Sentado frente al Mundo

Discurso de Hemingway para recibir el Nobel, una joya

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 17 Apr 2013 02:52:00 +0000

Para 1942, Ernest Hemingway había decidido (según sus propias palabras) renunciar al "negocio" de la escritura y no escribió nada durante cuatro años. En 1946, luego de su matrimonio con Mary y la pérdida de su hijo a los cinco meses de embarazo, cayó en una depresión profunda. Fue una década devastadora en su vida, sus amigos escritores morían uno detrás detrás de otro: en 1940 murió Scott Fitzgerald;, en 1941 fallecieron Sherwood Anderson y James Joyce, en 1946 se fue su amiga Gertrude Stein; y en en 1947 Max Perkins, quien fue durante largo tiempo su editor y amigo. Empezó a sufrir fuertes dolores de cabeza, presión arterial alta, problemas de sobrepeso y se le diagnosticó diabetes como resultado de muchos años de consumo excesivo de alcohol. Sin embargo, en enero de 1946 comenzó a escribir nuevamente, a despojarse de sus miedos, dolores y demonios con la escritura. Su catarsis no perseguía sueño alguno, peor aún un premio o reconocimiento. Sólo era un audaz periodista con sueños de escritor.

Esa valentía, osadía -y hasta sinvergüencería- de tomar una pluma y vertir sus entrañas sobre un papel, vomitar el dolor y la impresión de una guerra mundial, el orgullo y arrepentimiento de haber disparado a matar siendo tan sólo un corresponsal de guerra; ese arrojo personal y necio, es el que nos ha permitido disfrutar de su magna obra.

En 1954, cuando le comunicaron que iba a ser galardonado con el Nobel de Literatura, declaró a la prensa que Carl Sandburg, Isak Dinesen y Bernard Berenson eran mucho más dignos de semejante honor, pero que él con mucho gusto recibiría el dinero del premio. No asistió a la cena de premiación en Estocolmo, pero escribió en un trozo de papel una pequeña nota para que la leyera el Embajador de los Estados Unidos en su nombre:

"Carente de toda habilidad para pronunciar discursos y sin ningún dominio de la oratoria o la retórica, agradezco a los administradores de la generosidad de Alfred Nobel por este Premio.

Ningún escritor que conozca a los grandes escritores que no recibieron este Premio, puede aceptarlo sin humildad. No es necesario hacer una lista de estos escritores. Todos los aquí presentes pueden hacer su propia lista de acuerdo a su conocimiento y conciencia.

Me resulta imposible pedir al Embajador de mi país que lea un discurso en el cual un escritor diga todas las cosas que están en su corazón. Las cosas que un hombre escribe pueden no ser inmediatamente captadas, y en esto algunas veces es afortunado; pero eventualmente se vuelven claras, y por estas y por el grado de alquimia que posea, perdurará o será olvidado.

Escribir al mejor nivel, conlleva una vida solitaria. Las Organizaciones para premiar escritores mitigan la soledad del escritor, pero dudo que mejoren su escritura. Crece en estatura pública a medida que se despoja de su soledad y a menudo su trabajo se deteriora debido a que realiza su trabajo en soledad, y si es un escritor suficientemente bueno, cada día deberá enfrentarse a la eternidad o a su ausencia.

Cada libro, para un escritor auténtico, es un nuevo comienzo donde intenta cada vez alcanzar algo que está más allá de su alcance. Siempre intenta lograr algo que nunca ha sido hecho o que otros han intentado y han fracasado. Entonces algunas veces -con gran suerte- tiene éxito.

Cuán fácil resultaría escribir literatura si tan sólo fuera necesario escribir de otra manera lo que ya ha sido bien escrito. Debido a que hemos tenido tantos buenos escritores en el pasado es que un escritor se ve forzado a ir más allá de sus límites, allá donde nadie puede ayudarlo.

Como escritor, he hablado demasiado. Un escritor debe escribir lo que tiene que decir y no decirlo. Nuevamente les agradezco."

Referencias:

1, 2, 3

Libro 33 Historias Imprescindibles (ebook gratis)

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 05 Feb 2013 03:14:00 +0000

Hace más de dos años, la Editorial El Conejo de Ecuador se fijó en este humilde blog y seleccionó una serie de relatos que más tarde fue publicada como "33 Historias Imprescindibles".

Ahora, que los derechos del libro me pertenecen completamente lo pongo a consideración de ustedes, mis fieles lectores, en formato digital y totalmente gratis.

No puedo dejar de agradecer a mi amigo Paúl Astudillo alias: @pastv quien con su infinita paciencia (y dejando de lado cosas verdaderamente importantes) se encargó de la versión digital del libro. Por cierto, quienes necesiten de este tipo de servicio, pueden contactarlo vía Twitter. Yo sólo puedo atestiguar que su trabajo es impecable.

Sin más, aquí les dejo el libro en versión digital. Espero que lo disfruten:

Descargar en formato Mobi (Para Kindle)

Descargar en formato Epub (Para IPad y Android en general)

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La historia del Titanic contada por los nazis

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 17 Dec 2012 08:11:00 +0000

En 1943, el ministro de propaganda nazi Joseph Goebbels ordenó el rodaje de una película que recreaba la historia del mítico barco inglés y su famoso hundimiento, pero con un guión totalmente distinto a la historia conocida.

Joseph Goebbels

Esta película también se llamaba "Titanic" pero básicamente contaba la historia de un oficial alemán en el papel de primer operario al mando de la nave. Fue el proyecto audiovisual más caro y ambicioso que se hubiera filmado jamás, y a pesar de que el país se encontraba en guerra contra medio mundo, fueron utilizados verdaderos marines alemanes como extras.

En esa década, las salas de cines se llenaban en todo el mundo y lógicamente esta película fue concebida como instrumento de propaganda nazi. Su principal objetivo era desprestigiar a la sociedad británica. Quería demostrar que el hundimiento del Titanic fue consecuencia de la codicia del propietario del buque, Sir Bruce Ismay y de otros aristócratas que viajaban a bordo del barco. De hecho muestra a Sir Bruce Ismay y a Jhon Jacob Astor interesados en ganar la famosa Banda Azul en este viaje.

La Banda Azul era un prestigioso premio establecido en 1833, un galardón que se entregaba a la nave que cruzara el Atlántico en menor tiempo, a quienes imponían un nuevo récord entre Europa y América, y viceversa. El récord en aquel tiempo lo ostentaba el Mauritania, con un tiempo de 4 días, 10 horas y 51 minutos desde Europa hasta América, viajando a una velocidad de 26,06 nudos.

Fotograma de la película alemana

La película nazi cuenta que para lograr el galardón, Bruce Ismay le prometió al Capitán Smith $ 1.000 por cada hora que llegara antes de lo previsto a Nueva York. También son mostrados los pasajeros habituales y ficticios, aquellos nobles y aristócratas que iban en primera clase y sus jóvenes amantes a quienes escondían en tercera. Luego entra en acción el héroe alemán, el joven oficial Petersen, quien muy consciente de la situación, repetidamente advierte a Bruce Ismay que el Titanic está navegando demasiado rápido, que están en zona de icebergs que hay muy pocos botes salvavidas.

Cuando sucedió lo inevitable, tanto Ismay como Astor tratan de comprar su salvación en un bote salvavidas, pero no lo consiguen. Petersen se apiada de Ismay y lo ayuda a escapar de todos modos, para que pudiera ser juzgado por sus actos. El oficial Petersen también es rescatado después de nadar a un bote salvavidas. Al final los dos hombres son enfrentados en las investigaciones posteriores, Bruce Ismay es exonerado y toda la culpa se le endosa al Capitán Smith.

Otros momentos incidentales de la cinta incluyen a una chica que deja a sus padres por seguir al hombre que ama, una fiesta con excesos y muy libertina en el comedor de tercera clase, e incluso, como en el clásico de James Cameron, un ladrón de joyas es rescatado de la prisión de la nave usando un hacha.

Extrañamente la película no se estrenó porque al final Goebbels prohibió que la cinta se difunda. Dicen que esa decisión fue tomada debido a que las trágicas tomas finales podrían ser desmoralizantes para la población alemana que se encontraba bajo fuego aliado. La película pueden verla aquí en Youtube con subtítulos en inglés.

Fotograma de la película alemana

Las escenas culminantes fueron filmadas a bordo del Cap Ancona, un buque requisado por la armada alemana. Después de la filmación, el director Herbert Selpin se quejó públicamente de la conducta de los oficiales alemanes que actuaron y muy pronto fue apresado por la Gestapo. Fue interrogado por el mismo Goebbels en persona y en menos de 24 horas se lo encontró ahorcado en sus celda.

El Cap Ancona también se unió poco después a la catástrofe. Fue hundido por aviones británicos. Iban en él 5500 prisioneros de campos de concentración, que estaban siendo enviados con destino desconocido. Se supone que los estaban deportando porque la invasión de los Aliados se acercaba. Casi todos perdieron la vida.

Cap Ancona al momento de ser atacado por los ingleses

Irónicamente en este ataque al navío Cap Arcona, hubo el triple de muertos que en el verdadero naufragio del Titanic en 1912.

Fuentes y Referencias:
1, 2, 3, 4, 5

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Cuando el autor de la Marsellesa estuvo a punto de ser decapitado

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 07 Dec 2012 08:43:00 +0000

La Marsellesa (Himno de Francia) como todos sabemos, es uno de los himnos más famosos del mundo. Ubiquémonos en 1792. Eran ya algunos meses que la Asamblea Nacional Francesa debatía sobre si debía o no debía declarar la guerra a la coalición de emperadores y reyes. Los girondinos (moderados) insistían en la guerra para mantenerse en el poder. Robespierre y los jacobinos (radicales) luchaban por la paz para que no peligre la asamblea ya que aspiraban a tomar el poder en sus manos. Luis XVI, por su parte, tampoco estaba decidido pero temía una revolución interna. Francia era una olla de presión, los periódicos creaban polémica con artículos nacionalistas, se discutía en cada esquina y circulaban los rumores más diversos. Por fin, el 20 de abril, el rey de Francia declaró la guerra al emperador de Austria y al rey de Prusia.

La tensión dominante en París se trasladó a las ciudades fronterizas y en todos los pueblos se fueron alistando voluntarios, se equipó a los guardias nacionales y se acondicionaron las fortalezas. En la provincia de Alsacia la tensión era mayor porque al ser frontera con Alemania es lógico que allí sería el primer encuentro, concretamente en la ciudad de Estrasburgo que se encuentra a las orillas del Rin.

La mañana del 25 de abril de 1792, cuando el correo de París oficializa la declaración de guerra, en Estrasburgo la gente se vuelca a las calles y plazas. Pasan desfilando marcialmente todas las guarniciones cercanas y sus regimientos. En la Plaza Mayor les espera el alcalde, Dietrich y saluda a los soldados. El alcalde lee la declaración de guerra en francés y en alemán. Al terminar sus últimas palabras, la multitud se dispersa y vuelve a sus casas con el entusiasmo patriótico propio de tal acontecimiento. En los clubes y en los cafés se pronuncian enardecidos discursos. Se reparten proclamas: Aux armes, citoyens! L’etendard de la guerre est deployé! Le signal est donné! Y así, por todas partes, en los discursos, en los periódicos, en las pancartas y en las conversaciones de la gente, se repiten las mismas palabras: Aux armes, cito yens! Qu’ils tremblent donc, les des potes couronnées! Marchons, enfants de la liberté!

El alcalde de Estrasburgo, el barón Federico Dietrich, acude esa misma tarde a una fiesta pública. Manda repartir vino y comida a los soldados que marchan al frente. Por la noche reúne en su casa a los generales, a los oficiales y a todos los funcionarios, en una fiesta de despedida, en la que con entusiasmo les augura la victoria. Los generales, seguros del triunfo presiden la mesa. Los oficiales jóvenes, enardecidos agitan en alto los sables, se abrazan, brindan... El vino los impulsa a pronunciar discursos cada vez más fogosos y electrizantes. Y de nuevo asoman las palabras estimulantes de los periódicos, de las proclamas, de las arengas: «¡A las armas, ciudadanos! ¡Salvemos a la patria! ¡Adelante! ¡Qué tiemblen los déspotas coronados! ¡Ahora que hemos enarbolado la bandera tricolor de la victoria, ha llegado el momento de pasearla por el mundo! ¡Todos debemos contribuir a la victoria, por el Rey, por nuestra bandera y por la libertad!». De pronto, entre los brindis y los discursos, el alcalde se dirige a un joven capitán de ingenieros llamado Rouget, que está sentado a su lado. Justamente se acuerda entonces que este simpático oficial, medio año antes, a raíz de la promulgación de la Constitución, había escrito un bonito poema a la libertad. ¿No sería ahora ocasión, con motivo de la declaración de guerra y de la marcha de las tropas, de escribir algo igual? Le preguntó el alcalde al capitán Claude Rouget. El modesto capitán, deseoso de complacer al alto funcionario y amigo, se muestra dispuesto a acceder a sus deseos.

Claude Joseph Rouget

Pasó el 25 de abril. Estamos en el 26. Reina la oscuridad en las casas, pero el bullicio y el jolgorio prosiguen aún en las calles. Dentro de los cuarteles, los soldados se preparan para la marcha. Ya en su casa, inquieto, Rouget se pasea de un lado a otro pensando en cómo empezar la composición. Aún resuenan en sus oídos las frases vibrantes de las proclamas, los discursos, los brindis: Aux armes, citoyens! Marchons, enfants de la liberté! Écrasons la tyrannie! L’étendard de la guerre est deployé: Pero también recuerda las otras palabras oídas por la calle al pasar, las charlas de las tabernas y las voces preocupadas de los labradores, que temen por los campos de Francia, que serán asolados y abandonados con sangre si llegan a ser invadidos. Inconscientemente escribe las primeras líneas, que no son más que un eco, una repetición de aquellos recuerdos:

Allons, enfants de la patrie,
le jour de gloire est arrivé!

Entonces interrumpe su trabajo. El principio suena bien. Ahora falta dar con el ritmo debido, que la melodía corresponda al texto. Echa mano de su violín y ensaya en él unas notas. Continúa escribiendo apresuradamente, arrastrado ya por la poderosa corriente que le impulsa. En un instante afluyen a su memoria todos los sentimientos desatados en aquella hora decisiva, las palabras oídas en el banquete, el odio a los tiranos, los temores por la tierra natal, la fe en la victoria, el amor a la libertad. Claude Rouget no necesita inventar ni discurrir; sólo le falta rimar cuanto ha escuchado aquel día. Ni necesita componer, sólo recordar. el latido del corazón de todo un pueblo. Va escribiendo apresuradamente, y siempre con brío e ímpetu crecientes, las estrofas, las notas. Tiene dentro de sí la fuerza de un desconocido huracán. Escribe como si un viento impetuoso lo empujara.

Las palabras casualmente escuchadas al pasar entre la gente o casualmente leídas en los periódicos, se convierten en el tema de su creación y forman la letra de una estrofa que acompañó con una sencilla melodía que jamás imaginó serían universales:

Amour sacré de la patrie,
conduis, soutiens nos bras vengeur;
liberté, liberté chérie,
combats avec tes défenseurs.

Luego escribió la quinta estrofa, la última, que, enlazando las palabras con la música, constituye el final del impresionante himno.Casi al amanecer Rouget apagó las velas y se echó a dormir. No sabe que ha compuesto un himno inmortal. Sobre la mesa quedó la obra terminada.

Las mañana del 26 trae el eco de los primeros disparos. Ha empezado la guerra. Rouget se despierta con una fuerte resaca. Sabe que le ha ocurrido algo, pero no se acuerda. De pronto mira sobre la mesa y contempla su obra. «¿Versos? ¿Cuándo escribí yo estos versos? ¿Música, y con anotaciones mías? ¿Cuándo la compuse? ¡Ah, sí, es la canción que me encargó Dietrich, la marcha para los tropas del Rin!» Lee sus versos, tararea su melodía, pero, a pesar de todo, no se siente demasiado seguro de su obra.

Con la natural impaciencia de todo autor y satisfecho por haber cumplido tan rápidamente su promesa, se encamina a casa del alcalde, al que encuentra dando su habitual paseo matutino por el jardín.

—¿Ya está compuesta? —se asombra el alcalde al entregarle la obra—. Pues vamos a ensayaría ahora mismo. Y ambos pasan al salón de la residencia. Dietrich se sienta al piano para acompañar y Rouget canta. Atraída por la inesperada música matinal, entra en la estancia la esposa de Dietrich y promete hacer varias copias de la canción, e incluso, gracias a su excelente preparación musical, procurarle el acompañamiento para que en la tertulia de aquella misma noche pueda ser estrenada. El alcalde, como buen tenor, se encarga de estudiar el himno, y por fin, esa misma noche lo canta por vez primera ante una escogida concurrencia. El auditorio aplaudió tibiamente por cortesía, y claro, no faltaron las consabidas felicitaciones al autor.

Estreno del Himno a un muy selecto grupo de amistades del alcalde de Estrasburgo

Lo que pasa es que «La Marsellesa» no fue compuesta para oyentes que estuvieran tranquilamente sentados, sino para ser coreada por soldados y guerreros. No se compuso para que la cantara una soprano o un tenor, sino una ingente multitud, como marcha, como canto ejemplar de victoria, de muerte, como algo que recordara a la patria, que fuera el himno nacional de un pueblo. Fue el entusiasmo lo que tenía que darle vida, antes de que su melodía llegase al alma de la nación, que la conocieran las tropas, que la Revolución la adoptara como suya.

Como todos, ni el mismo Rouget sabía lo que había creado aquella noche. Se alegró, claro está, de que los invitados la hubieran aplaudido y le agasajasen como autor. Los siguientes días se limitó a cantar su himno a sus camaradas en los cafés y envió copias a los generales del Ejército del Rin. Entre tanto, por orden del alcalde, la banda de música de Estrasburgo ensayó «La canción de guerra para el Ejército del Rin» (ese fue su primer nombre), hasta que, cuatro días más tarde, la interpretó en la Plaza Mayor despidiendo a las tropas.

Rouget cantando su himno a amigos y conocidos

Para tristeza de Rouget y del alcalde, todo terminó en eso, en un buen momento y nada más. El efímero éxito de salón obtenido por Allons, enfants de la patrie, parecía quedar reducido a eso mismo, al triunfo de una noche, a un acontecimiento provinciano, que pronto sería olvidado. Sin embargo, una obra de arte puede quedar olvidada cierto tiempo, puede ser prohibida, enterrada, pero lo perdurable siempre acaba por triunfar sobre lo efímero. Durante un par de meses deja de escucharse la «Canción de guerra para el ejército del Rin» y los ejemplares impresos y manuscritos quedaron abandonados o fueron pasando por manos indiferentes.

Partitura con el nombre original: "Canto de guerra para el ejército del Rin"

El milagro ocurrió en el otro extremo de Francia, en Marsella. Cierta noche el «Club de los Amigos de la Constitución» daba un banquete de despedida a los voluntarios que se habían alistado para ir a la guerra. Eran más de quinientos jóvenes uniformados y todos tenían esa misma fiebre patriótica que tuvieron los de Estrasburgo aquella memorable noche del 25 de abril, pero con más ardor y más apasionamiento, como es propio del carácter de los marselleses. De repente, en pleno banquete, un tal Mireur, estudiante de Medicina, levantó su copa. Todos callaron y le miraron, esperando un discurso, una arenga, pero en vez de ello, empieza a entonar una canción, una nueva canción, desconocida por todos, que no sabían cómo ni dónde la había aprendido: el Allons, enfants de la patrie. Y como si fuera una chispa que prendiera en un polvorín, todos se sintieron embargados por una inenarrable emoción. Estos quinientos jóvenes dispuestos a morir por la patria, por la libertad, que debían marchar al otro día al frente, encuentran en aquellas palabras sus más íntimos anhelos, sus más determinantes ideas. El ritmo de aquel himno los arrebató en un entusiasmo sin límites. Son aclamadas delirantemente una estrofa tras otra. Con las copas en alto cantan todos repetidamente: «Aux armes, citoyens! Formez vos bataillons». En la calle, la gente se detiene curiosa para oír aquel himno que se canta con tanto entusiasmo, que acaba prendiendo en ellos también, hasta que finalmente unen sus voces al coro de los voluntarios. Al día siguiente, el himno ya era conocido por miles de franceses.

Los quinientos voluntarios que el 2 de julio fueron a la guerra, llevaron el himno impreso en su mente y en su corazón. Cuando la marcha los fatigaba, bastaba con que alguno de ellos se ponga a entonar el nuevo himno para que todos marchasen con nuevos bríos. En cada pueblo por el que pasaban, los campesinos los escuchan maravillados y coreaban el himno con ellos. «La Marsellesa» se convirtió en su canción. Han adoptado aquel himno anónimo que fue creado para el Ejército del Rin y sin tener siquiera idea de quién es su autor. Lo adoptaron como bandera, como algo propio de su batallón, como una profesión de fe que los debía acompañar hasta la muerte.

El primer éxito rotundo que tuvo «La Marsellesa», porque así fue bautizado el himno de Rouget, fue el 30 de junio en París. El batallón de voluntarios marselleses entraba por los suburbios parisinos, con la bandera desplegada y entonando el himno. Miles de personas que los esperaban en las calles para aplaudirles y rendirles homenaje, quedaron estremecidos cuando escucharon aquel himno acompañado por trompetas y redobles de tambores. ¿Qué significaba aquel grito de «Aux armes, citoyens»? Unas horas más tarde, la canción de Rouget se escuchaba por todas partes. Se la cantaba en los banquetes, en los teatros, en los clubes. En pocos meses, «La Marsellesa» se convirtió en la canción del pueblo y de todo el ejército. Luego, Servan, el Ministro de Guerra, reconoció la fuerza tónica y exaltadora de tan extraordinaria canción de guerra y ordenó que se envíen cien mil ejemplares a todos los cuarteles generales. Al cabo de pocas noches, «La Marsellesa» estaba más difundida que todas las obras de Moliére y Voltaire.

No había fiesta ni batalla que no empiece o acabe con «La Marsellesa», el himno de la libertad. Mientras tanto, en una pequeña guarnición de Hüningen, Claude Rouget, su creador, se ha olvidado ya del himno que compuso aquella memorable madrugada del 2 de abril de 1792. Cierto día lee en los periódicos que hay un nuevo himno llamado «Canción de los Marselleses». Ni siquiera se le pasa por la cabeza que aquella pudiera ser su creación.

Nadie en Francia sabe quién es el autor, y de hecho, en los miles de ejemplares que se imprimen consta con autoría anónima. Pero lo irónico de todo esto es que Rouget, su autor, el creador del himno de la Revolución no tenía ni le quedaba nada de revolucionario. Los excesos de quienes se arrogaron el poder lo decepcionaron. Cuando en agosto los marselleses y el populacho de París, asaltan las Tullerías y hacen abdicar al Rey, Rouget ya está harto de tanto horror. Se decepcionó al enterarse que el himno que se utilizaba con violencia y para cometer excesos, fuera el suyo. Eso fue algo que lo deprimió profundamente y se negó a prestar juramento a la República. Prefirió abandonar su carrera militar antes que servir a los jacobinos.

La amada libertad, la liberté chérie de su himno, no eran palabras huecas para este hombre sincero: llegó a despreciar a los nuevos tiranos y déspotas de la Convención igual que a las monarquías extranjeras. Expresó abiertamente su desprecio al Comité de Salud Pública cuando su amigo Dietrich, alcalde de Estrasburgo, el padrino de «La Marsellesa»; y todos los demás oficiales y aristócratas que fueron sus primeros oyentes, fueron conducidos a la guillotina. Entonces sucede lo inaudito: él mismo fue detenido como contrarrevolucionario y procesado. El autor de la Marsellesa es acusado de traidor a la patria y condenado a muerte. Providencialmente y gracias a la apertura de las cárceles que se dio en 1794 cuando cayó el Régimen del Terror, Rouget salvó su cabeza de la «navaja nacional».

Igual, el destino que la vida le tenía deparado al poeta, no fue nada halagador. Tuvo que arreglárselas durante cuarenta años más en la indigencia ya que fue despojado de su uniforme y de su pensión. Pasó el resto de su vida entregado a pequeños negocios y acosado por sus acreedores.

Llegó a ver como «La Marsellesa» irrumpía por todos los países europeos con el ejército victorioso, y también cómo Napoleón, apenas convertido en emperador, la hizo borrar de todos los programas por considerarla demasiado revolucionaria, siendo los Borbones, por último, quienes la prohibieron completamente. Sin embargo, hubo una pequeña luz al final de su vida cuando la revolución de julio de 1830 hizo resucitar su letra y su melodía en las barricadas de París y el rey burgués, Luis Felipe, le otorgó una pensión como autor de la misma, treinta y ocho años después de haberla creado. Le parece un sueño que se acuerden de él, y cuando, a la edad de setenta y seis años, fallece en Choisy-le-Roi en 1836, ya nadie lo nombra ni conoce su nombre. Tiene que pasar de nuevo toda una generación para que se desencadene la Primera Guerra Mundial, y entonces, cuando «La Marsellesa» era ya el himno nacional de Francia, se ordena que el cadáver del desconocido capitán Rouget sea exhumado y enterrado nuevamente en la Catedral de los Inválidos. Triste final del olvidado autor de un himno inmortal, que no pasó de haber sido sólo el poeta de una noche.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4
Libro: Momentos estelares de la humanidad de Stefan Zweig

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El hombre que nació con cabeza de león

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 28 Nov 2012 08:09:00 +0000

"Cuando Stephan Bibrowski nació, la partera lanzó un grito y después de cortar el cordón umbilical lo arrojó en el pecho de su aterrorizada madre".

