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Playlist - Dans la discothèque de Peanut Butter Wolf

matthieu — Sun, 13 May 2012 18:08:43 +0000

A 42 ans cette année, Peanut Butter Wolf est de ceux qui savent de quoi ils parlent quand il s’agit d’aborder la musique, et plus particulièrement le hip hop: un genre pour lequel il oeuvre activement depuis bientôt vingt cinq ans. En effet, d’abord dj/producteur au début des années 90 quand il collaborait avec Charizma malheureusement décédé quelques temps plus tard, Chris Manak - de son vrai nom - se replia en 1996 vers la production en créant Stones Throw Records, un des labels aujourd’hui les plus respectés sur la carte musicale, et sur lequel il sortit “My Vinyl Weighs a Ton”, son seul album solo paru en 1999. Par la suite, c’est donc via ses artistes que Peanut Butter Wolf est progressivement devenu un acteur incontournable de la musique contemporaine: sans lui, pas de Lootpack, de Madlib, de Aloe Blacc, de Mayer Hawthorne, de Oh No ni de MED. Ou peut être pas avec la renommée qu’on leur connait aujourd’hui. Alors que le label vient de souffler ses quinze bougies, le natif de San José nous sort quelques titres de son chapeau, tous à l’image de la grande ouverture d’esprit qu’il s’applique à imposer au catalogue de sa petite entreprise. Onze titres exactement, tous de son cru. C’est de bonne guerre…

QUASIMOTO - “Shroom Music”
Extrait de “The Further Adventures Of Lord Quas” (Stones Throw)

Madlib m’a emprunté un de mes 45t pour faire ce morceau, et j’étais vraiment très excité la première fois que je l’ai entendu. Plus excité encore que quand j’ai trouvé ce même 45t pour 25 cents, ce qui était déjà génial…

DAM-FUNK - “When I’m With You I Think Of Her”
Extrait de “Adolescent Funk” (Stones Throw)

C’est une de ses démos qui datent de la fin des années 80, début des années 90. J’ai essayé de le jouer en club récemment mais étant donné que l’intro n’a pas de beat, ca a mis tout mon mix en l’air. Amis djs, méfiez-vous.

JONTI - “Hornets Nest”
Extrait de “Twirligig” (Stones Throw)

Je dois absolument faire une vidéo pour ce titre dès que possible. Je prends beaucoup de plaisir à faire des clips avec les artistes ces temps-ci. C’est un peu comme un moment de détente pour nous tous.

TONY COOK - “Get To The Point”
Extrait de “Back To Reality” (Stones Throw)

Tony Cook était le batteur de James Brown mais, simultanément, il a composé un album qui n’a absolument rien à voir avec ce que faisait James Brown à l’époque. Il a lui-même sorti quelques titres sur un 45t (celui-ci notamment). Mais quand je l’ai contacté pour les sortir sur Stones Throw, j’ai réalisé avec joie qu’il avait encore pas mal de titres restés inédits.

DUDLEY PERKINS - “That’s The Way It’s Gonna Be”
Extrait de “Expressions” (Stones Throw)

Au rayon des compositeurs de génie, Dudley Perkins a déjà plusieurs classiques à son actif, notamment celui-ci.

JAYLIB - “No $ No Toke”
Extrait de “Chrome Children” (Stones Throw)

Quand Dilla m’a joué ce morceau pour la première fois pour l’album “Champion Sound”, c’est devenu un hymne pour moi, pour Madlib, et pour tous ceux du crew qui l’ont écouté. C’est pour cette raison que nous avons vraiment été décu quand Dilla a finalement refusé qu’il apparaisse au tracklisting de l’album. Il a tout juste accepté qu’il figure sur la compilation “Chrome Children” mais, encore aujourd’hui, je considère qu’il appartient à “Champion Sound”.

STEVE ARRINGTON - “(I Be) Goin’ Hard”
Extrait de “Goin Hard 12″” (Stones Throw)

Travailler avec Steve, c’est un rêve qui devient réalité. Plus important pour vous, il fait une musique tellement pertinente en 2012… Il est en train de me convaincre de sortir de ma retraite pour refaire ma propre musique.

KOUSHIK - “None In Mind”
Extrait de “Chrome Children” (Stones Throw)

Je crois qu’il n’y a pas une seule playlist que j’ai faite sans un titre de Koushik. Je suis très impatient d’entendre de nouveaux morceaux de sa part.

ANIKA - “Yang Yang”
Extrait de “Anika” (Invada/Stones Throw)

Même chose. Vivement que j’entende ses nouveaux titres…

THE STEPKIDS - “Shadows On Behalf”
Extrait de “The Stepkids” (Stones Throw)

Je suis allé au Japon avec eux récemment, et nous avons tous pris beaucoup de plaisir. Si un jour je me retire de la musique, j’en garderai de beaux souvenirs.

MAYER HAWTHORNE - “Green Eyed Love”
Extrait de “A Strange Arrangement” (Stones Throw)

J’ai sorti le maxi “Just Aint Gonna Work Out” dès que je l’ai entendu. Mais, à ce moment là, Mayer Hawthorne avait seulement enregistré ce titre et sa face B. J’étais donc un peu curieux de savoir s’il était capable d’écrire d’aussi bonnes chansons que celle là. “Green Eyed Love” a fini de dégager mes derniers doutes.

JAMES PANTS - “Kathleen”
Extrait de “James Pants” (Stones Throw)

A chaque album, James est chaque fois meilleur. C’est vraiment le genre d’artiste que je préfère. Il est aussi très bon quand il s’agit d’absorber différentes influences, et de les recracher en quelque chose de très personnel.

Hommage - Adam Yauch (Beastie Boys), les 10 rimes qui resteront…

matthieu — Sat, 05 May 2012 13:57:40 +0000

Le vendredi 4 mai 2012 à New York City, Adam “MCA” Yauch a perdu son combat contre le cancer qui le rongeait progressivement depuis 2009 alors que, pas plus tard qu’en janvier dernier - peu de temps avant l’intronisation de son oeuvre au prestigieux Rock n’Roll Hall of Fame - il déclarait: “Je suis reconnaissant pour toute l’énergie positive que les gens m’envoient, mais dire que je suis guéri aujourd’hui est exagéré. Je suis toujours en traitement, je reste optimiste et espère être guéri dans un futur proche“. Membre fondateur des Beastie Boys avec AdRock et Mike D en 1979, il aura contribué - au bout de 40 millions d’albums vendus - à faire du groupe un monument de la musique moderne en l’intégrant parfaitement à deux cultures difficiles à concilier à l’époque: le punk/hardcore avec lequel il a débuté, puis le hip hop dont il est devenu un pionnier. Personnalité la plus discrète du combo, converti au buddhisme sur le tard, passionné de cinéma, MCA laissera l’image d’un homme à la fois humain et humble, spirituel et déterminé dans son engagement pour diverses causes (le Tibet surtout). Il laissera également à jamais dans les archives du genre quelques rimes exceptionnelles, parmi lesquelles la dizaine que l’on vous propose ci-dessous. On l’imaginait à jamais adolescent. Du haut de ses 47 ans, ce fils, mari et père a tristement rappelé aujourd’hui que, à défaut de pouvoir être intemporel, nul n’est éternel.

“Born and bred Brooklyn U.S.A.
They all me Adam Yauch but I’m M.C.A.
Like a lemon to a lime a lime to a lemon
I sip the def ale with all the fly women”
NO SLEEP TIL BROOKLYN - Extrait de “Licensed To Ill” (1986)

“I smoke cheeba it helps me with my brain
I might be a little dusted but I’m not insane
People come up to me and they try to talk shit man
I’ve been making records since you were sucking on your mother’s d*ck”
3 MINUTE RULE - Extrait de “Paul’s Boutique” (1989)

“If you can feel what I’m feeling then it’s a musical masterpiece
If you can hear what I’m dealing with then that’s cool at least
What’s running through my mind comes through in my walk
True feelings are shown from the way that I talk
And this is me y’all, I M.C. y’all
My name Is M.C.A. and I still do what I please and
Now I’d Like to introduce I’ll pass the mic to D. for a fist full of truth”
PASS THE MIC - Extrait de “Check Your Head” (1992)

“Well I’m as cool as a cucumber in a bowl of hot sauce
You’ve got the rhyme and reason but got no cause
But if you’re hot to trot you think you’re slicker than grease
I’ve got news for you crews you’ll be sucking like a leech”
SO WHAT’CHA WANT - Extrait de “Check Your Head” (1992)

“I want to say a little something that’s long overdue
The disrespect to women has got to be through
To all the mothers and sisters and the wives and friends
I want to offer my love and respect to the end”
SURE SHOT - Extrait de “Ill Communication” (1994)

“As I develop the awakening mind I praise the Buddha as they shine
I bow before you as I travel my path to join your ranks
I make my full time task for the sake of all beings I seek
the enlighted mind that I know I’ll reap”
BODHISATTVA VOW - Extrait de “Ill Communication” (1994)

“If you try to knock me you’ll get mocked
I’ll stir fry you in my wok
Your knees’ll start shaking and your fingers pop
Like a pinch on the neck from Mr. Spock.”
INTERGALACTIC - Extrait de “Hello Nasty” (1998)

“All you trekkies and tv addicts
Don’t mean to diss, don’t mean to bring static
All you klingons in the f**kin’ house
Grab your backstreet friend and get loud
Blowin’ doors off hinges
I’ll grab you with the pinchers
And no I didn’t retire
I’ll snatch you up with the needle nose pliers”
CH-CHECK IT OUT - Extrait de “To The 5 Boroughs” (2004)

“Dear New York I hope you’re doing well
I know a lot’s happen and you’ve been through hell
So, we give thanks for providing a home
Through your gates at Ellis Island we passed in droves”
OPEN LETTER TO NYC - Extrait de “To The 5 Boroughs” (2004)

“Pass me the scalpel, I’ll make an incision
I’ll cut off the part of your brain that does the bitching
Put it in formaldehyde and put it on the shelf
And you can show it to your friends and say that’s my old self”
MAKE SOME NOISE - Extrait de “Hot Sauce Committee Part 2″ (2011)

Best of - Mclusky en 10 titres et pas un de plus

matthieu — Wed, 02 May 2012 10:58:50 +0000

Avant Mclusky, on ne connaissait quasiment du Pays de Galle que sa bière et son rugby. On le pensait moins capable d’enfanter d’un des groupes noise rock les plus marquants de sa génération. Formé en 1996 sous le nom de Best, disparu en 2005 sous le nom de Mclusky, le trio aura entre temps sorti trois albums, dont le somptueux “Mclusky Do Dallas”: deuxième opus encore considéré aujourd’hui comme le must have de sa discographie. Alors que le label Too Pure vient tout juste de le rééditer en vinyl à l’occasion du Record Store Day, Mowno retrace la discographie d’un combo incisif, bruitiste, mélodique, généreux dans l’effort, dont quelques membres officient aujourd’hui au sein de Future Of The Left. En 10 titres, et pas un de plus…

Mclusky by Choquet on Grooveshark

Playlist - Dans la discothèque de Union

Francois — Wed, 11 Apr 2012 14:53:42 +0000

L’un est un beatmaker pour le moins inspiré, l’autre est un jazzman dont les claviers sont ni plus ni moins que le prolongement de ses mains. OJ et Gold forment le duo français Union qui vient s’ajouter au prestigieux catalogue Fat Beats avec la sortie de “Analogtronics“, premier album s’étant également payé le luxe de convaincre Talib Kweli et MF Doom de venir y donner de la voix. Devant un tel évènement, fouiller dans leurs discothèques respectives ne pouvait rester très longtemps à l’ordre de projet. On a donc demandé aux deux d’y piocher chacun cinq titres et de justifier leur choix.

DANS LA DISCOTHÈQUE DE OJ
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J DILLA - “E=MC2″

L’intro était présente sur une de ses beat-tapes. Mais la première fois que j’ai écouté cette “ré-adaptation” par dessus le sample de Gorgio Moroder, je me suis dit “Wow! Ca cogne!“

LITTLE BROTHER - “Shorty On The Lookout”

Une de mes productions préférées de 9th Wonder. Un bon exemple de ce que représentait la “fraicheur” de l’album “The Listening” en 2003.

BUSTA RHYMES - “What It Is” feat. Kelis (Prod. Neptunes)

Je connaissais à peine les Neptunes à l’époque, mais l’efficacité de cette production minimale m’a scié sur place. Aussi bien appréciable en voiture qu’en club.

METRONOMY - “We Broke Free”

Je me réveille souvent avec ce morceau, l’ambiance est tellement deep et belle en même temps…

SERGE GAINSBOURG - “Bonnie & Clyde”

Même si j’ai beaucoup de mal avec le voix BB, la composition est juste sombre et saisissante à la fois. Ce morceau m’a tellement traumatisé…

DANS LA DISCOTHEQUE DE GOLD
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HERBIE HANCOCK - “Vein Melter”

“Chameleon” est l’album le plus vendu de l’histoire du jazz. C est un chef d’oeuvre de A à Z. Le sous estimé “Vein Melter” est un bijou de groove et de poésie. Le pattern de drums de Harvey Mason est incroyable!

