Luego de ser abusada por su propio marido, Lorena Bobbitt lo mutiló en un arrebato de ira: el caso le dio la vuelta al mundo, abrió nuevas discusiones relativas a la violencia familiar, pero sobre todo, nos dio una muestra de la banalidad humana y de lo que una persona es capaz por un poco de dinero y de fama

Dice la leyenda que cada persona en el mundo tiene sus 15 minutos de fama; depende de cada quien como y de que manera aprovecha esa fama momentánea para transformarse en una personalidad o regresar a la aridez del anonimato.

Eso es la teoría por que hay quienes aprovechan esa fama efímera para transformarse en seres patéticos que van a pasar a la historia por lograr llegar a profundidades insospechadas a partir de una fama negativa: tal es el caso de John Wayne Bobbitt.

John y Lorena Bobbit eran un matrimonio de un suburbio de la ciudad de Washington que llevaban cuatro años de casados; el había nacido en el estado de Nueva York mientras ella era originaria de Bucay, en Ecuador.

Al parecer el matrimonio ya estaba en una franca ruta rumbo al fracaso, sin embargo lo que ocurrió la noche del 23 de junio de 1993 iba a precipitar su derrumbe y el salto a la fama de ambos cónyuges.

John se había ido de farra y esa noche llegó tarde a su casa y bastante pasado de cucharadas por lo que le entró ese “cariño” clásico de borracho. Cuando su mujer se negó a tener relaciones sexuales el fino individuo optó por forzarla.

Más tarde Lorena fue a la cocina. La versión de ella dice que solo quería tomar un vaso de agua (aunque la parte acusadora insistió en que ella estaba pensando ya en mutilar a su marido). Estaba en eso cuando se encontró de manera accidental con un cuchillo de trinchar carne (de gran tamaño) él cual tomó para regresar a la habitación y cortarle la mitad del pene a su marido que dormía en medio de los vapores etílicos.

La esposa salió a la calle, abordó su auto y se largó de la casa. Algunos kilómetros más adelante arrojó el sangrante miembro, que aún llevaba con ella, a un campo. A pesar de todo a Lorena le entró el remordimiento por que algunos minutos después se detuvo en un teléfono público y marcó el número de emergencia para dar parte de lo que había ocurrido.

A Lorena la arrestaron mientras que a su marido lo llevaron al hospital y gracias a una inmensa suerte (yo lo atribuyo a esa solidaridad masculina que a veces aflora)  su pene fue encontrado y reimplantado tras nueve horas en cirugía.

Lo que siguió fue un juicio que ocupó todos los noticieros de muchos países en los que se desveló una historia de abuso conyugal; Lorena Bobbitt argumentó que lo que ocurrió esa noche fue la gota que derramó el vaso luego de cuatro años de golpes, violaciones y hasta un aborto forzado.

El caso se convirtió en un estandarte para las asociaciones de feministas y después de muchas horas de deliberación el jurado declaró a Lorena como inocente debido a que había actuado con una “locura temporal” causada por el abuso por parte de su esposo.

El juicio en CNN

Es aquí donde entra a colación la reflexión que hice al principio: cuando uno accede a la fama de esta manera ¿puede hacerse del asunto algo aún más patético? En el caso de John Bobbitt la respuesta es un sí con tipografía de 70 puntos.

La reacción de este descerebrado fue la de intentar generar dinero con la fama a la que había accedido. Su primera incursión en el mundo de la farándula la hizo al crear un grupo de rock llamado The Severed Parts que significa algo así como Las Partes Amputadas. El proyecto fue un rotundo fracaso.

Por supuesto que eso no iba a arredrar a un individuo tan persistente por lo que Bobbitt tomó la decisión de aparecer en su propia película pornográfica, producción que iba a llevar el explicativo nombre de John Wayne Bobbit Uncut (sin cortar), película realizada en 1994 y que, como la mayoría de su género, tuvo un relativo éxito y una distribución de bajo perfil.

Aunque no quise entrar en más detalle, creo que el asunto debe de haber sido relativamente bueno por que el señor Bobbitt apareció en otra producción del género, esta vez titulada Frankenpenis (me niego a traducir eso) y que, al parecer, fue un rotundo fracaso.

En 1998 apareció en un programa de lucha libre con otro actor XXX que también estuvo a punto de perder su “hombría”. Después de eso la escasa fama que pudo hacer Bobbit en el mundo de la pornografía se diluyó por que para finales de la década terminó como bartender, chofer de limusinas, cargador de mudanzas y operador de grúas viales (grullero: un empleo aún más degradado que ser actor porno de quinta categoría, si me preguntan).

Pero aún hay más: el señor quiso ser ¡ministro religioso! y aunque esto puede ser admirable, pierde toda gracias cuando nos enteramos que sus “tratos” con la policía han sido frecuentes desde el incidente original, empezando por mal comportamiento, pasando por robo y llegando a, ¿que creen? abuso en contra de su segunda y tercera esposa (de la que se encuentra en proceso de divorcio).

Por otra parte, una clara muestra de que las mujeres siempre han tenido (y tendrán) más cordura que el sector masculino la dio Lorena.

Ella mantuvo un bajo perfil a pesar de que tenía todo para transformarse en un ícono feminista. Lorena retomó su nombre de soltera, Gallo, tomó trabajo en una estética y comenzó a llevar un curso universitario. Vive una relación, aunque ella dice que jamás se volverá a casar, y tiene una hija así como una organización en contra de la violencia intrafamiliar; ha aparecido algunas veces en talkshows como el de Oprah Winfrey.

Apenas en mayo de este año el programa The Insider reunió a la pareja por primera vez desde el incidente; en este John le pidió perdón a Lorena quien dijo que su ex aún le mandaba tarjetas los días 14 de febrero; a lo mejor todavía tiene miedo de que siga enojada.

Pasó de ser un actor de fama local a una mega-estrella de Hollywood luego de “transformarse” en un caníbal sociópata; Anthony Hopkins no solo logró el Oscar y la fama mundial, sino un lugar importante en la cultura pop de los noventas.

He hablado sobre el problema del tiempo para muchas actrices quienes, con la llegada de los años, ven como sus carreras comienzan a menguar; aunque hay notables excepciones, parece que la mayoría de las estrellas solo “viven” hasta los cuarentas.

Muy por el contrario, para muchos actores masculinos la llegada de la madurez se transforma en una verdadera catapulta y no es raro el caso de que algunos de ellos vivan sus mejores años profesionales pasando cierta edad, tal es el caso de Anthony Hopkins quien alcanzó la fama internacional luego de cumplir los 50 años.

Nacido en una localidad de Gales (esa pequeña nación a un costado de Inglaterra de la que nadie se acuerda), la dislexia lo llevó a ocuparse más en cuestiones artísticas como la pintura y el piano.  Estudió en una academia de arte local y más tarde en la Real academia de Arte Dramático en Londres.

Inició su carrera en el teatro pero pronto se dio cuenta que lo aburría “repetir y repetir” cada noche las mismas líneas.  Su primera oportunidad en el cine se dio en 1968 con la cinta The Lion in Winter, protagonizada por Peter O’Toole y Katharine Hepburn, filmada en Irlanda y que recibió varias nominaciones para el Oscar.

Aunque siguió actuando en el teatro, Hopkins poco a poco fue integrándose al cine y a la televisión de su país donde fue escalando en fama y reconocimiento; durante los ochentas lo pudimos ver en aquella oscura y tétrica película de David Lynch, El Hombre Elefante.

