odisea2008

ARTHUR RACKHAM ILUSTRADOR (CONTINUACIÓN)

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Fri, 06 Nov 2009 13:32:00 +0000

Ya se han editado varias entradas sobre Rackham entre ellas ENLACE ENLACE ENLACE ENLACE ENLACE sin embargo y dado que particularmente este ilustrador siempre me ha gustado especialmente e igualmente sus trabajos les parecen interesantes a un buen numero de los habituales de esta página, me permito presentarles algunas laminas que realizó para otras dos obras que no hemos visto hasta ahora.

La primera es “Comus” de John Milton ilustrada por Rackham con 24 láminas en color, en una edición de 1921 que pueden ver y/o descargar de este ENLACE les expongo a continuación una selección de 12 de sus imágenes.

Para ver el titulo de la lámina pasen el cursor sobre ella, para ampliar pulsen.

La segunda es la obra Snowdrop & other tales (1920) (Campanilla de invierno y otros cuentos) de los hermanos Grimm ENLACE ilustrada también por Rackham con 20 laminas en color y 29 en blanco y negro de la que veremos una pequeña muestra.

He recortado el sobrante de las imágenes y retocado el contraste.

Saludos.

ILUSTRACIONES DE LA ENEIDA

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Wed, 04 Nov 2009 13:59:00 +0000

La BSB Bayerische StaatsBibliothek tiene en línea una selección de ediciones ilustradas de la obra de Virgilio “La Eneida” entre los años 1502 y 1840 ENLACE , entre las aproximadamente 18 obras que se exponen he seleccionado dos de ellas, para exponerles una muestra de sus ilustraciones.

La primera es: “Vergilius Maro, Publius: Publius Virgilius Maro. Bucolica, Georgica, Et Aeneis. - Parisiis, 1798” a la que pueden acceder en este ENLACE les aconsejo que pulsen donde dice “Miniaturansicht” para acceder a las miniaturas de pagina de 5 en 5 los que les hará mas fácil localizar los grabados que les interesen. El libro contiene “Las Bucolicas” “Georgica” y la “Eneida” (localizada en la última parte de la obra). Igualmente y quizás mas cómodo, a la derecha arriba de la pagina tienen una opción que dice “PDF-Download” si lo pulsan, les permite descargar el libro completo en Pdf, en la ventana que les aparece tienen que aceptar que la copia que van a descargar solo se usara para uso privado y de estudio, para ello tilden la casilla que dice “Ja”.

Veamos algunas de sus láminas, para ampliar pulsen sobre las mismas.

La segunda obra que he seleccionado es: “Lang, Georg Jacob / Eimmart, Georg Christoph / Vergilius Maro, Publius: Erneuertes Gedächtnüs Römischer Tapferkeit, an den unvergleichlichen Virgilianischen Helden Aeneas, Und Seinen großmüthigen Thaten…. Nürnberg, 1688” ENLACE en cuanto a las opciones de visualización y descarga vale todo lo dicho para la obra anterior. Una vez descargadas y corregidas las imágenes que les muestro a continuación, me fije en que había otro ejemplar de la misma edición con las laminas menos amarillentas (aunque colocadas en distinto orden), estas cosas suelen pasar, ENLACE

He recortado el sobrante de las laminas y corregido el contraste, según las normas de la biblioteca todas las imágenes tienen copyright a favor de ©Bayerische Staatsbibliothek , se muestran aquí a titulo pedagógico y no se permite ningún otro uso sin previa autorización de la biblioteca.

Saludos.

MANUSCRITOS DE LA FAMILIA FUGGER

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Sun, 01 Nov 2009 16:33:00 +0000

Hace muy poco tiempo la BSB Bayerische StaatsBibliothek ha puesto en línea a disposición del público dos de las más importantes obras de arte del libro:

El manuscrito Das Ehrenbuch der Fugger (El libro secreto de honor de los Fugger), signado en la biblioteca con el código BSB Cgm 9460, fue elaborado entre 1545 y 1549 por el taller del pintor Jörg Breu Augsburg. El manuscrito muestra la genealogía de los Fugger en iluminaciones a todo color producto de la ilustración del libro de finales del Renacimiento realizado en el taller de los Augsburgo. Es considerado uno de los más importantes y valiosos libros de las familias de habla alemana.

El segundo libro es Custos, Dominicus: Fuggerorum et Fuggerarum imagines - BSB Cod.icon. 380, Augsburg, 1618. La serie de grabados de cobre "Fuggerorum et Fuggerarum imagenes ..." se publicó en 1593 y 1618 en un pequeño número de copias para su uso por los miembros de la familia. Una generación más tarde la idea del libro de honor fue retomada en forma tópica. La páginas en color comprenden las imágenes de 138 miembros de la familia Fugger von der Lilie. La copia adquirida por la Bayerische Staatsbibliothek tiene una calidad poco común de conservación de los colores y es único en cuanto a su integridad.

La familia Fugger, una familia de tejedores que se había trasladado a Augsburgo en 1367, en el curso del siglo 15 y 16 se convirtió en una de las dinastías de comerciantes más poderosos de Europa. Ennoblecida a principios del siglo 16, los Fugger comienzan a retirarse, paso a paso de los negocios durante la segunda mitad del siglo. En las décadas siguientes del 1600, adoptaron un estilo de vida aristocrático.

En 2009, la Bayerische Staatsbibliothek (Biblioteca Estatal de Baviera) ha adquirido estos dos preciosos libros muy informativos sobre la historia de la familia de los Fugger.

Las obras son accesibles en dos formatos, en versión clásica página a página, y en una novedosa versión utilizando un scaner 3D que ofrece una visualización muy realista con rotación y manejo de páginas (Se precisa tener instalado el Java).

Comenzamos por exponer algunas de las páginas de Das Ehrenbuch der Fugger al que pueden acceder en los siguientes enlaces: Versión en línea browsable version y visualización en Java http://www.bayerische-landesbibliothek-online.de/fugger3den si escogen el primer enlace observen arriba del todo en la página a la derecha sobre el icono de la biblioteca, que tienen una opción de descarga de la obra completa en pdf “PDF-Download”, si la pulsan se les abre una ventana donde se les pide que confirmen que la copia se va a usar a título personal para estudio y sin usos comerciales, marquen el recuadro que dice “Ja” y pulsen el botón “Weiter” (y paciencia son muchos megas).

Para ampliar las siguientes imágenes (recomendado), pulsen sobre las mismas.

El segundo libro Fuggerorum et Fuggerarum imagines lo pueden ver en línea en el siguiente enlace browsable version para la versión en Java les vale el mismo link que les indique anteriormente, para la descarga en Pdf sigan las instrucciones dadas para la obra anterior.

Todas las imágenes tienen copyright a favor de ©Bayerische Staatsbibliothek se exponen aqui a titulo pedagogico y no pueden ser usadas comercialmente sin la pertinente autorización de la biblioteca. Les recomiendo una detenida visita para disfrutar de estas obras de arte.

Saludos.

AFGANISTÁN SIGLO XIX

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Thu, 29 Oct 2009 10:00:00 +0000

Afganistán como Estado nace en 1747 al lograrse la unificación del territorio bajo el mandato del Shah Ahmad Durrani.

Desde los tiempos de Alejandro Magno en el siglo IV a. C. los afganos opusieron una tenaz y feroz resistencia a cualquier tipo de invasión, posteriormente en el siglo IX d. C y hasta el XII son sometidos por los árabes, periodo este que resulto fructífero para su desarrollo, el paso obligado de la “ruta de la seda” trae como consecuencia un gran desarrollo económico y urbanístico, al mismo tiempo que se implanta la religión islámica que subsiste hasta el día de hoy.

En el siglo XIII son invadidos por el Imperio Mongol, debido a la tremenda resistencia ofrecida a la invasión por el pueblo afgano, el territorio fue totalmente arrasado, subsistiendo una serie de tribus que durante mucho tiempo se enfrentaron entre sí de forma continuada. Tras siglos de esta lucha interna, se consigue en el siglo XVIII como se menciono anteriormente la unificación territorial.

Sin embargo en esta época la Rusia zarista estaba interesada en Afganistán para contrarrestar la influencia del Imperio Otomano, y establece cordiales relaciones con los afganos, ya en el siglo XIX la esfera de influencia rusa en la zona, que se había convertido en un baluarte de insurrectos contra la dominación de la India por parte de los británicos, hace que el ejercito angloindio de la Compañía Británica de las Indias Orientales invada Afganistán, dando lugar a La Primera Guerra Anglo-afgana que se desarrolló entre 1839 y 1842 fecha en la que el ejército británico se retira del país.

Esta retirada reafirmó la posición prorusa del entonces gobernante Dost Mohamed Shah. Este pretendió aumentar su influencia en el norte de la India, donde fomentó rebeliones antibritánicas. Al consolidarse su posición con su hijo Shere Alí Shah, los ingleses volvieron a invadir Afganistán. Resultado de la segunda guerra anglo-afgana (1878-1880), fue el que la dinastía Durrani fuese depuesta y Afganistán despojado de los territorios situados al sur del Khyber que pasó a ser gobernado por un emir impuesto por los ingleses. Años después, Afganistán recibió de los ingleses la estrecha faja que prolongaba su territorio hasta la frontera con China. Con esto se evitó que los dominios rusos e ingleses tuviesen una frontera común. Fue así convertido en tapón entre dos Imperios, británico y zarista, trazándose demarcaciones territoriales de manera arbitraria, dividiendo a pueblos seminómadas que no las reconocían y que las cruzaban con sus rebaños. En 1880, Abd al-Rahman Kan, nieto de Dost Muhammad, se instaló en el trono. Los británicos decidieron retirarse en 1881, ya que en general el nuevo monarca les parecía una alternativa aceptable que podía alinearse con los intereses británicos. En 1919 Afganistán logra la total independencia de Gran Bretaña.

Información complementaria sobre esta etapa del país encuentran en varias páginas webs, particularmente ENLACE ENLACE ENLACE ENLACE

Me he permitido un breve esbozo de esta etapa de Afganistán porque las láminas que vamos a ver a continuación pertenecen a tres álbumes editados en 1842, 1843 y 1848 que se encuentran en la NYPL (New York Public Library), y se enmarcan inmediatamente después de la primera guerra Anglo-Afgana. De esta forma creo, se pueden apreciar mejor las imágenes en un “cierto contexto histórico”.

Les expongo a continuación una selección de láminas de cada álbum. Para ver el titulo pase el cursor sobre la imagen, para ampliar pulse.

Comenzamos por “The costumes of the various tribes, portraits of ladies of rank, celebrated princes and chiefs, views of the principal fortresses and cities….” De James Rattray, editado en 1848 con 26 laminas en color que pueden ver completo en este ENLACE

El segundo es “Character and costumes of Afghanistan” de James Atkinson editado en 1843 con 27 laminas en color que pueden ver en este ENLACE

Y por ultimo “Sketches in Afghaunistan” también de James Atkinson editado en 1842 con 26 laminas en blanco y negro que localizan en este ENLACE

He ampliado las imágenes fuentes en un 50%, corregido contraste y eliminado en ciertos casos algunas manchas.

Saludos.

NORWID POETA Y PINTOR POLACO

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Sun, 25 Oct 2009 20:28:00 +0000

Cyprian Kamil Norwid, (1821-1883) fue un poeta, dramaturgo, pintor y escultor de la segunda generación del romanticismo polaco. Escribió muchos poemas célebres en su país como Fortepian Szopena (El Piano de Chopin) o Bema pamięci żałobny-rapsod (La Rapsodia de Bem). Tuvo una vida trágica con frecuentes problemas de pobreza, fracaso profesional, amor no correspondido, mala salud y aislamiento social. Vivió casi toda su vida fuera de Polonia. Tienen información sobre el artista en Wikipedia (español) ENLACE y una biografia (en inglés) ENLACE .

Sus obras como poeta y dramaturgo no son difíciles de localizar en la red (sobre todo las traducidas al inglés), sin embargo sobre sus dibujos y bocetos hay muy poca información, he localizado en la Cyfrowa Biblioteka Narodowa de Polonia una colección de los mismos con 389 items ENLACE

Les expongo algunos de dicha colección a continuación, para ver el titulo pase el cursor sobre la lámina, para ampliar pulse.

He ampliado los originales un 25% y retocado el contraste. Desconozco si tienen Copyright, en todo caso se exponen aquí a titulo pedagógico y no se permite su uso comercial sin autorización de la biblioteca fuente, en el caso de que corresponda.

