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Je me souviens très bien d’avoir lu, en 2006, une chronique de Louise Cousineau qui parlait de la fin du service qui m’a beaucoup marqué et que j’ai fini par retrouver. L’extrait qui m’intéresse provient du postscriptum d’un article portant sur un documentaire sur la polygamie. Elle écrivait:

Il paraît que j’ai été la dernière cliente de Vidéotron à faire débrancher mon vidéoway, cet appareil révolutionnaire fabriqué par Zenith en 1988 et qui a été adopté par Vidéotron pour développer sa télévision interactive. Au moment de sa sortie, le convertisseur nouveau genre a fait la manchette partout dans le monde. Et l’ex-grand patron de Vidéotron, André Chagnon, y croyait dur comme fer. Un genre d’Internet en plus petit. Ce que j’aimais de mon appareil devenu obsolète, c’est que je pouvais jouer à la patience et au scrabble contre Félix durant les pauses commerciales, que j’entendais sans les voir. De quoi se calmer les nerfs. En mai dernier, nous n’étions plus que 15 000 clients à avoir encore un vidéoway. L’objet a disparu début août parce que Zenith ne fabriquait plus de pièces de rechange, qu’il n’y avait plus de nouveaux jeux attirants et surtout que l’appareil bloquait 12 canaux numériques. Or, à l’explosion du numérique, Vidéotron a besoin de tout l’espace possible. Illico offre bien plus de canaux et de possibilités, mais malheureusement mon partenaire de jeu Félix n’y est pas. Démodé. Inutile. C’est le progrès (p. 3).

C’est fascinant de voir la perspective plus « culturelle » sur une technologie innovante. Vidéoway avait entraîné le développement d’émissions de télé interactives, notamment la série Watatatow, dont la première saison avait des choix. Je n’y ai pas joué à l’époque et j’aimerais bien pouvoir découvrir ce que ça impliquait ou savoir s’il y a des archives de jouabilité de l’époque. Je me souviens aussi qu’il y avait une émission de poker et qu’on pouvait participer à certains quiz télévisés comme Que le meilleur gagne.

En parcourant Wikipédia sur Vidéoway, je trouve un autre article sur la diffusion d’un spectacle de Céline Dion qui testait une fonctionnalité interactive, où un spectateur avec l’appareil pouvait choisir lui-même les angles de vue. Elle y écrit:

L’interactivité est-elle vraiment la télévision de l’avenir? Le spectacle de Céline Dion dimanche soir n’avait pas besoin qu’on pitonne ad nauseam pour être bon. L’émission Watatatow est aussi complète et l’interactivité n’y apporte pas grand chose, sinon la déconcentration du spectateur (p. C6).

Le jeu vidéo dans la section « Techno » ou « Culture »?

Ces deux exemples montrent bien qu’une technologie est une question sociale et culturelle. L’innovation elle-même joue un rôle dans la société qui dépend de conditions sociales dans lesquelles la technologie se déploie: les usages existants, les habitudes d’utilisation, etc.

Pour moi, la technologie fait partie de la culture. Je suis toujours déçu lorsque je vois les chroniques sur les jeux vidéo dans la section techno plutôt que culture. L’intégration de nouvelles technologies implique une dimension culturelle, notamment parce qu’il faut pouvoir intégrer une technologie à notre vie. Pensons à la réalité virtuelle, qui est depuis des années vendue comme une technologie d’avenir. Elle n’arrête plus d’advenir, mais l’idée que tout un chacun aurait sa propre station à la maison et aurait troqué sa console voire son appareil mobile pour se déplacer dans un univers virtuel a mal vieilli.

Je comprends que le jeu vidéo est parfois plus difficile d’accès pour les néophytes qu’une pièce de théâtre, une exposition ou un festival de musique. Les amateurs de culture et les technophiles forment un diagramme de Venn dont les cercles sont peut-être éloignés. Reste qu’il y a pourtant des manières de jouer et des jeux spécifiques qui ne s’adressent pas seulement à des initiés. Je pense qu’on aurait tout à gagner à les mettre de l’avant.

