

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Mon, 28 Feb 2011 06:58:41 PST

O caminho mais ‘natural’ do entretenimento mostra diversas histórias em quadrinhos servirem como base para que outras centenas de produções cinematográficas apareçam. A popularidade das duas linguagens é enorme e sua união é comum. A surpresa atual é que contos nascidos nas telas estão se expandindo para as páginas das HQs.

A saga Star Wars foi uma das precursores desse caminho dos filmes para as HQs. Os filmes em questão abrangem todos os estilos possíveis e não só ficção científica. O mais recente a ganhar versão desenhada é O Besouro Verde, do diretor francês Michel Gondry. Após ganhar um prelúdio, as ações do playboy Britt Reid e seu ajudante Kato agora seguem em sua própria publicação. A obra não foi lançada no Brasil e ainda não há previsão de chegar em nossas bancas.

Outra aventura que ganhou uma revista especial é Tron – O Legado, de Joseph Kosinski. O longa é continuação de Tron – Uma Odisséia Eletrônica (1982) e os acontecimentos dos mais de 20 anos que passam entre os dois títulos é apresentado em Tron – The Betrayal, também não lançado por aqui.

Algumas produções que estiveram presentes ontem na festa do Oscar também não ficam de fora da tendência. O western Bravura Indômita, dos irmãos Joel e Ethan Coen, mudou de universo quando a produtora do filme resolveu inovar a propaganda de seu lançamento no Reino Unido. A HQ True Grit – Mean Business tem como protagonista o xerife Marshall ‘Rooster’ Cogburn (vivido nas telas por Jeff Bridges) e mostra seu encontro com a pequena Mattie Ross em um tribunal. Seu diferencial é que ela somente existe no meio virtual, podendo ser baixada gratuitamente no site ComiXology.

Quem também aproveita a internet para se envolver com os quadrinhos é o inventivo A Origem, de Christopher Nolan. Inception – The Cobol Job se passa antes de toda a movimentação de Dom Cobb (papel de Leonardo DiCaprio) e sua equipe em implantar uma ideia na cabeça de um homem. Ele pode ser baixado neste link.

Uma das poucas adaptações a chegarem oficialmente no Brasil é Crepúsculo – Graphic Novel Volume 1 (Intrínseca, R$ 29,90, 224 páginas). Ao contrário do títulos já citados, o livro busca versão mais fiel ao conto romântico escrito pela norte-americana Stephenie Meyer. A artista coreana Young Kim aproveita o estilo do manhwa – como é conhecido o quadrinho feito em sua terra natal (não confundí-lo com o popular mangá japonês) para transformar a história de Bella e do vampiro Edward em belas ilustrações.

Esse tipo de movimentação mostra que Hollywood continua a ser uma grande indústria do entretenimento em geral.

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Deborah Secco é o Escorpião

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Fri, 25 Feb 2011 09:29:09 PST

O filme Bruna Surfistinha chega hoje aos cinemas de todo o Brasil. A adaptação cinematográfica da trajetória da mais famosa garota de programa do País mistura assuntos como cobiça, ganância e drogas e torna-se uma espécie de conto de fadas do submundo do sexo fácil. Mas o longa-metragem não acrescenta nada a outras histórias já contadas .

A personagem explodiu entre 2005 e 2006, tempo em que seu blog se tornou conhecido na internet e o livro O Doce Veneno do Escorpião atingiu grande vendagem. Agora nas telas, a figura da menina que deixou a casa dos pais, passou por um pequeno privê e chegou até um luxuoso flat, onde recebia seus clientes, promete ser tão popular que é possível afirmar que Deborah Secco passará também a ser conhecida pelo nome de Bruna Surfistinha.

A presença da bela atriz no papel título é responsável – apesar de ela não desejar isso – por grande parcela dos holofotes voltados para a produção. Deborah não é exigida ao ponto de ter de desempenhar interpretação densa e marcante. Não que não possa chegar a tal ponto, mas sua personagem não pede esforço além da medida.

Em conversa com a imprensa, a atriz afirmou que o papel poderia apresentar um lado seu que poucos conhecem. O tiro sai pela culatra, já que suas cenas de nudez não param de chamar a atenção do público, principalmente o masculino.

Ela é comandada por Marcus Baldini. Conhecido por seu trabalho na publicidade, o diretor faz sua estreia em longa-metragem. Ele não decepciona à frente do aguardado projeto, mas parece que a bagagem profissional ainda lhe influencia muito na nova empreitada.

O pecado de Bruna Surfistinha está em apostar que uma personagem fraca é capaz de sustentar uma grande produção. Não importa sobre quem fosse o filme, a história apresentada não é tão diferente de tantas outras já contadas.

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A Vida e as Ideias da Cultura Beatnik

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Mon, 21 Feb 2011 07:46:50 PST

O fim da década de 1950 e o início dos anos 1960 foram marco da rebeldia dos jovens que queriam mudar tudo à sua volta após o impacto das ações da Segunda Guerra Mundial. Nos Estados Unidos, a chamada cultura beatnik acabou por mexer com os padrões da literatura convencional por surgir de uma geração que não se conformava com o que lhes era imposto. A história do movimento e de seus grandes articuladores pode ser vista em Os Beats (Benvirá, R$ 39,90, 208 páginas).

A graphic novel utiliza a linguagem dos quadrinhos para apresentar fatos importantes da vida dos principais artistas envolvidos.

Os escritores buscavam quebrar certas regras estabelecidas pelos autores do passado e tinham como referência para seus textos a rotina boêmia e o hedonismo a qualquer custo. Figuras como Allen Ginsberg, responsável pelo poema Uivo e a obra Kaddish e Outros Poemas; Willian S. Burroughs, dos livros Junkie e Almoço Nu; e Jack Kerouac, autor do icônico On The Road, surgem como líderes da nova cultura.

A segunda metade traz relatos mais breves sobre os beats menos conhecidos. Além de contar detalhes da criação dos conhecidos textos do universo underground, a HQ chama atenção por escancarar suas vidas pessoais. Problemas financeiros, o uso de drogas e bebidas, a liberdade sexual dos envolvidos e acidentes que resultaram na morte de pessoas próximas - sendo que algumas situações foram protagonizadas pelos próprios escritores recheiam as páginas da publicação.

Os Beats é um projeto encabeçado pelo polêmico quadrinista Harvey Pekar (1939-2010), também influenciado pelas ações dos beatniks. Em um de seus últimos projetos, ele assina a maioria dos roteiros dos diversos contos.

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Boyle e Franco Exaltam Superação

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Fri, 18 Feb 2011 10:55:03 PST

O drama pessoal de pequenos personagens chama a atenção do público. Os grandes feitos de desconhecidos mostram o quanto o ser humano pode superar seus limites e atingir o patamar de herói. O diretor Danny Boyle utiliza uma história real em seu novo filme 127 Horas, que estreia hoje nos cinemas brasileiros. O longa-metragem serve como mais um conto capaz de mostrar que vale a pena brigar pela vida, além de apresentar um interessante processo de edição.

O roteiro tem como base um acidente vivido pelo alpinista norte-americano Aron Ralston em 2003. Quando escalava montanhas e cânions em Utah, atividade que estava acostumado a fazer apesar de não ser um profissional, o rapaz acaba escorregando e caindo em uma grande fenda. A queda faz com que seu braço direito fique preso em uma pedra. As 127 horas do título do filme remetem ao tempo em que o protagonista precisa lidar com sua situação limite.

Algumas pessoas já devem ter ouvido falar do que se passou com Ralston, mas poucos chegaram a imaginar seu sofrimento e angústia. O público acompanha os acontecimentos ao observar a performance de James Franco (indicado ao Oscar de melhor ator pelo trabalho) no papel do alpinista amador. A questão é que o rapaz demonstra ter carisma o bastante para não deixar a obra maçante, sendo que durante quase todo o tempo ele está sozinho diante das câmeras.

A exemplo dos jovens de sua geração, Ralston é antenado nas novas tecnologias e aproveita o momento para gravar e fotografar seu tempo e suas ações. Danny Boyle aproveita essa característica de seu protagonista para elaborar inteligentes cortes e diferenciados enquadramentos. Algumas da boas sacadas ficam por conta da câmera que mostra o que ocorre dentro da filmadora do alpinista e os cortes de cena feitos a partir das fotos tiradas.

A maneira ágil como o inteligente cineasta administra o filme o torna bem mais dinâmico do que se espera da saga de uma pessoa presa em uma pedra. Muito desse estilo pode ser visto em seus outros filmes, casos do oscarizado Quem Quer Ser Um Milionário? (2008) e até mesmo o criticado A Praia (2000).