El momento indudable en el que la carrera de Hopkins se transformó de un actor de carácter muy local a una estrella de Hollywood se realizó, de manera indudable, con The Silence of the Lambs (mal llamada El Silencio de los Inocentes) película de la que ya hemos hablado en este espacio y que obtuvo cinco Oscares.  El papel de Hannibal Lecter le dio el Oscar al mejor actor a pesar de que solo apareció 16 minutos en pantalla.

El Oscar, todos lo sabemos, es un gran detonante para una carrera cinematográfica por lo que pronto todo mundo quería un “pedazo” de Anthony Hopkins.

Al año siguiente participó en cuatro películas (en una de ellas compartió créditos con Mick Jagger) en la que destacan dos superproducciones: Chaplin y Drácula.  Fue en la segunda, por su perfil y la gran publicidad en torno a ésta, en la que más lo recordamos por su papel del caza monstruos Abraham Van Helsing (es el mismo personaje de la película de 2004; uno de los héroes de acción decimonónicos más famosos en su época y más olvidado en la nuestra).

Al final de la secuencia, es él quien se enfrenta a Drácula con el crucifijo.

La cinta fue un éxito en taquilla, se encargó de proporcionar varios clichés a la cultura pop y obtuvo tres Oscares, pero esta vez ninguno para Hopkins.

En 1993 hizo otras cuatro películas, una de ellas con Isabella Rosellini, entre las que destaca (a mi muy particular punto de vista) The Remains of the Day (Lo que Queda del Día); una introspectiva cinta basada en el libro de Kazuo Ishiguro y que narra la vida y muerte así como las pasiones de la servidumbre de una enorme mansión inglesa; el trasfondo de los “seres más pequeños” dentro de un ambiente aristocrático que los toma como “parte del mobiliario”.

Hopkins, cuyo papel protagónico lo hace encarnar a Stevens, el mayordomo, comparte créditos con Emma Thompson, James Fox, Christopher Reeve, Hugh Grant, y Ben Chaplin.  La cinta fue nominada para ocho Oscares (aunque no se sacó ni uno) y por supuesto que Hopkins estaba en la lista.

Al año siguiente aparece en dos películas, la que destaca es The Road to Wellville (dirigida por Alan Parker) y en la que representa al obsesivo y excéntrico Doctor John Harvey Kellogg, creador de los cereales con su nombre.  Es hasta 1995 cuando lo vemos estelarizar otra megaproducción, ésta vez de Oliver Stone: Nixon.

Su interpretación del controvertido presidente fue genial y la cinta causó revuelo, sobre todo entre los que siguen considerando a Nixon un salvador de la humanidad: Stone fue duramente criticado por “difamar” al presidente.  Por supuesto que la controversia ayudó a la película, que fue una de las más aplaudidas (y vistas) de ese año.

También fue nominada a cuatro Oscares, también Hopkins se encontraba en la lista, y también esta vez, se quedaron sin una sola estatuilla.

En los siguientes tres años interpretó a Picasso (Surviving Picasso), al presidente John Quincy Adams (en la terrible película Amistad) y a un Zorro en jubilación al lado de Antonio Banderas.  También destaca su papel como el del poderoso editor Charles Morse que junto con un empleado y posible Sancho (Alec Baldwin) intenta sobrevivir en Alaska luego de un accidente de aviación en The Edge (no me acuerdo de su nombre en español).

Sin olvidar, por supuesto, Meet Joe Black (¿Conoces a Joe Black?), donde interpreta a Bill Parrish un rico empresario que “guía” al Angel de la Muerte (Brat Pitt) a través de los placeres del mundo.

El film estaba basado en una película de los treintas y fue criticado por su larga duración; no cubrió las expectativas que le daba su reparto aunque fue un éxito fuera de Estados Unidos.

Luego de la década de los noventas la carrera de Hopkins ha seguido en ese nivel que se asentó en sus principios, aunque sin la espectacularidad del Silencio de los Inocentes: en los dosmiles pudimos ver a Hannibal Lecter en otras dos cintas así como producciones de la talla de Bad Company, The World’s Fastest Indian y, por supuesto, en Hearts in Atlantis, una de las pocas cintas que le hacen el honor a un libro de Stephen King.

Hopkins podría ser uno de los más aclamados “actores de carácter” en la actualidad.  Su presencia en una cinta se “siente” y puede transformarla. Nombrado caballero, es en la actualidad una institución sin embargo no hay que olvidar que todo empezó luego que lo vimos representar a uno de los más grandes villanos de los noventas.

Llegó a nuestro país gracias a que TV Azteca estaba buscando opciones novedosas.  Tras su éxito en España pronto se transformó en un fenómeno mediático en un México escaso de conocimientos sobre la televisión europea.

Nosotros en México nos quejamos mucho de la tele abierta.  Salvo honrosas excepciones el medio sufre de una eterna mediocridad y falta de imaginación por no hablar de la vulgaridad así como la frivolidad de la mayoría de los programas que se emiten.

Sin embargo perdemos de vista que otros países han pasado por peores épocas.  El caso de España, aunque fue el común denominador en casi toda Europa, a nosotros nos parece muy lejano: durante muchos años tuvieron que sufrir de un monopolio gubernamental que en la mayoría de los casos era muy árido.  Para ellos la televisión privada era una mera utopía ultramarina.

Sin embargo sucedió que las cosas se pusieron peor: a finales de los años ochentas el gobierno español decidió concesionar tres televisoras privadas las cuales comenzaron a operar junto con la década de los noventas.  Una de ellas, Antena 3, fue la que nos “regaló” con El Gran Juego de la Oca.

Basado en el tradicional Juego de la Oca, una versión peninsular de Serpientes y escaleras, el juego se trataba de realizar un recorrido en un enorme tablero; participaban cuatro jugadores y el primero en llegar ganaba.  A lo largo del juego había varias pruebas, que tenían que superar, para ganar dinero o no perderlo.

El programa duraba una barbaridad, creo que más de tres horas y se transmitía una vez a la semana desde un enorme estudio en el cual, además de los conductores y jugadores se encontraban una serie de animadoras, algunos “personajes” sin olvidar un enorme grupo de gente parada a lo largo del recorrido a manera de público .  ¿Por qué será que a los productores europeos les fascina tener al público de pie alrededor del set?

El jugador “lanzaba” unos dados virtuales a través de un control, donde una sexi voz con acento madrileño decía el número y durante el juego se recorrían varias casillas en las que había que realizar algún tipo de prueba, desde meterse a un túnel lleno de serpientes hasta una prueba de lucha con una “guardiana” de muy buen ver.

Al finalizar, si el concursante había podido realizar el reto la conductora o el conductor decían las memorables frases que han entrado en el argot popular: “¡¡Prueba superada!!”.

Aquí al conductor lo echan a pelear con la “guardiana”; escuchen al final la frase “marca” de ¡¡prueba superada!!

También existían una serie de castigos como el de que le cortaran el pelo al concursante así como casillas que adelantaban; el primero en llegar al final tenía que terminar el concurso realizando una prueba aún más grande y tenía toda una semana para realizarla.

Un concursante llega al final, chequen la cantidad de personas que se “meten” a felicitarlo

Haciendo memoria no me acuerdo de ningún programa español televisado (con ese éxito) en México antes de El gran juego de la Oca.  Recuerdo que en México pasaba todos los sábados por la tarde y terminaba en la noche, justo en ese momento en que uno se está preparando para salir al “reven” por lo que varias veces funcionó como un “previo”.