On peut parler des anciennes technologies pour en faire des comparatifs, comme on revient aux classiques littéraires ou cinématographiques pour comparer des sorties récentes. Je n’aime pas le ton toujours un peu trop prospectif des textes que nous parlent de technologies, même quand il s’agit d’intelligence artificielle et de robots conversationnels. Ce sont souvent des textes qui font davantage la promotion de la technologie elle-même, « pro-motion » dans la mesure où ils ne nous parlent que rarement de l’utilisation de leur matériel technologique; ils s’intéressent bien davantage à ce qu’ils n’ont pas encore, à la puissance et l’imaginaire que ces outils nous ouvrent.

Ça reste un imaginaire sur lequel on doit avoir un regard critique.

Sources

Image d’en-tête tirée du site Le Beta Testeur.

Louise Cousineau, « Céline sur le piton », La Presse, 17 septembre 1991, p. C6.

Louise Cousineau, « Un mari, trois femmes et sept enfants: la polygamie est-elle votre tasse de thé? », La Presse, « Arts et spectacles », 15 août 2006, p. 3.

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Je constate définitivement qu’il y a un changement à partir de cette saison; il y a une plus grande réflexivité. On voit que l’émission parle constamment de l’émission, on montre davantage les coulisses et les limites de la production. Les candidats parlent évidemment un peu toujours du jeu auquel ils jouent — et, intéressant pour un chercheur en études du jeu, ils doivent jouer sans montrer qu’ils jouent. Mais ils parlent de plus en plus de l’émission elle-même, allant jusqu’à référer explicitement aux candidats des anciennes saisons et à répéter leurs mimiques. On les a vus écouter les émissions, commenter sur de quoi ils auront l’air, parler déjà des étapes futures comme si elles étaient confirmées, etc. Ils parlent de ce qu’ils ne devraient pas avoir dit, fait, etc.

Mais si Occupation double est un jeu, plusieurs semblent oublier avec ou contre qui ils jouent. Parce qu’à mon avis, si on regarde le jeu, les candidats ne jouent pas uniquement les uns contre les autres. Leur principal adversaire est certainement l’équipe de production. Très souvent, ils oublient qu’ils sont interviewés par cette équipe après une situation entre candidats et révèlent leur plan. La production peut (et va bien souvent) placer ses pions en fonction de ces révélations (choisir qui va en voyage, qui fait telle activité, etc.).

L’autre joueur « caché », qui a commencé à prendre plus de places dans les dernières saisons, c’est le public lui-même. C’est souvent lui qui tranche en finale et qui fait parfois un choix qui semble étonnant dans les relations entre candidats. Lorsque les candidats affichent publiquement leurs allégeances, le public le voit et en général préfère voter pour des candidats plus « authentiques » qui ont su tirer leur épingle du jeu sans trop afficher leurs intentions.

Pascale Thériault et moi nous sommes dit qu’un jour, on écrirait un article sur Occupation double du point de vue du jeu. Peut-être bientôt dans une revue révisée par les pairs près de chez vous!

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De rien, voilà de quoi on te parle

Le Rat Luciano, dans « La vie des gens pauvres et misérables » (Rainmen, feat. Fonky Family)

Je suis en train de regarder la troisième saison de This is Us (Dan Fogelman, 2016-) et je suis vraiment saturé d’émotions qui semblent tellement belles une fois qu’on les met en scène à l’écran mais qui suintent la vie de gens riches et célèbres se faisant passer pour des gens « ordinaires ». Au-delà des multiples discours moralistes et des phrases de réconfort parfaitement rédigées qui s’enchaînent les uns après les autres, combien de fois dans la série voit-on un problème réglé par un « je prends un avion pour aller te consoler de l’autre côté du continent », « je prends un congé sans solde de plusieurs mois pour régler mon problème d’anxiété/d’alcoolisme », ou « j’en parle à un contact que j’ai dans la politique municipale »?

