Este Miércoles 11 de Noviembre a las 11AM CST (14 hs de Argentina), Sony Creative estará presentando un seminario online (webinar) sobre Sound Forge 10.

En este evento Web en vivo se enseñará todo acerca de las nuevas características clave de Sound Forge Pro 10, con un instructor mostrando en vivo las herramientas y explica cómo las nuevas características logran un trabajo de edición más fácil y eficiente.

Conducido por Gary Rebholz, Gerente de Capacitación de Sony Creative Software, este evento interactivo en vivo también incluye un componente de chat, por lo que se pueden hacer preguntas y recibir una respuesta casi de inmediato. Además de Gary, van a estar presentes expertos de los departamentos de marketing e ingeniería, de modo que se puede obtener la información directamente de las personas que crearon el software.

Para participar hay que registrarse en el sitio de Sony Creative Software.

Esta primera imagen corresponde a “Yes/No“, dos esculturas del artista Carsten Nicolai creadas en aluminio a partir de la forma de onda generada por las palabras, justamente, “Yes” y “No“. Según el autor, las esculturas “representan el intento de materializar las características escultóricas del sonido cuando fluye a través del espacio en una efigie visual. El contenido semántico de las esculturas dar respuestas a preguntas sin hacer y, por lo tanto, abre una amplia gama de interpretaciones y asociaciones“. La escultura también puede considerarse un particular retrato de la artista Laurie Anderson, cuya voz se utilizó como modelo para la obra.

“Waveform Series” del artista japonés Sakurako Shimizu es una serie de objetos personales, como anillos, brazaletes y collares, decorados con un calado con forma de onda (waveform) de, por ejemplo, el tañido de una campana de Iglesia, o sonidos como bostezos, risas o un estornudo. También se pueden encargar objetos con una palabra dicha por el comprador.

El Sillón Sonoro (Sound Chair) es un objeto creado a partir de una forma de onda diseñada especialmente para lograr la figura de un sillón, en un intento del autor, Matthew Plummer Fernandez, por vincular el sonido a los objetos utilizados como muebles.

Fernandez asegura que tuvo que crear 719 sonidos diferentes hasta hallar el correcto.

Estos son diez consejos que escribió Pi Jacobs para conseguir licenciar tu música en cine, TV, o cualquier otro tipo de contenido audiovisual. Si bien está pensado para el mercado norteamericano, tal vez algunos de los consejos apliquen para latinoamérica, por eso los publico.

Por Pi Jacobs

1. Escribe y graba la mejor música que puedas, con toda la pasión que puedas reunir: A pesar de que he escrito y licenciado piezas estrictamente para llenar la necesidad de un programa, son las canciones que he escrito para mí las que aparecen una y otra vez. Creo que es porque puse un pedacito de mi alma en estas canciones, y la gente siempre responde a eso.

2. Dicho esto, siempre hacen falta canciones para peleas y persecuciones de autos: Me he divertido escribiendo y produciendo algunas piezas para peleas y persecuciones, aunque este bastante lejos de mi genero como cantautora. He licenciado algunas de estas piezas, y me encuentro con que mis fans también pueden disfrutar de este material “alter ego” también.

3. Se trata de las relaciones: Quienquiera que pueda licenciar su música es un ser humano con sus propios problemas, gustos, y factores de estrés. Siempre trata de ser una persona que disfruta trabajando. El sentido del humor y profesionalismo hará que quieran trabajar contigo sobre cualquier persona de igual talento que sea desagradable.

4. Lomos y formatos: Muchos supervisores musicales prefieren archivos digitales o CDs en caja que son fáciles de almacenar y catalogar por la información del lomo. A veces requieren formatos de audio específicos (mp3 192k, o WAV o AIFF). Sí, es un dolor de cabeza. Y sí, debes hacer el trabajo para entregarlo en el formato que te han solicitado.

