Sentado frente al Mundo

La masturbación a través de la historia

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 25 Jan 2012 04:59:00 +0000

"La ciudad de Mileto para esa fecha, se había hecho famosa en todo el Mediterráneo debido al cuero con el que confeccionaban sus consoladores. Tanto así, que Lisístrata, la heroína de la obra homónima de Aristófanes, era una mujer se quejaba amargamente de la escasez de dildos..."

En la actualidad el onanismo o masturbación sigue siendo visto como un tabú y tachado como una actividad vergonzante, pero no toda la vida fue así. En la antigüedad era un acto común, personal y privado (la mayoría de veces), pero jamás denigrante ni prohibido por ninguna ley. No está muy claro desde cuando empezó a ser condenada y vista como algo perverso y amoral, pero de lo que si estamos seguros, es que gran parte de la culpa fue de la iglesia.

En los mitos más antiguos de la Mesopotamia y Egipto, el dios Apsu, o Atúm surgió del "océano primigenio", creándose a sí mismo mediante masturbación, saliva y lágrimas, y de esta forma es que llegó a crear la Vía Láctea. Por eso no es nada raro que las reinas egipcias fueron enterradas hace más de cuatro mil años con todos los objetos que necesitarían en el más allá, entre los que se destacaban la ropa, los peines y sus dildos (vulgarmente llamados consoladores).

Aunque sólo el rígido código de disciplina espartana condenaba la masturbación, el resto de griegos la consideraban un don de los dioses. Creían que el dios Hermes le enseñó a su hijo Pan, más conocido como Fauno, cómo masturbarse para liberarse de la miseria que sentía cuando era desdeñado por la ninfa Echo. El Fauno aprendió bien la lección, superó su dolor y transmitió la enseñanza a los primeros pastores de la arcadia griega.

La masturbación era común entre hombres y mujeres, pero es importante destacar, que aunque hubiese sido un obsequio de los dioses, era considerada como una actividad privada y muy personal, aunque como sabemos que toda regla tiene su excepción. Por ejemplo cuando el filósofo Diógenes se levantaba la toga y se masturbaba en público en el ágora, el pueblo se sorprendía y las chicas unas más unas menos se sonrojaban. El filósofo trataba de demostrar que todas las actividades humanas merecen ser hechas en público, que ninguna de ellas es tan vergonzosa como para requerir privacidad. De todas formas, aunque innovadora y audaz en todo sentido la propuesta de Diógenes, sus conciudadanos no estuvieron de acuerdo y no fue secundada.

El famoso médico griego Galeno sostenía que la retención de semen en el organismo era peligrosa y causante de mala salud. Citaba al mismo Diógenes como ejemplo de una persona culta, que practicaba el sexo para evitar los riesgos de retener el semen.

Los dramaturgos también mencionaban los consoladores en sus comedias, mientras los artesanos los representaban en sus jarras y cuencos. La ciudad de Mileto para esa fecha, se había hecho famosa en todo el Mediterráneo debido el cuero con el que confeccionaban sus consoladores. Tanto así, que Lisístrata, la heroína de la obra homónima de Aristófanes, era una mujer se quejaba amargamente de la escasez de dildos.

“Y ni siquiera de los amantes ha quedado ni una chispa, pues desde que los milesios nos traicionaron, no he visto ni un solo consolador de cuero de ocho dedos de largo que nos sirviera de alivio «cueril». Así que, si yo encontrara la manera, ¿querríais poner fin a la guerra con mi ayuda?”
Línea 110

Para quienes no lo saben, Lisístrata es una comedia que narra la historia de un grupo de mujeres que decidieron suspender las relaciones sexuales con sus maridos, hasta que estos pusieran fin a la interminable guerra entre Atenas y Esparta. Para cumplir su objetivo echan de menos los buenos consoladores de Mileto confeccionados con piel de perro, si, de perro. Es una buena comedia, pueden descargarla aquí.

Hay algo que es importante señalar, y es que la masturbación entre los hombres griegos adultos, también era vista como un signo de pobreza, ya que cuando tenían dinero preferían pagar a una trabajadora sexual.

Bueno, continuando con el curso de la historia, la masturbación cayó en desgracia en Europa con el inicio del cristianismo, pero lo curioso es que la Biblia no hace mención alguna sobre la masturbación. A pesar de eso, los primeros padres de la iglesia se oponían a esta práctica del mismo modo que a cualquier tipo de sexo no reproductivo. Por ejemplo, Augustine de Hipona (350–430 d.C), un obispo influyente de los primeros años de la iglesia cristiana, enseñaba que la masturbación y otras formas de relaciones sin penetración eran pecados peores que la fornicación, la violación, el incesto o el adulterio. Sostenía que la masturbación y otras actividades sexuales no reproductivas eran pecados "antinaturales" porque eran anticonceptivos. Como la fornicación, la violación, el incesto y el adulterio podían conducir al embarazo, eran pecados "naturales" y por lo tanto muchos menos graves que los pecados "antinaturales". De esta manera y desde esta fecha, la masturbación fue considerada como un pecado más grave que una violación o el incesto.

Agustín de Hipona, por Boticcelli

La condena de Augustín de Hipona a la masturbación como pecado antinatural fue aceptada por toda la iglesia durante la Edad Media y restablecida en el Siglo XIII por Santo Tomás de Aquino en su Summa Theologica.

La historia bíblica de Onan, citada frecuentemente como un texto en contra de la masturbación, en realidad se refiere al pecado que cometió Onan al rehusarse a obedecer el mandamiento de Dios de fecundar a su cuñada viuda. Onan copuló con ella pero se retiró antes de eyacular y "derramó su simiente" fuera del cuerpo de la mujer, o sea realizó un común y silvestre coitus interruptus. La Ley de Moisés dictaba que cualquier persona que derramase su semen en tierra infértil lo estaba haciendo en el lugar incorrecto. En el siglo XVI Martín Lutero confunde aquel interruptus con "palma de la mano", y con eso contribuye a aumentar el estigma que ya llevaba.

Para el Siglo XV, el teólogo Jean Gerson en su modelo penitencial De Confessione Mollities, aleccionaba a los sacerdotes sobre cómo inducir a las mujeres y a los hombres a confesar "ese detestable pecado". Gerson sugería guiarlos con una inocente pregunta así: "Amigo, ¿recuerda haber tenido el pene erecto durante su niñez, alrededor de los 10 o 12 años?" Luego, sugería pasar a preguntarle directamente al penitente si se había tocado o eyaculado.

Los manuales de penitencias también especificaban las sanciones correspondientes, que, hay que decirlo, eran relativamente leves en comparación a otras penas. Generalmente fluctuaban en el rango de los treinta días de oraciones especiales y ayuno. Vamos, una bagatela.

A fines del siglo XVI, el científico Gabriello Fallopio les enseñaba a los varones a tirar de sus penes de forma enérgica y frecuentemente para estirarlo, fortalecerlo y de este modo aumentar su potencia de procreación, pero sus teorías igual fueron repudiadas por la iglesia.

En el siglo XVIII hace su aparición el nefasto médico Samuel August Tissot, con un libro publicado en 1760 que debió haber sido quemado. De ese pafleto se editaron cientos de ediciones que fueron leídas desde Voltaire y Rousseau hasta los fundadores de los Estados Unidos, en el que se difundían los más horripilantes mitos acerca de la masturbación y del síndrome "post-masturbatorio". Europa y Norteamérica se empaparon de las advertencias que hacía Tissot sobre la masturbación y curiosamente fue publicado hasta bien entrado el siglo XX, logrando crear un temor casi universal. En su tratado Tissot ilustra una anécdota de un hombre, que según el autor, había recibido tratamiento tardío para la terrorífica enfermedad:

". . . fui a su hogar y lo que encontré era más un cadáver que un ser vivo yaciendo sobre heno, escuálido, pálido, exudando un hedor nauseabundo, casi incapaz de moverse. De su nariz fluía agua sanguinolenta, babeaba constantemente, sufría ataques de diarrea y defecaba en su lecho sin notarlo, había un flujo constante de semen, sus ojos, saltones, borrosos y sin brillo habían perdido toda capacidad de movimiento, su pulso era extremadamente débil y acelerado, su respiración era dificultosa, estaba totalmente emaciado, salvo en los pies que mostraban signos de edema."
"El trastorno mental era igualmente evidente, no tenía ideas ni memoria, era incapaz de conectar dos oraciones, no tenía capacidad de reflexión, sin temor por su destino, falto de todo sentimiento salvo el de dolor que volvía por lo menos cada tres días con cada nuevo ataque. Esto lo hundía al nivel de una bestia, un espectáculo de horror inimaginable, era difícil de creer que alguna vez había pertenecido a la raza humana. Murió varias semanas después, en junio de 1757 con todo su cuerpo cubierto de edemas."
"Los problemas que experimentan las mujeres son tan explicables como los de los hombres. Como los humores que pierden son menos preciosos, menos perfectos que el esperma masculino, no se debilitan tan rápidamente; pero cuando se entregan excesivamente, por ser su sistema nervioso más débil y naturalmente con mayor inclinación a los espasmos, los problemas son más violentos."

Así se representaba la agonía de un hombre aquejado del mal de la masturbación

También en la época victoriana se vio a la masturbación casi como la raíz de muchos de los problemas del mundo. Varios libros de medicina del siglo XIX describen como secuelas directas de la masturbación el aletargamiento, locura pasiva y la inevitable pérdida del cabello. Imagínense la mala fama que se llevaba un pobre calvo inglés. Algunos textos incluso la consideraban una práctica potencialmente mortal. "En mi opinión", escribió el Dr. Reveillè , "ni la peste ni la guerra han tenido efectos tan desastrosos para la humanidad, como el miserable hábito de la masturbación". Empezó entonces una lucrativa oleada de tratamientos para esta “enfermedad”, llevando a los curanderos hasta los Estados Unidos. Se patentaron dispositivos insólitos para evitar las erecciones nocturnas no deseadas.

Igual, en esta misma época se presentó un curioso fenómeno: los médicos solían combatir la histeria femenina acariciando manualmente el clítoris de las pacientes hasta que pudieran alcanzar el orgasmo, que en esa época era conocido como paroxismo histérico, puesto que consideraban que el deseo sexual femenino reprimido era una enfermedad. Increíblemente esta costumbre dio origen al nacimiento de los vibradores, ya que los médicos se cansaban de manipular manualmente "tantos clítoris".

Mujer en "paroxismo histérico" luego de ser masturbada por un médico

Ya a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, aparece Sigmund Freud y reconoce que la masturbación podía tener efectos beneficiosos como como aliviar el estrés y evitar las enfermedades de transmisión sexual, sin embargo advertía que la masturbación podía causar trastornos neuróticos, especialmente neurastenia.

Hasta el siglo XIX, ésta era la imagen de un hombre que se masturbaba

El siglo XX fue avanzando y con el los conocimientos médicos (fisiológicos y psicológicos). Los expertos comenzaron a descartar los argumentos de que la masturbación causaba trastornos físicos, no obstante, muchos seguían manteniendo la creencia de que la masturbación era la consecuencia o conducía a trastornos mentales. En 1930, por ejemplo, el sexólogo Walter Gallichan, advertía que la masturbación en las mujeres era la causante de la apatía y frialdad femenina, que "sus gratificaciones solitarias opacaban su sensibilidad para el coito matrimonial".

A mediados de siglo el estigma contra la masturbación seguía siendo todavía muy fuerte. Los estudios demostraban que nueve de cada diez niños a los que se los encontraba masturbándose eran severamente amenazados, castigados y aterrorizados con el argumento de que se volverían locos o ciegos, o que les iban a cortar el pene o a coser la vagina. Un 82% de los alumnos de primer año de la universidad, todavía creían que la masturbación era peligrosa.

Tuvo que llegar Alfred Kinsey (junto a un grupo de colegas) y publicar los resultados de más de 15 años de investigaciones sobre la conducta sexual humana. Una de las contribuciones más importantes de ese trabajo fue precisamente considerar a la masturbación como algo normal y debilitar el estigma que la rodeaba. Los resultados eran reveladores: el 97% de los hombres y el 62% de las mujeres se habían masturbado alguna vez en su vida y habían alcanzado el orgasmo.

Alfred Kinsey

Es curioso. Los hombres, la sociedad, podían aceptar el informe de Kinsey sobre las actividades sexuales masculinas, pero no podían aceptar “la dura realidad” de las conductas sexuales de las mujeres norteamericanas. Fue como un shock, como un balde de agua fría al machismo, el enterarse (o que les dijeran en la cara) que una mujer podía masturbarse, tener orgasmos, tener sexo antes y fuera del matrimonio o con otras mujeres. La iglesia levantó su voz de protesta en todo el país. Sin ni siquiera echar un vistazo o leer el trabajo de Kinsey, el entonces carismático religioso Billy Graham escribió: “Es imposible estimar el daño que va a causar este libro a la ya deteriorada moral norteamericana". El remezón fue tal, que hasta un Senador (como siempre, McCarthy) denunció al trabajo de Kinsey como parte de la conspiración comunista. En todo el país, personas con el apellido Kinsey publicaban avisos en los diarios para aclarar que no estaban relacionadas con el autor. Finalmente y a causa del furor provocado, la Fundación Rockefeller retiró su apoyo al trabajo de investigación de Kinsey, pero ya era muy tarde, la sociedad (al menos el mundo occidental) se había despojado de los tabúes sexuales.

Los estudios llevados a cabo después de la muerte de Kinsey confirmaron sus conclusiones. Para la década de los 70, el 84% de estudiantes universitarios ya no creía que la masturbación les causara inestabilidad emocional o mental, el mito había caído. Aún así, en diciembre de 1994, en una conferencia sobre el SIDA patrocinada por la ONU, la entonces jefa del Servicio de Salud Pública de los Estados Unidos, doctora Joycelyn Elders, dijo que tal vez la masturbacion deberia ser enseñada en las escuelas, como una parte de los programas educativos escolares sobre sexualidad. Por estas declaraciones el presidente Bill Clinton le pidio que renunciara al cargo, cosa que no hizo. Finalmente, fue cesada.

A pesar de que la ciencia hace algunas décadas comenzó a tratar a la masturbación como una conducta normal, hasta ahora las más prominentes instituciones religiosas se han negado a reevaluar los principios sexuales que las rigen desde hace más de quince siglos.

Fuentes y referencias:
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El pequeño hombre que retrató la Belle Èpoque

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 09 Jan 2012 07:33:00 +0000

"De su vida sentimental se sabe que vivió dos años con una mujer, que luego intentó suicidarse ante su negativa de tener un hijo con ella. Sus relaciones posteriores fueron exclusivamente con prostitutas, con las cuales gustaba hacer de vouyer, especialmente en escenas de lesbianismo, costumbre bastante habitual entre las bailarinas y prostitutas de esa época".

Cartel anunciando a Jane Avril y Cléopatre Gazelle, las bailarinas estrellas del Moulin Rouge

A finales del siglo XIX, con el advenimiento de la luz eléctrica y con el capitalismo madurando como sistema económico, en Europa se vivía un ambiente de pujanza y satisfacción social. Se daban los primeros pasos en las telecomunicaciones y el comercio internacional. Este pequeño período de bonanza que abarca las dos últimas decadas del siglo XIX y que termina en 1914 con la Primera Guerra Mundial es conocido como la Belle Èpoque. Tolouse-Lautrec fue un pintor, un artista francés que logró capturar el espíritu y el esplendor de esa época.

Henri Toulouse-Lautrec nació en Francia en 1864, hijo de un matrimonio entre dos primos hermanos de una familia aristócrata. Durante su infancia Henri disfrutó de la vida privilegiada del hijo de un noble. Vivía en un castillo dentro de una gran propiedad que tenía bosques, ríos y animales de caza. Estaba siempre rodeado de amigos, tíos y primos, además de un gran número de sirvientes para atender sus necesidades.

Esa frecuente mezcla de sangre entre nobles y aristócratas, siempre dejaba como consecuencia uno que otro desbarajuste genético, y uno de éstos fue el causante de la muerte de su hermano menor con apenas año de vida. De hecho Henri también era un muchacho enfermizo, de constitución ósea muy débil, pero que a pesar de todo llevaba una vida feliz. Practicaba equitación, cantaba, dibujaba y salía de caza con su padre. Lastimosamente a los trece años se cayó de una silla y se fracturó el fémur izquierdo, y al poco tiempo, mientras se recuperaba se volvió a tropezar con tanta mala suerte, que se quebró el fémur derecho.

Sus fracturas soldaron bien pero sus extremidades inferiores dejaron de crecer, aunque el resto de su cuerpo se desarrolló normalmente, por eso nunca llegó a pasar de 1,50 cm de estatura.

Henri Tolouse-Lautrec

Sus padres quedaron devastados. Su padre comenzó a distanciarse de un hijo que era diferente a los demás, que ya no podía acompañarlo de cacería. Su madre en cambio, cada vez estuvo más atenta a sus necesidades físicas y emocionales. Por su parte, Henri terminó volcando su atención e interés hacia el dibujo. Viendo que el arte se convertía en una pasión para Henri, su padre se lo presentó a Henri René Princeteau, un pintor sordomudo. Princeteau quedó tan impresionado con el talento de Henri, que convenció a sus padres de que lo inscriban en el taller del reconocido maestro, Bonnat.

A los 17 años, Henri de Toulouse-Lautrec se fue de casa por primera vez a París, a estudiar en ese taller. Por alguna razón, el maestro Bonnat desarrolló una intensa aversión por el joven Toulouse-Lautrec, se decía era ego, envidia, quizá supo reconocer en el joven muchacho a un nuevo genio. Con el tiempo, la discordia se hizo mutua y duró toda la vida.

Dejó al maestro Bonnat y se matriculó en el estudio del maestro Fernand Cormon, un talentoso artista que lo supo orientar y le ayudó a crear su estilo. Vale destacar que tan buen maestro era Cormon, que otro de sus alumnos por esa misma época era Vincent Van Gogh.

Bajo la tutela de Cormon, Henri aprendió a pintar. Visitó todas las galerías con el afán estudiar las técnicas de otros pintores, especialmente los impresionistas. Cormon le dio a Henri una base sólida en las técnicas de pintura en un estilo formal. Sin embargo, cuando cumplió los veinte años, Henri comenzó a buscar una dirección artística diferente.

El legendario Moulin Rouge, cabaret frecuentado por Tolouse-Lautrec y que fue inmortalizado en su obra

Henri Toulouse-Lautrec se mudó al barrio de Montmartre de París en 1887. Montmartre era una comuna de comerciantes, así como de rufianes, proxenetas, prostitutas y artistas bohemios. La zona estaba plagada de burdeles, salones de baile, cabarets y clubes privados. Aquí es donde hasta ahora se encuentran los famosos Le Chat Noir, Le Lapin Agile, La Cigale y Le Moulin Rouge. En Montmartre los excesos de todo tipo eran moneda corriente.

Toulouse-Lautrec rentó un piso detrás del cementerio, en la calle Ganneron. Empezaba una nueva etapa en su vida, etapa que empezó como observador y terminó siendo partícipe del estilo de vida de la zona. Le encantaba merodear las calles y callejones, los bares y burdeles buscando nuevos temas para pintar y lo consiguió. Llegó a ser una especie de cronista gráfico del desenfreno de aquel París de finales del siglo XIX, del nacimiento de la Belle Èpoque.

Baile en el Moulin Rouge

Al contrario que a los artistas impresionistas, a Tolouse-Lautrec nunca le interesó el género del paisaje y prefirió ambientes cerrados, iluminados con luz artificial que le permitían jugar con los colores y los encuadres de forma subjetiva.

Para pintar Henri prefería a los clientes habituales del cabaret, a las bailarinas y las prostitutas. Nunca trabajó con modelos profesionales. Se rodeo de amigos marginales y se hizo habitué de las casa de citas donde entraba siempre con su buen humor, cantando canciones patrióticas y golpeando el bastón, ganándose pronto el cariño de las prostitutas, que se enorgullecían de su amigo "el pintor" y lo malcriaban como a un niño caprichoso.

Con Mirelle, la favorita del prostíbulo

Comenzó a retratar amigos, bailarinas y prostitutas y quedó atrapado en aquel bajo fondo de la noche bohemia parisina. Volvía de vez en cuando a su aristócrata castillo, sólo para visitar a su madre que adoraba.