Los cuates nos juntábamos en mi casa antes de salir y, mientras nos preparábamos para el sábado en la noche, veíamos el juego.

La conductora resbala con el lodo de una de las “pruebas”

Hasta hace unos años los programas de concurso en México nunca fueron muy espectaculares por lo que la inmensa producción del programa causo cierto furor en México, a partir de ahí intentaron traer otros programas de España así como gringos “tropicalizados” pero nunca con el éxito de la Oca.

A nivel producción el programa era sensacional, innumerables participantes (en cuadro y tras de cámaras) por no decir la enorme cantidad de público; el regalo de un Volvo, al final, se nos hacía excesivo en ese México recién salido al mercado libre.

La parte criticable de El gran juego de la Oca, como siempre, era esa simpleza ramplona; la eterna pregunta de “¿hasta donde es capaz de llegar una persona?” cuando se trata de dinero o de efímera fama televisiva quedaba ampliamente contestada a la hora de se metían hasta la barbilla en lodo o se dejaban trasquilar el pelo ante la atenta mirada de miles de telespectadores.

Hasta la fecha sigo pensando que la gente es capaz de cualquier cosa con tal de salir en la tele.

El programa duró del 93 al 95 al aire (en España) y tuvo una reencarnación en el 98 y a México nos llegó por cortesía de TV Azteca que en esos entonces le apostaba a cualquier cosa que supusiera una novedad en aterido mercado televisivo nacional.

Cuerpos perfectos dentro de trajes de baño rojos, creo que con ocho palabras acabo de resumir diez temporadas de Baywatch, una serie que, aunque parezca increíble, estuvo a punto de ser cancelada luego de su primera temporada; con el tiempo llegaría a ser una de las cumbres de la banalidad de la década de los noventas.

En un principio solo había un salvavidas de las playas de Los Ángeles; un individuo al que se le ocurrió la idea de transformar su trabajo, que normalmente era bastante aburrido, en una película, una serie, una comedia… la verdad es que no tenía ni la más remota idea. (es como si yo me imaginara una película –sería bastante más aburrida– sobre un blogger que escribe en la red sobre décadas pasadas, la idea puede ser buena, pero de ahí a llevarla a la pantalla hay un buen trecho).

Greg Bonnan, así se llamaba el salvavidas en cuestión, tuvo mucho más suerte: su hermana se casó con el productor Doug Schwartz; no sabemos si fue por quedar bien con la familia o que, el caso es que este individuo escuchó a Bonnan y le gustó la idea.

Ambos se acercaron a Grant Tinker, otro productor, a quién también le gustó, y éste le vendió a la cadena NBC la idea de una película de dos horas para la televisión a la que llamaron Baywatch: panic at Malibu pier. La producción fue un éxito y pronto se encontraron haciendo el primer capítulo de la primera temporada que salió al aire en septiembre de 1989.

Imposible decir que Baywatch fue un éxito automático por que esa primera fue un rotundo fracaso: los ratings no levantaban y aún no se concretaba la temática de la serie.
Entre sus primeros protagonistas se encontraban David Hasselhoff, a quien ya conocíamos por su actuación en la serie ochentera El auto increíble; junto a el otros galanes de cuerpo atlético así como muchas curvilíneas chicas (entre las que destacaba –según la humilde opinión de quien esto escribe– Erika Eleniak).

El problema con esa primera temporada fue que el canal y los productores se metieron en una serie de discuciones sobre la temática principal de la serie; no habían definido aún si sería de pura acción o se transformaría en una especie de telenovela alrededor de los personajes. El asunto nunca fue zanjado por que la NBC canceló la serie.

Los productores no perdieron la fe en el proyecto, iniciaron la producción de una segunda temporada (con grandes ahorros a la hora de filmar, cosa que explica las largas secuencias de tomas generales de la gente en la playa) y luego de 14 meses de permanecer fuera del aire lograron colocar el programa en forma de lo que los gringos llaman syndication, es decir, que vendieron los derechos a transmitirla de manera individual a las emisoras locales.

La leyenda empezaba.

La temática se hizo más telenovelera y mientras algunos de los protagonistas salían de la serie en busca de otras metas, pronto se conformó la alineación definitiva; en la tercer temporada llegó Pamela Anderson quien sin lugar a dudas se transformaría en el personaje icónico de la serie.

Baywatch duró prácticamente toda la década, salió del aire luego de 10 temporadas y fue un éxito mundial; hubo épocas en los noventas en que estaba al aire prácticamente de manera simultánea en casi todo el mundo y, según el libro Guinness de récords, mil millones de personas vieron algún capítulo de la serie.

A pesar de que los personajes (y las actuaciones) eran bastante unidimensionales creo que nadie puede rebatir que la principal razón del éxito de Baywatch fue la de que sus protagonistas eran criaturas cuasi-perfectas; ambos sexos tenían la oportunidad de ver las doradas epidermis de los protagonistas en grandes extensiones con el aliciente extra de la cámara súper lenta (nunca entendí como los que estaban en peligro podía esperar tanto sin ahogarse); creo que hasta la fecha las imágenes de cuerpos esculturales corriendo dentro de trajes de baño rojos siguen siendo un ícono noventero.

No se que ocurra con los verdaderos salvavidas; tengo la impresión de que su vida ha de ser sumamente aburrida, sólamente activada para sacar algún borracho del mar y para imaginarse una serie donde todo mundo es guapo y con un cuerpazo y donde las compañeras de trabajo parecen modelos de calendario de refaccionaria.

En Baywatch la vida era más movidita: espías, bombas atómicas, desastres ecológicos entre otros temas, tipo Ian Flemming, eran cosas que se alternaba con una intensa vida personal; los baywatchers no solo eran héroes si no que también vivían vidas muy intensitas.

La serie, como cualquiera que se precie de haber tenido éxito, también genero sus propios spin off’s:  El primero, producido por Hasselhoff y llamado Baywatch Nights trataría de seguir al sargento Garner Ellerbee luego de su salida de la policía; debido a su escaso éxito trataron de darle un giro tipo “paranormal” (no hay que olvidar que en esos entonces The X-Files estaba pegando con tubo) pero la cosa fue un desastre y no llegó más allá de una segunda temporada.

El siguiente surgió luego de la cancelación de la serie original, Baywatch Hawaii, seguía al personaje de Hasselhoff hasta el archipiélago y fue cancelada en 2002. Un año después se hizo una película para la televisión, Baywatch: Hawaiian Wedding, en donde terminan los temas que quedaron pendientes en el último capítulo de la serie y vemos que todos se reúnen para recordar los buenos tiempos.

En 2004 DreamWorks amenazó con realizar una película para el cine sobre Baywatch, hasta anunciaron que Jessica Simpson sería la protagonista, sin embargo el proyecto nunca avanzó; tal como lo diría la cabeza de Pamela Anderson en Futurama; hubiéramos podido ver la primera película filmada en su totalidad en cámara lenta.

Gracias a Dios, eso nunca ocurrió.

A manera de despedida les dejo un video de Erika Eleniaken Baywatch

La muerte en un accidente de tránsito de Diana Spencer, conocida por todos los cursis como Lady Di, fue uno de los momentos mediáticos de mayor relevancia de los noventas. El evento, ocurrido en la capital de Francia y bajo circunstancias oscuras, le dio la vuelta al mundo, creo toda una serie de especulaciones y transformó a la ex princesa en la santa de muchos altares.

