… y llegó el día. El día del concierto más esperado del Xacobeo 2010

Y es que al principio, los Right Ons intentaron lo que era casi imposible: que alguien les hiciese caso. Y lo hicieron con todas las ganas del mundo, intentando mimetizarse con el ambiente, tirar de grupo sobrado de actitud stadium-rock (permítaseme la pedantería). Podemos decir, que incluso lo hicieron muy bien. Pero no interesaba lo más mínimo. Con mucha más gente aguardando a la puerta para juntarse con la pandilla, los medio gallegos/medio madrileños nos hicieron pasar un buen rato a los que íbamos a ver a todos los grupos, y dejaron un sabor de boca realmente bueno, aunque uno no comulgue excesivamente con su apuesta musical. Puntuación ReySombra: 6’5/10.

Y puestos a hablar de apuestas arriesgadas, ahí saltó Jònsi, el motivo por el cual un 2% del aforo se había decidido a comprar la entrada. El líder de la (junto con Arcade Fire) mejor banda surgida en la última década, se sabía fuera de lugar. Pero también sabía que no era culpa suya, sino del iluminado que había programado el cartel, y no escondió su propuesta. Pasó lo evidente, y es que desde el foso se empezó a escuchar incluso algún insulto cuando apenas habían transcurrido un par de minutos de recital. Realmente, la educación de un público nada marulo, que estuvo a la altura de lo esperado (uno se pregunta si no será mejor irse a la barra, y dejar a los demás ver un concierto que les pueda gustar… lo siento, sé que eso se podría confundir con el respeto, del que tanto carecen muchos asistentes). En todo caso, al artista islandés le importó más bien poco. Él no es un cantante, es un arquitecto musical. Construyó su templo poco a poco, buscó el clima perfecto para evadirse del mundanal ruído, y su propuesta, tan aparentemente destinada a los auditorios más reducidos, acabó por conquistar al público. Los rostros fueron cambiando, dejando a un lado las bromas sobre su apariencida, a medio camino entre el mundo élfico de Sigur Ròs y la alta costura, y para cuando sonaron Boy Lilikoy (se puede ser más inmenso?), Go Do o Animal Arithmetic, el creador de un idioma musical único, se había metido a todos y cada uno de los escépticos en el bolsillo. Los insultos se vieron obligados a tornar en ovación. La historia de cómo luchar contra los elementos, y vencerlos. Puntuación ReySombra: 9/10.

… aunque, las mayores ovaciones de la tarde, antes de la entrada de Bellamy y compañía a escena, se escucharon cuando, entre concierto y concierto, sonaron por altavoces Greenday y el Un, dos, tres… catorse de U2… estaba todo dicho, el perfil del público, que por momentos parecía mutar, volvió a su estado basal. Todo en orden para recibir a los reyes del momento.

Y el concierto de Muse tuvo todo, absolutamente todo lo que tenía que tener. Matthew Bellamy se arrodilló a los diez segundos de pisar el escenario. Súper intenso. Poco importó que ese New Born inicial se viese lastrado porque no se tuviesen noticias de la voz de Bellamy, ni del sonido del bajo. Lo primero fue mejorando a medio concierto… de lo segundo todavía aguardamos noticias. Si nos vamos a la estética,  el traje estilo lentejuelas (una especie de suerte de traje de torero) que enfundó el líder de la banda, o la bandera a cuadros que portaba Chris Wolstenholme como traje llamaban la atención. El recital fue a más, no faltó de nada. Tuvo su teclado fosforito, su agitación masiva de cabezas (lástima que Wolstenholme no tenga una buena melena, que quedaría súper heavy), su organillo a lo OBK en Supermassive Black Hole (si, la que habían ido a escuchar buena parte del foso). Incluso, al final del concierto, Bellamy destrozó la batería, para dejar al respetable, por si faltaba alguien, vomitando espuma por la boca. Un esperpento. La condición actual de Muse recuerda a la que en los 80 representaban U2, o en los 90 Nirvana. El grupo que huye de modas comerciales, y al que recurrimos como redentores. Difícilmente hay otro como ellos en la actualidad… lo que confirma que cada vez estamos peor. De todas formas, lo que para unos cuantos fue una pantomima, para el 95% de los asistentes fue uno de los mejores conciertos de su vida, así que imagino que debería tirar de humildad y perdonarles el suspenso (a pesar de que llegaron a decepcionarme a mí, que no esperaba gran cosa de ellos). Puntuación ReySombra: 5/10.

Si pensábamos que el listón había bajado lo suficiente, no tuvimos razón ni por asomo. Lo de Caradeniño Dj fue de Juzgado de Guardia, tan esperpéntico como lo de Muse, pero es que este ni siquiera hizo lo que se suponía de debía hacer, es decir, hacer bailar a la gente. Salió con un par de colegas, uno luciendo tatuajes a lo Guti o Álvaro Benito mientras le hacía el corte de mangas al público (como si se creyese Sid Vicious)… y otro que se dedicó a saltar detrás de ellos, y a ponerse una máscara a medio camino entre Spiderman y un luchador mexcano. Una oportunidad única para que los jovencitos crepusculianos viesen hasta qué punto las drogas pueden ser perjudiciales. Puntuación ReySombra: 1/10

… Aunque lo de jóvenes crepusculianos y demás gente es un decir. La evasión tras el concierto de Muse fue tal, que para ver a los Pet Shop Boys quedamos la mitad del aforo… total, a esos no los conocía ni Dios. Unos viejos maricas que vestían raro… y que de paso dieron una lección de electro-pop, de luz, de escenografía, de color, de baile. Trajeron el espectáculo que se les presuponía, el que ya viéramos en el Primavera Sound, y el que han convertido en disco con Pandemonium. Ni la media hora que empezaron tarde (mal, muy mal) sirvió para dejarnos un mal sabor de boca. Neil Francis Tennant y Christopher Sean Lowe dieron claras muestras de por qué son el grupo que más discos ha vendido en la historia del Reino Unido, y, con la ayuda de su equipo de efectos visuales y de los bailarines, hasta en nuevas tecnologías aplicadas a un directo dejaron bien claro que los treinta años que llevan juntos no han servido para que se queden atrás. Tan sólo un ataque de crooner a mitad de concierto puso un “pero”. Los trescientos que habíamos ido a verlos vimos sobradamente colmadas nuestras aspiraciones ante las impecables interpretaciones de clasicazos como It’s always on my mind, Se a vida e (con versión incorporada de Coldplay), West end girls, o It’s a sin. Mención aparte para el momentos subidón de New York City Boy. Puntuación ReySombra: 7’5/10.