A identificação com algumas questões enfrentadas pelo personagem principal realmente acontece. O desespero de Ralston faz com que comece a relembrar fatos importantes de sua vida. Quando pensa em sua trajetória, as alegrias sempre são acompanhadas de um sentimento de que tudo pode ser perdido a qualquer momento. Passam pela sua cabeça o tormento de não poder se despedir dos pais, a tristeza de não estar mais com a garota que ama e deixou escapar, entre outros pensamentos.

É angustiante, e também engraçado, observar que seus lamentos são feitos ao lado de rochas e no meio do nada, literalmente. Apesar de tudo, o controle do alpinista é prova de que o sedentarismo do ser humano pode ser seu principal inimigo em situação de vida ou morte.

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Livro traz Segunda Guerra Intimista

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Thu, 17 Feb 2011 06:51:09 PST

A Segunda Guerra Mundial serve como bom cenário para histórias de ação. Mas além dos combates na linha de fogo, o drama de seus personagens conta com ingredientes que nos fazem lembrar que é capaz de haver humanidade em meio a barbárie. Uma das figuras presentes nos campos de batalha é apresentada por meio de A Guerra de Alan – As Memórias do Soldado Alan Ingram Cope (Zarabatana Books, R$ 49, 336 páginas). A graphic novel se distancia de outras publicações ao deixar de lado os acontecimentos veiculados aos momentos de conflito campal para trazer à tona lembranças pessoais de um jovem soldado convocado.

Tudo começa com a notícia de que Pearl Harbor havia sido bombardeada pelos japoneses. A ação fez com que milhares de rapazes fossem chamados para ajudar seu país. O leitor acompanha o norte-americano Alan Cope desde seu alistamento, passando pelo duro treinamento nas bases militares e chegando até seu encontro com os inimigos dos Países do Eixo. O projeto se estende o bastante para mostrar também a retomada de sua vida no difícil período pós-guerra na América e na Europa.
A incrível jornada do protagonista é repleta de relatos abertos e, em certos momentos, sem importância. Mas são nessas análises desnecessárias que está o brilho da obra. Os problemas de higiene das tropas, as broncas sem sentido dos militares superiores, as fugas na madrugada para pegar comida, algumas complicações devido a bebidas e a amizade feita com os companheiros de batalhão são alguns dos temas tratados nas centenas de páginas.
Os comentários extremamente intimistas cercam o livro de personalidade e de empatia capaz de satisfazer curiosidades que muitas pessoas devem ter e que nunca pararam para tentar descobrir a resposta. As emocionantes memórias do ex-militar ganham força com as fotos das páginas finais.

A HQ não teria o mesmo significado sem a bela amizade entre o verdadeiro Alan Cope (sim, ele realmente existiu) e o francês Emmanuel Guilbert, autor da obra.

"A Guerra de Alan é o resultado do encontro de um homem idoso, que tinha o dom de contar histórias de vida, e um jovem, que espontaneamente se sentiu compelido a escrevê-la e desenhá-la. (...) É um livro sobre um único homem, Alan Cope, e sobre o que ele viu, viveu, sentiu e estava desejando compartilhar comigo, 50 anos depois", explica Guilbert.

O rápido convívio de apenas cinco anos entre os dois foi o bastante para o vasto arsenal de pequenos contos. As conversas (em francês) tidas desde 1994, ano no qual se conheceram, se transformaram nos capítulos publicados em uma revista francesa. Cope morreu em agosto de 2009 e não conseguiu ver a primeira edição original do livro. Com certeza deixou este mundo com a sensação de dever cumprido.

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Zumbis e Seu Retorno ao Estrelato

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Mon, 14 Feb 2011 11:35:59 PST

O universo sobrenatural sempre chamou a atenção do homem. Coisas que não estão sob seu controle causam, ao mesmo tempo, curiosidade e medo. A morte é a única certeza da vidas e por isso a tratamos sempre com respeito e temor. Nada mais natural do que se criar um monstro que consiga fazer com que o fim de nossa trajetória corra atrás das pessoas. De tempos em tempos, os zumbis ressurgem de seus túmulos para tomar conta das diferentes vertentes da cultura pop e voltar ao estrelato.

Caso você conheça pouco sobre essas estranhas criaturas sedentas por carne humana, grande parte das respostas está nas páginas de Zumbis – O Livro dos Mortos (Editora LeYa, R$ 44,90, 464 páginas). A publicação não é um manual de sobrevivência contra esses inimigos, mas conta com vasto material informativo que promete agradar em cheio cinéfilos que acompanham a inusitada carreira cinematográfica dos mortos-vivos.

"Escrevi o livro porque queria lê-lo. Sempre fui fã de filmes de zumbis e um dia me perguntei o que existia neles que me fascinava tanto", explica o jornalista Jamie Russel, autor do projeto.

Adotando estilo dos recentes almanaques, o livro mostra como a lenda sobre a criatura surgiu, os primeiros longas-metragens para o cinema na década de 1930, a popularização dos filmes pelo diretor George A. Romero e a recente fase de projetos para o cinema e televisão. Também há uma filmografia zumbi com títulos lançados no Brasil, como Cemitério Maldito (1989), a trilogia Uma Noite Alucinante (1982, 1987 e 1992), Extermínio (2002) (abaixo) e Terra dos Mortos (2005), e outros que não chegaram oficialmente por aqui.

É interessante analisar que o ponto inicial para a disseminação das histórias de zumbis foi o livro A Ilha da Magia, de 1929, no qual o escritor William Seabrook relata acontecimentos que vivenciou na então misteriosa ilha do Haiti. O conto influenciou o memorável filme Zumbi Branco (1932) (abaixo) e outras milhares de produções para as telonas.

Apesar de sua popularidade, os monstros sempre figuraram na sombra de outras criaturas pouco mais respeitadas, como vampiros e lobisomens. Seus filmes sem altos investimentos ficaram marcados com a estigma de 'filmes B'. Segundo Jamie Russel, "os zumbis são uma espécie de operários do cinema de horror. Há milhões deles. Os vampiros são mais como os aristocratas. Não tenho certeza se nós precisamos levá-los mais a sério".

O autor de Zumbis – O Livro dos Mortos levanta um importante ponto: os mortos-vivos são figuras modernas, originárias do século 20. Personagens importantes como Drácula e Frankenstein, por exemplo, possuem herança literária que lhes dão certo prestígio em comparação aos 'concorrentes'. "Quando estava escrevendo o livro, todos diziam: 'Quem se importa com filmes de zumbis?'. Ninguém mais diz isso. Os zumbis retornaram dos mortos!", afirma Russel.

A figura degradante dos zumbis causa repulsa, mas é notório que também nos deixa inquietos. Não à toa, é possível encontrar atrações com os macabros personagens em todos os meios. Eles estão rivalizando hoje com o popular universo vampirístico.

"É verdade que os vampiros predominam no mercado, tanto na literatura como no cinema, mas isso ficou tão saturado que abriu as portas para lobisomens, anjos e mortos-vivos", analisa Ademir Pascale, autor do livro Zumbis – Quem Disse Que Eles Estão Mortos?.

Um ponto à favor de sua manutenção na cultura pop de tempos em tempos é que eles têm a capacidade de se adaptar a diversos momentos históricos. Eles já representaram a sociedade norte-americana abalada pela grave crise financeira de 1929 e o consumo insaciável resultado pelo sistema capitalista.

O mais recente sucesso do meio surgiu com o seriado The Walking Dead. A atração televisiva tem como base para a adaptação a história em quadrinhos Os Mortos-Vivos, que voltou às bancas no Brasil graças ao sucesso da série. A literatura também foi influenciada e um ótimo exemplo é Orgulho e Preconceito e Zumbis, que traz versão trash do romance Orgulho e Preconceito, de Jane Austen.

Pascale acredita que a onda fez com que materiais de qualidade referentes ao universo dos zumbis cheguem até o público. "Os brasileiros lidam com maturidade com o tema e já existe uma grande gama de fãs sobre o assunto", diz o escritor, lembrando também as ações da Zombie Walk, na qual milhares de pessoas se fantasiam de mortos-vivos no Dia de Finados e seguem pelas ruas. O evento tem ocorrido nos últimos anos em São Paulo e em 2011 não será diferente.