En la foto superior lo vemos pintando a una prostituta conocida como Bertha 'La sorda', y más abajo dos cuadros terminados de aquella dama

Touluse tenía más espíritu de bohemio que de aristócrata, por lo que nunca pensó en dejar aquel barrio de tolerancia, lleno de bares y burdeles. De su vida sentimental se sabe que vivió dos años con una mujer, que luego intentó (o simuló) suicidarse ante la negativa de Henri de tener un hijo con ella. Sus relaciones posteriores fueron exclusivamente con prostitutas, con las cuales gustaba hacer de vouyer, especialmente en escenas de lesbianismo, costumbre bastante habitual entre bailarinas y prostitutas de esa época. Esas escenas inspiraron obras como "Las dos amigas".

Las dos amigas

El artista solía instalar por largas temporadas su atelier en aquellos lupanares, donde hizo estrechas amistades con las prostitutas, bailarinas y clientes, y es esta gente precisamente, la que da vida a sus cuadros y uno de los temas principales de su obra.

Esta serie de pinturas (arriba) se llama "La Revisión Medica", misma que era frecuente y obligatoria para las prostitutas. Se intentaba luchar contra una enfermedad que siempre había estado presente en aquellos hombres de vida libertina, la temible sífilis.

Femme nue devant sa glace

Luego empezó a pintar carteles anunciando los espectáculos nocturnos de aquellos antros, los mismos que le eran pagados con bebida o favores sexuales en los sitios que frecuentaba. Es así que estos burdeles pasaron por primera vez a ser protagonistas de una obra de arte. Uno de sus lugares preferidos de Henri Toulouse, siempre fue el Mouline Rouge.

Poster del Divan Japonais, otro club nocturno

De a poco y con su estilo, logró convertirse en el Rey de los afiches parisinos, en el cronista de la Belle Epoque, y lo que es más importante: Su trabajo no sólo fue el pionero de la publicidad gráfica sino también de los afiches de cine, que hasta hace poco seguían su mismo formato.

Poster del cantante Aristide Bruant, quizá su poster más famoso

La creación de carteles iba viento en popa y le otorgó fama de publicista gráfico. Esto llevó a Henri hasta Londres, donde le pidieron la elaboración del póster del famoso sitio "Confetti" y el anuncio de bicicletas "La Chaine Simpson".

Fue durante esta breve temporada en Londres, cuando conoció y entabló amistad con Oscar Wilde. Toulouse-Lautrec tambin le pintó un retrato, el mismo año en que Wilde afrontaba un juicio por sodomía en Londres.

El declive de Henri empezó pronto, en 1896. Su vida se había reducido a putas, alcohol y juergas. Comía y dormía muy poco, en contraste trabajaba mucho para poder pagarse su estilo de vida, además de que era un gran aficionado a la absenta.

Poster de Jane Avril, otra de las famosas bailarínas de la Belle Èpoque

El alcoholismo deterioró su salud y padeció manías, depresiones y neurosis. En 1897 fue recogido de la calle a causa de una borrachera y poco después, en un delírium trémens, llegó a disparar a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas de arañas. Sin embargo seguía pintando de forma firme y rápida; pero lo volvieron a recoger alcoholizado en 1899 y su familia lo hizo encerrar en un hospital psiquiátrico donde se le diagnosticó sífilis. Allí realizó una gran colección de pinturas con temática circense. Henri logra convencer a los profesionales -por medio de sus dibujos- de que aún mantenía su cordura, y salió a los tres meses.

La absenta, una de sus bebidas favoritas

Nuevamente volvió a sus andanzas, a sus prostitutas y al alcohol. Al poco tiempo tuvo una crisis paranoica que lo llevó a intentar suicidarse con metileno, y esta vez si estuvo internado durante un tiempo más largo. Cuando se dio cuenta que había topado fondo, de que era un hombre enfermo, volvió al castillo de su madre.

Toulouse-Lautrec con su madre en su propiedad

En la propiedad de su madre en Albi, cerca de Burdeos, y el 9 de septiembre de 1901 murió postrado en su cama a causa de una apoplejía, tenía apenas 36 años. Sus últimas palabras a la condesa fueron: "Madre, gracias. ¡Nadie como tu!". Y a su padre: "Gracias por venir papá. Sabía que no te perderías mi muerte".

La mayoría de las obras de Toulouse-Lautrec se mantuvieron en su estudio de París después de su muerte. Su madre, la condesa Adele Lautrec, queriendo perpetuar la memoria del hijo que tanto amaba, quiso que toda la colección permanezca intacta y obsequió todas las obras a la ciudad de Albi, donde Henri había crecido. También los miembros de su familia que habían recibido algun cuadro obsequiado por Toulouse-Lautrec estuvieron de acuerdo en donar las obras de arte a la ciudad.

At the Moulin Rouge

El 30 de julio de 1922, fue inaugurado oficialmente el Museo de Toulouse-Lautrec. El lugar elegido para albergar la colección, fue el Palacio de la Berbie, una imponente fortaleza de ladrillo del siglo XIII construido por los obispos de Albi al lado del río Tarn.

Portrait de Suzanne

Tal vez una de las ironías finales en la vida de Toulouse-Lautrec, es que su obra que logró capturar tan brillantemente aquel nuevo fenómeno cultural de París, no se encuentra en el Museo de Louvre ni en ningún museo de la capital, sólo en esa pequeña ciudad en el sur de Francia.

P.D. Bonnat, su primer maestro, con el que nunca se reconcilió, murió 21 años después. Éste, en su lecho de muerte en 1922, despojándose de cualquier sentimiento de rencor o envidia, sugirió -con éxito- que las obras de Toulouse-Lautrec se convirtieran en parte de las colecciones nacionales, es decir, en patrimonio francés.

A los amantes del arte aquí les dejo un espectacular blog especializado en la obra de Toulouse-Lautrec, y un archivo de fotos del pintor y de su familia.

Fuentes y referencias:
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El día que Nikita Kruschev se quedó con las ganas de conocer Disneylandia

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 03 Jan 2012 05:32:00 +0000

En uno de los momentos más surrealistas de la Guerra Fría, el líder soviético Nikita Kruschev estalló de rabia cuando se enteró que no podía visitar Disneylandia. El incidente sacó a relucir una actitud poco diplomática (infantil) del líder soviético, durante su visita a los Estados Unidos.

Kruschev llegó a los Estados Unidos el 15 de septiembre de 1959, aceptando la invitación y devolviendo la visita que le hizo Richard Nixon a Moscú, donde protagonizaron aquel famoso "Debate de la cocina". Era una visita de buena voluntad cuyo principal objetivo era sostener una cumbre con el presidente Eisenhower.

Dentro de los círculos diplomáticos Kruschev tenía la fama de terco y malcriado. Era conocido por sus 'escasas habilidades sociales y por incomodar a sus anfitriones', y eso fue exactamente lo que hizo en los Estados Unidos. Para colmo, unos días antes de su llegada, los rusos lanzaron un misil que logró aterrizar en la luna. Era el más exitoso paso soviético en la carrera espacial, por lo que se esperaba a un Kruschev petulante y jactancioso, agrandado como se dice por acá.

Kruschev visitando una Granja de Alto Rendimiento en Maryland

Al día siguiente de su llegada visitó una granja de Maryland, donde acarició un cerdo frente a las cámaras y se quejó de que estaba demasiado gordo. Luego cogió un pavo y se quejó de que era demasiado pequeño en comparación a los pavos soviéticos. También fue llevado a visitar al Senado donde aconsejó a sus miembros que vayan acostumbrándose al comunismo. Todo esto, claro, lo hacía en son de broma, tratando de parecer simpático, pero lo cierto es que a la opinión pública le cayó como un pelmazo, sumamente arrogante y antipático.

Kruschev con un "demasiado pequeño" pavo americano

Otro día lo llevaron a Nueva York, donde después de visitar el Empire State dijo: “Si ya conoces un rascacielos, el resto no es novedad”.

Un pequeño dato: A su llegada a los Estados Unidos, el líder soviético había manifestado a quienes manejaban su agenda, que le gustaría conocer Hollywood. Los encargados de su seguridad enseguida le organizaron una visita a Los Ángeles.

Así recibieron los ciudadanos de Los Ángeles a la caravana de Kruschev

El 19 de septiembre, Kruschev y su esposa llegaron a Los Ángeles. Frank Sinatra fue contratado por el Departamento de Estado para servirles como acompañante durante la visita.
El día empezó con un sol espléndido y un recorrido por los estudios de la Twenty Century Fox en Hollywood. El Primer Ministro Soviético llegó justamente cuando se filmaba una escena de la película "Can-Can", y de inmediato estuvo rodeado por todo el elenco, entre ellos Shirley MacLaine y Juliet Prowse.

Con Frank Sinatra y Shirley MacLaine

Shirley MacLaine le dio la bienvenida a Kruschev con un pésimo ruso y luego intentó hacerlo bailar improvisadamente involucrándolo en la coreografía. Kruschev se excusó jovialmente y se hizo a un lado, mientras los actores seguían trabajando en la escena.

Salieron de los estudios de la Twenty Century Fox y se trasladaron hacia el centro de Los Ángeles, donde estaba previsto ofrecer un gran banquete en su honor.

Parece que el tráfico de Los Ángeles en su hora pico lo empezó a irritar, porque durante el trayecto hacia el Paris Café (donde sería el banquete), el líder soviético no dejó de quejarse de la cantidad de autos ocupados "por una sola persona" y del despilfarro que esto suponía. En contraste, no tuvo reparos ante la exquisita y abundante comida del derrochador banquete al que asistió. Está por demás señalar que al buffet asistieron las más rutilantes estrellas del Hollywood de la época. Y es que toda la vida han existido esos famosos actores progres, combativos e hipócritas, a los que les parece simpático y justo el comunismo, pero desde afuera, desde sus mansiones y con sus millones a salvo de cualquier revolución.

Sólo 400 famosos e invitados especiales tuvieron el privilegio de compartir la mesa con el dictador soviético, pero el deseo y la novelería -entre los actores- de ser invitados fue tal, que poco les importó declararse fans de Kruschev y su gobierno, aún con el riesgo de pasar a formar parte de la famosa lista negra, en la que estaban todos a quienes se consideraba antiestadounidenses, y como consecuencia, se les cerraba las puertas en Hollywood. Ese en cambio era el extremo anti comunista, la cacería de brujas, triste legado del Macarthismo.

Marylin Monroe en el banquete en honor a Kruschev

De todas formas estuvieron presente personajes como Marylin Monroe, Dean Martin, Elizabeth Taylor, Arthur Miller, Tony Curtis y Janet Leigh; es decir asistió la "crème de la crème" de Hollywood. Y también hay que decirlo, los actores Bing Crosby y Ronald Reagan estuvieron en la selecta lista, pero rechazaron la invitación debido a sus tendencias políticas.

Bueno, volviendo al banquete, poco después de los postres, Kruschev conversaba con el actor David Niven. Le contaba de sus andanzas durante la Guerra Civil Rusa y la Segunda Guerra Mundial. También se dio tiempo para bromear con Gary Cooper y Charlton Heston. Poco después, de forma intempestiva, Khrushchev se dirigió a los atónitos artistas:

"¿Qué país tiene el mejor ballet? ¿El vuestro? No tenéis ni un teatro de ópera y ballet permanente. Vuestros teatros prosperan gracias a lo que reciben de la gente rica. En nuestro país es el Estado el que da el dinero, y el mejor ballet es el de la Unión Soviética. Es nuestro orgullo".

Pero el momento cumbre y cuando terminó robándose el show de forma lamentable, fue cuando le comunicaron en privado que su visita a Disneylandia no podría llevarse a cabo, ya que sin tiempo de anticipación, la policía no podía garantizar su seguridad en el inmenso complejo.

El plan de conocer Disney había sido un capricho de última hora, y parece que en verdad era imposible organizar ese momento el perímetro de seguridad que su importancia ameritaba. Kruschev explotó y su iracundo discurso fue conmovedor:

«Hemos llegado a esta ciudad donde vive la flor y nata del arte americano…Y yo digo, me gustaría mucho ir a conocer Disneylandia, pero me dicen que no pueden garantizar mi seguridad. Les pregunté "¿Por qué no? ¿Es que tienen plataformas de lanzamiento de cohetes ahí?" No sé. Basta con escuchar la razón que me dieron: "Nosotros", o sea las autoridades estadounidenses, "no le podemos garantizar su seguridad si va para allá".»

«¿Qué sucede? ¿Hay alguna epidemia de cólera allí o algo parecido? ¿O es que el lugar está tomado por delincuentes que pueden atacarme? Entonces, ¿qué debo hacer? ¿suicidarme? Soy su huésped, ¡esto es inconcebible!. ¿Cómo le explico esto a mi pueblo?»

Todos los presentes se quedaron mudos y desconcertados. Estaban frente al líder del país más grande del mundo, un hombre de 65 años de edad, que exteriorizaba una rabieta porque no podía ir a Disneylandia.

Esa reacción, como es normal, creó muchas especulaciones y rumores que -cuando no- fueron alimentados por la misma prensa de chimentos. Se decía que después de la infantil rabieta fue llevado a sobrevolar Disneylandia en un helicóptero militar, lo cual era falso. También corrió el rumor de que el mismo Walt Disney, acérrimo anticomunista, le había prohibido la entrada, pero esa teoría era más improbable. Es más, el egocéntrico Walt Disney no hubiese desperdiciado la oportunidad de mostrar su paraíso privado a los rusos.

Kruschev dejó Los Ángeles la mañana siguiente y regresó a Washington para su encuentro con Eisenhower.

Finalmente Kruschev se reunió con el presidente Eisenhower

PD: También le organizaron una visita a la sede de IBM. Kruschev expresó poco interés y les restó importancia a las computadoras personales, "no les veía futuro"; pero en cambio le fascinó el concepto de self-service en las cafeterías y restaurantes americanos y, a su regreso, introdujo ese sistema en la Unión Soviética.

Fuentes y referencias:
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El Top 10 del 2011. Las Mejores Historias

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 29 Dec 2011 17:20:00 +0000

Siempre es bueno recordar lo que nos deja un año que se va. Aquí les dejo un Top 10 de las historias más leídas este año en el blog, las que tuvieron más acogida en las redes sociales y las que seguro lograron sacarles una sonrisa o una mueca de admiración.

1) Cómo echar un polvo durante una ejecución

2) La Venus del inmenso trasero

3) Cuando el tamaño de los pechos no importaba

4) Cuando las mujeres no usaban calzones

5) Titulares que impactaron al mundo

6) El joven que salió a comprar cigarrillos y volvió condecorado

7) El reino que murió a causa de la televisión

8) Los Simpson y sus guiños en la historia

9) Las dos cápsulas del tiempo de Tulsa

10) Cuando el tamaño del clítoris era sinónimo de lesbianismo

Bonus track:
(También les dejo cuatro historias que personalmente me conmovieron demasiado)

- Los caníbales franceses

- Cuando la muerte se paseaba con pico por Europa

- Los primeros Wikileaks de la historia

- Cuando John F. Kennedy pidió ayuda a Superman

Ahora que estamos cerrando el 2011, el balance de lo que ha sucedido con el blog es muy alentador, quizá el mejor en sus cinco años de existencia. Cuando escribes una bitácora, lo único que anhelas es ser leído por alguien más que no sean tu madre y hermana. Alguien imparcial que te diga si las historias que cuentas son interesantes.

Cierro este año con el privilegio de estar en los feeds de más de 2000 personas, lo cual es un gran compromiso para el próximo año. El 2012 habrá mejores historias, se los prometo. ¿De dónde las sacaré? ni idea, pero siempre encontrarán algo interesante por aquí.

Y con la esperanza de que el calendario de los Mayas sea tan ineficiente como las promesas de nuestros políticos, me despido de ustedes agradeciéndoles por su valioso tiempo, ya nos estaremos viendo por enero.

Feliz 2012

Regala armas o cigarrillos esta Navidad

noreply@blogger.com (Carlos) — Sat, 24 Dec 2011 16:59:00 +0000

Esa era parte de la variada oferta que podía verse en la época navideña hasta hace medio siglo en los Estados Unidos. Miren estos anuncios publicitarios, que sin duda jamás volveremos a ver:

En la Constitución de los Estados Unidos está plenamente garantizado el derecho de que cualquier ciudadano pueda portar un arma, y fumar es una cuestión de libre albedrío. Aunque estoy de acuerdo con aquella Constitución en cuanto al derecho de portar armas, y en contra de la criminalización que se ha emprendido últimamente a los fumadores, ustedes coincidirán conmigo en que Navidad no era la mejor época para promocionar estos productos, más aún, cuando se muestran niños en algunos de ellos. Actualmente la publicidad al tabaco está prohibida, y en la de las armas no pueden aparecer niños y deberá hacerse exclusivamente en medios especializados.

Como lo manifesté al inicio del post, este tipo de publicidad es ya sólo un recuerdo, pero este tipo arte y afiches vintage son ahora muy cotizados por coleccionistas de antiguedades.

PD: A todos mis lectores y quienes pasan coincidencialmente por el blog, desde Quito les deseo una Feliz Navidad. Reciban un fuerte abrazo!

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La fiesta que celebraba la "igualdad" entre los hombres

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 22 Dec 2011 19:18:00 +0000

La leyenda romana decía que el dios Saturno (Cronos para los griegos), había sido expulsado del cielo por Júpiter, desde donde llegó a Italia; y que durante el reinado de esta divinidad de la agricultura, los itálicos habrían vivido una edad de oro, sin guerras ni malas cosechas, donde no se conocía la propiedad privada ni tampoco la esclavitud. Era básicamente la fiesta que recordaba la igualdad de los hombres.

En su honor se celebraba la Saturnalia, en cuyos festejos se suspendía el poder de los amos sobre sus esclavos, y éstos tenían derecho a hablar y actuar con total libertad. No se respiraba más que placer y alegría: los tribunales y las escuelas cerraban, no estaba permitida la guerra ni la ejecución de criminales, ni ejercer otro arte que no sea el de la cocina.

Eran siete días de bulliciosas diversiones, banquetes e intercambio de regalos. Todos los habitantes de la ciudad dejaban de trabajar: la población acudía en masa al monte Aventino para disfrutar del aire campestre. Era un banquete público que daba paso a la más absoluta permisividad y libertinaje. Se permitían todo tipo de juegos de azar, apuestas y era habitual regalarse saquitos de nueces, velas o pequeños muñecos de arcilla.

Fiestas Saturnales

Sin embargo, la expresión popular que más sorprende de estas fiestas era el intercambio de papeles que existía entre los esclavos y sus amos. Era habitual que los señores de la casa sirvieran en la mesa a los súbditos, que además tenían licencia de emborracharse e, incluso, de injuriar a sus amos como si de siervos se tratase. Asimismo, todos los esclavos recibían de sus propietarios una generosa paga extra en forma de moneda o vino. Lo que antes estaba prohibido se permitía entonces. En definitiva, era un tiempo para la libertad de expresión, tanto así que el poeta Horacio la llamaba "libertad decembrina" en sus sátiras.

La toga, prenda característica de los romanos, era dejada de lado para usar prendas coloridas. Tamién se acostumbraba a usar el píleo, que era un sombrero cónico distintivo habitual de los libertos. Los esclavos, que normalmente no tenían derecho a llevarlo, también podían usarlo durante esos días, de esa manera "todos eran iguales" durante las fiestas. Se cuenta, que hasta el tacaño Catón el Viejo concedía a sus esclavos una ración extra de 3,5 litros de vino. De hecho, en el calendario de Polemio Silvio del año 48 de nuestra era, se la llama La fiesta de los esclavos y es marcada como la actividad más destacada. Sin embargo, todo el mundo sabía que eso de la igualdad de la jerarquía social era temporal porque la fiesta terminaría.

El píleo, sombrero que usaban los esclavos libertos

En sus inicios esta fiesta se celebraba sólo el 17 de diciembre hasta que llegó la dictadura de Julio César en el año 49 antes dC, quien ordenó prolongar el feriado hasta el día 19. Su sucesor, Octavio Augusto, primer emperador der Roma, añadió un día más. Lo mismo hizo Calígula unos años después y Domiciano cerró la ampliación del asueto festivo hasta el 23 de diciembre.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4

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La mujer más bella del Renacimiento murió a los 23 años

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 19 Dec 2011 05:33:00 +0000

Fue una mujer que iluminó con su bello rostro la Florencia del siglo XV. Su nombre de soltera era Simonetta Cattaneo, hija de un noble genovés. Se casó muy joven a la edad de dieciséis años con un vecino de Botticelli llamado Marco Vespucci...

