Supongamos por un momento que podemos definir algo extranjero a partir de sus rasgos característicos sin caer en los clichés y en los tópicos. Y mucho menos, sin usarlos de manera despectiva. Aplicando esto al cine europeo, posiblemente nos daríamos cuenta de que las películas francesas, o las inglesas, son tan idiosincrásicas que enseguida las identificaríamos. Y esta película es muy inglesa. Más que la moqueta en los baños, o la gabardina tres cuartos.

Empecemos el inventario: unos aburridos, previsibles, austeros y grises 60s (pre-Beatles). Una estudiante modélica, (Jenny: Carey Mulligan) de 16 años, con chispa, determinada, curiosa, con un toque naïve (ese “Quiero ser francesa”) entre ingenua y marisabidilla. Una madre (Marjorie: Cora Seymour) resignada, y un padre (Jack: Alfred Molina) temeroso, conservadores, y asustados de que esa hija tan inteligente y sofisticada no entre en Oxford por la nota de Latín. Un quinceañero (Graham: Matthew Beard), que comparte clases de música con Jenny, a la que pretende. Un treinteañero (David: Peter Sarsgaard) a medio camino entre un oportunista encantador y un depredador sexual, con unos amigos (Danny: Dominic Cooper y Helen: Rosamund Pike) reflejo de una burguesía en tonos pastel en la que las apariencias esconden negocios en tonos más turbios. Y, dando título al asunto, la educación disciplinada y rigurosa de un colegio con una profesora (Olivia Williams) estricta pero comprensiva y una directora (Emma Thompson) paradigmática e inflexible.

Y a partir de ahí, lo interesante de la película: los antagonismos entre los que oscila la vida de Jenny (inconmensurable interpretación de Carey Mulligan). Lo aburrido de su vida académica, y el entorno más divertido, lujoso y apasionante que le brinda David; lo previsible del colegio, o las clases de chelo o las subastas de arte, los clubes de jazz, los restaurantes o los conciertos “de verdad”; la curiosidad intelectual y Oxford o la aventura personal y la “Universidad de la vida”; el alcanzar una vida mejor mediante el esfuerzo personal o consiguiendo un marido que te mantenga, o, frivolizando, quedarse con el pardillo de turno (Graham) o con el hombre atractivo aunque te doble la edad (David). Y todo esto mientras Jenny, caracterizada aquí como una Lolita consciente tanto de su inteligencia, como de su atractivo coqueto, se convierte de chica a mujer, aunque sintiendo cómo debe tomar decisiones trascendentales lidiando con su vulnerabilidad adolescente y con una relación que le acerca de una manera de golpe a todo aquello que había soñado.

Se supone que el trasfondo de feminismo, de carga ética y moral, y el conflicto entre la educación formal y rígida y la vida carnal en una adolescente deberían llevar el peso en esta película, siendo un tema todavía vigente en un país donde la mitad de las mujeres optan por estudios superiores, y la otra mitad se anquilosa viendo Tele5 mientras espera a dar un braguetazo. Pero todo queda eclipsado por una interpretación protagonista mayúscula (con razón esa nominación al Oscar de Carey Mulligan), con una importancia similar a la de Audrey Tautou en ‘Amélie’. Y eso que el reparto es excelente, con un gentleman (Peter Sarsgaard) como “asaltacunas” y un genial Alfred Molina como padre, incluso una hilarante -pero secundaria- Emma Thompson. Y que la ambientación y la caracterización de los personajes son intachables. Y con un guión (Nick Hornby, el mismo de ‘Alta fidelidad’), que traslada la aburrida escena británica previa a la efervescencia del fenómeno fan y de la revolución sexual y que consigue mantener una sonrisa en tu boca, convirtiendo las memorias de Lynn Barber en una amalgama entre la comedia romántica, el drama y una TVmovie. Sin embargo, tanto el guionista como la directora (Lone Scherfig, de ‘Italiano para principiantes’) empañan su notable actuación con un desenlace que lastra a la película, que impide que el agradable y exquisito ejercicio de estilo no trascienda, que supone tropezar en el escalón que separa una interesante película de una película imprescindible. No es un error fatal ni traumático, pero sí que da cierta lástima el comprobar cómo, con un poquito más de metraje y con una resolución de la trama menos liviana, se podría pasar de un notable a un sobresaliente.
[7,75]

La ficha de ReySombra:
Recomendada para: amantes de lo británico. Parejas romanticonas. Chicas que no ven Tele5. Padres de adolescentes para pepararse para lo que se les puede venir encima.
Lo mejor: el duelo entre Jenny (Carey Mulligan) y David (Peter Sarsgaard). Otra vez Carey Mulligan. El reparto. La ambientación detallada y la elegancia y sutileza de la dirección.
Lo peor: Un final acelerado, precipitado, que desmerece al resto de la película. Cierta contención formal. Que nos acaben saturando con la sobreexposición de una actriz que, ya sea por su caracterización o por su elegancia, recuerda a Audrey Tautou o, [cuidado] Audrey Hepburn.
El dato: En el momento del rodaje, Carey Mulligan, con 22 años, interpretaba a una chica de 16. De veras resultaba creíble, no como habitualmente.
Las preguntas: ¿A alguien más le ha recordado vagamente el personaje principal al de Katie Holmes (Joey) en Dawson crece? ¿Y David no tiene un aire a Ángel Martín?

Para saber más:

• ‘Qué te lleva a ser guionista’: los motivos de Nick Hornby para escribir este guión, por el que ha sido nominado a Mejor Guión Adaptado en los premios Oscar y BAFTA 2009, y el interesantísimo camino que hay detrás de esta película, contado en primera persona.
• Web oficial de la película, prácticamente un monográfico de los premios acaparados por Carey Mulligan.
• En Metacritic, esta película es la 3ª película en cartel mejor valorada, y ocupa el puesto 172 de todos los tiempos.
• Puedes escuchar a Juliette Greco en Spotify, al igual que Jenny, y quedarte absort@ pensando en París como ella (si quieres).

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Pues bien, después de otra larga etapa de exámenes  (que no sé por qué, siempre veo como una batalla epica entre el bien y el mal), vuelvo al trabajo en Rey Sombra, ¡esta vez cobrando!

…

… no cuela, ¿verdad? Bueno, ¡había que intentarlo!

Durante una temporada esta sección desentrañará lo más profundo de mi ser (madre mía, ¡parezco un reclamo de los de La noria!), hablando de algunos de los comics que más me impresionaron a lo largo de mis 9 años de lectura incondicional, años en los que tuve que inventarme nuevos lugares donde guardar los comics porque ya no tenía dónde meterlos (porque no, chicos, debajo de la cama no vale, ¡es herejía!). Espero que os interese y opinéis los que hayáis leído algunos de ellos (Telémaco y Poliptoton, ¿listos para comentar? xD).

1.- Superman: rojo (2003)

En primer lugar, y de una manera algo poética, hablaremos de Superman:rojo (Superman: red son en el original)  un título del primer superhéroe de la historia. Esta no es una historia típica, sino un What if…? ambientado en una realidad alternativa. Porque imagináos lo siguiente: si el primer número de esta serie es del año 1938, ¿qué pasaría si Superman hubiese caído 12 horas después de lo que lo hizo originalmente? La Tierra habría rotado 180 º más, y en vez de caer en la querida Kansas lo habría hecho… ¡en la Ucrania soviética! Y como al que los suyos se parece, honra merece, el hombre de acero se convierte en el principal símbolo (y arma) de la URSS de Stalin, dando un cambio radical a la Guerra Fría.

No os voy a engañar: el comic no sólo me encanta. Es que recuerdo perfectamente el momento en el que di la vuelta a la última página y vi el final del relato (que conste, pensé que iba a ser otro): era un viernes de exámenes en 1º bachillerato, los de R estaban instalando internet en casa y mi padre, en vez de dejarme estudiar Biología, me dijo que descansase una tarde. Pues bien, agradezco públicamente que me diese ese consejo, porque fue lo mejor que pudo hacer.

