Sabe quando ouvimos uma música nova e percebemos que ela tem o mesmo título de outra música de que gostamos?  Pois bem, para viciados em música como nós, isso já é o suficiente para estabelecer comparações, descobrir associações, etc…(Alguns títulos nem contam, de tãaaaao repetidos: “Beautiful” e “Always”, por exemplo, já foram usados à exaustão!) Então, listaremos aqui alguns repetecos gloriosos (ou nem tanto)…

Ano passado, ao ouvir pela primeira vez o excelente Fever Ray, estreia do projeto homônimo de Karin Dreijer, vocalista do The Knife, deparamo-nos com a bela faixa “When I Grow Up”, que conta com um clipe tão bonito quanto. Impossível não transportar-se dessa obscura diva para a top diva dos 90, Shirley Manson e seu Garbage, que, no segundo álbum, Version 2.0 (1998), já havia lançado uma “When I Grow Up”, musiquinha de ouvir no carro, típica dos caras. (Saudades, Shirley, beijo!). Nesse ínterim, “When I Grow Up” ainda caiu em mãos menos habilidosas, digamos: levante o dedo quem escapou de ouvir a estridente faixa das Pussycat Dolls, aquela que tem a risadinha mais irritante da música pop? “HA HA HA HA!” Inclusive, o próprio The Knife em um de seus maiores sucessos replica a punkzona “Heartbeats” do The Gossip no álbum That’s Not What I Heard (2000).

Em 2007, o Radiohead revolucionou com o lançamento pela internet, através de download (cada um pagando quanto quisesse, se quisesse) o excelente In Rainbows, que continha a faixa “All I Need”, título que já habitava nossas cases e corações desde 1998, com o classicão Moon Safari, primeiro do Air, na doce voz de Beth Hirsch. Nesse caso, as duas faixas merecem ser gêmeas, ambas são pérolas da elegância musical.

E como falar da audácia da queridinha do momento Beyoncé, ao intitular “Sweet Dreams” uma das faixas de seu I Am…Sasha Fierce (2008)? É como chamar uma música de, sei lá…, “Imagine” ou “Hey Jude”!!! A faixa da moça rebolativa não é das piores, tampouco chega a ser uma “Single Ladies” ou uma “Crazy in Love”. Mas… né? Não há o que dizer da eterna “Sweet Dreams” da rainha Annie Lennox no Eurythmics, lançada lá em 1983.

Falando em clássicos, nem só de Madonna vive “Holiday”. O Vampire Weekend, em seu segundo disco recém saído do forno, Contra, tem um “feriado” também, tão funny quanto o da tia, incluído em Madonna (1983). A namorada de Jesus compartilha ainda com o Basement Jaxx não só “Lucky Star”, do mesmo disco, como “I Want You”, sua regravação do Marvin Gaye. A dupla de Brixton, aliás, é mestre no assunto. Divide com a cocota Katy Perry “Hot’n Cold” e com Whitest Boy Alive “Don´t Give Up”.  A queridinha banda de Erlend Oye, na seara indietrônica, se encontra com o experimental Animal Colective em “Fireworks”, o Whitest em Dreams (2006) e o Animal em Strawberry Jam (2007).

Bem geladinha como a “Ice Cream” do Muscles em Guns Babes Lemonade (2007), já citado por aqui, é a do New Young Pony Club em Fantastic Playroom (2007), banda que andou meio sumida, mas tem segundo álbum saindo esse mês.

Mais diferentes, por sua vez, não poderiam ser duas “Bulletproof”: a do AGF-Delay, projeto do finlandês Vladislav Delay com a bela Antye Greie-Fuchs, sexy e soturna; e o hit do momento, de La Roux, cujo ótimo clipe vive passando na MTV.

O mais legal é, que fuçando atrás desses homônimos acabamos reencontrando músicas que estavam empoeirando na pasta e mereciam ser relembradas. Poderíamos escrever um post gigante, essa é uma brincadeira divertida e sem fim! Convocamos nossos leitores a lembrarem de outras coincidências e postarem aqui nos comments! Não lembrou nenhuma? Joga no Allmusic!

