La tarde ya había arrancado, a la hora convenida, con los invitados Decenadores y Ermitaños cuando, poco a poco, la hinchada de Eruca Sativa se fue acercando al escenario y preparando la fiesta: pelucas y globos verdes para recibir al trío cordobés. Lula, Brenda y Gabriel salieron a tocar con todo el poder al que tienen acostumbrados a sus seguidores. Luego de una breve Intro, el show comenzó con Desatalo, uno de los temas de su último disco. Fusionando funk, blues y metal en canciones como Frío cemento, Magoo y Tu trampa, la voz de Lula Bertoldi sonó alrededor de cuarenta y cinco minutos, acompañada por una batería y un bajo tan enérgicos que a alguien del público se le escuchó decir: ‘son tres, pero les sobra música’. Para quienes estamos acostumbrados al sonido menos complejo del punk rock, fue una grata sorpresa.

Entró un poco más de gente cuando se acercaba la hora de la Jauría, pero seguíamos siendo pocos. Se abrió el telón y aparecieron los cuatro integrantes  con sus máscaras de perro, que sólo les permiten tocar el tema instrumental Marcha imperial. El set que eligieron para esta fecha no difirió mucho de las fechas anteriores: desde El tren hasta La Jauría, el grupo de Ciro, Pichu, Mauro y Ray pasó por los temas de su primer – y único – álbum, al tiempo que fue alternando con algunos covers de Attaque 77, de los que la banda parece haberse apropiado, como Piscis, Onírico o La gente que habla sola.

Esta vez el público eligió disfrutar el recital de pie, con su cerveza fría, mientras que sólo unos pocos, los de siempre, hicieron pogo en aquellas canciones como Adiós a dios y Tosco, en las que es casi inevitable no hacerlo. Aún cuando El Teatro tenga una acústica excelente y la banda ostente una formación impecable, e incluso aún cuando pueda darse el lujo de invitar a músicos reconocidos, faltó el elemento sorpresa que, después de casi un año de presentaciones, está ya empezando a hacer falta. ¿Quizá covers de otras bandas? O mejor aún, un nuevo disco.

 Natalia Jakubecki

“La mejor banda de rock del mundo se merece el mejor público del mundo”, dijo Kutxi Romero y la gente enloqueció.   ¿Demagogia? Puede ser, pero innecesaria, porque la banda Navarra se ha comprado el corazón del público argentino hace ya tiempo. De eso daba cuenta, además de la exaltación general, la increíble multitud reunida en Groove la tarde del 16 de Febrero.

La jornada abrió cerca de las 20.30 hs. con los locales Bandoleros y Piratas. No parecían ser muchos los que conocieran a la banda, porque reinaba un mutismo prácticamente absoluto. Sin embargo, entre una y otra canción, los aplausos fueron en aumento a medida que el asombro iba disminuyendo. Y es que la voz de Natxo, el cantante, sonaba muy parecida a la del líder de Marea. Con prolijos acordes y un excelente bajo, los chicos de Santos Lugares fueron calentando poco a poco el ambiente.

Acercándose las diez de la noche, y luego de 4 años de espera, sonaron las primeras notas de Bienvenido al secadero, el tema que abre el disco que los españoles vinieron a presentar en su gira homónima: En mi hambre mando yo. Unos segundos más tarde, hacía su aparición en escena Kutxi, con su inconfundible camisa negra a medio abotonar y ese sombrero de ala corta que se ha convertido prácticamente en leyenda.

En un principio dio la sensación de que seguirían el orden del disco al pie de la letra, puesto que continuaron con La majada. Y ‘al hilo’, sin que mediara un segundo de silencio entre acorde y acorde, poseídos por una energía incontenible, lograron quizá el sueño de más de un músico: que absolutamente todos los allí presentes se sumaran, vociferando, al pogo que generó Duerme conmigo.

El calor de Febrero no impidió que Marea tocara casi sin respiro durante dos horas. En ellas mecharon todas sus nuevas canciones (entre las que se han destacado indiscutiblemente por sobre el resto Ojalá me quieras libre y El día que lluevan pianos), con los hits de siempre, los infaltables, como Trasegando, en la voz del Piñas; Corazón de mimbre y En tu agujero (durante las cuales creo que todos echamos de menos la presencia de Rob Iniesta, de Extremoduro); o Manuela canta saetas. Si hubo un momento en el que Kutxi pareció calmarse, y el complejo juego de luces cálidas y rojizas lo ayudó mucho, fue cuando comenzó a sonar Ciudad de los gitanos. Pero todo volvió a la normalidad rápidamente: pogo y más pogo.