El guión, obra de Mark Millar (recordad este nombre, lo citaré más veces) es brillante, sabiendo reflejar el miedo comunista en la América de los 50 y, al mismo tiempo, ofrecer una genial historia de superhéroes, donde los personajes clásicos de DC (tanto héroes como villanos) aparecen de forma natural, sin forzar argumentalmente su presencia (mención especial la aparición de Batman: es… cómo decirlo… ¡brutal! Sobre todo porque deja claro que  no es sólo un tío disfrazado, sino una fuerza equilibradora…). En cuanto al dibujo, Dave Johnson no es un artista revelación, pero hay que reconocerle el trabajo realizado (es un currante), sobre todo porque su estilo, casi sin percibirlo, va evolucionando conforme avanzan los años en el relato. Y es que los años 50 no se ven igual que los 70, y mucho menos si es una realidad paralela…

Eso sí, Millar deja claro en el prólogo que este no es un comic tipo “occidente mola, los rojos son malos”. Aquí habla de algo que va más allá. De lo que es bueno y de lo que es malo. De cómo las circunstancias pueden variar el camino de una persona. Pero sobre todo,  y eso es lo más importante, habla de cómo, aunque el camino puede cambiar, la meta es siempre la misma.

Sólo una última cosa: este comic demuestra que la gracia de este personaje está en su reinterpretación. Es el problema de tener 72 años de vida y ser prácticamente invencible, que para triunfar hace falta volver al punto de partida y darle la vuelta al planteamiento. Por eso los mejores comics de Superman son los que no hablan “exactamente” de Superman…

… pero, en palabras de Mad Hatter, esa historia deberá ser contada en otra ocasión.

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Probablemente lo primero que cabe decir es… sorpresa, sorpresa. Muchos vaticinábamos que Avatar iba a arrasar en estos premios, que la industria no podía permitirse no devolverle el favor a la producción que más alegrías económicas le ha dado en muchos años. Y sin embargo, han optado por premiar En tierra hostil, una producción independiente, sin grandes nombres en su reparto, pero que, a medida que iba pasando por diversos festivales, iba creando un cierto runrún sin que tampoco ocupara los principales titulares.

Cabe pensar que algo ha cambiado en la Academia de un tiempo para aquí. En los últimos diez años ha premiado cosas como American Beauty, Million Dollar Baby o No es país para viejos, películas muy alejadas todas ellas del canon que solía garantizar la estatuilla, generalmente reservada para melodramas de época o producciones épicas de los grandes estudios. De alguna forma, todos sabíamos que había un tipo de película “de Oscar” y todo lo que se saliera de ese formato o bien no se comía una rosca o simplemente se tenía que conformar con la nominación como consuelo. Se han cometido así grandes injusticias a lo largo de los años en los que “la buena” perdía siempre sistemáticamente ante “la de Oscar”: Apocalypse Now contra Kramer contra Kramer en el 79, Toro salvaje contra Gente corriente en el 80, Uno de los nuestros contra Bailando con lobos en el 90, L.A. Confidential contra Titanic en el 98… Algo, como decimos, parece haber cambiado y filmes hechos con plantilla para estos premios como Australia o Cold Mountain fracasan ante producciones más modestas. ¿Ha muerto una generación de académicos y el perfil del votante es otro? ¿Han cambiado sus gustos? ¿Se trata simplemente de un período de crisis en el cine de los grandes estudios? No nos sentimos capaces de dar una única respuesta, pero los hechos ahí están y nosotros nos alegramos de esta nueva tendencia, por mucho que tampoco formemos parte del furibundo sector anti-Avatar, que para nosotros no deja de ser una sencilla y entretenida película de aventuras.

La triunfadora de la noche, pues, ha sido la señora Kathryn Bigelow, autora de esa maravilla de la ciencia-ficción que es Días extraños (1995), pero también de notorios coñazos como El peso del agua (2000). Queremos apuntar un par de cosas respecto a su premio. Una, que el pretendido y morboso “duelo entre ex amantes” que planteó la prensa a propósito de su candidatura frente a James Cameron estaba un poco cogido por los pelos porque ambos tienen una excelente relación y porque de hecho han colaborado juntos desde su separación. Y dos, que se ha subrayado quizá excesivamente su condición de mujer, como dando a entender que por fin los retrógrados de la Academia premiaban a una. Sin ánimo de ofender (y esperando que nadie nos tache de machistas por esto), nos gustaría que alguien nos hiciera una lista más o menos exhaustiva de directoras de prestigio que permitiera considerar una anomalía el hecho de que hasta ahora ninguna hubiera ganado el Oscar a la mejor dirección. Porque haciendo esfuerzos, nos vienen a la memoria unos pocos nombres, y todos de serie media, como Marjane Satrapi, Jane Campion, Sofia Coppola o, en el plano local, Isabel Coixet e Icíar Bollaín. En resumen: poco, muy poco.

Nos alegra mucho el premio para el gran Jeff Bridges, quien por fin ha obtenido su recompensa después de regalarnos interpretaciones como las de Los fabulosos Baker Boys o El gran Lebowski. Jeff nos cae tan bien que no nos importa que su premio venga por Corazón rebelde (no Salvaje, señores de la prensa, ésa es otra), una película que da una pereza inmensa y que sólo con ver el trailer uno ya tiene la sensación de haber visto. Y nos alegra bastante menos el premio para Sandra Bullock, actriz bastante limitada que parece estar viviendo ahora una nueva etapa de gloria tras sus éxitos de los 90. De todas formas, esperaremos a que Fox España tenga a bien estrenar The Blind Side (vaya reflejos, majetes) para poder opinar con más criterio y menos prejuicios. Por lo pronto, reconocemos que nos ha gustado el sentido del humor que ha demostrado acudiendo a la gala de los Razzies.

Por lo demás, premio merecido para El secreto de sus ojos como mejor película de habla no inglesa, pero no podemos decir que justo, porque el nivel este año era tan alto en esta categoría que era difícil quedarse sólo con una. Y premios también para Mo’nique (cantado), para Up (que por aquí nos gustó tanto) y para el Christoph Waltz de Malditos bastardos (que nos gustó bastante menos). Intentaremos, como siempre, obtener todas las entrevistas posibles con las estrellas de Hollywood en exclusiva para ReySombra. Mientras tanto, y con vuestro permiso, nos vamos a dormir, porque el licor de casa de Jack Nicholson no hay por donde cogerlo.

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25 – Friday Night Lights (2006-)
La lista se abre con este retrato de la América profunda a través de un equipo de fútbol juvenil. No sólo es digna de elogio la producción en sí, sino también su novedoso formato y cómo su cadena ha afrontado de manera innovadora la financiación de un producto para minorías en una televisión cada vez más fragmentada. En un momento en el que nadie sabe demasiado bien cómo combinar Internet, las plataformas de pago y la televisión tradicional, Friday Night Lights ha propuesto su propio modelo.

24 – The O.C. (2003-2007)
¿Esperabais una lista sesuda donde cualquier cosa más ligera que Mad Men no tuviera cabida? Os equivocabais: en ReySombra también sabemos ponernos petardos y sacar al adolescente que hay dentro de nosotros. One Tree Hill, Gossip Girl o la serie que nos ocupa son tan parte de la televisión actual como los informativos, los Llama y Gana o los debates de Intereconomía. Y, aunque muchos preferirían vender su alma al diablo antes que reconocerlo, son el secreto placer culpable de más de uno y más de dos que pasaron los 15 años hace mucho, mucho tiempo…

23 – 7 vidas (1999-2006)
En un país normal, esta serie duraría 25 minutos y nos habría ahorrado mucha paja. Pero ya sabemos cómo son las cosas por aquí, asi que, tragando ese sapo, hay que decir que 7 vidas es seguramente el intento más logrado de sitcom que se ha llevado a cabo en España, a pesar de su insultante repetición de argumentos y a pesar incluso de Eva Santolaria. Para el recuerdo quedan algunos chistes realmente certeros y muchos momentos entre Javier Cámara y Amparo Baró. Es una pena que después de ella viniera la nada. Muchos, de hecho, no hemos vuelto a ver una serie española desde que echó la persiana.

22. Aquí no hay quien viva (2003-2006)
José Luis Moreno tiene por profesión manufacturar caspa en cantidades industriales y tan respetable negocio (a nadie le pusieron una pistola en la cabeza para que viera Escenas de matrimonio) le ha servido para construir un imperio. Con Aquí no hay quien viva, sin embargo, amplió su abanico y llegó a ciertas capas de público que nunca antes habían sido su target. Y tal fue el pelotazo que tuvo que venir la competencia a desmontarle el chiringuito a golpe de talonario.

21. Little Britain (2003-2006)
El humor, entendido como un deporte de riesgo, puede gustar e irritar por igual, e incluso entre sus seguidores más acérrimos Little Britain logra probablemente ambas cosas en cada uno de sus episodios. El formato sketches es irregular por definición y sí, en muchos momentos asistimos al mal gusto porque sí. Pero es que también están Vicky Pollard, Daffyd (“the only gay in town”), Lou y Andy, el fulano de “I’m a lady”, los Fat Fighters… Los grandes momentos de esta intraducible serie son sencillamente desternillantes y sus frases se le pegan a uno como una lapa. No se puede ser fan y no soltar “Computer says no” cada vez que el ordenador te deja tirado.