D’ANGELO - “Spanish Joint”

J’ai rencontré beaucoup de musiciens et d’ingés-son traumatisés par cet album. J’aime particulièrement ce morceau, son tempo rapide, son groove, sa finesse, les arrangements de trompettes, la drums de ?uestlove…

Q-TIP - “Gettin’Up”

“The Renaissance”, encore un de ces rares albums sans déchets. “Gettin Up” me tue à chaque fois que je l’écoute. Accords, beat, flow… Tout est bon!

FORSS - “Flickermood”

Morceau hallucinant issu de “Soulhack”, seul album de Forss - alias Erik Wahlforss - qui a depuis fondé Soundcloud! Un délice de microsampling et de creativité.

JAMES BLAKE - “The Whilhelm Scream”

5 disques, c’est trop court… C’est trop dur. Je mettrais bien des gros classiques comme les Michael Jackson, Stevie Wonder, Snoop Dogg ou encore Dr Dre. Mais pour le dernier, il faut sortir un disque moins mainstream: James Blake, “The Whilhelm Scream”. Album OVNI de James Blake. Un dépouillement d’une grande maturité, un grande sensibilité, et une expérimentation qui reste toujours musicale. Je ne m’en lasse pas.

Playlist - Dans la discothèque de Papier Tigre

matthieu — Thu, 05 Apr 2012 11:12:13 +0000

Pas de doute qu’avec un album aussi réussi que “Recreation“, Papier Tigre ait autant à dire qu’à jouer. La gestation de ce dernier né, son enregistrement outre Atlantique, ses voyages, la Colonie de Vacances sont autant de grandes lignes que ne manqueront pas d’aborder la plupart de nos confrères lorsqu’ils croiseront le trio nantais sur sa longue route. Comme vous, on ira y lire leurs réponses. Ici, on a préféré s’intéresser à la musique que Eric, Pierre Antoine et Arthur écoute: leurs incontournables, leurs dernières trouvailles, des coups de coeur… Un autre angle pour un exercice qui permet souvent d’en apprendre beaucoup plus sur un groupe, et qui se révèle plus intéressant encore quand il s’agit ni plus ni moins de ce qui se fait actuellement de mieux en France. 10 titres n’ont jamais semblé si peu…

RIDE – “Leave Them All Behind”
(extrait de “Going Blank Again”, Sire 1993)

Pourquoi commencer par un vieux morceau de noisy-pop? Lorsque nous étions en sixième avec Pierre-Antoine, son cousin nous ramenait des cassettes avec pas mal de groupes (My Bloody Valentine, Swell, The Jesus and Mary Chain, Sonic Youth …). Nous étions bien fan de Ride. Ce morceau est vraiment un classique du genre, puissance du wall of sound et orfèvrerie pop. Un clin d’œil aussi à Stuntman5 et aux Magnetic Friends.

SHIPPING NEWS - “Axons and Dendrites”
(extrait de “Flies The Fields”, Quaterstick 2005)

Axons and Dendrites by Shipping News on Grooveshark

Nous jouions dans un groupe qui s’appelait Seymour au collège et au lycée. Une association nantaise, PAM, nous avait programmé en première partie de Shipping News. Nous avions fait un concert bien médiocre comme il se doit. Mais ça nous a marqué car c’est la première fois qu’on rentrait dans le monde des concerts indés/DIY, à jouer avec un groupe qui contenait des membres de June Of 44, nos idoles de l’époque. On s’était pris une baffe… Leur son, le jeu des musiciens, etc.

THE CURTAINS – “Go Lucky”
(extrait de “Calamity”, Asthmatic Kitty 2006)

Go Lucky by The Curtains on Grooveshark

C’est un morceau que j’adore. Il est simple et limpide, d’une efficacité folle. Le groupe est le projet solo de Chris Cohen, ancien Deerhoof et membre de Cryptacize. Un excellent songwriter qui devrait être en haut des charts quand le monde aura changé.

EXTRA LIFE – “Discipline For Edwin”
(extrait de “Dream Seeds”, Nothern Spy/Africantape 2012)

Discipline For Edwin by Extra Life on Grooveshark

Nous les avons rencontrés l’année dernière au festival organisé par nos amis de PAN! (collectif d’artistes visuels sérigraphes). Un show et des disques bluffant de maîtrise, de précision. Ce morceau est un beau mélange entre Slayer et de la musique de la Renaissance … Ça sort ces jours-ci aux Amériques.

THE DEAD RIDER - “The Pointed Stick”
(extrait de “‘The Raw Dents”, Tizona Rec 2011)

The Pointed Stick by Dead Rider on Grooveshark

C’est le nouveau projet de Todd Rittman (US Maple, Singer). Un album étrangement malsain et drôle. Ce morceau a de belles harmonies de voix et même un solo à la Queen!

ADEBISI SHANK – “Micromachines”
(extrait de “This Is The Second Album Of a Band Called Adebisi Shank”, Sargeant House 2011)

Micromachines by Adebisi Shank on Grooveshark

Un des premiers groupes qu’on ait rencontré en tournée et qui nous ait tous mis une belle claque. Ce sont devenus des amis, Pierre Antoine a organisé leur première tournée en France, et ils nous ont invités en Irlande. En 2007, lorsqu’on a fait nos premiers concerts ensemble, ils avaient juste fait un EP. Depuis, ils ont réalisés deux albums pleins d’idées, d’humour, et avec une énergie folle. Un groupe qu’il ne faut pas manquer en live.

Marvin’s Revolt – “Deliberate Deeds”
(extrait de “Killec”, Play Rec/Popular 2007)

Deliberate Deeds by Marvins Revolt on Grooveshark

Un groupe danois qu’on a rencontré en même temps qu’Adebisi Shank, qui était très catchy et inventif avec des moments de grâce comme ce morceau. Ils se sont malheureusement séparés depuis. Un peu Tears for Fears, un peu math rock: pour les déçus du nouveau Maps & Atlases.

John Makay – “Laura Palmer Contre Superman”
(extrait de “Mon Amour, Mi Amor”, 2009)

Laura Palmer Contre Superman by John Makay on Grooveshark

Un excellent duo d’Amiens, de super musiciens, des poètes, des idées dans tous les sens. “Qualité” comme dirait Since d’Electric Electric.

Chausse Trappe – “Face A”
(extrait de “420 m3 37’14’’”, Kythibong 2011)

ECOUTER ICI

Nous aimons énormément ce groupe basé dans l’Ouest (Nantes-Bordeaux) qu’on a pu découvrir au Fouloir (RIP). Ils ont depuis sorti un album chez nos amis de Kythibong. En plus c’est fou en live, bonheur.

RM Hubbert – “Sunbeam Melts The Hour” (with Marion Kenny and Hanna Tuulikki)
(extrait de “Thirteen Lost And Found”, Chemikal Underground 2012)

John Fahey, PapaM et beaucoup plus encore chez ce guitariste de génie avec qui on aura l’honneur de tourner en France et au Royaume Uni. C’est trop cool notre vie.

Best of - The Shins en 10 titres et pas un de plus

matthieu — Tue, 27 Mar 2012 08:34:40 +0000

C’est en 1999, après que Sub Pop se soit aperçu de l’intérêt suscité par le groupe sur internet, que The Shins a véritablement mis le pied à l’étrier. Le temps de trois albums sur le mythique label de Seattle, et bien aidé par deux titres utilisés pour la bande originale du film “Garden State”, son succès n’a cessé d’enfler, propulsant même James Mercer parmi les songwriters les plus talentueux de sa génération. Figure de proue de l’indie pop des années 2000, le combo se met alors en veille, laissant son frontman vaquer à d’autres projets, notamment Broken Bells en compagnie du super producteur Dangermouse. Jusqu’à la sortie du tout récent “Port of Morrow” venant mettre fin à une absence longue de cinq ans, et occasion rêvée de revenir sur la discographie du groupe. Voici The Shins en dix titres incontournables.

The Shins by Choquet on Grooveshark

Best of - The Black Keys en 10 titres et pas un de plus

matthieu — Tue, 06 Mar 2012 20:15:15 +0000

Comme par enchantement, il aura fallu que Dangermouse - producteur à succès depuis Gnarls Barkley et sa participation au projet Gorillaz - vienne mettre son nez dans la musique de Dan Auerbach et Patrick Carney pour que les Black Keys passent du statut d’incontournable groupe blues rock, à celui de duo superstar alignant les disques d’or. Il leur aura ainsi fallu sept ans et quatre albums pour que les deux inséparables passent le cap crucial de popularité qui offre généralement assez de confort à un groupe pour qu’il envisage sereinement son avenir. Dès lors, les deux rockeurs de l’Ohio auraient pu se reposer sur leurs lauriers, surfer sur cette belle destinée pour servir un répertoire facile à son nouveau public. Forts de leur éthique, les Black Keys auront au contraire réussi à concilier les deux pans de leur carrière, à progressivement familiariser chaque nouvel adepte à une musique que beaucoup jugeait vieillissante avant eux. C’est alors qu’ils sont désormais bien assis sur sept albums, et notamment sur le solide et récent “El Camino“, que l’heure a sonné de retracer une discographie le temps de dix titres jugés incontournables.

The Black Keys by Choquet on Grooveshark

Best of - Common en 10 titres et pas un de plus

tony — Mon, 13 Feb 2012 09:11:49 +0000

Apparu au début des années 90 sous le nom de Common Sense, ce natif de Chicago s’est très vite imposé comme un des Mcs incontournables du hip hop américain, plus particulièrement de sa frange consciente qu’il incarne depuis toujours au même titre que les Mos Def, et The Roots, autres représentants d’un rap à la fois jazz et soul qui ont constamment croisé sa route. Inséparable à ses débuts du producteur No ID qui lui livra ses trois premiers albums, Common s’est véritablement révélé au grand public en 2000 quand, avec le soulful “Like Water For Chocolate”, il entamait une collaboration avec Jay Dee qui allait ensuite tourner electro et rock à la sortie de l’incompris - bien qu’excellent - “Electric Circus“. De là, partagé entre sa carrière musicale et une autre cinématographique qui lui tendait les bras, Lonnie Rashid Lynn Jr s’est porté responsable de plusieurs albums à succès pourtant moins marquants que leurs prédécesseurs, multiplié les collaborations (Kanye West, The Neptunes), jusqu’à reprendre celle avec No ID pour le récent “The Dreamer/The Believer” sorti en décembre dernier. Musicien, acteur, mannequin, écrivain, défenseur de nombreuses causes (défense des animaux, lutte contre le sida, formation au civisme…), Common a dépassé aujourd’hui la simple sphère du hip hop, est devenu un personnage public dont peu finalement connaissent l’intégralité de la discographie. Voici dix titres à retenir, tous piochés au sein des neuf albums qui la composent.

common by Choquet on Grooveshark

Faith No More, l’amour du risque

Jeremy — Sat, 21 Jan 2012 23:18:35 +0000

Si on ne regarde pas nécessairement la provenance d’un musicien comme certains scrutent l’étiquette d’une bouteille de vin, avouons tout de même que la donne géographique peut parfois s’avérer intéressante. Arrêtons nous un instant sur la californie. Du cool jazz des rivages nonchalants à la pop lumineuse du “Pet sounds” des Beach Boys, en passant par le folk contestataire ou le rock psychédélique, sans oublier les rêveries rap telles Clouddead ou “The Unseen” de Quasimoto, cette région aimante la créativité depuis des décennies. Une terre décidément fertile.

Dans les années 80, deux formations vont donner ses lettres de noblesse à la fusion (si tant est que le terme soit approprié): Fishbone et Faith No More. Si le premier se portera davantage sur le ska et le funk, le second accordera pour sa part une place plus importante au rock et au métal, sans jamais cependant se fermer aux autres musiques. Euphémisme: du jazz à la soul, du gospel au easy-listening, en faisant un détour par les balkans, Faith No More s’est exprimé à travers toutes sortes de registres. Considérons la trajectoire de ce groupe inclassable.

Un avant et un après Patton…

Vers 1983, Billy Gould - bassiste de la Bay Area - fonde Faith No More. Son slap groovy côtoiera alors l’épure aérienne du clavier de Roddy Bottum, la batterie funky et abrasive de Mike Bordin et la guitare accrocheuse de Jim Martin. Le chant, lui, sera bientôt confié à un Chuck Moseley entre new-wave… chaude, rap et révulsion punk. Chanteur approximatif peut-être, mais authentique et original, avec son attachante voix écorchée. En 1985, soit la même année que le premier opus de Fishbone, sort leur premier essai “We Care a Lot”, hélas très vite impossible à trouver. L’injustice sera réparée… en 1995. De ce disque ressortent deux morceaux: la chanson-titre, hymne ironique et joyeux, et “As The Worm Turns”, aussi urgent qu’envoûtant. Deux ans plus tard, cette fusion abrasive teintée d’aérien s’affinera sur “Introduce Yourself” qui, pour l’occasion, réenregistra le titre “We Care a Lot”. Quelques chansons se détacheront de l’ensemble: “Anne’s Song”, groove imparable où vient se glisser un étonnant et délicat clavier-funambule, ainsi que le beau “Chinese Arithmetic”, et le magnifique “The Crab Song”.

