Quand El-P a annoncé il y a deux ans qu’il mettait un terme à l’activité de production de son label Def Jux pour mieux se consacrer à sa propre musique, il était alors intrinsèquement dit que son prochain album marquerait un tournant dans sa carrière. Jusqu’alors très souvent sollicité par les artistes envers lesquels il manifestait tout son intérêt, le new yorkais a peut être fini par ressentir le besoin d’en garder sous la semelle, d’amasser ses meilleures idées, pour les aligner au profit d’un futur album à sortir, pour la première fois, ailleurs que chez lui. “Cancer 4 Cure” tout droit sorti du four Fat Possum et désormais entre nos mains, on prend alors la pleine mesure des lourdes décisions qu’il a du prendre, et surtout du flair dont il a fait preuve.

“It’s like a fresh start in a new world” dit il en ouverture de “Works Every Time”… Cinq ans après un “I’ll Sleep When You’re Dead” qui continuait de le faire définitivement évoluer en marge de tout ce que le hip hop proposait alors, El-P, bien qu’il n’ait pas encore été rattrapé, marque une nouvelle fois sa différence avec un “Cancer 4 Cure” qui, plus que jamais, atteint la perfection sur l’échelle commune de l’innovation, de l’accessibilité, de l’intensité, et de l’efficacité. Et cela sans attendre puisque “Request Denied” qui ouvre l’album armé d’un breakbeat frontal quasi “prodigyen”, de synthés sci-fi, de samples et de guitares électriques parfaitement fondues dans le décor, brandit bien haut la couleur de l’épreuve de force qui va suivre. El-P semble fermement décidé à en découdre, son flow millimétré et quelque peu agressif désormais au devant du mix finit d’ailleurs de confirmer toute l’assurance et la confiance qu’il a glanées durant la demi-décennie passée.

Le ton ainsi donné, qu’on se le dise: “Cancer 4 Cure” n’est pas le nouvel album d’un producteur, mais bien celui d’un artiste complet, pour qui les multiples capes ne sont désormais plus aussi lourdes à porter. Logique donc qu’El-P décroche ici une cohérence jamais atteinte auparavant (”Works Every Time”, “The Jig Is Up”). Libre comme l’air (il chante même sur “For My Upstairs Neighbor”), à distance confortable d’une concurrence qui ne tente même plus de monter sur ses plates bandes, et quand il ne s’octroie pas une approche nouvelle (”Sign Here”), il retourne à ce qu’il sait faire de mieux sans craindre l’overdose de l’auditeur. Et pour cause, y compris quand il endosse la production de “RAP Music” pour le compte de Killer Mike (présent ici sur un “Tougher Colder Killer” qui pourrait nous faire mentir), rien ne vaut un album pensé et exécuté sur toute la ligne par le bonhomme lui-même: sa voix, son flow, les thèmes souvent lourds qu’il aborde (la mort, le parricide, la paranoïa, la drogue, la politique…) et l’ambiance qui en découle n’ont pas d’équivalent pour servir la réciprocité offerte par sa musique.

D’ailleurs, même si les invités présents ici (Danny Brown, Mr. Muthafuckin’ eXquire, Despot, Nick Diamonds de Islands, Paul Banks de Interpol) contribuent à son essentielle diversité, “Cancer 4 Cure”, ses basses gonflées à bloc, ses beats bruts de décoffrage, ses amas de samples, cette mélancolie sous jacente à la fois sombre et oppressante, le rappellent magnifiquement sur des titres poussées au delà de la simple sphère du hip hop par leur approche peu conventionnelle de la composition. Ainsi, “The Full Retard” vous décroche un break quand on se s’y attend plus, “Drones Over Bklyn” s’éteint sur un solo de guitare, “Oh Hail No” change brusquement de rythme sans perdre sa logique, “Stay Down” vire pop sur le refrain… Et que dire du long final “$ Vic/FTL (Me And You”) qui, avec ses ornements electro, pop et blues, annoncerait presque un futur inédit. Mais chaque chose en son temps, surtout quand le présent vaut autant le coup d’être pleinement vécu.

