Qui a déjà vu Fugazi sur scène, sait à quel point il n’existe aujourd’hui toujours aucun groupe qui puisse le détrôner dans cet exercice. Non seulement parce que la bande de Ian McKaye et Guy Picciotto offrait des prestations à la hauteur de son éthique (petit prix d’entrée, concerts pour un public de tout âge uniquement…), mais aussi parce qu’elle prenait grand soin de son public, prônant le respect, interdisant le stage diving jusqu’à interrompre un morceau quand cela arrivait, tout cela pour que tout le monde apprécie le moment sans risquer d’être blessé. Sur scène, les coups de gueule comme les leçons de morale étaient donc récurrents. Mais, malgré les apparences, Fugazi avait aussi beaucoup d’humour, et l’exerçait aussi parfois entre ses morceaux. C’est tout cela, pendant quarante minutes, qui est compilé sur ce “Having Fun On Stage With Fugazi”, un mp3 documentaire monté par un amateur qui est en train de faire le tour du monde. Comme sa musique, ses moments valent aussi le détour pour finir de dessiner les contours d’un groupe éternellement mythique.

En écoute:
“Having Fun On Stage With Fugazi“

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Construit autour des personnalités des frères Lontie, Bikinians trouve ses inspirations du côté des Supergrass et des Kinks, et plus récemment de Cold War Kids, Black Mountain et The Willowz. Le premier EP «Roller Coaster», mixé par Christine Verschorren (Deus, Ghinzu, Hollywood Porn Stars, …), sort en Janvier 2008, quatre mois après la formation du groupe. Vont suivre plus de 80 concerts dans l’année, dont des prestations remarquées aux Dour Festival, Les Nuits Secrètes, MarktRock, Verdur Rock, la Boutik Rock, et des premières parties. Le groupe reçoit également le soutien de plusieurs radios nationales belges (Studio Brussel, Pure FM,…). En Janvier 2009, Bikinians retourne en studio pour enregistrer son second EP «Rhinocirrhosis». La production est cette fois entre les mains de Charles de Schutter (Ozark Henry, Superbus,…) et John Roo (Sharko, Experimental Tropic Blues Band,…). Les morceaux y sont plus arrangés, mais la composition reste au centre du projet, avec des titres à la fois mélodiques et percutants.

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Charlotte a beau s’appeler Gainsbourg et avoir sorti “5.55” il y a deux ans avec les proprets Air, elle n’est encore que l’interprète du venimeux “Lemon Incest” quand le plus grand public l’extirpe du grand écran. En effet, très cohérent mais sans véritable tube, son deuxième disque en vingt ans confirmait un statut d’artiste complète mais, en sonnant un poil trop lisse et inoffensif, ne faisait qu’installer la belle actrice devant un micro: un scénario déjà lu, même si pas souvent aussi convaincant. Une fois encore, Charlotte a beau s’appeler Gainsbourg, l’ombre du grand Serge ne lui suffit pas seulement à enrôler à ses côtés un des musiciens les plus marquants de notre génération. Déjà approché pour “5.55″, mais en vain, celui qui n’a cessé de démontrer qu’il était tout autre que le “Looser” qu’il chantait en 1994, n’a cette fois pas laissé passer l’occasion.

En mélangeant la malice et l’éclectisme de Beck le compositeur insatiable, à la sensibilité et l’exigence de sa muse Charlotte Gainsbourg, “IRM” s’apprête à fermer quelques clapets. Car, à l’exception du sixties “Chat du Café Des Artistes” et des percussions récurrentes du nord de l’Afrique rappelant le “Gainsbourg Percussions”, la belle n’est plus vraiment la “fille de”, encore moins de ces potiches du Septième Art tentant le roucoulement en studio. Non, ici elle sort définitivement de cet écrin de velours dans lequel on ne cesse de l’enfermer depuis son adolescence, de ses récents artifices aussi, pour devenir à la fois perturbante et perturbée, épineuse, piquante même, sans jamais perdre de son charme ni de son élégance. Sur “IRM”, Charlotte ne se suffit pas de vernir le travail du prodige américain: par ses envies, ses réactions, les bribes qu’elle lui a tendues, Beck s’est finalement mis à son service jusqu’à devenir quasi-transparent (son touché plane quand même incontestablement sur le très bon single “Heaven Can Wait”), laissant l’inspiration venir à lui à force de simplement côtoyer sa source.