Rayando la medianoche, Marea se fue con la promesa de volver y dejando al público porteño agotado, pero siempre con ganas de más.

Natalia Jakubecki

Foto: (Archivo del Sí)

Aunque no lo quieran reconocer por lo alto, a Cadena Perpetua le cambió bastante la existencia el nuevo disco, llamado Plaga y producido por un hitmaker como Juanchi Baleirón, que ya ha hecho grandes cosas con Attaque 77 y Massacre, entre otros grupos.

Luego de una gira extensa que pasó por Estados Unidos, México y Colombia, Damián Chino Biscotti, baterista del grupo, se sentó a hablar con Noiseweb acerca de lo que pasó y de lo que viene, que también es intenso.

-¿Ya pudieron procesar todo lo vivido luego de la salida de Plaga?

-Si, recién ahora este mes paramos un poco la bocha y podemos ver con un poco más de distancia lo que hicimos. El segundo semestre del año fue recontra movido: presentamos el disco en junio y no paramos de tocar acá y afuera. Todavía lo estamos descubriendo al disco y la verdad está tocándolo en vivo. Todavía es un auto que está en ablande.

-¿Qué cambió a raíz de este nuevo disco?

-Demasiado no cambió. Cadena nunca va a ser un fenómeno ni un éxito, pero tiene una constancia de laburo de años y seguimos yendo a los mismos lugares de siempre. No hay grandes cambios en la estructura ni con la masividad. Es un disco más, que siempre te da una nueva rueda para girar y la gente puede ver algo nuevo.

-¿Qué les devuelve Plaga cuando lo escuchan?

-Veníamos de hacer un disco con Álvaro Villagra, Demasiada intimidad, que era recontra trío y esto es todo lo contrario, una cosa recontra producida y orquestada. Pero a nosotros nos gustan las dos cosas. Las nuevas canciones venían con intenciones de sonar tipo The Jam, otra tipo Madness, otra tipo Clash. Teníamos ganas de hacer nuestro London Calling. No es London Calling pero puede ser Cadena Calling.

-¿Cómo fue la respuesta en el extranjero?

-Notamos un cambio en México, que está bueno. Nos habían dicho que teníamos que ir y fuimos en el 2009. Ya esta vez notamos un cambio: en un lugar donde habíamos metido 100 personas ahora ya había 250 cantando todos los temas y estuvo buenísimo. Después estuvimos en Estados Unidos, que es bastante raro para nosotros porque es difícil por el tema del idioma, y ahí tocamos en lugares más chicos, tal vez para la gente que no teníamos que tocar, pero estuvo buenísimo por una cuestión de vivencias. También hicimos Colombia, que ya pasa más o menos lo mismo que pasa acá, ya está bastante armado eso. Pero es México la plaza a la que debemos apuntar. La escena de punk rock en México es impresionante y allá no hay una banda del estilo que haya firmado, es una movida muy under. Además, tenemos una onda con Die Toten Hosen para ir a Europa.

-¿Qué se viene para este año, además de este arranque en Groove?

-Y…tenemos descuidado el interior por esto de los viajes a afuera. Tenemos que ir, es lo que hacemos todo el año. El primer semestre lo vamos a dedicar exclusivamente a llevar Plaga al interior del país.

-Varias bandas de punk rock, a medida que se hicieron populares, trataron de sacarse el costado punk y empezaron a decir que hacían rock, como renegando del género ¿cuál es su postura a propósito de esto?

-Nosotros amamos el punk rock. Seguimos comprando los mismos discos que teníamos en cassette cuando éramos chicos, ahora los tratamos de conseguir en vinilo. No renegamos para nada ni de donde venimos ni de hacia donde vamos. El género es tan rico que podés hacer una cosa tipo Ramones o una cosa tipo Talking Heads. Es verdad que uno, cuando se pone viejo, se pone más blusero y te puede pintar para otro lado. Por ahí no creo que lo hagan renegando de su pasado, por ahí les pega por otro lado. Nosotros, cuando tocamos en la sala un tema de los Ratones Paranoicos para joder, parece que estamos haciendo uno de los Pistols. Ni queriendo nos saldría hacer otra cosa.

