Primera revelación: el título

La nueva entrega de la saga se titula, para ser exactos, «Mission Impossible: Dead Reckoning. Part One». O sea, que como se dijo hace ya unos años, los DOS siguientes entregas de «Misión Imposible» serían en realidad una misma aventura, dividida en dos partes. De hecho, la intención inicial era rodarlas simultáneamente, pero la irrupción del COVID 19 a mitad de rodaje lo hizo imposible. Así, tras el estreno de la primera se rodará la segunda (o al menos, lo que les haya quedado por rodar).

El «subtítulo» del film, «Dead Reckoning», podría traducirse por «Sentencia de muerte». Sentencia que parece lanzada por el personaje de Henry Czerny: burócrata de la CIA en la primera «Misión Imposible» (de 1996, cómo pasa el tiempo), ridiculizado en su momento por el personaje de Tom Cruise… y que en el nuevo tráiler, ya canoso, parece cobrarse su venganza. Pero la suya no es la única reaparición.

Personajes que reaparecen

Regresa, por supuesto, Ving Rhames: el único actor (junto a Tom Cruise) que ha intervenido en todas las entregas de «Misión Imposible». Con él estará también el resto del «comando de fieles» de Tom: Simon Pegg (experto informático del grupo desde «Misión Imposible III») y Rebecca Ferguson (agente doble, amiga/enemiga desde «Misión Imposible V», para el que esto escribe la mejor entrega de la saga, por ahora). Y regresa así mismo Vanessa Kirby, que se incorporó en el episodio 6 con un personaje… que nos devuelve a Henry Czerny.

Y es que Vanessa Kirby, de forma indirecta, era presentada en «Misión Imposible VI» como la hija del personaje que Vanessa Redgrave encarnó en la primera «Misión Imposible». Por tanto, el encuentro de Kirby con Czerny emana aromas de venganza intergeneracional: ¿vengará la hija las afrentas a la madre? Tiene toda la pinta. Pero junto a las caras conocidas, también hay nuevas caras.

Las nuevas caras (y la nueva exnovia)

Pulula por el tráiler Esai Morales, que fue en su día una de las grandes promesas de «La Bamba», y coprotagonista de «Rapa Nui». Lo de la diversidad cultural en los repartos no estaba tan extendido entonces como ahora, y su carrera languideció a falta de buenos papeles. Aquí parece convertido en una máquina de matar, y su «look» es verdaderamente impactante.

Pero el «morbillo» de los espectadores estará en el personaje de Hayley Atwell. La que fuera novia del Capitán América en las películas de Marvel se transforma, en «Misión Imposible», en una aparente aliada de Tom Cruise. Y lo fue también en la vida real: coincidiendo con el rodaje del film, Tom y Hayley iniciaron una relación que ha durado dos años… hasta su reciente ruptura, hace sólo unos meses. Es lo que tienen las pandemias: la película en cuyo rodaje se conocieron llega a las pantallas cuando ellos ya han roto, ¡tras un largo noviazgo!

En cualquier caso, el «morbo rosa» aumenta el interés por ver el tipo de interacción que Tom Cruise y Hayley Atwell tendrán en la pantalla (y si quieres conocer algunas de las rarezas de Tom, no te pierdas este artículo).

Dirige la función, como siempre desde la quinta entrega de «Misión Imposible», el más que eficaz Christopher McQuarrie: ganador del Oscar de mejor guión original por «Sospechosos habituales», y hombre de confianza de Tom (que además de trabajar en la saga «imposible», ha retocado en la sombra los guiones de otros films del actor, como «Top Gun: Maverick»).

El tráiler de «Misión Imposible 7»

Pero dejemos los preámbulos y vayamos al grano: el tráiler de «Misión Imposible 7». Con localizaciones en Noruega, Inglaterra, Abu Dhabi, Roma y Venecia. Un chute de adrenalina para los sentidos. Ahí va:

¿Impactados? No es para menos. Cada plano parece metódicamente escogido para epatar al espectador, para hacer sentir la urgencia del evento que sólo puede ser visto en pantalla grande. El propio Tom Cruise lo ha explicitado sin género de dudas, durante la reciente promoción de «Top Gun: Maverick»: «Yo hago cine para la pantalla grande». Cuando le preguntaban si algún día estrenaría directamente en plataformas, era igual de claro: «Eso no ocurrirá jamás».

Teniendo eso en cuenta, el tráiler de «Misión Imposible 7» es mucho más que un nuevo capítulo de una saga millonaria: es el nuevo capítulo de la Cruzada de Tom Cruise contra las plataformas digitales, contra las Smart TV y contra el cine en casa. Es la cruzada por disfrutar de la experiencia colectiva de ver un gran espectáculo en una pantalla más grande que la vida. Es volver a lo que nos hizo sentir el cine cuando éramos niños y disfrutábamos de nuestros primeros grandes estrenos.

Y a eso nos apuntamos, Tom. Ya lo creo que sí. Cuenta con nosotros en esa misión.

(APÉNDICE: las entregas 1 a 6 de «Misión imposible» sí han estado disponibles, por supuesto, en plataformas de streaming. Han estado en HBO y en Amazon Prime Video, y a finales de año estarán en la extensión de Paramount+ que va a llamarse SkyShowtime. Lo que Tom Cruise no desea es que no haya ningún tipo de «ventana» que proteja y priorice los estrenos en pantalla grande; pero una vez estrenados, obviamente sí que le interesa «exprimir» las posibilidades comerciales de sus producciones en todos los espacios que sean posibles…).

El tráiler de la polémica

El tráiler español de «She-Hulk» se hizo público el miércoles 18 de mayo, y las reacciones no se hicieron esperar. El tratamiento (entre serio y cómico) despertó buenas vibraciones, también la actriz principal, y especialmente la aparición como secundarios de dos figuras del universo Marvel: el actor Mark Ruffalo, que viene encarnando a Bruce Banner / Hulk desde la primera entrega de «Los Vengadores», y el secundario Tim Roth, que dio vida al villano Abominación en el largometraje de «El increíble Hulk» dirigido por Louis Leterrier en 2008. Pero no todo iban a ser buenas noticias.

Lo que ha soliviantado los ánimos de los fans, más que si hubieran sufrido una insolación de Rayos Gamma, ha sido la pobre impresión que dan los efectos CGI en el tráiler de «She-Hulk». El personaje femenino principal, en su versión «Gigante Verde», está lejos del estándar de calidad que Marvel y Disney+ han mantenido en sus otras series y películas. El acabado, el sombreado, la renderización, todos y cada uno de los parámetros con los que medir un personaje CGI, están lejos del aprobado. Al menos, es lo que muchos están diciendo desde que se lanzó el tráiler.

Pero lo mejor es que saquéis vuestras propias conclusiones. ¡Ahí va el tráiler!

«Abogada Hulka» y las risas en América latina

El CGI da cierto sonrojo, pero lo de «Abogada Hulka» ha desatado directamente las carcajadas en la América hispanohablante. «Hulka» es el nombre que tenido el personaje en España, desde hace décadas. Pero en Sudamérica, casi siempre más próximos a los nombres originales (a menudo sin traducir), se la ha conocido mucho más como «She-Hulk», que es también el nombre que tiene en los Estados Unidos. Y si no nos convence ninguno de los nombres, siempre podemos llamarla con el nombre «humano»: Jennifer Walters.

Recordad que, en las tramas originales de los cómics Marvel, Jennifer Walters es una sencilla abogada que, tras sufrir un grave accidente, sólo puede esquivar a la muerte recibiendo una transfusión de sangre de su primo: un tal… Bruce Banner. Al recibir sangre del hombre que se transforma en Hulk, Jennifer desarrollará el mismo superpoder que su hercúleo primo, pero con una dosis extra de autocontrol. Así es como nació «She-Hulk», o «Hulka», en las páginas de los cómics, en febrero de 1980.

Hubo durante años distintos proyectos para llevar a Hulka a las pantallas. Se habló de una continuación directa de la serie sobre «Hulk» que protagonizaron Bill Bixby y Lou Ferrigno, pero desistieron al no encontrar a la actriz adecuada. Se anunció más tarde la preproducción de un film que tendría como protagonista a Brigitte Nielsen, en el doble papel de Jennifer Walters / Hulka, pero el proyecto quedó en nada. Y finalmente, en 2022 llega, ahora sí, la serie sobre… «Abogada Hulka».

Pero, con los tiempos que corren y lo avanzada que está la tecnología, ¿por qué sus efectos CGI son tan malos?

El CGI del tráiler de «She-Hulk»: esto es tele, amigos

La primera explicación que se ha dado es la más obvia: la «tele» no tiene el mismo presupuesto que el cine. No es lo mismo digitalizar a Mark Ruffalo con la máxima calidad, para un film que va a dar millones en taquilla… que hacerlo con la apenas conocida Tatiana Maslany para una serie que va directamente a la plataforma de streaming. Donde funcionará (seguro que) muy bien, pero habiéndose saltado varias (y jugosas) ventanas de mercado que su primo verde masculino sí aprovecha.

Así pues, el menor rendimiento económico de «She-Hulk» explica que se gasten menos dineros en esta chica que en su primo de ficción. Pero hay otra causa para explicar esta (aparente) falta de calidad: las fechas.

La fecha de estreno

La fecha de estreno anunciada, en Estados Unidos, es la del próximo 17 de agosto de 2022. Lo que significa que el actual tráiler podría interpretarse más como un simple «work-in-progress» que como un tráiler propiamente dicho. Es decir: que de aquí a agosto quedan todavía 4 meses, y en ese tiempo sin duda se puede mejorar y pulir cualquier efecto digital (y más aún teniendo en cuenta que el estreno será en streaming, y que por tanto no hay que hacer copias con antelación, para que lleguen a tiempo a las salas de cine).

Así pues, los fans más optimistas esperan que de aquí a agosto las imágenes mejoren, que los técnicos en animación digital sigan trabajando… y que los fans de Jennifer Walters tengan, en agosto, la «Hulka» que se merecen. O la «She-Hulk». ¡O como queráis llamarla!

Hasta entonces, podemos saciar nuestro apetito superheróico con las 12 mejores series de superhéroes para ver en 2022. Sin contar, todavía, «Hulka». ¡Que aún no la hemos visto!

Recuerda: 17 de agosto. A partir del día siguiente, ojalá podamos hablar esta vez de los buenos efectos CGI que finalmente tiene la serie…

La increíble historia de Lindy Lonsberry, la doble de Amber Marshall en «Heartland»

La actriz Amber Marshall lleva 15 temporadas encarnando al personaje principal de «Heartland»: la indómita Amy Fleming. Y desde el minuto 1, desde los mismísimos títulos de crédito iniciales del capítulo 1×01, Amy ha tenido como doble de escenas peligrosas a caballo, a una verdadera amazona: la especialista Lindy Lonsberry. Especialista en escenas peligrosas… y en caballos.

Recientemente Lindy ha narrado, en un vídeo que adjuntamos más abajo, cómo entró en el mundo de los caballos. Y su historia no puede ser más emotiva: los caballos curaron a su padre de la poliomielitis. O al menos, fueron fundamentales para su curación. ¡Hay pocas cosas que un doctor equino no pueda conseguir!

Lindy Lonsberry ha explicado, ante las cámaras, que su abuelo llevaba un negocio de ganadería de caballos, que su padre heredó. Con la peculiaridad de que el padre de Lindy enfermó de polio con sólo 5 años. A tan tierna edad, y sin poder caminar, los caballos se convirtieron en sus piernas. Y no sólo le proporcionaron capacidad de movimiento, sino que lo sacaron también de su letargo, de su melancolía, de su infinita depresión. Le devolvieron, en suma, la vida. Y su vida es lo que el padre de Lindy Lonsberry dedicó, después, a sus amados equinos.

Hoy en día, la doble de Amber Marshall apoya sin reservas las terapias con caballos para enfermos y convalecientes, sabiendo que la conexión con esos animales puede salvar cuerpos y almas. Pero es mucho más lo que los caballos le han aportado.

Una vida entregada a los caballos

Como su padre, Lindy Lonsberry creció casi con un caballo entre las piernas. Con 5 años ya era una experta jinete, con poco más de 10 podía hacer acrobacias a caballo, y antes incluso de alcanzar la mayoría de edad el mundo de «Heartland» se cruzó en su camino. Hacía falta una doble con cualidades, para que la joven actriz Amber Marshall no se jugara el cráneo cada vez que debía pegarse una buena cabalgada. Y para ello contrataron a la mejor: Lindy Lonsberry.

Tres lustros después, Lindy Lonsberry sigue doblando a Amber Marshall en sus escenas de peligro, sea entre caballos ¡o entre osos! Y eso que Amber también cabalga muy bien. Pero una lesión de la actriz obligaría a alterar todo el plan de rodaje; así que, llegado el caso, la que se «rifa» las lesiones es Lindy. Y la intrépida especialista ha compartido su historia familiar con los fans de «Heartland», a través de este vídeo:

¿Deseas saber más sobre tu serie favorita? No te preocupes: en «Sesión doble» seguimos muy atentos al devenir de «Heartland», la serie estrella del canal canadiense CBC, y te informaremos puntualmente en cuanto haya novedades. Para revelarte lo que sucede delante ¡y detrás de las cámaras!

1 / «Capitanes intrépidos» (1937): ay mi pescadito, no llores ya más

«Capitanes intrépidos» es la historia de un pobre niño rico, tan lleno de dinero como vacío de sentimientos, que cae por accidente en alta mar desde un transatlántico de su millonario padre… para ser rescatado por un humilde barco pesquero de la costa este norteamericana. Obligado a faenar con esos marinos hasta que puedan volver a puerto cargados de pescado, el niño descubrirá el valor del esfuerzo, la camaradería, el trabajo en equipo, la vida sencilla… y la pérdida. Y encontrará por el camino a una verdadera figura paterna: Manuel el pescador, encarnado con genuina sencillez por el gran Spencer Tracy. Dios, ¡sólo con escribir estas líneas ya me entran ganas de llorar!

Sí, es de 1937, en vetusto blanco y negro y en formato 4/3. Da igual: a los cinco minutos los niños que la estén viendo olvidarán esos nimios detalles (seguro que a los padres les cuesta más). Y no es arte y ensayo: es una verdadera superproducción comercial de aquella época, diseñada para triunfar en taquilla, basada en una novela de prestigio (de Rudyard Kipling) y con un reparto cuajado de estrellas: Herbert Marshall, Lionel Barrymore, Mickey Rooney, John Carradine, o el (excelente) actor infantil Freddie Bartholomew, famosísimo en aquel entonces.

¡Y no olvidemos al mencionado Spencer Tracy, que por este film ganó el Oscar de mejor actor principal! La única victoria de «Capitanes intrépidos», del total de 4 nominaciones al Oscar que recibió. Las otras tres fueron las de mejor montaje, mejor guión… y mejor película. Merecidísima. Eso sí: mejor verla con una caja de pañuelos cerca. Sobre todo cuando canten «Ay mi pescadito / deja de llorar / ay mi pescadito / no llores ya más». Sin duda una de las mejores películas clásicas para ver con niños y niñas.

«Capitanes intrépidos»: disponible en Movistar Plus.

2 / «Raíces profundas» (1953): lo difícil no es empuñar un arma, hijo…

…lo difícil es arar la tierra y llevar una granja, como hace tu padre. Es lo que le dice el pistolero Shane al joven hijo de granjeros de quien se hace amigo. Y es el tema central de «Raíces profundas»: maravilloso western de George Stevens sobre un niño hechizado por el carisma de un héroe del Oeste… y un héroe que sueña con colgar las pistolas y tener una vida tranquila. ¿Lo conseguirá?