Después quedaba un largo camino de vuelta, con lo que servidor decidió no quedarse a ver a un Vitalic Dj cuya apuesta en directo nunca me interesó lo más mínimo… otra cosa son sus trabajos de estudio, enormes por momentos. Bajando por las inmediaciones del Monte do Gozo uno sabía que estaba asistiendo al crecimiento (no se le conocen límites) de los reyes de la música futura… una nueva razón para ser republicano.

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Detour (Edgar G. Ulmer, 1945)
Sólo con ver el recurso del comienzo (un hombre empieza a rememorar cómo ha llegado a su penosa situación actual a través de un flashback que abarcará toda la película) ya sabemos que no pretende inventar nada, pero está llena de ese encanto que tiene lo conocido. De la trama mejor no desvelar mucho. Tenemos a un pianista de jazz en Nueva York que decide ir a ver a su novia, que se ha largado a Los Ángeles a probar suerte. Como no tiene un duro, hace autostop, pero, por esas cosas que tiene la vida, el conductor del coche acaba muerto. Y a partir de ahí, la historia no hará más que complicarse. Voz en off, trama criminal, giros de guión… no hay duda de que estamos ante un genuino ejemplar de cine negro a la viejísimaa usanza, pero es difícil resistirse a los encantos de esta pequeña joya. Breve como un suspiro (no llega a hora y cuarto) se devora casi sin darnos cuenta y se disfruta como pocas.

La mujer pantera (Jacques Tourneur, 1941)
El francés Tourneur fue un verdadero experto en estas lides de hacer mucho con muy poco. Esta película o la excelente Yo anduve con un zombi (1943) son buenas muestras del talento de un cineasta que no necesitaba grandes presupuestos (ésta se rodó en decorados reciclados de El cuarto mandamiento, de Orson Welles). para hacer verdaderos alardes de talento. El título de la película lo dice casi todo, así que os lo contaremos en plan sinopsis de periódico y vosotros atáis los cabos: “El ingeniero Oliver Reed conoce en el zoológico de Nueva York a una joven de origen serbio llamada Irina. Ambos se enamoran y se casan, pero Oliver descubrirá pronto que su nueva esposa esconde un terrible secreto…”. ¿Ya? Bueno, pues dicho esto, sólo nos queda recomendar encarecidamente su visionado: hoy en día, La mujer pantera se mantiene sorprendente, fresca y creativa y contiene más de una y más de dos secuencias para el recuerdo. Obras tan destacables como ésta le valieron a Tourneur el ascenso a primera divisón (hacer pelis de “serie A” para la RKO), pero ésa ya es otra historia.

Plan 9 from Outer Space (Ed Wood, 1959)
Si estamos hablando de películas clásicas baratas, es obligado hablar de Edward D. Wood Jr., aunque lo que hacía este buen hombre era más bien susceptible de ser encuadrado en el concepto de Serie Z porque su presupuesto no era bajo, sino casi inexistente. La película que Tim Burton rodó en 1994, probablemente uno de las mayores manifiestos de amor al cine jamás filmados, logró hacer algo de justicia a estos creadores generalmente menospreciados que no siempre ofrecían resultados demasiado defendibles, pero contaban con una ilusión y una falta de pretensiones fuera de toda duda. Wood está considerado por muchos el peor director de la historia y ésta, una de las peores películas. Huelga decir que Plan 9 From Outer Space, sin ser ninguna maravilla, no merece en absoluto semejante título (¿qué haríamos entonces con cosas como La vida es bella o Caótica Ana?) y, en todo caso, su absoluta cutrez (se ven claramente los hilos que cuelgan de los platillos volantes, por poner un ejemplo socorrido) y su desarmante ingenuidad la convierten en un documento interesante y a la vez divertidísimo hoy en día. Absolutamente entrañable.

Y así concluímos este miniciclo veraniego. Como decíamos al comienzo, nada más lejos de nuestra intención que hacer un Top 3 de cada género ni nada remotamente parecido. Sencillamente hemos querido aportar nuestro granito de arena a vuestro ocio estival y recomendaros un puñadito de clasicazos (no siempre demasiado evidentes) que creemos que cuentan con suficientes argumentos como para ser reivindicados hoy en día y que os pueden salvar más de una noche de verano. Esperamos que hayáis disfrutado o que, al menos, os haya interesado a ratos. El viernes que viene retomaremos el pulso del cine de estreno. Gracias por la atención y nos vemos en el próximo viaje.

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Hace unos meses salía en El País la noticia de que en algunas univerdades americanas utilizan series de televisión para ejemplificar algunas clases o como premisa para plantear ciertos temas de debate. Los ejemplos expuestos eran dos: Star Trek en la carrera de Filosofía (para hablar de la metafisíca de los viajes en el tiempo y su concepción lineal en las creencias occidentales) y The Wire en Sociología (lo que se entiende con lo dicho por Poliptoton hace unas semanas). Y bueno, aunque en el artículo no se dice, en una asignatura de la facultad de Medicina de Santiago de Compostela se ponen fragmentos de House para explicar las distintas implicaciones de la relación médico-paciente (¡yo siempre esperaba con impaciencia a que los pusiesen!).

