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El-P - “Cancer 4 Cure”

matthieu — Wed, 16 May 2012 13:16:58 +0000

Album
(Fat Possum)
22/05/2012
Hip hop novateur

Quand El-P a annoncé il y a deux ans qu’il mettait un terme à l’activité de production de son label Def Jux pour mieux se consacrer à sa propre musique, il était alors intrinsèquement dit que son prochain album marquerait un tournant dans sa carrière. Jusqu’alors très souvent sollicité par les artistes envers lesquels il manifestait tout son intérêt, le new yorkais a peut être fini par ressentir le besoin d’en garder sous la semelle, d’amasser ses meilleures idées, pour les aligner au profit d’un futur album à sortir, pour la première fois, ailleurs que chez lui. “Cancer 4 Cure” tout droit sorti du four Fat Possum et désormais entre nos mains, on prend alors la pleine mesure des lourdes décisions qu’il a du prendre, et surtout du flair dont il a fait preuve.

“It’s like a fresh start in a new world” dit il en ouverture de “Works Every Time”… Cinq ans après un “I’ll Sleep When You’re Dead” qui continuait de le faire définitivement évoluer en marge de tout ce que le hip hop proposait alors, El-P, bien qu’il n’ait pas encore été rattrapé, marque une nouvelle fois sa différence avec un “Cancer 4 Cure” qui, plus que jamais, atteint la perfection sur l’échelle commune de l’innovation, de l’accessibilité, de l’intensité, et de l’efficacité. Et cela sans attendre puisque “Request Denied” qui ouvre l’album armé d’un breakbeat frontal quasi “prodigyen”, de synthés sci-fi, de samples et de guitares électriques parfaitement fondues dans le décor, brandit bien haut la couleur de l’épreuve de force qui va suivre. El-P semble fermement décidé à en découdre, son flow millimétré et quelque peu agressif désormais au devant du mix finit d’ailleurs de confirmer toute l’assurance et la confiance qu’il a glanées durant la demi-décennie passée.

Le ton ainsi donné, qu’on se le dise: “Cancer 4 Cure” n’est pas le nouvel album d’un producteur, mais bien celui d’un artiste complet, pour qui les multiples capes ne sont désormais plus aussi lourdes à porter. Logique donc qu’El-P décroche ici une cohérence jamais atteinte auparavant (”Works Every Time”, “The Jig Is Up”). Libre comme l’air (il chante même sur “For My Upstairs Neighbor”), à distance confortable d’une concurrence qui ne tente même plus de monter sur ses plates bandes, et quand il ne s’octroie pas une approche nouvelle (”Sign Here”), il retourne à ce qu’il sait faire de mieux sans craindre l’overdose de l’auditeur. Et pour cause, y compris quand il endosse la production de “RAP Music” pour le compte de Killer Mike (présent ici sur un “Tougher Colder Killer” qui pourrait nous faire mentir), rien ne vaut un album pensé et exécuté sur toute la ligne par le bonhomme lui-même: sa voix, son flow, les thèmes souvent lourds qu’il aborde (la mort, le parricide, la paranoïa, la drogue, la politique…) et l’ambiance qui en découle n’ont pas d’équivalent pour servir la réciprocité offerte par sa musique.

D’ailleurs, même si les invités présents ici (Danny Brown, Mr. Muthafuckin’ eXquire, Despot, Nick Diamonds de Islands, Paul Banks de Interpol) contribuent à son essentielle diversité, “Cancer 4 Cure”, ses basses gonflées à bloc, ses beats bruts de décoffrage, ses amas de samples, cette mélancolie sous jacente à la fois sombre et oppressante, le rappellent magnifiquement sur des titres poussées au delà de la simple sphère du hip hop par leur approche peu conventionnelle de la composition. Ainsi, “The Full Retard” vous décroche un break quand on se s’y attend plus, “Drones Over Bklyn” s’éteint sur un solo de guitare, “Oh Hail No” change brusquement de rythme sans perdre sa logique, “Stay Down” vire pop sur le refrain… Et que dire du long final “$ Vic/FTL (Me And You”) qui, avec ses ornements electro, pop et blues, annoncerait presque un futur inédit. Mais chaque chose en son temps, surtout quand le présent vaut autant le coup d’être pleinement vécu.

En écoute

El-P - “Stay Down” (live on Letterman)

matthieu — Wed, 16 May 2012 09:34:34 +0000

Death Grips - “Hustle Bones” (music video)

matthieu — Wed, 16 May 2012 09:26:03 +0000

M+A, artisans du remix

Francois — Tue, 15 May 2012 21:12:34 +0000

Au lieu d’offrir un recueil de remixes de son album “Things.Yes” comme suite logique, le duo italien M+A s’approprie les chansons des autres pour un nouvel EP en forme de prolongement direct du disque. Considérons donc que Michele Ducci et Allessandro Degli Angioli offrent plus que des remixes, cinq nouveaux morceaux éthérés qui tirent l’essence des artistes Nedry, Emay, Polinski et Joycut. Pour pousser l’exercice un peu plus loin, M+A termine avec une jolie cover folk du “Paper Planes” de M.I.A. Bien foutu. Disponible depuis le 24 avril 2012. Plus d’infos sur la page Facebook du groupe.

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Lazer Sword, premier album sur le label des Modeselektor

Francois — Tue, 15 May 2012 21:02:26 +0000

Une sortie sur Monkeytown Records, label de Modeselektor, ça se remarque forcément. Après son premier single “Sounds Sane/Klock”, le duo Lazer Sword concrétise sa collaboration avec l’incontournable duo allemand sous forme d’un deuxième album intitulé “Memory”. Lando Kal et Low Limit y ouvrent leur bass music à des influences techno de Detroit et electro old school. A retenir au minimum parmi ces onze titres, les rebonds calculés de “Toldyall”, la froideur métallique du mental “Point of No Return”, les relents house façon Burial de “Better From U”, ainsi que deux collaborations et pas des moindres. Jimmy Edgar impose ainsi sa touche nu-funk et Machinedrum ses détails organiques, au sein d’un disque qui fleure bon le Low End Theory. Disponible depuis le 27 avril.

Hoosky lance la collection “Just a Lil’ Beat”

Francois — Tue, 15 May 2012 20:55:34 +0000

Derrière ce nom de fausse race de chien se cachent oOgo et Chomsky, deux beatmakers et DJs français. Ces membres du collectif La Fine Equipe (auteurs de “La Boulangerie” ou “Fantastic Planet”) se détachent de la bande le temps d’un album de 16 titres, “Just a Lil’ Beat”, premier d’une série d’albums instrumentaux qui réunira deux producteurs différents à chaque nouveau volume. Au programme, des beats, des samples, des copier-coller, des expérimentations électroniques et du groove! Teaser ci-dessous. Sortie le 14 mai.

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Squarepusher - “Ufabulum”

matthieu — Tue, 15 May 2012 17:49:38 +0000

Album
(Warp)
21/05/2012
Un flan en dessert?