El héroe de la función es Alan Ladd: el Al Pacino de su tiempo. No por talento, sino por baja estatura: medía poco más de 1’68, y encontró su hueco en Hollywood, como actor principal, durante la 2ª Guerra Mundial. ¡Cuando los galanes más altos estaban en el frente, y en la Meca del Cine hacían «castings» con lo que había! Aún así, nadie es más alto que nadie subido a caballo, y Ladd cumple perfectamente con su papel. Pero es el niño, Brandon De Wilde, quien hace palpitar el corazón de la trama, dudando entre la lealtad a su padre, el prosaico Van Heflin, o a su nuevo amigo, el heróico Ladd.

Entre tanto, «Raíces profundas» entretiene y emociona (mucho) con ganaderos malos contra agricultores buenos, peleas de «saloon», duelos al atardecer, un grandioso Jack Palance como villano… y un triángulo amoroso tal sutil que los niños no lo verán. Y si lo ven, aplaúdanles. Al fin y al cabo, es lo que dan ganas de hacer tras la escena final. Nominada a 6 Oscar, incluidos los de mejor película, mejor director y mejor actor secundario (con doble nominación, para Palance y De Wilde).

«Raíces profundas»: disponible en Apple TV.

3 / «Robin de los bosques» (1938): seamos todos niños otra vez

«Robin de los Bosques», de Michael Curtiz, es quizá la versión más colorista e inocente jamás filmada de las aventuras de Robin Hood. Los buenos son muy buenos y los malos son muy malos, el bosque de Sherwood es tan accesible y cómodo como un jardín, y los impolutos leotardos verdes y rojos de algunos protagonistas parecen recién sacados de la lavadora (nunca Will Scarlett fue tan «scarlett»). ¿Y qué? Dejemos el revisionismo para el cine reciente: el Robin Hood de Errol Flynn es puro escapismo, sucesión de peripecias, amor pícaro y casto a la vez… y vertiginosos duelos de espadas ¡sin una gota de sangre!

Lo de Errol Flynn es digno de elogio: al ver la película, se entiende que fuera una estrella en la época (más por carisma y presencia que por talento interpretativo). Pero más sorprendente todavía es la Lady Marian de Olivia de Havilland: personaje elaborado y proactivo, con el arco dramático más complejo y convincente de todo el film, y convirtiéndose además en el «cerebro» del relato. ¡Ella es la que orquesta el plan maestro y definitivo que ejecutará su enamorado!

«Robin de los bosques» es, por tanto, un ejemplo destacado entre las películas clásicas para ver con niños… y niñas. Y los adultos se sorprenderán al comprobar que casi todo lo que hemos visto en el cine de acción de los últimos 50 años (duelos de arqueros, persecuciones a caballo, honor entre ladrones, etc etc) ya estaba en el cine de los años 30. Y encima, los villanos son Claude Raines y Basil Rathbone. ¡Vivan los Sajones!

«Robin de los bosques»: disponible en Amazon Prime Video.

4 / «Qué verde era mi valle» (1942): son niños, no estúpidos

«Qué verde era mi valle», Oscar de mejor película de 1942, es un emotivo drama sobre una familia de mineros galeses. Hay conflictos familiares, derrumbes en la mina, accidentes casi mortales, huelgas al límite y un amor imposible. Pero todo está narrado desde los ojos de un niño, el hermano pequeño (mágico Roddy McDowall), y desde la nostalgia que enmascara la dureza de la vida para ver un valle más verde de lo que quizá nunca fue. A través de tan inocente narrador, los espectadores más jóvenes entrarán en la historia (y en la mina) y descubrirán un mundo parecido pero distinto al que conocen. Un mundo donde los niños trabajaban, los profesores «zurraban» y los compañeros pegaban.

Bueno, a lo mejor hay cosas que no han cambiado tanto…

La mayor parte del mérito es, por supuesto, de John Ford. El director de «La diligencia» logra el difícil equilibrio de hablar de temas sociales, y complejos, sin perder nunca la mirada del niño. Y de paso, desmonta en dos plumazos la errónea imagen de rancio conservador que algunos tienen de él: en el Hollywood de los años 40, difícilmente se puede ser más «rooseveltiano» que John Ford, con elogios a los sindicatos y a la huelga. De hecho, «Qué verde era mi valle» se puede ver en sesión doble con «Las uvas de la ira». Aunque, para ésta, es mejor que los niños estén ya en la cama.

Tampoco se extrañen si algún chaval ya crecidito tiene su primer «crush» con Maureen O’Hara. O si se emociona con el «speech» de Walter Pidgeon repudiando el puritanismo. Y de paso, puede que ponga en valor los colegios actuales. La cinta de John Ford es casi un viaje iniciático al pasado de nuestros abuelos, y eso cualquier niño puede entenderlo. Son niños, no estúpidos.

«Qué verde era mi valle»: disponible en JustWatch.

5 / «La Reina de África» (1951): la aventura y el amor no son sólo cosa de jóvenes

El actual cine de aventuras está lleno de jóvenes bellezas de cuerpos apolíneos, de superhéroes con físico de estatua griega mostrando la lozanía de sus músculos (y el talento de sus «personal trainers»). Pero no queremos llenar la cabeza de nuestros hijos e hijas de según qué tópicos (no queremos, ¿verdad?), así que «La Reina de África» puede ser una excelente oportunidad para demostrarles que, entre los héroes y heroínas, también caben la vejez, el óxido, la roña, la decrepitud. Y todo ello, ¡con un desbordante sentido del humor!

«La Reina de África», de John Huston, es la historia de una predicadora y del achacoso dueño de una lancha (tan achacosa como él), en el África profunda, embarcados de improviso en una misión contrarreloj que puede cambiar el curso de la 1ª Guerra Mundial. Son los héroes más improbables que se pueda imaginar, con los avejentados rostros de Humphrey Bogart y Katharine Hepburn. Pero su evolución, su acercamiento y sus tronchantes diálogos hacen que los niños no despeguen los ojos de la pantalla. ¿Con esa barca y esas pintas lograrán su propósito, papá? Bueno, hija mía: no todos los héroes han de ser tan pulcros como Tony Stark.

Su realización merece un capítulo aparte. Es bien sabido que se rodó realmente en el África Central, en durísimas condiciones, con el director John Huston más preocupado en cazar elefantes que en rodar la película, y con todo el equipo sufriendo terribles diarreas por beber agua contaminada… salvo Huston y Bogart, que sólo bebieron whisky. Pero todo eso es anecdótico: lo esencial es la aventura, en regiones ignotas apenas conocidas. Cuando los mapas aún tenían espacios en blanco, y el mundo no estaba fiscalizado por Google Maps. Cuando un hombre y una mujer, en el ocaso de sus vidas, podían sonreír a la muerte y cambiar el destino.

«La Reina de África»: disponible en Filmin.

6 / «El chico» (1921): la obra maestra de un tal Charles Chaplin

La normalidad es un concepto relativo, especialmente para los niños. Si aprenden que «lo normal» es el perfeccionismo digital de los héroes Marvel o de los dinosaurios jurásicos, entonces el cine mudo les olerá a naftalina. Si les enseñamos pronto que un film puede no tener ni colores ni diálogos, y aún así estar lleno de diversión, lo aceptarán sin problemas. Y si abordamos ese primitivo territorio con «El chico», de Charles Chaplin, entonces el éxito está asegurado. Si hay un niño en la pantalla, todo es más fácil.

«El chico» es el primer largometraje no sólo protagonizado sino también dirigido por Charlot. Y no sólo es «divertido», en el sentido más básico: es también revolucionario, porque demostró por primera vez que la risa y la «charlotada» podía llegar de la mano del drama y las lágrimas. Y es que el argumento se las trae: un bebé abandonado acaba en manos de un mendigo, que cuidará y amará a la criatura como un verdadero padre. Y cuando el niño ya ha crecido, los Servicios Sociales tratan de arrebatárselo. ¿Se puede hacer una comedia con eso? Sí, se puede.

El puñetazo del drama duele más cuando te pilla desprevenido, en plena carcajada, y eso es lo que consigue «El chico». Por supuesto, tiene momentos «antiguos», que por algo es una película de 1921. ¡De hace más de 100 años! Los subrayados dramáticos pueden resultar redundantes, y la escena «onírica» parece un añadido para darle duración de largometraje. Pero la química entre Charlot y Jackie Coogan, el amor paternofilial y, por qué no, los trompazos, son tan efectivos que sigue siendo una de las mejores películas clásicas para ver con niños. Como decía su eslógan: «un film para reír y, tal vez, para derramar una lágrima».

«El chico»: disponible en YouTube.

7 / «El héroe del río» (1928): el otro gran genio cómico del cine mudo

Incluso para los que no han visto ninguna de sus películas, la silueta de Charlot sigue siendo, hoy en día, generalmente reconocible. No ocurre lo mismo, por desgracia, con Buster Keaton: otro auténtico genio, eclipsado en vida por el brillo de Charles Chaplin pero tan brillante como él, o incluso más. No en vano, la realización y arquitectura argumental de los films de Keaton son, en general, mucho más sofisticadas y modernas que las de Charlot. Y si hablamos de trompazos, de «slapstick» puro y duro, de partirse de risa con una caída, quizá no haya mejor película en el mundo que «El héroe del río».

Por ir al grano, «El héroe del río» es la película del huracán. Pasan muchas cosas antes del desenlace, y muy divertidas, pero es el huracanado clímax lo que acaba dominando el relato. En su tramo final, el protagonista ha de enfrentarse a tormentosos vientos para salvar su negocio, su noviazgo y su propia vida, y lo hace con un despliegue de ingenio e imaginación que ya lo quisieran para sí las películas del siglo XXI. Con el valor añadido de que aquí no hay trampa ni cartón, ni efectos digitales: los decorados que vuelan en pantalla son decorados auténticos, de tamaño natural. ¡Y también es auténtico el peligro de muerte que corrió Buster Keaton!

La escena más famosa, sobre estas líneas, es la de la fachada del edificio cayendo sobre Keaton. El actor (y director) ya había ensayado este «gag» en dos films anteriores (con decorados más pequeños), pero la fachada de «El héroe del río» pesaba de verdad (y mucho), para que su caída no pareciera falsa. El actor corrió por tanto verdadero riesgo de ser aplastado… pero eso no detuvo a Buster Keaton, en busca de la toma perfecta. Los héroes de hoy lo harían con pantallas verdes; «El héroe del río» lo hace en serio. Y es que, como todos los niños saben perfectamente, el humor es una cosa muy seria.

«El héroe del río»: disponible en Filmin.

8 / «Mujercitas» (1949): toda la grandeza de Louisa May Alcott

Louisa May Alcott, autora de la novela original de «Mujercitas», fue indiscutiblemente una mujer adelantada a su tiempo: autónoma, librepensadora, ajena a las convenciones, y capaz de legar a la posteridad una obra al mismo tiempo clásica y moderna. Su verdadera historia puede entreverse en la adaptación al cine más reciente de «Mujercitas» (2019) de Greta Gerwig. Pero las virtudes de la novela original son lo bastante sólidas como para estar presentes también en la versión de 1949, con Elizabeth Taylor, Janet Leigh, Margaret O’Brien y June Allyson.

En «Mujercitas», las cuatro hermanas March, sólidamente respaldadas por sus padres, deciden vivir sus vidas en los términos que ellas escogen. Una buscará pronto el amor en el matrimonio, otra encuentra la felicidad en la música, la pintora elude los caminos más fáciles… y la escritora va a ganarse la vida por sí misma, vendiendo su pelo si es necesario. Todas abren caminos, cada una a su modo, sin perder jamás de vista la lealtad a su familia y a sus hermanas. Lo que hoy llamaríamos «sororidad» y «resiliencia» ya estaba en una novela de hace más de un siglo (y en sus sucesivas versiones cinematográficas).

Quizá alguno se pregunte: ¿se sentirán interpelados los niños, por una historia aparentemente «de niñas»? Por supuesto que sí: ¿acaso las niñas no disfrutan con Indiana Jones? La camaradería y el amor fraternal no entienden de géneros, y todo eso está presente en «Mujercitas». Por eso hablamos de películas clásicas para ver con niños y niñas.

«Mujercitas» (1949): disponible en Ievenn.

9 / «El temible burlón» (1952): el film al que copiaron los «Piratas del Caribe»

Un pirata caradura y socarrón se embarca, por interés, en una causa justa, y acaba luchando contra la injusticia casi sin querer. «Interesante», diría Jack Sparrow. «El temible burlón», decimos nosotros. Porque los famosos «Piratas del Caribe» están directamente inspirados en «El temible burlón» de Robert Siodmack, llegando a veces a «robar» escenas y situaciones completas (como la barca del revés, convertida en una cámara de aire para que los héroes puedan respirar mientras caminan por el fondo del mar, con ella sobre sus cabezas).

La diferencia es que, en «El temible burlón», en vez de a Johnny Depp y a Orlando Bloom tenemos a Burt Lancaster y a su colega Nick Cravat… y sin duda alguna salimos ganando con el cambio. Cravat y Lancaster, antiguos artistas de circo, realizaron realmente todas sus acrobacias, sin dobles, en «El temible burlón». Sus sonrisas deslumbran la pantalla, sus ataques no acaban con estocadas mortales sino con patadas en el culo, y encima rebosan talento y magnetismo en pantalla. Eso de lo que Orlando carece, y que Johnny parece haber ahogado en alcohol.

Como curiosidad, hay una buena razón para que Nick Cravat haga de mudo y no pronuncie una sola palabra en toda la película. No es que fuera mudo de verdad, como mucha gente pensaba: es que tenía un fortísimo acento de Brooklyn, que le hacía completamente increíble como «pirata del Caribe» en cuanto abría la boca. Lancaster, en cambio, no tenía ese problema. Y con esa sonrisa, más le valía tener la boca abierta. «El temible burlón» es un gozoso disparate, una oda a la diversión, y así es como hay que verla. Como dice el propio protagonista, «cree sólo la mitad de lo que ven tus ojos».

«El temible burlón»: disponible en Movistar Plus.

10 / «Cantando bajo la lluvia» (1952): la más musical de las películas clásicas para ver con niños

«Cantando bajo la lluvia» es, posiblemente, el musical más famoso de todos los tiempos. Y es, también, una oportunidad para que los niños descubran la trastienda de la magia del cine: lo que se esconde detrás de las cámaras. En ese momento de la infancia en que empiezan a comprender la distancia entre realidad y ficción, «Cantando bajo la lluvia» puede descubrirles la realidad de cómo se crean las ficciones. Explicándoles, de paso, el salto histórico entre el cine mudo y el cine sonoro.

El film de Gene Kelly y Stanley Donen trata sobre una estrella del cine mudo de aventuras, que ve tambalearse su carrera con la llegada del sonoro. Su intento de saltar al «nuevo cine» promete ser un fracaso absoluto, hasta que se les ocurre convertir su próximo estreno en un musical. La tarea no será fácil, pero Kelly cuenta en la pantalla con la inquebrantable amistad de Donald O’Connor, y el amor puro y sincero de Debbie Reynolds. Y, claro está, con unas habilidades en canto y baile que dejarán a los niños boquiabiertos.