La conclusión de esto es que el conocimiento está en todas partes, no sólo en los libros. Si la idea es buena, está bien planteada y, sobre todo, se transmite correctamente (cosa que muchos profesores aún no saben hacer), entonces no importa el formato en el que venga. Y eso es lo que pretendo con esta entrada, ¡demostrar que es posible! Así que sacad papel y boli (¿a que siempre dio mal rollo esa expresión?). Tema del día: física cuántica y viajes en el tiempo. Serie utilizada: Dragon Ball Z, saga de Cell.

La clave del asunto está en la conversación que tienen Cell y Piccolo al final de su primera batalla, cuando el primero piensa que el namekiano está acabado y le suelta el típico (y tópico) discurso de “villano contando sus orígenes”. Nos enteramos así de que Cell proviene, igual que Trunks, de un futuro en el que Goku murió por una enfermedad cardiaca (que en ese momento estaba empezando a desarrollar), y llegó a esa época usando una máquina del tiempo. Pero aquí surge un problema, porque, según sabemos por una conversación de Trunks con Krilin, la Bulma del futuro sólo fabricó una máquina del tiempo, que fue la que usó Trunks. Sin embargo todo parece indicar que debería haber dos máquinas. ¿Cómo es eso posible? Pues haciendo un cambio de premisa: no hay una sola línea temporal, hay varias.

En 1957, un hombre llamado Hugh Everett III, basándose en el dilema físico llamado “El gato de Schröndiger”, propuso la hipótesis de los muchos mundos, según la cual con cada decisión que tomamos se abre un nuevo universo, al que no podemos acceder y en el que tomamos la decisión contraria. Si en uno dijimos que sí, en el otro dijimos que no. Si en uno salió cara, en el otro salió cruz. Se planteaba así la cuestión de los universos paralelos, que tanto explotaría DC en sus comics desde la publicación de Flash de dos mundos en 1961. Y con una ventaja respecto a la física teórica: en la literatura los universos podían interactuar, habiendo individuos capaces de viajar entre ellos. Pues bien, esa será la base de nuestra explicación.

Todo se resume en este sencillo esquema (tan sencillo como que lo hice en Paint). La línea O (anterior al punto rojo) es la que conocemos desde el principio de la serie, en al que vimos crecer, morir y resucitar a Goku y sus amigos. El punto de rojo es el punto de inflexión, pero no es un sólo un instante, sino el intervalo de tiempo desde que Goku enferma hasta su resolución, bien sea curándose o muriendo. Por lo que se da a entender en la serie, este es un momento de gran inestabilidad cuántica (si fuese el gato de Schrödinger, aquí la caja aún no estaría abierta), y parece que la máquina del tiempo se programa para viajar a ese período porque en él se podrían alterar las probabilidades y cambiar el futuro, evitando el ocaso de la humanidad a base de los androides (la razón por la que Trunks regresa al pasado).

A partir del punto rojo, los universos divergen. La línea B es el futuro del que proviene Trunks, en la que Goku murió y los androides arrasaron el mundo. Hasta aquí todo bien, ¿verdad? Vale, pues ahora pasa lo siguiente: Trunks viaja al “punto rojo”, y el simple viaje ya cambia el pasado, abriendo una nueva línea temporal, la línea A (es  comprensible: en la línea B nadie viajó al pasado para evitar la muerte de Goku). A partir de ahora toda la trama de la serie se desarrolla en este nuevo universo: Trunks le da la medicina a Goku, lo salva y queda aún una esperanza para la humanidad, alguien capaz de enfrentarse a los androides y a Cell. Pero aún falta algo por explicar, ¿de dónde procede el Cell al que se enfrentan y da nombre a la saga?

En la línea A, Cell todavía está en fase embrionaria, recopilando el ADN de guerreros de la Tierra (otro debate para plantearnos, ¡el de la ingeniería genética!), y le faltan años para alcanzar la forma adulta. Entonces, ¿es el Cell de la línea B? Tampoco, porque cuando Trunks vuelve a su época  él anda rondando por ahí. Sólo queda una explicación… ¡viene de otra realidad! Esa es la línea C, un universo en el que Goku murió pero, de alguna forma, Vegeta pudo acabar con los androides, por lo que ese Cell sólo podría completarse si viajaba a un universo en el que todavía existiesen… usando la máquina del tiempo de la línea C. Queda así explicada la existencia de una segunda máquina.

Y hasta aquí la clase de hoy. Y ahora os pongo deberes: al final de la saga, Trunks vuelve al futuro, pero vuelve al de la línea B, cuando eso no debería ser posible. En teoría, tendría que ir al futuro de la línea A (algo parecido a lo que le pasa a Marti McFly en Regreso al futuro II). ¿Significa eso que la máquina del tiempo es, en realidad, una máquina interdimensional?

¡Pensadlo y mañana lo comentamos en clase!

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Sinceramente creo que Andy es el chaval con más imaginación que ha habido nunca. De las tres películas que forman la saga de Toy Story una de las partes que más me gustaba era cuando Andy se montaba esas películas en su cabeza cuando jugaba con Woody y los demás.

Hace nada más y nada menos que 11 años que Pixar lanzó la primera película de la saga y este verano la ha cerrado con la película de animación más taquillera de todos los tiempos (superando a Shrek2, que hasta ahora ostentaba este título).

La primera vez que vi Toy Story, yo era Andy, ahora que las he vuelto a ver, era Woody. Es increíble como la misma película, pero vista con once años más a la espalda, puede cambiar tanto. Hoy no se nos escapa ningún guiño, de los que está llena la saga, como a Star Wars o Misión Imposible entre muchos otros, pero lo mejor es que es capaz de hacernos volver a cuando éramos niños como si nada.

En la primera película, aprendemos que no tenemos que tener miedo de lo nuevo, de aquello que entra en nuestro mundo que teníamos tan bien montado nuestro alrededor.

En la segunda parte, vemos que al final lo realmente importante son las cosas sencillas como los amigos y no la fama o el reconocimiento.