Ainsi, fortement marquée par l’hémorragie cérébrale l’ayant frappée l’an passée, la belle a, consciemment ou non, imposé une atmosphère authentique et sincère, paradoxalement sombre et légère, tout au long des treize titres d’un disque aux forts accents psyché (”Me And Jane Doe”), qui souligne avec autorité qu’on peut être accessible tout en ayant une personnalité artistique bien marquée. Libérée comme jamais, elle nous mène donc de surprise en surprise jusqu’à jouer à cache-cache (les possédés “IRM” et “Voyage”), et fait s’opposer douces ballades subliment orchestrées (”In The End”, “Vanities”) et déflagrations rugueuses (”Tirck Pony”). Le tout sans manquer de déposer au passage quelques diamants noirs nés d’une évidence, de cette collaboration au départ incertaine, devenue fusionnelle (”Master’s Hands”, “Time Of The Assassins”, “Greenwich Mean Time”).

Poussé à l’extraversion par un Beck tombé à pic, Charlotte Gainsbourg laisse donc savoir à qui veut bien l’entendre que, derrière sa personnalité timide et difficile à cerner, se cache une artiste riche et affirmée qui, au fil du temps, parvient magnifiquement à s’émanciper pleinement d’un héritage flatteur mais lourd à porter. Finis les chuchotements caricaturaux, la demoiselle chante bel et bien. Certains auront droit de trouver à redire et ne pas aimer “IRM”, mais ils ne pourront plus contester l’un ou l’autre des statuts de la fille d’un Grand Serge qui doit certainement regarder en bas avec un regard embué d’une fierté débordante.

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“Collision”, c’est la rencontre de deux monstres sacrés de la musique française: Hint, porte drapeau de la scène noise hexagonale des années 90, et Ez3kiel, pilier de notre scène electro dub qui n’en finit plus d’aller narguer d’autres territoires musicaux. Ce digipack, à la fois CD et DVD, accompagne les deux groupes tout au long des dix dates qu’ils ont donné ensemble pour dix moments mémorables.

En partenariat avec le label Jarring Effects, Mowno met 5 exemplaires de l’objet à disposition de ses lecteurs. Pour figurer parmi les heureux gagnants, soyez dans les plus rapides à répondre correctement à la question ci-dessous.

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Ez3kiel sur Mowno
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Hint sur Myspace
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Après un premier maxi sorti il y a un an, le sud africain Ben Sharpa officialise sa collaboration avec Jarring Effects via un premier album qui n’a rien à envier aux nouveaux grands pontes universels du hip hop. Comme eux, il n’hésite pas à aller piocher dans le grime, le dub, l’electro, et le ragga pour enrichir son registre efficace.

En partenariat avec le label Jarring Effects, Mowno met 5 exemplaires de l’album à disposition de ses lecteurs. Pour figurer parmi les heureux gagnants, soyez dans les plus rapides à répondre correctement à la question ci-dessous.

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Ben Sharpa sur Mowno
Ben Sharpa sur Myspace
Site officiel Jarring Effects

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Vos concerts par région, la sélection de la rédaction, les festivals à ne surtout pas manquer, des réservations en un clic… Plus clair et plus utile, le nouvel agenda de Mowno ne vous laisse plus aucune excuse pour passer au travers des meilleures sorties musicales. C’est par là.

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Depuis son premier album chez Ninja Tune, Homelife s’est toujours présenté comme un collectif de musiciens multi instrumentistes, passant tour à tour en studio pour enrichir le noyau de chacune des compositions nées de l’imagination de ses trois mentors, Paddy Steer, Tony Burnside et Simon King. Cette fois au catalogue du plus obscur label britannique Humble Soul - uniquement pour cet album ou pour toujours? - Homelife se réduit seulement aujourd’hui au premier, qui a abordé ce “Exotic Interlude” avec la ferme volonté d’en faire un disque solo ou il jouerait donc de tous les instruments. Cet album, c’est donc un peu son tableau de maitre. Ses outils: peu nombreux et majoritairement acoustiques, quelques percussions et synthés, une guitare hawaïenne pour servir un étrange contraste. Celui d’une ambiance exotique, mot choisi par l’intéressé pour définir ce qui est autre qu’urbain (sic), ou légèreté et pureté affrontent sans crainte une tension sous jacente. A ce titre, l’idée d’une place de village coincée entre quelques hauts buildings, soufflée par Paddy Steer lui-même, ne pouvait être meilleure image pour dessiner les contours de ce “Exotic Interlude” aux charmes épineux. Homelife aligne ainsi quelques ballades folk teintées d’influences caribéennes et hawaïennes (”Everywhere”, les splendides “Along The Verge” et “Lincoln Square”), voire jazz (”Sunday Streets”), sans oublier l’imprégnation pop inévitable comme chez tous musiciens anglais. Et ce qui pourrait paraitre étrange sur papier finit par sonner magnifiquement, au point de rappeler parfois les chansons caniculaires de Calexico (”Circles”). Dommage d’ailleurs que ce disque paraisse alors que pointe l’hiver. Car, bien qu’il ait assez de potentiel pour exister quelques longs mois, c’est incontestablement sous 40 degrés, à l’ombre d’un parasol et en sirotant une caïpirinha glacée, qu’il se ferait le plus apprécier.