Antonio Kvalo, Gibran Teixeira e Thiago Jatobá

O dubstep é o irmão do trip hop… nasceu no início dos anos 2000, na zona proletária de Londres, oriundo de uma junção do dub, com um drum’n bass desacelerado e algum garage house. Assim como o irmão, tem sua raiz na musica negra, mas foi “tomada de assalto pelos DJ’s brancos”. E, em especial, um deles chama muito a atenção de nossa equipe editorial desde o ano de 2009. Chama-se Burial, mas foi batizado William Bevan, um rapaz de Shouth London que pirou no Soundforge e produziu dois discos: Burial (2006) e Untrue (2007), ambos do selo Hyperdub, especializado no gênero. É sobre o segundo álbum que iremos tratar aqui.

 Bem, o simples fato da fusão de ritmos aliado a samplers de diálogos de cinema em filmes como Inland Empire (David Lynch) e 21 Grams (Alejandro González Iñárritu), e ainda trechos de artistas como Beyoncé e En Vogue e o já citado Massive Attack + efeitinhos de videogame, já fariam o disquinho morar em nossos corações. Porém o que mais impressiona é o que dá toda essa massaroca de sons e ritmos.

 O disco abre com uma faixa sem titulo (não por acaso batizada de “[Untitled]“), uma intro para aclimatar o ouvinte e dar uma atmosfera que combina bastante, aliás, com a arte da capa do disco. Segue com Archangel , faixa que mistura o vocal de Ray J.  na musica ”One Wish“ com um sampler da abertura do game  Metal Gear Solid. É como se tivessem injetado uma anfetaminazinha na Soundsystem Jamaicana  transportando todo mundo através dos vocais etéreos. Essa serve tanto na pista quanto na reunião de amigos na sala de casa! (e nós somos testemunhas disso aqui,  no “ilê do Orelha”… rsrs).

 Na faixa quatro, “Ghost Hardware“ , contamos com samplers incríveis e inusitados: tem “Beautiful“, da Christina Aguilera, misturada com mais Metal Gear e trechos dos filmes Moça Com Brinco De Pérola e Metalheadz, o documentário sobre os Talking Heads… diz ai se não dá vontade de ficar tentando identificar cada elemento desses na musica agora? Rs

A faixa seis, ”Etched Headplate“  é minha favorita… menos pelos samplers, que dessa vez dizem respeito a India Arie e Amanda Perez, duas obscuras (pelo menos pra mim) cantoras de R&B americanas, mixadas com trechos de Sem Perdão, filme inglês dirigido por Saull Dib e que tem trilha de Robert Del Naja (já deu pra perceber  a colegagem entre Burial e Massive Attack né?), e mais pela belíssima melodia de vocal acelerado e batida quebrada tão sensual que dá vontade de se esfregar todinho seja lá onde for.

Pulei da faixa quatro pra seis? Sim, mas eu nunca prometi um faixa-a-faixa… hehehe.

A faixa-título do disco usa Beyoncé em “Resentment” , mas ao invés de colocar a voz da cantora em toda sua virtuose, ele desacelera e transforma a “diva” numa espécie de “preto velho hype”. Na mesma faixa, está junto a cantora o ilustre desconhecido e “primo pobre e caipira do Jack Johnson” Ernie Halter, num “hit” (segundo o YouTube) chamado “Whisper“ . Se eu fosse o Ernie, eu bem chamava o Burial pra produzir meu próximo disco, visto que esta mesma musica é usada como sampler na faixa que segue, a deliciosa “Shell of Light“.

 Na faixa “Homeless” , Burial se apropria do já citado En Vogue, com a suingada “Hold On“, e também de uma clássico da Motown na voz de Smokey Robinson, chamado “Who’s Lovin’ You”. Curiosamente, a mesma ”Hold On” do En Vogue cita em seu inicio a musica de Robinson… é a apropriação da apropriação! Não é o máximo?!

 Pois é, você deve ter pensado que a equação de ritmos e referências descrita no titulo e em todo o texto deveria soar como algo ininteligível, né?  Então taí o disco que funciona quase como uma tese comprobatória de que na matemática da música, cabe muito mais do que aquilo que se imagina.