Como curiosidad, siempre podemos decir a los niños que Debbie Reynolds era, en la vida real, la madre de la Princesa Leia. En cuanto lleguen al número de «Haz Reír» estarán ya ganados para el film (y hasta nos pedirán que rebobinemos). Y cuando la hayan visto entera, los días de lluvia quizá no serán ya tan plomizos como antes, y podremos mirar con ellos las farolas, con una sonrisa. Y algunos padres, incluso, puede que hasta se atrevan a bailar. Sin perder la compostura, claro. Ya saben: «dignidad, siempre dignidad».

«Cantando bajo la lluvia»: disponible en Amazon Prime Video.

NOTA DEL AUTOR: las 10 películas fueron «chequeadas», con mi propia hija, entre sus 4 y sus 6 años de edad. Todas ellas fueron disfrutadas por la pequeña, y quedaron en su memoria de una forma u otra. Igual, por cierto, que las 15 películas de dibujos animados que no son de Disney, de un artículo anterior.

Podríamos decir, por tanto, que ambos artículos están… «basados en hechos reales».

1 / Steven Seagal es amigo personal de Vladimir Putin

Fue el héroe de «Alerta máxima» y de «Buscando justicia», y ha ejercido incluso de «Policía voluntario» en Texas y en Louisiana. Vamos, que a un tipo famoso por romper piernas haciendo de justiciero EN PELíCULAS le dieron una placa y un arma de verdad. Era, en aquel entonces, el paradigma del gran héroe americano, patriótico y conservador. ¡America First! Y ahora, sin embargo, no está del todo claro qué país escogería primero…

…entre otras cosas, porque Steven Seagal tiene triple nacionalidad: estadounidense, rusia y serbia, «regaladas» las dos últimas por las autoridades de ambos países. La rusa se la dieron en 2016, pero en 2013 ya ejercía de portavoz en la venta de armas rusas en América. Más tarde fue aceptado como miembro honorario del partido de Vladimir Putin, «Una Rusia Justa», y en 2018 el propio Putin le concedió un cargo diplomático de nombre tan largo como rimbombante: «Representante especial del Ministerio de Exteriores ruso para las relaciones culturales con EE.UU.». Sus competencias son como las de la Oficina del Español de Toni Cantó, o sea, desconocidas. Pero eso no es lo peor.

Lo peor, seguramente, es que ya en 2017 Seagal fue denominado, por el gobierno de Ucrania, como «Persona peligrosa para la seguridad nacional ucraniana». ¡Cinco años antes de que empezara la guerra! Y mientras tanto, el protagonista de «Marcado por la muerte» ha tenido tiempo de hacerse amigo de líderes tan «amados» en Occidente como Rodrigo Duterte, el presidente filipino que presume de haber matado a un hombre en su juventud (y aquí no pasa nada) o Nicolás Maduro, al que Seagal regaló una katana, mientras la «prensa libre» (ejem ejem) presentaba al presidente venezolano como el Anticristo.

Pero claro: tampoco es que pueda escoger a qué líderes estrechar la mano, teniendo en cuenta el comatoso estado en que se encuentra su carrera como «estrella de cine».

2 / Rueda películas de «Serie Z» en las que, por contrato, no puede perder

Si el cine de «Serie B» es el cine de bajo presupuesto, el de «Serie Z» es el de presupuesto ausente. Cuatro céntimos para hacer el film, rodaje en Hungría o Rumanía (que es mucho más barato), estreno directo en plataformas (o en DVD) y con carátulas en las que aparezca bien grande la cara de la única «estrella» que ha cobrado un sueldo decente por ese bodrio. Así son los films que ruedan desde hace años Nicolas Cage, Bruce Willis (al menos, hasta su retiro) y Steven Seagal.

Y el sueldo «decente» se convierte en «estupendo» cuando protagonizas 6 películas al año, rodadas en menos tiempo del que habrías tardado en rodar una sola, allá en Hollywood. Todo ello, claro está, en detrimento de la «creatividad». Por eso en los últimos años Seagal ha protagonizado films con títulos como «Nacido para matar», «Muy duro de matar» o «Contratado para matar». Si intercambiáramos los títulos de estos tres films, nadie notaría la diferencia.

Aunque el mejor/peor, sin duda alguna, es «Contrato mortal». Porque es el único film en que Steven Seagal ha sido derrotado, en una pelea, en toda su carrera. No, «Decisión crítica» no cuenta (porque aquí Seagal se sacrificaba para salvar a sus compañeros) y «Machete» tampoco (porque en realidad en este film se suicidaba, antes de que Danny Trejo lograra matarle). Y en todos sus otros films, Seagal siempre gana, y además sin que sus rivales logren apenas despeinarle. Es, por lo visto, un detalle exigido en una cláusula de sus contratos: «yo no pierdo

Salvo en «Contrato mortal» (disponible en Amazon Prime Video)… porque ante un rival como el que tiene en esta película, ¡hasta Steven Segal acepta la derrota!

3 / Ha sido derrotado en el cine… ¡por Mike Tyson!

«Contrato mortal» es una película de 2017 cuyo póster hace pensar en un sostenido duelo estelar entre Mike Tyson y Steven Seagal: como Al Pacino y Robert DeNiro en «Heat», pero en versión AliExpress. Y sin embargo, en una película que dura 2 horas, Mike Tyson sólo aparece 20 minutos, y Steven Seagal incluso menos. El resto es una trama de intriga internacional con actores orientales que ni siquiera aparecen en el póster.

Es el «encanto» de la «Serie Z»: los rostros conocidos en la carátula garantizan las ventas internacionales del producto… y si el producto es lo bastante barato, con esas ventas ya hay beneficios. Aunque luego, en la propia película, apenas aparezcan. Seagal y Tyson son, pues, sólo el anzuelo. Un anzuelo, por otra parte, ¡un tanto sospechoso!

Y es que, en ese film, los dos astros sí que se pelean. En el minuto 10, para ser exactos. Pero una visión atenta de la escena permite detectar sin dificultad ¡la cantidad de planos en los que Seagal podría no ser Seagal! Planos de espaldas, de medio lado, tomas rápidas, planos detalle… y la cara bien visible de Steven Seagal sólo en los primeros planos. Es decir: que encima de que aparece poquísimo, en su escena cumbre trabaja más su doble que él.

¿Acaso Seagal no quería arriesgarse a que Tyson le arrancara una oreja? ¿O será, más bien, que ya no tiene cuerpo para estar dando mamporros mucho rato?

4 / Su forma física ya no es la que era

Steven Seagal tenía 35 años de edad cuando debutó como actor de cine en «Por encima de la ley». Y en aquel entonces, con 1’93 de estatura, su aspecto era delgado, fibroso y ágil. Y hasta bien parecido: en un mundo donde las estrellas de acción tenían rostros esculpidos en granito, como los de Arnold Schwarzenegger o Sylvester Stallone, Seagal podía considerarse el más guapo de la clase.

Pero eso fue hace casi cuatro décadas. Actualmente, Seagal ronda los 120 kilos de peso, su peluquín es tan tupido como una alfombrilla del baño y su perilla es un homenaje al tinte capilar. De hecho, parece tener más pelo y menos canas que cuando empezó como actor. Eso en Hollywood no es necesariamente un problema (que se lo pregunten a John Travolta), pero ver a un tipo con evidente sobrepeso pretendiendo ser más rápido y letal que un «Pequeño Saltamontes» da un poco de lástima.

Querido Steven: con lo que tú has sido… o mejor dicho, ¡con lo que tú mismo dices que has sido!

5 / Su biografía está llena de mentiras y exageraciones

Steven Frederick Seagal nació en Michigan, y sufrió acoso escolar cuando era niño. Esa fue una de las razones que le impulsaron a estudiar artes marciales, desde bien pequeño. Para proseguir con su formación, se mudó a Japón con 18 años, y allí alcanzó el rango de cinturón negro en judo, kárate y aikido. Y lo que es más importante: en un dato que daría por sí solo para el guión de una película, Steven Seagal fue el primer occidental en abrir una escuela de artes marciales en suelo japonés. Hasta ahí, todo cierto, y todo correcto.

Pero parece que, para Seagal, abrir un colegio no es hazaña suficiente. Y desde que llegó a Hollywood, fue adornando su biografía con perlas cada más alucinantes (o alucinadas, o alucinógenas) como que colaboró con la CIA en una operación secreta contra la Yakuza, o que participó en la misión de rescate al Sha de Persia cuando Jomeini llegó al poder en Irán, o que luchó en la guerilla tibetana contra China. Como su habilidad con las artes marciales estaba fuera de toda duda, y su pasado parecía ciertamente misterioso, los fans le compraron esas historias.

Sin embargo, su siguiente afirmación fue que él era la reencarnación de un lama tibetano del siglo XVII, y que un popular guía espiritual budista (amigo de Seagal) podía confirmarlo. Al margen de cómo pudiera confirmarse tal cosa (¿te dan una fotocopia compulsada en el Más Allá?), el mero hecho de Seagal lo contara, totalmente en serio, desata las sospechas sobre él. ¿Es un mentiroso, o un iluminado? La respuesta a tan delicada pregunta podría tenerla… la UFC.

La UFC, o «Ultimate Fighting Championship», es lo que algunos han dado en llamar «La Lucha Definitiva»: la competición más popular (y brutal) de artes marciales mixtas. Una de sus grandes estrellas, el brasileño Anderson Silva, noqueó a su compatriota Vitor Belfort en febrero de 2021, con una patada frontal. ¿Y de quién fue la idea de dar esa patada? Según Steven Seagal, presente en el combate, la idea fue suya. Y más aún: esa patada en particular la inventó él, y él en persona entrenó a Silva para que aprendiese a darla correctamente. Lo ha contrado el propio Seagal, en televisión, más de una vez.

Silva lo niega. Como (parece que) le une cierta amistad con Steven Seagal, el luchador brasileño ha dicho que «Seagal es un buen hombre, pero no es mi entrenador». O dicho de otro modo: Seagal siempre se atribuye el mérito de las hazañas de los demás, o él las hizo antes, o ambas cosas. En román paladino, Seagal es un cuñao.

Y eso que, insistimos, su vida real tiene datos suficientes para presumir. Además de ser un gran aikidoka, domina también el kendo y el kenjutsu (estilos de esgrima clásica japonesa) y su antiguo dojo en Japón sigue abierto. Se llama «Tenshin Dojo» y lo dirige ahora su primera exmujer, Miyako Fujitani, que también es cinturón negro en aikido. Con ella tuvo 2 hijos, pero la abandonó por otra mujer, y más tarde formó otra familia con Kelly LeBrock: la estrella de «La mujer de rojo». Lo que nos lleva al siguiente momento censurable de su vida… junto a Sean Connery.

6 / Le rompió la muñeca a Sean Connery

Cuentan que a Kelly LeBrock la conoció cuando la actriz y modelo visitó Japón, durante una promoción de cosméticos, y allí solicitó un guardaespaldas que hablara bien inglés. Le colocaron al allí célebre fundador del «Tenshin Dojo», el todavía joven y en forma Steven Seagal. Y entre ellos surgió el amor (o lo que sea).

De la mano de Kelly LeBrock, Seagal empezó a trabajar en el mundillo de Hollywood como entrenador de estrellas de cine y coreógrafo de escenas de acción. Y le encargaron preparar al mismísimo Sean Connery en su última película como James Bond 007: «Nunca digas nunca jamás». El empleo no le duró mucho: según los rumores, a Connery no le pareció que aquel tipo flaco de mirada torva pudiera enseñarle gran cosa, y Seagal respondió demostrando lo fácilmente que podía romperle la muñeca a alguien. Ese «alguien» fue el propio Connery.

No fue lo que se dice entrar en Hollywood con buen pie (ni con buena mano). Sólo por ello, Steven Seagal podría haber entrado tranquilamente en nuestra lista de las 7 estrellas de Hollywood con las que nadie quiere trabajar, por insoportables. Pero lo peor aún estaba por llegar.

7 / Hizo tratos con la mafia neoyorquina, hasta que se topó con el FBI

Pese a la muñeca rota de Sean Connery (o quizá gracias a ello) en Hollywood le vieron cualidades como estrella mamporrera. Pero Steven Seagal tuvo la mala idea de asociarse con Julius Nasso: productor de todos sus primeros films, y un hombre con el que Seagal ganó ingentes cantidades de dinero… hasta que rompió su asociación con él. Aliado entonces con el «pope» del cine de acción Joel Silver («Arma letal», «Matrix», «Jungla de cristal», «Commando», «Depredador»), Seagal logró el último gran éxito de su carrera: «Herida abierta». Y ese cambio de socio no le sentó nada bien al señor Nasso. Con estrechos vínculos, como se supo entonces, ¡con la mafia de Nueva York!

En la ciudad canadiense de Toronto, en pleno rodaje de «Herida abierta», aparecieron por el camerino de Steven Seagal nada menos que 5 matones de la familia Gambino, enviados por Julius Nasso. Entre ellos estaba Richard Bondi, alias «El Bulto»: un tipo de 170 kilos de peso con aspecto de desayunar almas. Persuadido por Bondi, y siguiendo instrucciones de Nasso, Seagal tuvo que pagarle a su exsocio nada menos que 700.000 dólares. Entonces fue cuando el actor desató la justiciera violencia que muestra en sus películas y se libró de Nasso y Bondi con sus propios puños, ¿verdad?

Pues no. Seagal descubrió que la vida real no se parece tanto a «Señalado por la muerte» como a «Uno de los nuestros». Y ante la posibilidad real de acabar en el maletero de un coche o en los cimientos de un edificio, Seagal contactó con la polici… qué va: contactó con la familia Genovese, rivales de los Gambino, para solicitarles protección contra Julius Nasso. El actor ofrecía a cambio… 10.000 dólares

La insultante cifra, calderilla para mafiosos de cierto nivel, bien podría haber hecho que los Genovese se aliaran con los Gambino contra Steven Seagal. Pero quiso la fortuna, y el gobierno federal, que ambas familias estuvieran siendo justo entonces investigadas por el FBI. Los pinchazos telefónicos de los federales llevaron a Julius Nasso a la cárcel, aunque sólo pasó entre rejas año y medio porque se declaró culpable. Y Seagal, por su parte, pudo proseguir con su brillante carrera.

8 / Golpeó y amenazó a un compañero de reparto

Justo cuando su relación con Nasso empezaba a hacer aguas, Steven Seagal aceptó un trabajo especial para Warner Brothers (que había confiado en él produciendo el más caro de sus films, «Alerta máxima»). Ese trabajito era intervenir en los primeros minutos de la ya mencionada «Decisión crítica», para que su personaje muriera por sorpresa y cediera el protagonismo al inexperto analista encarnado por Kurt Russell.

En pantalla, la sorpresa funciona, y no pocos dicen que es el mejor film de Seagal en toda su carrera. Aunque quizá no lo digan por el excelente trabajo como director del habitualmente montador Stuart Baird (durante años, gran jefe de montaje en Warner, y responsable con sus tijeras de dar ritmo y energía a films que sobre el negativo eran material de derribo), sino por el mero hecho de que Seagal moría pronto.

En fin, el hecho es que «Decisión crítica» fue un éxito más que notable. Pero no todos lo celebraron por igual: el actor John Leguizamo, que interpretaba al primer oficial del comando encabezado por Seagal, desveló más tarde la ridícula conducta en plató del famoso aikidoka.