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Na Busca Pelo Oscar 2011

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Sat, 29 Jan 2011 09:08:05 PST

A corrida pelo ouro começou em Hollywood. A Academia de Artes e Ciências Cinematográficas anunciou na manhã de ontem os indicados para o Oscar deste ano. Sem surpresas e em tom formal, os nomes e títulos foram divulgados e as apostas para saber quem será o vencedor borbulham em todo o mundo.

O respeito por produções britânicas foi mantido com as atenções voltadas para O Discurso do Rei. Com previsão de estreia no País em 11 de fevereiro, o longa concorre a 12 prêmios, entre eles o de melhor filme e o de melhor ator para o favorito Colin Firth.

Seu principal concorrente na briga pelo título de melhor produção de 2010 é o interessante A Rede Social - também conhecido como ‘o filme do Facebook''. A lista também traz Cisne Negro, Bravura Indômita, 127 Horas, Inverno da Alma, O Vencedor, A Origem, Minhas Mães e Meu Pai e a ótima animação Toy Story 3. Como conjunto da obra, é possível que a trajetória da popular rede da internet vença.

O instigante trabalho como ex-boxeador viciado em crack em O Vencedor parece não deixar espaço para que concorrentes tirem de Christian Bale o Oscar de ator coadjuvante.

Na disputa de melhor atriz, a elogiada Natalie Portman, de Cisne Negro, sofre pressão da atuação de Annette Bening em Minhas Mães e Meu Pai, mas são baixas as chances de haver surpresa.

Ambas do elenco de O Vencedor, Amy Adams e Melissa Leo surgem como bons nomes para melhor atriz coadjuvante, tendo a última atuação superior no filme.

A Rede Social também desponta como grande nome para dar a David Fincher seu primeiro Oscar de melhor diretor. A perspicácia em extrair de um fenômeno cibernético história recheada de intrigas e conflitos humanos tem sido bem vista pelos integrantes do júri que participam também da votação de outras respeitadas premiações.

O Brasil será representado por Lixo Extraordinário, produção feita em parceria com o Reino Unido e que mostra trabalho social feito pelo artista plástico Vik Muniz. O projeto está entre os cinco finalista de melhor documentário em longa-metragem.

A lista completa com todos os indicados pode ser vista no site oficial do evento.

No dia 27 de fevereiro, quem ganhar o Oscar verá sua vida mudar. E é o sonho de todos sofrer esse tipo de mudança em suas carreiras.

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Amor Ainda é Uma Droga Perigosa

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Fri, 28 Jan 2011 11:47:36 PST

O nome pode até sugerir algo mais ousado e pesado, mas Amor e Outras Drogas segue a mesma linha leve de outras produções do gênero. A comédia romântica, que estreia hoje no Brasil, diverte ao misturar o competitivo ramo farmacêutico com o drama pessoal da personagem principal.

Muito do sucesso do filme se deve ao charme do elenco. Jake Gyllenhaal e Anne Hathaway são símbolos de uma nova geração talentosa e com ‘molde’ que agrada homens e mulheres. A química entre os dois é perceptível desde cenas em que dividem a cama até quando discutem sobre os rumos do inesperado relacionamento.

O diretor Edward Zwick (O Último Samurai e Diamante de Sangue) mostra que ainda guarda a sensibilidade dos tempos de Lendas da Paixão (1994) em sua nova obra sobre o amor. Sem grandes problemas, o cineasta consegue administrar o encontro de Jamie com Maggie no meio da década de 1990.

Aos 26 anos, a garota lida com o primeiro estágio do mal de Parkinson. A doença faz com que se importe apenas com o presente e não veja possibilidade de sua vida ter espaço para um duradouro relacionamento.

Jamie pouco se importa com o estado de Maggie e os dois iniciam quentes encontros. Em paralelo, o rapaz começa a se dar bem com a venda de um revolucionário medicamento que chega ao mercado e promete acabar com a impotência masculina.

Amor e Outras Drogas tem chamado a atenção por cenas nas quais os atores aparecem seminus, mas a liberdade juvenil do casal é ponto bem administrado pelo diretor. O objetivo é demonstrar que o amor é livre – e sempre acompanhado de pitadas de rock e drogas (no caso, caixas de remédios).

Ao contrário do que se possa imaginar, a redenção apresentada na tela não é a do garanhão que encontra o amor verdadeiro. O foco se vira para o drama médico vivido por Maggie, em outra atuação convincente de Hathaway. A repulsa por um portador de Parkinson se mostra mais forte de dentro da própria personagem. Ao não se permitir viver, ela cria barreira para que os outros não se aproximem demais. Seu novo companheiro lhe serve como chave para um novo mundo repleto de possibilidades e, é claro, amor.

Tudo parece meio grudento e dramático demais. O tom não é esse. O título traz questões mais profundas, mas não sem ter o melodrama de outros filmes.

O amor é assim: simples e complicado ao mesmo tempo. E o longa segue a cartilha.

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Homenagem ao Legado de The Spirit

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Thu, 27 Jan 2011 11:17:15 PST

A história dos quadrinhos se mistura com a carreira de Will Eisner (1917-2005). O venerado quadrinista norte-americano foi o responsável por criar conceitos, definir parâmetros e por inspirar gerações e gerações de garotos a crescerem e ter como objetivo o trabalho com as HQs – e se tornar o mais próximo possível do mito.

Muito da veneração de todos pele obra de Eisner se deve a criação do personagem Spirit. O ícone dos quadrinhos é homenageado com diversas releituras de qualidade em The Spirit – As Novas Aventuras (Devir Livraria, 128 páginas, R$ 41 – edição com capa de brochura – e R$ 53 – versão com capa dura).

O livro reedita histórias lançadas originalmente em 1998. Apesar da presença do herói, a criatura mais famosa de Eisner acaba ‘emprestada’ para outros respeitados nomes do gênero. Alan Moore, Dave Gibbons, Neil Gaiman, David Lloyd, Moebius e Kurt Busiek, entre outros, revelam suas versões para o protetor de Central City.

As 11 aventuras apresentadas mostram diferentes visões sobre Denny Colt e seu alter ego. Não ficam de fora dos contos figuras como o Comissário Dolan, sua filha Ellen e o vilão Dr. Eugene Cobra, além do cemitério de Wildwood. Os artistas só não podiam matar ou casar o personagem. Cada um presta sua homenagem ao ídolo sem ousadas mudanças – provavelmentre devido ao medo que enfrentaram de ter de apresentar o trabalho a Eisner, conhecido por não gostar muito que sua criação seja tomada por outras mãos.

“O desejo entre muitos artistas e roteiristas de ‘brincar na caixa de areia do Spirit’ foi algo que minou sua (Eisner) resistência. Em 1997, ele decidiu que não tinha nenhum problema deixá-los brincar”, conta Denis Kitchen, responsável pela coletânea especial. “Ele especificamente desencorajou os artistas a tentarem imitar seu estilo, e encorajou os criadores a manterem seu próprio olhar gráfico, porém idiossincrático.”

É interessante observar como uma mesma ideia pode gerar diferentes possibilidades. Enquanto Alan Moore busca ressaltar a origem do herói mascarado e vislumbra o futuro de sua cidade, Neil Gaiman aposta no olhar de um personagem secundário sobre as ações do protagonista. Outro destaque fica por conta da versão bem-humorada e um pouco mais idosa de Spirit pelo roteirista Jim Vance.

A diversidade de traços também chama atenção. Alguns quadros feitos por Dave Gibbons lembram muito a arte da graphic novel Watchmen e caem muito bem com o universo criado na década de 1940. Ilustrações com tom mais moderno e arredondados caracterizam o trabalho de Brent Anderson em O Samovar de Shooshnipoor.

A presença de Eisner na publicação está em seus desenhos chamados de pinups, espécie de quadros do herói. A fascinação por Spirit continua após 70 anos e sua importância será reconhecida para sempre.

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São Paulo na Visão de Um Peixe

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Mon, 24 Jan 2011 12:20:16 PST

A vida em São Paulo não é feita apenas de diversão e felicidade. As ruas da cidade são frias o bastante para que seus moradores sejam muito ranzinzas e rudes. É por essa visão da realidade que segue Peixe Peludo (Conrad, R$ 24,90, 96 páginas), obra que faz da escassez de sensibilidade a porta de entrada na cena underground paulistana.

O livro já chama a atenção por seu protagonista: um peixe corcunda e repleto de pelos que gosta de tocar trompete. Seu jeito sério e a falta de paciência faz com que elabore interessantes observações sobre o que ocorre ao seu redor.

O sarcasmo é espalhado por diversos temas. O mundo artístico, a culinária urbana, a influência dos meios de comunicação, e - não poderia ser deixado de lado - os rumos dos relacionamentos são comentados como bêbados conversando em uma mesa de bar.