Hay muchas imágenes con las que todo el mundo identifica la época del Renacimiento, obras famosas que se han convertido en verdaderos iconos de la época. Para la mayoría de estas obras los artistas utilizaron como modelos a gente anónima, personas que poseían alguna característica que quería el autor y punto. No se sabe mucho más de ellas. Podemos poner como ejemplo la pintura de Miguel Ángel en la bóveda de la Capilla Sixtina, La creación de Adán, o su inquietante y enigmático David. No se sabe quiénes posaron de modelos para esas obras. Incluso la famosa Mona Lisa de Leonardo da Vinci, que ahora se especula sería un retrato de Lisa Gheradini, presenta más dudas que certezas sobre la verdadera identidad de la modelo. Aquí hay que notar que a pesar de los cientos de teorías y consideraciones académicas, la fascinación que ejerce la Mona Lisa tiene más que ver con la enigmática personalidad de Leonardo, que con cualquier persona retratada.

Bueno, algo muy distinto sucede con la obra de Sandro Botticelli porque en ella está plenamente identificada la modelo. Aquí vale una pequeña digreción. El verdadero nombre de Botticelli era Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi. Botticelli significa "barrilito" y es un apodo que adquirió porque a su hermano mayor lo llamaban Botte (barril) debido a su contextura física.

Volviendo al tema, Botticelli nació y fue formado en Florencia bajo la influencia de grandes maestros, y al igual que Leonardo Da Vinci, también fue patrocinado por los Médici, la más poderosa familia florentina de la época. Su historia de éxito y posterior descenso, no nos dice mucho sobre los acontecimientos históricos que moldearon su época; pero aún así, Botticelli nos dejó con algunas de las imágenes más memorables del arte occidental, entre las que sobresale su más famosa obra El Nacimiento de Venus.

"El nacimiento de Venus"

Es aquí a donde quería llegar. ¿Quién es la mujer del famoso cuadro de Botticelli?
Pues es ni más ni menos que Simonetta Vespucci, a quien muchos llamaron la mujer bella de la época. En eso coincidían nobles y plebeyos, navegantes y visitantes, propios y extraños.

Simonetta Vespucci

Fue una mujer que iluminó con su bello rostro la Florencia del siglo XV. Su nombre de soltera era Simonetta Cattaneo, hija de un noble genovés. Se casó muy joven a la edad de dieciséis años con un vecino de Botticelli llamado Marco Vespucci. El joven, que estaba muy enamorado de la bella, fue aceptado de buena gana por el padre de Simonetta debido a que su familia estaba bien conectada en Florencia, en especial con los Médici.

Todos los nobles de la ciudad estaban obsesionados con Simonetta. Los hermanos Giuliano y Lorenzo de Médici también sucumbieron a sus encantos y quedaron prendados de su belleza. Pública y descaradamente rivalizaron en más de una ocasión y le manifestaron su admiración (léase ganas), pero acabaron recibiendo sólo el rechazo y desdén de la bella y ajena rubia. El poeta Ángelo Poliziano reflejó la pasión prohibida de ambos hermanos en su obra "La Giostra". Y hasta el mismísimo Lorenzo de Médici, alias "El Magnífico", llegó a describirla así en sus, por cierto, muy machistas memorias:

"Su cutis era extremadamente claro, pero no pálido; rosado, pero no rojo. Su porte era serio, sin ser severo; dulce y placentero, sin asomo de coquetería o vulgaridad. Sus ojos vivos, no manifestaban arrogancia ni soberbia. Su cuerpo era finamente proporcionado, y entre las demás mujeres aparecía de superior dignidad. Paseando, bailando o en cualquier otro ejercicio, se movía con elegancia y propiedad. Sólo hablaba cuando era conveniente y dando opinión tan acertada, que no se podía añadir o quitar a lo que iba diciendo. Su comprensión era superior a la que pide su sexo, pero sin aparentar darse cuenta de ello y sin caer en el error, tan común entre las mujeres, que cuando sobrepasan el nivel se hacen insoportables".

Simonetta fue descubierta como modelo por Sandro Botticelli a través de los Vespucci. Por parte del pintor fue amor a primera vista porque desde aquel primer día en que la vio, la convirtió en su musa, y por supuesto que también lo fue para los destacados pintores que pasaron por Florencia.

En la Giostra (un torneo de justas) de 1475, Giuliano de Médici entró a las listas cargando una bandera en la cual se veía pintada a Simonetta (por Botticelli, obvio) posando como Palas Atenea con yelmo, y con una leyenda en francés que decía: «La Sans Pareille», es decir «La Incomparable». Giuliano ganó el torneo y la bella Simonetta fue nombrada «Reina de la Belleza» de aquel encuentro. A partir de entonces la fama de Simonetta como la mujer más bella de Florencia recorrió por toda Europa, y con sobra de merecimientos es nombrada hasta la fecha por muchos historiadores, como la mujer más hermosa del Renacimiento.

Lastimosamente y como suele ocurrir en este tipo de historias, la bella Simonetta murió muy joven, la noche del 26 de abril de 1476 a la edad de 23 años. Se presume que había contraído tuberculosis. Botticelli nunca pudo superarlo y quedó el resto de su vida obsesionado con ella.

Alessandro Botticelli, autorretrato

Venus y Marte, click para ampliar

En su famoso cuadro "Venus y Marte" no hace falta ser muy observador para darse cuenta de que quienes representan a los dioses del Olimpo, son Simonetta junto al mismo Botticelli (fíjense en el autorretrato superior). Esta era la única forma, el único sitio donde el artista podía verla como su pareja.

Sin lugar a dudas el famoso pintor fue el hombre que más la amó, aunque a su manera, respetuosamente y en silencio. En 1485 terminó su cuadro El nacimiento de Venus como homenaje póstumo a Simonetta, nueve años después de su muerte y, aunque él nunca lo aceptó, hay que estar ciego para no darse cuenta que ella es la mujer que está retratada en casi toda su obra. Todas las mujeres de sus cuadros guardan un exacto parecido a Simonetta, aparte de los retratos póstumos que pintó de ella.

Tan grande fue el amor de Botticcelli hacia su musa, que nunca contrajo matrimonio y personalmente pidió que después de muerto fuese enterrado a los pies del sepulcro de Simonetta en la Iglesia de Ognissanti (Todos los Santos) —la iglesia de los Vespucci— en Florencia. Tras su muerte en 1510 le fue cumplido su deseo, y allí mismo, a sus pies, fueron depositados sus restos 34 años después de que muriese el amor de su vida. Botticelli sin saberlo, nos estaba legando otra maravillosa lección de amor.

Sitio donde está enterrado Botticelli en la Capilla de los Vespucci

Se sabe que Botticelli realizó más de 150 obras, pero muchas de ellas fueron destruidas por la Iglesia Católica acusadas de paganas y profanas. “El Nacimiento de Venus” (primera imagen de este post) es una de las pocas pinturas paganas de Botticelli que no fueron destruidas por la Iglesia Católica. Otra fuente da cuenta que Lorenzo de Médici protegió el cuadro de la ira de la Iglesia para dejar a su hermano un recuerdo de su amada. Continuamente se ha señalado que tanto Botticelli como Da Vinci fueron Maestres del Priorato de Sión.

Algo muy curioso es que los retratos que pintó de sus mecenas, no tienen esa belleza, esa mística ni el espíritu de sus otras composiciones. Queda claro que los retrataba por obligación, aparte que debió haberlos detestado infinitamente por dentro, al ver cuánto cortejaban a su amada.

Escarbando por ahí me encontré con esta formidable galería de Sandro Botticelli, disfrútenla y descubran ustedes mismos en casi todas sus obras, una mujer parecida a Simonetta.
Un lector acaba de enviarme otra galería, disfrútenla también.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8

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Las memorables juergas de Hemingway en Pamplona

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 13 Dec 2011 11:54:00 +0000

“...llegó una noche totalmente borracho acompañado de dos prostitutas. Su esposa dormía ya; y él, sabedor de ello, pidió al conserje que le diese otra habitación para él y sus amigas. Tan sólo media hora después, en medio de un gran alboroto, ellas salían corriendo desnudas de la habitación, mientras Hemingway, en calzoncillos, las corría insultándoles.”

Ernest Hemingway escribió su novela The sun also rises ("Fiesta") basándose en hechos reales, en su propia vida. La primera vez que escuchó de Pamplona fue por casualidad cuando aún era corresponsal en París, y decidió ir a conocer esa pequeña ciudad española de apenas treinta mil habitantes. Quiso hacer un reportaje sobre aquella rara costumbre de "soltar los toros" para que corran por las calles. Hemingway tenía apenas 24 años y se apasionó tanto por el espectáculo de la fiesta brava, que regresó a Pamplona ocho veces. La pequeña ciudad española representaba para él, lo que tanto amaba: la diversión y la buena vida, el alcohol, las mujeres, los toros y los amigos.

Aquí Hemingway en su época de gloria (1959), cuando ya era un reconocido escritor y no el novato periodista que 25 años antes, descubrió Pamplona para el mundo

La tarde del 6 de julio de 1923, Ernest Hemingway llegó en tren a Pamplona por primera vez, acompañado de su esposa Hadley Richardson. Se encontró con precios hoteleros muy superiores a los que el sueldo de un joven periodista se podía permitir, por lo que tuvo que buscar una modesta habitación en el último piso de una pensión, en el que pernoctaron la primera noche.

Hemingway trabajaba en ese entonces para el semanario Toronto Star, al que debía enviar un artículo con un resumen y su visión de las fiestas. A los dos días envió un artículo muy a su estilo, sensacionalista y magnificador, en el que de alguna manera daba a conocer en la América anglosajona cómo eran los sanfermines, las corridas y sobre todo, el encierro pamplonés:

"En Pamplona, donde tienen seis días de toros cada año, desde el 1126 de la era cristiana, y donde los toros corren por las calles de la ciudad a las seis de la mañana, con la mitad de la población corriendo delante de ellos. (...) Pamplona, donde todos los hombres y jóvenes de la ciudad son toreros amateurs y donde hay una lidia amateur cada madrugada que es esperada por 20.000 habitantes, en la que los toreros amateurs van todos desarmados y donde hay una lista de accidentados por lo menos igual que en una elecciones en Dublín." (...)

El artículo fue publicado el 27 de octubre con el título de “Pamplona en Julio”. Desde aquella primera vez, cada año que Hemingway regresó a Pamplona se emborrachó con frecuencia y tuvo trifulcas en los bares. Llegaba con su mujer y andaba con otras. Un torete lo embistió en la plaza y hasta se dio el lujo de correr -en una ocasión y a cierta distancia- el encierro.

Para 1924 (su segunda fiesta) llegó a Pamplona con su esposa, con su compañero de juergas en París, el también desconocido –en esa época- escritor John Dos Passos y a un par de editores de libros. De Hemingway pueden decirse muchas cosas, que fue pendenciero, mujeriego o alcohólico, pero hay que reconocer que sabía lo que hacía. Se nota que ya tenía en mente su primera novela, sino, ¿para qué convencer a un par de editores de tomarse vacaciones con sus esposas en Pamplona?

Días antes de este viaje, un amigo madrileño amante de la tauromaquia le aconsejó que cuando volviese a Pamplona, tratara de alojarse en el Hotel Quintana, en la Plaza del Castillo (la plaza central), ya que aparte de la privilegiada ubicación, su dueño era un gran aficionado a los toros. Este hotel era de un señor llamado Juan Quintana quien, debido a su entusiasmo por la fiesta brava había logrado hospedar en su establecimiento a algún matador. Es así como aquél año Hemingway se aloja con su mujer y con sus amigos en el Hotel Quintana. Desde entonces, y hasta su fallecimiento, Juanito Quintana y él mantuvieron una férrea amistad.

El mítico Hotel Quintana donde se hospedó varias veces

Como no podía ser de otra manera, Hemingway aquél año sirvió de guía a sus amigos e hizo otro maravilloso descubrimiento. Encontró un pequeño café con un vista magnífica desde la terraza a la plaza del pueblo (el Café Iruña). Este sitio se convirtió en el denominador común de los siguientes viajes de Hemingway a Pamplona. Este café -que aún existe- es como el palco de un teatro desde donde se puede ver -cómodamente sentado- el paso de los sanfermines.

Ese mismo año, el día 7 de julio, acompañado por uno de sus amigos editores, Hemingway corre por vez primera en el encierro, obviamente tomando las respectivas precauciones para no correr riesgos. Lo cierto es que aquél día vivió de cerca el paso de los toros y luego participó con su amigo en las vaquillas (novillos) que aquella mañana se soltaron en la plaza.

Al día siguiente repitieron la experiencia, pero en esta ocasión, durante las vaquillas que hubo después del encierro, uno de los novillos revolcó al amigo de Hemingway por los suelos. El joven periodista en su afán de ayudar, trató de agarrar a la vaquilla pero también recibió su revolcón. Ese día ambos mordieron la arena entre risas y adrenalina.

Puede verse a Hemingway (de pantalones blancos) frente a una vaquilla. Aunque esta foto pertenece al encierro de 1927

Esta aventura fue muy divertida y no tuvo mayores consecuencias, pero tuvo una repercusión muy propia de su dramático estilo periodístico. En el Toronto Star se publicó que el periodista Donald Ogden Stewart había sufrido en este percance taurino la fractura de dos costillas, mientras que Hemingway, aquejado de varias contusiones, había sido multado por desmanes. Ambas informaciones eran falsas, pero aún así, Hemingway se dio el lujo de repetir la crónica del incidente para la agencia United Press, informando en ella que ambos periodistas habían sido corneados por un toro. El titular de la noticia en Canadá decía: “Toro cornea a un periodista de Toronto en las fiestas anuales de Pamplona”, y un subtítulo añadía: “Su compañero, sin embargo, tuvo dos costillas rotas”.

Así salió la noticia (exagrando el suceso) en el Toronto Star

Asiste por tercer año consecutivo en 1925, pero las fiestas de este año para Hemingway esta vez son diferentes. Llega con la misión de recabar toda la información posible para escribir después una novela con la que pudiera debutar dignamente. Con un par de meses de anticipación ya tenía reservada su habitación en el Hotel Quintana, donde por 12 pesetas estaba incluido su desayuno, almuerzo y cena; mientras que en el Hotel La Perla (donde quiso hospedarse su primera noche dos años antes) por estos mismos servicios hubiese tenido que pagar 35 pesetas diarias. Finalizadas las fiestas, Ernest y Hadley viajaron a Madrid en donde, días después, nacían los primeros párrafos de “Fiesta” a la que su autor dedicó por completo ese verano de ese mismo año.

Fieles a lo que parecía convertirse en una tradición matrimonial, Ernest y Hadley llegan a sus cuartos sanfermines en 1926. Este año los acompaña un matrimonio amigo (Gerald Murphy y Sara) y la joven periodista Pauline Pfeiffer, quien poco después se convertiría en la segunda esposa del escritor.

Los Murphys (izq), Pauline Pfeiffer (al centro), y los Hemingways en Pamplona, 1926

A Hemingway empieza a molestarle una tendencia de la que se había percatado el año pasado: la presencia en las fiestas de uno que otro extranjero, que nada tenían que ver con él ni con su grupo de amigos. Le gustaba sentirse el forastero único y mimado de las fiestas como en 1923 o 1924, cuando no era frecuente ver, ni siquiera en los hoteles, personas que no hablasen castellano. Pero ya era tarde. El mismo con sus crónicas había puesto en el mapa a las fiestas de Pamplona.

Otra foto de Hemingway y sus amigos en un café de Pamplona

Hemingway ya era un escritor, aunque su novela todavía no estaba impresa. Meses antes ya había publicado su primera obra, una novela corta titulada The Torrents of Spring (“Aguas primaverales”) y un pequeño libro titulado In our time, que era una recopilación de relatos seleccionados. Estas publicaciones y la próxima aparición de The sun also rises (“Fiesta”) le reportaban ya una comodidad económica que nunca había conocido, y se permite por primera vez el lujo de salir a comer fuera del hotel.

Regresando de las fiestas de este año y después de haber revisado a fondo el borrador, modificado algunos aspectos y pulido el léxico, Ernest Hemingway envía al editor Max Perkins el texto definitivo de su esperada novela. Finalmente la editorial neoyorquina Scribner’s publica en octubre la novela “Fiesta”. A partir de ese momento Pamplona comienza a vivir una auténtica revolución en sus fiestas de San Fermín.

Fiesta (The sun also rises), su primera novela importante

En 1927 Hemingway acude a Pamplona por quinta vez. Su novela empezaba a ser conocida y tuvo que ser editada en alemán, aunque irónicamente en España no se sabía de ella. De todas formas ya tenía su propio círculo de conocidos lugareños con quienes siempre se sintió cómodo. La novedad este año fue que Ernest acudió a los sanfermines por primera vez sin su esposa Hadley, a la que había abandonado unos meses antes. El escritor estrenaba nueva esposa, la periodista Pauline Pfeiffer, que había acompañado a la ex pareja el año anterior.

Ernest Hemingway y su hijo Patrick

En 1928 no pudo asistir a los sanfermínes debido al nacimiento de su hijo Patrick, pero volvió en 1929 y lo hizo con fuerza. Esta ocasión su asistencia -según varios testimonios- fue más interesante y agitada. Hemingway partió de París a Pamplona a finales de junio acompañado de su esposa Pauline, y a bordo de un flamante Ford descapotable de reciente adquisición.

Existen una infinidad de testimonios en sus biografías, puesto que fue el visitante extranjero más querido de Pamplona, pero es muy interesante el relato de Eustaquio Ardanaz, un antiguo empleado del Hotel Quintana y testigo de muchas de las virtudes y defectos del escritor. En 1929 ocurrió un incidente que colmó la paciencia de Juan Quintana, el dueño del hotel, quien estuvo a punto de romper la estrecha amistad con el famoso gringo. El relato no tiene desperdicio:

“Aquél año vino Hemingway acompañado de Paulina, con este nombre la conocíamos todos, alojándose como otras veces en nuestro hotel (...). No tenía una habitación fija, pues a Juanito le preocupaba el comportamiento de Ernest cuando bebía, y procuraba tenerlo bien separado de los clientes educados y correctos que venían siempre (...). Nada más comenzar las fiestas de 1929 Hemingway llegó una noche totalmente borracho acompañado de dos prostitutas. Paulina dormía ya; y él, sabedor de ello, pidió al conserje de noche que le diese otra habitación para él y sus acompañantes. Tan sólo media hora después, en medio de un gran alboroto, ellas salían corriendo desnudas de la habitación, mientras él, en calzoncillos, las corría insultándoles. El escándalo que se armó motivó las protestas de unos cuantos clientes del hotel, y el propio Juanito llegó a amenazar a Hemingway con echarle del establecimiento. A pesar de todo el follón que se armó, si mal no recuerdo, doña Paulina no llegó a enterarse.”

Este incidente ha sido muchas veces corroborado, una de ellas por su amigo personal, Jerónimo Echagüe, quien describía al escritor como: “un norteamericano al que le gustaba beber, comer, los toros y follar... ¡vamos, lo corriente!”.

Para las fiestas de 1931 el escritor regresa muy animado por el cartel taurino de ese año, que contaba con el torero Domingo Ortega para las corridas del 8 y 11 de julio. Se dice que Domingo Ortega era en aquél entonces de lo mejor que se podía ver en los ruedos españoles; su fama y su gran popularidad le permitieron cobrar en Pamplona nada menos que 23.000 pesetas por corrida. Debe haber sido muy buen torero para que Hemingway, que prácticamente ya tenía terminado su nuevo libro "Muerte en la tarde", le haya encontrado un hueco en su borrador para incluir esas faenas.

Hemingway en las corridas de 1931

Desde ahí, Hemingway tardaría más de 20 años en regresar. El periodismo, la Guerra Civil, su participación en la Segunda Guerra Mundial y su antipatía con la dictadura de Franco, lo mantienen alejado de Pamplona. Durante este tiempo se divorcia dos veces y vuelve a casarse otras dos. Vive veinte años en Cuba, donde se hace íntimo amigo de Fidel Castro. Allí escribe en 1952 "El viejo y el mar", su novela más famosa.

Regresa en 1953. Después de tantos años de ausencia ya en nada se parecía esa ciudad que el conoció dos décadas antes, aunque el marco festivo seguía siendo el mismo. Afortunadamente para él, el Café de la terraza seguía en su sitio, y aunque ya no existía el Hotel Quintana, su propietario Juanito, lo acompañó durante todas las fiestas.

En 1953, con su cuarta mujer, Mary, y Juanito Quintana, dueño del Hotel Quintana

En 1959 regresó a los sanfermínes pero ya consagrado como Premio Nobel de la Literatura, a las que serían las últimas fiestas de su vida. El 2 de julio de 1961, Hemingway se suicidaba con el disparo de rifle en su casa de Ketchum (Idaho). Unos días antes había anulado su reserva de habitación de hotel en Pamplona.