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Rap alternatif est une étiquette que Les Gourmets souhaitent apparemment ne plus voir collée à leur musique. Pourtant, le registre des lyonnais est bien loin des stéréotypes FM, comme ceux du rap français le plus underground. Bien calé qu’il est entre les deux, on se contentera donc de le qualifier d’ “autre rap”, une formule certes batarde mais qui n’ôtera jamais la fraicheur, l’efficacité, l’ouverture d’esprit, et le fun de son hip hop. Comme de cette petite entreprise qui, en n’oubliant pas que la musique reste sa colonne vertébrale, ne connait pas la crise. Ou peu. Pour preuve, avec “Tout Doit Disparaitre”, elle s’y adapte et s’y oppose: à partir de minuit le 4 décembre 2009, ces treize nouveaux titres seront proposés au téléchargement sur le site du groupe, gratuitement comme pour rappeler que la musique se porte beaucoup mieux que son industrie, et que quoi qu’il arrive, elle continuera d’être écoutée et partagée. Un rappel, certes fondé, sous forme d’adaptation aux nouveaux modes de consommation, derrière laquelle se cache quand même un bon coup de pub. Car quoi de mieux pour un groupe autogéré comme les Gourmets que d’enfoncer par la gratuité un clou déjà bien enfoncé par le succès en 2008 d’un “Soyons Sales” convaincant, particulièrement bien accueilli, et…payant? La barre alors placée bien haute, le crew avait fort à faire pour continuer sur sa lancée. En cela, “Tout Doit Disparaitre” fait grise mine. Bien que toujours au dessus de ce qu’on peut généralement entendre du rap français, notamment en termes de production, l’enthousiasme n’est pas autant au rendez vous qu’il y a un an. La faute à un impact plus mesuré (”Sors Tes Couverts”, “Le Tout Pour Le Trou”), quelques superficialités s’avérant vite indigestes (”Mercedes Benz Remix - feat Miss Platnum”, “Play The Game - feat Fat Hed”), qui condamnent très certainement ce disque, aux allures et à la qualité relative habituellement rencontrée avec les mixtapes, à des écoutes moins répétées que celles de son prédécesseur. Pas d’amalgame pour autant, cet album et quelques uns de ses meilleurs titres (”L’Etrange Noel”, “Tout Doit Disparaitre”, “Keep It Raw - feat Foreign Beggars & DR.Syntax”, “Paradis Terrestre - feat Andy Kayes”) tombent à pic dans votre quête de bon hip hop français, notamment si l’effet de l’overdose vous résigne définitivement à allumer la radio. Mais on ne nous empêchera pas de penser que Les Gourmets en ont encore pas mal sous la semelle, en vue d’un prochain album aussi attendu que l’était celui-ci. Les meubles sont sauvés.

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Quelle a été votre première réaction suite à la demande de Jarring Effects? Excitation ou appréhension? Que représente pour vous l’autre groupe dans votre parcours et votre éducation musicale?