Au risque de se prendre en retour une salve de bourre-pifs de la part des puristes, on doit avouer ne jamais vraiment trouver la porte d’accès du Squarepusher cérébral et déstructuré, quand sa musique se plait à flirter avec l’inaccessible, qu’elle privilégie son jazz fusion chéri à l’electro, ou l’inverse. Alors, quand après deux albums (mitigés) plutôt audibles sous son nom comme sous celui de Shobaleader One, il a annoncé retourner à l’electro pure et dure, on a comme senti le vent tourner, nous disant déjà que ce “Ufabulum” - pourtant le plus équilibré de tous entre ses deux pôles traditionnels - ne serait certainement pas pour nous.

Puis vinrent les premiers titres destinés à nous mettre en bouche. Notamment ce “Dark Steering”, fusion de mille détails matérialisés en un electro hip hop d’une redoutable efficacité. Bien que le morceau fasse finalement figure d’exception au sein de ce “Ufabulum”, il fallait pourtant voir dans ses mélodies et sa montée drill’n bass finale, ses deux lignes directrices. Plus que jamais en effet, Squarepusher baigne ici sa musique de synthétiseurs pourvoyeurs de mélodies bénéfiques à tout l’album, surtout quand son inspiration le pousse dans ses travers les plus expérimentaux.

Mais, quand il est lancé, il arrive à Tom Jenkinson de pousser le bouchon trop loin dans l’extrême, jusqu’à l’indigestion. C’est le cas d’un côté sur un “Stadium Ice” dont les synthétiseurs manquent cruellement de légèreté, de l’autre sur “The Metallurgist”, “Drax2″ ou “Ecstatic Shock” dont les compulsions s’apparentent trop à de la performance pour qu’on y prenne vraiment du plaisir. Dès lors, on part en quête du juste milieu qu’on était venu chercher ici, cet espace de plus en plus rétréci où réside l’équilibre parfait du Squarepusher version 2012.

Malheureusement, au delà d’un “Dark Steering” gagné d’avance, on se force à l’entrevoir à quatre reprises: sur “4001″ parce qu’en ouvrant les hostilités il a le mérite de ne pas souffrir des boulets qui le précèdent, sur “Unreal Square” taillé pour les gamers, sur “Energy Wizard”, puis sur le compact mais mesuré “303 Scopem Hard”. Assez pour éviter le pire, mais trop peu pour un Squarepusher mille fois trop irritant et bourratif qui n’échappera pas aux conséquences de la déception.

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Turing Machine - “What Is The Meaning Of What”

matthieu — Tue, 15 May 2012 14:25:29 +0000

Album
(Temporary Residence)
08/05/2012
Dance punk post-Jerry Fuchs

Quand, fin 2009, nous annoncions le décès de l’hyperactif batteur new yorkais Jerry Fuchs, on a immédiatement pensé aux répercussions de cette tragédie sur !!! (Chk Chk Chk), son groupe phare de l’époque. Entre autres. Un peu moins à Turing Machine qui, après deux premiers albums en 2000 et 2004, y perdait aussi les clés de sa rythmique alors même qu’il s’était remis au travail en vue de la sortie de ce “What Is The Meaning Of What”. Loin d’avoir lâché l’affaire même s’il lui aura fallu logiquement du temps pour se relever, le combo n’a jamais remis son projet aux oubliettes. La preuve puisque, quatre ans après ses premières ébauches, le disque sort avec toute la matière laissée par Fuchs (le groove disco imparable de l’excellent “Lazy Afternoon Of The Jaguar notamment), complétée par un casting de collaborations de haut rang, de Pat Mahoney (LCD Soundsystem) à Brian Case (Disappears) en passant par une poignée d’artistes du catalogue DFA. Une cohabitation qui revêt toute sa logique à l’écoute des sept titres de cet album tant Turing Machine - entre “Yeah C’Mon” et “Bovina 2/23/08″, les deux parenthèses interprétées pied au plancher, avec toute l’intensité, la densité et l’esprit festif dont a parfois fait preuve la bande de James Murphy - semble recracher tout ce qu’il a ingéré durant de longues années passées dans l’ombre de ces groupes new yorkais oeuvrant pour la réhabilitation d’une dance music en bonne et due forme. A l’instar de LCD Soundsystem et Chk Chk Chk, “What Is The Meaning Of What” convoque lui aussi brillamment le punk, le disco, la dance, le krautrock, qu’il saupoudre légèrement (mais avec grande conviction) de guitares psychédéliques pour un résultat qui ne laisse aucune autre alternative que d’abandonner son corps à la danse. Si cette affirmation vous laisse un sourire dubitatif au coin de la bouche, laissez agir par exemple les “Slave To The Algorithm” et “If It’s Gone (It’s On)” qui, au delà du fait qu’il s’agisse là des derniers enregistrements de Fuchs et très probablement du dernier opus de Turing Machine, font sans conteste de ce “What Is The Meaning Of What” empreint de tragique une des pièces essentielles de cette année.

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Mayer Hawthorne - “Henny & Gingerale” (music video)

matthieu — Tue, 15 May 2012 11:07:04 +0000

Simian Mobile Disco - “Unpatterns”

Frederic — Tue, 15 May 2012 10:59:59 +0000

Album
(Wichita)
14/05/2012
Electro

Depuis ses débuts sous le nom de Simian et son premier succès aux cotés de Justice avec “We Are Your Friends”, le duo anglais a toujours fantasmé la pop, la tâtonnant petit à petit, cherchant la bonne formule pour l’introduire au sein de ses compositions. En 2009, avec “Temporary Pleasure“, Jas et James concrétisaient cette irrépressible envie, avec une tripotée de collaborations parmi lesquelles on retrouvait Beth Ditto de Gossip ou encore Chris Keating de Yeasayer. Quant à la techno chère à la paire, elle se retrouvait condensée, filtrée a travers des chansons aux formats plus convenus, mais à l’addiction plus immédiate. Malheureusement, avec son titre visionnaire, et malgré son efficacité indéniable, l’album s’estompait peu à peu de notre mémoire au moment ou ses tubes commençaient à disparaitre de nos playlists.

Définitivement remis de cette incartade en terrain pop, les deux compères se sont recentrés sur des chansons purement électroniques ou les invités ont été bannis. Pour servir cet ambitieux retour, ils n’ont pas hésité à user de synthés vintages afin d’obtenir un résultat analogique gracieux et rétro, au son plus authentique, “Cerulean” illustrant à merveille cette rupture avec les logiciels pour un résultat tourné vers un irrésistible minimalisme.

Bien qu’auréolé d’une nouvelle carte de visite, Simian Mobile Disco n’entend pas renoncer au spectacle d’un public acquis à sa cause, se laissant chavirer par ses tubes. Et en 2012, le duo tricote ses hymnes du coté de Chicago, plongeant avec plaisir dans une house abrasive, portée par des voix sexy masculines (”I Waited For You”) et féminines (”Seraphim”), le long de morceaux invitant à l’amour et au partage avec les cotonneux “Put Your Hands Together” et “Your Love Ain’t Fair”.

Quand ces deux sagouins ne sont pas dans l’Illinois, ils se tournent vers l’acid house, titillant avec le surprenant “Interference” les indétrônables Phuture. Un peu plus loin, ils s’illustrent avec “The Dream Of The Fisherman’s Wife” lors d’une escapade d’electronica pure et dure que n’aurait pas renié l’écurie Warp, démontrant leur soif d’aventure et de sonorités nouvelles.