Esa poco usual mezcla de alcohol, juerga, mujeres, literatura y tauromaquia, han configurado la atípica fama que hoy en día tienen Hemingway y su obra literaria. Sólo su calidad como escritor explica y justifica la trascendencia que ha tenido, y sigue teniendo a nivel mundial. ¡Salud Maestro!

Para quienes no han leído "Fiesta" y les entra la curiosidad, aquí les dejo el libro para descargar.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7

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La primera vez que América y Europa se conectaron mediante un cable

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 09 Dec 2011 11:07:00 +0000

"El primer telegrama oficial que pasó entre los dos continentes, fue una carta de felicitación de la Reina Victoria para el Presidente de los Estados Unidos James Buchanan el 16 de agosto. El mensaje de felicitación de la reina tomó dieciséis horas y media en cruzar el Atlántico..."

El Cable Transatlántico Telegráfico, bisabuelo del actual Internet, completó su trayecto entre América y Europa el 28 de julio de 1866. Fueron los albores de las comunicaciones actuales.

Un comerciante y financiero neoyorquino llamado Cyrus W. Field, fue quien propuso por primera vez en 1854, cruzar un cable de cobre de 3.500 km a lo largo del fondo del mar, desde Terranova hasta Irlanda. Luego de un intento fallido, un cable dañado y doce años después, logró la hazaña de unir los dos continentes mediante el cable telegráfico.

Trayecto del cable desde Terranova hasta Irlanda (Dar click)

Hubo previos intentos y contratiempos que terminaron en cables rotos y o perdidos por los marineros, hasta que por fin se logró pasar el cable el 5 de agosto 1858, y aunque no fue considerado un éxito de larga duración, fue el primer proyecto de cable trasatlántico que obtuvo resultados prácticos. Al menos con este se tiene el registro del Primer Telegrama Intercontinental, desde Inglaterra a Washington.

El primer telegrama oficial que pasó entre los dos continentes, fue una carta de felicitación de la Reina Victoria para el Presidente de los Estados Unidos James Buchanan el 16 de agosto. El mensaje de felicitación de la reina tomó dieciséis horas y media en cruzar el Atlántico. Después de que el personal de la Casa Blanca se había cerciorado de que no era un engaño, el Presidente envió una respuesta de 143 palabras en unas relativamente rápidas diez horas. Sin el cable, ese mismo mensaje directo a la reina, hubiese tardado, con suerte, tal vez doce días si la combinación y engranaje de los telégrafistas que viajaban en los barcos hubiese sido óptima. Logró bajarse el tiempo de comunicación de aproximadamente dos semanas a apenas horas.

La calidad de la señal disminuyó rápidamente, reduciendo la transmisión a una velocidad casi inutilizable; descifraba el código morse a la velocidad de 0,1 palabras por minuto. Y lo peor de todo es que este histórico cable no duró ni un mes, ya que fue destruido al mes siguiente cuando un electricista de la Atlantic Telegraph Company, aplicó un excesivo voltaje con el fin de lograr un funcionamiento más rápido.

La persistencia en el proyecto finalmente dio sus frutos 12 años más tarde, en julio de 1866, cuando el vapor SS Great Eastern -el barco más grande a flote de la época-, logró exitosamente pasar el cable a lo largo del fondo arenoso del Atlántico Norte. Como en esa época los mensajes entre Europa y América se demoraban semanas en llegar, reducir ese tiempo a tan sólo horas, que era lo que se demoraba en llegar un telegrama, hizo que Cyrus Field fuera considerado un visionario, un héroe. Además este nuevo cable ya podía transmitir ocho palabras por minuto, lo cual era 80 veces más rápido que con el primer cable de 1858.

Mecanismo de poleas que utilizó el barco para desplegar el cable en el Atlántico

Conectarse mediante un cable telegráfico directamente con Europa fue el quizá el primer paso de los muchos que se dieron para disfrutar de este mundo globalizado que tenemos hoy en día, y por supuesto en aquella época marcó un hito en las comunicaciones, tanto así, que se referían al cable transatlántico como "La Octava Maravilla del Mundo".

El primer cable trasatlántico fue considerado la "Octava Maravilla del Mundo"

Recién en el siglo XX las velocidades de transmisión de datos a través de cables transatlánticos llegaron hasta 120 palabras por minuto. El nombre de Cyrus W. Field ha pasado inadvertido por las páginas de la historia, pero los internautas al menos deberíamos saber que hubo un hombre que después de algunos fracasos, logró la primera conexión entre dos continentes con un cable. El punto de partida de la conectividad global.

Crédito de la imagen:
Biblioteca del Congreso, División de Grabados y Fotografías,
reproducción número LC-USZC4-2388

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5

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El hombre que quiso superar a la fotografía y lo logró

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 05 Dec 2011 08:21:00 +0000

"...quiso demostrar al mundo que un dibujo con los colores y detalles exactos (cuando aún no existía la fotografía a color), podía competir e incluso llegar a ser más real que una fotografía a blanco y negro, y ¡vaya que lo logró!"

El Saturday Evening Post fue una de las revistas de mayor arraigo popular en los Estados Unidos durante casi medio siglo. El éxito de la revista radicaba en sus impactantes portadas semanales, que eran siempre dibujos que retrataban mejor que una fotografía, el tema de actualidad. El dibujante de las portadas era Norman Rockwell, quien entregó sus primeros bocetos en 1916, y debido a la gran acogida que tuvieron sus impresionantes y realistas obras de arte, se convirtió en su ilustrador oficial hasta 1963.

Norman Rockwell

El éxito de las pinturas de Rockwell, se debió principalmente a que supo captar y llevar al lienzo esos nimios detalles de los gestos, tendencias, aficiones y costumbres. En pocas palabras supo tomar la temperatura y colores de la cotidianidad de los estadounidenses, y sobre todo, ir a la par con sus cambios de época. Durante los primeros años su tendencia fue familiar e infantil. En la década de 1920 le gustaba retratar situaciones anecdóticas, por ejemplo la esencia de los niños americanos de la época generalmente activos y jugando, yendo a la escuela o a mitad de un partido de béisbol.

En la década de 1930 y luego con la Segunda Guerra Mundial, es cuando toma auge el periodismo fotofráfico y ya se avizoraba que las fotografías acabarían sustituyendo las ilustraciones de las revistas populares. Norman Rockwell se dio cuenta de ello y de alguna forma sintió amenazada su obra y la del resto de ilustradores. En un giro bastante curioso e irónico, empezó a pintar a partir de ellas, porque quería demostrar al mundo que un dibujo con los colores y detalles exactos (aún no existía la fotografía a color), podía competir e incluso llegar a ser más real que una fotografía a blanco y negro, y ¡vaya que lo logró!. Sus famosas portadas en el Saturday Evening Post competían en popularidad con las siempre impactantes fotografías de la Revista Life.

Después llegó el boom de las primeras salas cinematográficas y se especializó en plasmar el glamur hollywoodiense, más que nada como una forma de distraer y alejar a sus lectores, del desgarrador clima bélico que se vivía en Europa a causa de la Segunda Guerra Mundial, a la que, sin embargo, también dedicó algunas de sus mejores y más recordadas obras de arte, aquellas que toparon las fibras más sensibles del pueblo, y sirvieron para animar a los estadounidenses a ayudar a su gobierno con la compra de Bonos de Guerra. Sin duda los posters de aquella época, dibujando soldados en el frente o regresando victoriosos, son unas de sus obras más conocidas y cotizadas.

Homecoming Marine, octubre 1945

Durante estos años, Rockwell también se dedicó a la crítica social o a ensalzar ciertos valores o virtudes del pueblo norteamericano. En sus trabajos se respiraba bastante aire patriótico, que por aquel entonces era un valor muy tenido en cuenta, debido a la entrada de los Estados Unidos en la guerra.

Ya en la década de los 50 y 60, Rockwell volvió a sus temas cotidianos y tiernos, representando imágenes navideñas, familias reunidas, viajes familiares en automóvil, interiores de tiendas o barberías, niños en heladerías, e incluso hizo algunas obras repletas de ironía, como "El experto" de 1962, donde representó a un hombre de espaldas observando un cuadro de Expresionismo abstracto, propio de pintores como Pollock o Dalí, por los que Rockwell se sentía atraído. Sus obras de carácter expresionista las realizaba tanto a modo de sátira como de estudio.

Art Connoisseur (El experto)

El nuevo método que adoptó consistía en proporcionarles el vestuario a los modelos, ubicarlos en el estudio o locación, e instruirlos en cuanto a la expresión facial y la postura que él quería, y luego fotografiar la escena que había creado. Cabe destacar que ademas de gran pintor, fue en un maestro de la fotografía porque capturaba siempre aquella esencia humana, en situaciones bastante complejas, como por ejemplo el retorno a casa de un soldado después de la guerra, o una mujer y un niño que rezan antes de comer, en medio de un restaurante bullicioso.

Saying Grace, noviembre de 1959

After the Prom, mayo de 1957

Soda Jerk, agosto de 1953

A mediados de los 60 y principios de los 70, Rockwell se volvió más crítico y mordaz con la sociedad, debido a la época convulsa que por entonces vivía Norteamérica. Una época difícil por los primeros intentos de integrar a la gente de color a la sociedad, por la lacra del racismo, la intolerancia del macartismo, la lucha contra el comunismo, la investidura del presidente Kennedy. Todos estos temas que fueron interpretados por los pinceles de Rockwell, quien siempre abogó por la multiculturalidad, la integración y sobre todo, por la defensa del débil y el apoyo a los afroamericanos perseguidos y discriminados.

En este período se destacan obras tan impactantes como: "El problema con el que convivimos todos" de 1964, donde deja en claro su crítica y oposición al racismo con delicada intensidad, en una niña de negra que tiene que ir escoltada a la escuela, víctima de los insultos y agresiones de otros ciudadanos.

También es demoledor su magnífico lienzo: "La regla de oro" de 1961, donde queda plasmada su pasión por la defensa de los derechos humanos, su religiosidad y su respeto a todas las razas.

La Regla de oro: "Trata a los demás como te gustaría que te traten a tí"

Norman Rockwell fue un artista prolífico que pintó más de 4000 obras en su vida. La mayoría de ellas se encuentran en varias colecciones públicas, aunque muchos de sus primeros lienzos se perdieron en un accidental incendio de su taller, que él mismo provocó con su pipa en 1942.

Rockwell también fue designado para ilustrar más de 40 libros, entre ellos, Las aventuras de Tom Sawyer y Huckleberry Finn, únicos y verdaderos clásicos de la literatura estadounidense. Contribuyó anualmente con sus obras al calendario de los Boy Scouts, entre 1925 y 1976, aunque su calendario más popular fue el "Four Seasons" que fue publicado durante 17 años, desde 1947 hasta 1964. Hizo ilustraciones para folletos, catálogos, carteles de películas, sellos postales, y hasta murales. Dibujó para todos, para el ciudadano promedio, para la típica ama de casa, para el granjero y el mecánico, para los niños y ancianos.

Las Aventuras de Tom Sawyer

Hay algo muy curioso, y es que a pesar de ser un artista magnífico, sus obras fueron criticadas y desestimadas por los esnobs de arte de su tiempo. Y es que Rockwell no pintaba para las élites, ni pintaba exclusividades, ni retratos para el millonario de turno. Norman Rockwell era un artista accesible y consagrado al pueblo, a las masas, y le gustaba pintar "eso", la cotidianidad. Pintaba bastante y sus obras eran accesibles para todos: en las revistas, en posters, en muchos calendarios y hasta para la mismísima Coca-Cola, y esa era la razón por la que su obra fue desmerecida en su tiempo. Pero como suele pasar en estos casos, después de su muerte vino la avalancha y sus obras fueron tan cotizadas, que sólo este afiche suyo de "Rossie the riveter" fue vendido en Soteby’s por nada menos que $ 5'000.000. También en el 2006 uno de los cuadros más famosos y queridos del artista, "Romper los lazos con el hogar", fue encontrado escondido detrás de una pared falsa. Había estado ahí durante más de 30 años, desconocido incluso para sus propios hijos. Al año siguiente se vendió por un récord de $ 15'400.000

Todo el país amaba su trabajo, se sentían identificados con su pincel y los homenajes también le llegaron en vida. En 1977 fue galardonado por el mismo Presidente Gerald Ford, quien le impuso la Medalla Presidencial de la Libertad, la más alta condecoración que puede recibir un ciudadano civil en los Estados Unidos. Norman Rockwell tenía ya 83 años de edad.

Autorretrato

Aquí pueden ver una galeria de algunos de sus dibujos publicitarios navideños, de bebidas y servicios. Su arte era tan cálido e identificable, que siempre fue bastante cotizado entre los publicistas. También les dejo una selección de portadas y posters, y el sitio que le ha dedicado el Saturday Evening Post a su trabajo de más de medio siglo con ellos.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6,
7, 8, 9, 10, 11

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Los Acróbatas del Empire State de 1934 (en vídeo)

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 30 Nov 2011 07:39:00 +0000

Quienes llevan leyéndome desde hace algún tiempo o me siguen en Twitter, pueden hacerse una idea de lo impertinentemente curioso que puedo llegar a ser con ciertos documentos o imágenes históricas. Pues bien, esta es una pequeña historia personal. Les cuento brevemente.

Esta magnífica foto, también conocida como The Acrobats in the Skyscraper, es una de las más famosas del Archivo Bettmann. Esta colección tiene de mas de 19 millones de fotografías y fue fundada en 1936 por Otto Bettmann, un alemán que llegó un año antes a los Estados Unidos huyendo de los nazis. Como ustedes saben, estas fotografías circulan libremente en Internet y algunas se han hecho muy populares, como la de Albert Einstein sacando la lengua y como aquella donde están varios obreros tomando su lunch sentados en la viga de un rascacielos.

Realmente he visto muchas fotos e imágenes en mi vida, pero esta siempre me pareció una obra de arte. De hecho es quizá la fotografía más hermosa que he visto, con el perdón de ustedes y disculpándome claro está, con la gente conocedora del tema que llega por aquí. No me gusta por lo temeraria ni por el vértigo que pueda causar, sino por su concepción, por el enfoque y por esa estética que la rodea. Por ese Nueva York levemente nublado (suerte, paciencia o coincidencia) y por la tranquilidad que transmiten esos tres tipos cojonudos desde la terraza del rascacielos.

The Acrobats in the Skyscraper, 1934

Llevo interactuando en internet un poco más de seis años y desde esa época (como todo escéptico), siempre busqué o quise encontrar una respuesta sencilla a tan magnífica imagen. No sé, tal vez un photoshop o de pronto un truco de aquellos como los que hacían los soviéticos, que de paso no me hubiese extrañado porque manipular fotos no es nada nuevo. En la URSS de Stalin por ejemplo, eran expertos en manipular fotografías y aumentar o desaparecer personas.

Saber que esta foto fue trucada hubiese sido lógico, predecible y de alguna manera reconfortante, porque ya no tendría jamás esa espinita molesta en mi foto favorita; pero de ninguna forma le hubiese mermado su valor histórico ni estético. Es más, hubiese admirado al maestro que pudo conseguir tal efecto para una imagen "imposible". Sí, porque si resultaba ser falsa, todo el mundo la hubiese etiquetado de imposible.

Lo único que encontraba durante mis búsquedas era que pertenecía al Archivo Bettmann, que era del año 1934 y que se desconocía al autor. Nada más por ningún lado. Luego, hace como un año encontré por algún foro, que los acróbatas fueron Jarley Smith (arriba), Jewell Waddek (izquierda) y Jimmy Kerrigan (derecha).

Y aquí viene el motivo de este artículo. Un buen amigo me envió ayer este vídeo, que al menos yo, nunca lo había visto. El vídeo es de la época y se ve un trío de acróbatas que hace la misma figura de equilibrio -y otras más complicadas- que la de la foto. Por la vestimenta parecen ser los mismos y supongo que son ellos, lo que confirmaría la autenticidad de la fotografía. No creo que en aquel tiempo -ni ahora- hubiesen muchos acróbatas dispuestos a hacer lo mismo desde el borde de un 86º piso. Por cierto, a juzgar por estas imágenes, una proeza similar en la actualidad parece estar completamente prohibida.

Sé que muchos de ustedes son tan curiosos como yo. Si saben de algún relato acerca de la foto o tienen información sobre su autor, ya saben que para mi será muy valioso.

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Cuando el tamaño del clítoris era sinónimo de lesbianismo

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 28 Nov 2011 05:58:00 +0000

"Las lesbianas son mujeres que han nacido con un gran clítoris. Algunos de ellos hasta llegan a medir más de dos pulgadas."

Esta fue una de las creencias más absurdas acerca del lesbianismo que llegó a instalarse en el imaginario colectivo hace más de cuatro siglos, y lo peor de todo, es que era aceptada en círculos de eruditos y científicos. Muchos de los grandes médicos del renacimiento, los primeros antropólogos del siglo XIX e increíblemente algunos estudiosos de disciplinas tardías del siglo XX apoyaban esa teoría.

Los primeros exploradores europeos que llegaron al África, afirmaron que descubrieron mujeres nativas dotadas de clítoris sumamente grandes, que eran usados como un penes en sus orgías femeninas. África era aún un continente salvaje, en estado puro, y a los nuevos visitantes les era extraño ver tribus que tenían rituales ancestrales sexualmente diversos.

Haciéndose eco de esas opiniones, el Dr. Nicolás Venette escribió en 1687 su famosa "Tableau de L'Amour conjugale", un manual de amor popular que fue reproducido en doce ediciones. En él escribió: "Sappho, la lesbiana, no hubiese ganado su notoria reputación si hubiera tenido un clítoris más pequeño." Es más, la ignorancia de la época, o supongo que su gran imaginación lo llevaban al punto de sostener una gran mentira: "Que una mujer podía llegar a autofecundarse si se le perforaba el clítoris". Afortunadamente nunca intentó demostrarlo.

Tableau de L'Amour conjugale

La idea de una mujer con un gran clítoris era algo que extrañamente fascinaba a la comunidad científica de aquel entonces, recordemos que el destacado anatomista Georges Cuvier se quedó con el esqueleto y los genitales de la famosa africana Sara Baartman cuando esta murió. Finalmente sería otro médico francés el que decidió realizar un estudio directo, in situ para corroborar la teoría lesbianismo = clítoris grande. Había mucha evidencia anecdótica de que las prostitutas francesas del siglo XIX no tenían preferencias y gozaban plenamente de su sexualidad con hombres o mujeres. Con esos antecedentes en 1834 el médico higienista Alexandre du Châtelet, realizó una muy detallada revisión de clítoris a 3250 prostitutas parisinas y trató de probar aquella absurda teoría.

Desafortunadamente para él, sólo se encontraron tres prostitutas que tenían un clítoris de más de una pulgada de longitud. Ninguna de las tres era lesbiana, ni siquiera una de ellas que tenía senos diminutos y un clítoris de tres pulgadas. Du Châtelet quedó desilusionado pero escribió:

"Pude conocer un buen número de niñas a las que les agrada y practican este abominable vicio [el lesbianismo] , pero me llamó la atención que, contrario a lo que se piensa, destacaban por su delicadeza, por la suavidad de su voz y por otras cualidades muy femeninas."

La historia de las relaciones lésbicas ha sido empañada por el secretismo y la desinformación. Muchos países europeos y las primeras colonias americanas tenían leyes muy severas en cuanto a las "relaciones contra natura" entre mujeres, y claro, todo esto era apoyado por la iglesia. Sin embargo y a pesar de la severidad de las leyes, se conocen muy pocos los casos en los que hayan sido aplicadas.

Hay una excepción notable, un caso extraordinario que sucedió en Prusia en 1721. El de una mujer que durante casi toda su vida se hizo pasar por hombre y que durante algun tiempo hasta sirvió como soldado, con el fin de poder tener relaciones sexuales con mujeres. Es curioso, aquí la historia nos muestra también que siempre han existido mujeres que enloquecen al ver un uniforme.

Ejército prusiano en el que ingresó Margaretha Linck con otra identidad

Catharina Margaretha Linck se alistó en un regimiento del ejército prusiano en calidad de carabinero a la edad de veinte años, pero utilizando el nombre falso de Anastasio Lagrantinus Rosenstengel. Se fabricó un pene de cuero que contaba con dos testículos de peluche hechos con vejiga de cerdo, y tuvo relaciones con varias prostitutas y hasta con las viudas de algunos de sus compañeros, pero únicamente lo hacían a oscuras por obvias razones, y nunca nadie se percató de nada raro. Para poder orinar de pie como todos los soldados, las crónicas relatan que se ideó una especie de cono forrado de piel; me imagino que su tecnología era parecida a la de un embudo.