-¿Qué postura tienen con respecto al gobierno y a los músicos que declararon su simpatía por el mismo?

-Nosotros, que tenemos diferentes opiniones y hablamos bastante de política en la banda, tenemos un pacto y es que no se toca para ningún partido político. Creo que este es un gobierno muy inteligente que supo apañar a una gran parte de los artistas nacionales que por ahí no eran parte de otro gobierno. Les dijeron “ustedes son como nosotros” y los invitaron a los actos. Este no creo que sea un gobierno diferente, me parece que es una movida más para terminar en el mismo lugar.

-En cuanto a la credibilidad ¿hay vuelta atrás para los músicos que se alinean con el gobierno?

-Me parece que no. Yo era muy chico, pero me hablan de los que tocaron en el festival para Malvinas y que los condenaron para siempre. Me parece que es muy jugado. Tenés que estar muy seguro de por quién estás poniendo la cara.

En noviembre último, Horacio Gamexane Villafañe, guitarrista de Todos Tus Muertos, falleció por una hemorragia digestiva. Se había descompuesto antes de salir a tocar en el Festival Música para los Dioses, en México. Casualmente, el Chino compartió banda con este prócer del punk argentino.

-¿Qué recuerdos tenés de Gamexane?

-Tengo miles, de cuando tocábamos en Responsables no inscriptos. Tocamos como seis años juntos. Me hizo creer mucho en mí como músico y me encantaba cómo tocaba. Me enseñó un montón de yeites que yo por ahí, siendo tan pendejo, ni escuchaba. Era un romántico, tenía su programa de radio online, donde pasaba música, era un melómano total como yo y conectábamos mucho en eso. Cuando se reunió Todos Tus Muertos lo fui a ver y me di cuenta del guitarrista que era. Justo salió un libro que se llama Derrumbando la Casa Rosada, que habla de los punks en la Argentina desde el 78 al 88, ¡y él está desde la pagina uno! En el 78 yo nací y él ya estaba haciendo quilombo en recitales de Los Laxantes. Nosotros queríamos hacer una onda Clash con Responsables, y él era Strummer.

(Cadena Perpetua se presenta el sábado 25 de febrero en Groove, Santa Fe 4389)

Alejandro Panfil

Foto: Nati Jaku

No hace falta ser amigo de los integrantes de Malón para darse cuenta de que no pueden creer el hecho de estar viviendo una segunda oportunidad. Esa nueva chance que no siempre suele darse y mucho menos de esta manera, con ese disfrute y con esas ganas de estar todos juntos haciendo música, ganando dinero sin complejos y dejando de lado las diferencias que les hicieron seguir cada uno por su lado.

Se nota en la cara de felicidad del Tano Romano, que entre su machaque a pura precisión y sus característicos solos fuera de escala, disfruta lo que hace y vuelve a sentirse que está haciendo historia, desde una de las bandas más importantes que dio el heavy metal argentino, luego de V8 y Hermética.

Como es lunes de febrero y Malón viene de agotar en el mismo lugar hace menos de dos meses, hay poca gente a la hora que el cuarteto larga con Malón mestizo. Eso si, suenan tremendos y en la cabeza del público se produce un flashback que remite a mediados de los noventas, plena época menemista en la que, con su sonido crudo y su mensaje claro, se podía escapar un poco de tanta frivolidad resumida en pizza y champán.

El menú del grupo conformado por O’Connor, Romano, Strunz y Cuadrado sigue siendo el mismo de cuando decidieron separarse. Entre su lista de temas figuran Síntoma de la infección, Gatillo fácil y los infaltables de Hermética, como Soy de la esquina, Evitando el ablande y Tu eres su seguridad. Luego de ese clásico del primer disco de la H, se pueden retirar tan aplaudidos como un delantero que acaba de marcar un hat-trick.

Dos minutos antes de las nueve y cuarto de la noche, Anthrax, quinteto que forma parte del Big Four del trash metal, con Metallica, Megadeth y Slayer, salió a demoler los oídos de los presentes con sus clásicos de siempre y unos pocos temas de su nuevo disco Worship music, como Fight’em till you can´t, The devil you know o In the end.