Thiago Jatobá

Sixteen Billion Drum Kicks flerta com vários sons, do jazz ao samba-rock: “Mágica” já começa num aroma “a-festa-vai-ser-boa”, tem vocal diva e elementos discotéque, introduzindo o disco e preparando para uma viagem à Discoland. Tíquetes na mão, sejam bem vindos a “Cosmic Man“, que tem no vocal a participação de Marku Ribas, monstro lendário do samba rock, com  60 anos de idade e 45 de carreira num vocal de 25! Se ele mesmo diz “subo o morro todo dia, não tenho medo da folia”, quem somos nós para temer? A faixa tem o teclado perfeito pra pista e traz um groove impecável. A voz de Ribas, grave e cheia de suingue, faz a gente mexer ombrinho e descer até o chão! E por isso mesmo que ele é o próprio homem cósmico, talvez nosso concierge. E não pára por aí… A próxima faixa é “Samba Who?”¸ que traz participação de Igor Willcox e começa com som de natureza, um sambinha suave de fundo e baixo típico dos 70. Willcox, que é baterista e produtor musical, faz a coisa ficar mais orgânica sem deixar de ser sintética. A propósito, essas duas faixas contam com produção adicional de Technásia, projeto de Charles Siegling, que também é o dono do selo Sino pelo qual saiu Sixteen Billion…, e entrou na música eletrônica nos anos 90 com seu ex parceiro Amil Khan colocando a Ásia no circuito mundial do techno. Technasia colabora em mais 6 faixas disco afora, inclusive as duas seguintes, “Ácida” e “Jaxx“. “Ácida” é techno clássico, enquanto  “Jaxx” mergulha na nu-disco, estilo que tem sido presença constante nas cases contemporâneas. “Power“, outro technão de raiz, faz a cama para mais uma disco de responsa, “Street Dancer”, que é das mais empolgantes do álbum, seguida por “Shout“, com sua bateria nervosa e gritinho garage.

“Summer Rain” é um capítulo à parte: conta com uma introdução genial! Primeiro por ter barulho de chuva de verão de verdade e segundo por dar uma pausa na discoteca. É bem dub e tem teclados fascinantes, até que, de repente, a coisa vira baile funk da melhor qualidade! Pra finalizar, um diálogo surreal de pornochanchada. O que é “o Pitanguy dos cabaços”?!. Simplesmente incrível!

Em sua versão de “Corazón”, Cohen leva Nego Moçambique pro techno, incrementando a mistura de sons; já “Sunrise“, com participação de Erik Escobar,  traz o gene Giorgio Moroder na veia. Com a ajuda luxuosa do New Samba Jazz e do trombone de Bocato, seu megahit “Pontapé” vira “Pontapé Jazz”, numa transcrição inspirada que resulta em um jazz mesmo, não deixando nada a dever a nenhuma produção da Blue Note ou da Verve. Este trabalho refinado demonstra a intenção do cara de não se limitar a nenhum rótulo. Assim, o disco se encerra em seu momento mais tech-house, com ” Cultura em Constante Movimento”.

Em sua bela estreia repleta de referências, Renato Cohen marca sua posição de grande produtor de eletrônica do país, a um só tempo flertando com a brasilidade, o jazz e a disco, sem deixar de soar cosmopolita e atual. Vida longa à eletrônica nacional!

Antonio Kvalo & Gibran Teixeira

Voltando pros 70, Joan Jett and the Blackhearts gravou talvez uma das músicas mais marcantes do gênero: “I love Rock´n Roll”. Lembramos que Joan pode ter sido a primeira mulher a formar uma banda só de garotas com alma roqueira, The Runaways.

Suzi Quatro não era uma banda e sim uma cantora que se enquadra nesse padrão, já que é uma das poucas representantes calcinha do Glam Rock a ter tanto prestígio quanto David Bowie por exemplo. E já que tá valendo cantora, o que dizer de Patti Smith? Levando em consideração também que ela, apesar de assinar seu nome, era acompanhada por uma banda de… meninos! Patti talvez seja a maior influência para as riot girls de todos os tempos. Ela é considerada por alguns o Bob Dylan de saias (não sei se isso pode ser considerado um elogio) por ter poesia dentro de suas canções de cunho “agressivo”.

