Pour ceux qui ne vous connaissent pas encore, qui est SayCet?

Pierre: sayCet est un groupe fondé autour de ma personne. Je m’appelle Pierre, j’ai rencontré Zita qui a fait des vidéos sur l’univers musical, puis Phoene avec qui j’ai collaboré musicalement parlant. On est maintenant un trio.

Ce soir vous jouez à l’Hybride dans le cadre du festival international du court-métrage. Que va t-on voir? Quel est le lien entre votre musique et ce festival?

Phoene: C’est la vidéo. On a regardé le programme, qui est plutôt intéressant. Il nous ont mis en “Visual mix” et je pense que notre projet audiovisuel peut effectivement faire partie de cette programmation, vraiment pour l’aspect multimédia du concept.

Comment t’es venue cette idée de vidéo?

Pierre: C’est très étrange en fait. Pour te résumer, le projet n’existait pas avant les Inrockuptibles de 2005. J’avais des compos mais je n’avais jamais projeté d’être sur une scène, ni d’être entouré. Mais il y a eu la sortie du sampler des Inrocks en 75 000 exemplaires donc, d’un seul coup, tu as une espèce de mise en avant assez énorme. Et là il faut faire des dates! T’en fais une, deux, et au bout de la deuxième, tu te dis “mais c’est pas possible, j’ai jamais prévu de tourner comme ça!“. A la base, on travaillait déjà un peu ensemble avec Zita, et il y avait aussi deux autres personnes, Amaël et Nolwenn, qui ont mis en place le live vidéo par la suite. On s’est demandé si on voulait illustrer la musique en vidéo, ou apporter un propos différent à tout ce qu’on voyait à l’époque, puisque tout le monde projetait des images d’archive ou autre sur un écran, sans forcément de réflexion derrière. Au bout du troisième live, il y avait une volonté d’avoir un univers global sur ce projet.
Zita: Finalement, ça s’est fait assez naturellement! Tout ça est arrivé de manière organique: on plante une graine, ça pousse et la vidéo apparaît!

Vous pensez qu’aujourd’hui la musique de sayCet est indissociable de la vidéo?

Pierre: En live, c’est sûr. On ne tourne que comme ça, et c’est ce qui a fait notre réputation. Les gens qui connaissent l’aiment comme ça, on propose quelque chose qui est assez différent d’un autre groupe. On a un rapport à la vidéo et à la lumière assez particulier.

Tu parles de quelque chose d’assez particulier, de différent… Comment vous démarquez-vous précisément?

Zita: Il y a un concept de triple projection. Pour moi, il n’y a pas de nécessité de se démarquer, c’est juste notre processus qui est comme ça, c’est quelque chose qu’on travaille en parallèle. L’idée, c’est de faire ça naturellement, de retranscrire ma manière de percevoir la musique.

Et au niveau du processus de composition, comment ça se passe? Pierre t’envoie les sons, et tu laisses faire ton imagination?

Avant, on était en colocation, donc j’entendais toute la musique qu’il faisait, je lui montrais mes vidéos… On n’est plus en coloc aujourd’hui, mais on a eu ce moment-là où ça circulait d’une pièce à l’autre, où l’on était en immersion totale.

Et l’inverse, c’est possible?

Pierre: On a déjà fait l’inverse, oui. Et je pense qu’on continuera à le faire. Je fais parfois de la musique sur de l’image. De toute façon, on se nourrit tous les trois les uns des autres. Je suis influencé par la sensibilité de Zita, et elle a aussi un énorme impact sur le son. Les bandes, je les envoie à Phoene et Zita! Les impressions sur ce que j’envoie me reviennent avec les deux sensibilités. Et si Zita me dit: “ça, c’est bizarre… ça, c’est mortel“, ça aura autant de valeur que l’avis de Phoene, qui est musicienne.
Phoene: Zita n’est pas seulement vidéaste, elle aime la musique! Elle a à la fois une certaine compréhension des images et de la musique. C’est un flux, ça circule dans les trois sens, et c’est comme ça que le projet existe. C’est un jeu de questions/réponses en permanence! Quand les images sont envoyées en live, c’est du temps réel. Elle connaît les morceaux par coeur, donc elle sait ce qu’il faut envoyer, et à quel moment, mais elle n’est pas synchronisée en midi avec nous.
Zita: C’est une espèce de dialogue, je les accompagne rythmiquement.

Y a t-il une part d’improvisation?

Pierre: On peut avoir plein d’étiquettes sur ce qu’on fait. Il y en a une qui restera, même si elle est connotée, c’est l’étiquette pop. Dans la pop, tu as des morceaux structurés, si tu veux que la personne qui écoute ton concert comprenne… On ne fait pas du free-jazz, donc il n’y pas d’impro au niveau de la structure mais au niveau de l’empilement des couches. Tu ne vas jamais entendre deux fois le même morceau. Par exemple si le morceau fait trois minutes cinquante sur l’album, en live il fera peut être trois minutes soixante… Enfin… Quatre minutes, donc! (rires). Mais par contre, sur les strates des morceaux, il se passera des tas de choses différentes. “Trilogie”, qui est un morceau de notre premier album, on peut le faire très très calme, ou limite techno! Pourtant, il aura toujours la même durée. Donc l’impro se fait dans ce sens là. Et ça dépend aussi du mood: si Zita s’acharne sur un truc, je vais plus lancer un truc syncopé, et si on est mou parce qu’on a picolé ou qu’on est dans un autre délire, on fera des trucs peut être plus calmes. On a les mêmes sessions, mais on a des outils complètement différents qui font que ça varie en fonction des sets. Quand on a joué à Strasbourg, on a fait un set hyper bourrin, alors qu’un ou deux mois avant, on avait joué à Poitiers, on avait fait un set très doux alors qu’on avait les mêmes machines! Ça dépend des gens, de l’humeur, de ce qu’on s’insuffle… c’est étrange! Par exemple, si un jour je suis vénère, je balance un truc, Phoene va peut être réagir… Et ça dépend aussi des conditions techniques! Plus on a un son crade, et plus on joue vénère.

Le 22 mars 2010 sortait “Through The Window”. Que s’est il passé en un an et demi?

Il s’est passé plein de choses. On a eu une sortie d’album très difficile, parce qu’on a eu un label incompétent… Tu peux tout marquer, il y a pas de problème! (rires) On a malgré tout eu une promo web super, des supports historiques supers aussi, comme les Inrocks ou Tsugi. En fait, notre label nous a lâché au moment de la sortie de l’album, donc il n’y avait plus d’attaché de presse. On a eu aucune promo. Et qui dit pas de promo, dit pas de concert! On a eu très peu de dates en France. Il a donc fallu se remettre de cet échec, mais finalement ça nous a vachement fait mûrir. On est devenu plus exigeant avec notre concert et ce qu’on faisait, et entretemps, on a trouvé des labels compétents, mais à l’étranger, en Asie! On a trouvé un très bon label au Japon, à Taïwan et en Corée, et on part dans deux semaines faire une tournée là-bas. On a digéré tout ça, on a continué à travailler, on a commencé à composer le troisième album. Tout à l’heure, on parlait de l’ancien disque qui nous paraît vieux dans nos têtes parce qu’il est sorti il y a un an et demi, mais il date d’au moins deux ans et demi voire trois ans puisqu’il a mis longtemps à sortir. Quand on a commencé à écrire le suivant, “Through The Window” nous a rattrapé puisqu’on repart en tournée! Il y a eu un peu la descente aux enfers, à la sortie de l’album on était déjà très bas…
Phoene: On a pris de la cocaïne, on est devenu toxicomane… (rires)
Pierre: On s’est relevé tout doucement. Ce qui est cool, c’est qu’on a un public fidèle et chaleureux. On est chanceux d’avoir ça! C’est le genre de truc qui booste quand tu sais que t’as trois connards qui saccagent ton travail, que ça fait trois ans que tu bosses sur un album, qu’ils sortent un cd bleu alors qu’il doit être violet, qu’il n’y a pas d’attaché de presse, que le mec fait une faute d’orthographe à ton nom et qu’il s’en fout. Là, tu te dis qu’au moins il y a des gens derrière qui te soutiennent un peu. On s’est relevé, et on va manger le monde!

Quand sortira le prochain album?

Phoene: Il y a un EP en préparation. On y trouvera un ancien titre avec un inédit, et des remixes de Trésors, Anoraak, Errorlove, Pony Pony Run Run et Second Date.
Pierre: Ca sort en digital, sauf peut être en Asie. A la base, c’est notre manager qui a voulu créer une actu autour du fait qu’on parte là-bas. Pour eux, c’est tout nouveau, “Opal” est un nouveau titre. Il y a aussi un inédit qui a été composé à l’époque de l’album pour la première moitié, et la deuxième moitié a été composée cette année. Donc on va sentir l’évolution du projet à travers ce morceau-là. C’est intéressant parce qu’on commence un peu à l’ancienne, et on finit à la nouvelle. Pour le troisième album, c’est flou. Il doit y avoir six bonnes voies de morceaux qui ne sont pas finis du tout et en prévision. Ca devrait sortir pour octobre/novembre 2012. Une bonne année de travail pour se refaire une santé!

Comment vous l’avez décrochée cette tournée en Asie? Ça ne vous fait pas peur d’aller un peu à l’inconnu?

Phoene (et Zita, toutes deux asiatiques, ndlr): C’est pas l’inconnu pour nous comme tu peux voir! (rires) Non, ça n’a rien à voir avec nos origines… C’est juste le fait qu’on ait trouvé des partenaires à l’étranger, à commencer par Taïwan, avec une très jolie pochette d’ailleurs, aux bonnes couleurs! On a des retours via Facebook, donc on se fie à cette fanbase qui grandit. Et puis concernant ce territoire, on se dit que les gens y sont peut être beaucoup plus sensibles à la musique qu’on fait.
Pierre: A la base, il y a aussi Charles, un mec qui travaille aux affaires culturelles françaises à Séoul, et qui veut nous faire jouer depuis la sortie du premier album. Et c’est tombé cette année. Il a monté un dossier auprès de Culture France pour que l’on ait des aides pour pouvoir partir. Et à ce moment-là, on a eu un label à Taïwan et au Japon, mais ils ne se sont pas concertés! On s’est dit que ça tombait bien, et qu’on pouvait pousser un peu plus loin que la Corée. On a donc rencardé le label japonais, et on a trouvé des partenaires qui travaillent maintenant avec nous à Singapour et dans toute l’Océanie. Finalement, tu te dis qu’il y a peut-être un attrait régional. Puis on est français, et on fait de la musique électronique, c’est peut-être plus sexy dans cette région du monde! Au moins au Japon, c’est mis en avant, chaque fois qu’on est chroniqué, “FRENCH” est écrit en gros.
Phoene: Alors qu’ici, c’est écrit “groupe franco-japonais”! (rires)
Pierre: Alors qu’elles sont pas du tout japonaises! Je connais pas encore les chiffres, mais je sais que les grands disquaires japonais ont bien voulu prendre nos disques. On va y aller, je pense qu’on va halluciner, ça sera la surprise. Ce qui est drôle, c’est que les professionnels de là-bas croient beaucoup plus en nous. A part le ministère de la culture qui est maintenant sympa avec nous, on n’a jamais vraiment été aidés par les professionnels en France. C’est dur! Même pour les salles! Tu vois, à Lille on joue à l’Hybride dans le cadre d’un festival, c’est la même organisation qui nous a fait jouer au Tri Postal. Sinon on n’a jamais joué à Lille autrement. C’est fou, c’est plus facile de trouver une date à Osaka qu’à Lille! Nul n’est prophète en son pays: quand t’es français en France, t’as plein d’autres français, et c’est compliqué…

Il y a pas mal de remixes intéressants sur le nouvel EP. Toi aussi tu aimes remixer les autres (Anoraak, Air, Bloc Party…), des artistes aux univers plus ou moins éloignés du tien. Qu’est ce qui te plaît dans cet exercice?

Pour ne pas faire la langue de bois, il y a le côté médiatique! Quand c’est écrit Bloc Party à côté de ton nom, tu vas forcément avoir beaucoup plus de vues. Après il ne faut pas le faire que pour ça, parce que si tu fais une bouse, il y a cinq fois plus de gens qui verront que tu fais de la merde! Ce que j’aime, c’est m’accaparer l’univers de la personne et de le confronter au mien, ou de ne prendre qu’un élément du morceau original pour l’introduire dans mon monde… Ce que je fais souvent. Je trouve ça très bien parce que ça donne des idées de composition. J’ai tendance à plus me lâcher sur un remix que sur une compo. D’ailleurs, j’ai fait un remix de “Scarface” de Trésors, où j’ai commencé un chœur en y mettant des effets, sachant que je chante rarement voire jamais: le genre de truc que je n’aurais jamais tenté sur album, et que j’utilise maintenant grâce à ce remix. Et quand c’est des potes, tu te dis que plus ça sera barré, plus ça leur fera plaisir!
Zita: Ce qui est intéressant aussi, c’est de remixer un artiste à l’univers complètement opposé, comme celui de Pony Pony Run Run où on a l’impression que le remix révèle une mélancolie cachée du morceau original.

Et qui sont tes prochaines victimes?

Pierre: Nous-mêmes! On se focalise sur la compo en ce moment, on n’essaie de ne pas trop s’éparpiller. Mais je suis impatient de m’y remettre!

Avez-vous déjà eu l’occasion de composer pour le cinéma?

Pierre: En fait, c’est le cinéma qui m’a fait venir à sayCet. J’ai fait une musique pour Chantal Lauby pour son film “Laisse Tes Mains Sur Mes Hanches”, elle avait besoin d’un truc house. C’est ce qui a provoqué mon inscription à la SACEM, et c’est là où j’ai pu déposer tous mes morceaux de sayCet après! C’est le seul film sur lequel j’ai composé en tant que long-métrage. J’ai fait des courts pour des amis, mais je pense qu’il y a un intérêt du cinéma pour sayCet et vice-versa. Et à mon avis ça tombera quand ça devra tomber. Et la base du troisième album repose sur un ciné-concert, avorté pour l’instant.

Sur quel film?

Je ne le dirai pas! Parce que je pense que ce ciné-concert verra le jour.
Phoene: C’était vraiment l’idée de départ, on cherchait un moyen de rebondir et c’était pour nous une manière de travailler différemment, de proposer autre chose. Pour l’instant, on oublie cette idée, on part sur une nouvelle énergie, un vrai troisième album avec les morceaux qu’on a envie de faire, pas par colère.
Pierre: Mais là, on est cool! Tu nous as pas vus quand on avait la haine, on aurait mangé ton iPhone! (rires). Et j’aime l’idée que l’album qui va sortir sera hanté par ce film…

On va faire un petit tour de table… Quelle est votre dernière claque cinématographique?

Phoene: “Pina” de Wim Wenders. Ça m’a vraiment foutu une claque, je ne pensais pas qu’on pouvait filmer la danse comme ça. C’est un film en 3D sur Pina Bausch.
Zita: C’est un film qui se sert vraiment très bien de la 3D, plus que tous les films que j’ai pu voir! Personnellement, ma dernière claque, je pense que c’est “Melancholia” de Lars Von Trier. Mais c’est peut-être parce que je l’ai vu après “Tree Of Life”, que je n’ai pas du tout aimé!

Avez-vous vu Drive?

Zita: Oui, c’est bien! Et ça met en valeur la musique.
Pierre: Je suis un énorme fan de Cliff Martinez, en particulier la B.O. de “Solaris”. Je trouve qu’il a “popisé” ce que faisait Steve Reich! Il apporte quelque chose de différent à Hollywood. Par contre, je n’ai pas vu “Drive”, mais ce qui est dommage, c’est que ça n’est pas vraiment Cliff Martinez qui a été mis en avant, mais plutôt Kavinsky ou College.

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C’est un immense plaisir de voir Apparat ici dans le Nord de la France. Est-ce que c’est ta première fois ici?

Apparat: Ici, au Grand Mix, oui. Par contre, j’ai déjà joué à Lille dans un festival il y a trois ou quatre ans.

J’étais supposé te voir en live cet été au Pukkelpop Festival…

Putain mec, cette tempête, ça devait être un cauchemar… On devait jouer sur l’une des scènes qui se sont effondrées! Quand c’est arrivé, on était en train d’emballer notre matos dans la salle de répétition, et quelqu’un lisait les news à ce moment-là. On s’est demandé si on devait y aller, on a donc appelé notre promoteur qui nous a dit que c’était foutu.

Parlons plutôt de ton dernier album, “The Devil’s Walk“. Tu l’as sorti sous le nom Apparat, mais ce soir tu joues sous le nom d’Apparat Band. Qui est donc cette bande?

A l’origine, je voulais simplement communiquer sur le nom Apparat. Mais le “band”, c’est surtout pour préciser au public qu’il ne s’agit pas de mon set solo avec un laptop. Mais pour moi, ça reste Apparat. C’est un concept ouvert! Nous avons pensé que nous devions vraiment enregistrer cet album en groupe parce qu’il est beaucoup plus organique, avec des sons “humains”. Donc, bien sûr, on doit aussi le jouer ensemble en live, c’est impossible à reproduire avec un laptop.

Et qui sont les membres du groupe?

Il y a Nackt, qui est le co-producteur de mon disque. Il m’a beaucoup aidé. Il a invité Ben, un de ses amis qui joue du clavier, et j’ai invité Jörg, le batteur, qui avait déjà fait quelques drums sur “Walls“. Apparat Band, c’est donc nous quatre, mais aussi notre ingé son, et James aux lumières. Tous sont vraiment partie prenante du résultat car c’est important d’avoir une ambiance cinématique. Ça nous a pris du temps pour tout mettre en place, on a fait plein d’essais. Mais aujourd’hui, tous ces efforts prennent vraiment leur sens.

Y a t-il de la vidéo?

Cette fois-ci, on a vraiment choisi de ne pas en mettre. Ces deux dernières années ou j’ai tourné avec Moderat, on proposait vraiment un show audiovisuel. Pour cet album, je pense qu’il faut que les gens se focalisent principalement sur le son, sur l’atmosphère. Les images peuvent être distrayantes, mais on préfère avoir cette installation, cette ambiance avec des lampes tamisées.

L’album est-il signé Apparat ou Apparat Band?

En fait, il ne s’agit que de Nackt et moi en studio! On a composé toute la musique ensemble, et il a joué la plupart des instruments. Les autres membres sont arrivés quand nous avons terminé l’écriture, mais on ne leur a pas dit comment interpréter tel ou tel morceau. On s’est tous installé dans la salle de répétition, et on s’est demandé comment on allait jouer ces chansons en live. Ils avaient tous des idées et, la plupart du temps, elles étaient plutôt bonnes. On essaye vraiment de travailler avec les bonnes personnes.

Sur scène, les morceaux sont-ils très différents de l’album?

Pas vraiment. Toute ma vie, j’ai fait des live sets complètement différents de mes disques. Je ne voulais plus faire ça, je souhaitais vraiment jouer l’album en live. Ça sonne comme en studio mais, bien entendu, on ne peut pas jouer tous les sons. Donc on a du se concentrer sur les principaux, on a du minimaliser, modifier certains arrangements pour que ça fonctionne mieux sur la version live.

Tu joues encore de vieux morceaux?

Très peu en fait! Notamment parce qu’il est très difficile d’interpréter toutes ces vieilles chansons avec le groupe. On fait parfois quelques concerts avec un violoniste et un violoncelliste, ce qui nous permet de jouer plus de morceaux des anciens albums. D’une certaine manière, on est limité car on a aucun ordinateur, aucune bande qui tourne. Tout est live et bouclé en temps réel. Nackt joue une boucle de piano, il la lance, et joue autre chose par dessus. Moi, je joue une boucle de guitare, je mets des effets sur ma voix etc… Mine de rien, on est limité avec ce concept. Quand j’ai fait “Walls”, mon travail consistait à superposer beaucoup de couches. Au final, il aurait presque fallu que j’achète un 80 pistes! Et ça, ce n’est pas évident à amener sur scène… Si tu essayes de capter l’essence du morceau pour le minimaliser, ça ne marche pas toujours. Il faut surtout faire attention à conserver l’atmosphère, plus que la chanson en elle-même. De là, on ne peut pas jouer tous les morceaux en live!

Il y a aussi Joshua Eustis (moitié de Telefon Tel Aviv, ndlr) qui a participé…

Oui en fait, quand je te parlais de Nackt et moi, je te parlais de la seconde moitié de la production. La première partie s’est faite à Mexico avec Josh, Fredo (le guitariste) et Jörg. On a fait de la musique là bas pendant deux mois et demi, on y a donc produit pas mal de matière sonore.

La ville de Mexico a t-elle eu une influence particulière dans la composition?

Pas trop. C’est bizarre… En fait, la plupart des chansons existaient déjà avant, nous sommes donc plus ou moins allés là-bas pour la production. On n’y a pas vraiment écrit de musique, ou très peu. Je ne sais pas, c’était vraiment très beau, ensoleillé, alors que la musique est très triste. Du coup, je ne peux pas vraiment dire que ça m’a beaucoup influencé. C’était juste une manière sympathique de travailler. On bossait pendant seulement quatre heures et on avait parfois ces petits moments de vide en studio, ces moments où tu n’es plus inspiré… Quand j’étais à Berlin, je m’asseyais dans le studio et j’attendais que l’inspiration revienne. Ça prenait trois heures, à écouter les boucles encore et encore, la chanson finissait même par me rendre malade! Ce genre de situation n’est jamais arrivée à Mexico! Quand l’inspiration n’était plus là, on se disait “Ok, allons sur la plage siroter une margarita!” (rires). C’était une manière très ludique de faire de la musique, pas comme si c’était un job.

Je remarque de grosses différences entre “Walls” et “The Devil’s Walk”. Comme tu me l’as dit, il y a plus d’instruments, et tu chantes sur tout l’album, sauf sur “Goodbye”. Es tu un chanteur à l’origine?

Non! Comme tu l’as certainement remarqué, tous mes albums sont différents. Je trouve constamment de nouvelles idées, elles germent sans cesse dans ma tête, et parfois je sens que je suis en train de faire quelque chose de nouveau sans même m’en rendre compte. Y compris quand que je te parle! Trois ans sont passés, et j’ai encore beaucoup de musique inédite sur mon disque dur. Ce sont toujours des choses différentes, des essais, de la musique que je n’aurais pas pu mettre sur l’album précédent car elle était trop éloignée de l’idée d’origine. C’est ce qui s’est passé sur “The Devil’s Walk”. Il y a environ cinq ans, je commençais déjà à écrire des chansons à la maison, au piano. On a produit à Mexico, puis à Berlin, soudain un nouvel album est né, et tout le monde a dit: “Oh mon Dieu, quel changement!“, alors que pour moi, c’est juste l’aboutissement d’un process très lent!

Mais qu’est ce qui t’a motivé à prendre le micro?

C’est très simple. Pour ce disque, je voulais faire de la musique plus facile, avec moins de couches, juste me limiter à une mélodie, sans trop d’effets, sans devenir fou sur mon ordinateur. La voix est un instrument très intuitif. Ça collait parfaitement au concept. Je voulais simplement jouer quelque chose et le garder tel quel. Et si tu utilises ta voix comme un instrument, tu peux être soudainement inspiré, tu chantes quelque chose, ça vient à la fois de nulle part et du plus profond de toi. Ça ne passe même pas par ton cerveau! C’est une connexion directe de l’idée jusqu’au son. C’est l’une des raisons pour laquelle je voulais chanter. C’est intuitif, ça n’est pas comme un programme, tu vois. Je ne dirai jamais que je suis un songwriter ou que j’ai changé. Je l’ai fait, mais peut être que le disque suivant sera complètement instrumental et psychédélique. C’est difficile à dire. Je n’aime pas trop quand les gens disent qu’Apparat a changé, que le prochain sera un vrai album de chansons… Qui sait? Moi-même, je n’en sais rien encore!

Tu as beaucoup joué en club et, avec le nouvel album, tu te retrouves plutôt dans des salles de concert. Quelle atmosphère préfères-tu?

Honnêtement, je préfère l’ambiance des concerts, même pour Moderat qui est peut être un peu plus clubby. J’aime l’idée que les gens viennent uniquement pour le show, sans savoir à quoi s’attendre. Il y a peut être moins d’affluence, mais en club, certaines personnes ne viennent pas seulement pour toi. Elles viennent aussi pour le lieu, ou parce que c’est cool. Dans une salle de concert, la connexion est automatiquement plus forte entre toi et le public. Et en tant qu’artiste, c’est beaucoup plus enrichissant. Je n’ai joué qu’un ou deux DJ sets cette année et, paradoxalement, j’ai vraiment apprécié! Avant j’étais un peu fatigué des clubs et du DJing… Mais si tu ne le fais que de temps en temps, tu apprécies le contraste, et ça t’évite de tomber dans la routine. Je pense donc que je continuerai quand même à me produire en tant que DJ, je veux me laisser cette option pour l’avenir!

Est-ce la raison pour laquelle tu as fait un DJ Kicks?

Quand j’ai fait le DJ Kicks, c’était pile au moment ou je voulais prendre mes distances avec les dj sets. J’admets que c’est contradictoire et un peu stupide d’avoir accepté, mais je me suis dit que ça pourrait être plus éclectique sur CD, que je pourrais y mettre de la musique acoustique, ou du vieux son. Finalement, ça ressemble en quelque sorte à un disque de dance contemporaine! Ensuite, on est parti en tournée, seulement vingt dates avec Pfadfinderei qui faisait déjà les visuels de Moderat. Chaque soirée était vraiment excellente, et j’ai alors pensé que c’était le meilleur moment pour faire un break, pour arrêter les clubs. Tu vois, c’est toujours mieux d’arrêter quand on est en haut plutôt que quand tu es dans le creux de la vague. J’ai donc stoppé car j’ai considéré que c’était le bon moment pour démarrer quelque chose de nouveau.

Ce DJ Kicks est sorti chez !K7, “Walls” sur Shitkatapult, “Moderat” sur Bpitch Control et “The Devil’s Walk” sur Mute… On dirait que tu aimes sauter d’un label à un autre!

En fait, la plupart du temps, je bosse avec les amis. Shitkatapult est un label d’amis, Bpitch Control aussi. Pour DJ Kicks, c’est un peu différent parce que c’est une série. Quant à ce nouvel album, je ne voulais pas sortir ça sur un label purement électronique. Je voulais un peu m’éloigner de ce cercle, parce que si c’était sorti sur Shitkatapult ou Bpitch Control, les gens auraient directement fait l’association techno/Apparat/Berlin… Il y a ce putain de truc avec Berlin et la musique électronique! Je pense que j’avais besoin d’une autre plate-forme, de faire comme un petit “reset”. J’étais déjà en contact avec Daniel Miller parce qu’il est ami avec mon manager qui s’appelle aussi Daniel, et parce qu’il a aussi travaillé chez Shitkatapult. Mon Daniel a donc donné ma démo à l’autre Daniel, et nous avons pensé que ça serait un bon compromis. Ça n’est pas comme si on le sortait chez Sony, ou une autre major. C’est un plus gros label, c’est plus éloigné, mais ça reste familial!

Je suis impressionné par le design de la pochette. Elle est aussi très différente de celles de “Walls” et “Duplex”. On y voit un mec tenir un marteau, avec le diable derrière, des crânes sur la table, des animaux morts… Qu’est ce que tout ça veut dire?

Même si on a passé que deux mois et demi à Mexico, cet album reste pour moi connecté à cette ville. La pochette est donc basée sur une peinture d’un artiste de là-bas, Posada. C’était un dessinateur critique du début du siècle dernier, il peignait des trucs comme ça, des crânes, et l’art mexicain typique que tu peux avoir à l’esprit. Cette pochette est également une critique de la société: tu peux voir ce mec sur un marché, un vendeur possédé par le diable jusqu’à en devient la marionnette. Le titre est lui inspiré d’un poème anglais romantique signé par Shelley, un auteur qui a vécu il y a environ deux cents ans. Le sujet est le même, il pointe du doigt ces gens qui ont du pouvoir, qui semblent connectés au diable et qui ont l’air de bien s’entendre avec lui!

Tu as trouvé le titre avant l’artwork?

Non, l’artwork est venu en premier, puis j’ai lu ce poème ensuite. Le rapprochement entre les deux étaient si frappant… En plus, pendant que j’écrivais le disque, on était en pleine crise économique, c’était matraqué à la télévision. C’est là que tu te rends compte que, finalement, rien a changé en deux siècles…

J’ai acheté l’édition Deluxe avec le joli livret, les paroles, le morceau bonus… Es-tu un fétichiste de l’objet quand tu achètes de la musique?

Tu sais, quand je serai le seul décisionnaire, il n’y aura que l’édition deluxe. Même pas d’édition classique. De nos jours, je pense que si les gens achètent des disques, c’est seulement pour avoir un bel objet, rien d’autre. Sinon ils peuvent le télécharger en mp3. L’unique raison pour laquelle il y a une version normale, c’est parce que le label le voulait. J’ai été graphiste pendant deux ans avant de faire de la musique, et j’aime ce genre de trucs. Je veux avoir un bel objet que je peux toucher, et que j’ai envie d’avoir sur mon étagère!

Parlons un peu de Modeselektor. On dirait que votre destin est intimement lié. Tu as sorti “Walls” quasiment en même temps que “Happy Birthday”, et une fois encore vous réapparaissez exactement au même moment…

Pour être exact, ils ont sorti “Happy Birthday” un peu après moi parce qu’ils sont lents! (rires) Ils le sont toujours en 2011, mais la sortie s’est faite très rapidement car on voulait vraiment synchroniser nos albums. Avant, ça arrivait par accident, mais cette fois on s’est dit qu’il fallait qu’on sorte nos disques en même temps pour pouvoir recommencer à travailler sur Moderat. S’ils l’avaient sorti l’année prochaine, nos emplois du temps se seraient chevauchés. On va donc bosser sur Moderat en 2012. Je ne sais pas comment ça sortira, mais on a déjà quelques idées!

C’était ma prochaine question en fait… Moderat n’était donc pas qu’un projet éphémère?

Au début, ça devait l’être, mais ça a trop bien fonctionné. Contrairement à ce qu’on pensait, nous trois en studio c’était facile! L’avantage, c’est qu’à trois il y a toujours une majorité quand il faut prendre une décision. Quand je ne suis qu’avec Nackt, il arrive que nous ne soyons pas d’accord. A trois, c’est démocratique! (rires) Aujourd’hui, je considère Moderat comme mon second groupe, et je pense que c’est pareil pour Modeselektor. Ça me donne d’autant plus de liberté pour Apparat, ça me permet d’avoir un projet plus pop parce que je peux faire de la musique électronique de l’autre côté.

Dernière question car on t’attend en bas pour les balances: je n’ai rien compris à la vidéo de “Black Water”, peux tu m’expliquer?

Je n’ai pas plus compris que toi! (rires). Honnêtement, je ne peux pas t’expliquer le sens de cette vidéo, tu dois demander au vidéaste! Je n’ai rien à voir avec le concept. Mais je la trouve cool. Laisser faire les gens puis apprécier leur vision, c’est le genre de chose que j’apprends quand je collabore avec des personnes. Avant, c’était impossible pour moi de collaborer, mais j’ai changé là-dessus: maintenant, je peux avoir un groupe, bosser avec d’autres personnes, dire “joue moi cette mélodie… hum, je ne l’aurais pas jouée comme ça, mais c’est cool, c’est ta vision“. Ça rend la musique plus intéressante et plus riche, et c’est la même chose avec la vidéo ou l’artwork. J’ai dit à Carsten et Hanna - qui ont fait le visuel de la pochette - de s’inspirer de l’art de Posada, et je ne suis plus intervenu ensuite. Je les ai laissés faire. Si tu as les bonnes personnes autour de toi, le résultat justifie souvent la confiance!

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Comment est-ce que l’aventure Rhymesayers a débuté? Quelle était votre ambition au moment de sortir le tout premier album du catalogue?

Nous étions alors juste quelques gamins biberonnés au hip hop de la Golden Era, qui ont suivi leur amour et leur passion pour cette culture, jusqu’à ce qu’elle se transforme en un des plus respectés labels indépendants. À ce moment précis, notre motivation consistait juste à être entendus, et à être respectés.

De qui était alors composée l’équipe dirigeante? Est-elle la même aujourd’hui? Combien de personnes le label fait-il vivre aujourd’hui?

À l’origine, il ne s’agissait que de moi. Je faisais tout. Puis, je me suis associé à J-Bird pour qu’il s’occupe du management des tournées de nos artistes. Au fil des ans, nous nous sommes étoffés et sommes devenus une véritable entreprise. Désormais, nous sommes une équipe de six personnes, sans y inclure le personnel dédié au shop en ligne Fifth Element.

J’ai l’impression qu’il est assez facile aujourd’hui d’identifier une production Rhymesayers. D’après toi, quel est le point commun à tous les disques du catalogue? Est-ce que le label choisit ses artistes dans le respect d’une certaine ligne directrice?

Non, nous n’imposons rien, ni aux artistes ni à leur art. Le seul point commun de tous ceux qui sont présents au catalogue est qu’ils sont tous ce qu’ils sont, qu’ils s’expriment tous à leur façon, ils sont tous originaux. Nous avons évidemment notre mot à dire quant au produit final, mais ce n’est qu’un avis supplémentaire dans le processus. Personnellement, je n’ai jamais considéré nos disques comme nos artistes facilement identifiables à Rhymesayers. Ça me paraît difficile quand tu as des gens aussi différents que Atmosphere, MF Doom, Freeway, Brother Ali, Eyedea & Abilities, Evidence, P.O.S, Grieves, Blueprint… Même si certains ont quelques similitudes, beaucoup ont en revanche un background très différent, comme des expériences de vie et des approches artistiques contraires. Et c’est cela que Rhymesayers veut constamment représenter: un catalogue extrêmement varié de voix et d’artistes talentueux.

Beaucoup de labels hip hop n’ont pas survécu au temps. Etant donné l’expérience que vous avez désormais, peux-tu nous dire quels sont les pièges récurrents qui peuvent faire obstacles à un label comme le vôtre?

La seule chose qui compte est de toujours rester focalisé sur les artistes. Rhymesayers ne serait rien sans les siens, donc ils sont prioritaires sur n’importe quoi d’autre. Nous apprécions nos réussites, mais elles ne changent pas notre état d’esprit. Aussi, nous essayons vraiment de rester pertinents et actuels en signant de nouveaux talents venant contrebalancer d’autres plus expérimentés. Au-delà de ça, il ne s’agit que de s’en aller voir hors des sentiers battus, et de toujours garder un temps d’avance.

Rhymesayers gagne en importance dans une industrie en crise, à l’avenir totalement imprévisible. Quelles sont les raisons de cette réussite?

Le talent de nos artistes, beaucoup de travail, ainsi que tout ce que j’ai énuméré auparavant.

Est ce que le fait que des labels comme Anticon ou Def Jux aient moins de succès ou aient jeté l’éponge, peut être une des raisons du succès grandissant de Rhymesayers? Je pense par exemple que Hail Mary Mallon (projet de Rob Sonic et Aesop Rock) ne serait jamais sorti chez vous si Def Jux était toujours en vie. Je me trompe?

Peut-être, on ne peut pas savoir… Nous avions déjà du succès quand ces labels étaient sur le devant de la scène, donc je ne peux pas dire que c’est la principale raison de notre bonne santé actuelle. Mais évidemment, et c’est logique: moins nombreux sont nos contemporains, plus nous avons de chances de travailler avec des artistes historiquement rattachés à eux.

Beaucoup de labels se focalisent principalement sur la scène hip hop de leur propre ville: Anticon à San Francisco et Los Angeles, Def Jux à New York, Galapagos 4 à Chicago, vous à Minneapolis… Comment expliques-tu que cette politique soit si courante? Est-ce une clé de réussite d’après toi?

En ce qui nous concerne, mais je pense qu’il en est de même pour les autres, c’est on ne peut plus logique puisque nous sommes de Minneapolis, et que nous aimons notre ville. Mais je pense que le fait de travailler avec des artistes d’autres régions est aussi une raison indéniable du succès actuel de Rhymesayers. Autant que le fait de se focaliser sur Minneapolis en tout cas…

Y a t-il des artistes que tu aurais adoré signer mais que tu aurais manqué. Lesquels?

J’aurais adoré travailler avec Aesop Rock depuis le tout début de sa carrière. À l’origine, “Daylight” était d’ailleurs censé sortir chez Rhymesayers. J’aurais également adoré travaillé avec Little Brother avant que le groupe devienne ce qu’il est désormais. J’ai toujours pensé que nous aurions pu aider ces artistes à transformer ce qu’ils faisaient en quelque chose de beaucoup plus gros et solide. Actuellement, il y a une poignée de jeunes talents avec qui j’aimerais faire des choses. Mais je crois fermement au destin, je suis persuadé que tout ce qui doit arriver arrive, au moment où cela doit arriver. Donc, qui sait, peut être que des projets se concrétiseront à l’avenir…

Quel bilan fais-tu aujourd’hui quand tu retraces l’histoire du label? Quelles sont les lignes directrices que vous comptez suivre au cours des prochaines années pour permettre à Rhymesayers de garder le cap?