J’ai vraiment l’impression que c’est une série sur le rêve américain revisité, où le « this is us » passe pour un « this is u.s. ». On cherche quelque part à réhabiliter les relations raciales aux États-Unis en montrant qu’une famille peut être unifiée malgré la différence des trois triplets, lesquels de manière troublante devaient à l’origine s’appeler Kate, Keven et Kyle (KKK). Je me demande si l’allusion sera utilisée à un moment dans la série.

C’est extrêmement rare qu’on laisse la place aux personnes marginalisées dans les séries télé, mais je pense qu’on ne réalise pas à quel point la « normalité » représentée est celle de gens privilégiés qui ont des appartements que personne ne peut se payer — même l’artiste bohème qui n’a pas les moyens de payer ses contraventions dans Friends from College (Nicholas Stoller et Francesca Delbanco, 2017-) a un appartement tout à fait hors de prix à New York.

Même Marie Lamontagne dans Unité 9 (Danielle Trottier, 2012-) ne vient pas d’un milieu marginalisé et son contact avec celui-ci reste assez distant (du moins, jusqu’à l’endroit où j’ai eu le courage de me rendre dans la série).

Est-ce qu’on essaie suffisamment de représenter véritablement la pauvreté et la misère ou est-ce que c’est qu’elle a quelque chose d’intrinsèquement irreprésentable?

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Je me souviens d’avoir dit à un moment donné que je n’aime pas la télé. Ce n’est pas tout à fait exact — j’aime bien la télé parfois —, mais l’idée derrière me semble intéressante parce que la télé est tellement omniprésente dans notre société qu’il devient difficile pour quelqu’un de dire qu’il ne l’aime pas comme il le dirait des jeux vidéo ou même de la littérature.

Persistance et progression narrative

Je pense qu’il y a une question qui concerne les caractéristiques médiatiques de la télé qui a changé et qui font en sorte que la télévision est expérimentée différemment. Je lance tout ça d’une manière très spontanée; je suis certain que les recherches en télé pourraient me contredire ou simplement ont déjà dit ce que je lance ici autrement.

La télé classique diffuse en continu et a un horaire qu’on doit respecter et qui fait en sorte qu’il faut être présent au moment où une émission est diffusée pour la regarder. Cette caractéristique fait en sorte que les émissions ont tendance à utiliser des stéréotypes et des clichés. Pourquoi? Parce qu’il est si simple de manquer quelques épisodes ou de tomber sur une émission. Quelqu’un qui manque quelque chose n’a en fait pas manqué grand-chose, parce que les épisodes ont tendance à revenir à un état de base, ont une certaine persistance narrative.

Comme les mythes classiques qu’une communauté connaît et partage voire comme le théâtre de rue de la commedia dell’arte, où les personnages interprétés sont déjà connus d’avance par le public parce qu’ils sont réutilisés à chaque fois, permettant à chaque interprétation de ne pas avoir à réexpliquer ses personnages. L’histoire en devient rapide à déployer parce que le canevas de base reste le même et est partagé.

Cette persistance narrative présente à la télé est poussée au ridicule par Les Simpson, où chaque épisode a des péripéties complètement éclatées et déraisonnables: les personnages changent de métier — deviennent astronaute, policière, etc. Mais chaque épisode revient toujours ou presque au statu quo.

Les enregistrements de la télé et le fait de pouvoir tout regarder d’un seul coup (faire du binge watch) rend plus facile le développement de personnages plus complexes même que ce qu’on peut retrouver au cinéma. À l’inverse, on sait qu’on ne manquera rien et les premiers épisodes deviennent cruciaux pour accrocher les spectateurs, alors qu’on ne « tombe » que rarement par hasard sur un épisode au milieu d’une saison par exemple. On est bien davantage dans de la progression narrative.

Le problème que j’ai, dans le premier cas, c’est de ne retrouver que de la répétition du même alors que, dans le second cas, j’ai de la difficulté justement à débuter quelque chose sans le voir comme une gigantesque tâche.