The Raincoats é considerada a primeira banda de pós punk a ser do clube da Luluzinha. Era experimentalismo puro cheio de rock inglês, um campo que ainda era dos Bolinhas. A vocalista que responde pelo nome de Ana da Silva (uma brazuca?? Se alguém conseguir a comprovação disso eu agradeço muito!!) foi tão influente para a cena que, segundo Kurt Cobain, o Nirvana só existiu por conta delas. E nos 90 ela ainda teve um projeto paralelo produzido pelos seus fãs do Sonic Youth!

Para ilustrar outras meninotas que fizeram sua parte, temos Martha Davis na frente do The Motels, Poly Styrene do X-Ray Spex e finalizamos com Siouxsie and the Banshees, a grande diva dark que será realmente falada no próximo capítulo, quando entraremos nos ricos e femininos anos 80!

Nesse período a música brasileira dava vôos livres às suas meninas e pouco acabou acontecendo em terras tupiniquins. Mas elas voltam com tudo nos 80, então como não poderia deixar de ser, aguardem cenas dos próximos capítulos!

Antonio Kvalo

Gibran  Teixeira

Os dois conseguiram um feito incrível, o disco é recheado de hits bons. Mesmo nas faixas mais calminhas, eles não deixam a peteca cair, como em “Colourless Colour” ou “As If By Magic”. La Roux já abre bombante, com “In For The Kill”, que deixa a gente rouco de cantar junto e acompanhar os gritinhos da topetuda, bem como em todas as faixas seguintes. Aliás, La Roux é irresistível justamente porque alcança o que toda música pop almeja: que os ouvintes tenham vontade de cantar junto e se empolguem. Com um vozeirão que parece vir do fundo de uma garganta poderosa, uma espécie de filha temporã de Kate Bush, Elly se esgoela pra valer, sem, no entanto, soar como quem está forçando a barra. Pode parecer pouco, mas quantas cantoras pop hoje merecem essa observação? As bases não devem nada ao vocal da moça, o duo foi muito bem produzido: está tudo lá num synth-pop amarrando tecladinhos ­kitsch à la The Knife aos refrões contagiantes. Destaque para “I’m Not Your Toy”, cuja introdução “tecnobrega” é tão cafona e gostosa que não dá pra não sorrir quando a música começa. Joelma feelings! O clipe é excelente também, com a galera de cara blasé dançando minimalista (repare nas black bitches luxo), sem falar no terninho “dândi” de Elly. É claro que, com tantos atributos, a dupla já conta com remixes de um time de respeito, como os nossos conterrâneos The Twelves, DatA, Chateau Marmont… Talvez o mais interessante seja o do Skream, que transformou a já citada “In For the Kill” num dubstep atmosférico, destacando o vocal intenso da moça.

La Roux é pop de qualidade, pra ouvir até cansar, sem medo. Abaixo a farofa, viva o pop do bem. Ou: “ Tire sua Lady Gaga do caminho que eu quero passar com a minha La Roux!”

Gibran Teixeira

 Curiosidade: o início de “Reflections Are Protection” não lembra “À Francesa”, da Marina Lima?

Antonio Kvalo diz:

Mash-up ao vivo é algo pelo qual todo mundo deveria passar nessa vida. Como se não bastasse o Whitest Boy Alive ser uma banda fofa e tocar maravilhosamente bem ao vivo, Erlend Oye nos surpreende a cada minuto. Imagine, só para começar, uma pista de dança formada por quatro músicos ótimos e seus instrumentos impecáveis. A bateria poderia ser eletrônica, mas é acústica; a guitarra é tocada em poucos acordes, e diz o que se quer ouvir, o baixo é contínuo e se faz peça fundamental para o som dos caras; e para fechar com chave de ouro o teclado é uma dádiva aos nossos ouvidos. Em pouco tempo de show você é capaz facilmente de dizer “seria o Daft Punk se fosse humano”, aí eles me jogam “Around the World” com a platéia acompanhando com coreografia.