“Unpatterns” nous laisse donc présager un futur radieux pour Simian Mobile Disco. En s’affranchissant de la pop, en piochant avec gout dans le passé de la musique électronique, entre période dorées et références classieuses en forme de clin d’œil, le duo se régénère avec brio, parvenant à concilier puristes et fans de la première heure, qui tous ensemble peuvent bouger leurs corps et leur cheveux dans un abandon sensuel, en contraste totale avec la maitrise nouvelle dont fait preuve ici le duo de Bristol.

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S. Carey - “Hoyas”

Maxime Delcourt — Tue, 15 May 2012 10:39:53 +0000

Ep
(Jagjaguwar)
07/05/2012

Pour le monde moderne, le temps du bouquet final arrive: fini les entrepôts entassés par milliers, les bâtiments en ruines et l’air glacial, S.Carey est là pour illuminer le crépuscule. Doit-on voir pour autant un rapport entre le titre de l’album, “Hoyas”, et les Mayas? Si on était fidèle à la définition de “hoya” en tant que fleur fragile, on dirait que non, mais la comparaison avec le peuple amérindien est trop tentante pour être évitée. Rythme sobre, presque lyrique, S.Carey puiserait-il lui aussi son inspiration dans le tragique de la condition humaine?

Ceci n’est pas un disque: c’est une balade poétique, brève comme une brume, en compagnie de l’ex-batteur de Bon Iver. Sachant cela, comment éviter la comparaison avec l’immense Robert Wyatt? Impossible en effet de céder à l’émouvante intensité de “Hoyas” sans penser aux expérimentations qui ont poussé le grand barbu dans ses plus profonds retranchements. Et il y a quelque chose d’ambitieux de la part de ce bon vieux Sean Carey à vouloir faire un album ambiant aussi organique, genre qui rendrait plutôt méfiant mais qu’il faut considérer ici dans sa généreuse intelligence. En ces temps où tout va plus vite, lui prend son temps pour confectionner des compositions délicates et métaphysiques qui se diluent ou se contractent au gré des secondes qu’il semble maitriser.

Avec sa voix presque silencieuse, nous pleurons sur un temps qui s’est déjà perdu. Un savoir-faire rythmique basé sur des boucles et des claviers délicatement acoustiques dont la mélancolie retenue et discrète enchante. Comme quoi l’œuvre d’art peut se cacher dans la sobriété. En peu de mots, S.Carey donne vie à son album. Un de ces albums précieux, parce que rare et mouvant, à la croisée des genres et de la fiction romanesque. Nul doute que les rêves du bonhomme le poursuivront dans ses cauchemars.

Avec ce disque d’une si courte durée, à tel point qu’on aura eu juste le temps de lui dire bonjour et au revoir, S.Carey fait corps avec son goût pour l’impalpable, l’invisible et l’éternité. Doit-on pour autant le considérer comme un artiste aveuglé qui ne ressent plus que la beauté qui souffre? Epargnons-lui cela. La réalité est déjà bien assez sombre. Pour lui comme pour nous, l’aventure ne fait que commencer. On reste curieux de voir où elle peut nous mener.

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Interview - Busdriver & Loden, loin des yeux près du coeur

Francois — Tue, 15 May 2012 08:16:46 +0000

Écouter Busdriver rapper, c’était se demander si la touche “avance rapide” de la chaîne hi-fi n’était pas restée bloquée. Plus maintenant. Avec “Beaus$Eros“, le chanteur s’associe au producteur belge Loden pour un disque de pop hybride qu’il vient défendre sur scène en établissant volontiers la connexion Los Angeles-Roubaix, sous forme d’un impressionnant one man show à la Cave aux Poètes. Réceptif, nonchalant, passionné ou désintéressé, l’Américain semble changer d’humeur et de personnalité à sa guise, à chaque nouvelle question d’une interview quelque peu déstabilisante. Sale temps pour les journalistes, mais Busdriver valait le coup d’être entendu, d’autant plus qu’on assistait là à sa première vraie rencontre avec Loden, également acteur de l’entretien…

Vous jouez ensemble ce soir?

Loden: Non, j’ouvre son show.
Busdriver: On ne joue jamais ensemble. Ce serait bien mais c’est difficile à envisager vu qu’on ne vit pas au même endroit. Là, c’est seulement la deuxième fois qu’on se voit.

Tu es donc seul sur scène?

Je suis seul… dans la vie… (rires). Marcher seul, mourir seul…

Comment vous êtes-vous rencontrés?

Loden: En fait, je cherchais un petit rappeur pour poser sur mon album. (rires) Plus sérieusement, je pense que c’est arrivé grâce à Mush Records. J’ai d’abord envoyé des beats à Thirsty Fish puis à Busdriver, et quatre ans plus tard, nous voilà.

Et de visu?

Busdriver: Juste avant que l’album ne sorte.
Loden: Mais honnêtement, c’est la vraie première fois aujourd’hui! La première rencontre n’avait duré qu’un quart d’heure…

Pourquoi as-tu travaillé avec un seul producteur pour cet album?

Busdriver: Parce que le résultat est souvent meilleur ainsi, et je pense que Loden est l’un des producteurs les plus attentionnés parmi ceux avec qui il m’ait été permis de travailler. C’était facile et agréable! C’était plus facile dans la mesure où il a fallu qu’une seule personne s’investisse pleinement dans mon projet. C’est autre chose lorsqu’il faut réunir tout un tas de gens autour d’un disque. On était tous les deux très investis, et ça a entretenu une sorte d’excitation, ça augmentait le niveau d’importance. C’est l’une de mes meilleures expériences. J’ai essayé de travailler avec d’autres gens pour “Beaus$eros”. Tu sais, je collabore tout le temps avec d’autres artistes: j’ai fait des morceaux avec Flying Lotus et d’autres producteurs talentueux mais, au final, rien ne correspondait vraiment à ce que je voulais faire sur la durée d’un album.

Qu’aimes-tu dans le son de Loden?

Ça sonne Mush, il y a beaucoup de phases intéressantes, énormément de facettes différentes. Il représente à la fois son passé musical et le futur musical de l’Europe! Sa musique est sans limite, et il sait comment traiter ma voix. Il sait comment rendre les chansons meilleures. Même si je lui fais une chanson de merde, il sait la rendre classe avec des instrumentations splendides! (rires)
Loden: Oui, c’est vrai qu’il m’envoie parfois des trucs pourris, on fait ce qu’on peut avec… (rires)

Chaque fois qu’on parle de Busdriver, quel que soit le pays, on fait immédiatement le rapprochement avec ce flow supersonique qui te caractérise. En as-tu marre de cette étiquette?

Busdriver: Oui, c’est vrai que je n’aime pas trop cette étiquette parce que je ne suis pas vraiment borné, quel que soit ce que je fais. Avec Loden par exemple, c’était très spécifique, on est parti dans des directions jamais empruntées sur mes autres albums. J’ai eu l’opportunité de pénétrer son monde avec mes paroles, et c’est pour ça que ce disque est différent.

Est-ce la raison pour laquelle tu chantes plus que tu ne rappes sur cet album?