Saludos.

LILLE SIGLO XIX

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Thu, 22 Oct 2009 09:00:00 +0000

Lille es una ciudad del norte de Francia, a orillas del río Deûle. Se encuentra cerca de la frontera con Bélgica. Tras la conquista romana de la Galia, los asentamientos del río Deûle crecieron, si bien lo que hoy conocemos como Lille no era más que un grupo diseminado de núcleos de población unidos por caminos. Con el proceso de romanización los pobladores de la zona adoptaron la cultura galorromana. A finales del siglo V a. C. un núcleo ubicado en la orilla oriental del río empezó a crecer lentamente, siendo el más denso de todas las poblaciones de los alrededores. En el futuro, este emplazamiento se convertiría en el germen de la futura ciudad. Durante toda la Edad Media, la actual Lille formó parte del condado de Flandes, territorio vasallo del reino Franco, que reunía las antiguas ciudades romanas de Arras, Cambrai y Boulogne; e incluso llegó a ser su capital. Debido a su ubicación estratégica, al final de la parte navegable de Deûle, el núcleo de la actual Lille fue adquiriendo importancia comercial.

A finales del siglo XVIII, la industria local, básicamente basada en la producción de tejidos, empezó a diversificarse, introduciéndose manufacturas de encaje, cerámica y alimentación, ya que la industria textil de Lille, que no podía competir con la pujante y mecanizada manufactura inglesa vivió un periodo de crisis económica. Durante la primera mitad del siglo XIX, la industria textil de Lille volvió a despegar, tras sufrir el paréntesis revolucionario. La ciudad se especializaría principalmente en la producción de tejidos de algodón y lino. Lille se convirtió en el mayor centro industrial de Francia, y su manufactura de confección logró ser una de las más importantes del mundo.

Lille fue casi totalmente destruida tras los daños causados en la Segunda Guerra Mundial. La ciudad no recuperó plenamente su actividad industrial y comercial hasta cinco años transcurridos el conflicto mundial. En 1951 se celebró la Feria Internacional de los Tejidos, que marcó el resurgimiento económico local. A partir de los años cincuenta del pasado siglo la ciudad fue expandiéndose a partir de los suburbios. En 1967 se finalizó la autopista París-Lille. Actualmente es una de las mayores ciudades de Francia, y sigue manteniendo su peso económico en la Unión Europea.

Encuentran amplia información sobre Lille en Wikipedia en este ENLACE (español), de donde he extractado los párrafos anteriores.

Pues bien, como documento curioso la Biblioteque numerique de Lille tiene en línea dos álbumes editados por Edouard Boldoduc en los años 1893 y 1895 respectivamente, uno con 48 xilografías en color y el otro con 40, representando la Lille antigua monumental, escenas populares y vistas, sobre todo del siglo XIX. Aunque en mi opinión los grabados no son de alta calidad, tienen el valor de un testimonio grafico de épocas pasadas.

Les expondré a continuación una muestra de los grabados de dichos álbumes, como siempre para conocer el titulo de la lámina pase el cursor sobre la imagen, para ampliar pulse.

Comenzamos, por “Album souvenir : Lille ancien monumental, suivi de sujets modernes, jeux populaires et fêtes publiques…” (Álbum de recuerdos: Lille monumental antigua, seguida de escenas modernas, juegos populares y fiestas publicas…), que pueden ver completo en este ENLACE

Y una breve muestra de 5 de las 40 laminas de “Collectionneur lillois” que pueden ver completo en este otro ENLACE

Desconozco si las imágenes tienen copyright, en todo caso son expuestas aquí a titulo pedagógico, y para ningún uso comercial.

Saludos.

TIPOS Y COSTUMBRES DE VARSOVIA

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Sun, 18 Oct 2009 19:23:00 +0000

En la Cyfrowa Biblioteka Narodowa de Polonia existe una colección titulada “Varsovia en palabras e imágenes” ENLACE con 355 documentos, muchos de ellos ilustrados, revisando el contenido he seleccionado varios que me parecieron interesantes. Para esta entrada escogeré dos que reflejan los tipos y costumbres de las gentes polacas en el siglo XIX y principios del XX. Tienen información interesante sobre la ciudad de Varsovia en este ENLACE .

De la obra cuyo título traducido del polaco es (aproximadamente) “Album de dibujos de Varsovia en doce cuadros”, del artista Juan Félix Piwarski (1794-1859), editado en 1841 y que refleja tipos de las clases sociales de la época les expongo a continuación todas sus laminas, pueden ver si lo desean las imágenes fuente en este ENLACE.

Para ver el titulo de las láminas, dentro de lo que ha sido posible con un traductor automático, pasen el cursor sobre las mismas. Para ampliar pulsen.

La segunda obra “Antigua y actual Varsovia- Album de tipos de la calle 20 litografías” de Joseph Rapacki editado en 1926 presenta en sus laminas algunos personajes típicos y emblemáticos de la ciudad a principios del siglo XX, estas laminas no tienen titulo, por lo que me limito a exponerles una muestra, pueden verlo completo en este ENLACE , en la pantalla principal que se les abre observen arriba a la izquierda un símbolo que representa cuadraditos pequeños, púlsenlo y desplegaran los iconos de las paginas, les será más cómodo para escoger lo que quieren ver.

En general he aumentado la resolución original un 25 % y corregido el contraste. Las imágenes pueden tener Copyright, en todo caso como siempre, se exponen en esta entrada a titulo pedagógico y para ningún uso comercial.

Saludos.

FAISANES

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Thu, 15 Oct 2009 11:38:00 +0000

La NYPL tiene imágenes de varios libros sobre faisanes, entre ellos “A monograph of the Phasianidae, or, Family of the pheasants” de D. J. Elliot editado en 1872 que contiene 94 laminas en color y que pueden ver en este ENLACE

He escogido particularmente esta obra porque la resolución de las imágenes fuente esta a 300 ppp. Lo que me ha permitido aumentar el tamaño un 50% para poder apreciarlas mejor. En todo caso al final del post les dejo dos enlaces más a otras obras sobre el tema.

Les expongo a continuación una selección de las láminas del libro mencionado. Al pie de la imagen de cada una tienen el nombre latino del ave. Para ampliar pulsen.

Como les indicaba más arriba he aumentado las imágenes fuentes en un 50% corregido contraste y enfoque y las he enmarcado para mejor presentación.

Otras obras en la misma biblioteca que pueden consultar son:

“Histoire naturelle des oiseaux de paradis et des rolliers, suivie de celle des toucans et des barbus, par Francois Levai ....” ENLACE

“A monograph of the pheasants” ENLACE

Saludos.

ILUSTRACIONES DE ARTHUR RACKHAM

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Mon, 12 Oct 2009 19:10:00 +0000

Sobre Rackham ya se han editado varios post ENLACE ENLACE ENLACE en los que hemos visto una parte importante de las ilustraciones que realizó para diferentes obras, les remito a los mismos para conocer su biografía y tener una visión conjunta de su trabajo.

Sin embargo he localizado dos obras que no habíamos mencionado en las que participó con sus ilustraciones son: Some British ballads (Algunas baladas inglesas) editada en 1919 y The Ingoldsby legends; or, Mirth & marvels (Las leyendas de Ingoldsby; o alegrías y maravillas), en una edición de 1907.

Les presento a continuación de la primera todas sus ilustraciones en color y de la segunda una selección. Para ver el titulo pase el cursor sobre la imagen, en el mismo se indica nombre del relato, balada o canto, y nombre de la obra. Para ampliar, recomendado pues están subidas en buena resolución, pulse sobre la lámina.

He recortado el sobrante de las imágenes, corregido en muchos casos contraste y enmarcado en blanco.

Pueden ver (Read on line) o descargar (PDF) Some British ballads en este ENLACE y The Ingoldsby legends; or, Mirth & marvels de este ENLACE

Otra obra con ilustraciones en tinta negra que les recomiendo de Rackham es The land of enchantment editado en 1907.

Saludos.

VENECIA EN EL SIGLO XVII

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Thu, 08 Oct 2009 09:00:00 +0000

En la Beinecke Rare Book & Manuscript Library de la Yale University existe un librito con 27 laminas en color del grabador italiano Giacomo Franco editado en 1609 con el título: “Habiti d’hvomeni et donne venetiane: con la processione della serma. Signoria et altri particolari cioè trionfi feste et cerimonie pvbliche della nobilissima città di Venetia” (Vestimenta de los hombres y mujeres venecianos: Con la procesión de la Serenísima Señora y otras especiales fiestas triunfales y ceremonias publicas de la nobilísima ciudad de Venecia…..)

Esta obra promocionaba el esplendor de los ciudadanos de Venecia, su elegancia, su arquitectura y también la extravagancia de sus festividades, así mismo indicaban la importancia de la góndola como identidad cívica de la ciudad.

Les expongo a continuación la obra completa (sin las tapas), habida cuenta de que las notas caligráficas a pie de imagen están en italiano antiguo, he procurado en lo posible darles una idea del contendido de cada imagen, sin embargo no he traducido literalmente el texto, quizás alguno de los visitantes de esta página que conozca a fondo el italiano pueda hacerlo, cosa que sería de agradecer.

Veamos las imágenes a continuación, para ver el titulo pase el cursor sobre la lamina, para ampliar (recomendado), pulse sobre la misma, o pueden verlas todas seguidas en este álbum de Flickr ENLACE

La nave en las dos imágenes anteriores llamada Bucintoro era la galera oficial del Dux de la república de Venecia, en la cual se embarcaba una vez al año, el día de la Ascensión, para celebrar la fiesta de unión de Venecia con el mar.

El nombre de bucintoro proviene del veneciano buzino d'oro (barca de oro), latinizado en el Medievo como bucentaurus, nombre de una hipotética criatura mitológica similar al centauro con cuerpo de bovino.

La embarcación se utilizaba en los cortejos en la laguna para recibir a las embajadas y las más altas personalidades de la época, en las fiestas y principalmente en el día de la Ascensión. El barco tenía dos plantas: la planta inferior era para los remeros, con capacidad para 42 remos y 168 remeros; la superior estaba cubierta con un enorme baldaquín que formaba una gran sala revestida de terciopelo rojo con 90 asientos y 48 ventanas. Esta sala estaba reservada a las máximas autoridades de la República y culminaba en la popa con el fastuoso trono del Dux.

He recortado el sobrante de las imágenes, corregido contraste y aumentado el tamaño original en un 25 %. Por la fecha de edición las imágenes deberían estar libres de copyright, en todo caso se exponen aquí a titulo pedagógico y para ningún uso comercial.

Como ya les dije este es el libro completo, si quieren verlo directamente en la biblioteca fuente, ENLACE y en la página que se les abre en el recuadro que dice “Search” escriban J18 F8475 +609 y pulsen donde dice “Go” por ultimo en la nueva página pulsen donde dice “Show all images in this set”

Saludos.

GRABADOS ROMÁNTICOS

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Mon, 05 Oct 2009 12:58:00 +0000

De una obra en Internet Archives titulada “The people's gallery of engravings Second Series” escrita por Mary Milner y editada en 1848-1849 he escogido de entre sus más de 40 grabados los que me han parecido mas “románticos” (de ahí el título de la entrada).

Este libro de 128 páginas contiene relatos acompañados de un grabado, unos en prosa y otros en verso, no lo he leído completo, pero por lo que he podido ver parece entretenido, ha condición claro esta de leer ingles correctamente.

Les expongo a continuación las láminas que he escogido, el titulo de cada imagen que pueden ver pasando el cursor sobre la misma, se corresponde con el del relato correspondiente. Para ampliar, lo que les aconsejo pues están en muy buena resolución, pulsen sobre ellas.

He recortado el sobrante, y en general corregido el contraste de los originales.

Pueden ver y/o descargar la obra completa desde este ENLACE

Saludos.

MISCELÁNEA ALQUÍMICA

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Thu, 01 Oct 2009 09:00:00 +0000

En la Beinecke Rare Book & Manuscript Library existe una colección denominada Book of Secrets: Alchemy and the European Imagination, 1500-2000 con una selección de textos y documentos que reflejan la presencia extraordinaria de la literatura alquímica en la cultura popular Europea. Desde el siglo XVI, los libros de secretos alquímicos fueron publicados en casi todos los idiomas europeos, y fueron comprados, leídos, anotados, promovieron burlas, se discutieron, y dieron lugar a un colectivo adicto de escépticos y creyentes. Términos tales como la piedra filosofal, formo parte del conocimiento general, al igual que los nombres de las autoridades de la alquimia, como Raimundo Lulio y otros muchos.