C’est une autre question médiatique qui fait la différence lorsque des gens disent qu’ils n’aiment pas les jeux vidéo ou qu’ils ne sont pas joueurs bien qu’en fait, ils y jouent parfois très souvent et très longtemps sur leur téléphone! Le média finira bien par s’imposer autant que la télé dans nos vies.

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Le sindarin est l’une des langues elfiques dans l’univers de Tolkien. Sa première présence dans The Fellowship est lorsque Frodon et Sam croisent un contingent d’Elfes qui quittent la Terre du Milieu en chantant. Les deux Hobbits sont impressionnés par cette rencontre et, cachés dans les bois, commentent sa beauté et sa tristesse à la fois sans comprendre le sens des mots.

La seconde fois où on entend la langue sindarine, c’est lorsque Arwen rejoint le groupe de quatre Hobbits et d’Aragorn. Arwen et Aragorn échangent quelques mots, cette fois-ci sous-titrés pour que le spectateur comprenne aussi. Par ce sous-titrage, il y a déjà une distance qui se crée entre le spectateur et les Hobbits. On change de focalisation, c’est-à-dire que l’information qu’a le spectateur change d’un groupe de personnages à un autre.

Quelques scènes plus tôt, on constate déjà qu’on passe progressivement d’une focalisation centrée sur les Hobbits et du peu qu’ils connaissent sur les choses du monde à une sur Aragorn, nouveau guide de ce qui deviendra la compagnie de l’anneau. Les habitudes des Hobbits représentées par Pippin qui demande un second petit déjeuner détonnent par rapport à celles du spectateur et à ce qu’il s’imagine qu’il ferait s’il entreprenait une quête similaire. On s’attache davantage au sérieux qu’Aragorn met dans l’atteinte de Rivendell.

Ainsi, c’est bel et bien Pippin qui demande, en lieu et place de tous les Hobbits, « Qu’est-ce qu’ils disent? » lorsque Aragorn et Arwen discutent. Nous ne sommes plus focalisés sur les Hobbits à ce moment-là, mais bien sur Aragorn, avec lequel on partage une information privilégiée — l’échange en sindarin — que les Hobbits n’ont pas.

On constate bien que la langue a une fonction importante pour la focalisation: elle est une information parfois intrinsèquement liée à un personnage. En ce sens, elle permet de diriger le récit dans une direction particulière liée au destin d’un personnage par rapport à un autre. On peut bien sûr sous-titrer toutes les langues, comme dans plusieurs films. Par contre, en sous-titrant de façon sélective, l’information donnée au spectateur est aussi sélectionnée et, en conséquence, le regard qu’on lui donne change tout autant.

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[J’ai modifié en date du 27 février 2016 le lien obsolète vers une bande-annonce plus récente.]

Avec des comédiens québécois qu’on reconnaît (notamment Normand Daneau et Jean Marchand qui jouent dans Unité 9), il est assez rare que de la science-fiction soit produite au Québec. Le projet est encore en recherche de financement, mais ce qu’on a est déjà emballant!

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Un extrait du résumé du colloque:

Cette culture produit évidemment de nouvelles formes de savoirs et de politiques, mais elle produit aussi de nouvelles pratiques esthétiques, fondées sur le remontage et le remixage — comme le sampling, le shuffle, le remix, le mashup, le machinima, le fan film, le VJing, le modding — qui affectent non seulement les données, mais aussi les logiciels, les applications et les plateformes qui permettent de les produire et de les diffuser.

Ces thèmes m’ont toujours été chers, même si je ne m’y suis pas plongé depuis un certain temps déjà. L’idée du sampling et des arts de « postproduction » (pour reprendre le terme de Nicolas Bourriaud) m’intéressait beaucoup à la fin de mon bacc et j’ai plusieurs idées à développer un jour sur la pratique du modding.

L’accès au colloque coûte 24$, 12$ pour les étudiants (frais inclus); réservations en ligne.

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[Vidéo supprimée]

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