Non, c’est venu tout naturellement! C’est une coïncidence. La musique de Loden m’a beaucoup inspiré et je m’y suis adapté.
Loden: Je pense qu’il avait besoin de ça. Il avait besoin de faire un disque en chantant.
Busdriver: J’ai fait des essais sur certaines instrus et ça n’a pas fonctionné. Du coup, il arrive que la chanson change radicalement à l’essai suivant: c’est la conséquence de bosser sur des productions comme celles de Loden. Chaque fois qu’on parle de l’album avec quelqu’un, les interprétations sont différentes: “Oh, c’est un disque de rap un peu fou!” ou “Oh, mais tu as fait de la pop!“.
Loden: Je pense qu’un disque d’un mec qui a passé sa vie à faire du rap restera de toutes façons un disque de rap dans les esprits. Mais c’est un peu étrange, d’autant que personne ne rappe sur le disque. Personnellement, je qualifierais cet album de pop bizarre. Bien sûr, il y a toujours des éléments hip-hop enfouis quelque part mais je suis convaincu que la plupart des chansons n’ont absolument rien à voir avec le rap.
Busdriver: Je pense que ça ne devrait pas être un sujet de débat. Grâce à Loden, ça a marché, et le simple process d’écrire une chanson évolue avec le fait d’habiter chacun sur un continent différent. Même si on était très loin, on a réussi à écrire organiquement des chansons cohérentes qui n’ont finalement pas de véritable lieu de naissance. Du coup, tu fais des échanges et des demandes spontanées comme “hey, à 1min 56s, peux-tu ajouter un ‘squeeeeek’ ici?“. Tu essayes, l’autre le transforme à sa manière, c’est vraiment sans frontières.
Loden: C’était très ouvert. Parfois j’avais des demandes bien spécifiques, j’avais besoin qu’il fasse quelque chose sur un morceau, et il le faisait sans même demander pourquoi.

Il n’était définitivement pas le boss!?!

(rires) Non, il n’y avait pas de patron. (il regarde Busdriver, ndlr) Tu aurais aimé être le boss? Non parce que tu peux l’être si tu veux, je m’en fous! (rires)

Comme vous me l’avez dit, votre album part dans plusieurs directions. On peut entendre des éléments pop, électro et même bass music. Pensez-vous que le hip-hop a besoin d’évoluer dans ce sens pour survivre?

Busdriver: Non. Je ne pense pas… Je ne sais pas ce dont le hip hop a besoin.
Loden: Nous n’avons pas essayé d’être avant-gardistes, c’est juste venu comme ça, il n’y avait pas de plan prédéfini. (il s’en va assurer la première partie, ndlr)

Tu as collaboré avec des gens comme Flying Lotus, Nosaj Thing, Modeselektor… Etait-ce nécessaire pour toi de rencontrer ces gens? Que t’ont-ils apporté?

Ce sont des artistes qui m’influencent depuis des années, ça a donc été important pour moi de travailler avec eux. Je connais bien Flying Lotus depuis quelques années et je considère son apport à la musique comme vraiment utile. Il fait partie de ces artistes capables de te pousser dans la direction que tu as besoin d’emprunter. Je pense que ce qu’il se passe en ce moment à Los Angeles a une énorme influence sur la musique. Je sors souvent au Low End Theory, leur approche de la musique est très profonde. C’est certain, ce club a eu une influence sur mon disque, mais je n’avais pas pour autant envie de faire un album fait avec des beats typiques d’aujourd’hui.

Que fais-tu entre deux albums?

J’ai un disque en préparation avec mon groupe Physical Forms, j’essaye de faire des dates, j’ai un EP à finir, et j’essaye de trouver la direction pour la prochaine salve de chansons. C’est beaucoup de boulot, tout ça est en cours!

Y a-t-il un futur à Flash Bang Grenada?

J’espère vraiment! Nocando prépare un disque. Après ça, on va voir ce qu’on peut faire. C’est assez compliqué pour le rap indépendant de percer aux Etats-Unis. Tout dépend de qui te vend, des moyens qu’on te donne… Ce qu’on fait est vraiment basique, donc on verra bien. Si des gens sont là pour nous aider, il y aura un futur à Flash Bang Grenada.

Es-tu aussi connu dans ton pays qu’en Europe par exemple?

Je suis connu chez moi!
Sa copine: ça c’est vrai, je confirme!

Tu as collaboré avec TTC… Suis-tu la scène rap française?

Busdriver: Je l’ai suivie à une époque, mais plus maintenant. Je ne connais aucun nouveau rappeur français. Quand je vais à Paris, j’essaye de me mettre à jour mais…

Crédits photo: Joelle Lê > www.joellele.be

Killer Mike - “R.A.P Music”

Frederic — Mon, 14 May 2012 17:26:31 +0000

Album
(Williams Street Records)
15/05/2012
Hip hop

Originaire d’Atlanta, complice et renfort régulier des surdoués d’Outkast, auteur de cinq albums solo, Michael Render est un modèle de rap underground, droit dans ses principes et fier de ses racines. Irréprochable lyriciste, le voila embarqué le temps d’un album composé a deux, sur les terres d’EL-P, descendu de New York pour parasiter de sa touche si particulière la chaleur moite du sud.

Dans ce subtil travail de contraste ou tout semble a priori opposer les deux auteurs de ce méfait musical, EL-P choisit… de ne pas choisir. Devenant tour à tour funambule et alchimiste, le producteur new-yorkais parvient à construire de manière complètement homogène, une carte d’identité singulière pour cet album ou Sud, Est et Ouest se croisent et se répondent, brassés par l’approche expérimentale de Jaime Meline issue des défuntes années Def Jux, et qui résonne plus que jamais le long de ses 12 titres.

Soucieux d’assommer d’emblée les plus fragiles, “Big Beast” débarque sans prévenir, armé d’une production massive: basses de gladiateurs, beat agressif et brochettes de featurings aux couleurs du sud avec T.I et Bun B. Au rayons des tubes, on retrouve “Go!”, admirable freestyle ou le flow de Killer Mike démontre sa technicité avec aisance, ou encore “Butane (Champion’s Anthem)” à la lourdeur martiale et aux synthés chargés de codéine, renforcé par la présence d’El-P au mic, venu épauler son compère le temps d’un bref couplet.

Au delà de ces réussites évidentes, qui régalent par leur immédiateté, d’autres titres plus introspectifs incitent à une écoute des plus attentives, tant du point de vue de la production que des paroles. Ainsi, “Jojo ‘s Chillin” et “Southern Fried” sont de véritables démonstrations du talent de producteur d’un El-P qui puise dans la funk et la soul pour mieux les contaminer de l’intérieur, les greffant à des basses saturées et des lignes de synthés futuristes, afin d’en proposer une toute autre définition, entre figures du passé et de l’avenir.

Mais cette vitalité sortie des machines ne serait rien sans l’interprétation de Killer Mike. Particulièrement remonté et engagé, le rappeur distille de manière réellement intelligente et juste, quelques textes à la critique acerbe: “Reagan” relate, accompagné par un piano sinistre, les conséquences de ce mandat républicain sur la communauté afro-américaine. Sur l’apaisé “Willie Burke Sherwood”, il dresse un portrait de sa propre enfance, entre un père policier et une conscience qu’il a appris à aiguiser à travers les livres, pour trouver sa voie.

“Sombre, dense et brut”. Trois qualités promises par Killer Mike avant la sortie de l’album et que l’on retrouve tout au long de ces 45 minutes de très haute volée. Tirant sa réussite d’un équilibre fragile, cette collaboration démontre la profonde intelligence de ces deux artistes, soucieux d’apporter chacun leur personnalité au cœur même du projet, sans empiéter sur l’univers de l’autre. En résulte une œuvre riche, passionnante, à la croisée de nombreuses influences, mais qui finalement préfère n’en choisir aucune, se contentant de trôner avec sérénité au milieu des envieux, préalablement écœurés par cette mise à l’amende magistrale.