Era la madrugada del 31 de agosto de 1997, Diana Spencer y su novio/amante o lo que sea, Emad El-Din Mohamed Abdel Moneim Fayed, mejor conocido en el jet-set y la aristocracia europea como Dodi Al-Fayed, abordaron un Mercedes-Benz S280 W140.

En uno de estos, pero de color negro, iban los tórtolos

Ambos habían pasado los días anteriores a bordo del yate de Fayed, el Jonikal, en un recorrido a lo largo de la costa francesa e italiana del mediterráneo y planeaban dormir en París para después salir rumbo a Londres. Trataron de quedarse en el Hôtel Ritz, que era de papi, pero como los fotógrafos estaban muy agresivos optaron por trasladarse al departamento que el egipcio poseía en París.

Un merecido descanso en la chalupita de los Fayed

Para realizar la maniobra fue enviado primero un convoy a manera de señuelo mientras que la pareja salía por la puerta de atrás para abordar el auto. Al volante iba Henri Paul, jefe de seguridad del hotel y en el asiento delantero derecho Trevor Rees-Jones, un guarura de la familia Fayed.

Spencer y Fayed se habían conocido ese mismo año. La llamada “princesa de la gente” iba saliendo de un terrible divorcio con el príncipe de Gales, Carlos, un triste hombre que tuvo que casarse con ella para taparle el ojo al macho y hacer lo que le decía su mamá, aunque en realidad estaba enamorado de una católica (grave defecto cuando uno es heredero del trono británico).

Todo era felicidad…

Dicen los más cursis que Diana había sufrido mucho en ese matrimonio, que la reina le hacía malosmodos y que las cuñadas la viboreaban (aunque nunca se quejó del flujo de efectivo). Además de que el marido estaba más preocupado en el polo, la arquitectura y en orquestar citas clandestinas con el verdadero amor de su vida (un auténtico aristócrata de la Gran Bretaña, pues).

El caso es que la pareja recién se había conocido pero, como si fuesen cuatachos de toda la vida, muy pronto se encontraron muy ocupados en darle vuelo a la hilacha; El gran mérito de Fayed siempre fue el de ser hijo de su papi. Luego de un sólido matrimonio que duró menos de un año y una carrera de muy bajo perfil tras las cámaras en Hollywood el tipo se dedicaba, más que a otra cosa, a pasarla bien.

Esa madrugada del 31 de agosto, la pareja abordó el auto y en un afán de eludir a los fotógrafos Paul salió como alma que lleva el diablo; al momento de entrar al túnel bajo el Sena de alguna forma perdió el control y se estrelló contra unas de las columnas destrozando la unidá (me mata la palabrita de reportero de la nota roja) y murió en el acto junto con Fayed. Al parecer Diana todavía tuvo tiempo de quejarse de los fotógrafos antes de perder el conocimiento para morir unas horas después en el quirófano.

El único sobreviviente, Rees, el guarura, resulto malherido y su rostro tuvo que ser prácticamente reconstruido con titanio por uno de los especialistas más eminentes del mundo (cortesía de la familia Fayed) quien luego se encargó de difamarlo diciendo que no había hecho nada por detener los acontecimientos.

Aquí la historia se divide en dos: lo que dicen que pasó y lo que realmente pasó.

La verdadera historia:

La pareja había cenado y la había pasado muy bien en el Ritz (por ahí el fetichista del padre de Fayed tiene su altarcito de muertos con una copa que todavía tiene pintura de labios de Diana) y se disponían a irse al depa de París a seguir la celebración cuando los inoportunos fotógrafos aparecieron en escena.

Solo le falta la cempasuchil

Lo más sensato fue utilizar como chofer a Henri Paul, que llevaba chupando toda la noche, una decisión que parece tomada por adolescentes saliendo de un antro en Acapulco. Que me digan misa, pero las niñas buenas no andan en correrías con los novios en las altas horas de la noche parisina y más si estas son las mamás de un futuro monarca británico.

Henri comenzó a manejar de manera temeraria para eludir a los fotógrafos motorizados y perdió el control gracias a la combinación, casi siempre letal, de alcohol y velocidad.

La historia histérica:

Esta ha sido generada en un proceso, alentado en gran parte por el papi de Fayed, en la que se acusa a todo mundo, desde la reina hasta el servicio secreto británico, de querer eliminar a la “princesa del pueblo”.

Al parecer todo es fruto de una conspiración (un compló, dirían algunos) para eliminar a la muy mercadeable Diana que le estaba quitando reflector y querencia del público a la malencarada y pesadita familia política. Además que no era el mejor de los ejemplos para los princesitos que la mamá anduviera de casquivana con un musulmán.

Como ocurre siempre con estas teorías nadie, ni siquiera los millones de la familia Fayed, pudieron comprobar nada; Diana y su novillo murieron en un clásico borrachazo de madrugada.

Las escenas ya se dejaban ver; dicen que en los países democráticos nos encanta transformar a los famosos en nobles; que nos falta una realeza y es por eso que la gente se pone como loca cuando se muere gente como Paco Stanley o Pedro Infante. Afortunadamente los británicos si tienen a verdaderos muertos de alcurnia, no como los advenedizos nacionales, a quienes inundar de flores y regalos, por quienes rasgarse la ropa, llevar flores así como monigotes de peluche y salir a hacer ridículas vigilias a la luz de velas.

La gente, literalmente, inundó con flores y regalos

Al funeral fue hasta la reina, y eso que la tal Diana no era santo de su devoción (“le dije que era una cualquiera m’ijo” dicen que le dijo a Carlitos luego de uno de los rosarios). Fue día de luto y al día de hoy la tal Diana está en los altares. Lo más curioso es que hasta en México hay cursis que siguen alabando a Diana Spencer como si la hubiesen conocido en persona.

Notarán que por ideología soy más bien de ideas republicanas y que estoy en contra de las sanguijuelas y los zánganos de sangre azul. La verdad es que me pone a pensar que lo que finalmente mató a la señora Spencer no fue otra cosa que la sed de sus “admiradores” en conocer su vida más de cerca. ¿cómo? pues  a través de las revistas que publican las fotos de los señores que la iban correteando en moto.

Eso es irónico.

Por cierto, a Elton John, que era gran cuatacho de la Di le dio por escribir una versión nueva de la canción Candle in the wind en memoria de la princesa:

Ésta versión solo la ha ejecutado en contadas ocaciones como el día del funeral; el cantante se enojó cuando uno de los Rolling Stones, creo que fue Keith Richards, dijo que John fundaba su éxito escribiendo canciones a las rubias muertas; éste contestó que por lo menos él no parecía “chimpancé artrítico” en los escenarios.

Entre los famosos también tienen sus cosas… que ni que…

Si los noventas nos trajeron algunos de los más grandes momentos musicales, creo que también nos dejaron uno de los más nefastos, oscuros y extraños cuando una canción creada por un desconocido dueto sevillano llegó a ser una de las piezas más escuchadas alrededor del mundo dondequiera que existiera una pista de baile: la Macarena se transformó en lenguaje universal.