1989. Mû par une fusion non identifiée et emmené par Mike Patton, un trublion chantant à l’éclosion soudaine en remplacement de Chuck Moseley, le combo clôt la décennie de la plus enthousiasmante des façons. Les compositions prennent définitivement leur envol et la palette vocale de Patton ouvre des possibilités nouvelles. Aussi spontané (le jubilatoire “Surprise! You’re Dead!”, furie rap) qu’engageant, “The Real Thing” dévoile un riche nuancier, dessine un univers piqué de fraîcheur, se permettant même une farandole spatiale (”Woodpecker From Mars”) et une ballade lunaire (”Edge Of The World”). “Zombie Eaters” offre lui un superbe assemblage des composantes de l’album - mélodie, punch, mélancolie et groove - dans le droit fil de “The Crab Song”. Dure année pour les murs, décidément…

“Angel Dust”? Un solide sens de la structure qui s’entiche de quelques convulsions.

En 1992, après le succès commercial de “The Real Thing”, le groupe opère un virage radical et déconcertant avec un “Angel Dust” tout en contrastes, des striures les plus douces aux envolées les plus sauvages. Ici, la fantaisie colorée du précédent opus devient excentricité rugueuse ou étrangeté, parfois outrance; et les variations se font escarpements. Toutefois, le groove n’a pas fait scission et, chose inattendue, quelques plages apaisantes émergent même ici ou là: l’exotique et drolatique “RV” avec son crooner en mode canapé qui se mue sur la fin en rappeur au flow habile et effleuré, ou “Midnight Cowboy”, superbe reprise du classique de John Barry, merveille de douceur. Billy Gould, principal compositeur du groupe, alla jusqu’à écrire la quasi totalité des parties de guitare pour l’occasion.

Absent lors de la conception de “The Real Thing”, Mike Patton eut cette fois-ci tout le loisir de développer son univers et ses fantasmagories naissantes. Ainsi, “Malpractice”, tout en cassures et successions de phases déroutantes - de l’âpreté la plus stridente à la douceur la plus berçante (une comptine), en passant par des ambiances mouvantes et cinématographiques - constitue un présage de Fantômas, formation à venir, voire un croisement avant l’heure de Fantômas et Dr Octagon. Compositions renversantes (”Caffeine”) et mélodies inouïes (”Everything’s Ruined”, “Kindergarten” et “A Small Victory”), cette poussière d’ange se formule avec souffle et style. Energie, originalité, intensité, beauté, voici un disque fantastique et mythique des nineties. Un album éclectique et complet, dont les embardées barrés ne se départissent jamais d’un sens mordant de la musicalité. Vingt ans plus tard, on se demande encore comment un disque aussi singulier, libre et extrême a pu sortir sur une major… Un vrai tour de force.

Bien malgré lui, Faith No More enfantera dès lors le courant dit “neo-métal”. Le seul “Midlife Crisis” suffit à montrer à quelle source Korn alla trouver son influence rythmique, et Chino Moreno (des Deftones) son inspiration vocale. Avouons qu’hormis ces derniers, lesquels surent développer une identité propre (entité qui donnera sa pleine mesure sur le magnifique “White Pony”), les exemples de réussites musicales durables ne sont pas légion dans ce registre…

La valse des six cordes…

1995. Après un chapitre-continent parfois hivernal et hermétique, viendront les tonalités chaudes de “King For a Day” qui décline toutes les gammes estivales, apanage du tout-terrain Trey Spruance (de Mr Bungle, autre formation de Patton créée au milieu des eighties) arrivé en remplacement de Jim Martin. Un guitariste rôdé au jazz, au blues et au metal, et habitué à se frotter à tous les folklores, du klezmer à la country. Ainsi, du rock le plus frontal - réminscences punk à l’appui - à la soul, en passant par un gospel à la belle étoile et même … un slow, “King For a Day” tutoie quantité de registres sans jamais voir son unité se fissurer. La voix, elle, arrive à pleine maturité, et révèle un timbre limpide et tout en dorures sur les phases claires. En attestent la magnifique ouverture de “The Last to Know” ou “Digging The Grave”, bain tonique rock des plus efficaces. Le jazz-funk “Star AD” et un “Caralho Voador” aux influences brésiliennes sont quant à eux typiques du style Spruance, à tel point qu’on les croirait issus du “Disco Volante” de Mr Bungle, album culte sorti la même année. La chanson-titre, aux teintes latines et à la robe enveloppante et profonde, articule une superbe synergie et constitue le moment fort du disque. Côté influences, on observera par exemple l’impact de “The Gentle Art of Making Enemies” et “Ugly In The Morning” sur Serj Tankian et System Of A Down.

En 1997, “Album Of The Year”, concocté avec un nouveau guitariste, Jon Hudson, sera l’ultime album de Faith No More. Plus ou moins boudé par les fans et la critique, cet opus s’avère pourtant remarquable de sobriété et offre une conclusion idéale. En termes de production et de sonorités, il est même sans doute celui qui vieillit le mieux. Le discret Hudson, compositeur inspiré au toucher subtil, délivre un apport non négligeable. Quelques bons moments: la basse prodigieusement cool et les cloches tout juste ventées de “Last Cup of Sorrow”, l’hypnotique et caressant “Stripsearch”, entre volutes vocales et touches électro sur une section rythmique à la lisière de l’ambient. Plus tard, on s’animera avec le balkanique “Mouth to Mouth”, au chant percussif à souhait, avant un “Paths of Glory” saisissant d’émotion et un final (”Pristina”) aussi intense qu’ascétique.

Faire de la musique par amour de la musique

Voici donc un groupe qui, au lieu de choisir le confort de la répétition en capitalisant sur le succès commercial de “The Real Thing” pour s’engager dans une série de déclinaisons, sut se renouveler à chaque album pour accoucher au final d’une discographie complète et équilibrée, gardant intacte son envie créatrice, chose rare en pareilles circonstances. Tendre l’oreille vers son inspiration, comme un pied de nez fait aux majors. Ne pas avoir le ventre trop plein pour éviter la stagnation et mieux avancer artistiquement? Une prise de risques en même temps qu’une absence de calcul.

Devant une certaine manie des rock-bands à cultiver la pose et un folklore qui s’échelonne d’animateur de croisière (la vague glam qui éclaboussa de sa crinière tapageuse les eighties) à icône souffreteuse, en passant par la noirceur farineuse du black-metal, l’absence d’imagerie de Faith No More comme la liberté de sa démarche amenèrent un vent de fraîcheur. Faire de la musique par amour de la musique, tout simplement… A un journaliste qui tentait d’identifier le public de Faith No More, Billy Gould répondit ceci: “On aurait bien du mal à savoir quel type de public est le nôtre puisqu’on ne sait même pas quel type de musique nous jouons“. Jolie réponse.

Après le split du groupe, qui ne réapparaitra qu’en 2009 pour une tournée mondiale d’un an, Patton poursuivra son chemin à travers ses autres formations, collaborations ou bien en solo. On retiendra par exemple l’excellent “Lovage” (en 2001 avec le voisin Dan The Automator, Jennifer Charles (Elysean Fields) et l’inévitable Kid Koala), et “Delirium Cordia” (2004) de Fantômas, piste hypnotique d’une heure, pendant à peine électrisé du génial “Batman Returns” de Danny Elfman. Pour les auditeurs hésitants devant Faith No More, et rebutés par les autres projets du frontman, Tomahawk peut constituer une porte d’entrée dans l’univers du chanteur. Pourquoi pas “Mit Gas” (2003), rock accessible teinté d’électro, de drum n’ bass et de réminiscences “King For a Day”, voire Mr Bungle?

Ah oui, en 1999 sortait le dernier album de Mr Bungle, épuré et aux aux reflets pop. Son nom? “California”…

Best of - At The Drive-In en 10 titres et pas un de plus

matthieu — Tue, 10 Jan 2012 18:25:24 +0000

Il n’aura fallu à At The Drive-In que quatre albums - tous sortis entre 1996 et 2000 - et d’innombrables prestations scéniques aussi sportives que mémorables pour qu’il rentre dans l’histoire du rock, qu’il installe définitivement le post hardcore comme un de ses solides dérivés. Et pour cause, jamais avant lui un groupe n’avait combiné de façon si atypique la mélodie, la furie rythmique, l’émotion et la finesse guitaristique. Du coup, depuis l’annonce de son hiatus décidé alors que le quintet texan ne pouvait espérer plus grande reconnaissance de ses pairs, le vide laissé n’aura jamais été comblé, ni même par les pourtant remarquables réincarnations en Sparta et Mars Volta qui ont depuis fait le quotidien de ces quatre rockeurs imprévisibles.

Au fil des ans, les rumeurs d’une reformation toujours plus espérée n’ont cessé de se multiplier, chaque fois démenties par les intéressés semblant alors partager des velléités trop différentes. Jusqu’à ce début de mois de janvier ou, par un communiqué via son Twitter, At The Drive-In confirmait son retour en vue notamment de sa participation au festival Coachella 2012. L’occasion rêvée de s’offrir une piqure de rappel. Voici donc les dix meilleurs titres d’une discographie, courte mais si homogène que l’exercice ne s’est pas révélé plus facile qu’à l’accoutumée. Quelques pas de recul vers une jouissive intemporalité…

Playlist - Dans la discothèque de Civil Civic

matthieu — Thu, 05 Jan 2012 13:36:54 +0000

A deux seulement, avec pour seul soutien une énorme boite à rythme, Civil Civic sillonne les routes d’Europe pour y défendre “Rules“, un premier album qui vient confirmer les louanges dont il fait l’objet depuis plusieurs mois maintenant. Tous deux australiens d’origine, Ben Green et Aaron Cupples partagent aujourd’hui leur quotidien entre Londres et Barcelone, composent chacun de leur côté, s’envoient leurs idées, les retravaillent pour finalement donner naissance à une improbable mixture de rock, d’electro, de prog rock, et de noise qui ne manque pas de provoquer des réactions. Mais quelles influences peuvent alors se planquer derrière un tel registre? Vers quels morceaux se tournent ces deux énergumènes quand ils parcourent leur discothèque? Réponse ci-dessous en piochant dans celle de Ben, bassiste barbu aux goûts éclectiques mais finalement assez logiques. Soudain, tout s’éclaircit…

The Adverts - “The Adverts”

J’adore The Adverts. Ils m’ont provoqué la même réaction que quand je me suis mis à écouter les Buzzcocks. Mais ils sont plus intelligents, leurs textes sont beaucoup plus cyniques, et leur songwritting bien plus sophistiqué. C’est une bonne angoisse post punk…

Eddie Current Supression Ring - “That’s Inside Of Me”

Il y a eu un moment, il y a environ un an et demi, ou beaucoup de personnes de la scène musicale de Melbourne passaient par Barcelone et squattaient chez moi. Chaque fois, je demandais: “qui est bon ces temps-ci à Melbourne?”. Tous faisaient grise mine et disaient que tout était ennuyeux, mais que les Eddie Current étaient super. Ils ajoutaient qu’il ne s’agissait que d’un énième groupe de rock mais qu’ils étaient très performants en live. Ils s’y amusent beaucoup, ils sont rafraichissants. Cet album sonne à la fois proche, propre et direct, comme une très bonne cassette d’une répétition. Peut être que c’en est une… Ca n’empêche que c’est bon, et c’est de Melbourne…

The Fresh And Onlys - “Waterfall”

Dans la même catégorie des groupes pas vraiment originaux mais néanmoins très bons, il y a aussi The Fresh And Onlys. J’adore ce morceau, et l’album qui va avec. L’attitude générale, cette tonalité garage, nasillarde, cette production un peu ringarde… Tout cela me plait. Les chansons sont très bonnes aussi.

Elvis Costello and The Attractions - “Pump It Up”

C’est un des morceaux que l’on joue le plus dans le camion quand nous sommes en tournée. Chaque fois, on agite le doigt et on chante à tue-tête. Merde, ce groupe était chaud, et leur label - Stiff Records - sortait de si bonnes choses à cette époque. C’était juste incroyable…

Tallest Man On Earth - “Troubles Will Be Gone”

Quand j’ai entendu pour la première fois Tallest Man On Earth braire sa poésie comme un putain d’âne en train de baiser un diplomé d’art, je voulais vraiment détester ce disque. Mais aujourd’hui, je dois l’avouer, les chansons sont bonnes, bien interprétées, et certains textes sont intéressants. Ecoutez ce jeu de guitare. Franchement ce mec n’est-il pas doué?

Modeselektor - “Cash”

Je n’ai pas encore eu la chance d’écouter “Monkeytown“, le nouvel album de Modeselektor, mais je le ferai dès que j’en aurai l’occasion. Ces allemands font partie du haut de ma liste depuis longtemps maintenant. J’étais à deux doigts de choisir “Silikon” de l’album “Hello Mom!” mais j’ai finalement opté pour “Cash”. Ce titre est énorme et rend les gens complètement dingues. Il procure la même sensation que quand vous vous goinfrez d’une bouffe que vous adorez jusqu’à être à la limite de vomir. C’est simple, si vous ne dansez pas à l’écoute de ce morceau, c’est que votre coeur ne bat plus…

The Knife - “You Make Me Like Charity”

Je suis un grand fan de The Knife. Pour moi, ils ne sont rien d’autre qu’un des acteurs majeurs de l’electronica de la moitié des années 2000. Il y a certains titres bouche-trou dans leurs albums, mais les meilleurs sont si élégants et effrayants qu’ils en sont géniaux. Ce titre est un chef d’oeuvre minimaliste.