20. True Blood (2008-)
Ya lo decíamos cuando la incluímos no hace mucho entre lo mejor de 2009: la gracia de True Blood está siempre en que cuanto peor, mejor y en no tomarse en serio a sí misma, una práctica muy saludable cuando uno transita por terrenos peligrosos. Un producto de lo más disfrutable y sin complejos que (cosas de la vida) es en estos momentos, y a la espera de sus nuevos lanzamientos, la estrella de una HBO en horas bajas.

19. Deadwood (2004-2006)
En el limbo de las series canceladas antes de tiempo descansa todavía esta joya, que cayó víctima del escaso apoyo popular y, sobre todo, de su elevado coste. No es para menos: seguro que hacía falta toda esa pasta para reflejar el Antiguo Oeste en todo su esplendor (y su miseria). Estéticamente era perfecta, los guiones eran sólidos como una roca, creó a uno de los grandes personajes de nuestro tiempo (Al Swearengen)… Pero qué se le va a hacer, el mundo de la tele es así de duro.

18. Me llamo Earl (2005-2009)
La vieja historia del karma: Earl gana la lotería y poco después le atropella un coche. Se familiarizará con el concepto e irá tratando de compensar todas las malas acciones que ha cometido en su vida. La idea es interesante para una comedia y enseguida se creó un nicho de fans. Por desgracia, la audiencia cayó en picado y se convirtió en otra más de las producciones sin final. Qué podemos decir: lo sentimos por sus seguidores.

17. The IT Crowd (2006-)
Fresca y divertida como ella sola, The IT Crowd se presentó un día en nuestras vidas, nos hizo descojonarnos de risa al primer minuto y ya no nos soltó nunca más. Está claro que cuando se ponen, nadie hace mejor comedia que los ingleses. Y si no nos creéis, aunque no hayáis visto nunca nada de esta serie, coged el episodio 2×01 (sí, el de “I’m disabled!”) y ya nos contaréis. Por aquí algunos pensamos humildemente que es lo más gracioso que ha escrito nadie en estos diez años.

16. Curb Your Enthusiasm (2000-)
¿Verdad que cuando oyes a alguien decir algo que nadie más se atreve a expresar en voz alta te entran ganas de aplaudir? Pues eso es más o menos lo que hace Larry David (la persona y el personaje, son imposibles de diferenciar) todo el rato: sacar lo peor que hay en nosotros, esos rincones oscuros que hacen que muchas veces tengamos ganas de mandar a tomar por culo las convenciones sociales pero no tengamos narices para ello. Larry lo hace y, lo que es más complicado, consigue hacer humor a partir de eso. Puede que el segundo judío más neurótico de Norteamérica repita con demasiada frecuencia sus esquemas, pero nos da igual: aquí somos fans rendidos del señor David.

15. Dexter (2006-)
Cuando Dexter apareció en nuestras vidas hace cuatro años, aquello fue una especie de huracán. Coger como protagonista a un asesino en serie con alma de Robin Hood no sólo es uno de los planteamientos más arriesgados que se han intentado en televisión, sino también todo un desafío a la lógica de la empatía del espectador. Después de una primera temporada absolutamente redonda, la pérdida del factor sorpresa quizá lastró un poco las dos siguientes, pero el duelo con Trinity en la cuarta ha devuelto esta serie a su sitio. El momento “Hello, Dexter Morgan” queda ya para la posteridad.

14. The Wire (2002-2008)
Me vais a perdonar la expresión, pero The Wire es una patada en los cojones. Una patada a todas las reglas imaginables en televisión: las del ritmo, las de la temática, las del carisma y las relaciones de los personajes, las del tono. Si tiene que pasarse siete capítulos para explicar cómo se consigue colocar un micrófono, lo hace; si tiene que cargarse a los pocos personajes que caen bien al espectador, lo hace; si tiene que decirnos que todo es una mierda y dejarnos deprimidos una semana, lo hace. El riesgo tuvo su coste: jamás se comió una rosca en términos de audiencia. Pero demos gracias a que existe HBO por mantenerla cinco años con esos números: si fuera un policía de Baltimore, habría sido degradado a la sección de empeños. Obra maestra.

13. 30 Rock (2006-)
Durante 20 minutos a la semana, la televisión se suelta la melena, abandona los realities y los policías con poderes sobrenaturales y se entrega al despiporre absoluto. Durante esos veinte minutos (que parecen cinco por la velocidad a la que se suceden los diálogos) puede ocurrir de todo: los protagonistas de Juzgado de guardia se pueden reunir para escenificar en privado el final que la serie nunca tuvo, alguien puede cambiar el mundo con un videojuego porno o podemos ver a Al Gore corriendo para salvar una ballena. Es una suerte que la tele tenga este mecanismo de catarsis: gracias a él, es un medio mucho más saludable.

12. Battlestar Galactica (2004-2009)
Cuando pensábamos que la ciencia-ficción más clásica, la de navecitas, robots y tripulaciones, estaba acabada, alguien tuvo la idea de coger una antigua serie de hace 30 años, reimaginarla (mucho) y, con esos mimbres, crear probablemente el universo ficcional más rico que ha dado la tele en esta década. Con una producción sobria pero cuidadísima y unas tramas realmente apasionantes (olvidaos de la última temporada, por favor), a veces a uno le dan ganas de haber pillado Battlestar Galactica con 15 años para disfrutarla como se merece, pero como no puede, se conforma con comprarse tostadoras Cylon y hacerse una idea.

11. El ala oeste de la Casa Blanca (1999-2006)
Si no fuera por los cortes para publicidad y algunas pequeñas concesiones, uno pensaría que está viendo una minoritaria producción para algún canal de cable. Y no, oiga, el señor Aaron Sorkin (todos en pie) creó una densa serie sobre los entresijos del poder político en la única superpotencia del mundo y, mire usted por dónde, fundió los audímetros de su tierra, quizá porque tuvo la inteligencia de lograr que la serie pueda disfrutarse a más de un nivel. Fuera de su país natal, hay que saber verla (no es un artefacto subversivo, pero tampoco un panfleto patriótico) obviando los prejuicios que han hecho que no triunfara como debía a este lado del Atlántico.

10. Friends (1994-2004)
Aunque sea más de los 90 que los vaqueros rotos o las gorras al revés y sus últimas temporadas tiraran a flojas, Friends entra también en esta lista por su desarrollo como fenómeno y sobre todo ese final (tan sensiblero como efectivo) que, con sus 52 millones de espectadores, se convirtió en un hito en la historia de la televisión estadounidense. Para bien o para mal, hay una generación que ha crecido con esta serie. Sus personajes, sus historias y sus frases van con nosotros, queramos o no.

9. Mad Men (2007-)
Probablemente no se nos va a ocurrir ningún elogio para esta serie que no haya dicho ya alguien antes, así que ni siquiera lo vamos a intentar. No es por pose por lo que Mad Men es la niña bonita de la crítica mundial en este momento: tiene que ver con la elegancia, con el cuidado, con la perfección que desprenden todos sus elementos y con contar a estas alturas, transcurridas ya tres temporadas, con un expediente inmaculado y sin un sólo borrón. Esperemos que el nivel se mantenga: de hecho, lo necesitamos.

8. Cómo conocí a vuestra madre (2005-)
Una y mil veces se la ha etiquetado como la heredera de Friends y una y mil veces se ha demostrado que el sambenito le venía grande, tanto en envergadura como en repercusión. Pero eso no quita para que sus capítulos se devoren sin que uno apenas se dé cuenta y para que sea una de las sitcoms más carismáticas de esta nueva generación. De hecho, hay quien cita las sentencias de Barney Stinson como si fuera Confucio.

7. The Office (2005-)
Érase un inglés llamado Ricky Gervais que en una miniserie para la BBC parió, directamente y sin epidural, una nueva forma de hacer humor. Los americanos decidieron hacer un remake con Steve Carrell y se dispararon todas las alarmas prejuiciosas del planeta. Todos nos equivocamos: Greg Daniels y los suyos cogieron un excelente material de base y demostraron que daba mucho más de sí y se podía llevar mucho más lejos. The Office es a los remakes lo que El Padrino II a las secuelas: la maravillosa excepción de la odiosa regla.