J’ai le sentiment que, de plusieurs façons, nous nous sommes définitivement imposés au sommaire des livres d’histoire du hip hop. Nous avons réalisé ce que nous avons entrepris, et puisque nous sommes bons dans ce que nous faisons, tout ce qui arrivera maintenant ne sera qu’une cerise de plus sur le gâteau. Le principal à l’avenir sera de ne jamais oublier comment nous en sommes arrivés là, et de rester fidèle à notre éthique.

Est ce que la crise actuelle au sein de l’industrie musicale vous conduit à développer d’autres activités comme le merchandising, les tournées, le management…? Aspirez-vous à l’avenir à travailler sur tous les éléments rémunérateurs du développement d’un artiste?

Nous avons toujours fait ça. Nous nous sommes tout de suite engagés dans un business à 360°, non pas en vue de profiter de nos artistes pour générer des revenus additionnels, mais par nécessité. En ce qui concerne le noyau d’artistes avec qui nous travaillons depuis le premier jour, nous faisons tout pour leur carrière, et avons toujours tout fait. Nous essayons vraiment de travailler en tandem avec chacun d’eux pour le bien de leur propre marque, comme de la nôtre.

Désormais, l’évolution d’internet permet à certains artistes de se passer d’un label. Comprends-tu ce choix? Que dirais-tu à l’un d’eux qui refuserait l’offre d’un label comme le vôtre pour avancer seul?

S’il a les moyens de le faire, cette décision prend tout son sens. Mais à la fin de la journée, qui que vous soyez, vous aurez toujours besoin d’une équipe. C’est là que nous entrons en jeu et que nous endossons notre rôle.

En tant que patron de Rhymesayers, quelle est ta plus belle récompense à l’heure d’aujourd’hui?

Pour chaque projet, partir à chaque fois de zéro, et travailler avec des gens vraiment supers. Aussi, voir mes amis artistes atteindre leurs objectifs et prospérer grâce à la combinaison de nos efforts.

Quels sont les nouveaux albums que nous pouvons attendre de Rhymesayers en 2012? Est-ce que de nouveaux artistes sont déjà prévus au catalogue l’année prochaine?

Brother Ali, P.O.S, Jake One… Peut-être aussi quelque chose de la part de MF Doom, et bien sûr quelques nouvelles arrivées et surprises possibles. Stay tuned.

Brother Ali - “Good Lord”

Evidence - “You”

Atmosphere - “She’s Enough”

Grayskul - “Missing”

POS - “Drumroll”

Felt - “Chewed”

Abstract Rude - “Thynk Eye Can”

Freeway - “She Makes Me Feel Alright”

Blueprint - “Radio Inactive”

Hail Mary Mallon - “Smock”

Eyedea & Abilities - “Smile”

Atmosphere - “Shoulda Known”

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Im Takt, groupe émergeant, qui êtes-vous?

Vincent (basse/claviers): On est trois petits gars de Brest… dont un de Carhaix, on avoue. Le groupe a quasiment deux ans d’existence. On est donc un trio.

Et Im Takt, ça veut dire quoi?

C’est de l’allemand, et ça veut dire “en cadence”!

Forcément, la première fois qu’on écoute un groupe qu’on ne connaît pas, on cherche des comparaisons. Personnellement j’ai trouvé des similitudes avec un groupe comme Breton…

Xavier (guitare/claviers/chant): … Qui sont anglais, rien à voir avec nous! (rires)

… ou les Ecossais de Errors, avec une touche électro beaucoup plus marquée. De votre côté, comment définissez-vous votre son?

Errors, oui, on nous l’a déjà dit! Il y a une assise rock avec le côté guitare/basse/batterie, puis les claviers et tous les sons que j’ajoute donnent cette touche électro… Je pense qu’on est un vrai groupe d’électro-rock.

Sur Myspace, on lit le terme “Krautpop”…

(rires) Je sais pas, faut trouver des termes! Il y a un côté répétitif dans notre son qui lui donne cette facette kraut, les boucles évoluent, c’est assez long à s’instaurer… Et pop parce qu’il y a un peu de chant, donc on est gentil! (rires)

Durant le concert, on a entendu effectivement un peu de chant, mais sur l’EP, ça reste rare!

Bertrand (batterie/boite à rythme): Il y a un prochain EP qui va sortir pour les Trans’Musicales où l’on joue, et il y aura du chant sur quasiment tous les morceaux.

Grosse différence avec le premier!

Xavier: Oui, du coup, ça change la donne. Sur le premier maxi, on n’avait pas encore trouvé notre esthétique. Comme aucun de nous n’avait jamais chanté, on ne se sentait pas prêt. Là, ça commence à venir, on a encore du travail là-dessus mais on commence à trouver notre identité, et ça prend beaucoup de temps. C’est aussi pour ça qu’on ne joue quasiment plus les titres du premier EP, et il est temps qu’on en sorte un nouveau aussi pour que les gens y retrouvent ce qu’on joue en live.

Le chant va t-il devenir systématique?

Vincent: On a encore des ambiances un peu DJ set, électro, avec des nappes et des trucs qui évoluent bien, mais on garde l’aspect “chanson” avec textes-couplet-refrain parce qu’on s’est rendu compte qu’on n’arrivait pas à faire tout un set entièrement instrumental assez efficacement. Chanter, c’était donc une volonté. Du coup, on a pris les micros, on les a branchés, et voilà!

C’était votre première fois à Lille, c’était comment?

Xavier: Les gens sont super réceptifs!
Bertrand: La salle est énorme, on n’a jamais joué dans ces conditions là, excepté en festival. Sauf qu’à chaque fois qu’on a joué en festival, c’était très tôt, avec pas grand monde.
Vincent: Là, le public était présent dès 20h!
Xavier: Il n’avait pas envie de louper Metronomy, donc tout le monde était là dès le début, c’est une bonne chose.

C’est une grosse opportunité de jouer en première partie de Metronomy…

Oui, on a le même tourneur! Comme on vient de commencer à travailler avec Talent Boutique, le tourneur nous avait dit qu’il essaierait de nous placer en première partie parce qu’en terme d’esthétique, ça collait à peu près.

Est-ce que vous avez réfléchi à comment conquérir un public qui vient à la base pour Metronomy?

Non, là, c’est la première fois qu’on a un set qui nous plaît dans son intégralité, avec des morceaux qu’on a vraiment travaillé pour trouver notre propre esthétique. Du coup, on n’a pas réfléchi de manière à être satisfaits de nos morceaux, même si on doit encore travailler dessus. De toute façon, on l’a su il y a une semaine et demi!

Je ne vous cache pas que c’est pour vous voir que je viens, pas pour Metronomy!

(rires) Ah, c’est pour ça que t’es pas en bas! Grouille-toi parce qu’on a envie de descendre nous! (rires) On aime bien ce groupe tous les trois.

On a l’impression que vous piochez vos sons quelque part entre aujourd’hui et les années 80. Quelles sont vos influences?

LCD Soundsystem et toutes les productions DFA pour le côté dansant.
Vincent: Là-dessus on est d’accord tous les trois!
Xavier: Vince écoute plus de rock…
Vincent (en montrant chaque membre du doigt): 70s, 80s, 90s! (rires)
Xavier: Moi, un peu plus de techno, Béber écoute les deux. Comme on a les instruments qui nous permettent de concilier tout ça, on essaye d’évoluer vers un truc de plus en plus dansant. Il y a le côté techno/électro qu’on essaye de rendre plus présent. Après, on ne veut pas non plus rentrer dans une formule club! On veut garder l’esprit live, et comme on boucle tous nos instruments, on garde cette assise rock. On ne fera jamais de pure techno.

Quel est votre dernier disque coup de cœur?

Le dernier Bill Callahan.
Vincent: C’est toi Xavier qui m’a fait découvrir James Blake, je suis vraiment bluffé par son adaptation moderne de la combinaison voix/piano!
Bertrand: Le dernier The Rapture!

Quand sortira le nouvel EP?

On commence à enregistrer après demain. Ca a été décalé avec la tournée Metronomy! Trois jours de prise, deux jours de mix, et on part au Japon. On a envie que ça sorte pour les Trans’Musicales. Normalement, ce sera pour le 28 novembre, dans le rush!

Un album dans les tuyaux?

Oui on en parle…
Xavier: Mais on n’a pas de label…
Vincent: On n’a pas envie de sortir un album pour sortir un album, que personne n’écoutera. Et puis on n’a pas encore la matière. Pour l’instant, on reste au stade de l’EP.
Xavier: Et puis je pense qu’on est trop jeune pour déjà sortir un album. Comme je te disais, on commence juste à trouver l’esthétique de notre groupe. Va falloir bosser pour avoir des morceaux qui nous plaisent et en faire un album.

J’ai entendu dire que vous alliez vous faire remixer par Shiko Shiko?

Bertrand: Oui, c’est en cours! On joue avec eux aux Trans’.

L’actu chez vous, c’est donc également cette tournée au Japon. Comment s’est présentée cette opportunité?

C’est notre éditeur, Upton Park Publishing, qui est invité tous les ans à un festival type Le Midem en France. Ça s’appelle le Tokyo International Music Market, et il propose un groupe chaque année. Cette année, on a été sélectionné. Du coup, on a mis toutes les chances de notre côté, on a cherché des contacts, des subventions, et on a six dates là-bas.

Vous savez à quoi vous attendre?

Xavier: Absolument pas!
Vincent: Ca va être un vrai dépaysement!
Le serveur du catering: Attention, tu ne prends pas l’assiette avec les mains, c’est brûlant!

On va arrêter là-dessus, bon appétit!

credit photo: Benoit DARCY | WWW.ZDAR.NET

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Le groupe vient de vivre deux années plutôt intenses. Pouvez-vous revenir avec nous sur ces derniers mois? Qu’est-ce qui a changé pour Smith Westerns récemment?

Cullen Omori (guitare): Il s’est passé plein de choses pour nous. Changement de label, de manager, on est passé de la scène locale de Chicago à une scène indépendante beaucoup plus importante, beaucoup de voyages aussi… Nous sommes aussi devenus de meilleurs musiciens, de meilleurs compositeurs, de meilleurs mélodistes. Grâce à notre premier disque, et à l’appui de pas mal de personnes qui croient en nous, on a simplement pu s’améliorer.

On a la sensation que vous êtes passés du statut de gamins innocents enregistrant un disque dans leur garage avec les moyens du bord, à un groupe de jeunes adultes bien plus professionnels et préparés, avec un nouveau son… Qu’est-ce qui a provoqué ce changement?

Cameron Omori (basse): La plupart des gens ont pensé que notre premier disque sonnait comme de la merde, qu’il avait de bonnes chansons, mais gâchées par un son de chiotte. Nous, on ne pensait évidemment pas ça, mais l’entendre dire par tant de monde, cela nous a blessé d’une certaine manière. Puis on s’est dit que la meilleure façon de réagir à ces critiques était de dire “allez vous faire foutre“, et de leur répondre par le biais de notre musique. Quelque part, ça nous a motivé, on savait qu’il fallait que notre son évolue. Ça s’est fait finalement de façon naturelle puisque le mode lo-fi permettait peu d’évolution. Mais on aurait très bien pu aussi continuer d’enregistrer de cette façon.

Pourquoi ne pas avoir continué ainsi alors?

Cullen Omori (guitare): On a mis beaucoup plus de moyens à notre disposition pour mieux faire les choses. On a bénéficié de vraies conditions d’enregistrements. Mais, pour autant, c’est difficile de considérer que c’est l’argent qui est la seule raison de ce changement. Ça s’est fait comme ça, c’était une opportunité de tester de nouvelles choses en studio, de progresser…
Cameron Omori (basse): Tu sais, quand on a enregistré le premier LP, on avait tous les trois pas plus de 18 ans. Sincèrement, pour nous, c’était le disque qui sonnait le mieux au monde, on en était trop fier. Du coup, quand on a lu sur des blogs pas mal de critiques visant le son, on savait que l’on pouvait faire bien mieux que ça. C’est ce qu’on a fait avec “Dye It Blonde” pour lequel on a eu plus de temps et de moyens.

Quel rôle a joué Chris Coady, le producteur du disque, dans ce changement de son?

Cullen Omori (guitare): Avec Chris, un type très cool, ça a été une vraie collaboration. Ça n’a pas été une relation à sens unique, aucun de nous dirigeait l’autre. Entre nous, il y avait une vraie symbiose durant la période d’entregistrement. Il nous a donc accompagné dans cette évolution, ça n’a pas été quelque chose qu’il a imposé. Nous ne l’avions pas non plus embauché pour ça.

Vos compères des Black Lips sont également passés cette année du son lo-fi à une bien plus grosse production en compagnie de Mark Ronson. Doit on y voir une tendance actuelle?

Cameron Omori (basse): Je crois que c’est assez logique. Avant, les choses étaient plus simples: tu faisais quelques concerts, une maison de disque te proposait un deal juteux pour faire ton disque, et ta carrière était lancée. Désormais, tout est plus lent, les labels n’ont plus les mêmes moyens financiers pour te produire. Tu dois donc redoubler d’efforts en tant que groupe, galérer un certain temps avant que l’on puisse te donner plus de moyens. En ce qui concerne les Black Lips, ils existaient même déjà avant tout ce mouvement lo-fi qui est arrivé avec la blogosphère. Donc je ne pense pas qu’on puisse parler de tendance à délaisser ce son. Eux ont certainement senti que c’était le bon moment, d’autant qu’ils ont eu plus de moyens. Ils ont d’ailleurs fait un boulot génial avec Ronson.

Pensez-vous que vous auriez tourné autant avec l’étiquette de groupe lo-fi sur le dos?

On est déjà venu en France, ce n’est pas la première fois. Mais la grande différence, c’est que personne auparavant ne venait nous voir, on ne faisait pas d’interview, les gens n’en avaient pas grand chose à faire de nous, de savoir ce que l’on pouvait penser ou apporter à la musique. On dormait par terre, n’importe où, et on n’avait pas un type comme toi en face de nous avec un si bel enregistreur. C’est super, on est très content de cette évolution.

S’il y a une chose que vous n’avez pas perdu en cours de route, c’est votre bagage musical. On pense toujours à T-Rex, Bowie… On se trompe?

Cullen Omori (guitare): Comme pour se rassurer, les gens ont toujours besoin de tout cataloguer, histoire d’avoir des repères. Évidemment, quand on a tous commencé à apprendre à jouer d’un instrument, la musique qu’on écoutait à ce moment-là a été plutôt determinante. On ne peut donc pas nier que les références que tu as citées sont les groupes que l’on écoutait, oui. En revanche, quand on s’est ensuite mis à composer des chansons, on ne s’est pas dit “tiens, celle-là elle devrait sonner comme du T-Rex…“. On savait juste le type de chanson que l’on voulait jouer, des chansons pop et catchy. On n’est pas contre le fait qu’on nous compare à ces groupes. On les aime, mais on en aime aussi plein d’autres qui nous influencent tout autant dans notre envie de continuer à créer.

Quelles peuvent donc être les inquiétudes d’un jeune groupe comme vous qui tourne maintenant à travers le monde, en faisant ce qui lui plait?

Cameron Omori (basse): Devenir gros (rires des autres qui acquiescent)… On passe beaucoup de temps à attendre partout ou nous allons. C’est très long parfois, alors tu bois des bières pour faire que l’attente soit moins pénible… En plus, ces jours-ci, il s’est ajouté des choses plutôt frustrantes et tristes à cette routine, notamment avec ce qu’il s’est passé au PukklePop en Belgique ou, moins grave, quelques problèmes techniques sur certains concerts. On tombe malade aussi parfois, on a tous eu la grippe dernièrement.
Cullen Omori (guitare): Je crois que les gens pensent généralement que tourner est, pour un groupe, quelque chose de super facile, qu’on a un tour bus, et qu’on vit dans de supers conditions. C’est malheureusement très loin d’être le cas. On a notre petit van dont on est fier, qui nous permet d’être là et de jouer sur la grande scène aujourd’hui à côté de très gros groupes qui sont venus chacun avec deux ou trois bus…

Vous allez aussi partager bientôt un bout de tournée avec Arctic Monkeys et TV On The Radio. Qu’est ce que cela représente pour un jeune groupe comme vous? Une possibilité de vous faire connaître auprès d’un public qui ne sait même pas que vous existez? Y a t-il aussi une part d’affectif pour vous dans le fait de voir que vous allez partager des moments avec des groupes que vous aimez, et qui vous soutiennent d’une certaine manière?

Cameron Omori (basse): Il y a des deux évidemment. Pour nous, c’est une opportunité géniale de jouer dans de plus grandes salles, de rencontrer un public certainement plus large. Mais c’est aussi une très grosse marque de confiance de la part de ces groupes-là. Ils nous demandent d’ouvrir pour eux, c’est quelque chose d’énorme pour nous. Quand un groupe que tu respectes compte autant sur toi, ça te donne encore un peu plus de confiance en tes possibilités. Tu te rends compte que ta musique n’est finalement pas si mauvaise, et que les autres la prennent au sérieux.

Vous pouvez nous citer un album ou une chanson qui vous accompagne en ce moment en tournée?

Cullen Omori (guitare): La première qui me viendrait à l’esprit serait “Wasted” de Gucci Man, toute la discographie de Coldplay. Même si dernièrement on a l’impression qu’ils passent plus pour des loosers qu’autre chose, je les ai toujours trouvés bons.

Puisque tu cites Gucci Man, le hip hop est-il un genre de musique qui vous attire particulièrement?

Cameron Omori (basse): Tu sais, on ne se considère pas spécialement ouverts d’esprit en te disant qu’on aime cette chanson. On est juste attentifs à tout ce qui se passe dans la musique, on est du genre à penser que la mélodie fait le tout, quel que soit le style de musique. La mélodie a cette force incontrôlable qui fait que tu vas retenir une chanson plutôt qu’une autre, elle a un réel pouvoir.

Pour finir, un disque ou un artiste indispensable pour vous?

Max Kakacek (guitare): C’est une question toujours super difficile… Là, comme ça, je te dirais Jay Reatard… On a fait trois dates avec lui au tout début du groupe, et ça a été une expérience inoubliable. C’est un type qu’on écoutait au lycée, et qu’on a pu rencontrer ensuite. Un type super positif, tout le contraire de ce que la plupart des gens pensaient de lui. Il nous a marqué, vraiment…

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Raconte nous un peu tes premiers pas dans la musique, la naissance de Musique Large, présente nous les acteurs qui sont sous sa coupe… J’ai aussi entendu dire que ton nom venait d’une soirée bien arrosée en compagnie de DéBruit…

Je viens d’une famille de musiciens amateurs: ma mère est pianiste, mon frère guitariste, ma soeur saxophoniste, et mon cousin multi-instrumentiste. Donc j’ai moi aussi du choisir mon instrument, et j’ai pris la basse. J’ai fait quelques essais avec des groupes de funk, puis j’ai été très attiré par la house music, le funk, la black music en général. Je suis donc d’abord passé par les platines. Je suis fan de l’age d’or de la french touch, la bonne, celle de Jess & Crabbe, de Daft Punk; mais aussi des écuries Warp, Ninja Tune ou Plug Research. Puis j’ai découvert cette merveilleuse et atrayante machine nommée MPC2000. Et tout est parti de là, de cette possibilité de sampler et de jouer n’importe quoi, de jouer “live”, de taper des beats, des basses, des sons auxquels tu n’aurais jamais pensé, tout en étant limité par sa mémoire qui te force au final à aller à l’essentiel. En ce qui concerne le label, en effet, ca s’est fait après une soirée arrosée, mais pas avec Débruit (qui l’a rejoint plus tard). Quant à Fulgeance, c’est avec Pierre Brissonnet - aka Rekick, boss et dj label - que ce nom est apparu, comme un mauvais surnom auquel je me suis plutôt bien fait finalement… C’est juste que, à huit heures du matin avec un mal de crâne de vénère, son radio réveil envoyait une chanson d’un groupe amateur de la RATP intitulée “Fulgeance Bienvenüe”, du nom de l’ingénieur en chef du métro parisien… Voilà, il n’y a pas d’explication, c’est juste un nom chelou, plutôt moche, et que tu bouffes en surnom. Mais maintenant je l’adore, il est unique car je l’ai écrit avec un “ea” alors qu’e c’est normalement “Fulgence”.

Parlons un peu de cette MPC. Beaucoup de producteurs comme Thavius Beck considèrent que son exploitation, et la musique qui en découle, sert une sorte de concept post-Jay Dee…

Oui, MPC, station de production hip hop, Jay Dee etc… Bien sur, J Dilla est bien plus joué dans les soirées post mortem qu’il n’a évolué lui même à Paris ou à Londres… Des fois, je trouve ça “too much”. Mais encore une fois, et je le dis souvent, je ne viens pas de cette génération “beatmaking”. Je suis plus un musicien du funk, de la house, et de l’electronica. Le hip hop a certes été une de mes inspirations, une très grande inspiration même, mais je ne viens pas de là. Aujourd’hui, je vois même les Inrocks parler de MPC pour des artistes qui utilisent des MPD (contrôleur midi Akai), tout ça parce que la MPC est devenue “hype”… D’ailleurs, je vais bientot ne plus m’en servir (sic): c’est une machine devenue archaïque, avec une faible mémoire, bien qu’elle soit solide et de trés bonne qualité au niveau son.

Sens tu toi-même une certaine évolution dans le travail de sampling? Te sens-tu plus à même de les retravailler jusqu’ à en proposer une nouvelle lecture?

Oui, je pense qu’il est important de toujours amener sa propre “sauce” dans un track. Parfois, j’aime laisser un sample tourner. Mais quand tu découpes, rejoues avec les pads, et que tu arrives à des grooves très bizarres qui ensuite créent une autre mélodie, une autre basse, c’est assez jouissif. Les samples ne sont pas souvent la base de ma composition, mais j’aime beaucoup ce procédé, bien qu’il soit capable d’ouvrir autant de portes qu’il peut en fermer.

Parles-nous de ta collaboration avec l’artiste Alice Dufay… Qui est-elle? Qu’apporte sa contribution à tes lives?

Alice Dufay est une artiste pleine de talent, elle est aussi ma princesse de tous les jours! Son travail s’oriente sur le dessin, les collages, les textures, et couleurs aux traits fins. J’aime la fraîcheur de son design, sa vision des choses. Ses traits simples apportent parfois plus de sentiments, plus de sensibilité à son travail. Elle compose chaque design associé a Souleance (EPS,  7″, et LP à venir), mais a aussi fait ma pochette pour le EP “Smartbanging” (One Handed Music/UK). Nous avons en commun un projet nommé BEATS&FACES, qui présente les artistes que nous aimons, qu’on a rencontré, et qui sont au final des amis associés à cette génération de producteurs electro hip hop, plus généralement de “beat music” (Flako, Dorian Concept, DéBruit, Lilea Narrative…), des designers (Ease, Charly Lenoir) et des djs (Rekick, Ngoc Lan, Phuncky Doyen, Mondayjazz…). Tout cela s’organise sous forme de portraits “sans visage” exposés lors des dates ou je joues, et ou Alice intervient en “live painting”, dessins et collages. Ces évènements ont eu un grand succés au Japon, en Tunisie et en Allemagne notamment. C’est dur à mettre en place, mais j’aime les gens qui adhèrent à une association entre art visuels et musique. Aujourd’hui, Il faut prendre ce risque car, pour moi, certaines soirées peuvent être très redondantes. En parallèle, Alice travaille aussi sur son expo ou elle rassemble l’ensemble de ses oeuvres, et remue le milieu artistique caennais via sa Galerie “Oh!”.

Quel est ton regard sur l’évolution de la scène musicale qui t’est proche?

J’aime beaucoup la “dance” music, dans le bon sens du terme. Mais j’ai un peu de mal avec elle en ce moment en France. Je la trouve de moins en moins curieuse… Après, j’aime beaucoup  l’arrivée d’une musique plus riche en sensibilité, comme le groove de DéBruit, Lilea Narrative, ou Powell. En ce moment, des groupes excitent mon oreille comme Gablé, Pneu, Cercueil, Wine… Chaque scène se développe et cherche toujours à évoluer. Mais j’aimerais voir de jeunes kids me surprendre avec une house débridée, une techno riche en mélodies, et pas toujours cette même chose over-compressée, jouée à coups de click sur Ableton. Je ne veux pas non plus dire qu’il n’y a rien, parce je ne peux pas tout voir ou tout écouter. Mais on sent que cette scène  se mord un peu la queue en France, alors qu’elle explose aux USA, en Europe de l’Est ou en Angleterre en mixant dubstep, 2step, hip hop, le tout avec un résultat bien plus humain…

Tu as récemment concédé que tes désirs étaient portés sur des collaborations avec Vast Aire, Mike Ladd ou encore Ahu… Qu’en est-il?

Ahhh, c’est tout un travail aussi. Pour l’instant, je n’ai pu le faire qu’avec un duo de MCs d’Atlanta nommé 215 The Freshest Kids sur le track “Bien Rond”, sorti à l’origine en instru sur mon EP “CHICO” chez Musique Large. Ca prend du temps, mais je pense toujours à Mike Ladd, Ahu aussi qui a récemment sorti comme moi un maxi sur One Handed Music. Je suis aussi en contact avec Beans de Antipop Consortium, Das Racist, et des mcs talentueux et malheureusement pas assez connus comme Yinka (Athens) ou Kadence (Ann Arbor/Michigan). Donc tout cela se fait progressivement. J’aimerais aussi bosser avec des artistes decouverts récemment comme Ceschi (Fake Four) ou Death Grips (!!!), mais rien de sûr… Ces featurings seront sur mon album à venir fin 2011 ou début 2012 sur Musique Large.

On te sent plus que jamais investi sur le projet Fulgeance… Aurais -tu mis de côté le Peter Digital Orchestra? Et Souleance dans tout ça?

Oui, Peter Digital est en pause, il doit se refaire, repenser aussi son set live. Mais la bonne chose est qu’il est en contact avec Greco Roman, le label de Joe Goddard (Hot Chip) pour un maxi incluant des collaborations. Mais il ne veut pas en dire plus… Pour Souleance, tout va bien, l’album est en finition, avec des featurings de Shawn Lee, Alice Russel, et Raashan Ahmad pour un titre qui sera pressé en 45 tours chez First Word Records avant la sortie du disque. Des dates bien cool arrivent aussi, comme la première partie de Dj Shadow à Marseille,  les Nuits Sonores, et le Worldwide Festival à Sète. Donc oui, je me concentre sur Fulgeance, parce que j’ai toujours favorisé ce projet, bien qu’il soit le plus personnel et le moins accessible. Comme quoi, la curiosité des publics existe toujours!!

Au delà de l’utilisation de différentes ambiances musicales par lesquelles tu es passé, penses-tu que toute cette “schyzophrénie” soit un exutoire? Pourrais-tu un jour te passer de l’une de ces entités?

J’ai eu un autre projet nommé Connecticut (Eklektik Records) que j’ai du abandonner parce que je n’avais pas assez de temps, je ne pouvais plus rester concentré sur les autres, et ça m’a vraiment fait une drôle de sensation…. Cela fait toujours bizarre, mais on rebondit. La chose qui m’excite dans le fait d’avoir  plusieurs identités est que chaque projet a sa propre personnalité. Peter Digital est un exutoire pour mon amour de la dance music, et je peux même parfois y coller mon coté “putassier” et provocateur. C’est un exercice plus orienté sur le show et l’énergie. Souleance, quant à lui, me replonge dans la black music que j’aime tant. Soulist, qui fait partie du duo, y apporte de la matière et du style ainsi qu’un équilibre, ce qui rend le projet plus accessible. Enfin, Fulgeance me permet un peu tout à la fois. Disons que c’est un peu plus “moi”. Mais j’essaie de garder chacun d’eux dans un style assez défini. Le jour ou Peter Digital mourra, c’est Fulgeance qui pourra enfin faire des compositions “up tempo”, avec son style, hors des limites “low club”. En ce moment, j’ai aussi envie de reformer un groupe ou un duo avec plus de compositions instrumentales, avec une basse, une batterie, etc… Si possible avec un coté post rock de Chicago en y apportant quelques ajouts électroniques… Si j’ai le temps!

Qu’est ce qui te pousse encore à créer? Quelle est ta journée type de beatmaker? Comment travailles-tu?

Ce qui me pousse a créer, c’est écouter du son, faire la teuf avec mes potes, rencontrer du monde qui aime la bonne musique,  rencontrer des artistes talentueux et modestes, qui défoncent trois fois plus qu’un artiste renommé. C’est aussi cuisiner, écouter, changer mes procédés de composition… C’est variable, mais les pauses font aussi du bien. Rien de tel qu’une bonne session jeux videos, ou un week end en campagne, tu vois? “Glander”, c’est une sorte de sage période de ressource des temps modernes selon moi! Mais plus sérieusement, des rencontres avec des groupes comme Gablé, Baron Rétif & Concepcion Perez, Ben Butler & Mousepad me collent de claques régulières. Et ces “claques”, on le sait bien, ça booste ton envie de re-créer, composer, inventer, séduire les foules et les auditeurs.

Aquoi ressemble ton studio?

Mon studio, c’est mon salon, un mur entier avec un bureau, des enceintes, une table de mixage, des platines, des vinyles, une MPC2000, une mpd, des claviers, des synthés, et un laptop. Tout cela dans un magnifique bordel de cables!!! Même si un réel studio me manque, j’ai là une certaine liberté, une vie autour de moi, et ça change tout. Spéciale dédicace à mes “réac” de voisins  en passant! Mais l’envie d’un vrai studio me hante souvent. Pouvoir entreposer plus de claviers analogiques, inviter tes potes pour une “jam session”, enregistrer “live”… Enfin
un jour viendra, une major me payera un studio ?? Qui sait…

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Il est difficile de commencer cette interview autrement que par “Home”. Beaucoup de groupes cherchent à pondre le tube ultime sans jamais parvenir à même l’effleurer. Avec ce titre, vous avez fait mouche dès votre premier essai. Du coup, courez-vous maintenant après un deuxième “Home”? Parce que c’est quelque chose que votre public est en droit d’attendre de vous, non?

Certainement, et c’est tout à fait compréhensible qu’il ait cette attente. Jusque là, la bonne nouvelle c’est que “Home” existe, et que cette chanson sera toujours là, pour nous et pour tout le monde. Après un succès comme celui-ci, une chanson qui fait presque l’unanimité, dont on reçoit tant de compliments… Evidemment qu’on aimerait pouvoir créer un deuxième titre de cette trempe, mais ça ne suppose pas une pression particulière pour le groupe. Cette chanson est là, elle existe, et c’est tant mieux.

Au moment de terminer une telle chanson, est-on conscient que l’on détient une véritable pépite entre ses doigts?

Je ne pouvais pas prévoir que cela deviendrait notre titre référence à l’heure des démos, mais il est clair que l’on ressentait quelque chose de vraiment spécial en l’interprétant. Il se passait un truc… Quand j’ai commencé à composer cette chanson, il me venait à l’esprit celles des années 60 où un chanteur répondait à la phrase d’un autre, comme s’il tenait une conversation. Il y a juste de l’amour et de la joie dans ce morceau, et j’avais la sensation que cela faisait très longtemps que je n’avais pas entendu de chanson simple comme celle-là. On parle toujours de sexe, ou on veut essayer d’être plus cool que les autres. Là, “Home”, c’est célébrer l’amour et la vie d’une manière simple.

Tu as déclaré que l’exercice de composition était pour toi quelque chose de vital, qui te permettait de te découvrir un peu plus à chaque fois. Tu mènes en parallèle d’Edward Sharpe une carrière solo sous le nom d’Alexander… As tu le même rapport à la composition dans ces deux projets?

Non, c’est un peu différent. Avec The Magnetic Zeros, je me sens en quelque sorte responsable en étant la voix d’un groupe. Les lyrics des chansons peuvent venir d’expériences personnelles, mais cela doit aller plus loin que ça… Je ne me vois pas écrire des trucs pour le groupe du style “Oh je me sens mal, j’ai eu une mauvaise journée“. Par contre, j’ai cette liberté avec Alexander… Mais avec The Magnetic Zeros, l’approche est différente, moins personnelle.

As-tu entendu la version de “Home” publiée sur Youtube par un père et sa petite fille? Penses-tu que cette vidéo ait contribué au succès de la chanson?

Évidemment! Ca s’est révélé être une opportunité de voir notre musique vraiment dépasser beaucoup de frontières. Il y a beaucoup de versions de “Home” qui circulent sur le net, et c’est vraiment appréciable, ça montre que les gens ont envie de la jouer et de la partager avec les autres. On ne peut qu’être content d’une telle chose. C’est un sentiment unique de voir que l’on reprend l’une de vos chansons dans plein de coins différents du globe. Ce genre de chose nous fait dire que ce qu’on fait en vaut la peine. Trouver nos chansons un peu partout sur internet, c’est une chose, mais que d’autres personnes en fassent leur propre version puis la publient sur le net, c’est une sensation très forte.

Il y a comme un sentiment fédérateur dans les projets auxquels tu participes. Te sens-tu tel un leader ou un porte-parole d’une communauté?

J’ai parfois cette sensation, oui. Après, je me sens également souvent comme un énième homme dévoué à quelqu’un d’autre, ou à quelque chose d’autre, à une cause, à des idées… Je ressens une responsabilité par rapport aux autres, le besoin d’être le meilleur possible pour les autres. Etre connu et reconnu par des gens que je ne connais pas mais qui apprécient mon boulot me fait avoir ce genre d’attitude, celle de vouloir donner l’exemple en quelque sorte.

Est-ce qu’un nouvel album de The Magnetic Zeros est en cours?

Oui, on a déjà joué plusieurs nouveaux morceaux en concert cet été, et le disque sortira très certainement au printemps-été 2012. On a encore beaucoup de boulot de composition, d’arrangements de celles dont on dispose déjà. Après cela, si tout se déroule comme prévu, on rentrera en studio en fin d’année.

Ce nouvel album va t-il prendre une nouvelle direction musicale ou est-ce qu’il s’agira d’une suite logique du premier?

Je pense que ce sera une suite naturelle à ce que l’on a déjà fait. On n’a pas prévu de se remettre en cause musicalement, et on n’est pas non plus rentré dans une phase cocaïne (rires) qui fait qu’on va complètement craquer sur le prochain disque.

Alors as-tu déjà ton nouveau “Home”?

(rires) Je crois que ce serait bizarre pour notre public que l’on refasse une chanson qui rappelle vraiment “Home”. Ça parait étrange à dire mais, au delà de ça, ce serait presque trop facile, et on aurait vraiment la sensation de tromper les gens qui nous écoutent. Et ça, ce n’est pas le but. Je pense qu’on a déjà de très bonnes nouvelles chansons. Il y aura pas mal de lead vocals différents, les autres membres du groupe sont tellement créatifs qu’il faut laisser tout le monde s’exprimer dans cette belle démocratie. Donc je ferai des choeurs sur pas mal de chansons aussi. Ca va être excitant d’enregistrer tout ça et de l’amener sur scène ensuite. Ca va faire grandir un peu plus le groupe. Ce sera un album encore plus éclectique. Ce sera un bon disque, en tout cas on va tout donner pour que cela le soit!

On sent que tu as besoin d’une liberté totale dans ton approche de la musique. Est-ce compatible avec le business qui impose souvent ses lois?

Tout à fait, je crois même que l’industrie de la musique a besoin de se faire remuer de temps en temps, comme toute autre industrie. Il faut que les gens bousculent un peu l’ordre établi. De toute façon, j’ai besoin de cette liberté pour créer. Il est difficile de m’imposer de rendre ma copie à la fin du mois: si je ne suis pas satisfait de ce que j’ai, c’est même impossible et dépourvu de sens.

The Magnetic Zeros se composent de dix membres. On parlait de communauté auparavant, c’en est déjà une belle, non? Est-elle fermée ou peut-elle accueillir continuellement de nouveaux membres?

C’est un collectif très ouvert dans le sens où tout le monde est là parce qu’il en ressent le besoin. On est bien ensemble, ça marche entre nous, il n’y a pas de compromis qui fasse que, si l’un s’en va pour une raison ou une autre, tout va se casser la gueule. Chacun a sa vie et doit opter pour ce qui est le mieux pour lui. Après, c’est toujours un déchirement quand quelqu’un quitte le groupe, quelle que soit la raison. Dans notre cas, plus qu’une communauté, je parlerais de famille. Ca va plus loin. On crée ensemble, on grandit ensemble, on vit ensemble, et on pleure aussi ensemble de temps en temps…

On ressent également une véritable sincérité dans tout ce que tu fais et tout ce que tu dis, ce dont pas mal d’artistes manquent en général. Il y a toujours beaucoup de calculs à l’heure actuelle. C’est quelque chose qui n’existe pas chez toi… Défends-tu une cause quelconque à travers ta musique?