Amplia información de la alquimia en la Edad Moderna encuentran en el blog de Beinecke (en Iingés). Early Modern at the Beinecke

De las obras de la colección he escogido cinco para presentarles una muestra de lo que pueden encontrar en ella, recomendándoles una visita general a través del primer link indicado más arriba.

Les expondré a continuación el nombre de la obra, una breve explicación de su contenido, el enlace directo a la biblioteca de referencia y unas pocas imágenes de cada una. Como siempre para ver el titulo pasen el cursor sobre la imagen, para ampliar pulsen (recomendado pues, están en alta resolución).

“Ars notoria, sive Flores aurei” escrito en latin posiblemente por Apollonius de Tyana en 1225.

Compuesto de quince páginas de dibujos, en gran medida diagramas, de aproximadamente treinta y seis en total, los textos de las oraciones consisten en una larga serie de nombres de fantasía con sonidos exóticos escritos con tinta marrón, mientras que los diseños en si están dibujados en rojo. El texto del manuscrito también incluye numerosas oraciones, algunas de ellas compuestas de nombres exóticos. Encuentran las imágenes que exhibe la biblioteca, de esta obra en línea en Mellon MS 1

“Emblematic Alchemy in English verse, with an English version of the Vision mystica of Arnold of Villanova”, de George Ripley y Richard Carpenter realizada alrededor de 1570 es una obra en forma de rollo de diecinueve pies de largo con múltiples hojas ilustradas. Encuentran todas las imágenes exhibidas en este enlace Mellon MS 41 , les he preparado dos secuencias completas con las imágenes originales parciales de la biblioteca, que les presento a continuación. NOTA: Es totalmente imprescindible para ver las imagenes pulsar sobre ellas y escoger el tamaño original en Flickr.

“Le vray et methodiqve covrs de la physiqve resolvtive : vvlgairement dite chymie ...” Annibal Barlet 1657, la obra contiene grabados en madera de símbolos e ilustraciones de los procesos alquímicos. Enlace a las imágenes expuestas Z92 15

“Musaeum hermeticum reformatum et amplificatum, omnes sopho-spagyricaeartis discipulos fidelissime erudiens….”, varios autores: Basilius Valentinus, Johannes Thoelde, Lambsprinck ..etc , grabados de Maria Sibylla Merian y otros. Alegorías simbólicas de la ciencia hermética. Escrito en latín 1678, enlace a las imágenes expuestas en Z92 20

“Alchemical miscellany Philosophia hermetica Compendiolum de praeparatione auri potabilis veri” escrito en italiano y latin en 1790. La obra está compuesta de dos escritos alquímicos crípticos unidos por dos series de emblemas. El primer texto Filosofia Hermetica, en verso italiano se le atribuye a Federico Gualdi, el segundo Compendiolum de praeparatione auri potabilis (Compendio de la preparación del verdadero oro potable), es atribuido a Marco Eugenius Bonacina. Tienen las imágenes expuestas en este enlace Mellon MS 131

Desconozco si las imágenes tienen copyright, se exponen aquí a titulo pedagógico y para ningún uso comercial.

Saludos.

CASTAS DE LA INDIA

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Mon, 28 Sep 2009 13:02:00 +0000

La Beinecke Rare Book and Manuscript Library perteneciente a la Yale University expone en línea un libro “Seventy two specimens of castes in India : "All people, nations and languages shall serve Him. ... presented to the Revd. William Twining as a token of obligation by his ... friend Daniel Poor ...” (Setenta y dos ejemplares de las castas en la India: "Todas las personas, naciones y lenguas…).

Se trata de un manuscrito ilustrado realizado en el sur de la India en 1837, consta de 72 imágenes en color pintadas a mano de hombres y mujeres de las diversas castas y grupos religiosos y étnicos de Madura en la India en aquel momento. Cada dibujo fue realizado en hojas delgadas de mica transparente, como se indica en la página de presentación. El álbum fue compilado por T. Vardapillay, maestro de escritura en las dos escuelas inglesas establecida por los misioneros americanos en la ciudad de Madura y entregado al reverendo William Twining.

El manuscrito muestra la vestimenta y adornos en la región de Madura antes del inicio de la influencia occidental en el estilo de vestir del Asia Meridional. Cada retrato está ilustrado con subtítulos en inglés y en tamil, y la página del título de la obra incluye además el telugu.

El sistema de castas de la India es un sistema hereditario de estratificación social que ha existido en el subcontinente desde hace quizás más de 2500 años. El sistema de castas está profundamente ligado al hinduismo, una de las tres religiones principales de la India.

Los cuatro grupos básicos se denominan varnas. Las castas se multiplicaron de acuerdo con cambios introducidos en la ley brahmánica y por diversidades regionales, que establecen subdivisiones de hecho. Estas subdivisiones sociales se denominan jāti (familia).

El hinduismo enseña que los seres humanos fueron creados de las diferentes partes del cuerpo de Brahmā. Dependiendo de la parte del cuerpo de Brahmā de donde los humanos fueron creados, éstos se clasifican en cuatro castas básicas, las cuales definen su estatus social, con quién se pueden casar, y el tipo de trabajos que pueden realizar.

Las Leyes de Manu dictaminan que este orden es sagrado y que nadie puede aspirar a pasar a otra casta en el transcurso de su vida. Es decir que debe tener el oficio de su padre y casarse con alguien de su casta. Sólo mediante la sucesión de reencarnaciones se puede ir avanzando (o retrocediendo) en este estatus. La reencarnación no es casual. Los individuos que hayan seguido las actividades (karma) correspondientes a su camino (dharma) pueden reencarnarse en un estadio superior. A pesar de que varios reformadores sociales han tratado de abolirlo, el sistema de castas continúa siendo una característica indeleble de la sociedad india.

El primer texto hindú en hacer referencia a los varnas como las cuatro grandes clases es el Purusha-sūkta del Rigveda. Allí se dice que Purusha el ser supremo o el primer ser, mediante su sacrificio primigenio, su inmolación, creo a todos los seres y cosas que existen, y de él salieron las cuatro grandes castas:

• Los brāhmanas (sacerdotes) son la casta más alta, que según ellos salieron de la boca de Brahmā.

• Los chatrías (clase político-militar), que salieron de los hombros de Brahmā.

• Los vaishias (comerciantes, artesanos y agroganaderos), que se formaron de las caderas de Brahmā.

• Los shudras (esclavos), que provienen de los pies de Brahmā.

Por último están los dalits (parias) que son los intocables, una clase tan baja que se considera fuera de los varnas. Los dalits están fuera de este sistema y por lo tanto están tradicionalmente relegados a realizar los trabajos de más ínfima importancia e incluso se les prohíbe beber de las mismas fuentes de agua que las demás castas.

El sistema de castas fue desafiado por el budismo, la principal disidencia del hinduismo, y flexibilizado (en el siglo XX) por los movimientos de derechos sociales. La prédica del Mahatma Gandhi contribuyó mucho a la construcción de una sociedad civil no dependiente de los preceptos religiosos. Gandhi abogó principalmente por el derecho de los intocables, los sin casta, durante su lucha por la independencia de la India (que fue posesión británica hasta 1947).

En la India moderna los matrimonios entre castas, aunque no son ilegales, son generalmente raros. El sistema de intocabilidad fue oficialmente abolido por la ley, sin embargo en la práctica no ha sido eliminado debido a la lealtad de clases, especialmente en las zonas rurales.

Un artículo del Correo de la Unesco de Septiembre del 2001 ENLACE , menciona:

“Más de 160 millones de individuos, la sexta parte de la población de la India, siguen soportando el peso de un sistema de castas existente desde hace 2.000 años y promulgado por la teología hindú, que encierra a las personas en un rol inmutable determinado por su nacimiento. Aunque el término “intocables” fue abolido en 1950 por la Constitución de la India, los dalits (o personas oprimidas, como se les llama actualmente) siguen estando discriminados. Se les niega el acceso a la propiedad de la tierra, trabajan en condiciones degradantes y son atacados sistemáticamente por la policía y los grupos de defensa de las castas superiores, que disfrutan de la protección del Estado.”……

” Aproximadamente dos tercios de los dalits son analfabetos y alrededor de la mitad son campesinos sin tierra. Sólo el 7% dispone de agua potable, electricidad y retretes. Y también son dalits la mayor parte de los 40 millones de trabajadores forzados existentes (que laboran como esclavos para pagar sus deudas), incluidos 15 millones de niños.”….

Es de suponer que algo habrá cambiado en los últimos ocho años, sin embargo y según mis noticias siguen existiendo millones de personas en aquel país que carecen de los derechos y recursos más elementales.

Esperemos que alguna vez la humanidad no solo se desarrolle científica y técnicamente sino sobre todo espiritual y moralmente, y consideremos que en este planeta en el que nos ha tocado vivir, por mucho poder que se adquiera y por muchos bienes que se posean inevitablemente “llegamos y nos vamos materialmente solos”. Y en todo caso la “riqueza transportable” es de otra índole y además no cotiza en bolsa.

Veamos algunas de las láminas de la obra, para ver el titulo pase el cursor sobre la imagen, para ampliar pulse.

He recortado el sobrante de las imágenes, corregido el contraste y eliminado algunas manchas. Por la fecha de edición parece improbable que las imágenes tengan copyright, en todo caso se exponen aquí a titulo pedagógico y para ningún otro uso.

Pueden acceder a la obra completa en este ENLACE en la página que se les abre pulsen arriba a la izquierda en “See all images”.

Saludos.

SELECCIÓN DE GRABADOS EN MADERA

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Thu, 24 Sep 2009 19:50:00 +0000

La revista Penny publicación semanal que circuló entre los años 1832 y 1845, fue una revista británica ilustrada destinada a la clase obrera. Formo parte de la Sociedad para la difusión del programa de conocimientos útiles para la Reforma Liberal, constituyo una fuente de información sobre temas de interés general, y en general cada número estaba acompañado de grabados. El Penny Magazine, publicado en Londres, introduce en el mercado la variante de la «revista para el hogar», que va a ser imitada en todo el mundo occidental y que en su segundo año alcanza ya una producción de 200.000 ejemplares. Nueve años más tarde aparece el centenario Punch.

El libro “One hundred and fifty wood cuts, selected from the Penny magazine; worked by the printing machine from the original blocks” (Ciento cincuenta grabados en madera, seleccionados de la revista Penny; realizados con los moldes de madera originales) editado en 1835, recopila muchos de los grabados que aparecieron en la revista.

Quizás sea el momento oportuno de dar una somera explicación sobre la técnica del grabado en madera.

El grabado en madera o xilografía palabra que proviene del término griego “xylon” - que significa madera - y del término “grafos” – grabado, se refiere a un grabado realizado sobre una plancha de madera. El proceso xilográfico consiste en dejar en relieve aquellas partes del bloque de madera que corresponden al dibujo, mientras que el resto se vacía. En el momento de imprimir se entinta la superficie que sobresale.

La xilografía es el sistema de grabado más antiguo que se conoce. En Oriente ya se practicaba desde el siglo VII, especialmente para la estampación de tejidos. En Europa su introducción fue más tardía y, aunque los primeros testimonios que se conservan son del siglo XIV (juegos de naipes, estampas religiosas y calendarios), habrá que esperar hasta el siglo XV, con la difusión del papel, para poder hablar de la auténtica expansión de la xilografía.

A pesar de que es una técnica básicamente aplicada a la reproducción de imágenes, también fue utilizada para la reproducción de textos. La gran expansión de la xilografía se produjo en el siglo XV, sobre todo en Alemania, donde destaca la figura de Albrecht Dürer. También hemos de tener en cuenta la obra de Lucas Cranach y ya en el siglo XVI la de Hans Holbein. En el siglo XVII el grabado en madera entró en una fase de declive al verse desplazado poco a poco por el grabado en metal. A pesar de ello, en la siguiente centuria se vivió un verdadero resurgimiento, fruto de la difusión de la xilografía a testa llevada a cabo por Thomas Bewick.