6. Padre de familia (1999-2002, 2005-)
Forzar lo políticamente correcto al límite de lo humanamente tolerable sin caer en la provocación barata o en el porque sí es una tarea al alcance de pocos. Y aunque la pandilla de Seth McFarlane no complazca siempre a todo el mundo (porque a nadie le gusta cuando se ríen de lo suyo), su corrosiva serie es realmente un balón de oxígeno que la televisión y nosotros mismos necesitamos como el comer. Probablemente lo único que se le pueda achacar a Padre de familia es su forma de devorarse a sí misma, que hace que sus episodios envejezcan más y peor que los de sus series primas-hermanas. En lo demás es insuperable.

5. Futurama (1999-2003)
Justo cuando a Los Simpson empezó a abandonarles el desodorante, Matt Groening reclutó a lo más granado de su plantilla (productores, animadores, guionistas) para embarcarlos en un nuevo proyecto que llevaría a la animación televisiva a un nuevo y más ambicioso nivel. Qué os vamos a decir de Futurama que no sepáis: nos sabemos los episodios de memoria y, aun así, sigue siendo igual de ácida, fresca, divertida y estimulante que la primera vez. Y 10 años después, Bender sigue siendo el puto amo.

4. A dos metros bajo tierra (2001-2005)
¿Quién dijo que ya no se hacen culebrones? ¿Y que éstos no son buenos? Porque eso ni más ni menos es Six Feet Under: un culebrón con todas las letras. Eso sí, uno de su tiempo, repleto de angustia, de tristeza, de seres solitarios o descolocados que se pasan la vida intentando descubrir qué coño es lo que tienen que hacer. Todo contado con una delicadeza exquisita hasta su misma escena final, que es sencillamente para enmarcar. La serie de la época que nos ha tocado vivir.

3. Perdidos (2004-2010)
Creemos que es una serie que va de un grupo de supervivientes de un accidente aéreo que cae en una isla. Y que luego empiezan a pasar cosas raras. Tenemos entendido que dentro de poco se va a emitir la última temporada o algo así y se ve que tiene unos cuantos fans y eso. Pero no nos hagáis mucho caso. A fin de cuentas, se trata de una serie de la que hay muy poca información y seguramente deberíamos tener más argumentos para explicar el porqué de su tercer puesto en esta lista… Pero vamos, que son sólo suposiciones…

2. House (2004-)
Desde Starsky y Hutch hasta Se ha escrito un crimen, los procedimentales siempre han estado ahí y casi siempre han sido una fórmula de éxito. Tienen la ventaja de que te puedes perder media hora, o un capítulo entero, y no pierdes el hilo. E incluso algunos (Bones, Caso abierto, Sin rastro) son muy prácticos porque puedes seguirlos sin problemas mientras planchas o haces la colada. Otros, como éste, al menos se toman la molestia de currarse unos personajes (sobre todo uno) y dar de vez en cuando un par de volteretas para que el público un poco inquieto no se aburra. A ver cuántos conejos les quedan en la chistera para seguir teniéndonos entretenidos.

1. Los Soprano (1999-2007)
La caja de Pandora, el Big Bang, la piedra filosofal, la madre del cordero. La serie, en definitiva, que dio el pistoletazo de salida a la edad de oro de la ficción televisiva americana e hizo posible todo lo que vino después. Es muy complicado resumir en tan pocas líneas la importancia de Los Soprano como revolución, como obra de arte absoluta y como fenómeno cultural de su tiempo. Sí, son grandes palabras, pero vienen respaldadas por los hechos. Es suicida que cada año intentemos buscarle una heredera en las novedades de la parrilla: mal que nos pese, como ella sólo habrá una y el día que vimos el final más polémico de la historia, la tele se quedó muy huérfana. Sería impensable otro número 1: primero Los Soprano, el resto después.

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Me gusta el tono clásico de la historia y me interesa mucho el rollo revival de los clásicos del suspense y el terror de serie B de los años 40 y 50, ese estilo de películas como La mujer pantera (Jacques Tourneur, 1942), El enigma de otro mundo (Christian Nyby, 1951) o Mientras Nueva York duerme (Fritz Lang, 1956), que hoy en día siguen siendo tan disfrutables, hasta el punto de que muchas han envejecido casi mejor en su humildad que otras grandes producciones de su época. No creo equivocarme mucho si sitúo al desaparecido estudio como uno de los referentes de esta historia porque, por poner un ejemplo, me resulta imposible ver esa primera escena en el barco y no pensar en King Kong (Merian C. Cooper, Ernest B. Schoedsack, 1933).

Hasta ahí perfecto, pero me da la sensación de que alguien se olvida que de aquellos tiempos ha pasado más de medio siglo y la emulación por sí misma no tiene demasiado sentido. Por eso echo de menos que la película adopte una cierta distancia irónica respecto de sus referentes, que permita hacerla respetuosa pero a la vez contemporánea. La estridente banda sonora que acompaña el paseo en coche de los protagonistas hacia el manicomio/centro de detención me deja claro desde el primer momento que esa distancia no existe y me molesta un poco: me toca las narices que una música me diga de manera tan enfática que tengo que tener miedo cuando la película acaba de comenzar y aún nadie me ha dado un motivo para estar inquieto.

Está también, y a lo mejor esto es algo (todavía más) subjetivo, el factor DiCaprio. Han pasado casi diez años desde aquel fallido espectáculo de pirotecnia que fue Gangs of New York (2002) y aún no tengo ni idea de qué ha visto Scorsese en este actor con tan poca presencia y al que siempre me cuesta tanto creerme. Tiene que estar excepcional para que a mí me parezca correcto y el tiempo que pierdo en creérmelo es tiempo que debería estar empleando en la película. Y cuando ésta no me convence, no tengo tiempo que emplear en darle más oportunidades a este muchacho.

Y no puedo dejar de hablar, con todo el dolor de mi corazón, de la puesta en escena. Es algo que uno jamás pensaría que iba a criticar de una película firmada por el autor de Toro salvaje y sin embargo, ahí están todas esas (largas) secuencias oníricas que me parecen tan infinitamente mal hechas. Tan torpes, tan obvias, tan mal ejecutadas que no me dejan disfrutar del resto porque todo el rato estoy temiendo que vuelvan a aparecer.

Os hablaba, en fin, de expectativas. Qué os voy a contar: cada vez que el señor Martin Scorsese estrena una nueva película, yo (y perdonen la expresión) voy poniendo el culo en pompa. Por eso me sabe mil veces peor el visionado de esta película sabiendo que él está detrás, porque esto parece filmado por un Zemeckis o un Schumacher cualquiera. En resumen, que no me hagáis caso, porque todo el mundo está diciendo que Shutter Island es cojonuda, así que me voy a limitar a aprovechar este rincón para lanzar una advertencia. Marty, desde aquí te lo digo: más vale que Broadwalk Empire sea una pasada. Porque si no, me voy a empezar a mosquear en serio. Contento me tienes, majete. [Nota: 5,00]

La ficha de ReySombra:

Lo mejor: Lo que quiere ser, más que lo que es. Y, como siempre, ver a Max Von Sydow, aunque sea un ratito.
Lo peor: Los sueños y alucinaciones varias, que quieren ser Lynch y se quedan en Calparsoro.
El dato: Las escenas en la institución mental están rodadas realmente en un viejo manicomio abandonado, situado en en Medfield (Massachusetts)
La advertencia: Yo que vosotros evitaría por todos los medios ver el tráiler a menos que queráis ver la peli entera en dos minutos (lo de abajo es sólo un sutil teaser).

Para saber más:

• La ficha de la película en IMDB y su web oficial.
• Breve historia de la RKO.
• Surrealista rumor que está sonando mucho por la red: Lars Von Trier ha retado a Scorsese a rehacer Taxi Driver a lo Cinco condiciones.
• Entrevista con el maestro a propósito de su nueva película.

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Lo reconozco: a veces te equivocas, o llegas tarde a algunos discos, y es justo (y necesario), reconocer los errores. Y oye, que uno tiene orgullo, pero hay evidencias tan obvias que resultan incontestables. Así que, Ramón, no me lo tengas en cuenta. Tu primer disco me había gustado mucho, pero no sé por qué, a ‘La dimensión desconocida’ no le presté la atención debida. Igual es que la primera escucha me pilló demasiado ocupado (esos días que andas liado, y que al responder el correo o al hacer las tareas domésticas, eres consciente de que tienes hilo musical pero no le prestas atención.) Y cuando elaboramos lo mejor del año, aunque un colaborador lo propuso, no mereció toda la atención (y los votos) que ahora se llevaría por mi parte. Así que, antes de nada, mea culpa.