Pocas veces el Malvinas Argentinas habrá visto una ronda y un pogo como el provocado por Anthrax este lunes de febrero. No era para menos, ya que temas como Caught in a mosh, Indians o el cover de Joe Jackson, Got the time, contribuyeron para desatar la locura general.

Antes de llegar a los bises, la lista se fue completando con dos martillazos a la cabeza, como Medusa y Among the living. Ya todos con una remera negra alusiva a los 30 años de la banda, salieron para hacer el gasto final con Madhouse, Metal trashing mad y I am the law.

Scott Ian, que demuestra con su guitarra que no sólo tiene habilidades de opinologo en VH1, se cansó de agradecer al público argentino, ese que “nunca los decepciona”. Si bien el Malvinas Argentinas no estuvo a reventar, tal vez por tratarse de un lunes, los que dijeron presente se sintieron que estaban en el lugar y el momento indicado. De paso, se llevaron una buena dosis de metal a sus casas.

Alejandro Panfil

La poesía es un arma cargada de futuro. Gabriel Celaya. Cantos íberos (1955).

Por Carlos Noro. Fotos Jorge Sebastían Noro.

Cuando uno menciona la década del setenta hay un sustantivo que sirve de síntesis para toda la ebullición que se generó en esos años. La palabra revolución tenía por aquellos años una fuerza inusitada, a la vez real y palpable. Estaba cerca, incluso si uno se esforzaba podía llegar a tomarla entre sus manos. Hubo tantas propuestas  para concretar esta necesidad de cambiar radicalmente las cosas,  como caminos para intentar llevarla a cabo. La música fue uno de ellos.

Quilapayún (en mapundungun quila: tres, payún:barbas)  fue una de esas propuestas. Desde la canción folclórica optaron por cantar las injusticias y la explotación que sufrían no solo el pueblo chileno si no también el latinoamericano. Un día conocieron a Victor Jara y ahí su historia cambió radicalmente, Jara se convirtió en su director artístico. Definieron juntos, las barbas y ponchos negros que los acompañan hasta hoy. Defendieron la propuesta de la Unidad Popular de Salvador Allende y sufrieron al golpe del genocida Augusto Pinochet. Jara a esa altura un músico clave dentro de la canción popular no solo chilena si no también latinoamericana,  perdió la vida frente a un grupo de cobardes soldados luego de ser secuestrado en el estadio chileno que hoy lleva su nombre. Los Quilapayún llevaron su dolor a Francia. Siguieron actuando en Europa y brindando su mensaje de liberación. Hoy por cuestiones particulares hay dos versiones del grupo. La que vimos en la Argentina es la que permanece radicada en Chile.

Luego de más de treinta años,  los Quilapayún eligieron esta etapa de su carrera para homenajear a su amigo entrañable. Las palabras  iniciáticas de Eduardo Carrasco, único miembro fundador  que aún permanece en el grupo, sirvieron para entender los motivos. La idea era recordarlo a través de sus palabras que no son otra cosa que sus canciones. Esa es la mejor manera de volver a la vida a aquello que se ha ido pero que no se ha perdido. Los acordes de “Plegaria de un labrador”, aquella canción  en la que un trabajador de la tierra reza una especie de oración cristiana pidiendo su liberación, fue el punto de partida de la noche. El silencio, aquel que antecede al recuerdo, fue quebrado por ese conjunto de voces potentes y armónicas sostenidas en los ocho integrantes y el sonar de sus instrumentos.  La tremendamente actual “La canción del minero” que expresa la explotación de los mineros en chile sirvió de contraste con la intimidad de una canción que Jara dedicó a su mujer “Paloma quiero contarte” y con el relato de la historia de una pareja obrera en el que el hombre se separa de su mujer para unirse a la guerilla, denominada “Te recuerdo Amanda”.