En écoute

Ben Sharpa & Pure Solid - “4DLS”

matthieu — Mon, 14 May 2012 11:47:56 +0000

Album
(Jarring Effects)
21/05/2012
Electro hip hop grime

Il y a trois ans, Ben Sharpa déboulait chez Jarring Effects avec un premier album éponyme, total reflet d’une vie dévouée au hip hop, et partagée entre trois continents, trois cultures subtilement mariées le temps d’une vingtaine de titres. Pour marquer son retour, le Mc Sud Africain s’est plongé tête la première dans un nouvel opus conceptuel, inspiré par la fin du monde de 2012, et censé provoquer chez celui qui l’écoute une envie irrépressible d’action et de positivisme à tout crin. Son but donc: marquer les consciences, influer, avec le risque de pousser sa bonne volonté jusqu’à vouloir prendre la totale possession de ses auditeurs. Une ambition un poil prétentieuse, plus encore à l’heure ou un archéologue américain vient tout juste de définitivement décrédibiliser la théorie Maya.

S’il l’était évidemment avant que tout les dérangés du bocal ne sortent de leurs abris, “4DLS” prend donc plus que jamais des allures fictives, sur le fond comme sur la forme. Mélange de hip hop soi-disant visionnaire, conscient et militant, de dub méditatif, et d’electro dansante, l’album forme un tout appelé à parler, entendre et voir à votre place, et à répondre à la définition de ce que Sharpa aime qualifier de Robot Army Music.

Pour cela, le Mc aiguise ses rimes sur les productions de son fidèle compère Dplanet, le tout sous les projections multimédia de Pure Solid: une formule qui doit prendre toute son ampleur en live mais qui peine beaucoup à convaincre sur un disque rapidement indigeste. Notamment parce qu’à trop approfondir et trop conceptualiser son oeuvre, Ben Sharpa y perd l’essentiel: l’émotion, certes absente chez le robot, mais élément crucial à l’humain pour apprécier la musique. Du coup, si l’indéniable efficacité de son premier opus faisait hocher les têtes quasi instantanément, celui-là souffre de sa transparence, de sa trop grande linéarité et homogénéité. Un gadin comme on dit chez nous.

En écoute

Hot Water Music - “Exister”

matthieu — Mon, 14 May 2012 10:26:12 +0000

Album
(Rise)
14/05/2012
Punk hardcore

Il y a les reformations qui sentent le fric à plein nez, d’autres rendues fragiles par un trop grand opportunisme qui se dépêchent de rapidement sortir un nouvel album avant que le vent tourne. On ne pourra pas dire que celle de Hot Water Music appartienne à ces deux catégories. En effet, annoncée en 2008 quand le groupe a décidé de remonter sur scène, cette résurrection a désormais perdu le caractère presque miraculeux qui l’entourait au lendemain de diverses routes prises en solo avec assez de brio pour qu’elles ne se transforment pas en impasse. Car avec Chuck Ragan les deux pieds dans un folk countrisant, Chris Wollard en solo comme avec les excellent The Draft, et Rebelo parti prendre possession des fûts d’Against Me, bien malin était celui qui aurait pu prédire le grand retour de Hot Water Music, acteur incontournable du punk hardcore des années 90.

Les souhaits les plus forts sont donc devenus réalité avec “Exister”, le huitième album studio d’un groupe qui a plusieurs fois montré par le passé sa capacité à se remettre en question. On aurait donc pu tout en attendre si le Ep “The Fire, The Steel, The Tread” n’était pas sorti l’an passé avec, à son bord, tous les vieux réflexes en grande partie retrouvés. Tout au long de ces treize nouvelles compositions, le constat est le même: Hot Water Music n’a rien perdu qui puisse décevoir le moindre de ses fans (”Drag My Body”, “Exister”), faisant de ce nouvel opus une pièce digne de son entière discographie. L’entame “Mainline” - baignée d’efficacité par ses mélodies, ses choeurs et la voix magnifiquement éraillée de Ragan - ne se prive d’ailleurs pas de remettre illico les pendules à l’heure.

Pour autant, et bien qu’il tente à plusieurs reprises d’innover, “Exister” ne trônera pas tout en haut d’une liste d’albums désormais longue comme le bras. La faute à une production confiée à Bill Stevenson, pas le plus à même pour offrir le maximum de grain aux guitares, et à la légère frustration qui règne ici de ne pas entendre les hymnes et les refrains incroyables dont le groupe était capable sur ses derniers méfaits. En effet, plutôt que les “Safety”, “Take No Prisoners”, et “Pledge Wore Thin” en demi-teinte, presque sacrifiés au prix de la facilité qu’il affiche tout au long du disque, on aurait préféré se faire resservir un peu des “Paper Thin”, “Trusty Chords”, “Wayfarer”, “Poison” et “The End Of The Line”, dont on se rapproche doucement ici avec “State Of Grace”, “Drown In It”, et “The Traps”. Certes, l’intérêt pour un groupe est d’avancer, de ne pas se renouveler: mais après huit ans de privation, c’est avec cela qu’on rêvait de renouer avant tout. Pour mieux remettre le reste à plus tard tant “Exister” reste plein de promesses.

En écoute

The Cribs - “In The Belly Of The Brazen Bull”

Maxime Delcourt — Mon, 14 May 2012 08:43:19 +0000

Album
(Wichita)
04/05/2012
Punk rock

C’est un cinquième album qui sort en ce mois de mai 2012, mais ça n’en est pas moins un évènement artistique, tant tout ce qui touche à l’œuvre des anglais déglingués de The Cribs relève de l’extraordinaire. En plus de dix ans de carrière, leurs folles ambitions n’ont jamais été revues à la baisse et permettent aujourd’hui à ces trois frères (plus Johnny Marr tout de même) de les réaliser complétement. Bref, “In The Belly Of The Brazen Bull”, c’est du lourd.

Premier constat, doit-on s’étonner du nombre de compositions présentes sur l’album? Alors que la majorité des productions actuelles se cantonnent à une toute petite dizaine de nouveautés, la démarche de The Cribs ferait presque figure d’anticonformisme. Comme s’ils leurs étaient impossible de contenir leur créativité. Exception faite de quelques lourdeurs, de “Come On, Be A No-One” à “Confident Men” l’album se veut mature, mais le plaisir à l’écoute reste enfantin.

Deuxième constat, même lorsqu’ils sortent un album tous les deux-trois ans, les frères Jarman, incorrigibles rockers, restent extrêmement dangereux. A l’écoute de “In The Belly Of The Brazen Bull”, on a qu’une envie: aller dans un bar, se bourrer la gueule et foutre le boxon. Aussi amoché qu’un homme après huit pintes, leur rock effronté a beau trainer dans le caniveau, il lui faut peu de temps pour filer en douce et conter fleurette à des jeunes filles en fleurs.

Troisième et dernier constat, les fauteurs de troubles de Wakefield offrent des chansons comme on monte sur un ring, alternant les coups de force et les moments de récupération. Tour à tour bruyant et mélodique, sauvage et barré, innocent et pervers, “In The Belly Of The Brazen Bull” est un album parfait pour ceux qui adorent noyer des chats.