El caso es que este fin de semana, de mano de la (recién nacida) productora Work On Sunday, llega a Galicia, y aunque uno, por motivos personales no se puede acercar, no puede evitar recomendaros fehacientemente que os acerquéis a escucharle en directo. Y os voy a pormenorizar los motivos:

The New Raemon – A propósito de Garfunkel (2008)
Lo primero que llama la atención de este disco es ese don de apreciar la cotidianeidad como algo excitante, lo romántico como algo necesario, lo optimista como la mejor actitud posible para afrontar los problemas, y, al igual que otros grupos cercanos geográfica y, en menor medida, musicalmente (como Love of Lesbian o Manos de Topo), con el sentido del humor como herramienta imprescindible para la supervivencia diaria. El disco arranca como probablemente nos ocurra a muchos de nosotros, con ‘La Cafetera’, pero en una mañana de domingo astromántico, en la que no necesitas mirarte al espejo (‘Tú Garfunkel’), y alejada de la rutina -en este caso, la suya de músico: ‘¡Hoy Estreno!‘-). El disco oscila entre ese maravilloso universo propio “ahondando en lo profundo de las mierdas de este mundo” (en ‘El cau del pescador’ nos “presenta” a su entorno, en ‘El Saben aquel que diu’ se viste de Eugenio para soltar verdades como puños generalizables a cualquiera de nosotros, de las que se ríe en ‘Fuera complejos’), y su análisis de las relaciones sentimentales, tanto desde el punto de vista más amargo (‘El fin de la resistencia’, ‘Mil gracias’), como desde el más tierno (‘Elena-na’, ‘Hundir la flota’). Y todo esto, con ingenio, y empatía, hasta el punto de que transmite la cercanía de esos largos cafés dobles en los que la conversación te purifica más que todas esas aguas minerales que te limpian por dentro y por fuera (?). [8,50]

The New Raemon – La invasión de los Ultracuerpos (EP) (2008)
Y apenas unos meses después tras la tremenda revelación que supuso su debut, nos llegó este regalito, tan esperado como esperanzador resultó ser. Porque arranca con una de las canciones más redondas de este proyecto (‘Sucedáneos’), y continúa con una nueva cara que no nos había mostrado en este proyecto (no valoraremos aquí sus otras facetas en Madee o en Ghouls’n'Ghosts), con una versión de Nueva Vulcano, en la que, a pesar de ser un medio tiempo -tan habitual en sus estructuras-, desprende una energía rutilante, gracias a esa guitarra eléctrica que va marcando la luminosidad y la fuerza a una canción, ‘Mano izquierda’, que guarda completa coherencia con su repertorio. Pero lo interesante viene a continuación, cuando parece que tuerce el gesto, y las canciones se vuelven más introspectivas y melancólicas de lo que nos tenía acostumbrado. ‘Vale por todo lo bueno’ desprende la nostalgia del treinteañero que se siente en tierra de nadie, y ‘Tiembla Dublín’ transmite un derrotismo y un aislamiento depresivo, con una atmósfera igual que te hace sentir la humedad del clima británico, marcado por ese piano que representa esas tardes de otoño en las que te quedas absorto mirando por la ventana. ‘Sombrío’, con su batería trotona y amenazante, arranca como un interludio inquietante, hermético, que se convierte en una coraza protectora de la desnudez emocional a la que parece que Ramón teme exponer (“No hay nada más que decir”). Finalmente, ‘No fastidies’ resulta un experimento fascinante, por el paso atrás de la voz, que pasa de solista principal -y jugando con sus tonalidades-, a mero acompañante en algunos momentos, para dejar paso a una percusión onírica, a una guitarra eléctrica afilada y psicodélica, a unas palmas que le aportan un ritmo marcial que, por un momento, nos hace preguntarnos: ¿Así sonaría Bon Iver en español? [8,00]

The New Raemon – La dimensión desconocida (2009)
Su regreso al formato LP arranca como un tiro, con, qué ironía, ‘La Siesta’, semánticamente opuesta a ‘La Cafetera’, pero, formalmente, tan parecidas en la inmediatez y la fuerza del optimismo contagioso que transmite (¡Maldita sea! ¿Esto es canción de autor + power pop?), para continuar, reduciendo una marcha, con la adorable ‘Estupendamente’, que empezando desde ese toque de nana amable, va creciendo como una canción buenrollista (vamos, como la entiendo yo. No confundir con los desagradables ruidos de Macaco y otros grupos de (con)¿fusión?), que te impulsan a creer en el karma, en la filosofía zen, y hasta en el plan Special K. Y, para que no dejemos de mover los pies, ‘Variables’ nos demuestra cómo es capaz de ensamblar relaciones de pareja, amistad, y demás trastornos del comportamiento humano, con deliciosas melodías electroacústicas, al igual que la repescada ‘Sucedáneos’. ‘Por tradición’ es otra demostración del talento de Ramón Rodríguez en el desarrollo de los temas, en apariencia tan sencillos, pero con los condimentos necesarios para cada uno. Pero todavía tenemos otro giro en el guión: el sarcasmo y la mordacidad que iban apareciendo con cuentagotas empapan la trepidante ‘La gran caída’ y la pegajosa ‘Dramón Rodríguez’, que sirven de preludio a las intensas y emocionales ‘La dimensión desconocida’ (¿no os recuerda esa guitarra al murmullo del mar en invierno, o se me está yendo la mano con las metáforas?) y a la despedida con ‘La recta final’, con esa preciosa armónica que pone el broche a un disco vibrante, que empieza con el espíritu de un cantautor eufórico en los bises del concierto, y acaba en la intimidad más hogareña, con una niña irrumpiendo en el estudio de grabación. [9,00]

The New Raemon – Cuaresma EP (2010)
Decid la verdad: ¿cuándo ha sido la última vez que habéis escuchado la palabra cuaresma y os ha hecho ilusión? Y aunque a Rouco Varela o a nuestras abuelas les haga ilusión que escuchemos un disco titulado así, no tiene nada que ver con la religión. O al menos, yo no le he encontrado ese sentido. Aunque, forzando la situación, sí se que se le encuentra un tono más pausado, más reflexivo, más íntimo, quizá buscando redención (‘Némesis II’, o la homónima ‘Cuaresma’), o, simplemente intentado hacer borrón y cuenta nueva, prometiendo cambiar (‘Te debo un baile’, de nuevo versión de Nueva Vulcano, con esos preciosos arreglos de cuerda). Completan el lote dos canciones en catalán, versiones ambas, una de Lluís Llach (‘Que tinguem sort’), quizá más conmovedora que ‘M’agradaria ser un lemür’, de Estanislau Verdet, más desnuda, que desprende (bueno, lo intuyo, que el catalán no es un idioma que domine) añoranza de una vida sencilla, rural, alejada de la gran ciudad. Un conjunto de canciones más calmados e íntimos, a los que sirve de puente o bisagra ‘La mesa redonda’, que confirma que, incluso en las distancias más cortas, y con la instrumentación más austera, este tipo ha dado en el clavo, y ha encontrado la forma ideal de practicar gimnasia emocional, sin estancarse en la misma tabla de ejercicios y manteniendo nuestro interés vigente con un prolífico ritmo de entregas. [8,25]

La ficha de ReySombra:
Recomendado para: gente con sentido del humor. Gente que escucha a Francisco Nixon, Love of Lesbian, Manos de Topo. Gente que no soporta el malditismo de Nacho Vegas, o que nunca ha visto reír a Quique González.
Lo mejor: la capacidad de convertir lo cotidiano en algo ilusionante. Su universo particular. La empatía con el oyente.
Lo peor: que nos está acostumbrando muy bien en cuanto a cantidad y calidad, y no siempre será así.
El dato: Su blog personal – por favor, párate a leer su perfil- tiene un título (¡Souvenirs! ¡Artículos de coña!) muy similar al libro de monólogos de Rober Bodegas (Novedades, Souvenirs, artículos de coña)

Los conciertos en Galicia de The New Raemon:
- 5 de marzo: Sala Mondo, Vigo. The New Raemon
- 6 de marzo: Le Club, A Coruña. The New Raemon + Abraham Boba
Puedes enterarte de otros conciertos con muy buena pinta en Galicia en el myspace y en el Facebook de Work On Sunday.

