La chose est assez rare pour qu’on ne se laisse pas aller à un chauvinisme tout naturel. En effet, ce n’est pas moins que l’éminent label Fat Beats qui ouvre ses portes en grand à Union, duo parisien composé de OJ, beatmaker à l’admiration débordante pour J-Dilla, et Gold, claviériste bercé au jazz. Après quelques mois passés ensemble afin de trouver l’osmose et d’accorder leurs violons, les deux accouchent de “Analogtronics”, un premier album hip hop/jazz spatio-temporel qui ne croule jamais sous les poncifs tant il est amené avec un vrai sens de la composition. Du coup, alors que le musicien semble plutôt s’être mis au service du producteur que l’inverse, cette première salve trouve constamment le parfait équilibre entre ces deux mondes offrant un groove humble à une grosse quinzaine de productions à la fois analogiques et synthétiques (”Mystery Part 1″, “October Rush”), évitant habilement les lourdeurs, notamment ces démonstrations souvent rédhibitoires du jazzman redoublant de volonté pour faire du hip hop une musique à papa. La preuve, sur la majorité des titres, Union a même laissé la place à quelques Mcs, depuis toujours dans l’entourage du duo, contactés sur le net, ou rencontrés alors qu’ils étaient de passage dans la capitale. Tous contribuent ainsi à assaisonner avec brio ce premier album, à l’ancrer un peu plus encore dans un univers hip hop ou soul susceptible de le rendre définitivement digeste, et ainsi d’élargir la cible (”Time Leak” feat Talib Kweli, “Coco Mango” feat MF Doom, “Song For Janasa” feat Rachel Claudio). Si votre discothèque repose donc essentiellement sur les discographies de Jay Dee et Herbie Hancock, Union lui servira très probablement de solide étagère.

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C’est une évidence depuis que Lilea Narrative a sorti son deuxième album “Echantillodrome” il y a deux ans: l’electro hip hop français ne peut plus se décliner sans lui. Autrefois cinématographique et sombre dans son approche, le producteur ouvre désormais les stores de son studio pour y faire entrer la lumière du jour, et ainsi insuffler une ambiance plus incisive et enjouée aux six nouvelles compositions qui font ce “Feline Boulevard”, disponible depuis quelques semaines en digital et sur le point de sortir en vinyl. Fort de breaks efficaces et d’un groove solide de bout en bout, toujours épaulé par les scratches de Blockbass, il s’offre ainsi une petite révolution qui, à défaut de le distinguer de tous ceux qui ont forgé le genre dans les années 2000, a le mérite de le faire avancer sur un terrain différent de celui dans lequel il aurait très bien pu s’encroûter s’il lui était resté fidèle. Du coup, sans autre prétention que d’offrir un registre cohérent à profondeur humaine, Lilea Narrative étoffe son petit univers respectueux des basiques, et trouve en cet Ep à la fois léger, délicat et efficace, une énième excuse pour s’en aller définitivement convaincre par le live, là ou son oeuvre sait mieux que allie l’oeil à l’oreille.

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“Septième Souffle”

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En 2009, Busdriver faisait chou blanc en sortant un “Jehlli Beam” prévisible malgré quelques titres réussis. Trois ans plus tard, après une courte récréation via le projet Flash Bang Grenada, le Mc tente de rattraper le coup, passe de chez Anti aux rangs de plus en plus peuplés du label Fake Four, et essaie par tous les moyens de s’émanciper de cette génération qui, pendant les années 2000, est parvenue à incarner un certain renouveau hip hop. En effet, alors que tous les acteurs de l’époque se répètent inlassablement ou ne font plus du tout parler d’eux, qu’on n’était pas loin de penser le retrouver dans le même wagon, le californien trouve le moyen d’emmener son approche atypique et la voix nasillarde qui le caractérise vers des contrées nouvelles.

Septième album de sa discographie, et à la différence de ses prédécesseurs, “Beaus$Eros” ne répond donc plus uniquement à la volonté d’exploiter coute que coute un flow débité à la vitesse de la lumière. En 2012, Busdriver joue la diversité, chante plus souvent qu’il ne rappe (”You Ain’t OG”, “Colour Wheel”), s’aventure dans un registre plus que jamais marqué par des influences pop qui l’aident parfois à retrouver l’avant gardisme qui finissait par le fuir. Cette nouvelle salve marque ainsi sa différence par le biais d’un recours régulier à la mélodie (”Kiss Me Back To Life”, “Scattered Ashes”), parfois à une complexité vocale que l’intéressé a bien pris soin de ne jamais rendre indigeste (”Picking Band Names”, “Feelings”), et à des productions ouvertement electro et bass music (ou les deux comme en atteste l’entame “Utilitarian Uses Of Love”) signées par le seul et unique Loden (Mush Records).

A la manière de Buck 65 et Joelle Phuong Minh Lê (qu’on retrouve d’ailleurs avec Cocorosie et Mike Ladd sur “Electric Blue”) pour leur projet Bike For Three, les deux ne se sont jamais rencontrés, ont travaillé à distance, vérifiant donc eux aussi l’efficacité d’une méthode qui, à en croire l’aisance de Busdriver à avancer sur les beats du producteur belge (les efficaces “Bon Bon Fire”, “NoBlacksNoJewsNoAsians”, “Ass To Mouth”), ne vient jamais entacher l’osmose et la cohérence de cet album qui, s’il ne réconciliera pas le Mc à tous ses détracteurs, arrive à faire passer ses quelques excentricités pour de l’originalité plutôt que pour des lourdeurs. C’est toute la différence avec le Busdriver des quelques années passées qu’on était presque fatigué d’entendre. Retour gagnant donc.

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Soyons francs, il faut être fan pour apprécier tout ce qui se fait dans ce que l’on appelle vulgairement le nu-disco. En effet, aimer les ambiances pâteuses, la répétition, les morceaux à rallonge, et les mélodies floues, n’est pas donné à tout le monde. Je caricature volontairement pour permettre à ce quatrième album solo de Hans-Peter Lindstrøm de sortir davantage du lot que constituent les disques du genre, souvent difficiles à digérer autrement qu’autour d’un verre en l’écoutant d’une oreille.

Résonnant comme la longue annonce d’un nouveau son THX avant un film, l’orgue d’église qui introduit l’album sur “No Release” se révèle plutôt inattendu de la part d’un producteur pourtant réputé pour outrepasser les codes de la dance music. Le norvégien, qui mène cette fois l’office sans son partenaire Prins Thomas, humanise ce “Six Cups Of Rebel” grâce notamment à la mise en avant de sa voix (une première) qui, passée à travers quelques filtres, joue le rôle d’instrument sur des titres comme le vintage “De Javu” au groove implacable! Cette vague musicale - aussi appelée cosmic disco selon l’intéressé - est donc définitivement une histoire de température puisque, quelques longueurs derrière Lindstrøm, suivent les autres ambassadeurs Diskjokke, Todd Terje ou Bjørn Torske.

Notre homme continue ainsi d’ouvrir des portes à ses compatriotes polaires en multipliant les références, en particulier sur un “Magik” à l’énergie funk ou sur “Quiet Place To Live”, morceau pour clubs mettant en scène un gimmick frustré sur une base rock avant un envol synthétique. Plus tard, derrière un “Call Me Anytime” relativement brouillon, Lindstrøm étonne la galerie, et donne au morceau-titre une forte connotation jazz, qui se termine en rire sarcastique sur fond de TB303, sorte de portrait nordique du “Don’t Laugh” de Josh Wink. Enfin, les dix minutes du “Hina” final sont pressées dans le moule nu-disco, non seulement pour la durée mais surtout pour son côté psyché et contemplatif… Bien joué.