Al parecer a Antonio Romero Monge y a Rafael Ruíz (Los del Río) la inspiración les llegó durante una visita a Venezuela en 1992. Se encontraban en una fiesta privada donde estaban dando un espectáculo de flamenco; la mujer que lo realizaba tenía una gracia especial por que Romero recitó, durante el acto y de manera espontánea las coplas “Dale a tu cuerpo alegría, Magdalena, que tu cuerpo es pa’darle alegría y cosa buena”.

De regreso al hotel ambos vieron el potencial de la rima y elaboraron la parte medular de la canción. Como la parte de “Magdalena” ya estaba “usada” (una canción de Emmanuel) y como buenos Sevillanos que eran, optaron por el nombre de Macarena. En Sevilla existe un barrio llamado “de la Macarena”. Dice la historia que también fue por que una de las hijas de Romero se llama así; la verdad es que dudo mucho que lo haya hecho en ese sentido dadas las connotaciones de la Macarena de la canción.

Creo que el fenómeno de la Macarena merece todo un estudio sociológico; por lo menos para mi, no me queda nada claro como una canción de un oscuro dueto de rumba se transformó en el “one hit wonder” más importante de la historia de la música contemporánea. (Esto lo dice VH1)

La grabación de Los del Río data de 1993, fecha que salió en España. Su popularidad en el mercado hispano creció rápidamente al grado que comenzaron a darse varios covers. Dicen los expertos que el brinco cultural (el paso al mercado gringo) se dio debido a que la canción la empezó a utilizar el que en ese entonces era gobernador de Puerto Rico en su campaña de reelección por lo que la pieza comenzó a escucharse en toda la isla.

Puerto Rico es uno de los puntos de salida de cruceros más importantes del Caribe, es ahí donde los gringos que se embarcaban conocieron y comenzaron a pedirla a la hora del reventón.

Para 1996 ya se habían hecho covers en inglés y una versión mezclada de Los del Río llegó al primer lugar de las listas de Estados Unidos donde permaneció ¡14 semanas! La segunda canción con más tiempo en el sitio (la primera, que ostenta el récord de 16 semanas, One sweet day cantada por Mariah Carey y los Boyz 2 Men, demuestra que los éxitos del Billboard no son garantía de calidad).

Si la canción de la Macarena con la repetición llegó a ser en una verdadera tortura auditiva, el baile “oficial” de la canción se transformó en una auténtica antología del mal gusto y un claro ejemplo de borreguismo.

Para los que hayan tenido la suerte de no haberlo vivido en carne propia voy a intentar explicarlo: a la hora de la Macarena todos los que se encontraban en la pista de baile dejaban de hacer lo que estuvieran haciendo para realizar una serie de pasos más bien faltos de gracia que se iban realizando de manera mecánica según las estrofas de la canción. Al terminar se daba un salto de un cuarto de vuelta para repetir los pasos y caer en un loop diabólico que parecía no finalizar nunca.

Ahora que lo veo en retrospectiva siento que el tiempo que la dichosa Macarena estuvo de moda fue eterno. En esos entonces tuve la oportunidad de vivir algunos meses en San José del Cabo en pleno furor macarenezco y recuerdo que los gringos que estaban en la playa o la alberca de los hoteles ¡practicaban los pasos de la Macarena!

Hasta la fecha (y a la hora de buscar material para esta entrada) escucho los acordes de inicio y me pongo de malas.

No tengo que decir que Los del Río se hicieron una celebridad, siguieron cantando en su curioso estilo y ¡hasta hicieron la versión navideña de la Macarena!

De la misma forma sacaron varios discos que nunca llegaron a la cúspide de la Macarena; Los del Río, aunque sin su fama mundial, sigue siendo un dueto conocido en España que eventualmente produce nuevo material (que incluye la Macarena, por supuesto).

Hay que decir, y en lenguaje andaluz, que la Macarena los dejó forra’os.

1991, luego de un año de tensiones, amenazas y esfuerzos diplomáticos la coalición liderada por Estados Unidos comenzó la operación “Tormenta del Desierto” en lo que iba a ser la primera guerra del golfo y el primer conflicto bélico en ser visto casi en su totalidad, en vivo y a todo color, por los televidentes de todo el mundo. Comenzaba así la guerra prime time.

En agosto de 1990 las tropas iraquíes avanzaron por el territorio de su minúsculo, pero muy rico, vecino.  Kuwait se veía aplastado por el embate de un ejército muy poderoso.  Una forma de medir cual era la diferencia entre ambos países es que mientras por el lado de Irak entraron cientos de tanques y soldados, por el lado de Arabia Saudita se dieron embotellamientos de autos Mercedes-Benz y Rolls-Royce de los que huían de Kuwait.

Iniciaba la primera guerra del golfo y el primer enfrentamiento de Sadam Hussein con un George Bush; de la misma forma comenzaba lo que iba a ser la primera guerra cubierta por los medios de comunicación modernos.

Desde la comodidad de nuestras salas pudimos seguir el contraataque norteamericano, el bombardeo de Bagdad e Israel y la liberación de Kuwait.

Las razones del conflicto son sencillas: durante la guerra entre Irak e Irán en los ochentas (que a Irak le costó alrededor de medio millón de vidas), fue Kuwait la que ayudó de manera financiera a Sadam. Cuando la guerra terminó resulta que le debían la friolera de 40 mil millones de dólares que su arruinada economía no podía pagar.

Para no pagar se agarraron de pretexto un campo petrolero que, según los iraquíes, Kuwait les estaba carranceando desde el otro lado de la frontera común y así lanzaron una invasión de cien mil tropas en contra de las 16 mil de su minúsculo vecino.

Como dije más arriba, lo que pasó es que “la crema y nata” de Kuwait agarraron sus joyas y sus carrazos y se lanzaron por carretera a Arabia Saudita; fueron totalmente surrealistas los campos de refugiados que tenían que organizar el estacionamiento de las limusinas.

En tan solo un par de días Kuwait pasó a formar parte de Irak

La tormenta del desierto

Tan solo unos días después de la invasión, Estados Unidos anunció una operación especial para defender a Arabia Saudita, que por su importancia estratégica y un ejército que se las vería negras si los iraquíes avanzaban, parecía ser el siguiente objetivo de Sadam.

A lo largo de un año vimos la llegada de tropas gringas a Arabia Saudita y la tensión del principio pronto se hizo costumbre.  Parecía que todo el asunto había llegado a un punto muerto.

Los ataques a Irak comenzaron desde el aire.  Creo que la fecha, el 17 de enero de 1991, es uno de esos días que ya he clasificado como clave en los que casi todos recordamos que estábamos haciendo.  En lo particular me encontraba con un grupo de amigos (era jueves) cuando nos llegó el rumor. ¡Vamos a mi casa a ver la guerra! propuso alguien y para pronto nos instalamos frente a un televisor como si de un evento deportivo se tratara.

A lo largo de esos días pudimos ver muchas cosas, algunas de ellas llegaron al grado de histeria, creo que tanto los medios como los simples televidentes no comprendíamos aún la magnitud de lo que veíamos.

Hay que recordar varias cosas: las imágenes de las defensas anti-aéreas de Bagdad.  De como las trazadoras subían en búsqueda de aviones enemigos. Parecía que era imposible que alguien escapara a tanto poder de fuego, pero lo chistoso es que no le daban a nada.