E por falar em platéia, voltemos um pouco à ordem das coisas. O show (que era minha prioridade) fazia parte de um evento que contava também com dois ótimos filmes. Isso significa que tínhamos um público pelo menos interessante e interessado, talvez poucos realmente conhecessem a banda, mas deveria haver algum interesse. Era um misto de Vips, Globais, “gente de cinema”, moderninhos e modernetes casuais, as classes A e B carioca e outros (como nós) que tínhamos uma causa a cumprir: o show em si! Por conta disso, em certas músicas alguns entendiam que era Reggae e dançavam com aquela malemolência de “Jah”. Em outras era gritado “Tô na Rave!”, se dividiam em “louraça-psy-bota” versus “indie-all-star”. O mais legal é que o Whitest Boy Alive sabe comandar uma platéia (apesar dos longos textos à la Tim Maia) e consegue agradar a quase todos os ouvidos.

O show começou com “Keep a Secret”, e isso foi muito bom… Continuou com quase todas as suas músicas, afinal a banda só tem 2 discos. Era de se esperar que seria lindo, mas depois do cover do Daft Punk, a coisa começou a ficar tensa. Pelo menos pra mim, que esperava em cada introdução que ele fizesse eu me esbaldar com sua versão de “It´s a Fine Day” (hit chiclete de discoteca dos 90), lançada em seu Dj Kicks. Não foi desta vez, mas Oye não deixa por menos. No bis, ele quase mata a gente do coração. Simplesmente depois de cantar duas musicas, incluindo “Courage”, uma de suas melhores composições, ele me finaliza o show com “Show me Love”. Suficiente para um infarto!

Tudo flui muito bem na mão desses caras. Deixam de lado os rótulos e estilos pré fabricados para só, única e exclusivamente fazer música! E é disso que a gente precisa…

Gibran Teixeira diz:

Consegue imaginar um show em que o vocalista canta Tom Jobim (“Àguas de Março”),Vinicius de Moraes (“Tristeza”) passando por “Around the World”, do Daft Punk, “Wicked Game”, do Chris Isaak até chegar em “Show Me Love”, da Robin S.?

Pois bem, esse é o Erlend Oye. O ruivo mais lindo do mundo (dá licença?) veio com sua banda Whitest Boy Alive tocar aqui no Rio de Janeiro na sexta-feira, dia 11. E que banda! Em meio às inimagináveis versões citadas acima, eles tocaram faixas de seus dois álbuns: Dreams, de 2006 e Rules, desse ano. As músicas, que já tem um suingue incrível, de fazer inveja a muito samba-rock por aí, ganharam um peso incrível ao vivo. Ao vivo mesmo, porque até os elementos eletrônicos incluídos no show (que não estão nas versões de estúdio) foram feitos na hora, nada de bases pré-programadas. Aliás, deliciosa ironia o “garoto mais branco vivo” ter tanto balanço!

Para entender essa história, a figura de Oye é fundamental. Depois de passar por algumas bandas sem muito destaque, o norueguês conquistou o mundo com seu parceiro Eirik Boe, no Kings of Convenience, dupla que há três discos (Quiet Is the New Loud, 2001, Riot On An Empty Street, 2004 e Declaration of Dependence, 2009) fazem um som calminho, com pitadas de bossa nova e soft rock. Enquanto isso, fez  featuring  para, entre outros, os conterrâneos do Royksopp em 2001, nas lindas “Poor Leno” e “Remind Me”. A partir, começou um carreira-solo, com faixas sempre melódicas em parceria com uma galera muito boa da eletrônica ( Prefuse 73, Phonique, entre outros) e participações em produções como “Keep on Waiting”, do DJ Hell, por exemplo. O WBA tem seu início em 2003, como um projeto de eletrônica, mas aos poucos foi abandonando as picapes, até chegar ao resultado de Dreams, “acústico e dançante”, nas palavras do próprio Oye.

A banda dos caras é indie de fato: não tem empresário, eles cuidam de tudo; Rules  foi gravado num estúdio montado na casa de um amigo no México e seu lançamento foi numa loja alugada por eles mesmos, onde venderam os discos por três dias, e ainda fizeram show. O selo também é deles.  Como um sintoma do esgotamento das grandes gravadoras, eis uma banda que investe em shows de qualidade e numa relação mais direta com o público.