Arnaud (Hint): Quand Loïc de Jarring m’a appelé pour me parler du projet, j’ai tout de suite trouvé l’idée excellente et excitante, artistiquement parlant, en pensant tout de suite à la complémentarité des deux groupes. Un petit peu d’appréhension aussi car ça faisait quelques années qu’on n’avait pas joué ensemble, et que ça allait être serré au niveau timing et logistique. Les deux groupes ont évolués dans des milieux parallèles, sans se croiser, à part une fois en 2001. Pour ma part, avec La Phaze et notre premier disque chez Jarring Effects en 2000, j’ai pas mal croisé Ez3kiel sur la route et je connaissais déjà les lascars. Pour Hervé, c’était un «premier rendez-vous».
Stephane (Ez3kiel): J’écoutais Hint il y a dix ans, j’étais fan, j’écoutais leurs albums en les décortiquant, en analysant leur son, les parties de batterie… Pour moi, c’était un ovni qui proposait une synthèse de plein de trucs que j’adorais mais au sein d’un même groupe. Je m’imaginais des choses incroyables sur Hint. J’avais une vision fantasmée de l’univers du studio, des concerts, des tournées, et comme ils venaient d’Angers, moi de Nantes, je me disais que c’était possible pour Hemp, mon groupe de l’époque, de suivre cette voie. Une sorte de modèle du possible. Alors, se retrouver dix ans plus tard à jouer leurs morceaux, je trouve que c’est un beau cadeau du destin.

Dans le documentaire, on vous apparente à «deux frères jumeaux séparés à la naissance». Les deux groupes sont ils d’accord avec cette définition et comment cette affinité s’illustre t-elle en dehors de l’osmose qui se dégage de ce coffret?

Arnaud (Hint): «…et qui se retrouvent 15 ans plus tard» dit la formule. On s’est vraiment trouvé de vraies affinités musicales et une vision commune de faire de la musique de façon très personnelle, avec un univers très identitaire. En plus, je pense qu’on est passé du stade de «potes de tournée» à celui d’ami, celui chez qui tu passes prendre un verre sans forcément parler musique, ce qui n’est pas si courant dans le milieu de la musique.
Stephane (Ez3kiel): Chacun a vécu sa vie, expérimenté, testé des choses, on a grandi chacun de notre côté, le temps est passé et on est arrivé à un stade où on sait beaucoup plus ce qu’on désire faire. Nous nous sommes naturellement retrouvés en tout point sur les choix musicaux et artistiques. En septembre 2008, c’était la première fois que nous jouions ensemble et, malgré le peu de temps qui nous était imparti, nous avons senti le courant passer, la colle prendre entre nous six. Nous en sommes arrivés à la conclusion que mener un projet de cette ampleur nous faisait encore aller de l’avant et nous obligeait à chercher dans d’autres directions, mais ensemble, naturellement. Parfois les jumeaux n’ont pas besoin de se parler pour se comprendre et ils sont souvent en d’accord. C’est ce qui s’est passé.

En préparant le premier concert, à quel moment exactement vous êtes vous rendus compte que l’aventure collait et pouvait se prolonger?

Arnaud (Hint): Dès le premier jour de résidence, dès qu’on a commencé à jouer. Ca a été instantané, et ça pouvait se mesurer aux sourires sur les tronches!
Stephane (Ez3kiel): Nous avons été rapidement d’accord sur la set list et les choix d’adaptation se sont fait sans bataille et sans heurts. Au contraire, il nous est arrivé de nous faire la réflexion que c’était agréable et encourageant de voir les choses du même œil. C’est aussi pour cette raison que cette rencontre s’appelle «Collision», nos deux univers personnels se sont littéralement rentrés dedans pour exploser et ne faire qu’un. Nous savions que c’était un projet éphémère et qu’il fallait donner le meilleur de nous, en peu de temps. Nous avions tous les éléments en main pour que ça soit jouissif pour nous, et pour le public qui viendrait nous voir.
Arnaud (Hint): Et après les deux concerts de l’automne 2008, on a vite eu l’envie de remettre le couvert pour une vraie tournée.

Ce line up éphémère n’a-t-il pas été parfois trop large pour les morceaux?

Stephane (Ez3kiel): Pour ma part non, je ne me suis jamais posé la question. On avait toujours envie de rajouter une autre voie à la guitare, un petit doublage au vibraphone, superposer les batteries… Ca été l’occasion de redonner vie à tout ces morceaux en exagérant vraiment les nuances, tant dans le petit son que dans le gros…
Arnaud (Hint): Au contraire, c’est le nombre de musiciens sur scène qui a permis de réarranger et d’enrichir les titres.

Quelle est la principale difficulté que vous ayez rencontrée pour vous accorder?

Arnaud (Hint): C’était parfois plus dans la terminologie musicale qu’on avait du mal à se comprendre, surtout au niveau des structures des titres. Ca faisait parfois dialogue de sourds. Sur le fond musical, on n’avait pas de problème à s’accorder, c’était naturel.
Stephane (Ez3kiel): Tout a coulé de source. On a évidemment eu des différents sur des petits détails mais les bonnes solutions ont su se faire entendre, les discussions raisonnées étaient de mise, et chacun a pu donner son avis, proposer des nouvelles choses à tout moment. Les périodes de création et de répétition étaient vraiment magiques.