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“Quiet Place To Live”

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Il a vu le train du grunge lui passer sous les yeux, composé des berceuses capables d’endormir des villes entières, joué avec une des plus grosses frappes chirurgicales du rock de cette décennie (les Queens Of The Stone Age période “Songs For The Deaf”), et a failli se noyer dans des litres de mauvais bourbon. Autant de jolis faits d’armes sur le cahier des mérites d’un Mark Lanegan qui en compte bien d’autres, et parmi lesquels on retrouve en filigrane une carrière solo ayant progressivement délaissé la douce acoustique de ses débuts pour une électricité retrouvée il y a maintenant huit ans avec l’assourdissant “Bubblegum”. De nombreux projets plus tard (Gutter Twins, Soulsavers, sa collaboration avec Isobel Campbell), le voila de retour avec un “Blues Funeral” composé entre amis (Alain Johannes, Greg Dulli, Jack Irons, Josh Homme), et qui met fin à une bien trop longue attente.

Entre morceaux furieusement chargés en décibels et ballades envoutantes, ce septième album se révèle nuancé. En effet, “The Gravedigger’s Song” et son refrain en français, le tube “Riot In My House” ou la furieuse guitare de Josh Homme fait des merveilles, comme la fusée “Quiver Syndrome” portée par un riff léger, sont autant de pics de tensions électriques s’inscrivant dans une continuité logique, tous contrebalancés par quelques douceurs où la voix rauque du bonhomme délivre toute sa justesse. “Deep Black Vanishing Train” et “Phantasmagoria Blues” se distinguent alors par leurs arrangements soignés, une interprétation magistrale, jusqu’à s’intégrer parfaitement à cette discographie souvent empreinte d’une chaleureuse noirceur.

Pourtant, Lanegan a pris soin de ne pas rendre une copie trop conforme à nos attentes. Ainsi, il a parfois subtilement laissé sa musique revêtir des habits surprenants. En attestent un “Ode To The Sad Disco” flirtant avec l’électro lorsqu’il déroule une guitare sous intraveineuse à l’aide d’un beat répétitif, la longue procession “Tiny Grain Of Truth” aux synthés majestueux, ou même un “Harborview Hospital” ratant légèrement sa cible du fait d’effets envahissants, finalement nuisibles à l’harmonie du morceau.

Malgré ce léger trébuchement, et donc porté par l’incontestable réussite de ce “Blues Funeral”, le rockeur à la personnalité emblématique se rappelle de manière convaincante au bon souvenir de tous. En ralentissant la cadence pour mieux nous charmer, tout en continuant à marcher vers une tension jouissive, le Screaming Tree nous prend finalement à contre-pied tout au long d’un album plus malin qu’il n’y parait. Assurément la marque des grands, et une nouvelle preuve de son immense talent.

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Accordion Crimes ne le cache pas: quand le trio a décidé de se lancer dans l’aventure en 2009, les disques de Touch & Go et Quarterstick étaient depuis quelques temps déjà les plus souvent revenus sur ses platines. Par la suite, le combo de Denver n’a donc pas manqué de rendre hommage de la plus belle manière à ses ainés, que ce soit à l’occasion d’un single (”Academy”) ou d’un EP (”A Higher Quality Version Of This Ep”) qui lui emboitait rapidement le pas. Les quelques convaincus attendaient donc impatiemment un long format, histoire de se mettre sous la dent quelque chose de plus consistant de la part de ce groupe, trop discret pour se vendre mais incroyablement convaincant quand il s’agit de faire rugir son noise rock. La preuve tout au long de ces vingt cinq minutes durant lesquelles il aligne seulement sept titres aussi téléphonés que surprenants. Car non seulement “Songs To Drive Wives Away” se paye d’entrée le luxe de confirmer les belles impressions laissées par ses efforts passés via quelques démonstrations aussi torturées et cinglantes qu’irréprochables (”Extractor”, “Tilt a Wheel”), mais il dévoile par la même occasion une autre facette de son registre, doucement introduite par “Stray” et “Ouray”, deux titres desserrant progressivement l’étau qui commençait sérieusement à compresser la carotide. C’est là, bien aidé par une paire de violoncelles, que le trio change de cap. Tout en laissant percer quelques frondes noise, il ajoute soudainement à son jeu la carte de la sensibilité, de la mélancolie, même d’une certaine délicatesse qu’on croisait autrefois chez Smart Went Crazy (”Forecast”) ou June Of 44 (”Super Soft Knife”, “Speaker”). Le tout sans qu’on ait jamais le temps de s’en lasser. Vivement la suite, déjà.

Album disponible en vinyl et digital.

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Après Cassius et son langoureux “I <3 U So”, SebastiAn et le sexy “Embody”, ou Breakbot et son “Baby You’re Mine” parfait pour emballer, la France électronique est définitivement dans un mood glamour. Chacun y va de son morceau à l’eau de rose, et c’est au tour du génie Krazy Baldhead de montrer ce qu’il a sur le coeur. Ce rejeton du conservatoire dévoile aujourd’hui “Surabaya Girl”, premier single extrait de son second album, proposant claviers séduisants, sample vocal érotique et changements de rythme caractéristiques. Pierre-Antoine Grison nous a habitué à mieux, mais ce côté tubesque accompagne néanmoins un retour sur le devant de la scène qui ne risque pas de passer inaperçu. Côté remixes, pas de coup de folie, mais place aux (très) jeunes: MYD qui donne sa vision hardhouse du morceau, comme son nom l’indique Tropics donne à “Surabaya Girl” une ambiance baléarique délassante, et le teenager Victor Aime le réduit à une forme plus simple à écouter en after. Voyons si Krazy Baldhead fera mieux que the “B-Suite”. Réponse le 12 mars prochain.

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Après un premier EP (”Many Faces Out Of Focus”) qui l’a placé parmi les rookies les plus prometteurs de l’année dernière, Stuart Howard remet le lounge au goût du jour avec sept productions aux textures singulières qui lui servent de première incursion chez Brainfeeder. Une fois n’est pas coutume, le jeune producteur ne vient pas de Los Angeles, mais est originaire de l’Essex, donc imbibé par une certaine froideur londonienne qu’il recrache dans ses morceaux. Ainsi, Lapalux vaporise des atmosphères pour le moins narcotiques, travaillant sa voix et déstructurant les samples jusqu’à obtenir une bass music visqueuse comme du miel. Depuis qu’il a douze ans, Howard fait une fixation sur le son, enregistrant alors ses potes pendant la récré pour triturer les dialogues et en fabriquer des chansons sur sa Playstation en rentrant chez lui le soir. Ce qui explique sans doute cet inébranlable sens du détail, lorsqu’il apaise les sens avec le douillet “Moments” laissant entrevoir une pointe de colère à travers des arrangements synthétiques gonflés d’émotions. Celui pour qui mener un projet en solo est synonyme de liberté totale enfile ses gants de chirurgien pour pratiquer l’anesthésie sonore avec “102 Hours of Introduction” ou “Gone”, tentative dubstep figée dans la glace. Doté d’une finesse empruntée à l’IDM et à l’electronica, Lapalux étend son champ d’action avec la soul rétro-futuriste de “Yellow 90s” ou le lo-fi “Gutter Glitter”, proche d’un Hudson Mohawke en pleine forme… Un artiste à suivre.

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A elle seule, la liste d’invités de “Tramp”, second album de Sharon Van Etten, aurait de quoi faire frétiller les sous-vêtements des fanas de l’indie dans le monde entier. De Jenn Wasner (Wye Oak) à Julianna Barwick, de Zach Condon (Beirut) à Aaron Dessner (The National), le tout enregistré dans le studio de ce dernier, l’album égaye notre curiosité. Puis, patatras!

Enregistré en quatorze mois, alors qu’elle logeait chez différents amis à elle, l’album se voulait un road-trip, il accouche de son contraire. La fuite semble être intérieure. En témoigne le ronflant “In Line” où la vagabonde autoproclamée couine jusqu’à en perdre haleine. Engluée dans la solitude et les remords, Sharon Van Etten en fait beaucoup trop, comme si les envolées mélodiques étaient gage de qualité artistique. On l’aimerait plus humble et plus entreprenante, mais non, au lieu de cela elle se repose sur la prestation, pas toujours bénéfique, de ses convives. Si, philosophiquement parlant, être, c’est valoir quelque chose, “Tramp”, et c’est bien cela le problème, ne vaut pas une pépite, perdu dans les travers de l’inconsistance. C’est bien fait, bien pensé, bien produit, mais trop sage.