A finales del XVlII, el grabador inglés Thomas Bewick revoluciona la práctica xilográfica con una simple novedad de absoluta eficacia, al sustituir con el boj la blanda madera de cerezo o de peral con que se grababa habitualmente, grabando además contra la dirección natural de la fibra este durísimo material ( a contrahílo o testa). Los miles de grabados de Bewick le sobrevivieron largamente, y bien puede decirse que aunque murió en 1828, la mayor parte de publicaciones editoriales, de revistas y periódicos ingleses se alimentaron durante todo el siglo del enorme fondo icónico elaborado por él y por los miembros de su taller, al margen de la enorme influencia que su estilo ejerciera en todo el grabado xilográfico contemporáneo.

La técnica derivada de este nuevo proceder permitía, a la manera del grabado calcográfico, minuciosos y precisos trazos, punteados, etc., con lo que la gama tonal se enriquecía extraordinariamente, salvando así una de las grandes insuficiencias de este sistema de grabado e iniciando lo que se llamó grabado al claroscuro. Lo que motivó que durante el siglo XIX se aplicase sobre todo a la ilustración de libros y de publicaciones periódicas. Una vez liberada de su función utilitaria, gracias a la aparición de la fotografía y de los sistemas fotomecánicos de reproducción, artistas como Paul Gauguin, Eduard Munch y los miembros del grupo expresionista alemanes “Die Brücke” encontraron en la xilografía un extraordinario medio de expresión y creatividad.

Las técnicas de realización para el grabado en madera difieren en algunos casos pero en general se siguen los siguientes pasos:

1. Preparación de la plancha: Para obtener un grabado de buena calidad es imprescindible que el grosor de la plancha sea totalmente uniforme en cualquier punto y que la superficie sea absolutamente lisa y no presente ni nudos ni vetas. Si no se cumplen estas condiciones es preciso limarla para que no presente problemas a la hora de imprimir. Finalmente se impregna de aceite para tapar los poros y se deja secar una temporada.

2. Obtención del dibujo: Para dibujar la imagen que queremos grabar sobre la plancha de madera se puede hacer de dos formas. Una opción es dibujar directamente sobre la madera y la otra traspasar la imagen a partir de un dibujo original hecho sobre papel. Por ello es aconsejable dibujar el original sobre una hoja aparte, realizar un calco con un papel transparente, invertirlo y transportarlo sobre la superficie de madera, y después reseguir el dibujo con una punta dura.

3. La talla: Una vez hemos traspasado el dibujo sobre la plancha de madera se comienza propiamente a grabar, es decir a vaciar todas aquellas partes de la plancha que no queremos que queden impresas. Según la madera con la que se trabaja y la dirección del corte, se utilizan diferentes herramientas. Para grabar maderas blandas se utilizan gubias. En cambio, para grabar maderas duras y a testa se opta por gubias y buriles parecidos a los del grabado sobre metal.

4. Impresión: Para imprimir una plancha es preciso ejercer un presión o bien de tipo manual o bien de tipo mecánica. En los métodos de impresión manual, la presión se aplica mediante rodillos (cilindros), tampones, cucharas, etc.… Este sistema se utiliza durante el proceso de trabajo para las pruebas de estado y sólo permite obtener un número limitado de estampas.

Cuando el tiraje es más elevado se utilizan métodos de presión mecánica, es decir prensas, preferentemente las “tipográficas”. Una de las ventajas que ofrecen las prensas es que la presión se ejerce de manera uniforme sobre toda la superficie de la madera. El paso previo a la impresión consiste en entintar la superficie de la madera. Antiguamente en este proceso se utilizaban unas balas o tampones, pero hoy en día se utilizan rodillos (cilindros) que permiten distribuir la tinta de manera más uniforme.

A continuación, se sitúa la plancha entintada en la superficie horizontal de la prensa denominada platina. Sobre la madera se coloca suavemente y con un solo movimiento la hoja de papel en la que se estampará la imagen. Para proteger el reverso de esta hoja y para facilitar la presión uniforme de la prensa se coloca sobre el papel un cartón o fieltro y se ejerce la presión. Una vez se ha impreso el dibujo se retira el cartón o fieltro y se levanta la hoja de papel estirándola por un ángulo.

Es importante tener en cuenta que tanto el tipo de tinta como el tipo de papel que se utilicen condicionarán el resultado final del trabajo. Finalmente, tenemos el dibujo original sobre un papel y, por lo tanto, hemos llegado al final del proceso. Ahora, a partir de la misma xilografía y tan sólo repitiendo el proceso de entintado y de impresión, podemos obtener una cantidad ilimitada de estampas idénticas solo determinadas por la mayor o menor duración del molde de madera y su deterioro.

El procedimiento para obtener una xilografía en diversos colores consiste en grabar una plancha diferente para cada uno de los colores que deseamos y después irlos imprimiendo uno sobre otro. No podemos olvidar que en el tiraje la superposición de dos colores dará lugar a un tercer color. Un grabado en colores de calidad se caracteriza por una perfecta superposición de las superficies coloreadas.

Pueden ampliar información sobre xilografía en los siguientes enlaces de donde he extractado lo anterior:

Diseño gráfico comercial siglo XIX (2da parte) por Paola L. Fraticola ENLACE

TÉCNICAS Xilografía ENLACE

Amplia información sobre grabado en madera (inglés) ENLACE

Les presento a continuación unos pocos grabados de la obra mencionada, dejándoles a ustedes el placer de ver las 150 láminas si lo desean en el enlace indicado al final de la entrada. Para ver el titulo pase el cursor sobre la imagen, para ampliar pulse.

He corregido en algunos casos el contraste de las imágenes originales y eliminado algunas manchas.

Pueden acceder a la obra completa en Internet Archives ENLACE

Saludos.

ARTE DE LA GRECIA CLÁSICA

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Mon, 21 Sep 2009 12:35:00 +0000

The British Museum reúne una amplísima colección en línea de objetos artísticos de diferentes épocas y culturas, que pueden ser localizados por distintos criterios de búsqueda, quizás para iniciarse en el manejo de la pagina del museo, lo más sencillo sea escoger en las diferentes opciones de la cabecera, “Highlights”, una vez seleccionada se les presenta una pantalla en la cual pueden escoger la visita por diferentes criterios: Tipo de cultura, pueblo, lugar y material. Al igual que en la casilla en blanco a la derecha lo pueden hacer por una clave especifica (en inglés se entiende).

Para este post por ejemplo, yo he seleccionado la opción de “lugar” especificando “Greece” obteniendo 205 item en la búsqueda. Si seleccionan cualquiera de ellos pulsando en el nombre o sobre la imagen, observaran en la nueva pantalla que se les abre en el centro una descripción del objeto, a la izquierda y debajo de la imagen tres opciones: “larger image” que les permite acceder a la máxima resolución en pantalla, “Print record” (imprimir el registro) y en el centro de ambas una opción muy interesante “Use digital image” si pulsan en ella, acceden a una página donde pueden pedir gratuitamente una copia de la imagen, que les será enviada por mail generalmente a las 24 horas, para ello deben registrarse en el apartado que dice “Free non-commercial image service-Register for our free image service” (un trámite muy simple), una vez obtenido el acceso, introducen los datos de correo y contraseña y pulsan “login”.

Me parece un servicio muy interesante, sobre todo para educadores, pues ateniéndose a los términos y condiciones de utilización se puede usar la imagen para preparar presentaciones curriculares de todo tipo (sin uso comercial) e incluso para publicaciones didácticas o de investigación con tiradas limitadas a un máximo de 4000 ejemplares. La imagen que se consigue, en general tiene una resolución de 2500 pixel en el lado más largo a una resolución de 300 ppp, lo que permite una publicación óptima a tamaño A5 y una presentación en pantalla para usos en clases de tamaño A4 o mayor sin problemas, por otro lado el museo acepta hasta 100 peticiones de un mismo usuario mensuales. Aconsejable leerse los “términos y condiciones” indicados, todas las imágenes obtenidas tienen copyright © Trustees of the British Museum.

Como ejemplo de una imagen obtenida de la forma indicada observen la primera que les presentare a continuación, pulsen sobre ella y amplíenla en el servidor al tamaño original usando la lupa sobre la imagen que les aparece. Las demás imágenes han sido obtenidas directamente de pantalla por lo cual la resolución es bastante menor.

A continuación les expongo doce piezas de la colección, con una explicación traducida de la descripción que hace el museo de las imágenes. Para ampliar pulsen sobre la imagen.

Ánfora trofeo Panatenaico- griega, de Atenas sobre 367-366 a. C. Encontrada en Teucheira Libia, (actual Cirenaica).

Un premio para el vencedor en los Juegos de Atenas, este vaso pertenece a un tipo distintivo dado como premio en los juegos celebrada en Atenas durante el festival anual conocido como el Panateneas. El festival honraba a Atenea, la deidad patrona de la ciudad. El vaso, lleno de aceite de oliva, era entregado a los vencedores en los Juegos. Una inscripción en un lado del vaso se traduce "de los juegos de Atenas”, mientras que en el otro lado el alfarero ha firmado su obra,”hecho por Kittos”.

Atenea se suele mostrar en un lado de dichas anforas. Aquí se lleva una túnica de decoración elaborada y su marco característico. En el otro lado se muestra la especialidad deportiva a la que se otorgaba el premio. Estos dos concursantes probablemente tomaban parte en un pancracio, tipo de lucha que combinaba el boxeo y la lucha libre. El atleta desnudo tercero a la derecha esta tal vez a la espera de competir. La figura de la izquierda es un entrenador o un juez.

Joya en calcedonia mostrando a Nike, diosa de la Victoria- Griega, alrededor de 350 a.C. Esta joya bellamente tallada es una simplificación del escarabajo egipcio, está atravesada longitudinalmente, y fue montada en un anillo giratorio. La joya está esculpida en calcografia con el diseño cortado en la piedra, de forma que si se aprieta contra arcilla o cera quedaría la imagen grabada en forma de sello, probablemente usada con ese uso también se utilizaban como adorno.

La talla muestra a la diosa alada Nike, diosa griega de la Victoria, presentando las armas capturadas a un enemigo vencido: casco, coraza, espada, greba y dos escudos acompañados de una lanza y pedazos de telas. Estas figuras representando trofeos eran dedicatorias colocadas en los santuarios.

Copa representando boxeadores y otros atletas de Grecia encontrada en Vulci (actualmente el Lazio en Italia) alrededor del 500-475 a.C. Los logros atléticos fueron muy valorados en la Grecia antigua. La aptitud física era muy importante dado que todos los varones adultos tenían que estar preparados para servir en el ejército si era necesario. Los deportes de todo tipo eran parte importante de la educación griega y las competiciones de atletismo se llevaban a cabo en muchos festivales importantes. Los juegos más famosos se celebraban en Olimpia y entre los deportes establecidos el pancracio que se ilustra en esta pieza era un deporte olímpico.

El pancracio era un tipo de lucha en la que se permitía casi cualquier cosa incluyendo patadas e intentar estrangular al oponente las únicas acciones prohibidas eran morder al adversario o intentar sacarle los ojos, a la derecha de las imágenes de esta pieza parece estar cometiendo alguna de estas faltas y el árbitro detrás de él parece estar a punto de golpearle con el bastón. A la izquierda se observan un par de boxeadores.

Vasija de vino o crátera griega alrededor del 325 a.C. Fabricada en Apulia (Italia), llamado también “el vaso de Hamilton”.

La escena principal representada en esta vasija de vino está dominada por un pequeño templo y su ocupante, un joven y su caballo. Las dos columnas jónicas en la parte delantera se unen a las paredes del lado corto. El remate por encima de ellas está decorado con un adorno de acroteras. Toda la estructura se encuentra en un alto pedestal decorado con un diseño en espiral. En el interior, el joven guerrero está acompañado por su caballo, detrás de él cuelgan su coraza y demas implementos. El añadido blanco utilizado para el edificio y sus ocupantes sugiere que fueron hechas de mármol o de piedra caliza de estuco. Muchos fragmentos de tales monumentos han sido excavados en Taranto.

En el curso del siglo IV a.C, la pintura de cerámica en Apulia se volvió cada vez más recargada. La elaborada decoración en el cuello de este jarrón, donde una cabeza de mujer emerge de un intrincado diseño de volutas y flores, es característico del estilo tardío de Apulia.