Hint a fait pas mal de reprises durant sa carrière. Pourquoi avoir choisi celle de Bastard pour cet album?

Arnaud (Hint): On voulait faire une reprise et on s’est entendu sur «Chinatown» des Bästard, groupe fondamental des années 90 avec lequel on jouait souvent. Et puis l’idée de jouer un morceau guitare-basse-batterie dans une version 2guitares-2basses-2batteries était excitante. C’est un putain de titre avec un putain de riff de basse!
Stephane (Ez3kiel): C’est un groupe que j’écoutais beaucoup, c’était le cas pour pas mal d’entre nous, et on avait envie de leur rendre hommage et de se faire plaisir. C’est chouette de reprendre des morceaux sur lesquels on a secoué la tête quelques années auparavant.

L’affection d’Ez3kiel pour une telle déflagration sonore en surprendra quelques uns, plus habitués à votre registre dub et electro malgré qu’on y ait toujours un peu droit durant vos concerts. Nine Inch Nails, Pelican, Russian Circles, Mogwai sont ils des groupes qui figurent parmi vos influences? D’une manière générale, les deux extrêmes de votre musique sont elles indispensables à l’équilibre du groupe?

Stephane (Ez3kiel): Ez3kiel a pris un tournant plus rock suite à “Battlefield” en ne reniant pas son passé electro dub. Le gros son sale nous a toujours plu, même si nous affectionnons aussi la musique plus intimiste et délicate. Il nous faut effectivement du calme et de la tempête pour ressentir un équilibre.

Vous avez fait dix dates devant un public très réceptif qui n’a certainement pas été sans vous toucher. Est-ce que ca a donné envie à Hint de composer en vue d’un nouvel album? Est-ce quelque chose d’envisageable à l’avenir?

Arnaud (Hint): C’est vrai que ça nous a fait bizarre de croiser des «fans» de la première heure sur les dates, et d’avoir un retour très positif d’un public plus jeune qui nous découvrait. Le projet de sortir un nouvel album est toujours vivace depuis notre dernier disque sorti en 1998, mais nous n’habitons plus dans les mêmes villes et nos emplois du temps sont radicalement différents. Mais j’y crois, le bon moment n’est simplement pas encore arrivé.

Le fait de jouer les anciens morceaux en formation élargie vous a-t-il donné envie notamment de composer à quatre plutôt qu’à deux?

Arnaud (Hint): L’envie de composer est là, soit à deux pour Hint, soit à six pour Ez3khint! En tout cas, il faut bien avouer que jouer nos titres à six était extrêmement jouissif.

Au-delà des dates de concerts de cette tournée, quel souvenir commun restera marqué dans vos mémoires?

Arnaud (Hint): Toute cette aventure n’est qu’un bon souvenir, dans sa globalité. On a vécu 15 jours ensemble, en décidant de profiter de chaque instant à 200%. C’est pourquoi on a très peu dormi…
Stephane (Ez3kiel): Six amoureux de la musique, la tête perchée dans les nuages dès qu’ils branchent leurs amplis et qu’ils prennent leurs baguettes. C’est plus une image qu’un souvenir mais ça n’est pas si différent après tout.

Entendrons-nous un jour un album original de Ez3kiel et Hint?

Stephane (Ez3kiel): Pourquoi pas, ça serait un beau pari.
Arnaud (Hint): Qui vivra verra…

Cette aventure commune a-t-elle donné à chacun le goût de la collaboration? Avec qui chacun aimerait travailler désormais?

Arnaud (Hint): C’est vrai que les collaborations ouvrent des horizons et t’évitent parfois de te répéter dans la création. On n’en a fait quelques-unes à l’époque (Portobello Bones, Daunik Lazro, Bästard, …). Dans l’absolu, on rêverait de bosser avec des gens comme John Zorn, Thurston Moore, Fugazi. Hervé pourrait rajouter Philip Glass et les minimalistes.
Stephane (Ez3kiel): Depuis longtemps, Ez3kiel ne cesse de collaborer avec beaucoup de musiciens différents. En studio, en live, individuellement ou collectivement avec les DAAU, les Narrow Terence et récemment avec un orchestre de jeunes musiciens Grenoblois pour la création de l’album «Naphtaline». On peut dire que c’est une tradition chez nous que de solliciter des gens qu’on apprécie et avec qui on a envie de créer.