Stephan Bibrowsky

Stephan Bibrowski, más conocido como "Lionel, el hombre con cara de león", fue un famoso personaje del mundo circense a inicios del siglo pasado. Era rubio y todo su cuerpo estaba cubierto de un largo pelaje natural, que convenientemente cepillado lograba dar (a su rostro) el aspecto de un león. En esa época era una condición muy extraña para los médicos y hombres de ciencia que lo examinaron. Apenas un siglo después de su nacimiento se pudo determinar con certeza que Stephan padecía de hipertricosis. Una rara enfermedad genética asociada con el cromosoma Y.

Se cuenta que nació en 1891 en una aldea cercana a Varsovia y que al salir del vientre de su madre, su cuerpo ya estaba cubierto con dos centímetros de pelaje. Ante las preguntas de los aldeanos y acusaciones de hechicería y bestialismo, a su pobre madre sólo se le ocurrió mentir: justificó la condición de su hijo, al hecho de haber presenciado el ataque de un león sobre su padre. Que fue testigo del suceso durante su embarazo y que aquella conmoción era la culpable. Los aldeanos obviamente no se lo creyeron y seguían martirizándola con la tesis de que el infante sólo podía ser fruto de una abominación. La mujer no tuvo más remedio que cargar a su hijo y huir a las aldeas aledañas pero lastimosamente la historia se repetía en cada lugar a dónde llegaba. Hecha un manojo de nervios, con el hambre, el frío y campesinos curiosos persiguiéndola, se lo entregó a un empresario alemán de apellido "Meyer" cuando Stephan apenas tenía cuatro años. Meyer le dio su nombre artístico y lo empezó a exhibir desde esa edad por toda Europa. Fue un éxito en las ferias y plazas de las ciudades europeas.

Bibrowsky en la infancia

La primera vez que fue puesto en exhibición, aún siendo niño, el cabello de Lionel medía ya 20 cm en la cara y el resto del cuerpo estaba cubierto por una vellosidad de aproximadamente 10 cm. La única excepción eran las palmas de las manos y las plantas de los pies. En 1901, con diez años de edad, Lionel fue llevado a los Estados Unidos y lo negociaron con el mítico Barnum and Bailey Circus. Viajó con ese circo a partir de entonces y de vez en cuando volvía a Europa gracias a las giras.

En los circos americanos su función se limitaba a tomarse fotos junto a la jaula de los leones, poco después, Lionel ya combinaba actos de gimnasia con trucos y sobretodo, mostraba al público su lado más humano, más tierno y que era lo que contrastaba con su singular apariencia. Ese contraste precisamente fue el que hizo que su público lo adorara. Era conocido por ser un perfecto caballero que siempre andaba impecablemente vestido. Le fascinaba la lectura, era un autodidacta con conocimientos que igualaba a los universitarios de la época, quienes terminaban anonadados después de charlar con él. De hecho, en algún momento de su carrera artística llegó a considerar seriamente la posibilidad de hacerse dentista. Hombre culto, era capaz de hablar con fluidez cinco idiomas, suerte y herencia de sus infantiles giras europeas. Para 1920 se instaló permanentemente en los EE.UU. convertido ya en una celebridad, en un héroe popular, sobretodo en Nueva York. Era uno de los residentes más pintorescos y solicitados de Coney Island.

En esa misma década y para sorpresa de todos, Lionel se retiró de su carrera artística y regresó a Europa, a la empobrecida Alemania de la post guerra. Nadie sabe el porqué. Según los informes, murió en Berlín de un ataque al corazón en 1932 a la edad de 41 años.

Nota: En este enlace pueden encontrar otra historia pero mucho más triste acerca una mujer con el mismo padecimiento (hipertricosis). Ella no tuvo la suerte de Lionel.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6

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La mujer que se cortó los pechos para ser piloto de autos de carrera

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 16 Nov 2012 05:12:00 +0000

Ahora vamos a conocer a una singular mujer olvidada por la historia, y a la que el deporte francés le debe muchas glorias. Lamentablemente murió condenada por traición a la patria.

Violette Morris nació el 18 abril 1893 en París. Fue la menor de seis hermanos y sus padres decidieron que pasase su adolescencia en el convento de L'Assomption de Huy . A pesar de ser lesbiana de closet desde muy temprana edad, en 1914 se casó con un hombre llamado Joseph Gouraud. Aburrida, luego de casarse, se presentó en el Ejército francés para servir como militar enfermera en la Primera Guerra Mundial. Le dieron a conducir una ambulancia con la que estuvo en el frente durante la Batalla del Somme y la de Verdún. Aunque se demoró en hacerlo, especialmente por las críticas de la sociedad, se divorció en mayo de 1923.

Violette Morris

Era una mujer muy bien dotada y, ya dentro del ejército, se dedicó de lleno al deporte convirtiéndose en la primera mujer francesa que compitió en lanzamiento de bala y disco. Luego hizo furor en el fútbol femenino. Jugó para el Deporte Fémina desde 1917 hasta 1919, y el Olympique de París desde 1920 hasta 1926. Llegó a ser seleccionada del equipo olímpico femenino francés.

Además de su rutilante carrera como futbolista, participó en muchos otros deportes. Fue seleccionada francesa en el equipo masculino de waterpolo porque además de buena jugadora, no había equipo femenino en la época. También era una gran boxeadora. Le encantaba subir a los cuadriláteros y fajarse con los soldados, a los que la mayor parte de veces derrotaba. Otros deportes en los que destacó fueron ciclismo de carretera, motociclismo (primera mujer), automovilismo, hípica, tenis, tiro con arco, buceo, levantamiento de pesas y lucha libre greco-romana. Sus año más brillantes como atleta fueron de 1921 a 1924, cuando su lema era "Ce fait qu'un homme, Violette peut faire le!": Cualquier cosa que un hombre pueda hacer, Violette también lo hace!

Obviamente su estilo de vida era muy diferente al papel tradicional de la mujer francesa de la década de 1920. Al margen de sus actividades deportivas, Violette Morris llevaba una especie de doble vida fuera de las canchas. Le encantaba la noche, el vino y las bellas mujeres, que dicho sea de paso, nunca le faltaron. Lo que llamaba la atención entre su grupo más íntimo, cercano; es el cómo podía ser tan buena atleta si, entre otras cosas, salía de juerga muy seguido, bebía en abundancia y fumaba de dos a tres paquetes de cigarrillos diarios.

Y como este mundo siempre ha sido cruel con los virtuosos, ustedes saben: la gente envidiosa, conservadora, los chismes, en fin; le negaron la renovación de la licencia de la FFSF (Federación Atlética francesa Femenina) en medio de quejas por su estilo de vida nocturno, por tanto, fue excluida de los Juegos Olímpicos de Verano de 1928. La agencia aludió su “falta de moral”, especialmente porque uno de sus amantes, Raoul Paoli, hizo públicas sus relaciones bisexuales y no sólo lésbicas. Paoli se había separado de Violette después de que ella había decidido someterse a una mastectomía con el fin de encajar en los autos de carreras con mayor facilidad. Después de 1928, ya lejos de toda actividad deportiva, Violette instaló su propia tienda de repuestos automotrices en París y se dedicó únicamente a ser piloto y reconstruir autos de carreras.

El asunto de la mastectomía fue un claro ejemplo de su pasión por el deporte tuerca. Mientras el automovilismo evolucionaba, los autos se iban compactando más y más. En esa época (y en su categoría) el auto no debía exceder los 400 kg de peso, la cabina le resultaba muy estrecha y el volante le oprimía el tetamen. Despojada de uno de los más bellos atributos femeninos, Violette incursionó con más éxito en el automovilismo profesional. Antes y después de su operación cosechó muchos éxitos en las pistas, su palmarés es impresionante: En 1922, ganó la carrera París-Pirineos París en la categoría 750 cc. Un año más tarde volvió a triunfar en este evento y también subió al podio en la carrera París-Niza. Ganó el Gran Prix de San Sebastián en 1926 y un año más tarde ganó el Bol d'Or en las 24 horas de París al volante de un BNC. En 1934 ganó el Rally de los Dolomitas.

A finales de diciembre de 1935, Violette se dejó seducir por la Gestapo de la Alemania nazi. La llevaron como invitada de honor a los Juegos Olímpicos de Verano de 1936 en Berlín, por orden personal de Adolf Hitler. A cambio, ella entregó a Alemania los planes parciales de la Línea Maginot (bunkers fronterizos de defensa), planes detallados de los puntos estratégicos de París, y los esquemas de abastecimiento principal del ejército francés. Esta información fue vital para la invasión alemana y la toma de París en 1940. Durante la ocupación alemana, Violette vivía muy cómodamente en una casa flotante sobre el río Sena.

Una de sus principales responsabilidades durante la guerra era frustrar la operación de la SOE, una organización británica que gestionaba ayuda a la resistencia. Por estas actividades, la ex atleta fue condenada a muerte in absentia. Fue asesinada poco después por miembros de la resistencia francesa mientras transitaba por un camino rural el 26 de abril de 1944, a la edad de 51 años (Sí, yo también recordé a los Inglourious Basterds de Tarantino). Ese día iba con dos de sus empleados. Ellos también fueron asesinados.

Su cuerpo, acribillado a balazos, fue enterrado en una fosa común. Hoy en día, Violette Morris constituye un símbolo para las lesbianas de derecha.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8

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La princesa que nunca pudo tener un orgasmo

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 09 Nov 2012 10:02:00 +0000

Siempre fue muy conocida y comentada la calentura y cachondez de los Bonaparte, no sólo de los varones, ya que aún antes de que el corso se tomara el poder, se escuchaba de los caprichos carnales de su hermana preferida, la bella y ardiente Pauline Bonaparte. Bueno, nos saltamos tres generaciones y llegamos a 1882 cuando nace la princesa Marie Bonaparte, sobrina nieta del mismísimo Napoleón (bisnieta de Luciano), pero que heredó sin duda todos sus genes.

Princesa Marie Bonaparte

Como toda princesa, tuvo una vida de cuento. Su madre murió de una embolia apenas un mes después de haberla traído al mundo, y desde esa edad, su padre la envió a vivir a St. Cloud, en las afueras de París, donde por muchos años, los únicos compañeros de juegos fueron su nodriza y posteriormente, su institutriz. Muy rara vez podía ver a su padre, al que por supuesto adoraba, pero los múltiples compromisos sociales no le dejaban tiempo para disfrutar de su hija.

Al cumplir 25 años, su padre arregló su matrimonio con el príncipe Jorge de Grecia y Dinamarca, el segundo hijo del rey Jorge I de los Helenos. Este Príncipe Jorge tenía 13 años más que su novia, y según las crónicas era increíblemente alto y guapo. Marie cayó locamente enamorada de él, a pesar de que desde el inicio sintió que no tenían nada en común. Se casaron en 1907 pero recién ahí la pobre princesa Marie se enteró que las mujeres y el sexo conyugal, le eran completamente indiferentes al príncipe. De hecho, su marido más bien vivía pendiente de las cartas de su "amado tío" y esperando su llegada.

Con su esposo, Jorge de Grecia y Dinamarca

Luego de aceptar el hecho de que su marido era un maricón completo, no le quedó otra alternativa que hacer un buen uso del recurso humano circundante para apaciguar sus calenturas. Es así que se echó al hombro una larga serie de amantes como el ayudante de cámara de su marido o el mismísimo Primer Ministro de Francia.

A pesar de todos sus amantes, lo que realmente le preocupaba era su imposibilidad de alcanzar el orgasmo (la volupté, como le dicen los franceses) durante el coito. Esto era un problema serio porque en esa época la masturbación clitoral estaba muy mal vista. Empezó pues a estudiar anatomía, fisiología y psicología con un entusiasmo notable, y trató de confirmar una de sus teorías entrevistando a 243 mujeres sobre su vida sexual, la calidad de sus orgasmos y la distribución anatómica de sus genitales. En 1924 Marie publicó sus sorprendentes resultados en la revista científica Bruxelles-Médical, pero no con su nombre sino adoptando el pseudónimo A.E.Narjani.

Marie Bonaparte clasificó a las mujeres en tres grupos según la distancia entre el clítoris y la vagina. Quienes tenían una distancia menor a 2.5 cm (una pulgada), que de paso eran el grupo más numeroso (69% de la muestra), eran las que más a menudo disfrutaban de orgasmos durante el coito. Las que tenían el clítoris a más de 2.5 cm de la vagina, representaban un 21% de la muestra y tenían serias dificultades para alcanzar el clímax. Un 10% de mujeres se movían en el terreno intermedio, a lo que Marie llamaba “el umbral de la frigidez”.

Lastimosamente Marie Bonaparte pertenecía al 21% de mujeres con el clítoris cruelmente distante, y achacó a esta configuración anatómica sus dificultades orgásmicas. Es aquí donde entra en escena un delirante científico vago, el cirujano vienés Josef Halban, que convence a Marie de que la solución a sus problemas consiste en mover quirúrgicamente su clítoris para acercarlo a la vagina, cortando y pegando ligamentos y tendones en una operación que calificó de “simple”. Lo que ignoraba este carnicero es que la mayor parte de las terminales nerviosas del clítoris están escondidas bajo la superficie de la piel.

Luego del post operatorio que, dicho sea de paso, debió ser bastante incómodo, la Princesa Marie estaba lista para estrenar sus flamantes orgasmos y probó con algunos de sus amantes la nueva posición de su clítoris… pero nada. Ella seguía tan frígida como antes y nunca pudo alcanzar su tan ansiada volupté durante el coito. Una segunda operación para reubicar de nuevo el pequeño apéndice tampoco obtuvo los resultados deseados. De hecho, casi lo insensibilizó.

Por supuesto, había una solución mucho más sencilla que recurrir al bisturí: simplemente cambiar de postura. Si una mujer con el clítoris un poquito alejado de la vagina quiere maximizar las posibilidades de tener un orgasmo coital, la postura ideal es con ambos sentados cara a cara, posición que fuerza el contacto entre el pene y el clítoris durante la penetración. En esa época la princesa no lo sabía.

Desafortunadamente quien entra ahora en escena es ni más ni menos que Sigmund Freud, cuya posición hacia el clítoris oscilaba entre la ignorancia y una cierta condescendencia paternal. Freud generó la idea de que el orgasmo clitoriano era una manifestación infantil, un juego de las niñas; mientras que el orgasmo vaginal era una manifestación madura y adulta. No se cansaba de repetir la antipática frase: “cuando una mujer llega a la edad adulta y entra en la madurez sexual, el clítoris debe ceder su sensibilidad e importancia, parcial o completamente, a la vagina”.

Sigmund Freud

Parece ser que Freud convenció a Marie Bonaparte, quien en poco tiempo se convirtió en su discípula y patrocinadora, y más tarde en psicoanalista por derecho propio.

Las teorías de Freud sobre la preponderancia de la vagina sobre el clítoris llevaron a Marie a estudiar mujeres cuyo clítoris había sido extirpado, fuera por motivos médicos o por ablación ritual como en algunos países de África. En teoría debería haberlas encontrado más 'vaginalizadas' al haber sido eliminado ese elemento de distracción, pero lo que vio es que muchas se masturbaban clitoralmente, aunque con dificultad, sobre las cicatrices (recordemos, la mayor parte del clítoris es 'subterránea').

De todas formas Freud se convirtió en su amigo, confesor y consejero, y logró frenarla cuando iba a someterse, desesperada, por tercera vez al quirófano para reubicarse el clítoris. Pero él también confió en ella, la autorizó para que lo representara (y lo tradujera) en Francia, y se puso en sus manos para que lo sacara de Austria cuando Hitler quería gobernar el mundo.

Fue la traductora oficial del trabajo de Freud e introdujo el Psicoanálisis en Francia

La generosa Princesa también utilizó su dinero para ayudar a crear una escuela de formación de psicoanalistas en París. Su fortuna contribuyó a la popularidad del psicoanálisis en Francia, lo que la convirtió en una figura central en la Sociedad Psicoanalítica Francesa.

Como terapeuta también rompía esquemas: cuando partía –huyendo del frío- a su casa de Saint Tropez, recibía allí a sus pacientes, les daba alojamiento y los mandaba de vuelta a París con su chofer. En Mónaco los atendía en el jardín, bajo un castaño: una chaise longue para el paciente, y ella detrás en un sillón de mimbre, tejiendo crochet.

Durante la Segunda Guerra Mundial salvó a más de doscientas personas antes de irse ella misma a Egipto. En su vejez confesó que el psicoanálisis le había procurado resignación, paz mental y la posibilidad de trabajar, pero que su vida estaba marcada por el fracaso y la añoranza de la tan esquiva volupté.

Lo más alucinante es que Marie no estaba equivocada. Aquel excéntrico trabajo de campo con 243 mujeres resultó asombrosamente preciso: los cirujanos plásticos de la actualidad que se especializan en reconstrucción vaginal fijan en exactamente dos centímetros y medio “la distancia armoniosa que debe haber entre el clítoris y la vagina”.

Princesa Marie Bonaparte

Hay una anécdota bastante curiosa de la Princesa Marie Bonaparte que habla muy bien de su buen carácter y desenfado. En 1953, cuando ella y su esposo, el Príncipe Jorge de Grecia asistieron a la coronación de la reina Isabel II de Inglaterra, Marie, para no aburrirse y matar el tiempo, se puso a charlar y psicoanalizar al caballero que estaba sentado junto a ella. El caballero, anónimo en ese entonces, resultó ser Francois Mitterand, el futuro presidente de Francia.

Marie Bonaparte murió de leucemia en 1962 a la edad de 80 años. Está enterrado junto a su esposo en el cementerio real de Tatoi en Grecia.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7

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El rostro del odio y el judío que pudo retratarlo

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 12 Sep 2012 07:17:00 +0000

Alfred Eisenstaedt fue uno de los más emblemáticos fotógrafos del siglo pasado. Nació en Polonia, al Oeste de Prusia, en el seno de una familia judía y lastimosamente fue testigo del ascenso del partido Nazi liderado por Adolf Hitler. Trató de abrirse campo profesionalment en Berlín, pero tuvo que emigrar irremediablemente a los Estados Unidos porque el hostigaiento a la sociedad judía, era ya una cuestión insostenible.

Alfred Eisenstaedt

Como ciudadano norteamericano y corresponsal de prensa, logró viajar por el mundo y captar algunas fotografías que se convirtieron íconos del siglo pasado(y de la historia). Quizás la más famosa es la del V-J Day, en Times Square, también conocida como El Beso en Times Square, que tiene una historia bastante curiosa, la verdad.

Bueno, el asunto que ahora nos ocupa, es que Alfred Eisenstaedt fue quizá también, el único hombre que pudo retratar el rostro la maldad, de la hipocresía y del odio que puede albergar un ser humano. Lo curioso es que son dos fotos, sin mayor lapso de tiempo entre la una y la otra.

Sucedió en Ginebra. Tuvo la oportunidad de retratar a Joseph Goebbel, Ministro de Propaganda de Hitler. En la primera foto no hubo mayor problema porque el ambiente era distendido y Goebbels, cual estrella mediática, atendía de buena gana a los corresponsales acreditados.

Goebbels ante la prensa acreditada en Ginebra

Para la siguiente foto, el semblante de Joseph Goebbels cambia radicalmente, se descompone. Le habían avisado que uno de los fotógrafos acreditados (Alfred Eisenstaedt), era judío, lo ubica, y le lanza una mirada demoníaca. La imagen habla por sí misma, no necesita palabras:

Goebbels, su verdadera mirada. ¿Son los ojos el espejo del alma?

Pero dejemos que el mismo fotógrafo nos cuente su experiencia:

“En 1933, viajé a Ginebra para la decimoquinta reunión de la Liga de las Naciones. Allí, sentado en el jardín del hotel, estaba el Dr. Joseph Goebbels, ministro de Propaganda de Hitler, hubo un momento que el sonreía con todos, pero conmigo no lo hizo. Detrás suyo estaban su secretario privado y su intérprete. Ya alguien le había dicho que yo era un fotógrafo judío. Me regresó a ver con odio y me clavó fijamente la mirada. Yo también se la mantuve firme. ¿Me consideraba su enemigo?, parece que sí.
Mucha gente suele preguntarme acerca de cómo me sentía cuando tenía que fotografiar a estos tipos. Obviamente, no tan bien, pero cuando tengo una cámara en la mano no conozco el miedo”.

Alfred Eisenstaedt trabajó toda su vida en el staff de fotógrafos de Revista LIFE, magazine en la que llegó a ocupar con sus imágenes más de noventa portadas, y fueron publicadas más de diez mil imágenes suyas durante el tiempo que se dedicó al fotoperiodismo.

Fuentes:
1, 2, 3

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Así inmortalizaron los romanos el amor filial

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 04 Sep 2012 07:46:00 +0000

Valerio Máximo fue un escritor romano, famoso por su obra (de nueve volumenes) “Hechos y dichos memorables”. En ella ensalza las virtudes de la sociedad romana con anécdotas breves, pequeños relatos curiosos y morales, los mismos que había escuchado de boca de historiadores y filósofos.

En uno de esos relatos aborda el tema del amor filial, contándonos la anécdota de una joven cuya madre es recluida en una prisión, condenada a morir sin alimentación. Se permite el acceso de la hija a la cárcel, y ésta, da de mamar a su madre regularmente. Cuando las autoridades se percatan del hecho, se conmueven ante el acto de devoción filial y perdonan a la condenada. Luego cuenta la misma historia, pero protagonizada esta vez por una muchacha llamada Pero y su padre Cimón, un hombre de avanzada edad, quien también es condenado a morir de inanición. Su hija, la joven y bella Pero, pidió un permiso especial para visitarlo diariamente. Una vez en la mazmorra, se acercó a él y, extrayendo del corpiño uno de sus pechos, lo amamantó hasta que el anciano quedó saciado. Siguió haciendo lo mismo durante varias semanas, hasta que a los guardias les llamó la atención la resistencia del condenado. Descubierta la causa, todos se llenaron de admiración ante tal ejemplo de amor filial, y gracias a él, Cimón fue liberado.

Esta última anécdota relatada por Valerio Máximo, inspiró a los artistas pictóricos de todas las épocas, especialmente en el renacimiento; y una causa probable es, el hecho de que sus textos hayan sido publicados por primera vez en 1470. Gracias señor Gutenberg.

A las obras que reproducen esta escena o dan a entender el contexto, se las conoce como Caritas romana, lo que significa: "Caridad romana". Aquí, algunas de las más conocidas:

Hans Sebald Beham -1540

Hans Sebald Beham -1544

Bernardino Mei- Sin fecha

Caravaggio - 1607

Mathius Meyvogel- Sin fecha

Carlo Cignani- 1690

Dirck van Baburen-1623

Pedro Pablo Rubens- 1612

Jean-Baptiste Greuze-1770

Me gustan mucho las obras de Mathius Meyvogel y de Cignani. La de Caravaggio está recortada para el contexto de este post. El cuadro completo es un óleo llamado "Las siete obras de misericordia".

Parece ser que ninguno de los grandes artistas se inspiró en la primera historia, en la que la hija alimenta a su madre en la prisión. No he encontrado referencias al respecto. Una pena.

¿Nos queda claro, no? Si una mujer latina, romana, podía hacer un sacrificio como éste por su padre, imagínense lo que no haría por un hijo. Descendemos de esas mujeres, virtuosas, piadosas y capaces de todo por el amor filial. Me siento muy orgulloso.

Fuentes y referencias:
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¿Por qué se deja de escribir un blog?

noreply@blogger.com (Carlos) — Sun, 02 Sep 2012 17:30:00 +0000

Esta no es de ninguna manera una justificación, o tal vez sí. Prefiero sea vista como una reflexión personal que quiero hacer pública debido al respeto que siento por mis lectores. Me dirijo a ustedes, porque en sus mails y comentarios me preguntan la razón por la cual no he actualizado desde hace algún tiempo.

Bueno. Motivos siempre hay suficientes, pero primero quiero que sepan que para mí, escribir aquí en este blog, es una pasión. Sí, una pasión y muchos de ustedes me entienden. Partamos de eso. Luego viene lo que les decía hace un momento, el asunto del respeto hacia el lector. Si mezclas estos dos ingredientes todo va bien, hasta que llega el día en que inevitablemente se te acaban las historias, las que te sabías, las que de cuando en cuando escuchaste por ahí, o las que te envían por mail. Era una lista bastante grande (de historias curiosas) de las cuales haces un doloroso proceso de selección: descartas unas, publicas otras, ésta te la guardas porque no te convence, o la de más acá te asquea; y el momento menos pensado te das cuenta de que llevas cinco años de tu vida dedicado a contar historias a gente que no conoces pero que la sientes cercana - algo que me fascina-, y que, sin quererlo, posponiéndolo y consciente de aquello, se iba extinguiendo otra de mis grandes pasiones; la lectura. En el interín, mientras tanto, los libros físicos y digitales seguían amontonándose en el ordenador y los anaqueles. Les echabas una ojeada -u hojeada- pero tenías algo más importante que hacer, cuidar de tus lectores, agradecer su fidelidad publicando otra historia.

Y así empezó: Fue una noche hace algunos meses que empecé a leer nuevamente, leer en serio, como antes; con la fruición de un niño que descubre el milagro de la lectura. Todo esto, a pesar de ser un deleite, me dejaba con un sabor amargo: ya no podía publicar el par de artículos (a veces tres) semanales, a los que los tenía acostumbrados. Se fueron distanciando inevitablemente. Traté de publicar por ahí uno semanalmente, hasta que no sé cómo ni por qué, me di cuenta de que por primera vez en la vida de este blog, no había publicado por casi tres meses. Y créanlo, me duele.

La culpa se la puedo echar directamente a Nabokov, al señor Roberto Bolaño o a Stefan Zweig. También a un modosito aristócrata alemán que fue de visita y se quedó a vivir entre tuberculosos en las alturas. Volví a recorrer los gulags que ya conocía gracias a Solzhenitsyn, pero ahora más curioso y cauteloso de la mano del gran Chejov (quien los describe en toda su perversidad), y me armé de paciencia para tratar de entender, de justificar esa arrogancia intelectual de Borges, pero no lo conseguí, desistí como hace veinte años.