Il est impossible de tricher pour moi. Ne pas être sincère me rend malade, et je me sens mal quand j’imagine que cela puisse arriver. Il n’y a aucun calcul dans mon attitude, j’ai juste un besoin vital d’être sincère dans tout ce que je fais pour pouvoir me regarder dans la glace la tête haute. J’ai ce besoin de transmettre cette sincérité aux autres, que cela soit positif ou négatif. Comme ça, quand j’ai parfois une mauvaise passe en tournée, je n’ai pas à faire mon numéro alors que je n’en ai pas envie, je n’ai pas à sourire simplement pour faire le gars rock’n'roll bien dans ses baskets. Ca n’a pas de sens pour moi, ce n’est pas moi… Certains pensent qu’être totalement sincère est un acte courageux, c’est là l’erreur, ça devrait être notre attitude à tous, tout simplement.

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L’aventure Jarring Effects a commencé en 1998. Quelles étaient les ambitions à l’époque? Etait-ce quelque chose de pensé profondément à l’avance ou est-ce que l’idée est venue entre deux bières?

Tout est parti d’une bande de potes musiciens, techniciens du son qui gravitaient autour d’une petite salle de répétition. A cette époque, High Tone, Le Peuple De L’Herbe, Crazy Skankers, Tong! se retrouvaient là bas et composaient. Puis, l’envie de monter une structure qui puisse accompagner tout ce petit monde a germé. On a commencé par organiser des concerts sur Lyon, puis est sorti “Fantasque Hits” qui rassemblait tous ces artistes sur une compilation. FX01 était né!

Vous parlez souvent d’un “esprit Jarring Effects”. Lequel est-il?

Je n’irais pas jusqu’à dire que nous sommes engagés, mais le collectif se retrouve en effet autour de certaines valeurs. Artistiquement, cet état d’esprit se traduit par une volonté farouche de sortir ce que l’on aime, sans concession. Le collectif s’investit aussi régulièrement dans certaines actions collectives ou citoyennes. Nous sommes par exemple très impliqués dans CD1D, fédération de labels qui cherche à proposer de nouvelles formes de collaborations et de diffusion de la musique, une alternative aux majors et autres “supermarchés culturels”. C’est peut être ce qui caractérise l’esprit Jarring: des gens frondeurs, concernés et qui tentent à leur échelle de faire bouger les choses.

Beaucoup de groupes importants vous ont fait rapidement confiance. Quelle était votre force de conviction au départ? Est-elle toujours aussi forte?

Certains groupes nous font confiance parce que le label a une certaine reconnaissance nationale, et à l’étranger. Avec le temps, on a aussi pu capitaliser une bonne expérience dans notre métier, ce qui constitue également un atout. Je pense aussi que les groupes qui sont chez JFX se retrouvent aussi dans cette philosophie propre à Jarring. Ils bénéficient ainsi d’une totale liberté artistique, et les contrats qui les lient au label sont peu contraignants. Cette confiance qu’on a su instaurer doit bien sûr être entretenue, et on veille à garder cette relation avec nos artistes.

Vous avez très vite contribué (et profité) à l’essor de la scène dub française au début des années 2000. Est-ce difficile aujourd’hui pour vous de prendre vos distances avec ce style de musique, de vous renouveler, de donner un nouveau souffle au catalogue?

L’étiquette dub colle à la peau de Jarring Effects sans doute parce que High Tone, Brain Damage, Kaly, ou dans une moindre mesure EZ3kiel, ont contribué à l’essor du dub live “made in France”. Pour autant, si on jette un coup d’oeil sur le catalogue, Jarring Effects n’a jamais été un label “Vert Jaune Rouge” comme aiment à le cataloguer certains. Il suffit d’écouter les albums de Filastine, Reverse Engineering, L’Oeuf Raide, Ben Sharpa ou Oddateee pour s’en convaincre! Ceci dit, on aime ce style de musique inépuisable, et on continue à le défendre au travers notamment du JFX Dubstore lancé voilà un an. Quant à l’idée de renouveler le catalogue, on garde bien sûr cette donnée en tête.  2012 me semble t-il va être une année charnière, et de nouveaux noms devraient bientôt être dévoilés.

A l’heure de la révolution du support musical, quelles sont les difficultés d’être un label indépendant aujourd’hui?

Je dirais que les grands défis sont d’accompagner les mutations du marché, faire face à la dématérialisation du support qui, malheureusement, ne vient pas compenser la chute des ventes physiques, surtout pour un label comme Jarring qui engage souvent des frais de production assez conséquents. Il faut aussi reconnaître que nous subissons de plein fouet les nouveaux modes de diffusion de la musique comme le  streaming à la carte proposé par des entreprises comme Deezer dont la politique repose malheureusement sur une très faible rémunération des ayants droits. Heureusement, nous avons encore une base de fans qui achètent du disque ou du vinyle. Sur la plateforme CD1D par exemple, 90% des achats sont encore du support physique.

Quelles sont les erreurs desquelles vous avez appris et que, par conséquent, vous ne referiez plus?

Comme tout le monde, nous avons en effet commis quelques erreurs “stratégiques”, notamment à nos débuts, les membres du label ayant tous appris sur le terrain. Je dirais qu’on a parfois péché par excès de confiance, d’avoir été souvent trop ambitieux sur certaines sorties en engageant des frais de production trop élevés au regard du nombre de ventes qu’on pouvait en attendre. On a peut être aussi pris un peu de retard sur le numérique, car on voulait au départ voir notre catalogue uniquement disponible sur CD1D, ce qui avec le recul était sans doute une utopie.

Aujourd’hui, comment se compose l’équipe Jarring Effects. Combien de gens en vivent?

Peu de gens en vivent de manière exclusive. L’équipe se compose d’intermittents, d’employés à mi-temps, et d’emplois aidés qui vont d’ailleurs être en fin de contrats. Quotidiennement, nous sommes quatre à travailler pour le label qui est devenu une SCOP (Société Coopérative Ouvrière de Production) depuis 2007. Parallèlement, l’Association historique Jarring Effects prend en charge l’activité booking et emploie trois intermittents.

Vous assimilez Jarring Effects à un combat quotidien. Quels ont donc été les plus rudes adversaires jusque là?

Paradoxalement, je dirais que certaines grandes enseignes ont activement contribué à l’effondrement du marché du disque, et donc de petits labels et de disquaires, en choisissant délibérément de réduire les mètres linéaires alloués aux disques au profit des produits qui présentent plus de marge (micro-informatique, appareils numériques). Si les principaux acteurs de ce marché avaient repensé leur modèle économique face aux évolutions technologiques et sociales, les ventes se seraient sans doute moins vite effondrées. D’où la création de CD1D en réaction aux carences de la distribution.

Après treize ans de vie, le business de la musique ne doit plus avoir vraiment de secrets pour vous. Vous avez notamment connu plusieurs distributeurs. Quels étaient vos points de divergence avec ces acteurs de l’industrie du disque?

Je dirais que les points de divergence résidaient dans le fait que nos anciens distributeurs ne travaillaient plus le disque sur la longueur, se contentant de les mettre en bacs, mais sans aucun suivi et sans aucune stratégie de mise en place. On pouvait, par exemple, se retrouver avec une rupture de stock de disques d’EZ3kiel dans des magasins Tourangeaux alors même que le groupe est originaire de cette ville! On a également observé que certains disquaires indépendants rencontraient de grandes difficultés à être approvisionnés car ils ne constituaient pas aux yeux du distributeur un potentiel de vente satisfaisant. Enfin, les chefs de rayon qui étaient jusqu’alors la seule interface avec le public ont quant à eux perdu toute autonomie de gestion de leurs commandes du au système de centralisation instauré par les grandes enseignes.

Pas mal de groupes du label sont issus de ce quartier de la Croix Rousse devenu fameux par la force des choses. Qu’est ce qui a fait que ce coin de Lyon incarne aujourd’hui une partie de l’identité de la ville?

La Croix Rousse est historiquement le quartier ouvrier lyonnais où résidaient les canuts, des ouvriers de la soie qui exerçaient leur métier sur des machines à tisser. Cette population de travailleur a toujours été à l’origine de mouvements sociaux. Depuis, le quartier a conservé cet aspect populaire et alternatif en réaction au reste de la ville beaucoup plus embourgeoisé. La Croix Rousse abrite aujourd’hui encore des cafés concerts, quelques lieux de répétions, des théâtres indépendants. Pour autant, la “boboïsation” commence vraiment à dénaturer l’atmosphère attachant de ce village de gaulois où la vie nocturne battait son plein il y a encore quelques années.

Vous avez connu dernièrement des difficultés financières, comme beaucoup de labels. Qu’en est-il désormais?

On va dire que ça va mieux, même si la structure est encore convalescente. On a fortement réduit les sorties ces derniers mois histoire de donner un peu d’air à la trésorerie. Notre gros projet a été notre centième référence (FX100) qui réunit plus d’une vingtaine d’artistes au travers de 35 tracks. L’idée est bien sûr de fêter cette sortie symbolique avec notre public, et de proposer un bel objet collector!

Est-ce que la multiplication des champs d’action est une solution à vos difficultés? Je pense au booking, au studio, à Nuke, au Riddim… Tout cela sert il à la promotion de Jarring, ou est-ce indépendemment viable financièrement?

Outre le booking, dont le but est véritablement de créer une économie viable à long terme, je dois avouer que Nuke et le Riddim Collision ne rapportent aucun euros. Nuke s’inscrit plutôt dans une volonté de gérer notre communication, et le Riddim est avant tout une sorte d’échappatoire, un plaisir. Après, si on voulait rendre le Riddim Collision rentable, il faudrait programmer Vitalic ou Housse De Racket, mais cela ne nous intéresse pas.

Le Riddim Collision a également rencontré pas mal de difficultés. Est ce qu’au final Jarring Effects n’est pas victime d’une certaine marginalisation, d’une incompréhension de la part du grand public (et dans ce cas précis de la municipalité lyonnaise)?

Non, je pense pas. On est juste victime, comme toutes les associations lyonnaises, d’être la cinquième roue du carrosse en terme de budget alloué aux musiques “actuelles”. Il existe malheureusement à Lyon peu de salles de concerts intermédiaires, outre le Transbordeur qui a d’ailleurs été repris par une nouvelle équipe proche du “terrain”. Malheureusement, chaque année, on peine à trouver un lieu qui pourrait accueillir le Riddim dans les conditions qu’on souhaiterait. C’est pourquoi le festival se retrouve dans des salles et éparpillé dans l’agglomération cette année encore.

Quid de 2012 chez Jarring Effects?

Comme je l’évoquais, des projets discographiques sont en cours. High Tone et Brain Damage (High Damage) préparent leur prochain album pour mars prochain, le nouvel album d’R;Zatz quant à lui est prévu pour début 2012. On prépare également quelques maxis avec de nouvelles signatures. Affaires à suivre!

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Tu prévenais sur ton premier album qu’il n’y en aurait pas de deuxième. Qu’est-ce qui t’a fait changer d’avis?

Mon premier album était très personnel, j’y racontais ma vie entre 15 et 25 ans, et j’ai eu le sentiment d’avoir fait le tour du sujet. Après être passé d’un truc amateur à quelque chose de plus professionnel, je me suis retrouvé face à une page blanche. Beaucoup de choses avaient changé dans l’intervalle: au début je faisais mes trucs sur Internet et tout le monde trouvait ça super, et d’un coup je me suis heurté à des gens avec d’autres avis. C’est aussi ce qui m’a fait me demander si j’étais vraiment fait pour ça. Et puis j’ai réalisé que c’est la seule chose que je sais à peu près bien faire, j’ai pas d’autre talent particulier, et puis j’aime trop ça. Donc j’ai décidé d’assumer le truc et, puisque j’avais la chance d’avoir déjà une exposition, d’avoir fait le plus “dur”, je me suis repris en main et je me suis dit “ok, t’as fait une tournée, tu t’es un peu reposé sur tes lauriers, t’as fait deux ou trois trucs à droite à gauche, t’as écrit deux ou trois chansons moyennes, c’est le moment d’y retourner“.

Tu te souviens à quel moment tu as décidé de te lancer dans “Le Chant Des Sirènes”? Est-ce que c’est venu après une période sans écriture, le temps de “revivre” des choses à raconter ensuite?

Quand tu fais un album comme “Perdu D’Avance”, il t’arrive tellement de trucs quand ça marche – et encore ça n’a pas marché un truc de fou, mais suffisamment pour en vivre – que tu te retrouves dans le flou total. On me demandait d’écrire et je le faisais, sauf qu’à un moment j’ai réalisé que je n’avais pas fait un vrai truc en solo depuis longtemps. J’ai fais quelques bonnes chansons, avec Toxic Avenger et Nessbeal notamment, mais je trouvais ça un peu trop facile de faire des featurings. Le problème, c’est qu’à chaque fois que je faisais des chansons dans mon coin, je n’étais pas satisfait du résultat. Pour donner un ordre d’idée, sur le premier album, j’ai fait quatorze chansons, et j’ai tout gardé. Pour celui-là, j’en ai fais au moins trente jusqu’à trouver une sorte d’équilibre: parler de moi sans aboutir à un nouvel album encore très égocentré. Il y a eu beaucoup de remise en question, ça m’a pris du temps, et sans qu’il y ait de véritable déclic, je me suis relancé pour de bon. J’ai quasiment arrêté de sortir, je suis resté chez moi pendant presque un an, il m’arrivait de partir à la campagne pour m’isoler et lire des livres… un vrai travail d’écrivain.

Quand “Perdu D’Avance” est sorti, on t’a beaucoup comparé à Eminem alors que la comparaison avec The Streets me parait beaucoup plus pertinente. Non seulement dans le contenu de ton premier album, mais aussi dans la situation qui était la tienne tout de suite après…

Je pense que la musique elle-même, le rap et la façon de chanter, est plus proche de celle d’Eminem, et encore… Mais, à un moment donné, les médias rêvaient tellement d’un Eminem français qu’il a suffi que je sois blanc et que je fasse du rap pour que ça parte. Eminem est quelqu’un que j’ai beaucoup écouté, mais c’est une facilité d’avoir voulu nous comparer. Quant à The Streets, le fait est qu’il habite le sud de l’Angleterre et moi le nord de la France. Si ça se trouve, on habite qu’à 200 km de distance, et c’est peut-être ce qui explique que je me sente plus proche de son style de vie, de sa situation familiale etc… Mais j’ai découvert sa musique très tard, et j’accrochais pas au début. J’aimais pas sa façon de chanter, j’avais l’impression qu’il rappait hors-temps.

Avec du recul, et après avoir rencontré ton public, est-ce qu’il y a des choses que tu regrettes sur “Perdu d’Avance” et que t’as essayé d’éviter sur “Le Chant Des Sirènes”?

Sur “Perdu D’Avance”, je trouve que je vais parfois trop loin dans les textes, que je cherche un peu trop la surenchère, que je privilégie le texte par rapport à la forme. Mais je ne considère pas que soit une erreur, au contraire, c’est même ce que j’aime dans ce disque là. Avec Skread, on a tout fait seuls chez moi, dans le garage, et ça nous a ouvert tellement de portes qu’on ne peut pas regretter le résultat final. Le seul bémol, c’est qu’à l’écoute du disque je donne vraiment l’impression d’avoir beaucoup de certitudes. Sur “No Life” par exemple, on a le sentiment que j’ai un avis bien tranché sur les choses, que je ne suis pas très flexible. C’est peut-être un truc que j’ai essayé de corriger sur “Le Chant Des Sirènes”.

On ne retrouve pas non plus de morceau “marrant” sur ce disque, et tu te défends clairement de faire du “rap comique”. Est-ce qu’à un moment t’as eu peur de te laisser enfermer dans cette caricature?

J’étais dans une position qui m’a saoulé, et c’est l’une des raisons pour lesquelles j’ai voulu faire quelque chose de moins drôle cette fois-ci. J’ai pas du tout envie de renier “Perdu D’Avance”, je le ré-écoute encore de temps en temps. Mais cette fois là, je voulais vraiment mettre l’accent sur les mélodies, écrire des chansons un peu plus tranchées en fait. Je suis conscient que des gens n’adhéreront pas à tout le disque. Celui qui va aimer “Suicide Social” trouvera peut-être “La Terre Est Ronde” complètement pourrie, ou l’inverse. Moi, je suis content que les deux parties s’équilibrent. Sur le premier album, je trouvais que toutes les chansons ou presque étaient ironiques, parodiques, et c’est de ça que j’ai essayé de sortir. Je voulais faire des chansons plus aériennes, plus mélancoliques. C’est vrai que ça donne un album plus sombre à l’arrivée, mais je ne l’explique pas.

Tu peux revenir sur la genèse du morceau “La Petite Marchande De Porte-Clés”?

A l’époque où j’essayais de produire, j’avais samplé la voix d’une série chinoise pour en faire une instru. Je m’étais mis en tête d’écrire dessus mais c’est resté au placard un moment. Et puis je suis tombé sur des reportages à la télé: un sur le kidnapping d’enfants en Chine, un autre sur les ouvriers qui ont construit les infrastructures des JO etc… Je commençais à faire le lien dans ma tête et à me poser des questions à propos de la politique de l’enfant unique dans certaines campagnes chinoises, qu’est-ce qu’ils font quand ils ont une fille, je me demandais s’il y a encore des enfants qui bossent dans des usines comme il y a vingt ans… Ca m’a inspiré et je me suis mis à penser à une fille de mon âge que je pourrais croiser dans la rue, et qui aurait très bien pu bosser dans un sweatshop il y a vingt ans.

Tu peux développer un peu sur le titre de l’album: “Le Chant Des Sirènes”?

C’est une métaphore de la tentation. L’album tourne autour de ce thème central même s’il est traité de manière large. On est une génération qui a beaucoup d’addictions en tout genre: le tabac, l’alcool, la coke, les filles, la TV, le fast-food, internet… et dans mon cas l’addiction de parler de soi, de courir après une certaine renommée. La chanson “Le Chant Des Sirènes” parle des tentations dans le show-business parce que c’est le truc le plus flagrant, le plus violent qui puisse arriver. Mais sur d’autres pistes, je parle aussi d’une certaine nostalgie, comme d’un retour aux sources sur “La Terre Est Ronde” par exemple, le retour à des choses simples.

Vous en êtes où de votre album commun avec Gringe et de ton envie de produire davantage?

Ca ne s’est pas encore fait, mais là on bosse vraiment dessus. On a des instrus, des thèmes de chansons, quelques trucs qu’on est en train de faire et qu’on espère voir aboutir. Pour ce qui est de la production, ça ne m’intéresse plus trop, j’aime bien en faire pour le fun mais en général je me contente de réaliser la base avant de confier le travail à d’autres personnes. C’est un vrai métier, et j’ai pas l’oreille suffisante ni les connaissances techniques pour faire les choses bien. J’aime pas chercher un son pendant des heures. Au final, ma façon de penser et ma façon de faire dans la vie de tous les jours me poussent à écrire.

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“My Perception”, votre nouvel album, sort ces jours-ci. Comment le présenteriez-vous en quelques mots?

Jan Paternoster (chant/guitare): Cet album a été enregistré à Los Angeles en compagnie du producteur Alain Johannes. On a travaillé pendant six semaines dans son home studio ou on a vraiment passé un très bon moment. Ça changeait d’un enregistrement dans un studio classique comme on avait l’habitude de le faire jusque-là. Il y avait une atmosphère différente, on se sentait vraiment comme à la maison. C’était une sensation vraiment agréable qui nous a permis de penser uniquement et calmement à la musique. En plus Alain, au delà d’être un grand producteur, est un très bon musicien. On en est donc finalement sorti avec dix sept chansons: onze sont sur le disque, et les autres nous serviront comme b-sides ou bonus track pour des occasions spéciales. On est vraiment super content de ce qui nous est arrivé à Los Angeles, ce fut une expérience enrichissante et marquante. Quant à l’album en lui-même, il est à la fois catchy, plus sombre, et plus sauvage.

Comment a débuté votre collaboration avec Alain Johannes? Était-ce un choix personnel ou une suggestion de votre label?

L’idée de départ est venue de notre label. Ils nous ont demandé si l’idée nous tentait. On a alors écouté les projets auxquels avaient déjà participé Alain et, à vrai dire, tout nous a plu… On l’a ensuite rencontré en Allemagne lors d’un de ses shows en solo. C’est un type super attachant, un très grand musicien. De là, on a convenu qu’on allait se lancer dans cette aventure ensemble, d’autant que c’était excitant pour nous de travailler avec un nouveau producteur. Ça paraissait un peu fou pour nous de nous envoler pour L.A., mais on est parti avec une guitare et des baguettes de batterie, et on est revenu avec un album qu’on adore.
Dries Van Dijck (batterie): D’une certaine manière, en écoutant ce disque, on peut déceler toutes les vibrations positives que l’on a ressenti. Le challenge était grand: on ne connaissait pas le producteur, ou à peine, on n’a pas joué sur notre matos, on faisait tout avec ce qui était mis à notre disposition chez Alain. Évidemment, il y avait une certaine dose de risque au départ, mais cette sensation s’est dissipée très rapidement. Et on est vraiment super heureux de tout ça. Ça s’entend sur “My Perception” je crois…

Quelle est exactement sa part de responsabilité dans ce disque?

Enregistrer dans le home studio d’Alain, c’est comme entrer dans une nouvelle dimension. Sa maison est pleine d’instruments, de trompettes, de violoncelles. Il y a de tout… On a pas mal expérimenté à nos heures perdues sur tout ce qui nous tombait sous la main, et cela a réellement créé un climat particulier durant l’enregistrement. On s’amusait en bossant. Voilà ce qu’Alain a apporté: il nous a facilité la tâche à tous les points de vue.

Vous n’allez peut-être pas être d’accord avec nous, mais il semble parfois qu’être un duo musical est une chose compliquée, non?

(il coupe) C’est très, très dur…

Comment voyez-vous, ou imaginez-vous, votre évolution future en tant que groupe?

Jan Paternoster: Justement, le fait de travailler avec Alain pour la première fois nous a fait voir les choses d’une autre manière. Il entend la musique à sa façon, et nous a transmis beaucoup de choses. À son contact, on a commencé à écouter la musique autrement, puis à considérer et écouter la notre aussi d’une autre manière. A jouer différemment du coup. C’est ce genre d’expérience qui peut nous enrichir et faire que ce “handicap” d’être deux dans un groupe doit finalement devenir une force. On ne veut évidemment pas que nos futurs albums soient des pales copies de ce que nous avons déjà fait par le passé, mais un type comme Alain, comme l’expérience que l’on a pu acquérir à ses côtés, c’est vraiment le genre de trucs qui nous font évoluer en tant que groupe. On ne sait pas de quoi seront faits nos futurs albums parce qu’il faut toujours se réinventer pour ne pas tourner autour du pot, mais c’est un challenge qui nous plait.
Dries Van Dijck: D’un autre côté, on est tellement habitué à n’être que tous les deux qu’on n’a pas besoin de parler. La musique sort toute seule, on s’entend à merveille là-dessus.

Vous avez déclaré également être amateurs de hip-hop. Les Black Keys ont fait rencontrer ces deux mondes autour de Blakroc. Peut-on imaginer ce genre de collaboration chez Black Box Revelation?

Blakroc est un projet génial que l’on a beaucoup écouté. Ensuite, quand on regarde un peu en arrière, il y a une chanson sur notre précédent album - “Love Licks” - qui reprend un peu une base hip-hop, avec un beat au groove particulier. Au départ, ce n’était pas quelque chose de fait consciemment, mais finalement, ce qui prime c’est le groove, et s’il doit rappeler un peu le hip-hop, tant mieux. C’est un rythme très sexy qui collait parfaitement à ce que l’on voulait transmettre dans cette chanson.

Pas mal de vos chansons ont des parties instrumentales plutôt longues. Est-ce pour vous une manière de vous offrir plus de liberté sur scène? Aussi, quelle est la part d’improvisation en studio au moment de l’enregistrement?

Jan Paternoster: Tu as tout à fait raison. Ces plages instrumentales viennent de l’improvisation en studio, et elles nous donnent ensuite une grande liberté en live. En studio, ce genre de mouvements musicaux sont les plus spontanés que l’on puisse enregistrer. Et c’est finalement, pour nous, les moments les plus intéressants car c’est là que l’auditeur nous entend vraiment jouer ensemble, partager, se faire plaisir. L’essence du groupe est là… Les couplets et les refrains sur scène sont sans surprise pour nous. Le réel plaisir vient de l’impro sur ces interludes instrumentales que l’on propose sur nos chansons.

On vous a toujours comparé aux White Stripes ou plus justement aux Black Keys du fait notamment que vous êtes un duo. Y-a-t-il un moyen pour vous de vous éloigner de telles comparaisons?

On ne s’est jamais arrêté sur ces comparaisons. C’est quelque chose dont on a toujours fait abstraction. Si tu ne nous connais pas, il est évident que c’est la rapprochement le plus facile à faire… Ceux qui nous connaissent réellement savent que nous n’avons finalement pas tant de choses que ça en commun avec ces groupes là, mis à part le fait que nous sommes tous des duos guitare-batterie. On n’accable évidemment pas les gens qui font ce genre de comparaison, parce qu’on ferait les mêmes si l’on découvrait un nouveau duo guitare-batterie. Mais nous avons notre propre son, notre propre identité qui fait que, rapidement, la comparaison ne tient plus debout. Depuis quelques années, étant donné que plus de gens nous connaissent, ils font plutôt un rapprochement entre nous et des références comme les Rolling Stones ou Iggy Pop, ces artistes qui sont nos vraies influences.

Comment vous attelez-vous à la composition? Partez-vous d’un jam, d’une improvisation, ou avez-vous une recette bien établie pour créer?

Dries Van Dijck: En général, ça part d’un riff, d’une idée, et l’on commence ensuite à jammer autour. Ça vient toujours de la guitare, c’est évident puisqu’il est plutôt compliqué de débuter une chanson par un plan de batterie. On s’entend très bien tous les deux, et on a une grande facilité à se dire les choses, comme quand on trouve une idée merdique et qu’il faut qu’on l’abandonne. C’est l’un des avantages d’être en duo. Ce ne serait peut être pas si simple si on était plus nombreux, s’il fallait gérer les égos, les susceptibilités… Entre nous, il n’y a jamais aucun souci à ce niveau là. Notre relation est parfaitement saine.

La musique européenne se résume souvent à quatre ou cinq pays dominant comme l’Angleterre, la France, l’Allemagne, et la Belgique ou vous êtes un groupe unique. Vous sentez vous rattachés à la scène très active de votre pays?

Jan Paternoster: C’est clair qu’il y a beaucoup de groupes belges. Mais pour être tout à fait sincère, on écoute quasiment jamais de groupes de notre pays. Cela ne nous intéresse pas vraiment. Nos influences et nos goûts actuels proviennent plus des État-Unis, de l’Angleterre.  On a une attirance particulière pour les vieux groupes, la plupart n’existe d’ailleurs déjà plus.
Dries Van Dijck: Il ya de bons groupes belges, mais ce sont souvent de pâles copies de groupes américains ou anglais. Il y a peu de personnalité dans la musique belge je trouve.
Jan Paternoster: On a tourné avec des groupes comme Ghinzu et dEUS par exemple, des groupes qui ont connu pas mal de succès en dehors de nos frontières. On les apprécie, mais ce ne sont pas nos références ni nos préférences… Les années où dEUS a eu le plus de succès, on était trop jeune, on n’écoutait pas encore vraiment de musique. Donc on est passé un peu à côté de tout ça, sans que cela soit quelque chose que l’on regrette. On a adoré tourner avec eux, on a passé de très bons moments, mais c’est juste que nos goûts musicaux ne vont pas forcément dans le même sens, et qu’on n’est pas particulièrement attiré par leur musique. Même si ce sont des musiciens géniaux.

Votre album référence?

“Lust For Life” d’Iggy Pop
Dries Van Dijck: “Nevermind” de Nirvana… Il y a tant de raisons qui font que c’est l’un des albums de rock les plus vendus de l’histoire. C’est un album énorme, essentiel… Eux aussi, on n’est pas particulièrement en phase avec leur musique, mais ce sont de très bons musiciens!

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Question con pour se mettre en route: d’où vient le nom Cults? C’était parce que The Cult était déjà pris ou quoi?

Madeline Follin: Non, nous n’avons pas réfléchi ainsi. Il se trouve que, dans nos chansons, on intègre parfois des samples tirés de discours de ministres religieux. A San Diego, ville d’ou l’on vient, il y a de nombreuses personnes totalement dévouées à différents cultes. C’est quelque chose qui parait très américain vu de chez les Européens. Ces croyances alimentées par des groupes religieux souvent bizarres sont une réalité chez nous. Surtout à San Diego ou ils sont partout. Ils font partie de nos vies en quelques sortes. On y est donc allé chercher naturellement notre nom.

Quand votre première chanson “Go Outside” est sortie, on a tout de suite pu constater un engouement pour le groupe: Pitchfork vous a encensé, un clip a été produit spécialement pour MTV… Comment avez vous vécu ça? Avez vous ressenti une grosse pression sur vos épaules ou, au contraire, étiez vous sereins et confiants du fait que vous aviez d’autres bonnes chansons sous le coude?

Je crois qu’au départ, quand les gens ont commencé à publier des choses sur nous et sur “Go Outside”, on a pris un peu peur, on ne s’y attendait pas du tout. On venait de mettre une poignée de chansons en ligne sur le net, on ne pensait même pas que nos parents les écouteraient. Finalement, ça a commencé à tourner un peu partout, et là on s’est dit “putain de merde, on va devoir écrire dix chansons de plus comme “Go Outside”". On a donc ensuite essayé de s’isoler un peu, de faire abstraction de tout ça, et de se concentrer sur la composition de l’album. Ca nous a fait peur, oui…

Cults est un groupe plutôt familial puisque vous êtes en couple, et que la maman de l’un de vous deux est votre manager. Est ce que ce contexte particulier est voulu pour travailler sereinement?

On est convaincu que le fait que ce soit ma mère le manager rend les choses bien plus simples. Il y a très peu de gens en qui on a confiance. Beaucoup de managers nous ont approché en voulant nous en mettre plein la vue. Ma mère a bossé dans le business de la musique pendant des années, donc le choix a finalement été simple. On a totalement confiance en elle et dans les décisions qu’elle peut prendre pour nous. Ensuite, le fait d’être en couple rend la vie en tournée bien plus supportable pour nous…
Brian Oblivion: On a moins de frustration sexuelle…
Madeline: (rires) hmm hmm

Vous êtes vous connus par le biais de la musique ou du groupe, ou tout est-il parti de Cults?

Brian: Je crois que tous les couples de jeunes se forment d’une certaine manière un peu autour de la musique. C’est un moyen comme un autre de faire des rencontres. On s’est rencontré au moment ou je suis parti en tournée avec son frère. Elle nous accompagnait. Ça a alors dérivé vers une relation poussée entre elle et moi avec la musique en toile de fond, beaucoup de discussions autour des artistes et des albums qui nous faisaient vibrer depuis tout petit. Au sein de Cults, on évite de penser à l’autre quand on écrit des chansons sinon on est trop fleur bleu quand on parle de notre relation, et ca ne fonctionne pas.
Madeline: Notre relation a forcément de l’importance dans le groupe, mais on tourne avec cinq autres musiciens, et l’on sait faire la part des choses. Ca ne doit pas devenir quelque chose d’envahissant pour les autres, sinon ça deviendrait invivable pour tout le monde.

Vous avez donc grandi à San Diego, mais vous avez ensuite déménagé à New York. Ce passage de la côte Ouest à la côte Est a-t-il eu une quelconque influence sur votre musique?

On a tendance à dire de notre album qu’il sonne plutôt californien en raison de son côté pop ensoleillée, alors que nos influences sont principalement new yorkaises. On peut citer Shangri-Las par exemple. Pour ma part, je ne crois pas que ce changement ait directement influencé notre musique. Ce qui a changé en habitant New York, c’est qu’on est devenu plus compétitif. Il ya tellement de bons groupes ici qu’on a vraiment envie de tout donner pour sortir un peu du lot. L’approche est très différente à San Diego ou les jeunes groupes jouent dans leur garage. Il y a un côté plus amateur, alors qu’à New York, le fait d’être constamment entouré d’artistes te pousse de manière instinctive à y aller à fond si tu veux faire connaitre ton groupe.

Sur votre disque, on retrouve pas mal de références au girls bands américains des annés 60, et même une certaine influence venant de Phil Spector quant à la production de l’album. Ces références font-elles vraiment partie de votre background musical?

Quand on s’est rencontré, on a comparé les disques que chacun aimait, et on se retrouvait sur des groupes comme les Shangri-las qu’on a cité auparavant…
Brian: Aussi, la musique que l’on aime n’est pas toujours la musique qui va nous inspirer au moment de composer. Il ya plein de groupes que l’on aime, et dont il est difficile de déceler l’influence sur notre album. En général, la musique des autres nous motive à creuser chaque fois un peu plus nos propres compositions.

On parlait il y a quelques minutes avec le groupe Low qui vous a précédé en salle de presse. Vous avez un point commun: celui d’être un couple dans la vie comme sur scène. Vous imaginez vous durer dix huit ans comme eux?

Madeline: Tu rigoles! On ne sera sûrement plus en couple, et le groupe n’existera plus…(rires)
Brian: (rires) Atteindre une telle longevité, c’est le but ultime, j’imagine que c’est celui de chaque groupe. Faire de la musique aussi longtemps que possible et que le public vous soutienne et vous suive tout au long de votre carrière… On sait que tout va très vite maintenant… Le succès, comme la chute qui peut le suivre… Donc on profite de chaque instant, on vit tout ça pleinement, et on en tire parti pour progresser, aller toujours plus loin tant qu’on reste motivé.

Vous avez l’air d’attacher pas mal d’importance à votre look. Est-ce quelque chose d’étudié au point de contribuer pleinement à l’image du groupe, ou est-ce tout simplement naturel chez vous?

Madeline: On te remercie du compliment, même si je pense qu’aujourd’hui par exemple, je n’ai pas fais du tout attention à cet aspect là. On est seulement descendu de l’avion pour venir ici directement (sourire)
Brian: En fait, notre producteur - Shane Stoneback - et moi, en plein milieu de l’enregistrement, on a commencé à venir au studio en costard/cravatte. Avant cela, on portait des tee shirts sans formes, des jeans troués. Ça peut paraitre un peu bête, mais on s’est mis dans la tête que si on s’habillait de manière plus formelle, on bosserait comme les gens qu’on admirait. Tu sais, comme les mecs de Mowtown qui allaient enregistrer tous les jours supers bien sapés. En gros, ils allaient au taf en costard. Après, certains nous ont demandé si le fait qu’on ait les cheveux longs tous les deux était calculé… Pas du tout, évidemment. On a finalement gardé cette façon de nous habiller, on trouve que ça correspond plutôt bien à notre musique. Et on aime ça…

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Low fête cette année ses dix-huit ans. Cette ancienneté génère t-elle une certaine pression chaque fois que vous sortez un disque? En avez-vous des attentes particulières ou la chose primordiale reste t-elle votre propre satisfaction? On imagine que la donne a changé depuis vos débuts…

Alan: Je crois qu’il existe toujours une certaine pression, mais c’est quelque chose que l’on provoque nous-mêmes désormais. On veut à chaque fois faire des disques qui nous mettent un peu en danger. C’est même parfois intentionnel de nous mettre en difficulté pour repousser nos limites, explorer des territoires jusque là inconnus pour le groupe, et justement creuser, ouvrir de nouveaux horizons. Particulièrement pour nos deux derniers disques, pour lesquels nous étions tout à fait libres de faire ce que l’on voulait, sans limite de temps imposé. C’est dans ces cas là que nous nous mettons nous-mêmes la pression: ça n’en devient que plus intéressant pour nous. En même temps, ce besoin de se mettre en danger pour créer et avancer, cette liberté artistique, c’est certainement l’élément qui explique également notre longévité.

Low n’a jamais autant souligné la beauté de ses mélodies qu’avec “C’Mon”. Des titres comme “Try to Sleep”, “Witches” ou “Especially Me” resteront certainement parmi les plus beaux de votre discographie. Est ce que la mélodie a été désigné comme le point névralgique de cet album au moment de vous atteler à sa composition?