The Dirtbombs - “Chains Of Love”

Comment est-ce que les Dirtbombs ont-ils fait pour ne pas devenir un groupe énorme? Je veux dire, ils sont si bons! A la place, on a eu droit aux White Stripes. Merci mon Dieu… Ce morceau a tellement de couilles et d’énergie qu’il a été joué jusqu’à la mort dans chaque club garage/rock n’roll sur cette Terre. Mais cela n’en fait pas moins une règle…

The Crown - “Under The Whip”

Je ne devrais probablement pas l’admettre, mais j’ai un petit faible pour ce death metal qui est apparu en Suède au début des années 2000. Si j’avais entendu ce morceau quand j’avais treize ans, je serais devenu complètement malsain.

Midnight Oil - “Read About It”

Voilà pourquoi j’adore Midnight Oil. A cette époque de leur longue carrière, ils sonnaient super énergiques, tranchants, et étaient vraiment hyper accrocheurs. L’album tout entier aligne d’ailleurs d’autres joyaux…

Bilan - 2011 en 50 albums

matthieu — Wed, 21 Dec 2011 16:42:08 +0000

On les a plus écoutés que les autres, ils n’ont pas décollé de nos lecteurs… Ce sont selon nous les meilleurs albums de l’année 2011. Et une fois encore, pas d’ordre préférentiel, pas de liste par rédacteur, juste un ordre alphabétique, ainsi que des extraits pour vous inciter à leur laisser une ultime chance s’ils n’ont pas eu votre faveur dans le courant des derniers mois. Surtout parce qu’il n’est jamais trop tard pour se caler un bon album entre les feuilles…

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Bilan - 2011 en 50 vidéos

choko — Tue, 20 Dec 2011 16:09:26 +0000

C’est un fait, l’usage d’un clip à des fins promotionnelles est devenue une pratique systématique à l’heure ou le musicien n’existe plus qu’au nombre de vues qu’il additionne. Forcément donc, les prétendants au top de fin d’année sont chaque année toujours plus nombreux à vouloir voir y figurer leurs oeuvres, qu’elles soient à petit comme à gros budget. Voici donc ce que la rédaction de Mowno considère comme les 50 clips les plus réussis de l’année 2011. Certains sont bien meilleurs que le morceau lui-même, d’autres cumulent avec brio la beauté de l’image, l’humour, le talent, et l’ingéniosité. Ici, aucune porte ne se ferme au mainstream ou aux productions à deux sous. Tous, en défendant leur propre notion d’esthétisme, pouvaient prétendre d’une manière ou d’une autre à décrocher la timbale…

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Bilan - 2011 dans l’oeil de Mowno

matthieu — Mon, 19 Dec 2011 11:32:25 +0000

Ne pas seulement écrire mais aussi proposer de l’image pour défendre de façon plus convaincante encore les artistes que nous aimons. Le temps de ces douze derniers mois, ils ont donc été quelques-uns à passer dans le champs de nos caméras, que ce soit pour un live, ou même seulement une interview. Voici récapitulées toutes les vidéos réalisées par nos soins, sans exception. Comme une option replay chez Mowno…

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Bilan - 2011 en 25 espoirs

matthieu — Tue, 13 Dec 2011 19:36:12 +0000

2011 aura, comme les années précédentes, révélé quelques artistes qu’il serait difficile d’oublier à l’heure des bilans. Ils n’ont sorti qu’un ou deux Eps pour certains, un premier long format pour d’autres qui ont tous frappé à la porte du top albums pour s’en faire refouler au dernier jugement. C’est la dure loi des classements et des listes définies. Rien de cruel pour autant puisque, à n’en pas douter, tous (ou presque) y figureront l’année prochaine, une fois le premier grand saut tant attendu effectué. Vous ne pourrez pas dire qu’on ne vous avait pas prévenus… Bonne (re)découverte et excellente écoute!

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Bilan - 2011 en 50 titres

matthieu — Fri, 09 Dec 2011 15:41:15 +0000

L’heure des bilans a sonné. Cette année, Mowno ouvre le bal avec ce que la rédaction considère comme les meilleurs titres de l’année 2011, les plus écoutés comme ceux qui auront marqué ces derniers mois de leur passage. Comme d’habitude dans nos pages, rock, folk, hip hop, electro, et leurs dérivés respectifs, se tirent la bourre le temps de 50 morceaux, classés ici en ordre alphabétique. Non pas qu’on ne veuille pas se mouiller à citer nos favoris, juste que l’exercice de l’ordre préférentiel est immensément casse gueule et sans signification quand les genres musicaux se mélangent ainsi. Bonne écoute, et croisons les doigts pour que 2012 tienne la cadence.

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Best of - Hot Snakes en 10 titres et pas un de plus

matthieu — Tue, 06 Dec 2011 21:57:03 +0000

Tout ce que touchent Rick Froberg et John Reis se transforme en or, qu’ils agissent ensemble (Pitchfork, Drive Like Jehu) ou chacun de leur côté (Obits pour le premier, Rocket From The Crypt pour le second). Une constatation qui s’est une énième fois vérifiée dès 1999 quand les deux fondent Hot Snakes, groupe de post hardcore qui s’est toujours distingué par un son particulier et une indestructible éthique do it yourself. C’est d’ailleurs sur le label du groupe, Swami Records, que sont sortis chacun de ses trois albums. Éteint depuis 2005, le quatuor souffle l’évènement en cette fin d’année en remontant sur les planches à l’occasion de sa participation au All Tomorrow’s Parties de ce mois de décembre 2011 en Angleterre. Sur sa route, Hot Snakes fait étape à Paris, au Point Ephémère, ce mercredi 7 décembre. Le moment parfait pour vous servir ce que l’on considère comme les dix meilleurs titres de sa discographie.

Les Hot Snakes réunis pour le ATP

Best of - Roots Manuva en 10 titres et pas un de plus

matthieu — Tue, 22 Nov 2011 18:25:20 +0000

C’est une quasi certitude: le label Big Dada n’aurait peut être jamais pris une telle importance si Roots Manuva n’avait pas été dans les premiers artistes à le défendre. Car du haut des quarante ans qu’il fêtera l’an prochain, Rodney Smith peut regarder en arrière en éprouvant une certaine fierté du chemin parcouru. En effet, de famille jamaïcaine très religieuse, le londonien signa sur la division hip hop de Ninja Tune seulement un an après sa création, et ne la quittera plus le temps des huit albums qu’il compte à ce jour. Considéré par quelques uns comme le précurseur du grime, Roots Manuva a forgé à travers les années une identité musicale aussi libre que politiquement engagée, piochant autant dans le hip hop que dans ses racines, à savoir le reggae, le dub, le funk, et le ragga. Alors que “4everevolution“, son dernier album en date, a vu le jour fin septembre, notre rubrique best of s’arrête sur son cas. 10 titres, et pas un de plus, pour mieux cerner ce personnage incontournable de la musique urbaine contemporaine.

Playlist - Dans la discothèque de Jono McCleery

Francois — Thu, 17 Nov 2011 10:56:43 +0000

“There Is“… Après l’écoute d’un tel album, difficile de résister à l’envie de creuser dans l’univers de son géniteur, et de mieux connaître les goûts musicaux de Jono McCleery. L’un de nos chouchous de l’année pioche dans ses étagères à disques pour partager sa playlist idéale. Voilà un top ten qui pourrait très bien devenir le vôtre…

Gil Scott Heron - “Angola Louisiana”

Instructif, intemporel, cool.

Bill Withers - “Can We Pretend”

Une magnifique sensation se dégage de cette chanson. L’amour a besoin de ça pour traverser les époques.

Marvin Gaye - “Sad Tomorrows”

J’adore la manière dont ça swingue, et cette façon de vous attirer dans ses filets avec son côté sombre. Cette chanson a été enregistré pour son album “What’s Going On”, et il en a changé le nom pour “Flyin’ High For The Friendly Sky”.

Esther Phillips - “Home is Where the Hatred Is” (original song: Gil Scott Heron)

C’est l’une des meilleures reprises que j’aie entendue. Sa voix, ainsi que la production, collent parfaitement avec les paroles de Gil, en conservant uniquement l’essence de la chanson.

Scott Lafaro (with Bill Evans) - “Jade Visions”

Le bassiste original de Bill Evans a écrit cette pièce. Pour moi, c’est le genre de son qui te met automatiquement en accord avec toi-même. Malheureusement pour tout le monde, Scott est mort de manière tragique, et Bill a arrêté de jouer pendant des années.

Elliot Smith – “Angeles”

Une jolie chanson qui met en valeur ses talents délicats de songwriter. Il joue avec les accords si facilement…

Nick Drake - “Parasite”

Ce son de guitare et cette voix obsédante: seulement deux éléments sur cet enregistrement, qui fait pourtant preuve d’une présence incroyable.

Terry Callier - “Dancing Girl”

C’est très rare pour une chanson de passer la frontière du jazz et de revenir successivement au format chanson. C’est l’un des morceaux les plus épiques que j’aie jamais entendu.

Rufus Wainwright - “Dinner at Eight”

Un bon exemple de songwriter influencé par la musique classique. La progression des accords et les paroles sont captivantes.

Curtis Mayfield - “Billy Jack”

Ma chanson préférée de Curtis!

On y était! Retour sur le festival Inrocks Black XS 2011 à Lille…

Maxime Delcourt — Wed, 09 Nov 2011 16:23:26 +0000

Toi, mélomane à temps plein, qui passe ton temps sur les blogs musicaux. Toi qui ne peux t’amuser qu’en écoutant un bon vieux disque de rock. Toi, fille ou garçon, qui évite de perdre sa dignité en accompagnant son ami(e) à un concert de Zaz. Toi, justement, qui sors quasiment tous les soirs dans des salles obscures pour admirer cette voix qui te fait tant rêver sur cd. Pour toi, lui, elle, on a trouvé la solution. Merci qui? Certainement au festival des Inrocks. Enfin, les remerciements pourraient être plus sincères si chaque ville de province bénéficiait de la même set-list que la capitale. Mais bon, ne faisons pas la fine bouche non plus, les deux dates à l’Aéronef de Lille étaient pour le coup éclectiques, si ce n’est plus.

Jeudi 3 novembre 2011
LA FEMME - CULTS - LAURA MARLING - JAMES BLAKE

Dès le premier soir, l’affiche est alléchante. Et c’est La Femme qui lance les hostilités. Avec un show très beau visuellement, sur lequel on ne s’attardera pas, les français font leur job sans parvenir à révolutionner comme ils le voudraient la musique de demain. La musique du futur, les américains de Cults (photo ci-dessous) n’en ont cure. Au contraire, le temps de quarante-cinq minutes efficaces, ils tapent respectueusement à la porte d’une pop purement sixties. Il peut tout tenter, frôler le mur du son, se vouloir parfois plus glacial (leur entrée sur la B.O de Twins Peaks est là pour le rappeler), le duo restera toujours plus gentil qu’un ours en peluche. “Go Outside”, “You Know What I Mean”, leur deux tubes, sont déjà en passe de devenir Cult(e)s.

Autre style, même esprit. D’une voix grave, capable de faire corps avec l’altitude, le son de Laura Marling (ci-dessous) est comme un prolongement à celui de Cults. Pas dans les intentions, oh non, mais dans l’époque qu’ils revisitent. Fan de Steinbeck, inspirée par la folk de Joni Mitchell, la jeune Laura a beau être introvertie, elle communique parfaitement avec nous grâce à une musique à la fois puissante et bercée par le doux idéalisme des années 60’s. Dommage que ses compositions soient si peu dissemblables.

Pendant plus de deux heures d’un concert sans répit, où musiciens et invités se croiseront au rythme des chansons, il est temps d’entendre la tête d’affiche de cette première soirée: James Blake. Jamais futile, toujours poétique, le répertoire de l’anglais est fait d’horizons troubles. Ici, on ne danse pas, le corps tremble, les infrabasses transcendent et traversent notre cerveau, à croire qu’on est entrain de se noyer avec brio dans la schizophrénie. En quittant la salle, il fait bon, le ciel est dégagé, on se dit alors que la performance de James Blake se marie parfaitement avec les couleurs de la lune.

Vendredi 4 novembre 2011
MORNING PARADE - FOSTER THE PEOPLE - MILES KANE - FRIENDLY FIRES

Deuxième soir. Alors que, parce qu’on ne pouvait plus s’en passer, James Blake a tourné toute la journée dans notre mp3, il est déjà l’heure de laisser tout savoir de côté pour appréhender une deuxième soirée qui s’annonce nettement plus rock. Premiers de la liste: Morning Parade et leur rock à la fois lyrique et dansant. Très à l’aise sur scène, le groupe semble être déjà prêt pour les stades. Attention toutefois au syndrome U2. Même constat pour Foster The People venu répandre la joie à coup d’hymnes et de refrains allègres qui rappellent que le groupe ne squatte pas le haut des charts pour rien. Leur sunshine-pop ne demande qu’à devenir phénomène.