5. Envía sólo las canciones o piezas que se ajustan a la búsqueda solicitada: Si un supervisor ha pedido un cierto tipo de canción, no le envíes algo que no encaja en su descripción. Sólo los hará enojar, y puede que te saquen de su lista. Los supervisores no suelen explicar sus necesidades en términos técnicos musicales, asi que dedica algún tiempo a escuchar las canciones a las que hacen referencia, y trata de entender lo que ellos (o su cliente) quieren cuando dicen: “Necesito algo que suena verde y pegajoso, pero no demasiado agresivo, con una gaita “.

6. Reparte la torta: Si co-escribes, acuerda con tus colaboradores cómo se divide la canción antes de escribir una nota. Encuentro que dividir las cosas por igual, independientemente de lo que cada persona aportó al proceso de escritura, salva amistades y ahorra honorarios legales.

7. Administra: Es tambien recomendable llegar a un acuerdo previo para dejar que uno de los colaboradores “administre” la publicación. Más de la mitad del trabajo de un supervisor musical es “limpiar” la canción, y usualmente tienen que hacerlo a toda prisa. Tener un “administrador” acelerará su autorizaciones, mientras que tener que conseguir cuatro firmas puede asesinar un acuerdo. De hecho, la mayoría de las bibliotecas de música y programas de televisión no trabajan con personas que no controlan el 100% de su obra.

8. Dar para recibir: “Nunca renuncies a tu publicación” fue el lema que me fue inculcado apenas me inicié en el negocio de la música. Aunque la idea básica sigue siendo una buena guía, he encontrado que he tenido éxito con la filosofía: “Nunca renuncies a la publicación, sin una buena razón!” A veces tiene sentido hacer negocios renunciando a algún porcentaje, para obtener un trato.

9. Haz lo del punto anterior, pero no seas exclusivo: A menos que estes recibiendo una gran suma de dinero y exposición nacional, deberías conservar el derecho a vender tu música a otra persona. He encontrado que algunas canciones se utilizan una y otra vez en distintos espectáculos y películas. Toma mucho tiempo y mucho dinero escribir y grabar una gran canción. Si tienes una, deberías ser capaz de explotarla en tantas formas como sea posible.

10. Baila: Si vives en LA, todos los que conoces pueden ser un potencial licenciante. De lo contrario, hay muchos servicios en línea de gestión que pueden ayudarte a comenzar. MusicSupervisor.com o FilmMusic.Net son dos buenos, pero hay varios, sólo asegúrate de investigar.

Vía URB Magazine

A través de reflexiones y charlas de Emilio Del Guercio con los autores y compositores de las obras, artistas y personalidades que brinden su testimonio, el programa intentará “transitar el camino mágico que hace una canción hacia el corazón del pueblo, para quedarse a vivir en él por años“.

“Cómo hice?” desarrolla la historia de cómo fueron hechas esas canciones que quedaron en la gente a través de la memoria popular. Devela su historia de vida, cómo surgió, cuando se grabó, cómo evolucionó desde que eran tres o cuatro notas, hasta llegar a ser amada por la gente, tomada como bien de uso espiritual y convertida en cultura.

El listado de este archivo es muy extenso (alrededor de 200 canciones) pero se empezará con una entrega de 13 temas, entre los que están: Zamba de mi esperanza, La Balsa, Balada para un loco, Si se calla el cantor, Merceditas, Muchacha ojos de papel, Como la cigarra, Algo contigo, El día que me quieras, Presente, Sólo le pido a Dios, No soy de aquí ni soy de allá, Abrázame así, etc.

“Las canciones ocupan un espacio simbólico de gran importancia en el corazón popular, ellas son testimonio de nuestra materia espiritual y guardan algunas de las claves genéticas de la cultura argentina. Todas las que han atravesado la prueba del tiempo y la distancia y perdurado a través de décadas, poseen algo de ese material genético que nos identifica.”

“Cada generación tienen sus canciones emblemáticas, pero sólo algunas de ellas se quedan para siempre en el tejido de la trama cultural.”

“Cómo hice?“, conducido por Emilio Del Guercio, irá todos los Miércoles a las 22 hs por el Canal Encuentro de Argentina.