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Para los profanos de la historia del heavy-rock español, comenzaré repasando la historia de uno de los grupos más destacados de la misma: Barón Rojo. La mítica banda se formó allá por 1980 por la unión de los hermanos Armando y Carlos de Castro (guitarras y voces) , José Luis Campuzano “Sherpa” (bajo y voz) y Hermes Calabria (batería).

Desde 1981 la formación original de Barón Rojo publicó 7 discos de estudio (Larga vida al Rock & Roll, Volumen Brutal, Metalmorfosis, En un lugar de la marcha…) y 2 directos, dejando en ellos grandes temas como Con botas sucias, Los rockeros van al infierno, Resistiré, Casi me mato, Campo de concentración, Cuerdas de acero, Hijos de Caín, Breakthoven o Tierra de nadie.

En 1989 Sherpa y Hermes Calabria abandonaron el grupo
Desde entonces la formación de la banda ha cambiado en varias ocasiones y han publicado 6 discos de estudio, 3 recopilatorios y 2 directos, además de En clave de rock, un disco en directo grabado junto a la Banda Sinfónica del Centro Instructivo Musical de Mislata, una iniciativa única en España.

En 2009 en el festival Metalway se realiza un concierto en el que se reunen los miembros de la formación original de Barón Rojo: los hermanos de Castro, Hermes Calabria y Sherpa. Dando continuación a esta reunión, en 2010 dará comienzo una gira conmemorativa de los 30 años de la formación de la banda que traerá a la formación original hasta A Coruña el 6 de marzo por el “módico” precio de 20€ (23€ en taquilla).
Puedes escuchar una entrevista en Asuntos propios de RNE, conducido por Tony Garrido, a todos los miembros de la banda.

Por tanto, resumiendo:

• Que Barón Rojo es una de las mejores bandas de la historia del heavy-rock español, cierto.
• Que Barón Rojo es y será un referente para todas las bandas de heavy-rock españolas, cierto.
• Que los hermanos de Castro llevan años exprimiendo los grandes logros de los 80, cierto.
• Que la gira de reunión no es más que un pretexto para hacer caja gracias a la nostalgia de los grandes tiempos de la banda, cierto.

Pero aún así, los barones son los barones y ésta es, tanto para los nostálgicos como para las nuevas generaciones, una oportunidad única para poder ver en directo a la formación original de la banda, a la que ha dejado marca en la historia de la música en España, a los verdaderos barones.

Y aunque con la cartera vacía cueste decirlo, ¡¡¡LARGA VIDA AL BARÓN!!!

Para los más observadores y/o amantes de lo oculto: Sí, Barón Rojo ha grabado 13 discos. Puedes escuchar algunos de ellos en Spotify.

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Título: Sanxia Haoren (Still Life).
Año: 2006.
País: China.
Dirección y Guión: Jia Zhang Ke (AKA Jia Zhangke).
Música: Giong Lim
Fotografía: Nelson Yu Lik-wai
Reparto: Tao Zhao, Sanming Han
Premios: Venecia 2006, León de Oro.

Naturaleza Muerta (Still alive), trata sobre un minero que vuelve a su pueblo a buscar a su mujer y a su hija, a las cuales no ha visto en 16 años, y una mujer, que por si parte, busca en la misma ciudad, a su marido, que se marchó hace dos años. Pero, aunque buscan a sus parejas, la razón es muy distinta, al igual que la historia verdadera de la película que va mucho más allá de la de los dos personajes. Ambos se van a encontrar con la ciudad de Fengjie, que está en las fases finales de destrucción para dejar paso a la Presa de las Tres Gargantas.

Nos encontramos ante una película distinta, ya no sólo por ser cine oriental sino más concretamente chino. Recordemos que en China, existe una dictadura con todas sus letras, en la que los artistas ven coartada su libertad de forma constante, con riesgo de ser condenados a muerte y duras penas de prisión. La mayor parte de los pocos cineastas que hay, han de rodar en la clandestinidad e ingeniándoselas para evitar  el yugo implacable del gobierno.

En esta película no hay grandes diálogos, pero no son necesarios, ya que las imágenes hablan por sí solas. La fotografía es impecable y elocuente al máximo: desolación, ruinas, recuerdos, pobreza, resignación, destrucción, agonía, desesperanza. Todo es su conjunto resulta de una belleza extrema a nivel fílmico.

El título encaja a la perfección por dos motivos: por un lado, una naturaleza muerta, se conoce popularmente como “bodegón”, y lo que trata es representar de la forma más real posible objetos de la vida cotidiana. En este sentido, muchas de las tomas, vistas de forma individual, constituyen  un verdadero bodegón. Por otro lado, la construcción de la citada presa, ha obligado a destruir los pueblos y la vegetación que está a lo largo del curso del río. La vida se acaba.

La película es lenta, los personajes no tienen prisa, o no quieren tenerla, ya que deben abandonar forzosamente el lugar en el que han residido desde siempre. Pero, no se hace larga, ya que todo lo que hay que captar es  a través de la vista, y es preciso analizar con detalle cada una de las escenas, para apreciar lo que realmente transmite. A algunos les puede quedar la idea de que no cuenta gran cosa y no hay nada más allá, pero repito: hay que ver lo que no se nos puede decir con palabras. Ello puede suponer días, semanas o  incluso meses de reflexión y más de un visionado.

Llama especialmente la atención la pasividad, la falta de reacción, lo pusilánimes de los personajes, que parecen no sentir ni padecer.

Por último destacar dos elementos: la música, escogida con gran acierto y la escena final de la película,  (la imagen insertada en el medio del artículo) que es una metáfora llena de significado.

Imprescindible para los amantes del cine y la buena fotografía.

La ficha de Rey Sombra:

Recomendado para: los que tengan tiempo para ver una propuesta diferente.

Lo mejor: la fotografía.

Lo peor: no sabría qué decir, se lo dejo a nuestros lectores.

El dato: Han Sanming, trabajaba de minero hasta que en el año 2000 fue descubierto por el director.

Para saber más:

Web oficial

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En este caso, casi ni esas votaciones democráticas que por aquí tanto frecuentamos, han sido capaces de deshacer entuertos casi imposibles. Desde el primer disco aquí mencionado (el número 50), que dejó fuera a un 51 con sus mismos votos, al mismísimo mejor disco de la década (que empató exactamente con el número 2, y casi tuvimos que inventarnos reglas para ordenarlo), hemos tenido que dar vueltas para ponerlo todo ordenadito, para vosotros, ahí van:

51 (por aquello del empate).- Yann Tiersen.- L’Absente (EMI, 2000)

50.- Los Campesinos!.- Hold on now, youngster (Wichita Records, 2008).- El pop enérgico de estos galeses se ha colado en la lista, sí, por los pelos, pero mereciéndolo sobradamente. Los primeros acordes de su propio exterminio Death to Los Campesinos al hit imparable que fue y sigue siendo You! Me! Dancing! este trabajo supuso un soplo de aire fresco para el mercado. Además, para los fetichistas de esto, entre los que me incluyo, traía una preciosa edición en vinilo. Punto para ellos.

49.-Primal Scream.- XTRMNTR (Creation, 2000).- Si hay un grupo que ha sido el referente, el mayor representante del rock electrónico, incluso del rock&roll electrónico, esos son Primal Scream. Y es curioso, porque tampoco eran especialmente representativos de esta corriente en sus inicios. Pero es que si hay algún ejemplo paradigmático de este estilo, es su apoteósico Swastika Eyes, emblema que todos hemos saltado en una pista de baile. Los de Glasgow conquistaron el mundo con su rock, y se quedaron sin objetivos. Se pusieron a jugar con los ruiditos y los cables y parieron este discazo, y el posterior Evil Heat, también sobresaliente, para ser también los jefes del zapatilleo.

48.- Amy Winehouse.- Back to black (Island/Universal, 2006).- Icono de la modernidad, idolatrada y repudiada por igual. Ejemplo de fenómenos mediático casi por encima de musical. A nuestra Amy (o a la suya) no se le ha reconocido lo que hizo. Bueno, en realidad si, pero se camufló por culpa de borracheras, supuestas sobredosis, y disturbios hoteleros, que, admitámoslo, no hicieron sino aumentar más y más el caché de la artista, principal beneficiaria de esos escándalos. Escándalos que, también escribieron la música de esta década.

47.- Blonde Redhead.- 23 (4AD, 2007).- Este grupo, medio japonés (la vocalista Kazu Makino abrió las puertas a muchos nipones que luego pasaron a formar parte de nuestras discotecas), medio italiano, medio de todos lados, iba camino de convertirse en típico grupo de culto para unos pocos, fans enfervorizados, pero completamente minoritarios. Con este largo, tras quince años en estudios y carreteras, seis lp’s y dos ep’s, alcanzaron su mayor notoriedad internacional. Canciones como la propia 23, superbailable, hicieron justicia divina.