En écoute

Related posts

• El-P date et dévoile un peu de son nouvel album
• El-P sortira son prochain album chez Fat Possum
• El-P - “Stay Down” (live on Letterman)
• Spiritualized - “Sweet Heart, Sweet Light”
• “Tougher Colder Killer”, nouvel extrait du prochain El-P

Au risque de se prendre en retour une salve de bourre-pifs de la part des puristes, on doit avouer ne jamais vraiment trouver la porte d’accès du Squarepusher cérébral et déstructuré, quand sa musique se plait à flirter avec l’inaccessible, qu’elle privilégie son jazz fusion chéri à l’electro, ou l’inverse. Alors, quand après deux albums (mitigés) plutôt audibles sous son nom comme sous celui de Shobaleader One, il a annoncé retourner à l’electro pure et dure, on a comme senti le vent tourner, nous disant déjà que ce “Ufabulum” - pourtant le plus équilibré de tous entre ses deux pôles traditionnels - ne serait certainement pas pour nous.

Puis vinrent les premiers titres destinés à nous mettre en bouche. Notamment ce “Dark Steering”, fusion de mille détails matérialisés en un electro hip hop d’une redoutable efficacité. Bien que le morceau fasse finalement figure d’exception au sein de ce “Ufabulum”, il fallait pourtant voir dans ses mélodies et sa montée drill’n bass finale, ses deux lignes directrices. Plus que jamais en effet, Squarepusher baigne ici sa musique de synthétiseurs pourvoyeurs de mélodies bénéfiques à tout l’album, surtout quand son inspiration le pousse dans ses travers les plus expérimentaux.

Mais, quand il est lancé, il arrive à Tom Jenkinson de pousser le bouchon trop loin dans l’extrême, jusqu’à l’indigestion. C’est le cas d’un côté sur un “Stadium Ice” dont les synthétiseurs manquent cruellement de légèreté, de l’autre sur “The Metallurgist”, “Drax2″ ou “Ecstatic Shock” dont les compulsions s’apparentent trop à de la performance pour qu’on y prenne vraiment du plaisir. Dès lors, on part en quête du juste milieu qu’on était venu chercher ici, cet espace de plus en plus rétréci où réside l’équilibre parfait du Squarepusher version 2012.

Malheureusement, au delà d’un “Dark Steering” gagné d’avance, on se force à l’entrevoir à quatre reprises: sur “4001″ parce qu’en ouvrant les hostilités il a le mérite de ne pas souffrir des boulets qui le précèdent, sur “Unreal Square” taillé pour les gamers, sur “Energy Wizard”, puis sur le compact mais mesuré “303 Scopem Hard”. Assez pour éviter le pire, mais trop peu pour un Squarepusher mille fois trop irritant et bourratif qui n’échappera pas aux conséquences de la déception.

En écoute

Related posts

• Squarepusher lâche un nouvel extrait de “Ufabulum”
• Squarepusher - “Dark Steering” (music video)
• Squarepusher, retour à l’electro pure et dure
• Shobaleader One - “dDemonstrator”
• Shobaleader One - “Cryptic Motion EP”