As referências a lugares de São Paulo são ingredientes diferenciais na obra. O personagem passeia pela Praça Roosevelt, passa a frente do Espaço dos Satyros 1 e do Teatro do Ator, anda sob viadutos e chega até a icônica Rua Augusta após passar mal com um lanche do famoso ‘churrasco grego''.

Peixe Peludo é uma criação de Rodrigo Bueno, responsável pelas ilustrações em preto e branco, e Rafael Moralez, que assina o roteiro. Com o livro, a dupla faz sua estreia em histórias em quadrinhos.

A opção por um peixe como o anti-herói do livro mostra o quão sujo pode ser o morador da Capital paulista. Mas não que isso seja uma coisa necessariamente ruim, mas representa que o conto de fadas na metrópole pode não ocorrer para todos. Os autores afirmam que a obra foi inspirada nas piores ressacas.

Às vezes, a embriaguez relata mais a verdade do que se imagina.

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Encontro de Jolie e Depp Decepciona

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Fri, 21 Jan 2011 05:52:26 PST

A união dos atores mais populares da década faz de um filme um campeão de marketing. Somente a presença dos atores no set de filmagem é capaz de gerar diversos comentários e notícias que circulam pelos meios de comunicação e atrelam o acontecido ao nome da produção. Esse parece ser o principal erro em torno de O Turista, que estreia hoje nos cinemas brasileiros.

O longa-metragem tem como principal trunfo o poderoso elenco encabeçado por Angelina Jolie e Johnny Depp. Os atores se tornaram grandes ícones de Hollywood a partir de grandes sucessos de suas carreiras desde os anos 2000 e do grande apreço dos críticos e do público por seus trabalhos.

O sonho de juntá-los em um mesmo título caiu nas mãos do diretor Florian Henckel von Donnersmarck, que parece ter ficado refém da fama de suas estrelas e esqueceu-se de ter como base um interessante roteiro.

O filme mostra Elise (Jolie) sendo acompanhada de perto por agentes da Interpol que investigam seu relacionamento com o procurado ladrão Alexander. Durante viagem para Veneza, ela conhece o professor de matemática Frank (Depp). Ele acaba sendo confundido com o antigo companheiro de Elise e ambos entram em trama envolvendo perseguições, a polícia e um perigoso vilão.

Nada muito criativo do que outras histórias já apresentadas nas telas. Pouco bastava para que O Turista fosse um sucesso, mas o esforço demonstrado na tela não o ajuda em nada. Os passos dados por Elise e Frank não conseguem prender o espectador na cadeira – mesmo a duração não chegando a duas horas, o que deveria ter dado maior ritmo aos acontecimentos.

Um dos destaques é a paisagem de Veneza. A bela cidade italiana cai muito bem em enredos protagonizados por espiões e bandidos procurados. O insinuante cenário tem todas as características que fazem o elenco mostrar o motivo de ser tão queridos pelo público.

O charme presente em Veneza se mistura ao de Jolie e Depp e comprova que chamam a atenção por onde quer que passem. Ao encher os olhos de quem assiste a obra, o diretor tenta recuperar fôlego que não existe em sua produção.

Atualmente marcado por dar vida ao engraçado Capitão Jack Sparrow, da cinessérie Piratas do Caribe, Depp faz atuação contida demais. Sua estonteante companheira de trabalho reprisa ‘carões’ que não caem bem com a personagem em questão. Em resumo: ambos os astros não se esforçam para fazer do longa um filme melhor.

Mesmo não tendo sido bem recebido pela crítica norte-americana, O Turista tem figurado na lista de algumas importantes premiações do gênero. A impressão que fica é de que pouco importa o motivo do título estar entre os concorrentes, desde que a dupla principal possa ser vista desfilando no tapete vermelho.

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Gaiman e Sua Obra-Prima Juvenil

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Thu, 20 Jan 2011 09:18:44 PST

Neil Gaiman é conhecido do grande público por seus trabalhos cheios de referências fantásticas e com histórias extremamentes criativas. Apesar da maioria de suas obras serem voltadas ao público adulto, um de seus contos mais populares é destinado aos leitores juvenis. Após ser levado aos cinemas em animação stop-motion em 2009, Coraline (Editora Rocco, R$ 48, 188 páginas) ganha versão em graphic novel que mantem o clima de fantasia e terror do livro original.

O universo das histórias em quadrinhos sempre pareceu um terreno seguro para uma adaptação do conto do escritor inglês. Muitas ideias de Gaiman parecem fáceis de serem imaginadas ganhando as mais instigantes ilustrações. Momentos como a casa que começa a se desmanchar e quando os ratos que se reúnem para personificar um homem são exemplos dessa bem-sucedida tradução.

Caso você ainda não conheça Coraline, ela se muda com a família para um antigo casarão que, de tão grande, também conta com outros moradores excêntricos que não conseguem acertar a pronúncia do seu nome. O espírito aventureiro da garotinha a leva até uma misteriosa porta que não leva a lugar algum. Durante uma tarde chuvosa e entediante, Coraline decide abrí-la e descobre que se trata de uma espécie de portal para uma realidade estranha comandada por seus 'outros' pais.

A adaptação para a HQ fica a cargo do quadrinista P. Craig Rusel, parceiro antigo do autor e com ilustrações em obras como Mistérios Divinos e a série Sandman. Os desenhos conseguem misturar realidade e fantasia para distinguir os dois mundos. Enquanto tons pastéis caracterizam o universo real, o sombrio e o colorido dividem espaço nos quadros que retratam a vida além da porta misteriosa.

O ótimo trabalho de Rusel lhe rendeu o Prêmio Eisner - o maior da categoria - de melhor publicação para o público adolescente na edição do ano passado. Ao elaborar um pequeno conto para sua filha Holly, Neil Gaiman descobriu que as possibilidades das histórias infantis também são infinitas.

O escritor consegue passar a mensagem de que é preciso ter cuidado com o que se deseja de maneira intrigante e que consegue agradar crianças e adultos. Destaque para pequenas tiradas sutis e alguns aspectos cruéis apresentados na trama. Não à toa Coraline chegou às telas de cinema e, agora, às páginas dos quadrinhos.

Sem grandes pretensões, Gaiman criou uma das mais populares histórias juvenis contemporâneas.

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Cinema e moda se encontram no CCBB

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Tue, 18 Jan 2011 11:22:50 PST

O cinema sempre chamou a atenção por apresentar - e lançar - nos filmes as mais diversas tendências da moda. A possibilidade de histórias se passarem em épocas antigas, no presente ou em qualquer ano do futuro, faz da sétima arte fonte inesgotável para o universo fashion ser discutido.

A união entre as obras cinematográficas e o mundo das passarelas é apresentada na mostra especial Cinema de Moda, que abre hoje (18/01) no Centro Cultural Banco do Brasil (Rua Álvares Penteado, 112. Tel.: 3113-3651), em São Paulo. As atividades seguem até o dia 30 e a entrada é franca, sendo necessária a retirada dos ingressos com uma hora de antecedência na bilheteria do local.

A eclética programação conta com 30 produções de diferentes épocas e estilos. Clássicos se misturam a obras contemporâneas e filmes populares dividem espaço com cults. Não falta a presença de grandes ícones que fizeram de seus figurinos algumas das roupas mais famosas de todos os tempos, casos de Audrey Hepburn, Jane Fonda, James Dean, Diane Keaton e Nicole Kidman.

A programação da mostra abre hoje a tarde, a partir das 15h30, com exibição de Bonequinha de Luxo (1961), do diretor Blake Edwards. Na cidade de Nova York, a garota de programa Holly (Hepburn) tem o sonho de casar-se com um milionário mesmo que tenha de renegar o amor pelo escritor Paul. O filme foi responsável por fazer do vestido preto usado pela protagonista um dos mais desejados pelas mulheres.

Outra sessão de estreia de Cinema de Moda é o filme The Rocky Horror Picture Show (1975), às 17h30. Com direção de Jim Sharman, o título mistura bizarras situações com personagens não menos estranhos para mostrar as desventuras de um casal que visita bizarro castelo atrás de auxílio para o carro quebrado. O figurino mostrado em cena é referência para muitas fantasias utilizadas nas comemorações do Dia das Bruxas nos Estados Unidos.