Con el correr de las hostilidades Israel, el eterno enemigo de los árabes, tuvo que salir a relucir.  Una serie de ataques con misiles Scud (de fabricación rusa) comenzaron a realizarse desde Irak contra objetivos en ese país.  Estos hechos nos trajeron uno de los más grandes desfiguros de los medios nacionales en esa década completa:

La corresponsal de Televisa en Israel, una mujer de nombre Erika Vexler ya llevaba varios años “reporteando”; por supuesto que a la hora de los cocolazos el legendario Jacobo Zabludovsky la tenía en la línea.

Hay que decir que desde esos entonces los gringos ya tenían miedo de que Sadam tuviera armas de destrucción masiva y que Israel tenía pavor de que por medio de misiles les aventaran, como mínimo, armas químicas; existía una verdadera histeria al respecto.

Por eso, cuando ocurrió el primer ataque con misiles, Zabludovsky le preguntó a la reportera sobre lo que había ocurrido.  Yo escuché la transmisión y tengo la seguridad de que la tal Erika Vexler estaba bien borracha por que como respuesta se puso a vociferar de manera histérica: “Nuclear, nuclear, Jacobo, es un ataque nuclear”.

Creo que es lo más fuerte que jamás he escuchado en un medio de comunicación.  Es indescriptible la sensación que le recorre a uno el cuerpo cuando escucha esas palabras; afortunadamente la reportera estaba muy equivocada.  La bomba que cayó esa noche en Israel era convencional y luego de algunos ataques, se dieron cuenta que los misiles más bien no eran tan efectivos y de que su poder destructivo se veía menguado por que necesitaban sacrificar espacio para el combustible necesario para llegar hasta Israel.  Curiosamente después del incidente “nuclear” la tal Vexler jamás volvió a salir en algún noticiario de Televisa.
Otra de las cosas que vimos fueron los bombardeos desde las cámaras de los aviones, de cómo los objetivos eran alcanzados con una precisión de miedo.

Los acontecimientos fueron muchos y de la misma manera, sorprendió la forma en que la televisión se hizo presente de ambos lados; por ejemplo, al mero principio habían varios británicos que estaban en Irak justo cuando empezó todo.  El tema se hizo de interés mundial (salió el tal Tarek Asis a decir que probablemente estaban disfrutando de las hermosas playas de Irak), a final de cuentas y en pleno afán de quedar bien con el mundo fue el propio Sadam quien salió a cuadro con los “perdidos” (“los huéspedes” fue el eufemismo que utilizaron).

Otro capítulo fue el de la televisión de Irak presentando a los prisioneros de guerra, los pilotos de los pocos aviones que fueron derribados por los irakíes.  La cosa es que éstos salían diciendo que “estaban arrepentidos de agredir a a la pacífica gente de Irak”; al parecer los genios de la propaganda de Sadam pensaron que las cicatrices de la “maraca” que les aplicaron no las íbamos a ver.

Lo que está interesantísimo, y ahora lo descubro pero creo que podría ser un material para futuras generaciones es que una televisora de Nueva Zelanda subió todo el material de la guerra del golfo (200 videos), así que si tienen tiempo (y ganas) pueden ver la totalidad de la guerra como si hubiesen estado frente a una tele en aquel ya lejano 1991.

Fue una serie pensada en el público estadounidense, como todas las de su género, sin embargo en México tuvo un gran éxito. La niñera, personaje de Fran Drescher se transformó en una referencia obligada en la televisión de los años noventas.

El “Sitcom” es un género muy particular en la televisión de Estados Unidos. Aunque en México se ha intentado traducir este tipo de programas, el salto al español siempre ha generado resultados mediocres y que difícilmente logran pasar de algunas temporadas.

Creo que el tipo de programa está demasiado “hecho” a la filosofía y la idiosincrasia del gringo clasemediero y, al igual que muchos elementos culturales que nosotros consideramos muy propios, ellos también manejan varias cosas que son prácticamente imposible adaptar a nuestra cultura.

Es por eso que el caso de The nanny o La niñera, llama la atención ya que superó esa barrera de “iniciados” en los sitcoms para transformarse en un programa (tal vez el primero en su estilo) en ganar una popularidad generalizada.

La historia se les ocurrió a Fran Drescher y su entonces esposo Peter Marc Jacobson pensando en una especie de actualización cómica de La novicia rebelde. La idea, tal como lo dicen los rumores, se la pudo vender Drescher a Jeff Sagansky, presidente de la CBS, durante un vuelo trasatlántico; ambos se habían conocido durante la producción de Princesses, un fallido programa de la cadena que solo pudo emitir cuatro capítulos.

La idea le gustó por que pronto se vio trabajando con los productores Robert Sternin y Prudence Fraser. El equipo llegó a la conclusión que el personaje debía de ser “armado” en torno al trasfondo de Drescher, por lo que los lo personajes de su familia y amigos fueron prácticamente copiados de la vida real así como algunas de las anécdotas. Drescher participó activamente en los guiones y para noviembre de 1993 fue transmitido el primer piloto.

La primera temporada fue un fracaso y a punto estuvo de salir del aire, solo gracias a la perseverancia de la producción, que según sus palabras se “pegaron” al proyecto, que éste siguió adelante.

La apuesta fue un éxito por que gracias a ese empeño la serie llegó a 143 capítulos a lo largo de seis temporadas cuyo último capítulo se transmitió en mayo de 1999. Una forma de medir el éxito de un programa de este tipo es por sus invitados especiales. He aquí una lista de algunos de los que fueron a The Nanny: Ray Charles , Chevy Chase, Erik Estrada, Dan Aykroyd, Bette Midler, Elizabeth Taylor, Jason Alexander (George de Seinfeld), Roger Clinton Jr. (hermano del president Bill Clinton), Jay Leno, David Letterman, Donald Trump, Celine Dion, Cher, Elton John y Whoopi Goldberg.

La serie, transmitida por TV Azteca, fue un éxito en México y pudimos ver prácticamente las seis temporadas completas. Hay que decir que con el doblaje perdía dos características muy especiales del programa: por una parte la voz nasal de la Drescher; a pesar de los esfuerzos de la actriz de doblaje era imposible imitar su risa y sus “ruiditos” y por la otra el acento británico del señor Sheffield y del mayordomo Niles.

La original en inglés

A pesar de estas carencias la serie fue un éxito en el mundo y en nuestro país. Por momentos parecía que todo mundo la veía y hasta en las reuniones de trabajo se hablaba de la niñera aunque solo fuese para referirse al escultural cuerpo de la Drescher.

Creo que muy buena parte del éxito de la serie se debió a dos factores: primero que nada el factor “Cenicienta”: la chica normal que luego de una injusticia (la “tronada” con su novio) se encuentra en un nuevo y lujoso entorno de la cual es prácticamente la reina.

El segundo es el factor romance: a lo largo de la serie, y creo que ésta comenzó a declinar cuando se solucionó, existe una continua tensión sexual entre la niñera y su empleador; prácticamente en cada capítulo se quedaban al “ya merito” de confesar sus sentimientos. Eso, señores, es una de las mejores recetas para el éxito.

Otra de las cosas en las que la serie basó mucho de su éxito fue en la interacción de los personajes; cada capítulo estaba construido en torno a las relaciones de estos: las interminables anécdotas de la familia judía de Fran, su eterna búsqueda de marido, el eterno pleito de Niles con C.C. entre otros muchos.

Cuando decidí escribir sobre La Niñera una de las cosas que me convenció fue que, cuando estaba al aire y de moda, era un programa que todo mundo veía y aunque era tan vacío como todos los de su género, hay que decir que tenía bastante originalidad y sobre todo, estaba bien escrito y realizado. Creo que de todos los sitcoms que han tratado de “tropicalizar” éste ha sido el que mayor éxito ha obtenido en nuestro país, por lo menos en la década de los noventas.

