Gabriels Version wirkt anders. Zu Beginn schmeicheln dunkle Cello- und Basstöne, werden zur ersten Strophe von warmen Blechbläsern abgelöst. Das wirkt erhaben und feierlich – aber auch ein bisschen irdischer. Wäre da nicht im Intro der absonderliche Falsettgesang, den Gabriel über alles legt. Dadurch wird etwas sphärisches eingeführt, das mit dem Inhalt des Textes verbindet, und auch im Einklang mit dem Original steht.

Neben Heroes ist Philadelphia wahrscheinlich der andere Song von Scratch My Back, bei dem man sich nur schwerlich vom Original lösen kann. Doch auch hier versucht PG seinen eigenen Weg zu finden, singt in gefasster Haltung die Betrachtungen von Liebe, Freundschaften und Nähe, die alle in schmerzlicher Distanz formuliert werden.

Nein, hier wird nicht bloß über die Vergangenheit gesungen, hier ist eine Verabschiedung, ein Loslassen endgültig.

Im weiteren Verlauf wechseln sich Bläser und Streicher ab, spielen sich Gegenseitig verschiedene Facetten des gleichen Grundthemas zu. Von einer Trompete kommen zwischendurch Figuren, die feierlich und auch ein wenig förmlich wirken.

Dann, im Mittelteil, singt Gabriel eine textlose Vokalphrase mit dem Orchester, die merkwürdig geträllert wirkt. Eine mögliche Phantasie dazu wäre, einem Sterbender zu lauschen, der schlecht einstimmt, wie mit letzter Kraft, aber in voller Leidenschaft.

Zur letzten Strophe kehren wir zu der schon bekannten Begleitung zurück. Sie klingt zu den letzten Worten zart und milde aus, und erlöst, nach all der Vehemenz, zum absoluten Schluss mit der Grundharmonie.

Interessant ist noch, das sich PG um das aussprechen des Namens Philadelphia drückt – bei Stellen, an denen der Text ihn eigentlich vorsieht, sind jeweils die unartikulierten Vokalgesänge von Gabriel eingefügt.

Wir wissen gleich von Beginn an, dass wir es hier mit einem exaltierten Stück zu tun haben. Schon Regina Spektors Original aus dem Jahr 2006 von dem Album Begin To Hope weist eine Leidenschaftlichkeit auf, die sich aus einer osteuropäisch anmutendenen Mischung aus tragischem Leiden und Aufbegehren nährt.

Im Anschluss an den ungewöhnlichen Auftakt, ertönt jedoch zunächst Peters zurückhaltender Gesang, begleitet von getragenen Streicherakkorden. Ein wiegender Rhythmus stellt sich ansatzweise ein – aber hier wird bestimmt nichts in den Schlaf gewiegt.

Der Text ist eine temperamentvolle Betrachtung über Selbstverlust und das Vergehen. Im Refrain heißt es dann gar, “Après moi, le deluge – nach mir die Flut”. Nanu, hat Peter nicht ein berühmtes Lied über eine ganz ähnliche Thematik gemacht?

Während Peters Text aber eine zerrissene Ruhe ausstrahlt, geht es bei Regina Spektor drangvoll und in unermüdlichen Wiederholungen nach vorne. Auch Gabriels neue Musik unterstützt dieses Getriebene, nutzt vielfältige Mittel, um immer wieder neu anzusetzen.

Da sind akzentuierende Streicherschwünge, geradezu schmelzende Passagen in den Überleitungen, kleinschrittige Trippeleien für die zunehmende Leidenschaft – und immer wieder gezupft pochende Kontrabässe.

In der langen Instrumentalpassage des letzten Drittels, wenn sich die Dramatik immer weiter steigert, findet Peter zudem wieder zu seinen markerweichenden Vokalschreien, wie man sie z.B. noch aus Passion-Zeiten kennt.

Nach einer letzten Wiederholung des “sei ängstlich”-Teils, schwingt sich das Lied allmählich aus, ohne die Angespanntheit zu verlieren. Durch einen Tonartschlenker wird sie sogar noch erhöht, obwohl die Dynamik immer weiter zurückfährt. Man bleibt schließlich unerlöst in der Offenheit zurück.

Amüsant noch nebenbei: Peter hat den russichen Textteil weggelassen, obwohl er selbst sagt, er habe es mit Hilfe von Außenstehenden versucht. Das Ergebnis war vermutlich nicht ernst zu nehmen.