Y por fin, la tercera parte, que trasmite mucho más que sus predecesoras ese sentimiento de amistad, de familia y sobre todo de lealtad. Como dice la banda sonora “hay un amigo en mí”; eso es lo que Woody, más que ninguno, representa, pase lo que pase siempre estará para Andy, aún al final. Además no podemos olvidar que en la bota de Woody pone con rotulador permanente Andy.

Después de ver las películas, te dan ganas de recuperar todos tus juguetes y montarte tu propia película en tu habitación, así que ve a por tus juguetes (no tengas vergüenza) y sácales una foto, porque con ella puedes ganar un pack exclusivo de Disney-Pixar y Toy Story, que Cuatro sortea mediante un concurso en su web.

Y nunca olvides que si crees en ti mismo, podrás llegar “¡hasta el infinito y más allá!”

PD: los que hayáis visto la tercera película lo entenderéis.

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Me siento en el ordenador a escribir mi primer artículo para esta casa escasos segundos después del final del España-USA. Los americanos nos han sorprendido con una defensa en zona y Rudy se ha comido la bola. Hemos perdido. La cuestión es: ¿es eso malo? Pues sinceramente yo creo que no, perder por un punto un partido en el que durante la primera mitad apenas llegas al 25% en tiros de campo es una muy buena señal. La piedra de toque para una muy buena preparación.

Los últimos años se viene cuestionando la política de la FEB de hacer giras por España, ya que pese a que así se fomenta el deporte de la canasta y se acerca a estos ídolos a sus aficionados, también se suele caer en arbitrajes amables y rivales que no dan su verdadera talla ante los anfitriones. Traer a los Estados Unidos para cerrar la preparación es un gran acierto, un partido amistoso que acaba siendo lo más parecido a uno oficial.

Contra los americanos hemos podido ver el verdadero estado en el que llegan nuestros internacionales:

4- Fernando San Emeterio: El último en entrar en la lista de Scariolo, el jugador del Baskonia se ha mostrado en toda la gira mucho más maduro que Suárez (al que aún le falta un poco). Sabe aceptar su posición en la rotación y da rendimiento en cuanto sale, tanto en ataque como en defensa. En buen estado de forma.

5- Rudy Fernández: Absolutamente desconcentrado, titular indiscutible para el seleccionador, el balear debe recuperar su juego y encauzar ese talento. Con la mente en Portland o en los árbitros no ayudará mucho en Turquía. Una vez metidos en competición debería mejorar y dar más de ese 50% que ha demostrado hasta ahora.

6- Ricky Rubio: Excelso, brillante, genial… Todos los adjetivos se me quedan cortos para un chaval que está pidiendo a gritos un sitio en la historia del baloncesto. En plena forma y rindiendo como buen “microondas” en ráfagas cortas pero intensas. Es importante dosificarle los minutos para no quemarle. La lesión de Calde le otorgará la titularidad indiscutible, si sabe responder estaremos ante el torneo que encumbró a Rubio para siempre.

7- Juan Carlos Navarro: El capitán, el jefe. Con la ausencia de Pau, él es uno de los que tiene que dar un paso hacia delante y liderar el grupo. Siempre parece que no está, pero luego nunca falta, será uno de los importantes del mundial.

8- Raül López: Tras la lesión a última hora de Calderón, el catalán vuelve a la selección tras un año en Rusia. A su favor tiene que conoce al equipo y el sistema (no en vano ha estado todo el invierno a las órdenes de Scariolo en el Khimki). En su contra, que llega muy tarde y su estado físico es una incógnita.

9- Felipe Reyes: La ausencia de Pau (y el consecuente cambio de estilo de la selección) y una temporada con Messina jugando de 4 han provocado que su importancia en este equipo baje un poco. Casi seguro saldrá en la segunda unidad, y su trabajo contra los suplentes de los rivales será fundamental. Peleón como siempre ha mejorado mucho su tiro exterior, haciendo que sea más dificil defenderle.

10- Victor Claver: Una de las lagunas del equipo de Scariolo. La roja le queda grande, se precipita y le puede la ansiedad en algunos momentos. Debe aportar más y tranquilizarse cuando esté en pista. Es una pena que no saque todo ese baloncesto que lleva dentro. Además se le ve un poco fuera de forma.

11- Fran Vázquez: El de Chantada vuelve a la selección tras su lesión en la concentración de 2006 y los ríos de tinta que han corrido estos años acerca de su personalidad y su relación con los demás jugadores. Parece integrado y en forma. Debe de aportar intensidad defensiva y no desconcentrarse, cae con demasiada facilidad en la protesta y las faltas repetitivas que lo llevan al banquillo en los momentos más delicados.

12- Sergi Llull: Recién salido de una lesión, está muy lejos de su mejor forma. Será fundamental su evolución física durante la competición, ya que su papel en caso de percances de Ricky y Raül será fundamental.

13- Marc Gasol: Sencillamente el mejor “5″ del mundo en la actualidad. Grandioso jugando para él y brutal juagando para sus compañeros. Un segundo base bajo el aro, será básico en este mundial y posiblemente el MVP en caso de victoria española. En el mejor 5 del campeonato sin duda. En un estado de forma envidiable es el líder de la selección los próximos siete años.

14- Alex Mumbrú: Perfecto en su papel de suplente que aporta desde el primer momento. Su gran año en Bilbao se está prolongando en esta concentración. Puede ser muy importante en algunos partidos con puntos decisivos.

15- Jorge Garbajosa: Lejos de su mejor momento, el madrileño siempre está cuando se le necesita y siempre se crece con la competición. “Multiusos” Garbajosa no fallará en el mundial.

En resumen, un equipo conjuntado, que se conoce a la perfección y con muchas ganas de ganar para el que todo lo que no sea el oro o en todo caso una plata contra Estados Unidos debería ser considerado un fracaso.