O dia é encerrado com Across The Universe (2007), de Julie Taymor, às 19h30. O musical apresenta um retrato dos jovens da década de 1960 tendo como trilha sonora composições dos Beatles. História de amor entre Jude e Lucy é contada ao mesmo tempo em que ações anti-guerra que movimentam a sociedade acabam por separar o casal. O espírito libertário e o vestuário colorido da cultura hippie já renderam diversos filmes e a obra segue na mesma trilha.

Títulos como Juventude Transviada (1955), Barbarella (1968), Noivo Neurótico, Noiva Nervosa (1977), Moulin Rouge - Amor em Vermelho (2001), O Clã das Adagas Voadoras (2004) e Maria Antonieta (2006) completam a programação.

Além dos filmes, a mostra conta com palestras e mesas-redondas gratuitas que abordarão assuntos veiculados ao mundo da moda. Assim como nas sessões cinematográficas, os interessados devem retirar senha uma hora antes do início das atividades que desejarem participar. Uma das atrações mais esperadas é a apresentação do produtor cultural Fernando Zelman e do respeitado pesquisador João Braga no dia 25 (feriado em comemoração ao aniversário da Capital paulista), a partir das 16h30, onde irão falar sobre o tema A História da Moda na Cidade de São Paulo.

Há muito mais sobre a moda do que os chiques desfiles com belas modelos. Sua cultura vai muito além disso e encontra no cinema um de seus grandes aliados.

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Disney Quer o Oscar de Melhor Filme

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Mon, 17 Jan 2011 17:07:09 PST

O anúncio dos indicados aos prêmios do Oscar deste ano ocorre no dia 25, mas as produtoras já começaram a se movimentar para ver seus títulos na lista da Academia de Cinema de Hollywood. Uma das principais campanhas que têm chamado a atenção do público - e, quem sabe, dos integrantes do júri - envolve Toy Story 3.

Apesar da animação ser voltada em grande parte para as crianças, muito se fala sobre sua indicação a estatueta de melhor filme. Caso isso ocorra, terá chances para brigar com reais forças pelo envelope com seu nome.

Lançado em junho, o longa-metragem do diretor Lee Unkrich encerra a saga iniciada em 1995 com o primeiro filme envolvendo a parceria Disney/Pixar. Muitos anos se passaram desde o filme original e o jovem Andy se prepara para ir para a faculdade. Sem tempo para divertidas aventuras com caubói Woody, o astronauta Buzz Lightyear e companhia, os brinquedos acreditam que viverão nova vida na creche Sunnyside. Mas o local apropriado para as brincadeiras com as crianças não é tão perfeito quanto parece.

Toy Story 3 vai além de apenas mais uma obra Disney. Cheio de nostalgia e carregado com fortes doses de sentimentalismo, a animação encerra um ciclo pelo qual uma geração inteira acompanhou o que ocorria no quarto de Andy enquanto ele não estava por perto. O estúdio parece entender esse significado e o transformou em uma das melhores produções cinematográficas do ano.

A opinião é a mesma de outros respeitados críticos internacionais e de importantes figuras do cinema, caso de Quentin Tarantino.

A campanha de marketing da Disney envolve diversos cartazes divulgados nas páginas das principais publicações de entretenimento dos Estados Unidos. A ideia é remeter algumas cenas do longa a outros grandes títulos que venceram o Oscar de melhor filme em edições anteriores.

Sindicato de Ladrões (1954), O Silêncio dos Inocentes (1991), Titanic (1997), Shakespeare Apaixonado (1998), O Senhor dos Anéis - O Retorno do Rei (2003) e Quem Quer Ser Um Milionário? (2008) são citados nos trabalhos publicitários em meio a situações vividas pelos personagens. Os nomes aparecem sempre depois de "Não desde...".

A possibilidade do desenho animado figurar entre os indicados é grande, principalmente pelo fato de que, desde o ano passado, o número de selecionados para a categoria passou a ser de dez filmes. Na edição de 2009, a Disney/Pixar esteve presente na briga pela estatueta mais cobiçada do evento com UP - Altas Aventuras, dos diretores Pete Docter e Bob Peterson. A primeira vez que uma animação figurou na lista de melhor filme foi na edição de 1992, com A Bela e A Fera (1991).

Os desenhos animados ainda sofrem preconceito e, mesmo com alguns apresentando temáticas emocionais típicas do universo adulto, ainda são vistos apenas como voltados para o público infantil.

A Academia de Cinema de Hollywood precisa deixar de lado esse tipo de observação e levar em conta a arte por trás dos filmes. As engraçadas campanhas servem apenas para divertir.

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Disney Retorna às Adaptações Literárias

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Fri, 07 Jan 2011 10:45:14 PST

Nos últimos anos, os estúdios Disney têm se voltado para aventuras criativas envolvendo grupos de brinquedos, peixes em alto-mar, uma família de super-heróis, carros circulando pelos Estados Unidos, robôs sentimentais e uma garçonete que sonha em abrir o próprio restaurante. A tradição de trazer às telas famosas princesas dos contos de fadas foi deixada de lado por um momento.

A magia do mundo do faz de conta é retomada em grande estilo com Enrolados, que chega hoje aos cinemas brasileiros. O filme traz com competência para as mais avançadas técnicas da animação uma das célebres personagens infantis do livros: Rapunzel.

A expectativa do público fã dos desenhos animados da Casa do Mickey é grande, assim como as da própria empresa. A Disney não poupou esforços para mostrar que ainda sabe adaptar fábulas literárias e especula-se que o orçamento do longa ultrapasse a cifra de US$ 200 milhões.

O filme dos diretores Nathan Greno e Byron Howard é caracterizado por ser o 50º longa-metragem de animação dos estúdios. De maneira a misturar a tradição com as novidades tecnológicas do século 21, a dupla dá vida a angelical protagonista por meio da computação gráfica e utiliza a tecnologia 3D na produção.

Apesar de todas as atenções estarem voltadas para Rapunzel, uma preocupação era com que Enrolados não ficasse ligado somente ao público feminino. O título original com o nome da princesa foi trocado para que os meninos também pudessem se sentir mais próximos da aventura. Atrair os garotos fica por conta do carisma do ladrão Flynn Ryder, que ajuda Rapunzel a deixar a torre na qual está presa para conhecer o mundo.

A mudança da abordagem certamente será um obstáculo para que ela figure em lembranças ao lado de ícones da ‘realeza infantil’ da casa como a Bela Adormecida, Cinderela e Jasmine.

Destaque também para o cavalo Maximus e o pequeno camaleão Pascal, responsáveis pelas principais tiradas cômicas da trama. Os momentos em que os quatro personagens se reúnem ditam o ritmo divertido com piadas que lembram o estilo pastelão.

A busca em unir o tradicional com o contemporâneo mostrado em Enrolados parece ser o caminho que a Disney quer adotar a partir de agora, com um sistema chamado de O Melhor Dos Dois Mundos. O passado e o futuro se encontram no presente.

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Fábula Urbana Sem Palavras

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Wed, 05 Jan 2011 06:52:48 PST

Além das belas ilustrações que chamam a atenção de todos que desviam o olhar para observar as imagens, as histórias em quadrinhos também dependem de uma interessante narrativa para se dar bem. O método mais comum é a utilização de diálogos entre os personagens, fazendo com que os leitores compreendam com exatidão os acontecimentos mostrados. Mas nem só de falas e escrita sobrevivem as publicações. Uma trama criativa e a simplicidade do roteiro foram o bastante para dar origem a Taxi (Independente, R$ 10, 32 páginas).

A obra do quadrinista Gustavo Duarte mostra que a máxima Uma Imagem Vale Mais Que Mil Palavras continua a ser verdadeira. O autor paulista não aposta em aventuras intergalácticas ou personagens superpoderosos que tem o trabalho de derrotar vilões maléficos. Ele tem como fonte de inspiração seu próprio cotidiano e as paixões pessoais. No caso, referentes ao desenhos e ao jazz.Com imagens em preto e branco, Duarte apresenta as pequenas desventuras de um músico que, ao chegar no local no qual irá se apresentar, lembra-se de ter esquecido sua case em um bar. Preocupado com o atraso, o jazzista pega um táxi que tem como motorista um simpático elefante vestido com calça, camisa e suspensórios. O que parecia ser uma corrida simples, acaba se tornando um conto com elementos divertidos e surreais. Não poderia faltar a inesperada surpresa para finalizar a HQ.