Ustedes lo saben, porque conozco cuál es mi target, que inevitablemente, quieras o no, un libro te lleva a otro, ya sea por referencias del autor, porque prefieres ese punto de vista, o porque simplemente te enganchaste nuevamente -cual yonki- a tal o cual escritor o género. Me pasó en la adolescencia con Dostoievski y me sucede ahora lo mismo con Nabokov, y créanme señores, eso te trastoca la vida. Leer es un lujo que necesita de tiempo. Visto de otra forma, es un hobbie que bien puedes darte si eres joven o cuando no tienes que rendir cuentas a nadie. Yo lamentablemente, tenía "un blog que atender".

Puede parecer una broma pero no lo es: Ayer en la noche vi este sitio más abandonado que nunca. Más callado y solo que un ecuatoriano tomando cerveza en algún bar de Príncipe o en las cercanías de Atocha. Tan incompleto como un libro al que le faltan muchas páginas por escribir y esperando por ellas. Me dio tristeza porque no se lo merece, por las satisfacciones que me ha dado y por la gente que me ha permitido conocer. Es una culpabilidad medio cojuda; sentí que dejaba en la orilla al amigo que me acompañó durante el recorrido más duro de mi vida. (Porque de verdad lo hizo).

Hoy, después de la contrición, regreso a ésta, mi casa de siempre, con alguna que otra historia. Ojalá semanalente.

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El Caballero más tonto del Medievo

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 14 Jun 2012 05:06:00 +0000

Ulrich von Lichtenstein, caballero del siglo XIII, está considerado como uno de los más destacados minnesänger (juglares, trovadores) de su época, a pesar de que nunca supo leer ni escribir. El analfabetismo nunca fue un obstáculo para él, ya que al ser un caballero condal de buena posición económica, podía darse el lujo de dictar sus poemas y canciones a su escribano personal que siempre lo acompañaba.

Su obra más importante se llama Frauendienst oder Geschichte und Liebe des Ritters und Sänger Ulrich von Lichtenstein von ihm selbst beschrieben, que en español vendría a ser: Culto de las mujeres o historia del caballero y cantor Ulrich von Lichtenstein, pero es más conocida simplemente como "Frauendienst", el cual, es un auténtico tratado sobre cómo se debe conquistar a una dama. No como cualquier mortal, no. Ya van a ver ustedes, con mucho sacrificio, a base de sangre, sudor y lágrimas, algo que es estrictamente necesario.

La historia oficial como que ha menospreciado las memorias del noble Ulrich, y ha prestado poca atención a su contenido, pero no es difícil comprender la razón de esa actitud. Von Lichtenstein fue quizás el peor de todos los tontos que se enamoraron de las mujeres y las sirvieron. Los historiadores serios se sienten un tanto incómodos ante las aventuras amorosas de este estúpido héroe, pero hay que tratar de entender el contexto y la época, ya que si el apasionado caballero llegó a los peores extremos, lo hizo simplemente impulsado por el amor y las costumbres de su tiempo.

El manuscrito original se halla en la Biblioteca Estatal de Baviera

Ulrich era todavía un jovenzuelo cuando se enamoró de una dama de alcurnia, cuya compañía buscaba constantemente. En su condición de noble, desde que era apenas un paje tuvo acceso a la corte y a las habitaciones de las damas, donde su primera "prueba de amor" (primer papelón), fue beberse el agua en que su adorada dama se había lavado las manos. En sus memorias es bastante discreto y evita dar a conocer el nombre de la dueña de su corazón, pero de acuerdo a sus biógrafos no es difícil establecer quién era la afortunada dama. Era ni más ni menos que la esposa del Duque Leopoldo de Austria, la bella Teodora Angelina.

Leopoldo IV de Austria, esposo de Teodora Angelina

Durante su etapa de caballero en Viena, consideró que por fin había llegado el momento de ofrecerle formalmente sus servicios a la bella duquesa. Como caballero, ya había perdido aquel fácil acceso a su amada, ya no era un paje, por lo que debió buscar un intermediario. Delegó entonces tan delicada tarea a una de sus tías (de Ulrich), íntima amiga de la duquesa, y así fue que empezó una larga relación de mensajería. Ulrich enviaba sus poemas a la prohibida dama; ella los aceptaba, y aún más, los elogiaba y los guardaba, pero siempre le contestaba por medio de su tía, diciéndole que no necesitaba de un caballero, y que más bien fuera despertando de ese absurdo sueño. Con esta actitud la noble dama estaba ya poniéndole las normas del galanteo medieval: primero palabras de aliento y luego actitud de rechazo, manteniendo así al desgraciado amante en constante tormento de duda.

Una de las pocas imágenes que quedan, de la duquesa Teodora Angelina

Cierta ocasión, la bella dama le hizo una confidencia a la tía del galante caballero: “Aunque vuestro sobrino fuera de mi mismo rango no lo aceptaría, pues su labio superior tiene una fea protuberancia”. Según parece, el joven enamorado tenía el característico labio de los Habsburgo (el labio inferior salido, muy prominente), sólo que en su caso se trataba del labio superior y no del inferior. Apenas la tía le entregó el mensaje, UIrich se dirigió a la ciudad de Graz, mandó a llamar al más hábil cirujano, y le ofreció una gran suma de dinero para que le operara el labio. El cirujano, manos a la obra realizó con éxito su destaje, siendo ésta muy seguramente la primera cirugía plástica registrada de la historia. Como en esa época no se conocían anestésicos ni drogas calmantes, el cirujano sugirió maniatar al caballero antes de la intervención. Con justa razón temía el galeno, que el dolor lo impulsara a realizar algún movimiento brusco y que el cuchillo se deslizase, con alguna funesta consecuencia. Obviamente el buen doctor no sabía mucho de las virtudes caballerescas ni de la esencia del Frauendienst o "servir a una dama". Un auténtico caballero no podía perderse la oportunidad de soportar la tortura sin un solo quejido en homenaje a su amada. Ulrich Von Lichtenstein rehusó dejarse maniatar; se sentó en un banco y no hizo un solo gesto ni se quejó mientras el cirujano reducía el labio a proporciones más normales.

La operación tuvo éxito, pero el infeliz paciente debió pasar seis meses inactivo y en cama, hasta que la herida curase completamente. No podía comer ni beber, tenía los labios cubiertos por un horrible ungüento, y no lograba retener nada en el estómago. Perdió muchísimo peso, y prácticamente se convirtió en hueso y pellejo. “Mi cuerpo sufría”, escribe el incorregible enamorado, “pero mi corazón estaba feliz”.

La dama se enteró de la intervención quirúrgica, y poco después escribió una carta a la tía de Ulrich, informándole que salía de vacaciones y que viajaría a cierta ciudad, donde con mucho gusto podría recibirla. “Y puede traer a su sobrino... pero sólo porque deseo ver su labio corregido; por ninguna otra razón”.

Al fin llegaba el momento en que el noble caballero podía expresar sus sentimientos, cara a cara, a su adorada belleza, a la Pura, la Dulce, la Bondadosa, como la llamaba en sus poemas y cartas. Llegó el día y apareció la duquesa; a caballo y sola, había ordenado a sus escoltas que se mantuvieran alejados. UIrich espoleó su caballo y se puso a la par de la dama; pero ella, dando un giro se apartó rápidamente, como si el encuentro le desagradara. El inexperto caballero no sabía que esta actitud se ajustaba a las normas del juego amoroso medieval. Estaba tan terriblemente abochornado y confundido, que sintió que la lengua se le pegaba al paladar. Se quedó mudo y no fue capaz de decirle cuánto a amaba. Profundamente avergonzado se retrasó, y luego trató nuevamente de aproximarse, pero continuaba en silencio, sin saber que decir.

Cinco veces repitió la maniobra y siempre con los mismos resultados. Acabó la cabalgata y se perdió la valiosa oportunidad. Ya de regreso, Ulrich sólo se atrevió a aproximarse a la dama para ayudarla a desmontar. Sólo entonces ocurrió algo inesperado: La Dulce, la Pura, la Bondadosa aceptó la ayuda del caballero y desmontó, mientras Ulrich sostenía el estribo; pero antes de poner el pie en el suelo arrancó un mechón de cabellos de la cabeza de Ulrich y le murmuró al oído: “¡Esto, por vuestra cobardía!”
Mientras se frotaba el cuero cabelludo, el inexperto enamorado reflexionó sobre la misteriosa observación, y como ya no confiaba en la palabra hablada, nuevamente apeló a su escribano. En otro extenso poema explicó sus sentimientos, y la buena tía se encargó otra vez de llevárselo a la duquesa. Pero aquí surgió otra situación inesperada, parecía que la mala suerte se ensañaba sólo con él: Ulrich recibió una respuesta por escrito, y como ya lo dijimos, él no sabía leer, y su escribano de confianza se hallaba ausente. Durante diez días guardó contra su pecho la carta que no podía leer, durante diez días enteros padeció en el umbral de la bienaventuranza, hasta que el escribiente (la única persona en quien confiaba) regresó y le leyó la carta. Ulrich sufrió otra terrible desilusión. La carta contenía un poema muy breve, en el que cada sílaba era una gota de veneno. Pero todo lo que provenía de la Dulce, la Pura, la Bondadosa, aún la maldad, debía ser aceptada humildemente.

Su amor no flaqueó, pero como las palabras no daban ningún resultado, intentó demostrar con hechos que merecía el favor de la dama: Ulrich comenzó a aparecer en todos los torneos de justas del país, y a luchar valerosamente, dedicándole cada victoria a su amada. Rompió más de cien lanzas contra sus adversarios, y siempre triunfó. Su fama empezó a crecer y pronto fue reconocido como uno de los más bravos y eficaces caballeros.

Torneo de justas medieval

Cierto día, en medio de un torneo, recibió un fuerte golpe en la mano derecha, que por poco le saca el dedo meñique. Salió del torneo, se dirigió a la ciudad, y ya en casa del cirujano descubrió que el dedo seguía adherido a la mano por apenas dos pulgadas de piel. Tenía muy pocas posibilidades de salvarlo. Se necesitaron varios meses de tratamiento, pero al fin el dedo quedó en la mano, aunque definitivamente inútil y deformado. Pero aquí comienza otro malentendido.

Para esto, Ulrich había cambiado de mensajero porque su tía había resultado muy poco eficaz. Otro caballero, muy buen amigo suyo, y que tenía acceso a la corte, aceptó desempeñar el papel de mensajero. El nuevo celestino mantenía al tanto a la duquesa, de cuán heroicas eran las hazañas que Ulrich ejecutaba para demostrarle su amor. -“De heho, hace poco tiempo -agregó el alcahuete- su dedo meñique sufrió las consecuencias de tan hondo sentimiento”.
-“No es verdad, son todas mentiras”, replicó la dama. -“He oído de personas que merecen mi total confianza, que todavía conserva dicho dedo”.

Cuando Ulrich se enteró de esa inesperada observación, montó en su caballo, pero esta vez no se dirigió a la casa del cirujano, sino a la de un íntimo amigo. Invocó su amistad y le pidió que le cortara el dedo. Obviamente su amigo se negó, quiso hacerle razonar, y en medio de la conversación vio a Ulrich sollozante, tomar un cuchillo y ponérselo sobre el dedo de la discordia. El otro, que no queria ver sufrir más a su amigo, tomó un martillo y le asestó tal golpe al cuchillo, que el dedo salió volando por los aires. La herida fue vendada y, de acuerdo con el relato, el desgraciado comenzó a componer (dictar) un extenso poema. Cuando concluyó su obra maestra, la hizo transcribir con el mejor caligrafista, la encuadernó en terciopelo verde, y luego, encargó a un orfebre que le fabricara un cierre para el libro, el cual debía tener la forma de un dedo de oro. Y dentro de esa original joya de oro guardó el meñique que se había cortado.

Cuando la duquesa recibió el horrible regalo, exclamó: “¡Dios mío, jamás creí que un hombre sensato pudiese cometer semejante tontería!” Pero aún así, el original detalle la motivó a enviar a Ulrich otro mensaje: “Decid al noble caballero que guardaré el libro en mi cajón, y que diariamente contemplaré su dedo meñique; pero que no crea que se ha acercado a su meta ni siquiera el grosor de un cabello; ¡pues aunque me sirviera durante mil años sería tiempo perdido!”

A pesar de tan duras palabras, el obstinado caballero se sintió en la gloria, pues consideraba que su dedo meñique estaba mucho mejor en el gabinete de la dama que en su propia mano. Y es así que, poseído de aquel entusiasmo, concibió una empresa que sería la cúspide de sus hazañas en honor de la dama. De todas las locuras registradas y documentadas en la época medieval, para algunos historiadores esta fue la más absurda, y aún hoy, ochocientos años después, con una mentalidad más abierta, nos resulta casi imposible comprender tan pervertida y deformada interpretación de los deberes y derechos de un caballero. Lo interesante es entender, que Ulrich von Lichtenstein no estaba loco ni era masoquista; de hecho, la mayor parte de su vida fungió como consejero real y diplomático.

Cierto día abandonó su castillo en Austria, con el propósito de acudir a Roma en peregrinación. El invierno lo sorprendió en Venecia, donde se quedó de incógnito, ocupado en visitar a los sastres locales y encargargando ropas. No ropas masculinas, sino femeninas. Compró un guardarropa entero: doce vestidos, treinta corpiños, tres capas de terciopelo blanco, e innumerables accesorios y prendas de diverso tipo. Lo sorprendente es que nada de esto era para su amada duquesa, sino para él mismo. Finalmente, ordenó dos largas trenzas doradas adornadas con perlas, para usarlas como peluca.

Al fin llegó la primavera y Ulrich preparó un detallado plan de viaje. Se propuso atravesar el norte de Italia, Carintia y Estiria hasta llegar a Viena, y desde Viena avanzar hasta Bohemia. El viaje debía llevarle veintinueve días, de acuerdo con su itinerario cuidadosamente detallado. En el tenía previsto de antemano la hora de llegada a cada ciudad, y las posadas donde se hospedaría con su séquito. Envió antes a un mensajero suyo, que llevara este plan de viaje a cada uno de los puntos de la ruta, y que en cada sitio leyese un comunicado, en el que se informaba que un noble que viajaba de incógnito, quería sostener un torneo en las diferentes etapas del trayecto. Viajaba de anónimo, pero vestido con ropas de mujer, como la diosa Venus personificada. La proclama decía algo así:

“La Reina Venus, diosa del amor, saluda a todos los caballeros, y les informa que se propone visitarlos personalmente para instruirles en el arte de servir y conquistar el amor de una dama. Se propone partir de la ciudad de Mestre con destino a Bohemia, y lo hará el día de San Jorge. El caballero que rompa lanzas (combata) con ella durante su travesía, será recompensado con un anillo de oro si gana. Pero si la diosa Venus venciera al caballero, será obligación de éste inclinarse hacia los cuatro rincones de la tierra, en honor a "cierta dama".
El rostro de Venus permanecerá oculto durante todo el torneo. El caballero que, a sabiendas de la llegada de la diosa, se negara a enfrentársele, será considerado por Ella, ajeno al ámbito del amor, y entregado al desprecio de todas las damas nobles del lugar”.

En vez de tomarlo por loco o llevarlo directamente a un manicomio, esta nueva aventura de Ulrich fue recibida en pueblos y ciudades con gran entusiasmo y expectativa. Los libros medievales hablan maravillas de la famosa “Gira de Venus”. La diosa fue recibida solemnemente a lo largo de la ruta, y ningún caballero esquivó tan noble enfrentamiento. El resultado final fue impresionante: Ulrich, disfrazado de mujer, se enfrentó a 577 caballeros, derrotó a 307 de ellos y fue vencido por 270 valientes que recibieron su respectivo anillo. Durante estos encuentros no sufrió el menor daño, y en cierta ocasión hasta se dio el lujo de desmontar a cuatro caballeros en una sola jornada.

Esta gran caravana fue tomada muy en serio en los poblados y ciudades por donde pasó, y como inesperado efecto, convirtió a Ulrich en el caballero germano más respetado y conocido de su siglo. Las hazañas de Ulrich fueron destacadas por Hartmann von Aue y Wolfram Eschenbach, los más destacados poetas del medievo. También son reconocidas sus gestas en el Codex Manesse, la más antigua colección de juglares alemanes, que data de fines del siglo XIII. Esto también, de alguna forma nos dice, que el comportamiento de Ulrich, no era tan ridículo para la época.

Ulrich disfrazado de La diosa Venus

Hacía su arribo a cada población, ni más ni menos que un circo. Era precedido por unas cuarenta personas, todos bajo su servicio, entre los que destacaban cinco escuderos, dos portaestandartes, dos trompeteros. Luego venían tres caballos con armadura y tres sin ella. Más atrás venían los pajes que llevaban el casco plateado y el escudo del caballero. Después, más trompeteros seguidos por cuatro escuderos que portaban sus lanzas, luego dos muchachas vestidas de blanco, a caballo, y dos violinistas también a caballo. Finalmente, la diosa Venus (Ulrich) llegaba, cubierta con la capa de terciopelo blanco que le llegaba hasta los ojos; y bajo la capa dejaba ver un precioso vestido de de seda. Sobre las trenzas de la peluca llevaba una corona enquistada con piedras preciosas. Debe haber sido un espectáculo como pocos.

Toda comarca y ciudad la esperaba con ilusión. Los caballeros incritos hacían largas colas sólo por el honor de competir, de romper lanzas con “ella”. Llegado el momento de la justa, Venus se ponía la armadura bajo el vestido, se sacaba la corona y se ponía el yelmo. No nos vamos a poner a detallar los torneos, a pesar de que las crónicas relatan escrupulosamente cada uno de ellos. Sólo les contaré que en cierta ocasión, se topó con un tonto de su mismo calibre: un rey vestido de mujer en honor de su dama, con peluca y trenzas. Y los dos idiotas disfrazados se arrojaron el uno sobre el otro, y al brutal choque los escudos volaron en pedazos.

Ulrich no podía quejarse. A lo largo de la ruta había conquistado muchos corazones, y de damas más bellas que su amada. Las mujeres recibían al campeón con expresiones de coquetería y entusiasmo. En la ciudad de Tarvisio por ejemplo, doscientas mujeres se reunieron por la mañana frente a la casa donde se hospedaba, para acompañarlo a la iglesia. Estas misas y procesiones fueron quizás el aspecto más característico de toda la gira venusiana. Hoy sería considerado una blasfemia; pero en esa época a nadie le importaba que un hombre vestido de mujer, entrara en la iglesia acompañado por una procesión, que se sentara en el sector reservado a las mujeres, y aún más, tomara la comunión con el mismo grupo.

Nuestro valiente aventurero, aunque impresionó a muchos corazones femeninos, siempre guardó fidelidad a la Dulce, la Pura, la Bondadosa, aunque debió sufrir grandes tentaciones. Cierta ocasión, los sirvientes de una dama desconocida invadieron el dormitorio de Ulrich, cubrieron de rosas el lecho del caballero, y le entregaron un precioso anillo de rubí, regalo de una noble que deseaba permanecer en el anonimato. Pero el más extraño episodio de este extraño viaje es tan peculiar, que lo mejor es citar al propio Ulrich von Lichtenstein. Ya culminando la gira, en una aldea austriaca, antes de llegar a su propio castillo, luego del torneo se encerró en una habitación y escapó por otra puerta. Se había quitado el disfraz de Venus y estaba vestido de caballero. Aquí el relato de UIrich:

“Entonces, en compañía de un servidor de confianza, salí al campo y visité a mi muy querida esposa (?), que me recibió muy amablemente y se sintió muy complacida de mi visita. Allí pasé dos días magníficos, fui a misa el tercero, y rogué a Dios que preservara mi honor, como lo había hecho siempre. Me despedí afectuosamente de mi esposa, y con el corazón fortalecido regresé a reunirme con mis compañeros.”

Estas pocas líneas revelan que Ulrich von Lichtenstein era un hombre casado; su autobiografía nos comenta que para esa época, también era padre de cuatro hijos. Ni esta magnífica familia ni su amante esposa impedían, que este conquistador empedernido cabalgue hacia otros corazones. De tiempo en tiempo, sobre todo durante el invierno, regresaba a su castillo y reanudaba su vida conyugal; pero con la llegada de la primavera, abandonaba otra vez el cálido nido para perseguir sus románticas conquistas. Aparentemente, la esposa no veía nada objetable en las actividades de su esposo, y hasta es posible que se sintiera halagada por la fama del caballero. También es posible, dadas las circunstancias, que ella a su vez, también tuviera su propio serviteur. Todo era posible en el medievo.

Naturalmente, lo de “incógnito” en la Gira de Venus era sólo una formalidad. Todos sabían que bajo ese corpiño de seda, latía el viril corazón de Ulrich von Lichtenstein. También lo sabía la Dulce, la Pura, la Bondadosa. Cierto día, el mensajero confidencial llegó al castillo de Ulrich, con un inesperado correo. Traía un anillo de su bella amada, por quien lo había intentado todo. “Ella comparte la alegría de vuestra gloria”, decía el mensaje, “y ahora acepta vuestros servicios, y como voto os envía este anillo”. El pobre Ulrich casi se desmaya, pero aguantó el mareo y pudo arrodillarse para recibir el presente.

Lo que sucede es que Ulrich era muy ingenuo. Nunca entendió las normas del juego de amor medieval, porque de ser así, se hubiese espabilado antes, y anticipado la siguiente jugada de la duquesa. Pasaron algunos días y apareció nuevamente el intermediario, pero ahora su expresión era sombría y desalentadora: - “Vuestra dama ha descubierto que os entretenéis con otras mujeres; esta fuera de sí de cólera, y reclama la devolución del anillo, pues os considera indigno de llevarlo”. Cuando oyó estos reproches, Ulrich von Lichtenstein, caballero sin miedo y sin reproche, rompió amargamente en llanto. Lloró como un niño, se frotó nerviosamente las manos y quiso morir. El mayordomo de su castillo, un caballero barbudo y anciano, oyó los sollozos y los gritos y acudió presuroso; y al ver el estado en que se hallaba UIrich, “mezcló sus lágrimas con las del noble caballero”. Los dos afligidos hombronazos medievales hicieron tal escena de gemidos y de llantos, que despertaron al cuñado de Ulrich, quien en pijama les reprochó su afeminada conducta y logró hacerlos callar.

Ulrich pasó días amargos. En su dolor, se volcó hacia la poesía y envió sus versos a la “cruel belleza”. Y luego, dice en su relato: “Me separé dolorido de mi mensajero; y visité a mi querida esposa, a quien amo más que a nadie en el mundo, a pesar de que elegí por señora a otra dama. Y con ella pasé diez días felices, antes de continuar mi viaje bajo mi aflicción”.
Quizás sea difícil, a ocho siglos de distancia, comprender este “sistema rotativo de amadas”, pero lo cierto es que formaba parte de la época de la caballería.

Pero todo tiene su final, y el romance de Ulrich tuvo el suyo. Los poemas ablandaron una vez más el corazón de la duquesa; y a los pocos días recibió un mensaje en el que la dama perdonaba al caballero, y le concedía una entrevista personal. Pero para evitar toda publicidad indeseable, invitaba a Ulrich a disfrazarse de mendigo y a mezclarse con los leprosos e indigentes que pedían limosna en la entrada del castillo. Allí se le daría la señal secreta para la cita.

El noble Ulrich se vistió con los harapos de un mendigo, y pasó varios días malviviendo entre los leprosos y los mendigos. Su cuerpo hedía, se llenó de piojos y pasaba la mayor parte del tiempo vomitando. Enfermó de asco y de náuseas, pero su amor por la duquesa era más fuerte. Varias veces la lluvia empapó sus ropas, y el frío de la noche lo hacía abrazarse con los indigentes para poder dormir. Finalmente, llegó una doncella con el anhelado mensaje: "A tal hora de la noche debía esperar al pie de la ventana, con una luz en la mano."

UIrich se despojó de las ropas de mendigo y esperó, cubierto solamente por una camisa, bajo la ventana. A la hora señalada descendió una especie de plataforma de sábanas, el caballero subió en ella y se sintió elevado hasta la ventana por unas tiernas pero firmes manos femeninas. Apenas entró en la cámara le echaron sobre los hombros una capa de seda, y lo llevaron ante la duquesa.

Después de tantos años de sacrificios, estaba al fin en el umbral de la bienaventuranza. La dama lo recibió amablemente, elogió su lealtad, y le dijo muchas frases halagadoras. Pero las emociones reprimidas derribaron todas las barreras y Ulrich comenzó a exigir pruebas tangibles del amor de la duquesa. Naturalmente, eso era imposible de satisfacer, pues alrededor de la duquesa había ocho servidores; pero UIrich por primera vez se puso necio e intransigente, se negó a escuchar razones, y se mostró cada vez más atrevido. Finalmente, juró que no se movería de allí hasta no recibir la recompensa del "beilegen". El beilegen era otra rara costumbre medieval. Consistía en lo siguiente: se permitía al caballero acostarse junto a su dama durante una noche entera, pero sólo “dentro de los límites de la virtud y del honor”. Debía jurar que no intentaría lesionar la castidad de la dama, y generalmente se cumplía el juramento. Era quizá la forma más retorcida de galanteo.

El único modo de calmar a Ulrich fue prometerle su beilegen, pero con una condición. La duquesa dijo que accedería al pedido, si éste demostraba primero su lealtad: Para ello debía subir otra vez a la plataforma de sábanas, y ésta descendería un poco. Una vez que UIrich hubiera demostrado su constancia, se le permitiría entrar en la recámara de su amada. ¡Patrañas!
Esta vez Ulrich decidió proceder sobre seguro; aceptó la prueba, pero únicamente si, mientras lo descendían, podía sostener la mano de la duquesa. Se aceptó la condición, el caballero subió a la plataforma y, mientras ésta descendía lentamente, la Dulce, la Pura, la Bondadosa señora dijo a UIrich: “Veo que merecéis mi favor... besadme ahora...” Casi desvanecido de felicidad, UIrich elevó sus labios sedientos, pero cometió el error de soltar la blanca mano. En ese mismo instante fue arrojado con plataforma y todo, al patio del castillo. Cuando sus doloridas piernas le permitieron incorporarse, la plataforma de sábanas ya había desaparecido.