Je crois qu’on essaie toujours de faire des chansons plutôt mélodiques. J’ai toujours été véritablement fasciné par les pop songs, les structures simples. C’est toujours le point de départ, mais ensuite une chanson peu prendre une toute autre tournure, jusqu’à perdre sa base mélodique. Ce qui est sûr - et là je te rejoins - c’est que sur “C’Mon“, il y a moins de dissonance, moins de tension, plus de lumière. Mais ça n’est pas quelque chose que nous avions programmé avant de rentrer en studio.

A quel moment décidez-vous de qui va poser sa voix sur une chanson? Cette décision est-elle plutôt instinctive ou toujours réfléchie, testée auparavant? Il serait très intéréssant de pouvoir écouter des versions de chansons interprétées par Alan à l’origine, chantée par Mimi, et vice et versa… Auriez-vous garder des traces de ce genre d’essai?

Mimi: Il y a eu quelques exceptions mais, en général, si j’écris la chanson, je la chante. Ce n’est pas vraiment sujet à débat, et c’est évidemment la même chose pour les chansons que compose Alan.
Alan: Chacun chante les chansons qu’il compose. Mais, il y a eu quelques exceptions sur des chansons un peu plus rares, sur des face-b. Sur “You See Everything” par exemple, l’une des chansons de “C’Mon”, le cas a été un peu différent de la normale. J’avais déjà la musique et le refrain, mais je n’arrivais pas à écrire les paroles de la chanson. Ça a duré un bon moment, je buttais complètement, et c’est finalement Mimi qui s’en est chargée. La mélodie l’avait inspirée, elle en a écrit les paroles, et c’est donc elle qui la chante finalement. On n’écrit pas ensemble, on travaille généralement séparément avant de présenter chacun nos propositions à l’autre.

Justement, comment fonctionnez-vous dans ces moments-là? Êtes-vous très critiques vis à vis du travail de l’autre? Peut-il y avoir des discussions tendues lorsque le travail de l’un ne plait pas à l’autre?

Mimi: De nous deux, Alan est la personne la plus prolifique. C’est donc finalement très souvent moi qui dois donner mon avis sur ses chansons. En général, je n’ai vraiment pas grand chose à redire, j’ai confiance en lui et en sa musique.
Alan: (Il la coupe) Je ne suis pas vraiment d’accord, j’ai besoin de ses critiques, et elle sont toujours constructives. Elles me permettent de m’améliorer, d’aller plus loin…
Mimi: Je crois que c’est Alan lui-même qui est plus plus critique vis à vis de son travail. Il me le présente mais le remet en question rapidement en cherchant à obtenir mon sentiment sur ses idées.

“C’Mon” a été enregistré dans une église. Est-ce pour l’aspect acoustique du lieu ou ce choix s’est-il fait pour des raisons beaucoup plus mystiques?

Les deux. On a toujours voulu enregistrer dans des endroits un peu particuliers. Ça a une influence importante sur le disque. Parfois, tu ressens le besoin d’être le plus loin possible de chez toi, de t’imprégner d’un nouvel environnement. D’autres fois, tu ne vas pas ressentir ce besoin d’isolement, et tu vas enregistrer dans ton garage ou dans une église où le son est très particulier. Dans le cas présent, cette église est très proche de là où l’on vit. Ça faisait déjà un moment qu’on bossait sur le montage d’un studio d’enregistrement dans ce lieu. C’était plutôt pratique pour nous d’avoir ça à côté de la maison, en plus du fait que le son qui ressort d’une église nous inspire beaucoup. On a fait pas mal de concerts au cours de notre carrière dans des lieux de ce genre. On apprécie, et que l’on soit croyant ou pas, l’église est un lieu de rassemblement pour des personnes en recherches de réponses, d’espoir…

Vous êtes également en couple depuis dix-sept ans, ce qui sonne comme un exploit aujourd’hui, encore plus étant donné vos vies de musiciens qui ne facilitent généralement pas la longévité. Quel est votre secret? On dit qu’il est difficile de travailler avec son conjoint, en est-il de même quand il s’agit de musique?

Alan: C’est très compliqué (rire en coin), c’est intense. C’est vraiment difficile car cela crée un environnement particulier fait de création, de périodes de doutes artistiques partagés, de voyages en tournées qui paraissent parfois interminables…
Mimi: Ce qui est vraiment compliqué, c’est de séparer le mariage du groupe.
Alan: C’est complètement impossible…
Mimi: Quand il y a un problème dans le groupe, qu’on le veuille ou non, cela se ressent sur le mariage. Et quand il y a un problème dans le couple, c’est la même chose, le groupe peut en pâtir. Mais finalement, c’est ce dont on a toujours rêvé. C’est ce que l’on voulait: être ensemble, créer ensemble…
Alan: On aurait vraiment du mal à avoir nos activités professionnelles respectives,  quelque chose du style “bisous ma chérie, on se voit ce soir, et on se raconte notre journée de boulot…”

Pensez-vous que le fait que vous soyez en couple a quelque chose à voir avec les nombreux changements de bassiste que le groupe a connu? Etes-vous un couple facile à vivre pour le troisième musicien de Low?

De manière générale, c’est un peu toujours moi contre le bassiste, ce n’est jamais Mimi et moi contre lui… Pour être tout à fait honnête, ce n’est pas non plus très facile de bosser avec nous.
Mimi: Je crois qu’on peut dire que cela y a pas mal contribué, mais je ne pense pas que ce soit la cause principale. On est marié depuis dix-huit ans, mais eux ne sont pas mariés avec nous… Les bassistes qui sont passés dans Low ont tous eu également l’envie de faire autre chose. Low, c’est notre projet à Alan et à moi. Ce n’est pas que l’on ne veut pas y inclure les bassistes, bien au contraire. On le fait, mais tout est différent pour eux.
Alan: On a besoin de cette troisième personne pour bosser sur des idées, mais aussi pour nous aider à communiquer…
Mimi: Et si l’on devait partir seulement tous les deux en tournée, je pense que ça se passerait mal. On a besoin de ça pour l’équilibre du groupe, pour notre relation.
Alan: En se mettant à leur place, on souffre aussi parfois. C’est une carrière compliquée du fait qu’on est très souvent loin de chez soi, et qu’on est souvent très seul… Mais on les aime tous!

Vous êtes les parents de deux enfants. Quel est leur rapport à la musique? Y sont-ils sensibilisés? Quel regard portent ils sur la musique de Low?

Mimi: Nos enfant adorent tout ce que l’on fait (rires).
Alan: C’est vrai, ils aiment beaucoup notre musique, ils vivent avec tous les jours, et ils nous encouragent toujours…
Mimi: On les a même fait chanter sur “C’Mon”: ils ont fait des choeurs, et ils ont adoré ça. On est toujours en train de bosser ou répéter à la maison, donc le groupe fait partie de leurs vies à eux aussi.

Alan, qu’en est il de The Retribution Gospel Choir? Cette expérience est elle revigorante pour toi? Considères-tu que son existence soit bénéfique à la longévité de Low, dans le sens ou elle te permet d’assouvir d’autres envies sans compromettre les projets existants?

Alan: C’est différent, mais c’est toujours moi. Je ne change pas ma façon de composer pour ce groupe, c’est juste une dynamique différente. La musique est plus lourde, plus forte, le batteur est différent. C’est juste un autre groupe avec trois personnes qui bossent ensemble sur des chansons…
Mimi: C’est le groupe des mecs!
Alan: C’est ça, c’est le groupe des mecs, des gars qui jouent ensemble et essaient de faire de la musique cool. On planche d’ailleurs sur un prochain disque…

Vous êtes à la tête d’un studio ainsi que d’un petit label appelé Chairkicker’s Union. Cherchez-vous à lui donner une certaine envergure? Quels sont les futurs projets le concernant? Tout cela a t-il pour but d’atteindre un certain degré d’autonomie?

Quand on a crée le label, c’était vraiment pour nous. A travers cette structure, on pouvait publier plus librement des disques, ou des singles de Noël par exemple. On a ensuite pu publier des projets de gens proches, des amis qui faisaient aussi de la musique. Ça a principalement été créé pour la communauté qui nous entoure, pour essayer d’aider d’autres groupes. En ce qui concerne le studio, on va dire qu’on a mis nos ressources au service de la communauté, et des personnes gèrent ce lieu en essayant d’y enregistrer les amis, ou des groupes qui n’ont pas vraiment les moyens de se payer un studio. C’est intéressant aussi pour nous d’avoir un lieu à nous, pour développer n’importe quelle idée à n’importe quel moment, sans aucune contrainte.

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Tu as eu une vie avant Stones Throw… Quand as tu vraiment commencé dans la musique?

Professionnellement, j’ai commencé en 2001… (pause). En fait non, longtemps avant puisque j’ai travaillé pour Solar Records avec Leon Sylvers (à qui l’on doit entre autres “And The Beat Goes On” de The Whispers et les tubes de Shalamar, ndr), je jouais du clavier. Puis plus tard avec plusieurs rappeurs de la scène West Coast. C’est seulement vers la fin des années 90, début 2000, que j’ai commencé à travailler de mon côté pour arriver à bosser avec Stones Throw au milieu des années 2000. J’ai rencontré Peanut Butter Wolf lors de plusieurs gigs a L.A. ou j’étais dj. On aime la même musique, ça s’est donc fait assez naturellement, et de façon très spontanée. On aimait tous les deux ce que faisait l’autre, et quand il a entendu mes morceaux sur mon Myspace, il m’a proposé de faire des remixes. Mon premier pour lui fut celui ”Burn Rubber” de Baron Zen (2007).

La dernière fois que tu es venu à Paris, tu disais que tu faisais déjà de la musique en 1992…

Ouais, en fait, mes premiers titres datent de 88, j’étais un gamin. J’avais un Moog, un synthé Casio, et j’enregistrais mes morceaux sur cassettes. C’était surtout pour le fun. Le but n’était pas de se faire signer sur un label. C’était juste pour moi, mes amis, et mon entourage proche. J’ai grandi à Pasadena qui est une toute petite ville de la banlieue de Los Angeles. C’est seulement vers le milieu des années 90 que j’ai bougé vers la ”grande ville” avec d’autres musiciens du coin pour me rapprocher du groove.

Tu décris ta musique comme étant du modern funk, qu’est-ce exactement?

Le modern funk, c’est des gens comme Prince, Slave, One Way… Le funk, c’est James Brown, ce genre de trucs, le 45s funk. Le lien entre les deux, c’est Sly And The Family Stone, c’est le pont avec le funk des débuts qui débouchera ensuite sur le P Funk, Rick James, Prince: tous ces artistes qui ont cherché  à moderniser tout ça. C’est à eux que l’on doit le modern funk.

Tu parles souvent de Prince comme de l’artiste phare du funk des années 80. Pour les plus jeunes générations ayant grandi dans les années 90, la porte d’entrée vers cet univers fut aussi le G-Funk. C’était ton truc ou pas?

Ouais bien sûr! Quand la scène G Funk a débarqué, ça m’a tout de suite plu car ils intégraient des instruments à leur live. C’était nouveau à l’époque pour la scène hip hop. J’ai beaucoup plus d’affection pour le rap West Coast que les autres formes de rap qui s’appuient davantage sur le sampling. Ca ne m’empêche pas d’aimer Pete Rock et Premier, mais j’étais plus sensible à l’époque à cette scène West Coast avec Dj Quick, ou Above The Law, ce genre de trucs.

D’ailleurs, tu as bossé avec Mc Eiht pour un remix de ”Hood Pass”…

Ouais, j’avais déjà eu l’occasion de travailler avec lui sur de précédents enregistrements, surtout pour ”Tha8’s Gangsta”: j’ai produit plusieurs titres de son album en 2001.

Tu es connu en tant qu’artiste funk, mais en réalité, tu es très proche de la scène hip hop californienne…

Ouais, j’ai fait des sessions avec ces gars. Mc Eiht, que ce soit en solo ou pour West Side Connection, Mac 10, Ice Cube, des trucs sur quelques bandes sons pour Master P (”I Got the Hook Up”) et plein d’autres trucs où je suis crédité sous le nom de Dam, Damon G, ou Damon Riddick. Je jouais du clavier et de la batterie, mais je me suis éloigné de cette scène pour faire mes propres trucs, le funk étant plus important pour moi que n’importe quel autre genre musical qui existe. J’aime tous les styles de musique, mais je me devais de rendre au funk ce qu’il m’avait donné. Des gens comme Slave, Steve Arrington, tout ce qu’ils ont essayé de faire… J’essaie de le reprendre là où ils ont arrêté, ils m’ont vraiment influencé.

Tu disais à l’instant que tu étais plus sensible au son West Coast que East Coast qui utilise traditionnellement plus le sampling. Tu ne samples donc jamais ta musique?

Je ne sample pas. De temps en temps, mais vraiment pas beaucoup. Quand c’est le cas, c’est des petites parties par-ci par-là sur un titre, mais jamais je n’ai utilisé de sample dans toute ma carrière pour faire un morceau en entier. On peut être tellement créatif par nous mêmes, pourquoi ne pas tirer quelque chose de notre propre esprit? C’est cool de faire des hommages, j’aime la musique samplée, mais c’est juste mon choix d’utiliser de préférence ce qu’il y a dans ma tête.

Ta musique a aussi une forte connotation électronique. Doit-on faire le lien avec le hip hop du début des années 80, celui de Bambaataa qui sample Kraftwerk, ou bien de Mantronix? Ce sont des sons que tu as aussi à l’esprit?

Non, j’avais plus à l’esprit le Minneapolis Sound. Pour être franc, le hip-hop ne m’a pas influencé plus que ça. Pour moi comme pour beaucoup de monde, le premier morceau de rap fut “Rapper’s Delight”, mais ça ne m’a pas touché plus que ça. C’était fun, mais rien de plus. Quand j’ai vraiment commencé à prendre le hip-hop au sérieux, c’était avec KRS-One, Eric B & Rakim, Run DMC bien sûr. En gros, quand le rap est devenu quelque chose de plus mature et a commencé à dépasser le simple stade de musique festive. J’aime ça, mais le funk, le metal, la new wave m’ont plus apporté en termes d’influences.

La New Wave?

Ouais ouais, Soft Cell, B-Movie, et un tas d’autres groupes qui passaient sur K ROQ, une radio rock de Los Angeles. J’adore ce genre de trucs. Même les choses plus pop come Prefab Sprout (groupe pop anglais ayant connu son heure de gloire dans les années 80) . Le hip hop est quelque chose de formidable, mais ca ne m’a pas influencé, je suis désolé de décevoir ceux qui auraient pu le penser. Quand j’étais jeune, j’étais un weirdo: quand tout le monde était a fond sur Roxanne Shante, moi j’écoutais le dernier album des Rush. J’aimais aussi le heavy metal comme Kiss à cause de leurs visuels, de l’usage qu’ils faisaient des couleurs, pour la passion transmise dans leur musique, et l’univers qu’ils créaient autour. En vieillissant et en gagnant en maturité, ce sont des choix que j’assume beaucoup plus.

Tu as un son qui peut sonner très old school dans l’usage, par exemple, des boîtes à rythme. Tu te vois plus comme un passeur de témoin, ou comme un artiste cherchant à renouveler un genre?

Non, je veux apporter quelque chose de nouveau, emballer tout ça dans un joli papier cadeau, et incarner ce mouvement d’une façon beaucoup plus moderne en le rattachant aux aspirations de notre génération et de notre époque. Je ne veux pas me contenter de faire du funk quelque chose pour les vieux. Le funk, c’est pour tout le monde, aussi bien les jeunes que les plus vieux. Et j’espère que la musique que je fais influencera des centaines de kids qui apprécieront et voyageront en écoutant l’expérience sonore et le concept que je propose. Je veux produire un funk mélodique et street à la fois. Le plus dur, c’est de faire rentrer à la fois les gangstas dans le délire, ainsi que les jolies filles. C’est l’équilibre que j’essaie de trouver.

En parlant de gangstas, en janvier dernier lors d’un show à Los Angeles, on a vu Snoop freestyler sur un de tes titres. C’est envisageable de voir arriver prochainement une collaboration plus poussée entre vous deux?

Ç’est en cours ouais, mais je prends mon temps. Je ne veux pas précipiter les choses. Je veux être respecté, et que les gens viennent vers moi. Ça n’a rien à voir avec mon ego, j’ai commencé ma carrière sans chercher à courir après les gens, donc pourquoi je le ferais maintenant? Je ne demande pas non plus que les gars se mettent à genoux et commencent à me supplier, mais l’intérêt doit être mutuel. L’amour de la musique est ce qui me préoccupe le plus. Je ne vais donc pas pas aller vers les gros noms juste pour me faire de l’argent. Le bon son d’abord et après, éventuellement, l’argent suivra.

Donc te voir prochainement travailler avec un gros nom comme Snoop, tu me confirmes que c’est en bonne voie?

Ouais, il a quelques titres, il s’intéresse à la musique que j’aime, on s’échange des idées… Mais pas de précipitation. Je ne veux pas vendre la mèche, on parle de beaucoup de choses dans les interviews qui, au final, ne se passent pas pour des problèmes de management ou autres. Je ne veux pas non plus tomber dans les contraintes du genre ”Oooh Dam Funk doit faire un truc avec Cee Loo parce que Cee Lo est hot” ou ”Dam Funk doit bosser avec Mary J Blige parce que c’est une chanteuse géniale”. C’est minable. Je veux rester honnête et sincère. Je vis confortablement, mais je ne cours pas après les manoirs et les voitures de sport. Je veux juste avoir une vie agréable et continuer à faire ma musique, continuer à toucher les gens avec mes sons pour qu’ils se sentent bien. Ce que la musique m’a apporté quand j’étais gosse, je veux le reproduire à mon tour. Pour le moment, je travaille avec Nite Jewel, Steve Arrington… J’ai donc de quoi m’occuper. Mais si je suis amené à travailler avec des plus gros comme Snoop Dogg, et bien ainsi soit-il.

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A la sortie du légendaire album “30″ en 1997, la musique électronique n’en est encore qu’à l’état de jeune pousse en France, mais commence tout doucement à se dégager de son statut de vilain petit canard incompris. A l’aube d’une Victoire de la Musique historique, Laurent Garnier est à l’époque invité sur le plateau de Nulle Part Ailleurs, tentant d’expliquer tant bien que mal que la techno est une musique à part entière. Il fait ainsi face à des lieux communs du style “c’est de la musique d’ordinateur” ou autre “c’est tout le temps la même chose“. Ariel Wizman lui demandait alors: “Comme y’a pas de paroles, comment tu fais pour donner un titre à tes morceaux?“. Une question en apparence très conne mais qui donnait des réponses sympathiques à base d’anecdotes croustillantes et improbables. Analyser sa discographie en détails, l’évolution de la musique électronique, son rôle d’ambassadeur ou le questionner sur le téléchargement illégal avec tout le recul qu’il peut avoir… Tout cela a déjà été fait. Alors creusons plutôt le sujet! Laurent Garnier accepte pour la première fois de nous expliquer en détails, et avec passion, l’origine des titres de ses plus grands classiques. Petite interview drôle et captivante réalisée par téléphone. A écouter donc, parce que le bonhomme met du coeur à l’ouvrage…

“THE MAN WITH THE RED FACE”
Extrait du maxi “The Man With The Red Face”
2000 - F Communications

“CRISPY BACON”
Extrait du maxi “Crispy Bacon”
1997 - F Communications

“DANGEROUS DRIVE”
Extrait de l’album “Unreasonable Behaviour”
2000 - F Communications

“BOURRE PIF”
Extrait de l’album “Tales Of a Kleptomaniac”
2009 - Pias

“THE SOUND OF THE BIG BABOU”
Extrait de l’album “Unreasonable Behaviour”
2000 - F Communications

“THEME FROM LARRY’S DUB”
Extrait de l’album “30″
1997 - F Communications

“LE VOYAGE DE SIMONE”
Extrait de l’album “30″
1997 - F Communications

“BARBITURIK BLUES”
Extrait de l’album “The Cloud Making Machine”
2005 - F Communications

“GNANMANKOUDJI”
Extrait du Ep “Gnamankoudji”
2009 - Pias

“PAY TV”
Extrait de l’album “Tales Of a Kleptomaniac”
2009 - Pias

“LAST DANCE @ YELLOW”
Extrait de l’album “Tales Of a Kleptomaniac”
2009 - Pias

“ACID EIFFEL”
Extrait de l’album “Early Works”
1998 - F Communications

“TALES OF A KLEPTOMANIAC”
Extrait de l’album “Tales Of a Kleptomaniac”
2009 - Pias

“DOWNFALL”
Extrait de l’album “Unreasonable Behaviour”
2000 - F Communications

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Ce soir, tu joues au Grand Mix de Tourcoing aux côtés de Jon Hopkins et Fujiya & Miyagi. Te sens tu proche de ces musiciens, musicalement parlant?

Non, car je ne me considère pas comme un musicien. Je ne joue rien. Je sélectionne des samples, j’utilise les disques des autres pour les ré-arranger. Je ne me considère donc pas ainsi mais, comme je crée de la musique, je suis vu comme tel. Je ne pense pas rentrer dans cette catégorie, je ne suis pas aussi bon qu’eux!

Au départ, je ne connaissais Gold Panda qu’à travers des remixes et des EPs. Aujourd’hui, tu sors ton premier album. N’était-ce pas trop difficile de passer du format maxi au format album, d’être obligé de raconter une histoire et tout ce qui va avec?

J’avais juste besoin de prendre le temps nécessaire pour le composer. Je ne voulais absolument pas faire une compilation de singles. Tu vois, je connais des artistes qui sortent d’excellents morceaux sous forme de 7’’ par exemple, mais dès que l’album sort, huit titres sur dix ont déjà été sortis en single… C’est décevant! Je ne voulais que des nouveaux morceaux pour mon album. Ça s’est fait très vite, en trois semaines. L’album, c’est très différent car tu sens beaucoup la pression. Je voulais faire un bon disque avec des morceaux qui ont une intro, un milieu et une fin. Je ne voulais pas quelque chose d’à moitié terminé. Mes anciens tracks peuvent parfois sembler étranges, comme s’il manquait quelque chose. Ici, j’avais envie de morceaux structurés, un peu comme s’il y avait des couplets et un refrain!

Tu as déjà répondu à ma prochaine question… Tu produis rapidement. Quelle est ta manière de composer pour parvenir à boucler tout cela en trois semaines? Tu te lèves le matin, tu commences un morceau, et tu juges le soir s’il est bon ou mauvais?

Je suis quelqu’un de très bordélique. Par exemple, je n’ai aucun sample sauvegardé. Je pars chaque fois d’une page blanche! Je préfère la spontanéité, le désordre, l’improvisation, faire des erreurs, et ré-écouter le morceau à mi-parcours… J’aime aussi prendre une petite boucle et développer quelque chose autour. En général, faire un track me prend un ou deux jours. Si je m’assied dans le but de faire un titre, ça ne marche jamais, parce que j’y pense trop! J’essaye tout le temps de composer parce que j’adore ça. Un jour, je peux me dire: “oh non, qu’est ce que j’ai fait? Ca ne ressemble à rien“, et le jour suivant je peux en avoir terminé un nouveau sans penser à l’échec de la veille. Je suis vraiment bordélique, j’enregistre mal les sons parce que je fais ça vite. J’en enregistre parfois avec un micro pourri, je les mets tels quels dans le sampler, et je m’amuse avec.

Es tu du genre à écouter plein de disques pour trouver les bons samples?

C’est en train de changer tout doucement parce que je me suis mis à acheter des petits instruments, des jouets. J’en sors des sons, et j’ajoute parfois des craquements de vinyl par dessus pour que ça sonne comme un sample! Parfois, j’entends un truc au hasard en écoutant un disque, je fais marche arrière et l’enregistre sur mon sampler. Mais la plupart du temps, j’allume tout, et je me passe les disques que je viens d’acheter, j’enregistre des sons, et je vois ce qui se passe. Mais c’est impossible de détecter de quel disque vient le sample, je le modifie beaucoup trop! J’ai aussi toujours ma MPC, parce que c’est avec elle que j’ai commencé dans le hip-hop. Ça fait longtemps que je ne l’avais pas utilisée vu qu’elle était cassée, mais elle sonne vraiment bien depuis que je l’ai faite réparer. C’est excitant et ça permet de s’éloigner un peu du laptop. Deux tracks de l’album sont d’ailleurs faits avec la MPC. J’ai vraiment envie de revenir à ça, parce que je déteste regarder un écran d’ordinateur. Tu dois placer tes drums, tes samples, alors qu’avec la MPC, tu tapes dessus, c’est instantané.

Tu redeviens musicien en jouant de la MPC!

Oui! Mais pas vraiment en fait. Si je me considérais musicien, ça sous entendrait que je saurais jouer du piano ou d’un autre instrument. Mais je m’en fous, ce n’est pas important. Le principal est de créer de la musique, que tu sois musicien ou non…

Il suffit d’avoir de l’imagination…

Tout à fait. Parfois, j’ai l’impression que je vis dans un rêve. L’autre jour, un mec me demande ce que je pense de la situation actuelle en Lybie. Je ne sais pas vraiment, parce que je vis tellement dans mon monde! Bien entendu, il m’arrive de regarder les news, de voir toutes les choses terribles qui arrivent autour de nous. Mais la plupart du temps, je suis uniquement impliqué dans ce que je fais. Je suis dans ma bulle, je pense en permanence à être créatif.

Peu importe s’il y a une troisième guerre mondiale!

Wow! Ca devrait m’interpeller, je me sens un peu coupable de ne pas savoir. Mais en même temps, j’apprécie tellement bosser sur des morceaux… C’est important parfois de se couper du monde, de ne plus entendre toutes ces merdes pour être vraiment à ce que tu fais. Même si ce que je fais sous Gold Panda est un hobby, c’est important de prendre son pied dans ces moments là, qu’il s’agisse de musique ou d’autre chose.

Je trouve que ta musique pourrait parfois coller sur des films fantastiques. Quel genre de cinéma aimes-tu?

Quand j’étais ado, j’aimais regarder des films arty, me sentir différent, et penser autrement. Maintenant, j’ai vieilli et je déteste ce genre là (rires). Aujourd’hui, j’aime ceux avec Steven Seagal ou Bruce Willis! (rires)

Ta musique ne collerait jamais sur ce genre de film!

Exactement! Je ne supporte plus les trucs bien faits, de bonne qualité, plein d’émotions. Ça m’ennuie. J’aime aussi les films d’horreur de série B! J’adore Street Trash! J’aime ce genre de films, mais je ne pense pas que ça fonctionnerait avec ma musique. C’est un peu honteux car j’adorerais faire des soundtracks. Ça fait longtemps que je ne me suis pas assis pour apprécier un film du début à la fin. Au bout de dix minutes, je baille déjà car le côté émotionnel me saoûle!

Tu penses quoi de la série “Grindhouse” de Tarantino et Rodriguez?

Ça, c’est bon! Je recherche des films capables de me captiver, de m’isoler du quotidien… Je veux voir Jean-Claude Van Damme casser des jambes! (rires) C’est terrible, mais j’aime bien!

Tu es seul sur scène. Est-ce qu’un groupe te manque parfois en live? Comme un batteur ou un chanteur…

Je pense que ça serait sympa d’avoir quelqu’un d’autre avec moi sur scène. Ça peut créer quelque chose de fort. Si le reste du groupe prend son pied, alors tu prends aussi du plaisir. Mais je n’ai jamais été dans un groupe, donc je n’en sais rien. Je suis quelqu’un de solitaire, et je suis aussi content de faire ça tout seul.

La vie des tournées en solitaire n’est elle pas trop difficile?

Si, c’est dur… Mais maintenant, j’ai mon tour manager avec moi (sa petite amie entre dans la pièce à ce moment là, ndlr), parfois ma copine m’accompagne, et elle fait la bouffe! (rires). Au fil des concerts, tu rencontres aussi du monde. Des gens qui te bookent, d’autres qui te re-bookent, puis des spectateurs qui viennent te revoir quand tu repasses dans leur ville… Plus tu tournes, moins tu es seul. Tu finis par connaître du monde dans la ville où tu joues, et ces personnes te conseillent des trucs à faire dans le coin par exemple. Concernant la scène, je ne sais pas trop…

T’es tu déjà posé la question? De tourner par exemple avec un batteur comme le fait Prefuse 73…

A mon avis, ça serait difficile. A vrai dire, ça me fait un peu peur de mélanger musique live et électronique. Mon album est presque entièrement électronique, et peut être que le transformer en un vrai live show ne marcherait pas. S’il y avait un batteur, un guitariste ou un pianiste sur l’album, alors oui, je le ferais probablement.

Y aura t-il de potentiels featurings sur le prochain disque de Gold Panda?

J’y pense beaucoup, mais j’ai un défaut: je me mets trop la pression. Je pense qu’il y aura un EP pour commencer, un 7’’ ou un 12’’. Mais de toute façon, je suis en pleine tournée, et je n’aurai pas le temps de me plonger dans un nouvel album avant novembre. J’ai fait beaucoup de nouveaux morceaux, mais sans inviter d’autres musiciens pour le moment. J’ai joué des trucs moi-même, et les ai transformés en samples. Mais oui, peut être! Le souci, c’est que je trouve que faire de la musique est très personnel. Si j’invite quelqu’un, je sens que je m’ennuierais vite. J’aime avoir le contrôle de tous les petits détails.

Peux tu m’en dire plus sur l’artwork, ce collage?

J’ai pris dix ou onze disques, et j’ai mis les pochettes en escalier, les unes sur les autres, puis je les ai scannées. La pochette reflète ma musique qui consiste en grande partie à juste sampler des disques! J’ai eu l’idée du design, puis j’ai donné ça à un graphiste qui s’est chargé de faire la pochette finale. Il m’a envoyé environ trente essais avant qu’on valide le bon!

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David, ce n’est pas ta première fois au Grand Mix?

David Best: Effectivement, c’est la deuxième fois. La première était vraiment bien. C’est marrant parce que tu as tendance à oublier les lieux où tu joues jusqu’à ce que tu y reviennes à nouveau. Là, tu te souviens des loges, de l’escalier, de la cour… Par contre, je me souviens du show! Quelqu’un m’a justement dit qu’il avait bien aimé la première fois, et ça rafraîchit la mémoire. J’aime jouer en France!

Quel est le meilleur pays pour jouer selon toi?

J’adore voyager en Amérique. New York, San Francisco… Mais le meilleur public est en Irlande. C’est vraiment sans prétention, ils n’ont pas peur de montrer qu’ils aiment ce que tu fais. De mon point de vue, le meilleur public, c’est celui qui veut que tu sois bon, et pas l’inverse! C’est difficile de bien jouer quand les spectateurs sont statiques. En fait, tu peux toujours faire la même chose qu’au concert précédent, mais la qualité du show va vraiment dépendre du public.

Parlons maintenant du dernier album de Fujiya & Miyagi, “Ventriloquizzing”, qui démarre sur des sons froids clairement inspirés par Kraftwerk. Tes influences viennent elles principalement d’Allemagne?

Historiquement, je pense qu’on est étiqueté de la sorte, tout le monde nous voit influencés par des groupes allemands comme Can, Neu, Cluster… Je les aime tous. C’est vrai que cette froideur sonne très Kraftwerk mais, en termes de rythmes, on est allé plus loin que notre album “Transparent Things”. Pour parler de la France, mon chanteur préféré est Serge Gainsbourg…

…(en chœur, ndlr) Bien sûr!

Je suis aussi un fan du compositeur américain Terry Riley que j’ai écouté plus que n’importe quel autre ces dernières années. Mais notre son ne vient pas vraiment de là. Je pense que, sur ce disque, nos influences ne sont pas qu’allemandes. On s’est aussi inspiré de groupes comme Suicide ou d’autres trucs électro américains des années 70. Par rapport à nos autres opus, je pense que l’on a fait celui-là sans savoir comment ça allait sonner, c’était naturel. On a fait beaucoup de chansons qui ressemblent de près ou de loin à du Kraftwerk, et fatalement on te compare toujours aux groupes que tu as “utilisé” en premier. Si tu aimes leur son, tu ne peux pas aller à l’encontre de cela, la différence se fait surtout sur le plan mélodique.

Donc tu es anglais, tu aimes la musique française, allemande et américaine, et tu as un nom japonais… Quel est le lien?

Ce nom japonais a été choisi complètement au hasard! Je pense que si on en avait un autre, on serait perçu différemment. Mais une fois que tu as donné un nom, tu es bloqué! Par exemple on aimerait bien s’appeler Microwave Fusion, mais on est Fujiya & Miyagi! C’est lié à l’amour de la musique, de ses différents styles. Par contre je ne suis pas fan des Kinks, ni des grands groupes anglais. Je n’ai jamais été particulièrement intéressé par les Beatles. Je pense qu’ils ont fait de bonnes chansons, mais ça na jamais été mon truc. Pour moi, il n’y pas de limites en termes de musique, je peux écouter de la musique turque sans problème…

Selon toi, quelles sont les principaux changements entre “Ventriloquizzing” et le précédent?

Je pense que le problème entre “Lightbulbs” et “Transparent Things“, c’est qu’ils sont trop similaires étant qu’on a travaillé de la même manière. La vraie différence est entre “Lightbulbs” et “Ventriloquizzing”. Ce dernier est bien plus rempli de mélodies, de couches, de textures… Nous avons travaillé avec un producteur californien, Tom Monahan. Le fait de travailler avec quelqu’un nous a beaucoup aidés, à nous rendre compte de nos défauts d’assemblage par exemple. D’habitude, on se pointait avec nos morceaux en disant “tiens,  voilà la chanson, et c’est comme ça qu’on l’a enregistrée“. Alors que quand tu travailles avec quelqu’un qui a du recul, il est capable de te dire “on va le faire différemment“. La dernière chanson de l’album, “Universe”, était par exemple très différente à la fin en comparaison avec la version de base. Au début, c’était très riche, avec des beats rapides… Tom a proposé de le déshabiller un peu, et c’est devenu une sorte de mantra, une fin d’album, un morceau un peu stone. On a donc appris des manières différentes de travailler. Côté paroles, c’est moins arty je pense. Tout le monde utilise les adjectifs “moody” et “dark” mais c’est à mon avis plus profond. Sur “Lightbulbs”, il n’y avait pas beaucoup de musique en fait, c’était une combinaison de drums, de rythmes et de mots. Un disque plus rythmique que mélodique ou à textes tu vois.

Tu as une façon particulière de chanter, en chuchotant, en hachant bien les mots. Parfois ça me rappelle Serge Gainsbourg ou même Alain Bashung…

Je lisais justement un article sur Alain Bashung il y a peu de temps, à propos d’un disque que Serge à écrit pour lui (il me montre la page web sur son téléphone, ndlr)!

Quelles est la chose la plus importante pour toi. Le sens ou le son des mots?

Je pense que c’est une combinaison. J’essaye de jouer avec les mots et de leur donner un sens en même temps. Et honnêtement, mon style vocal est limité à la base. Je ne sais pas chanter! Je ne l’ai pas choisi, c’est juste que physiquement, je ne peux pas. Quand tu connais tes limites, tu fais avec ce que tu as. Ça ressemble à mes chanteurs favoris comme Damo Suzuki de Can qui chuchote beaucoup, ou Mark E. Smith qui a une voix très singulière. Mais tu peux quand même t’en servir comme d’un instrument, dans la sonorité ou la répétition.

Personnellement la répétition ne me dérange pas. Peu importe si tu dis yoyo cinquante fois dans la chanson, c’est comme une mélodie!

Oui tout à fait, c’est comme un clavier ou une guitare. C’est comme Serge sur “Ford Mustang”, ou ses idées du genre “Shebam, pop, blop, wizzz”! (”Comic Strip”, ndlr). Et pourquoi pas! Toutes les chansons n’ont pas besoin d’être profondes au niveau des textes, de parler d’amour ou de la condition humaine. La preuve, tu peux faire des chansons qui parlent de yoyos! (rires)

En jetant un œil à la discographie de Fujiya & Miyagi, j’ai remarqué que chaque album était sorti sur un label différent…

Oui, je peux même te dire qu’on sort souvent le même album sur trois labels différents dans le monde, et en même temps! (rires) C’est comme vendre un téléphone trois fois, c’est mieux. Et puis c’est difficile de passer par un label anglais et de débarquer aux Etats-Unis pour la première fois. Pour le dernier, c’est Grönland qui s’en est chargé pour l’Europe. Tu sais, on fait toujours des one-album-deals. On enregistre tout nous-mêmes, et on cherche un label après.

Pour le prochain, ça sera donc une autre structure?

Pourquoi pas, mais ça peut être la même, ou ça peut sortir chez nous.

Es tu à la recherche du label parfait?