El día 28 se pondrá el balón en juego y empezaremos a salir de dudas, de los rivales ya hablaremos más adelante, que si estos chicos están a su mejor nivel las ausencias de Pau y Calde se minimizarán y podremos aspirar a todo

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2ª ETAPA: Teixeiro (16/07/10)

Casi sin tiempo para descansar de la etapa anterior, el camino nos llevó al kilómetro 666 de la carretera que une A Coruña y Lugo, a un pequeño pueblo llamado Teixeiro que desde hace unos años organiza por sus fiestas un festival en el que no falta un grupo “de los grandes”.

En este caso, acompañados por los metaleros Oath y los rockeros Forraje, los encargados de encabezar el cartel eran BARRICADA.

Con puntualidad británica los navarros salieron al escenario, acompañados del joven Iker Piedrahita a la guitarra y al teclado, para presentar al completo su último disco, La tierra está sorda, una crónica del sufrimiento experimentado por la población civil durante la guerra civil y los años posteriores de dictadura.

Para abrir el espectáculo comenzaron con la intro Desfilan, pero debemos darles las gracias por omitir el trozo del Cara el sol que se escucha en el disco, y continuaron con temas como Sotanas y Cuervos, reflejos de la jerarquía eclesiástica que propició, apoyó y ocultó tantos crímenes en aquellos años.

A continuación repasaron una a una las historias desgarradoras y crueles como las de Matilde Landa o Tensi, que el bajista y vocalista Enrique Villareal “El drogas” se ha encargado de desempolvar para dejar constancia musical de ellas y fueron callendo poco a poco, aunque en distinto orden al del dico y  siempre con un breve comentario del artífice del disco, todos los “episodios” de esta obra maestra del rock español (Casas viejas, Los maestros, 22 de mayo…) que fueron coreados a viva voz y con el puño en alto por la mayoría de los asistentes, sin olvidarnos de los singles Por la libertad y Pétalos.

Tras una corta pausa volvió al escenario la formación “básica” del grupo para hacernos saltar con sus temas clásicos, desde Rojo hasta No hay tregua u Okupación, pasando por otros como Oveja negra o Contra la pared.

En resumen, 3 horas de puro rock “transgresivo” con un sonido impecable y total entrega de la banda, a lo que el público respondió de igual manera.

Puntos negativos: Quizás algo largo, pero se compensa con entretenimiento ininterrumpido.

Puntos positivos: Tocar todo el disco es una apuesta muy atrevida, pero todo un acierto. Escenario grande con buena iluminación y gran sonido.

Valoración: 8,5/10

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Entre comedia y terror llevamos dos semanas muy ligeritas

Ultimátum a la tierra (Robert Wise, 1951)
“Klaatu barada nikto”. No hay como pronunciar estas palabras para saber de qué pie cojea alguien. Si se queda con cara de “¿mande?” o intenta soltarte una hostia, es que es un ser humano sano y normal; si pilla la referencia, es que es un fan de la ciencia-ficción clásica. Para no espoilear demasiado a quien no la haya visto (porque se supone que lo que intentamos es que veáis estas pelis, no reventároslas) no revelaremos su significado y nos limitaremos a decir que Ultimátum a la tierra (The Day the Earth Stood Still) trata de una nave espacial que aterriza en la Tierra ante el estupor general. De ella acaba saliendo un extraterrestre (bueno, de aspecto más bien humano y un poco de acento americano) que dice portar un mensaje trascendental que necesita transmitir al mismo tiempo a todos los líderes mundiales. Ver hoy en día esta película es una experiencia realmente sorprendente: no sólo ha envejecido de forma admirable, sino que su mensaje está en muchos sentidos más vigente que nunca. Se encuadra dentro de la vertiente digamos densa de la ciencia-ficción de los 50 (nada de disparar a marcianitos en technicolor, sino tramas más profundas con un cierto componente filosófico), pero que esto no eche a nadie para atrás: es de lo más disfrutable que os podéis echar a la cara. En su día ganó un Globo de Oro Especial por su contribución al “entendimiento internacional”.

Cuando el destino nos alcance (Richard Fleischer, 1974)
Sin relación alguna con grupos indies españoles que pasan de adorar a los referentes del pop de los 60 a adoptar los principios musicales de los mismísimos Camela, Soylent Green es otro de esos clasicazos que resisten sin ningún tipo de problema el paso del tiempo y todo lo que le echen encima. Con lo mal que nos cae (¿nos caía?) el señor Charlton Heston, resulta un pelín incómodo coger su filmografía y pararse a pensar en la cantidad de peliculones que la forman, desde la increíble Sed de mal (Orson Welles, 1958) hasta otro puñado de títulos de cabecera del cine de ciencia-ficción como El planeta de los simios (Franklin J. Schaffner, 1968) o El último hombre vivo (Boris Sagal, 1971). Vamos, que así no hay quien odie. En fin, a lo que íbamos: Cuando el destino nos alcance es otra de esas fantasías distópicas que nos sitúan en un futuro poco prometedor para la raza humana. Aquí el año es el 2022 (ya falta poco, ¿eh?) y en un Nueva York superpoblado y superempobrecido, el señor Heston investiga el asesinato de un multimillonario hombre de negocios que parece tener alguna relación con el Soylent Green, un alimento sintético con el que el gobierno (pseudofascista, como no puede ser de otra manera en este tipo de pelis) alimenta a la población. Atención a los dos secundarios de auténtico lujo: nada menos que Edward G. Robinson y Joseph Cotten.