Pourtant, la mignonne Sharon n’est pas l’être incapable que l’on moque. Sans avoir la prétention de révolutionner quoi que ce soit et sans être radicalement novatrice - Claire Denamur et Cat Power - sont passées par là, l’américaine parvient par moment à enjoliver des compositions soyeuses et sensibles (”Give Out” et “Serpents”), enveloppées dans des mélodies douces-amères.

Au final, il ne manque qu’une chose fondamentale: l’émotion. Et sur ce domaine, on est loin de la beauté intimiste de “Epic”, EP de sept titres sorti en 2010. “Tramp”, lui, est à ranger du côté des albums fiévreux et malades, ce qui expliquerait d’autant mieux que le tout manque singulièrement de souffle. Les rêves sont dissous et s’effondrent eux-mêmes!

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Sans qu’on sache vraiment d’où il vienne, et sans crier gare, l’album de Thousand Young a débarqué dans notre boite aux lettres. Une misérable enveloppe, un CD cartonné, glissée à l’intérieur une feuille blanche crayonnée à l’ancienne, à l’allure d’une setlist mentionnant les crédits. On se dit alors que, même si ces mecs là sont des jeunots, la volonté est là, et que leur culture remonte à bien plus loin que leur seule expérience. Une fois ce premier album inséré dans notre platine, les derniers doutes se dissipent: ce combo canadien s’inscrit lui aussi dans un revival 90 dont on ne se lassera peut être jamais ici. Remonté comme une pendule, armé d’un son volontairement sale et over-saturé au point de parfois donner l’impression d’écouter une cassette qui aurait survécu à deux décennies de poussières accumulées, Thousand Young libère généreusement huit titres d’un rock colérique et intense, balancé le couteau entre les dents et les fesses contractées, en appelant autant à la noise et au punk qu’au grunge. Sans concession, comme si les tripes n’étaient que ses seules armes de conviction, le quatuor ne s’offre que peu de répit au delà de quelques breaks bien amenés, souvent taillés pour mieux y coller des riffs et laisser remonter la mélodie en surface. Ici, rien ne semble calculé, on ne décèle aucun signe d’opportunisme puant, ni de volonté de récupération pour surfer sur on ne sait quelle tendance ou pour attraper un train en marche. Thousand Young vient d’un coin paumé de l’Ontario, sort son album sur un petit label du coin à l’aide des inégalables papier-scotch-crayon, et ne demande qu’à ce que la hargne qui coule dans ses veines se fasse entendre: une démarche saine qui, de nos jours, s’accompagne de plus en plus rarement d’autant de talent. Aucune raison donc de tourner les talons à un tel album quand il transpire à ce point une impressionnante authenticité.

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Il y a fort à parier que la demoiselle atteinte d’auto-cannibalisme, qui orne la pochette de cet album, a longuement eu l’occasion de s’en délecter avant nous. Peut être même aussi des dix titres qui faisaient en 2008 le premier album de Buildings, trio de Minneapolis biberonné aux Jesus Lizard, Melvins, au grunge de Seattle mais surtout au catalogue de Noise Amphetamine Reptile, label local qui régna sans beaucoup de partage sur le genre durant les années 90. Fidèle à leur noise rock puissant, interprété le mord aux dents pour faire mal et laisser une trace indélébile dans les conduits auditifs, les trois sonnent leur retour avec un “Melt Cry Sleep” dont le mastering a été confié à Bob Weston, bassiste de Shellac qui a du ressentir une certaine familiarité à l’écoute de ce disque. Mais, forts d’une production qui ne manque pas de souligner leurs talents respectifs, ces énervés ne se jettent pas pour autant à corps perdus dans une violence sans queue ni tête, accrochent l’oreille dès le carnassier “Rainboat”, pour ne la lâcher qu’à la dernière seconde d’un “Crystal City” tendu comme un slip. Entre temps, ils étalent toute leur aisance à multiplier les breaks (”I Don’t Love My Dog Anymore”), à conjuguer riffs et dissonances tout en laissant percer quelques mélodies (”Strange Sleep”, “Wrong Cock”), à varier les intensités sans pour autant lâcher du lest (”Born On a Bomb”). Sur sa lancée, et à son apogée, le groupe va même jusqu’à offrir quelques réjouissances (”Invocation”, “Night Cop”) offrant à l’oreille de passage de quoi libérer la pression interne. A l’heure ou le noise rock a définitivement le vent en poupe, Buildings voit peut être se présenter l’opportunité de devenir un monument.

Disponible en vinyl et digital.

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On ne saura peut être jamais si c’est volontairement ou non, pour faire parler de son nouvel album, que Cloud Nothings aura égratigné l’image du super-producteur Steve Albini - responsable du son de beaucoup d’albums incontournables - en criant haut et fort que le Monsieur préférait jouer au Scrabble sur Facebook ou alimenter son blog de cuisine pendant ses sessions d’enregistrement. Toujours est-il que, à réécouter l’album éponyme du combo de Cleveland sorti il y a seulement un an, on ne peut s’empêcher de penser que le guitariste de Shellac est quand même pour beaucoup dans l’excitation causée par ce nouveau disque. En effet, si Cloud Nothings prend quelques distances avec son garage rock lo-fi d’antan pour mieux varier les plaisirs aujourd’hui, c’est surtout la véritable production offerte à “Attack On Memory” qui fait passer un vrai cap à ses géniteurs, et les invite à prendre part au savoureux revival 90.

En se présentant au complet en studio plutôt qu’en confiant l’interprétation complète au seul Dylan Baldi, et en enregistrant tous en même temps pour retranscrire au mieux l’énergie du live, Cloud Nothings affiche non seulement sa cohésion, mais aussi sa cohérence malgré les multiples influences convoquées tout au long de ces (seulement) huit titres. Ainsi, sans la moindre faute de goût, sans nostalgie exacerbée, avec comme fil rouge une voix tendue et éraillée toujours à son aise, le groupe en appelle au post hardcore, au noise rock, au punk, et au garage, jusqu’à rameuter tout le monde durant les huit minutes d’un “Wasted Days”, solide trait d’union entre les deux grosses tendances de cet album. En effet, ici, Cloud Nothings aligne d’une part quelques tubes accrocheurs balancés avec une fraicheur toute adolescente (”Fall In”, les irrésistibles “Stay Useless” et “Cut You”), d’une autre quelques morceaux nettement plus sombres, lents, et torturés, dont les déchirements paraissent d’abord exagérés avant de devenir véritablement jouissifs (”No Future/No Past”, l’énorme “No Sentiment”).

Totalement nouveaux dans ce dernier registre, les Cloud Nothings y avancent comme sur un fil, et vont chercher dans un certain manque d’assurance tout le charme et la personnalité qu’il leur fallait pour pouvoir venir se frotter à d’autres formations beaucoup plus à leur aise sur ce genre de terrain accidenté. De ce fait, son “Attack In Memory” y puise la diversité et la dose d’oxygène nécessaire pour être avalé goulument, et s’imposer illico tout en haut des meilleurs disques de cette année 2012: un sort logique pour un album qu’on se forcerait presque à ne pas écouter tous les jours de peur de s’en fatiguer.

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Depuis son premier disque “Moon Safari”, Air ne cesse de faire débat, ardemment défendu qu’il est par les mélomanes sensibles à son electro pop, décriés par d’autres qui lui reprochent souvent une musique trop naïve et précieuse. Alors qu’il est aujourd’hui difficile pour ces derniers de se plonger dans un de ses albums sans imaginer se retrouver prisonnier de ces miteux ascenseurs à moquette murale et au néon défaillant, le duo ajoute une nouvelle corde à son arc. Comme indifférent à la critique, il exploite cette fois au maximum le côté cinématographique de sa musique: ici, il ne signe pas seulement une bande originale comme il l’avait fait pour “Virgin Suicide”, mais compose l’intégralité de l’accompagnement musical de la version restaurée du premier film de science fiction de l’histoire du cinéma: “Le Voyage Dans La Lune”, l’oeuvre universelle que Méliès signait il y a…110 ans.