Sello de cornalina que representa a un hombre conduciendo un carro. Minoico del 1450-1300 a.C. de Knossos en Creta, los artesanos de esta zona fueron especialistas en el arte del grabado en sellos, estos sellos en piedra generalmente pequeños están bellamente tallados con diseños que nos proporcionan una imagen en miniatura de la fascinante Creta minoica. Estos sellos tenían un propósito practico, se utilizaban para imprimir en trozos de arcilla en torno a los cierres de las puertas, en botes, cajas, incluso para sellar lotes de documentos. Estas marcas podrían indicar la propiedad o identidad de algún control de la autoridad oficial. El uso del sello fue una constante en los sistemas administrativos Minoicos que controlaban los movimientos de bienes y productos, en algunos casos también sirvieron de elementos decorativos usados en la muñeca o cuello.

Este sello de cornalina muestra una figura con un carro tirado por un par de caballos. Tiene un látigo en una mano y las riendas en la otra. El efecto en zig-zag sobre el lomo de los caballos, presumiblemente indica una forma compleja de arnés. Sellos y joyas eran especialmente populares entre los coleccionistas europeos de los siglos XVIII y XIX.

Tazón con figuras en negro, firmado por el pintor Sophilos, realizado en Atenas hacia el 580 a.C. Representa la procesión de la boda de Peleo y Tetis, los frisos de los animales en este tazón recuerdan a las pinturas de corintio, también están representados dioses, diosas y ninfas que supuestamente se transforman para celebrar la boda del héroe Peleo con la hermosa ninfa marina Tetis.

Según la leyenda Tetis había tenido muchos pretendientes entre ellos a los propios dioses, pero cuando estos se enteraron por una profecía que el hijo de Tetis seria más grande que su padre dispusieron que debía casarse con Peleo. Su hijo seria Aquiles el más famoso de los griegos en la guerra de Troya.

En la pintura Peleo esta ante las puertas de su casa para saludar a los huéspedes que llegan a pie o en carro. Entre los primeros se encuentra el dios del vino Dionisos, representado con una rama de vid cargada de uvas, que simboliza el vino que bebe en las bodas. Los nombres de los invitados figuran escritos al lado de las imágenes. Sophilos es el primer pintor de vasos griegos cuyo nombre se conoce.

Las imágenes de esta Hidria se dividen en dos zonas. La zona superior muestra el rapto de las hijas de Leukippos por el Dioskouroi, Kastor y Pólux (Cástor y Pólux).

Afrodita, diosa del amor, se sienta en la parte inferior de la escena, claramente implicada en el secuestro. Su asistente Peito, diosa de la persuasión, huye de la escena, pero Afrodita y Zeus, padre de la Dioskouroi, no parecen moverse. La escena en la zona inferior muestra a Heracles realizando su último trabajo (los trabajos de Hércules), recibiendo las manzanas de oro de las Hespérides de las ninfas responsables de guardar el árbol en un jardín al final de la tierra.

Ambas escenas son notables por el tratamiento pacífico de los sujetos violentos. Otras versiones de la historia de las hijas de Leukippos muestran a estas luchando por liberarse. En este caso, parecen más interesadas en mostrar su hermosa ropa de la manera más elegante posible. Del mismo modo, al comienzo de la escena del Trabajo final de Heracles se muestra la lucha contra una serpiente terrible. Aquí las ninfas parecen perfectamente felices de renunciar a sus manzanas, mientras que la serpiente inerte y bobina se enrosca alrededor del árbol. Este estado de ánimo suavizado, junto con el tratamiento delicado del conjunto pictórico, es muy característico de la pintura en cerámica de finales del siglo V ateniense.

Cuenco con una cabeza de Gorgona del periodo arcaico alrededor de 625-600 a. C. realizado en Corinto en el estilo de cerámica petrificada. El conjunto pictórico presenta un friso de panteras, ciervos, dos esfinges y una sirena que rodean el motivo central la cara de la medusa Gorgona. Según la leyenda cualquiera que mirase el rostro de la Gorgona quedaría instantáneamente convertido en piedra, el héroe Perseo logro cortarle la cabeza que le entrego a la diosa Atenea para que la colocara en el centro de su escudo. Cabezas de Gorgona se encuentran muy a menudo como motivos centrales de tazas y tazones de esta época dado que su forma es adecuada para el campo pictórico circular disponible, el diseño suele ser decorativo y llamativo, probablemente también cumplían una función de conjuro, alejar el mal de ojo del usuario de la jarra. A finales del siglo VII a.C. las ollas y tazones de Corinto fueron muy populares en todo el Mediterráneo. La excelente factura del estilo Protocorintio fue sustituido gradualmente por un estilo un tanto más tosco.

En el siglo VI a.C. los animales reales y mitológicos que siguen siendo el tema básico para los pintores de los vasos corintios se van haciendo cada vez mas esquemáticos en sus diseños, al mismo tiempo el ornamento de relleno se ejecuta de una manera menos elaborada. Este plato fue realizado a comienzos del periodo arcaico y muestra un conjunto pictórico muy cuidadoso y detallado.

Terracota representando a Dionisos de Tanagra en Beocia, Grecia, alrededor del 350 a.C. El dios Dionisos puede ser reconocido por dos de sus atributos característicos, el gallo y el huevo. Dionisos era un dios del mundo subterráneo al igual que del vino y las ofrendas, en este caso los huevos y el gallo evocan la vida y la fertilidad.

Este tipo de busto, llamado Prótomo, se realizo extendiendo una fina capa de barro en un molde único y cocido posteriormente. Los primeros ejemplos conocidos se hicieron en el Oriente griego, especialmente en la isla de Rodas, pero desde principios del siglo V a.C en adelante también se hicieron a Tanagra y en otros lugares de la Grecia continental. Los colores en este ejemplo son muy llamativos y están excepcionalmente bien conservados.

Terracota de Tanagra (Grecia) figura de una mujer con un sombrero para el sol, siglo III a.C. Las piezas de este estilo y época llevan el nombre de “Tanagras”, lugar de Beocia en Grecia Central donde miles de figuras similares fueron desenterradas en la década de 1870. Figuras de hombres, niños y actores cómicos también fueron encontradas en Tanagra, pero las más abundantes fueron las femeninas. El principal atractivo de estas piezas radica en su postura casual y su ropa que generalmente consiste en una túnica usada debajo de una capa más gruesa o himation. Estas prendas estaban originalmente revestidas de colores brillantes de los cuales como se observara en esta pieza nada ha quedado.

La mayoría de figuras de Tanagra se han encontrado en tumbas, donde pueden haber sido colocadas, ya sea como ofrendas a los dioses del inframundo, o para proporcionar comodidad a los muertos.

La mayoría de figuras de Tanagra se realizaron a partir de dos moldes principales, trasero y delantero, con la cabeza hecha en uno o dos moldes más y unidos por medio de una espiga larga insertada a través de la parte superior de los hombros. La parte trasera de algunas figuras es tan detallada como la parte delantera. Después de la cocción, la pieza era recubierta con una solución de yeso o arcilla blanca, y luego se agregaban los colores sobre la misma.

Jarra estilo pictórico (crátera) periodo griego micénico, alrededor de 1400-1300 a.C realizada en la actual Ialisos-Rodas, escena de un pulpo con diseño delicado y sutil.

Durante los siglos XIV y XIII a. de JC las jarras micénicas eran demandadas en todo el Mediterráneo oriental. Su atractivo, sin duda, radica en el hecho de que en general estaban bien hechas, de arcilla de buena calidad, y bien pintadas.

Esta crátera proviene de un cementerio de las cámaras de las tumbas micénicas en la isla de Rodas, y por lo tanto, presumiblemente del enterramiento de un residente micénico de la isla. Está decorada en ambos lados por un gran pulpo, de ojos saltones con tentáculos extravagantes. La decoración basada en motivos marinos era popular en la Creta minoica, y adoptada con entusiasmo por los micénicos del continente griego. Tales criaturas marinas eran, sin duda, tan familiares para los antiguos habitantes de las islas griegas, como lo son actualmente para sus contrapartes modernos.

Jarra de cerámica “West Slope” con una cabeza de Gorgona en el cuello manufactura de la isla de Creta alrededor del 200-150 a.C.

Piezas “West Slope” es el nombre dado a los primeros hallazgos realizados en la vertiente oeste de la Acrópolis de Atenas. Es una clase de cerámica helenística que es esencialmente negra, vidriada y con decoración policromada.

El molde de la cabeza de Gorgona en el cuello de este vaso está rodeado por un circulo de color amarillo (que se aprecia muy poco a esta resolución), con la intención tal vez de evocar la égida de Atenea en la que se estableció la cabeza de Medusa. El friso que rodea la parte más ancha de la vasija es un ambicioso intento de mostrar cubos en tres dimensiones.

Creta era un importante productor de cerámica fina en el período helenístico. La Cirenaica, donde se encontró el bote, era un destino común para productos de Creta, al igual que el Egipto ptolemaico.

Como he indicado antes todas las imágenes tienen copyright a favor de © Trustees of the British Museum, y son expuestas aquí a titulo pedagógico exclusivamente.

El link directo a la página de objetos de Grecia es ENLACE

Saludos.

VIAJE POR EL ORIENTE MEDIO II

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Fri, 18 Sep 2009 13:36:00 +0000

Esta entrada sirve de complemento a la editada anteriormente “Viaje por el Oriente Medio años 1840-1850” ENLACE donde recorrimos Jerusalén y sus alrededores, Petra y Egipto.

Les expondré a continuación grabados de dos obras, la primera “Syria, the Holy Land, Asia Minor,etc Volume 1” editada en 1839-1840 con descripciones textuales a los grabados de W.H. Bartlett de John Carne. La segunda una obra en tres volúmenes: “The gallery of Scripture engravings, historical and landscape, with descriptions, historical, geographical and pictorial” con grabados de diferentes artistas comentados por John Kitto y sin fecha de edición. Como indica el titulo esta segunda obra tiene grabados tanto de escenas de las Sagradas Escrituras como de vistas de lugares emblemáticos del Antiguo y Nuevo Testamento, yo he escogido para mostrarles algunas de estas vistas.

Veamos para empezar 18 grabados que he seleccionado de la primera obra mencionada más arriba, para ver el titulo pase el cursor sobre la imagen, para ampliar pulse.

A continuación 15 grabados escogidos entre los tres tomos de la segunda obra indicada.

He recortado el sobrante de las imágenes, corregido contraste y algunas manchas y enmarcado en blanco.

Pueden ver y/o descargar “Syria, the Holy Land, Asia Minor,etc Volume 1” de este ENLACE

Y “The gallery of Scripture engravings, historical and landscape, with descriptions, historical, geographical and pictorial” de estos otros:

The gallery of Scripture engravings, historical and landscape, with descriptions, historical, geographical and pictorial (Volume 1)

The gallery of Scripture engravings, historical and landscape, with descriptions, historical, geographical and pictorial (Volume 2)

The gallery of Scripture engravings, historical and landscape, with descriptions, historical, geographical and pictorial (Volume 3)

Saludos.

NAPOLEÓN BONAPARTE

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Wed, 16 Sep 2009 16:16:00 +0000

Siendo un personaje histórico muy conocido por todos, solo una breve semblanza como recordatorio de su biografía:

Napoleón Bonaparte (1769-1821) fue un militar y gobernante francés, Durante un periodo de poco más de una década, adquirió el control de casi toda Europa Occidental y Central mediante conquistas o alianzas y sólo fue, tras su derrota en la Batalla de las Naciones cerca de Leipzig en octubre de 1813, que se vio obligado a abdicar unos meses más tarde. Regresó a Francia en lo que es conocido como los Cien Días y fue decisivamente derrotado en la Batalla de Waterloo en Bélgica, el 18 de junio de 1815, siendo exiliado a la isla de Santa Elena, donde falleció.

Napoleón es considerado como uno de los mayores genios militares de la Historia, habiendo comandado campañas bélicas muy exitosas, aunque con ciertas derrotas igualmente estrepitosas. Sus agresivas guerras de conquista se convirtieron en las mayores guerras conocidas hasta ese momento en Europa, involucrando a un número de soldados jamás visto en los ejércitos de entonces. Además de estas proezas bélicas, a Napoleón también se le conoce por el establecimiento del Código Napoleónico y es considerado por algunos un «monarca iluminado» debido a su extraordinario talento y capacidad de trabajo. Otros, sin embargo, lo consideran un dictador tiránico cuyas guerras causaron la muerte de millones de personas, y uno de los personajes más megalómanos y nefastos de todos los tiempos.