Dice Leguizamo que nada más reunirse los actores que daban vida al comando, Seagal les dijo (totalmente en serio) que él era el gran jefe al mando y que su palabra era ley. Leguizamo, como buen cómico, respondió con un chiste… y Seagal le hizo una llave de aikido, le estampó contra la pared y le dijo el tipo de cosas que diría a los villanos de sus películas. Leguizamo, 1’69 de estatura, reconoce que se quedó helado ante el metro 93 de Seagal y sus maneras de matón de instituto, y no supo realmente qué decir. Lo ha contado, por ejemplo, en este vídeo:

Como explica a partir del minuto 2, el pobre Leguizamo sólo acertó a preguntarle «¿Por qué?», cuando habría querido decirle que es «Un tío viejo y gordo que corre como una chica». ¿Y a qué se refiere con eso? A que Steven Seagal, corriendo, no es precisamente tan gallardo, estético y viril como Tom Cruise. Principalmente, por lo que Seagal hace con su mano derecha cada vez que da unos pasitos rápidos. Aquí una prueba:

9 / No se atrevió a enfrentarse a Jean – Claude Van Damme

En el verano de 1997, Steven Seagal y Jean – Claude Van Damme cruzaron sus pasos en una fiesta llena de estrellas de cine, celebrada en la casa de Sylvester Stallone en Miami. Y en aquella fiesta, quién lo iba a decir, «Sly» demostró ser el más sereno y templado de todos. Porque Van Damme, ciego de furia (y probablemente de una sustancia blanca que suele consumirse por la nariz) retó ante todos a Seagal, a enfrentarse a mamporros en el jardín de la mansión. Honestamente, habría sido un fin de fiesta excepcional… de haberse producido la pelea.

Pero nunca de produjo. Seagal le dio largas a Van Damme, dijo que no podía pelear con él «porque en sólo dos golpes podría matarte», y farfulló alguna excusa más en la misma línea del hombre que, supuestamente, había luchado con la CIA contra la Yakuza. Van Damme no cejó en su empeño, rojo de ira, llamando cobarde y gallina a su rival. Y cuando Seagal abandonó la fiesta, Van Damme lo siguió por toda la ciudad, de discoteca en discoteca, repitiendo su desafío. Al final, no obtuvo más respuesta que el silencio.

¿Por qué Van Damme tenía esa ojeriza hacia Seagal? Porque Steven Seagal, desde que llegó a Hollywood, fue haciendo amigos con la misma simpatía que mostró más tarde hacia John Leguizamo. Es decir: demostró ser un bocazas y aprovechó cada micrófono que tenía delante para decir que los otros héroes de acción de Hollywood no eran «héroes de verdad», como él, y que podría vencerles sin despeinarse. Especialmente a ese chico belga, Van Damme, que dice haber ganado nosequé torneos en quiensabedónde. Dentro vídeo:

La gran pregunta, seguramente, es la siguiente: de haberse producido esa pelea, ¿quién habría ganado? El que habría sido el anfitrión del combate, Sylvester Stallone, lo ha tenido siempre muy claro: «Con la diferencia de peso y músculos, Steven Seagal no tenía nada que hacer frente a Jean – Claude Van Damme».

10 / Se le acusa de violación y acoso sexual

Las 9 «miserias» anteriores reflejan una tónica general: Steven Seagal abusa de quien es más débil y se arruega ante los fuertes. Es el «modus operandi» del típico abusador… y es la misma conducta que ha tenido hacia las mujeres.

Con Kelly LeBrock tuvo 3 hijos, y sólo muchos años después del divorcio se atrevió Kelly a desvelar que su matrimonio fue una galería de abusos y vejaciones. Se separaron cuando Seagal dejó embarazada a la niñera de sus hijos, Arissa Wolf… que también acabaría abandonándole. Quizá ella sabía ya lo que sólo se ha denunciado públicamente tras el «Me Too»: que Seagal acosaba sistemáticamente a todas las actrices que se presentaban a sus castings.

El método era similar al de Harvey Weinstein: citar a las aspirantes a un papel no en un casting abierto, sino directamente en una habitación de hotel, o en las oficinas privadas de Seagal. Una vez allí, les exigía que se desnudaran, como a Jenny McCarthy. Y si ellas aducían que no había desnudos en el guión, él decía que el papel requería desnudos «off camera». Algunas salieron espantadas de allí; otras no tuvieron tanta suerte.

Entre las que acertaron a escabullirse a tiempo destacan Julianne Margulies («The good wife») o Portia de Rossi («Arrested Development»), además de la mencionada McCarthy. Otras, menos conocidas, no encontraron vías de escape y denuncian que fueron violadas por Steven Seagal. Los casos no irán a juicio porque los presuntos delitos han prescrito. Y Seagal, por supuesto, afirma que todas son unas mentirosas que sólo quieren sacarle dinero.

Para los que todavía duden, merece la pena echarle un vistazo a la foto de abajo. Pertenece al preestreno de «Alerta Máxima 2», en la que Katherine Heigl interpretó a la sobrina de Seagañ, con sólo 18 años y mucho antes de intervenir en «Anatomía de Grey». En plena alfombra roja y ante todos los fotógrafos, el protagonista del film hizo lo que hizo. Con todas las cámaras delante, y una sonrisa.

La cuarta y actual esposa de Steven Seagal se llama Erdetenuya Batsukh, y se conocieron en Mongolia, donde ella ejerció de traductora para Seagal durante un acto promocional. Llevan 13 años casados y tienen un hijo: el séptimo para el actor de «Alerta máxima». Y suponemos que pasará mucho tiempo con ellos… porque, como decíamos en las primeras líneas, Seagal lleva 3 años sin rodar un solo film. Quizá es que el «Me Too» le ha quitado la careta… o quizá es que, sencillamente, su cara en el póster ya no da dinero.

Mientras tanto, Steven Seagal justifica como puede a su amigo Vladimir Putin, en las entrevistas, diciendo que los medios occidentales han «malmetido» en el conflicto, y que la guerra entre Rusia y Ucrania es un malentendido entre vecinos. El día en que llegue la paz, sin duda alguna dirá que el mérito en suyo.

Así es Steven Seagal. El 10 de abril cumple 70 años de edad. Cuando acabe la fiesta, que cierre la puerta al salir.

De qué trata «Estamos muertos»

El mundo se enfrenta a un terrible virus que convierte a los infectados en muertos vivientes (mezclando muertos e infectados, nos ahorramos las dudas de si estamos en «28 días después» o en «Amanecer de los muertos»). Pero en un instituto de Corea del Sur, un grupo de estudiantes se enfrentará a la amenaza con todas las cualidades que tienen siempre los adolescentes de una teleserie surcoreana: belleza a raudales, estilismo «pop» y faldas tableadas. Seguro que también saben cantar.

Durante los 12 capítulos de la temporada 1, los héroes de «Estamos muertos» irán perdiendo efectivos, mientras buscan la forma de escapar de un destino terrible. No sólo por el peligro de ser devorados por los «zombies», sino porque la ciudad entera va a ser arrasada con bombas, con el fin de contener la invasión. Algunos, en efecto, escapan: llegan a campamentos de cuarentena, se recuperan… y 4 meses después, vuelven al instituto. Han dejado atrás a algunos compañeros a los que prometieron ayudar, y no van a faltar a su promesa.

Con peripecias sin fin y elipsis de 4 meses incluída, los protagonistas vuelven al instituto, y allí se topan con una compañera que daban por muerta. Pero no está muerta… ni viva. Es una «hombie»: una infectada por el virus que no ha llegado a convertirse en un «zombie» (vaya, después de todo, sí que sigue viva la diferencia entre «28…» y «Amanecer…»).

Los «hombies» tiene, como los zombies, supervelocidad, superfuerza y superresistencia. Pero mantienen bajo control (o eso parece) el instinto homicida y el apetito por las entrañas ajenas. Saben, no obstante, que si salen al exterior serán aniquilados. No cuentan con que los vivos estén muy pendientes del matiz de que, oiga, es que yo no estoy exactamente muerto.

Y así es como termina la temporada 1 de «Estamos muertos». ¿Dan ganas, o no dan ganas de ver una temporada 2?

Spoilers: qué puede pasar en la temporada 2 de «Estamos muertos»

La temporada 1 transcurre (casi) íntegramente en un instituto… que no es un instituto de verdad. El Hyosan High School es un colegio ficticio en un edificio levantado expresamente para la serie, allá en Seul. Y siguiendo la tónica de cualquier serie, podemos apostarnos el páncreas a que la temporada 2 ampliará o cambiará el marco. La acción se trasladará completamente a otro espacio, o bien exploraremos más a fondo los alrededores del instituto. Pero la lógica nos dice algo más.

Con toda evidencia, buena parte del gancho de «Estamos vivos» es haber escogido, para la acción, un espacio referencial para los adolescentes de todo el planeta. En esta ocasión, un instituto. En Corea, en Nueva York, en Los Ángeles o en Valladolid, no hay mucha diferencia entre clases, pasillos y uniformes. Y si el reconocimiento del mundo en el que viven ha disparado el éxito de la serie entre el público joven, lo lógico sería mantener ese gancho en la temporada 2, con una espacio que también sea universalmente juvenil.

¿Un polideportivo? ¿Una discoteca? ¿Una tienda de Apple? O más bien todo a la vez: los analistas de «Sesión doble» apostamos por un CENTRO COMERCIAL. Sí, la idea ya la tuvo George Romero hace casi 50 años. Pero era tan buena que, si la repitió Zack Snyder, ¿por qué no iban a retomarla una vez más?

Y lógicamente, la temporada 2 de «Estamos muertos» explorará además el fértil terreno de los «hombies». ¿Se fiarán los vivos de ellos? ¿Pueden realmente fiarse? Con un recurso así, a cualquier guionista le tentaría el «plot twist» de que el «hombie» más pacífico de todos sucumba finalmente a un hambre incontenible.

Pero al margen de teorías y probabilidades, ¿qué dice el creador de la serie?

Qué dice el creador de «Estamos muertos»

Durante una entrevista con «The Korea Herald», el director de la serie Lee Jae-kyoo afirmó con rotundidad que sería genial continuar… pero que realmente no depende de él, sino de la reacción del público. Del público internacional, se entiende, porque el alto nivel de producción de «Estamos muertos» sería difícilmente sostenible sólo con el mercado interno.

En cualquier caso, los astros parecen completamente alineados para que haya una temporada 2. El director ya se ha pronunciado, el reparto al completo ha anunciado también su buena disposición a retomar la trama donde la dejaron, la productora surcoreana está también por la labor…

…y sólo falta la luz verde de Netflix. ¿Y qué dice Netflix al respecto?

La fecha de estreno: dónde y cuándo ver la temporada 2 de «Estamos muertos»

Ya hemos avanzado más arriba que todavía no hay pronunciamiento oficial de la plataforma de «streaming». Pero, extraoficialmente, se habla de un retorno de «Estamos muertos» a las pantallas hacia junio de 2023. Una larga espera para una serie cuya temporada 1 se estrenó a nivel internacional en enero de 2022.

Hasta entonces, los fans tendrán que conformarse con alguna otra de las muchas series de zombies que pueblan las plataformas, o con las series coreanas de diversos géneros que inundan las pantallas, con más ímpetu todavía que las novelas turcas. Y ojo: «Estamos muertos» ha demostrado tener un público muy fiel… pero las críticas han sido, siendo amables, más bien mixtas.

O lo que es lo mismo: aún puede pasar cualquier cosa con el instituto «zombieficado» de Hyosan High School. Si eres fan de «Estamos muertos», te recomendamos que cruces los dedos. Salvo que algún «zombie» te los haya arrancado, claro.

Mientras esperas, aquí tienes el tráiler de la temporada 1. No hay de qué.

1 / El tortazo de Will Smith: nadie se ríe de mi mujer (salvo yo)

La gala de 2022 será recordada por el sorprendente Oscar de mejor película del año a «CODA»… y por el contundente tortazo de Will Smith a Chris Rock: uno de los presentadores del evento. Rock acababa de hacer un chiste sobre la cabeza rapada de la esposa de Smith, Jada Pinkett, diciendo que estaba lista para rodar «La teniente O’Neal 2». Al momento, Will se ha levantado de su asiento, ha caminado hasta el presentador, y le ha arreado una torta que ni Glenn Ford a «Gilda». ¿Un momento guionizado, una parte del «show»? Al volver a su butaca, Will gritaba: «saca el nombre de mi mujer de tu puta boca».

No, no era un momento guionizado. Era Will fuera de sí, porque su esposa está calva por enfermedad y no por estética (sufre alopecia). En la pausa publicitaria, Will y Jada han sido reconfortados por Denzel Washington y Tyler Perry. Y minutos más tarde, al ganar el Oscar de mejor actor principal por «El método Williams», Will Smith se ha disculpado entre lágrimas con la Academia de Hollywood… pero no con Chris Rock. Lo curioso es que, en el vídeo, se ve con claridad que en un primer momento Will le ríe la gracia a Chris. Jada no. ¿Qué ha pasado en el contraplano para que Will Smith haya salido en tromba a defender el honor de su esposa?

En línea con el funcionamiento de la ley en Estados Unidos, la policía de Los Ángeles no actuará de oficio contra Will Smith mientras Chris Rock no presente una denuncia por agresión. Pero Rock no va a presentar denuncia: los trapos sucios de la Academia se lavan en la Academia. Aunque Will sabe un rato de trapos sucios: las palabras de Rock no parecen más insultantes que las fotos que se hizo Will Smith en su día, de juerga con Margot Robbie (mientras rodaban juntos «Escuadrón suicida»). Sí, Will y Jada son un «matrimonio abierto» (o al menos no se cansan de decirlo), pero en aquel momento no lo habían hecho público, y lo llevaban con discreción.

Y si empezamos a dar tortazos por chistes de mal gusto, ¿qué tendrían que haber hecho con Seth McFarlane cuando presentó la gala de 2013? ¡Porque su canción fue otro hito para la historia de los momentos más polémicos de los Oscar!

2 / La canción de Seth McFarlane: te ví las tet…

En la gala de los Oscar de 2013 escogieron como presentador al polémico Seth McFarlane: director y guionista de «Ted» y su secuela, y fuerza creadora de la irreverente teleserie de animación «Padre de familia». Fue un intento más (y van unos cuantos) de intentar atraer al público joven a una gala que pierde audiencia en televisión, año tras año. Y McFarlane, fiel a su estilo, cantó una canción repasando los nombres de toooodas las actrices, presentes en la ceremonia, que alguna vez habían mostrado sus pechos en la pantalla. A algunas les hizo gracia; a otras, no tanto.

Naomi Watts y Charlize Theron estarían de acuerdo en que este ha sido uno de los momentos más polémicos de los Oscar. Seth McFarlene, no obstante, cumplió objetivos: su gala fue la más vista de la década, logrando un 19% más de audiencia que la gala del año anterior. La prensa, sin embargo, no fue tan generosa, y los críticos de televisión nombraron a McFarlane «el peor anfitrión de la historia de los Oscar». No se puede gustar a todo el mundo…

3 / Warren Beatty y Faye Dunaway: abriendo el sobre que no es

En febrero de 2017, Warren Beatty y Faye Dunaway pasaron a la historia de la ignominia. La inmortal pareja de «Bonnie & Clyde» debía entregar el Oscar de mejor película del año; abrieron el sobre y, tras dudar unos instantes, nombraron ganadora a «La La Land». El equipo entero del film subió al escenario… y sólo entonces se supo que Dunaway y Beatty se habían equivocado de sobre.