Ainsi, Air ne provoque plus les images, mais se les impose: une nouvelle approche qu’on pensait capable de révolutionner sa musique. Il n’en est rien, même si ce disque souligne quelques franches réussites qu’il faut savoir reconnaitre. En effet, bien que trop à son aise dans ce genre d’exercice, Air parvient à rendre son oeuvre assez vivante pour jouer de cohérence avec la démarche de Méliès. Et, c’est une certitude, le mélange d’instruments actuels et anciens (mellotron et guitare électrique par exemple) y est incontestablement pour quelque chose, preuves en sont les meilleurs passages du disque (”Seven Stars”, “Parade”, “Sonic Armada”, “Cosmic Trip”) qui ne revaudront rien aux participations de Beach House ou Au Revoir Simone. De là à admettre que “Le Voyage Dans La Lune” est indissociable du film qu’il accompagne (”Moon Fever”, “Who Am I Now?”), il n’y a donc qu’un pas que les détracteurs de Air franchiront certainement. Et s’il faut avouer que le duo parvient parfois à nous faire hésiter, il n’est une nouvelle fois pas assez convaincant pour nous empêcher de rejoindre le rang des sceptiques.

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“Seven Stars”

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De par son timbre de voix et sa manière de poser ses mots, Bleubird a souvent été comparé à Sole, précurseur d’un hip hop alternatif qui trouva ses plus belles heures à l’apogée du label Anticon. Quelques années plus tard, via Fake Four, il récupère sous son aile ce poulain bien connu pour son goût immodéré pour les collaborations, que ce soit en studio, ou sur scène ou certains l’ont déjà vu relever les défis présentés par des entités aussi différentes que Battles, Lightning Bolt, Amon Tobin ou Antipop Consortium.

Pour “Cannonball!!!!”, le nomade Bleubird s’en est retourné sur sa terre natale pour s’associer à l’inspiré producteur Astronautalis ainsi qu’au songwritter Radical Face, afin de leur confier ces onze titres dont la mission consistait à pousser chacun au delà de son terrain de prédilection, et ainsi parvenir à un résultat aussi original qu’inattendu. Si l’ambiance sombre et mélancolique de “Fog Rollin” et “Hand Holdin” brouille les cartes dès l’entame en ramenant le Mc - comme son flow rapide et nasillard - à son registre naturel, la personnalité du trio s’affirme progressivement ensuite.

Souvent délicat, quelques fois ambiant, parfois même minimal, ce nouvel opus avance alors en marge de l’electro hip hop de l’un, des habituelles ballades pop/folk de l’autre, et parvient à un consensus des plus intéressants sur ses meilleurs morceaux, ceux ou la patte de chacun se fait incontestablement sentir. C’est le cas de l’aigre-doux “Giehe 1977″, du folktronica “Hello Hallow”, de l’excellent “Pimp Hand”, même quand le trio se lance tête baissée dans une originalité à double tranchant (l’electro pop rétro de “Black Sandcastles”), prenant même le risque de reprendre “The Christian Life” des Louvin Brothers à son compte (”The Christian Wife”). A la fois disparate et cohérent, “Cannonball!!!” ne réconcilie certes pas le hip hop alternatif à ses détracteurs croyant l’avoir déjà parcouru de long en large, mais prouve en revanche avec une certaine conviction que Bleubird est capable de se réinventer. Cela devenait impératif.

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“Giehe 1977″

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Si aucun détail de la carrière des mythiques The Ex (une vingtaine d’albums et autant de Eps) ne vous a échappé, vous saurez certainement mettre un visage sur Han Buhrs, ancien Schismatics passé furtivement chez les Hollandais au milieu des années 90, juste après la sortie de “Mudbird Shivers”. Près de vingt ans plus tard, le bougre revient s’acoquiner avec le bassiste Luc Ex, la percussionniste classique/contemporaine Tatiana Koleva, et le guitariste rock/rap René Van Barneveld pour accoucher de Rubatong: un nouveau projet au registre atypique, nés de backgrounds musicaux aux antipodes, à la fois rock, chanson, et classique moderne, aux ambiances sombres et aux allures improvisées, sur lequel le bonhomme chante en jonglant plutôt habilement entre anglais, allemand, français et hollandais. Un contexte pour lequel les vieux fans de The Ex éprouveront sans doute une certaine familiarité, confortée par les compositions à la fois rugueuses et anguleuses d’un quatuor étonnement sur une parfaite longueur d’onde, et particulièrement à son aise pour offrir à chaque morceau l’ambiance propice pour accompagner les élans scénaristes et les interprétations limite théâtrales de Buhrs (”Protilanenmensch”, “F Voor Af”), pièce maitresse du puzzle qui y déroule à chaque piste sa petite histoire. Ainsi, le rock de Rubatong se montre ici dynamique et efficace (l’excellent “In a Haze”, “Dirty Lil’Kiss”), là cérébral et sur la retenue (”Future Hung Around”), vire vers le blues nerveux (”G-Spot Democracy”) avant de retourner à ses douceurs (”Fingerprints”) et faire peser une certaine gravité rappelant même Jacques Brel dans ses entournures (”A Ce Moment”). Certes, le champ d’action est large mais bien occupé, et il y a fort à parier que le quatuor a encore quelques jolis recoins à nous faire visiter.

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Malgré un patronyme enfantin, Homeboy Sandman n’a rien d’un débutant. En effet, c’est après une poignée d’EP lui ayant permis de se construire une petite réputation qu’il a sorti en 2010 un premier album intitulé “The Good Sun”, recevant un accueil des plus positifs outre-Atlantique. Auréolé d’un nouveau statut, ce rappeur originaire du Queens délaisse maintenant la grisaille New-Yorkaise pour le soleil de la Californie, ou le label Stones Throw s’est empressé de le signer. A l’écoute de ce premier EP pour la structure de Peanut Butter Wolf, on trouve ainsi une jolie connexion entre l’ouverture musicale de ce label unique, et le hip-hop décomplexé d’Homeboy Sandman, qui brasse une multitude d’influences, de la pop a la funk pour donner corps à des morceaux déroutants, sur lesquels son flow rapide et technique fait le métier avec brio. Les six morceaux au programme de ce format court révèlent donc une personnalité qui a incontestablement gagné en maturité depuis ses premières productions. La voix se fait plus grave, occupant l’espace avec assurance. Derrière, on passe d’une funk synthétique sur “The Miracle” à une ambiance jazzy et cotonneuse avec “Unforgettable” ou de discrets violons rythment un exercice de storytelling réussi. Les chœurs exotiques de “Sweet Emotion(Orchard Beach)” et les résonances contemplatives de “Soap” sont autant de traits d’identité qui confèrent à ce disque de poche toutes les qualités nécessaires pour nous faire patienter jusqu’à la prochaine livraison de ce singulier personnage, en attendant un nouvel album dans le courant de l’année 2012.

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Tous ceux qui connaissent l’exigence de Leila ne seront pas étonnés d’avoir eu à patienter quatre ans pour écouter la suite de ”Blood, Looms & Blooms”. À l’époque, la productrice dévoilait un album electronica à l’onirisme soutenu par les voix enlevées de Lucas Santucci, Terry Hall et Topley-Bird. Pour 2012, la productrice a choisi le contre-pied, et délaisse cette facette naîve pour construire un édifice post-gothique qui laissera du monde sur le carreau. Aux oubliettes, les célébrités et les associés de toujours. L’Iranienne prend des risques et livre pourtant son album le plus abouti.