A manera de amarga crítica

No podía dejar de sacar esto. Hace apenas dos años a algún genio de TV Azteca se le ocurrió sacar la versión mexicana de La niñera.

No estoy en contra de explorar este tipo de propuestas ya ensayadas en otros lugares, lo que si se me hace un franco alarde de poca creatividad y de enanismo mental es no solo fusilar la idea, si no fusilar personajes, la situación y ¡hasta los guiones de los capítulos!

La idea de estos genios fue la de hacer un remake absoluto; una vil copia casi palabra por palabra, la única creatividad que aplicaron, los nombres de los personajes, es terriblemente patética: la niñera se llamó ¡Francisca!

Afortunadamente a este esperpento lo cancelaron sin finalizar siquiera la temporada. De tan mala no les dio tiempo ni para despedirse.

Cara…mbas… Luego por que uno no ve tele nacional.

Inició dentro del oscuro y vapuleado underground independiente y llegó a la fama, en los noventas, con películas que no solo eran apología de la violencia intrínseca de lo más bajo de la sociedad, si no también con una forma directa, cruda y sumamente brillante para contar historias. Esta es la obra de Quentin Tarantino en los noventas.

Para mediados de los ochentas Quentin Tarantino se encontraba trabajando en un video club llamado Video Archives en Manhatan Beach (sudoeste de Los Ángeles) donde pasaba largas horas discutiendo sobre cinematografía con su amigo Roger Avary. Por alguna extraña razón en ese sitio iban a trabajar varios que más tarde triunfaron en Hollywood.

Tarantino había dejado la escuela desde los 15 años para inscribirse en una academia de actuación y en esos entonces no era más que un empleado dispuesto a dar consejos a los clientes sobre las películas. Fue en una fiesta que conoció a Lawrence Bender quien lo convenció de hacer un guión; al parecer recibió una especie de revelación, por que luego de tres semanas había escrito Reservoir Dogs.

La idea original era la de hacer un muy bajo presupuesto con la ayuda de sus amigos sin embargo el actor Harvey Keitel, a quien le propusieron que actuara en la cinta, le interesó el guión y ayudó a juntar dinero para su producción. Lo que había empezado como un proyecto de garage terminó en una producción con todas las de la ley con un presupuesto de millón y medio de dólares.

Es desde este film donde Tarantino deja en manifiesto su muy particular estilo: brincos temporales que a veces confunden al público, la utilización de la violencia, a niveles extremos que incluso “sacaron” a la gente de la salas, todo esto condimentado con múltiples referencias a la cultura popular así como un lenguaje tan profano como el de la calle. Otro de los elementos a resaltar es el hecho de que la película, aunque trata de un robo, nunca muestra su realización.

Reservoir Dogs pasó desapercibida en Estados Unidos pero logró cierto éxito en la Gran Bretaña; gracias a éste pudo ser incluida en el Festival Sundance donde la crítica especializada la conoció y cayó rendida ante la obra de Tarantino; una revista la nombró “La mejor película independiente jamás filmada” y hasta la fecha está considerada uno de los hitos del cine independiente.

Ironicamente la cinta solo llegó al “Mainstream” luego del éxito de la siguiente obra de Tarantino: Pulp Fiction.

Tiempos de violencia

Después de este primer casi-éxito, Tarantino comenzó a tener renombre; escribió dos guiones True romance y Natural born killers, esta última llevada a la pantalla de manera magistral por Oliver Stone.

Al director le fueron ofrecidas las direcciones de varias películas (entre ellas la infame Speed) sin embargo este prefirió retirarse a Amsterdam donde escribió, junto con Avery, su primer éxito a nivel comercial: Pulp Fiction.

Recuerdo muy bien cuando un amigo me dio su opinión sobre esa película (yo aún no la había visto).  Este cuate estaba en cierta manera turbado por la escena en que Travolta y Jackson matan a un individuo que primero les dispara y falla.  Este amigo, aunque no me lo dijo, estaba en medio de un conflicto moral por que la secuencia le había causado risa.

Creo que es una de las características de Pulp fiction, el retrato de la violencia como una simple broma; Tarantino la maneja como si de un elemento estético y maleable se tratara.  Los personajes no son “malos” hollywoodianos intrínsecos; no son fuerzas oscuras de novela sino simples individuos que las circunstancias los han llevado a utilizar la violencia para lograr sus metas, aunque a veces esta meta sea la simple necesidad de sobrevivir.

Algo que a mi me impacta es la forma en que el personaje de Jackson recita pasajes bíblicos cuando está a punto de matar.

Pulp fiction es literalmente una historia de la violencia por la violencia. Sus personajes parecen ser llevados de manera fatal por fuerzas que no pueden controlar: la esposa del jefe mafioso con sobredosis, la increible coincidencia de encontrarnos en plena calle con quien juró perseguirnos por todo el mundo para matarnos, de como este mal momento puede incluso empeorar gracias a pervertidos neofacistas; de como la violencia se transforma en una especie de cárcel y de como es imposible, a pesar de tomar la más firme resolución, abandonarla.

La escena final, en la que nuestros dos pistoleros se encuentran desayunando en un restaurante (con sus “chorsitos” y playeritas de turistas) ensimismados en una profunda charla filosófica sobre la violencia, solo para ser asaltados, es de una ironía que bien valdría un estudio de doctorado.

La película de Tarantino esta vez pudo lograr un reparto de primerísima línea (John Travolta, Samuel L. Jackson, Uma Thurman y Bruce Willis entre otros) y destacar de manera absoluta.

En mayo del 94 fue presentada en Cannes donde fue todo un éxito, de ahí realizó un recorrido por los principales festivales de cine del mundo, donde siguió recibiendo críticas muy positivas y fue hasta octubre de ese año que salió en cines en Estados Unidos.  Aunque en un principio no fue proyectada de manera masiva, muy pronto comenzó a imponerse en todo el país; se trasformó en la primera película independiente en superar la barrera de los 100 millones de dólares.

Aunque Pulp fiction fue alabada por la mayoría de los críticos hubo quien acusó a Tarantino de hacer apología de la violencia y de regodearse en ésta; gracias a cineastas como él ,Hollywood se encontraba en bancarrota moral (¿¿se encontraba??).  No hay que olvidar que en esa época también vimos Natural born killers entre otras cintas que “lucraron” con la violencia.  Sin embargo fue nominada a 7 Oscares aunque solo logró el de mejor guión original, obra de Tarantino junto con Roger Avary.

Luego de Pulp Fiction, en 1995 fue invitado a participar en Four rooms, un proyecto que pasó sin pena ni gloria que involucraba cuatro historias (relacionadas) cada una de ellas dirigida por distintos directores entre los que se encontraba Robert Rodriguez quien dirigió más tarde From dusk till dawn con guión y aparición de Tarantino. Por cierto, esta cinta es uno de los pininos de Salma Hayek en Hollywood (como olvidar esa serpiente).

La última película noventera de Tarentino fue Jackie Brown; también una apología al crimen y la violencia, esta cinta tiene la característica de que la mayoría de las escenas “fuertes” ocurren fuera de cuadro (siempre he pensado que un buen director también tiene que tener la capacidad de hacernos imaginar -y temer- cosas que no vemos).  La película es una versión libre de la novela Rum Punch de Elmore Leonards y mientra usa en sus sitios estelares a dos actores que normalmente hacían papeles de reparto, Pam Grier y Robert Forster, deja en segundo plano a Robert De Niro y Michael Keaton.