Dites nous chacun quel disque a changé votre vie?

Arnaud (Hint): Si je devais n’en donner qu’un, ce serait le premier Velvet Underground & Nico, mais il y a aussi le premier Fugazi, les «Evol» et «Goo» de Sonic Youth, le «London Calling» du Clash et les albums des Pixies. Les disques français qui m’ont littéralement déboîté la tête sont les deux albums de Deity Guns, «I.A.B.F.» des Thugs et les deux premiers Mano Negra. Je pourrais en citer plein d’autres, mais je crois que j’ai déjà dépassé  mon quota…
Stephane (Ez3kiel): Personnellement, j’en ai quelques uns mais celui qui m’a le plus remué le cerveau et les baguettes c’est “Aenima” de Tool. Cet album est une pure merveille de créativité et d’innovation en terme de construction rythmique. Pas seulement, mais sur cet aspect, cet album est une mine d’idées toutes plus tordues les unes que les autres. C’est ce qui m’a le plus fasciné et me fascine encore dans ce disque.

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Autrefois annoncé pour mort, Gorillaz sortira bien un nouvel album l’année prochaine chez EMI. Selon Damon Albarn, “The Plastic Beach” sera l’album le plus pop de son projet virtuel. Il l’annonce comme mélancolique et frappé d’un forte sensibilité écologique. Et pour servir tout cela, il a fait appel à un casting de luxepuisque pas moins que Snoop Dog, Mos Def, Lou Reed, Barry Gibb (The Bee Gees), Bobby Womack, The Horrors et l’Orchestre National de Syrie apparaitront au tracklisting. Miam miam…

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Petits protégés de Patrick Carney (The Black Keys), les Royal Bangs sortent “Let It Bleep“, leur deuxième album pour le label City Slang. Pop, indie rock et math rock se confondent tout au long d’un disque marqué par un tubesque et ultra efficace “My Car Is Haunted” aux entournures post punk. C’est en écoute toute la semaine en page d’accueil et ci-dessous.

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James Murphy se remet au boulot, et pas avec le dos de la cuillère… Après avoir annoncé un nouvel album de LCD Soundsystem en début d’année 2010, le new yorkais collabore aussi actuellement avec Noah Baumbach pour la musique de son film “Greenberg” à sortir sur grand écran le 12 mars prochain. Bande annonce ci-dessous.

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Devant la masse de disques prévisibles et formatés qui sortent chaque semaine des bureaux des gros labels américains, difficile de ne pas s’enthousiasmer sur le projet Blakroc qui, depuis qu’il est annoncé, excite au plus haut point les passionnés de hip hop. Quoi de plus normal quand on trouve au line up de cette fabuleuse et improbable dream team, quelques uns des plus grands Mc de la scène rap d’outre Atlantique, backés par les sulfureux Black Keys? Car c’est finalement d’eux que tout est parti: devenu le groupe de rock favori de Damon Dash, le boss de Roc A Fella Records a tenu à les rencontrer en personne, et en a profité pour les convaincre de rentrer en studio avec Jim Jones (The Diplomats). Un Mc en appelant d’autres, Mos Def - dont on connait l’affinité avec le rock - leur rendra visite pour “Ain’t Nothing Like You”, s’offrira “On The Vista” au passage, puis sera suivi d’une grosse poignée de confrères, histoire de pousser l’expérience jusqu’à onze jours de studio.

Il fallait donc un sacré carnet d’adresses et peser quelques millions de dollars (pour l’un), ou posséder un talent indéniable en matière de rythme, de groove, et de riffs blues rock (pour les autres), pour pouvoir rameuter au sein d’un même disque toutes ces têtes d’affiche de la musique urbaine. Y compris les morts, puisque même Ol’Dirty Bastard s’offre une brève résurrection via quelques bandes jusque là oubliées (”Coochie”), et rejoint ainsi ses potes RZA et Raekwon, à leur aise au milieu des Ludacris, Mos Def, Noe (Dipset), Jim Jones, Nicole Wray, Pharoahe Monch, Billy Danze (MOP), et Q-Tip.