Nul doute que la rencontre avec Mount Sims (producteur, DJ, collaborateur de The Knife) fut déterminante pour concevoir ”U&I”. À quatre mains et une voix, le duo plonge dans des textures d’un anachronisme déconcertant pour en tirer la quintessence de l’électronique. Paradoxalement, plutôt que de chercher les bases d’un son nouveau, Leila semble revenir à ses premiers amours, Aphex Twin notamment. Mieux encore, l’album est difficile, et si les premières écoutes s’avèrent éprouvantes, il ne révèle ses véritables ovnis qu’une fois bien digéré.

Ainsi, ”Eight”, ”Colony Collapse Disorder” et ”Boudica” sont trois tubes d’une profondeur dingue. À l’instar de Battles et de Gary Numan, l’entente entre duo fonctionne à merveille, et la voix du producteur américain se perd avec succès dans les méandres de leur carte son (”All Of This”, ”Welcome To Your Life”). Pour approcher une telle perfection, une noirceur si enivrante, il faut probablement remonter à ”Church With No Magic” de PVT. Deux ans se sont écoulés entre les parutions de ces deux albums, et il y a gros à parier qu’ils resteront tous deux comme les pierres fondatrices de la décennie.

De ses atmosphères fantômatiques naissent la réconciliation entre l’homme et les machine. Jusqu’à la conclusion  ”Forasmuch”, ”U&I” offre les bases d’une nouvelle ère musicale, utilisant les recettes de l’eletronica, de l’IDM et du dubstep pour bâtir une nouvelle cathédrale, la bande-originale d’un siècle qui n’en finit plus de se réinventer. Il nous aura fallu douze ans pour que le bug de l’an 2000 ait lieu, c’est Leila qui le signe et les incrédules qui nieront l’importance de l’évènement brûleront à jamais dans les flammes de l’apocalypse maya.

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Si BBE s’y met sérieusement, le label Brainfeeder et ses rejetons vont devoir mettre les bretelles et serrer la ceinture s’ils ne veulent pas se voir rétrogradés au rang des seconds choix. L’idée d’une telle bataille aussi fictive qu’amicale nous vient automatiquement à l’esprit dès que les premières ondes de ce second album de Julien Dyne nous effleurent les poils. Car “Masks”, cette introduction abstract hip-hop enveloppée d’un manteau soyeux, n’a besoin que de quelques secondes pour attirer l’attention, la même qui nous habitait à la sortie de son premier opus en 2009. En effet, auteur à l’époque d’un “Pins and Digits” encensé par Gilles Peterson (entre autres DJs et sélectors sur qui on ne crache pas), le néo-zélandais exilé à Berlin remet son tablier pour cuisiner de nouvelles mélodies organiques au beat lent et épais comme un mille-feuilles.

En plus de produire une musique actuelle portant toujours un oeil sur le futur, Julien Dyne est aussi DJ, graphiste et avant tout batteur. Celui qui a donc officié pour Ladi 6 et occasionnellement pour Fat Freddy’s Drop ou Opensouls met à profit sa science du rythme en solo, et délivre alors 19 titres à l’efficacité caractéristique, tantôt songeurs et positifs (”Looseends”), ou hantés et représentatifs de la scène bass music (”Rago”). Sur un terrain hip-hop campent alors des arrangements façon Prefuse 73 (”Glisten Up”), une volonté évidente d’insuffler un esprit soul (”Get Closer” ou le sexy “So Far”), du R’n B peace et futuriste (”Who Are You”), des basses denses et nébuleuses (”Rubberneck” et ses détails world), ou des saveurs electrofunk (”Toe”). She’s So Rad, Ladi 6, parks, Mara TK et Claire Duncan: gracieusement invitées par Dyne, ces quelques voix apparaissent à intervalles réguliers, du pain béni pour ce genre d’album souvent 100% instrumental et une fois sur deux ennuyeux sur la longueur. Le petit plus qui fait la différence…

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En 2009, le label La Mais°n ajoutait à son catalogue un fabuleux album de pop lyrique et d’electronica. Malnoïa, jeune producteur jusqu’alors inconnu au bataillon, signait avec “Surface of Arts” un disque organique et spacieux, injustement sous-estimé. Deux ans après ce coup d’essai, le tourangeau refait surface sous son propre nom, accompagné de ce mini-album qui coïncide avec le lancement de son bébé Echopolite, une plate-forme de production et de distribution dédiée aux musiques créatives et contemporaines. Avant que d’autres artistes ne viennent aider cette structure à s’émanciper pour le bonheur des esprits pointus, Pierre Mottron casse donc la bouteille de champagne sur la coque du bateau avec “Endure and Survive”, premier jet intimiste et évidemment personnel.

Cet ancien vocaliste, autrefois croisé au sein du groupe de hip-hop B-LogiQ qu’il partageait avec un membre de Fumuj, célèbre sa première renaissance à seulement 25 ans, à travers cinq titres à dominante minimale et à la douceur notable et contemplative. Sur les arrangements tribaux et les incursions free-jazz de “Bone From The World’s Chest”, Pierre Mottron marque d’évidentes évolutions par rapport à son ancien projet, se traduisant par des orchestrations moins tape-à-l’oeil, un souci du détail minutieux, et une voix encore plus au centre des débats. Même si la comparaison peut paraître flatteuse, c’est “Medulla” de Björk qui titille nos arrière-pensées lorsqu’il joue d’exagérations volontaires, de modulations vocales, et d’enchevêtrements intelligents au passage de la chanson “I Surrender”. Même s’il sera difficile d’en saisir les subtilités à la première écoute, l’artiste cache un côté accessible derrière les arrangements typiquement electronica habillant le morceau-phare “Curves”, qui mérite à lui seul l’écoute de cette sortie. Ecriture, composition, mixage, mastering… Tout passe dans les mains de Pierre Mottron qui, avant de mettre un terme avec un “Painted Life” peut être plus conventionnel, invite Nastasia Paccagnini sur “Comfortable”, ballade vocale qui fait un noeud entre soul et mélancolie…

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On savait les grandes maisons de disque expertes en marketing. On ne les imaginait pas perverses à ce point. Alors qu’Adèle se préserve des attaques en brossant les 7 à 77 ans dans le sens du poil, Lana Del Rey arrive à point nommé pour s’assoir sur le trône de la diva aux deux visages laissé vacant par Amy Winehouse. Certes moins talentueuse et opérant dans un registre différent de l’anglaise, la nouvelle égérie n’en cultive pas moins le paradoxe, et parvient elle aussi finalement à s’inviter dans tous les foyers à la force d’un matraquage savamment orchestré, et d’un soin tout particulier apporté à son image: deux armes trompeuses qui, peu importe la musique, ont souvent fait mouche.

Sans même qu’on le sache, c’est il y a quelques temps déjà que le piège s’est peu à peu mis en place, quand la jeune Lizzy Grant écumait les scènes ouvertes de New York pour y défendre un premier album (extrait ici) paru sans conviction en 2010, avant de soudainement disparaitre et mieux se replacer dans les tuyaux pour une réédition prévue cet été. Il fallut alors qu’un petit génie sorti d’une grande école lui assène un coup de baguette magique pour que la demoiselle - alors ni plus ni moins talentueuse qu’une autre - devienne subitement Lana Del Rey: une superstar internationale, une nouvelle diva populaire pour consommateur de musique peu exigeant, assez charmante et antipathique à la fois pour alimenter les conversations, y compris chez ceux n’ayant jamais tendu l’oreille aux premiers titres encensés par la critique, trompeurs eux-aussi.

Dès lors, tel un animal devenu trop puissant pour son maitre, le piège s’est retourné contre tous, sans exception. Sainte-Nitouche hautaine aux lèvres gourmandes, soi disant galérienne mais finalement fille de millionnaire, Lana Del Rey s’est peu à peu noyée dans son rôle avant même la sortie d’un “Born To Die” si attendu qu’on le croyait seul capable de stopper l’industrie de la musique dans sa chute vertigineuse. A trop vouloir en faire, à trop abuser de ses ficelles, à trop vouloir lisser le personnage, tout ce petit monde utopiste semble avoir ainsi écrit une histoire dans laquelle il s’est lui-même perdu, sous estimant pleinement sa cible: car si la masse populaire est certes influençable, elle n’en est pas plus dupe.