46.- Phoenix.- Wolfgang Amadeus Phoenix (V2 Records, 2009).- Lo remarcamos ya entre lo mejor de 2009, y se ha colado también en esta lista. Como ya os habíamos dicho, motivos no le faltan, sobre todo en los primeros cortes del disco, con los misiles (la horrorosa portada ya iba dando pistas) que son Lisztomania y 1901. Herederos del pop francés electrónico, con Air como bandera, los novatos prefieren menos maquinitas y más guitarras. El resultado los avala, su mejor disco (aunque United, del 2000, perfectamente podría haber ocupado este lugar).

45.- Mojave 3.- Spoon and rafter (4AD, 2003).- Los de Neil Halstead tenían que estar en esta lista (y en cualquiera que pretenda resumir lo que la música ha dado en esta década), y lo hubiesen estado hasta con su disco más flojo. Spoon and rafter alcanza la perfección cuando, tras cuatro minutos preparando el terreno, Bluebird of hapiness logra la atmósfera necesaria para captar ya no tu atención, sino también tu aliento, y desde entonces lo maneja a su antojo. Starlingt #1 es de las primeras canciones que los británicos pueden considerar un hit. Los cuarenta minutos restantes, impagables. El formato del disco, una preciosidad.

44.- Dirty Pretty Things.- Waterloo to anywhere (Mercury Records, 2006).- El disco que abrió la vida de los antiguos componentes de The Libertines siguió la misma línea que habían iniciado con la formación anterior. Canciones de tres minutos, directas, distorsionadas, sin mayores atributos. Quizás hayan sido víctimas del síndrome que ellos mismos crearon años antes, aquel que hizo que en los medios años de la década todos los grupos que salían parecían absolutamente iguales.

43.- The Ting Tings.- We started nothing (Columbia, 2008).- Jules y Katie consiguieron una enorme repercusión mundial a pesar de que ellos mismos subrayaban el título del disco. Es cierto, quizás no hayan sido los grandes iniciadores de ninguna nueva corriente. Han dicho que su música era más bien tirando a mala, y que sólo pretendían hacer bailar, que no servían para nada más. Oye, puede que sea cierto, pero es que para poder hacer bailar, también hay que hacer bien las cosas. Ellos, con su electro-pop descarado y tremendamente pegadizo lo han hecho. Y para empezar (parece norma empezar los discos con hits) Great Dj, That’s not my name, Shut up and let me go. Casi nada.

42.- Sufjan Stevens.- Come on, feel the Illinoise (Asthmatic Kitty, 2005).- Si el caso anterior hacía de lo vulgar una virtud, está claro que a Sufjan Stevens hay que meterlo en categoría de “artista del siglo 21″. Pocos han surgido como él. Y desde luego, muy pocos han podido hacerlo en solitario. Este disco lo hizo universal, y conocido para muchos oídos que no habíamos oído hablar de él. A casi todos nos conquistó al primer segundo, y todavía nos emociona su capacidad de clarividencia, cinco años después. Uno de los primeros en romper con el concepto de concierto como sucesión de canciones. Casi el único en utilizar títulos de más de veinte palabras, terror de discográficas que buscan publicidad… y autor de Chicago, o John Wayne Gacy Jr. Os parecerá poco…

41.- Low.- The great destroyer (Sub Pop-Rough Trade-Sinnammon, 2005).- Nunca los yankis han estado tan cerca de la perfección, a pesar de que siempre coquetean con ella. Y lo hicieron con su lavado de cara, con el precipicio al que nos expusieron en su séptimo disco. Los primeros agudos de Monkey te dicen que hasta aquí han llegado, que están hartos, que van a apalear a Low y a volver a modelarlo, pero que no dejarán que el corazón de la banda deje de latir, entre la arcilla que trabajan. Monkey te pide moverte bajo movimientos espasmódicos, California y Everybody’s song te hacen desear haber aprendido a aporrear así una guitarra, la preciosa Cue the strings nos devuelve su más pura esencia. Un clásico.

40.- Band of Horses.- Cease to begin (Sub Pop, 2007).- Si Robert Smith montase una banda hoy día, y se dejase de esa muerte lenta y dolorosa a la que está exponiendo a The Cure, formaría Band of Horses. Es curioso, porque aunque las influencias parecen obvias, ellos comentan que sólo se les dice eso en España. Cease to begin expuso a los de Seattle a la reválida de su gran debut, con Everything all the time, y no fallaron. Aunque quizás su tema más redondo quedase en aquel The funeral ( no se quedan atrás Is there a ghost, y, sobre todo, Ode to LRC), demostraron que sabían madurar sin complejos, y que habían superado el vértigo solitos, sin ayudas.

39.- Doves.- The last broadcast (Heavenly Records/Capitol Records, 2002).- No podemos negar que nos gustan. Que nos gustan mucho. Nos gustó su último album, pero nos enamoró el segundo. Dejaron a un lado la psicodelia con la que habían jugado en Lost souls, y chuparon sangre pop. Pop con guitarras, con percusiones tan marcadas como la de Words, o incluso con el ritmo caribeño al que le dan un pequeño protagonismo en su hitazo There goes the fear. Pero puestos a absorber influencias, nadie mejor que Stone Roses, de los que casi fotocopiaron el ritmo de I am the resurrection para inspirar su Pounding. Como decíamos ayer, han llegado a clásicos sin hacer apenas ruído.

38.- The Last Shadow Puppets.- The age of the understatement (Domino Records, 2008).- Si, nos gusta su portada, nos gusta mucho, pero también lo que viene dentro del disco. Nos gusta la mezcla de Arctic Monkeys, Simian Mobile Disco y The Rascals. Nos gusta su descaro, y la energía con la que afrontan lo que bien podría haber sido simplemente el grupo con el que me uno con unos colegas para desconectar del mundanal ruído. Como quien juega un amistoso de verano. Y es que con esta gente de por medio, no hay amistoso que valga, cualquiera se puede convertir en un incendio devastador.

37.- The White Stripes.- Elephant (XL, 2003).- A veces, a los aficionados a la música, nos ocurre que llegamos demasiado temprano a las cosas, o quizás los demás muy tarde. Pasó en innumerables ocasiones, una canción se hace universal cuando hace años que la conocemos. Ejemplos?: Tono silbido, Oh Mandy, que habitualmente deben su fama a un anuncio de televisión. Pero la palma se la lleva Seven Nation Army, uno de los temas más grandes de la década, que pareció no existir para el mundo hasta la Eurocopa de 2008. Lo aceptamos, y casi agradecemos. Nos han dado otros cinco años de placer furtivo con este dúo de Detroit, que siguieron obsequiándonos con enormes trabajos. Este se llevó la palma.

36.- Nick Cave & the Bad Seeds.- No more shall we part (Mute Records, 2001).- Como diría Javimetal, permítaseme un ataque de autoritarismo momentáneo al decir que se me antoja un puesto excesivamente bajo el que le ha correspondido a esta enorme obra. El espectáculo que aporta esta banda, Nick Cave, obviamente, en particular, la intesidad, el oscurantismo, la crueldad, la carne cruda… As I sad satly by her side, And no more shall we part, Hallelujah, Fifteen feet of pure white snow, God is in the house, Oh my lord forman parte de uno de los discos que pasará a la historia dentro de treinta años, porque, entre otras cosas, lo de esta gente, lo de este hombre es completamente atemporal, dá igual que lo haga en el 2001 que hace quince años, sus primeras canciones son tan vigentes como las últimas. Te alabamos, señor.

35.- Stars.- Set yourself on fire (Arts & Crafts, 2005).- Hablando de discos que empiezan con cohetes, que lo dan todo en sus primeros minutos, que ponen sobre la mesa todos los ases desde el principio de la partida, que no se esconden nada, estos canadienses se llevan la palma. Y es que aunque todo el disco merece reconocimiento (si no, no estaría aquí), los cuatro primeros temas de Set yourself on fire son, sencillamente, inmmejorables. Les valió su primera ovación mundial unánime, no sería la última, pero si la que menos lugar a debate admite. El guapo que no levante las manos para aplaudir Your ex-lover is dead, Ageless beauty o Reunion, se queda sin ellas. Canadians power.