Tudo que foi resumido nos últimos parágrafos é contado sem nenhuma palavra presente nas páginas. Apenas alguns letreiros de locais e do próprio táxi são escritos. As ilustrações em sequencia foram pensadas com precisão para que o público possa acompanhar o enredo e não tenha dúvidas do que acabou de 'ler'. A estrutura dos quadrinhos lembra as tirinhas vistas em jornais. Detalhe para o título da obra, sem o acento agudo e se assemelhando mais ao mercado internacional. A escolha foi feita devido a ambição de Duarte de levar seu trabalho a diferentes países.
Alguns leitores podem achar que o trabalho tenha um ar infantil, mas é a imaginação do autor que caracteriza Taxi. A paixão pelo universo dos desenhos deixou a mente de Duarte aberta para transformar elementos infantis, caso da humanização de animais, em dose de humor certeira. É quase impossível não notar um sorriso sincero no rosto de quem o folheia.

Outra forte influência notada vem do jazz. O livro já é notado de forma diferente devido a seu formato de 20 x 20 cm, referência as capas de discos. A opção pela ausência de cores casa de forma positiva com o ritmo musical dançante. O figurino dos personagens e o ambiente remetem ao mundo vivido pelo jazzista que protagoniza a história. Apesar de dividirem espaço com outros personagens menores, a dupla principal tem carisma o bastante conquistar o leitor nas poucas páginas do livro.
"Os personagens, sempre muito bem escolhidos, delineados por um estilo elegante e preciso, transbordam carisma e carregam o leitor por toda a história", diz a apresentação da HQ. A viagem de táxi atrás de um case esquecida acaba por se tornar uma gostosa fábula.

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Clássicos Retornam Repaginados

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Sun, 02 Jan 2011 07:58:02 PST

Em meio a ideias mirabolantes sobre novas tramas, antigos sucessos também encontram espaço na atual geração de games. Apesar de clássicos, esses jogos são repaginados para retornar mais modernos. A última atualização ocorreu com Goldeneye 007, que chega para Wii.

Baseado no 17º filme de James Bond, a atração manteve as características que fizeram do título lançado em 1997 para o Nintendo 64 um dos maiores sucessos do console: o ousado e simples jogo de tiro unido a seu divertido modo multiplayer.

Detalhe para o fato de a produtora Activision remodelar o espião com as feições do ator Daniel Craig, que vive o personagem atualmente no cinema.

Outros jogos que tiveram recente upgrade foram New Super Mario Bros. Wii, Sonic The Hedgehog 4 - Episode I e Donkey Kong Country Returns. A lista tem a presença de grandes ícones do mundo dos videogames que nunca deixaram o imaginário dos fãs além de terem marcado diferentes gerações de gamers.

Eles podem ter sido deixados de lado por algum tempo, mas mostram que têm força para se manter na ativa.

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'Fantasia': A Magia de Um Clássico Musical

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Fri, 31 Dec 2010 07:29:18 PST

Grande parte das animações é voltada para o público infantil e não são reconhecidos como filmes. Mas alguns desenhos animados surgem como verdadeiras obras de arte. É o caso de Fantasia, que chega ao século 21 em alta definição e com a missão de apresentar seu lindo trabalho - visual e artístico - para uma geração acostumada a produções feitas por meio da computação gráfica.

O lançamento da Disney traz edição especial que reúne em um só pacote o filme original de 1940 e Fantasia 2000, sequência lançada em 1999 com uma nova roupagem sobre o universo de magia, encanto e música. O DVD duplo pode ser encontrado nas lojas pelo preço de R$ 49,90, enquanto a versão em Blu-Ray tem valor sugerido de R$ 99,90. Não é possível adquirir as histórias separadamente.

Segue um trailer do lançamento (que acabou não chegando às lojas como integrante da Coleção Diamante):

Fantasia é caracterizado por suas oito peças que prestam homenagem a grandes obras da música clássica, casos de composições de Bach, Tchaikovsky e Stravinsky. Os pequenos contos apresentados são intercalados com ações em live-action, ou seja, cenas com a participação de pessoas de verdade. No caso, da orquestra que interpreta as canções temas. O objetivo do filme era fazer com que esse tipo de arte chegasse de forma mais abrangente e acessível aos fãs de Mickey Mouse e seus amigos.

Um dos destaques do longa é a presença do famoso maestro Leopold Stokowski (1882-1977) no comando da magnífica trilha sonora. A preocupação com o bom desenho do áudio era tamanha que foi necessário o desenvolvimento de um sistema diferenciado conhecido como Fantasound. Algumas pessoas acreditam que o alto preço da tecnologia e sua pouca procura por parte dos cinemas que não poderia arcar com os custos foram um dos motivos do filme não ter se tornado um grande sucesso em seu lançamento. Apesar das confusões, a contribuição para o avanço do uso do som nas salas de exibição deu a Fantasia um prêmio especial no Oscar de 1941.

Caso as músicas não signifiquem grande coisa para o público, todos podem recordar das trapalhadas vividas por Mickey na peça Aprendiz de Feiticeiro. Ao som de composição do francês Paul Dukas, o ratinho rouba o chapéu de seu mestre Yen Sid - o nome Disney invertido - e se mete em engraçadas situações ao lado das vassouras que ganham vida. Outra cena famosa é o balé entre hipopótamos de tutus e jacarés de chapéu em A Dança das Horas.

Menos conhecido do grande público, Fantasia 2000 segue o mesmo projeto do primeiro desenho animado, com nove pequenas histórias separada por cenas em live-action. Ao contrário de seu antecessor, o clássico contemporâneo chama a atenção por suas belas imagens. A diferença de mais de 50 anos entre as produções fica evidenciada pelo uso de elementos digitais que o título um patamar acima em comparação a muitas animações dos anos 2000. Detalhe para a participação de figuras como Steve Martin, James Earl Jones, Bette Midler e Quincy Jones na apresentação das introduções.

O bônus da edição especial - assim como na maioria dos relançamentos dos filmes da Disney - são atração à parte. Para quem já conhece as animações, esse tipo de informação extra é muito bem-vindo. Entre menus interativos e uma viagem pelo The Walt Disney Family Museum, a versão em Blu-Ray conta com o curta-metragem animado Destino, resultado da união do criador dos estúdios e o pintor surrealista Salvador Dali. Como complemento à produção de apenas sete minutos, há o documentário explicativo Dali & Disney: Um Encontro Com Destino.

Ao misturar música clássica com animação, o universo de Fantasia transpõe a barreira sobre a infalização dos desenhos e atinge o ápice da arte animada. A afirmação de Walt Disney explica tudo: "Fantasia é eterno."

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Comemorando os 75 Anos da DC Comics

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Wed, 29 Dec 2010 16:09:19 PST

As histórias em quadrinhos nem sempre foram tão complexas quanto as atuais produções encontradas nas bancas e livrarias. Antes de se transformar em uma grande indústria do entretenimento, as ‘revistinhas'' se preocupavam apenas em divertir os jovens leitores que as compravam por poucos centavos.

O nascimento dos super-heróis marca o início da saga das HQs como as conhecemos e uma grande parcela de toda sua trajetória se deve ao pioneirismo da DC Comics. A história da editora norte-americana é mostrada na minissérie especial Coleção DC 75 anos, dividida em quatro partes e que apresenta em seu primeiro volume A Era de Ouro (Panini, R$ 17,90, 148 páginas).

Esse período dourado das histórias em quadrinhos é datado do fim da década de 1930 até meados dos anos 1940, ao fim dos combates da Segunda Guerra Mundial. A fase tem como seu grande primeiro ato o lançamento da revista Action Comics em junho de 1938, que estampava em sua capa o primeiro super-herói do mundo: Superman. As aventuras do personagem criado por Jerry Siegel e Joe Shuster logo se tornou um grande fenômeno entre os jovens dos Estados Unidos. Detalhe para os poderes apresentados pelo Último Filho de Krypton, que ainda não podia voar, mas era capaz de saltar sobre os maiores edifícios existentes.

O objetivo da Coleção DC 75 anos é dar oportunidade a atual geração de leitores para que tenham contato com os primeiros passos dos contos que tanto amam. Em A Era de Ouro, a Panini reúne em formato norte-americano as primeiras histórias de grandes ícones do universo das HQs. No total, oito pequenos contos fazem parte da edição especial. É possível conferir o surgimento do Batman em O Caso da Sociedade Química, lançado originalmente em maio de 1939 na revista Detective Comics; A Origem do Flash, lançada em janeiro de 1940; Surge o Capitão Marvel, de fevereiro de 1940; O Caso do Assassinato dos Homônimo, de novembro de 1941, onde o Arqueiro Verde deu suas primeira flechadas; e Apresentando a Mulher-Maravilha, original de dezembro de 1941 e janeiro de 1942.