Quand, fin 2009, nous annoncions le décès de l’hyperactif batteur new yorkais Jerry Fuchs, on a immédiatement pensé aux répercussions de cette tragédie sur !!! (Chk Chk Chk), son groupe phare de l’époque. Entre autres. Un peu moins à Turing Machine qui, après deux premiers albums en 2000 et 2004, y perdait aussi les clés de sa rythmique alors même qu’il s’était remis au travail en vue de la sortie de ce “What Is The Meaning Of What”. Loin d’avoir lâché l’affaire même s’il lui aura fallu logiquement du temps pour se relever, le combo n’a jamais remis son projet aux oubliettes. La preuve puisque, quatre ans après ses premières ébauches, le disque sort avec toute la matière laissée par Fuchs (le groove disco imparable de l’excellent “Lazy Afternoon Of The Jaguar notamment), complétée par un casting de collaborations de haut rang, de Pat Mahoney (LCD Soundsystem) à Brian Case (Disappears) en passant par une poignée d’artistes du catalogue DFA. Une cohabitation qui revêt toute sa logique à l’écoute des sept titres de cet album tant Turing Machine - entre “Yeah C’Mon” et “Bovina 2/23/08″, les deux parenthèses interprétées pied au plancher, avec toute l’intensité, la densité et l’esprit festif dont a parfois fait preuve la bande de James Murphy - semble recracher tout ce qu’il a ingéré durant de longues années passées dans l’ombre de ces groupes new yorkais oeuvrant pour la réhabilitation d’une dance music en bonne et due forme. A l’instar de LCD Soundsystem et Chk Chk Chk, “What Is The Meaning Of What” convoque lui aussi brillamment le punk, le disco, la dance, le krautrock, qu’il saupoudre légèrement (mais avec grande conviction) de guitares psychédéliques pour un résultat qui ne laisse aucune autre alternative que d’abandonner son corps à la danse. Si cette affirmation vous laisse un sourire dubitatif au coin de la bouche, laissez agir par exemple les “Slave To The Algorithm” et “If It’s Gone (It’s On)” qui, au delà du fait qu’il s’agisse là des derniers enregistrements de Fuchs et très probablement du dernier opus de Turing Machine, font sans conteste de ce “What Is The Meaning Of What” empreint de tragique une des pièces essentielles de cette année.

En écoute

En écoute intégrale

Related posts

• My Disco - “Turn” (music video)
• Rob Crow (Pinback) revient en solo
• Young Widows - “Future Heart” (music video)
• Young Widows - “In And Out Of Youth And Lightness”
• Eluvium - “The Motion Makes Me Last EP”

Depuis ses débuts sous le nom de Simian et son premier succès aux cotés de Justice avec “We Are Your Friends”, le duo anglais a toujours fantasmé la pop, la tâtonnant petit à petit, cherchant la bonne formule pour l’introduire au sein de ses compositions. En 2009, avec “Temporary Pleasure“, Jas et James concrétisaient cette irrépressible envie, avec une tripotée de collaborations parmi lesquelles on retrouvait Beth Ditto de Gossip ou encore Chris Keating de Yeasayer. Quant à la techno chère à la paire, elle se retrouvait condensée, filtrée a travers des chansons aux formats plus convenus, mais à l’addiction plus immédiate. Malheureusement, avec son titre visionnaire, et malgré son efficacité indéniable, l’album s’estompait peu à peu de notre mémoire au moment ou ses tubes commençaient à disparaitre de nos playlists.

Définitivement remis de cette incartade en terrain pop, les deux compères se sont recentrés sur des chansons purement électroniques ou les invités ont été bannis. Pour servir cet ambitieux retour, ils n’ont pas hésité à user de synthés vintages afin d’obtenir un résultat analogique gracieux et rétro, au son plus authentique, “Cerulean” illustrant à merveille cette rupture avec les logiciels pour un résultat tourné vers un irrésistible minimalisme.

Bien qu’auréolé d’une nouvelle carte de visite, Simian Mobile Disco n’entend pas renoncer au spectacle d’un public acquis à sa cause, se laissant chavirer par ses tubes. Et en 2012, le duo tricote ses hymnes du coté de Chicago, plongeant avec plaisir dans une house abrasive, portée par des voix sexy masculines (”I Waited For You”) et féminines (”Seraphim”), le long de morceaux invitant à l’amour et au partage avec les cotonneux “Put Your Hands Together” et “Your Love Ain’t Fair”.

Quand ces deux sagouins ne sont pas dans l’Illinois, ils se tournent vers l’acid house, titillant avec le surprenant “Interference” les indétrônables Phuture. Un peu plus loin, ils s’illustrent avec “The Dream Of The Fisherman’s Wife” lors d’une escapade d’electronica pure et dure que n’aurait pas renié l’écurie Warp, démontrant leur soif d’aventure et de sonorités nouvelles.