Quand j’étais gosse, j’achetais souvent des disques parce que ça sortait sur tel ou tel label. J’achetais les sorties de chez Warp, Sub Pop ou 4AD par exemple, des labels qui ont une identité forte. Mais aujourd’hui, notre identité, c’est de tout faire nous-mêmes. Donc je me fous un peu du label sur lequel ça va sortir! Si les gens aiment, ils achèteront. Dans le futur, peut être qu’il n’y aura plus de labels, que les gens achèteront directement à l’artiste…

Peux tu m’en dire plus sur l’artwork? Vous semblez y attacher beaucoup d’importance…

Pour “Ventriloquizzing”, j’ai d’abord pensé à Tadenori Yoko, une artiste des années 60 qui fait des œuvres moitié japonaises-moitié pop-art. Je voulais un truc dans ce genre, qui regroupait les idées de l’album. On a alors cherché des gens susceptibles de travailler sur la pochette. On voulait la faire nous-mêmes, mais ça prend du temps… On a donc demandé à une londonienne et on en est content. Elle a mis des cercles au lieu de mettre nos visages, et on apprécie. Je n’aime pas les disques avec des photos. Beaucoup de groupes font ça, et je trouve que ça enlève tout le mystère. Quand j’achetais des disques de Joy Division, je trouvais ça cool de voir ces pochettes noires et blanches à l’extérieur comme à l’intérieur. Imagine si, en ouvrant le livret, tu voyais des photos du groupe en train de boire des bières. Ca casserait le mythe! On a eu de la chance avec les gens qui ont travaillé sur l’artwork et les vidéos que tu peux voir en concert, avec les marionnettes. C’est important pour nous que les gens puissent regarder la vidéo, puis le batteur, le chanteur, et à nouveau la vidéo… On bouge sur scène, mais ce n’est pas toujours suffisant. On n’est pas Jon Bon Jovi! J’ai toujours en tête des groupes qui ont une identité forte comme Devo ou Kraftwerk.

Parfois vos instrumentations sonnent de manière très cinématographique, un peu comme du John Carpenter…

Oui, on adore John Carpenter!

Etes-vous intéressés par la composition d’une bande originale de film?

Oui, on adorerait! Au départ, Carpenter était une grosse influence, avec des soundtracks comme “Assault On Precinct 13″ ou “Escape From New-York”. On aimerait bien sonoriser ce genre de truc, un film de science-fiction. Mais à partir du moment où il s’agit d’une B.O., ça nous intéresse, ça va plus loin qu’un album. Serge en a fait beaucoup. “Cannabis” et “Anna” font partie de mes albums favoris de Gainsbourg. Ça date de 67/68. “Anna” est génial, il y a la chanson “Boomerang” dessus (il se met à la fredonner avec un grand sourire, ndlr). J’espère que quelqu’un sur cette Terre aime notre musique au point de nous demander un jour de faire la B.O. de son film!

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On va commencer avec l’un des morceaux qui m’a le plus marqué sur l’album: “Crack-Up”. Une chanson de huit minutes bien en dehors des formats pop, avec ses montées acides… D’où vient cet écart purement électro?

Xavier Boyer: C’est sûr que c’est une tendance électro un peu plus marquée sur certains morceaux, mais je pense que c’est quelque chose qu’on a toujours eu depuis les premiers enregistrements. C’était par exemple des choses qu’on faisait en live depuis pas mal de temps, mais qu’on réservait pour les concerts. Sur ce disque, on avait envie de radicaliser le propos. On s’est rendu compte qu’on n’avait jamais fait ce genre de morceau sur un disque, donc c’était un peu un challenge. On a toujours des listes des choses qu’on a faites et qu’on n’a pas faites! Sur “Crack-Up”, on voulait faire un truc épique, une sorte d’extended mix. Dans les disques importants pour nous, il y a toujours un morceau “freak”. Après, on a ressorti des instruments, comme ce clone de TB303. On a laissé libre cours à l’imprévu, c’était spontané! Au départ, c’était un morceau qu’on faisait pour Amnesty International. C’était avant les sessions d’enregistrement de l’album, et on s’est dit que c’était le moment de tenter un truc sur ce morceau-là pour voir si ça allait fonctionner. C’était la première fois qu’on enregistrait avec le nouveau line-up! On a fait la première partie en une prise, le reste c’était plus du bidouillage ou du découpage. Mais on n’a pas réfléchi…

OK, ça n’était donc pas quelque chose de prémédité…

Non, il y avait une envie de changer un peu la routine de Tahiti 80, et de faire ce morceau dansant avec cette TB, déconstruit, plein de cassures. D’habitude ce qu’on fait, c’est très écrit. Ce n’était pas un pied de nez, mais une volonté de changement.

Tu parles de nouveau line-up… Qui sont les nouveaux?

Il y a Raphaël et Julien qui ont officiellement intégré le groupe. C’était des collaborateurs depuis quelques années. Raphaël nous a rejoint en 2003 en tant que musicien additionnel et, depuis “Activity Center”, Julien a remplacé notre batteur originel - Sylvain - qui ne peut plus jouer de batterie car il a des soucis d’oreille. Néanmoins, il fait toujours partie du groupe en tant que compositeur. C’est donc le premier disque où on leur demande plus que d’être avec nous sur scène. On sortait d’une tournée pour “Activity Center” où on avait tissé des liens, donc c’était quelque chose de naturel au final. Il y avait aussi le souci de renouveler un peu l’esprit du groupe: au bout d’un moment, on s’habitue, et c’est toujours un peu le piège de trouver une formule qui fonctionne très bien… J’ai l’impression que ça n’est pas la meilleure chose pour continuer d’être pertinent. On savait aussi que ça allait apporter de nouvelles idées, un nouvel équilibre dans le groupe.

Sur l’album, il y a des morceaux joyeux, et à l’inverse des choses plus dark ou plus psychés, comme “Defender”. Vois-tu ce nouvel album comme un virage ou comme la continuité du son Tahiti 80?

Je sais pas si c’est un virage. J’ai l’impression que quelque part, dès le premier album, on commence à poser les bases d’un son. Ces bases-là n’ont pas totalement changé, on est toujours dans une recherche mélodique, harmonique. Il y a ma voix qui est toujours au centre, qu’il est difficile de mettre en dessous car elle ressort, et il y a un côté assez léger dans Tahiti 80. Pour faire un album, on se base sur ce qu’on a fait avant et sur des instincts, des envies. Sur celui-là, il y avait plein de choses qui entraient en compte. C’est le cinquième disque, on a vieilli, on a mûri… On pense à des choses auxquelles on ne pensait pas il y a dix ans, comme la mortalité! Il y a aussi un contexte social, ou tout simplement musical, qui a changé. On a presque l’impression que le côté champagne du music-business commence à s’évaporer, et qu’il y a quelque chose de nouveau, difficile à appréhender pour un groupe. Par exemple, tu ne sais plus comment tu dois vendre ta musique. Ce sont des choses qui ont affecté un peu le processus et notre état d’esprit au moment de faire ce disque. Je ne pense pas qu’on ait la même légèreté qu’on avait sur le premier album, on a quand même gagné en expérience. Cette noirceur est un peu liée à tous ces facteurs… C’est vrai qu’il y a certains morceaux qui reflètent ce truc là! Cela dit, il y a des morceaux légers aussi, ce n’est pas un album de new-wave ou de gothique hyper dark! Ca reste de la pop, c’est quelque chose qu’on revendique depuis le début, et on n’a pas encore l’impression d’avoir fait le tour. On cherche toujours à écrire la pop-song parfaite!

Bonne transition avec le titre de l’album - “The Past, The Present & The Possible” - qui résume à mon avis tout ce que tu viens de me dire. Un regard sur le passé, la musique d’aujourd’hui, et ce qu’il est encore possible de faire en termes de pop music…

Oui! Dans le studio, on a mis pas mal d’objets, de livres, de disques. J’achète souvent des bouquins que je ne garde pas chez moi, je sais que c’est des livres de studio où il y a souvent du temps à perdre quand on est en train de régler un son. J’avais acheté ce bouquin d’un designer, Barney Bubbles, où il y avait cette préface qui parlait de lui. Il disait que son travail incarnait les trois piliers du post-modernisme qui sont le passé, le présent et le possible. C’est à dire qu’en gros, tout ce qu’on fait, on le conçoit à partir d’influences, de références, mais on essaye de l’ancrer dans le monde d’aujourd’hui. Et ce qui en ressort, c’est l’interprétation de ces deux temps. Le possible ouvre sur quelque chose de positif et de très poétique, et j’ai tout de suite fait le rapprochement avec notre façon de travailler. On a toujours revendiqué un héritage des années 60 à 90, très large, et on essaye en même temps de marier cette sensibilité pop avec des montées acides comme sur “Crack-Up”… Ca semblait bien résumer notre approche de la musique, donc on l’a gardé. C’était assez joli avec ces trois “P”, assez épique avec juste ce qu’il fallait de prétentieux. On se l’est vite approprié! Le morceau éponyme ne s’appelait pas du tout comme ça au début. Il est fait en trois parties distinctes, donc c’était d’autant plus cohérent avec notre démarche artistique.

Et cette troisième partie, ce “possible”, où ça va nous mener? As-tu une idée de ce à quoi ressemblera le sixième album?

On a déjà vachement commencé à réfléchir. La vraie question c’est: est–ce que ça sera vraiment un album? On se rend compte qu’il y a un peu une désaffection de ces formats. Personnellement, j’adore écouter des disques du début à la fin, mais c’est vrai qu’on a beaucoup évolué dans la façon d’écouter avec des iPods en mode shuffle! On n’écoute quasiment plus les albums comme ils ont été pensés au départ. J’ai l’impression que ça paraît difficile de concevoir la musique pour nous dans un futur proche, donc ça peut être intéressant de travailler sur des formats courts, différents les uns des autres, puis compiler ces EPs. Je le vois plutôt comme ça au lieu d’un sixième album. Mais on a déjà commencé à travailler les morceaux et il y a des nouveautés. Notre guitariste commence à écrire plus, et il y a quelque chose qui se dégage de ces chansons qui n’est pas forcément la même chose que ce que je fais habituellement. Je pense que le résultat sera plus hétérogène. C’est une évolution logique, et ça va être intéressant d’avoir quelque chose de plus éclaté. C’est excitant parce que c’est nouveau, et c’est ce qu’on recherche pour continuer à s’amuser.

Il y a quelque chose de surprenant avec Tahiti 80, c’est ce succès au Japon. Comment l’expliques-tu?

(il souffle) Je ne sais pas, j’ai parfois essayé de l’expliquer, mais je ne sais pas trop. Je pense qu’il y a un facteur chance. C’est difficile d’expliquer cette popularité. Mais en fait, il y a un morceau qui s’appelle “Heartbeat” qui a eu un impact mondial. C’est ce qui nous a fait connaître aux Etats-Unis: on y jouait dans des endroits où les salles étaient remplies, c’était complètement hallucinant! On débarquait, c’était notre première tournée, et on jouait à New-York. C’était complet, on nous a même demandé de revenir trois mois plus tard. Au Japon, ça a été plus marqué. Le morceau a franchi un cap, ça a été diffusé sur les grosses radios. On a mis le pied dans la porte, sans la laisser se refermer, et on a continué à écrire des morceaux qui ont eu un écho là-bas, sans du tout les écrire pour le marché japonais! Le succès ne s’est pas démenti, et le déséquilibre est resté un peu le même. On a une base de fans assez large dans le monde qui nous permet de jouer un peu partout. Ce mois-ci, c’est assez rigolo, on a commencé par Paris, là on joue à Tourcoing, la semaine prochaine on est à Barcelone, et après on finit en Indonésie, puis on enchaîne par une tournée allemande. Donc on a ce truc cosmopolite qui est toujours marqué mais il y a des pays où notre succès est plus important. Il y a des pays où on est indé, d’autres où on est un peu culte ou mainstream. Par exemple en Asie, il y a une demande importante. C’est étonnant pour nous d’aller jouer souvent en Thaïlande. On joue devant des gens qui connaissent toutes les paroles! A mon avis, ça ne se traduit pas forcément en ventes de disques là-bas mais il y a une vraie reconnaissance. Pour le Japon, c’est difficile d’en parler car c’est à double-tranchant pour nous. C’est vachement limitant, on nous le ressort souvent…

Oui, c’est ce qu’on lit partout! Big in Japan!

Oui voila, ça permet aux gens de nous ranger dans une case. Là, on a parlé de musique donc c’est cool, mais parfois on se retrouve à ne parler que de ça… Mais bon, c’est un fait, on en est hyper-fiers. Ça fait partie de l’histoire du groupe. C’est grâce à ça qu’on a cette liberté artistique, qu’on a pu investir dans un studio et faire plein de choses. Mais au bout d’un moment, ça devient caricatural quand on parle de nous. Au bout de dix ans et plein d’albums, c’est toujours la même image.

Ma question n’est pas innocente et débouche sur une autre… Pourquoi vous n’avez pas un tel succès en France? Il y a quand même des morceaux très accessibles qui pourraient faire un carton!

On joue parfois dans des endroits où les gens ne nous connaissent pas, et ils sont quand même super réceptifs. Par exemple, cet après-midi, on jouait à la Fnac au forum. A mon avis, il y a beaucoup de gens qui viennent en se disant “tiens, il y a un concert, on va voir?“. Il y a aussi des fans qui viennent pour voir un truc différent du concert de ce soir. Mais il y a quelque chose d’instantané où tu vois des gens qui reviennent après être allé acheter le disque. Je ne sais pas, c’est peut être un problème lié à la perception que les gens ou que les médias ont de notre musique, tu vois. En ce moment, il y a Phoenix qui passe à la radio, mais le gros défaut des radios françaises est qu’elles passent un titre jusqu’à l’user, et vont en chercher un autre dans la même veine juste après. Par exemple, des mecs comme Pony Pony Run Run ont vécu ce truc-là. Il y a eu un engouement sur leur morceau, chaque radio a écouté ce que faisait le voisin, et il y a eu un moment de chance aussi pour eux de pouvoir rentrer sur ces playlists. Après, les radios ont commencé à chercher quelqu’un qui pourrait les remplacer… Je pense qu’il y a quelque chose de très immobiliste en France. Les gens attendent de voir ce qu’il se passe chez le voisin pour bouger. C’est typique. On n’a jamais joué un jeu très médiatique non plus, toujours à se concentrer sur la musique, à ne pas être souvent là parce qu’on jouait à l’étranger. Les gens ont du mal à nous cerner aussi, je pense que c’est l’une des raisons.

Est-ce que c’est mieux comme ça?

Ce n’est pas un mal en tous cas. Mais c’est vrai que, quand on voit ce qui se passe à la radio, et le niveau de certains groupes, c’est sûr qu’on pourrait forcément revendiquer une place. Pour l’instant, on n’est pas encore rancunier ni amer, mais ça se passera peut être sur un morceau, au moment où on s’y attendra le moins!

Vu ce qui passe à la radio, ce n’est pas forcément glorieux…

C’est vrai, mais si les gens entendent un truc qui a été fait avec un certain respect de l’auditeur, avec une certaine démarche artistique,  et qu’au milieu de douze merdes, il y a un truc chouette qui sort, ça peut être une bonne chose! Il y a quand même des morceaux sympas à la radio, et c’est des chansons qui peuvent stimuler les gens. Depuis le début, on joue le jeu de la pop music, on écrit des morceaux avec des mélodies, des chansons que les gens puissent siffloter. Après, il y a une certaine profondeur dans les textes, et si on analyse les paroles ou la musique, il y a quelque chose qu’on essaye de faire passer. J’ai parfois l’impression que c’est une machine à sou: tu mets de l’argent, tu continues, et à un moment imprévu c’est le jackpot! En espérant que ce soit toi qui le récupère, pas le voisin (rires).

Vous avez créé votre propre label, Human Sounds. Est-ce que c’était dangereux de rester sur une grosse maison de disques?

C’était dangereux pour nous, clairement, parce que nos intérêts ne sont pas les mêmes. Les gens de Barclay sont des professionnels qui nous ont bien encadrés, mais ils bossent pour une multinationale… Qui est Barclay pour pouvoir imposer Tahiti 80 à Universal USA, Universal Angleterre alors que les mecs croulent déjà sous tous les projets? On a été transféré chez eux, parce qu’on était au départ chez Atmosphérique qui a été racheté par Universal. Donc on a été transféré à l’intersaison, comme au foot! L’album “Activity Center”, on n’arrivait pas à le sortir aux Etats-Unis ni en Angleterre. On a rencontré un gars en Angleterre qui nous a dit: “Moi, je vous en achète quelques-uns, mais je vends à la communauté française. Je commande 500 Florent Pagny et je sais que je vais les vendre!“. Oui, mais nous avant, sur notre ancien label, on a été dans le top ten des albums de l’année sur Uncut, on a eu des supers chroniques dans Mojo ou NME… Et le mec nous a répondu que c’était pas son truc, qu’il ne s’occupait pas de ça. C’est complètement débile! C’est se tirer une balle dans la jambe! Même si on n’a pas réellement l’expérience d’un label, on sait comment ça fonctionne, et on saura mieux l’adapter au profil du groupe. Tu vois, notre dernier album est sorti mondialement en digital, et en sortie physique dans les plus gros pays. Et ça, une grosse maison de disques comme Universal ne pouvait pas nous le faire. Il ne s’agit pas de contrôle artistique, personne ne nous a jamais mis un flingue sur la tête en disant “écoute, là il faut que tu changes le refrain, c’est pas assez bon“. On a toujours eu de bonnes relations avec ces structures qui prennent des risques financiers et qui te donnent de bonnes conditions pour travailler. On a aussi quitté un certain confort pour être maintenant responsables de tout. Si ça marche, c’est bien pour nous, et si ça ne marche pas, c’est directement de notre faute à tous niveaux! Mais ça n’est pas non plus comme si c’était une nouveauté. Une grande partie des groupes revient à l’autoproduction, sous une nouvelle forme. Radiohead par exemple, ça fait déjà quelques temps qu’ils ont quitté EMI et qu’ils font leur truc.

Oui mais ils s’appellent Radiohead!

Oui, c’est vrai, ils peuvent relancer la machine, arriver avec un énorme concept du genre “l’album est annoncé samedi, mais il sortira vendredi”! On arrive peut être à un truc un peu ridicule… Le gros problème, c’est que personne ne sait comment faire pour vendre des disques. Le label, ça permet au moins d’être le maître à bord.

Human Sounds, c’est en rapport avec “Pet Sounds” des Beach Boys?

Oui, tout à fait. J’aime bien les noms de labels qui font référence à un truc. “Pet Sounds”, c’est un disque que j’ai toujours adoré. Et sur “Activity Center”, dans les crédits, j’avais mis “Human and non-human sounds made with love by Tahiti 80“. Donc, c’était une façon de changer un peu. Et c’est resté! En plus, avec cette dimension un peu artisanale, de faire nous-mêmes nos éditions limitées dans notre studio, de mettre les disques dans les cartons, les cartes postales dans les enveloppes, il y a ce côté humain qui a un sens. C’était un petit clin d’œil, en plus de cette référence aux Beach Boys qui ne gâche rien!

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Vous jouez pour la première fois en France ces jours-ci. Comment vous présenteriez-vous au public français qui ne vous connait pas beaucoup encore?

Nous sommes cinq mecs de Valence, en Espagne, et on joue des chansons pop-rock.

Cela vous dérange t-il, ou trouvez-vous injustifié, que l’on vous compare constamment à Phoenix?

Que l’on nous compare à un groupe aussi important que Phoenix, c’est plutôt positif pour nous. Ce n’est vraiment pas dérangeant et, quelque part, ça doit certainement signifier qu’on a fait du bon boulot… Les gens ont toujours tendance à chercher des références lorsqu’ils entendent des chansons de nouveaux groupes. C’est inévitable. La comparaison avec eux est donc plus un honneur qu’autre chose, d’autant que c’est un des groupes les plus intéressants à l’heure actuelle. On les aime beaucoup, et on a même eu l’occasion de les rencontrer lors de l’enregistrement de notre disque à Berlin.

Justement, vous avez passé deux mois à Berlin pour y enregistrer ce premier album. Pourquoi cette ville? A t-elle eu une certaine influence sur la composition en studio, ou sur l’enregistrement?

Berlin est une ville qui nous attirait tous beaucoup. En plus, le studio d’enregistrement de notre producteur Berend Intelmann, avec qui étions en contact durant un an avant l’enregistrement, est là-bas. Nous voulions également nous déconnecter de tout, nous concentrer 24 heures par jour sur l’album. Il était donc nécessaire de bouger. Nous avons passé deux longs mois à vivre ensemble dans la même maison, et ça été une expérience formidable pour tout le monde.

Vous étiez vous fixés un objectif au moment de la sortie de “Getting Down From The Trees”?

Les objectifs ont toujours été en rapport direct avec la musique: faire un bon disque, partir en tournée pour le presenter de la manière la plus fidèle possible. Nous n’aurions donc pas pu imaginer que le disque sorte très rapidement au Japon, en Angleterre, aux USA, etc… Vu que c’est notre premier, on était un peu sur le cul au départ. Mais on est super contents de tout ce qui s’est passé. C’était assez inattendu, mais vraiment cool.

En tout juste deux ans, il vous est effectivement arrivé pas mal de trucs, certaines choses que des groupes attendent parfois toute une vie: une première partie de Franz Ferdinand en live sur MTV, un premier album très bien reçu par la critique, non seulement dans votre pays d’origine, mais aussi en Angleterre, aux Etats-Unis… Une tournée à l’appui dans ces pays … Tout a été très vite pour vous non? Pensez vous que c’est la juste récompense du temps pris pour bien préparer cet album?

Avant d’arriver à tout ça, on a tourné non-stop pendant deux ans dans toute l’Espagne, où parfois on jouait devant 13 personnes… C’est clair, les deux dernières années ont été plus qu’intenses pour nous, et la patience a sûrement été la clé de cette progression. Tu as raison, même si l’important au final, ce sont les chansons. Sans bonnes compositions, la patience peut seulement t’aider à passer le temps…

Quand tout va si vite, avez-vous vraiment le temps d’assimiler ce qui se passe? Passer de répéter dans un local de Godella, à jouer au festival SXSW en un peu moins de deux ans, peut en déconcerter plus d’un…

Nous sommes très à l’aise avec tout cela. On a les pieds sur Terre. Finalement, on se rend compte que l’on ne donne pas autant d’importance que ça à tout ce qui nous arrive. On le vit de manière plutôt détendue, c’est tout. On a tendance à assimiler après coup. On profite un maximum du moment présent. Un évènement comme le SXSW, si tu réfléchis, tu ne t’amuses pas… On a le temps d’y repenser une fois qu’on rentre se poser, qu’on a le temps de regarder un peu en arrière. Tout est positif jusque-là.

D’ailleurs, pouvez-vous nous dire maintenant comment vous avez vécu cette expérience du SXSW? Beaucoup pensent que, bien qu’il soit le plus grand rassemblement de l’industrie de la musique à travers le monde, les groupes finissent par jouer devant des gens qui les connaissent déjà. Avez-vous pu ressortir quelque chose de vraiment concret de cet évènement, en dehors de l’expérience incroyable que cela peut représenter pour un musicien?

Au contraire, c’est une belle occasion pour nous de rencontrer des gens qui nous voient pour la première fois: soit parce qu’ils ont entendu parler un peu du groupe, soit par un total hasard. C’est un truc plutôt magique. Là bas, il y a tellement de musique en live partout, que tu te retrouves souvent bouche bée devant un groupe dont tu n’avais jamais entendu parler. L’offre monstrueuse et de qualité, c’est tout le charme de ce festival. Au niveau du groupe, nous avons été surpris par l’affluence vraiment cool à nos concerts.

Entre concerts et promo, il y a beaucoup de temps morts. Vous les consacrez à quoi? Vous planchez déjà sur ce que pourrait être un début de deuxième album?

Nous sommes constamment en activité. Quand on ne se prépare pas pour un concert, on enregistre dans le home-studio de Pau. Il vient d’ailleurs d’y enregistrer une bande originale pour un court métrage. On adore aussi le cinéma: on y va beaucoup, et on passe beaucoup de temps à en parler ensuite… Le prochain album, c’est quelque chose que nous avons déjà beaucoup à l’esprit. On en a déjà beaucoup parlé, il y a pas mal d’idées, mais on veut bien le préparer.

C’est une approche stéréotypée, mais il est vrai que le deuxième album n’est jamais facile. Comment voyez-vous cette prochaine étape?

C’est un moment très spécial pour nous, on arrête pas d’y penser. Mais pour être sincère, on a confiance en nous et en nos capacités à faire du bon boulot. Évidemment, c’est une étape importante.

Pensez-vous que vous devriez profiter de votre médiatisation actuelle pour enchainer rapidement sur quelque chose de nouveau? C’est plutôt tentant non?

Franchement, on ne pense pas comme ça. On profite plutôt de tout ce qui s’est passé. On est en pleine tournée, on revient de trois grosses semaines en Angleterre, et on va faire pas mal de festivals cet été un peu partout. Chaque chose en son temps, on ne veut pas bousculer ce qui est déjà prévu, juste pour profiter de cette bonne passe que l’on traverse actuellement. Dans quelques mois, on te dira peut être que l’on s’est trompé. Mais au final, ce qui compte toujours, ce sont les chansons, pas le moment de leur publication. Si les chansons sont bonnes, le public sera de nouveau au rendez-vous.

Vous êtes maintenant un exemple pour la scène alternative en Espagne, la preuve qu’il est possible pour un groupe espagnol d’avoir du succès au delà de ses frontières. De toute évidence, le fait de chanter en anglais vous a pas mal aidé. C’était un choix incontestable dès vos débuts?

Lorsque nous nous réunissons pour composer, on ne se pose jamais cette question. C’est complètement naturel pour nous d’écrire en anglais. Nos groupes préférés chantent dans cette langue, et quand tu commences à jouer dans un groupe, tu veux toujours un peu imiter tes idoles. Pour nous, le rock n’existe que dans une seule langue, l’anglais. Et puis, c’est clair qu’il est très compliqué de percer dans le monde du rock en chantant en espagnol. Mais ce n’est pas quelque chose qui était calculé dès le début. Comme je t’ai dis, on voulait sortir un disque et tourner. Le reste, ça nous est arrivé grâce au bon taf de notre manager, de notre maison de disque, et sûrement grâce aux bonnes chansons. On en revient toujours au même. Chanter en anglais, c’est certainement un avantage, mais des millions de groupes chantent en anglais. C’est pas si simple de percer au milieu de tant de groupes, le niveau est très élevé.

Quand vous lisez que, selon The Fader (US) et Dazed and Confused (Royaume-Uni), vous êtes le groupe espagnol sur lequel il faut compter en ce moment; que selon Les Inrocks, “la meilleure chanson pop britannique du moment vient d’Espagne”; que pour Loaded, “ce disque serait un classique indie s’il avait été écrit par un groupe anglais”… Ca donne le vertige non? Ça met la pression pour la suite ou, au contraire, c’est juste une récompense du boulot bien fait, des encouragements pour la suite?

Je ne vais pas te cacher que ça impressionne pas mal de lire ce genre de trucs sur ton groupe. Mais surtout, ça nous pousse à en profiter, et à continuer en pensant aux prochaines étapes.

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Quelle a été la genèse du groupe, comment Two Left Ears a commencé?

MD: A la base, Mathieu et moi on s’est rencontré par la musique. Il faisait des prods plutôt hip-hop, mais on sentait tout un tas d’influences et une volonté d’aller y chercher des choses un peu différentes. Moi, c’était ma culture musicale aussi, même si je faisais partie d’autres projets qui n’avaient pas forcément grand chose à voir avec le hip-hop. Ça s’est passé naturellement, Mat avait besoin de matière acoustique, organique, instrumentale pour enrichir ses productions, et j’ai commencé à poser des basses. Le projet est véritablement né de ça. Avant Two Left Ears, on avait un projet qui s’appelait Three Little Points, beaucoup plus axé hip-hop. Ca a été la première graine plantée dans le sol, qui nous a permis d’évoluer vers Two Left Ears. Je dirais qu’il y a eu une progression parallèle. Lui a progressé dans sa façon de travailler ses prods, de rechercher de nouveaux sons, et de mon côté c’était pareil. On a toujours essayé d’entretenir cette interaction qui consiste à dire “tiens, t’en es où? Ah c’est intéressant, ça coïncide avec des choses que j’aimerais mettre en place en tant qu’instrumentiste!“. C’est la rencontre de deux histoires, celle d’un producteur et celle d’un instrumentiste.

Et ensuite, vous avez recruté, le groupe s’est élargi?

On a recruté au gré du hasard dans un premier temps. On s’est demandé ce qui pourrait intervenir en supplément par rapport à la musique qu’on produisait. Et avec la perspective de l’album, on s’est demandé si on pouvait s’en sortir à deux, ou s’il n’y avait pas besoin d’un truc en plus qui pourrait être intéressant. Il s’est passé deux choses: il y a eu la rencontre avec un batteur, Pierre, qui a fait une date avec nous à la Malterie à Lille. Il nous avait prévenu que c’était pour donner de la matière à notre projet ponctuellement, et qu’il ne pourrait pas assumer une vie de groupe avec nous à cause de son emploi du temps. C’est le batteur de Brisa Roché, il avait tout un tas d’activités à côté. En tous cas, il a apporté sa pierre à l’édifice. Et juste avant, il y a eu Asako qui est en fait l’épouse de notre VJ! C’est un peu une histoire de famille! Le VJ étant le colocataire de Mathieu, Asako vivant avec eux. Je suis le seul à être à Lille, eux sont à Paris. Je pense que ce projet a un pouvoir d’attraction, et ça a marché pour moi en premier, puis Asako, Pierre et Max à la vidéo qui a vraiment adopté une démarche de musicien. Il a un concept qui est un peu complexe à expliquer mais qui n’est pas du tout du genre “je pose un écran, je passe des images et j’attends que ça passe”… Non, il joue véritablement, il sample ses vidéos comme Mathieu peut sampler des sons et les déclencher en temps réel. C’est la même dynamique, rien n’est automatisé, tout est joué. C’est finalement une rencontre entre, d’une part des êtres humains, mais aussi deux univers, le côté organique et le côté électronique. On essaye au maximum de donner une cohésion à l’ensemble et de s’interpréter l’un l’autre.
MA: C’est bien dit!

Vous pensez être arrivés à une configuration définitive, ou est ce que Two Left Ears est encore susceptible de s’agrandir?

A la base, on est parti de Three Little Points, on était trois. Ensuite j’ai créé Two Left Ears, c’était mon projet solo. Je me suis mis avec Mat, et on a commencé à avoir pas mal de musiciens autour. Par exemple, avec la chanteuse Asako, on lui envoyait des fichiers à New York, elle nous renvoyait ce qu’elle faisait, et c’est comme ça qu’ont été créés les morceaux avec elle sur l’album.  Après, on a eu plein de possibilités niveau instrument, mais à mon sens, c’était assez complexe dans le sens où j’avais composé la musique seul, je la trouvais assez riche, et du coup il fallait soustraire pas mal de choses et faire un gros travail en live pour pouvoir laisser de la place aux musiciens. On a donc essayé de limiter la chose. A un moment, on s’est retrouvé à quatre musiciens + un VJ et, aujourd’hui, on est revenu au noyau de base. Comme on habite à des endroits différents, c’est pas facile. Asako vient en featuring, mais le nerf de la guerre c’est contrebasse et machines! A la base, je faisais de l’électro par simplicité, se lever le matin, commencer une production sans avoir de local où aller. C’est vrai qu’en habitant à Lille et à Paris, c’est pas évident de travailler. On a eu des options de violoncelliste ou autres instrumentistes qui étaient très bons, mais ça n’est pas qu’une question de qualité et de virtuosité, c’est aussi l’énergie qu’ils peuvent mettre dans le projet.
MD: Et on a encore plein de choses à explorer à travers cette configuration. Chaque fois que Mat m’envoie un brouillon, je me dis “super, un truc nouveau qui va me permettre aussi de faire un truc nouveau par rapport à mes habitudes“. Il y a donc une émulation qui fonctionne bien entre nous deux, et on a envie de garder cette dynamique. En plus de ça, c’est bien de pouvoir développer et diffuser le projet de façon physique. Par exemple, on a pas mal de dates dans notre agenda, on part en Suisse pour l’Electron Festival, où on va ouvrir pour Luke Vibert et Cut Chemist! C’est une très belle date, mais ça implique une certaine contrainte logistique. Tu vois, une contrebasse, c’est chouette mais ça prend de la place! Ce que je veux dire, c’est que l’équilibre qu’on essaye de trouver dans la musique, on fait le maximum pour l’appliquer au fonctionnement du groupe. Dans ce format, on sait que l’on peut facilement aller exporter notre musique.
MA: J’ai aussi ce côté solo, autiste, qui fait qu’enlever des choses pour le live, c’est très dur. Tu vois, notre premier et seul album est pas mal bossé à partir de vieux morceaux qui ont 2-3 ans, qui n’étaient même pas sous le même nom de projet. Du coup, Mat devait rejouer mes basses, et c’était déjà compliqué au niveau organisation de soustraire des choses dans la musique. Il y a des morceaux sans contrebasse, mais dans ce qui va sortir prochainement, on va s’intégrer à deux complètement dans le projet.
MD: En plus, Mat a une approche de la musique que j’aime bien. C’est pas simplement des notes, ce sont des textures, des images, des histoires…. Il y a aussi tout un champ lexical. Mat lit beaucoup, c’est quelqu’un qui écrit très bien…

MA: A la base, je ne suis pas musicien du tout, j’ai les oreilles un peu branques. Au début, je faisais des grosses fautes au niveau harmonique. D’où le nom Two Left Ears! En fait, je chope de la matière, je compose une sorte d’histoire, et je vois si ça sonne ou pas… Mais je ne sais aucunement quel est le ton et je m’en fous! Mais ça crée un décalage qui peut être intéressant avec quelqu’un qui a une culture musicale complexe.
MD: Comme moi. C’est la rencontre de deux écoles qui trouvent un dénominateur commun dans cette musique. Il y a une part d’humain, et il y a aussi la chance! Je viens de l’école de la gamme, et Mat vient de l’école de la texture.
MA: Parfois, je prends un sample d’origine qui m’intéresse, et je vais tout composer autour, m’en servir comme un ton. D’autres fois, ça peut être complètement à côté de la plaque et poser problème au niveau harmonique par rapport à un musicien. Mais je ne me dis jamais “je vais commencer en mineur!“.  Je m’en fous. Je connais un minimum les écarts de ton, les conneries comme ça mais… ça ne m’intéresse pas! (rires)
MD: Moi par contre ça m’intéresse beaucoup le fait que ça l’intéresse pas! Ca me pousse dans mes retranchements, comme le fait d’avoir des rythmiques qui ne soient pas “droites”. Pour moi, c’est une vraie contrainte, mais je me nourris de ça pour faire évoluer mon jeu et ma faculté à pouvoir envisager la musique d’une autre façon. Avoir une autre vision de ce que peut être une rythmique, une harmonie, et même si elle n’est pas en la 440, c’en est une quand même! Un son, ça reste une note, même si elle n’est pas sur mon standard, il va falloir que je m’adapte et ça me fait vachement progresser.
MA: En fait je suis un branleur, je change jamais, je ne me mets jamais en la 440, c’est toujours lui qui s’adapte!

Mais vous n’avez rien à voir entre vous en fait!

MD: D’une certaine façon oui, et à la fois énormément.
MA: On s’appelle Mathieu! (rires)

Mais c’est le seul point commun on dirait!

MD: Disons que ça commence par là!

Votre album “Lazy Trace” est disponible en téléchargement sur votre site, à prix libre. Est ce que vous croyez à l’ère digitale, à l’abandon du format physique?