En écoute

En écoute intégrale

La mère de J-Dilla lance le label Ruff Draft Records

matthieu — Mon, 14 May 2012 08:03:00 +0000

Maureen Yancey, la mère du regretté J-Dilla aka Jay Dee, annonce lancer officiellement le label Ruff Draft Records dont le nom n’est autre que le titre du maxi sorti par son fils en 2003. Le but de la structure consiste surtout à sortir des titres inédits du défunt, à commencer par l’album “Rebirth Of Detroit” prévu le 12 juin prochain et qui voit un grand nombre de Mcs (dont Danny Brown, voir la vidéo ci-dessous) se poser sur des versions encore inconnues de la part du producteur. Mais Ruff Draft ne se contentera pas de dépoussiérer les archives puisque le label prévoit aussi de signer de jeunes artistes parmi lesquels se cache peut être une digne relève.

Animal Collective annonce un nouvel album en septembre

matthieu — Mon, 14 May 2012 07:50:47 +0000

C’est l’information de la nuit: via la vidéo ci-dessous, Animal Collective annonce officiellement la sortie chez Domino d’un nouvel album intitulé “Centipede Hz”. On y voit aussi défiler ce qui pourrait être le tracklisting de l’album. Voilà qui vient planter un peu plus le décor de l’actualité du groupe qui avait déjà mis en ligne la semaine dernière deux nouveaux titres prévus pour un single à sortir fin juin. En écoute ci-dessous également.

Edward Sharpe & The Magnetic Zeros - “Mother” (music video)

matthieu — Mon, 14 May 2012 07:40:31 +0000

Concours La Villette Sonique - 6 places à gagner pour les soirées MF DOOM et Melvins les 25 et 26 mai à Paris!

matthieu — Sun, 13 May 2012 21:27:00 +0000

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Concours Ben Sharpa - 5 places à gagner pour le Nouveau Casino (Paris) le 17 mai!

matthieu — Sun, 13 May 2012 20:10:14 +0000

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Playlist - Dans la discothèque de Peanut Butter Wolf

matthieu — Sun, 13 May 2012 18:08:43 +0000

A 42 ans cette année, Peanut Butter Wolf est de ceux qui savent de quoi ils parlent quand il s’agit d’aborder la musique, et plus particulièrement le hip hop: un genre pour lequel il oeuvre activement depuis bientôt vingt cinq ans. En effet, d’abord dj/producteur au début des années 90 quand il collaborait avec Charizma malheureusement décédé quelques temps plus tard, Chris Manak - de son vrai nom - se replia en 1996 vers la production en créant Stones Throw Records, un des labels aujourd’hui les plus respectés sur la carte musicale, et sur lequel il sortit “My Vinyl Weighs a Ton”, son seul album solo paru en 1999. Par la suite, c’est donc via ses artistes que Peanut Butter Wolf est progressivement devenu un acteur incontournable de la musique contemporaine: sans lui, pas de Lootpack, de Madlib, de Aloe Blacc, de Mayer Hawthorne, de Oh No ni de MED. Ou peut être pas avec la renommée qu’on leur connait aujourd’hui. Alors que le label vient de souffler ses quinze bougies, le natif de San José nous sort quelques titres de son chapeau, tous à l’image de la grande ouverture d’esprit qu’il s’applique à imposer au catalogue de sa petite entreprise. Onze titres exactement, tous de son cru. C’est de bonne guerre…

QUASIMOTO - “Shroom Music”
Extrait de “The Further Adventures Of Lord Quas” (Stones Throw)

Madlib m’a emprunté un de mes 45t pour faire ce morceau, et j’étais vraiment très excité la première fois que je l’ai entendu. Plus excité encore que quand j’ai trouvé ce même 45t pour 25 cents, ce qui était déjà génial…

DAM-FUNK - “When I’m With You I Think Of Her”
Extrait de “Adolescent Funk” (Stones Throw)

C’est une de ses démos qui datent de la fin des années 80, début des années 90. J’ai essayé de le jouer en club récemment mais étant donné que l’intro n’a pas de beat, ca a mis tout mon mix en l’air. Amis djs, méfiez-vous.

JONTI - “Hornets Nest”
Extrait de “Twirligig” (Stones Throw)

Je dois absolument faire une vidéo pour ce titre dès que possible. Je prends beaucoup de plaisir à faire des clips avec les artistes ces temps-ci. C’est un peu comme un moment de détente pour nous tous.

TONY COOK - “Get To The Point”
Extrait de “Back To Reality” (Stones Throw)

Tony Cook était le batteur de James Brown mais, simultanément, il a composé un album qui n’a absolument rien à voir avec ce que faisait James Brown à l’époque. Il a lui-même sorti quelques titres sur un 45t (celui-ci notamment). Mais quand je l’ai contacté pour les sortir sur Stones Throw, j’ai réalisé avec joie qu’il avait encore pas mal de titres restés inédits.

DUDLEY PERKINS - “That’s The Way It’s Gonna Be”
Extrait de “Expressions” (Stones Throw)

Au rayon des compositeurs de génie, Dudley Perkins a déjà plusieurs classiques à son actif, notamment celui-ci.

JAYLIB - “No $ No Toke”
Extrait de “Chrome Children” (Stones Throw)

Quand Dilla m’a joué ce morceau pour la première fois pour l’album “Champion Sound”, c’est devenu un hymne pour moi, pour Madlib, et pour tous ceux du crew qui l’ont écouté. C’est pour cette raison que nous avons vraiment été décu quand Dilla a finalement refusé qu’il apparaisse au tracklisting de l’album. Il a tout juste accepté qu’il figure sur la compilation “Chrome Children” mais, encore aujourd’hui, je considère qu’il appartient à “Champion Sound”.

STEVE ARRINGTON - “(I Be) Goin’ Hard”
Extrait de “Goin Hard 12″” (Stones Throw)

Travailler avec Steve, c’est un rêve qui devient réalité. Plus important pour vous, il fait une musique tellement pertinente en 2012… Il est en train de me convaincre de sortir de ma retraite pour refaire ma propre musique.

KOUSHIK - “None In Mind”
Extrait de “Chrome Children” (Stones Throw)

Je crois qu’il n’y a pas une seule playlist que j’ai faite sans un titre de Koushik. Je suis très impatient d’entendre de nouveaux morceaux de sa part.

ANIKA - “Yang Yang”
Extrait de “Anika” (Invada/Stones Throw)

Même chose. Vivement que j’entende ses nouveaux titres…

THE STEPKIDS - “Shadows On Behalf”
Extrait de “The Stepkids” (Stones Throw)

Je suis allé au Japon avec eux récemment, et nous avons tous pris beaucoup de plaisir. Si un jour je me retire de la musique, j’en garderai de beaux souvenirs.

MAYER HAWTHORNE - “Green Eyed Love”
Extrait de “A Strange Arrangement” (Stones Throw)

J’ai sorti le maxi “Just Aint Gonna Work Out” dès que je l’ai entendu. Mais, à ce moment là, Mayer Hawthorne avait seulement enregistré ce titre et sa face B. J’étais donc un peu curieux de savoir s’il était capable d’écrire d’aussi bonnes chansons que celle là. “Green Eyed Love” a fini de dégager mes derniers doutes.