É esse tipo de coisa que faz de Erlend Oye uma espécie de símbolo da contemporaneidade. Ele vai do mais orgânico (voz e violão em baladinhas minimalistas) ao mais sintético (faixas cheias de elementos eletrônicos que a maravilhosa tecnologia nos forneceu), é nerd e cool, cult e pop, desajeitado e sexy, tudo ao mesmo tempo. Muitas vezes nos perguntamos como será o futuro, ou o que vivemos hoje, e na música, esse questionamento é super-presente. Uma indicação pode vir desse exemplo: o tempo de grandes novidades e revoluções já passou, isso é coisa do século XX, do modernismo. Bom, já cansamos de ver a ideia de “evolução e progresso” dar com os burros n’água, né? Então talvez seja hora de contemplarmos a possibilidade de passear pelos múltiplos arranjos de identidade e símbolos da cultura, como faz tão bem nosso ruivinho aqui analisado. O temor de alguns, de que a globalização fosse produzir uma homogeneização sufocante, perde força quando prestamos atenção ao fluxo intenso de referências que caracteriza a atualidade. As categorias fechadas – novo/velho, branco/preto, sério/funny, rock/eletrônica, orgânico/sintético – não dão conta desse mundão cheio de som e fúria. Portanto, podemos relaxar e curtir, porque pra cada “retardada-Disney-Club” que tentarem nos empurrar, existirão outros Erlend Oye por aí, inteligentes e divertidos como nós.

Depois de anos ouvindo repetidas vezes “It´s Automatic”, “Living in a Magazine”, “Grey Day”, a versão deles para “The Model” e mais tudo o que eles gravaram com esmero, já estava na hora de vir coisa nova. Eis que após 6 anos de espera surge um novo disco, Thing Are What They Used to Be.  O entusiasmo foi automático!  

O primeiro single lançado foi “We Won´t Break”, com distorções e progamações típicas de Zoot Woman. Não impressiona, mas agrada. Faz você pensar: “Saudade deles…” O único momento que se sente uma certa “novidade” é no refrão que deixa claro a influência que Calvin Harris (produzido por Stuart Price) tem sobre os meninos de terno mood. O segundo single mantém a mesma vibração, emociona no refrão e aí a gente lembra porque a banda é tão popular na cena: suas letras são feitas pra cantar! “Lonely by Your Side”, que já tinha sido lançada pelo Azzido da Bass, com vocais do próprio Johnny Blake,  tem cara de hit pronto. (e bom!) A música que abre o disco, lançada no site deles após os dois singles, é talvez a mais animada, “pronta-pra-pista” da história deles. “Just a Friend of Mine” já é sucesso garantido; tem ombrinho, pula-cordinha e refrão com falsete.  Vale gritar pro DJ “Toca Zoot Woman!!” antes que vire versão remix de quinta em coletânea de verão.

 Tudo flui muito bem, sem erros. Valeu esperar tanto tempo. “More Then Ever”  começa com suspense de “Calmer” (do disco Zoot Woman de 2003) e depois segue num catwalk agressivo. “Saturation” poderia ter sido gravada por The Killers, tem sobreposição de elementos, guitarra e um tecladinho distorcido fascinante. “Take You Higher” é meio experimental, mostra que a bagagem é grande e faz a linha “música melódica pra não dizer que não temos coração”. Mas como é notório deles, a música seguinte, “Witness” já começa com uma distorção agressiva e mantém uma marcha impecável até o fim!

Depois o disco entra numa atmosfera Depeche Mode. Faz bonito e talvez dê a entender que a banda tem mais projetos em mente (ou apenas capacidade para tal…). Quase no fim do disco, a faixa-título é boa, mas não mostra o melhor deles, é monótona e pede um remix de Jacques Lu Cont urgente! “Blue Sea” é bela, poucos elementos e a velha união de boa letra e vocal fofo que sempre funciona nos álbuns deles.  Seria, como de costume, a música para fechar o álbum. Mas o fim é com “Live In My Head” que é legal e ponto.