Je pense que la musique n’est pas quelque chose de figé. A chaque évolution, les lieux d’écoute et de diffusion évoluent en parallèle. Et ce format numérique, c’est un peu l’opéra mondial où chacun a un accès libre. De ce point de vue, je trouve ça vraiment intéressant. Si on avait vécu dans les années 60 en faisant une musique dans le même état d’esprit, on n’aurait peut être pas réussi à la faire écouter. Honnêtement, je fais de la musique pour la faire écouter!
Vianney (Laybell, label du groupe): Une petite parenthèse par rapport à la politique de Laybell, cette question de distribution digitale et de prix libre… Au jour d’aujourd’hui, il y a très peu de gens qui achètent des mp3. Par exemple, j’écoute l’album de David Bowie qui a leaké sur The Pirate Bay. Clairement, il y a une énorme masse - 80-90% des gens qui téléchargent la musique illégalement, et une part minime de gens qui vont sur iTunes pour acheter des mp3 à prix d’or - qui va le mettre sur son joli iPod. Nous, avec Laybell, on ne va pas chercher ces gens-là. L’objectif premier, la raison d’être, c’est d’être écouté. A partir de là, c’est évident qu’on va mettre la musique en téléchargement libre, et bien entendu on laisse l’option à ceux qui le veulent de faire un don.
MD: J’ai un exemple pour “Lazy Trace”. On a donc diffusé le son de façon numérique et, un jour, on reçoit un mail d’un japonais qui nous dit “j’adore, envoyez moi des disques, je les vends!“. Et on en a vendu combien?
Vianney: En tous cas, on en a vendu beaucoup plus que si on avait fait top albums iTunes pendant une semaine…
MD: Donc oui, je suis pour. A notre échelle, ça a véritablement marché. Ça a aussi marché avec d’autres groupes. Ça ne nous a pas permis de vendre de la matière physique à l’étranger, mais j’ai un groupe de métal, et on part jouer en Inde, au Népal et au Bangladesh! Je pense qu’il nous manque aussi du recul par rapport à ça. Par exemple, si tu prends le vinyl qui a été décrié dans les années 80, tu prends 15 ans de recul et le vinyl est revenu. Là où je veux en venir, c’est que ça participe à l’évolution de la musique. Ça multiplie l’offre parce que tout le monde peut devenir son propre producteur et distribuer sa musique librement, mais ça augmente aussi la demande. Et plus il y a de gens qui écoutent de la musique, plus le monde va dans le bon sens!

MA: Entre parenthèses, je suis plutôt contre… (rires). Je suis contre dans le sens où j’aime bien l’objet, et c’est ce qui reste. Internet, c’est éphémère, c’est quelque chose qui vient appuyer le matériel. J’aime bien avoir un bel objet chez moi, le poser à un endroit, avoir un rappel physique par rapport à ça. C’est super important. Avant, ça m’arrivait de télécharger énormément, je stockais tout ça sur mon disque dur, et finalement je trouvais ça complètement abstrait. C’est un bureau que j’arrive pas à ranger. Déjà que je range pas mon bureau physique… Je ne suis pas collectionneur. Par contre, j’achète beaucoup de vinyls, ça laisse une vraie trace. Mais internet s’est imposé à nous tu vois. On sort un premier album, et on est totalement inconnu. Donc il y a eu ce genre de com faite sur internet avant la sortie en mai 2010, et il y a vraiment eu peu de retour. Envoyer des liens à des mecs qui gèrent un webzine ou un label, ça passe souvent à la trappe. Et quand on a sorti l’album physique, Vianney a commencé à envoyer des cds à des gens, et on a vu la différence! On n’a pas sorti un bel objet pour une question de moyens. Ca reste un objet promotionnel, mais c’est super important. Plus tard, je serai plus du genre à sortir de beaux vinyls avec une belle pochette. Pour moi, internet n’est viable que pour appuyer une com. Et si j’avais eu les moyens, j’aurais sorti un super bel objet pour le premier album. A la place de recevoir 50 newsletters par jour, c’est quand même mieux de recevoir un paquet avec le cd que t’as envie de foutre dans ta chaîne… Mais là, comme on n’est pas connu, on n’a pas la machine de guerre derrière, donc on n’avait pas trop le choix au départ. Mais c’est quelque chose que j’aimerais faire évoluer dans le futur.
MD:  C’est un outil, mais pas une solution, ni une finalité en soi. Il y a aussi un côté intrusif avec internet qui peut être dérangeant. Ce sont des choses qui viennent vers toi sans que tu ailles vers elles. Parfois, tu n’as plus cette liberté de choisir d’écouter ce que tu veux. Je le vois à titre personnel, et je suis sûr que pour plein de gens sur Terre c’est comme ça; tu vas recevoir 30 mails, et t’as peut être pas envie de tous les ouvrir, mais il y a quelque chose en toi qui te dit que t’es quand même obligé.

Si je l’ouvre pas, je passe peut être à côté d’un truc énorme…

C’est exactement ça. Et il y a aussi le fait que la musique, c’est du temps, et internet a la fâcheuse tendance de t’imposer son propre temps. Et dans ce sens là, ça peut aller à l’encontre du principe même de la musique.

Je vous ai vus pour la première fois à la Malterie à Lille…

MD: Notre première date!

Depuis, vous avez parcouru du chemin avec un album, pas mal de concerts, des premières parties comme Gold Panda, vous allez faire The Books, Vibert, Cut Chemist. Ces artistes sont ils des influences pour vous? Le fait d’en assurer la première partie peut elle changer votre approche du live?

MD: Changer l’approche du live non, car je pense que c’est propre à chacun. C’est comme choisir de mettre des baskets ou des chaussures. Dans quoi on se sentira le plus à l’aise? Un mec comme Cut Chemist, c’est un rêve de gosse. C’est Jurassic 5, le hip-hop West Coast que j’ai écouté. C’est une partie de mon histoire qui m’a amenée à faire ce que je fais aujourd’hui. C’est génial de se dire “j’en ai rêvé, et maintenant je le vis!“. Ca donne une certaine énergie, c’est une expérience motivante. C’est dur d’être musicien et d’en vivre de nos jours! Ça prend du temps, tu ne peux pas te limiter qu’à ça… Et ce type d’expérience, ça te rappelle pourquoi tu l’as fait au départ. Ça me rappelle pourquoi j’ai tanné mon père il y a quinze ans pour faire de la musique! C’est de la matière à rêver pour la suite.

Quelle serait la première partie idéale?

Y a un mec pour qui j’adorerais ouvrir, c’est Flying Lotus. Il y a aussi Daedelus, qui est un vrai chercheur. Et toi Mat la première partie idéale?
MA:  Pour moi, ça serait qu’il y ait quelqu’un en première partie de nous! (rires)
MD: Quand tu prends quelqu’un en stop, ça te fait plaisir d’avoir rendu service, et l’autre personne est bien contente. Tu vas d’un point A à un point B, et même si les routes se séparent, on a fait un bout de chemin ensemble.

Des projets dans un futur proche?

MA: Les dates arrivent tout doucement…
MD: On a quelques spots vers la Lettonie, Lituanie, Slovénie. On a su convaincre des gens pour nous aider, en l’occurrence la demoiselle qui est là-bas, qui est accessoirement ma femme. D’ailleurs, c’est aussi grâce à ce projet que l’on est ensemble! Tu vois, ça amène des perspectives qu’on n’aurait pas imaginées à la base! Elle s’occupe de nous et on est en train d’amplifier cette dynamique.

A quoi va ressembler le nouvel EP? Des remixes, des collaborations?

MA: Il va y avoir quelques remixes de morceaux de l’album “Lazy Trace”. Il va y avoir Luminocolor (également de Laybell, ndlr), Debmaster, un gars d’Angers qui fait des trucs hip-hop avec des sons techno à la Dorian Concept, et le groupe Depth Affect de Nantes qui a un petit bagage de deux albums, et qui fait vraiment partie de cette vague dans laquelle je me retrouve. On risque aussi de sortir une compilation Laybell avec des titres de chacun des quatre groupes du label et des remixes. L’EP, ça sera quelque chose de différent. “Lazy Trace”, on l’a pas appelé comme ça pour rien: c’est une trace paresseuse qui vient de tout ce que j’ai fait depuis trois ans, et on l’a remis en forme pour en faire une sorte de compile, un tout cohérent. Et sur le prochain maxi, il y aura vraiment un fil rouge. J’aime bien la dynamique EP, 4/5 titres qui correspondent à une période donnée pendant laquelle on a bossé. J’aime bien cette idée de sortir des petits épisodes. Ça représente plus la manière dont on fait de la musique. Un album, tu dois le penser, c’est quelque chose de beaucoup moins spontané.
MD: On parlait de fil rouge, et je m’en rends compte sur ce que Mat peut m’envoyer; il y a un travail autour des voix, au sens large du terme. Je trouve ça très intéressant, et ça pourrait être le fil rouge du prochain EP, l’organe vocal.
MA: Pas de chant, mais des sons de voix en tant que matière sonore.

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Ton nouvel album fête vingt ans de carrière. Quel regard portes-tu sur ton parcours?

Je pense que [long silence]… Je pense que ma carrière est parfaite, il n’y a rien que je voudrais changer. Chacun mesure le succès différemment, et dans mon cas, ma plus grande satisfaction est d’avoir une carrière déjà longue de vingt ans, ce qui n’est pas donné à tout le monde. Quand je pense à la manière dont les choses auraient pu tourner si le succès avait été plus important, si j’avais gagné beaucoup plus d’argent avec ma musique, je ne peux qu’être comblé. J’ai connu beaucoup de bonheur, d’expériences enrichissantes, je suis toujours très inspiré sur le plan artistique, donc tout va bien. Beaucoup d’artistes perdent toute inspiration quelques années seulement après la sortie de leur premier album, alors que pour moi, au contraire, c’est allé crescendo. Même si je ne gagne pas énormément d’argent, la musique me permet de mener une vie très riche et c’est très bien ainsi. Si je gagnais plus, je serais amené à faire des compromis.

Même si tu déclares que “20 Odd Years” est un album tourné vers l’avenir, on ne peut s’empêcher de penser qu’il mixe tous les univers que tu as exploré auparavant. Es-tu d’accord avec ce constat?

Je suis d’accord avec ça, oui. Si tu écoutes la première chanson de l’album (”Superstars Don’t Love” ndlr), c’est du hip-hop très basique, ça ressemble beaucoup à ce que je faisais quand j’ai débuté. Avec le recul, je me suis même rendu compte qu’il y a quelques titres qui n’auraient pas déparaillé sur “Talkin’ Honky Blues” par exemple. Pour autant, on trouve aussi des choses que je fais ici pour la première fois, et je pense qu’au final chaque piste brasse des nouveautés avec des choses déjà connues. Il se trouve que l’album sort pour mes vingt ans de carrière, donc ça tombe plutôt bien, mais ce n’est pas le résultat d’un travail conscient. Pour être honnête, je n’ai réalisé qu’après sa conception que l’album marquait cet anniversaire.

“20 Odd Years” est certainement ton album le plus accessible. En quoi l’approche de ce disque a t-elle été différente de celle des précédents?

Lorsqu’a commencé sa réalisation, mon but n’était pas d’en faire un album plus accessible. En revanche, je souhaitais vraiment mettre le plus en avant possible les mélodies, sans pour autant tomber dans la “pop music”. En général, quand les gens pensent hip-hop, ils pensent au beat qui donne la cadence. Mais dans d’autres styles de musique – je pense à la pop ou au blues par exemple – c’est au contraire la mélodie qui prend le dessus. C’est dans cette direction là qu’on souhaitait aller, sans pour autant se fermer aucune porte. Le titre “Whispers Of The Waves” est ainsi parti d’une mélodie à la guitare inspirée d’Ali Farka Touré, pour une autre chanson qui ne figure pas sur l’album on est allé voir du côté de l’Asie et notamment du Vietnam et du Cambodge, pour la chanson “BCC” ce sont les cordes qui nous ont beaucoup inspiré etc… Pour beaucoup de gens, lorsqu’une personne chante sur une mélodie, c’est de la pop. Or ce n’est pas ma façon de voir les choses. Moi, je m’interroge d’abord sur ce que j’ai à dire, et après seulement je m’intéresse à la forme: quelle est la meilleure musique pour m’accompagner? Quel instrument serait utile? Est-ce que j’ai besoin d’une voix, et si oui, qui pourrait m’aider? La chanson “Paper Airplane” par exemple parle de ma femme et du début de notre relation. Tout est parti d’un sentiment à la fois tendre et douloureux – parce qu’on est souvent séparés – que j’ai essayé de faire cohabiter le mieux possible avec l’accompagnement musical.

Il n’y a jamais eu autant d’invités sur un album de Buck 65. Sur quels critères as-tu fait ton choix?

Ça a rapport avec ce que je disais tout à l’heure à propos des mélodies, et du fait que je ne suis pas un bon chanteur. Tous ceux qui apparaissent sur l’album sont des amis proches, des gens que je fréquente au-delà de mon “métier”. J’aurais beaucoup de mal à approcher quelqu’un dont je suis fan pour lui demander de participer à l’un de mes projets, ça me mettrait mal à l’aise. Donc la plupart du temps, je compose une musique, j’entends une voix dans ma tête, et je m’interroge: “est-ce que tu connais quelqu’un qui pourrait correspondre?“. Et puisque j’ai la chance d’avoir beaucoup d’amis musiciens talentueux, je trouve toujours quelqu’un pour le faire. C’est aussi simple que ça: j’entends une voix dans ma tête et je demande de l’aide à des amis.

Tu dis t’être éloigné du hip-hop car tu ne retrouvais plus sa dimension philosophique et artistique. Pourquoi selon toi a t-il perdu cette dimension?

C’est quelque chose dont je pourrais parler pendant des heures mais disons que je considère qu’un grand changement s’est produit en 1993-1994, lorsque Biggie et Tupac ont explosé. La manière dont ils ont transformé le hip-hop tient au fait que tout le monde pouvait se retrouver dans leurs textes. La première fois que j’ai entendu “Juicy”, je me suis dit “c’est pareil pour moi!“. Moi aussi, j’étais comme ça quand j’étais jeune, je lisais les mêmes magazines, j’avais les mêmes posters dans ma chambre… Et je pense que c’est ce que beaucoup de personnes se sont dit en écoutant cette chanson: je suis comme lui. Et c’est pareil pour Tupac, il parlait des choses d’une manière telle qu’il touchait tout le monde. C’est quelque chose de magnifique, je les considère toujours comme des rappeurs très talentueux, mais ce n’est pas ce que j’étais venu chercher dans le hip-hop. Moi ce que j’aimais, c’était une musique beaucoup plus abstraite, plus intellectuelle d’une certaine manière. A aucun moment je n’ai pu me dire “Hé je suis comme Rakim!“. Jamais. Je voyais Rakim comme un Dieu vivant, un extraterrestre avec des skills incroyables. Il était comme un super-hero pour moi. Et l’autre différence fondamentale avec cette époque, c’est l’importance que l’on accordait aux Dj’s. Ils apportaient vraiment quelque chose de particulier, quelque chose qu’on ne retrouvait dans aucune autre musique, ils produisaient des sons que personne ne pouvait imiter. Et les beats non plus n’avaient rien à voir, les gens samplaient encore dans les années 80, ils sortaient de nulle part des disques dont tu n’avais jamais entendu parler. Là encore, il y avait matière à s’interroger: d’où viennent ces batteries? Ces lignes de basse? Soudain Biggie et Tupac sont arrivés, sans Dj, en se présentant comme des amis, et en proposant une musique comparable à ce qu’on pouvait entendre en club. D’un coup, le hip-hop est devenu populaire et depuis il n’a cessé de prendre de l’ampleur. Or je suis resté quelqu’un qui aime “réfléchir”, s’interroger sur ce qui parait mystérieux, un peu surréaliste, aussi bien dans la musique que dans l’art en général. J’ai du mal à m’intéresser à ce qui sonne basique, familier, trop immédiat d’une certaine manière. Donc j’ai décroché du hip-hop pour m’intéresser à la littérature, la peinture, ou plus globalement aux mouvements artistiques comme le dadaïsme et le surréalisme. C’est quelque chose qui m’intéresse vraiment, et j’essaie de voir dans quelle mesure je peux appliquer ces concepts à ma musique. Pour moi, ça reste toujours du hip-hop mais d’autres personnes voient les choses différemment.

Un titre comme “Whispers Of The Waves” possède un côté blues très marqué, notamment grâce à Gord Downie. Ce style a toujours eu une place importante chez toi, qu’est-ce qu’il représente à tes yeux?

Je trouve incroyable que l’on puisse écouter un album de blues vieux d’un siècle et que ça fonctionne toujours! Je crois que le blues porte un message tellement simple, essentiel, qu’il continue d’avoir un sens aujourd’hui. Je pense aussi que si le blues résonne autant en moi, c’est parce qu’il vient de régions semblables à celle dans laquelle j’ai grandi. Pour moi, c’est quelque chose de rassurant mais ça n’a pas toujours été le cas. Je me souviens qu’étant enfant, j’avais beaucoup de mal avec la culture qui m’entourait, mais maintenant que j’ai quitté cette partie du monde, que j’ai voyagé, mûri, je me rends compte à quel point ça fait partie de moi et à quel point j’y suis toujours attaché. Je crois que j’ai commencé à ressentir cet attachement à mes origines il y a une dizaine d’années environ, à peu près quand “Talkin’ Honky Blues” est sorti. J’ai grandi dans une très petite ville du Canada, et c’est d’abord en venant à Paris que j’ai appris à apprécier mon environnement d’origine, en le voyant sous un angle différent. C’est ce contraste qui, avec le temps, m’a permis d’apprécier les choses à leur juste valeur.

Le turntablism est toujours omniprésent. Est-ce une façon pour toi de garder un cachet hip-hop ou est- ce purement artistique?

Je crois que c’est les deux, même si j’admets qu’une partie de moi considère qu’il faut continuer à perpétuer ce qui représente l’essence même du hip-hop. Historiquement, le turntablism est l’élément fondateur de cette culture, c’est de là que tout est parti. Si tu regardes les pères fondateurs du hip-hop, ils étaient tous les trois Dj’s: Kool Herc, Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa. C’est vraiment la base du hip-hop et pourtant aujourd’hui, si tu écoutes l’album d’un rappeur comme Rick Ross, il n’en reste plus aucune trace: plus de Dj, de sample etc… Je trouve ça d’autant plus dommage que je vois un réel intérêt artistique à se servir des platines, ne serait-ce que parce qu’elles permettent souvent de créer un contraste intéressant. Et je suis certain que lorsqu’on se recroisera dans vingt ans, j’utiliserai toujours mes platines pour scratcher. Peu importe ce qui se passe, je ne me détournerai jamais de cet élément.

Justement, tu te vois où dans vingt ans? Comment imagines-tu ta relation avec la musique d’ici là?

Rien n’est jamais sûr à cent pour cent, mais je suis presque certain de continuer à utiliser des samples de batterie et du turntablism, même si ça n’apparait pas dans chacun de mes morceaux. Mais au-delà de ça, c’est difficile à dire parce qu’une grande partie de la réponse est liée à l’évolution de ma vie en général. Si on prend cet album, il y est souvent question de ma femme, du début de notre relation, du fait que je l’ai demandé en mariage etc… Tout fini par être lié. La chanson “She Said Yes”, par exemple, devait être très calme, très douce, je voulais vraiment que le résultat soit magnifique, c’est pour ça que j’ai autant adouci le sample de batterie, que j’ai rajouté du piano, des cordes et d’autres éléments encore. Ça, c’est un processus dont j’aurai toujours besoin: partir d’une idée que je souhaite exprimer pour ensuite adapter mes textes et ma voix. Je vois ma musique comme une sorte d’extension de moi-même.

Quel disque a changé ta vie?

Si je devais ne citer qu’une chanson, je dirais “Trans Europe Express” de Kraftwerk. Mais pour ce qui est des albums, c’est “Yo ! Bum Rush The Show” de Public Enemy. Pour moi il est encore plus puissant que “It Takes A Nation Of Millions To Hold Us Back” qui est généralement cité. Comme je le disais tout à l’heure, quand j’étais plus jeune, j’appréciais surtout la musique qui faisait travailler mon intellect, et je crois qu’en la matière rien n’a jamais été aussi fort que cet album. Pas seulement à cause des textes, mais aussi de la musique telle qu’elle était composée. Je crois qu’aucune autre musique ne m’a jamais donné un tel sentiment lorsque je l’ai entendu pour la première fois. Je me souviens de l’espèce de sirène qui parcourait le morceau “Public Enemy No 1″ du début à la fin, et quand j’ai entendu ça mon cerveau a explosé. Cet album a vraiment changé ma vie dans la mesure où il m’a ouvert les yeux sur ce que la musique pouvait être.

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On va faire une petite interview “pour ou contre”…

Marc: Avant de commencer, je m’allume une clope, vous êtes pour ou contre? (rires)

Pour ou Contre: la Teenage Party d’hier? (soirée réservée au moins de 18 ans, la veille du second concert dans la même salle, ndlr)

Olivier: Pour, à fond. Mais un peu contre quand même. Pour, parce que ça reste un concert, c’est super de toucher les gens qui ne viendraient pas forcément dans un autre cadre que cette soirée là. Un peu contre parce que c’est difficile de jouer devant des gamins comme ça parce qu’ils sont excités. C’est toujours le même rapport qui s’installe. Ils donnent tout, ils s’arrêtent, ils donnent tout… Tu peux pas vraiment créer de lien sur la continuité du concert. C’est bien quand il y a des gamins devant parce qu’ils pogotent, ils sont tout excités. Et derrière, il y a d’autres gens avec lesquels tu peux vraiment installer une relation, parler…

Pensez-vous faire du rock pour ados?

Je pense que ça vient du fait que lorsque l’on a commencé avec les Hush à Paris, c’était en même temps que cette vague de baby rockers. Après, je trouve ça bien, faut pas avoir honte de faire de la musique pour ados! Sur ce troisième album, on voulait justement évoluer, ne pas refaire la même chose qu’avant. On a intégré d’autres sonorités, d’autres influences, et je pense que pour les ados c’est moins facile d’accès de toute façon.

Pour ou Contre: la fin du label DiamondTraxx?

Contre, forcément contre! Pas forcément parce que c’était notre label et qu’on s’est trouvé un peu en galère pour ce troisième album. C’est toujours triste de voir un label mettre la clé sous la porte, parce qu’il n’y avait pas que nous. Il y a Nelson aussi qui sont aujourd’hui encore plus dans le caca que nous. C’est toute une équipe qui s’est arrêtée. On se voit toujours, ça c’est sûr, mais c’est plus pareil.

Ça ne vous a pas trop perturbés dans la composition de l’album?

C’est arrivé un peu en plein milieu. On arrivait en fin de contrat, donc je pense qu’on aurait pu continuer avec eux si cela avait été possible. On avait envie aussi de voir si on pouvait pas le faire nous-mêmes, ou trouver un autre label, voir ce qui se passait autour. Ça nous a un peu freinés, on a quand même mis trois ans pour sortir cet album. Mais de toute façon, on s’était dit qu’on irait jusqu’au bout des morceaux pour aboutir à ce que je t’ai dit tout à l’heure: faire des chansons plus éloignées de ce qu’on a fait avant.

Ça n’a pas été trop dur de rebondir et de trouver un autre label?

Ça nous a permis d’avoir un retour sur nos maquettes et de retravailler sur nos morceaux. Pas forcément en fonction de ce que les labels nous disaient car on n’était pas toujours d’accord. Mais du coup, ça nous a fait retravailler des morceaux que l’on croyait finis. Puis on a pris la décision de le produire nous-même. C’est là qu’on a rencontré Axel Concato qui a réalisé notre album. C’est à partir de ce moment que tout s’est enchaîné, on savait qu’on allait enregistrer dans tel studio, à telle date, avec lui. Ça s’est un peu précipité, les arrangements sont arrivés, il a trouvé de nouvelles sonorités à ajouter. Voilà, il a tiré les morceaux vers ce qu’ils sont aujourd’hui.

Pour ou Contre: se creuser la tête pour trouver un titre d’album?

J’allais dire pour, mais non, plutôt contre en fait! Ca vient plus ou moins tout seul. On n’a pas trop galéré pour trouver, c’était moins dur que pour “Silence Is Golden”! Et puis je trouve que ça claque un peu mieux!

Qu’est ce que ça veut dire “The Bipolar Drift”?

Cette dérive bipolaire, c’est un peu la nouvelle direction que l’on a pris. C’est pas vraiment une direction, mais plutôt nous qui assumons nos influences. On ne s’est pas mis de bâtons dans les roues cette fois-ci, à se dire “ce morceau est trop électro, trop disco, trop ceci cela, on va rester rock, on va essayer de garder notre énergie live etc…“. Là on s’est plutôt dit: “c’est pas grave si ce morceau dure deux heures avec des passages krautrock, si celui-là est plus dansant, on va aller à fond là-dedans“. Ce titre vient aussi d’une théorie fumeuse d’un scientifique qui s’appelle Lawrence Lawford qui est notre backdrop sur scène, et qui explique que l’Homme est toujours confronté à des choix à faire, qu’il a l’impression de décider, mais la décision ne viendrait pas de lui mais de son environnement, de facteurs extérieurs qui influeraient sur ses choix. L’Homme ne serait pas du tout conscient et maître de ses actes. On lui a piqué le nom, The Bipolar Drift, c’est aussi pour ça que ça n’était pas compliqué à trouver!

Pour ou Contre: les pochettes un peu chelous…comme la vôtre!

Non je suis pas d’accord, elle est pas chelou!

Ah si! Le grand écart est en rapport direct avec le titre?

J’aime bien les pochettes chelous, mais genre celle de Tame Impala, des trucs un peu psychés, kaléïdoscopiques. Là, c’est vrai qu’elle est un peu psyché, mais très belle. On a fait un topo sur le concept du Bipolar Drift à un illustrateur qu’on aime beaucoup qui s’appelle Julien Paco. Il a toujours cet univers rétro-futuriste, en collage. Il nous a donc fait cette illustration, la danseuse qui fait le grand écart entre deux falaises, et on trouvait que ça illustrait très bien ce concept du cul entre deux chaises.

Pour ou Contre: chanter en français?

Pour ceux qui chantent en français, pour, mais pour les Hushpuppies, contre! Le français, ça n’est pas dans nos influences, on a grandi avec des mentors et des groupes qu’on admire et dont on voulait se rapprocher. C’était jamais des groupes français donc c’est venu naturellement de chanter en anglais. En fait, on ne s’est jamais posé la question! Ca n’est pas du jour au lendemain qu’on va s’y mettre, ça ne le fera pas.

Jamais essayé?

Si, on a fait deux morceaux, mais un peu à part. Il y avait un truc qu’on faisait en live qui s’appelait “ça peut plus durer comme ça”. C’était une espèce d’engueulade, le monologue du mec qui disait “tu fais pas la vaisselle, t’as grossi, t’as les pieds froids, ça peut plus durer comme ça!“. Il y en a une autre qui s’appelle “Natacha” qui est d’ailleurs sur un 45 tours en vente en ce moment. C’est le Pop In, un bar parisien où l’on va souvent, qui sort des 45 tours tous les 3 mois avec des artistes différents. Le premier, c’était Herman Düne, le second c’est nous, et le prochain sera Zombie Zombie. Le concept, c’est un morceau du groupe en face A et une reprise en face B. Et Nico, qui s’occupe du Pop In record, aimait beaucoup “Natacha” qui était en fait un remake de “Melody Nelson”. On s’est un peu sorti les doigts du cul pour faire des paroles en français! Je trouve ça super dur. Là, on a fait un beau texte, et c’était notre bijou en français. Mais ça reste un morceau à part! On a donc fait ce 45 tours, et on s’est demandé ce qu’on allait mettre comme reprise sur la face B. Du coup, on a fait un autre morceau en français qui s’appelle “Fais-Moi Jouir” de Patrick Coutin. Le français se limite à ça pour les Hushpuppies.

Sur scène vous êtes cinq. Pour ou Contre: un membre supplémentaire ou des featurings?

Euh… Je dirais… Je peux pas vraiment répondre à ça car ce n’est pas moi qui décide, c’est nous cinq. Mais je pense qu’on doit déjà accueillir notre nouveau bassiste Marc!
Marc: Pour!
Olivier: Nous, on aime bien répéter avant d’aller sur scène, faire ça bien, et en amont. Et avec un featuring, ça remettrait un peu ça en question. Mais pourquoi pas! Ca ne s’est jamais présenté et on n’est pas du genre à proposer ça à qui que ce soit. Plutôt l’inverse, quelqu’un qui aurait envie de faire un featuring avec nous!

Pour ou Contre: les remixes?

Pour. On en a fait plusieurs sur nos maxis, c’est pas mal d’en avoir un en face B!

Des projets en termes de remixes?

Non, pas vraiment pour le moment. Par contre, il y avait un mec de Toulouse qui s’appelle Florent Rémi, qui nous avait fait sa version de “You’re Gonna Say Yeah” qui était vraiment excellente. C’était lui au piano, une chanson toute calme, toute simple, ré-orchestrée en ballade.

Pour ou Contre: quitter Perpignan pour habiter Paris?

Pour, forcément. Mais, c’est pas à cause de la musique qu’on est monté à Paris. En fait je suis parti à Paris pour bosser et petit à petit, Franck, Cyril et Wilfried sont montés aussi pour la même raison. Et c’est une fois qu’on s’est tous retrouvés là, un peu par hasard, qu’on s’est réuni à nouveau pour jouer ensemble!

Pour ou Contre: les pancartes “Sold out” pour les concerts d’Hushpuppies?

Pour! Je milite pour ça!

Y a t-il des villes dans lesquelles c’est plus fréquent que d’autres?

Oui, Perpignan. A Angers, en Bretagne… A Paris, non. Chaque fois que ça a été Sold Out, c’était le jour du concert, mais pas un mois avant! Forcément pour.

Et à l’étranger, ça marche comment?

L’album sort en mai en Allemagne, mais les deux premières tournées se sont bien passées. On y est déjà passé et à chaque fois il y avait entre 100 et 200 personnes, ce qui est plutôt pas mal pour un groupe pas super connu. En Espagne, c’était pas mal aussi, on y a fait une dizaine de dates. Après, on a fait des trucs épisodiques en République Tchèque, à Hong-Kong, en Russie. C’est toujours bien de jouer à l’étranger parce que l’accueil est différent. En France, il n’y a pas vraiment cette culture du groupe rock. On sera toujours catalogué groupe français qui chante en anglais. Alors que quand on va en Allemagne, les gens ne se posent pas la question, ils nous considèrent comme n’importe quel groupe international et c’est sympa!

Pour ou Contre: faire la grande scène des festivals?

Pour! Mais ça dépend à quelle heure… Mais quelle que soit l’heure, le festival, c’est vraiment un truc à part. Déjà, tu joues un peu moins longtemps, il y a le côté festif, c’est l’été la plupart du temps, tu vois du monde…
Marc: Y a le côté barquette de frites/saucisses!

A choisir, vous préférez plutôt l’ambiance festival ou petites salles comme le Grand Mix ce soir?

Olivier: Je n’ai pas de préférence, ce sont deux choses totalement différentes, c’est comme si on te demandait si tu préférais ton père ou ta mère! T’as du mal à choisir quoi… Ou est-ce que tu préfères avoir 50 canards qui te suivent toute ta vie ou avoir des dents en mousse? C’est un peu chiant pour choisir! (rires) En festival, tu peux toucher des gens qui viennent pas forcément pour toi. Y a ce côté où tu te vends, t’essayes de gagner des fans. Alors que dans une salle, à priori les gens viennent te voir donc, quand tu montes sur scène, ce n’est pas le même rapport.

Pour ou Contre: les groupies?

Pour! Hein, Marc?
Marc: Ca dépend lesquelles.

Est-ce que c’est une légende?

Olivier: Non, il y a toujours des groupies, ça c’est sûr. Mais après, ce qu’il y a derrière la groupie, oui c’est sans doute une légende. Après ça dépend, en France c’est souvent des groupies de 14-17 ans…

Faut faire attention…

Ah, tu vois, il y a un espèce de sous-entendu! Non, pour moi en tant que chanteur, c’est un mythe justement. Mais bon, la groupie, ça reste une groupie, elle t’amène des cadeaux, une bouteille de whisky, tu l’invites dans les loges, c’est cool! On a des gens comme ça qui nous suivent. Il y a différentes sortes de groupies. Souvent, c’est la gamine de 14 ans qui te regarde avec des yeux comme ça, et avec qui tu ne peux pas parler parce que ça devient tout de suite hystérique!

Pour ou Contre: les pogos au premier rang?

Pour. Pas besoin d’épiloguer là-dessus!

Question inévitable. Pour ou Contre: le mp3?

Je dirais Pour. Aujourd’hui les gens achètent un disque sur iTunes ou sur internet, sans parler du téléchargement illégal. Après, s’ils veulent l’objet, on voit aussi le retour du vinyle, et souvent on a avec le coupon pour télécharger le mp3. Et je suis pour le mp3 en mauvaise qualité. Comme ça les gens reviendront vraiment à savoir ce que c’est qu’un vrai disque, à regarder une pochette.

Donc c’est un contre masqué.

Un peu oui.
Marc: Pour le mp3, mais pas pour remplacer l’objet. C’est un plus.
Olivier: La musique, ce n’est pas qu’un truc que t’écoutes. C’est aussi un objet, une pochette, un travail, un ordre des morceaux. Moi, je suis pour écouter un album dans l’ordre qu’a choisi l’artiste.

L’album de Hushpuppies uniquement en digital, j’imagine que c’est contre?

Oui, parce que sinon je ne l’aurais pas dans ma discothèque! C’est pas que je les écoute trop souvent nos disques, mais j’aime bien les avoir à la maison…

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Comment vous êtes-vous rencontrées, et surtout comment avez-vous débuté votre carrière? Le public français ne vous connaît que très peu…

Lori Scacco:  J’ai toujours aimé jouer de la musique, peu importe la manière, et ce dès mon plus jeune âge. Mais mes premiers pas dans le monde de la musique et de ses “affaires”  remonte à mon premier groupe appelé Seely, et à notre premier disque signé en 1995 après avoir envoyé une démo au label Too Pure. La manière dont tout cela est arrivé me trouble encore. Nous avions signé peu de temps après que Pj Harvey et Stereolab eurent rejoint le label, et le fait de ne leur envoyer qu’une démo sous forme de cassette me paraît tellement dépassé de nos jours… J’ai rencontré Eva après son arrivée à New York afin de répéter pour la tournée de Savath Y Savalas et l’album “Apropa’t“. Je jouais de la guitare. A l’époque, nous avions une manière très “kamikaze” de répéter, et avons passé cinq semaines dans un tour bus ensemble. Nous avons donc eu le loisir de nous connaître au milieu de toute cette frénésie.
Eva Puyuelo Muns: J’ai débuté par pure chance. J’ai rencontré Scott (Herren) par le biais d’un ami commun, et nous avons emménagé ensemble à Barcelone en tant que colocataires. Après quelque mois, nous avons commencé l’enregistrement de “Apropa’t” . Ce fut le commencement…..de la “frénésie” dont parlait Lori.

Lori, pourquoi le choix d’une voix féminine?

Lori: Je n’ai pas choisi Eva parce qu’elle est une fille, mais pour ce qu’elle représentait à mes yeux. J’ai toujours aimé sa voix, sa texture est hallucinante, avec ses tons très bizarres parfois. On se rend compte de la particularité de cette dernière lorsqu’on superpose différentes gammes. Je jure que, parfois, on a l’impression que le chant n’est que l’unique fruit de sa gorge. A l’origine, je ne voulais collaborer avec elle que sur un titre car, à l’époque, je travaillais sur un disque solo instrumental. A cette époque, Eva travaillait sur le dernier Savath Y Savalas, et comme nous sommes tombées amoureuses de ce que nous avions produit ensemble, nous avons décidé d’entamer, un peu plus tard, un album commun. Je considère ce projet comme une véritable percée dans ma carrière musicale, car c’est véritablement la première collaboration artistique intense qu’il m’ait été donné de faire depuis Seely. Plus particulièrement en termes de travail vocal. Storms est la synthèse de notre propre état d’esprit de l’époque qui nous animait toutes deux, et je pense que ce n’est que le premier de beaucoup d’autres. De plus, nous avons réussi à mettre en commun nos expériences musicales passées et notre vision commune de l’art. Si tu nous demandes de te nommer ce qui est bien ces derniers temps, je sais qu’Eva en serait totalement incapable!  Nous sommes très enclins aux travaux des années 70 et à ce qu’ils peuvent représenter. Je devrais même dire obsédées par le fait de découvrir ce disque qui jamais n’avait attiré notre attention auparavant. Malgré nos pays d’appartenance et la longue distance qui nous sépare, je dois avouer qu’une certaine spiritualité nous habitent toutes les deux.
Eva: Moi, je ne  considère pas ce projet comme un renouveau. Pour reprendre Lori, je dirais que tout n’est que travailler avec des gens que l’on aime et voir ce qui peut se produire. En d’autres termes, il n’y a pas d’idées préconçues quant à l’évolution de telle ou telle carrière musicale. Je ne peux me considérer que chanceuse dans mon épanouissement musical car j’ai réussi à réunir ces deux facteurs, travailler avec des hommes et des femmes que j’aime autant artistiquement qu’humainement. Et pour reprendre cette conversation autour des influences, je ne peux te dire qu’une chose “totally true sister!”… Il m’a fallu une semaine pour repenser à toutes ces influences… Lole Y Manuel, Bambino, Camaron, Barbara, Brel ou Moustaki… comme tout ce flamenco qui m’anime du matin au soir.