S’il faut en croire cette douce nuit , le rock bouge encore. Depuis son premier album solo “Colour Of The Trap”, Miles Kane (photo ci-dessus) jouit d’une réputation qui ne se dément pas. Ou plutôt, qui ne se dément plus. Il hurle, sourire aux lèvres, même chose pour nous. Et pas une seconde d’ennui. Classieux, confiant et hédoniste, il enchaine les titres avec une décontraction et un talent qui fait plaisir à voir. Le public ne s’y trompe pas, “Come Closer”, “Rearrange” et “Counting Down The Days” sont des leçons de rock et d’efficacité made in England.

Dans la fureur absolue de la fin de semaine, on gambade allégrement des années soixante aux années deux mille, en passant par les éternelles années quatre-vingt. Avec Friendly Fires (photo ci-contre), ce sont les trois dernières décennies qui prennent sens à travers leur électro-pop gonflée aux hormones. Bains de foules, pogos, t-shirt mouillé, les anglais ne font pas que clôturer la soirée, ils offrent une porte de sortie parfaite pour s’extasier au rythme d’une pop en forme de sucrerie hautement énergétique. En somme, une définition possible du bonheur.

Crédit photo: Tiffaine Blanquart

Best of - Chokebore en 10 titres et pas un de plus

matthieu — Wed, 26 Oct 2011 16:07:38 +0000

Chokebore a beau être originaire d’Hawaï, sa musique n’a rien du folklore guilleret qu’on peut attendre de l’île. Non, c’est plutôt dans le sadcore, au sein du catalogue Noise Amphetamine Reptile, et en côtoyant la crème de la scène noise des années 90 que le quatuor s’est fait un nom, jusqu’à être considéré par Kurt Cobain lui-même comme un des groupes les plus intéressants de sa génération, ce qui lui vaudra d’ailleurs une dizaine de dates communes avec Nirvana. Ça, c’est pour la belle petite histoire. Car, tel un looser magnifique, Chokebore n’a jamais vu sa renommée atteindre le stade mérité, s’est toujours morfond dans les sombres profondeurs d’un underground au quotidien nettement plus rude. Auteurs à ce jour de six LP dont un live, les quatre ont fait leur grand retour l’an passé, après cinq ans d’absence et de hiatus durant lesquels chacun a vaqué à ses occupations personnelles, notamment Troy Von Balthazar à la carrière solo particulièrement remarquée. En cette rentrée 2011, alors qu’on se délecte de leur récent Ep “Falls Best” sorti chez Vicious Circle, on rêve d’un nouvel album en se replongeant dans une discographie à la personnalité sans faille, si atypique qu’elle interdit tout plagiat: un sort réservé qu’aux grands. Retour donc, le temps de dix titres seulement, sur treize ans de composition.

Playlist - Paul Thomas Saunders en 10 titres

Francois — Mon, 24 Oct 2011 13:38:46 +0000

Un petit EP - “Lilac & Wisteria” sorti en juillet dernier - aura suffit à Paul Thomas Saunders, jusqu’alors inconnu au bataillon, pour changer la couleur de notre papier peint quotidien. De l’émotion à revendre à la tonne, des orchestrations grandioses, et une voix qui provoque des frissons rémanents, même dix minutes après l’écoute de chansons magistrales comme “Appointment In Samarra” ou “Good Time Rags And Requiems”… Assez pour faire du britannique un espoir confirmé de cette année 2011, nous donnant envie d’en savoir plus sur ses influences. Et malgré son jeune âge, le rookie compte de nombreuses vieilleries dans sa discothèque idéale. Petit aperçu d’un top ten compilé avec les tripes.

Vangelis – “Cosmos”

Cette pièce est le thème de la série “Cosmos” de Carl Sagan, les synthétiseurs analogues sonnent comme des constellations au clair de Lune… Vangelis avait une approche très intéressante pour enregistrer ses morceaux. II allait sans doute de clavier en clavier dans son studio pour en capturer le maximum en une seule prise. Parfois on entre sur scène avec cette musique, c’est comme jouer derrière la meilleure première partie que tu puisses imaginer, cela installe un décor propice pour commencer.

The La’s - “I Am The Key”

Au début de mon adolescence, j’ai acheté d’occasion leur seul album studio sur cassette. Je pense avoir écrit des dizaines de chansons en essayant de les imiter quand j’ai commencé à écrire. Une version définitive de “I Am The Key” n’a jamais figuré sur un album mais j’aurais adoré savoir comment Lee Mavers l’aurait enregistrée et comment il l’aurait faite sonner.

The Tornadoes – “Telstar”

J’aime penser que l’âme de Joe Meeks vit à travers ma musique, il a massivement influencé mes arrangements et notre production, et je lui dois beaucoup, pour tous les disques sur lesquels il a travaillé. La guitare sur ce disque sonne comme si elle était revêtue d’argent, elle scintille au dessus d’un million de couches d’harmonies.

John Leyton – “Johnny Remember Me”

Joe Meek a également produit ça. C’est écrit comme une chanson d’amour qui vient du fond de la tombe, presque comme si le spectre du dernier amour d’un jeune homme lui faisait une sérénade. C’est une pièce musicale magnifiquement envoûtante, je ne connais rien de semblable.

Pink Floyd – “Arnold Lane”

Je ne pense pas qu’il existe de premier album plus intrépide que “Piper At the Gates Of Dawn”. Il se distingue encore aujourd’hui. Je pense qu’il s’agit de leur premier single après avoir signé chez Columbia. C’est peut être plus concis que n’importe quel autre titre de l’album, mais c’est tout aussi évocateur et audacieux. C’est naturellement idiosyncratique, un trait de caractère enviable, surtout pour un songwriter.

Cocteau Twins – “Heaven Or Las Vegas”

Pratiquement chaque mot de cette chanson est incompréhensible, mais il y a quelque chose de si lucide qui se dégage de la phrase “am I in Heaven or Las Vegas”, un sentiment d’expressionnisme. En plus d’être noyé dans son propre mystère, ce morceau possède des arrangements riches typiques des Cocteau Twins. Le seul mot et le plus approprié auquel je pense pour le décrire est “Technicolor”. Si j’étais atteint de synesthésie, j’imagine que je verrais des arcs-en-ciel en écoutant cette chanson.

The Cure – “Plainsong”

“Disintegration” est l’un de mes albums préférés des Cure. C’est la première chanson, et c’est immédiatement rempli de personnalité et de nuances venues d’un autre monde. Comme la plupart des grands groupes, The Cure semble occuper une place inébranlable dans la pop music. C’est le groupe parfait selon moi!

Van Morrison – “Astral Weeks”

Celui là est un autre morceau d’ouverture d’un merveilleux album. C’est une chanson très pure et, pour moi, ça a toujours sonné comme si Van Morrison avait commencé à jouer, et que son modeste orchestre l’aurait juste rejoint à sa guise, lorsqu’il sentait monter la mélodie. J’imagine que ça n’était pas le cas, mais il y a un sens réconfortant de libération et de spontanéité. Tu sens comme si ta créativité se déployait en toi à cet instant. C’est un disque très précieux. Ça me paraît inimaginable qu’ils parviennent à capturer ce genre de performance une fois de plus.

Simon and Garfunkel – “Sound of Silence”

J’étais au Rock and Roll Hall of Fame à Londres, aujourd’hui fermé, quand j’avais sept ou huit ans. Il y avait une statue de cire, une pâle reproduction de Simon and Garfunkel derrière deux paires d’écouteurs. J’ai mis les écouteurs et j’ai écouté cet extrait de 30 secondes de “Sound Of Silence” encore et encore… C’est la première fois que j’ai été complètement chamboulé par une chanson. Ça devait être à un niveau primitif, mais cette chanson est un vrai mélodrame, et encore aujourd’hui je trouve. C’est sans doute mon premier souvenir musical.

Billy Bragg – “Help Save the Youth of America”

La première fois que j’ai entendu Billy Bragg, c’était avec cette chanson. Un ami, qui joue dans un groupe appelé Woe, en a fait une reprise quand j’avais seize ou dix-sept ans. Il l’a jouée avec autant d’agressivité que sur la version de l’album “Talking with the Taxman about Poetry”, c’était une très bonne ré-interprétation. J’ai rencontré Billy Bragg avec le même pote à Glastonbury environ un an plus tard. Il nous a serré dans ses bras et a dit “solidarity brother” à mon ami. Mais quand c’est moi qui raconte l’histoire, c’est à moi qu’il a dit ça. Un pieux mensonge.

Best of - Sonic Youth en 10 titres et pas un de plus

Ian — Mon, 17 Oct 2011 12:35:10 +0000

Voilà un best of qu’on aurait bien aimé publier plus tard, mais qui se retrouve subitement précipité par l’actualité. En effet, depuis ce week-end et l’annonce par le label Matador de la séparation du couple Thurston Moore/Kim Gordon après vingt sept ans de mariage, l’avenir de Sonic Youth s’écrit plus que jamais en pointillés. Voilà qui laisse présager un éventuel scénario catastrophe qu’on n’aurait jamais imaginé ainsi tant le groupe new-yorkais est devenu - depuis sa création en 1981 - une figure incontournable de la scène indie rock mondiale. En effet, avec pas loin d’une vingtaine d’albums à sa discographie, il n’a jamais cessé d’évoluer, allant de la no wave au grunge, en passant par le punk comme par diverses expérimentations, pour toujours souligner un son bien à lui ou dissonances et saturations n’ont eu de cesse de chambouler les principes de la pop music. Quoi qu’il arrive, que ce beau parcours se poursuive ou s’arrête là, voici les dix titres qu’on retiendra de la discographie Sonic Youth.

Best of - Dj Shadow en 10 titres et pas un de plus

matthieu — Tue, 04 Oct 2011 20:40:49 +0000

L’année prochaine, Joshua Paul Davis - aka Dj Shadow - fêtera ses quarante ans. Par la même occasion, il fêtera sa vingt neuvième année d’une totale passion pour un hip hop qu’il aura finalement à jamais marqué de son empreinte. Et pour cause, le monumental “Endtroducing” - son premier album sorti en 1996 - lui offrait un avenir tout tracé: non seulement le disque était une première dans le genre puisque uniquement composé de samples, mais il donnait aussi naissance à l’abstract hip hop, un dérivé qui allait ensuite s’abattre telle une énorme vague sur la scène musicale durant une bonne dizaine d’années. Comme beaucoup d’autres avant et après lui, Dj Shadow sortait là l’album qui faisait l’unanimité: une faveur qu’il ne connaitra plus ensuite, que ce soit sur “The Private Press”, “The Outsider”, ou le tout récent “The Less You Know, The Better”. Dans chacun, de très bons titres, mais malheureusement rien qui retienne l’attention sur toute la longueur. Du coup, l’exercice du best of était servi sur un plateau d’argent. Voilà donc, selon Mowno et uniquement Mowno, les dix meilleurs titres d’un producteur américain qui en a encore incontestablement sous la semelle.

Best Of - REM en 10 titres et pas un de plus

matthieu — Thu, 22 Sep 2011 11:31:28 +0000

Beaucoup devront l’admettre: si ces derniers temps REM n’était plus forcément ce qu’il était à son heure de gloire, un bout de la discographie du groupe de Michael Stipe aura forcément accompagné une période de notre vie. Le temps d’un tube ou deux, d’un album, ou de plusieurs pour les plus acharnés, ceux qui pleureront peut être le plus l’annonce du trio qui a annoncé en ce 21 septembre 2011 vouloir stopper son aventure désormais longue de 31 ans. Du coup, on s’est dit qu’on relèverait bien le pari d’en extirper dix morceaux incontournables pour en faire un énième best of. L’exercice est déjà difficile quand il concerne des groupes à la longevité banale. Il l’est d’autant plus quand on s’attaque à un monstre du rock.

Coups de Bulles en Septembre - L’actualité BD

kalcha — Mon, 12 Sep 2011 13:06:33 +0000

C’est la rentrée. Eté pourri. Début de mois de Septembre pourri. Retard habituel. Mauvaise humeur. Nouvelles BD. Vite.

“La Rupture Tranquille”
Terreur Graphique
Même pas mal
21,5 x 21,5 com
80 pages
meme-pas-mal.fr
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Terreur Graphique aurait-il viré sa cuti et signé un livre d’illustration du programme sarkozyste? Euh… Disons que, si c’était le cas, la campagne pour 2012 risque d’être (encore plus) sanglante que prévue. Ceux qui ont lu son récent “Rorschach” peuvent imaginer le massacre. Non, le dessinateur nantais sort en fait un recueil d’histoires courtes restées inédites ou simplement parues sur son blog. M. Graphique y joue encore et toujours avec les tabous les plus tendancieux de nos sociétés, détourne quelques faits divers récents avec une indécence jouissive, et ne se prend surtout jamais au sérieux. Au même titre qu’un Ivan Brunetti (voir ici), on conseillera tout de même ce livre à un public très averti (ou de goût, c’est pareil): les fans d’humour grolandais peuvent par exemple y aller les yeux fermés.