Leyeron el correspondiente al Oscar de mejor actriz, que sí fue para «La La Land» (en concreto para Emma Stone) y atribuyeron a ese film el premio principal, que en realidad era para «Moonlight». Parece que Warren Beatty ya se olía que algo iba mal, viendo sus dudas en el momento de la lectura:

Tuvo que salir uno de los empleados de la Academia de Hollywood a poner orden (porque ellos sí saben quién va a ganar), el presentador Jimmy Kimmel debió sacar de su sueño a uno de los productores de «La La Land», y sobre él recayó la ingrata tarea de dar el sopapo anímico a los demás. Seguramente, mucho más duro que el que ha recibido Chris Rock.

4 / La renuncia de Marlon Brando: mejor envío a una actriz a hacer el indio

El 27 de marzo de 1973, Marlon Brando escribió un nuevo capítulo en la historia de los momentos más polémicos de los Oscar. La Academia le otorgó el premio de mejor actor principal por su (impresionante) trabajo en «El Padrino», pero Brando decidió rechazarlo.

No era la primera vez que ocurría eso: George C. Scott ya rechazó su Oscar por «Patton», un par de años antes. La diferencia es que Brando envió en su lugar a una mujer vestida de india, que dijo llamarse Sacheen «Pequeña Pluma». Su misión era rechazar el Oscar en nombre de los nativos americanos, y leer un discurso de 15 páginas que llevaba en la mano, escrito por Brando de su puño y letra. No llegó a leerlo, pero el momento fue mítico.

Las caras de Roger Moore y Liv Ullman, en pie junto a «Pequeña Pluma», fueron todo un poema. Y durante un tiempo, queriendo ridiculizar el momento, se dijo que la chica no era más que una actriz disfrazada, una mujer «haciendo el indio». Pero no: Sacheen era una verdadera activista, que ha seguido reivindicando la causa de los nativos americanos durante décadas. Y la implicación de Marlon Brando con ellos no tenía nada de postureo: llevaba ya años participando en movilizaciones para que recuperaran sus tierras originales.

5 / El discurso de Vanessa Redgrave: politizando la gala a escala internacional

En la gala de los Oscar de 1978, la magnífica Vanessa Redgrave obtuvo el Oscar de mejor actriz secundaria por «Julia». Y yendo todavía más lejos que «Pequeña Pluma», Redgrave aprovechó su momento para denunciar las tropelías de Israel en Palestina, con la connivencia internacional y el apoyo (o el silencio) de los poderosos de Hollywood de origen judío. Eso dijo Vanessa Redgrave, subiendo la escala de las denuncias de Sacheen Littlefeather, entre los abucheos de algunos de los presentes. Nunca nadie se había atrevido a tanto. Ni siquiera Marlon Brando.

Minutos más tarde entró el dramaturgo y guionista judío Paddy Chayefsky, ganador de 3 Oscar de mejor guión, a matizar las palabras de Vanessa Redgrave y a defender al estado de Israel. Ella, no obstante, se preocupó muy mucho de aplaudir al pueblo judío en su conjunto, y de censurar sólo a los responsables directos de las matanzas en Oriente Medio. Pero la imagen de la actriz quedó ya marcada, para bien o para mal, con el sello de «activista». Su discurso, al margen de que tenga razón (o no), quedó pues como uno de los momentos más polémicos de los Oscar.

Pero al mismo tiempo, creó escuela.

6 / Richard Gere presenta un Oscar… y arremete contra China

El 29 de marzo de 1993, Richard Gere debía presentar el Oscar de mejor fotografía (que fue, por cierto, para «JFK»). Pero siguiendo la estela de Vanessa Redgrave, y demostrando que en su caso el budismo es algo más que una pose, Gere aprovechó el momento para arremeter contra China y su política hacia el Nepal, contra los ataques chinos a los derechos humanos en el Tíbet, contra los miles de muertos y heridos en aquella parte del mundo… a la que también llegaba, ya entonces, la señal de la emisión de los Oscar. A Gere no le abuchearon como a Redgrave, pero todavía hoy el actor no puede pisar suelo chino. Menos mal que Hollywood respondió con contundencia y…

…no, qué va. No respondió en absoluto. O en todo caso, respondió con contundencia ¡contra Richard Gere! El actor fue vetado a partir de entonces de las galas de los Oscar, y la dependencia de Hollywood del mercado chino no ha hecho sino aumentar. En un mundo donde «The Martian» tiene más escenas en China con actores chinos, para aumentar su impacto en la taquilla de ese país, no parece que vayan a surgir nuevos «Richards Geres» para protestar contra el régimen de Xi Jinping.

7 / David Niven y el nudista: tomándose a risa ciertas «pequeñeces»

En los Oscar de 1974, con el actor inglés David Niven a punto de presentar un premio, un nudista se coló en el escenario y lo surcó de un lado a otro, como Dios le trajo al mundo, mientras Niven mantenía la flema británica. Tras unos instantes de silencio, y obviamente sin ayuda del teleprompter, Niven improvisó una respuesta que salvó el momento con Matrícula de Honor: «Probablemente la única carcajada que desate este hombre en toda su vida sea enseñando sus pequeñeces». Uno de los momentos más polémicos de los Oscar, pero también uno de los más divertidos, ¿no?

Pues no.

El momento es divertido, claro, pero dejó a las claras una preocupante brecha de seguridad en la gala de los Oscar. Si un hombre sin autorización podía entrar en la gala, colarse en el backstage, desnudarse, salir a escena y correr de un lado a otro… ¿qué habría impedido que cualquier otro llegara hasta las estrellas, por ejemplo, con un arma? Niven salvó el momento con el carisma y la templanza de una estrella del Hollywood clásico. Pero si lo piensas, el momento tuvo muy poco de divertido.

8 / Björk y los huevos de cisne: haciendo el ganso en los Oscar

La cantante Björk fue nominada al Oscar de mejor canción en la edición de 2001, por uno de sus temas para el film de Lars Von Trier «Bailar en la oscuridad». Y acudió a la gala con una vestido que ha pasado a la historia… por ser unánimente escogido como el vestido más feo de la historia de los Oscar: uno con forma de cisne, tan extravagante como la propia artista islandesa. Pero su gran momento en la gala (además de la interpretación en directo de su canción) fue su paso por la alfombra roja, dejando huevos como si fuera un cisne de verdad. Momento ya recogido, merecidamente, en nuestra lista de las 25 rarezas más divertidas de Hollywood.

Como ya contamos en ese artículo, Björk dejó varios huevos a lo largo de la alfombra roja, convirtiendo su paseo con vestido de cisne en una auténtica «performance». Pero lo más surrealista fue, sin duda, que los guardias de seguridad de la gala iban recogiendo los huevos y devolviéndoselos a la artista, con estas palabras: «Disculpe, señorita, se le ha caído esto». Sin duda uno de los momentos más polémicos de los Oscar… pero también uno de los más surrealistas.

9 / James Franco, haciendo de James Franco

De James Franco y su afición al «Arte Invisible» hablamos también en el artículo sobre las 25 rarezas (y algunos hasta se lo han tomado en serio). Pero podríamos incluir una más en la larga lista de excentricidades de ese actor: cuando presentó los Oscar (aparentemente) fumado de marihuana. Sin gracia, sin chispa, sin interés en su propio trabajo. Comentando la gala en directo a través de sus redes sociales… y, como buen adolescente, más atento a las redes que a la realidad. Cosechando por todo ello unas pésimas críticas (más incluso que Seth McFarlane) y consiguiendo que, llegado el momento, nadie se riera de su disfraz de Marilyn Monroe.

Quizá lo peor de todo es que, además de su desidia, James Franco se atrevió también después a mostrar su enorme falta de respeto y empatía por sus compañeros. Cuando le llovieron las críticas, deslizó que la culpa del fracaso de la gala fue de su copresentadora Anne Hathaway, con la que no mostró ninguna química ni sintonía, y visiblemente incómoda junto a Franco. ¡Bastante tuvo con aguantarle!

10 / Hattie McDaniel: el peor de los momentos más polémicos de los Oscar

A comienzos de 1940, la gala de los Oscar premió a lo grande a «Lo que el viento se llevó». Y entre los galardones más merecidos estuvo el de mejor actriz secundaria, para la afroamericana Hattie McDaniel. Fue el primer Oscar de la historia otorgado a alguien de su color. Pero fue también un momento para la infamia: Hattie tuvo que pedir un permiso especial para poder asistir a una gala «sólo para blancos». Se lo concedieron, pero no pudo sentarse con sus compañeros en primera fila, sino al fondo, en una salita aparte. Y cuando le concedieron el Oscar aún tuvo, claro, que dar las gracias.

Habrían de pasar casi 3 décadas para que otro afroamericano se llevara un Oscar: Sidney Poitier por «Los lirios del valle», como mejor actor principal. A él sí, le dejaron sentarse con los blancos. Y después llegaron Denzel Washington, Cuba Gooding Jr, Morgan Freeman… Halle Berry… y ahora, Will Smith. En cierto modo, todos están en deuda con Hattie.

Y querido Will: ella sí que tenía motivos para liarse a bofetadas.

1 / «La Bella y la Bestia»: glamurizando el síndrome de Estocolmo

Imaginemos el siguiente argumento: un hombre con problemas (los que sean) para relacionarse con el sexo opuesto mantiene prisionera en su castillo a una mujer, y sólo cuando ella se enamore de él podrá liberarla. Con esa misma trama rodó William Wyler, en 1965, la excelente «El coleccionista», que es una película… DE TERROR. Y sin alejarse mucho del «plot», Pedro Almodóvar filmó en 1989 la (muy) polémica «Átame», que es PARA ADULTOS. Entonces… ¿por qué en Disney pensaron, ya en 1991, que usar ese argumento para una película infantil era una buena idea?

Por supuesto, «La Bella y la Bestia» es brillante, luminosa y con una música fantástica. Pero también lo es «Siete novias para siete hermanos», y nos lo pensamos muy mucho antes de ponérsela a nuestras hijas.

2 / «La Sirenita»: entregando hasta su voz por un apretón hormonal

Empecemos por la edad: en la trama de «La Sirenita», la joven y bella Princesa Ariel tiene sólo 16 AÑOS. Aún así, se fuga de casa por un hombre del que sólo sabe que es muy guapo, renunciando a su familia, a su hogar, a su vida e incluso A SU VOZ. A él, por cierto, tampoco parece importarle que ella no diga ni una palabra: su aspecto basta para que surja el amor, «en esta laguna azul», y todo se arregla con besos. Dicho de otro modo: en tu adolescencia todo vale, hasta renunciar a tu propia personalidad, para darte el lote detrás de unos juncos. ¿Y luego nos quejamos de «Red» y la menstruación?

En el lado bueno, como en «La bella y la bestia», está la música de Howard Ashman y Alan Menken, y una Princesa que no espera a que la rescaten y toma la iniciativa. Lástima que la tome para arrastrarse tras un guaperas, mientras aplaude el mismo público que despotrica contra «Red».

3 / «Blancanieves y los 7 enanitos»: si una chica va a una casa donde solo viven hombres lo suyo es ponerse a barrer

El personaje que da título a «Blancanieves» se pierde en el bosque, se topa con siete mineros que la acogen en su casa… y casi antes de decir «buenos días» ya está barriendo, fregando, cocinando y haciendo coladas. Lo natural, claro. Luego es envenenada y queda (prácticamente) muerta hasta que un Príncipe con necrofilia la besa y la despierta. Perfecto, ¡ahora podrá cocinar para otro! Mientras tanto, los mineros con acondroplasia son tan estereotípicos que Peter Dinklage, alias Tyrion Lannister, ha puesto el grito en el Cielo al enterarse de que en Disney quieren hacer una nueva versión de «Blancanieves y los 7 enanitos». ¿Para qué?

También es verdad que es una película de 1939, que fue el primer largometraje de animación jamás realizado, y que fue una proeza técnica (y artística) en su momento. Pero reconocer todo ello no es incompatible con afirmar que la manzana de «Blancanieves» está ya un poco mohosa.

4 / «La bella durmiente»: a vueltas con la necrofilia

Un jinete cabalga por el bosque. Ve a una joven totalmente inmóvil, quizá dormida, aparentemente muerta. ¿Llama a la Cruz Roja, intenta reanimarla él mismo, busca ayuda a su alrededor? No: como es muy guapa, se enamora (?), le da un beso (??) y automáticamente ella se despierta y corresponde su amor (???). Besar a chicas inconscientes sin su consentimiento y llamarlo «amor» es, digamos, discutible; que eso resuelva la trama, sin que la chica tenga que hacer nada salvo tumbarse y llamar la atención con su belleza, tampoco parece el mejor modelo de conducta para una joven espectadora. Pero luego el problema es la niña de «Red» porque blablabla…

Reconozcamos, en cualquier caso, el magnífico diseño de personajes de «La bella durmiente», tan impactante y efectivo que apenas tuvieron que cambiarlo para que Angelina Jolie pareciese maléfica en, eso, «Maléfica». Pero aún así, por favor: basta ya de besar a chicas dormidas. No lo hagas en la vida real.

5 / «Dumbo»: qué divertido es ver emborracharse a un niño

El cachorro de elefante que protagoniza «Dumbo» se bebe, sin saberlo, una botella entera de champán (que ha caído, abierta, en su cubo de agua). Al poco rato empieza a sufrir un «delirium tremens» que le hace ver elefantes rosas tocando el trombón, entre otras imágenes que nos hacen preguntarnos si el vino espumoso iba acompañado de MDMA. Todo ello para que los niños y adultos nos riamos del bebé elefante: ¡mira, qué divertido es un niño con una cogorza monumental! Como lección infantil, no parece muy edificante. Salvo que consideremos que «Días de vino y rosas» es una de las mejores comedias de Jack Lemmon.

En el lado bueno, una vez más, la música y las canciones. En el malo, el alcohol, los niños traídos por la cigüeña, los cuervos afroamericanos y la interminable colección de penurias que sufre el niño protagonista. Seguro que Dumbo se cruza con Marco en la consulta del psiquiatra.

6 / «Aladdin»: la Princesa Jasmine no puede votar ni beber alcohol, pero sí casarse o seducir a hombres maduros

A veces se nos olvida que las clásicas Princesas Disney son, en su mayoría, jovencísimas adolescentes. Ariel tenía 16 años, pero Jasmine la supera teniendo ¡solamente 15! Aún así, no pasa nada si la obligas a casarse, o si aprovecha su atractivo físico para seducir y engañar al (más que) maduro villano. ¿Es eso menos grave que lo que hace la chica de «Red»? Por no hablar de que el héroe miente y engaña para tumbar, perdón, sentar, a la chica en su alfombra. Vale que ella se da cuenta, pero, ¿por qué no le arrea un tortazo al muchacho, en vez de reírle la gracia?

Sí, es verdad: el espíritu rebelde de Jasmine, decidida a ser la dueña de su propio destino, es un notorio avance en relación a Princesas Disney más clásicas. Pero, ¿basta con lucir los hombros y ser activamente sensual para considerarse «empoderada»?

7 / «El Rey León»: traición, muerte y culpabilidad sobre los hombros de un niño

Un poderoso Rey es asesinado por su propio hermano. El hijo y heredero del monarca contempla su horrible muerte, despeñado y después aplastado por una estampida de miles de bestias enfurecidas. Y por si eso no fuera suficiente para un trauma perpetuo, el verdadero culpable del crimen se las arregla para descargar su culpa sobre los hombros del niño inocente. Desesperado, el chaval huye, perseguido para siempre por el fantasma de su padre. Con un argumento muy (pero que muy) similar, William Shakespeare escribió la tragedia más famosa de la historia del teatro. A Disney le sirvió para una película infantil: «El Rey León».