Lori, tu as signé (entre autres) sur le label Eastern Development. Est-ce un choix personnel ou a t-il été contraint et forcé? Tu disais être très affairé, voire même que tu pataugeais avec différents labels?

Lori: Et bien je n’ai pas été poussé à rejoindre Eastern, c’est un choix émanent de ma propre personne. Scott Herren et moi sommes amis de longue date, et alors que Eastern devenait un label à part entière, j’écrivais à la même époque des partitions au piano. A Atlanta, ou nous vivions tous les deux jadis, Scott avait toujours ce piano qui trainait. Alors, un jour, je me suis mise à jouer certaines de mes compos. C’est ainsi que l’album “Circles” est né. Nous avons signé sur Plancha/Art Union en tant que Storms. Ces derniers sont basés au Japon, donc j’ai essayé de rester très active afin de laisser cette musique atteindre les différentes sphères de notre globe. De plus, “Lay Your Sea Coat Aside” a plus été de l’ordre de l’album qui se passe entre connaissances. Tout ce que je fais est de poursuivre cette transmission. Alors quand je dis “patauger”, je devrais dire plutôt “maintenir une certaine balance” avec tous ces labels avec qui je dois travailler. J’ai définitivement besoin d’un stagiaire pour s’occuper de tout ça….

Arrivez-vous à vivre de votre musique dans ce monde musical actuellement ultra compétitif, ou avez-vous un travail?

Lori: Mon travail est de composer des bandes sons originales pour des pubs, et je m’occupe également d’une galerie.
Eva: Je travaille en tant que designer freelance donc j’avais pour habitude de travailler à temps plein…. Mais simplement quand la charge de travail était là. Étant maman depuis peu, je me dois désormais de me focaliser sur mon enfant.

En tant que fers de lance de la scène musicale indépendante New Yorkaise, voire même internatioanle, quelle pourrait-être votre opinion concernant l’industrie musicale d’aujoud’hui?

Lori: Wow… Par ou dois-je commencer? Il est évident que beaucoup de choses ont changé depuis mon arrivé… Premièrement, je dirais que le digital a créé une contre culture qui a très vite déconnecté l’auditeur du concept même de l’album en tant qu’objet tangible. Le mp3 et la prépondérance de téléchargements illégaux ont également complètement changé la notion de propriété intellectuelle.  Cette notion me rend d’ailleurs assez triste en y repensant, car cela constitue une menace réelle quant à la survie des magasins de disques indépendants qui ont toujours été au centre de la vie musicale indépendante. Donc je pense qu’il s’agit plus de maintenir un certain équilibre entre la valeur du réel et le digital, car je sais que certains considèrent leur seule discothèque comme une succession de mp3 sur leur téléphone. D’après moi, les puristes continueront d’acheter des disques, mais cela me semble plus dur à intégrer pour les plus jeunes, tous plus à même de se tourner vers le mp3 et ses autres formes proposées par l’industrie qui n’a fait qu’anticiper cette demande. La bête s’est métamorphosée en une autre entité que j’ai parfois du mal à combattre. Heureusement, notre ami Roberto Lange (Epstein et Savath y Savalas) m’aide à gérer avec les labels d’une toute autre manière que la mienne, un peu datée, tout en gardant mon éthique.

Votre oeuvre a été qualifié de diverses façons. Comment la définiriez-vous?…

Lori: Je n’ai jamais su comment qualifier notre musique….En ce qui concerne le but derrière notre écriture, je dirais que c’est une extension philosophique de mon ressenti à ce jour. Ce que je peux te dire c’est qu’ Eva et moi-même sommes un peu nunuches sur le plan émotionnel sous nos épaisses cuirasses! Je restais assise à mon bureau à travailler sur un morceau et elle, derrière moi, me lisait Jung ou Neruda, ce qui donnait très souvent lieu à des conversations délirantes sur nos rêves, révélations, amours et le syndrôme de Stockholm… Il y avait là une forte dépendance entre nous deux, chacune pouvait verser dans l’hilarité ou les crises de larmes… Enfin, attention, nous nous sommes vraiment éclatés, Miss Eva Puyuelo m’éclate vraiment, en plus d’être une très bonne coloc.
Eva: Pour moi, il est super difficile de la décrire car si je m’essaie à cet exercice, je tombe très facilement dans les clichés. Mais, à choisir, si j’avais à choisir un adjectif, je dirais mélancolique… Comme Lori le suggérait, nous avons traversé de multiples étapes émotionnelles tout au long de l’enregistrement, mais en ce qui concerne la portée philosophique - même si je t’adore Lori - je n’ai jamais trouvé un sujet en particulier qui m’avait effleuré l’esprit. (ha!)

Justement, pouvez-vous nous décrire de façon précise cette manière de travailler ainsi que  la collaboration avec Ann Stephenson qui a joué un rôle très important?

Lori: Pour le studio, les moyens sont toujours les mêmes: Pro Tools, un micro que je qualifierais de “décent”, deux NS10, et deux claviers (un Access Virus Classic et un Oxygen 8). Et derrière tout cela, des guitares, un clavier Rhodes, des cloches partout… Je ne suis pas vraiment attachée à l’aspect matériel à tout prix. J’utilise tout jusqu’à l’usure, à part Pro Tools ou là je suis une vraie geek de ce logiciel de composition, toujours à l’affût des dernières nouveautés… Maintenant, le procédé est toujours différent. Pour ce disque, je savais que nous avions cinq semaines pour tout écrire ainsi que pour saisir toute l’émotion des parties vocales. Nous avons donc travaillé sur une paire de mélodies que j’avais travaillé en amont en les coupant, collant… Un peu comme un puzzle en l’occurrence. Nous enregistrions sur les impros d’Eva, ce qui a donc donné de multiples couches au fur et à mesure qu’il a fallu recomposer, retravailler afin d’en obtenir une certaine homogénéité. Tout était toujours fluide et brut, rien n’était statique, un peu comme si je lui disais “voici la structure. vas y à toi de chanter dessus“. Ce que vous écoutez est vraiment le résultat d’un assemblage de différents éléments qui se combinaient d’une manière accidentelle et organique, car proche d’un état naturel. Travailler avec Ann a été très cool car nous savions depuis le début que nous voulions travailler avec elle. Nous adorons ses poèmes ainsi que les thèmes mis en avant. Nous lui avons envoyée des extraits très courts des mélodies afin de lui donner un aperçu de l’esthétisme du tout. En retour, elle nous renvoyait plusieurs pièces maîtresses, puis on lui donnait parfois des directives du genre “hey , il nous manque une ligne de 6 mots pour compléter le vers“. Là encore, en partant du principe que tout était brut et que nous devions le manipuler afin d’en obtenir une véritable cohésion en respectant la partie “accidentelle” du projet. Mais ce qui très surprenant de sa part, c’est son oreille musicale très développée. En effet, il s’est avéré que, à plusieurs reprises, sans travailler plus le texte, les deux aspects - mélodie et thèmes - coïncidaient parfaitement.
Eva: Le procédé a été très organique et accidentel effectivement. Ce qui est dû très certainement au manque de temps qui nous a été accordé. Malheureusement, j’ai toujours travaillé ainsi. C’est toujours à moi de traverser l’Atlantique pour enregistrer (ndlr: référence au dernier album de Savath Y Savals enregistré à New York), ce qui me rend très instinctive et libre dans mes interprétations. J’adore ça. Disons que pour le prochain projet sur lequel je plancherai, le temps me semble un facteur important qui devra être corrigé!

“Lay Your Sea Coast Aside” disponible sur

A sortir le 17 mai, “Remix Ep” de Storms

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Ca fait plus d’un mois maintenant que “Black Rainbow” a été publié. Comment vous sentez-vous, et comment le public a t-il réagi à cette évolution musicale?

Jusqu’à maintenant, nous n’avons fait qu’un seul concert en Italie. La “release party” s’est tenue à Milano. C’était une belle façon de commencer la tournée, et la réponse du public a été super. L’album a également été très bien accueilli par la presse spécialisé: nous avons eu des chroniques très positives en Italie comme dans toute l’Europe, comme par exemple la couverture de Noise Mag en France! Nous sommes donc très satisfaits!

Est-ce que, d’un point de vue musical, vous avez atteint ce que vous cherchiez à obtenir? Êtes-vous satisfaits du travail accompli?

En réalité, le résultat est très différent de ce à qu’on s’attendait. Seul le titre “Black Rainbow” existait déjà avant qu’on commence à composer ce disque. Pour le reste, nous nous sommes uniquement laissés guider par la musique.

A partir de quoi et quand Aucan considère donc avoir terminé un morceau?

Tant qu’un titre n’est pas définitivement enregistré, il peut changer jusqu’à la dernière seconde. En général, on le valide donc définitivement au moment du mixage.

Le Ep “DNA” a finalement été une très bonne introduction à “Black Rainbow”. On pourrait même dire qu’il s’agissait presque d’un test. Est-ce que les bonnes chroniques de ce maxi vous ont incité à persévérer dans cette voie?

Même s’ils sont liés entre eux, “DNA” et “Black Rainbow” sont assez différents. Et en tous cas, nous nous ne sommes pas laissés influencer par la presse. L’album n’est certainement pas une version plus longue de “DNA”, mais une suite!! On a plutôt pris en considération les réactions du public pendant les concerts: on avait proposé beaucoup de nouveaux morceaux en live, et les gens réagissaient, semblaient être enthousiastes!

Passons aux guitares. Elles sont nettement en retrait cette fois. Est-ce une décision que vous avez prise avant de commencer à enregistrer?

La chose la plus intéressante, c’est que nous n’utilisons pas d’amplis, ce qui fait le son est beaucoup plus électronique, plus dissimulé. Les guitares sont donc toujours là, mais elles sonnent presque comme des synthétiseurs.

On vous entend même aller puiser dans le hip hop. Comment en êtes-vous arrivés là? N’y avez-vous pas senti comme un risque?

Non, je ne pense pas que c’était risqué. C’est souvent via le hip hop que les choses les plus intéressantes arrivent en musique. Il suffit d’écouter Dalek ou Cannibal Ox pour en être persuadé.

Qu’appréciez vous dans l’approche de tels groupes?

Leur côté noise. Des groupes comme eux, mais aussi comme CloudDead sont apparus durant les années 90 en mélangeant vibe hip hop, arrangements bruitistes, une ambiance sombre, et une atmosphère profondément émotionnelle. Ils ont enrichi le hip hop pur et dur via une approche beaucoup plus instrumentale. Quasiment au même moment, des groupes européens comme Massive Attack ou Portishead utilisaient les beats hip hop au profit du trip hop. Ces deux manières de repenser la culture hip hop nous ont beaucoup marqués.

La presse vous a souvent critiqué pour vos ressemblances avec Battles à vos débuts. Maintenant, certains vous considèreraient presque comme des opportunistes à suivre la mode dubstep. Qu’avez vous à leur répondre?

On était très jeunes quand on a sorti notre premier disque. C’était le premier album, et c’est sûr qu’à cette époque Battles nous a influencés. Mais c’est normal, ils ont joué un tel rôle au sein de la musique électronique et instrumentale! Pour “Black Rainbow”, le discours est différent. Nous ne sommes pas des Djs dubstep, mais un groupe qui joue une musique hybride, entre electro, rock, rap, et dubstep effectivement. Nous ne nous fixons pas de limite. On ne veut surtout pas devenir un groupe qui se cantonne à un seul genre. C’est trop dangereux, c’est le meilleur moyen de disparaitre quand un style de musique ne fonctionne plus. Nous, nous voulons être éternels! (rires)

Cette approche est pourtant à double-tranchant: soit le groupe est libre, réussit tout ce qu’il entreprend, et ca passe comme une lettre à la Poste dans le cas d’un disque réussi. Soit il s’adapte aux attentes du public, et se reprend son opportunisme dans les dents dans le cas d’un album moyennement accueilli. C’est une autre manière de vous pousser dans vos ultimes retranchements?

Nous sommes prêts à prendre ce risque. Comme nous l’avons expliqué de nombreuses fois déjà, le changement ne se calcule pas. C’est un besoin naturel que l’on ressent en tant que musiciens.

En composant des titres moins complexes cette fois, n’avez-vous pas eu peur d’être moins originaux?

C’est plus difficile de sonner original quand tu simplifies ton travail. On y a donc vu un défi plus intéressant.

Au final, vous vous sentez plus rock ou plus électro?

C’est difficile de répondre à cette question. Normalement, on se considère plutôt comme un groupe electro. Mais nous jouons comme un groupe de rock classique, dans le sens ou nous ne sommes pas trois mecs derrière des ordinateurs. Ce qui donnerait toute autre chose, même en jouant le même disque!

Avez-vous déjà une idée de la direction que vous voudriez donner à votre musique à l’avenir?

A Milan, nous avons eu le plaisir de rencontrer Spex MC, ancien chanteur de Asian Dub Foundation. Il nous a proposé de collaborer avec lui. Après avoir parlé à son manager, nous lui avons donc envoyé un morceau la semaine dernière. Il dit qu’il est à fond dedans. A voir. Ensuite, nous travaillerons sur des remixes, avant de nous remettre calmement à la composition d’un nouvel album… Car en faire un bon, ça prend beaucoup de temps!

Par qui aimeriez-vous être remixés?

(Tous ensemble) Aphex Twin!!

Vous vous imposez un contrôle total de tout ce qui touche au groupe, interviews et captations comprises. Vu de l’extérieur, ça en devient presque paranoiaque parfois. Pourquoi une telle crainte? N’est-ce finalement pas le meilleur moyen d’aseptiser et de fausser sa véritable image?

Ta question est bizarre. Que veut dire “véritable” dans ce sens? Chaque groupe a une image publique qui n’en reflète que certains côtés. On ne donne pas par exemple de photos de nos vacances d’été pour une couverture de magazine. L’année passée, beaucoup de journalistes musicaux - italiens surtout - nous ont envoyé des questions par email, puis ont changé les choses que nous avions dites. C’est un vrai problème. Nous voulons juste nous assurer que notre image reflète ce que nous sommes vraiment. Quant aux captations audio et vidéo de nos concerts… En 1972, Robert Fripp a quitté King Crimson, et a décidé de monter Frippertronics avec la collaboration de Brian Eno. Le but de ce projet était de défendre et de promouvoir le contact humain pendant les performances. Un des points clés était justement de privilégier une écoute attentive en refusant qu’un moment unique et multi-sensoriel, tel que peut l’être un concert, soit enregistré… En 2011, c’est difficile de ré-adopter ces idées radicales et intéressantes du live, mais nous essayons en revanche de défendre cette espèce d’écoute attentive. Regarder un concert sur YouTube n’est qu’une approche fausse et partielle d’un moment que nous considérons comme très important.

Écoutez-vous les mêmes choses ou pas du tout?

Giovanni: Entre nous, il y a un feeling musical, mais nous écoutons des choses différentes. Nous avons eu des parcours différents, ceci explique peut être cela. Étant donné que je travaille en tant qu’ingénieur du son dans un studio d’enregistrement, ça fait quelques années que je n’écoute plus beaucoup de Cds. Le soir, après le boulot, j’écoutais plutôt des choses tranquilles. Des trucs comme Rachel’s par exemple. Rien de plus “aggressif”. Maintenant, j’écoute beaucoup plus d’electro parce que je suis en train de mixer des disques à la maison.
Francesco: Le dernier disque que j’ai acheté, c’était celui de Mulatu. Je l’ai trouvé à Berlin chez un disquaire où on va souvent quand on passe là bas…

Est-ce qu‘il vous arrive d’écouter “Black Rainbow”?

Giovanni: En réalité, comme je l’ai aussi enregistré, je n’en peux plus! Blague à part, je trouve cette fois que notre disque peut être assez agréable à écouter. Je n’ai pas développé cette répulsion typique qui te frappe d’habitude après avoir enregistré un album.
Francesco: Moi par contre, je me souviens de l’avoir écouté quand on l’a eu physiquement entre les mains. Mais maintenant, c’est difficile, on le joue tous les soirs, et on a travaillé dessus pendant un an et demi donc… Il faudra encore du temps avant de pouvoir le réécouter avec plaisir.

Et vos autres disques?

Nous avons ecouté “DNA” dans le van il y a tout juste un mois!

Où préférez-vous jouer?

Il n’y a pas un lieu en particulier, ça dépend. Quand le concert est bien organisé, que la salle est bien gérée, et que la promo a été bien travaillé, c’est toujours un plaisir de jouer. Cette année en Pologne, nous avons joué dans les mêmes salles que lors de la dernière tournée, et le public était trois fois plus nombreux. Ça a donc été une belle satisfaction.

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Le groupe est composé d’un belge, d’un français et d’un américain. Comment vous êtes vous rencontrés alors?

McCloud: J’ai rencontré François Schulz lorsque mon projet solo a joué au premier festival Terra Trema en juin 2006 à Cherbourg-Octeville, organisé en partie par la famille Schulz. On s’est ensuite recroisé dans différentes villes quand j’étais en tournée. Quant à Maxime, un ami m’a parlé d’un concert sympa chez quelqu’un, qui était en fait Maxime. Après quelques concerts organisés par lui et chez lui, on a fait connaissance et même commencé à parler. On s’est fait une bise la première fois, comme c’est l’habitude ici en Belgique. On s’est tous retrouvé lors d’un voyage vers un festival dans la Manche, celui de Studio Chaudelande. Sur le chemin, on s’est arrêté à Paris pour la soirée Congotronics au Cabaret Sauvage, le 14 juillet 2009, ou jouaient Konono N°1, Kasai Allstars et Staff Benda Bilili. On s’est pris une baffe! On est tous fans de ce genre de musique et là, de voir tous ces groupes ensemble, c’était vraiment chouettos. Par contre, je me rappelle que le prix des bières était un peu abusé. Mais c’est parfois comme ça à Paris: la vie est belle, mais chère. En arrivant à St-Pierre l’Église, au lieu-dit Chaudelande, on était bien content de gouter le cidre, après avoir fait une petite baignade dans la Manche au moment de l’arrivée d’un orage. Je me suis même baigné avec mes chaussures, et les autres pieds nus. Pourquoi avec les chaussures? Parce qu’on sait bien que les plages autour du Cap de la Hague est pas mal rocheuse. En tout cas, cette petit saute dans l’eau nous a donné la pêche. Pendant mon concert, en rappel, ils ont joué avec moi en faisant la section rythmique en compagnie de notre ami Jean-Michel. Trois mois plus tard, j’ai invité Maxime à “jammer” chez moi. Ça s’est bien passé, et donc il a suggéré d’inviter François. J’étais bien d’accord.

Comment l’idée de former Hoquets est-elle venue? Comment ce concept d’instruments fabriqués par vous-mêmes vous est-il venu à l’esprit?

À cette première session “jam” (le 27 septembre 2009), on a commencé avec des guitares, mais au bout d’un moment on les a mises de côté. On a préféré jouer avec des petits instruments bricolés (les iaeniaens) et des bouts de bois sur la terrasse. Maxime avait emmené un papier qui expliquait le gouvernement belge, ses trois régions, ses trois communautés. J’ai un peu rappé dessous un des morceaux improvisés et voilà! Un groupe à base d’instruments construits/trouvés/bricolés, avec des paroles sur la Belgique est né. La deuxième répétition s’est faite avec François et Maxime. Avant d’arriver, ils sont passés par la brocante à côté chez moi, et ils ont ramené leurs trouvailles. Pour moi, c’était la casserole pour les moules, qui fait toujours partie du groupe. Pour nous, ça procure la joie de la découverte des bruits des objets. Et le fait de pouvoir faire de la musique avec, même des chansons “pop”, nous donne la pêche pour rechercher les sons, et fabriquer de nouveaux instruments.

Dites-nous un peu comment vous procédez pour créer ces instruments. Sur quels critères vous procurez vous les éléments? Comment parvenez-vous à vous accorder tous les trois?

Au départ, on trouve les planches de bois ou diverses choses dans la rue. Parfois, on utilise les boites et les canettes de nos repas. Pour l’accordage des boites de bois, c’est le hasard. Avec les ieanieans (instruments d’une corde et caisse de résonance), on accorde en mettant plus ou moins de tension dans la corde, comme pour un violon. Entre nous, on a des façons différentes de fabriquer des instruments: soit en voyant ce qui se passe avec les éléments disponibles, soit en cherchant à retrouver ou modifier un son qu’on aime bien.

Le hoquet est-il un instrument qui, dans votre esprit, vient s’opposer à la technologie grandissante dans le milieu de la musique, celle là même qui a tendance à de plus en plus la dénaturer?

C’est n’est pas facile de séparer le hoquet de Hoquets: les hoquets sont des boîtes, ils ne s’opposent pas à la technologie. Ils sont aussi le fruit d’une créativité. Un hoquet n’est pas contre, un hoquet est pour. Un hoquet est positif. Un hoquet est naturel.

Cette particularité, comme le fait d’appartenir vous aussi au label Crammed Discs, fait inévitablement de vous une version occidentalisée des Konono N°1 et Staff Benda Bilili. En quoi ces deux groupes vous ont influencés?

Ce n’est pas possible que Hoquets puisse être une “version occidentalisée des Konono N°1 et Staff Benda Bilili” car nos expériences de la vie et nos vies quotidiennes n’ont rien à voir. C’est vrai qu’on aime bien ces deux groupes. C’est en leur hommage, et avec respect envers leur travail, qu’on a nommé notre disque “Belgotronics”. Nos instruments et paroles viennent d’une autre réalité, celle de l’Occident. Dans un sens musical, on ne peut pas leur donner plus de poids que les autres groupes qu’on aime bien. Mais par contre, on peut dire qu’on se reconnaît dans cet esprit DIY.

Au delà de son aspect bricolé, votre musique se situe quelque part entre l’indie pop et le punk funk. Est ce la suite logique de vos carrières respectives de musicien? Qu’avez vous fait avant Hoquets?

Maxime a joué dans un groupe plus ou moins post rock appelé Some Tweetlove. Ensuite, il a joué dans des groupes de musique minimaliste et improvisée. Il contribue beaucoup à faire bouger Bruxelles. Sans son travail avec le label Matamore et les concerts qu’il organise, c’est sûr que je serais moins impressionné par ce que la ville offre musicalement. François a joué dans un demi-orchestre qui s’appelait Vive le Rouge!, où il s’est notamment occupé des arrangements etc. Il a aussi un travail artistique et plastique avec notamment ses installations d’automates qui font des sons et des rythmes. Il a fait des installations sonores. Moi, je viens d’un passé punk, improvisation free jazz et musique de chambre, et je continue toujours ce projet personnel. Et quand c’est possible, je joue avec le groupe japonais Maher Shalal Hash Baz, dirigé par Tori Kudo. J’ai aussi d’autres projets avec des amis, à base de percussions ou de basson. Certains iaeniaens sont déjà apparus au sein de ces autres formations, mais pas autant qu’avec Hoquets où nos instruments sont le noyau du groupe.

Quelle est la réaction du public à un concert de Hoquets? Quel sentiment y règne? La curiosité? La fête? La communion?

La réaction du public est une réaction de surprise: les gens ne croient pas que l’on peut faire de la musique qui pète avec ces objets bricolés. Après les concerts, c’est la curiosité. Ils viennent nous voir pour poser des questions et partager leurs idées. C’est vrai que c’est aussi la fête, et la communion a lieu à chaque concert. On habite le même espace musical avec le public: une bulle du temps à Hoquetsland.

Vous êtes tous les trois d’origine différente, pourtant c’est la Belgique que vous avez choisi comme fil conducteur de ce premier album. Pourquoi ce choix? Avez vous déjà pensé à une future thématique pour un prochain disque?

C’est venu comme ça, dès notre premier jam. A partir de là, j’ai continué de chanter et écrire des paroles sur la Belgique. J’ai une couque de Dinant dans ma cuisine, on a joué sur un terril à Charleroi, on fait les découvertes de ce pays, en groupe ou individuellement. On est en Belgique, ce sont donc les choses qui nous entourent qui nous inspirent. Aussi la célébration de choses insolites (la Belgique reste un peu insolite par rapport aux autres pays, non?). Pour le prochain album, il est encore tôt. Pour le moment, on est content d’avoir enfin ce premier disque entre les mains.

Derrière cette bonne humeur et cette naïveté volontaire tout au long de l’album, Hoquets fait-il passer des messages, des critiques? Lesquel(le)s?

Peut être peut-on dire que c’est un guide touristique, plus que des messages ou des critiques. C’est tout le contraire de naïf. On fait de la recherche. C’est comme dire qu’un chimiste est naïf après qu’il ait fait ses expériences! Il fait ce qui arrive naturellement, il partage ses informations. C’est plus naïf d’aller au magasin d’instruments, et d’acheter une boîte de rythme.

Votre approche de la musique me fait penser à celle de GaBlé, groupe français également adepte du bricolage mais dans un genre différent. Connaissez vous ce groupe? Y voyez vous également quelques points communs?

J’ai vu GaBlé seulement une fois au Terra Trema Festival à Cherbourg, en 2006! Par contre, on se connait! Avec mon projet solo, j’ai joué au minimum deux fois chez Matthieu et Gaëlle!  Ils sont gentils, je les aime bien mais je vois pas trop le rapport dans un sens musical. Ils ne font pas de R’n'belge.

Quel disque a changé la vie de chacun de vous?

C’est vraiment pas possible pour moi de cibler un seul disque qui ait changé ma vie. Dans un sens, c’est “Belgotronics”. C’est la première fois que je sors un disque sur un label qui imprime un code barre sur la pochette, et qui le tire à bien plus que deux mille exemplaires. Sinon, c’est l’œuvre de Sun Ra, Double Nickels on the Dime, de Minutemen… Mais en retant honnête, ce sont les concerts qui ont le plus changé ma vie, bien plus que les enregistrements! Ceux de Curtains à Washington en 2001, de Maher Shalal Hash Baz à The Red House à Olympia en 2003, de Deerhoof au Showbox de Seattle en 2003, la centaine de concerts de L’Ocelle Mare que j’ai vu en 2006 et 2007… Ce sont aussi des concerts où j’ai commencé à être ami avec les gens qui ont changé ma vie ensuite. J’ai la chance d’avoir beaucoup plus de disques et vu beaucoup plus de concerts que ça. Je peux presque dire que chaque disque change ma vie car, si je l’aime ou ne l’aime pas, il m’aide à définir mes goûts.

Le mot de la fin?

Ce n’est que le début.

Photos live: (c) morgan cugerone (lecargo.org)

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Pour la première fois, vous avez enregistré dans un vrai studio avec un vrai producteur. Peut-on donc dire que “Highway to Health” est LE vrai album de Pneu?

JB: Bah non, il n’est pas plus “vrai” que “Pince Monseigneur” parce qu’il a été fait dans un “vrai” studio… On est effectivement contents du résultat, qui nous correspond mieux que le premier enregistrement. Mais le but premier était de voir ce que ça donnerait avec un “gros” son, et de se payer l’occasion d’aller aux Etats-Unis, histoire de voir comment ça se passe là bas.

Quels enseignements avez-vous tiré de ces moments passés avec Kurt Ballou? Comment êtes vous entré en contact avec lui d’ailleurs?

Hahaha, surement que tout ce que tu peux croire de quelqu’un dont tu es fan est bien souvent faux… Des mocassins et un chihuahua, voilà la belle vision de Kurt qu’on a eu. Haha, c’est pas beau le hardcore? Sinon, on est rentré en contact avec lui par le biais d’internet: un truc un peu révolutionnaire grâce auquel tu peux écrire à quelqu’un à l’autre bout de la planète, et en quelques secondes il reçoit ton message. Plutôt pratique… Du coup, on lui a demandé ses tarifs, ses dispos, s’il était chaud, et on a fait tam-tam.

Et en ce qui concerne Eugene Robinson, comment se retrouve-t-il sur l’album? Est ce une expérience qui pourrait prédire plus de chant sur les disques à venir?

Il se retrouve sur l’album grâce à un procédé de captation du son de sa voix par un microphone qui, combiné à la technologie d’internet, nous a permis de recevoir en un temps incroyable les sons émis par sa bouche depuis San Fransisco, et de les mélanger aux sons créés par nos guitares et autres batteries à Salem. Chouette non? Sinon, on a tourné avec Oxbow un petit peu en France l’an passé, on a gardé contact par la suite. Ca nous semblait trop beau de l’inviter à la base, mais encore mieux, il était super motivé! Après non, ça ne présage rien du tout, les rencontres donnent juste naissance à ce genre de choses. Si ça doit arriver, ça arrivera. Si ça ne doit pas arriver, ça n’arrivera pas. Et si ca doit peut être arriver, ça arrivera peut être…!

C’est une idée ou cet album possède plus de moments de répit que le précédent? Je pense à “Tropicon” notamment. Est ce un besoin qui s’est fait ressentir en live ou était-ce la clé pour ne pas trop se répéter?

C’est une idée oui… En ce qui concerne “Tropicon”, c’est un morceau un peu particulier parce qu’on ne l’a pas composé comme les autres. Quand on a maquetté nos morceaux, on s’est fait une prise avec des percussions, sans écouter ce qu’on enregistrait à chaque fois, en suivant seulement un clic histoire d’être sur le même tempo. On a enregistré les guitares là dessus par la suite, d’où le côté plus posé du morceau… Et on avait vraiment envie de faire un morceau un peu zouk comme ça sur le disque. Ca le fait surement respirer un peu, mais pour le live, c’est un morceau qu’on ne joue pas. Du coup, il y a toujours pas vraiment de “pause”. Et non, ce n’est pas la clé pour ne pas se répéter, c’est la clé pour rigoler et faire des morceaux qui changent un peu sans se dire que ca va dénoter sur l’album… D’ailleurs c’était un peu le gros challenge de “Highway To Health”: parvenir a faire du Pneu sans faire un second “Pince Monseigneur”. Le pari est plutôt gagné non?

Aviez vous cette obligation en tête au moment de composer ces nouveaux morceaux?

Ne pas faire le même que le précédent, c’est surement un peu le challenge de chaque groupe qui fait un nouvel album. Tant mieux si tu penses qu’on a réussi, on le pense aussi un peu. Mais il n’y a pas d’obligation. Le seul truc étant d’essayer d’être satisfait de chaque morceau que tu composes, ce qui a été un peu délicat dans le cas de “Highway To Health” parce que, à faire les cons et caler des dates de studio aux US dans une période ou on était tous les deux bien occupés, on n’avait plus que trois semaines pour composer la moitié de l’album. Du coup, pas évident de prendre du recul sur les compos… Mais au final, on y est arrivé!

Le groupe s’est créé sans vraiment que ce soit prévu. En tous les cas, c’est la légende qui le dit. Vous confirmez?

La légende est vraie, tu penses bien. C’est pour ça qu’on a un nom à la con comme ça. Si on avait réfléchi deux secondes de plus, ça aurait sûrement été différent.

Au moment de vous lancer, qu’est-ce qui vous a motivés à vous lancer dans ce registre noise-math-rock balancé à bloc?

A vrai dire, on n’a pas vraiment eu le temps de se poser la question. Quand on a monté le groupe, on avait un mois pour faire des morceaux en vue d’un concert. On a donc enchaîné comme on a pu pour en faire un maximum très rapidement. Du coup, ça nous faisait marrer de faire des trucs un peu comptés, avec des structures à la con. Et c’était facile à mettre en place à deux. Mais on ne s’est pas dit “tiens, on va faire tel ou tel type de musique“. Pour le côté énergique, il se trouve qu’on jouait tous les deux dans des groupes un peu bourrins au moment ou on a monté le projet, et on se retrouvait pas mal là dessus. Il était donc évident qu’on n’allait pas faire de la pop. Et l’urgence du moment a aussi contribué au côté assez direct de notre musique.

Est ce qu’il vous est parfois passé par la tête d’élargir le line up pour plus de liberté musicale, ou est ce que Pneu est né et mourra en duo?

Hahahahaha!!! On nous a souvent demandés après certains concerts “hey, mais c’était super, et sinon, vous avez un groupe?“. Je sais pas pourquoi cette question revient souvent, surtout pour les duos. Comme si ce n’était pas vraiment une formule “groupe”. Tu te vois demander à Slayer si ça ne serait pas un peu plus chouette, et si ça ne leur offrirait pas plus de libertés d’avoir un trompettiste? On est deux, et ça suffit amplement. Et en plus de ça, c’est pratique. Après, concernant la liberté musicale, on essaie de nouvelles choses, d’inclure de nouveaux sons, effets, ou peut être même de nouveaux instruments. Mais toujours en duo, oui. On mourra sûrement comme ca, à moins de rencontrer l’âme soeur qui saura s’imposer. Mais j’en doute, on est quand même bien cons et pas très sympas…

Au delà de l’intensité que vous pouvez mettre dans la musique de Pneu, ce qui impressionne aussi est cette facilité avec laquelle vous multipliez les side projects. JB joue non seulement dans Papaye, mais aussi dans Magic Barbecue. Qu’en est-il pour toi Jey? Comment parvenez vous à gérer un tel agenda? Pouvez-vous nous présenter plus en détails ces autres projets?

Oho! Pour ma part, c’est presque vital de jouer un maximum. J’ai tendance à dire oui facilement à de nouveaux projets. J’en ai d’ailleurs accepté un nouveau juste avant de partir en tournée… Après, ça dure ou ça ne dure pas, suivant les attentes. Tout en sachant que Pneu reste le gros de l’histoire, étant donné le nombre de dates qu’on fait pour se sentir bien! Du coup, parler de ses propres groupes n’est pas ma chose préférée… Alors que te dire..? Papaye, c’est super, j’aime vraiment ce groupe, ça rigole à gogo, même si c’est le cas avec tous les groupes. On fait une sorte de pop pour enfants hyperactifs mais déficients mentaux, avec deux supers guitaristes: Chacha de Room 204 et Franky de (feu) Komandant Kobra. Ca irait comme définition? Et Magic Barbecue, mon truc solo, je ne sais pas quoi en dire. C’est vraiment un passe temps. Par exemple en ce moment, je pense à tout sauf à ca, je n’ai vraiment pas un instant pour ça. Et je dois aussi avouer que ca représente un maximum de stress pour moi, de jouer tout seul, de dépendre de pédales à la con qui ne fonctionnent qu’une fois sur deux… Je pense que je vais continuer, mais bien plus tard et avec une autre formule… A voir. Mais musicalement, c’est un truc plutot débilo noise garage exotic… Pour ce qui est de l’agenda, ça se fait assez naturellement, on a fait une longue pause de Pneu après l’enregistrement, ce qui nous a permis de tourner à bloc avec Papaye, de mettre un peu de Barbecue au milieu de ça. On s’arrange quoi… Puis là, on relance Pneu, avec une mini tournée de Papaye entre deux voyages à deux. Mais Jey vient quand même, il s’occupe du son de Papaye sur cette tournée! L’idée, c’est qu’on n’a pas souvent l’envie d’être chez nous. Enfin si, mais pas trop longtemps, alors on ne voit aucun problème à ça. C’est juste la vie sociale qui peut devenir difficile de temps en temps. Mais on s’en fout, on est des cons!

Vous avez pris part à la Colonie de Vacances qui a rencontré un joli succès en fin d’année dernière. Comment expliquez-vous que le public se déplace en masse pour des concerts aussi pointus? Effet de mode ou conséquence logique de l’énergie dépensée par chacun des groupes?

En fait, on était plutôt surpris du succès de cette tournée, mais ça ne doit pas vraiment avoir de rapport avec un quelconque effet de mode. Parce que si nos groupes étaient à la mode, ça se saurait, et les kids en slim viendraient plus nombreux voir nos concerts, et acheter tous les produits dérivés qu’on fabriquerait. T’imagines un peu une petite figurine en plastique de Rico de Papier Tigre qui cligne des yeux hyper vite, et qui chante quand tu lui actionne le bras? Ca s’arracherait à coup sûr…! Mais non, on est juste des groupes qui perdurons dans le temps, avec une même vision et un même rapport à la musique: l’envie de jouer un maximum, peu importe l’endroit, le pays ou le public, et surtout une grosse envie de se marrer. Et ces quatre groupes ne représentent qu’une infime partie de tous ceux extrêmement actifs en France. Et ne parlons pas de l’Europe! A notre avis, le fait de réunir quatre groupes que les gens ont l’air d’apprécier crée quelque chose de fort, mais ce quelque chose est vraiment porté par les gens qui nous font jouer, ou les labels, tous aussi actifs que nous, même si d’une autre manière certes. Et aussi l’évidence de l’entente entre nous tous (les quatre groupes et les orgas). On est des copains, on l’a beaucoup dit, on le dit beaucoup, et on le dira beaucoup. Voilà tout!

S’il devait sortir une seule anecdote de cette tournée, ca serait laquelle?

Impossible à dire, il y en a eu trop… On a qu’à dire que cette tournée en elle même représente l’anecdote de 2010 pour nous tous!