“Face Cachée vol.1 & 2″
Sylvain Runberg & Olivier Martin
Futuropolis
19,5 x 26,5 cm
152 pages
www.futuropolis.fr
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Un des inconvénients de la BD, c’est que de plus en plus d’histoires sortent en plusieurs volumes, pour des motifs pratiques (c’est un travail très long pour les auteurs) et probablement économiques (vous en achetez un et vous êtes ensuite harponnés pour une durée indéterminée). Le problème, c’est l’attente forcément trop longue entre chaque épisode. C’est la raison pour laquelle on avait préféré garder sous silence le premier tome de “Face Cachée”, paru il y a plus d’un an, et ainsi attendre la sortie de la suite et fin du diptyque. On a d’ailleurs bien fait puisque entretemps le premier volume s’est vu remettre le prestigieux “Prix d’Excellence” au quatrième International Manga Award au Japon. Le second tome ne démérite pas. Mayumi et Satoshi, deux collègues qui entretiennent une liaison cachée, tentent de vivre leur amour en sauvant les apparences. Mais c’est loin d’être le seul secret de l’histoire. Sylvain Runberg et Olivier Martin connaissent bien la société japonaise et on est vite immergé dans la vie quotidienne des personnages, leurs rites, leur hypocrisie, leur mal-être. Ce qui s’annonçait comme un triangle amoureux presque banal dans le premier tome va soudainement basculer dans le thriller psychologique dans le second. Ne vous arrêtez donc surtout pas au premier volume qui sert surtout à poser l’ambiance et les personnages. Les rebondissements sont plutôt au menu du second. Les dessins d’Oliver Martin sont vraiment de toute beauté, entre crayonné et aquarelle, tout en nuances de gris. Les vues de Tokyo sont même proprement renversantes. Chapeau bas!

“Kaze: Cadavres à la Croisée de Chemins”
Vincent Dutreuil
La Boîte à Bulles
16,4 x 24 cm
128 pages
www.la-boite-a-bulles.com
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Évitons les allers/retours inutiles: nous étions au Japon, restons-y. On change toutefois d’époque puisque on plonge en plein XVIIème siècle, au temps des samouraïs et des rônins. Kaze, un rônin sur les routes pour retrouver la fille de sa patronne assassinée, tombe à un carrefour sur un cadavre transpercé d’une flèche dans le dos. Un pauvre hère est déjà à son chevet, d’ailleurs vite accusé du crime par les autorités. Peu convaincu, Kaze demande au Seigneur du coin de le laisser mener l’enquête. Vincent Dutreuil adapte ici le romancier américain Dale Furutani. Les polars transposés dans un passé historique et/ou exotique fonctionnent généralement assez bien (rappelez-vous “Le Nom de la Rose”). L’enquête de Kaze se suit donc avec plaisir même si le trait épais de Dutreuil n’aide pas toujours à s’y retrouver dans les personnages (bon, ça me fait pareil avec les films asiatiques, donc ça vient peut-être de moi). Ce n’est pas non plus le polar du siècle mais si vous aimez les nipponeries historiques, vous devriez y trouver votre compte sans souci. NB: “Kaze” souffre du problème dont on parlait au début de “Face Cachée”. Et on ne sait pas combien ni quand d’autres tomes sortiront. Bon, au moins, une intrigue est résolue, c’est déjà ça.

“-20% Sur l’Esprit de la Forêt”
Fabcaro
6 Pieds Sous Terre
21 x 27,5 cm
48 pages
www.pastis.org/jade
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“Quand j’étais enfant, je jouais dans l’escalier à inventer des histoires de cowboys avec mes playmobils, il y avait toujours la télé en fond qui venait interférer dans mes histoires, et cela donnait des scenarios décousus et incohérents qui étaient pour moi parfaitement crédibles. Et puis un jour, l’incohérence m’a dérangé. Un jour, je n’ai plus été enfant. Et puis un jour, finalement, si, de nouveau.” Cette petite explication de Fabcaro est quand même bien utile pour comprendre le sens de son travail. Le lecteur non-averti pourrait être décontenancé voire rebuté par ces incessants sauts du coq à l’âne totalement absurdes. Mais c’est également rapidement ce qui fait le charme et l’humour de ce livre difficilement racontable. Sachez qu’on y croise des cow-boys qui se tapent sur la fesse pour allez vite, des dessinateurs qui aimeraient bien vivre dans leur(s) bulle(s), des crimes de lèse-Bacri, un repas chez une grand-tante qui se passe moyennement bien, des playmobils, du PQ pour un copain, etc. etc. Le bordel, quoi. Mais organisé. Et finalement presque cohérent, et surtout souvent très drôle si vous goûtez un minimum les délires à la limite de l’absurde. Une véritable réussite!

“Tatanic”
Laurence Tramaux & Tom
Manolosanctis
19,5 x 28 cm
104 pages
www.manolosanctis.com
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Difficile de croire que le Tom qui dessine ce “Tatanic” est le même Tom qui dessinait “Le Monstre“. Non point que son trait ait radicalement changé, mais l’ambiance à l’opposé des deux histoires influe bien entendu sur les couleurs, la mise en case, l’énergie du dessin. Car autant “Le Monstre” sentait la mort, autant “Tatanic” sent la vie. Bon, ok, la vie de gros losers quand même, hein. Dans une cité d’Île de France, une bande de potes essaie ainsi de survivre tant bien que mal malgré la précarité et les violences de la société. Forcément, on frôle rapidement les limites de la légalité. Quand on ne les dépasse pas allègrement. “Tatanic” est donc une cavale improvisée, avec des voyous joyeusement incompétents pour l’exercice. Certes, on n’est pas dans l’excellence d’un Baru avec son “Fais Péter les Basses, Bruno” (voir ici), mais on a tout de même passé un agréable moment avec Jérôme, Badgi et les autres. Les auteurs auront réussi à signer un livre drôle sur la jeunesse des banlieues, sans trop de langue de bois angélique, ni de clichés TF1. C’est déjà un exploit en soi.

“La Femme de l’Ogre”
Etienne et Bernadette Appert
La Boîte à Bulles
19,5 x 27 cm
144 pages
www.la-boite-a-bulles.com
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En parlant de TF1, de clichés, tout ça, ça nous rappelle qu’en ce moment on nous balance un peu du féminisme/machisme à toutes les sauces, parfois même un peu à tort et à travers. Voilà un livre qui se soucie véritablement de ce que pensent les femmes. Enfin, au moins une, et dont personne ne parle jamais: la femme de l’ogre dans la fable du Petit Poucet. Qu’a-t-elle ressenti lorsqu’elle a découvert ses filles dévorées par son mari par erreur? Comment avait-elle pu tomber amoureuse de cet ogre? Qu’est-elle devenue par la suite? N’allez surtout pas croire que “La Femme de l’Ogre” est un livre léger, qui s’amuserait à parodier les contes pour enfants. Bien au contraire, c’est un livre rugueux, totalement muet, au graphisme chiadé et aux thématiques dures (le deuil, la rancune, le mal-être…). Autant dire que vous ne le laissez pas près du lit des petits. Une belle découverte en tout cas!

“Vers la Sortie”
Joyce Farmer
L’An 2
18,5 x 25,5 com
206 pages
www.editionsdelan2.com
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Puisqu’on vient un peu de plomber l’ambiance, on n’a plus de raisons pour ne pas vous parler de “Vers la Sortie”. Joyce Farmer y traite un sujet qu’on préfère tous éluder: la fin de vie de nos parents. La dessinatrice septuagénaire, grand nom de l’underground américain des 70s, trouve le ton et le temps justes. En 200 pages, on suit en effet le quotidien répétitif de Lars et Rachel, vieux couple d’octogénaires dont la santé physique et/ou mentale s’étiole au fur et à mesure des semaines. Les années ne passent pas vite, on a l’impression de revivre sans cesse les mêmes scènes, et pourtant les changements, même infimes, mènent inéluctablement vers le drame. Farmer pose toutes les problématiques: comment aider, accompagner, sans interférer, diligenter la vie de nos géniteurs? Comment concilier sa propre vie avec la mort annoncée de ceux qui nous sont chers? “Vers la Sortie” est un livre tendre, sobre, et intelligent. Le trait de Joyce est typique de cette école américaine que les lecteurs de Crumb devraient par conséquent apprécier (Crumb lui-même ne tarit pas d’éloges sur ce livre qu’il compare au “Maus” de Spiegelman ou “Persepolis” de Satrapi). Ne passez pas à côté de cette très belle chronique sociale pleine d’humanité.

“Tu ne Mourras Pas”
Bénédicte Heim & Edmond Baudoin
Les Contrebandiers
24 x 30 cm
116 pages
lescontrebandiers.free.fr
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On n’est pas sûr de ne pas faire un hors-sujet avec ce livre très grand format. Disons que l’expression “roman graphique” est ici prise au pied de la lettre car “Tu ne Mourras Pas” tient davantage du roman classique que de la bande-dessinée. Mais on aime tellement le dessin de Baudoin (souvenez-vous de “Le Parfum des Olives”, ici) qu’on vous en touche un mot quand même. Aude a 22 ans, elle est étudiante, a un petit ami, et une vie toute tracée. Elle ne veut pas y réfléchir mais elle hait inconsciemment cette vie à venir. Corentin est un petit garçon de 9 ans, au regard perçant et à la maturité étonnante. Les deux se rencontrent. Et il se passe ce qui ne devrait jamais se passer. Pour faire vite, on pourrait comparer “Tu ne Mourras Pas” à une sorte de “Lolita” dans l’autre sens. Malheureusement, Bénédicte Heim n’est pas (encore) Vladimir Nabokov, même s’il y a quelques très belles pages. Sa narration est encore trop scolaire, trop “il faut absolument que j’écrive des phrases longues avec des mots compliqués, ça fait pro”. Les dessins de Baudoin s’inscrivent en revanche parfaitement dans le récit. Il y a tout un tas de trouvailles graphiques magnifiques pour mêler le texte au dessin. Si la littérature vous branche, “Tu ne Mourras Point” mérite d’être lu. Et surtout regardé.

Bonne lecture et au mois prochain!

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Best Of - The Rapture, en 10 titres et pas un de plus

matthieu — Thu, 08 Sep 2011 13:34:49 +0000

Depuis 1998 qu’ils existent, The Rapture auront amplement contribué à l’essor du dance-punk, au même titre que d’autres cadors de New York comme LCD Soundsystem qui comme eux, mélangaient allègrement sonorités post punk, électroniques et dance. Après un premier EP chez Sub Pop en 2001, le groupe sort deux disques (”Echoes” en 2003 et “Pieces Of The People We Love” en 2006), participe à de nombreuses compilations, apparait sur des bandes originales de jeux vidéo, marchant ainsi longtemps sur un fil entre crédibilité indie et obligations de majors. Jusqu’au “In The Grace Of Your Love“, sa première sortie pour le label DFA devenue officielle en cette rentrée 2011, dernière marche en date d’une discographie jonchée de tubes dont on a ici tenté d’extirper le meilleur. Toujours matière à débat, mais c’est le jeu ma pauvre Lucette…

On y était! Retour sur Rock en Seine 2011…

Max Dodinet — Fri, 02 Sep 2011 13:06:56 +0000

Cela fait déjà neuf ans que Rock en Seine occupe sans partage le dernier week-end d’août, autant d’années que le parc de Saint-Cloud accueille l’un des derniers grands rendez-vous musicaux de l’été. Une nouveauté en cette nouvelle édition: une quatrième scène histoire d’offrir encore un peu plus d’ampleur au festival parisien. Retour donc sur ce cru 2011, lui aussi rythmé par les averses, auquel il aura manqué le petit quelque chose pour que l’évènement - qui se défend déjà bien - devienne définitivement incontournable.

Vendredi 27 août

EDWARD SHARPE & THE MAGNETIC ZEROS - BIFFY CLYRO - ODD FUTURE - THE KILLS - FOO FIGHTERS - PAUL KALKBRENNER

C’est la règle à Rock En Seine: il faut arriver tôt pour pouvoir profiter des premiers concerts - souvent parmi les meilleurs - prévus dès 15h. Et déjà les choix s’imposent: ce sera Alexander et sa bande de hippies (Edward Sharpe and The Magnetic Zeros) ou les Smith Westerns. Refroidi par l’idée d’une scène principale trop grande pour les quasi-adolescents, notre (bon) flair nous guide plutôt vers les premiers, qui ont partagé leurs quarante minutes de set entre rappels de leur premier album et titres inédits. Le tout non sans talent, bien que “Home” - tube attachant tant attendu - ait fait pschit en raison d’une interprétation trop lente, manquant cruellement d’énergie. Bonne mise en jambe cependant, même s’il faudra attendre une autre occasion pour connaitre l’orgasme collectif.