Blade Runner (Ridley Scott, 1982)
Ah, qué decir a estas alturas de una película de la que probablemente ya se ha dicho todo. Sin embargo, no podía dejar de incluir esta obra maestra entre las sugerencias de hoy (aunque habrá quien me argumento que esto en realidad es más cine negro que ciencia-ficción, y no le faltará razón), primero porque el lugar de honor que merece es sencillamente indiscutible a estas alturas, segundo porque es sin duda una de las cuatro o cinco películas que personalmente me llevaría para sobrevivir a un holocausto nuclear y tercero, porque (por imposible que parezca) todavía queda por ahí gente de mal vivir que afirma que le gusta el cine y aún no la ha visto. Dejémonos de interpretaciones, olvidémonos del unicornio, y mantengamos a un lado la discusión de si preferimos la versión del director o la del productor: si todavía no la has disfrutado, no sé a qué estás esperando. En todo caso, supongo que es simplemente la envidia lo que me hace hablar así: pagaría millones por ver por primera vez el test Voight-Kampf, la casa de J. F. Sebastian o, por descontado, el monólogo de final de Roy. Qué grande es, coño, qué grande.

Extraterrestres que invaden la tierra, futuros imperfectos e historias de detectives disfrazadas con coartada científica: no nos negaréis que el menú de esta semana, a pesar de quedarnos dentro del mismo género, ha sido variadito. Si todavía os quedan fuerzas, os esperamos la semana que viene en el último episodio de nuestra serie veraniega, cuyo denominador común serán… unos presupuestos digamos no muy elevados.

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Las noticias que a cuentagotas nos iban llegando sobre “The Suburbs” no invitaban al optimismo, con esa amenaza de que el minutaje del tercer disco de los canadienses estuviese claramente copado por medios tiempos de un cariz olvidable.

Es cierto que el número de crescendos y de cambios de ritmo, la cantidad de bofetadas sonoras y de escaladas nerviosas se ven muy disminuídas… y con todo eso, han firmado un disco enorme. Se podría decir que con Arcade Fire podríamos hacer una comparación con Pixar: parece imposible que mantengan el listón, pero lo hacen. De hecho, quizás lo suban, evidentemente no con respecto a Funeral, pero si probablemente a Neon Bible.

Cuando los primeros acordes de The Suburbs suenan en tu reproductor (con la canción homónima que abre el disco) quieres huír de una euforia inicial de que lo que escuchas es mejor de lo que esperabas. Ready to start no te permite zafarte, más bien todo lo contrario. Entonces respiras, intentas huír de fanatismos, o de la ansiedad que te produce su pronta visita… pero es que los cabrones no te dan un segundo de pausa.

Es cierto que el tono épico está difuminado, aunque siempre presente, y que por momentos parece que se han reinventado sin apenas mover una pieza de su estilo, pero el resultado es tan conmovedor que no tienes otro remedio que dar tu brazo a torcer y dejarte llevar. No es entusiasmo, es otra obra de arte.

También es cierto que los medios tiempos suponen el sector más amplio del disco de estas bestias, queda lugar para esos hits directos, como la propia Ready to Start, o la garajera Empty Room, que podremos escuchar justo después de la explosión de barroquismo pausado que supone Rococo. Las segundas partes de Half Light y Sprawl le dan un toque disco que confirma que hasta en eso esta gente se podrían lucir.

Muchos temíamos que se les fuese la olla. Disco de larga duración (su trabajo más extenso), y 16 canciones en una época en la que está de moda (y se agradece en muchos casos) lo claro y conciso de las apuestas musicales. En el ámbito nacional, el escueto Año Santo nos pareció magnífico, y resulta que ahora aplaudimos el extremo opuesto, pero quién tiene las narices suficientes para no hacerlo. Mientras los ejemplos de hypes que se dan el trompazo padre se cuentan por centenares, ellos le han echado unos bemoles que muchos confundieron/confundimos, con un delirio de grandeza que los hundiría para siempre (llegaron a amenazar con un sonido muy Springsteen que servidor sólo adivina percibir en Month of may, o, de forma más lejana, en City with no children). Zas, en toda la boca.

… y llegará el repaso anual, y pecaremos de poca originalidad, pero es que no reconocer que The Suburbs será casi con toda seguridad el mejor disco del 2010 sería una rabieta casi surgida de lo que jode que te hayan vacilado, que te hayan engañado. Creíste que la cagarían, y lo que han hecho ha sido agrandar su leyenda.

Continuará…¿alguien cree que no lo hará?

Puntuación ReySombra: 9’25/10

La ficha de ReySombra
Lo mejor: Pues que en 16 temas no sobra ni uno solo. Los mejores? Hoy os digo Ready to start, Rococo, City with no children, Month of may, We used to wait, Sprawl II… mañana os diría otros.

Lo peor: Se me hace taaaaaan difícil responder a esto. Pues no sé, que Xacobeo (o MTV, o algún capullo) no haya tenido mejor idea que filtrar la asistencia a su concierto como: el primero que llegue, entra. Love Parade II a la vista.

El dato: Hasta en un país de cultura musical máis bien limitadilla como España, ha sido número 2 en ventas en su primera semana. Radio 1, Uncut, NME, Q Magazine, Radio 3, Mojo, Mail on Sunday…. lo ponen como disco del año.

Recomendada para: Quien tenga dos dedos de frente.

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Nos habían mentido, o mejor, no nos habían avisado. Los que nos dimos cita en Pontecaldelas (muchos menos que otros años, cuando dejen de hacerlo, nos quejaremos de que no se monta nada por aquí…) ignorábamos que el 2010 contase con dos ediciones del Lolapop. En una tocó Standstill, en la otra todos los demás.

Entiéndanme bien, el nivel medio de los conciertos fue realmente alto, y no podemos decir que ningún grupo decepcionase, si acaso por momentos unos Niños Mutantes que tardaron demasiado en agarrar el toro por los cuernos, pero es que los barceloneses dieron un recital de hardcore sencillamente brutal.

Standstill, rompiendo un silencio así... / Fotografía: Keka Suárez

Llegaron al escenario después del gran final de Niños Mutantes, y hasta pareció que el aforo se doblaba, y salía gente de debajo de las piedras (muchos se habían ido a las barras durante el concierto de los granadinos).