“Unpatterns” nous laisse donc présager un futur radieux pour Simian Mobile Disco. En s’affranchissant de la pop, en piochant avec gout dans le passé de la musique électronique, entre période dorées et références classieuses en forme de clin d’œil, le duo se régénère avec brio, parvenant à concilier puristes et fans de la première heure, qui tous ensemble peuvent bouger leurs corps et leur cheveux dans un abandon sensuel, en contraste totale avec la maitrise nouvelle dont fait preuve ici le duo de Bristol.

En écoute

En écoute intégrale

Related posts

• Simian Mobile Disco dévoile son nouveau single
• Simian Mobile Disco - “Sample And Hold”
• The Cribs - “In The Belly Of The Brazen Bull”
• Best Coast - “The Only Place”
• Simian Mobile Disco - “Put Your Hands Together” (music video)

Pour le monde moderne, le temps du bouquet final arrive: fini les entrepôts entassés par milliers, les bâtiments en ruines et l’air glacial, S.Carey est là pour illuminer le crépuscule. Doit-on voir pour autant un rapport entre le titre de l’album, “Hoyas”, et les Mayas? Si on était fidèle à la définition de “hoya” en tant que fleur fragile, on dirait que non, mais la comparaison avec le peuple amérindien est trop tentante pour être évitée. Rythme sobre, presque lyrique, S.Carey puiserait-il lui aussi son inspiration dans le tragique de la condition humaine?

Ceci n’est pas un disque: c’est une balade poétique, brève comme une brume, en compagnie de l’ex-batteur de Bon Iver. Sachant cela, comment éviter la comparaison avec l’immense Robert Wyatt? Impossible en effet de céder à l’émouvante intensité de “Hoyas” sans penser aux expérimentations qui ont poussé le grand barbu dans ses plus profonds retranchements. Et il y a quelque chose d’ambitieux de la part de ce bon vieux Sean Carey à vouloir faire un album ambiant aussi organique, genre qui rendrait plutôt méfiant mais qu’il faut considérer ici dans sa généreuse intelligence. En ces temps où tout va plus vite, lui prend son temps pour confectionner des compositions délicates et métaphysiques qui se diluent ou se contractent au gré des secondes qu’il semble maitriser.

Avec sa voix presque silencieuse, nous pleurons sur un temps qui s’est déjà perdu. Un savoir-faire rythmique basé sur des boucles et des claviers délicatement acoustiques dont la mélancolie retenue et discrète enchante. Comme quoi l’œuvre d’art peut se cacher dans la sobriété. En peu de mots, S.Carey donne vie à son album. Un de ces albums précieux, parce que rare et mouvant, à la croisée des genres et de la fiction romanesque. Nul doute que les rêves du bonhomme le poursuivront dans ses cauchemars.

Avec ce disque d’une si courte durée, à tel point qu’on aura eu juste le temps de lui dire bonjour et au revoir, S.Carey fait corps avec son goût pour l’impalpable, l’invisible et l’éternité. Doit-on pour autant le considérer comme un artiste aveuglé qui ne ressent plus que la beauté qui souffre? Epargnons-lui cela. La réalité est déjà bien assez sombre. Pour lui comme pour nous, l’aventure ne fait que commencer. On reste curieux de voir où elle peut nous mener.

En écoute

En écoute intégrale

Related posts

• S. Carey
• Peter Wolf Crier - “Garden Of Arms”
• Okkervil River - “Your Past Life As a Blast” (music video)
• Dinosaur Jr réédite ses premiers albums en vinyl!
• Okkervil River - “I Am Very Far”

Originaire d’Atlanta, complice et renfort régulier des surdoués d’Outkast, auteur de cinq albums solo, Michael Render est un modèle de rap underground, droit dans ses principes et fier de ses racines. Irréprochable lyriciste, le voila embarqué le temps d’un album composé a deux, sur les terres d’EL-P, descendu de New York pour parasiter de sa touche si particulière la chaleur moite du sud.

Dans ce subtil travail de contraste ou tout semble a priori opposer les deux auteurs de ce méfait musical, EL-P choisit… de ne pas choisir. Devenant tour à tour funambule et alchimiste, le producteur new-yorkais parvient à construire de manière complètement homogène, une carte d’identité singulière pour cet album ou Sud, Est et Ouest se croisent et se répondent, brassés par l’approche expérimentale de Jaime Meline issue des défuntes années Def Jux, et qui résonne plus que jamais le long de ses 12 titres.