C’est donc en faisant totale abstraction des yeux de biche de la demoiselle, et au fur et à mesure que ce “Born To Die” immensément théâtralisé se découvre, qu’on mesure toujours un peu plus la transformation de Lizzy Grant, et surtout à quel point les multiples influences convoquées ici effritent la cohérence de ce disque évènement. Trop long pour être vrai, l’album ne peut qu’un temps se cacher derrière ses quelques morceaux très réussis aux arrangements impériaux (”Born To Die”, ainsi que les irréprochables “Blue Jeans” et “Video Games”), ou la voix de Lana Del Rey se marie parfaitement aux ambiances d’un trip hop nouveau, faussement précieux, comme si Tori Amos s’invitait chez Massive Attack.

En effet, derrière cette vitrine érigée pour amadouer quelques poignées de hipsters se dévoile finalement l’autre face, beaucoup moins intéressante, de l’artiste et de ses mentors. Presque par surprise, quand il ne fait pas dans un groove inoffensif (”Diet Mountain Dew”), un formatage sidérant (”Radio”), ou dans le manque d’intérêt le plus total (”Carmen”, “Million Dollar Man”), ce “Born To Die” laisse tomber son habit sombre pour laisser briller sa superficialité mainstream, divague sur d’imbuvables eaux pop-RnB jusqu’à tenter - l’air de rien - de nous faire chavirer sur les rives de Rihanna et Madonna (”Dark Paradise”, “Summertime Sadness”, “This Is What Makes Us Girls”, “Lolita”) qu’on prenait bien soin d’éviter jusque-là.

Tel un monument trop vite bâti, aux finitions préférées aux fondations, Lana Del Rey pourrait ainsi - tout comme ses stratèges - très vite devoir assumer cette vraie nature qu’elle ne parvient pas encore à dissimuler lors de prestations scéniques inconsistantes: celle d’un paquebot à marée basse, d’un produit marketing d’abord plein de promesses, générant finalement plus de déceptions que d’enthousiasme. Dans tout cela, parfait reflet de notre époque, la musique ne parait être malheureusement qu’un détail. Pourvu que ça cesse.

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Porté par un capital sympathie qu’ils avaient brillamment gonflé il y a un peu plus de deux ans avec leur premier album éponyme, les new yorkais de The Phenomenal Handclap Band reviennent offrir un nouvel instantané de ce dont un collectif issu d’un des berceaux les plus actifs de la musique actuelle est capable aujourd’hui. Conjugaison de multiples influences, le registre de cette joyeuse troupe ne démord pas de cet esprit à la fois avant gardiste et dansant qui était déjà le sien, savant mélange qui lui épargne cette fois encore de se faire trop cérébral pour l’auditeur lambda. Du coup, tout au long de ce “Form & Control” aux reflets volontairement encyclopédiques, le disco, la soul punk et la pop psyché sont toujours maitres à bord, mais s’entichent pour cet opus d’accents prog pop, new wave et dance. C’est toute la nouveauté de ce cru 2012 qui, plutôt que d’en tirer une originalité à toute épreuve, noie malheureusement un peu trop le poisson, voile cette douzaine de titres d’une production trop soignée pour venir concurrencer l’authenticité d’un DFA. Si la confirmation n’est pas au rendez vous, ça ne veut pas dire pour autant que The Phenomenal Handclap Band loupe le coche, juste que sa large palette d’action comme le grand talent de ses musiciens finissent de rendre ce nouvel opus trop lisse et plat pour soulever les foules. Ultime preuve de cette petite déception, un réel manque de “tubes” dans lequel certains verront pourtant - à raison - le signe d’une solide cohérence. Certes, il y a bien “The Right One” ou “The Unknown Faces At Father James Park”, assez sympathiques et frais pour faire bonne figure, mais tous trop propres, fragiles et gentillets, pour pousser ce “Form & Control” au-delà de l’hiver, aussi doux soit-il.

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Frappé du sceau Rock Action - label de Mogwai - depuis sa première apparition, Errors a toujours eu à la cheville un boulet nommé post rock. S’il l’assumait un tant soit peu à la sortie de “It’s Not Something But It Is Like Whatever“, son premier album paru en 2009, le combo écossais a tout fait depuis pour s’en libérer, notamment en affublant “Come Down With Me” (2010) d’influences qu’il qualifiait lui-même de disco teinté d’afrobeat. Deux ans plus tard, “Have Some Faith In Magic” lui emboite le pas et conserve l’approche très personnelle d’un groupe qui a cette fois fermement décidé de sauter à pieds joints dans un univers pop faisant la part belle aux mélodies et - nouveauté - à l’arrivée d’un chant au rôle pleinement phonétique, volontairement considéré et utilisé tel un instrument nouveau (”Earthscore”). Ainsi, entre quelques effusions de synthétiseurs parfois grossières (”The Knock”) sans en devenir indigestes pour autant (”Tusk”), Errors s’humanise en confiant à la voix des mélodies qui jadis auraient été destiné à un de ses instruments (”Magna Encarta”), et profite de l’occasion pour simplifier ses compositions. Alors, à l’image de titres tels que “Blank Media”, les écossais prennent définitivement leurs distances avec la musique cérébrale pour mieux s’en remettre à ses nouvelles références parmi lesquelles il cite volontiers Cocteau Twins, Tangerine Dream et la synth-pop française du siècle dernier. De quoi laisser planer une ambiance rétro à laquelle les moins nostalgiques resteront peut être réfractaires. Avouons que, sur la longueur et une fois ces dix titres avalés, il est difficile de leur donner tort…

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Depuis des temps reculés où aucun d’entre nous n’était né (à l’exception d’Hervé Morin), la musique et le graphisme vont de paire. Certains disques ont ainsi connu le succès simplement par la grâce de leur artwork, quand d’autres souffraient d’un mauvais goût patent.

Les trois Giana Factory remercieront probablement un jour Sofie Alsbo pour l’illustration de leur album, digne d’une ode à l’esthétisme raëlienne, l’étendard parfait d’un fan-club de Buffy, à moins qu’il ne s’agisse simplement de rendre aveugle le moindre quidam qui aurait la malchance de la contempler plus de quelques secondes. Sincèrement, on aime bien Sofie puisqu’on ne la connait pas, c’est donc chouette d’apprendre par la même occasion qu’elle fut élevée par des parents new-age. Mais Nietzsche l’a dit, au bout d’un moment il faut tuer le père.  ”Manimal” était une série sympathique mais c’était il y a trente ans, tirons définitivement un trait. À côté, le ”Pépito Bleu” de Sébastien Tellier passerait presque pour un Rembrandt. David Lynch aussi est vraiment un gros enfoiré: faire croire au monde entier que foutre des chouettes dans une forêt de sapin était le summum du cool a fait dévier une génération entière d’artistes. Même Crosbys, Still & Nash n’avaient pas fait pire. Par conséquent, les Giana Factory seront à vie cataloguées comme les trois nanas qui s’étaient lancées dans un reboot de ”Charmed”.

Malgré cette indiscutable faute de goût, tout n’est pas perdu pour le trio, fondé par une proche des Raveonettes et la guitariste de Trentemoller, rôdé à la scène et capable d’aligner des pépites synth-pop irrésistibles. À ce titre, la première partie de l’album donnerait presque envie de se laisser aller, masqué par une tête de daim empaillé, à une petite soirée libertine. Noir et club, un son parfait pour fouetter les notables électrisés. Le problème avec ce genre d’ambiance, c’est qu’une fois le cul plein d’ecchymoses, l’ambiance retombe comme un soufflet, et tout le monde fuit après s’être remémoré que les orgies ne plaisaient pas au Christ (et n’allez pas dire que ça sent le vécu, on nous l’a relaté, c’est tout). ”Save The Youth” souffre du même constat: trop linéaire, sans véritable progression. Pour autant, les idées ne manquent pas et si les Giana Factory s’abstiennent un jour de lisser leurs compositions exquises de noirceur, on pourrait bien fatalement céder au vice.