JAMES PANTS - “Kathleen”
Extrait de “James Pants” (Stones Throw)

A chaque album, James est chaque fois meilleur. C’est vraiment le genre d’artiste que je préfère. Il est aussi très bon quand il s’agit d’absorber différentes influences, et de les recracher en quelque chose de très personnel.

Damon Albarn - “Dr Dee”

Maxime Delcourt — Sun, 13 May 2012 12:01:30 +0000

Album
(Parlophone)
04/05/2012
Opéra Elisabéthain

Le moins que l’on puisse dire, c’est que Damon Albarn ne s’est jamais isolé dans ses idées, ni emprisonné dans sa musique. Repoussant en permanence ses ambitions, le gars de Londres vient de trouver un nouveau terrain de jeu et de nouveaux camarades pour satisfaire ses folles envies. Car, c’est un fait, l’ex-Blur ne voyage jamais seul. Pour ne pas déroger à la règle, il invite ici l’ex-batteur de Fela Kuti, Tony Allen, et le joueur de kora, Madou Diabate. Pour se la jouer bande annonce TF1, ensemble, ils n’ont qu’un seul but: moderniser notre conception de l’opéra Elisabéthain.

Versant tragique de son œuvre, “Dr Dee” fait dialoguer le passé proche et le passé lointain de l’Angleterre en se focalisant sur John Dee, un mathématicien-astronome-navigateur-amateur d’occulte devenu célèbre grâce à son rôle de consultant auprès de la Reine Elizabeth I. Nous voilà donc retournés quatre siècles en arrière où viole de gambe, chant hiératique et orchestre en tout genre (sopranos, ténors et mezzos) déconstruisent les normes. Même si l’idée de départ était de créer un opéra sur les super-héros, on ne peut qu’être émerveillé devant cette parenthèse enchantée.

Baroque dans l’esprit, lyrique dans les intentions, on reste loin de la pop music qui caractérise cet éternel insatisfait. Comme s’il venait de comprendre qu’une composition pouvait être comme une méthode d’écriture, c’est-à-dire un enchainement d’harmonies et de nappes cinématographiques. En offrant un aperçu de ses compositions l’été dernier à Manchester, Damon Albarn prouvait déjà que le terme “décrue d’inspiration” ne lui sciait guerre. Après “Monkey: Journey To The West”, “Dr Dee” apporte la preuve définitive, grâce à des titres comme “A Man Of England” et “Cathedrals”, que la musique est un art éternellement libre.

Manifestement, Damon Albarn fait partie de ces artistes dont le nom ne suffit pas à les identifier. Marque de fabrique? Privilège rare? Héros malgré lui? Difficile à dire à tant il s’acharne à ne pas marcher droit. Le monde qu’il décrit ici n’est ni pire ni meilleur que celui du 17ème siècle: on y croise les mêmes problèmes sociaux, matériels et culturels, mais ici, ils sont magnifiés par une sensibilité exquise. Aussi inventif que perché, Damon Albarn est humain, trop humain, mais bon sang, qu’est-ce qu’il est divin.

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Will Stratton - “Post Empire”

Maxime Delcourt — Sat, 12 May 2012 19:11:56 +0000

Album
(Talitres)
16/04/2012
Folk

Ceux qui n’ont jamais senti la plénitude monter lorsque, au pied des montagnes, le ciel s’ouvre, le soleil réchauffe l’eau du lac sur le chant des faucons, peuvent passer leur chemin. Pour les autres, en revanche, “Post Empire” fera office de gracieuse bande sonore. Même si, ces dernières années, on n’en finit plus de réécouter et de redécouvrir une folk pour chemise de bucheron et grands voyageurs, le nouvel album de Will Stratton doit-il pour autant payer les pots cassés de cette abondance? Touchante parce qu’elle a pris le temps de s’imprégner des vibrations de la nature, cette œuvre est un geste, un son, une invitation à suivre ce bon vieux Will dans ses méditations solitaires. Et soudain, si on prend le temps de le rejoindre, on n’est plus seul. Qu’importe la durée du voyage, seuls comptent les pas qui nous dirigent inévitablement au loin, vers ces montagnes. Question: fallait-il qu’ils soient aussi extrêmes? Oui, car il est nécessaire de démontrer que les œuvres peuvent encore être l’équivalent d’un véritable espace public en englobant l’air, la terre et le ciel. Et d’autres choses encore qui permettent d’écouter “Post Empire” de jour comme de nuit, de parader dans l’obscurité comme dans les cercles de lumière, comme si la pluie et le soleil jouaient à cache-cache. On en est désormais certains, Will Stratton est un génie de la folk, abstraite et atmosphérique. Immersion garantie.

En écoute

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Will Stratton

Missill offre enfin un successeur à son excellent “Mash Up”

matthieu — Sat, 12 May 2012 16:18:03 +0000

En 2005, Missill débarquait avec fracas sur la scène electro avec “Mash Up“, excellent mix éclectique et survitaminé vendu à plus de 25 000 exemplaires, qui faisait la part belle au hip hop et à la musique électronique. Sept ans plus tard, après plusieurs albums, mixtapes et tours du monde, la demoiselle revient avec un deuxième volume et la ferme volonté d’embraser une nouvelle fois les dancefloors. Au menu, 35 minutes d’un mix habile, surprenant, déconcertant parfois, au sein desquelles se cachent quelques titres inédits annonciateurs de ses futurs projets. Uniquement disponible sur son site officiel à partir de mi-mai. Pochette ci-dessous.

Best Coast - “The Only Place”

Jeremy — Sat, 12 May 2012 15:12:45 +0000

Album
(Wichita)
14/05/2012
Rock

Tous les doutes étaient permis et pourtant, le premier album de Best Coast a survécu au temps si l’on en croit l’impressionnante affection qu’il génère encore auprès du public, deux ans après sa sortie. Depuis, visiblement pas grand chose n’a changé chez les Californiens, passés en un disque du statut de produit de la blogosphère à tête d’affiche de festival. De retours avec ”The Only Place”, ils réitèrent la formule connue et chipée aux Vivian et Dum Dum Girls, à la différence près que, cette fois, Bethany Cosentino est vraiment triste, au point d’exhorter le chéri à prouver son amour pour elle (”Do You Still Love Me Like You Used To”), de rêver de départ (”Dreaming My Life Away”), de s’indigner des rumeurs (”Better Girl”). En résumé, géologiquement, le centre du monde passe par l’axe de Bethany et elle l’assume parfaitement (”I always complain…” chante t-elle sur “Why I Cry”). Seulement, la belle n’est pas la seule à plonger dans le pathos et son compère Bobb, malgré l’aide de Jon Brion, ne soulève pas non plus les foules par l’exubérance de ses compositions. Si les (nombreux) fans du duo ne seront pas déçus par ce second album, “The Only Place” a l’indéniable qualité de vous faire espérer une vie plus haletante une fois que vous l’avez écouté. Certes, il n’a rien à envier à ses contemporains, mais il ne possède pas non plus suffisamment d’aspérités pour éveiller la curiosité. À ce titre, “Sees The Light” de La Sera lui met bien plus d’une calotte. Mais bien aveugle celui qui espèrerait de l’audace chez Best Coast et, de fait, “The Only Place” remplit parfaitement sa fonction: celle d’un opus taillé pour supporter une heure de route avec l’espoir d’acheter un paquet de chewing-gums à la prochaine station.