Soucieux d’assommer d’emblée les plus fragiles, “Big Beast” débarque sans prévenir, armé d’une production massive: basses de gladiateurs, beat agressif et brochettes de featurings aux couleurs du sud avec T.I et Bun B. Au rayons des tubes, on retrouve “Go!”, admirable freestyle ou le flow de Killer Mike démontre sa technicité avec aisance, ou encore “Butane (Champion’s Anthem)” à la lourdeur martiale et aux synthés chargés de codéine, renforcé par la présence d’El-P au mic, venu épauler son compère le temps d’un bref couplet.

Au delà de ces réussites évidentes, qui régalent par leur immédiateté, d’autres titres plus introspectifs incitent à une écoute des plus attentives, tant du point de vue de la production que des paroles. Ainsi, “Jojo ‘s Chillin” et “Southern Fried” sont de véritables démonstrations du talent de producteur d’un El-P qui puise dans la funk et la soul pour mieux les contaminer de l’intérieur, les greffant à des basses saturées et des lignes de synthés futuristes, afin d’en proposer une toute autre définition, entre figures du passé et de l’avenir.

Mais cette vitalité sortie des machines ne serait rien sans l’interprétation de Killer Mike. Particulièrement remonté et engagé, le rappeur distille de manière réellement intelligente et juste, quelques textes à la critique acerbe: “Reagan” relate, accompagné par un piano sinistre, les conséquences de ce mandat républicain sur la communauté afro-américaine. Sur l’apaisé “Willie Burke Sherwood”, il dresse un portrait de sa propre enfance, entre un père policier et une conscience qu’il a appris à aiguiser à travers les livres, pour trouver sa voie.

“Sombre, dense et brut”. Trois qualités promises par Killer Mike avant la sortie de l’album et que l’on retrouve tout au long de ces 45 minutes de très haute volée. Tirant sa réussite d’un équilibre fragile, cette collaboration démontre la profonde intelligence de ces deux artistes, soucieux d’apporter chacun leur personnalité au cœur même du projet, sans empiéter sur l’univers de l’autre. En résulte une œuvre riche, passionnante, à la croisée de nombreuses influences, mais qui finalement préfère n’en choisir aucune, se contentant de trôner avec sérénité au milieu des envieux, préalablement écœurés par cette mise à l’amende magistrale.

En écoute

Related posts

• Killer Mike
• Nouvel extrait de l’album de Killer Mike
• Killer Mike lâche un nouveau titre produit par El-P
• El-P et Killer Mike, collaboration brutale

Il y a trois ans, Ben Sharpa déboulait chez Jarring Effects avec un premier album éponyme, total reflet d’une vie dévouée au hip hop, et partagée entre trois continents, trois cultures subtilement mariées le temps d’une vingtaine de titres. Pour marquer son retour, le Mc Sud Africain s’est plongé tête la première dans un nouvel opus conceptuel, inspiré par la fin du monde de 2012, et censé provoquer chez celui qui l’écoute une envie irrépressible d’action et de positivisme à tout crin. Son but donc: marquer les consciences, influer, avec le risque de pousser sa bonne volonté jusqu’à vouloir prendre la totale possession de ses auditeurs. Une ambition un poil prétentieuse, plus encore à l’heure ou un archéologue américain vient tout juste de définitivement décrédibiliser la théorie Maya.

S’il l’était évidemment avant que tout les dérangés du bocal ne sortent de leurs abris, “4DLS” prend donc plus que jamais des allures fictives, sur le fond comme sur la forme. Mélange de hip hop soi-disant visionnaire, conscient et militant, de dub méditatif, et d’electro dansante, l’album forme un tout appelé à parler, entendre et voir à votre place, et à répondre à la définition de ce que Sharpa aime qualifier de Robot Army Music.