Après avoir succombé aux charmes de leur récent DVD live, il fallait tester Biffy Clyro en chair et en os. Les Écossais, pas encore aussi adulés en France qu’ailleurs, avaient l’opportunité de mettre tout le monde d’accord. Chose dont ils ne se sont pas privés malgré l’horaire précoce. Déjà torses nus pour ne pas avoir à pourrir un tee shirt à coups de sudation généreuse, le groupe décline énergiquement des tubes, certes très orientés teenagers, mais d’une efficacité imparable qui happe dès les premières minutes. “The Captain”, “Glitter & Trauma”, “Mountain”, tous y sont pour souligner le talent de ces musiciens. Assurément un des meilleurs moments de ce vendredi.

C’est avant tout la curiosité qui nous pousse à aller voir Odd Future en live.Tyler The Creator et ses potes se présentaient un à un sur scène, multipliant les poses pour un joli bordel. Sur disque, le combo a fait ses preuves jusqu’à devenir la nouvelle référence du hip hop US. Mais concrétiser en live n’est pas donné à tout le monde, surtout lors de grands évènements comme celui-ci. En revanche, on retenterait bien dans une salle à l’avenir.

Suivra un moment de creux profond pendant une bonne heure et demi. Les coupables? Les pourtant très bons CSS qui massacreront leur début de concert, et un Kid Cudi en retard et définitivement surestimé. Restait The Kills pour sauver la situation, même si on aurait préféré les voir de nuit. Dave Grohl apprécie le concert depuis l’un des côtés de la scène, note certainement à quel point la guitare de Jamie Hince se fait plus tranchante que jamais, et qu’Alisson Moshart mange de mieux en mieux à la cantine des festivals… “No Wow”, qui leur sert d’intro à chacun de leur concert, se fait redoutable, et fait monter la pression. Manifestement, les titres de leur “Blood Pressures” sorti il y a quelques mois maintenant sont déjà parfaitement rodés sur scène. The Kills n’ont finalement qu’à balancer le reste de leurs tubes pour faire de leur show un bon moment à défaut d’être subjuguant.

Mais c’est bien la grosse machine américaine, ragaillardie depuis quelques années, que tout le monde attendait au tournant. Avec son attitude de rockeur le plus cool du monde, leur ex-Nirvana de leader se montre généreux, ultra-motivé pendant les deux heures et vingt chansons que ses Foo Fighters reviendront sur leur dernier album, comme sur leurs (déjà) 17 ans de carrière. Apparemment heureux d’être là, Dave Grohl gueule tout ce qu’il peut, et jure qu’il va jouer toute la nuit si on ne les arrête pas. On a failli y croire au moment ou la prestation commençait tragiquement à souffrir de longueurs, notamment en raison d’interminables joutes entre guitaristes et une setlist peut être trop centrée sur les dernières années de leur discographie. Qui donne moins peut plus…

Avant cela, alors que les Foo Fighters peinaient à conclure, l’Allemand Paul Kalkbrenner avait déjà entamé son set depuis belle lurette. La pluie s’invitant à la fête, seuls les plus férus avaient encore l’énergie de danser.

SAMEDI 28 août

BLACK BOX REVELATION - POLOCK - BLONDE REDHEAD - THE STREETS - DEATH FROM ABOVE 1979 - ARCTIC MONKEYS - ETIENNE DE CRECY

Après un rapide passage sur la scène de la Cascade pour apprécier le rock en duo des Belges de Black Box Revelation, c’est Polock - phénomène pop espagnol déjà largement répandu dans nos pages - qui attirait notre curiosité sur la nouvelle scène du festival. Les “Defenssless”, “Tangerine & Unicorn”, “Faster Love” et surtout “Fireworks” ont confirmé que les ibériques - malgré un léger manque de charisme et de présence du fait de leur jeune âge - méritaient leur nom à l’affiche du cru 2011.

C’est le moment qu’ont choisi les Blonde Redhead pour définitivement prouver le peu d’intérêt suscité par leur dernier. La scène ne trompe pas, et le contraste est grandissant au fur et à mesure que s’égrainent les tubes de “Mystery Is Butterfly” ou de “23″. “Dr. Strangeluv”, “Doll Is Mine”, “SW”, “Falling Man” sont autant de chansons qui font toujours de Blonde Redhead un groupe unique, particulier, et plaisant bien qu’il ait particulièrement du batailler pour se mettre le public de Saint Cloud dans la poche.

Il en fut tout autrement pour Mike Skinner venu faire les adieux de The Streets à la France suite au désistement de Q-Tip. Paris a donc pu saluer l’un des songwritters les plus doués de ces vingt dernières années. En retour, l’Anglais a donné une véritable leçon d’entertainment, entre création d’un circle pit plus gros que celui d’Interpol (le souhait de l’artiste), et hommage appuyé à Amy Winehouse qu’il avait aussi remplacé il y a quatre ans. “Turn The Page”, “Everything Is Borrowed”, “Fit But You Know It”, “Blind By The Lights”, The Streets a salué ses fans de la plus belle des manières.

Après d’excellentes bribes de Cocorosie et de The Jim Jones Revue en guise de pause, c’est l’heure de Death From Above 1979, reformé depuis le printemps, et toujours aussi puissant. Malgré un son approximatif au démarrage, c’est leur seul et unique album “You’re A Woman, I’m A Machine” qu’ils balancent sans temps morts. La basse obtient finalement la force qui lui convient, tandis que le chant et le jeu d’un batteur enragé font le reste. “Turn It Out”, “Romantic Rights”, “Go Home, Get Down”, autant de bombes increvables que les fans d’Arctic Monkeys - partis se placer pour leurs héros - ont manqué. Ce fut dense, enragé, furieux, nécessaire pour une affiche qui était jusque là restée trop sage.

Avant la fin des hostilités, Alex Turner et sa nouvelle coupe rockab’ se présentait sur la grande scène pour clôturer la soirée. Devant un public conquis d’avance, Arctic Monkeys n’a pas eu grand chose à prouver, si ce n’est qu’il savait mieux gérer le statut de tête d’affiche que les Foo Fighters la veille. Une heure et demi de show, tous les albums parcourus, et un constat irrévocable: les deux premiers restent toujours les plus appréciés par le public. “When The Sun Goes Down”, “I Bet You Look Good On The Dancefloor”, “Brianstorm” sont toujours imparables et provoquent la liesse, laissant le reste du set face à une réaction plus froide de l’assistance, encore plus évidente en live. Contrat rempli cependant.

Tradition électronique du samedi soir oblige, c’est Etienne de Crecy, perché sur sa structure cubique pour son show “Beats & Cubes” calé au millimètre, qui transforme le festival en dancefloor. Le français, auquel on pourrait encore reprocher un léger manque de folie, a su faire oublier la fatigue et les jambes lourdes.

DIMANCHE 29 août

THE LA’S - MILES KANE - DEFTONES - NNEKA

Malgré une arrivée sur les mélodies de Simple Plan suivi de près par My Chemical Romance (deux choix de programmation qui feront débat), l’humeur est au calme et au repos. On tente quand même une percée pour The La’s, ces icones brit-pop du début des années 90 qui, malheureusement, ont manifestement très mal vieillis. Brouillons, faux dans leurs interprétations, on a l’impression d’assister à une mauvaise répétition que même “There She Goes” ne viendra pas sauver. L’organisation a du rire jaune en signant le chèque…

Miles Kane, lui, n’a pas ce genre de problème. Le compère d’Alex Turner au sein de The Last Shadow Puppets fait preuve d’une facilité et d’une sympathie déconcertante sur scène. Il a les arguments pour, son premier album étant une mine d’or de tout ce qui se fait de mieux en matière de brit-pop. L’attitude est là, le look aussi, l’accent du nord de l’Angleterre évidemment… Tout parait presque trop facile pour lui. Du coup, l’Anglais met sans effort tout le public dans sa poche dès la première chanson, et balance les joyaux de son disque que sont notamment “Rearrange” et “Closer”. Presque de quoi repenser à la prestation de son pote la veille.

C’est alors que les bermudas longs, les chaussettes relevées, les vans et autres tatouages de rigueur se ruent tranquillement vers la grande scène pour les rugissements très attendus du jour. Du haut de leurs quinze ans de carrière, les Deftones vont en découdre avec le public. Chino Moreno - à la ligne et à la voix toutes retrouvées - saute et beugle tandis que le batteur martyrise les fûts de sa frappe de mule. Les californiens opèreront de nombreux retours sur les classiques de “Around The Fur” ou “White Pony” pour un concert en véritable bain de jouvence. Dommage seulement que le tout n’ait pas duré plus d’une heure, le groupe ayant largement la place et le répertoire pour jouer plus tard, et ainsi s’offrir une demi heure supplémentaire sur laquelle son public n’aurait pas craché.

Derrière, il ne fallait pas plus que le concert soporifique de Nneka pour retourner dans nos pénates, quitte à se passer de l’attendue Lykke Li qu’on compte bien revoir un jour. Malgré quelques erreurs de programmation, dans les choix comme dans les horaires, Rock en Seine redonne rendez vous l’année prochaine. On en sera.

Crédits photos: Maxime Dodinet

On y était! Retour sur La Route du Rock Eté 2011…

Max Dodinet — Wed, 31 Aug 2011 15:34:48 +0000

Rendez vous incontournable pour tous les aoutiens mélomanes, La Route du Rock proposait cette année encore un plateau des plus alléchants, ou tout le monde pouvait y trouver son compte. Peu surprenant en y repensant, ne manquait vraiment que le soleil pour que cette collection été reste définitivement comme une des plus belles vécues par les festivaliers bretons. Retour sur trois jours humides, dans les bottes comme dans le pantalon…

Vendredi 12 août

BOTIBOL - ELECTRELANE - MOGWAI - SUUNS - ZOMBIE ZOMBIE - APHEX TWIN

Sur toutes les lèvres depuis l’annonce officielle de la programmation, cette Route du Rock 2011 commença sous les meilleurs auspices avec la désormais traditionnelle “Foot is not dead”, où votre webzine préféré fut représenté au sein de l’équipe du blog F-mr, arrivée troisième après quelques victoires à l’arrachée. Après les étirements d’usage, direction la plage Bonobo pour le premier concert de cette vingtième édition.

C’est à Botibòl que revenait l’honneur d’inaugurer le festival devant une assemblée assez décontractée, couchée sur les transats ou assise devant les premières bières. L’auteur de “Born From a Shore” livra un concert des plus gracieux, fleurant bon la désinvolture des vacances. Accompagné par Arch Woodman à la batterie, le songwriter a présenté la quasi-intégralité de son album, ainsi qu’un inédit, poussant la voix avec une facilité déconcertante. Ses titres les plus pop - notamment le fameux “We Were Foxes” - firent mouche tandis que les compositions folk finirent d’endormir certains plagistes. Bonne nouvelle: le soleil (personnage clé du festival) finissait d’éclairer la scène à la conclusion du concert.

Après quelques difficultés pour localiser les navettes et s’y incruster, le Fort de Saint-Père se présentait devant nos yeux, malheureusement trop tard pour voir Anika et encore juste pour Sebadoh. De l’avis général, si la première a peiné à convaincre, probablement trop isolée sur la grande scène, Sebadoh raviva la flamme des plus anciens, sans toutefois rester au moment de faire le bilan du festival.

C’est donc avec Electrelane que les hostilités débutèrent vraiment pour nous. Une vraie bonne nouvelle pour tous ceux qui ont suivi le parcours des quatres filles de Brighton. Elles viennent seulement de se reformer et pourtant, l’impression générale est celle d’un groupe qui n’aurait jamais splitté. En retrait lors des premiers titres, Electrelane est progressivement monté en puissance avec un set alternant l’hypnotisme et le (très) dansant. Avec un public acquis à leur cause, elles se sont laissées aller à reprendre “Smalltown Boy” et “The Partisan”, dans une effusion sonore poussant le Fort à son paroxysme. Ceux qui avaient loupé les dates parisiennes ont même laissé quelques larmes de joie, à l’instar des vieux qui pensaient ne jamais revoir Sebadoh. Electrelane a livré l’un des meilleurs concerts de ces trois jours avec, en point d’orgue, un magnifique “Long Dark” qui finit d’achever béotiens et fanatiques.

Vint ensuite le tour de Mogwaï, présenté avec beaucoup d’émotion par Verity. L’ordre de passage n’était pas dû au hasard, les écossais constituant la suite logique des anglaises. Comme on pouvait s’y attendre, le combo a joué fort, très fort, son “Hardcore Will Never Die But You Will“. Étirant ses compositions au maximum, jouant sur nos tensions, il a bâti un concert sans failles. Moins froid que par le passé, visiblement ravi d’être présent sur scène, le quatuor a déroulé avec facilité et maitrise. Encore fade lors de “Rano Pano”, le set fut définitivement lancé avec “Mexican Grand Prix”, premier point culminant d’un concert tellurique, sonore et intense. Mogwaï fait du Mogwaï, rien d’extravagant, simplement envoûtant.