En écoute

Beach House - “Bloom”

Jeremy — Sat, 12 May 2012 14:46:52 +0000

Album
(Sub Pop)
14/05/2012
Dream pop

Deux ans après ”Teen Dream”, Beach House reprend du service pour un quatrième album sous l’égide de Sub Pop. Une fois de plus, le duo formé par Alex Scally et Victoria Legrand ne déshonore pas ses précédentes productions tant “Bloom” reste dans la digne lignée initiée par le premier album et se pose déjà comme le disque idéal pour les futures longues soirées estivales. Encore plus soignée par sa production, plus lissée aussi, cette nouvelle salve peut, davantage qu’auparavant, agacer par sa candeur apparente. Seulement, une fois digéré, ”Bloom” se révèle être la quintessence de l’onirisme.

En entrant directement dans son sujet, Beach House obsède dès le début. En monument pop, bien aidé par Chris Coady (Blonde Readhead, Yeah Yeah Yeahs), le duo sillonne la mesure parfaite entre la charge mélancolique, l’audace romantique et l’élégance d’une production à la fois parcimonieuse et fastueuse. Pour autant, si certains trouvent les similitudes trop nombreuses avec ”Teen Dream”, on ne peut que constater un nouveau penchant pour une écriture déstructurée, tout en crescendo, délaissant ainsi le traditionnel couplet-refrain. À ce titre, la notion de voyage remplit pleinement son rôle et la seconde moitié de l’album le souligne aisément tant, dès l’immense ”Troublemakers”, Beach House démontre toute sa propension à bâtir des édifices pop magistraux. Cette orientation s’applique également dans les textes de Victoria Legrand, tous touchés par la perte de l’innocence, de l’adolescence, de l’amour impossible: autant de thématiques qui, derrière la caméra de Christophe Honoré, donneraient envie de vomir mais qui s’approchent du sublime dès lors qu’il s’agit des intéressés.

Enfin, si les singles ”Myth”, ”Wild” et ”Other People” seront les plus éloquents auprès du grand public, ”Lazuli”, ”On The Sea” et surtout ”Irene” s’imposent comme les incontournables d’un album hors de tout format. Officieusement leaké depuis un moment sur la toile, déjà en boucle dans beaucoup d’oreilles, il est avec Lower Dens tout ce dont nous pouvions espérer de mieux pour cette année, érigeant ainsi la glauque Baltimore en nouvelle capitale de l’amour désabusé. Alors bien sûr, Beach House continuera de déplaire aux aigris sans coeur mais avec “Bloom”, la formation nous reprend là où Metronomy nous avait laissé l’an dernier, la maturité en plus, avec le bonheur de se savoir triste à jamais. Et si nous sortions les violons?

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Modeselektor & Thom Yorke - “This” (music video)

matthieu — Sat, 12 May 2012 11:50:24 +0000

Robert Le Magnifique - “A Midsummer Night’s Dream”

matthieu — Fri, 11 May 2012 17:38:02 +0000

Album
(Idwet)
14/03/2012
Electro hip pop

Ce n’est pas la première fois que Thomas Poli (Dominique A, Montgomery, Miossec) et Laetitia Sheriff mettent leur nez dans la musique de Robert Le Magnifique, auteur de plusieurs albums remarqués, dont le dernier “Oh Yeah Baby” ou on les y croisait. Connaissant le background plutôt rock des deux intéressés, on comprend sans mal pourquoi le producteur rennais n’a pas tardé à faire appel à eux quand il s’est embarqué dans le projet “Where Is My Mind?”, pour lequel il s’était engagé à reprendre deux titres des Pixies. C’était en 2009, et l’osmose fut telle que les trois ont logiquement décidé de prolonger l’expérience pour le compte d’un nouveau projet de la Compagnie L’Unijambiste, décidément portée sur Shakespeare (”Hamlet“, “Richard III”). De là nait “A Midsummer Night’s Dream”, album inspiré par “Le Songe d’Une Nuit d’Eté”, mais pour lequel une grande liberté a cette fois été accordé aux musiciens. Mais, si les inspirations pop, electro et hip hop de Robert Le Magnifique se marient subtilement aux envies rock indé naturelles de Laetitia Sheriff et post rock de Thomas Poli, l’ambiance générale reste en grande partie fidèle à celle de la pièce, quand elle ne lui sert pas des titres ambiants qui lui semblent entièrement dévoués (”Play The Game”, “Why Is Your Cheek So Pale?”). L’album ne manque ainsi pas de cultiver la notion de paradoxe et de conflit qui règne au sein de l’original, et la répercute sur des compositions relativement sombres, aux humeurs changeantes, souvent au sein d’un même titre. Du coup, il n’est pas rare qu’au détour d’un morceau on aperçoive la lumière sans qu’elle nous illumine, qu’on ressente une certaine gravité sans en être affecté. Les mélomanes à la culture théâtrale apprécieront. Mais que les autres se rassurent: “A Midsummer Night’s Dream”, par sa richesse et sa diversité, a aussi une vie en dehors de son contexte, et peut s’écouter seul, pour ce qu’il est.

En écoute intégrale

Anywhere - “Anywhere”

matthieu — Fri, 11 May 2012 12:26:25 +0000

Album
(ATP)
14/05/2012
Prog rock psyché

Les amis de mes amis sont mes amis. La preuve, c’est en se rendant au vernissage de l’exposition de leur pote Sonny Kay que Cedric Bixler Zavala et Christian Eric Beaulieu font connaissance en 2010, décident de jouer ensemble en acoustique avant d’élargir le line up en invitant Mike Watt à la basse et Rachel Fannan au chant. Vous en conviendrez, rien de bien original jusque là, les prémices d’Anywhere ressemblant plus ou moins à ceux de millions d’autres groupes. A la différence qu’on a ici affaire à un quatuor pour le moins expérimenté, chacun ayant respectivement accroché les discographies de At The Drive In, Mars Volta, Triclops, Minutemen, fIREHOSE ou Sleepy Sun à sa discographie. Sans compter sur la propension de ces quelques figures à constamment envisager la musique avec une touche toute naturelle d’expérimentation.

Partagé entre acoustique et électrique, convoquant de multiples instruments à percussion, pas mal d’effets, ils accouchent tous ici d’un premier album avant gardiste, finalement bien plus sérieux que le projet récréatif auquel on s’attendait. Ni plus ni moins que la somme des styles de prédilection de chacun (”Anywhere”), cet opus éponyme compte avant tout sur l’énergie punk qu’il arbore parfois pour le ramener dans le domaine du concret. Un élément indispensable au regard de la couleur générale de cet opus le plus souvent baigné de rock progressif, de psychédélisme, et d’un mysticisme sans cesse alimenté par les francs clins d’oeil adressés à la transe orientale (”Dead Golden West”, “Shaman Mantra”), autant d’occasions qui soulignent la difficulté à ne pas décrocher. Néanmoins accessible, l’album devrait trouver un écho chez les fans du Mars Volta des débuts. Profitons en car, à l’écouter entre les lignes, Anywhere laisse déjà envisager un avenir musical moins abordable. S’il en a un.

En écoute

mowno

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