Nada lo desanimaba. Nuevamente la dama le inventaba una explicación, y Ulrich continuaba escribiendo versos, hasta que llegó el desastre final. El diario no explica qué hizo la dama, pero sin duda fue algo terrible, pues el propio UIrich afirma que le fue imposible perdonarla. Y así acabó su Frauendienst, pues (según propias palabras), sólo un loco podía servir indefinidamente sin ninguna esperanza de recompensa”. Lo cual, en todo caso, demuestra que Ulrich se creía un hombre discreto.

Me puse a buscar en Internert, en su biografía, que cosa tan abominable pudo haber heho Teodora Angelina, para que Ulrich no la perdonara, y pasara de un amor enfermizo a no querer volver a saber de ella, de un día para otro. Es probable que la razón sea esta: la bella duquesa enviudó cuando aún las crónicas la describen como joven y bella, alrededor de los 30 años, pero decidió entrar a un claustro, para convertirse en monja por el resto de su vida. Ulrich von Liechtenstein, un caballero cristiano a carta cabal, podía desear y conquistar a cualquier mujer, menos a una de las de Nuestro Señor de la Cruz.

Fuentes y Referencias:
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Les recomiendo el libro: Historia de la estupidez humana. Paul Tabori, su autor, le dedica un capítulo completo a nuestro personaje y a otros caballeros germanos que hicieron del masoquismo un estilo de vida.

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El sabio que vivía en una tinaja

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 29 May 2012 03:53:00 +0000

Diógenes nació en la colonia griega de Sínope en el 412 a. C. Se sabe que era hijo de un banquero llamado Hicesias, y que ambos, padre e hijo, fueron desterrados por haber fabricado moneda falsa. Diógenes se vanagloriaba de haber sido cómplice de su padre, y este suceso, en cierto modo, lo hizo conocido como "Diógenes el Cínico". Otra versión dice que fue llamado cínico (perruno) porque empezó a vivir como los perros -y rodeado de ellos-. Kynikos, es el adjetivo de kyon, perro.

Diógenes y los perros

En fin, la cuestión es que fue exiliado de su ciudad natal y trasladado a Atenas, donde vivió como esclavo y luego como vagabundo en las calles, convirtiendo su extrema pobreza en virtud. Él mismo decidió no volver a dormir bajo techo ni sobre una cama; vivía dentro de una tinaja donde guardaba sus únicas pertenencias: una manta, un zurrón, una linterna, su bastón y un pequeño cuenco (hasta el día que vio a un niño beber agua con sus manos y se desprendió de él).

Solía recorrer las calles con la linterna encendida diciendo que “buscaba” hombres honestos. Se desplazaba constantemente entre Atenas y Corinto, predicando, a quienes tenían la paciencia de escucharlo, acerca de la frugalidad y autosuficiencia: sobre la libertad que otorgaba la austeridad y sin los lujos que proporcionaba el dinero. Diógenes pensaba que la ciencia, los honores y las riquezas eran bienes despreciables. El quid de su filosofía consistía en denunciar lo convencional y oponer a ello su naturaleza. El sabio -decía- debe tender a liberarse de sus deseos y reducir al máximo sus necesidades. Aún, con su conocida impertinencia, se convirtió en uno de los filósofos más famosos de su época.

Se cuenta que, cuando Alejandro Magno llegó a Corinto pidió conocer a Diógenes, "al filósofo que vivía con los perros". Alejandro sentía mucho respeto por los filósofos, pues él mismo tuvo como tutor a Aristóteles.

Alejandro Magno y Diógenes

Llevaron a Alejando al lugar y le mostraron la gran vasija donde dormía. Muy cerca se hallaba Diógenes absorto en sus pensamientos. Alejandro, al verlo se acercó interesado en entablar conversación con el anciano. Magnánimo como era, quería otorgarle todo lo que el sabio pidiera: Le preguntó si podía hacer algo por él. Diógenes lo regresó a ver y le respondió:
-"Si, quitaté, que me estás tapando el Sol".
Los cortesanos y acompañantes se burlaron del viejo, diciéndole que aprovechara la oportunidad, que estaba ante el rey. Diógenes no dijo nada y los cortesanos siguieron riendo y burlándose. Alejandro los hizo callar y dijo: -"De no ser Alejandro, yo habría deseado ser Diógenes".

Pocos días después, Alejandro encontró al filósofo mirando atentamente una pila de huesos humanos. Le preguntó que hacía. Diógenes dijo: -"Estoy buscando los huesos de tu padre pero no puedo distinguirlos de los de un esclavo". (Hay que aclarar que el padre de Alejandro Magno fue Filipo, Rey de Macedonia, el cual se atribuía orígen divino).

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La raza que arruinó a Europa

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 25 May 2012 08:05:00 +0000

La realeza y la etiqueta no siempre fueron de la mano como generalmente se cree. En la historia hubo reyes bárbaros y emperadores tan sabios o prudentes como cualquier burro; que más bien, se iban refinando o adoptando mejores modales, a medida que tenían que recibir, atender y negociar con emisarios de reinos rivales. Aún en la edad media y comienzos del renacimiento, los mismos reyes franceses odiaban las formas protocolarias. El gran cambio sobrevino bajo el reinado de Luis XIV, el Rey Sol.

Luis XIV amaba la vida de la corte, se complacía del esplendor de Versalles y se veía gigante, imponente, omniscente entre tanto espejo. Él sin duda era el Sol y había nacido para reinar (al menos eso le enseñaron desde niño), y todo el universo debía girar alrededor de su persona. Así, con esta mentalidad, fue que reorganizó y desarrolló la etiqueta real de acuerdo con sus propios gustos; etiqueta que empezaba muy temprano, desde que el monarca se dignaba en abrir los ojos. Pero seamos testigos de un día normal del Rey Sol. Asistamos al momento en que Luis XIV despertaba y empezaba su ardua faena:

Era deber del jefe de mozos personales separar las cortinas de la cama real por la mañana. Su Muy Cristiana Majestad se dignaba abrir un ojo, y luego el otro. Los mozos sólo permitían el paso a los dignatarios autorizados a presenciar la solemne ceremonia. Entraban los príncipes de sangre seguidos por el Chambelán Principal, el Gran Maestre del Guardarropa y cuatro chambelanes comunes de la corte. Del mismo modo que el sol era el centro del sistema solar, el Rey Sol lo era de su corte.

Luis XIV (1638 - 1715)

Después de una breve plegaria, el jefe de mozos derramaba sobre las manos reales unas pocas gotas de eau de vie perfumada, a manera de ablución, de "purificación espiritual". Ya purificado, el Primer Chambelán ofrecía primero las zapatillas reales, luego entregaba la bata real al Gran Maestre del Guardarropa, y ayudaba a Su Majestad a ponérsela. Con la bata puesta, el rey se sentaba en su sillón. El barbero de la corte le quitaba el gorro de dormir real (no es broma) y peinaba los cabellos del monarca, mientras el primer Chambelán sostenía un espejo.

Todos los rituales de Versalles tenían su significado e importancia. Acomodar las zapatillas en el pie real o ayudar a Su Majestad a ponerse la bata, representaban señalados favores que el resto de cortesanos envidiaban amargamente. Esta ceremonia matinal era conocida como "Le lever du roi" (el despertar del rey), y el estricto orden que se seguía fue establecido por el propio Luis XIV, y debía ser acatado sin el más leve desvío. Hasta el día en que el rey murió, el primer chambelán siempre le puso siempre las zapatillas, y el Gran Maestre del Guardarropa se ocupó de pasarle la bata. Proponer un cambio en el ceremonial era inconcebible y habría sido visto como traición al Rey Sol, como una revolución.

Cámara real y lecho de Luis XVI (nótese el pasamano dorado)

Bueno, Le lever era la primera parte, el aspecto íntimo de la mañana (o de cualquier hora al despertar). Seguía luego el segundo acto, más solemne aún: Los uniformados que hacían guardia en la entrada de la habitación abrían las amplias puertas para que entrara la corte. Duques y nobles, embajadores, mariscales de Francia, Ministros de la Corona y de la iglesia, los presidentes de los parlamentos y dignatarios de todo tipo y pelaje. Todos ocupaban lugares cuidadosamente establecidos de antemano, del lado exterior de la barrera dorada que dividía el dormitorio en dos partes, y contemplaban el espectáculo con silenciosa ansiedad. Era ni más ni menos que una obra teatral de gran gala, en la cual, el primer papel, siempre era el del rey.

El protocolo continuaba: El rey se quitaba la bata, ayudado por el Gran Maestre del Guardarropa por la derecha, y el jefe de lacayos a la izquierda. La bata era una prenda menos trascendente que la camisa de dormir. Mucho más complejo era el acto en el que el rey se despojaba de la pijama y se ponía la camisa de día. Un caballero de la cámara real se la entregaba al primer chambelán, quien a su vez, se la pasaba al Duque de Orleáns (hermano del rey). El rey recibía la camisa de manos del duque, se la ponía sobre los hombros, y con la ayuda de dos chambelanes se quitaba la camisa de noche y se acomodaba la del día.

Los cortesanos ayudaban a Su Majestad a acicalarse, a ponerse los zapatos, a asegurar las hebillas de diamantes, a colgar la espada y la cinta de la orden elegida por el monarca. El Gran Maestre del Guardarropa (generalmente el duque francés de más edad) desempeñaba un papel importantísimo: sostenía en sus manos las ropas usadas el día anterior, mientras el rey sacaba de los bolsillos pequeños objetos de uso diario y los ponía en los que estaba vistiendo. También presentaba al monarca, en una bandeja de oro, tres pañuelos bordados, para que el rey eligiese uno; y por último le entregaba el sombrero real, los guantes y el bastón.

El rey abandonaba su habitación y los cortesanos lo seguían, pero en su recamara seguía aún desarrollándose una breve “ceremonia secundaria”. Era preciso arreglar el lecho real, pero jamás apresuradamente, como solemos hacerlo la mayoría de mortales. Este procedimiento tenía también sus reglas escritas. Un lacayo se colocaba a la cabecera de la cama, otro a los pies, y era sólo "el tapicero" de palacio quien podía arreglar el augusto lecho. Además, debía hallarse presente uno de los chambelanes, vigilando que se cumplan las reglas de la operación y evitando cualquier anomalía. La cama, al igual que el resto de muebles y artículos de uso cotidiano, debía ser tratada con el debido respeto. Quien pasara la barrera dorada que dividía la cámara, estaba obligado a realizar una genuflexión ante el sagrado lecho.

Esta costumbre del "despertar" se convirtió en tradición real y fue adoptada por muchas cortes europeas. El alemán Johann Küchenbecker describe en 1732 una ceremonia semejante en el Palacio de Hofburg en Viena. La única diferencia aquí, era que el rey cumplía la ceremonia en una habitación cercana a la suya, a la que entraba cubierto con una bata. Allí, sus chambelanes lo vestían, lavaban y peinaban. El Lever de los Habsburgo llegó a ser más exclusivo que el de Versalles; no se admitía a nadie sin un examen estricto de sus antepasados y de la pureza de su sangre.

Luis XIV, el Rey Sol

A pesar de ser muy formal y estricto, Luis XIV muchas veces enternecía y mostraba destellos de su infinita bondad. Si el día estaba nublado (cosas del invierno), o simplemente si se necesitaba luz, se daba también la oportunidad a algún miembro del público de participar en el lever. El chambelán principal preguntaba en voz baja al rey quién debía sostener el candelabro. Su Majestad nombraba a éste o a aquél dignatario, el cual, con el pecho henchido de orgullo se encargaba de sostener el candelabro de dos brazos durante el tiempo que durase el asunto. Esto de los candelabros de dos velas tenía su importancia, porque Luis XIV había regulado también el empleo de velas y candelabros en el sistema de etiqueta de Versalles. Sólo el rey tenía derecho a un candelabro de dos velas, los demás debían contentarse con un candelabro de un brazo. Este principio fue aplicado en todos los aspectos de la vida. Por ejemplo, a este rey le gustaban las chaquetas con bordados gruesos de oro, por lo tanto, hubiese sido inconcebible que cualquier cortesano (o francés) usara algo parecido.

Chaqueta bordada con oro y plata de Luis XIV (conservada en Versalles)

Este tipo de chaqueta con recamados de oro y plata enloquecían al rey. Le gustaban mucho y tenía sus propios artesanos especializados en su laborioso bordado. Algunas veces, como raro favor, otorgó el honor de que ciertos meritorios individuos, recamaran de oro sus chaquetas. Se extendía un permiso escrito, firmado por Su Majestad y refrendado por el Primer Ministro. Esas chaquetas deberían ser azules y tenían un nombre especial: justaucorps á brevet, chaquetas certificadas. Es como si ahora fuese un honor (además de caro y prohibido) para los ecuatorianos, usar las camisas bordadas que suele ponerse el presidente Rafael Correa. Camisas muy bonitas, por cierto. Los aristócratas, dominados por la vanidad, consideraban como un favor del rey el permiso de usar estas prendas, eran lo máximo porque "significaba" que eras un gran pana del rey, que pertenecías a la créme de la créme, que eras la última coca cola del desierto, etc.

Las Joustacorp á brevet, las famosas chaquetas registradas

Las blue jacket llegaron a ser tan cotizadas como un Collar de la Orden de San Luis. Hay que destacar, ya que aquí se trata de conocer los pequeños detalles, que por aquel entonces se llevaban las chaquetas sobre el jubón, que era un camisón que te ceñía desde los hombros a la cadera. Luego te ponías la casaca azul, y sobre ella, te ajustabas una correa de cuero que cruzaba desde el hombro derecho hasta el lado izquierdo de la cintura, donde colgabas tu espada. Una elegancia total.

Complementando el atuendo, te ponías una especie de cinta de encaje alrededor del cuello, y terminabas el estilo fashion mimadodelrey con un sombrero que podía tener plumas o un bonito moño. Esta moda de vestir, que duró hasta 1684, prevaleció en toda Europa, con excepción de España y Portugal. El resto de Europa se enorgullecía de imitar a la corte de Luis XIV.

Aún más complicado era el ceremonial de la mesa. Cuando llegaba el momento de la comida de Luis XIV, el mozo principal (ujier) golpeaba con su bastón la puerta de los Guardias Reales, y reclamaba en voz alta: “¡Caballeros, cubierto para el Rey!” Cada uno de los oficiales de la Guardia Real recogía el plato o cubierto que le había sido encomendado, y la procesión se encaminaba hacia el gran salón comedor; a la cabeza marchaba el ujier principal, luego los oficiales, y a ambos lados los guardias. Depositaban la carga sobre la mesa de servicio, y "por el momento" sus funciones habían concluido, porque tender la mesa, era tarea de otros funcionarios de la corte. Una vez que habían cumplido su misión, el chambelán de servicio cortaba el pan e inspeccionaba la vajilla. Después de comprobar que todo estaba en orden, el mozo principal rugía nuevamente: “¡Caballeros, carne para el rey!” Los guardias se ponían en posición de firmes y cierto número de dignatarios de la corte marchaban a la habitación vecina donde examinaban atentamente los platos destinados a la mesa real. El chambelán de la corte los disponía en correcto orden; luego tomaba dos rebanadas de pan y las empapaba ligeramente en la salsa o jugo de las viandas. Probaba una y ofrecía la otra al mayordomo principal. Si estos dos altos dignatarios consideraban que los platos tenían buen sabor, la procesión se formaba nuevamente; a la cabeza se colocaba otra vez el ujier principal con su bastón, detrás el chambelán de la corte con su vara de oro, luego el chambelán con un plato, el mayordomo principal con el segundo, el inspector de la cocina real con el tercero, y detrás varios dignatarios de diferentes categorías. Los platos eran escoltados por guardias armados de carabinas...era el protocolo.

Una vez que los alimentos habían llegada al comedor, se anunciaba al rey -por medio de otras formalidades estrictamente prescritas- que el almuerzo o la cena estaban servidos. El servicio de la mesa era tarea de otros seis nobles chambelanes. Uno cortaba la carne, otro la servía, el tercero la ofrecía, y así sucesivamente. Cuando el rey deseaba beber, el copero de la corte exclamaba: “¡Bebida para el Rey!” El asignado doblaba la rodilla frente a Su Majestad, se dirigía a la alacena y recibía del bodeguero de la corte una bandeja con dos jarros de cristal. Uno contenía vino, el otro agua. Otra genuflexión, y entregaba la bandeja al chambelán encargado del servicio; este último mezclaba un poco de vino y agua en su propio vaso, probaba el líquido, y luego devolvía la bandeja al copero. Después de este procedimiento solemne y ceremonioso el rey podía beber. Y así, con cada plato se repetía la misma ceremonia.

Cuando el día tan minuciosamente regulado terminaba y el rey se retiraba a sus aposentos, se repetía la ceremonia del lever, pero a la inversa, como rebobinando un rollo de película. Se diferenciaba en que su lavatorio eran un poco más abundante que en la mañana. Se disponía una toalla sobre dos bandejas de oro, cuyo extremo estaba húmedo y el otro seco. El rey utilizaba la parte húmeda para frotarse la cara y las manos, y se quitaba la humedad con la parte seca de la toalla. Puedo parecer cansino, pero hay que subrayar que la presentación de la toalla, como era función muy honrosa, esta estaba reservada a los príncipes por consanguinidad, es decir, hermanos o cuñados. La etiqueta de la corte distinguía los diferentes aspectos de este sencillo acto con minuciosa delicadeza. Si también estaban presentes los hijos o nietos del monarca, la toalla pasaba de manos del chambelán principal al príncipe de más elevada jerarquía.

Esta cotidiana idolatría necesitaba de un enjambre de dignatarios y funcionarios de la corte, de complicados y extensos títulos. Por ejemplo, sólo la cocina real ocupaba 96 supervisores nobles, entre ellos 36 mayordomos, 16 inspectores, 12 chambelanes y un chambelán principal. El personal total de la cocina sumaba 448 individuos, sin contar los servidores empleados en ella y los servidores que atendían a los servidores.

Luis XIV introdujo en Versalles un sistema que regulaba las jerarquías y funciones y que perduró hasta ~~que les cortaron las cabezas~~ la Revolución Francesa. Creó nuevos puestos para su propio servicio y aseo personal, entre ellos el de Gran Maestre del Guardarropa. Restableció las normas establecidas por Francisco I para los grandes banquetes (lavarse las manos, usar tenedor) y aumentó su número de comensales. Doce de aquellos mesones estaban reservados para los oficiales que cenaban en la presencia del rey, y a los que se atendía con el mismo cuidado y derroche que al soberano. Pero, estos nuevos puestos, esta nueva burocracia de palacio no eran gratuitos, como veremos más adelante. El honor de cenar o vivir cerca del rey, tenía su costo.

Tal incremento de servidores y jerarquías cortesanas, también tenía lo suyo, y aunque no lo parezca, se hacía por el bien de las finanzas del reino. Me explico: En la deslumbrante corte de este vanidoso rey, vivía uno de los pocos hombres equilibrados de la época: Jean Baptiste Colbert, su Ministro de Finanzas. Se le ocurrió a Colbert que, si a los nobles les gustaba estar en la corte, bien podía establecerse un impuesto sobre ese derecho, un impuesto a la vanidad. Y dio resultado. Colbert vendía los títulos y las jerarquías de la corte. Un título barato era el de maestro de cocina que costaba sólo 8.000 francos. Obviamente estos los precios aumentaban, en proporción al grado de importancia. Así tenemos que, si querías ser el mayordomo principal, por ejemplo, debías pagar 1'500.000 francos, ahí cash, uno sobre otro; luego podrías ya pavonearte con tu deslumbrante puesto, y tu supuesta cercanía al rey.

Colbert confirió a estas inversiones, cierto aire de respetabilidad prometiendo pagar a los compradores de títulos un pequeño interés anual sobre el capital que entregaban. Sin duda, recibían el interés, pero los compradores sabían muy bien que jamás volverían a ver su capital, era claro, pues nunca querrían salir de la corte por decisión propia. Algunos nobles y no tan nobles que invirtieron, necesitaban también mantener sus otras propiedades, amantes e hijos, así que trataron de compensarse por otros medios. A la final, si estabas en Versalles, te codearías siempre con los mejores contactos. De acuerdo con los cálculos de los historiadores, estos inversores robaron cinco veces más que el interés de la inversión realizada.

Jean Baptiste Colbert

Un detalle paradójico a tomar en cuenta, es que en un palacio tan erguido y solemne se podía circular libremente por los parques, jardines y bosquecillos, por las galerías y salones, incluso por los espaciosos apartamentos del rey. Este privilegio lo había impuesto Luis XIV para que sus súbditos pudieran admirar, embobados, su grandeza sin par, solar y magnificente. Así, en 1774, se publicó para uso de los visitantes una minuciosa y extasiada descripción del palacio y de sus ya famosos jardines, lo que constituía una de las primeras guías turísticas que se hayan conocido. Es decir que, con aquel libro en la mano, se podía entrar libremente –y también sin él aunque con menor conocimiento-, pese a la gran cantidad de guardias que había en palacio (Mosqueteros Negros y Grises, Guardias Suizos, Guardias de Corps, Guardias Franceses). Quizá debido a esa misma abundancia de tropas, tan abigarradas y coloridas, fue que a la hora de la verdad resultaron ineficaces.

Los Jardines de Versalles

Por otro lado, a los visitantes no se les exigía documentos –que tampoco existían- y cualquiera podía alquilar o pedir prestado un sombrero y un corbatín, o una inútil espada doncella para ceremonias. Y una dama que fuera bien vestida, aunque fuera de aldeana acomodada, circulaba sin el menor impedimento. Así pues, cualquiera podía contemplar el petit couvert del rey, o verle jugar a la pelota, o asistir a las presentaciones de la corte. Todo ello, desde luego, mientras fueron tiempos sosegados, antes de la insólita revolución de aquellos incómodos pensadores.

Todo esto podría haber sido un fenómeno sin importancia, un capítulo ridículo pero secundario de la historia de la estupidez humana, sin embargo, su costo fue enorme, no sólo para Francia sino para Europa en general. Por doquier aparecieron pequeñas (y a veces no tan pequeñas) reproducciones de la corte de Versalles. Los pequeños príncipes alemanes, así como los grandes duques y los nobles italianos quisieron imitar al Rey Sol. Innumerables dominios y principados se arruinaron debido al estúpido deseo de emular a un enfermo vanidoso.

Para perpetuar y mantener sus fatuos rituales, esta gente mató de hambre a su pueblo y hasta llegaron hasta a vender sus propios soldados, quienes terminaron sus días en tierra extranjeras, defendiendo a otros reyes. Las innumerables guerras de los monarcas europeos se originaron principalmente por este sentimiento de vanidad. El Rey Sol podría sentirse orgulloso; fue el centro no sólo de su corte y de Francia, sino que dejó infectado de fanfarronería al continente que se decía "el mundo civilizado".

Fuentes y referencias:
La información proviene de estos dos libros:
-La sociedad cortesana de Norbert Elias (descargar)
-El siglo de Luis XIV de Voltaire (descargar)
Las imágenes son encontradas en Google

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El hombre que compró a los Beatles

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 04 May 2012 05:03:00 +0000

En la década de los sesenta, Kansas era una pequeña ciudad que no sonaba ni en política ni para los grandes espectáculos. Era reconocida por ser el lugar donde un tornado se llevó a Dorothy en El Mago de Oz, y recientemente había llamado la atención porque ahí se cometió el terrible asesinato de una familia entera, narrado magistralmente por Truman Capote en su más famosa novela. Pare de contar. Eso era Kansas comparada con las grandes New York, Los Angeles o San Francisco.

Estadio de Kansas City

Charles O. Finley era un hombre de negocios norteamericano que había hecho fortuna en el sector de las aseguradoras. En diciembre de 1960, se convirtió en el dueño del equipo de béisbol de Kansas, Los Athletics. El equipo jugaba sus partidos de local en el Estadio Municipal de Kansas y para esa época, a pesar de ser el único equipo de la ciudad, jugaba siempre con el estadio semi vacío. Finley debía recuperar la gran inversión y ensayó muchas estrategias de marketing para posicionar y popularizar a su equipo en el apático ciudadano de Kansas, pero estas no daban el resultado esperado.

En un momento de euforia, se la jugó el todo por el todo. Finley prometió a la gente que llevaría a los Beatles a su ciudad durante la primera gira americana que llevarían a cabo los ingleses, y que estaba próxima a realizarse.

Revista Life, agosto 1964

Creo que no hace falta recordares la idolatría con la que se esperaba a los Beatles en 1964. Nunca se ha vuelto a repetir con ningún artista, político o líder religioso, recibimiento tan apoteósico como el que tuvieron los de Liverpool al pisar por primera vez suelo americano. Por demás también está comentar que su agenda estaba copada al milímetro con entrevistas, talk shows, visitas a famosos, y los conciertos, todo esto, previamente concertado con más de ocho meses de anticipación, y claro, sólo para las grandes metrópolis. Conciertos además, para los que era imposible conseguir una entrada porque todas se agotaron el primer día que salieron a la venta.

Imaginen esto. Ni siquiera un poster, acetato o cinta del grupo era posible conseguir porque todo se había agotado en las tiendas del país, la beatlemanía estaba en su punto más alto. Entonces, ¿cómo pretendía este anónimo emprendedor, este entusiasta empresario local, llevar al grupo más famoso del planeta hasta su pequeña ciudad?
Hagamos un pequeño ejercicio mental. Visualicen, queridos lectores, mentalmente el mapa, la imagen de su propio país. Ahora excluyan a las seis ciudades más grandes y elijan cualquiera de las que quedan. A esto hay que añadir que los Athletics de Kansas era un equipo de media tabla para abajo, de los que siempre están luchando por no ser últimos. Ahora ya creo que me entienden y pueden apreciar de una mejor forma en el problema en que se hallaba Charles Finley, más conocido como “Charly O”.