Se le considera el personaje clave que marcó el inicio del siglo XIX y la posterior evolución de la Europa contemporánea.

Encuentran amplia información en Wikipedia (español) en este ENLACE

Se encuentra mucho material grafico referente a Napoleón, basta buscar en Google imágenes por Napoleón Bonaparte, sin embargo he encontrado un libro muy curioso en Internet Archives que no es muy conocido se titula “The Napoleon gallery : or, Illustrations of the life and times of the Emperor of France” (Galeria de Napoleon: o Ilustraciones de la vida y época del Emperador de Francia), editado en 1846 reúne 89 grabados a plumilla de diferentes artistas (entre ellos el propio autor del libro Réveil Etienne Achille) sobre Napoleón, haciendo hincapié en escenas de sus batallas, cada grabado esta comentado con una síntesis histórica de la escena. Los grabados son sencillos y están muy amarillentos por el tiempo.

Veamos algunos de ellos, para ver el titulo pase el cursor sobre la lámina, para ampliar pulse.

He recortado el sobrante de los originales, corregido contraste, eliminado en ciertos casos algunas manchas y enmarcado en blanco.

Acceden a la obra en Internet Archives en este ENLACE escojan para verlo en línea en el recuadro arriba a la izquierda la opción “Read Online”, y para descargarlo “PDF”.

Saludos.

TEATRO MORAL DE LA VIDA HUMANA

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Sun, 13 Sep 2009 17:05:00 +0000

El Theatro moral de la vida humana en cien emblemas es una obra coral. Tres autores intervienen en ella: el ilustrador Otto Vaenius, un poeta desconocido -Diego de Barreda- y el humanista español Antonio Brum, a quien se considera normalmente sólo como traductor de la edición francesa. Todo empezó cuando el pintor flamenco Otto Van Veen (latinizado Vaenius) escogió unos fragmentos de Horacio y los ilustró con grabados que dio a imprimir en 1607 en el taller de su hermano, acompañados de unas pequeñas glosas. El libro apareció en latín bajo el título Quinti Horati Flacci Emblemata... y tuvo tanto éxito que dio lugar a numerosas reimpresiones y ediciones a lo largo de los siglos XVII y XVIII. En cada una de ellas el original sufría alguna alteración en el texto o en el orden de los emblemas, respetándose, eso sí, los bellísimos grabados del pintor y las citas horacianas cuidadosamente escogidas por él.

Otto Vaenius es sobradamente conocido como pintor e ilustrador que gozó de un gran prestigio ya en su época. Baste recordar que a su taller de Amberes asistió como discípulo Pedro Pablo Rubens, que tanta relación tendría más tarde con la Corte de Felipe IV. De Diego de Barreda apenas se conoce nada, tan sólo que sus versos o epigrama ya fueron introducidos en una edición de 1612, junto a otros en italiano. De Antonio Brum sabemos lo que él mismo comenta en su biografía o “confession”, escrita a la edad de sesenta y cinco años como proemio al Theatro: su formación humanista, su ocupación como traductor de autores clásicos, y los diversos cargos que ocupó relacionados con la diplomacia.

El Theatro moral... sigue la larga estela de la publicación de los Emblematum liber de Alciato (1531), una obra de tan gran fortuna que en toda Europa le seguiría una oleada de publicaciones de su mismo género. Esta corriente literaria tan propia del barroco, pero cuyos antecedentes habría que remontar mucho más atrás, recorrió toda la Europa absolutista, interesada en escenificar preceptos políticos o morales usando de todos los recursos a su alcance, especialmente aquellos que entraban por los ojos. Su objetivo era una acción directiva sobre el ánimo valiéndose de medios sensibles, es decir, hablando por medio de las imágenes. Este gusto por los emblemas y sus formas derivadas de expresión (empresas, divisas, jeroglíficos...) fue propio de cierto tipo de escritor culto e interesado en la reforma por vías educativas de la sociedad. Los emblemas movían más eficazmente que cualquier otro procedimiento. Si el fin que se perseguía era impresionar la voluntad de un público lector cada vez más numeroso, la atracción de los sentidos era un factor decisivo para enseñar deleitando, de ahí la utilización de lo sensible en toda la pedagogía del siglo XVII, desde los Ejercicios espirituales de Ignacio de Loyola al teatro de Lope de Vega, o a la literatura de emblemas de la que hablamos.

El emblema canónico era una composición tripartita formada por una figura, el mote o lema generalmente en latín, y un texto explicativo. La imagen era de gran importancia, como hemos dicho, para que el precepto moral quedara grabado en la memoria; el mote era considerado el alma del emblema, y consistía en una sentencia en latín que ayudaba a completar el sentido de la imagen, extraída normalmente de autores clásicos o de la Biblia. El texto explicativo, en verso o en prosa, ponía en relación el sentido transmitido por la imagen de la “pictura” y expresado por el mote. Pero si bien esta era la preceptiva a la hora de componer emblemas, no siempre se cumplía. De manera que, aunque se distinguía entre lo que hacía de cada cosa un emblema, una empresa, un jeroglífico o una divisa, lo normal era que lo que apareciera impreso fuera un género híbrido.

Los bellísimos emblemas dibujados por Otto Vaenius que salieron de la imprenta de Amberes en 1607 iban acompañados solamente de un mote en latín y una cita de Horacio. El lector debía, por tanto, poner gran parte de su ingenio en desentrañar el sentido de las figuras, deshaciendo el enigma. La edición en la que participó Antonio Brum con las explicaciones incorporadas hizo que el lector ocupara cada vez más una posición de mero espectador. Suponemos que por esa misma razón este conjunto de emblemas perderían gran parte de la efectividad que en su origen se pretendió, si bien seguirían formando parte de ese código visual que era patrimonio de la elite intelectual del XVII.

Entre los elementos simbólicos utilizados generalmente en la emblemática destacaron especialmente los pertenecientes a la mitología. Junto a estos, elementos del mundo natural, narraciones y leyendas históricas, figuras de artilugios humanos o el universo con sus diferentes componentes (sol, luna, estrellas, eclipses...) fueron invocados allí con un sentido moral. El Theatro moral... de Vaenius da buena cuenta de estas narraciones mitológicas, entre las que tienen especial protagonismo figuras de héroes y dioses del olimpo griego o romano como Hércules, Mercurio, Minerva o Apolo. Estas figuras profanas podían comportar valores similares a la ética cristiana, extrayéndose de ellas consecuencias de orden moral y alegórico

La obra es un ejemplo paradigmático de moralidad barroca, con claros componentes renacentistas, donde se dan cita todos los tópicos de la época: la brevedad de la vida, la velocidad del tiempo, la inconstancia de la fortuna, el valor de la nobleza, el papel de las Armas y las Letras, el gusto por la alegoría, el “mundo loco”, el “mundo al revés”, el mundo como teatro, la idea de que nada es como parece..., la fama, la gloria o el honor. Y también, aunque con menor frecuencia, la presencia del príncipe cristiano se hace explícita en algunos de los emblemas.

Lo anterior es un extracto de la reseña La vida buena: Estoicismo y emblemas barrocos de Belén Rosa de Gea para la Biblioteca Saavedra Fajardo de Pensamiento Político Hispano. Que pueden descargar completa en: (Versión PDF)

Les expongo a continuación como muestra de lo que pueden encontrar en la obra, 15 de sus 100 grabados.

Para ver el titulo pasen el cursor sobre la lámina, para ampliar (recomendado pues las he subido a muy alta resolución y no se aprecian bien en este tamaño), pulsen.

He corregido el contraste de algunas imágenes y enmarcado en blanco.

La obra la tienen en varias ediciones, para las imágenes anteriores he utilizado la primera que les referencio a continuación, todas ellas tienen los mismos grabados aunque no necesariamente en el mismo orden.

Quinti Horatii Flacci emblemata : imaginibus in aes incisis, notisq[ue], illustrata edición de 1612 con texto explicativo en latín, español, Italiano, francés y alemán, en Internet Archives.

Theatro moral de la vida humana, en cien emblemas; con el Enchiridion de Epicteto ; y La tabla de Cebes, philosofo platonico (1733) en español lo tienen en Internet Archives ENLACE

También en la Biblioteca Saavedra Fajardo en una edición de 1669. (Versión Fichas) (Versión PDF)

Otra edición en francés de 1646: “La doctrine des moeurs, tiree de la philosophie des stoiques, representee en cent tableaux et expliquee en cent discours pour l'instruction de la ieunesse “ la tienen en Internet Archives en este ENLACE

Saludos.

SEMANARIOS ECONÓMICOS SIGLO XVIII EN ESPAÑA

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Fri, 11 Sep 2009 12:06:00 +0000

Esta entrada difiere en mucho, de las que los seguidores de odisea2008 están acostumbrados a ver en la página. Se trata de un articulo divulgativo sobre la información que se promovió durante la Ilustración en España para intentar mejorar el rendimiento agrícola, artesanal e industrial del país, que en ningún caso estaba a la altura de otros países europeos como Inglaterra, Francia, Alemania…etc.

Me he basado para ello en tres fuentes principales:

La primera una magnifica Tesis Doctoral:

LA INFORMACIÓN AGRARIA EN ESPAÑA.DESDE SUS ORÍGENES HASTA LA AGENDA 2000. MEMORIA PARA OPTAR AL GRADO DE DOCTOR PRESENTADA POR Yanet Acosta Meneses Bajo la dirección de la doctora: María Dolores Saiz Madrid, 2007 ENLACE

La segunda “Memorias instructivas, y curiosas sobre agricultura, comercio, industria, economiá, chymica, botanica, historia natural, &c. Sacadas de las obras que hasta hoy han publicado varios autores extranjeros” recopiladas por Miguel Gerónimo Suárez y editadas entre los años 1778 y 1786 de la cual les dejare más adelante los enlaces a los tomos que he podido encontrar en línea.

La tercera dos tomos de mi biblioteca personal (en papel se entiende) “Semanario económico, compuesto de noticias prácticas, curiosas y eruditas de todas las ciencias, artes y oficios, traducido y extractado de las Actas, Bibliotecas, Observaciones, Efemérides, Relaciones, Misceláneas, Diarios, Enciclopedias, Historias, Memorias, y Disertaciones de las Academias de Europa y de muchos otros autores de fama: franceses, ingleses, italianos, alemanes etc.” Recopiladas por Don Pedro Arauz y a su muerte por Don Juan Biceu editados entre los años 1765 y 1778.

Comenzare por una introducción general muy resumida al panorama económico, técnico y comercial español del siglo XVIII, extractada de la primera fuente indicada. Posteriormente les presentare algunas páginas de muestra de las fuentes segunda y tercera.

La Ilustración fue una corriente cultural basada en la razón y en el avance de la ciencia y de la técnica que se extendió por toda Europa y gracias a la que se promovió el cambio de la sociedad estamental a la de clases.

El movimiento ilustrado entró en España con los Borbones y el objetivo de sus seguidores era el regenerar el país. Entre sus principales apuestas se encontraba la de aumentar la productividad agrícola para conseguir el progreso económico, para lo que era necesario difundir la instrucción práctica y la enseñanza de ciencias útiles.

La situación económica del pueblo llano era en general miserable, los menús humildes distaban mucho de la abundancia que exhibían los de reyes y nobles. Según Lorenzo Díaz, esta era la dieta habitual:

“un desayuno de pan fresco, después de lo cual el pan sobrante y otros ingredientes se guisaban en un puchero. Frío o caliente, dependiendo del precio del carbón, este puchero constituía tanto la comida como la cena”.

La precariedad y la miseria eran las notas dominantes de la mayor parte de la sociedad española, lo que preocupó a los ilustrados, grandes aficionados a los viajes, gracias a los que vieron de primera mano la pobreza campesina de Andalucía, Extremadura, Aragón, La Mancha y Castilla. La solución a esta situación que, en definitiva, sumía en la penuria al país, estaba para los ilustrados en la productividad de la sociedad y en la actividad económica, especialmente la agrícola.

Los ilustrados consideraban necesario difundir los conocimientos requeridos para conseguir una mejor productividad a través de la enseñanza gratuita y homogénea en escuelas y universidades dirigidas por el Estado, pero, además, utilizaron otros medios como la prensa, la literatura y las Sociedades de Amigos del País.