Sus problemas legales comenzaron a la edad de 23 años cuando se casó con una hermosa y virginal muchacha de 18. Después de varios meses de intentos de coito doloroso, la novia finalmente descubrió el secreto de su marido y se regresó a la casa de su madre, quien luego de una airada discusión con su nuevo yerno, fue la que se encargó de acusarlo ante las autoridades.

El caso se degeneró judicial y moralmente cuando él/ella dijo ante las autoridades que en calidad de marido tenía el derecho de sacar a su esposa de la casa de su madre, y que además, ella siempre supo cual era su verdadero sexo. La pareja también admitió que él, como marido, puso algunas veces el pene de cuero en la boca de su mujer.

Los jueces obviamente estaban perplejos y no sabían cuál era la forma de impartir justicia en un caso sin antecedentes como este, así que empezaron a esbozar veredictos y a tejer teorías sobre si la sodomía oral era o no era un crimen capital, si se había cometido delito al no existir eyaculación, etc.

Luego de las reconstrucciones de los hechos y después de las pruebas pertinentes (y el morbo del populacho), los jueces señalaron que sí hubo sodomía, pero que fue cometida con un instrumento de cuero "sin vida", y que la acusada no estaba dotada como las mujeres africanas, de un clítoris enorme como para lograr una penetración. Asimismo se señaló que la Biblia no refiere expresamente la pena de muerte para las relaciones “no naturales” entre mujeres, como lo hace con los hombres.

A pesar de todo y después de tanta teoría jurídica, el marido, Catharina Margaretha Linck, fue condenado a ser decapitado, mientras que a su joven esposa le dieron tres años de prisión. El veredicto fue presentado al rey de Prusia Federico Guillermo I para su aprobación final, pero se hizo constar que algunos fiscales recomendaban conmutar la pena de muerte por algunos buenos azotes y encarcelamiento de por vida, tal vez otorgándole un oficio de hilandera o tejedora. La sentencia no fue conmutada y finalmente fue decapitada con espada en noviembre de 1721 en Halberstadt, Sajonia, y luego su cuerpo fue quemado en una hoguera.

Aquí pueden ver unas viñetas espectaculares que recrean la historia.
No sé si a ustedes, pero a mi esta historia se me hace muy parecida a la del gran saxofonista Billy Timpton que les conté hace ya algún tiempo.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8

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Domesticando una caníbal

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 25 Nov 2011 09:57:00 +0000

"Yo que estaba en el barco, me tomé una bellísima caníbal que el almirante graciosamente quiso regalarme. Me la llevé a la cabina, donde viéndola toda desnuda como a su usanza, me vino el deseo de divertirme con ella. Y queriendo dar cuerpo a mis ganas, ella que no quería, se defendía con las uñas en tal modo, que me arrepentí bien rápido de haber comenzado. Visto que no podía comenzar para darle conclusión a la historia, agarré una cuerda y la azoté tanto que ella gritaba con chillidos inauditos, de una violencia increíble. Pero después, para terminar, conciliamos tan bien en la necesidad amorosa que parecía estar amaestrada en la escuela de las putas."

A los 15 días de octubre de 1495

"Io che ero in barca, mi presi una bellissima Camballa che L’Ammiraglio graciosamente volle regalarme. Me la portai in cabina, dove vendendola tuta nuda com’e loro usanza, mi venne desiderio di prendermi sollazzo con lei. E volendo dar corpo alle mie voglie, lei che non voleva, si difese talmente con le unghie, che mi pentii ben presto di aver cominciato. Visto che non potevo venire a capo, per dirvi la conclusione della storia, afferrai una corda e la frustai tanto che lei gridava con urla inaudite, di una violenza incredibile. Ma dopo, per ﬁnire, ci accordammo tanto bene nella bisogna amorosa che pareva essere stata ammaestrata alla scuola delle bagasce."

Fragmento de carta del genovés Michel de Cúneo* a Jerónimo Annari.
*Miembro de la tripulación del segundo viaje de Cristóbal Colón a América.

Fuentes:
Página 24, aquí y acá. En este libro se puede leer casi toda la carta traducida, falta la parte pertinente.

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Auge y caída de los Imperios ¿Cuál es el proximo?

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 23 Nov 2011 06:56:00 +0000

Si hablamos de Imperios caídos, el primero que se nos viene a la mente es el Imperio Romano, y luego también recordamos a los persas y a los griegos como compañeros de infortunio. Los más nostálgicos se acordarán de Marco Polo, mientras que a quienes vivímos en ciertos lugares del planeta, se nos hace imposible olvidarnos de Hitler o de Stalin.

En la actualidad el único país al que todo el mundo considera un Imperio es los Estados Unidos de Norteamérica, y la mayoría de gente, inexplicablemente, vive esperando su caída. Me refiero al mundo árabe, a los musulmanes, a los comunistas, algunos socialistas y por supuesto, a todo ese Combo bailable revolucionario latinoamericano. Y bueno, tampoco es que los gringos hayan hecho méritos por agradar a nadie, más bien siempre la embarran. Pero apartándonos del tema, esto de predecir derrumbes de imperios, sociedades y hasta etnias, que de paso está muy feo, es algo casi inevitable; y tampoco es que sea de ahora porque desde que existe el hombre como tal, existe también el concepto de amigo y de enemigo.

Grandes Imperios (del caricaturista español Luis Pastor)

En fin, es un tema interesantísimo, pero lo que hoy yo les quería mostrar es una verdadera obra de arte compuesta de cinco lienzos, cuyo tema justamente es ese, La Caída del Imperio. Su autor es Thomas Cole, quien de paso fue un estadounidense que se volvió famoso por sus lienzos de tono alegórico y romántico. Es recordado más que por su obra, por ser el autor de esa serie de cinco cuadros titulada El Ciclo del Imperio, terminados en 1836.

Este grupo de cuadros es bastante curioso y ha sido motivo de varios estudios porque traza la historia de un país, de un estado imaginario, en clara alusión al ascenso y la caída de la antigua Roma, pero haciéndoles un guiño de advertencia al Imperio Británico de su época y a los, en aquel entonces, recientes Estados Unidos de América, que se encontraban bajo las ideas expansionistas del presidente Andrew Jackson. Los conservadores como Cole, se encontraban horrorizados ante las rápidas transformaciones causadas por la industrialización, la expansión territorial y el súbito crecimiento de las ciudades.

En su famosa obra podemos ver un pico de montaña como telón de fondo antes de que el desfile histórico se despliegue. Su secuencia gráfica representa la apertura de un primitivo estado salvaje en el que la sociedad evoluciona hasta convertirse en un imperio que sucumbe ante la decadencia y la corrupción. Veamos:

Estado salvaje

El primer cuadro corresponde al estado salvaje, puede verse una selva exuberante poblada por un puñado de cazadores-recolectores que luchan por lograr una existencia primitiva bajo las inclemencias del tiempo.

La Arcadia o aldea pastoral

En el segundo cuadro, un idílico paisaje que refleja una arcadia o aldea pastoral, donde podemos notar ya el triunfo del hombre sobre la salvaje vegetación. Los habitantes han limpiado el terreno, han cortado los árboles, han sembrado campos y construyen un elegante templo griego.

El Imperio consumado

El tercer y más grande lienzo es la consumación del Imperio. Ahora, el paisaje está cubierto por magníficas construcciones de mármol y los felices agricultores y filósofos del cuadro anterior, han sido sustituidos por una multitud de personas entre los que se distinguen autoridades, gente vestida con opulencia, comerciantes y ciudadanos consumidores. Metafóricamente, es el mediodía en el ciclo de vida del Imperio.

Destrucción del Imperio

Luego viene la destrucción. La ciudad está en llamas y la población huye de una horda invasora que arrasa con violaciones y pillajes debajo de un cielo de atardecer melancólico.

Desolación

Finalmente la luna se eleva sobre el quinto cuadro. Es la desolación. No hay un alma viviente a la vista, sólo algunas columnas en descomposición y escalinatas cubiertas por maleza y hiedras.

Concebida a mediados de la década de 1830, la obra de Cole tiene un mensaje claro: todos los imperios, no importa cuán magníficos sean ni cuán alto lleguen, están condenados a su otoño y decadencia. La humanidad ha completado el proceso un sinnúmero de veces como con los Mayas, Egipcios, el Imperio Persa o el Romano. El último que podríamos decir que cumplió su ciclo vital y duró relativamente poco tiempo (como imperio político) fue la desaparecida Unión Soviética.

¿Seremos testigos de la caída de otro imperio? Espero que no. En la antigüedad si un imperio caía, afectaba solamente a su círculo próximo, a sus aliados o enemigos y casi no tenía eco en otro continente. El mundo ha cambiado mucho en los últimos 30 años. Cuando cayó la URSS el mapa geopolítico cambió. Europa logró estabilizarse de a poco, a pesar de variables sociales y económicas impredecibles -desconocidas hasta entonces-, efecto de la fragmentación de un imperio. Ahora, con el comercio y las finanzas globalizadas, la humanidad no puede volver a darse ese lujo.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4

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El beso comunista

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 18 Nov 2011 08:15:00 +0000

Estoy seguro que no solamente a mí, sino que a muchos de ustedes la última campaña publicitaria de Benetton también les trajo a la memoria una de las imágenes más conocidas y escandalosas de la Guerra Fría: el beso entre Erick Honecker y Leonid Brezhnev, jefes de estado de Alemania del Este y de la URSS respectivamente.

La fotografía fue captada por Règis Bossu el 7 de octubre de 1979 en la celebración el 30 aniversario de Alemania Oriental como nación comunista.

A diferencia de los cowboys del otro lado del mundo, parece ser que durante la Guerra Fría los ironman de la Cortina de Hierro eran propensos a estas muestras de afecto. Y bueno, aunque fue un beso de hermandad, confraternidad, complicidad hegemónica o -como he leído- costumbre extendida en Rusia; la verdad es que hace más de tres décadas llamó mucho la atención, y a partir de esa imagen en 1990 se pintó uno de los murales más famosos del mundo.

Su autor fue Dimitri Vrubel y lo llamó: Mein Gott hilf mir, diese tödliche Liebe zu überleben («Dios mío, ayúdame a sobrevivir a este amor mortal»). Este y otros artistas pintaron sus obras sobre los restos del recién derrocado Muro de Berlin, en la llamada East Side Gallery, casi un kilómetro y medio de muro que fue conservado cerca del centro de la ciudad justamente para el uso de grafiteros y muralistas, donde sea dicho de paso, hay verdaderas obras de arte.

Se considera que es la galería de arte al aire libre de mayor longitud y duración en el mundo con sus 103 murales desde 1989. Para el 2009, tras casi 20 años de vandalismo y a la intemperie, la mayor parte del muro fue sometida a un proceso de renovación por parte del ayuntamiento, que pagó a sus artistas originales para que las restauren.

Volviendo al tema de la foto, diez años después, el gobierno de Alemania Oriental había preparado grandes celebraciones para conmemorar el 40 aniversario del régimen comunista.

Erich Honecker y Mijail Gorbachov

El mismo Erich Honecker, más viejo, más entusiasta y más radical, también le demostró su afecto a Mijail Gorbachov el 7 de octubre de 1989, aunque políticamente no estaba de acuerdo con su doctrina. El alemán se había negado a poner en práctica políticas como la glásnot o la perestroika. Su visión del comunismo era tan cerrada que el mismo Gorbachov tomó distancia de él y del rumano Ceausescu a quienes -junto a los dictadores de Bulgaria y Checoslovaquia- había denominado "La banda de los cuatro" un año antes.

El idilio comunista no duró. Esta vez Gorbachov no le correspondía. De hecho, en las revueltas alemanas de octubre, previas a la caída del muro, Honecker no contó con la ayuda del casi medio millón de tropas soviéticas estacionadas en su país para hacer frente a los disturbios y sofocarlo al estilo chino. Gorbachov había dado expresamente las órdenes a sus soldados de permanecer en los cuarteles.

El resto ya es historia conocida: cayó el muro, Alemania se reunificó en 1990 y el comunismo fracasó en Europa, pero ¿qué pasó con el besucón de Honecker?

Pues tuvo que enfrentar el destino que la vida siempre les depara a este tipo de personajes. Primero huyó de Alemania hacia Moscú para evitar un juicio por cargos criminales durante la Guerra Fría. Fue acusado por el gobierno alemán de la participación en la muerte de 192 alemanes orientales que trataron de salir de la RDA. Fue acusado de ordenar a los soldados que disparasen a quien tratara de escapar.

Tras cuernos, palos. Se desintegra la Unión Soviética en diciembre de 1991 y Honecker tuvo que refugiarse en la embajada chilena en Moscú, pero igual, Alemania logró extraditarlo en 1992. Fue expulsado oficialmente de su partido político antes de rendir cuentas a la justicia. El juicio se abrió formalmente a inicios de 1993, pero debido a su precario estado de salud y avanzada edad, Honecker fue liberado e indultado, pero recibió el peor castigo que puede recibir uno de estos tiranuelos; ser repudiado y olvidado por sus mismos compatriotas.

El 13 de enero de ese mismo año se trasladó a Chile a vivir con su hija y yerno chileno. Ya despojado de ese sentimiento de grandeza que les da el poder, que los hace creer que vivirán mil años y que entrarán a la bravuconada en los libros de historia de su país, murió de un cancer al hígado, anónima e intrascendentemente en un país ajeno, donde nadie sabía quien era ni cómo se escribía su nombre. Triste final.

OFF TOPIC:

Fuente: EnglishRusia

Buscando alguna referencia sobre si es cierto aquello que dice Wikipedia en español, acerca de que es una costumbre muy extendida en Rusia eso de besarse en la boca entre hombres -que no me lo creo-, encontré esta muy antigua estampilla postal en el portal EnglishRusia, pero igual, ellos también se encuentran un poco confundidos y ponen: "This is a postal stamp from a private collection issued for the 50th anniversary of the Soviet Army at 1968. It's hard to say what the authors of this stamp, which was widely used all across Russia tried to tell common people about the Soviet Army."

(Es un sello postal de una colección privada emitida por el 50 aniversario del Ejército Soviético en 1968. Es difícil interpretar lo que los autores del sello, que fue ampliamente utilizado, trataron de decirle al pueblo sobre el Ejército Soviético.)

Pero vamos, tampoco es que sea algo malo ni nada del otro mundo. De hecho es muy normal que durante una buena fiesta se pierdan los estribos, no importa lo larga que esta sea. Luego siempre vendrá el chuchaqui y la resaca moral.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6

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El Experimento de Milgram: ¿Somos torturadores en potencia?

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 15 Nov 2011 08:15:00 +0000

Adolf Eichman declarándose culpable en Israel

Adolf Eichmann, lugarteniente de Hitler y el mayor ideólogo del Holocausto judío, fue juzgado en Jerusalén por crímenes contra la humanidad. Fue declarado culpable y condenado a muerte el 1 de junio de 1962. Antes de ser ejecutado en la horca, Eichmann dijo:

"Nunca perseguí a los judíos con avidez ni con placer. Fue el gobierno quien lo hizo. Acuso a los gobernantes de haber abusado de mi obediencia."
"Larga vida a Alemania. Larga vida a Austria. Larga vida a Argentina. Estos son los países con los que más me identifico. Tuve que obedecer las reglas de la guerra y las de mi bandera. Estoy listo."

Un año después, Stanley Milgram, psicólogo en la Universidad de Yale, se preguntaba cómo era posible que una persona común y corriente, que no tenía un especial odio hacia los judíos, hubiera podido contribuir activamente en el Holocausto sólo por haber recibido órdenes. Eichmann fue el encargado de la logística de transportes de los campos de concentración nazis y puso tanto celo en su trabajo que, incluso habiendo detenido Hitler las ejecuciones masivas de prisioneros judíos al final de la guerra, él continuó llevándolas a cabo.

Stanley Milgram

Milgram puso entonces en marcha un experimento pionero sobre la obediencia humana. A través de anuncios en un periódico de Connecticut contrató varios voluntarios para participar en lo que se publicitaba como un estudio "Sobre el aprendizaje y la memoria en la Universidad de Yale", a quienes se les pagaría US$ 4 por el par de horas que duraría el experimento. Algo así como unos US$ 28 actuales.
A los voluntarios que se presentaron se les ocultó que en realidad iban a participar en una investigación sobre la obediencia a la autoridad. Los participantes eran personas de entre 20 y 50 años de edad de todo tipo de educación: había desde los que acababan de salir de la escuela primaria hasta participantes con doctorados.

Anuncio para reclutar voluntarios

Los voluntarios que acudieron al llamado del anuncio se reunieron en un laboratorio de psicología donde los recibió un hombre con bata blanca de aspecto agradable, de unos 50 años de edad aproximadamente. Se les dijo que el experimento consistía en que un voluntario iba a ejercer el papel de "profesor" y otro voluntario iba a ejercer el papel de "estudiante" al que se le iba a castigar, con la finalidad de determinar los efectos del castigo en el aprendizaje.
El alumno estaría atado a una especie de silla eléctrica en una habitación contigua y conectado a unos electrodos donde sólo podría escuchar las instrucciones que le daba el otro voluntario que sería el profesor. Cada vez que el estudiante cometiera un error al memorizar una lista de palabras, recibiría una descarga eléctrica por parte del profesor, las cuales "serian un poco molestas y hasta dolorosas, pero que no ocasionarían daños permanentes".

El "profesor voluntario" iba a estar sentado frente a una consola que tenía treinta interruptores. Cada uno llevaba marcado el voltaje que supuestamente se aplicaría al alumno, empezando desde 15 hasta los 450 voltios. Estos interruptores estaban separados a su vez en grupos de a cuatro y tenían estas descripciones:

Descarga ligera (de 15 a 60 voltios)
Descarga moderada (75 a 120)
Descarga fuerte (135 a 180)
Descarga muy fuerte (195 a 240)
Descarga intensa (255 a 300)
Descarga extremadamente intensa (315 a 360)
Peligro: Descarga severa (375 a 420)
Pasados los 420 voltios había dos interruptores marcados con equis y que correspondían a 435 y 450 voltios.

Consola o generador de descargas

Esta consola estaba diseñada para que cuando cada interruptor se activara, se encendiera una luz y la aguja de un supuesto voltímetro empezara a oscilar. También se escuchaba el respectivo zumbido eléctrico. Es importante señalar que no existía contacto visual entre profesor y el alumno, el primero sólo se podía comunicar con el segundo a través de un micrófono, por el cual le iría leyendo las palabras. El alumno, por su lado, no tenía micrófono. Él debía comunicarse con el profesor por medio de 4 interruptores, para elegir entre las posibles respuestas correctas.

Esquema y ubicación de los participantes en el experimento

La prueba debía transcurrir así: cada vez que el alumno acertara, el profesor pasaría al siguiente grupo de palabras, pero si fallaba se le aplicaría una descarga eléctrica. El experimento empezaba con una descarga de 15 voltios en la primera repuesta errada, 30 voltios en la segunda, 45 voltios en la tercera, y así sucesivamente (incrementándose de 15 en 15).
Lo que los voluntarios nunca supieron es que todos, absolutamente todos, serían profesores. Esto se lograba haciendo pasar a cada voluntario junto a un actor (que también simulaba ser voluntario) previamente contratado por Milgram. Luego de un sorteo trucado, al actor siempre le correspondía ser el alumno.

Asistentes atando a la silla al supuesto estudiante (el actor)

Este actor ya había sido previamente aleccionado por el investigador, para que respondiera un promedio de tres veces erróneas por cada vez que lo hacía correctamente. De este modo el voltaje que el profesor creía que aplicaba al alumno iba "subiendo" rápidamente. Como era actor, podía fácilmente simular los efectos de las sucesivas descargas. Así, y a medida que el nivel de descarga "aumentaba", el actor comenzaba a golpear en el vidrio que lo separaba del "maestro" voluntario y hasta se quejaba de su condición de enfermo del corazón. Luego de quejarse a gritos de dolor, pedía el fin del experimento. Cuando llegaban a los 270 voltios gritaba de agonía, y si el maestro voluntario pasaba de este nivel y alcanzaba los 300 voltios, el "alumno" dejaba de responder a las preguntas y simulaba (mediante sonidos) ser víctima de convulsiones.