Aunque esta película parece ser la “hermana menor” de las dos anteriores, es por si misma una gran cinta que no deja mal parado a Tarantino.

Aunque fiel a su espíritu independiente, la obra de Tarantino ha pasado, necesariamente, a transformarse en corriente principal.  Son muchos los que han tratado de seguir sus pasos y en la actualidad sigue en muy fervorosa actividad; al parecer está por estrenar una película de guerra (no quiero imaginar lo que vamos a ver) por lo que todavía tenemos Tarantino para rato, sin embargo nunca, en lo personal, voy a dejar de considerar Pulp Fiction como uno de los eventos cinematográficos más importantes de la década de los noventas.

Cuando en marzo de 1991 salió a la venta Out of time de REM el mundo iba a conocer a una de las bandas de Rock más consistentes. Llevaban diez años de ser un grupo “de culto”, de las estaciones universitarias y del circuito alternativo; fue su tiempo para salir al mundo.

Aunque en México, la mayoría, comenzamos a escucharlos hasta la década de los noventas, REM ya era para esos años un grupo de larga trayectoria. El grupo fue formado, casi sin querer, por Michael Stipe y Peter Buck en Athens, Georgia.

Se conocieron en la tienda de discos donde Buck trabajaba, Stipe se dio cuenta que ambos tenían los mismos gustos musicales (Punk Rock, por cierto).  Luego conocieron a Mike Mills y Bill Berry que venían tocando juntos desde sus épocas en el High School.  Pronto se encontraron “palomeando” juntos.

Según contarían más tarde, nunca hicieron grandes planes de formar una banda sin embargo durante el cumpleaños de un amigo tocaron por primera vez ante un público para lo que usaron un nombre que sacaron casi al azar de un diccionario: REM. Corría el año de 1980.

Durante los siguientes dos años se transformaron en un éxito en la zona de Athens y comenzaron a dar giras por los estados del sur de Estados Unidos a bordo de una van azul y con un presupuesto de viáticos de 2 dólares diarios por persona.  Fueron tiempos heroicos.

Su primer EP (en las épocas antediluvianas en que la música venía grabada sobre discos de vinil, el formato EP estaba entre el sencillo y el LP, un disco con capacidad de hasta media hora de música) llamado Chronic Town y que hicieron con la firma I.R.S.  En 1983 grabaron su primer disco LP, Murmur, que incluía su primer hit (de 1981), Radio Free Europe, y que recibió muy buena crítica aunque solo vendió 200 mil copias; el disco también fue un manifesto de independencia, ya que los integrantes de REM se negaron a incluir sintetizadores y solos de guitarra (tan de moda en ese entonces y que el productor les sugirió) para mantener su sonido original.

A pesar de que ese mismo año aparecieron en el programa de David Letterman y de que para 1985 ya habían grabado otros dos álbumes, la fama de REM seguía restringida al circuito alternativo y a las emisoras de radio universitarias.  La agrupación seguía siendo ignorada por la industria musical.

Entre 1986 y 1987 grabaron Lifes Rich Pageant y Document y aunque las emisoras de radio de las universidades seguían siendo su plaza fuerte, poco a poco sus canciones comenzaron a aparecer en las listas nacionales; fue en esa época en que obtuvieron su primer disco de oro.

Document fue una crítica clara de Stipe ante la política conservadora del gobierno de Ronald Reagan, podría decirse que se transformó en el disco que abrió la puerta a la fama de REM que se transformó, luego de 7 años de romperse el alma en las carreteras, en un grupo masivo: la revista Rolling Stone, que les dedicó la portada, calificó a REM como “la mejor banda de Rock and Roll en Estados Unidos”.

En 1988, luego de terminar su contrato con I.R.S el grupo firmó con Warner para grabar el disco Green, también con gran contenido político; logro colocar cuatro millones de copias.  Luego de realizar una gira de promoción la banda se tomó un año sabático para entrar de lleno a la década de los noventas.

Justo a tiempo.- Out of time se grabó en 1990 y salió a la venta al año siguiente.  El grupo usó instrumentos que nunca antes había utilizado (mandolinas, guitarras acústicas y órganos) para producir un álbum que le dio la vuelta al mundo; más de 16 millones de copias vendidas que los llevaron desde el circuito del radio universitario a la fama mundial.

El single indudable y con el que la mayoría relaciona al grupo es Losing my Religion.  La canción, interpretada básicamente con mandolina, utiliza una expresión muy del sur de Estados Unidos y, contrario a lo que suena, significa que la persona que lo dice está por “explotar” y hacer algo “incivilizado”.

La canción permaneció 21 semanas en la cima de las listas, fue nominada a varios Grammys, logró el cuarto lugar del Billboard Hot Ten; como más tarde lo diría Mills, la canción se transformó en el evento más importante de la historia de REM.

Otra parte del éxito de la canción fue el video para MTV: utilizando imágenes religiosas (cristianas e indias), está hecho con un “preciosismo” muy particular; brillantemente fotografiado, la dirección de Tarsem Singh está inspirada en la cinematografía de la India y alterna imágenes de los integrantes del grupo con escenas extrañas y muy cuidadas. Fue nominado a 9 premios de MTV de los cuales obtuvo seis.

El video es difícil de conseguir, en YouTube tienen el audio eliminado (por aquello de los derechos) y en otros lados hay varias copias de baja calidad:

El disco Out of time significó el reconocimiento universal de REM, a partir de ahí la banda dejaba definitivamente la “alternancia” para transformarse en un grupo de la corriente principal.  Podemos decir que el disco no es solo Losing my Religion, ya que en general es bastante bueno: por ejemplo Shiny Happy People una rola muy movida en la que participa Kate Pierson (de hecho aporta vocales en tres canciones), la pelirroja de B-52, grupo también originario de Athens.

Luego de Out of time, REM iba a grabar en los noventas Automatic for the People, un álbum, aunque mucho más oscuro que su predecesor, pero que los críticos alabaron como el mejor del grupo hasta ese entonces y que incluía Drive, Man on the Moon, y Everybody Hurts.

Luego de Automatic for the People disfrutamos de Monster y New Adventures in Hi-Fi, cada uno con su muy particular estilo.  En 1997 Bill Berry anunció su salida del grupo, quería quitarse la “presión” de ser una estrella.  Su salida solo la hizo luego de que logró que los restantes tres le prometieran que la banda seguiría.  El abandono de Berry causó estragos en la moral del ahora trío y durante la grabación del disco Up estuvieron a punto de desintegrarse.

Tal vez la década no terminó tan bien para el grupo; con la ausencia de su baterista y con una clara disminución de sus seguidores, REM se encontraba muy lejos de la era gloriosa de Out of time.  Su último proyecto de la década fue la musicalización de Man on the Moon, la biografía del fallecido cómico Andy Kaufman estelarizada por Jim Carrey.

En la actualidad REM sigue siendo una banda vigente, aunque sin la penetración de Out of time, apenas el año pasado sacó su disco Accelerate, muy bien recibido por la crítica, y creo que aún tendremos REM para rato.

REM: Un grupo que poco a poco alcanzó el éxito y, sin lugar a dudas, es uno de los más recordados de los noventas.