Los Beatles en el programa de Ed Sullivan

Como se preveía y era obvio, Kansas no estaba en el circuito de ciudades donde los Beatles iban a tocar. En esa época Kansas aún era considerado un pueblo grande del oeste para música country y honky-tonk. Ni siquiera iban a pasar cerca o hacer escala turística, es decir, para la empresa organizadora, el Cyclone State no existía, y esto fue quizá lo que le hirió en su amor propio a “Charly O”. Su palabra de cowboy, su credibilidad, futuro empresarial e inversión en el equipo estaban en riesgo, y por qué no, también se vislumbraba la posibilidad de un posible linchamiento físico y mediático, burlas de la sociedad y hasta un obligado auto destierro de la hermosa ciudad de los girasoles.

Tanta adrenalina junta (i.e. canguelo, culillo) le puso manos a la obra y le hizo tomar un vuelo a San Francisco el 19 de agosto de 1964, donde los Beatles tuvieron su primera actuación en América. Allí se encontró con el manager de los Beatles, Brian Epstein. Finley le dijo a Epstein que estaba decepcionado de que Kansas no estuviera en el itinerario de los Beatles y de plano le ofreció al manager $ 50.000 si programaban un concierto en su ciudad. Epstein se negó, le explicó que la única fecha libre disponible era el 17 de septiembre, y la banda tenía programado un día de descanso en Nueva Orleans. Finley se fue decepcionado pero no claudicó. Una semana más tarde fue tras los ingleses hasta Los Angeles, donde Epstein volvió a rechazar la oferta de Finley (ahora de 100.000 dólares), argumentando que la banda quería utilizar su único día libre para explorar la ciudad "cuna del jazz". Con un nudo en el estómago, Finley rompió el cheque de $ 100.000 y firmó uno nuevo por $ 150.000 (algo equivalente a un millón y medio de dólares actuales). Atónito, Epstein se excusó un momento para hablar con el grupo. Fue hacia los camerinos, les expuso la situación y sobretodo la magnífica cantidad de dinero por una sola presentación. Lo analizaron un poco, luego John Lennon, hablando en nombre de sus compañeros de banda le respondió: "Nosotros haremos lo que tu creas conveniente". Enseguida Epstein salió del camerino, aceptó el nuevo cheque de Finley y se pusieron de acuerdo para tocar en Kansas. No hubo firma de contrato, sólo un fuerte apretón de manos.

Tickets para las localidades del concierto en Kansas City

En su momento, este fue el precio más alto jamás pagado por un show musical, costando cerca de 3750 dólares por minuto (el show fue de casi 40 minutos), comparativamente, unos $ 37.500 actuales por minuto. Cuando algún periodista le cuestionó a Finley el porqué de tanto derroche (para traerlos a toda costa), él lo tomó a broma y justificó el alto precio respondiendo: "Los actuales fans de los Beatles serán los aficionados al béisbol del mañana" – frase que además estaba ya impresa en el reverso de las entradas para el concierto-.

Reverso de los tickets con foto de Finley y su peluca beatle

Luego de ofrecer una animada rueda de prensa en el hotel Muehlebach (pueden leerla aquí) , los Beatles dieron un concierto memorable improvisando la famosa canción "Kansas City" con los acordes de Hey, Hey, Hey! (ver el vídeo)

En el medio oeste norteamericano la gente siempre se ha caracterizado por su recelo, cautela, miedo ante lo nuevo, ante lo foráneo. En esa época eran aún más cerrados, especialmente con los valores culturales y religiosos. No lo van a creer, pero Finley hizo todo ese esfuerzo casi en vano, para apenas 20.207 personas (entre fanáticos y noveleros), algo más de la mitad de la capacidad total del Estadio, con un aforo para 35.000 espectadores.

El fracaso del concierto podía interpretarse de varias formas. Aparte de la baja animosidad local, varias radios locales "de moda", que patrocinaban artistas norteamericanos, sugirieron boicotear el concierto escudándose en la impopular gestión de Finley con el equipo de béisbol. De todas formas, la noche del 17 de septiembre de 1964, más de 20 mil fanáticos locales y de condados y ciudades aledañas corearon todas las canciones de los ingleses. Al día siguiente, Finley, que había destinado las ganancias del evento a favor de un hospital infantil, tuvo que firmar otro cheque de $ 25.000 para cubrir el donativo mínimo que se había comprometido a entregar al hospital, en caso de que el concierto no generara ganancias.

Charles O. Finley

Finley fue un soñador, organizó un evento digno de cualquier capital del mundo, para una ciudad no estaba preparada. Muchos le dieron la razón, y en el fondo, nadie pudo reprocharle cuando tomó su equipo y se lo llevó para California en 1968.

Fuentes y referencias:
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El rey que mató a su hijo de un bastonazo

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 11 Apr 2012 03:02:00 +0000

"Un guardia salió en busca de auxilio. Acudieron sirvientes con recipientes de agua y lienzos para ayudar. Llegó un médico, se inclinó sobre el herido, examinó la lesión y movió lentamente la cabeza: hay pocas esperanzas, dijo."

Creo que no hay mucho que ahondar en quien fue Iván IV de Rusia apodado “El Terrible”, dado que su fama lo precede hasta nuestros días. De todas formas haré un pequeño resumen de sus barbaridades antes de enfocarnos en la historia del bastonazo.

Iván IV Vasilievich, nació en 1530 y murió en Moscú en 1584. Fue Zar de Rusia desde 1547 hasta su muerte. A pesar de ser coronado a los tres años tras la muerte de su padre, su madre ejerció la regencia durante cinco años más, hasta que fue envenenada por nobles de la corte rusa. Allá en la Rusia Imperial, los nobles recibían el nombre de boyardos. Desde niño fue humillado y manipulado por familias boyardas cercanas a palacio, pero lo que definitivamente marcó su carácter, fue el ser testigo, a la edad de ocho años, de cómo su madre se retorcía víctima del veneno. Luego fue recluido en el palacio real donde lo obligaron a vivir casi como un mendigo. Juró desde ese momento, que algún día se vengaría de aquellos boyardos y cortesanos, que tanto daño le había infringido.

A los 13 años empezó a ganarse el respeto, cuando ordenó a un grupo de leales suyos que capturaran a un príncipe de la familia Shúiski y lo arrojaran a una jauría de perros para que lo destrocen. Con 16 años físicamente estaba hecho un hombronazo, era muy corpulento, y aunque destacaba en escritura y era un devorador de libros, siempre mantuvo esa mirada de odio, la que se le impregnó a temprana edad.

Iván IV de Rusia

A los 17 años, después de casarse con Anastasia Romanova Zajarina, fue coronado como Zar de todas las Rusias. Este fue el primero y más importante de sus matrimonios. A esta edad Iván ya solía tener ataques de furia aterradores; no podía controlarse, era como si de pronto se convirtiese en un animal salvaje. Sus más cercanos colaboradores aseguraban que en esos ataques "al zar le salía espuma por la boca como a los caballos" y que cuando se calmaba, se quedaba horas en silencio mirando a un punto fijo. Cuentan también que en medio de esos ataques coléricos, era común que se arrancase mechones de su larga cabellera o se diera de cabezazos contra las paredes.

En 1560 murió su esposa Anastasía y el zar se transformó en un gobernante psicópata, fanático religioso y autoritario. Este dramático cambio en la personalidad se desencadenó no sólo por la muerte de su esposa, sino también por el tratamiento con mercurio (para la sífilis) que estuvo a punto de causarle la muerte en 1553. Durante esta época Iván pidió a los boyardos que hicieran una alianza con su hijo mayor para que éste gobernara tras su muerte, a la cual los boyardos se negaron. Esto agravó aún más su desconfianza y llegó a pensar que su esposa también había sido envenenada por ellos. El resultado de estas conspiraciones, reales o supuestas, fueron brutales represalias, con asesinatos de príncipes, boyardos y partidarios. Iván tenía 33 años cuando empezó en Rusia un período de terror y sangre.

Iván El Terrible pintado por Alexander Litovchenko (1875)

En 1564 el zar descendió un escalón más en el proceso de su desequilibrio mental, cuando abandonó Moscú debido a la desconfianza que le despertaban los miembros de la corte. Se retiró a un monasterio, un sitio escondido en el bosque, unos cien kilómetros al noreste de la ciudad. Desde allí le escribía largas cartas al arzobispo, en las que denunciaba a los laicos y eclesiásticos de la clase gobernante y apelaba al apoyo del pueblo, de quien se proclamaba defensor. Como le pidieron que regresara, volvió a Moscú a principios de 1565. En apenas un año había envejecido como veinte. Aunque apenas tenía treinta y cinco años, parecía mayor: estaba muy arrugado, con una calvicie pronunciada y una barba mal cuidada.

Siguió matando a príncipes acusándolos de homosexuales, reprimió con su ejército ciudades sublevadas como Nóvgorod, donde torturó, decapitó y empaló a 50.000 rebeldes según datos de la época. Algunos historiadores modernos estiman que fueron sólo 3.000 los decapitados y empalados. También mandó a hacer algo parecido contra la ciudad de Pskov.

Se casó un total de ocho veces, pero los más curiosos fueron el sexto y séptimo matrimonio. Su sexta esposa fue la insensata Vasilisa Melentieva, quien, conociendo el carácter de "su terrible", cayó en desgracia al ponerle los cuernos con el príncipe boyardo Iván Devtelev. El zar lo hizo empalar en su presencia y luego se deshizo de ella enclaustrándola en un convento. Mujer afortunada, porque de todas formas la sacó barata. Poco después Iván volvió a casarse y cuando descubrió que su séptima esposa, María Dolgurukaya, no era virgen, babeando de cólera, la hizo ahogar al día siguiente.

Vasilisa Melentieva, su sexta esposa. La que le puso los cuernos.

En sus últimos años dio rienda suelta a sus perversiones sexuales. Según algunos escritores, se jactaba de haber desflorado a más de mil vírgenes y posteriormente haber asesinado a los hijos engendrados, eso lo cuentan especialmente sus biografos polacos. Aunque esto pueda parecer una leyenda negra, existe una base real en las elecciones de la novia del zar, a las que asistían muchas chicas boyardas cuando eran convocadas a la capital.

A pesar de haber visto y cometido tantas atrocidades, el hecho que lo afectó más profundamente en vida, fue la muerte de su hijo y sucesor, de la que en un momento de rabia, él mismo fue responsable. En 1581 el zar golpeó con su bastón de mando a Elena Sheremeteva, la tercera esposa de su hijo, que estaba embarazada, porque, según el viejo monarca, vestía de manera indecorosa. La mujer cayó al suelo y perdió el bebé. Cuando el zarevich llegó a quejarse, a éste también lo recibió con un bastonazo en la cabeza, hiriéndolo de muerte.

Iván el Terrible y su hijo, 16 de noviembre 1581, pintado por Ilya Repin (1885)

Acercamiento a los rostros del lienzo de Ilya Repin

Un guardia salió en busca de auxilio. Acudieron sirvientes con recipientes de agua y lienzos para ayudar. Llegó un médico, se inclinó sobre el herido, examinó la lesión y movió lentamente la cabeza: hay pocas esperanzas, dijo. Durante tres días todos rezan y el Zar aguarda, angustiado, que se cumpla el milagro y su hijo despierte. Deshecho de remordimientos, Iván “El Terrible” camina y llora por el palacio suplicando por su hijo. Vuelve a su habitación y se postra ante los íconos. De rodillas, promete a Dios dejar de infligir torturas, liberar a los prisioneros, construir iglesias, repartir el resto de su fortuna entre los pobres. Nada. El 19 de noviembre de 1581, el zarevich muere. El zar se niega a dormir y a alimentarse. Se siente doblemente culpable: porque ha matado a su hijo y porque ese hijo era el heredero del trono. Al eliminarlo en un acceso de ira, ha ofendido a Dios y a Rusia al mismo tiempo. El dolor es insoportable.

Iván el Terrible en el lecho de muerte de su hijo. Pintura de Vyacheslav Schwarz (1861)

Tres años después la salud del zar ya estaba muy deteriorada. Según los informes de la época, padecía una "descomposición de la sangre" y tenía una "corrupción en las entrañas". Se le hinchaba el cuerpo, se le descamaba la piel y desprendía un olor muy fuerte. Lo único que lo calmaba era bañarse en agua caliente. Muere el 19 de marzo de 1584 mientras jugaba ajedrez con su guardaespaldas.

Fuentes y referencias:
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Cuando los intelectuales se burlaron de la Armada Británica

noreply@blogger.com (Carlos) — Thu, 05 Apr 2012 08:21:00 +0000

Últimamente he estado muy enganchado a la obra de Virginia Woolf, y aunque no es un secreto que era una mujer melancólica y depresiva que terminó su vida lanzándose a un río, muy poca gente conoció la otra cara de Virginia. Esa otra Virginia fue una mujer alegre y vivaz a la que le gustaba reunirse con sus amigos y gastar grandes bromas, como aquella vez que, dejaron muy mal parada a la Marina Imperial Inglesa.

Ella y sus hermanos pertenecían al Círculo de Bloomsbury, un grupo de intelectuales que adoptó ese nombre porque todos vivían cerca, en el barrio del mismo nombre. La mayoría eran escritores, artistas y académicos. Este grupo, que tenía una amistad muy férrea ante todo, fue responsable de una broma bastante pesada para los estándares de aquella época en Inglaterra. Recuerden, era 1910 y quedaban todavía rezagos de la muy formal era Victoriana.

Virginia Woolf

La broma fue llevada a cabo por seis miembros del Círculo de Bloomsbury: el poeta Horace Cole, la escritora Virginia Stephen (nombre de soltera de Virginia Woolf), su hermano Adrian, Ridley Guy, Anthony Buxton y el artista Duncan Grant. El plan consistía en oscurecerse la piel, disfrazarse y hacerse pasar por una "familia real". Los detalles se ultimaron el 7 de febrero de 1910, y el fraude se puso en marcha más o menos con esta cronología:

- El 10 de febrero de 1910, llega un telegrama al Ministerio de Asuntos Exteriores del Reino Unido firmado por un señor "Tudor Castle":

“Príncipe Malaken de Abisinia y corte llegan 16:20 hs. Weymouth. STOP. Quiere ver Dreadnought. STOP. Lamento último momento. STOP. Olvidé telegrafiar antes. STOP. Llevan intérprete. STOP.”

El secretario del ministerio despachó, a su vez, el telegrama al vicealmirante May, a cargo del acorazado “Dreadnought”, anclado en el puerto de Weymouth. La noticia corrió por la cubierta del famoso barco.

Bueno, en esa época el acorazado “Dreadnought” era el orgullo de la marina inglesa. Su entrada en servicio en 1906 representó un notable avance en la tecnología naval. Tal era su importancia, que su nombre llegó a ser asociado a toda una generación de barcos de guerra. Era el primer navío propulsado por turbinas de vapor, lo que lo hacía el más rápido del mundo. En una sola palabra, era el “Papá” de los buques de guerra ingleses. Su sola presencia imponía respeto y miedo en las demás armadas europeas.

Acorazado HMS Dreadnought

Todo se puso en marcha para recibir al sultán con una ceremonia acorde a su rango, pero a último momento se dieron cuenta de que no tenían las partituras musicales del himno de Abisinia (ahora Etiopía). El vicealmirante no se hizo problema, ordenó ensayar el himno de Zanzíbar; a la final era la colonia que más cerca estaba de Abisinia. En el buque todos trabajaban como hormigas, sacaban brillo a los cañones y enceraban los pasillos, se mandó a preparar un banquete, arreglaron el salón principal y se puso la larga, muy larga alfombra roja que se utilizaba para recibir a la realeza. En menos de dos horas, todo estaba listo y a punto. El vicealmirante May envió una comitiva a la estación de tren para recibir al sultán, que llegaría de un momento a otro desde la estación de Paddington, Londres.

En Londres era un día típico de febrero, nublado. En el número 14 de la calle Fitzroy Square (del barrio de Bloomsbury obviamente), la señorita Virginia Stephen se pegaba unos bigotes postizos con barba sobre la cara pintada de negro con pomada. Anthony Buxton y Guy Ridley –también disfrazados- le acomodaban el turbante y se reían nerviosos imaginando las probables consecuencias. Adrian, el hermano de Virginia, elegía un sombrero para disfrazarse, él iba a oficiar de intérprete. Como no encontró diccionarios en abisinio se inventó un idioma que era una mezcla de swahili con citas en griego y latín de Homero y Virgilio. En la sala de la casa, Duncan Grant se quejaba del tamaño de su túnica, mientras Horace Cole, el autor intelectual, ensayaba su papel de canciller de Abisinia con mucha soltura. Finalmente Vanessa, la hermana de Virginia les tomó una fotografía y salieron a la calle. Tomaron un taxi hasta la estación de Paddington, y luego subieron a un tren que los llevó la bahía de Weymouth.

De izquierda a derecha: Virginia Woolf (travestida y con barba), Duncan Grant, Adrian Stephen, Antony Buxton, Guy Ridley y Horace de Vere Cole.

Una pequeña embarcación los transportó al gran buque de guerra. Saludaron al vicealmirante May mientras la banda del acorazado tocaba el Himno Nacional de Zanzíbar, que ellos agradecieron en su lenguaje mezclado de latín y de griego. Virginia también dijo "bunga-bunga" un par de ocasiones, lo que casi daña el plan ya que sus amigos apenas podían contener la risa.

El vicealmirante May anunció que cumpliendo con el protocolo se lanzarían las veintiún salvas de rigor para honrarlos, pero ellos se negaron aduciendo razones religiosas. Mientras pasaban revista a las tropas empezó a llover levemente. Adrian Stephen se dio cuenta de que el bigote postizo de Duncan Grant empezaba a desprenderse y le explicó al vicealmirante que preferirían entrar al barco porque el frío y la lluvia no eran habituales en Abisinia y el sultán y su corte podían enfermarse. También pidieron alfombras de oración y ofrecieron unas falsas condecoraciones militares a algunos de los oficiales.

Aquí podemos ver a Virginia sentada al extremo izquierdo junto a sus amigos, dentro del barco

Fueron prudentes y no aceptaron pasar al comedor para el banquete (que ya estaba listo), por el miedo a ser descubiertos. Bastante suerte habían tenido ya hasta ese momento. Se despidieron muy cortésmente y bajo las solemnes notas el "God save the queen", el grupo de amigos fue descendiendo a la pequeña embarcación, desde donde fueron escoltados a la estación del tren que los llevó de regreso a Londres.

La inocentada había salido a la perfección, pero algo tan sublime carecía de gloria si nadie más lo sabía. El mundo tenía que enterarse de lo ocurrido, y Horace Cole fue el encargado de eso. Fue al Daily Mirror y lo contó todo.

Primera plana del Daily Mirror

La noticia en los diarios publicaba la foto que el grupo de amigos se había sacado antes de tomar el taxi. El famoso “bunga-bunga” de la entonces desconocida Virginia Woolf se hizo tan popular en Inglaterra, que el vicealmirante May no podía pisar tierra firme porque los chicos de las calles de Weymouth lo seguían al grito de ¡bunga-bunga! El bunga-bunga se llegó a cantar en los music-halls. Todas las caricaturas de la prensa, especialmente del Times y del Mirror se hacían eco del bunga-bunga.

El barco insigne del Imperio Británico había sido vejado, y la cuestión se debatió por supuesto en el Parlamento, mientras que el Almirantazgo se negaba a creer que los bromistas hubiesen puesto en jaque a una institución tan importante. Por otro lado, la prensa llamaba la atención sobre la fragilidad de los servicios de inteligencia del Imperio. La Camara de Lords exigía castigar a los culpables, pero por suerte, este era ya un nuevo siglo, algo más tolerante.

Hasta el siglo XIX en el Imperio británico no se aceptaban bromas pesadas. En tiempos de la Reina Victoria eso no pasaba, se declaraba locos a los bromistas inoportunos o se los enviaba a Australia. Recuerden lo que le pasó a un joven llamado Jones por robarse los calzones de la reina. Pero esa reina ya había muerto, y con ella su formalidad. Ahora todo era diferente. Cuando el Parlamento se enteró de la inocentada, nadie habló de locura, era obvio que sólo se trataba de una juventud corrupta y aburrida.

Dos años después, Virginia se casó con Leonard Woolf.

Virginia y Leonard Woolf el día de si matrimonio. El 23 de julio de 1912

Mucho después y poco antes de suicidarse, Virginia Woolf dijo en una conferencia: "Supimos que una consecuencia de la broma fue la revisión del reglamento para hacer más estrictas las normas de seguridad"; y agregó con esa ironía que la caracterizaba: "Me alegra pensar que he sido útil a mi patria".

Fuentes y referencias:
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Pauline Bonaparte, la mujer ardiente

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 26 Mar 2012 06:52:00 +0000

«Después, cuando le preguntaban: “¿cómo pudiste posar desnuda siendo la hermana del Emperador?”, ella tranquilamente respondía: "¿y por qué no?, no hacía frío, y ese estudio era caliente como el infierno."»

Es verdad aquello de que sería maravilloso poder elegir a nuestros familiares, pero a todos los mortales nos toca chantarnos, aguantarnos -con buena o mala cara- lo que el destino nos deparó, y eso lo supo Napoleón Bonaparte mejor que nadie. Tuvo hermanos codiciosos a los que colocó en tronos europeos que a la final terminaron siendo títeres de sus enemigos. De todos sus hermanos, Pauline era su favorita y en reciprocidad, fue ella la que lo acompañó y apoyó hasta el final, hasta en el destierro.

Maria Pauline Buonaparte nació el 20 de octubre de 1780 en la Isla de Córcega, pero fue más conocida como Paoletta. Esto se debe a que todos los Bonaparte utilizaron las versiones francesas de sus nombres cuando se mudaron al continente. Era la sexta hija (segunda mujer) de Carlo Buonaparte y su esposa Letizia. Tenía apenas cinco años cuando su padre murió y José, su hermano mayor, se convirtió en jefe de la familia, pero fue Napoleón quien forjó la fortuna de la familia durante su ascenso al poder, primero como General del ejército francés, luego como Primer Cónsul y finalmente como Emperador.

Su infancia, como la mayoría de sus hermanos, la vivió en su isla natal, donde recibió algo de educación formal hasta los trece años, edad en la junto a su familia tuvo que huir en medio de la noche a Marsella.

Pauline Bonaparte

Pauline era la bella de la familia, tenía una figura exuberante y un rostro diáfano y simétrico que le atrajo legiones de admiradores, lo cual siempre fue causa de preocupación de su madre y hermanos. Cuando Pauline tenía dieciséis años, se enamoró de Stanislas Fréron, que para esa época tenía cuarenta años de edad y una amplia reputación de mujeriego. Después de que su madre y hermanos le hicieron ver lo nocivo de aquella relación, su hermano Napoleón la agarró en delito fragante con Víctor Emmanuel Leclerc detrás del biombo de su oficina. Por supuesto, los obligó a casarse.

Víctor Leclerc a sus 24 años era general del ejército de Napoleón y uno de sus hombres más fieles. Admiraba tanto a Bonaparte, que no sólo vestía como él, sino que también imitaba su forma de andar. Se casaron el 14 de junio de 1797, y aunque Paulina –ahora de 17 años- albergaba ciertos sentimientos hacia su marido, al poco tiempo dejó de serle fiel. Era vox populi que tenía una gran afición hacia los soldados rasos. Un año más tarde dio a luz a su único hijo, un varón al que Napoleón insistió en bautizarlo como Dermide, debido a un personaje de algún poema que le gustaba.

General Leclerc y Pauline Bonaparte

A Leclerc le fue confiado el mando del ejército francés en Haití, donde un soldado negro rebelde junto al médico de la población, habían logrado derrocar no sólo a los colonos franceses e ingleses, sino también liberar a los esclavos (en un inicio con la aprobación de Napoleón). Sin embargo, ahora el negro Toussaint Louverture (así se llamaba) se había convertido en un problema, se había autonombrado Gobernador de la isla, declarando que él era el Bonaparte de Santo Domingo.

Bueno, el asunto es que Napoleón quería que su cuñado vaya y someta a Toussaint, lo encarcele, y que la esclavitud sea restablecida en la colonia. Cuando Pauline se enteró del viaje que le esperaba junto a su marido -a un lugar tan poco glamoroso-, tuvo un ataque de histeria y tuvo que ser llevada por la fuerza a la nave. Llegaron a Haití en 1801. Una vez ahí sin embargo, Paulina se dio cuenta de que la sociedad no era tan provinciana como ella había pensado. Encontró bailes y fiestas de sociedad en la pequeña isla, donde aparte de los franceses también convivía una pequeña aristocracia inglesa y española.

El rebelde haitiano Toussanit Louverture, según un grabado de 1802

El clima, los ritmos exóticos y el ambiente caribeño devolvieron a Pauline su vitalidad, su picardía, y ella volvió por sus fueros, involucrándose principalmente con soldados de bajo rango y oficiales. Sin embargo, cuando la isla fue golpeada por la fiebre amarilla, se reconoce que Pauline cumplió una gran labor sumándose a las brigadas de atención a los enfermos. Lastimosamente su esposo, el joven General Leclerc fue uno de los muchos que murieron con la epidemia. Pauline estaba desolada, se cortó su larga cabellera y la depositó junto al cuerpo de su marido en el ataúd, tras lo cual regresó con su pequeño hijo a Francia.