Hubo diferentes reacciones de los voluntarios durante el experimento. Cuando llegaban a darle 75 voltios, algunos se ponían nerviosos ante las quejas de dolor de su "alumno" y querían parar la prueba, entonces pedían instrucciones al hombre de la bata blanca. Le preguntaban si el "alumno" estaba bien, pero este les decía muy seriamente y con un enérgico tono de voz que siguieran, que no se preocuparan.
Aquí Milgram aprovechaba para darles la orden de que si el alumno no respondía, debía ser considerada como una respuesta errónea: “Espere de 5 a 10 segundos y si no hay respuesta aplique la correspondiente descarga eléctrica”.
Al llegar a los 135 voltios, muchos de los voluntarios se detenían y preguntaban el propósito del experimento. Había otros que decidían continuar, pero dejando en claro que ellos no se hacían responsables de las posibles consecuencias. Algunos participantes incluso comenzaban a reír nerviosos al oír los gritos de dolor provenientes de su alumno.

Si el voluntario le expresaba al investigador que ya no deseaba continuar con el experimento, éste le soltaba algunas frases pre establecidas y con un tono tan enérgico que hasta llegaba a ser imperativo, una orden, según el grado de instrucción del voluntario. El tipo de frases eran:

- Continúe, por favor.
- El experimento requiere que usted continúe.
- Es absolutamente esencial que usted continúe.
- Usted no tiene opción alguna. Debe continuar.
Si después de esta última frase el voluntario se negaba a continuar, se paraba el experimento. Si decidía seguir, se detenía después de que hubiera administrado el máximo de 450 voltios tres veces seguidas.

Los resultados fueron aterradores. De los 40 voluntarios que ejercieron como profesores en el experimento, dos de cada 3 obedecieron las órdenes y siguieron dando descargas hasta llegar al voltaje más alto posible. Solamente 14 voluntarios se rebelaron ante los gritos de dolor del alumno. Otro detalle sorprendente, aunque difícilmente evaluable, fueron las muestras de tensión mostradas por los voluntarios: sudores, temblores, tartamudeos, gemidos, mordeduras de los labios y hasta incluso risas nerviosas y grotescas.

Uno desde fuera tendería a suponer que el voluntario simplemente continuaría con el experimento o lo abandonaría, una de dos, según el dictamen de su conciencia. Sin embargo eso no fue esto lo que ocurrió. La mayoría continuó cuando se les aseguró que estarían excentos de responsabilidad. El 65% de los participantes (26 de 40) aplicaron la descarga de 450 voltios (la máxima), aunque muchos se sintieron incómodos al hacerlo. Todos pararon en cierto momento y cuestionaron el experimento, algunos incluso dijeron que devolverían el dinero que les habían pagado, pero ningún participante se negó rotundamente a aplicar las descargas antes de alcanzar los 300 voltios.

Mussolini en Génova

Milgram repitió el experimento haciendo algunas variaciones, llegando a analizar a más de mil voluntarios adultos y los resultados fueron básicamente los mismos: un alto porcentaje de individuos, a pesar de que desaprobaban las técnicas que se aplicaban en el experimento, y a pesar de sentirse preocupados por su participación en el mismo, obedecían las órdenes administrando castigo a una persona inocente, sabiendo que eran descargas "dolorosas". Un hombre de bata blanca siempre representaba la "autoridad" en sus experimentos.

La ciega obediencia nazi

Aunque en la sociedad es muy común ver variados tipos y niveles de obediencia, la "obediencia ciega" es muy rara y sólo se ha visto en eventos puntuales de la historia. El "Experimento de Milgrad" quizá pueda ser el inicio para entender ciertos fenómenos como el fascismo, el nazismo, y de algunas sectas religiosas donde sus integrantes -cual autómatas- llegaron a profesar ciega obediencia a sus líderes sin cuestionar la catadura moral de sus órdenes, y lo que es peor, someterse a ellas y cumplirlas sin atisbos (evidentes al menos), de remordimiento.

Peter Malkin, el agente del Mossad que capturó a Adolf Eichmann en la espectacular Operación Garibaldi, declaró 15 años después: "Lo más inquietante de Eichmann es que no era un monstruo, sino un ser humano".

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6

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El muchacho que le robó los calzones a la Reina Victoria

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 11 Nov 2011 08:13:00 +0000

Retrato de la Reina Victoria el día de su coronación, 1837

Ubiquémonos una fría mañana de 1838 en Inglaterra. La joven Reina Victoria de 19 años, desde hacía unos pocos meses era la monarca del Imperio Británico, y como soberana, casi nunca salía del Palacio de Buckingham en Londres. Bueno, ahora ubiquémonos en las afueras del palacio. A que no saben la que se ha armado adentro. Pues casi nada, hasta ahora.

El Palacio de Buckingham en 1837

Uno de los guardias de la reina se encuentra cumpliendo con sus habituales rutinas de vigilancia, y al entrar a la Salón del Trono, logra divisar una extraña figura de alguien que no debería estar allí a esas horas. El guardia da la orden de: ¡Alto! para que el intruso detenga, pero éste al escucharlo, sale en precipitada carrera. Empieza la persecución, y aunque el intruso se las ingenia para evadir al guardia, saltar por una ventana y escapar del palacio, finalmente es acorralado y capturado por la Policía en la vecina calle de St. James. En ese momento descubren que el bandido es un chico de catorce años de edad, y durante el repentino cacheo, la policía encuentra escondido bajo sus pantalones un par de calzones de la reina Victoria, que recordemos, no debían ser muy pequeños en aquella época.

Edward Jones era el hijo de un sastre de la zona de Westminster de Londres. Por sus primeras declaraciones se supo que esta no había sido su primera entrada al Palacio de Buckingham, sino que ya lo había hecho antes disfrazado de deshollinador (limpiador de chimeneas). Aquí vale aclarar que hasta inicios del siglo pasado, quienes limpiaban las chimeneas debido a su contextura y tamaño sólo podían ser niños, mientras más pequeños mejor, lo que obviamente creó un gran negocio basado en la explotación infantil, pero eso toparemos en otro tema.

Interrogatorio a Edward Jones

Luego de su captura y declaraciones, el muchacho fue llevado ante una Corte de menores el 14 de diciembre de 1838. El tribunal llamó a declarar a su empleador, quien dijo que muchas veces el muchacho le había comentado sus ganas de entrar a palacio. A pesar de que esta ocasión el chico había robado no sólo las bragas de la reina Victoria bragas, sino también un arma del palacio en una anterior oportunidad, el jurado lo absolvió debido a su edad.

Reina Victoria y su esposo el príncipe Alberto en 1840, justo en la época del acosador

Dos años más tarde, el 30 de noviembre de 1840, sólo nueve días después del nacimiento del primer hijo de la reina Victoria (la princesa Victoria), fue reportado por los guardias que lo vieron "escalando el muro del Palacio de Buckingham por el extremo occidental, en la calle Constitution Hill". En esta ocasión, logró trepar el muro pero al poco tiempo se retiró.
Pocas horas después, el 1 de diciembre volvió a entrar en el palacio pero esta vez fue sacado y capturado de debajo del sofá del vestidor de la reina Victoria, un poco más tarde de la medianoche. Esta vez en la comisaría declaró que entró por lo menos dos ocasiones anteriores donde también aprovechó para sentarse en el trono real.

Edward Jones entrando furtivamente al palacio

Este último incidente de 1840, ya tuvo mayor repercusión en la prensa e inmediatamente el ahora joven Jones alcanzó el estatus de celebridad y la gente lo empezó a llamar "El Joven Jones", que era el apodo que los periódicos le había dado. Esconderse en el vestidor de la reina ahora le costó al muchacho una sentencia de tres meses en una correccional. Fue recién ahí cuando intervino su padre y trató de apelar la sentencia alegando demencia de su hijo, pero el alegato fue rechazado por el tribunal.

Su condena la cumplió en la prisión de Tothill Fields, pero parece ser que ya entre rejas desarrolló una verdadera obsesión enfermiza por entrar al palacio. Al poco tiempo de cumplir su condena, el 15 de marzo de 1841, y luego de despistar a uno de los guardias armados, se las arregló para entrar en el palacio hasta la cocina y degustar algunos de los manjares disponibles antes de ser capturado nuevamente. Esta vez fue condenado a tres meses de trabajos forzados en otra correccional.

Correccional de Tothill Fields

La prensa ahora se lanzó sobre la seguridad de Palacio de Buckingham, pues prácticamente esto ya parecía hasta broma de mal gusto y veían con preocupación la seguridad de la reina Victoria. Al final dos centinelas fueron cambiados, y se aumentó a la nómina del palacio tres personas más para el equipo de seguridad.

Tal fue la fama y popularidad que alcanzó "El Joven Jones", que en cuanto salió de prisión, le ofrecían hasta cuatro libras por semana (alrededor de 300 libras actuales) para formar parte de un show en el Music Hall, pero él declinó la oferta.
Las autoridades de Palacio ya empezaron a tomarse en serio el asunto de "El Joven Jones" y del riesgo que representaba. Creyeron que sería una buena idea enviarlo lejos, a alguna lejana colonia de ultramar o reclutarlo como marino, y fue así que cuando fue descubierto merodeando nuevamente alrededor del Palacio de Buckingham, lo enviaron, sin juicio previo, al servicio de la Marina Real, donde al final le encontraron sitio en una de esas antiguas galeras donde tenía que pasar día y noche remando. Sin embargo "El Joven Jones" no era de los que se rendían fácilmente y un año más tarde logró saltar y escapar del barco en los muelles de Portsmouth, desde donde llegó caminando hasta Londres (120 km). Esta vez fue detenido antes de llegar al palacio y enviado de regreso a su galera.

Antiguas galeras de remos inglesas

Lo último que informó de él la prensa británica, fue sobre su rescate luego de haber saltado por la borda durante el estrecho entre Túnez y Argelia. Finalmente no quedó más remedio que enviarlo hacia la lejana e inhóspita Australia, donde de pronto y para beneplácito de todos parecía haber encontrado su lugar. Debido a su buena conducta hasta fue designado pregonero de la colonia Swan River, actualmente la ciudad australiana de Perth. Los pregoneros eran en esa época los principales medios de comunicación y noticias del pueblo, ya que la mayor parte de la gran mayoría era analfabeta. Comunicaban proclamas reales, reglamentos locales, los días de feria y hasta eran contratados para hacer publicidad (quizás los inicios del marketing pagado).

Un pregonero del siglo XIX

Lastimosamente su brillante comienzo quedó solamente en eso y prefirió dedicarse a la mala vida, situación que lo enganchó al hampa australiana, en la que llegó a ser un reconocido ladrón. Para rematar, su afición a la bebida degeneró en un alcoholismo crónico que fue lo que lo llevó a la muerte, cuando cierto día ebrio cayó de cabeza de un puente y se rompió el cuello.

Así terminó la vida de quien fuera posiblemente el primer acosador, merodeador, el primer stalker de las celebridades, aunque me imagino que si Jones hubiese podido ver a su extraño objeto del deseo en su edad adulta, con toda seguridad se le quitaban las ganas de robarle los calzones.

Reina Victoria a finales del siglo XIX

Algunos biógrafos de Edward Jones aducen que su obsesión no era tanto con la reina Victoria, sino que veía al Palacio de Buckingham, como un agradable lugar de residencia.
Como última curiosidad, aquí vemos a dos encargadas de la colección Real del Palacio de Kengsinton, mostrando un par de calzones y una blusa de dormir de la Reina Victoria

Supongo que a sus 19 años, las bragas de la Reina Victoria eran más pequeñas, porque debe ser un poco complicado robar y esconder dos de estas.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6

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El Presidente que se cayó del tren

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 09 Nov 2011 10:35:00 +0000

"Soy el Presidente de la República y creo que me caí del tren".
Esta fue la frase que escuchó André Rabeau esa calurosa noche del 23 de mayo de 1920, de quien pensó era otro de los habituales borrachines que solía ver de madrugada en su turno de guardia ferroviario en el poblado de Mignerette, en Loiret. Lo que le llamó la atención de este hombre, fue que estaba en pijama y que tenía algunas magulladuras en la cara. Cumpliendo con su labor y en un acto de solidaridad, llevó al pobre vagabundo a la casa más cercana de la estación para que le limpiaran las heridas y preguntar si era algún conocido de la zona.

Paul Deschanel, Presidente de Frania en 1920

Paul Deschanel fue elegido Presidente de la República Francesa el 18 de febrero de 1920, a la edad de 65 años. Era reconocido como un hombre de letras inteligente y culto, un destacado miembro de la Academia Francesa desde 1899. Sus discursos eran siempre memorables y su gran elocuencia era comentada por la prensa de la época, sin embargo parece que su carácter no fue capaz de soportar la carga y responsabilidad que pesaba sobre sus hombros, porque muy pronto aparecieron síntomas de fatiga mental y comportamiento irregular. El presidente francés empezó a ser víctima de continuos ataques de ansiedad e insomnio, lo que lo llevó a consumir una gran cantidad de medicamentos.

Paul Deschanel y su comitiva

El 23 de mayo de 1920, Paul Deschanel y su comitiva tomaron un tren -a eso de las 23:00 horas- en la localidad de Montbrison (ciudad en la que acababa de develar un busto). Aquella noche de verano el calor era sofocante y el presidente Deschanel empezó a sentirse mal, por lo que se dice abrió la ventana de su compartimento para recibir aire fresco, y así sin más, cayó del tren en pijama.

Afortunadamente el tren no iba a gran velocidad –se deduce que a no más de 50 Km/h- por lo que su cuerpo no fue víctima de lesiones, salvo algunos raspones y moretones. Otra de las cosas increíbles del suceso es que nadie de su comitiva se había dado cuenta que ya no iba en el tren tan ilustre pasajero. No fue sino hasta la mañana siguiente del 24 de mayo, en la parada oficial en Montargis, donde la comitiva y la gente que se agolpaba para darle la bienvenida, esperaba en vano que el presidente saliera de su camarote.

Vagón o compartimento desde el que cayó Paul Deschanel

Pero volvamos a aquella noche a la estación ferroviaria de Mignerette. El guardia nocturno André Rabeau ayudaba a un vagabundo que hablaba incoherencias y decía ser "le président de La France". Lo llevó hasta la casa más cercana, a la de la familia Dariot, donde se ofrecieron a prestarle ayuda. Mientras la señora le limpiaba las heridas, pudo fijarse en sus pies descalzos e hizo la siguiente observación: "Esos pies bien cuidados no son los de un vagabundo, este hombre es alguien importante". Fue en ese momento que el marido dejó de leer su peródico y reconoció en el rostro de aquel hombre al presidente de la república. Está por demás decir que salió despavorido a buscar ayuda en el puesto policial más cercano.

Al enterarse los periódicos del tragicómico suceso, obviamente hicieron su agosto. Se publicaron decenas de caricaturas poniendo al Presidente en ridículo, y hasta era común escuchar en la radio y en los pequeños cafetines (en los que ya vagaba Hemingway) a músicos y poetas mofándose de la anécdota.

Cruce 79, Mignerette. Lugar donde el Presidente Deschanel cayó del tren

Finalmente y después de algunos embarazosos contratiempos (sonambulismo y fatiga extrema entre otros), Paul Deschanel demostró que aún le sobraba un poco de lucidez y dimitió como Presidente de la República el 21 de septiembre del mismo año, a los siete meses de haber asumido el cargo.

Se le atribuyeron también otros incidentes bochornosos como el de nadar con los patos en los estanques de los Parques Elíseos, o de firmar ciertos documentos con la rúbrica de Napoleón, pero al parecer estos últimos fueron resultado de una campaña de desprestigio orquestada por sus adversarios políticos, ya que no existen suficientes pruebas al respecto.

El Presidente Deschanel, llegando al día siguiente a Montargis en coche

Al día siguiente de presentar su renuncia, Paul Deschanel se retiró a un hogar de reposo, y una vez "liberado" de la Presidencia de la República, su condición empezó a mejorar rápidamente, tanto así que se presentó a las siguientes comicios y fue elegido nuevamente como Senador de Eure-et-Loir el 9 enero 1921. También presidió la Comisión de Asuntos Exteriores del Senado. Lastimosamente esta segunda etapa política tampoco la pudo culminar porque murió víctima de una pleuritis el 28 abril 1922. De todas formas esta nueva incursión le sirvió para limpiar su imagen porque la llevó de una forma mucho más consistente, decorosa que la primera.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5

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Cómo echar un polvo durante una ejecución

noreply@blogger.com (Carlos) — Sun, 06 Nov 2011 08:28:00 +0000

Día: 28 de marzo de 1757
Lugar: Plaza de Grève, París

Un fanático religioso llamado Robert Damiens iba a ser torturado y ejecutado por su intento de asesinar a Luis XV. En ese tiempo las ejecuciones tenían la intención de sacar al pueblo a las calles, era un espectáculo, todo un acontecimiento. Esta vez había mucha más razón pues el condenado había atentado contra el rey, y se consideraba un deber patriótico presenciar su tortura.

Mientras el pueblo y la clase baja abarrotaban la plaza para disfrutar de la ejecución, los aristócratas alquilaban con tiempo las habitaciones y balcones circundantes debido a su vista privilegiada. Estos balcones sin duda son el ancestro de las modernas suites de los estadios. En ellos los nobles podían disfrutar del "espectáculo" mientras se tomaban unas copas y charlaban.

Aspecto de la Plaza de Gréve (y sus balcones) a mediados del siglo XVIII

Ese mismo día y hora, en uno de esos balcones se encontraba el aspirante a aristócrata Giacomo Casanova, que había decidido dar una pequeña fiesta durante el espectáculo (ejecución) para impresionar a su adinerada novia y a su familia. Era la época de esplendor y derroche de la aristocracia francesa, la de Casanova y sus amistades peligrosas, toda una generación previa a la Revolución Francesa.

Giacomo Casanova

Giacomo Casanova de 42 años de edad, invitó a su novia de 17 años y a su tutora, una de aquellas respetables damas solteronas y ricachonas. Esta era una señora gorda de rostro agrio, de unos bien entrados 60 años y para colmo una ferviente devota católica. También estaban como invitados una prostituta amiga suya a quien hizo pasar como la "sobrina del papa" y un joven italiano de apellido Tiretta que sólo vivía de sus encantos y no hablaba ni un ápice de francés. Imaginen al grupo; imagínenlos con sus ropas elegantes, con los encajes de seda, los trajes de lino y sus joyas.

Las tres mujeres estaban en la primera fila, asomadas en el único balcón, inclinadas hacia delante, apoyando los codos sobre la baranda para que los dos hombres que estaban detrás, pudieran ver el espectáculo por encima de sus hombros.

Imagen tomada de Google (como todas) para graficar la posición de las damas en el balcón

Según las memorias de Casanova, el evento duró alrededor de cuatro horas durante el cual muy poco se podía charlar debido a los estridentes gritos de la multitud.

Empezó la tortura. Damiens fue encadenado sobre una mesa de madera y su mano derecha fue poco a poco quemada hasta los huesos con azufre y fuego. Los verdugos le iban arrancando trozos de piel con tenazas al rojo vivo. Sus cuatro extremidades estaban fuertemente amarradas a largas correas que fueron atadas a briosos caballos. Los caballos fueron azotados durante una hora, pero Damiens era un hombre tan musculoso y fuerte que los animales no podían avanzar tirando de sus miembros. El pobre condenado sólo gritaba agonizante.

Damiens siendo cruelmente torturado

Casanova continúa contando que las mujeres estaban tan embelesadas con el espectáculo, que ni una sola vez volvieron la cabeza, pero dice que luego de un tiempo él mismo no soportó ver tanto castigo y cuando regresó su mirada, notó que su amigo el italiano, tenía levantado el vestido de la devota tutora delante de él. Casanova estaba maravillado por la audacia y apetito de su amigo, y más tarde lo estuvo por su resistencia.

Dado que las mujeres en esa época no llevaban ropa interior entre las piernas sino sólo un puñado de enaguas, un avance íntimo era bastante factible. Durante las siguientes dos horas, Casanova percibió el leve movimiento sexual de su amigo mientras analizaba el rostro de la respetable señora devota, su rictus parecía congelado con los labios fruncidos y los dientes apretados. Aún con su vasta experiencia le era difícil distinguir si era ira, pasión o miedo. Casanova estaba confundido pero enseguida lo dedujo: esta respetable dama no quería que la "sobrina del papa" o que la joven a quien cuidaba se enteraran de lo que estaba sucediendo en ese instante, es decir, que estaba siendo violada muy cortésmente.

Desde alguno de esos balcones, Casanova y sus amigos fueron testigos de la ejecución

Los verdugos aumentaron al suplicio dos caballos más de carruaje, pero las extremidades de Damiens todavía no se arrancaban. Mientras aquel pobre diablo era descuartizado, el italiano Tiretta seguía balanceándose discretamente atrás de la respetable dama.