Lo compacto de su sonido, la forma tan brutal en que han ido creciendo, hacen que incluso cantando ahora en castellano su proyección internacional sea la que es. Si cantasen en inglés, poquito les envidiarían a Delorean allén de los Pirineos. Y es que consiguieron tener un sonido, una propuesta, completa y absolutamente original. No estaban entre mis grupos de cabecera, me dio pereza acercarme a Vigo exclusivamente a verlos con su espectáculo Rooom, nunca podré perdonarme por ello, dénme una cuchilla de afeitar.

Adelante Bonaparte, (en sus versiones I y II), pero sobre todo, ¿Por qué me llamas a estas horas? fueron los momentos más álgidos de la noche. También destacaron Todos de pie (prefacio) con la que abrieron su soberbio recital, o La familia inventada. En fin, que simplemente parecieron mucho mejor banda que todos los demás.
Puntuación ReySombra: 9/10

Érase una vez Alondra Bentley y su padre... / Fotografía: Keka Suárez

Mientras, yo ya había llegado al “otro” Lolapop recién acabada la fiesta infantil protagonizada por Alondra Bentley, y aunque no pude presenciar su actuación junto a su padre (éste de cuentacuentos), a juzgar por la cara de satisfacción de niños, padres (y de los que no eran ni unos ni otros), supongo que me perdí una buena dosis de ternura e ilusión. Lo cual, tampoco me sorprende (a Javimetal le había encantado en directo).

El caso es que acudía presto a ver si los temores que Napoleón Solo me despertaron en el disco se confirmaban en el directo… y así fue. Me explico. Imagino que con ellos me pasa lo que a muchos con Manos de Topo… que les encanta hasta que el tío nos muestra su voz. Pues eso, la propuesta musical de los (también) granadinos es realmente interesante y original, pero es que cuando Alonso Díaz abre la boca, yo a quien escucho es a Leiva, de Pereza, y claro, eso lastra un huevaco. Por lo demás, buenos temas les sobran, destacando Lolailo Carmona y una Tiene que cambiar que fue lo mejor del concierto. Puntuación ReySombra: 6/10

Napoleón Solo... ¿de guitarra? / Fotografía: Keka Suárez

Después llegaron los de la casa. Niño y Pistola, recién aterrizados de Burgos, para presentar su alter ego, Arthur and the writers. A mí me ganaron, a una hora en la que la brisa todavía no se había despertado, y el sol apretaba, Manolito y los suyos defendieron el disco de forma notable. Lo suficiente como para que los que no le habíamos puesto la atención suficiente (quizás algo desmotivados por el más flojo Culebra) nos lo apuntásemos en el debe, y corriésemos a buscarlo en Spotify al día siguiente, y hoy mismo a las tiendas (si, soy de esas raras avis que todavía compra discos). Puntación ReySombra: 6’5/10

Manolito, o Arthur, o Niño. Y Pistola./ Fotografía: Keka Suárez

Desde Mallorca venían los que, a la postre, fueron reyes del Lolapop alternativo. L.A, a puntito de meterse en estudio para darle un hermano a Heavenly Hell, primero con la formación actual, que imaginamos llegará para 2011. La voz de Luis Alberto Segura, con ese timbre que por momentos recuerda (cuando menos a mí, aunque quizás sea el único) a Eddie Vedder (digamos aquello de “salvando las distancias” para que nadie se nos ofenda) consiguió levantar los brazos y hacer saltar al (poco) personal congregado allí mientras caía la noche. Incluyeron un par de versiones de Chris Isaak y Cindy Lauper, para rematar la fiesta, y llevarse una merecida medalla de plata. Puntuación ReySombra:7/10

L.A., c.o.n.c.i.e.r.t.a.z.o. / Fotografía: Keka Suárez

Los segundos representantes de la casa, granadinos nacionalizados pontecaldenses, por aquello de ser santo y seña de Ernie Records, fueron Niños Mutantes, los Las noches de insomnio recién hechito y listo para servir. Por trayectoria reciente, les corresponde, quizás, el segundo escalón en cuanto a lo de “cabezas de cartel”, pero no cumplieron con ese puesto. Tremendamente irregulares, lo mismo nos enardecían recordando aquel En la tierra de los grandes momentos, para después pedir palmas e implicación a un público que abandonaba las inmediaciones del escenario para marcharse a las barras. Tarde se percataron de que para decirle al público que “esto es una fiesta”, lo primero que tienes que hacer, es crearla, como hábilmente hicieron en el último tercio del repertorio. Lo justito para dejarnos un buen sabor de boca, que es más de lo que nos temimos decir. Puntuación ReySombra: 6’5/10

Niños Mutantes, adoptados por Pontecaldelas / Fotografía: Keka Suárez

Lo demás, fue historia, ya que servidor no vive en hogar materno, y no fue lo sufientemente previsor como para llevarse ropa de abrigo, así que nuestra cita con The Right Ons se verá aplazada al Xacobeo 10. Lo que pudo haber sido mejor cartel de los presentados hasta ahora en el Lolapop, y, quizás, mejor concierto de las ediciones celebradas, no fue premiado con una asistencia como la de otros tiempos. Ignoramos si detrás de esto estará el Sonorama, las orquestas de las fiestas de pueblo, o Mika, o el cambio de fecha, o los cuatro a la vez. En todo caso, esperemos que el Lolapop 2011 cuente con mayor premio del público. Si no, se nos escapará.

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Todas las fotografías, cortesía de Keka Suárez. Puedes seguir sus trabajos (muy recomendables, la mayoría de conciertos) en su blog y en su Myspace.

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Y por fin llegó. Después de estar esperándola durante 12 meses, un año más ha terminado la semana del Viñetas desde o Atlántico (del 9 al 15 Agosto en Coruña), o como le llamamos mis amigos y yo, simplemente “la semana de la feria”. 7 días en los que las reglas del juego cambian, y las conversaciones se centran en tíos con mallas y superpoderes (y no, no me refiero a Usain Bolt dopado).