El duelo y la pena de Pauline no duraron mucho, ya que llegando a Europa retomó sus ardientes hábitos. Y ahora no sólo se limitaba a disfrutar de sus apetitos físicos y carnales, sino que también sacó a relucir su lado materialista. Compró lotes de ropa y de la mejor, más de la que podría usar el resto de su vida a un vestido diario. Pasaba de fiesta en fiesta y siempre hasta el final, una mujer de afterparty, pero su reciente viudez y comportamiento provocaron una oleada de rumores entre las clases altas francesas. Llevaba vestidos tan transparentes que uno podía ver la perfección de su cuerpo a través de la tela. Era impulsiva y coqueta, pero así mismo carecía de instinto maternal. Cuando su hijo murió a la edad de ocho años, Pauline no estaba a su lado. Napoleón trató de ocultar este hecho, siempre quiso vender una mejor imagen de su hermana, pero su comportamiento no ayudaba. Ella prefería seguir con su rutina de belleza que incluía una bañera diaria de leche mezclada con agua, a la cual adjudicaba la suavidad de su piel y lozanía de su rostro.

Generalmente era asistida en la bañera por un sirviente negro llamado Pablo. Cuando alguien le hacía notar que esa compañía era impropia en un momento tan íntimo como el baño diario, la hermana del Emperador pronunciaba la frasecita tristemente célebre: "un negro no es un hombre". De todas formas, hizo que Pablo fuese también acompañado por otro de sus sirvientes blancos, para de esa forma dar a su baño una apariencia más respetable.

Pauline tenía la costumbre de recibir a sus invitados masculinos mientras descansaba dentro de su bañera. Cuando salía de ella podía pasar horas con sus invitados vistiendo solamente una camisa, un poco de labial, el pelo recogido y el perfume elegido.

Pauline Bonaparte

A diferencia de los otros hermanos de Napoleón, Pauline no era muy ambiciosa en eso de los títulos y tampoco quería un reino para gobernar. En ese sentido, Napoleón la trató espléndidamente, como a todos sus hermanos. Cuando le regaló el ducado de Guantalla (con tierra y habitantes), ella más práctica e inteligente se lo vendió al Reino de Parma por seis millones de francos, sin embargo conservó para sí el título de Princesa de Guantalla.

Para agosto de 1803 habían pasado apenas ocho meses desde la muerte de su primer marido, pero Pauline ya se estaba casando con el príncipe Camilo Borghese. Napoleón estaba horrorizado al ver que su hermana se casaba tan pronto, pero Borghese era uno de los hombres más ricos de Italia, con una de las colecciones de diamantes más hermosa del mundo y por supuesto, dueño de la Villa Borghese. El matrimonio le dotaba a Pauline de 800.000 francos, la propiedad de parte de la Villa Borghese, joyas de la colección de la familia y dos carruajes personales entre otras chucherías. Pero no tardó mucho tiempo en desilusionarse de su marido. Ya sabemos, la vida de los reyes y poderosos siempre ha sido la carroña del pueblo, y empezaron a regarse rumores de que Camilo, como todo buen romano era homosexual, mientras que otros decían que no dio la talla a Pauline, mujer acostumbrada a hombres mejor dotados, no precisamente en lo económico. También había algo de fondo, y era que a ella no le gustaba para nada la sociedad romana, sencillamente amaba Francia. Antes de volverse a su patria e ignorando las protestas de su esposo, pasó brevemente por Florencia, donde encargó que le tallara dos estatuas de sí misma al escultor Antonio Canova, el tallador más famoso de Italia en aquella época.

Su segundo esposo, el Príncipe Camilo Borghese

Canova ya había hecho varios trabajos para Napoleón, así que esculpir a la hermana favorita del emperador le era muy natural, hasta que Pauline decidió posar desnuda, lo que conmocionó al escultor, cuyas manos dicen, temblaban cuando aplicaba la arcilla sobre su cuerpo. Después, cuando le preguntaban que “cómo pudo posar desnuda”, ella respondía: "¿y por qué no?, no hacía frío, ese estudio era caliente como el infierno".

La estatua de Pauline llamada Venus Victrix avergonzó tanto a su marido, que la hizo esconder en un desván donde nadie pudiese verla, pero la vida es irónica y muchas veces se nos ríe en la cara: fue encontrada en las bodegas de la casona y puesta en exhibición permanente en la Villa Borghese de Roma, donde ahora todo el mundo puede contemplar la desnudez de su esposa.

Paulina Bonaparte tallada por Antonio Canova

Según algunos historiadores, la promiscuidad le pasó factura a la bella Pauline porque se dice sufría de una enfermedad venérea que temporalmente la convertía en ninfómana, lo cual evidentemente es un mito. Lo que sí es cierto es que ella tuvo varios amantes, a los cuales acudía por su constante necesidad de sexo. Uno de los afortunados fue el pintor e intelectual Nicolás de Forbin, un artista venido a menos y que pintaba para poder comer, a quien Pauline le cambió la vida haciéndole su chambelán. Curiosamente era más conocido por estar bien dotado que por sus cuadros. También una época tuvo de favorito al violinista Blangini, al que dejó de lado por su colega Nicolo Paganini, y después a Jules de Canouville, jefe de personal de Napoleón. En un desesperado esfuerzo por proteger su reputación, Napoleón adoptó la tendencia de enviar lejos a sus amantes militares, al frente de batalla, de donde nunca regresaban.

Napoleón vencido, derrotado

Cuando Napoleón perdió el poder, Pauline le demostró que a pesar de sus excesos y defectos, siempre fue una buena hermana. Liquidó todos sus bienes en dinero en efectivo (vendió su casa al duque de Wellington, que quedó encantado con ella), y se trasladó a Elba, uniéndose a su hermano en el exilio. Ella fue la única hermana que lo apoyó. Su hermana Caroline, a quien Napoleón había hecho reina de Nápoles, intrigó a su marido para volverse en contra de su hermano. Pauline en cambio utilizó su dinero para mejorar las condiciones de Napoleón en la isla. Organizó grandes fiestas y bailes para los habitantes, y se puso los vestidos más bonitos para agradar a su hermano. Bonaparte, a pesar de que amaba a su hermana, encontró su presencia particularmente difícil al poco tiempo. Sin embargo, cuando el corso decidió regresar a Francia para recuperar su poder, no tuvo más apoyo que el de Pauline. Antes de iniciar su campaña final, ella le hizo entrega de los diamantes Borghese que valían una fortuna. Cuando Napoleón fue capturado después de Waterloo, las piedras preciosas fueron encontradas en su coche.

Napoleón en Waterloo

Después de Waterloo vino el exilio final de Napoleón en Santa Elena, mientras tanto, Pauline regresó a Roma con los bolsillos vacíos, donde gozó de la protección del Papa Pío VII, que alguna vez fue prisionero de su hermano. Vivió en un chalet llamado Villa Pauline, totalmente decorado con un marcado estilo faraónico, obviamente resultado de la campaña de su hermano en Egipto. Siguió preocupada por su hermano, escribiendo decenas de cartas a dignatarios extranjeros, tratando de obtener las mejores condiciones para el exilio de su hermano, a donde tenía previsto ir a visitarlo. Desafortunadamente una serie de enfermedades no le permitió cumplir su deseo. Cuando murió Napoleón en 1821, Pauline lloró lágrimas amargas.

A pesar de que su marido se había mudado a Florencia hace más de diez años (donde tenía una amante) y había declarado públicamente que quería divorciarse de ella, Pauline logró persuadir al Papa para que la reconcilie con su marido tres meses antes de su muerte en 1825. Pauline tenía apenas 44 años.

La leyenda cuenta que antes de que exhalara su último aliento, le pidió un espejo a un sirviente, se miró a sí misma y sonrió. "No le temo a la muerte", dijo. "Soy todavía hermosa". Murió puesta su mejor vestido, y en la extremaunción pidió ser enterrada con el resto de la familia Borghese.
Se puede escribir mucho acerca de Pauline Bonaparte, de lo que fue y de lo que la gente decía que era, pero no podemos olvidar que fue la única hermana recíproca con Napoleón, que fue el hombre que sacó a su familia de una isla y la instaló en la nobleza.

Fuentes y referencias:
Las mujeres de Napoleón de Christopher Hibbert
1, 2, 3, 4, 5, 6

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El rescate pagado más caro de la historia

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 13 Mar 2012 08:23:00 +0000

Ubiquémonos en el Mar Egeo en el año 78 antes de nuestra era. El desenlace de esta anécdota bien pudo influir en el curso de la historia que conocemos y de sus civilizaciones. En aquel año, cierto joven aristócrata romano fue expulsado de Italia por el dictador Lucio Sila, por haberse aliado a las huestes de su más enconado rival. Mientras duraba su destierro, este ambicioso joven había decidido perfeccionarse en el arte de la Oratoria y la Elocuencia, en la academia del afamado profesor Apolonio Molo. Por esta razón navegaba hacia la Isla de Rodas.

Mientras el buque costeaba la isla de Farmacusa, a la altura de las rocosas riberas de Caria, se percataron de que algunas embarcaciones de forma alargada y baja (evidentemente piratas turcos) se aproximaban hacia ellos. Los extraños se acercaban a gran velocidad y para colmo, el barco romano era lento y la brisa no ayudaba. No tenían más remedio que resignarse y así lo hicieron, la nave romana esperó pacientemente el abordaje de las canoas piratas y al poco tiempo, su cubierta estaba ya tomada por aquellos bárbaros de piel tostada por el sol.

Piratas listos para el abordaje

El jefe de los piratas lanzó una mirada circular sobre los asustados pasajeros e inmediatamente llamó su atención un joven aristócrata, vestido elegantemente según la última moda de Roma, y que sentado en medio de sus sirvientes y esclavos, se entregaba tranquilamente a la lectura. Avanzando hacia él, el pirata le preguntó quién era, pero el altivo muchacho, lanzándole una mirada desdeñosa, continuó leyendo. El pirata, enfurecido, se dirigió entonces a uno de los compañeros del noble romano, el cual le reveló el nombre de su prisionero: era Cayo Julio César.

Se planteó la cuestión del rescate. El pirata deseaba saber la suma que Julio César aceptaba pagar por recobrar su propia libertad y la de sus criados. Como el romano no se dignó siquiera en contestar, el capitán se volvió hacia su ayudante pidiéndole su opinión acerca del valor por el que tasaba al grupo. Este "experto", después de examinarlos detenidamente uno por uno, estimó que diez talentos serían una suma razonable.
El capitán pirata, irritado por el aire de superioridad del joven aristócrata, le cortó la palabra, diciendo:
- Pues bien, voy a doblarla. Veinte talentos: éste es mi precio.
Esta vez, César abrió la boca. Frunciendo el ceño, declaró:
- ¿Veinte? Si conocieses bien tu oficio, te darías cuenta de que valgo cuando menos cincuenta.
El pirata se sorprendió. Nunca había tenido un prisionero que se creía lo bastante importante para pagar de buen grado un rescate tan cuantioso. Era una cantidad enorme. La razón de su arrogancia seguramente se debía al hecho de que estaba emparentado con algunos de los hombres más influyentes de su época, y su suegro era de uno de los más grandes políticos y militares.

Aclaremos. El talento era una medida monetaria que equivalía aproximadamente a 26 Kg (de oro en este caso), calculen por 50 talentos, nos da una cifra aproximada a 1300 Kg del precioso metal. La cotización actual del lingote de un kilo alcanza los $ 240.000 dólares en el mercado. Eso nos da la referencia de que un talento de oro al cambio actual, superaría los seis millones de dólares. Imagínesen eso multiplicado por 50. Era una cifra realmente obscena.
Para que tengan una mejor idea de la cantidad, recordemos que Roma "El Imperio", exigió a Cartago (otro imperio) como indemnización por daños de guerra apenas diez mil talentos.

Sitio aproximado donde los piratas los abordaron, actualmente es el sudeste de Turquía

Siguiendo con el relato, el pirata le tomó la palabra a Julio Cesar, luego lo hizo arrojar a una de las embarcaciones junto con los demás cautivos, y los llevaron a una de sus guaridas rocosas hasta esperar el regreso de los emisarios y negociadores que ambos enviaron a Roma para reunir el rescate.

César y sus compañeros fueron alojados en algunas chozas de una aldea ocupada por los piratas. El joven romano pasaba el tiempo entregándose cada día a ejercicios físicos: corría, saltaba, lanzaba piedras gruesas, compitiendo a menudo con sus raptores. En sus horas menos activas, escribía poemas o bien componía discursos. Caída la noche, se reunía frecuentemente con los piratas en torno al fuego, ensayando con ellos el efecto de sus versos o de su elocuencia. Los piratas, según lo relata el historiador Plutarco, tenían una opinión muy desfavorable sobre los modales de su secuestrado y se la manifestaban sin ninguna delicadeza. Debía ser una vida extraña para el joven, que también era descrito por el dictador Lucio Sila, como "un muchacho con faldas". Por aquel entonces César tenía apenas 22 años.

Las famosas tertulias nocturnas donde los piratas se burlaban de César y su ambigüedad sexual

Como un auténtico romano, no solamente despreciaba a sus captores por sus modales groseros y su falta de educación, sino que también les reprochaba sus defectos. De hecho, tuvo un inmenso placer al describirles lo que les sucedería si alguna vez la pandilla cayese entre sus manos, prometiéndoles que sería magnánimo con ellos y solamente les haría crucificar a todos. Los piratas obviamente se reían de buena gana al escuchar sus amenazas, y se burlaban por su manera de actuar y comportarse tan poco varonil, casi afeminado; de hecho lo miraban con una especie de respetuosa condescendencia. Cierta noche en que los piratas se quedaron hasta altas horas emborrachándose en torno al fuego y haciendo más bulla que la habitual, el exigente prisionero mandó a uno de sus criados a notificar al capitán su deseo de que hiciera callar a quienes estorbaban su reposo. Su demanda fue respetada: el jefe ordenó a su tripulación que cesara el alboroto.

Por fin, al cabo de treinta y ocho días, regresaron los negociadores con la noticia de que el rescate de cincuenta talentos acababa de ser depositado en manos del legado Valerio Torcuato, y César con sus compañeros fueron embarcados a bordo de un buque y enviados a Mileto. Reunir una suma tan considerable había tomado un tiempo más largo de lo que se creía, pues el Emperador Sila, después de haber desterrado a César, había confiscado todos sus bienes y también los de su esposa Cornelia. De haberlo sabido antes, seguro se hubiera dado un poco menos de importancia.

Al llegar a Mileto el rescate fue entregado a los piratas, y por su parte César pisó tierra deseoso de ejecutar en el acto su venganza. Pidió prestado a Valerio cuatro galeras de guerra y quinientos soldados, y casi tras ellos se puso en marcha hacia Farmacusa. Al llegar allí encontró, tal como había esperado, a toda la pandilla embriagada celebrando el pago del rescate.

Piratas festejando

Fueron sorprendidos indefensos y no opusieron resistencia. Casi todos se entregaron, salvo unos pocos que lograron huir. César ahora tenía cerca de trescientos cincuenta prisioneros y la satisfacción de recuperar sus cincuenta talentos. Después de embarcar a los delincuentes en las galeras, hizo hundir todos los navíos piratas; luego alzó velas y se dirigió hacia Pérgamo. Recuerden que no podía volver a Roma.

En Pérgamo hizo encerrar a sus prisioneros en una fortaleza y se fue a hablar con el pretor (gobernador) Marco Junio. Le contó someramente lo que le había sucedido y le pidió una carta con su autorización para ejecutar a los piratas o por lo menos a sus jefes. Al pretor Marco Junio no le gustaba a actitud de aquel joven autoritario que quería hacer justicia con su propia mano. Había, además, otras consideraciones. El sistema según el cual los mercaderes pagaban tributo a los piratas a cambio de su inmunidad, era prácticamente sagrado. Era una vieja costumbre que después de todo no funcionaba tan mal. Si el pretor accedía a los deseos de César, los sucesores de los piratas, extranjeros siempre, se volverían más bárbaros de lo que habían sido con él.

Junio además, era un pretor astuto y corrupto. Enseguida se dio cuenta de que aquella pandilla de piratas era rica y sabía que podía sacar una tajada de ellos, a manera de gratitud, si éste ejerciese un decreto de clemencia devolviéndoles la libertad. Le dijo a César que el mismo se ocuparía del asunto y que pronto le informaría de su decisión. César que no era ningún tonto, lo comprendió y se le adelantó.

Se despidió del gobernador y fue enseguida a donde los tenía encerrados. Por autoridad propia (es probable que la nueva situación en Roma fuera ignorada en las provincias), hizo ejecutar en la prisión a los piratas, eligiendo a treinta de los cabecillas para la crucifixión que les había prometido. Cuando los escogidos aparecieron ante él cargados de cadenas, César les recordó su promesa, pero añadió que queriendo mostrarse agradecido por las bondades que tuvieron para con él, iba a concederles un supremo favor: antes de ser crucificados, serían degollados.

Arreglado el asunto, César prosiguió su viaje –interrumpido por este percance- y entró, tal como lo había deseado, a la excelente escuela de arte oratorio de Apolonio Molo. Sobra decir que a partir de entonces, nadie volvió a poner en duda su palabra.

Así fue forjando su carácter y liderazgo, hasta que tres décadas más tarde, César y su ejército entrarían victoriosos en Roma donde se auto proclamó Emperador Vitalicio, pero esa es ya otra historia que algún momento les contaré.

Fuentes y referencias:
Historia de la Piratería, Gosse Philip
En la web: 1, 2, 3, 4, 5

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La roca detrás del genio, la mujer de piedra.

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 06 Mar 2012 07:28:00 +0000

"Hace poco hemos terminado un trabajo muy importante que hará mundialmente famoso a mi marido". Cuando se le preguntaba a Mileva Maric por qué no firmaba los artículos que elaboraba junto a su esposo, su respuesta era: "Wir sind ein Stein!" (Somos Einstein), que en alemán significa "somos una piedra".

Mileva Maric y Albert Einstein se conocieron en la Universidad Politécnica de Zurich a finales del siglo XIX. Maric era la única mujer que estudiaba matemáticas y física en aquella universidad. En 1896 iniciaron una relación sentimental y Einstein estaba fascinado por la intensa colaboración intelectual que recibía de parte de su compañera serbia. A la única persona que disgustaba aquella relación era a la madre del genio, una alemana misógina y xenófoba, que nunca vio con buenos ojos a la serbia: “Ella es un libro igual que tú, pero lo que tú necesitas es una mujer. Cuando tengas 30 años, ella será una vieja bruja”.

Mileva Maric y Alberto Einstein a finales del siglo XIX

Como sea, la pareja estaba flechada porque ambos hablaban el mismo lenguaje: ella le dio clases de matemáticas (que nunca fueron el fuerte de Einstein), preparaban juntos sus exámenes y compartían el mismo interés por la ciencia y por la música. Einstein le escribió en 1900: “Estoy solo con todo el mundo, salvo contigo. Qué feliz soy por haberte encontrado a ti, alguien igual a mí en todos los aspectos, tan fuerte y autónoma como yo”.

En 1902, Einstein se trasladó a la ciudad de Berna, Suiza, donde consiguió empleo en una oficina de patentes. Tras cinco años de convivencia Albert y Mileva terminaron casándose a comienzos de 1903 y tuvieron su primer hijo al año siguiente. En sus ratos libres, Einstein desarrolló, entre otras cosas, la Teoría de la relatividad especial que habría de revolucionar la física moderna. Los frutos de su trabajo fueron publicados en 1905, en la -en aquel entonces- prestigiosa revista Annalen der Physik.

Un ejemplar de "Anales de la Física"

Cuando se le preguntaba a Mileva por qué no firmaba los artículos que elaboraba junto a su esposo, su respuesta era: "Wir sind ein Stein!" (Somos Einstein), que en alemán significa “somos una piedra”.

Esta es más o menos la historia oficial, la que todos sabemos; pero se puede ahondar un poco más en la vida privada del genio, en sus inicios y sobre todo, en la relación con su primera esposa.

Aunque Mileva fue una sobresaliente matemática, nunca terminó formalmente sus estudios, en cambio Albert pudo defender su tesis doctoral en 1905. Para 1908, Einstein consiguió finalmente un puesto de profesor en la Universidad de Berna. En cuanto a Mileva, el matrimonio la obligó a abandonar definitivamente la universidad y la física.

Existen varias cartas del noviazgo en las que Einstein debate con ella sus ideas de la relatividad e inclusive se refiere a “nuestra teoría” y le da un trato de colega. A partir de estas evidencias hay estudiosos que concluyen que las ideas fundamentales de la teoría de la relatividad fueron de Mileva Maric, quien no pudo continuar con su carrera puesto que se hizo cargo del cuidado de los hijos, uno con retraso mental, lo que desde luego le exigió más cuidados maternales. Incluso ahora se sabe que engendraron una niña en 1902, antes de casarse, de la cual se sabe muy poco, sólo que la entregaron en adopción.

Mientras ella cuidaba de sus hijos y renunciaba a la ciencia, Einstein desde su puesto académico tuvo el tiempo suficiente para concluir sus estudios y desde luego para desarrollar la teoría, de la que se sabe ahora, no todo el crédito era suyo. En esa pareja de físicos alguien tenía que cuidar a los niños, alguien tenía que lavar y preparar la comida; y ése fue el papel que Einstein y la sociedad patriarcal asignaron a Mileva, quien subordinó todas sus aspiraciones a los objetivos de su esposo y puso todos sus conocimientos a su servicio.

Mileva Maric y sus hijos, Albert y Eduardo

"Mi gran Albert ha llegado a ser célebre, físico respetado por los expertos que se entusiasman por él. Trabaja incansablemente en sus problemas. Puedo decir que sólo para eso vive. Tengo que admitir, no sin vergüenza, que para él somos secundarios y poco importantes", escribía Mileva a unos amigos. Einstein a su vez admitía: "Nuestra vida en común se ha vuelto imposible, hasta deprimente, aunque no sé decir por qué".

Con el paso del tiempo la relación se tornó disfuncional. Ella ya no le resultaba divertida y tampoco le aportaba nuevas ideas ni conocimientos. Las “Reglas de conducta” que Albert Einstein le impuso por escrito en 1914 son una cruda muestra de su autoritarismo y, a su vez, del machismo y violencia sicológica que ejerció en contra de Mileva:

“A. Te encargarás de que:

mi ropa esté en orden,
que se me sirvan tres comidas regulares al día en mi habitación,
que mi dormitorio y mi estudio estén siempre en orden y que mi escritorio no sea tocado por nadie, excepto yo.

B. Renunciarás a tus relaciones personales conmigo, excepto cuando éstas se requieran por apariencias sociales. En especial no solicitarás que:

me siente junto a ti en casa,
que salga o viaje contigo.

C. Prometerás explícitamente observar los siguientes puntos cuanto estés en contacto conmigo:

no deberás esperar ninguna muestra de afecto mía ni me reprocharás por ello,
deberás responder de inmediato cuando te hable,
deberás abandonar de inmediato el dormitorio o el estudio y sin protestar cuanto te lo diga.

D. Prometerás no denigrarme a los ojos de los niños, ya sea de palabra o de hecho.”

Con este tipo de imposiciones obviamente que las cosas no funcionarían nunca, por lo que los Einstein terminaron separándose en 1914. Einstein volvió a casarse en 1915 con una de sus primas, Elsa Einstein, quien también era divorciada y tenía dos hijas. Esta nueva relación marital fue como un necesario soplo de vida para el aún desconocido físico, ya que apenas un año después y con una inusual lucidez y energía dio a conocer su famosa Teoría General de la Relatividad.

Elsa Einstein, prima y segunda esposa del genio

Elsa fue la mujer sumisa que Einstein buscaba. En silencio y total sumisión supo mantenerse a prudente distancia, dedicada al hogar y facilitándole el trabajo de investigación. Su doméstica obediencia dio un paso más cuando aceptó organizarle la agenda y restringirle el número de visitantes que aspiraban hablar con él, a medida que crecía su fama.

De los hechos se desprende que Einstein nunca necesitó una esposa sino una secretaria, y que no quiso formar una pareja científica ni conceder crédito alguno en su teoría a su ex esposa Mileva. Quizá por eso, de alguna manera le pagó por su aporte, al otorgarle el dinero que ganó por el Premio Nobel de Física.

Un detalle bastante revelador aportado por la feminista alemana Senta Trömel-Plözt es que, cuando Albert y Mileva se separaron oficialmente en 1919, el documento del divorcio incluyó una cláusula de que, en caso de recibir Einstein algún premio por los artículos publicados en 1905 en los Annalen der Physik, debía entregárselo íntegramente a Mileva. ¿Tenía la esperanza Mileva que ese trabajo revolucionaría al mundo? ¿Cómo pudo saberlo si no fue parte del mismo? Fue en los años de su vida conjunta, hasta 1914, cuando nacieron las obras más importantes de Einstein, por lo que algunos creen que el papel de su mujer era significativo, sobre todo en matemáticas, materia en la que alguna vez brilló en su Facultad.

Mileva Maric

Y fue así que en 1921 Albert Einstein ganó el Nobel de Física por sus publicaciones de 1905, y un año después le entregó la totalidad del dinero del premio a su ex-esposa. Y también hay que decirlo: Einstein era un misógino empedernido. Estaba convencido de que “muy pocas mujeres son creativas. No enviaría a mi hija a estudiar física. Estoy contento de que mi segunda mujer no sepa nada de ciencia”. Decía también que “la ciencia agría a las mujeres”, de ahí la opinión que tenía de Marie Curie: “nunca ha escuchado cantar a los pájaros”. Aun así, dentro de ese machismo recalcitrante, fue quien acuñó la célebre frase: “¡Triste época la nuestra! Es más fácil desintegrar un átomo que un prejuicio”.

Mileva vivió hasta el último de sus días en Zúrich, en un apartamento con vista a la facultad en la que estudiaron juntos. El piso fue comprado justamente con el dinero del Premio Nobel.