Ao passar pelas páginas, é engraçado notar o quão simples eram as tramas desenvolvidas. Nada de grandes reviravoltas e arcos que poderiam movimentar toda a vida do protagonista. O heróis exerciam papel de detetives superpoderosos e com inteligência fora do comum. Apesar do enredo um tanto infantil, os personagens já tinham um carisma forte o bastante que os perseguem até os dias de hoje.Não se pode deixar de lado a diferença brutal entre os traços da época em comparação as ilustrações modernas. O pouco detalhes dos cenários, os recortes das cenas dos quadrinhos, a mistura de cores vivas e os espaços destinados a pequenas explicações da histórias caracterizam os primórdios da nona arte.

O início das atividades da DC Comics é contado na introdução DC e A Era de Ouro. O texto aponta que tudo começou graças ao talento artístico do Major Malcolm Wheeler-Nicholson, que deixou o exército norte-americano para dedicar seu tempo a escrever romances, adaptações de contos e elaboração de curtas histórias. A origem da editora rival à Marvel Comics se deve a empresa National Allied Publications, criada por Wheeler em 1934. Com o passar dos anos, o contato com novos empresários e a união com outras editoras do ramo foi criando o passado da casa de Superman e outras figuras. A DC Comics surgiria décadas depois.O interessante da introdução é a presença de curiosidades envolvendo a trajetória dos super-heróis até chegarem às bancas. Antes de estampar a capa da edição número um da Action Comics - título mais antigo publicado até hoje -, a ideia de Superman havia sido descartada por outras empresas. O sucesso do personagem fez com que o escritor e desenhista Bob Kane descobrisse que, se queria ganhar dinheiro, era preciso que criasse um herói tão popular quando o Homem de Aço. O estilo noir da revista Detective Comics, ainda em atividade atualmente, foi essencial para que Kane imaginasse o sombrio Batman, sua identidade secreta Bruce Wayne e a cidade de Gothan City.

As brigas envolvendo os personagens e figuras características da Segunda Guerra Mundial foram essenciais para o bom rendimento das revistinhas. Era comum encontrar publicações com brigas dos superheróis, símbolos do poderio dos Aliados, com vilões representantes das forças do Eixo. O término dos combates esfriaram as vendas e questões éticas do mercado de quadrinhos acabaram por determinar o fim da Era de Ouro.A DC Comics é conhecida pelos fãs por ser a casa de criações que delinearam o andamento da indústria. Os personagens podem não ser tão populares quanto algumas figuras de outras editoras, como a Marvel, mas são reverenciados por todos que acompanham a arte sequencial e merecem total respeito. A republicação de suas primeiras histórias mostra a gratidão pelo trabalho da Velha Guarda.

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Michael Jackson Revive em Novo Jogo

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Tue, 07 Dec 2010 05:58:32 PST

O legado musical deixado por Michael Jackson continua a se multiplar mesmo com sua morte. A novidade em relação a imagem do ícone é o game Michael Jackson: The Experience (Ubisoft, R$ 149), no qual o público poderá brincar de fazer as coreografias e cantar os grande sucessos da carreira do cantor.

O jogo chega para as plataforma Wii, Nintendo DS e PSP – as versões para Xbox 360 e PlayStation 3 serão lançadas somente no ano que vem, havendo pequenas diferenças entre as edições de cada console.

Segue um trailer (que ficou muito legal):

Apresentando um avatar com o mesmo figurino e com os mesmos trejeitos do astro norte-americano, The Experience passa por diversos momentos de sua carreira, além de fazer referência aos famosos videoclipes. Não ficam de fora momentos com o grupo The Jackson 5, o início da carreira adulta com o álbum Off The Wall e os hits dos disco Thriller, Bad e Dangerous.

A lista de músicas disponibilizadas irá agradar a todos que gostavam do som do cantor. Beat It, Billie Jean, The Way You Make Me Feel, They Don´t Care About Us, Bad, Will You Be There e Black or White estão entre as 27 canções que podem ser interpretadas.

A ideia é agitar o público utilizando as novidades tecnológicas trazidas pela atual geração de games. Os jogadores não ficam mais presos a movimentos possibilitados pelos joysticks e agora precisam levantar da cadeira para interagir com os jogos.

Dessa forma, é possível que durante a execução de Smooth Criminal, todos tenham de tentar se inclinar o quanto podem para se assemelhar à inusitada coreografia da canção.

Os gráficos não são dos melhores que as plataformas já apresentaram em outros títulos, mas também não chegam a desagradar. A pontuação é semelhante aos jogos de danças que existem em shoppings e é importante entrar no clima da música para se soltar ao máximo com os passos.

O desejo de Michael com sua arte era inovar sempre e talvez consiga deixar sua marca no universo dos games - aproveitando ao máximo as novas tecnologias 'sem fio'.

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Trajetória do Animê na Nossa Televisão

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Mon, 06 Dec 2010 07:40:10 PST

O universo da chamativa cultura japonesa sempre chamou a atenção dos brasileiros. Apesar da curiosidade, o público nacional ainda tem poucas informações sobre como e quando ocorreu a união – entre certos aspectos – entre Brasil e Japão.

Uma das vertentes mais populares que unem os dois povos são os animês, como são chamados os desenhos animados nipônicos, e parte de sua trajetória é contada em A Presença do Animê na TV Brasileira (Editora Laços, R$ 22,90, 104 páginas).

O tema pode render muito material e foi importante haver um foco para o trabalho. “Falar de animês em VHS, DVD’s, fansubbers não estava no meu projeto porque o foco é a TV”, afirma a jornalista Sandra Monte, autora do livro e responsável pelo blog Papo de Budega.

Nos últimos anos, percebi que há livros sobre a cultura pop japonesa, mas não há nenhum que fale desta relação do animê com a estrutura de nossa televisão.”

A publicação analisa a chegada das primeiras atrações entre as décadas de 1960 e 1970, passando pela popularização do gênero nos anos 1990 e o seu atual momento de consolidação nas grades de diversas emissoras – seja em rede aberta ou nos canais fechados.

Os sucessos recentes Dragon Ball, Pokémon, Naruto e Samurai X são citados ao lado de clássicos, como Speed Racer (acima), Zillion e A Princesa e o Cavaleiro (abaixo). Outras animações pouco conhecidas do grande público também ganham espaço.

Um dos destaques é o capítulo dedicado a contextualizar o motivo de enorme e inesperado sucesso de Os Cavaleiros do Zodíaco (abaixo), transmitido inicialmente pela extinta TV Manchete a partir de 1994. “De forma geral, Cavaleiros do Zodíaco apresentou os animês aos brasileiros. Questões políticas, econômicas e sociais, como o advento do Plano Real, e culturais daquele período foram fundamentais para sua explosão”, explica Sandra.

A dependência do mercado norte-americano para se trazer novas atrações, as dificuldades para se apontar o primeiro animê a passar na TV no Brasil e as complicações referentes a classificação indicativa das animações são abordadas. Um bem-vindo anexo com a lista de títulos que já passaram por aqui complementa a publicação.

Não espere que a autora traçe algum tipo de panorama sobre os animês no Brasil e que seu livro tenha pretensões de ser uma enciclopédia. Trata-se de um projeto com tom mais informativo do que nostálgico. Ao falar de algo tipicamente japonês, a obra apresenta um pouco da história brasileira.

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A Rede Social Vai Além do Facebook

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Fri, 03 Dec 2010 07:06:03 PST

A primeira década dos anos 2000 foi marcada por uma grande revolução tecnológica movida pelo desenvolvimento da internet e sua popularização em todo o mundo. Os primeiros contos de fadas do século 21 apontam o potencial dos computadores como nova arma a ser utilizada. Seja para o bem ou para o mal. Uma dessas histórias ganha versão para o cinema com A Rede Social, que chega às salas do Brasil.

Conhecido pelo público geek simplesmente como o ‘filme do Facebook'', o longa-metragem do diretor David Fincher (O Curioso Caso de Benjamin Button, de 2008, e Clube da Luta, de 1999) vai além do que apenas mostrar como surgiu a mais popular rede social do planeta. O desenvolvimento do site serve para explorar questões ligadas à amizade, ambição, genialidade, prepotência, arrogância e vingança.

A figura central da trama é Mark Zuckerberg (interpretado com competência pelo jovem Jesse Eisenberg), um gênio da computação que joga na internet suas frustrações pessoais. Ao lado do amigo brasileiro Eduardo Saverin, desenvolve ferramenta na qual pessoas convidadas poderiam fazer parte de um selecionado grupo.