Patrick Faucher y Phil Antoniades son los creadores de Nimbit.com, un sitio dedicado a construir una plataforma de marketing y comercio directo al fan, para que las bandas puedan vender su música, merchandising y demás sin necesidad de intermediarios.

Desde hace tres años, Patrick lleva adelante un seminario en Berklee College of Music en Boston, en el marco del programa donde se enseña el negocio de la música. El seminario cubre varios items como marketing, distribución, social media, herramientas, etc. Las charlas generalmente se centran en las formas de hacer una carrera exitosa y generar dinero con la música, y cuáles son los canales adecuados para ello.

Pues bien, en una de esas clases, a estos dos socios les paso algo particularmente indicativo del momento que vive la industria, y que Patrick refleja en el blog de Nimbit:

Una pregunta que me gusta hacer cada vez que estoy delante de un grupo como éste es “¿Cuántas personas consideran que un contrato con una discográfica es una opción viable para el desarrollo de su carrera?”. Cuando dí este seminario hace dos años, casi el 80% de la sala levantó la mano. El año pasado, menos de la mitad de las personas indicó que un acuerdo con un sello era parte de su estrategia de éxito. Este año, cuando hice la pregunta, se levantaron exactamente CERO manos.

Detengámonos a pensar en las implicancias de esto por un momento. La próxima generación de artistas y empresarios de la música me acaba de decir que las discográficas tradicionales, especialmente las grandes, ni siquiera son un factor en su ecuación para el éxito.

La parte más interesante? A la historia no le importa qué sellos escuchan este mensaje y cuáles se vuelven irrelevantes. Los empresarios de la música y los artistas del mañana ya están trabajando bajo diferentes supuestos y tienen en la mente un modelo completamente diferente.

I.Sat pone al aire el muy interesante documental “RIP: A Remix Manifesto“, este Domingo 15 a las 13:30 hora de Argentina, el 22 a la 1:10 AM y el 28 a las 2 AM.

“RIP: A Remix Manifesto” es un documental dirigido por Brett Gaylor que gira en torno a la obra de Girl Talk, un artista del mash-up, esas canciones creadas a partir de puros sampleos, alterados y reordenados, de otras canciones. Desde la controversia que provoca el género y las batallas que se entabla por el copyright, la película termina explorando la relación entre el uso de las tecnologías sociales, la cultura como un todo y las estéticas de un mundo donde han cambiado todas las reglas sobre los derechos de autor.

Gaylor dedica seis años a trazar pasado, presente y futuro de los conceptos de propiedad intelectual, copyright y copyleft, de los de originalidad, creatividad y, en última instancia, cultura; entrevistando a personajes como el fundador de Creative Commons, Lawrence Lessig, el ministro de cultura de Brasil Gilberto Gil y  Cory Doctorow, co-editor de Boing Boing, quienes coinciden en el espíritu de un modelo permisivo en cuanto al esfuerzo para mejorar, cambiar e integrar el trabajo con copyright para crear obras derivadas dentro de un proceso participativo que aliente la creación y enriquezca la cultura, en lo que llaman una cultura Remix.

El documental es, desde el primer día, un experimento participativo en el que Brett comparte su material sin editar en opensourcecinema.org, para que cualquiera lo pueda mezclar. De esta manera el modelo de película mash-up permitió a estos remixes convertirse en una parte integral del largometraje.

Gaylor dijo en una entrevista para Wired que “hemos hecho esfuerzos realmente grandes para hacer esta película tan accesible como sea posible… este documental ya forma parte de TPB y eso es genial, es otro forma de distribución. No lo tuvimos que poner y ni siquiera era necesario que lo hicieramos nostros. Tomamos este camino y era probable que dadas las realidades en el universo de la distribución de una película no tendríamos estas otras oportunidades para llevarla a la gente que aún ve la TV, alquila DVDs o va al cine. Quisiéramos que esa gente mirara esta película.”