Es stellt vom Charakter her eine ähnlich impressionistische Momentaufnahme wie Flume dar. Seine Auswahl überrascht aber auf eine gewisse Weise. Schon das Original weist ausschließlich Piano- und Orchesterbegleitung auf. Was will Peter da noch anders machen?

Zudem beginnt seine Version exakt genauso, wie Randys Fassung: mit denselben bedächtigen, akkordartigen Klängen vom Flügel – übrigens mit sehr ansprechendem Raumhall aufgenommen. Keine Neuinterpretation also – ganz zu schweigen von Unterschieden?

Die kommen zur zweiten Strophe und sind zugegeben subtil. Dort wo bei Newman Orchster einsetzt, bleibt bei Gabriel das Piano. Tatsächlich wird das ganze Stück ausschließlich von Klavier begleitet. Auch zum Mittelteil, “Einsam, einsam”, wo im Original Streicher schräge Harmonien hinzufügen, verläuft Peters Fassung anders. Statt Streichern eine vertrackte Tonfolge, die an Bartok erinnert.

Auch hier also wird sich konsequent auf die Atmosphäre konzentriert, die der Text transportieren will. Die triste Stimmung von Newmans Song – Gefühle von Einsamkeit, zerbrochener Freundschaft sogar – wird hier erreicht, indem man ein gespannt getragenes Tempo anschlägt und sich ganz auf eine zwar sinnliche, aber auch etwas intellektuelle Flügelbegleitung reduziert.

Darüber hinaus wird erneut der Leere eine große Bedeutung beigemessen. Wenn zum Schluss zum dritten Mal darüber sinniert wird, dass es vermutlich regnen wird, bleibt man genau so allein gelassen zurück, wir die verhärtet-traurige Figur, die im Song zu uns spricht.

Das Ergebnis weist spürbare Unterschiede zur Film-Version auf. Der Orchestersound klingt nicht so samtig und weich, obwohl das Arrangement exakt dasselbe ist. Die Budapester spielen etwas akzentuierter, etwas straffer. Die Wirkung, die dadurch entsteht, macht einen gefassteren Eindruck.

Erstaunlich, wie sehr sich das verändern kann, nur durch ein anderes Orchester. Auf der New Blood Tour wird man diese Erfahrung sicher auch noch machen, da dort ja in jeder Stadt ein anderes Ensemble spielen wird.

Ganz allgemein lässt sich sagen, dass die Betonung dieser orchestrierten Fassung mehr auf dem romatischen Aspekt des Songs liegt. Hat das Original eine eher lakonische Haltung, wird hier durch Getragenheit und Intensität eine gefühlsstarke Variation geboten. Trotzdem geht das manchmal Absonderliche des Textes nicht verloren. Gabriel beweist, dass man auch in emotionalen Momenten noch Sinn für schräg-philosophische Gedanken haben kann.

Angemerkt sei noch, dass The Book of Love der einzige Song auf dem Album ist, den nicht John Metcalfe orchestriert hat, sondern Nick Ingman (der schon mit Grönemeyer das “Stand der Dinge” Projekt gemacht hat).

Ab und an rauschen, wehen, dröhnen unidentifizierbare andere Klänge durch diese bedrückte Landschaft. Das Arrangement nimmt unmerklich an Dichte zu, intensiviert sich bis zu dem Satz “Mein Herz schlägt so langsam”. Dann ein leiser, dumpfer Schlag einer großen Trommel (wie war das mit ‘no drums’?). Generalpause.

Dann, zu dem fast schon gebetsmühlenartig wiederholten “Mein Körper ist ein Käfig”, setzt mit einem Mal treibend das Gesamtorchester ein. Es folgt weiterhin dem Grundrhythmus, doch mit geballtem Krafteinsatz entläd es sich jetzt in geradezu verzweifelter Energie. Die gespielten Figuren werden immer auschweifender, schlagen immer größere Kapriolen, stampfen, hasten, taumeln, bis alles in einem lauten Crescendo endet.

Eine einsame Soloklarinettenstimme übernimmt für ein sorgenvolles Zwischenspiel. Dann singt Peter wieder, nein, schreit “Mein Körper ist ein Käfig” – und ein zweites Mal setzt das Gesamtorchester ein. Diesmal noch voller, noch lauter, noch haltloser. Peter legt mit seinem unvergleichlichen Vokalgesang ein Wehklagen darüber.