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Chaque groupe le sait avant même qu’il se jette dans l’arène: quelle que soit la musique pour laquelle il opte, les gens tenteront toujours de la comparer à celles d’illustres ainés plutôt que de creuser pour y trouver sa part de personnalité. Depuis bientôt dix ans qu’il existe, Stuck In The Sound semble avoir assimilé cette fatalité et, avec toute la maturité qui est la sienne aujourd’hui, être parvenu à la retourner à son avantage. En effet, empêtrés dans l’ombre des Pixies à l’époque de “Nevermind The Living Dead“, difficile de ne pas penser que les Parisiens aient volontairement opéré un virage plus radical pour qu’on leur lâche un peu la grappe au moment du bien nommé “Shoegazing Kids“. En vain. Comme si c’était dans les gênes, une lutte sans fin, qu’une influence en chassait forcément une autre.

Alors, fort de son solide line up originel, Stuck In The Sound a eu la bonne idée de se résigner, de n’écouter que lui, de laisser libre cours à une inspiration alimentée par un réel talent et la mixité de sa culture musicale. Le reste, le quatuor s’en tamponne ouvertement le coquillard, pousse le vice jusque dans le choix des titres (”Fred Mercure”), et assume pleinement ce qui sera considéré chez l’un comme de la ringardise, chez l’autre comme un éclair de génie. Ainsi, bien emmené par la voix totalement décomplexée d’un José Reis Fontao incarnant plus que jamais cet état d’esprit (”Tender”), le groupe n’attend pas plus longtemps que l’entame “Brother” pour lancer les débats. Collision improbable entre le rock de Queen et le groove d’un Jackson époque “Beat It”, le morceau annonce la couleur: “Pursuit” est une mine de tubes balancés avec tant de naturel qu’on en oublierait la difficulté à façonner une telle simplicité apparente, à pondre des mélodies aussi imparables (”Criminal”).

C’est donc avec une énergie d’antan retrouvée (”Pursuit”, “My Life”) et l’équilibre offert par son expérience désormais conséquente (”Let’s Go”, “Bandruptcy”) que Stuck In The Sound érige titre après titre son must have, celui capable de faire mouche sur disque comme sur scène, et après lequel bon nombre de groupes courent en vain durant toute leur carrière. Le tout avec un minimum de prises de risque (”September” très 2008…) et la diversité qu’il faut (le délicat “Who’s The Guy”) pour que ce généreux “Pursuit” - quatorze titres, quand même - puisse être écouté sans étape, y compris en fin de course, là ou il aurait tendance à s’essouffler. Sans conséquence puisque les juges auront levé leur note bien avant…

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Auteur d’un premier album en 2007, Prinzhorn Dance School est passé quasiment inaperçu malgré son affiliation au label DFA, un des plus en vue à l’époque, qui lui avait notamment permis de se présenter en ouverture de quelques concerts de LCD Soundsystem outre Atlantique. L’aventure aurait même pu s’éterniser un peu si un problème de visa n’avait pas empêché ces deux Anglais d’accompagner la bande de James Murphy durant toute sa tournée de printemps l’année d’après. Un coup du destin qui aurait certainement permis à l’Amérique de succomber plus rapidement au registre art punk, sombre et répétitif, d’un groupe qui, plutôt que cela, s’est fait très discret jusqu’à ce qu’il décide de remettre le couvert cette année avec ce “Clay Class”, suite logique d’abord déstabilisante pour mieux se révéler au fil du temps. Il faut dire que, notamment à cause de voix plus volontiers clamées que chantées, l’ambiance est d’emblée particulière quand on entre dans ce disque au répertoire très épuré, anguleux, et aux mélodies minimalistes (”Happy In Bits”, “Right Night Kay West”). Non sans rappeler le récent opus de Peter Kernel, les influences américaines des nineties en moins (”Usurper”, “Your Fire Has Gone Out”), Prinzhorn Dance School offre toujours beaucoup d’espace et de tension à ses compositions mais, via une approche plus pop et parfois plus lumineuse, marque une certaine évolution par rapport à ses travaux passés. C’est d’ailleurs quand ils la soulignent plus franchement que ces deux seuls Anglais du catalogue DFA se montrent les plus accrocheurs et convaincants. Là, même si rythmiques et riffs ne provoquent toujours pas la moindre sudation (”Turn Up The Lights”), le duo peut se vanter d’être l’auteur de quelques “tubes” atypiques (”I Want You”, “Crisis Team”) sur lesquels ce “Clay Class” peut sans problème s’appuyer pour faire parler de lui. Histoire de rattraper un peu du temps perdu.

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Trois longues années que Django Django promettait un album qui n’en finissait plus d’arriver: une éternité tant, depuis 2009 et leur passage mi-figue mi-raisin aux Transmusicales, les Britanniques se sont faits rares. En tout et pour tout, seules deux paires de singles (”Storm”, ”Skies Over Cairo”, ”Wor” et ”Love’s Dart”), comme quelques dates estivales précédant la sortie de deux EPs (”Waveforms”, et ”Default”) auront tenté de rendre l’attente plus supportable. Cette traversée du désert n’en était cependant pas une puisque le groupe prit simplement tout son temps pour réaliser ce premier disque et trouver son label, créant un timing propice au buzz, toujours bien présent malgré des retours généralement mitigés de leurs concerts. S’il faudra attendre avant de juger de visu le quatuor, ce premier opus vient à point nommé pour tous ceux qui attendaient la relève de ”The English Riviera”, l’oeuvre qui a probablement le plus marqué l’année passée.

Soyons clairs, le premier album de Django Django ne vivra certainement pas aussi longtemps. Certes, si nous n’étions pas excités par l’arrivée du troisième album de Metronomy avant de céder par KO, le processus est totalement l’inverse concernant les Irlando-Ecossais, notamment parce que nous en connaissons déjà la moitié des titres, par ailleurs incontournables. L’an dernier déjà, SebastiAn souffrait du même constat pour ”Total”. Aussi, là où Metronomy jouait sur les cordes sensibles, Django Django ne procure pas les mêmes sensations, les siennes étant plus portées vers l’amour du prochain que les amourettes d’été.

Pour autant, au delà de ces quelques reproches de gros con, il n’y a pas grand chose à redire sur ce premier acte. On aurait pu redouter son manque de cohérence, fréquent lorsque sa conception s’étend à ce point. Au contraire, il frappe plutôt par son homogénéité. Rien ne dénote, et Django Django prouve même par la même occasion qu’il a déjà su imposer sa patte dans la conscience collective. Mixant leurs influences sixties à la moulinette électronique, le combo nous plonge dans un espace hors temps, anachronique et terriblement actuel à la fois. Ainsi, ”Firewater” réinvente le blues quand ”Hand of Man” récidive avec le folk. Enfin, les singles déjà dans toutes les têtes finissent leur travail déjà entamé depuis belle lurette. La succession de ”Love’s Dart”, ”Wor ”et Storm” vient ainsi à point nommé tant ces perles pop sont impregnées de mélodies parfaites, portées par ces incantations vocales épiques.

Si ce n’est ”Zumm Zumm”, le plus électronique des morceaux mais paradoxalement pas le plus fédérateur, il n’y a donc guère de faux pas. D’ailleurs, notons que si Django Django rayonne, l’album n’est pas pour autant un appel à la danse. S’il fait vibrer, ce n’est pas par résonance épidermique mais bien par son caractère magnétique, presque mystique, amené par des chansons trop belles pour ne pas trouver de résonance. Alors oui, l’attente trop longue ne permet pas de créer la surprise mais elle ne gâche certainement pas la saveur de ce premier jet.