A esta altura, cada canción debidamente introducida a modo de coro griego por alguno de los integrantes del grupo, servía para ir armando a modo de rompecabezas el pensamiento de Jara. “Herminda de la victoria” fue el relato de una bebé que muere de un balazo policial en la represión que sufrió un campamento obrero. La postuma “Manifiesto” (Yo no canto por cantar /ni por tener buena voz /canto porque la guitarra / tiene sentido y razón/ tiene corazon de tierra)  incluída dentro de un grupo de grabaciones rescatadas mágicamente de la mano de los genocidas, sintetiza la manera de vivir y de morir del poeta chileno. Así como también “Con el alma llena de bandera” (Allí donde se oculta el criminal/tu nombre brinda al rico muchos nombres./El que quemó tus alas al volar/no apagará el fuego de los pobres.) es un llamado a hacer carne la verdadera revolución que cambie las cosas. El cierre con “El aparecido” que narra poéticamente las vicisitudes del Che Guevara en la selva boliviana, parece ser una metáfora de la trágica muerte del poeta sufriendo los pasos mortales de sus perseguidores.

Para el final de esta primera parte del concierto nuevamente la voz de Carrasco  reapareció contando con detalles la cantidad de balazos que recibió Victor Jara. Parece increíble pero ni siquiera cuarenta y dos balazos sirvieron para acallar su discurso, su memoria y fundamentalmente su palabra.

La segunda parte del concierto, luego de un breve intervalo, fue orientada hacia los temas clásicos de la agrupación sin la presencia de Jara. Así brillaron “Cantamos porque si y porque no”, “Miren como sonríen” una canción irónica de Violeta Parra, “Vamos Mujer” de  su disco “Cantata Santa María de Iquique” (unos de los discos fundamentales de la canción popular chilena), “Donde está la que quiero” (dedicada expresamente a los desaparecidos de todas las dictaduras que destruyeron Latinoamérica) o la icónica “La Muralla” mezcladas con canciones menos solemnes pero igualmente contundentes desde el punto de vista de su posición política, como “Tío Caimán” presentada luego de una graciosa puesta en escena de lecturas de diarios que hizo recordar a Les Luthiers.

El final con “El Pueblo Unido jamás será vencido” tal vez una de las frases que trascendieron la época y la distancia, sumada a “La Batea”  que hizo mención a temas de la actualidad inmediata como la situación de las educación chilena cerró el telón pero no la herida. Como pocas veces el recuerdo de alguien que ya no está impregnó el ambiente. Tal vez las injusticias sigan existiendo y la lucha haya sido en vano. Sin embargo, la voz de Jara hace pensar que otro mundo todavía es posible. Solo resta encontrar la forma de llevarlo a  cabo de una vez por todas.

Formato: CD
Sello: Pinhead Records
Edición Nacional: Si
Año: 2011
Puntaje: 8

Se siente al salir a la calle, se palpa en el aire y se percibe en el ánimo de quienes habitamos este planeta. Estamos pendiendo de un hilo y no nos damos cuenta; estamos ardiendo y le ponemos más leña al fuego, en vez hacer un intento por apagarlo.

Reincidentes, grupo de punk rock surgido hace 25 años en Sevilla, trata de hacernos recapacitar a través de su mensaje y nos hace caer en la cuenta de que vivimos Tiempos de Ira, como se llama su decimosexto disco.

Nos llaman al sentido común y que nos miremos unos a otros, para que nos demos cuenta de que el mundo ya no es más como lo conocíamos, y que eso, en parte, es culpa nuestra: “Quieren acabar con el humo de los bares, los amigos hablan en un foro virtual; el deporte produce mitos plastificados, la ciencia solo avanza si es para aniquilar”, dice el irónico Buenos tiempos, el primero de los dieciséis temas de este álbum que en su arte tiene guiños a Salvador Dalí, con sus famosos relojes, y a Auguste Rodin, con El pensador.

Prejuiciosos abstenerse, porque por más que se trate de canciones simples y cuadradongas, el fuerte de los andaluces está en las letras, esas que denuncian al capitalismo y a las guerras absurdas, como en La infancia en un cargador: “Me regalaron un fusil y ropas para intimidar, me enseñaron a distinguir al enemigo y al traidor, al débil, al de fuera, y al que me da de comer”.

Tratándose de un grupo de estas características, el ritmo nunca decae y el alto volumen es siempre recomendable, hasta para oír la melodía de Vida, esa que dice: “No me claves tu piedad hueca ¿sabés lo que cuesta estar muerta?”.

La declaración de principios de estos punks de habla hispana se hace presente en Al otro lado del cristal, donde critican a las grandes discográficas que tratan como títeres a los músicos: “No voy a caer en la frustración, un solo ideal vence a tu ambición”.