Luego de la ejecución y durante un pequeño brindis, a Tiretta se lo veía increíblemente alegre y sereno, mientras que la tutora lucía furiosa. Luego ésta tomó a su protegida y se despidió de todos menos del italiano, a quien hizo un evidente desplante. Esa misma noche durante la cena, Casanova le preguntó a Tiretta que había sucedido, a lo que el italiano contestó que "el acto sexual se había consumado cuatro veces". (Durante su breve estancia en París, Tiretta ya se había ganado el apodo de "Monsieur seis veces" por una parisina que había tenido el gusto de conocerlo íntimamente.)

Al día siguiente, Casanova fue convocado a la casa de la tutora, quien pidiendo disculpas por su enfado nada cristiano, le dijo que aquel repudiable acto, sumamente bajo y traicionero de su amigo, ameritaba un severo castigo. Casanova estaba en una situación incómoda porque de aquella dama mayor dependía la relación con su joven amada, pero por otro lado, el italiano Tiretta esa su buen amigo. Rápidamente Casanova ofreció a la dama hacer que su amigo (vividor sin dinero) se case con ella para que pueda así resarcir su agravio. Ella se negó rotundamente. Entonces el astuto Casanova señaló a la ofendida señora que "su belleza tenía gran parte de la culpa", y ofreció enviarle al italiano para que se disculpe con ella. Fue entonces cuando la atribulada mujer rompió en llanto y le dijo a Casanova que “ese” no era el punto.

"Usted está pensando que fue un pequeño delito, que con esfuerzo, uno podría razonablemente encontrar una enmienda adecuada, pero lo que el animal de su amigo hizo conmigo es una infamia, la cual no deja de martillar mi mente y ya me está volviendo loca!"

Casanova empezó a darse cuenta de lo que había sucedido, es decir, que su amigo la había poseído sin su consentimiento pero, lo que es peor, por una entrada trasera no convencional y más dolorosa. Al final pudo llegar a un acuerdo con la señora. Llevaría al joven italiano a la casa de la dama y se lo entregaría a ella para que cobre su venganza como estime conveniente. Sólo impuso una condición:

“Mi señora, usted podrá castigarlo de cualquier manera, pero sin llegar al cruel asesinato, y yo permaneceré escondido en otra habitación de su casa para garantizar el pacto y actuar como mediador en caso de necesidad.”

Ese día más tarde, Casanova se reunió Tiretta y después de las bromas de rigor, le explicó en qué consistiría su castigo. Tiretta trató de defenderse: "Yo no digo que ella esté mintiendo, pero en la posición en que me hallaba, era imposible para mí saber por dónde me estaba moviendo", replicó.

Bueno, para no alargarles más el asunto, Tiretta fue llevado donde aquella mujer y pasó una noche de "penitencias" con ella en su habitación. Al día siguiente la tutora anunció que estaba poniendo bajo su custodia al italiano en su casa de campo, con un generoso salario anual y un subsidio para que renueve su vestuario. "Si usted supiera lo mucho que me ama" le comentó la entusiasmada mujer a Casanova, quien por cierto había pasado atareado la noche anterior, ocupándose de la virginidad de la hermosa joven que estaba bajo el cuidado de la señora.

La Plaza de Gréve 40 años más tarde durante la Revolución Francesa

La Plaza de Gréve, donde Robert Damiens fue torturado y ejecutado, se convirtió cuatro décadas más tarde en el principal sitio de ejecuciones de la Revolución Francesa. Allí, en una especie de justicia poética fue decapitado en la guillotina Luis XVI (nieto de Luis XV), pero esta vez, en las ventanas y balcones que tenían vista a la plaza, ya no se encontraban los aristócratas sino los comuneros y miembros de la asamblea parisína. ¿Habrá tenido alguno de ellos la misma audacia de Tiretta con alguna patriótica francesa?

P.D. Por si les gustó el tema y el personaje, aquí les dejo la colección "Las Memorias Completas" de Giacomo Casanova en sus seis tomos. Para quienes deseen leer esta anécdota escrita directamente por su protagonista, pueden encontrarla en el 1er capítulo del tercer libro (aquí el enlace directo). Son muchas historias interesantísimas, disfrútenlas.

Fuentes y referencias:
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Cuando el tamaño de los pechos no importaba

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 03 Nov 2011 15:54:00 +0000

Marylin Monroe

Los pechos grandes del tipo de Sofía Loren o de la bella Marilyn Monroe muy pocas veces fueron admirados a lo largo de la historia de la civilización occidental. Es lógico que los hombres actuales nos neguemos a creerlo, cuando hasta hace pocos años la obsesión por aumentarse el tamaño de los senos llegó al nivel de caricatura. Las conejitas de Playboy tipo Pamela Anderson, de cuerpos delgados pero con tallas de copa triple D, hubiesen sido consideradas una atracción de feria hace 200 años en la mayoría de países europeos o en los mismos Estados Unidos.

Pamela Anderson

En primer lugar serían vistas demasiado flacas, con trasero de hombre y sus enormes pechos hubiesen recibido (con suerte) respeto maternal y no miradas libidinosas. Los pechos grandes se los asociaba o eran más usuales en las mujeres del campo, que cada año tenían un nuevo vástago bajo el brazo. Y es que contrariando la tendencia actual, no siempre fueron atractivos los pechos grandes.

El poeta romano Marcial ya había escrito acerca de los pechos perfectos, que "no debían desbordar el tamaño de la mano masculina", y todos sabemos que en el sentido estético los romanos no dejaban nada al azar. Las mujeres de la antigua Roma utilizaban un corpiño llamado "fascia pectoralis", una tela ligera a manera de ropa interior cuya única función era aplastar, oprimir los senos.

Villa Imperiale del Casale – Sala dei Dieci Ragazze

Agustín Cabanès fue un médico historiador francés del siglo XIX y detallaba: “Este dispositivo (la fascia) fue creado para atrofiar el crecimiento de los senos en las mujeres”, decía, “tal cual lo hicieron las mujeres chinas, que reducían el tamaño de sus pies, atrofiándolos con pequeños zapatos apretados”.

Zapatos antiguos tradicionales chinos

También en la antigua Grecia, durante la llamada Edad de Oro de Aristóteles y Esquilo, los pechos femeninos igual pasaban desapercibidos como las orejas. Más bien era muy apreciado el derriere, a tal punto que había un templo dedicado a Afrodita Kallipygos, también conocida como “Afrodita del hermoso trasero” (que obviamente iba sin calzones). De hecho hasta los dramaturgos griegos escribían consejos de belleza a las prostitutas recomendándoles oprimir, esconder sus grandes pechos y más bien preocuparse de las caderas.

Afrodita Kallipygos

"Al igual que nosotros, los griegos también detestaban los pechos voluminosos", afirmó Cabanès en 1895, "los signos de la belleza fueron la elevación del derriere, la pequeñez de los senos y la regularidad de contorno". Estos parámetros de belleza también fueron los que marcaron la Europa renacentista, que tuvo en el corsé su mejor herramienta para regular ese contorno.

El corsé como prenda obligatoria era un suplicio despiadado. Dejaba los senos tan brutalmente aplastados que algunos textos médicos discutían la manera de curar los pezones invertidos, causado por el continuo uso de la prenda.

A diferencia de los brassieres actuales, el desafío de la moda siempre fue reducir al mínimo, subestimar, esconder, evitar llamar la atención de las miradas. Las fórmulas para la reducción y achique de las mamas fueron innumerables y muy solicitadas, por ejemplo, El Bastiment des receptes, un manual francés renacentista aconsejaba:

"Para lograr que los senos pequeños permanezcan de ese tamaño y para reducir los que son grandes, tomar las principales vísceras de una liebre (corazón, hígado, bazo, pulmones), picarlas y mezclarlas con una parte igual de miel. Aplicar en forma de cataplasma sobre los pechos y las zonas circundantes y renovar la aplicación en seco".

Venus de Milo y Nacimiento de Afrodita

Incluso si damos un breve vistazo al arte y la escultura a través de los tiempos, veremos medidas que poco se asemejan a las de nuestras divas actuales, más bien todas se parecen a las Venus y Afroditas griegas, que hoy en día serían consideradas más bien mujeres rellenitas y sin mucho tetámen.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4

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Finalista de los Premios Bitácora ¡Mil Gracias!

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 03 Nov 2011 08:40:00 +0000

Finalista Premios Bitácora 2011

Tengo el gusto de comunicarles que gracias a ustedes, mis fieles lectores, suscriptores del blog, ese gran grupo que tenemos en la página de Facebook y a los buenos amigos que me siguen Twitter, que este humilde blog ecuatoriano ya está entre los tres finalistas de los Premios Bitácoras en la Categoría de Mejor Blog Cultural.

Ahora un jurado decidirá entre los tres finalistas quien será el ganador de la Edición 2011, pero eso será en Madrid el 11 de noviembre. Yo por mi parte sólo tengo palabras de agradecimientos para ustedes, por haberme ayudado a poner en la final a un blog Made in Ecuador, algo inédito en este concurso.

En lo que a ustedes y a mi respecta, la misión está cumplida, pero si ganamos, sería la cereza en el pastel de un año extraordinario. ¡Gracias totales!

P.D. Desde aquí tabién quiero felicitar al resto de blogs amigos que compitieron en la misma categoría y merecieron mejor suerte como Meridianos, Recuerdos de Pandora, El Baúl de Josete y La Aldea Irreductible, grandes entre los grandes blogs españoles. También comentar que será un honor compartir podio con Historias de la Historia de Javi Sanz, uno de los blogueros más emblemáticos de España.

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La hora cero de Praga

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 31 Oct 2011 00:56:00 +0000

Foto: Josef Koudelka, Praga 1968

Esta famosa foto de Josef Koudelka, muestra el momento en que las tropas del Pacto de Varsovia iniciaban la toma de la ciudad de Praga el 21 de agosto de 1968. Aquel día 200.000 soldados y 2.000 tanques de la ex Unión Soviética entraron a Checoslovaquia. La imagen muestra al fondo la Sede de la Radio Nacional. Las tropas primero ocuparon el aeropuerto internacional de Ruzyne, desde donde se coordinó el despliegue aéreo de más tropas. Las fuerzas checas fueron encerradas en su propios cuarteles y rodeadas mientras su país era ocupado.

Foto: Josef Koudelka, Praga 1968

La invasión fue una respuesta a la desestalinización que perseguían los líderes locales con la llamada Primavera de Praga, que había empezado seis meses antes.
Checoslovaquia quería cambiar los aspectos totalitarios y burocráticos que el régimen comunista tenía en este país y avanzar hacia una forma no totalitaria de socialismo, legalizando la existencia de más partidos políticos. Querían promover la libertad de prensa, la libertad de expresión y el derecho a huelga que les era negado. Buscaban un "socialismo con rostro humano". Esto fue visto por los líderes soviéticos como una amenaza a su hegemonía sobre los otros estados comunistas de Europa del Este.

Luego de una pequeña cumbre el 3 de agosto de 1968, los autodenominados "Cinco de Varsovia" (URSS, Hungría, Polonia, Bulgaria y Alemania oriental) firman la Declaración de Bratislava, un documento que ratificaba la implacable lucha contra la "burguesía" y contra todas las fuerzas "antisocialistas". La Unión Soviética también dejaba en claro (advertía) que intervendría en cualquier país del Pacto de Varsovia, en caso de que un "sistema burgués" fuese establecido.

Foto: Josef Koudelka, Praga 1968

Estos acontecimientos desilusionaron a muchos grupos izquierdistas del mundo de tendencia marxista-leninista y contribuyó más bien al crecimiento de las ideas eurosocialistas moderadas, donde los mismos partidos comunistas tomaban una mayor distancia con la Unión Soviética, y fue lo que llevó finalmente a la disolución de muchos de estos grupos.

* Pueden ver más fotos de Josef Koudelca y del evento en este enlace.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5

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Los Caníbales franceses

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 27 Oct 2011 05:20:00 +0000

Esta historia comienza en París en 1816. La monarquía francesa había sido restaurada en el trono gracias a que los ingleses un año antes habían derrotado y exiliado a Napoleón. La monarquía ya no era un poder absoluto y debía ceñirse a varios cambios que se habían producido años antes en la famosa Revolución. En este contexto, y como muestra de buena voluntad y apoyo al recién instalado Luis XVIII, los británicos ofrecieron a los franceses el Puerto de St. Louis, en Senegal, en la costa occidental de África.

El Puerto de St. Louis era un fondeadero comercial importante y centro de abastecimiento casi obligatorio para quienes navegaban hacia el Cabo de Buena Esperanza, en Sudáfrica. Para tomar posesión del puerto, el nuevo rey francés preparó una flota de barcos que llevaría a quien sería el nuevo Gobernador de St. Louis, su respectivo regimiento de soldados y a las primeras familias que colonizarían el pueblo costero.

Puerto de St. Louis en Nueva Senegal

El primer gran error que se cometió, fue nombrar como capitán de la flota a Hugues Duroy de Chaumereys y ponerlo a cargo de llevar toda esa gente a su destino. Fue una elección política e inadecuada ya que De Chaumereys era un aristócrata pro monárquico de 53 años, que hacía 25 que no había tripulado un barco. Ni en su mejor época de oficial había capitaneado una nave, sin embargo ahora le encargaban una flota.

Las embarcaciones partieron el 17 de junio de 1816. La flota estaba compuesta por cuatro barcos: el Loira, el Argus, el Eco y la fragata Medusa. Esta última era la que llevaba al capitán, a los pasajeros civiles, a los más altos oficiales y a la mayor parte de la tropa. Iban aproximadamente unos 400 hombres, fuera de mujeres y niños. El pasajero más importante era el coronel Julián Désiré Schmaltz, Gobernador de Nueva Senegal, un hombre arrogante y engreído que no tardó en impresionar al inexperto capitán De Chaumereys.

El Gobernador Schmaltz quería llegar a St. Louis lo más rápido posible tomando una ruta más directa. El plan que sugirió –ordenó- el Gobernador, implicaba acercar a la flota peligrosamente a la costa para navegar siguiendo su perfil. Esa zona de la costa africana era (y es) bastante conocida por sus bancos de arena, arrecifes y por los complicados problemas de navegación que implicaba, incluyendo el famoso banco de Arguin, que cuando baja la marea prácticamente se convierte en islote. Era una ruta que hasta los piratas más experimentados la evitaban. Lo habitual era navegar mar adentro en el Atlántico y dejar que los vientos predominantes del oeste acerquen las naves a la orilla aprovechando las marea altas, cosa que según Schmaltz era perder el tiempo.

Fragata La Medusa

El pelele del capitán se dejó influenciar por el gobernador y ordenó cambiar el rumbo para seguir su plan. Los marinos y la tripulación estaban indignados, primero porque estaban obligados a obedecer las órdenes de dos aristócratas monárquicos que no sabían nada de navegación, y segundo, porque conocían el riesgo que esto conllevaba.

La Medusa, al ser la embarcación más rápida del convoy, pronto dejó atrás al Loira y al Argus. El Echo iba segundo y le siguió el ritmo durante varios kilómetros pero luego decidió ir más despacio por precaución, mientras tanto la Medusa siguió por su cuenta y abandonó el grupo.

Para el 28 de junio (tras 11 días de navegación), el capitán De Chaumereys ya había hecho un nuevo amigo, un tal M. Richefort que se le presentó como un experto explorador de África. Este señor iba a ser el nuevo capitán del Puerto de St. Louis y tenía aún menos experiencia naval que De Chaumereys. Pronto el capitán se dejó manipular por este charlatán y prácticamente empezó a tomar las decisiones que Richefort le aconsejaba.

Eran tan obvias las falencias del capitán en materia de navegación, que no sólo la tripulación se daba cuenta del títere que tenían al mando, sino que incluso ya lo comentaban los oficiales, las tropas y los civiles que iban hacia St. Louis. El Capitán y su nuevo amigo parecían gemelos, se paseaban por toda la fragata caminando elegantemente, ambos con aire de suficiencia y dando órdenes de navegación. Muy pronto esto sería lo que los llevó al desastre.

El amanecer del 2 de julio sorprendió a los pasajeros con un entorno de miedo. De repente vieron como el agua del mar se había oscurecido, y quienes se asomaron a la proa del barco pudieron constatar que ésta estaba llena de barro. Frente a la obvia preocupación y preguntas de los pasajeros, Richefort sonreía con serenidad y amablemente les respondía:

"Mi querido señor, sabemos lo que hacemos. Siga usted en sus asuntos que puede estar tranquilo. He pasado dos veces por el Banco de Arguin, he navegado en el Mar Rojo, y como podrá ver, aún sigo vivo”.

El Gobernador Schmaltz, que no tenía idea de lo que estaba pasando, seguía dictando el rumbo y dando órdenes a todos a los que se le acercaban. Richefort se instaló junto al Gobernador como su asistente de navegación, mientras el capitán De Chaumereys trataba de tranquilizar a la gente que empezaba a reclamar. Al final no pudo soportar la presión y por último terminó pidiendo a la tripulación que "hicieran lo que creyeran más conveniente". El puesto de Capitán le había quedado demasiado grande.

Esa misma mañana antes del mediodía, llegó a su fin el viaje de la Medusa. Las crónicas relatan que el barco navegaba en aguas de 80 brazas de profundidad. La braza es una antigua medida de longitud náutica para calcular la profundidad del agua. Equivale a un par de brazos extendidos, 1,7 m aproximadamente.

Banco de Arguin visto desde la costa

"No hay motivo de alarma" repetía a cada momento De Chaumereys a los pasajeros, y en cierto momento hasta tuvo que gritarlo porque el pánico ya empezaba a cundir. Para eso de las 15:00 la Medusa navegaba apenas sobre seis brazas de agua (10 metros), la que cada vez se iba haciendo menos profunda. Casi toda la tripulación había abandonado al capitán, mientras él y su amigo navegante se mostraban alegres y sonreían.
Cinco minutos más tarde el barco se detuvo en seco y empezó lentamente a voltearse de lado provocando un gran sacudón, hasta que –por suerte- la inclinación se detuvo de pronto. Era el Banco de Arguin. Según los testigos que luego relatarían los hechos, los rostros del capitán De Chaumereys y Richefort sufrieron una rara transformación, "tenían los ojos desorbitados, sudaban profusamente, se notaba habían entrado en pánico pero sólo guardaban silencio... poco después, los airados reclamos de la tripulación los trajeron de vuelta a la realidad".

Casi inmediatamente, Richefort fue objeto de una las más grandes puteadas que debe haber recibido un hombre en su vida (de los marinos, soldados y pasajeros), pero los oficiales no dejaron que lo agredan. El capitán se había quedado mudo mientras el Gobernador Schmaltz y su familia contemplaban indiferentes el espectáculo, suponiendo tal vez, que como eran gente importante (rica), alguien vendría en su ayuda.

El banco de Arguin visto desde el aire

Tal como se encontraba en ese momento, el barco no había sufrido ningún daño, apenas estaba atrapado en el fango. En un esfuerzo por aumentar la flotabilidad sobre el lodo, la tripulación empezó a lanzar los objetos más pesados por la borda, porque según ellos, tenían un pequeño lapso de tiempo para tratar de sacar al barco del banco de arena: con la primera marea alta, ya que cada una de las siguientes (mareas) iba a ser menor que la anterior así que debían apurarse botando toda la carga pesada como armas, cañones, barriles de pólvora, munición. De Chaumereys ordenó parar ese plan por temor a que el rey se moleste al saber que sus cañones habían sido tirados por la borda. El barco por supuesto, seguía hundiéndose cada vez más en el espeso lodo.

Después de su crisis nerviosa y rascándose la cabeza, el Capitán llamó a algunos de sus marinos de confianza y a los oficiales de mayor rango para ver qué se podía hacer, porque para variar, sólo había seis botes salvavidas.

Nuevamente el Gobernador salió con otra de sus “geniales” ideas. Schmaltz sugirió cargar “las pertenencias más importantes” junto a los pasajeros importantes en los pocos botes salvavidas, y construir una balsa para los soldados y tripulación, que sería remolcada por los seis pequeños botes hacia la costa.

Así como en la actualidad van mecánicos e ingenieros especializados en todos los buques modernos, antes iban carpinteros, cerrajeros y mucha gente hábil. La balsa fue construida en tiempo record utilizando los mástiles y las vigas transversales de la embarcación. Fue hecha rudimentariamente y al apuro, no tenía ningún sistema mecánico de navegación y como iban a ser remolcados, nadie se preocupó por hacer unos remos. Medía aproximadamente unos 65 por 23 pies (20 x 7 metros).