Vite monté, Blakroc n’en est pas pour autant un projet bâclé. Loin de là. Car, à entendre les Black Keys servir la soupe aux Mcs avec des cuillères en argent, comme l’osmose totalement surprenante de naturel qui règne ici, on croirait écouter l’aboutissement de plusieurs années de travail et de collaborations. Pas très étonnant à y réfléchir puisque le duo puise pas mal de ses racines musicales dans la black music, et qu’à l’heure ou l’on vous parle, même si l’idée peut froisser, les rappeurs américains ont souvent fait preuve d’une plus grande ouverture musicale que leurs homologues étrangers. Ceux dont il est question ici tout du moins, qui ne fuient pas face à l’incandescence des riffs bluesy des Black Keys cette fois agrémentés d’une basse omniprésente (”Hope You’re Happy”, “Done Did It”), ou ne font pas grise mine devant ces titres cantonnés à l’instrumentation basique du rock (guitare, basse, synthé, batterie).

Bien cachés derrière une horrible pochette, tous - sans exception - s’intègrent parfaitement à la couleur Blakroc et tissent ainsi une cohérence qui amènera sans conteste les intégristes rock à écouter du hip hop. Et inversement. Forte d’un savoir faire collectif qui ne peut faire de doute, l’initiative répond plus à la définition d’une fusion des genres qu’à celle de fusion (tout court). Une petite nuance qui fait finalement toute la différence et qui assoit le projet parmi les moins attendus mais les plus réussis de l’année.

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De la machine à remonter l’histoire de la musique, il n’y a peut-être pas meilleur filtre aujourd’hui que Now Again Records, sous division du label Stones Throw créée par Egon dans le but de (re)mettre en lumière quelques pépites oubliées ou sous-estimées de genres musicaux authentiques. Le funk, par exemple. À ce titre, on ne vous conseillera jamais assez les missions bien accomplies des compilations “The Funky 16 Corners” et “Cold Heat”, tout comme les nombreuses sorties du label, vieilles ou récentes, qui auront contribué à redonner au son vintage ses lettres de noblesse. En 2009, le californien exploite encore un peu plus son flair, et offre une nouvelle direction musicale à Now Again avec la sortie de “Forge Your Own Chains”, une compilation toute neuve alignant quelques ballades émergées de la fin des années 60 ou du début des seventies, en provenance du monde entier. Et comme pour chaque occasion, un seul mot d’ordre: ici, la cohérence dans le psychédélisme. Ainsi, qu’il soit rare ou non, qu’il n’ait jamais été réédité ou qu’il hante les best of, le morceau se doit d’être mélodique, rythmé et accessible, qu’il vienne de Colombie, de Thaïlande, du Nigeria, de Corée du Sud, d’Iran ou de Suède. Un concept qui ne pouvait qu’aller dénicher quelques moments d’anthologie pour tous les goûts. Car, que l’on préfère la simplicité mélancolique et nonchalante de Top Drawer (”Song Of a Sinner”), Ellison (”Strawberry Rain”), ou de Shadrack Chameleon (”Don’t Let It Get You Down”), l’exotisme insoupçonné de Ana Y Jaime (”Nina Nana”), ou que l’on vienne apprécier ici l’immense talent d’artistes injustement délaissés par l’histoire (Morly Grey, Baby Grandmothers), “Forge Your Own Chains” a clairement de quoi combler. Plus encore quand Egon s’en va dénicher un savant mixte de tout cela, qui fera incontestablement l’unanimité du mélomane, même lambda (”How Great Thou Art” de Sensational Saints, “Forge Your Own Chains” de D.R. Hooker, “It’s Not Easy” de Ofege). En une heure partagée entre gospel, soul, funk, et rock, Now Again va cette fois bien au-delà de la mission qu’il s’était fixée: il enrichit non seulement les esprits, mais invite aussi son public à l’ouverture musicale, chose à laquelle seul un label à la crédibilité sans faille peut aujourd’hui s’enorgueillir. Un disque à se procurer avec cette même ferveur qui en a poussé certains à aller récupérer un bout du mur de Berlin.

En écoute:
The Strangers - “Two To Make A Pair”

Tracklisting:
1. Top Drawer: Song of a Sinner
2. Sensational Saints: How Great Thou Art
3. East of Underground: Smiling Faces Sometimes
4. D.R. Hooker: Forge Your Own Chains
5. Jang Hyun and Shin Jung Hyun: Twilight
6. T. Zchiew and The Johnny: Let Yourself Be Free
7. The Strangers: Two To Make A Pair
8. Damon : Don’t You Feel Me
9. Ellison: Strawberry Rain
10. Morly Grey: Who Can I Say You Are
11. Shadrack Chameleon: Don’t Let It Get You Down
12. Kourosh Yaghmaei: Hajm-e Khaali,
13. Ofege: It’s Not Easy
14. Ana Y Jaime: Nina Nana
15. Baby Grandmothers: Somebody’s Calling My Name