La cosa empezó mejor que el año pasado. Y es que esta vez no hubo problemas de logística y las casetas se pudieron colocar con el tiempo suficiente para que todo empezase el lunes 9. Desde ese día a las 18,00  horas estaban preparados los puestos de las tiendas especializadas, ofreciendo sus productos con ese suculento 10% de descuento que siempre hacen y que algunos intentamos aprovechar al máximo. En total había 46 casetas, y aunque algunas de ellas eran específicas de un tema, como juegos de rol o manga (comic japonés), la mayoria tenían una serie de elementos comunes: en muchas de ellas se podía ver Maus, el primer comic que ganó un Pulitzer (1992), o Blacksad, uno de los mejores comics europeos que hay (escrito por españoles), y cómo no, superhéroes, muchos superhéroes. No falta ninguno, desde el clásico Hombre de Acero hasta Lobezno, pasando por las mallas de todos los colores. Incluso por la ciudad pueden encontrarse reproducciones a escala natural de Batman, Spider-man o Tintín, recordándole a los coruñeses que esa semana algo diferente está ocurriendo.

Otra característica común de las casetas  es que en muchos de ellas tienen expuestas las obras de aquellos autores que acuden ese año al salón. Y es que sí, querido amigo friki, ¡tenemos presupuesto hasta para traer a gente importante y todo! Este año la cosa fue bastante variada, con dos autores del mainstream americano y varios artistas europeos. En el primer grupo encontramos a Carlos Pacheco, andaluz afincado en EE.UU., y colaborador en series como Superman, X-Men o Vengadores, así como atrevido al arriesgarse con ideas apartadas del género, como Arrowsmith (el cual recomiendo). Eso sí, la calidad de su arte no compensa la falta de respeto que tuvo durante las sesiones de firma de autores, dedicándole un tiempo excesivo a cada dibujo sin tener en cuenta a todo el mundo que esperaba para tener algo suyo, y con remilgos como que no firmaba en ediciones satinadas porque “no podía dibujar el boceto a lápiz” en ella. Sinceramente, una pena que la representación española de las grandes compañías haya dado esta imagen. Todo lo contrario a Dave McKean, un grande del mundillo, autor de clásicos como Arkham Asylum o Violent Cases, que transmitía una humildad y cercanía que hizo que un servidor se tomase la libertad de estrecharle la mano (con lo bruto que soy dándola, ¡podría haberle arruinado la carrera!). Por otra parte, en el grupo de europeos encontramos a Émile Bravo, francés de ascendencia española (que hablaba contigo en un perfecto castellano) autor de Mi mamá está en América y ha conocido a Buffalo Bill y de una revisión del personaje de Spirou entre otros. Un hombre que, tras hablar contigo relajadamente mientras te dedicaba el ejemplar, te hacía salir de allí pensando “Voy a comprarme toda la obra de este tío, seguro que merece la pena”. Y es que a veces la impresión que dan los  propios autores también hace vender ejemplares, o todo lo contrario. Pacheco, toma nota.

También asistieron otros autores como Victor Rivas (Harry Pórrez), Camille Jourdy (la trilogía de Rosalie Blum), el dúo Raule y Roger Ibáñez (Jazz Maynard), Denis Kitchen y Dani Montero, ganador del premio Castelao por su obra Sen mirar atrás. De todos ellos (y de los anteriores citados) se podían encontrar bocetos originales de sus obras en las exposiciones repartidas por salas de toda la ciudad (Kiosco Alfonso, Palexco, Palacio Municipal…). Además, había exposiciones temáticas, como la dedicada a Will Eisner (me quito el sombrero ante el Genio), a las tiras de prensa del siglo XX (un descubrimiento para mí) y una muy curiosa sobre la figura del esqueleto en los comics (me quedo con un chiste de una sola viñeta en el que una calavera dice “Yo antes era negro”; simplemente, genial).

A nivel personal, he de decir que fue una de las mejores ferias que recuerdo. A pesar de los problemas que nos ponen cada año (menos casetas, cambiarnos la ubicación a un mísero aparcamiento, ponernos al lado de las casas regionales… ¿qué narices tiene el alcalde contra nosotros?), el humor y el ánimo de la gente lo compensa todo. Yo me acerqué allí cada día, y siempre encontraba algo nuevo: una edición rara, un comic en el que no me había fijado, un conocido con una conversación interesante… y cómo no, los otakus, preparados con sus disfraces para el concurso de Cosplay (caracterización) del sábado por la tarde (que por cierto, ¿por qúe había dos Jedis por allí?) en la misma carpa donde el resto de la semana hubo talleres para Warhammer, Juego de Tronos o Magic, torneo de DDR (máquina de bailar) y duelos al Tekken 6. Podría protestar también porque el Xabarín Club le quitó sitio a todas estas actividades porque era su 15 Aniversario, pero no lo haré. El balance de la semana ha sido positivo, y eso es lo que os quiero transmitir. Podría contaros muchas cosas más, pero entonces esto más que un resumen sería un discurso de Fidel y esa no es la intención.  Si el año que viene os acercáis hasta allí, entenderéis a lo que me refería en esta crónica.

Y si la Fuerza lo quiere, yo estaré allí para contarlo.

Mi compra de la semana:

- Eisner/Miller: Conversaciones (libro)

- W de Wacthmen (libro)

- Hicksville, de Dylan Horrocks

- From Hell, de Alan Moore

- Sin City (bueno, los relatos que salen en las pelis)

- Arrowsmith, de Kurt Busiek y Carlos Pacheco

- Contrato con Dios, de Will Eisner

- Orquídea Negra, de Dave McKean

(PD: gracias a aquellos que me habéis aguantado durante esta semana. A Fati, Esther, Tere, Patri, Sonia, al gran Breixo que no falta a la cita., y al resto si me he olvidado de alguno. Gracias a todos, sin vosotros la feria no sería tan genial como lo es para mí)

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