La rudimentaria balsa de 20 x 7 metros

Cuando la tropa y los marinos de bajo rango empezaron a subir a la balsa –unas crónicas dicen 147 otras 150- , esta se hundió y el agua les llegaba a las rodillas. Estaba tan cargada que ni siquiera tenían un metro de espacio por persona, era imposible acomodarse.

También hay que señalar que hubo ocho altos oficiales que -con mucha dignidad- prefirieron ir en la balsa acompañando a sus soldados, pero por lo enrarecido que estaba el ambiente, les requisaron las armas a la tropa y sólo a unos pocos se les permitió que llevaran su sable. Era tal el hacinamiento y el desorden, que 17 hombres decidieron no arriesgarse, prefirieron quedarse en la Medusa que lentamente era tragada por el lodo. Tuvieron que esconderse para que no los obligaran a subir porque prácticamente era un suicidio.

Aunque el detalle de los suministros nunca se sabrá con exactitud, se calcula que llevaban unos cuantos barriles de vino y de agua dulce, un par de barriles de ron, algo de harina (que de nada servía), y a última hora desde los botes les convidaron unas 20 libras de galletas.

Botes salvavidas de la Medusa

Gracias a la genial sugerencia del Gobernador Schmaltz, cinco de los seis botes salvavidas fueron cargados con cosas ridículas. En el sexto iría la “gente importante” como por ejemplo el Capitán De Chaumereys (que fue uno de los primeros en subirse al sexto bote), el Gobernador con su familia, los pasajeros notables –políticos y adinerados-, y otros marinos y altos oficiales que prefirieron ir en los botes que junto a sus tropas. Obviamente este grupo tenía más posibilidades de sobrevivir que aquellos pobres diablos de la balsa, que aún antes de partir ya estaban temblando empapados, muertos de hambre y hacinados.

En la balsa la gente pronto se dio cuenta que apoyar esta idea había sido una tontería, sobre todo porque ningún plan podía funcionar si de por medio había discriminación social. Muchos marineros estaban tan resentidos, tan dolidos, que maldecían a gritos a la gente que ya se había acomodado en el bote VIP. Cuando empezaron a remolcarlos muchos cayeron al mar, otros lloraban de miedo y desesperación, otros prefirieron seguir en la balsa pero colgados de ella, dentro del agua; en lo único que pensaban es en salvar sus propias vidas. En cierto momento se percataron de que uno de los botes salvavidas cargados navegaba sin rumbo cerca de ellos. Así que cuando la balsa pasó demasiado cerca, estuvo a muy poca distancia de sus brazos estirados, lo cual hizo que el Capitán De Chaumereys entrara en pánico y desesperación, a tal punto que dio la orden de desatar la balsa, cortar las amarras y dejar a sus ocupantes a merced de los mares.

“En aquel momento no creímos que habíamos sido tan cruelmente abandonados. Nos imaginamos que los barcos nos habían soltado talvez porque habían visto un buque cercano, y se apresuraban hacia él a pedir ayuda. Algunos oficiales que iban con nosotros en la balsa, al ver que los botes nos abandonaban, sacaron sus armas pero no se si era para dispararles o suicidarse, pero enseguida fueron detenidos por el teniente Espiau”.

Ahora había más de un centenar de hombres que se encontraban abandonados en el océano, a la deriva, que sólo podían esperar un milagro o la muerte.
Mientras tanto y debido a la desesperación, algunos de los barriles de provisiones fueron lanzados al mar para hacer espacio, para poder sentarse al menos. Daba igual, el verdadero peligro no serían ni el hambre ni la sed, el verdadero peligro sería el instinto de supervivencia humano en tan poco espacio. Al caer la noche, comenzaron a darse cuenta de cuan perverso y cruel que puede llegar a ser el hombre en condiciones extremas.

Los primeros reclamos llegaron. Se preguntaban airados quiénes fueron los estúpidos que lanzaron los barriles de vino y harina por la borda. Las primeras riñas e insultos terminaron en un tumulto de cuchillos, machetes y sangre. Fueron las primeras víctimas. En medio de ese infierno de lamentos, maldiciones y una oscuridad sin luna, la balsa amaneció más ligera: 21 hombres murieron la primera noche, 18 fueron asesinados y 3 se suicididaron.

El hambre, la falta de sueño y la desorientación de los marinos sólo consiguieron despertar sus más bajas pasiones. Las riñas eran comunes especialmente al anochecer, la noche los ponía locos como bestias, los tripulantes ebrios se rebelaban contra sus superiores y los asesinaban. Se desató una guerra entre la tropa y oficiales, entre marineros contra soldados, entre africanos y franceses, civiles contra militares. Cada noche era una pesadilla, cada noche enloquecían, la histeria se apoderaba de todos y quien quería amanecer vivo, tenía que luchar. Cada mañana se contaba el número de sobrevivientes y se distribuían las magras raciones de harina y vino entre los que se negaban a morir. Eso sí, botaban al océano a los más débiles y agonizantes para obtener más raciones.

Por último, la sed y el hambre se hicieron insoportables y no tuvieron reparo en cortar la piel y desgarrar la carne de algunos cadáveres que cubrían el bote. Eran cadáveres de compañeros que quedaron con sus extremidades inferiores atrapadas entre los palos de la balsa después de una noche de tormenta, y que no pudieron saltar al mar cuando les revolcaba el océano. Muchos se resistieron a comerla pero pronto se hizo evidente que quienes comían carne humana soportaban con más fuerza el infortunio, así que todos, uno por uno, tropa y oficiales por igual, tuvieron que dejar a un lado sus prejuicios y comerla.

A los trece días de haber sido abandonados a la deriva, la fragata Argus pudo divisarlos. La balsa se encontraba a cuatro millas de la costa y con apenas 15 sobrevivientes. Cabe destacar que esta embarcación no había salido a buscar a los náufragos, los encontraron por pura casualidad. El Argus cumplía órdenes de ir a buscar un cargamento de oro que había quedado en el casco de la Medusa. Cuando la fragata pudo detenerse junto a la balsa, toda la tripulación quedó en shock, los creían muertos. Rescataron a los quince moribundos en un estado lamentable, con la piel reventada por el sol, los rostros demacrados y casi todos vendados en distintas partes del cuerpo por heridas de arma blanca. La balsa estaba cubierta de cadáveres desollados a medio comer, algunos putrefactos y otros con muestras de haber estado a merced de las aves marinas.

Recorrido de la Medusa, de la balsa y de los botes. (Click para ampliar)

Cinco hombres de los quince rescatados murieron al poco tiempo y el resto pasó hospitalizado durante varios meses. Cuando por fin llegaron después de mucho tiempo y muchas búsquedas a la Medusa, sólo tres de las diecisiete personas que se quedaron continuaban vivas, habían soportado 54 días de hambre y cautiverio, pero ya estaban locos, el cautiverio les había hecho perder la razón.

Y si esta historia no logró conmoverlos, pues esperen un poco porque aquí viene lo más insólito.
El médico cirujano Henri Savigny, pasajero de la Medusa y uno de los sobrevivientes de la balsa, fue quien puso la denuncia ante las autoridades, pero la justicia no hizo nada, los funcionarios trataron de encubrir el asunto y lo traspapelaron para que se pierda en el olvido. El trasfondo de esto era que los franceses, quienes se creían los mejores navegantes del mundo, no querían ser ridiculizados por la Marina Británica por esta evidente falta de solidaridad y espíritu de cuerpo, normas primordiales de navegación.
¿Qué podría esperarse de una marina en la que un capitán es el primero en abandonar a su barco y a su gente? Quedaba desnudada la realidad del ejército francés, dividido entre revolucionarios y monárquicos.

El famoso lienzo "Le Radeau de la Méduse" (La balsa de la Medusa) de Théodore Géricault

La prensa escrita de aquel entonces, único medio de comunicación de la época y aliada de la monarquía, ocultó la tragedia, la cual logró filtrarse y difundirse en un periódico antimonárquico. Se armó un escándalo de gran magnitud que remeció nuevamente a la sociedad francesa. El incompetente y cobarde Capitán De Chaumereys fue juzgado en Consejo de Guerra, pero increíblemente, fue declarado "no culpable de deserción" a pesar de los testimonios y evidencia en su contra. Fue sentenciado sólo a 3 años de cárcel por no haber evacuado a toda la tripulación. Un veredicto muy benevolente si tomamos en cuenta que era la Francia en la que se guillotinaba por todo, a diestra y siniestra.

Théodore Géricault

El cuadro en cambio tiene su propia historia, su propio drama. Su autor fue Théodore Géricault, admirador confeso de los grandes pintores italianos a quienes quiso imitar. Decidió pintar acerca del naufragio y el abandono a la tripulación, porque como fue un escándalo de proporciones, sabía que un cuadro memorable de la tragedia inmortalizaría su nombre, o por lo menos se daría a conocer en Europa. Lo que sucede es que, como en aquella época no existía la fotografía, cualquier evento memorable debía ser graficado, pintado, narrado en una imagen, y las mejores obras o las más explicitas recorrían Europa, llegando así sus autores a ser reconocidos y a cotizarse.

El trágico evento cautivó tanto al joven artista que, antes de empezar a trabajar en la pintura final, llevó a cabo una profunda investigación sobre el tema y realizó muchos bocetos preparatorios. Se entrevistó con dos de los sobrevivientes, y con sus testimonios pudo construir un idéntico y detallado modelo a escala de la balsa. Su obsesión por la perfección lo llevó hasta las morgues y hospitales donde podía ver, de primera mano, el color y la textura de la carne de los moribundos y cadáveres. Se sometió a una semana de ayuno voluntario para sentir la ansiedad y de alguna forma graficar la desesperación y el dolor

Boceto de cadáver para la balsa

Tal como el artista había anticipado, la pintura resultó bastante controversial desde su primera aparición en el Salón de París en 1819, más que nada porque las diferencias políticas se acentuaron y su lienzo fue objeto tanto de apasionadas alabanzas, como de despiadadas críticas y condenas. Y si bien es cierto que ganó una merecida reputación internacional, el joven pintor murió dos años después de acabarla, agotado psíquica y mentalmente, ya que nunca se recuperó del monumental esfuerzo.

Tras la muerte de Géricault hubo dos partes muy interesadas en comprar el gigante lienzo (7,16 x 4,91 m). El uno era un aristócrata inglés y el otro un grupo de nobles franceses que querían cortar la tela en trozos pequeños con la finalidad de venderlos en una subasta uno por uno. Lo que sucedía es que la pintura estaba considerada como una obra antimonárquica que representaba claramente el clasismo que se vivía bajo la monarquía francesa, sin embargo, irónicamente, fue el mismo Luis XVIII quien intervino y rescató al lienzo de terminar en algún museo extranjero o de ser cortado en pedazos como se pretendía. Luego él mismo donó el lienzo al Museo de Louvre donde aún permanece.

"La balsa de la Medusa" en el Museo de Louvre

Aquí les dejo el libro "Narrativa de un viaje a Senegal", que fue publicado en 1816 por el cirujano Henry Savigny y otro sobreviviente llamado Corréard Alexander, en el que cuentan con lujo de detalles el atascamiento de la fragata y el infierno que se vivió en la balsa hasta el momento del rescate. Este libro fue un fenómeno de ventas hace dos siglos y se convirtió en un clásico europeo, testimonio en primera persona de lo nocivo que habia resultado para Francia el retorno de la monarquía.

Fuentes y referencias:
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"Ham", el primer chimpancé enviado al espacio

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 26 Oct 2011 15:59:00 +0000

El 31 de enero de 1961 la NASA lograba otro hito en su programa espacial: un chimpancé conquistaba el espacio 10 semanas antes de que lo hiciera el cosmonauta ruso Yuri Gagarin. En aquel momento, un chimpancé llamado Ham colocaba su nombre junto al de la perrita Laika como uno de los animales más famosos que han viajado al espacio.

"Ham"

Ham, también conocido como Astrochimp, fue el primer chimpancé lanzado al espacio en el programa espacial estadounidense. Las letras de su nombre corresponden a las del laboratorio que lo preparó para su misión histórica - el Holloman Aerospace Medicina Center, ubicado en la Base Aérea de Holloman en Nuevo México.
El chimpancé nació en 1956 en Camerún, fue capturado por cazadores de animales y vendido a una granja de aves raras en Miami, de donde fue comprado por la Fuerza Aérea de Estados Unidos y llevado a Base Aérea de Holloman en 1959 cuando tenía tres años.

En la Base de Holloman originalmente fueron preparados 40 chimpancés con la finalidad de ser lanzados al espacio. Luego de la primera evaluación este número se redujo a 18 y por último quedaron sólo 6, entre los que por supuesto se encontraba Ham. Oficialmente el chimpancé era conocido antes de su vuelo como N º 65 pero fue bautizado como "Ham" después de su exitoso regreso a la tierra. Esto de los nombres se manejaba así porque en caso de que la misión fracasara, los funcionarios querían evitar que la prensa malinterpretara la muerte de un chimpancé, ya que no eran mascotas, sino sujetos de experimento. De todas formas, antes de llegar a la base naval, Ham había sido conocido como Chop Chop Chang .

Desde que llegó a la Base Aérea Holloman en 1959, Ham fue entrenado en Laboratorio Médico Aero para hacer tareas simples, midiendo su tiempo de reacción y respuesta a luces y sonidos. En sus vuelos de entrenamiento, el chimpancé fue condicionado para que empuje una palanca durante un lapso de cinco segundos después de ver un destello de luz azul. El condicionamiento del animal lo lograron de la siguiente manera: en caso de no hacerlo se le castigaba con una leve descarga eléctrica a la planta de los pies, mientras que cada vez que empujaba la palanca se le daba un plátano.

Lo que hace diferente a la misión de Ham de todos los otros vuelos que se ensayaron con primates, es que Ham no actuó solamente como pasajero y porque los resultados de su vuelo de prueba condujeron directamente a la misión del astronauta Alan Shepard el 5 de mayo 1961 a bordo del Freedom 7.

Alan Shepard en el Freedom 7

El 31 de enero de 1961, Ham formó parte de una misión para el Project Mercury y fue lanzado desde Cabo Cañaveral a un vuelo suborbital que lo llevó a elevarse 253 Km a una velocidad de 9500 Km/hora. Esta misión era para monitorear sus signos vitales y vigilar sus tareas desde la Tierra. La cápsula también sufrió una descompresión durante el vuelo (es muy probable que a propósito), pero el traje espacial de Ham le impidió sufrir daño alguno. También se dieron cuenta con su empuje de palanca que el rendimiento en el espacio era sólo una fracción de segundo más lento que en la Tierra, lo que demostró que este tipo de tareas se pueden realizar en el espacio y sincronizarlas con la tierra.

Al regreso, su cápsula cayó en el Océano Atlántico y fue recuperado por un barco de rescate sólo con una pequeña magulladura de nariz. Su vuelo había durado 16 minutos y 39 segundos.

El famoso "apretón de manos" de bienvenida. Después de su vuelo en el cohete Mercury-Redstone, Ham es recibido por el comandante del barco de rescate

Primeros chequeos a su regreso

Después de su exitoso cuarto de hora en el espacio, Ham vivió durante 17 años en el Zoo Nacional de Washington, DC, y luego fue transferido al Zoo de Carolina del Norte antes de su muerte a la edad de 26 años el 19 de enero de 1983.

Después de su muerte el cuerpo de Ham fue entregado al Instituto de Patología de las Fuerzas Armadas para su respectiva autopsia. Se decidió que la AFIP retendría el esqueleto Ham para estudios posteriores. El resto de su cuerpo, sin el esqueleto, fue enterrado con una placa conmemorativa. Su esqueleto actualmente se encuentra en el Museo Nacional de la AFIP, donde se lo conserva junto a los restos de soldados de la Guerra Civil Americana.

Fuentes y referencias:
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El día en que el hombre fue superado por la máquina

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 25 Oct 2011 09:14:00 +0000

Día: Domingo 11 de mayo de 1997
Lugar: Piso 39 del Axa Center, ciudad de Nueva York
Hora: 16:22 hora local

En la imagen superior Gary Kasparov, ex Campeón Mundial de Ajedrez, abandona ofuscado la última partida (de seis) contra Deep Blue, un super ordenador desarrollado por IBM exclusivamente para jugar ajedrez. Sobre el lado derecho sobre la mesa podemos ver a un miembro del equipo de programadres de Deep Blue. La imagen muestra el momento final de la serie de revancha. Esta sería la última vez que ambos contendores estuvieron frente a frente.

La primera vez que el campeón de ajedrez y la super máquina se enfrentaron en un match, fue el 10 febrero de 1996 en Filadelfia. Kasparov lo ganó 4–2, perdiendo una partida, empatando 2 y ganando 3. Lo que en notación ajedrecística se escribe +3 =2 -1.
Sin embargo, en la revancha de 1997 no fue tan afortunado. Deep Blue, que había sido mejorada durante un año, le ganó a Kasparov 3½–2½ (+2 =3 -1). Kasparov se rindió en la sexta partida (foto) luego de sólo 19 movimientos, lo que en el computo total le hizo perder la serie.

Imagen tomada en el primer match un año antes, 13 de febrero 1996

Super ordenador Deep Blue, creado por IBM

Kasparov no quiso asumir su derrota tan fácilmente y acusó al equipo de IBM de hacer trampa, ya que se permitió que técnicos y expertos ajedrecistas reprogramaran a Deep Blue entre partida y partida, otorgándole una ventaja injusta. El momento que se retiró (foto) se dirigió a donde le esperaba la prensa de 60 países del mundo, que empezaron a aplaudirlo. Gary pidió que cesaran los aplausos porque no se los merecían ni él ni la máquina de IBM, y fue lacónico al decir:

"Nada de lo que se hizo aquí tenía que ver con la ciencia, el único objetivo que tenían era vencer a Kasparov"

Poco tiempo después Kasparov lanzó un reto a IBM para un tercer match con Deep Blue. Los ejecutivos respondieron que la máquina ya había sido desarmada. Nunca volvió a repetirse un duelo entre ellos, y dudo que algún se vuelva a repetir la experiencia con algún campeón.

Ahora sería inútil y bochornoso retar a un super ordenador específico como lo fue Deep Blue, tomemos en cuenta que estamos hablando de un salto tecnológico de quince años, quizás los quince años que más ha avanzado tecnológicamente la humanidad en toda su historia. Por eso el título del artículo, porque quizá esa fue la última vez en que el ser humano y una máquina compitieron, si queremos decir, en una especie de punto de equilibrio, de igualdad de condiciones.

A quienes les interese el tema, les sugiero visitar esta web donde un miembro del equipo de Kasparov cuenta la experiencia de la competencia final de Nueva York desde adentro, de una manera muy detallada y amena.

Maestro Internacional ajedrecista David Levy, ahora experto en Inteligencia Artificial

Sólo otra cosa más: Uno de los pioneros del ajedrez informático es el IM David Levy, quien en 1968 apostó 1250 libras esterlinas a un grupo de científicos especializados en Inteligencia Artificial, que ningún ordenador sería capaz de ganarle durante diez años (y por supuesto ganó la apuesta). Luego de una última partida jugada en 1978 (antes de ganar la apuesta) contra el programa Chess 4.7, escribió:

"He demostrado que mi opinión y la evaluación que hice en 1968 fue correcta, pero debo decir que mi oponente en esta última partida fue mucho, mucho más fuerte de lo que nunca me hubiese imaginado, aún cuando hice la apuesta. Desde ahora ya nada me sorprenderá".

Con la finalidad de estimular aún más el crecimiento del software de ajedrez, Levy llegó a ofrecer $ 1.000 a quien creara el primer programa capaz de derrotarlo en un match de seis juegos. Luego la revista Omni aumentó US $ 4.000 a su oferta, para un total de $ 5.000 de premio. Era una buena cantidad por diseñar un software en los años 80. El premio se llevaron los creadores de Deep Thought cuando finalmente su programa venció a Levy en 1989.

Con el tiempo David Levy llegó a ser presidente de la Asociación Internacional de Ajedrez Informático, desde donde impulsó los campeonatos mundiales con computadoras. En 1996, le pidieron su opinión acerca del inminente primer encuentro que se daría entre Gary Kasparov y Deep Blue. Levy respondió con toda confianza "Si se lo propone, Kasparov puede ganar ese partido 6-0 , estoy seguro, apostaría mi vida en ello". Ahora nosotros ya sabemos lo que pasó...

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4

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