BAFIM es el polo de negocios y tendencias de la música en América Latina. Una feria que reúne en un mismo lugar a toda la industria de la música, desde los sellos más pequeños e independientes hasta las grandes discográficas; desde las nuevas bandas a los artistas consagrados.

Como siempre, la iniciativa cuenta con tres ejes que la hacen atractiva para todos los públicos:

MusicNet: el “corazón” de la feria, un área exclusiva para los profesionales de la industria de la música. Aquí es donde se crean reuniones para encender nuevos negocios, se realizan acciones de capacitación profesional, se tejen nuevas relaciones y se piensa las tendencias que enfrenta la industria.

Shows: Los shows son el sector de la adrenalina de BAFIM. Tres escenarios y más de 80 artistas en escena presentando una serie de recitales de todos los estilos, con lo mejor de Argentina y el mundo.

Feria: Es el lugar de encuentro entre las empresas de la música y el público. Más de 100 stands donde se venden discos, se exhiben productos y se realizan actividades.

BAFIM es una iniciativa de la Dirección de Industrias Creativas y Comercio Exterior del Ministerio de Desarrollo Económico de la Ciudad de Buenos Aires.

Más información en la web de Bafim 09

Vestax, fabricante de superficies de control profesionales para DJ, acaba de poner a la venta el nuevo controlador TR-1 para Traktor.

Se trata de un controlador USB MIDI diseñado en cooperación con uno de los DJs pioneros en el uso de laptops, el japonés Hiroshi Watanabe.

El TR-1 es un controlador compacto y amigable, diseñado para emular el toque y la sensación de un mezclador de DJ tradicional, a la vez que proporciona las características y facilidad de uso que los profesionales demandan en un sistema basado en laptop.

El TR-1 presenta un perfecto comando del Traktor Pro para controlar hasta cuatro laptops a través de dos canales de programa. Las caracteristicas clave incluyen switchers de suave pulsación y fluidos faders deslizables de 60mm para una mezcla precisa, con una curva de entrada ajustable para adaptarse a cualquier estilo. Un nuevo switch de Shift permite al usuario personalizar las funciones de control mediante la asignación de un segundo comando a un solo botón.

En video: Hiroshi Watanabe usando el TR-1

Más info en Vestax

El músico Jack White declaró que la industria de la música está en una “era de agonía”, y explicó como los artistas ahora tienen que usar “trucos” para hacer dinero, reporta Press Asociation.

El líder de White Stripes y The Raconteurs dijo que todas las reuniones que tuvo con discográficas fueron “depresivas” y que en 10 años va a ser dificil para las bandas el ganarse la vida.

Antes de un show en Inglaterra, el guitarrista dijo que “es fantástico que la gente puede venir aquí y conseguir algo que es real y tangible y no desechable como una descarga de mp3 que puedes adelantar o tirar.”

“Las nueva generaciones deben ser enseñadas acerca de la belleza y el romanticismo de una tienda de discos.”

También predijo que para las bandas será cada vez más difícil ganar dinero en el futuro: “es una era de agonía para la música y el arte, las cosas se están desmoronando.”

“Cada encuentro que tenemos con una discográfica es deprimente, no creerían lo difícil que es, y cuántos trucos tiene que hacer una banda para lograr el equilibrio financiero. Va a ser muy difícil para las bandas en 10 años.”

Jack White (John Anthony Gillis, nacido el 9 de julio de 1975) es un músico, productor, y actor estadounidense conocido por ser el guitarrista y cantante de la banda de rock alternativo The White Stripes. También es miembro de las bandas de rock The Raconteurs y The Dead Weather.

Vía Hispasonic

Para saber qué sintieron los pioneros de la electrónica sin tener que aprender a cortar cintas y conseguir costosos y gigantescos equipos, la gente de Gleetchplug desarrolló Berna, un software que simula la forma de trabajar y producir música electrónica en 1950, y presenta osciladores, delay de cinta, grabadores de cinta a cinta, generadores de ruido, mixer de ocho canales, y todo lo necesario para crear música como hace 60 años.

Se puede ver un poco más en este video

Vía Synthtopia