Lo bueno: la música, más la de Hans Zimmer que la de Elton John. La animación, brutal, colosal, épica. Y el drama, magníficamente logrado… para los ojos de un adulto. Para los niños, cabe preguntarse si se debe «ser o no ser» espectador de este «Hamlet» de la sabana.

8 / «El jorobado de Notre Dame»: torturemos al tullido

Después de «El nombre de la rosa» y las torturas al hermano Salvatore, «El jorobado de Notre Dame» es el ejemplo más descarnado que ha dado el cine sobre cómo maltratar a un discapacitado. Y eso por no hablar de los primeros cinco minutos, en los que el villano desata un genocidio, asesina a una madre inocente, y a punto está de arrojar un bebé a un pozo. Y más tarde, se dejará arrastrar por la lujuria hacia Esmeralda… sin dejar de torturar al jorobado. Señores de Disney: si tantas ganas tienen de hundir a los niños en la miseria, pónganles «Los Miserables». Sólo es un poquito más inapropiada que «El jorobado de Notre Dame».

En el lado bueno: podría ser más dura. Podría tener a Russell Crowe cantando (o intentándolo), o al jorobado entonando»he soñado un sueño». Pero no hay muchas más formas de hacer que «El jorobado de Notre Dame» sea una experiencia traumática para los más pequeños.

9 / «Lilo & Stitch»: a la húerfana protagonista la separan de su hermana, pero ésto es una comedia

La protagonista de «Lilo & Stitch» pierde a sus padres en un trágico accidente de coche, y su hermana mayor intenta cuidar de ella lo mejor que puede. A ojos del Estado no es suficiente, y varios agentes (vestidos de negro) acuden en sus coches (negros), para llevarse a la niña. Por si la situación no fuera ya suficientemente funeraria, el diálogo de despedida entre las hermanas está pensado para romper corazones. ¿Se quejó alguien de que este film fuese «demasiado maduro para los niños»? No. ¿Hablar de la menstruación es «más maduro» que hacerlo del desgarro intrafamiliar? Tampoco.

«Lilo & Stitch» es, por otra parte, una película Disney atípica y refrescante, empezando por su diseño gráfico. Ni heroína ni secundarios responden a los cánones físicos habituales, y supuso una (tímida) apertura a la diversidad cultural, hawaiana en este caso, que luego han ampliado (y explotado) sabiamente con «Coco», «Vaiana», «Encanto», «Soul» o «Raya». Antes llegó «Lilo», y eso hay que reconocerlo. Pero reconozcamos también que es mucho más dura que «Red».

10 / «Toy Story 3»: la más adulta de las películas de Disney mucho más polémicas que «Red»

Todos los protagonistas de «Toy Story 3» están a punto de morir abrasados, y lo saben. No hay esperanza, no hay redención, no hay ninguna posibilidad de hacer nada al respecto. Salvo darse la mano, celebrar la amistad y esperar el final. Es, reconozcámoslo, una escena magistral, que aborda con entereza algo tan inaprensible para los niños como la inevitabilidad de la muerte. No es malo que lo descubran, ni es malo hablar de ello… a partir de cierta edad. Porque si lo ven demasiado pronto, no hay escena más devastadora en toda la producción conjunta de Disney / Pixar. Y eso que, insistimos: como espectador adulto, la escena es MARAVILLOSA.

«Toy Story» es, en muchos sentidos, la más extraordinaria de las franquicias fílmicas. Cada entrega de la saga eleva la anterior y la hace caminar por nuevos (y más adultos) derroteros, con hitos como el conflicto de identidad de «Toy Story 2» o la separación de quienes han sido tu familia en «Toy Story 4». Por no hablar de Forky y del motorista canadiense. Pero sigue siendo «Toy Story 3» la que más pone los pelos como escarpias.

¿Demasiado para los más pequeños? Probablemente. Pero déjala en espera y le llegará su momento. Y mientras tanto, ponle a tus hijos alguna de estas 15 películas de dibujos animados que NO son de Disney. No te arrepentirás.

25 / Jeremy Irons se puso a limpiar un aeropuerto

Ocurrió el 8 de agosto de 2002 en el aeropuerto de Shannon: el más importante de Irlanda, después del de Dublín. El famoso Jeremy Irons estaba allí esperando un vuelo para acercarse al castillo irlandés en el que vive, cuando hubo una repentina afluencia de pasajeros. Cuatro vuelos de Cork habían sido desviados a Shannon, por la niebla, y de repentía llegaron 360 personas con las que nadie contaba. El ganador del Oscar por «El misterio Von Bulow» estaba tratando de leer, pero empezó a desconcentrarse al ver, en sus propias palabras, «Mesas llenas de cerveza derramada y ceniceros rebosantes de colillas». Y ante esa inquietante visión, ¿qué hizo Jeremy Irons?

El actor, conocido entre otras cosas por su pulcritud, dejó su libro y, como reveló en su momento «The Irish Times», se acercó a un carrito de limpieza y se puso a limpiarlo todo con el esmero y la disciplina de un Roomba. Otras estrellas de Hollywood no sabrían ni coger una escoba, pero Irons no pudo estarse quieto. «Cuando acabé me sentí mucho mejor», dijo. Seguro que los demás pasajeros también. Pero imaginen su sorpresa al ver a un astro de Hollywood, ganador del Oscar, ¡limpiando un espacio público armado con balleta y jabón!

24 / Demi Moore siguió un tratamiento de belleza con sanguijuelas

Lo confesó ella misma, hace ya casi 20 años, en el programa de entrevistas de David Letterman. Buscando siempre el último grito en terapias de belleza, Demi gritó (pero de verdad) cuando fue a una clínica de Austria y allí le pusieron hasta 4 sanguijuelas, explicándole que liberan «una enzima especial que limpia la sangre de toxinas».

Al final, lo que de verdad limpiaron esas sanguijuelas fue la cartera de la actriz, porque la terapia le costó varios miles de dólares, y encima dijo sentirse «decepcionada por los resultados»… aunque también aliviada porque, según le explicaron, eran «sanguijuelas criadas en laboratorio y especialmente entrenadas para esa labor». A lo que David Letterman, siempre incisivo, respondió: «Sí, seguro que fueron a la facultad de Medicina».

23 / Shirley MacLaine cree que su exmarido era el clon de un astronauta.

Tal cual. Lo ha contado la propia hija de Shirley MacLaine, Sachi Parker, en su autobiografía. Y ya se sabía que la actriz de «El apartamento» cree en reencarnaciones y vidas pasadas, en «poltergeist» y en que vivimos bajo una conspiración extraterrestre para conquistar el mundo. Pero es que además, MacLaine llegó a creer que su marido, Steve Parker, no era realmente su marido, sino… un clon de un astronauta llamado Paul que estaba de viaje interestelar. Y mientras el tal Paul estaba en el espacio, su clon en la Tierra se ocupaba de financiar el viaje. Razón por la que Shirley MacLaine le daba 60.000 dólares al mes.

La verdad, como casi siempre, es mucho más prosaica que la imaginativa creencia de Shirley MacLaine. Su marido presumía de empresario, pero en realidad era un notorio vividor y cazafortunas. Y en aquella época, tenía una amante japonesa a la que le concedía todos los caprichos, con el dinero de Shirley. Por esa razón el adúltero esposo le pedía mensualmente tanto dinero a la actriz.

¿Y qué excusa se inventó? Que era un clon de un astronauta que blablablá. Como excusa no es muy buena, pero que Shirley tragara está sin duda entre las rarezas más divertidas de Hollywood… y también entre las más tristes.

22 / Eddie Murphy hizo cambiar todo un plan de rodaje por miedo a una profecía de Nostradamus

En febrero de 1988, Eddie Murphy estaba rodando «El príncipe de Zamunda» en Los Ángeles, tras haber completado los exteriores neoyorquinos. Se encontraba entonces en el pico de su fama… y por eso nadie le mandó a paseo cuando anunció que, aquel fin de semana, no iba a cumplir el plan de rodaje. Les tocaba rodar una de las escenas más importantes del film (la fiesta en la casa de su futuro suegro), pero Murphy se negó, con una excusa verdaderamente apocalíptica: precisamente el sábado estaba previsto un devastador terremoto en California, que hundiría bajo el mar toda la ciudad de Los Ángeles. ¿La fuente? Nostradamus.

Resulta que Eddie Murphy acababa de ver un documental de televisión, presentado por Orson Welles, que afirmaba que el mítico Nostradamus había predicho la hecatombe angelina precisamente ese fin de semana. El director de «El príncipe de Zamunda», John Landis, tuvo que aguantarse las ganas de darle un colleja a su estrella, y no le quedó otra que reestructurar el rodaje entero. Rodó a toda prisa un montón de primeros planos de Eddie Murphy antes del jueves por la noche; esa misma madrugada Murphy cogió un vuelo a Nueva York, y Landis rodó el resto de la escena con los otros intérpretes. Luego lo editaron todo como pudieron… y coló.

¿Y la profecía? Como era de esperar, llegó el sábado y no ocurrió nada. El mundo siguió dando vueltas y Los Ángeles no se hundió bajo el océano. Pero el miedo de Murphy dio pie a una de las rarezas más divertidas de Hollywood… aunque seguro que a John Landis no le divirtió tanto.

21 / Jonah Hill esnifó vitamina D hasta ser hospitalizado por sobredosis

El bueno de Jonah Hill empezó en el cine con comedias tontorronas como «Supersalidos», pero su talento va mucho más allá. Y lo ha demostrado, por ejemplo, encarnando al hijo de Meryl Streep en «No mires arriba», o logrando ser nominado al Oscar de mejor actor secundario por «El lobo de Wall Street», de Martin Scorsese. Y fue su trabajo en este film lo que le llevó a ser hospitalizado 3 semanas por esnifar vitamina D como una aspiradora. Aunque hay una razón para esta vitamínica rareza.

Los personajes de «El lobo de Wall Street» se pasan la película esnifando cocaína como si no hubiera un mañana. Y por mucho que Leonardo DiCaprio y Jonah Hill parezcan actores del método, no esnifaron «coca» de verdad. Lo que usaron en plató, en sustitución de la «coca», fue vitamina D, que en principio es totalmente inocua. El problema es que «El lobo de Wall Street» dura 3 horas y tardaron 7 meses en filmarla… en los que Jonah y compañía se metieron vitaminas por la nariz todos-y-cada-uno-de-los-días-de-rodaje. El resultado fue, para Jonah Hill, una gravísima bronquitis aguda y una hospitalización de urgencia.

A DiCaprio, curiosamente, no le pasó nada. Quién sabe, quizá es que está más acostumbrado…

20 / James Franco pinta, esculpe y vende «Arte Invisible»

Y lleva ya unos años haciéndolo. Su «arte invisible» consiste, básicamente, en cuadros, esculturas o instalaciones que ya han sido imaginadas pero aún no han sido realizadas (o jamás lo serán). Lo que ofrece James Franco son tarjetas explicativas de cómo sería la obra si se hubiera hecho. Por ejemplo, la tarjeta del cuadro llamado «Aire fresco» explica que ese cuadro (inexistente) te permite sentir el aire puro a tu alrededor (imaginándotelo), con la ventaja de que puedes llevarte la pintura a cualquier parte (porque no existe).

James Franco ha fundado incluso el «MoNA» o «Museum Of Non-existent Art»: un museo virtual (cómo no) que permite comprar por internet las piezas de arte invisible. En la práctica, sus tarjetas. En algunas llegan a explicar cómo hay que exponer las obras en el salón de tu casa, para sacarles el máximo partido. Ante todo esto sólo caben dos posturas: A, el pobre James Franco está como una chota, o bien B, el actor tiene más cara que espalda y sus clientes son idiotas. En «Sesión Doble» no descartamos que la verdadera respuesta sea C: que A y B son correctas.

19 / Michelle Pfeiffer creyó durante un tiempo que podía alimentarse sólo con aire y luz del sol

Fue al comienzo de su carrera, cuando la guapísima Michelle acababa de llegar a Los Ángeles soñando con ser actriz, con nada más en su currículum que el título de Miss Orange County 1978. Sin conocer a nadie en la Meca del Cine, trabó amistad con unos vecinos que decían ser «entrenadores personales», especializados en dietas vegetarianas bajas en grasas. Tan bajas… que acabaron convenciendo a la actriz de que podía vivir del aire y del Sol. Como las plantas.

Al final resultó que sus vecinos no eran unos «hippies» simpáticos sino los líderes de una secta conocida como «Los Respiracionistas». Que por méritos propios, ocupa un lugar destacado en la lista de las sectas más peligrosas de Hollywood. Empezaban quitándote la comida y acababan (como todas) quitándote la cartera.

Michelle logró dejar la secta porque su novio de entonces (y posterior exmarido) Peter Horton, estaba preparando una película sobre la secta Moon, y detectó enseguida sus peligrosas semejanzas con los Respiracionistas. Aunque también es verdad que no hacía falta ser un lince.

18 / Tom Hanks colecciona máquinas de escribir de todos los tiempos

De todos los tiempos… de antaño, se entiende, porque seguro que ya no las usa ni Jessica Fletcher. Sin embargo, el protagonista de «Forrest Gump» es un enamorado de las máquinas de escribir, de su sonido, de su olor, de las tipografías que manejan y del tacto de sus teclas bajo las yemas de los dedos. A otros les gusta el látex y la cera caliente; a Tom Hanks le van las máquinas de escribir.

El bueno de Tom tiene en su casa más de 250 máquinas de escribir. Escribe con ellas al menos una vez al día, escribiendo cada día con una máquina distinta. Llegó incluso a escribir un libro de cuentos, imponiéndose el reto personal (y cumpliéndolo) de escribir cada cuento con una máquina diferente. Y afirma, como remate, que «no hay nada más relajante que el sonido de esas máquinas al pulsar sus teclas». Algunos dirán que, más que raro, Tom Hanks es directamente tonto. Pero nosotros no, porque ya sabemos que «tonto es el que hace tonterías»… y amar objetos antiguos no es ninguna tontería.

17 / Shirley Temple fue investigada por el Vaticano para ver si era una enana disfrazada

Sin duda es una de las rarezas más divertidas de Hollywood. Aunque, siendo precisos, habría que atribuírsela al Vaticano, y no a Shirley Temple. Pero lo cierto es Temple, famosísima estrella infantil de los años 30, fue puesto bajo la sombra de la duda por aquellos que no podían creer en un éxito tan temprano. Con sólo 6 años de edad, la chica cantaba y bailaba más que bien, y rodaba películas (una tras otra) que invariablemente barrían en taquilla. Y por lo asombroso de su éxito se divulgó el rumor de que Shirley, en realidad, «era una mujer de 37 años disfrazada y con acondroplasia». O sea: con enanismo.

Como suele ocurrir, el rumor se originó en la prensa sensacionalista, de ahí saltó a los corrillos y conversaciones, y finalmente adquirió tal relevancia que el mismísimo Vaticano envió a Estados Unidos a su propio investigador, el padre Silvio Massante, para que desvelara la verdad sobre Shirley Temple. Sus conclusiones desilusionarían hoy en día a los investigadores de lo paranormal, porque Massante descubrió, oh sorpresa, que aquella niña era una niña.

Años más tarde, Shirley Temple se convirtió en la primera Embajadora Especial de las Naciones Unidas. Y embarcada en su nueva ocupación, mandó a Hollywood a paseo, para siempre. Normal.