Não é nem de perto o melhor disco deles, mas também não precisa ser! O importante é que continuem fazendo novos e bons discos. Zoot Woman comprova que é uma banda de identidade. Tudo soa muito pessoal, quase previsível, sem perder a linha nem mudar de time pra vender mais disco.

Antonio Kvalo

A coluna Dumbo, que inauguramos nesse momento, é pra falar das músicas que nos fazem voar. Simples assim. Segue, então, nosso primeiro (de muitos) Dumbos:

Sabe aqueles dias em que parece que nada poderia nos arrancar um sorriso? Temos o andídoto. E ele vem da Austrália, como já falamos aqui. É Guns Babes Lemonade, estréia de 2007 do Muscles, projeto de um cara só, mas que soa como um bando de marmanjos se divertindo. Essa, aliás, é a tônica do disco: diversão. Não espere grandes surpresas e variações, o disco é bem linear, mas alcança sua proposta funny muito bem. Essa aura pode ser percebida nos próprios títulos das músicas: “Chocolate Raspberry Lemon & Lime”, “Ice Cream”, “Marshmallow”… As letras falam das delícias e percalços dos seres da noite, o que faz deste um álbum sobre noitadas, definitivamente.

Já de cara, ouvimos “Sweaty”, megahit que estourou ainda mais no remix do Shazam, cujo novo vocal de Reija Thomas, bem infantil, transformou-a  numa espécie de “D.A.N.C.E.” nº 2. Quem não se acabou numa pistinha com esse já clássico sucesso do Justice, hein?

“Ice Cream”, a melhor do disco, conforta qualquer perturbação com seu fofo refrão “Ice cream is gonna save the day”. As faixas passeiam por referências à música de pista ao longo das décadas, nos momentinhos eurodance de “The Lake”, nos gritos de diva garage na introdução de “Lauren From Glebe”… Impossível não lembrar do hino “Le Freak”, do Chic,  quando ouvimos o cara cantar “Aaaah look out” em “Jerk”. “Hey Muscles I Love You” é a última faixa e é assim que nos sentimos ao final de 40 minutos de alegria: amando esse som. Geladinho e saboroso.

Gibran Teixeira

O álbum começa suave com a faixa-título, que tem ecos de Booka Shade, como, aliás, boa parte de suas produções. Esse clima segue em “Atomic Soda”, que lá pelo segundo minuto, explode, mas sem perder a ternura e evolui cambiante, bela e suja…. Poderia ter sido composta por um Vitalic um pouco menos nervoso. “Colors” é alegre e esperançosa, dá vontade de tocar para crianças. Já “Opus 17” e “Les Enfants” lembram o incrível Apparat com suas “bolhas” e batidas geometricamente quebradas. A candidata a hit, claro, é “No Turning Back”, que como a já citada “Beautiful Life” em Chromophobia, é a única faixa com vocais, mais uma vez da esposa Luciana Villanova. É necessária a ressalva que dessa vez a moça não se sai tão bem, seu vocal suave fica meio com cara de karaokê. O que não chega a estragar a boa faixa, permeada de uma empolgante guitarra sintetizada. O clima “up” prossegue com “Azzurra”, que não deixa ninguém parar de mexer o ombrinho e exala o gene kraftwerkiano que a gente tanto ama. A linda “Besides” é a mais oitenteira do disco, entrava fácil na trilha de “Marie Antoinette”. Alguém mais pensou em The Cure aí? Sua melodia é de chorar e confortar ao mesmo tempo, um travesseiro sonoro… “Eggplant” é um electrohouse que não cai na farofice, mas agrada fácil em qualquer pista. Fechando com chave de ouro, está “Godet” e seu piano apaziguador. Ao fim da audição, impossível não vir à cabeça o clichê “orgulho nacional”: o sucesso internacional de Gui Boratto é merecido e digno de nosso aplauso.

Take My Breath Away é daqueles álbuns atemporais, provavelmente nunca vai ser chamado de “tão 2009…” e ironicamente, apesar do título, talvez o elemento que melhor identifique o disco seja justamente o ar. O disco é arejado, a sensação é de que as faixas respiram. É pra se ouvir em casa de dia, jantar com ele e quem sabe, reencontrá-lo numa festinha mais tarde…

Gibran Teixeira