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Depuis qu’il avait surpris son monde avec “The Third Hand“, album pop sorti chez XL Recordings en 2007, et confirmé ses talents de producteur hip hop via le très bon “Things Go Better With RJ & Al” de Soul Position, RJD2 s’est fait plutôt discret. Ce n’est pas pour autant qu’il est resté inactif. En effet, l’Américain a passé ces quelques mois à s’offrir une certaine sérénité en créant son propre label, RJ’s Electrical Connections, sur lequel il a récemment aligné les rééditions. Et comme pour préparer le terrain de “The Colossus”, un nouvel album à sortir en janvier prochain, RJD2 a voulu se rappeler au bon souvenir de ses fans en sortant “2002-2010″, un coffret vinyl collector qui, à l’image de sa pochette (un mic mac de trois de ses covers), récapitule ses premières années de carrière. Onéreux mais complet, l’objet comprend les incontournables “Deadringer” et “Since We Last Spoke“, le maxi “The Horror Ep“, des posters, ainsi qu’une carte de téléchargement pour aller pêcher quelques inédits qui ne figureraient pas déjà sur “The Tin Foil Hat Ep”, seul véritable intérêt pour qui n’est pas collectionneur et possède déjà l’intégralité de sa discographie. D’autant qu’il s’accompagne d’une bonne nouvelle: en sept titres, RJD2 laisse définitivement la pop à ceux qui savent mieux la jouer, et retourne à ce hip hop instrumental groovy et coloré qui l’a fait connaitre à ses débuts. Ainsi, “The Sleepaway”, “The Move (feat Tage)”, “When It Wobbles” vivifié par l’électrique, et “The Girls From Art School” rassurent quant au fait qu’il n’a pas perdu la main. En revanche, à la veille d’un nouvel album, il en est tout autrement de la couleur brésilienne de “The Highest Of Courts”, des trop longues neuf minutes de “Thine Planetarium”, et du ridé “Before Or Since”. De toute façon, difficile d’imaginer que les futurs possesseurs de ce coffret à cinquante boules ne le seront que pour l’attrait de cette poignée de bons inédits. Reste à espérer que RJD2 ait gardé le meilleur pour “The Colossus”, prévu dès le 20 janvier.

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Au rayon des adolescents qui écoutent religieusement les disques de leurs pères, The Wankin Noodles n’auront pas été les seuls à piocher ceux de The Sonics, The Who ou des Kinks. En revanche, eux les ont peut être plus écouté et mieux digéré que les autres. C’est en tous les cas ce que “Virgins At Their Feet”, le premier Ep de ces rennais touché par de vieilles influences anglaises, laisse penser. Auteur d’un rock n’roll peu avare en énergie et en mélodies, le combo risque de réveiller la nostalgie des quadragénaires jusque là désespérés par les nouvelles pousses, et allumer la mèche d’un public plus jeune toujours très friand d’une certaine frange de la scène suédoise, The Hives en tête. Pas vraiment une surprise quand on scrute le visuel classieux et appliqué de ce disque, comme quand on prend en pleine tronche ses généreuses et mouvementées prestations scéniques. Musicalement donc, hormis dans un registre acoustique tout aussi maitrisé (”The Hunt”), il n’y avait qu’un pas à franchir pour venir mettre en danger la bande de Howlin’ Pelle Almqvist: chose que The Wankin Noodles s’applique à faire dès “Wankers Off The Social Club” et “Little Minotaur”, les deux premiers excellents titres d’un disque finalement trop court. Car pour le reste, c’est bien dans les quelques décennies précédentes et dans les discothèques des ainés qu’il faut se plonger pour y trouver des ressemblances plus flagrantes (”Baby You Know I’m The Man”, “Rex, Regis”). Rennes sort ainsi de sa hotte un nouveau représentant promis à une belle carrière, voire explosive si, avec le temps, le quatuor gagne en personnalité. Un autre pas à franchir qui semble plus que jamais à sa portée. Vivement l’album.

En écoute:

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Tiré à l’origine de l’album “The Devil, You + Me“, “Boneless” est aujourd’hui remixé par Chris Taylor de Grizzly Bear, et apparaitra au tracklisting du Ep “Come In” que The Notwist va prochainement sortir. En écoute ci-dessous.

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