Apesar do protagonista negar o tempo todo, a motivação para a criação do Facebook é sua vontade de estar em um coletivo. A mente do prodígio é capaz de invadir o sistema eletrônico da Universidade de Harvard em segundos, mas não o ajuda a ter simpatia para fazer amigos.

Sua fala rápida e repleta de termos técnicos chega a não fazer sentido em certos momentos, mas a impressão que fica é de que é justamente este o objetivo do rapaz.

Uma vez aceito no universo dos ‘descolados'', quem não o segue, fica para trás. É o caso de Saverin, que começa a ser deixado de lado no processo de expansão dos negócios. Zuckerberg encontra no ambicioso Sean Parker (vivido pelo convincente Justin Timberlake), um dos fundadores do site de músicas Napster, apoio para correr atrás de sua certeira fortuna.

A briga entre os antigos amigos resulta em um dos processos bilionários enfrentados por Zuckerberg - o outro fica por conta da ação movida pelos irmãos Cameron e Tyler Winklevoss.

A visão dos fatos é baseada no livro Bilionários Por Acaso: A Criação do Facebook - Uma História de Sexo, Dinheiro, Genialidade e Traição, que não conta com relatos da figura principal, apenas de seus desafetos. Enquanto o verdadeiro Zuckerberg não declara como ‘realmente'' tudo em torno do Facebook ocorreu, sua biografia de gênio do novo século contará também com o adjetivo "idiota".

O filme de David Fincher utiliza a história para apontar que nem todo conto de fadas tem final feliz - mas é divertido de se ver. A Rede Social tem grandes chances de chamar a atenção na próxima premiação do Oscar.

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Coppola Cada Vez Mais Livre

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Thu, 02 Dec 2010 06:44:19 PST

Nesta edição especial de Na Frente do Palco, não fomos conferir algum espetáculo teatral ou estivemos em meio ao público de um grande show de rock.

Em rápida visita ao Brasil, o cineasta norte-americano Francis Ford Coppola conversou na tarde desta quarta-feira (01/12) com a imprensa para divulgar seu novo filme Tetro, que estreia nos cinemas dia 10. Além de comentar sobre o longa-metragem, o veterano diretor norte-americano mostrou disposição para falar sobre a atual fase livre e autoral e deu seu ponto de vista sobre o futuro da indústria cinematográfica citando, inclusive, a utilização - ou não - da tecnologia 3D nas produções.

"Mesmo trabalhando em filme grandes, sempre quis fazer obras autorais. Hoje estou em uma posição na qual posso fazer qualquer filme que desejar", afirmou o bem-humorado Coppola. "É um privilégio poder fazer um filme sem ter de convencer alguém a te dar dinheiro." O grande motivo desta fase autoral se deve ao fato de ter ganhado milhões e milhões de dólares ao longo de 50 anos de carreira e atualmente consegue arcar com os custos de seus projetos.

Em Tetro (abaixo), ele retoma os dramas familiares já mostrados em seus filmes anteriores ao relatar a tensão existente entre o personagem-título e seu irmão mais novo, Bennie. O jovem sempre teve Tetro como ídolo e o reencontra anos depois vivendo como um escritor frustrado em Buenos Aires, na Argentina. Conforme os dias passam, o jovem descobre que os rancores do irmão se devem a antigos conflitos com o pai, um famoso maestro.

Responsável por sucessos como a trilogia O Poderoso Chefão (cujos filmes foram lançados em 1972, 1974 e 1990), Apocalypse Now (1979) e Drácula de Bram Stoker (1992), o cineasta prefere manter distância das salas comerciais. Segundo ele, a nova safra de produções de Hollywood apenas recicla antigas histórias e observações. "Gosto de ver filmes independentes, experimentais e de baixo orçamento porque são originas e não trazem as mesmas ideias que já conhecemos."

As novas tecnologias disponíveis no mercado fazem com que as questões técnicas acabem se sobressaindo sobre a arte por trás do cinema. Um desses apetrechos é a revolução digital causada pelas atuais produções em 3D. Na visão de Coppola, a terceira dimensão deve acrescentar algo ao filme e não ser seu principal destaque.

"Cinema é uma arte que une a história e a interpretação. Acho espetacular que o cinema comercial busque a tecnologia para ajudar no entretenimento, mas a arte nunca deve ser deixada em segundo plano. O 3D é a menor das preocupações", explica.

Acostumado a lidar com grandes astros, casos de Marlon Brandon (1924-2004), Al Pacino, Robert Duvall e Martin Sheen, o diretor teve de trabalhar em Tetro, no qual é o protagonista, com o ator Vincent Gallo, conhecido pela fama difícil. Mas as complicações que poderiam surgir durante as filmagens não ocorreram e Coppola sempre soube tirar o máximo de seu elenco. "Atores têm má reputação. Seja qual for os problemas deles é porque estão desacreditados. Nunca tive problemas com ninguém pois sempre os apoiei e isso os ajuda."

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A Arte Erótica de Milo Manara

sketchtrash@gmail.com (Yuki) — Mon, 29 Nov 2010 12:22:11 PST

A linha tênue existente entre o erótico e o pornográfico é por onde gosta de trabalhar o quadrinista Milo Manara. Seus trabalhos com forte apelo sexual causam polêmica assim que são lançados e muito se discute sobre como caracterizar suas histórias em quadrinhos. O que não se pode questionar é a qualidade dos contos e dos traços que permeiam as diversas publicações nos mais de 40 anos de carreira do italiano.

“Devo tudo a uma grande combinação de eventos de sorte”, resumiu Manara sobre sua trajetória na abertura da exposição Milo Manara – Uma Vida Chamada Desejo, em cartaz na Oficina Cultural Oswald de Andrade (Rua Três Rios, 363. Tel.: 3221-5558), em São Paulo.

A mostra traz ao Brasil centena de obras do homenageado, sendo que o acervo conta com ilustrações, pinturas a óleo, storyboards de filmes – entre eles Barbarella (1968), de Roger Vadim, do qual participou – e originais. A atração é gratuita e segue até o dia 11, de segunda a sexta, das 9h às 22h, e aos sábados, das 10h às 17h. Devido ao teor explícito do material, a exposição é restrita a público com idade acima de 16 anos.

A ligação com as HQs se deve ao fato de que elas proporcionaram liberdade para suas ideias. “Encontrei nos quadrinhos verdadeira arte em série para me expressar. É uma forma narrativa que me deu existência na sociedade em massa”, justifica.

A paixão pelas mulheres e pelos desenhos eróticos começou aos 20 anos, época na qual a sexualidade era de extrema importância para o então jovem quadrinista. “No homem, a pulsão não pode ser suprimida. Há a necessidade de se representar as ideias eróticas”, declara.

Hoje, aos 65 anos, Manara ainda busca modelos para suas personagens no cotidiano. “Não invento as mulheres, eu as encontro nas ruas. Me inspiro na realidade. Nas HQs, criamos pequeno elenco mental e as personagens precisam representar certos símbolos”, explica.

As deslumbrantes mulheres desenhadas pelo italiano podem ser vistas sem qualquer pudor nas páginas de Clic – Edição Completa (Conrad Editora, 242 páginas, R$ 74,90). A publicação especial reúne os quatro volumes da série, já lançados por aqui, que lhe deu fama em todo o mundo.

Clic mostra as desventuras eróticas vividas pela burguesa Claudia Christiani e as confusões ocasionadas por um estranho aparelho que faz com que a dama se transforme em uma criatura com insaciável libido. Cada vez que o dispositivo é ativado, Claudia se entrega por completo a seus desejos reprimidos.

Outro livro que destaca o talento de Manara é Kamasutra (Conrad Editora, 72 páginas, R$ 44,90), no qual faz viagem influenciada pela literatura hindu. Nas páginas, as amigas Parvati e Lulu encontram por acidente um cinto mágico que guarda o espírito de Shiva. O contato com a entidade sobrenatural faz com que a dupla tenha de enfrentar quatro provas sexuais que as obrigam a colocar em práticas as milenares técnicas tântricas do famoso texto indiano do Kamasutra.

Apesar das polêmicas envolvendo o conteúdo explícito dos livros, Manara afirma que seu objetivo é apenas desenhar com paixão. “Se a resposta do público existir, o trabalho é erótico. Se não causar nada, é pornografia. Há a questão da postura. Quando a obra for feita com amor e paixão, ela será erótica e é isso o que faço.”

Após quatro décadas, a sensualidade da mente do Maestro ainda chama a atenção.

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