Auch hier gipfelt alles wieder in einem maßlosen Crescendo. In die Stille danach hinein der Satz “Mein Denken hält den Schlüssel”. – Wieder ein einsamer Trommelschlag.

Eine wirklich lange Generalpause.

Schließlich ertönt aber doch noch ein weiteres Mal “Mein Körper ist ein Käfig”. Man macht sich bereit für die nächste Orchesterattacke – doch was folgt ist das verhaltene Klavierspiel vom Anfang. Wir sind zurückgekehrt zu der Hilflosigkeit mit dem alles Begann – nichts hat sich verändert. Oder doch? Mit einem Mal schieben sich sphärische Stimmen eines Knabenchores hinzu. Ein Tonartwechsel folgt – plötzlich bekommt alles einen erhabenen Färbung. Zu dem Satz “Setz meinen Geist frei” wird alles merkwürdig friedlich und erhaben. Peters Stimme wird brüchiger und zugleich freier.

Was ist das, was sich hier zum Ende andeutet?

Hat schon mal jemand einen Heiratsantrag begründet? Nun, Lou Reed hat das 2008 in seinem Song The Power of The Heart getan (das bis jetzt noch auf keinem Album erschienen ist). Dieser Mann also, dem man nachsagen möchte, daß er nicht singen kann, der immer so ungelenk und verschlossen wirkt, versucht eine Liebeserklärung. Und siehe da: sie wird anrührend. Denn er kann zum Ausdruck bringen, was ihn erfüllt, was diese Frau ihm gibt. Wenn auch in knarziger Form.

Gabriel hat diesem Stück nun zunächst einmal eine ordentliche Gesangsmelodie gegeben. Außerdem setzt er sich der schlichten Selbstoffenbarung des Textes aus und fügt dem eine anrührende, kraftvolle Begleitung hinzu.

Simple Klavierakkorde beginnen den Song, so einfach und klar, wie die zurückhaltend gesungenen Worte. Erhebende Bläser fügen sich hinzu, später noch gleißende Streicherlinien. Doch trotz der eingestreuten musikalischen Akzente wirkt das Arrangement nie überfüllt oder aufdringlich. Im Gegenteil: alles ordnet sich der Ehrlichkeit des Gesagten unter, ist bemüht, dem eine warme Grundlage zu schaffen.

In der Schlußphase gelingt es Gabriel mit immer individuelleren Phrasierungen des Gesangs, dem Ganzen noch größere Tiefe abzugewinnen und sich gegen Ende gar zu jubelnder Stimmung aufzuschwingen. Die Frau, die das nicht rührt, heiratet wohl aus rationalen Gründen.

Hey Gabriel-Fans da draußen – heute ist es endlich soweit: Scratch My Back steht hierzuland in den Regalen und wartet darauf, von euch gehört zu werden. Nach UP, welches im September 2002 veröffentlicht wurde, ist es das erste Studio-Album Peter Gabriels seit siebeneinhalb Jahren. Ab heute dürfen wir also nach dem Album ist vor dem Album sagen und auf I/O warten, welches seit Jahren als nächstes Album mit komplett eigenen und neuen Songs gehandelt wird. Auf das es nicht wieder Jahre dauern wird …

Gabriels Version hat es schon vorab zu großer Beliebtheit gebracht. Das liegt an der bestechenden Schlichtheit des Arrangements.

Es beginnt mit einem Duett zweier Solostreicherstimmen, die sich umspielen und in sanfter Ungezügeltheit dahinwirbeln. Hinzu fügen sich gezupfte Kontrabaßpunkte, die einen Grundton vorgeben. Gabriel beginnt mit Vorsicht die Erzählung zu singen.

Im Verlauf kommen nach und nach weitere einzelne Streicherstimmen hinzu und füllen das Arrangement, das Wehende und Verwehte bleibt dabei erhalten. Doch allmählich hebt sich die Dynamik, ohne groß in Lautstärke oder Kraft zu investieren. Das ist ein Trick, der wahrscheinlich nur von klassischen Instrumenten zu bewältigen ist.

Das Leidenschaftliche der Musik findet ihren Höhepunkt bei der Wiederholung der “Wind in meinem Herzen”-Passage. Schließlich aber verhaucht der Vorwärtsdrang. Das Arrangement fährt zurück, verweht, wie der Wind und irgendwann auch die Existenz von Mojique.