Vous faites partie de ces groupes qui ont réussi à familiariser les salles avec les concerts joués dans le public. Est ce que vous avez souvent fait face à des refus? Est-ce qu’il a été difficile de faire entrer ça dans les esprits?

En règle générale, on est plutôt peu confronté à ce genre de problèmes étant donné qu’on joue majoritairement dans des endroits ou il n’y a pas vraiment de scène, ou alors les organisateurs s’en foutent. C’est plutôt dans les salles officielles que ça peut faire flipper les gars de la sécu, ou autres régisseurs techniques. Mais c’est le deal, et les organisateurs sont au courant maintenant. On a eu une fois le cas ou il était impossible de jouer au sol parce que la salle était pleine à craquer. C’était jouer sur scène, ou ne pas jouer. On l’a fait, mais on était très mal à l’aise. C’est arrivé une autre fois en Espagne. Là, c’était à cause du bruit et des voisins, alors on a demandé au public de monter sur scène avec nous, et c’était vraiment chouette. De toutes façons, on n’aspire pas à jouer dans des gros lieux, avec beaucoup de monde, donc la formule au sol passe plutôt bien.

Qu’écoutent les mecs de Pneu en général ? Vos derniers achats/téléchargements illégaux?

On écoute de la musique. Ha, derniers disques de chevet…
Dans le désordre pour JB:
- “Calamity” de The Curtains
- la collection complète de Steve Reich
- “Libérez La Bête” de Casey
- “Tropicalia: a Brasilian Revolution in Sound” (compilation)
- “CuTe HoRSe CuT” de GaBlé
Et pour Jey:
- des vieux trucs de country-blues-folk comme Elizabeth Cotten, Mississipi John Hurt, John Fahey…
- Tu Fawning, la beauté en live!
- “Analphabetapolothology” de Cap n’Jazz. La réédition en viny, je n’ai pas pu m’empêcher.
- “CuTe HoRSe CuT” de GaBlé. Chouperbe!
- Parmesano, du tropical indie rock de Barcelone. Mortel!

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Chris, on ne te connait que depuis ton album “Ctrl+Alt+Delete“. As tu joué dans des groupes ou sous d’autres pseudonymes avant ça?

Free The Robots: Oui, j’ai commencé en tant que DJ. Je creusais, et au fur et à mesure, j’étais de plus en plus intéressé par la musique. Je me suis mis à jouer des instruments plus traditionnels comme la guitare et la basse. Puis j’ai intégré des groupes de punk, il y avait une scène de fou là où je vivais. Quand tu vis dans un endroit aussi ennuyeux, tu essayes de comprendre le moindre soupçon de culture qu’il y a autour de toi. Les punk kids et les hip-hop kids commencèrent à s’afficher ensemble. C’est comme ça que j’ai commencé à jouer dans des groupes des deux styles, à élargir mon champ d’action.

Et quand as tu commencé Free The Robots?

C’était en 2004. C’était un side-project à la base. Je jouais dans un groupe à l’époque, et j’essayais d’expérimenter des trucs avec eux, de voir ce qui pouvait sonner. C’était du rock progressif expérimental, et je me suis mis à me prendre plus au sérieux. Pour faire quelque chose comme Free The Robots, il faut entrer dans une démarche personnelle, j’avais envie de tester différentes choses.

Free The Robots - “Select/Start”


Tu voulais être seul?

Oui, c’est génial de jouer dans un groupe, il y a cette synergie, cette capacité à s’améliorer mutuellement. Mais à un moment, tu peux te sentir coincé avec les gens avec qui tu bosses. Je voulais expérimenter plus, amener ça plus loin. Et la meilleure chose à faire pour y arriver, c’était juste de le faire moi même!

Et toi Sweatson? Quelle est l’histoire de Take?

Take: Je vais essayer de faire court. J’ai aussi joué de la guitare et de la basse dans des groupes quand j’étais adolescent. Plus tard, j’ai découvert le hip-hop, et j’ai commencé à mixer. C’est devenu du sérieux à partir de 1996/97. Je collectionnais les disques de hip-hop, j’apprenais le travail de DJ, puis j’ai eu envie de faire la musique moi-même, produire les beats que j’entendais. J’avais une boîte à rythmes, un sampler, et j’apprenais à comprendre comment faire du hip-hop. En parallèle, j’ai toujours été super ouvert à d’autres genres musicaux: jazz, rock, heavy metal, musique classique… Du coup je me suis un peu senti limité avec le hip-hop, et je voulais étendre l’idée de hip-hop, en y insufflant toutes mes idées relatives à la musique. C’est ce que le nom Take signifie. Ca n’est pas pour “I wanna Take your money“! La musique est mon vecteur pour faire passer des choses, je les “prends” et les fait passer dans mon filtre. Mon premier disque est sorti en 1999, donc ça fait longtemps que je raisonne de cette manière!

Take - “Neon Beams”

Free The Robots, sur ton dernier album, on peut entendre des influences Jazz (”The Eye”), 8Bits (”Select/Start”),  orientales (”Turkish Voodoo”), Gypsy (”Wandering Gypsy”). Quelles sont tes influences?

Free The Robots: Un peu tout ça! J’adore le jazz, le funk, le rock psychédélique, la musique turque… Voilà une grosse partie de mes influences, mais plus je découvre de nouveaux sons, plus j’ai envie de creuser et de m’en inspirer.

Tu as quoi dans ton iPod?

Beaucoup de jazz, des trucs tranquilles. J’essaye de ne pas écouter de beat music, de dubstep et ce genre de choses. Je suis un “headphone-music-guy”, tu vois!

Take, j’ai lu ta biographie sur ton website, dans laquelle tu décris ton son comme une “musique qui prend ses racines dans le hip-hop, mais dans un vaisseau se dirigeant vers un monde meilleur”! Qu’est ce que ça veut dire?

Take: L’une de mes plus grandes influences est le hip-hop. Je le prends et l’emmène dans un nouvel endroit. Quand cette phrase a été écrite il y a quelques années, je sentais que le hip-hop stagnait, craignait un peu. Je voulais emmener cette musique au niveau supérieur, l’expérimenter, sans rester enfermer dans la formule de base.

Comment as tu choisi les remixeurs de “Only Mountain“? Des potes?

Oui, uniquement des potes! J’aime leur musique, et pour être honnête, il y a d’autres remixes qui ont été fait mais qui ne rentraient pas dans le contexte de l’album. Il y a Teebs, Shlomo, Architect… On a du retirer ces morceaux, non pas parce qu’ils n’étaient pas bons, mais je voulais que ça puisse s’écouter comme un vrai album. Je les ai choisis parce que je trouve qu’ils apportent chacun une touche spéciale en remixant mes morceaux.

Take - “Before You Think” (Free The Robots Remix)

Par exemple, il y a un remix de Free The Robots. Qu’aimes tu dans son travail?

J’aime bien le côté “dur” de sa musique. Ce que j’aime beaucoup dans son approche, c’est qu’on peut sentir dans ses morceaux qu’il ne se force pas, il a son propre son et tu sens que ça vient du coeur et de l’âme. Je pense que Chris et les autres remixeurs de l’album ont vraiment un son propre à eux-mêmes et c’est très important pour moi. Tu sais, dans la scène Beat Music, il y a de plus en plus de sons qui commencent à se ressembler, ça devient déjà une formule, il y a trop de trucs à la Flying Lotus, Samiyam…

Et toi Chris, qu’apprécies tu dans la musique de Take?

Free The Robots: Son côté atmosphérique et massif à la fois. C’est très mélodique, ça n’est pas que des beats, c’est carrément des chansons. C’est novateur, il y a des beatmakers et des… songwriters, comme Take!
Take: Merci! (petite accolade, ndlr)

Chris, peux tu nous en dire plus sur le Crosby?

Free The Robots: Le Crosby est le bar-restaurant que j’ai ouvert il y a trois ans. En parlant de ça, je vais louper le troisième anniversaire à cause de cette tournée  J’ai eu une opportunité et j’ai sauté dessus. Je vis au sud de Los Angeles. C’est un endroit où les gens ne vont pas trop, mais il y a une scène artistique émergeante. Et j’aime bien inviter des artistes de L.A. ou du monde entier pour exposer leurs œuvres dans mon resto. Et moi je contribue au côté musical de l’endroit. J’aime l’équipe, les chefs sont incroyables, et c’est une vraie famille!
Take: C’est aussi un bar live.
Free The Robots: Oui, on y organise des concerts. Pour moi, c’est énormément de boulot, mais comme il y a 24 heures dans une journée…
Take: Je sais pas comment il fait ! (rires). Il a Free The Robots, il est manager d’un bar-restaurant, il organise des évènements musicaux… Je ne vois pas comment c’est possible…
Free The Robots: Je ne me repose pas beaucoup… C’est psychotique. Je devrais allumer un cierge pour que ça continue comme ça, mais je prends beaucoup de plaisir, et je trouve ça bien d’avoir la possibilité de partager avec les gens ce que je pense être la vraie drogue. C’est assez nouveau, c’est un Orange County! Et c’est bien d’être un “starter” à ce jeu.

C’est donc une combinaison entre l’art, la musique et la nourriture… Quel est ton plat préféré?

Oh mon Dieu… En top 3 je dirais la sole, le… Ah le nom m’échappe, je devrais savoir, c’est mon bar! Une soupe avec des fruits de mer… Et le filet mignon!

Et toi Take?

Take: Waow, c’est dur parce que je suis aussi un chef. Si je ne faisais pas de musique, je serais sans doute en train de cuisiner et d’ouvrir un restaurant. Je suis un fishman, j’aime beaucoup le poisson, les légumes… Honnêtement, je ne peux pas vraiment répondre à ta question!

Revenons donc à la musique. Take, tu as sorti des morceaux et des EPs sur de nombreux labels différents. Pourquoi bouges tu de label en label comme ça? Est ce que tu es à la recherche du meilleur?

Je ne pense pas que le label parfait existe. Je suis fan des nouvelles expériences, et changer de label est une manière de construire de nouvelles choses, avoir de nouvelles relations. J’aime ce genre d’expérience, je m’ennuie très facilement tu vois. Je veux rencontrer de nouvelles personnes, toucher de nouveaux marchés, sortir des disques sur d’autres labels. Ça ne m’intéresse pas de signer un contrat pour trois ou cinq albums. En général, je signe des deals pour un disque, et si ça se passe bien, on peut envisager de continuer ensemble. Mais ça n’est jamais une fin malheureuse dans la relation, c’est juste que j’aime bouger. Tu n’aimes pas manger la même chose tous les jours, visiter les mêmes pays chaque fois que tu voyages…

Et comment êtes-vous arrivés chez Alpha Pup?

Le boss, c’est Daddy Kev, et il s’occupe aussi du Low End Theory, un club de Los Angeles. Cet endroit est une espèce de point de rencontre pour tous les producteurs, les music-makers, les DJs… C’est une communauté. Daddy Kev était un fan de ma musique, et il m’a dit qu’on devrait faire un truc ensemble. Let’s do it!
Free The Robots: J’ai aussi rencontré Daddy Kev pour la première fois au Low End Theory. C’était via mon pote The Gaslamp Killer, qui y mixait depuis des années. Il me l’a présenté et m’a aussi mis devant Prefuse 73, et c’était mon premier show sous le nom Free The Robots! Après le concert, il m’a dit qu’il fallait que l’on fasse quelque chose. Depuis ce jour là, Daddy Kev est un peu mon père spirituel, et musicalement parlant pour moi ça a du sens de travailler avec lui.

Il y a définitivement un nouveau mouvement hip-hop à L.A. Comment expliquez-vous cela, qu’y a t-il dans cette ville qui connecte tout le monde autour de cette scène, le “L.A. Beat”?

Free The Robots: Oui, il y a effectivement cette synergie entre tous les artistes. Il y a ce respect mutuel pour chacun, tout le monde aime le son de l’autre et le joue, en fait la promo. C’est une belle communauté! Ce qui se passe à L.A. est cool. Tout le monde est pote, se file un coup de main, c’est pourquoi cette scène est en bonne santé et évolue rapidement!

Mais pourquoi ce type de son?

Euh… Bonne question! (rires) Je ne saurais pas te dire, mais je pense qu’il y a pas mal de nerds qui partageaient tout. Myspace a joué un rôle très important dans le développement de cette scène. C’est vrai que c’est assez fou, il y a tellement de producteurs dans ce style maintenant.

Quelle est votre formule live?

Take: J’utilise un Akaï MPD32 et un laptop avec Ableton Live. Parfois j’ai un iPad, un clavier midi… Je joue ma musique, le son des potes ou d’autres artistes que j’aime.

Tu ne joues pas uniquement tes morceaux? C’est un mélange entre live et DJ set?

Exactement. C’est chiant de jouer tout le temps ses propres morceaux. C’est plus fun quand tu joues la musique d’autres artistes, ça rend le set plus dynamique. C’est une sorte de remix géant. Tu sais, tu écoutes tellement ta propre musique quand tu la crées que parfois… tu n’as plus envie de l’entendre! Je déteste ma musique! (rires)
Free The Robots: Pareil que monsieur Take! Il est un peu plus technique que moi, mais j’apprends encore et je prends du plaisir!
Take: Il fait ça bien!
Free The Robots: Parfois on est deux sur scène. Sur le premier EP, il y a un côté plus jazzy, et j’ai un pote qui jouait du clavier. Avec le nouvel album, j’avais envie de le prendre avec moi, mais tu sais, ça devient compliqué quand tu voyages autant…

Je pense que beaucoup de MCs aimeraient rapper sur tes beats… Pourquoi ne fais-tu pas appel à eux?

Oh, j’aimerais beaucoup! En parallèle, je travaille sur d’autres projets avec mon pote Nocando, Busdriver, d’autres mecs de L.A… Free The Robots est un projet plus instrumental, mais je fais toujours des beats pour des MCs! Le hip-hop est une partie de ma vie et le restera toujours.

Et toi Take, as tu pensé à inviter des MCs ou des musiciens sur tes morceaux?

Take: J’adorerais! Je suis en plein dans le process, j’essaye de trouver les bonnes personnes. Je suis très exigeant à ce sujet. Je cherche des voix féminines…

As tu déjà des idées?

Non, pas vraiment. Les seules idées que j’ai, ce sont des gens qui jouent ou chantent déjà dans des groupes, et ils sont devenus trop gros pour rejoindre mon projet. Pour ceux et celles qui lisent cette interview, si vous êtes intéressés pour collaborer avec moi, contactez moi, je suis facile à trouver sur le net! Envoyez moi du matos, envoyez moi votre musique, je suis prêt à vous entendre, en particulier votre voix…

J’adore l’artwork de vos albums, cette grande main pour Free The Robots, et cette forme abstraite et colorée pour Take. Y a t-il un sens caché chez chacun d’eux?

Free The Robots: La main? Aucune signification! (rires). C’est une image que j’ai trouvé dans une encyclopédie. Mais si tu regardes, c’est une main ouverte, on voit les veines, ça pourrait être celle d’un robot! On dirait la main de Terminator… Mais ça n’a aucun sens, c’est juste que j’aimais bien! Je pense que ça arrive à tout le monde d’aller sur le net, de trouver par hasard une image cool et l’utiliser simplement sans texte, sans rien d’autre. J’aime la couleur, ça colle avec le côté dark du disque.
Take: La mienne a été faite par une amie artiste, Aili Schmetz. Elle est super, je suis un gros fan de son travail. Je lui ai demandé si elle voulait contribuer à mon album. Elle m’a invité dans son studio, j’ai vu ses peintures et j’ai flashé sur cette pochette. Pour moi, c’est celle qui représentait le mieux ma musique. C’est calculé, abstrait et atmosphérique en même temps. Ça montre la balance entre la confusion et la beauté. C’est un peu ce que représente le titre de l’album, “Only Mountain“. Je l’ai composé à un moment de ma vie où il se passait plein de choses. Ce titre vient du fait que j’étais triste, déprimé, et quand je regardais autour de moi, la seule chose que je pouvais voir, c’était cette montagne. Une montagne que je devais franchir pour me sortir de là.

Et toi Chris, d’où vient le titre “Ctrl+Alt+Delete”?

Free The Robots: C’est plus drôle en ce qui me concerne. J’ai composé cet album sur un ordinateur vraiment merdique que j’avais depuis 1998. Il plantait tout le temps, c’était ce qu’il y avait de pire au monde pour terminer mon album. Tu ne t’imagines même pas combien de fois j’ai du taper Ctrl Alt Delete… Non stop! Et, à un moment, je me suis dit: “Dude, ça ferait un titre mortel pour un album!“. Et il y a un lien avec le nom Free The Robot. Quand tu presses ces trois touches, c’est comme si tu libérais…le robot! (rires) Et Daddy Kev a trouvé ça cool aussi, donc on l’a adopté!

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Pour “Hardcore Will Never Die But You Will”, c’est la première fois que vous travaillez en toute autonomie via votre label Rock Action. En quoi cela a changé quelque chose?

Stuart Braithwaite: Honnêtement, ça a demandé beaucoup plus de travail, nous étions beaucoup plus impliqués dans chaque étape du processus. Cette fois, nous sommes allés un peu plus loin que la simple composition et le choix de la pochette. Il n’y a qu’en ce qui concerne la composition finalement que cela n’a rien changé, nous sommes toujours guidés par l’unique désir de satisfaction. On veut juste être contents de ce qu’on a fait lorsqu’on écoute l’album à la fin.

Certains morceaux comme “Mexican Grand Prix” sont un peu plus dancefloor que ce que l’on a pu écouter sur de précédents albums. Est-ce la direction vers laquelle se dirige Mogwai désormais?

On n’envisage pas trop les choses de cette façon à vrai dire, nous essayons avant tout de faire les choses de façon naturelle et spontanée. Disons qu’on avait envie de s’amuser avec la batterie, et que c’était l’inspiration du moment. Et si la direction de Mogwai pouvait simplement être de continuer de créer de bonnes chansons, personnellement, ça m’irait très bien.

Il y a une autre évolution dans le son de Mogwai: le clavier a beaucoup remplacé le piano sur cet album…

Barry Burns, qui est le pianiste et l’organiste du groupe (il a rejoint le groupe à partir de “Come On Die Young”), est très présent dans la composition des morceaux. Du coup, la tonalité dépend vraiment de ses inspirations du moment. En fait, ça illustre assez bien le coté spontané que j’ai évoqué précédemment. Il se trouve que Barry a acheté pas mal de synthés récemment, et qu’il s’amuse beaucoup avec. Je crois que c’est la raison pour laquelle le clavier est très présent sur cet album tout simplement.

Comment choisissez vous les titres de chansons? Visiblement, ca n’a pas grand chose à voir avec la musique? (”You’re Lionel Richie”, “How to Be a Werewolf”…)

Oui, c’est vrai, ça n’a aucun lien. En général, c’est quelque chose qui a attiré notre attention ou qui nous a fait rire, un truc un peu pris au hasard dont nous aimons la tonalité. Mais je confirme, ça n’a pas grand chose à voir avec la musique. Le titre du dernier album, par exemple, est tiré d’une scène a laquelle assisté un de nos voisins. C’était lors d’une dispute entre un type et un responsable de magasin, pour une histoire de vin je crois bien. Le responsable ne voulait pas céder à sa demande, et c’est là que le type lui a sorti: “Hardcore Will Never Die, But You Will!“. On a trouvé ça excellent, on s’est dit que ça ferait un bon titre d’album.

Peux-tu nous en dire un peu plus sur le deuxième CD qui contient ce fameux morceau de 26 minutes “The Singing Mountain”?

C’est un morceau qu’on a composé l’année dernière pour Douglas Gordon. Douglas est un artiste pour lequel on a déjà écrit “Zidane” en 2006. Il travaillait sur un nouveau projet, et nous a demandé si on pouvait composer quelque chose pour lui. Son projet était présenté dans le cadre du festival d’art à Emscher Island, en Allemagne. Nous n’avons malheureusement pas eu l’opportunité d’aller le voir puisqu’on bossait activement sur notre album. Mais oui, je trouve également que c’est un bon morceau. Il est vraiment diffèrent de ce qu’on peut entendre sur l’album, et je suis content que les gens aient l’opportunité de l’écouter. Et puis, ce CD à le mérite de prouver qu’on peut être aussi assommants dans le rythmé que dans le contemplatif (rires).

Aimeriez-vous à nouveau composer la musique d’un film, comme vous avez pu le faire avec “Zidane”?

Oui, on aimerait bien. Un film d’horreur par exemple, moi j’adorerais. Mais on est ouvert à tout. Enfin bon, je ne suis pas certain que notre musique puisse vraiment coller sur une comédie non plus. (rires)

Vous n’êtes pas très adeptes des featurings, ou des invités plus généralement, qu’ils soient musicaux ou vocaux. Y a t-il des raisons à cela?

Sur le nouvel album, il y en a, mais c’est vrai qu’on le fait assez rarement. La difficulté majeure des featuring c’est que, par la suite, il est assez délicat de jouer le morceau live et c’est d’autant plus vrai quand l’intervention est singulière. On a rencontré ce problème avec des titres de l’album “Rock Action” par exemple, celui dans lequel Gruff Rhys de Super Furry Animal a participé. Donc nous limitons un peu les participations extérieures c’est vrai. Mais c’est surtout pour être en mesure de pouvoir les jouer par la suite.

En France, Mogwai est souvent étiqueté comme le roi du “post rock”. Que penses-tu de ce statut?

Je ne suis pas très fan de cette expression, mais je comprends bien l’idée. Quand on a débuté, il y avait des groupes instrumentaux ou quasi instrumentaux comme Tortoise ou Godspeed You! Black Emperor qui cartonnaient, et ce terme a permis de les regrouper dans un courant musical. Personnellement, je ne l’utilise pas, je pense que nous sommes avant tout un groupe de rock’n roll et que notre musique n’est pas si éloignée de Joy Division ou Sonic Youth. Je ne prétends pas être à la hauteur de ces groupes en disant cela, je parle juste de ceux que j’affectionne, ceux qui ont eu une réelle influence sur nous.

Ecoutes-tu plutôt du contemporain ou es-tu amateur de courants musicaux plus anciens?

Les deux, vraiment. J’écoute pas mal de vieux trucs c’est vrai, mais qui sont des découvertes pour moi. J’adore découvrir de vieux morceaux de blues par exemple. Mais, honnêtement, je peux autant m’exalter sur un morceau de hip hop, que sur de l’electro ou un groupe de guitares. Pourvu que ce soit de la bonne musique.

Ton disque du moment?

J’écoute beaucoup Belong, un groupe américain qui a sorti un premier album intitulé “October Language” il y a quatre ou cinq ans et que j’ai écouté en boucle pendant un bon moment. Ils viennent de sortir “Common Era”. C’est très diffèrent mais tout aussi bien, avec pas mal de bons jeux de batterie dedans.

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Qui est The Electric? Peux tu nous présenter un peu ce nouveau projet?

Vadim: The Electric, c’est premièrement et principalement, le grand Pugs Atomz, MC de Chicago, animateur radio, graffeur, professeur, skateboarder, videaste professionnel, designer de vêtements… Tout ça!
Pugs Atomz: Et bien sûr, le super, le globe-trotter, l’extraordinaire, l’extravagant… Daddy V aka DJ Vadim, producteur de The Electric entre autres excellents artistes. Et bien sûr, la jolie chanteuse Sabira Jade, “ballady-address”…
Vadim: “Ballady-address”?
Pugs Atomz: Elle amène le soleil dans la musique et de l’espoir dans le monde…!
Vadim: C’est un nouveau mot. J’aime ça.

Comment ça se passe sur scène? C’est seulement vous trois, ou vous avez un live-band?

On a des configurations différentes pour le show, tout dépend où et quand on le fait. Ce soir, c’est nous trois, le noyau. Parfois, on a The Imaginations, deux incroyables chanteuses qui font les chœurs. D’autres fois, on a aussi un clavier, des percus, une batterie… Ca dépend aussi du budget. On essaye de faire ça aussi “live” que possible. Et enfin, nous avons un membre spécial de The Electric: Florent, venu d’Angers, the french connexion!

Dans “Life Is Moving”, on peut entendre du hip-hop, du funk, de la soul, de l’électro, même de l’afrobeat. Qui sont vos professeurs, vos grandes influences?

Sabira Jade: Vadim est mon professeur! Sérieusement, j’ai appris beaucoup de lui et de Pugs. Si tu veux parler de professeurs, j’ai eu une prof bouddhiste, très cool. Mes inspirations sont bien sûr tous les grands chanteurs classiques comme Stevie Wonder, Erykah Badu, Aretha Franklin, puis des chanteurs underground contemporains que personne ne connaît mais qui m’inspirent définitivement.
Pugs Atomz: Les classiques aussi, EPMD, les leaders de la nu-school, Lupe Fiasco… Pas mal de choses, toute la bonne musique underground. Je fais de la radio, donc j’écoute toujours les artistes de demain plutôt que les artistes à la mode, des artistes qui n’ont pas peur de faire des erreurs.
Vadim: Comme eux, évidemment des légendes comme Miles Davis, John Coltrane, Marvin Gaye, James Brown, Georges Clinton, Bob Marley…

Pas mal de jazz et de soul aussi j’imagine…

Dans les artistes old school, oui, mais pas seulement. J’écoute aussi les Beatles, les Rolling Stones, Franck Zappa, du rock psychédélique. Mais je pense qu’il y a beaucoup plus de genres de musique aujourd’hui qu’il y a 40 ans. Il y a 40 ans, c’était soit de la soul, soit du rock, soit du classique. Puis le rock est devenu punk-rock, hard rock, blablabla… J’écoute aussi des chanteurs contemporains, qu’ils passent à la radio ou non. De Jay-Z à Beyoncé… Puis des artistes émergents. C’est très important pour moi de savoir ce que les gens aiment. Ce n’est pas forcément pour qu’ils m’aiment aussi, mais c’est pour voir les directions que prend la musique. Etre DJ m’aide pour mes productions parce que je sais ce qui est populaire et ce qui ne l’est pas. C’est toujours génial de tomber sur quelqu’un dans un endroit au hasard, quelque part dans le monde, qui fait de la musique incroyable. Une belle voix, de la trompette, un bon beat, peu importe tu vois? Always looking, always searching!

Je me demande aussi pourquoi tu changes aussi souvent de label. Ninja Tune, BBE, et aujourd’hui Organically Grown Sounds. Est-ce un choix?

Je ne dirais pas que je change “souvent”. J’ai commencé ma carrière sur Jazz Fudge, mon propre label, en 1995. Ensuite j’ai signé chez Ninja Tune et j’y suis resté de 1996 à 2006, ça fait dix ans. Puis je suis allé chez BBE pendant quatre ans, jusqu’en 2010. Et l’année dernière, j’ai décidé de créer à nouveau ma propre structure avec Yarah Bravo. Je sentais que j’avais les possibilités de tout faire moi-même. Beaucoup d’artistes changent de label beaucoup plus régulièrement que ça!

Sur le website de The Electric, on peut lire une citation de Bob Dylan: “Beaucoup de gens n’aiment pas les tournées, mais pour moi, c’est comme respirer”. Je suppose que tu es dans le même état d’esprit…

Oui, j’aime tourner, je trouve ça tonifiant, ça me maintient jeune, m’aide à rester sur pieds, à rencontrer des gens, comme les Young Fathers ce soir (la première partie du show, ndlr). Je découvre aussi de la musique. On est allé voir un spectacle au Moulin Rouge à Paris et, à la sortie, on m’a donné un flyer pour une chanteuse appelée Selah Sue. Je n’avais jamais entendu parler d’elle. Sabira en avait entendu parler. Du coup, j’ai chopé l’album et remarqué qu’elle avait une très belle voix, qu’elle faisait de superbes chansons. C’est marrant, je découvre plein de bonne musique comme ça, juste en changeant d’endroit, de pays. Parfois tu dois quitter ta ville pour trouver de la musique de ta ville. Il m’arrive même de trouver du son de Londres ou d’Angleterre lorsque je n’y suis pas!

Quelle est “the place to be” pour donner un concert?

Sabira Jade: Lille! (rires) C’est toujours bon d’apprécier l’endroit où tu es sur le moment, mais il faut dire que la France nous donne beaucoup d’amour! Chaque fois qu’on va à Paris, ça tue.
Pugs Atomz: A Strasbourg, c’était vraiment bon aussi.
Vadim: Pour moi, c’est Paris et Londres. La semaine prochaine, on va aux States, et j’espère que ça va être intéressant. On va faire Chicago, L.A., San Francisco… The Electric est nouveau, et on est vraiment content de pouvoir faire écouter tout ça aux gens à travers la tournée, en avant-première (l’album n’était pas encore sorti partout dans le monde au moment de l’interview, ndlr), et de voir leur réaction.

Et comment l’aventure The Electric a t-elle commencée?

Sabira Jade: The Electric a commencé sur la tournée de l’album précédent, “U Can’t Lurn Imaginashun”. Vadim a tiré nos noms dans un chapeau, moi et Pugs, et ça a plutôt bien marché!
Pugs Atomz: Nos voix et nos idées fonctionnaient bien ensemble, on a commencé à enregistrer des morceaux pendant la tournée, ça s’est fait facilement! Tout est venu naturellement.

Vadim, tu es aujourd’hui entouré de deux supers MCs, tu as collaboré avec beaucoup d’artistes. Y a t’il encore des MCs ou des musiciens avec qui tu aimerais collaborer de cette manière?

Vadim: Il y a toujours des gens qui ont une voix que j’apprécie. Mais tu sais, honnêtement, je pense que j’ai ma Dream Team ici! Et je ne suis pas vraiment dans l’optique de chercher quelqu’un d’autre. Il y a eu une époque, il y a environ trois ans, où je cherchais activement des chanteuses avec qui travailler. J’ai envoyé des e-mails à quelque chose comme 78 artistes. J’étais en contact avec elles, et Sabira en faisait partie. Je leur ai envoyé du son et…personne ne me répondait! Les MCs comme Pugs m’ont renvoyé des trucs, en me disant que c’était cool. Par contre, je n’avais aucun retour des chanteuses, ou alors que des réponses évasives. Personne ne me disait si c’était bien ou pas… Putain, je détestais ce silence! Je disais à ma femme: “Mais merde, qu’est ce qui se passe, pourquoi elles ne me répondent pas?“. Elle me disait d’attendre un peu, qu’elles étaient peut être occupées ou stressées… Et d’un seul coup, j’ai reçu toutes les réponses en une semaine! Elles étaient emballées, me disaient: “j’adore, on va l’enregistrer!“.
Pugs Atomz: On dirait qu’il existe un “singer time”!
Vadim: Oui, un “singer time” et un “rapper time”! Maintenant, je n’ai plus le temps de faire tout ça, et de toute façon j’ai la meilleure équipe autour de moi!
Pugs Atomz et Sabira Jade: Oooooooh !

J’ai jeté un œil à votre website. Quel est le concept des minimix?

Vadim: C’est un outil pour faire la promo de la musique qui vient de mixcloud ou autres plates-formes, c’est un peu le concept de la mixtape, un petit bout d’un artiste qui veut qu’on consomme sa musique.
Pugs Atomz: On choisit des DJs que l’on respecte, et qui donnent leur vision de The Electric. Car chacun voit la musique différemment, et chaque DJ présente notre son à sa manière. On retrouve les valeurs du hip-hop, la fraternité, l’idée de crew, de bosser et d’avancer ensemble.
Vadim: Pour le moment, on a le japonais Kentaro, le brillant DJ Intel de Chicago, et moi. Ce sont trois megamixes différents sur la base de notre album. On a chacun choisi des morceaux différents, en les mettant dans un ordre différent…
Pugs Atomz: C’est marrant de voir comment les DJs peuvent utiliser la même musique de manière complètement différente.

Autre chose à propos d’internet, on peut choper gratuitement un EP rien qu’en vous ajoutant en ami sur Facebook!

Pugs Atomz: Oui, c’est un EP 5 titres avec les débuts de The Electric, à l’époque où l’on apprenait encore à se connaître sur scène.

Vadim, peut-on s’attendre à revoir un jour sortir un album purement solo de DJ Vadim?

Vadim: C’est marrant que tu dises ça! Parce que ça fait longtemps que Yarah me pousse à faire un album instrumental. C’est vrai que mes albums sont plus “vocaux” depuis un certain temps, et j’ai envie de faire un disque principalement instrumental. C’est quelque chose que je dois me forcer à faire. Il y aura peut être deux versions, dont une vocale, et ça sera sûrement différent de The Electric, peut être plus électronique.

Merci!

Vadim: C’est tout? (en français dans le texte, ndlr)
Florent: Je peux ajouter un petit mot? C’est la dernière date en France et je tenais à les remercier pour les dix jours que j’ai passé avec eux. C’était une très bonne expérience qui va continuer j’espère!

Tu les as donc accompagnés sur la tournée française?

Oui, en étant leur chauffeur, leur photographe, en étant la personne qui allait chercher les pneus en essayant d’avoir des prix! (Florent a répondu à l’annonce de The Electric sur leur mur facebook, ndlr).
Vadim: Il est tout!
Florent: Je tenais à les remercier parce qu’ils sont tous un peu plus vieux que moi, tous connus, ou en voie de l’être, et c’est très important pour moi d’avoir pu bénéficier de cette expérience. Merci à Vadim, à Sabira et à Pugs from Chicago!

Vous pouvez lui dire merci aussi!

Vadim: Merci d’avoir été une partie de nous! C’est une super expérience, tu es un bon partenaire! (ils se font tous un gros câlin, ndlr)

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Four Tet, Clark, In Flagranti, Tortoise, Interpol, TV On The Radio… En invitant autant de gens sur ton nouvel album, n’avais tu pas peur que le résultat parte dans tous les sens?

Beans: Non, je n’avais pas la moindre appréhension! Tous ces artistes sont des gens que j’ai choisis, c’était mon idée, ce disque DEVAIT partir dans toutes les directions. C’était le but.

As tu donné des “instructions” à tes invités, ou avaient-ils carte blanche?

Non, j’ai une manière de travailler un peu particulière. Ils m’ont d’abord envoyé leurs beats, puis je les ai mélangés aux instrus que j’avais déjà esquissées, avant de leur écrire. Je commence toujours mes albums par la partie instrumentale, puis je trouve les beats qui ressemblent le plus à la structure que j’ai déjà dans ma tête. Je sais d’avance ce que je veux pour l’album. Le seul morceau qui avait déjà une instru avant que je commence à l’écrire était “Electric Bitch”. Sam Fog (d’Interpol, ndlr) avait cette mélodie lorsqu’il m’a donné le track.

Beaucoup d’entre eux ne viennent pas de la scène hip-hop. Pourquoi les as tu choisis?

Qui s’en soucie? Tu ne peux pas éternellement avancer dans ce style en revenant toujours aux ingrédients qui ont déjà nourri le hip hop. Je n’ai jamais raisonné comme ça, pourquoi devrais-je commencer maintenant? J’ai justement choisi ces producteurs parce qu’ils ne faisaient pas de hip-hop. C’était l’idée. J’aime ce qu’ils font en tant que producteurs, peu importe leur style, et je me suis uniquement fié à mes goûts!

Peux tu nous en dire plus sur ton dernier album, “End It All“, en particulier les évolutions comparées au précédent…

L’avant-dernier album, “Thorns”, était plus personnel. Je voulais que celui-ci soit plus massif, avec des grosses rimes, juste histoire de cracher dans le micro avec peu ou pas de refrain!

A quoi ressemble Beans sur scène? Es tu seul? Fais tu appel à un live band?

Jusqu’à récemment, j’étais seul. Aujourd’hui, je suis seulement accompagné d’un DJ, mais je pense monter un groupe très bientôt…

Qui est le producteur de tes rêves?

Certainement Autechre… J’adore aussi Flying Lotus. Nous avons fait un morceau ensemble mais il ne l’a pas aimé. Mais on va remettre ça!

Pourquoi as tu appelé ton album “End It All”? Est-ce la fin de ta carrière solo?

Effectivement, je vais peut être prendre ma retraite et faire quelque chose d’autre de ma vie. Ce sera donc peut être mon dernier “Hoorah!”.

Est-ce que tu suis la scène rap contemporaine? Penses-tu que c’était mieux avant?

Je m’intéresse à toutes les formes de musique. Je ne suis pas forcément du genre à être impatient d’entendre le nouveau Raekwon. Par contre, les derniers titres de Burial sont vraiment solides! J’adore ce qu’il vient de sortir en collaboration avec Four Tet et Thom Yorke. Le nouvel album de Gang Gang Dance est excellent aussi. Enfin, à mon avis, l’album de Tyler The Creator du groupe Odd Future va être splendide à n’en pas douter… Donc oui, certaines choses étaient meilleures auparavant, mais voilà des preuves qu’aujourd’hui, ça n’est pas si mauvais!

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