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“Waveforms”


“Default”

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Derrière le folk récemment médiatisé par une poignée de groupes tout droit venus d’un monde ou le printemps dure toute l’année, il en existe un plus sombre, plus poussiéreux, plus introverti, plus authentique aussi, et certainement beaucoup plus classe, qui puise ses racines plusieurs décennies en arrière dans une Amérique profonde ou il vivait volontiers d’amour vache avec la country. C’est d’ailleurs celui-ci que semble apprécier Scott “Wino” Weinrich (The Obsessed, St Vitus, Shrinebuilder…), déjà auteur d’un album solo acoustique en 2010 (”Adrift”), et de retour cette année en compagnie de Conny Ochs, songwritter allemand aussi talentueux que méconnu. Enregistré à Berlin, “Heavy Kingdom” vient ainsi concrétiser une belle amitié née d’une tournée commune des deux hommes la même année, définitivement palpable à l’écoute de chacun de ces onze titres à l’osmose évidente, comme nés d’interminables jams au coin du feu, seulement ponctués de quelques taffes de cigarettes et de gorgées de whisky. A l’exception d’une reprise, celle du “Highway Kind” de Townes Van Zandt. Pour le reste, chacun appose sa propre patte sans tricherie, livre sa part d’intensité et de mélancolie (”Dust”, “Dark Ravine”), contribue à cette belle et sauvage émotion qui drape de bout en bout ce “Heavy Kingdom”, y compris quand il se laisse aller à quelques pointes électriques (l’excellent “Vultures By The Vines”, “Here Comes The Siren”). Un peu de finesse dans un monde de brute à laquelle il est difficile de résister.

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Bien que ce soit là qu’il prenne toute son ampleur et qu’on mesure pleinement son talent, C2C ne pouvait décemment pas rester indéfiniment un projet cantonné à la scène. Depuis que les quatre djs nantais ont cumulé autant de titres de champions du monde DMC (épreuve phare de la discipline), que certains d’entre eux se sont aussi distingués en solo aux mêmes occasions, et que tous ont entretenu la flamme du public via Hocus Pocus et Beat Torrent, il ne manquait plus au collectif qu’une trace discographique pour exister aussi officiellement que définitivement. Parce qu’il en est ainsi et pas autrement dans l’esprit des gens: il faut un disque au musicien pour entériner son talent, comme il faut le bac à l’élève de fin de terminale pour sceller sa matière grise.

C2C étant sur pied depuis 1998, les six titres (dont un remix signé Irfane de Outlines) de ce premier Ep viennent donc mettre fin à, si ce n’est quatorze ans, pas loin d’une bonne dizaine d’années d’attente. Sans surprise, et comme le single “F.U.Y.A.” le laissait déjà pressentir dès décembre, “Down The Beat” donne raison de tout son long à ceux qui revendiquaient mordicus que le combo devait aussi impérativement exister dans les bacs à disques. Ainsi, fort de multiples influences échappées de leurs sillons et d’un talent sans borne, 20Syl, Atom, Greem et Pfel jouent d’efficacité pour faire de cet Ep une première marque discographique solide, frappée du sceau de la diversité comme d’une solide cohérence.

En proposant un vrai travail de composition plutôt qu’une démonstration technique barbante ou simple mix sans intérêt, en faisant office de bons artisans quand d’autres passent le cap de la production d’envergure industrielle, C2C redonne au dj tout l’éclat qui est le sien, à cette discipline si galvaudée toute l’authenticité qu’elle mérite et que nombre d’aficionados viendront chercher ici. Parce que si on a trop tendance à tirer à boulets rouges sur le manque d’ouverture du public hip hop, C2C prouve que, à condition de savoir s’y prendre, il peut dès lors très bien s’enthousiasmer sur des sonorités country-blues (l’excellent “Down The Road”) ou une electro plus froide et introvertie (”Arcades”), que sur la chaleur soul (”Someday”) ou des dynamiques funk (”The Beat”) auxquelles il est plus familier. L’album arrive bientôt, et ce “Down The Road” lui déroule déjà un grand et beau tapis rouge.

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“Down The Road”

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Apparues en 2009 en pleine effervescence Fleet Foxes, les soeurs Soderberg étaient parvenues à faire parler d’elles, sans pour autant convaincre de leur originalité ou d’un pouvoir émotionnel indispensable quand on s’attaque au folk. Près de trois ans plus tard, c’est immensément plus talentueuses et beaucoup plus préparées qu’on les retrouve à l’occasion de “The Lion’s Roar”, un deuxième album habituellement casse gueule mais qui sonne ici comme une deuxième naissance tant elles semblent à l’aise. D’ailleurs, les deux suédoises n’ont pas lésiné pour mettre toutes les chances de leur côté, et ne plus être l’énième progéniture du revival folk. Ainsi, elles se sont offertes les services d’un vrai producteur en la personne de Mike Ogis, puis se sont entourées d’un groupe au sein duquel on retrouve leur père à la basse, Mattias Bergqvist à la batterie, ainsi que deux Bright Eyes (le même Mike Ogis et son compère Nate Walcott) qui n’ont pas manqué de convier certaines connaissances à l’enregistrement afin d’étoffer la plupart des compositions (”To a Poet”). Une décision qui fait mouche dès la magnifique entame éponyme, petite merveille de mélodie et d’émotion capable de venir rivaliser avec ses proches ainés de Fleet Foxes pour lesquels elles ne cachent pas leur admiration. Seulement, en dévoilant si vite ce qu’elles ont de meilleur aujourd’hui, les First Aid Kit vont ensuite courir tout au long du disque après un titre susceptible de tenir la comparaison. En vain, même si quelques douceurs dont beaucoup se contenteraient parviennent à ne pas faire de “The Lion’s Roar” un disque inégal et décousu. Constamment en équilibre durant ces onze titres volontairement partagés entre musique rayonnante et textes tristes (”Emmylou”), Klara et Johanna marquent un peu plus la scène folk de leur empreinte (”Blue”, “Wolf”), laissent derrière elles quelques sublimes ballades (”In The Hearts Of Men”, “New Year’s Eve”), comme quelques écarts country (”King Of The World” interprété aux côtés de The Felice Brothers passés par là) à même de briser l’épaisse glace hivernale de leur Scandinavie natale. On a trouvé une autre explication au réchauffement de la Terre…

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Les deux années qui nous séparent de “Disorder Of Colors“, premier album de Robot Orchestra, ont paru bien trop longues pour digérer ses sept titres si prometteurs que le duo est allé défendre généreusement par monts et par vaux. En effet, dans une quinzaine de pays, et à la force du poignet, il s’est chaque soir appliqué à prouver que son registre à la fois bruitiste et mélodique, interprété avec une urgence plus jouissive que dangereuse, n’avait pas lieu d’être si ce n’était pour être balancé généreusement à la gueule de curieux au flair plutôt affuté. Peu sans doute sont d’ailleurs sortis indemnes de l’expérience.

A l’heure de s’atteler à un deuxième album dont la difficile tâche était d’enfoncer le clou, Robot Orchestra n’a donc certainement pensé à rien d’autre que la scène, à la déclinaison live de son travail. C’est une certitude à l’entendre ainsi déployer ses ailes et offrir plus d’ampleur encore à son répertoire. Ainsi, le duo part bille en tête et pied au plancher dès les premières notes d’un titre éponyme rock n’roll ou changements de rythme et mélodies priment encore sur l’intensité à tout va. Que les plus masochistes se rassurent cependant, Robot Orchestra change ensuite son fusil d’épaule en laissant progressivement monter la pression, notamment via un chant qui ne se ménage pas (”Thirsty Anthem”, “Convalescence”).

Tant mieux car étonnement, c’est dans l’extrême, quand il bombe le torse (”Cutting The Tongues”), qu’il fait le joli coeur (”Celeste”), ou qu’il donne dans le tout instrumental (”Piton De La Fournaise”) que le groupe trouve toute sa plénitude. Au contraire, quand ils papillonnent entre les deux et qu’ils flirtent trop ouvertement avec la norme, ses morceaux fleurent trop souvent la concession pour être totalement convaincants. D’ailleurs, le terme n’a incontestablement pas sa place chez ces Rochelais qui, désormais bien armés de deux albums autoritaires, ont plus que jamais de quoi faire trembler quelques planchers avant de forcément finir par les brûler.

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