Pedro Rodríguez de Campomanes fue el responsable de impulsar reformas económicas como la liberalización del comercio de granos, el fomento de la pequeña propiedad agrícola, la supresión de algunos privilegios de la Mesta, la introducción de mejoras técnicas en la agricultura y la educación de los campesinos. Además, fomentó la creación por todo el país de una red de Sociedades Económicas para la divulgación de conocimientos útiles y de la iniciativa empresarial.

Las Sociedades Económicas de Amigos del País

Los ilustrados fomentaron la divulgación de conocimientos a través de tertulias que se fueron constituyendo como academias locales en las capitales de provincia y en las ciudades más importantes y que se denominaron Sociedades Económicas de Amigos del País.

Estas Sociedades, cuya creación fue impulsada por el Conde de Campomanes a través de una circular del 18 de noviembre de 1774 en la que invitaba a las autoridades locales a fundarlas tomando como ejemplo las de Berna, Dublín y la Vascongada, agruparon a una minoría selecta de la nación y su actividad se centró sobre todo en la agricultura, la industria y el comercio.

Los trabajos de las Sociedades, pese a la diversidad de las regiones en las que se encontraban, se parecían mucho entre sí, y tenían como preocupación central la agricultura que inspira un gran número de investigaciones y memorias. La mayor parte de estas memorias abordaban la necesidad del riego, la introducción de nuevos cultivos y la mejora de las técnicas agrarias realizadas por estas Sociedades estaban basadas en obras extranjeras.

La principal actividad económica en España en el siglo XVIII era la agricultura. De hecho, la mayor parte de la población activa era agrícola y además, gran parte de la nobleza y del clero vivían del arrendamiento de las tierras, de la venta directa de los productos agrarios y de los impuestos que gravaban la producción agraria.

En el siglo XVIII, España experimentó un cierto progreso económico, aunque no logró alcanzar la revolución agrícola e industrial esperada por los ilustrados y que consiguieron otros países como Inglaterra.

La industria española en el siglo XVIII se reducía a algunos centros ligados a la producción de armamento y a las manufacturas reales, excepto en Cataluña, donde se asentaron fábricas de indianas, de telas de seda y lanas, molinos de papel y fábricas de vidrio blanco.

En general, las manufacturas durante este siglo eran locales y con una clientela cercana. Las industrias más habituales estaban dedicadas a la lana, el lino, la loza, el hierro y el cobre, aunque las más importantes eran las textiles.

Durante el reinado de Carlos III la introducción del algodón renovó la industria textil, cuya producción aumentó, sobre todo en Barcelona, gracias a la demanda de mantillas y ropas finas. Además, la moda de los papeles pintados y la actividad periodística fomentaron la industria papelera, mientras que la industria extractiva (hierro, plomo y hulla) pasó por grandes dificultades.

En la industria agroalimentaria, la elaboración de aguardiente fue la principal producción, especialmente en Cataluña y Valencia, desde donde se exportaba a otros países.

El proteccionismo marcó la política comercial de los Borbones, que hasta mediados de siglo sólo concedieron la posibilidad de intercambiar productos con las Indias a algunas compañías privilegiadas.

El déficit comercial español creció por la necesidad de importar productos manufacturados como tejidos, cueros y relojes, algunos alimentos como el pescado y minerales como el plomo y el estaño y se acentuó con los resultados de algunas contiendas, que dejaron al país a merced de los envíos ingleses. Las exportaciones españolas eran, fundamentalmente, metales preciosos como la plata y materias primas sin transformar como la lana y la seda, así como aditivos naturales para la industria textil como el índigo y la cochinilla.

El comercio exterior fue favorable para las regiones con puerto a partir de la apertura del comercio con las Indias, a donde se enviaba aceite, harina de trigo, vino y aguardiente. El florecimiento del comercio en las ciudades del litoral contribuyó a acentuar el contraste de las regiones interiores con las periféricas, pese a los esfuerzos de los políticos ilustrados por generalizar el desarrollo del comercio y de la agricultura.

La prensa española en el siglo XVIII

La prensa y el pensamiento ilustrado son un binomio inseparable en el siglo XVIII. Por un lado, las Sociedades Económicas de Amigos del País y personas vinculadas con la Ilustración fomentaron la realización de publicaciones periódicas, y por otro, las ideas de la Ilustración encontraron el vehículo perfecto para su difusión en los periódicos.

Los periódicos dieciochescos fueron, en su mayoría, propiedad de escritores ilustrados, que divulgaron sus ideas a través de sus páginas. En ellas exaltaron, por encima de todo, la importancia de la economía como instrumento para obtener el bienestar y el progreso de la población.

Por ello, gran parte de los artículos de estas publicaciones versaban sobre el comercio, la industria, las finanzas y la agricultura, la principal actividad económica del país.

A través de estos artículos, los ilustrados fomentaron el cultivo de materias primas para la industria, difundieron las nuevas técnicas de cultivo y la importancia de la sanidad animal, así como los métodos de transformación de productos. También apostaron por revalorizar la profesión de agricultor, a través de su formación.

Memorias instructivas y curiosas

El archivero de la Real Junta General de Comercio, Moneda y Minas, Miguel Gerónimo Suárez fundó las Memorias instructivas y curiosas, que se publicaron entre 1778 y 1786 con el impulso de la Sociedad Económica Madrileña, de la que su propietario fue miembro.

Las Memorias, impresas por Pedro Marín, se publicaban los martes de cada semana y aparecían acompañadas de láminas con figuras que ilustraban los escritos del periódico. Cada número o “Memoria” correspondía a un artículo y disponía de 28 páginas tamaño 16,8x10 centímetros y una lámina de dibujos con el doble del tamaño de la publicación, doblada en su interior. Los escritos amplios se publicaban por partes en números sucesivos.

Estos artículos eran, principalmente, extractos de los publicados por las Academias extranjeras, sobre todo de la francesa en el Diario Económico francés. Las “Memorias” versaron, principalmente, sobre la agricultura, la materia más estudiada por las Sociedades Económicas y por las Academias de otros países.

Semanario Económico

El Semanario Económico fue un hebdomadario (periódico semanal) de 20 páginas de tamaño cuartilla a una columna, que comenzó a publicarse el 11 de abril de 1765 en la imprenta de Andrés Ramírez (calle de San Pedro Mártir en Madrid).

La vida de este semanario se prolongó hasta la muerte de su creador, Pedro Araus, en 1767, aunque, diez años después, Juan Viceu recuperó la cabecera. En esta nueva etapa, en la que el impresor fue Pantaleón Aznar de la Carrera San Jerónimo de Madrid, la publicación mantuvo el estilo de su predecesora e incluso persiguió sus mismos objetivos. Sin embargo, el proyecto fracasó en menos de un año, ya que sólo se imprimió entre el 16 de octubre de 1777 y el 28 de junio del año siguiente.

El objetivo inicial de esta obra fue el desentrañar las causas de la decadencia de España, según explica su fundador, Pedro Araus, en “Al lector”, publicado en el primer número del Semanario Económico.

Para Araus, si la nación quería florecer debería fomentar el desarrollo de la agricultura y conseguir así también el de la industria. Según este pensador, el comercio, además, sólo podría existir si el país contaba con el adecuado desarrollo de su sector agrícola e industrial, ya que, de lo contrario, siempre dependería de otros estados.

El Semanario Económico reclamó también una mayor atención por parte de los científicos a las ciencias agrarias y criticó la “errada máxima” de los sabios que inducían a los estudiantes a perderse en abstracciones, en lugar de llegar a la práctica. En opinión de Araus:

“mientras nuestros estudiosos y aplicados no se dediquen seriamente a emplear con tesón sus talentos en materias útiles a la Sociedad, pocos adelantamientos harán a la Agricultura y a las Artes”.

Por este motivo, el Semanario Económico tenía como función principal llenar el vacío de conocimientos científico-prácticos que existía en España, difundiendo estudios que facilitaran el trabajo de los artesanos y de los labradores. De ahí que, a lo largo de sus trece años de vida, este tipo de artículos, extraídos de otras publicaciones europeas en la mayor parte de los casos, fueran los más numerosos.

El periódico publicó numerosos artículos sobre agricultura, ganadería e industria agroalimentaria y sobre otras áreas de conocimiento, que estructuró en las siguientes secciones:

“De Agricultura” con artículos sobre cultivos y producciones agrícolas.

“Artes”, en la que incluía subsecciones sin carácter fijo, entre las que se encontraban “Alfarería”, “Pedrería”, “Esmaltado”, “Latonería” y “Tinte”, entre otras.

“Noticias Literarias” en la que detallaba y comentaba las novedades bibliográficas, entre las que habitualmente aparecían referencias de libros sobre agricultura, como El Agrónomo: Diccionario Portátil del Labrador, que contiene todos los conocimientos para gobernar los bienes del Campo ….

En esta sección, el autor incluyó también “Noticias de Comercio” extraídas del Diccionario de Chomel.

“Carta con dudas”: El periódico también quiso contar con la participación del lector y a partir de su número 188 publicó la primera “Carta con dudas”, con la que inauguró un consultorio, al que los interesados dirigían preguntas que el periódico respondía.

Los artículos sobre agricultura del Semanario Económico abordaron principalmente la necesidad de mejorar la fertilidad del suelo, extender el cultivo del trigo, promover la ganadería estabulada y mejorar los medios de producción. Estos temas eran también tratados habitualmente por casi todos los periódicos de la época. Sin embargo, el Semanario Económico abordó además los siguientes asuntos:

• Cultivos rentables. La publicación incluyó tratados sobre cultivos de los que se podían obtener una gran rentabilidad, ya que estaban destinados principalmente a la exportación como el azafrán o a la venta para la industria como la caña de azúcar.

• Instrumentos de labranza. La falta de renovación de los instrumentos utilizados en el campo fue objeto de diversos artículos como “La Carestía de España y sus remedios”, en el que detallaba los instrumentos y métodos de arados desfasados que aún se utilizaban en España para la labranza.

Además de los artículos de economía agraria o de divulgación de conocimientos científicos, el Semanario Económico dedicó distintos escritos a la economía doméstica, en los que ofrecía consejos para la conservación de alimentos y para la elaboración de productos. Ofreció incluso recetas para elaborar platos como el dulce de castañas o bizcochos de Génova.

A través de estos artículos, el Semanario Económico fomentó también los pequeños cultivos de fácil manejo con los que los agricultores podrían autoabastecerse y evitar así las tan habituales hambrunas del campesinado.

A continuación les expongo unas pocas páginas de las Memorias instructivas y curiosas, para que se hagan una idea de lo que pueden encontrar en ellas, subrayando sin embargo que al ser paginas sueltas no dan una visión de conjunto de los temas tratados. A los interesados les recomiendo descargar de los enlaces indicados más abajo los textos completos.

Les aconsejo ampliar las imágenes pulsando sobre ellas y una vez en el servidor utilizando el icono de la lupa en la parte superior de la imagen de muestra escoger tamaño grande u original, con el tamaño que me veo obligado a colocar aquí no es posible leerlas bien.

Veamos unas páginas del Semanario económico compuesto de noticias practicas curiosas y eruditas…de 1778 concretamente el Tomo IV escrito por Don Juan Biceu que como les indique tengo en mi biblioteca personal, rogándoles disculpen la mala calidad de las fotos, debidas sobre todo a las prisas, sin embargo creo les servirán para hacerse una idea al igual que las anteriores.

A continuación les dejo los enlaces a los tomos de Memorias instructivas, y curiosas sobre Agricultura, Comercio, Industria ... Escritas por Miguel Gerónimo Suárez y Núñez que he logrado localizar, casi todos son de Google Books y pueden verse en línea o descargarse en Pdf.

Volumen I ENLACE

Volumen II ENLACE

Volumen III ENLACE

Volumen IV ENLACE

Volumen V ENLACE

Volumen VI ENLACE

Otro enlace para el tomo VI ENLACE

Volumen VII ENLACE

Volumen VIII ENLACE

Volumen IX ENLACE

De los Semanarios Económicos de Don Pedro Arauz no he logrado localizar nada por el momento.

Saludos.

LOS AMORES DE LOS POETAS

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Wed, 09 Sep 2009 16:05:00 +0000

En todas las épocas los poetas han cantado al amor ideal, en esta obrita “The loves of the poets; or, Portraits of ideal beauty: twelve highly-finished original steel engravings, by the most eminent artists” (El amor de los poetas; o portarretratos de la belleza ideal….), editada en 1860 el artista W.H. Mote, nos presenta 12 bellos grabados que según él se corresponden a las poesías con el mismo nombre de mujer de varios poetas, tales como Tennyson, Ben Jonson, Robert Browning, Moore y otros.