16 / Brad Pitt nunca usa jabón

Y eso que lo fabricaba en «El club de la lucha», y llegaba a un pronunciar una frase que muchos suscribirían: «La civilización se mide por su consumo». Pero lo cierto es que, en la vida real, el bueno de Brad está en contra del uso de productos cosméticos porque «Envejecen la piel prematuramente». Por eso, dice, nunca se ducha con jabón.

En vez de jabones químicos, este «sex symbol» de metro 80, ojos azules y pelo rubio natural ha estado utilizando, durante años, una mezcla que él mismo preparaba a mano con vinagre, limones y sidra. Aunque dicen las malas lenguas que no era una mezcla demasiado efectiva. En cualquier caso, la usó sobre todo (al parecer) durante su relación con Angelina Jolie. Ahora que vuelve a estar soltero y en el mercado, y sin una esposa que le aguante las manías, algo nos dice que Brad Pitt ha dejado los limones y el vinagre para las ensaladas.

15 / Greta Garbo era una fanática de las «dietas milagro»

La estrella de «Ninotchka» y «Gran Hotel» se apuntaba a cualquier dieta, cuanto más extraña mejor, que prometiera la eterna juventud. Durante meses se alimentó exclusivamente con una pasta de levadura cruda con suero de leche (lo que algunos llamarían «engrudo»). Más tarde se consagró a comer sólo espinacas, a todas horas. Y casi todas esas dietas fueron sugeridas a Greta Garbo por el entonces célebre Gayelord Hauser: un autoproclamado «gurú» de la alimentación, con el que Garbo tuvo tanta amistad que durante un tiempo vivieron juntos.

Lo malo fue que, por sus peculiares menús, Greta Garbo sufría con frecuencia dolores de estómago, anemias galopantes o flatulencias estruendosas. No sabemos si podía o no competir con Brad Pitt en malos olores, pero una cosa está clara: a Garbo le llamaron, en su etapa de máximo esplendor, «La mujer que nunca ríe». Con esa dieta, no nos extraña.

14 / El siempre elegante Cary Grant fue adicto al LSD

Fue el paradigman de la elegancia en «Con la muerte en los talones», en «Atrapa a un ladrón» o en «Charada»: el hombre al que nunca se le arrugaba el traje, por más azarosas que fueran sus aventuras. Pero en la vida, fue un verdadero adicto al LSD, que tomó ácidos todos los días durante 3 largos años. Él lo llamaba «Mi hora del té».

Conviene señalar que, en los años 50, el LSD no era visto como una droga lisérgica de «hippies» y tirados, sino como el medicamento de moda que podía abrirte «las puertas de la percepción». Aldous Huxley lo probó, y la inocente Debbie Reynolds también… aunque ella, por consejo de Cary Grant.

El astro británico había tenido una infancia terrible: creció en la extrema pobreza, convencido de que su madre había muerto hasta que descubrió que su padre la había metido en un manicomio sin decírselo a nadie. Y parece que el LSD le ayudó, ciertamente, a penetrar en su subconsciente y a «matar» ciertos fantasmas. Pero también le sumió en conductas paranoicas y accesos de violencia cada vez más peligrosos.

Otro efecto secundario, casi nunca revelado, del LSD, es que podía hacer perder el control de esfínteres. Más de una vez, el «glamouroso» Cary Grant regresó de sus viajes de ácido con los pantalones manchados por completo. Algo nos dice que esa parte no se la contó a Debbie Reynolds.

13 / Fran Drescher cree que fue abducida por extraterrestres

La estrella de la telecomedia «La niñera» podría protagonizar otra teleserie con lo que dice que le pasó en la vida real. Los hechos comprobables es que ella tiene una cicatriz en la mano. Y para explicarla, tiene la teoría de que en su juventud fue abducida por un platillo volante y le pusieron un chip subcutáneo en esa mano, no sin antes someterla a toda clase de experimentos sexuales. De acuerdo: eso explicaría la cicatriz… y su singular forma de vestir (ver vídeo). Pero hay algo todavía más asombroso: Drescher conoció a un hombre con una cicatriz idéntica y, asombrada ante la casualidad, se casó con él.

Ese hombre era el productor Peter Jacobson; Fran Drescher y él estuvieron 21 años casados y, a día de hoy, siguen siendo muy buenos amigos. Eso sí: Jacobson no comparte las teorías de su exmujer, ni considera que la cicatriz en la mano sea señal inequívoca de nada. Pero qué sabrá él.

12 / James Stewart fue investigado por tráfico internacional de reliquias

En la pantalla fue casi siempre el bueno de la película, el hombre recto sin tacha, la encarnación del americano medio (al menos, de la forma en que el americano medio se veía a sí mismo). Así era, o parecía, el gran James Stewart. Pero en la vida real, el protagonista de «Vértigo» y de «El hombre de Laramie» fue investigado por trasladar desde el Nepal hasta Inglaterra nada menos que la mano de un Yeti: el «Abominable Hombre de las Nieves».

Ocurrió en 1957, cuando Stewart estaba en la India con su esposa, por el rodaje de una película. A través de un amigo común, se puso en contacto con Stewart un hombre que le ofreció dinero fácil a cambio de algo sencillo. Sólo debía transportar en su equipaje una reliquia que aquel hombre había robado en un monasterio budista, y llevarla hasta Occidente con la aparente seguridad de que, hey, ¿quién va a sospechar de James Stewart?

Pero sí que sospecharon. En la aduana de Londres la policía le paró, y encontraron lo que parecía ser la mano momificada de un Yeti escondida entre la ropa interior de la señora Stewart. No obstante, estudios posteriores determinaron que era una falsificación… tan falsa como la imagen de tipo intachable que tenía James Stewart: un hombre capaz de meter un objeto sospechoso en la maleta de su mujer, por un puñado de dólares.

11 / Gary Busey esnifaba cocaína sobre la espalda de su perro

Ojalá hubiera sido vitamina D, pero qué va: el antaño famoso Gary Busey confesó en una entrevista, con toda naturalidad, que le gustaba preparar rayas de cocaína sobre la espalda de su perro. Podría haber utilizado una mesa, que no tiene pelo y no se mueve, pero por alguna razón Busey prefería a su perro. Y ojo: estamos hablando de un hombre que fue nominado al Oscar de mejor actor principal por «La historia de Buddy Holly» en 1978, y que brilló encarnando al malo malísimo de «Arma letal», en 1987. Pero todo cambió para él en 1988.

Aquel año, Gary Busey sufrió un accidente de moto que le dejó clínicamente muerto durante varios minutos. Salvó su vida de milagro, pero quedó para siempre con una lesión cerebral que no le impide hablar o trabajar… pero que ha borrado de su mente toda clase de filtros: el actor dice (y hace) siempre lo primero que se le pasa por la cabeza, sin pensar en las consecuencias. Eso explicaría su entrada en el «Gran Hermano VIP» británico, o las películas que rueda hoy en día, o lo que hacía con su perro.

Pero también dicen, los que le conocen, que lo de la moto es la excusa perfecta para justificar lo que siempre ha sido: un tío raro de narices.

10 / Humphrey Bogart fue modelo infantil en potitos de bebé

El tipo duro de «Casablanca», de «La Reina de África», de «El último refugio»… tiene un pasado oscuro que pone en solfa su rocosa imagen fílmica: ¡fue modelo infantil en etiquetas de comida para bebés! Aunque, para ser justos, tan ignominioso delito no fue culpa suya sino de su madre, Maude Humphrey, que era ilustradora (muy cotizada, en su día) y que lo utilizó para dibujar a los niños rubicundos que aparecían en las etiquetas de «Mellin’s Food»: la más popular de las marcas de alimentos para bebés, a comienzos del siglo XX.

Quizá para compensar, el joven Bogart se forjó como «duro» alistándose en la Marina para luchar en la Primera Guerra Mundial. Sirvió a bordo de un barco de suministros, el «USS Leviathan», y sobrevivió a un ataque con torpedos de submarinos alemanes, que a punto estuvieron de hundirle. La explosión de uno de los torpedos le dejó para siempre una cicatriz en el labio… que en realidad le vino bien en su carrera, porque subrayaba su expresión «gangsteril». Pero, ¿qué le habrían dicho en «Casablanca» si se llega a descubrir su vergonzante pasado como modelo de potitos? Seguro que Ingrid Bergman se habría subido al avión con Viktor Laszlo.

9 / Arnold Schwarzenegger fue derrotado en un casting en el que sólo había que lucir músculo

Con una estatura de metro 88, y tras haber ganado 5 veces el título de Mister Universo y 7 veces el de Mister Olimpia, el joven Arnold Schwarzenegger se las prometía muy felices cuando se presentó al casting para el papel principal de una teleserie que haría historia: «El increíble Hulk».

En aquel entonces, los efectos digitales de «Los Vengadores» no estaban siquiera en la imaginación de nadie, así que la única forma de dar vida a La Masa en la pantalla era contratar a un tío muy cachas y pintarlo de verde. Arnold no había rodado todavía «Conan el Bárbaro», pero aún así ya tenía cierta fama y no había mejor culturista que él. Por eso pensaba que el casting sería pan comido…

…pero se equivocó. A la hora de la verdad, fue derrotado. Con todos sus músculos, ¡le vencieron en un casting en el que sólo había que lucir músculos! Y como todos sus diálogos serían gruñidos, ¡ni siquiera se notaría su acento austríaco! Fue, en aquel momento, la mayor humillación de su vida. ¿Y sabéis quién le venció?

La victoria, en aquella ocasión, fue para Lou Ferrigno: otro culturista, al que Arnold Schwarzenegger se había enfrentado en infinidad de ocasiones, ganándole casi siempre. Ferrigno había logrado 2 veces el título de Mister Universo, antes que el austríaco… pero entonces llegó Arnold y, al menos en el culturismo, se acabó para siempre el reinado de «Lou, el Breve».

No obstante, en el casting de «Hulk», Lou Ferrigno tenía una ventaja: medía metro 93, cinco centímetros más que Arnold Schwarzenegger. Esa fue la razón principal por la que le ficharon para la serie… haciendo que Arnold tuviera que esperar un poco más para su salto al estrellato.

8 / Javier Bardem encarnó a Superman, al comienzo de su carrera

¿Fue el doble de Henry Cavill en «El hombre de acero»? ¿El verdadero actor en la sombra (lo sentimos, Brandon Routh) en «Superman Returns»? No: Javier Bardem encarnó a un Supermán muy especial, castizo y con problemas de vuelo… en el programa matinal que tuvo, en su día, el periodista Pepe Navarro. Fue antes de que Javier Bardem triunfara como actor, con poco más de 20 años, cuando tenía que aceptar cualquier trabajo para llegar a fin de mes. Seguro que, en aquel entonces, ni él mismo imaginaba que acabaría ganando el Oscar. Dentro vídeo:

En esa misma etapa de su vida trabajó como obrero de la construcción, guardia de seguridad, camarero, ayudante de pastelería y «stripper» (una sola noche, en una discoteca a la que acudió como espectadora su propia madre, Pilar Bardem). Después llegarían sus primeras oportunidades como actor, de la mano de Bigas Luna, en «Las edades de Lulú» y «Jamón jamón». Y mucho más tarde, el Oscar con los hermanos Coen en «No es país para viejos». Y hablando del Oscar…

7 / Björk puso huevos en la alfombra roja de los Oscar

La cantante y actriz ocasional Björk deslumbró al mundo, de la mano de Lars Von Trier, en «Bailar en la oscuridad». La islandesa protagonizó ese peculiar musical y compuso sus canciones, y por una de ellas fue nominada al Oscar de mejor canción original. Pero una no se hace famosa en todo el globo por su estilo singular, para luego plantarse en la alfombra roja como una más. No: Björk convirtió su paso por la alfombra en toda una «performance».

Para empezar, acudió a la gente con el legendario «vestido cisne» que vemos sobre estas líneas, del diseñador serbio Marjan Pejoski, y calificado a menudo como el peor vestido de toda la historia de los Oscar. Pero es que además, y ya que iba de cisne, la artista estuvo poniendo huevos a lo largo de la alfombra roja. Los dejaba caer desde su vestido, poco a poco, con una cuerda, y una vez puesto se alejaba. Y ella misma recuerda, entre risas, que los guardias de seguridad los recogían del suelo y se los devolvían, azoradísimos, dándoselos con estas palabras: «Disculpe, señorita, se le ha caido esto».

Se puede discutir lo que se quiera sobre el nivel artístico de la «performance» de Björk, y ponerle la etiqueta que cada uno considere. Pero una cosa es indudable: como piezas artísticas, por lo menos los huevos de Björk eran perfectamente visibles. No como los de James Franco.

6 / Anne Heche se coló en casa de un extraño diciendo que era la hermana de Jesucristo

La actriz de «Seis días y siete noches» fue una estrella durante, más o menos, 6 o 7 minutos. El tiempo que pasó entre su contrato para este film, y el descubrimiento global de que era bisexual, y novia en ese momento de Ellen DeGeneres. Eran otros tiempos, y hoy en día no se desataría ningún escándalo por ello (o eso nos gusta pensar), pero en aquel entonces fue una debacle para la carrera de la actriz. Y hundida en todos los sentidos, Anne Heche respondió con una rareza descomunal.

El 19 de agosto del año 2000, Heche circuló en coche desde su casa en Los Ángeles hasta la localidad de Fresno. También en California, pero a 400 kilómetros de distancia. Después se bajó del coche en ropa interior, caminó 3 kilómetros por un bosque en plena noche, se topó con la casa de un desconocido, entró en ella y se sentó en el sofá a ver la televisión. Cuando apareció el propietario, le dijo que ella era «la hermanastra de Cristo» y que le llevaría al Cielo «en su nave espacial».

La ambulancia no tardó en llegar. Años después, Heche reconoció que aquella noche había mezclado alcohol, drogas y fármacos. Y que sus disparates teológicos eran, realmente, la válvula de escape a sus traumas infantiles. Cuando era niña, su propio padre la había sometido a abusos sexuales. Y en el Universo Alternativo al que escapaba en su imaginación, el parentesco con Cristo y la nave espacial tenían todo el sentido del mundo. Hoy, por suerte, Anne Heche está plenamente recuperada.

5 / Halle Berry fue salvada de morir ahogada por el mismísimo James Bond

He aquí una rareza en pareja, que a Halle Berry sólo le parece divertida ahora cuando la cuenta, y no entonces cuando la vivió. La actriz estaba en Cádiz rodando la escena en que conoce a Pierce Brosnan, en «Muere otro día» (la última película de Brosnan como Bond), cuando tuvo un accidente por «pasarse» de sexy. Halle tenía delante una mesa con varios alimentos, y mientras recitaba sus diálogos cogió un higo y empezó a comérselo, de forma pretendidamente «sensual».

Y en ese inoportuno momento, se atragantó.

No tuvo nada de gracioso: en aquel instante se estaba asfixiando de verdad, con su vida pendiendo de un hilo. El trozo de higo se le atascó en la tráquea, y la actriz no podía respirar, ante la mirada atónita del resto del equipo. Pero no hizo falta llamar a una ambulancia porque, al fin y al cabo, allí mismo tenían a James Bond.

Y es que Pierce Brosnan, tan ágil y oportuno como el propio 007, cogió a Halle por la espalda y le hizo perfectamente la maniobra Heimlich. En un instante, el trozo de higo salió disparado y la actriz se salvó de la muerte. ¡Y le salvó el mismo 007! En esta ocasión, con licencia para practicar primeros auxilios.

4 / Courteney Cox debutó como actriz en un mítico videoclip de Bruce Springsteen.