34.- The National.- Boxer (Beggars Banquet, 2007).- Matt Berninger se ha convertido en una de las voces bandera de esta década. Ese espíritu de crooner al frente de una banda de rock nos ha encandilado. Ya lo había hecho desde Sad songs for dirty lovers, aunque Alligator se llevó la palma. Nos han devuelto a los años 50 sin salir de esta década, y lo han hecho por todo lo alto, con unas percusiones a cargo de Bryan Devendorf especialmente sobresalientes. Fake Empire y Apartment story fueron escogidas como singles en un disco que bien podría haber tenido alguno más, o alguno distinto, como por ejemplo Brainy.

33.- I’m from Barcelona.- Let me introduce my friends (Dolores, 2006).- Algo que también se puso de moda durante esta década (si dejamos aparte a Los Inhumanos) son las bandas compuestas por un sinfín de componentes, los mismo un día 29 -habitualmente- que otro son 33, o 18. El nanananaranana, nanana, nanananana (me da que que he quedado corto) de We’re from Barcelona los convirtió en fenómeno mundial, y ha pasado a ser uno de los más grandes singles de estos diez años, aunque Collection of stamps o Treehouse son otras de las canciones a tener muy en cuenta. Who killed Harry Houdini? fue una continuación considerablemente más floja. Seguiremos esperando noticias.

32.- Mando Diao.- Bring ‘em in (EMI, 2002).- Los suecos aprovecharon el tirón del resurgir del rock’n roll como se entendía hace casi cuarenta años, y, de paso, iniciaron ellos mismos una moda. La de los grupos suecos, que tantas y tantas grandes bandas ha dado en los últimos años. Quizás hayan perdido fuelle después de su fulgurante inicio (otra norma en los grupos que dieron el pelotazo a inicios y mediados de década), pero lo cierto es que quizás no sea justo que se queden en el mero conjunto de los hypes. Paralyzed y Sweet ride cumplen con el concepto de hit rompepistas, pero este disco tiene algo más.

31.- Dominique A.- Auguri (Green Ufos, 2002).- No es nueva la admiración que nos despierta este hombre, y menos si cabe, este disco. Posiblemente, lo mejor que ha salido del país vecino desde Jacques Brel o Serge Gainsbourg (y sí, me acuerdo de gente como Experience o Diabologum). Ané creó hace años una auténtica obra maestra, que hizo que muchos lo descubriésemos. Él, a diferencia de otros grandes grupos presentes (o no) en esta lista, no se quedó sólo en esa obra, ha seguido creciendo como artista, buscando nuevos estilos, nuevos sonidos. Lo consiguió con nota, y podría aparecer aquí con otros Lp’s suyos. Por elegir, nos quedamos con éste (es que además es el mejor, coño).

30.- The Cardigans.- Long Gone Before Daylight (Stockholm Records, 2003).- Si antes hablábamos de la oleada de bandas suecas que llegaron a nuestras vidas con el nuevo milenio, esta gente ya son clásicos. Pero a la vez, aquí los vimos como nunca hasta entonces los habíamos visto, más oscuros (y no es un chiste fácil acerca del nuevo color de pelo de Nina Persson), algo más tristes, más depresivos, lejanos a su colorismo habitual. Lo cierto es que nos gustó su nueva cara, aunque nuestro punto de vista no fuese secundado por mucha gente. You’re the storm, una preciosidad.

29.- Muse.- Absolution (A&E Records, 2003).- Si se me permite, diré que creo que el mejor disco de Muse es de la década anterior, del 1999, y se llamaba Showbiz, un discazo. Por entonces supuso un debut que a muchos, a la mayoría, nos recordó bastante a Radiohead. No sé si quisieron huír tanto de esas comparaciones, que los adornos de su música se acercaron mucho al barroquismo. Ahora, tenemos a los de Matt Bellamy jugando en una división distinta, a otra cosa diferente. De los últimos detalles de calidad real de este grupo, que fue grupazo, quedaron grandes canciones, como Stockholm Syndrome, Sing for Absolution, o, sobre todo, Time is running out.

28.- Kaiser Chiefs.- Employment (B-Unique, 2005).- De esos que se negaron a ser fugaces, aunque al principio amenazaban con serlo. Los superdotados de la oleada. No podían jugar a ser cool, no sabían más que montarla, que sudar, que dar guerra. Bueno, sí, sabían hacer grandes canciones, de esas nacidas para bailar, y quizás, después de los dos grandes exponentes del género (Strokes y FF) han sido los mejores en esa disciplina, dan fe de ello canciones que son parte de cualquier Greatest hits de los ‘00, por ejemplo, I predict a riot, o Everyday I love you less and less.

27.- Explosions In The Sky.- Those who tell the truth shall die, Those who tell the truth shall live forever (Temporary Residence Limited, 2001).- Pocas veces la longitud de un título fue tan representativa de un disco como en este caso. Los ‘00 fueron los años de la consagración definitiva de lo que ha venido a llamarse post-rock, de esas canciones de quince minutos que esconden docenas de temas en uno sólo. Explosions han alcanzado un puesto de honor entre los grupos que han cultivado este estilo. Y lo han hecho por méritos propios. Además, hasta las B.S.O. se le dan bien.

26.- LCD Soundsystem.- LCD Soundsystem (DFA Records, 2005).- James Murphy ha conseguido colar en la lista a otra de las pocas propuestas puramente electrónicas de la misma. 2005 fue un claro exponente de que la música no estaba en crisis, y un buen grano de arena fue puesto por el integrante de Death above 1979. Daft Punk is playing in my house es un hitazo que rompió y sigue rompiendo pistas (además de un título que muchos quisiéramos hacer cierto), y valió para que, en apenas unos meses, una amenaza de moda pasajera se convirtiese en pseudo-clásico irrechazable.

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Me cansa I’m not there. Me fatiga, me agota. Me pide un esfuerzo enorme y a cambio me ofrece muy poquito. Porque esta película es como una fiesta privada en la que a la entrada se te pide el carnet de socio y se te analiza de arriba a abajo. Yo me considero dylanófilo de nivel medio (medio-alto, si nos ponemos estupendos) y eso es algo que esta película juzga insuficiente: hay que ser de nivel superior. O mejor, de nivel absoluto. De lo contrario, te quedas fuera. Así pues, los minutos van pasando y voy viendo este retrato poliédrico contado con distintos métodos, géneros, recursos y actores. Voy pillando algunas cosas (deduzco que lo de Billy the Kid es por su papel en la peli de Peckinpah, imagino que Julianne Moore es un trasunto de Joan Baez, etcétera) y en otras me pierdo. Y no le veo la gracia al juego. Una vez se pasa la sorpresa inicial no alcanzo a entender cuál es el sentido de mezclar realidad y ficción cuando apenas me interesa cuál es cuál ni llego a las conclusiones aparentemente tan profundas sobre el artista y el arte que me quieren transmitir. Incluso acabo por hartarme de Cate Blanchett cuando veo que su notable esfuerzo interpretativo es sólo otro gesto de exhibicionismo vacío, más pólvora mojada.

Los minutos siguen pasando, cada vez más lentamente. Las canciones siguen sonando y claro que son fantásticas, pero de lo que tengo ganas es de que esto acabe, irme a casa y ponerme el Blonde on Blonde, el Highway 61 Revisited o incluso, por qué no, el reciente y excelente Modern Times. Ganas de seguir creándome yo mi propia imagen del ídolo y de que me dejen de vender esta moto. Admiro el concepto, el planteamiento y algunos puntuales hallazgos visuales y de montaje, pero reconozco humildemente que no tengo la Visa Dylan, que no estoy doctorado por la Universidad Robert Allen Zimmerman y que no sé recitar “Like a Rolling Stone” al revés. Soy un simple mortal que se pregunta si eso que está viendo no es simplemente una peli pretenciosa de cojones.

La ficha de ReySombra:

Recomendada para: Estudiosos en materia dylaniana y personas que salvan cualquier cosa por una buena banda sonora.
Lo mejor: El trabajo de Cate Blanchett, aunque uno acabe preguntándose para qué.
Lo peor: Es una película que está todo el rato vendiéndose a sí misma.
El dato: 29 meses desde su estreno en el festival de Venecia han sido necesarios para verla en salas españolas. En Kuwait se estrenó el 14 de agosto de 2008 y en Taiwán, el 31 de octubre de ese mismo año.

Para saber más:

• Web oficial de la película
• God Dylan, una página con todas sus letras y sus traducciones al castellano.
• Una de las últimas (y escasas) entrevistas de Dylan, con motivo de la salida de Together Through Life el año pasado.
• Bob Dylan 60s Live, prácticamente lo único de él que hay en Spotify.

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