Es interesante para quien conozca bien el idioma inglés, leerse las poesías y relacionarlas con el grabado de mujer correspondiente.

Veamos las imágenes a continuación, para ver el titulo pase el cursor sobre la imagen, para ampliar (recomendado), pulse.

He recortado el sobrante de las imagenes, corregido el contraste y enmarcado en blanco los originales.

Acceden a la obra completa en este ENLACE

Saludos.

LAS BELLEZAS DEL BÓSFORO

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Sun, 06 Sep 2009 18:56:00 +0000

El Bósforo es un estrecho que separa la parte europea de la parte asiática de Turquía; divide en dos partes la ciudad de Estambul y conecta el Mar de Mármara con el Mar Negro. Las orillas del estrecho están densamente pobladas ya que la ciudad de Estambul se asienta entre este estrecho que divide Europa de Asia.

Siendo el punto más estrecho del paso marítimo entre el Mar Negro y el Mediterráneo, el Bósforo siempre ha tenido una gran importancia estratégica y comercial. La ciudad-estado griega de Atenas durante el siglo V a. C. dependía de importaciones de grano de Escitia, y por lo tanto mantuvo alianzas estratégicas con ciudades que controlaban los estrechos, como Bizancio, fundada por la colonia griega de Megara. El significado estratégico del estrecho fue uno de los factores en la decisión del Emperador romano Constantino I el Grande de establecer allí en 330 d. C. Su nueva capital, Constantinopla.

A través del libro “The beauties of the Bosphorus” escrito por Julia Pardoe e ilustrado con 79 grabados de Constantinopla y sus alrededores realizados por W.H. Bartlett en una edición de 1838, recorreremos en esta entrada la actual Estambul de antes de mediados del siglo XIX.

De grabados de Bartlett ya les he preparados varias entradas por ejemplo “Viaje por el Danubio” en dos partes ENLACE ENLACE y “Viaje por el Oriente Medio” ENLACE les remito a dichos post para conocer la biografía de Bartlett.

Veamos algunas de las láminas del libro, para conocer el titulo pase el cursor sobre la imagen, para ampliar pulse.

He recortado el sobrante de las láminas, reparado algunas manchas y corregido el contraste.

Pueden acceder a la obra completa en Internet Archives en este ENLACE

Saludos.

RETAZOS DEL VIEJO PARIS

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Fri, 04 Sep 2009 12:55:00 +0000

En Internet Archives existe una obra en 8 volúmenes (aunque falta el nº 7) titulada “Paris from the earliest period to the present day” (Paris desde los primeros tiempos hasta el presente), editada en 1902 y escrita por William Walton, refleja la vida y costumbres de la capital francesa desde la época Galo-Romana hasta finales del siglo XIX, contiene por otra parte grabados muy interesantes realizados por distintos artistas.

Disfrutemos de algunas de sus láminas, para ver el titulo pase el cursor sobre la imagen, para ampliar pulse.

Como habrán observado algunas laminas aparecen dobladas en el centro, por lo demás he recortado el sobrante y corregido en general el contraste.

Los enlaces y contenido de cada uno de los volúmenes son los siguientes:

Vol I: Periodo Galo- Romano y Medieval- La corte y las clases altas-La burguesía y las clases bajas.

Paris from the earliest period to the present day (Volume 1)

Vol II: La Administración Nacional y Municipal

Paris from the earliest period to the present day (Volume 2)

Vol III: Instituciones religiosas, de caridad y educativas- Operas y teatros: Paris centro musical.

Paris from the earliest period to the present day (Volume 3)

Vol IV: Funciones sociales, oficiales y privadas- Diversiones, restaurantes y cafés.

Paris from the earliest period to the present day (Volume 4)

Vol V: Finanzas y comercio- Paris centro artístico.

Paris from the earliest period to the present day (Volume 5)

Vol VI: Paris centro literario y de ciencias- Manufacturas nacionales: Sèvres, Gobelins, Savonniers, Beavais..etc- Los grandes museos-Transporte público y privado.

Paris from the earliest period to the present day (Volume 6)

Vol VIII: Escenas de calle, reuniones en Paris…etc.

Paris from the earliest period to the present day (Volume 8)

Saludos.

MARIPOSAS Y VEGETALES ANIMADOS

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Wed, 02 Sep 2009 09:00:00 +0000

Pierre Amédée Varin (1818-1833) fue un grabador francés que perteneció a una larga tradición de grabadores.

Se traslada a Paris desde muy joven donde frecuenta los talleres de grabación de Charles Geoffroy y Émile Rouargue. Comienza su carrera realizando grabados de diseños de moda y de imágenes religiosas. Prepara para Grandville los grabados de las “Fleurs animées” y posteriormente ilustra para Eugène Nus y Antoine Méray les “Drôleries végétales, ou L'Empire des légumes” (los extravagantes vegetales, o el Imperio de las legumbres) y “Les Papillons, métamorphoses terrestres des peuples de l'air” (Las Mariposas, metamorfosis terrestres de los pueblos del aire).

Las 35 ilustraciones de “Las Mariposas” al estilo de Grandville están coloreadas a mano con el estilo de la época Victoriana de principios del XIX. Representan una bella personificación de estos insectos ricamente vestidos y situados gráficamente en un entorno natural apropiado.

“Los extravagantes vegetales, o el Imperio de las legumbres” es una obra maestra de la ilustración francesa del siglo XIX también al estilo de Grandville, presenta 24 grabados representando diversos tipos de hortalizas, donde se incluyen las zanahorias, rábanos, cebollas, judías etc que caminan y hablan asumiendo rasgos humanos, dando lugar a unas ilustraciones muy divertidas, y un tanto satíricas.

Ambas obras actualmente son muy difíciles de localizar, de hecho no he conseguido de momento encontrarlas completas, solo laminas concretas en diferentes web, de las cuales les relacionare las principales más adelante. A pesar de ello y de que la resolución de las imágenes que he encontrado son de tipo bajo-medio, no he querido dejar de mostrárselas, pues creo que merecen la pena y permiten una comparativa con el trabajo de Grandville, del cual ya hemos realizado algunos post a los cuales les remito ENLACE ENLACE ENLACE .

Veamos primero unas muestras de “Las Mariposas”, para ampliar (dentro de lo posible), pulsen sobre las imágenes.

He aumentado un 25% el tamaño original, corregido contraste y enmarcado las imágenes, han sido obtenidas de:

Livejournal ENLACE

Shigitatsu.com ENLACE

Foliofinebook.com ENLACE

A continuación algunas laminas de “los extravagantes vegetales, o el Imperio de las legumbres”.

He efectuado las mismas correcciones sobre las imágenes fuentes que en las anteriores. Han sido obtenidas de:

Giornale Nuovo (Magnifico blog que lamentablemente esta actualmente inactivo) ENLACE

Panteek ENLACE

Breve información sobre el autor en Wikipedia (Francés) ENLACE

Saludos.

EL PAÍS VASCO EN EL SIGLO XIX

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Mon, 31 Aug 2009 12:57:00 +0000

El País Vasco o Euskadi es una comunidad autónoma española, situada en el extremo nororiental de la franja cantábrica, lindando al norte con el mar Cantábrico y Francia, al sur con La Rioja, al oeste con Cantabria, Castilla y León y al este con Navarra. Lo integran las provincias (denominadas territorios históricos en el ordenamiento autonómico) de Álava, Guipúzcoa y Vizcaya.

El Gipuzkoako Foru Aldundia presenta la web cultural Álbum siglo XIX donde se recopilan más de 2000 imágenes del país Vasco del siglo XIX, sobre todo obtenidas de semanarios gráficos de la época y de álbumes especializados. Dada la fuente de obtención las imágenes no son de alta calidad, sin embargo presentan un innegable interés histórico, reflejando como fue aquella zona de España en épocas pasadas. La web permite el acceso a las imágenes bajo diferentes criterios de búsqueda: Temáticos, autor, lugares y personajes.

Les presento a continuación 26 de las imágenes de la colección como muestra de lo que pueden encontrar en la web, para ver el titulo pase el cursor sobre la lámina, para ampliar pulse.

Vale la pena buscar en Google imágenes una foto actual de Biarritz y compararla con la anterior.

He corregido en algunos casos el contraste y enmarcado en blanco.

Acceso a la web cultural Álbum siglo XIX en este ENLACE , en cuanto a la utilización de las imágenes la web especifica: “Los contenidos de esta website cultural son de libre acceso para educación, investigación y uso personal, enunciando en todo momento la procedencia de la imagen”.

Saludos.

EL ROMAN DE RENARD

noreply@blogger.com (Cesar Ojeda) — Fri, 28 Aug 2009 11:50:00 +0000

Con raíces que se remontan a las fábulas de Esopo y la tradición popular oral, los cuentos alegóricos de Reynard el Zorro surgen en el siglo 12 como una convención narrativa, llegando a ser muy populares en Alemania, Francia y Holanda.

Le Roman de Renard es un conjunto de poemas en francés datados entre los siglos XII y XIII que parodian la épica y la novela cortés. Están ambientados en una sociedad animal que imita a la humana, y su principal protagonista es Renart, el zorro. Este personaje protagoniza una gran cantidad de fábulas antropomórficas de toda Europa, así los Reynard, Renard, Renart, Reinard, Reinecke, Reinhardus, y otras muchas de sus variaciones fonéticas presentes en otras fábulas no serían sino el mismo personaje.

Desde el siglo XII, la burguesía tenía su propia literatura, auténtica sátira social adelantada a la época. Era una literatura en esencia maliciosa, pintoresca, a veces libertina, o al contrario, moralizante, pero muy a menudo realista.

En la época en la que fueron redactados los textos que componen el Roman de Renart, la palabra francesa utilizada para zorro era goupil, del latín vulpecula. Sin embargo, para los granjeros, la sola mención de la palabra zorro traía la mala suerte. Así, para evitar nombrarlo y como consecuencia de la popularidad de las historias de Renart, empezó a utilizarse renard como un eufemismo, hasta el punto que en la actualidad renard es la palabra utilizada para designar al zorro, mientras que la original, goupil es de uso dialectal o arcaico.

El Roman de Renart es una obra compuesta por relatos cortos independientes, a veces en prosa, pero en su mayoría en verso.

Renart es el zorro travieso, personaje principal de los relatos. Complejo y polimorfo (desde el pequeño diablillo que deshace entuertos, al demonio lúbrico y libertino). Encarna la astucia junto al don de la elocuencia. Sus aventuras sacan a escena un mundo animal de características casi humanas.

Ysengrin es el lobo salvaje y cruel, eterno enemigo de Renart, y siempre engañado por éste. Su esposa la loba Dame Hersent, fue antaño "violada" por Renart, de ahí su eterno rencor (En realidad, fue la lujuria de la loba la que la hizo sucumbir a los encantos de Renart).

Otros personajes de los relatos son: Noble el rey león, Baudoin (o Bokart ) el asno secretario del rey león, Brun (o Bruno o Bruin) el oso pardo (por el color de su vestimenta), Chanteclair el gallo, Couard la liebre, Eme el mono casado con Dame Rukenawe la mona y muchos más.

De las muchas versiones existentes desde la fechas indicadas he escogido la escrita por el gran autor alemán Wolfgang von Goethe, con el título 'Reinecke Fuchs” (Reinard el zorro) poema épico en hexámetros editado en 1794. Para la edición de 1846 de esta obra el famoso ilustrador alemán Wilhelm von Kaulbach realizo un conjunto de 36 magníficos grabados, de los cuales veremos algunos a continuación.

Para ampliar pulse sobre las imágenes.

He corregido el contraste de las imágenes y enmarcado en blanco, han sido obtenidas de christian-von-kamp en este ENLACE donde pueden ver los 36 grabados de la obra (edición de 1857), a mediana resolución.

Una edición en francés de 1861 con las láminas de Kaulbach la pueden ver en Internet Archives en este enlace Le renard (Reineke Fuchs)

Información sobre la obra de Wikipedia (francés) ENLACE

Información en español: ENLACE

Imágenes de la obra en diferentes versiones y épocas en Wikimedia ENLACE

Una presentación pedagógica de los manuscritos de la obra en la Biblioteca Nacional de Francia (en francés), muy interesante, la tienen en este ENLACE

Saludos.