El guiño inconsciente a Dos Minutos llega con Canción de amor (al vino), donde por única vez la música supera a la lírica: “Tiene mundo y te lo hace conocer, no es absurdo que siempre quiera estar con él”. En cambio, Madre, en clave Enrique Bunbury, es el cierre ideal para Tiempos de Ira.

Se trata de un disco crudo, potente y con un mensaje claro, algo que nunca pasa de moda. Cuando otros grupos con más de dos décadas en la ruta apelan al circo para mantenerse en la cima, Reincidentes sigue apostando a la música. Y eso, después de 25 años, es más que respetable.

Alejandro Panfil

Es sábado a la noche en Palermo, muy caluroso por cierto. Luego de una espera larga que incluye a Pez y su rock spinetteano, será momento para que Massacre salga a seguir presentando los temas de Ringo, su último disco de estudio.

Con Tengo Captura, y un sonido flojo que no podrá mejorarse en toda la noche, aparece la banda a hacer lo que sabe y Wallas a entregar sus ingeniosas encuestas sobre si “Britney Spears hizo playback en La Plata”, como también cuestionar a los del campo porque se quejan de la sequía cuando todos nos encargamos de hacer pelota el planeta.

En el show, de aproximadamente una hora y que terminó a pura espuma desde el techo, no faltaron joyas como Muerte al faraón, La Web del siglo, Celebrity, reconocida por Wallas como influenciada por el sonido de Joy Division, y La Virgen del knock out. Claro que también se hicieron presentes los clásicos, como Te leo al revés, Mi mami no lo hará y Nuevo día.

Si bien se trata de las Fiestas Clandestinas, todavía no quedó definido del todo lo que pretende ser este ciclo. Al comenzar muy tarde las bandas, la fiesta se pospone porque nadie baila y todos miran el escenario como si por arte de magia fuera a aparecer un grupo que ya tiene un horario estipulado. Luego del recital, claro, no hay fiesta posible, porque no queda un alma. En esa indefinición sobre si es fiesta o concierto propiamente dicho, se pasa por alto un increíble DJ set de Cristian Aldana, tal vez por el mal humor de la espera.

De todos modos, una ocurrencia de Wallas, un repertorio lleno de rock y melodías y una bebida en la mano hace que todo tenga otro color, por suerte.

Alejandro Panfil

Riffs, melodías, texturas, emoción, épica, rock, madurez, consolidación, calidad. Estas son nada más algunas de las palabras que podrían definir el momento por el que está pasando Taura y, a la vez, describir la variedad de elementos que contiene su nuevo álbum llamado El fin del color.

Si bien es un disco de temática oscura y reflexiva, en que la luz se extingue y las tonalidades se diluyen, paradójicamente posee una paleta de colores que pintan a la perfección la idea que quiere llevar a cabo Taura, banda que tiene más de una década de carrera con varios discos y EP’s en un currículum que también está hecho a base de patear duro y parejo por el under porteño.

Ya pasó la época de definir los integrantes de la banda y ya quedó atrás la búsqueda de un sonido característico. Hoy tienen ambos aspectos solucionados y se nota a la hora de escucharlos. Chaimon, desde su rol de cantante, explota al máximo su faceta rockera y melódica; el resto de la banda es una locomotora que avanza sin temor a una eventual falta de carbón, con la batería de Alejo García Guraieb, la guitarra de Santiago García Ferro y el bajo de Leonardo Della Bitta.

No luz, que contiene furia, riffs y un aire al Faith no More de King for a day…, es la primera de las doce grandes canciones que habitan El fin del color,  como Jardín de Cenizas o Lazo, pero sin dudas es el sexto tema el que debería llevar la cinta de capitán:  A cántaros, sin exagerar una de las mejores canciones salidas a la luz en 2011, resume lo melódico, lo oscuro, lo pesado y hasta lo épico de Taura, con climas y sonidos que recuerdan al mejor Deftones: “Palabras que solo la calmen, susurros después del aluvión, miradas que también le hablen,  de amor después del aluvión. Y un cielo que estalle a cantaros”.

Con desesperación, desolación, oscuridad e incertidumbre se podría llegar a pensar que no hay salida posible. Pero Taura utilizó todas esas sensaciones a su favor, para hacer el gran disco que es El fin del color.

Alejandro Panfil