Sirva este pequeño retrato de Mileva Maric como homenaje a esas miles, millones de abnegadas esposas y madres, que han sacrificado sus sueños, carreras e ideales, porque el instinto maternal y el amor han sido más fuertes que el estatus. Feliz Día de la Mujer.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6,
7, 8, 9, 10

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Las Cuatro Libertades Fundamentales

noreply@blogger.com (Carlos) — Fri, 24 Feb 2012 08:13:00 +0000

Para 1941 la Alemania Nazi ya había ocupado la mayor parte de Europa y Japón expandía su poder militar. Los Estados Unidos creyeron que era el momento de armarse, e hicieron bien, ya que ese mismo año los japoneses atacaron Pearl Harbor, obligándolos así a entrar en la guerra.

El 6 de enero de 1941, el Presidente de los Estados Unidos Franklin D. Roosevelt dio un famoso discurso ante el Congreso norteamericano. Se lo conoce como El Discurso de las Cuatro Libertades (Four Freedoms Speech). En el mismo, Roosevelt propuso como metas cuatro libertades fundamentales, que todas las personas y "en cualquier lugar del mundo" deberían disfrutar cuando culmine la guerra:

Libertad de expresión
Libertad de culto
Libres de miseria
Libres del temor

“Para un futuro, que tratamos de hacer seguro, anhelamos un mundo fundado en las cuatro libertades humanas esenciales:
-La primera es la libertad de palabra y expresión, en cualquier lugar del mundo.
-La segunda es la libertad de cada persona para adorar a Dios a su propio modo, en cualquier lugar del mundo.
-La tercera es la libertad frente a la miseria, que, traducida en términos mundiales, significa acuerdos económicos que aseguren a cada nación una vida saludable y en paz para todos sus habitantes, en cualquier lugar del mundo.
-La cuarta es la libertad frente al miedo, que significa una reducción mundial de armamento a tal punto y de manera tan profunda, que ninguna nación esté en situación de cometer un acto de agresión física contra ningún vecino, en cualquier lugar del mundo.
Esta no es la visión de un milenio lejano. Es una base concreta y alcanzable en nuestro propio tiempo y en nuestra generación.”
Franklin D. Roosevelt

Este discurso emocionó tanto al pintor e ilustrador Norman Rockwell que le sirvió de inspiración para crear una serie de cuatro pinturas, cada una de ellas representando cada una de las libertades proclamadas por Roosevelt, con la habilidad de traducir los conceptos abstractos de libertad en escenas idealizadas de la vida cotidiana americana, especialmente en las relativas a la libertad frente a la penuria (una abuela sirve el pavo de la cena del Día de Acción de Gracias) y a la libertad frente al miedo (una madre arropa a sus hijos acostados, mientras el padre los contempla, de pie junto a la cama.

Libertad de expresión

Libertad de culto

La Libertad de miseria implicaba que los gobiernos tenían que garantizar las necesidades básicas de los ciudadanos. La Libertad de temor pedía una reducción mundial de armamento para que ninguna nación pudiera amenazar a otra. Muchos conservadores y empresarios se opusieron a Roosevelt, creyendo que sus políticas eran desatinadas.

Libres de miseria

Libres del temor

Roosevelt destacó que pedía estas Cuatro Libertades no sólo para su país, sino para “todo el mundo”. Durante la Segunda Guerra Mundial continuó insistiendo en la implementación de estos ideales y en la creación de una Organización de Naciones para llevarlas a cabo. Es de esta manera y apoyando tan nobles objetivos, que la ONU es fundada el 24 de octubre de 1945 en San Francisco (California), inicialmente con 51 países, al finalizar la Segunda Guerra Mundial, quienes firmaron la Carta de las Naciones Unidas.

Tras la muerte de Franklin Roosevelt, su esposa y ex primera dama, Eleanor Roosevelt, encabezó el comité de la ONU que redactó la Declaración Universal de Derechos Humanos en 1948. Esta Declaración, un hito en la expansión de la libertad, amplió las ideas de las Cuatro Libertades. Las pinturas se encuentran actualmente en el Museo de Norman Rockwell en Stockbridge, Ma.

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La página más triste de Pushkin

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 08 Feb 2012 05:21:00 +0000

"La belleza de Natalia enseguida causó furor en la alta sociedad, y hasta el emperador Nicolás I fue uno de sus admiradores. Mientras tanto, y debido a su popularidad como escritor, Pushkin se veía obligado a pasar en Moscú más tiempo de lo que deseaba..."

Las confrontaciones físicas relacionadas con insultos o posicionamiento social se remontan a la prehistoria, pero el concepto de duelo formal en la sociedad occidental se originó en el duelo judicial de la Edad Media.

La iglesia lo condenaba, pero la sociedad no. De hecho, vencer en uno de ellos era reconocido como un acto de heroísmo y no como asesinato, y el estatus social del vencedor se veía incrementado. Hasta hace un par de siglos, el duelo establecía la respetabilidad de un caballero y era el medio aceptado para resolver disputas. En aquellas sociedades era sin duda una mejor (y más rápida) alternativa que otras formas de conflicto menos reguladas.

Con esos antecedentes, vamos a nuestra historia: Aleksandr Pushkin es considerado el poeta más grande de Rusia y el fundador de la literatura rusa moderna. Fue el primero que fusionó el lenguaje eslavo cotidiano con la vieja escuela rusa, con lo que su poesía cobró más fuerza y colorido.

Aleksandr Pushkin

Pushkin pertenecía a una familia aristocrática culta, distinguida y con un largo linaje, pero era pobre. Después de valerse de muchas amistades pudo ser aceptado en el Liceo Imperial, que era la escuela exclusiva para la nobleza. Se graduó en 1817 con excelentes notas, lo que lo hizo acreedor a una beca del Consejo de Relaciones Exteriores en San Petersburgo.

Los siguientes tres años que la pasó viajando y escribiendo sus experiencias. Se hizo conocido en las altas esferas y era bien recibido en los más altos círculos sociales y literarios. A pesar de este estilo de vida frívolo, Pushkin creía que su país necesitaba una reforma social. Llegó a ser asociado con otros aristócratas miembros de un movimiento radical, responsable de una sublevación en 1825, pero se dice que Pushkin nunca fue parte de ella. Sus escritos no se salvaron y fueron considerados revolucionarios, en especial "Oda a la Libertad", que enfureció particularmente al emperador Nicolás I, por lo que fue desterrado de San Petersburgo, que era entonces la más cosmopolita y aristócrata ciudad del Imperio Ruso.

Durante el exilio recorrió Ucrania dedicándose a las letras y al teatro, y fue allí en 1929, donde conoció a Natalia Goncharova, de quien se dice que fue la mujer más bella de Rusia. Fueron novios durante dos años, hasta que en 1831 recibió el perdón del emperador y decidieron casarse.

Natalia Goncharova

En octubre de 1831 Pushkin se trasladó a vivir nuevamente en San Petersburgo, donde fue muy bien recibido por sus amigos aristócratas. La belleza de Natalia enseguida causó furor en la alta sociedad, y hasta el zar Nicolás I llegó a ser uno de sus admiradores. Mientras tanto, y debido a su popularidad como escritor, Pushkin se veía obligado a pasar más tiempo en Moscú de lo que deseaba.

Tal era la belleza de Natalia, que el 30 de diciembre de 1833, Nicolás I invistió a la joven pareja como kammerjunker (cortesanos). Pushkin, que no era ningún tonto, se sintió profundamente ofendido porque además de serle inútil en términos literarios, sabía que el nombramiento era sólo una excusa para ver a su mujer en los frecuentes bailes de la corte. Por otro lado, tampoco podía darse el lujo para gastar lo poco que ganaba en vestidos para que Natalia los use en cada baile, ya que como todo escritor honesto, vivía al día.

Sus problemas aumentaron cuando Natalia llevó a sus dos hermanas solteras a vivir con ellos (buscar marido) en el otoño de 1834. Meses antes, Pushkin también se había hecho cargo de las deudas de su hermano sin comentárselo a su esposa. Su situación financiera se vio agravada por lo que solicitó un considerable préstamo para cubrir sus deudas más apremiantes, y tramitar el permiso para publicar una revista. En 1836 se le permitió publicar una revista literaria trimestral que no tuvo mayor éxito.

Tras cuernos, palos. Muchos críticos empezaron a referirse a las obras de Pushkin como anticuadas y en desuso, situación que lo sumió en una profunda depresión.

Para esto, su vida conyugal se había vuelto un tormento. En 1834 Natalia Pushkina conoció a un apuesto militar francés al servicio de su embajada. Su nombre era George d’Anthes.

George D'Anthes

D'Anthes conoció a Pushkin y a su esposa en uno de los tantos bailes de la Corte, y se volvió loco por la hermosa y coqueta "Natasha". El francés la cortejó con descaro, de tal manera que se hizo evidente y Pushkin llegó hasta a amenazarlo verbalmente.

D'Anthes no cesó es su empeño durante dos años, pero luego cambió de estrategia: se casó con una de las hermanas de Natalia (Ekaterina), el 10 de enero de 1837. Mucho se ha hablado sobre este matrimonio, se dice que fue arreglado para contrarrestar los chismes de la sociedad y para acercarse a Natalia. De todas formas no fue suficiente para terminar con las habladurías ni para reconciliar a los dos nuevos concuñados. De hecho, los Pushkin no asistieron al matrimonio.

Después de la boda, D'Anthes reanudó su persecución a Natalia aún con mayor intensidad y tanto fue el cántaro a la fuente que se rompió. Pushkin lo retó a duelo.

El duelo tuvo lugar el 27 de enero (dos semanas después de la boda). D'Anthes disparó primero, y Pushkin fue herido de muerte. Agonizante, Aleksandr fue llevado a su casa en trineo, perdiendo mucha sangre durante el trayecto. El doctor Arendt, cirujano personal de Nicolás I, tardó mucho en llegar y se limitó a darle calmantes en vez de extraerle la bala. El joven escritor ruso murió a los dos días.

Miles de personas de todos los niveles sociales asistieron a la casa de Pushkin para expresarle su simpatía y llorarlo. Ante el temor de una protesta pública por lo sucedido, las autoridades mintieron declarando que el funeral se celebraría en la Catedral de San Isaac en San Petersburgo, donde sólo se permitía entrar a la nobleza, sin embargo, el funeral se llevó a cabo en secreto un día antes de ser anunciado, y el cuerpo de Pushkin fue sacado de contrabando fuera de la capital en la oscuridad de la noche.

D'Anthes fue encarcelado en la Fortaleza de San Pedro y San Pablo en San Petersburgo porque el duelo era ilegal. Fue llamado a declarar en la corte, pero fue indultado por el emperador , temiendo empañar las relaciones con Francia. Eso sí, fue despojado de su rango y lo enviaron escoltado a la frontera. En Berlín se le unió su esposa y la pareja regresó a Francia, donde comenzó una exitosa carrera política: fue miembro de la Asamblea Nacional Constituyente y senador inamovible desde 1852 hasta 1870.

Monumento en Moscú a Aleksandr Pushkin y Natalia Goncharova

Después de la muerte del poeta se habló mucho de la relación de "Natasha" con Nicolás I, incluso se rumoreó que se convirtió en su amante. En 1844, y después de haber sido bendecida por el zar, la bella viuda se casó con un oficial allegado a la familia.

Fuentes y referencias:
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Cuando Oscar Wilde fue a la cárcel por sodomía

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 01 Feb 2012 10:23:00 +0000

A estas alturas no es ningún secreto la homosexualidad de Oscar Wilde, pero en la época Victoriana, en la que le tocó vivir, sus preferencias sexuales escandalizaron a Gran Bretaña. Más que nada porque era ya un escritor de renombre y quizá fue uno de los primeros intelectuales en sacar la cabeza del closet.

Oscar Wilde

Para entender la historia debo comentar que para su época, la época victoriana, Oscar Wilde llevaba un estilo de vida bastante licencioso. A pesar de estar casado con una aristócrata inglesa, Wilde era conocido en el bajo mundo londinense por su preferencia por los muchachos jóvenes, y por gastar grandes sumas de dinero dándoles regalos costosos a sus amantes masculinos, que por lo general, eran púberes prostitutos. Y no es que durante el día se cuidara más, sino que era más selectivo y discreto; trataba en algo de cuidar las formas y apariencias, vamos, que estaba casado y tenía dos hijos.

Bueno, a mediados de 1891 le presentaron a un estudiante de Oxford llamado Alfred Douglas alias “Bosie”, del cual se enamoró profundamente. Las biografías dicen que fue amor mutuo y a primera vista, pero claro, mantenido en el más absoluto secreto por ambos, tanto es así, que Oscar Wilde se dio el lujo de llevar a su casa a Bosie y presentárselo a su esposa, para evitar las sospechas obviamente.

Alfred Douglas "Bosie"

Alfred Douglas era otro aristócrata, su padre era el Marqués de Queensberry, un hombre ateo poco acostumbrado a que le llevaran la contraria.

El Marqués de Queensberry enseguida empezó a sospechar del nuevo amigo de su hijo y de la naturaleza de aquella relación. Aquí cabe destacar que el Marqués de Queensberry era un hombre a carta cabal, aficionado y promotor de peleas, de hecho a él debemos la creación de las reglas modernas del boxeo. ya pueden imaginarse.

Marqués de Queensberry, padre de Alfred Douglas

Queensberry acabó por perder la paciencia y se enfrentó con su hijo delante de Wilde. Les advirtió que no permitiría una relación entre ambos ni que el escritor, por más afamado que sea, descarrile a su hijo por la homosexualidad. Palabras más, palabras menos.

Alfred Douglas (izq) y Wilde

En vista de que su advertencia no surtió efecto, decidió tomar cartas en el asunto. En junio de 1894, casualmente dicen, encontró a Oscar Wilde en la calle y aclaró su postura:

"Yo no digo que sean, pero lo parece, y se comportan como tales, lo que es igual de malo. Pero lo único que te digo, es que si te pillo de nuevo con mi hijo en cualquier restaurante público te daré una paliza."

A lo que Wilde respondió: "No sé cuáles son las reglas de Queensberry, pero la regla de Oscar Wilde es disparar sin aviso". El conflicto se había desatado.

El Marqués de Queensberry, que lo había mandado a investigar, un día se plantó en Albemarle Club, un antro londinense que frecuentaba Wilde y le dejó una nota al portero en una de sus tarjetas personales: “A Oscar Wilde, que alardea de sodomita” (por cierto, con faltas de ortografía).

Tarjeta personal del marqués

Pasaron dos semanas hasta que Wilde llegara y la leyera. El portero del club, que la había leído antes, aseguró a Wilde que nadie más la había visto. La cosa podía haberse quedado ahí, pero Wilde decidió querellarse contra el Marqués por injuriarlo como sodomita. Contrató al abogado Charles Humphreys quien, antes de aceptar su defensa, preguntó a Wilde qué había de cierto en la afirmación de Queensberry. Éste contestó que nada y sólo así, el abogado aceptó defenderlo. Este error de Oscar Wilde acabó con su vida privada y su carrera, fue el inicio de su ocaso.

El jurado declaró al Marqués no culpable ya que consideraron que Wilde sí que había alardeado de su orientación sexual. Esta absolución estuvo seguida de la detención de Wilde sin derecho a fianza y del embargo de sus bienes. El 26 de abril de 1895, se inició el primer proceso contra Wilde por pervertir a la juventud y contra Alfred Taylor (proxeneta londinense), por proporcionarle jovencitos.

Mucho se ha hablado de cómo se llevó este juicio. Que el Marqués había hecho seguir a Wilde desde mucho antes (ya eran cuatro años desde que se conocieron), que los testigos estaban pagados, que la prensa hizo un circo, pero lo cierto es que Wilde tuvo una actitud entre apática y ofendida que no lo ayudó durante el proceso. Su preocupación era defender a su amante, que, por cierto, dicen que no estuvo a la altura, ya que parecía que salía con Wilde sólo para fastidiar a su padre.

El abogado de Wilde en este proceso, Edward Clarke, consiguió que el Jurado fuera incapaz de alcanzar un veredicto y que se pusiera a Wilde en libertad. Ésta le duró muy poco, ya que se había decidido condenar a Wilde aunque hubiera que iniciar un segundo proceso. Y así se hizo. El 20 de mayo de 1895 se inició el segundo proceso en su contra que resultó en una condena a dos años de trabajos forzados que cumplió en la cárcel de Reading donde al entrar perdió su nombre y simplemente pasó a ser el reo C.3.3. En esta etapa su salud terminó gravemente deteriorada. Oscar Wilde tenía 41 años cuando entró a prisión.

Hay que decir que ambos procesos fueron un verdadero linchamiento, llenos de sensacionalismo y de interpretaciones maliciosas de las obras de Wilde. Por temor a la persecución, su amante y varios de sus amigos intelectuales huyeron a París dejándolo sólo.

Una de las últimas fotografías de Oscar Wilde y su amante juntos

Después del encarcelamiento de Wilde, su esposa cambió de nombre, también se los cambió a sus hijos y se los llevó a Holanda para desvincularse del escándalo. Lo obligó también a renunciar a sus derechos como padre y más tarde, después de haber sido liberado, se negó a seguirle manteniendo si lo veían con hombres o en compañía de su amante.

En la prisión escribió De Profundis, una larga y dolorosa carta a su amante Alfred Douglas, que -según sus biógrafos- por su comportamiento mezquino, no se la merecía. La carta no se la permitieron enviársela mientras estuvo preso, pero tras su liberación, le dio el manuscrito a un amigo en común, con instrucciones de enviársele una copia a Alfred Douglas, quien mucho después negó haberla recibido. De Profundis fue publicado parcialmente en 1905, su publicación completa y correcta, se produjo en 1962 en Las cartas de Oscar Wilde. Si desean descargar De Profundis, pueden hacerlo aquí.

Wilde murió en Francia tres años después de salir de la cárcel.

Fuentes y referencias:
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La masturbación a través de la historia

noreply@blogger.com (Carlos) — Wed, 25 Jan 2012 04:59:00 +0000

"La ciudad de Mileto para esa fecha, se había hecho famosa en todo el Mediterráneo debido al cuero con el que confeccionaban sus consoladores. Tanto así, que Lisístrata, la heroína de la obra homónima de Aristófanes, era una mujer se quejaba amargamente de la escasez de dildos..."

En la actualidad el onanismo o masturbación sigue siendo visto como un tabú y tachado como actividad vergonzante, pero no siempre fue así. En la antigüedad era un acto común, personal y privado (la mayoría de veces), pero jamás denigrante ni prohibido por ninguna ley. No está muy claro desde cuando empezó a ser condenada y vista como algo perverso y amoral, pero de lo que si estamos seguros, es que gran parte de la culpa fue de la iglesia.

Los mitos más antiguos de la Mesopotamia y Egipto hablan del dios Apsu, que nació del océano primigenio, creándose a sí mismo mediante masturbación, saliva y lágrimas, y de esa forma dio vida a la Vía Láctea. Por eso no es nada raro que las reinas egipcias fueran enterradas hace más de cuatro mil años con todos los objetos que necesitarían en el más allá, principalmente ropa, peines y sus dildos (también llamados consoladores).

Aunque sólo el rígido código de los espartanos condenaba la masturbación, el resto de griegos la consideraba un don de los dioses puesto que el dios Hermes le enseñó a su hijo Pan, más conocido como Fauno, a masturbarse para aguantar el desdeño de la ninfa Echo. El Fauno aprendió bien la lección, superó su dolor y transmitió la enseñanza a los primeros pastores de la arcadia griega.

La masturbación era común en hombres y mujeres, pero es importante destacar que, por más que haya sido un obsequio de los dioses, era considerada una actividad privada y muy personal, aunque como toda regla tenía su excepción. Por ejemplo, el filósofo Diógenes se levantaba la toga y se masturbaba frente al público en el ágora. Obviamente el pueblo se sorprendía y las chicas -unas más, unas menos- se sonrojaban. Diógenes trataba de enseñar que todas las actividades humanas merecen ser hechas en público, que ninguna de ellas es tan vergonzosa como para requerir privacidad. De todas formas, aunque innovadora y audaz en todo sentido su propuesta, sus contemporáneos no estuvieron de acuerdo y no fue secundada.

El famoso médico griego Galeno sostenía que la retención de semen en el organismo era peligrosa y causante de mala salud. Citaba al mismo Diógenes como ejemplo de una persona culta, que practicaba el sexo y también se masturbaba para evitar los riesgos de la retención.

Los dramaturgos también mencionaban los consoladores en sus comedias, mientras los artesanos los representaban en sus jarras y cuencos. La ciudad de Mileto para esa fecha, se había hecho famosa en todo el Mediterráneo debido el cuero con el que confeccionaban sus consoladores. Tanto así, que Lisístrata, la heroína de la obra homónima de Aristófanes, se quejaba tristemente de la escasez de dildos:

“Y ni siquiera de los amantes ha quedado ni una chispa, pues desde que los milesios nos traicionaron, no he visto ni un solo consolador de cuero de ocho dedos de largo que nos sirviera de alivio «cueril». Así que, si yo encontrara la manera, ¿querríais poner fin a la guerra con mi ayuda?”
Línea 110

Para quienes no lo saben, Lisístrata es una comedia que narra la historia de un grupo de mujeres que decidieron suspender las relaciones sexuales con sus maridos, hasta que estos pusieran fin a la interminable guerra entre Atenas y Esparta. Para cumplir su objetivo, echan de menos los buenos consoladores de Mileto confeccionados con piel de perro, si, de perro. Es una buena comedia, pueden descargarla aquí.

Hay algo que es importante señalar, y es que la masturbación entre los hombres griegos adultos, también era vista como un signo de pobreza, ya que cuando tenían dinero preferían pagar a una trabajadora sexual.

Bueno, continuando con el curso de la historia, la masturbación cayó en desgracia en Europa con el inicio del cristianismo, pero lo curioso es que la Biblia no hace mención alguna sobre la masturbación. A pesar de eso, los primeros padres de la iglesia se oponían a esta práctica del mismo modo que a cualquier tipo de sexo no reproductivo. Por ejemplo, Augustine de Hipona (350–430 d.C), un obispo influyente de los primeros años de la iglesia cristiana, enseñaba que la masturbación y otras formas de relaciones sin penetración eran pecados peores que la fornicación, la violación, el incesto o el adulterio. Sostenía que la masturbación y otras actividades sexuales no reproductivas eran pecados "antinaturales" porque eran anticonceptivos. Como la fornicación, la violación, el incesto y el adulterio podían conducir al embarazo, eran pecados "naturales" y por lo tanto muchos menos graves que los pecados "antinaturales". De esta manera y desde esta fecha, la masturbación fue considerada como un pecado más grave que una violación o el incesto.

Agustín de Hipona, por Boticcelli

La condena de Augustín de Hipona a la masturbación como pecado antinatural fue aceptada por toda la iglesia durante la Edad Media y restablecida en el Siglo XIII por Santo Tomás de Aquino en su Summa Theologica.

La historia bíblica de Onan, citada frecuentemente como un texto en contra de la masturbación, en realidad se refiere al pecado que cometió Onan al rehusarse a obedecer el mandamiento de Dios de fecundar a su cuñada viuda. Onan copuló con ella pero se retiró antes de eyacular y "derramó su simiente" fuera del cuerpo de la mujer, o sea realizó un común y silvestre coitus interruptus. La Ley de Moisés dictaba que cualquier persona que derramase su semen en tierra infértil lo estaba haciendo en el lugar incorrecto. En el siglo XVI Martín Lutero confunde aquel interruptus con "palma de la mano", y con eso contribuye a aumentar el estigma que ya llevaba.

Para el Siglo XV, el teólogo Jean Gerson en su modelo penitencial De Confessione Mollities, aleccionaba a los sacerdotes sobre cómo inducir a las mujeres y a los hombres a confesar "ese detestable pecado". Gerson sugería guiarlos con una inocente pregunta así: "Amigo, ¿recuerda haber tenido el pene erecto durante su niñez, alrededor de los 10 o 12 años?" Luego, sugería pasar a preguntarle directamente al penitente si se había tocado o eyaculado.

Los manuales de penitencias también especificaban las sanciones correspondientes, que, hay que decirlo, eran relativamente leves en comparación a otras penas. Generalmente fluctuaban en el rango de los treinta días de oraciones especiales y ayuno. Vamos, una bagatela.

A fines del siglo XVI, el científico Gabriello Fallopio les enseñaba a los varones a tirar de sus penes de forma enérgica y frecuentemente para estirarlo, fortalecerlo y de este modo aumentar su potencia de procreación, pero sus teorías igual fueron repudiadas por la iglesia.

En el siglo XVIII hace su aparición el nefasto médico Samuel August Tissot, con un libro publicado en 1760 que debió haber sido quemado. De ese pafleto se editaron cientos de ediciones que fueron leídas desde Voltaire y Rousseau hasta los fundadores de los Estados Unidos, en el que se difundían los más horripilantes mitos acerca de la masturbación y del síndrome "post-masturbatorio". Europa y Norteamérica se empaparon de las advertencias que hacía Tissot sobre la masturbación y curiosamente fue publicado hasta bien entrado el siglo XX, logrando crear un temor casi universal. En su tratado Tissot ilustra una anécdota de un hombre, que según el autor, había recibido tratamiento tardío para la terrorífica enfermedad:

". . . fui a su hogar y lo que encontré era más un cadáver que un ser vivo yaciendo sobre heno, escuálido, pálido, exudando un hedor nauseabundo, casi incapaz de moverse. De su nariz fluía agua sanguinolenta, babeaba constantemente, sufría ataques de diarrea y defecaba en su lecho sin notarlo, había un flujo constante de semen, sus ojos, saltones, borrosos y sin brillo habían perdido toda capacidad de movimiento, su pulso era extremadamente débil y acelerado, su respiración era dificultosa, estaba totalmente emaciado, salvo en los pies que mostraban signos de edema."
"El trastorno mental era igualmente evidente, no tenía ideas ni memoria, era incapaz de conectar dos oraciones, no tenía capacidad de reflexión, sin temor por su destino, falto de todo sentimiento salvo el de dolor que volvía por lo menos cada tres días con cada nuevo ataque. Esto lo hundía al nivel de una bestia, un espectáculo de horror inimaginable, era difícil de creer que alguna vez había pertenecido a la raza humana. Murió varias semanas después, en junio de 1757 con todo su cuerpo cubierto de edemas."
"Los problemas que experimentan las mujeres son tan explicables como los de los hombres. Como los humores que pierden son menos preciosos, menos perfectos que el esperma masculino, no se debilitan tan rápidamente; pero cuando se entregan excesivamente, por ser su sistema nervioso más débil y naturalmente con mayor inclinación a los espasmos, los problemas son más violentos."