Si Mogwaï n’appelait pas spécialement à la danse, Suuns pouvait en revanche y prétendre, surtout à une heure avancée où le public commençait à être bien chaud. Les Québécois commencèrent avec “Arena”, toujours épique, petit tube électronique qui permit - déjà - de séduire tout le Fort. On ne pouvait rêver meilleure introduction. Fidèles à leurs précédents concerts, les Suuns ont construit une setlist mêlant quelques morceaux de leur EP ne figurant pas sur “Zeroes QC”. Ainsi, ceux qui n’avaient jamais jeté une oreille dessus ont eu l’agréable surprise de découvrir le très bon “Disappearance of the Skyscraper”, et surtout le bijou “Optimist”, véritables compléments de l’album. Certains doutaient encore de l’efficacité de Suuns sur une grande scène, les doutes sont désormais définitivement levés. Ce groupe prend une dimension hallucinante et la conclusion avec “Sweet Nothing” peut l’attester. Aboutissement tubesque d’un concert définitivement trop court, comme d’habitude avec Suuns. Là encore, un des moments forts de ce premier soir, définitivement le plus dense des trois jours. La relève fut dignement assurée par la moitié de Zombie Zombie, l’ex-Married Monk Etienne Jaumet. Bien réchauffé par les breuvages, je vous passerai les détails les plus techniques pour simplement écrire que son set sur la scène de la Tour fut l’interlude parfait. Armé de ses claviers et d’un sax, son électro synthétique a fédéré tous les festivaliers désireux de bouger leur cul. Parfait.

Enfin, l’apothéose de ce Vendredi fut l’arrivée de l’homme aux multiples pseudonymes: Richard D. James aka Aphex Twin. Ce dernier s’est volontairement effacé au profit de ses spectateurs, dévisagés par des caméras avant d’être morphés en direct, ou souillés par des pixels colorés. Une performance technique encore inédite qui servit de support visuel détonnant à un concert apocalyptique. Grâce à des basses au niveau sonore indécent, Aphex Twin a joué avec nos sens, visuellement d’abord mais aussi physiquement. Petit à petit, ce dernier set est monté en régime pour finir en drum’n’ bass pour le moins hardcore. Fatigué par cette longue soirée, courbaturé par la “Foot is not dead”, je ne vis pas les dernières minutes de ce show, mais tous ceux qui restèrent ne l’ont pas regretté. Toutes les pensées étaient déjà tournées vers le lendemain avec une pluie qui s’annonçait comme le fil rouge de ce Samedi avec Battles en guise de consécration.

Samedi 13 août

LOW - CULTS - BLONDE REDHEAD - THE KILLS - BATTLES

En cette nouvelle journée, La Route du Rock a donc retrouvé son fidèle compagnon: la pluie, qui n’allait pas la lâcher durant sept heures de suite, et à laquelle seul Battles aura finalement échappé. D’abord, les vétérans de Low ont centré leur set très sobre et intense autour de leur dernier album “C’Mon“, dont la beauté pure s’est confirmée sur scène. Le groupe a mis tout le monde d’accord dès le premier morceau interprété avec un “Nothing But Heart” plus brut que sur disque, mais d’autant plus beau. La guitare d’Alan, saturée puis claire, comme le drum kit réduit de Mimi, ont démontré que le groupe n’a généralement pas besoin de grand chose pour transmettre des émotions que trop peu de groupes parviennent à laisser échapper. “Especially Me”, “Try To Sleep”, “You See Everything”… La setlist est délibérément orientée vers la mélodie, tendance déjà affichée sur “C’Mon”. Le groupe fera également plusieurs retours sur son grand “The Great Destroyer” et quelques autres jolis moments de sa discographie. 18 ans de vie déjà pour Low, et peut-être le sommet de sa carrière jusque là. Plus beau que jamais en tout cas. Où comment faire que la pluie ne compte pas, ou que, au contraire, elle contribue à la magie du moment.

C’est au tour de Cults de se présenter sous une pluie battante. Personne ne rechigne finalement, et la musique le vaut bien, notamment ce “Go Outside”, clairement un des plus gros tubes de ces derniers mois qui aura contribué à révéler le combo aux oreilles du monde entier. Au delà de ce titre, c’est finalement un set très girls group sixties qu’affiche Cults, jusque dans son apparence plutôt soignée. On ignore quelle carrière leur est promise, mais les chansons s’avèrent plutôt bonnes, bien que leur interprétation scénique ne soit pas des plus convaincante, leur chanteuse mettant un temps un peu trop de temps à trouver la justesse de son chant.

Stoppés par les intempéries en 2004, les Blonde Redhead avaient l’occasion de se venger cette année en offrant un concert dont le répertoire allait parler tant aux fans les plus récents, qu’à tous ceux qui avaient connu la désillusion il y a sept ans. Pourtant, et pour être honnête, le meilleur de Blonde Redhead est certainement derrière lui. Logique donc que les compositions de “Misery Is Buterfly” furent les plus acclamées… Un concert par moments un peu froid, aucune communion avec le public, mais beaucoup de chansons intenses et poignantes, quelles soient interprétées par l’un des deux jumeaux Pace, ou par Kazu. Convaincant, finalement.

Non, Kate Moss n’a pas accompagné son Kills de mari sur le domaine de Saint-Père… Une fois sur scène, Jamie et Alisson déballent la plupart des tubes qui ont fait leur histoire. Rapidement pourtant, on peut établir un premier constat: c’est lui qui porte la culotte. Le son de guitare volontairement cradingue accapare l’attention, au point qu’on ne croie malheureusement pas beaucoup au jeu de scène d’Alisson. Stéréotypé, attendu, sans surprise, fatiguant dès la troisième chanson, le tout manque d’un peu de sincérité. Reste que le duo aura réussi à stopper la pluie, pour le plaisir de Battles qui s’apprête à monter sur scène.

Lors de la première partie de sa tournée qui a suivi la sortie de “Gloss Drop“, les avis ont toujours été mitigés. Des concerts propres, presque trop… Rien de similaire à l’accueil de leur magistral premier album… On attendait donc de voir si les choses avaient changé en quelques semaines, si la machine Battles tournait désormais plein pot. La réponse ne se fit pas attendre: une claque, peut-être le meilleur concert de cette édition 2011. Un John Stanier (batterie) hors-norme et surpuissant tout au long du set, un Ian Williams aussi efficace qu’énervant, et un Dave Konopka qui se fond de plus en plus dans le décor. “Ice Cream”, “Sundome”, mais aussi un “Futura” dantesque et hypnotique auront contribué à faire le Battles de ce samedi soir sur la Terre. En bonus, on a même pu profiter de la présence de Kazu Makino sur “Sweetie & Shag”. Mais, la cerise sur le gâteau ne fut autre que ce retour au premier album via un “Atlas” toujours aussi magique. Effacées les déceptions scéniques printanières, Battles s’assume enfin sans son ex-leader. Magistral.

Dimanche 14 août

JOSH T. PEARSON - HERE WE GO MAGIC - OKKERVIL RIVER - CAT’S EYES - FLEET FOXES - CROCODILES

C’est en se rendant à la conférence de presse de Josh T.Pearson, ancien Lift To Experience, qu’on se rend compte à quel point on a certainement manqué un grand concert. Un moment avec les journalistes partagé entre fatigue, sens de l’humour décapant, et émotion intense, au moment d’aborder son dernier album en date, retraçant ses récentes et douloureuses mésaventures amoureuses. On imagine alors Josh, seul avec sa guitare sur la scène du Palais du Grand Large, déballant ses déboires sans se cacher, plaçant quelques vannes cinglantes entre deux chansons. Dommage, on aurait aimé voir ca…

Vers 19h15, et avec un soleil retrouvé, c’est le Here We Go Magic de Luke Temple qui se présentait au public pour un vrai concert de début de soirée. Reposant et attrayant, son meilleur moment fut “Fangela”, superbe chanson tirée de l’album éponyme du groupe. Les Américains laissaient alors la scène à leurs compatriotes d’Okkervil River, sources d’avis contraires dans l’assemblée. Simple découverte pour certains, déception pour d’autres en raison du manque de personnalité et de surprise d’un groupe qui peut s’avérer si envoutant sur disque. Certes, tous n’ont peut-être pas démontré toute leur valeur ce soir mais, malgré tout, la prestation fut plaisante et énergique. Mitigé, mais de là à être déçu…

Après eux, le Leader de The Horrors et sa compagne présentaient pour la première fois en France leur projet commun qui ne peut évidemment pas se débarrasser totalement de la comparaison quand celui-ci prend le micro. En live, les compositions sont plus dures, plus saturées, plus lourdes. Mais c’est lorsque sa compagne chante que la différence se fait. Elle y interprète toute en douceur des petites chansons de pop baroque (”The Best Person I Know”, “I’m Not Stupid”), comme pour marquer le contraste avec son compagnon. Toutefois, rien ne viendra en faire un des concerts mémorables de ce cru 2011.

Point d’orgue légitime de cette soirée, Fleet Foxes vivait là son concert français le plus important en termes d’assistance depuis son éclosion en 2007. A en croire sa surprise et son émotion lors de son entrée sur scène, Robin Pecknold n’y est pas resté indifférent. Ému, le public le sera également. Car après seulement trois titres, on a déjà la sensation d’assister au plus beau concert de cette édition de la Route du Rock. Seule la musique compte avec Fleet Foxes, toujours maitre des harmonies vocales magnifiques venant servir des compositions qui prennent toujours plus d’ampleur sur scène. L’enchainement “White Winter Hymnal” et “Ragged Wood” sonne un retour au premier album, “He Doesn’t Know Why” reste toujours aussi épique. Dès lors, grâce aux grands “Battery Kinzie”, “Grown Ocean”, ou encore “Helplessness Blues”, on comprend définitivement toute la beauté du dernier album de ces fins musiciens et vocalistes d’exception. Voir Fleet Foxes en live, c’est voir la plus belle Amérique musicale sur scène, d’une beauté spectaculaire…

Forcément, passer après une telle messe n’est pas chose facile. Crocodiles, auteur d’un album plutôt sympathique l’année dernière, se voient un peu surpassés sur cette scène, certainement l’une des plus grandes sur laquelle ils soient montés. Les chansons sont là, sont bonnes, mais on ne croit pas trop à l’attitude un peu stéréotypée de leur chanteur qui use et abuse de toutes les poses rock possibles et imaginables. Il y aura malheureusement de grosses longueurs durant ce concert qui pousseront pas mal de personnes à quitter les lieux en cette nuit froide, à défaut d’être pluvieuse. Les plus durs au mal y trouveront pourtant leur compte…

Car, devant une foule prête à lâcher la bride, Dan Deacon a réussi à créer une liesse digne des JMJ. Manipulant le public comme un GO du Club Med, le gourou a lâché des morceaux barrés, electro, rock, hip-hop, messianiques. Même un boy-scout nourri au lait aurait chanté la gloire de Satan. Devant cette nouvelle secte, seul au micro, derrière ses claviers et ses samplers, Deacon est celui qui marqua définitivement le caractère inoubliable de sa programmation.

Enfin, s’il y en a un qui n’oubliera pas cette Route du Rock de si tôt, c’est bien Mondkopf. Le Rennais avait, en guise de cadeau d’anniversaire, le privilège de conclure définitivement le festival. Bien loin de la ouate de “Galaxy of Nowhere”, Paul Régimbeau avait bien décidé de se servir de la brutalité de son nouveau disque, “Rising Doom“. Dès le début du set, servi par des basses indécentes de puissance, il créa le club à ciel ouvert, lançant définitivement la jeunesse au son de ses uppercuts sonores. C’était sans compter les aléas techniques, jusque là inexistants depuis le début de l’évènement: le Français fut contraint de s’arrêter durant plusieurs minutes puisque, après le non-lancement des visuels prévus, c’est le reste de son matériel qui lâcha. Las, les jambes usées, les oreilles décomposées, cet intermède marquait pour nous la conclusion de cette vingt-et-unième Route du Rock, probablement l’une des meilleures de son histoire.

Crédits photos: Maxime Dodinet, Alter1Fo.com
Article co-écrit par Maxime Dodinet et Jeremy Le Bescont

Best of - Sole en 10 titres, et pas un de plus…

matthieu — Thu, 21 Jul 2011 15:19:26 +0000

S’il fait surtout parler de lui ces temps-ci grâce à “Hello Cruel World“, son tout nouvel album avec le Skyrider Band, c’est seul que Tim Holland - aka Sole - s’est fait un nom au sein de l’impitoyable rap game. Connu pour avoir fondé Anticon, l’un des labels les plus influents des années 2000, on le reconnait par son flow sombre et agressif, travaillé depuis l’âge de 15 ans, et portant généralement un message conscient, sarcastique, politiquement engagé, bousculant les clichés habituellement croisés dans le hip hop. Également producteur à ses heures, il n’a cessé d’accumuler les projets tout au long de sa carrière. Ainsi, on l’a aussi croisé chez Deep Puddle Dynamics ou Live Poets, ou entendu sous le pseudo Mansbestfriend. Bien perché tout en haut d’une discographie longue comme le bras, Sole a donc rendu notre exercice du best of particulièrement périlleux. Au fil des choix qu’il a bien fallu faire, 10 titres sont restés. En écoute ci-dessous.

mowno » zoom

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