Hoy se la conoce por ser la chica que interpretó a Monica Geller, la hermana de Ross: la morena de las actrices de «Friends» y, al menos en la ficción, la más limpia de todas (seguro que haría buenas migas con Jeremy Irons). Pero hubo un tiempo en que a Courteney Cox nadie la conocía, y no era más que una modelo de cara bonita y ojos azules, sin demasiadas ambiciones en el mundo del espectáculo. Hasta que el «Boss» se cruzó con ella, y la hizo protagonista de uno de sus más famosos videoclips: «Dancing in the dark».

Corría el año 1986, Bruce Springsteen estaba en el apogeo de su fama, y grabó un excelente videoclip, dirigido por nada menos que Brian DePalma, que simulaba un concierto en directo. A mitad de canción, Bruce se fijaba en una espectadora y la subía al escenario para bailar juntos. Y esa espectadora, lo que son las cosas, no era otra que Courtney Cox. Fue su primer trabajo como «actriz», y desde entonces encadenó sin parar un papel tras otro. Y con los años, su colaboración con el «Boss» quedó casi olvidada… hasta renacer, hoy en día, como una de las rarezas más divertidas de Hollywood.

3 / Randy Quaid es víctima de una conspiración por parte de una peligrosa sociedad secreta

O al menos, eso dice él. Pero algunos se estarán preguntando: ¿quién demonios es Randy Quaid? Es el hermano mayor de Dennis Quaid, y tiene un papel que sobresale por encima de los demás, en sus últimos 30 años de carrera: el del piloto de «Independence Day» que estrellaba su avión contra un platillo volante, iniciando así la «remontada» de los humanos en su lucha contra los extraterrestres.

Y seamos sinceros: cuando ése es tu mejor papel en 30 años, es que algo no va bien en tu vida. Pero Randy Quaid tiene muy claro que la culpa es de los «Star Whackers».

Dicen Randy Quaid y su esposa que los «Star Whacker» son una sociedad secreta de abogados y críticos que están detrás de la muerte de Heath Ledger y de otras estrellas, responsables también del fin de la carrera de Mel Gibson (como si Gibson no se bastara él solo para hundirse). Siempre según Quaid, los «Star Whackers» tienen a todo Hollywood bajo su yugo, y sólo unos pocos valientes como él se atreven a plantarles cara. La explicación de todo ésto se resume en dos palabras: psicosis paranoica.

El pobre Randy llegó a ser nominado al Oscar de mejor actor secundario por «El último deber». Pero tras «Independence Day» se le fueron acumulando las acusaciones de abuso de autoridad en los platós, comportamientos violentos o conducta impropia, como cuando se presentó a los ensayos de una obra de Shakespeare disfrazado de pene gigante, y empeñando en interpretarla ante el público de esa misma guisa. Como cualquiera menos él podía imaginar, le despidieron de la obra.

Sin ingresos conocidos, fue acumulando impagos en tiendas y hoteles, puso en venta su casa y justo antes de venderla la «okupó» y vandalizó durante 4 días hasta dejarla hecha una ruina… y al final, acabó pidiendo asilo político en Canadá. No se lo concedieron. ¡Malditos «Star Whackers»!

2 / Nicolas Cage tuvo un pulpo como profesor de interpretación

El segundo puesto en el pódium de raros es para Nicolas Cage, con una lista de rarezas más larga que su galería de caras. ¿Por dónde empezar? Coleccionaba cabezas de dinosaurios, pujó con Leonardo DiCaprio por la compra de un meteorito, bautizó a su hijo con el nombre de Kal – El (el nombre verdadero de Supermán, allá en el planeta Krypton) y tiene ya preparada una tumba para él, un mausoleo en realidad, en el cementerio de Nueva Orleans… con forma de pirámide. Pero lo más raro, sin duda alguna, es lo del pulpo.

El propio Nicolas Cage ha contado que compró un pulpo para utilizarlo como profesor de interpretación. Así, como lo oyen. Dice Cage que le costó 150.000 dólares, porque es de una especie bastante extraña, y que analiza sus gestos y comportamientos para aplicarlos a sus personajes. Eso daría sentido a las interpretaciones a las que nos tiene acostumbrados (ver vídeo, arriba) y explicaría, por ejemplo, que para rodar «Besos de vampiro» el bueno de Nicolas juzgara necesario comerse un par de cucarachas vivas. Pero nos queda la duda de si el pulpo es de la escuela del Actor’s Studio o más bien de la Juilliard School. Nic, por favor, pregúntaselo de nuestra parte.

1 / El líder indiscutible de las rarezas más divertidas: Tom Cruise en casi cualquier faceta de su vida

Decíamos al principio que, con todas las rarezas que hay en Hollywood, Tom Cruise puede llegar a parecer casi normal… pero qué va: el líder de la Cienciología sigue venciendo a todos en la carrera por ver quién es la estrella más rara de Hollywood. En una ciudad llena de perros verdes, él es un galgo esmeralda.

Y eso que, seguramente, el rumor de que come placentas no es más que eso: un simple rumor. Pero el mero hecho de que surgiera esa historia, y de que la gente se la creyera, da una idea del nivel de rareza al que estamos acostumbrados con Tom Cruise. ¡Sobre todo desde que saltó en el sofá de Oprah Winfrey!

Lo de las placentas surgió cuando su ex, Katie Holmes, estaba a punto de dar a luz a la única hija biológica de Tom, Suri Cruise. Se dijo que la Cienciología promovía la ingesta de placentas tras el parto, como forma de completar el «ritual de vida»… pero no hay ni una sola prueba de ello. Aunque sí está demostrado, por ejemplo, que Tom Cruise compró una máquina para hacer ecografías y que la instaló en su propia casa, empeñado en hacer ecografías a Katie TODOS LOS DÍAS. Querida Kate: a lo mejor no te divorciaste lo bastante pronto.

Además, también se sabe que Tom usa, como tratamiento de belleza anti-edad, una mascarilla elaborada principalmente con excrementos de ruiseñor. Se supone que tales heces liberan una enzima especial (mira, como las sanguijuelas de Demi Moore) con enormes cualidades como exfoliante. Pero, sinceramente, ante la caca de ruiseñor como secreto de belleza, nosotros decimos lo mismo que el Ruiseñor de Milán: «Aaaah, me río…».

Y hay más, claro. En pleno plató de «La guerra de los mundos», Tom ordenó instalar una capilla publicitaria de Cienciología (lo que llevó al fin de su amistad con el director de la película, Steven Spielberg). Lo del sofá de Oprah Winfrey es ya tan antológico que sobran las palabras. Y al poco de empezar con Katie Holmes, Tom Cruise le regaló una colección de DVDs… con todas las películas de Tom Cruise. ¿Para poder recitar juntos los diálogos de «Risky Bussiness»?

Lo dicho, Katie: no fuiste lo bastante rápida.

1 / «La hija del embajador»: la novia que desaparece el día de su boda

La pesadilla del novio se cumple en esta serie: cuando todo está planeado para la boda, la novia desaparece. Se frustra así el enlace entre Sancar y Nare, enamorados desde niños y aparentemente destinados a consagrar su amor con el matrimonio. El problema es que el padre de la novia, acaudalado caballero de la alta sociedad, se opone a la boda (quién lo iba a decir en una novela turca, ¿verdad?) y logra con malas artes que la muchacha desaparezca. El novio, sin saber lo ocurrido, la culpará a ella de la aparente «espantada». ¿Descubrirá en algún momento la verdad, y podrá recuperar a su amor?

«La hija del embajador»: quizá la más esperada de las novelas turcas NUEVAS de 2022. Forma parte del catálogo de NOVA y Atresplayer Premium, y consta por el momento de 2 temporadas. La primera, con 17 capítulos; la segunda, con 35 capítulos; cada capítulo ronda los 150 minutos de duración. En efecto: ¡las novelas turcas nuevas son tan largas como las antiguas!

2 / «Luz de esperanza»: el padre criminal que no cometió ningún crimen y la hija muerta que no murió

Ömer, esposo de Ipek, es falsamente acusado de un robo y acaba en la cárcel. Su amada, embarazada de Ömer y rota por la injusta situación, finge sufrir un parto prematuro y perder al bebé, pero en realidad lo entrega en adopción. La criatura, una niña, crece feliz ignorando su situación, creyendo vivir con sus padres verdaderos. Pero cuando la niña tiene ya 11 años, su auténtico padre sale de la cárcel dispuesto a vengarse. Conclusión: las novelas turcas nuevas coinciden con las antiguas en que a veces necesitaríamos un dibujo para no perdernos con tanto enredo familiar. ¡Pero todo sea por unas buenas lágrimas!

«Luz de esperanza»: disponible en Divinity. Por el momento, 2 temporadas con un total de 164 capítulos, de 60 minutos cada uno.

3 / «Huérfanas»: las chicas de un orfanato en el instituto de «Gossip Girl»

Cinco adolescentes de un orfanato, víctimas de prejuicios e injusticias en la zona en la viven, no logran ser aceptadas en ninguna escuela pública de los alrededores. Y cuando parece que todas las puertas van a cerrarse ante ellas, la subdirectora del hospicio logra que sean aceptadas en un colegio privado, tan prestigioso como elitista. ¿Podrán adaptarse a la nueva situación, en un mundo tan distinto a sus humildes raíces? ¿O sufrirán de nuevo el desprecio y la incomprensión de quienes las rodean? Como esto es una novela turca, apostamos a que sufrimiento habrá un rato.

«Huérfanas»: disponible en Divinity, consta de 3 temporadas con un total de 113 capítulos, de unos 140 minutos cada uno. Eso da para mucho sufrimiento.

4 / «Yargi»: aquí huele a muerto

Las novelas turcas nuevas buscan terrenos nuevos en los que expandirse, y con «Yargi» entran en el mundo del «thriller» judicial. Su título, «Yargi», significa precisamente «Juicio», y la novela trata sobre un fiscal y una abogada (ambos muy atractivos, por supuesto) que han de unir sus fuerzas para descubrir al culpable de un asesinato. La investigación afectará inevitablemente a sus vidas personales, mezclándose con lo profesional. Y como esto es una novela turca, no descartemos que el amor les haga perder el «Yargi»…

«Yargi» ha empezado a emitirse en Turquía a finales de 2021, con un enorme éxito de audiencia. Sus derechos para ser emitida en Occidente acaban de adquiridos por Atresmedia . El número de capítulos es todavía un misterio, no así su duración: 2 horas cada uno.

5 / «Evlilik Hakkinda Her Sey»: todo sobre el matrimonio

Eso significa el título de esta novela turca nueva: «Todo sobre el matrimonio». Trata sobre 4 hermanas abogadas, expertas todas ellas en caso de divorcio. El éxito les sonríe, pero una tenebrosa nube llega a sus vidas: su padre, alejado de sus vidas años atrás, reaparece con la intención de recuperar el contacto. ¿Permitirán que se acerca, o consumarán su «divorcio» con él? La novela es una nueva versión de la serie británica «The Split», con idéntico argumento pero estética «british». Seguro que en la turca se llora más.

«Evlilik Hakkinda Her Sey»: capítulos de 2 horas, en número todavía indeterminado (empezó a emitirse en Turquía en septiembre de 2021). También ha sido vendida a Atresmedia.

6 / «Yesilçam»: bienvenidos al maravilloso mundo del cine

La palabra turca «Yesilçam» significa «Pino verde», aunque no estamos ante una serie documental sobre tan interesante conífera perenne. Y es que «Yesilçam» es también el nombre de una calle de Estambul en la que se alzaban numerosos platós y estudios de cine, entre los años 50 y 70 del pasado siglo. Ése es el escenario en que transcurre esta serie: quizá la más ambiciosa de las novelas turcas nuevas, en términos de producción. Quizá por ello va a tener una cualidad poco común en estas novelas: la brevedad.

«Yesilçam» es una serie de 2 temporadas, cada una con sólo 10 capítulos de 1 hora de duración. Se estrenó en Turquía en abril de 2021, y ha sido la novela turca de más éxito en México, pero todavía no tiene fecha ni cadena en España. No obstante, la podemos encontrar en la plataforma turca de series.

7 / «Yakamoz S-245»: la ciencia-ficción llega a las novelas

En 1982 se estrenó la obra cumbre (por así decirlo) de la ciencia-ficción turca: un film que plagiaba escenas enteras de «La guerra de las galaxias», usando por la cara trozos de metraje del film de George Lucas (¿Copyright? ¿Qué es eso?). Ese film se titula «Dünyayi Kurtaram Adam», y hoy en día es una película de culto. Por suerte, las cosas han mejorado mucho desde entonces, y «Yakamoz S-245» narra una historia de ciencia-ficción, pero sin la picaresca de «Dünyayi» y con un acabado más que aceptable. Eso sí: las novelas turcas nuevas no escapan a ciertos rasgos. Y «Yakamoz» transcurre en un submarino, pero la tripulación podría competir en belleza con el casting de «Pájaro soñador».

«Yakamoz S-245» se estrenará en Netflix a lo largo de 2022, y constará de 8 episodios, probablemente de la duración característica de Netflix: unos 45 minutos.

8 / «Medianoche en el Pera Palace»: regreso al pasado

¡Otra serie de ciencia-ficción en el catálogo de novelas turcas nuevas! Y su ubicación no podía ser más glamourosa: el Pera Palace Hotel, sede durante décadas de la más efervescente vida social en Estambul. En esta novela, la protagonista está investigando el viejo hotel cuando descubre que una de sus habitaciones es, en realidad, una puerta al pasado. Por supuesto la cruza, y aterriza en 1919, en medio de un complot para destruir al fundador de la moderna Turquía: Mustafa Kemal Ataturk. La chica luchará por preservar el futuro del país… y por el camino, oh sorpresa, conocerá a un atractivo galán.

«Medianoche en el Pera Palace»: una serie de Netflix con una sola temporada, compuesta de 8 capítulos de 45 minutos cada uno.

9 / «Vuelo de pájaro»: historias de la televisión

Después de hoteles, submarinos y platós de cine, esta aportación a la lista de novelas turcas nuevas transcurre en un canal de televisión. En él coincide una expareja, en cuyo antiguo amor aún palpitan las brasas (quién lo iba a decir). Pero la serie también mostrará las desventuras de una joven risueña y voluntariosa que buscará su hueco en el canal, tratando de triunfar con la honradez por bandera. Con esas armas, quizá consiga el triunfo, ejem, en la ficción de la novela. Porque lo que es en la vida real…

«Vuelo de pájaro»: una serie de Netflix, de una sola temporada (por el momento), compuesta de 8 capítulos de 45 minutos cada uno. Aún no tiene fecha de estreno, pero se da por supuesto que llegará en 2022.

10 / «Hanedan»: los Carrington desembarcan en las novelas turcas nuevas

En los años 80, la mítica serie «Dinastía» fue en el escaparate en el que la ficticia familia Carrington mostraba al mundo su obscena riqueza y sus bajas pasiones. Hace un par de años se hizo una nueva versión, de nuevo en Estados Unidos. Pero en la actualidad, entre las novelas turcas nuevas se cuela un «remake» otomano del original estadounidense, con el mismo gusto por la ostentación y el lujo… pero, estamos seguros, con más amores prohibidos y familias rotas.

¿Quién será la versión turca de Alexis Carrington, el inmortal personaje encarnado por Joan Collins? Se dice que se lo han ofrecido a Demet Özdemir: la estrella turca que triunfó con «Pájaro soñador». Pero su fichaje aún no es seguro, y la nueva novela no tiene todavía fecha de estreno, más allá de que llegará a las pantallas en algún momento indeterminado de 2022.

La estaremos esperando.