Así se representaba la agonía de un hombre aquejado del mal de la masturbación

También en la época victoriana se vio a la masturbación casi como la raíz de muchos de los problemas del mundo. Varios libros de medicina del siglo XIX describen como secuelas directas de la masturbación el aletargamiento, locura pasiva y la inevitable pérdida del cabello. Imagínense la mala fama que se llevaba un pobre calvo inglés. Algunos textos incluso la consideraban una práctica potencialmente mortal. "En mi opinión", escribió el Dr. Reveillè , "ni la peste ni la guerra han tenido efectos tan desastrosos para la humanidad, como el miserable hábito de la masturbación". Empezó entonces una lucrativa oleada de tratamientos para esta “enfermedad”, llevando a los curanderos hasta los Estados Unidos. Se patentaron dispositivos insólitos para evitar las erecciones nocturnas no deseadas.

Igual, en esta misma época se presentó un curioso fenómeno: los médicos solían combatir la histeria femenina acariciando manualmente el clítoris de las pacientes hasta que pudieran alcanzar el orgasmo, que en esa época era conocido como paroxismo histérico, puesto que consideraban que el deseo sexual femenino reprimido era una enfermedad. Increíblemente esta costumbre dio origen al nacimiento de los vibradores ya que los médicos se cansaban de manipular manualmente "tantos clítoris".

Mujer en "paroxismo histérico" luego de ser masturbada por un médico

Ya a finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX, aparece Sigmund Freud y reconoce que la masturbación podía tener efectos beneficiosos como como aliviar el estrés y evitar las enfermedades de transmisión sexual, sin embargo advertía que la masturbación podía causar trastornos neuróticos, especialmente neurastenia.

Hasta el siglo XIX, ésta era la imagen de un hombre que se masturbaba

El siglo XX fue avanzando y con el los conocimientos médicos (fisiológicos y psicológicos). Los expertos comenzaron a descartar los argumentos de que la masturbación causaba trastornos físicos, no obstante, muchos seguían manteniendo la creencia de que la masturbación era la consecuencia o conducía a trastornos mentales. En 1930, por ejemplo, el sexólogo Walter Gallichan, advertía que la masturbación en las mujeres era la causante de la apatía y frialdad femenina, que "sus gratificaciones solitarias opacaban su sensibilidad para el coito matrimonial".

A mediados de siglo el estigma contra la masturbación seguía siendo todavía muy fuerte. Los estudios demostraban que nueve de cada diez niños a los que se los encontraba masturbándose eran severamente amenazados, castigados y aterrorizados con el argumento de que se volverían locos o ciegos, o que les iban a cortar el pene o a coser la vagina. Un 82% de los alumnos de primer año de la universidad, todavía creían que la masturbación era peligrosa.

Tuvo que llegar Alfred Kinsey (junto a un grupo de colegas) y publicar los resultados de más de 15 años de investigaciones sobre la conducta sexual humana. Una de las contribuciones más importantes de ese trabajo fue precisamente considerar a la masturbación como algo normal y debilitar el estigma que la rodeaba. Los resultados eran reveladores: el 97% de los hombres y el 62% de las mujeres se habían masturbado alguna vez en su vida y habían alcanzado el orgasmo.

Alfred Kinsey

Es curioso. Los hombres, la sociedad, podían aceptar el informe de Kinsey sobre las actividades sexuales masculinas, pero no podían aceptar “la dura realidad” de las conductas sexuales de las mujeres norteamericanas. Fue como un shock, como un balde de agua fría al machismo, el enterarse (o que les dijeran en la cara) que una mujer podía masturbarse, tener orgasmos, tener sexo antes y fuera del matrimonio o con otras mujeres. La iglesia levantó su voz de protesta en todo el país. Sin ni siquiera echar un vistazo o leer el trabajo de Kinsey, el entonces carismático religioso Billy Graham escribió: “Es imposible estimar el daño que va a causar este libro a la ya deteriorada moral norteamericana". El remezón fue tal, que hasta un Senador (como siempre, McCarthy) denunció al trabajo de Kinsey como parte de la conspiración comunista. En todo el país, personas con el apellido Kinsey publicaban avisos en los diarios para aclarar que no estaban relacionadas con el autor. Finalmente y a causa del furor provocado, la Fundación Rockefeller retiró su apoyo al trabajo de investigación de Kinsey, pero ya era muy tarde, la sociedad (al menos el mundo occidental) se había despojado de los tabúes sexuales.

Los estudios llevados a cabo después de la muerte de Kinsey confirmaron sus conclusiones. Para la década de los 70, el 84% de estudiantes universitarios ya no creía que la masturbación les causara inestabilidad emocional o mental, el mito había caído. Aún así, en diciembre de 1994, en una conferencia sobre el SIDA patrocinada por la ONU, la entonces jefa del Servicio de Salud Pública de los Estados Unidos, doctora Joycelyn Elders, dijo que tal vez la masturbacion deberia ser enseñada en las escuelas, como una parte de los programas educativos escolares sobre sexualidad. Por estas declaraciones el presidente Bill Clinton le pidio que renunciara al cargo, cosa que no hizo. Finalmente, fue cesada.

A pesar de que la ciencia hace algunas décadas comenzó a tratar a la masturbación como una conducta normal, hasta ahora las más prominentes instituciones religiosas se han negado a reevaluar los principios sexuales que las rigen desde hace más de quince siglos.

Fuentes y referencias:
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El pequeño hombre que retrató la Belle Èpoque

noreply@blogger.com (Carlos) — Mon, 09 Jan 2012 07:33:00 +0000

"De su vida sentimental se sabe que vivió dos años con una mujer, que luego intentó suicidarse ante su negativa de tener un hijo con ella. Sus relaciones posteriores fueron exclusivamente con prostitutas, con las cuales gustaba hacer de vouyer, especialmente en escenas de lesbianismo, costumbre bastante habitual entre las bailarinas y prostitutas de esa época".

Cartel anunciando a Jane Avril y Cléopatre Gazelle, las bailarinas estrellas del Moulin Rouge

A finales del siglo XIX, con el advenimiento de la luz eléctrica y con el capitalismo madurando como sistema económico, en Europa se vivía un ambiente de pujanza y satisfacción social. Se daban los primeros pasos en las telecomunicaciones y el comercio internacional. Este pequeño período de bonanza que abarca las dos últimas decadas del siglo XIX y que termina en 1914 con la Primera Guerra Mundial es conocido como la Belle Èpoque. Tolouse-Lautrec fue un pintor, un artista francés que logró capturar el espíritu y el esplendor de esa época.

Henri Toulouse-Lautrec nació en Francia en 1864, hijo de un matrimonio entre dos primos hermanos de una familia aristócrata. Durante su infancia Henri disfrutó de la vida privilegiada del hijo de un noble. Vivía en un castillo dentro de una gran propiedad que tenía bosques, ríos y animales de caza. Estaba siempre rodeado de amigos, tíos y primos, además de un gran número de sirvientes para atender sus necesidades.

Esa frecuente mezcla de sangre entre nobles y aristócratas, siempre dejaba como consecuencia uno que otro desbarajuste genético, y uno de éstos fue el causante de la muerte de su hermano menor con apenas año de vida. De hecho Henri también era un muchacho enfermizo, de constitución ósea muy débil, pero que a pesar de todo llevaba una vida feliz. Practicaba equitación, cantaba, dibujaba y salía de caza con su padre. Lastimosamente a los trece años se cayó de una silla y se fracturó el fémur izquierdo, y al poco tiempo, mientras se recuperaba se volvió a tropezar con tanta mala suerte, que se quebró el fémur derecho.

Sus fracturas soldaron bien pero sus extremidades inferiores dejaron de crecer, aunque el resto de su cuerpo se desarrolló normalmente, por eso nunca llegó a pasar de 1,50 cm de estatura.

Henri Tolouse-Lautrec

Sus padres quedaron devastados. Su padre comenzó a distanciarse de un hijo que era diferente a los demás, que ya no podía acompañarlo de cacería. Su madre en cambio, cada vez estuvo más atenta a sus necesidades físicas y emocionales. Por su parte, Henri terminó volcando su atención e interés hacia el dibujo. Viendo que el arte se convertía en una pasión para Henri, su padre se lo presentó a Henri René Princeteau, un pintor sordomudo. Princeteau quedó tan impresionado con el talento de Henri, que convenció a sus padres de que lo inscriban en el taller del reconocido maestro, Bonnat.

A los 17 años, Henri de Toulouse-Lautrec se fue de casa por primera vez a París, a estudiar en ese taller. Por alguna razón, el maestro Bonnat desarrolló una intensa aversión por el joven Toulouse-Lautrec, se decía era ego, envidia, quizá supo reconocer en el joven muchacho a un nuevo genio. Con el tiempo, la discordia se hizo mutua y duró toda la vida.

Dejó al maestro Bonnat y se matriculó en el estudio del maestro Fernand Cormon, un talentoso artista que lo supo orientar y le ayudó a crear su estilo. Vale destacar que tan buen maestro era Cormon, que otro de sus alumnos por esa misma época era Vincent Van Gogh.

Bajo la tutela de Cormon, Henri aprendió a pintar. Visitó todas las galerías con el afán estudiar las técnicas de otros pintores, especialmente los impresionistas. Cormon le dio a Henri una base sólida en las técnicas de pintura en un estilo formal. Sin embargo, cuando cumplió los veinte años, Henri comenzó a buscar una dirección artística diferente.

El legendario Moulin Rouge, cabaret frecuentado por Tolouse-Lautrec y que fue inmortalizado en su obra

Henri Toulouse-Lautrec se mudó al barrio de Montmartre de París en 1887. Montmartre era una comuna de comerciantes, así como de rufianes, proxenetas, prostitutas y artistas bohemios. La zona estaba plagada de burdeles, salones de baile, cabarets y clubes privados. Aquí es donde hasta ahora se encuentran los famosos Le Chat Noir, Le Lapin Agile, La Cigale y Le Moulin Rouge. En Montmartre los excesos de todo tipo eran moneda corriente.

Toulouse-Lautrec rentó un piso detrás del cementerio, en la calle Ganneron. Empezaba una nueva etapa en su vida, etapa que empezó como observador y terminó siendo partícipe del estilo de vida de la zona. Le encantaba merodear las calles y callejones, los bares y burdeles buscando nuevos temas para pintar y lo consiguió. Llegó a ser una especie de cronista gráfico del desenfreno de aquel París de finales del siglo XIX, del nacimiento de la Belle Èpoque.

Baile en el Moulin Rouge

Al contrario que a los artistas impresionistas, a Tolouse-Lautrec nunca le interesó el género del paisaje y prefirió ambientes cerrados, iluminados con luz artificial que le permitían jugar con los colores y los encuadres de forma subjetiva.

Para pintar Henri prefería a los clientes habituales del cabaret, a las bailarinas y las prostitutas. Nunca trabajó con modelos profesionales. Se rodeo de amigos marginales y se hizo habitué de las casa de citas donde entraba siempre con su buen humor, cantando canciones patrióticas y golpeando el bastón, ganándose pronto el cariño de las prostitutas, que se enorgullecían de su amigo "el pintor" y lo malcriaban como a un niño caprichoso.

Con Mirelle, la favorita del prostíbulo

Comenzó a retratar amigos, bailarinas y prostitutas y quedó atrapado en aquel bajo fondo de la noche bohemia parisina. Volvía de vez en cuando a su aristócrata castillo, sólo para visitar a su madre que adoraba.

En la foto superior lo vemos pintando a una prostituta conocida como Bertha 'La sorda', y más abajo dos cuadros terminados de aquella dama

Touluse tenía más espíritu de bohemio que de aristócrata, por lo que nunca pensó en dejar aquel barrio de tolerancia, lleno de bares y burdeles. De su vida sentimental se sabe que vivió dos años con una mujer, que luego intentó (o simuló) suicidarse ante la negativa de Henri de tener un hijo con ella. Sus relaciones posteriores fueron exclusivamente con prostitutas, con las cuales gustaba hacer de vouyer, especialmente en escenas de lesbianismo, costumbre bastante habitual entre bailarinas y prostitutas de esa época. Esas escenas inspiraron obras como "Las dos amigas".

Las dos amigas

El artista solía instalar por largas temporadas su atelier en aquellos lupanares, donde hizo estrechas amistades con las prostitutas, bailarinas y clientes, y es esta gente precisamente, la que da vida a sus cuadros y uno de los temas principales de su obra.

Esta serie de pinturas (arriba) se llama "La Revisión Medica", misma que era frecuente y obligatoria para las prostitutas. Se intentaba luchar contra una enfermedad que siempre había estado presente en aquellos hombres de vida libertina, la temible sífilis.

Femme nue devant sa glace

Luego empezó a pintar carteles anunciando los espectáculos nocturnos de aquellos antros, los mismos que le eran pagados con bebida o favores sexuales en los sitios que frecuentaba. Es así que estos burdeles pasaron por primera vez a ser protagonistas de una obra de arte. Uno de sus lugares preferidos de Henri Toulouse, siempre fue el Mouline Rouge.

Poster del Divan Japonais, otro club nocturno

De a poco y con su estilo, logró convertirse en el Rey de los afiches parisinos, en el cronista de la Belle Epoque, y lo que es más importante: Su trabajo no sólo fue el pionero de la publicidad gráfica sino también de los afiches de cine, que hasta hace poco seguían su mismo formato.

Poster del cantante Aristide Bruant, quizá su poster más famoso

La creación de carteles iba viento en popa y le otorgó fama de publicista gráfico. Esto llevó a Henri hasta Londres, donde le pidieron la elaboración del póster del famoso sitio "Confetti" y el anuncio de bicicletas "La Chaine Simpson".

Fue durante esta breve temporada en Londres, cuando conoció y entabló amistad con Oscar Wilde. Toulouse-Lautrec tambin le pintó un retrato, el mismo año en que Wilde afrontaba un juicio por sodomía en Londres.

El declive de Henri empezó pronto, en 1896. Su vida se había reducido a putas, alcohol y juergas. Comía y dormía muy poco, en contraste trabajaba mucho para poder pagarse su estilo de vida, además de que era un gran aficionado a la absenta.

Poster de Jane Avril, otra de las famosas bailarínas de la Belle Èpoque

El alcoholismo deterioró su salud y padeció manías, depresiones y neurosis. En 1897 fue recogido de la calle a causa de una borrachera y poco después, en un delírium trémens, llegó a disparar a las paredes de su casa creyendo que estaban llenas de arañas. Sin embargo seguía pintando de forma firme y rápida; pero lo volvieron a recoger alcoholizado en 1899 y su familia lo hizo encerrar en un hospital psiquiátrico donde se le diagnosticó sífilis. Allí realizó una gran colección de pinturas con temática circense. Henri logra convencer a los profesionales -por medio de sus dibujos- de que aún mantenía su cordura, y salió a los tres meses.

La absenta, una de sus bebidas favoritas

Nuevamente volvió a sus andanzas, a sus prostitutas y al alcohol. Al poco tiempo tuvo una crisis paranoica que lo llevó a intentar suicidarse con metileno, y esta vez si estuvo internado durante un tiempo más largo. Cuando se dio cuenta que había topado fondo, de que era un hombre enfermo, volvió al castillo de su madre.

Toulouse-Lautrec con su madre en su propiedad

En la propiedad de su madre en Albi, cerca de Burdeos, y el 9 de septiembre de 1901 murió postrado en su cama a causa de una apoplejía, tenía apenas 36 años. Sus últimas palabras a la condesa fueron: "Madre, gracias. ¡Nadie como tu!". Y a su padre: "Gracias por venir papá. Sabía que no te perderías mi muerte".

La mayoría de las obras de Toulouse-Lautrec se mantuvieron en su estudio de París después de su muerte. Su madre, la condesa Adele Lautrec, queriendo perpetuar la memoria del hijo que tanto amaba, quiso que toda la colección permanezca intacta y obsequió todas las obras a la ciudad de Albi, donde Henri había crecido. También los miembros de su familia que habían recibido algun cuadro obsequiado por Toulouse-Lautrec estuvieron de acuerdo en donar las obras de arte a la ciudad.

At the Moulin Rouge

El 30 de julio de 1922, fue inaugurado oficialmente el Museo de Toulouse-Lautrec. El lugar elegido para albergar la colección, fue el Palacio de la Berbie, una imponente fortaleza de ladrillo del siglo XIII construido por los obispos de Albi al lado del río Tarn.

Portrait de Suzanne

Tal vez una de las ironías finales en la vida de Toulouse-Lautrec, es que su obra que logró capturar tan brillantemente aquel nuevo fenómeno cultural de París, no se encuentra en el Museo de Louvre ni en ningún museo de la capital, sólo en esa pequeña ciudad en el sur de Francia.

P.D. Bonnat, su primer maestro, con el que nunca se reconcilió, murió 21 años después. Éste, en su lecho de muerte en 1922, despojándose de cualquier sentimiento de rencor o envidia, sugirió -con éxito- que las obras de Toulouse-Lautrec se convirtieran en parte de las colecciones nacionales, es decir, en patrimonio francés.

A los amantes del arte aquí les dejo un espectacular blog especializado en la obra de Toulouse-Lautrec, y un archivo de fotos del pintor y de su familia.

Fuentes y referencias:
1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9

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El día que Nikita Kruschev se quedó con las ganas de conocer Disneylandia

noreply@blogger.com (Carlos) — Tue, 03 Jan 2012 05:32:00 +0000

En uno de los momentos más surrealistas de la Guerra Fría, el líder soviético Nikita Kruschev estalló de rabia cuando se enteró que no podía visitar Disneylandia. El incidente sacó a relucir una actitud poco diplomática (infantil) del líder soviético, durante su visita a los Estados Unidos.

Kruschev llegó a los Estados Unidos el 15 de septiembre de 1959, aceptando la invitación y devolviendo la visita que le hizo Richard Nixon a Moscú, donde protagonizaron aquel famoso "Debate de la cocina". Era una visita de buena voluntad cuyo principal objetivo era sostener una cumbre con el presidente Eisenhower.

Dentro de los círculos diplomáticos Kruschev tenía la fama de terco y malcriado. Era conocido por sus 'escasas habilidades sociales y por incomodar a sus anfitriones', y eso fue exactamente lo que hizo en los Estados Unidos. Para colmo, unos días antes de su llegada, los rusos lanzaron un misil que logró aterrizar en la luna. Era el más exitoso paso soviético en la carrera espacial, por lo que se esperaba a un Kruschev petulante y jactancioso, agrandado como se dice por acá.

Kruschev visitando una Granja de Alto Rendimiento en Maryland

Al día siguiente de su llegada visitó una granja de Maryland, donde acarició un cerdo frente a las cámaras y se quejó de que estaba demasiado gordo. Luego cogió un pavo y se quejó de que era demasiado pequeño en comparación a los pavos soviéticos. También fue llevado a visitar al Senado donde aconsejó a sus miembros que vayan acostumbrándose al comunismo. Todo esto, claro, lo hacía en son de broma, tratando de parecer simpático, pero lo cierto es que a la opinión pública le cayó como un pelmazo, sumamente arrogante y antipático.

Kruschev con un "demasiado pequeño" pavo americano

Otro día lo llevaron a Nueva York, donde después de visitar el Empire State dijo: “Si ya conoces un rascacielos, el resto no es novedad”.

Un pequeño dato: A su llegada a los Estados Unidos, el líder soviético había manifestado a quienes manejaban su agenda, que le gustaría conocer Hollywood. Los encargados de su seguridad enseguida le organizaron una visita a Los Ángeles.

Así recibieron los ciudadanos de Los Ángeles a la caravana de Kruschev

El 19 de septiembre, Kruschev y su esposa llegaron a Los Ángeles. Frank Sinatra fue contratado por el Departamento de Estado para servirles como acompañante durante la visita.
El día empezó con un sol espléndido y un recorrido por los estudios de la Twenty Century Fox en Hollywood. El Primer Ministro Soviético llegó justamente cuando se filmaba una escena de la película "Can-Can", y de inmediato estuvo rodeado por todo el elenco, entre ellos Shirley MacLaine y Juliet Prowse.

Con Frank Sinatra y Shirley MacLaine

Shirley MacLaine le dio la bienvenida a Kruschev con un pésimo ruso y luego intentó hacerlo bailar improvisadamente involucrándolo en la coreografía. Kruschev se excusó jovialmente y se hizo a un lado, mientras los actores seguían trabajando en la escena.

Salieron de los estudios de la Twenty Century Fox y se trasladaron hacia el centro de Los Ángeles, donde estaba previsto ofrecer un gran banquete en su honor.

Parece que el tráfico de Los Ángeles en su hora pico lo empezó a irritar, porque durante el trayecto hacia el Paris Café (donde sería el banquete), el líder soviético no dejó de quejarse de la cantidad de autos ocupados "por una sola persona" y del despilfarro que esto suponía. En contraste, no tuvo reparos ante la exquisita y abundante comida del derrochador banquete al que asistió. Está por demás señalar que al buffet asistieron las más rutilantes estrellas del Hollywood de la época. Y es que toda la vida han existido esos famosos actores progres, combativos e hipócritas, a los que les parece simpático y justo el comunismo, pero desde afuera, desde sus mansiones y con sus millones a salvo de cualquier revolución.

Sólo 400 famosos e invitados especiales tuvieron el privilegio de compartir la mesa con el dictador soviético, pero el deseo y la novelería -entre los actores- de ser invitados fue tal, que poco les importó declararse fans de Kruschev y su gobierno, aún con el riesgo de pasar a formar parte de la famosa lista negra, en la que estaban todos a quienes se consideraba antiestadounidenses, y como consecuencia, se les cerraba las puertas en Hollywood. Ese en cambio era el extremo anti comunista, la cacería de brujas, triste legado del Macarthismo.

Marylin Monroe en el banquete en honor a Kruschev

De todas formas estuvieron presente personajes como Marylin Monroe, Dean Martin, Elizabeth Taylor, Arthur Miller, Tony Curtis y Janet Leigh; es decir asistió la "crème de la crème" de Hollywood. Y también hay que decirlo, los actores Bing Crosby y Ronald Reagan estuvieron en la selecta lista, pero rechazaron la invitación debido a sus tendencias políticas.

Bueno, volviendo al banquete, poco después de los postres, Kruschev conversaba con el actor David Niven. Le contaba de sus andanzas durante la Guerra Civil Rusa y la Segunda Guerra Mundial. También se dio tiempo para bromear con Gary Cooper y Charlton Heston. Poco después, de forma intempestiva, Khrushchev se dirigió a los atónitos artistas:

"¿Qué país tiene el mejor ballet? ¿El vuestro? No tenéis ni un teatro de ópera y ballet permanente. Vuestros teatros prosperan gracias a lo que reciben de la gente rica. En nuestro país es el Estado el que da el dinero, y el mejor ballet es el de la Unión Soviética. Es nuestro orgullo".

Pero el momento cumbre y cuando terminó robándose el show de forma lamentable, fue cuando le comunicaron en privado que su visita a Disneylandia no podría llevarse a cabo, ya que sin tiempo de anticipación, la policía no podía garantizar su seguridad en el inmenso complejo.

El plan de conocer Disney había sido un capricho de última hora, y parece que en verdad era imposible organizar ese momento el perímetro de seguridad que su importancia ameritaba. Kruschev explotó y su iracundo discurso fue conmovedor:

«Hemos llegado a esta ciudad donde vive la flor y nata del arte americano…Y yo digo, me gustaría mucho ir a conocer Disneylandia, pero me dicen que no pueden garantizar mi seguridad. Les pregunté "¿Por qué no? ¿Es que tienen plataformas de lanzamiento de cohetes ahí?" No sé. Basta con escuchar la razón que me dieron: "Nosotros", o sea las autoridades estadounidenses, "no le podemos garantizar su seguridad si va para allá".»

«¿Qué sucede? ¿Hay alguna epidemia de cólera allí o algo parecido? ¿O es que el lugar está tomado por delincuentes que pueden atacarme? Entonces, ¿qué debo hacer? ¿suicidarme? Soy su huésped, ¡esto es inconcebible!. ¿Cómo le explico esto a mi pueblo?»

Todos los presentes se quedaron mudos y desconcertados. Estaban frente al líder del país más grande del mundo, un hombre de 65 años de edad, que exteriorizaba una rabieta porque no podía ir a Disneylandia.

Esa reacción, como es normal, creó muchas especulaciones y rumores que -cuando no- fueron alimentados por la misma prensa de chimentos. Se decía que después de la infantil rabieta fue llevado a sobrevolar Disneylandia en un helicóptero militar, lo cual era falso. También corrió el rumor de que el mismo Walt Disney, acérrimo anticomunista, le había prohibido la entrada, pero esa teoría era más improbable. Es más, el egocéntrico Walt Disney no hubiese desperdiciado la oportunidad de mostrar su paraíso privado a los rusos.

Kruschev dejó Los Ángeles la mañana siguiente y regresó a Washington para su encuentro con Eisenhower.

Finalmente Kruschev se reunió con el presidente Eisenhower

PD: También le organizaron una visita a la sede de IBM. Kruschev expresó poco interés y les restó importancia a las computadoras personales, "no les veía futuro"; pero en cambio le fascinó el concepto de self-service en las cafeterías y restaurantes americanos y, a su regreso, introdujo ese sistema en la Unión Soviética.

Fuentes y referencias:
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