Pour cela, le Mc aiguise ses rimes sur les productions de son fidèle compère Dplanet, le tout sous les projections multimédia de Pure Solid: une formule qui doit prendre toute son ampleur en live mais qui peine beaucoup à convaincre sur un disque rapidement indigeste. Notamment parce qu’à trop approfondir et trop conceptualiser son oeuvre, Ben Sharpa y perd l’essentiel: l’émotion, certes absente chez le robot, mais élément crucial à l’humain pour apprécier la musique. Du coup, si l’indéniable efficacité de son premier opus faisait hocher les têtes quasi instantanément, celui-là souffre de sa transparence, de sa trop grande linéarité et homogénéité. Un gadin comme on dit chez nous.

En écoute

Related posts

• Ben Sharpa - “B.Sharpa”
• Ben Sharpa - “The Shapaganda Theory: Lesson 1″
• Aucan - “Black Rainbow Remixes”
• Filastine de retour avec un nouvel album
• High Tone & Brain Damage - “High Damage”

Il y a les reformations qui sentent le fric à plein nez, d’autres rendues fragiles par un trop grand opportunisme qui se dépêchent de rapidement sortir un nouvel album avant que le vent tourne. On ne pourra pas dire que celle de Hot Water Music appartienne à ces deux catégories. En effet, annoncée en 2008 quand le groupe a décidé de remonter sur scène, cette résurrection a désormais perdu le caractère presque miraculeux qui l’entourait au lendemain de diverses routes prises en solo avec assez de brio pour qu’elles ne se transforment pas en impasse. Car avec Chuck Ragan les deux pieds dans un folk countrisant, Chris Wollard en solo comme avec les excellent The Draft, et Rebelo parti prendre possession des fûts d’Against Me, bien malin était celui qui aurait pu prédire le grand retour de Hot Water Music, acteur incontournable du punk hardcore des années 90.

Les souhaits les plus forts sont donc devenus réalité avec “Exister”, le huitième album studio d’un groupe qui a plusieurs fois montré par le passé sa capacité à se remettre en question. On aurait donc pu tout en attendre si le Ep “The Fire, The Steel, The Tread” n’était pas sorti l’an passé avec, à son bord, tous les vieux réflexes en grande partie retrouvés. Tout au long de ces treize nouvelles compositions, le constat est le même: Hot Water Music n’a rien perdu qui puisse décevoir le moindre de ses fans (”Drag My Body”, “Exister”), faisant de ce nouvel opus une pièce digne de son entière discographie. L’entame “Mainline” - baignée d’efficacité par ses mélodies, ses choeurs et la voix magnifiquement éraillée de Ragan - ne se prive d’ailleurs pas de remettre illico les pendules à l’heure.

Pour autant, et bien qu’il tente à plusieurs reprises d’innover, “Exister” ne trônera pas tout en haut d’une liste d’albums désormais longue comme le bras. La faute à une production confiée à Bill Stevenson, pas le plus à même pour offrir le maximum de grain aux guitares, et à la légère frustration qui règne ici de ne pas entendre les hymnes et les refrains incroyables dont le groupe était capable sur ses derniers méfaits. En effet, plutôt que les “Safety”, “Take No Prisoners”, et “Pledge Wore Thin” en demi-teinte, presque sacrifiés au prix de la facilité qu’il affiche tout au long du disque, on aurait préféré se faire resservir un peu des “Paper Thin”, “Trusty Chords”, “Wayfarer”, “Poison” et “The End Of The Line”, dont on se rapproche doucement ici avec “State Of Grace”, “Drown In It”, et “The Traps”. Certes, l’intérêt pour un groupe est d’avancer, de ne pas se renouveler: mais après huit ans de privation, c’est avec cela qu’on rêvait de renouer avant tout. Pour mieux remettre le reste à plus tard tant “Exister” reste plein de promesses.

En écoute

Related posts

• Hot Water Music annonce un nouvel album
• Hot Water Music rejoint Rise Records en vue d’un nouvel opus
• Chuck Ragan ne lâche pas ses bottes et son chapeau
• Rafale - “Obsessions”
• Rafale - “Everglades” (music video)

C’est un cinquième album qui sort en ce mois de mai 2012, mais ça n’en est pas moins un évènement artistique, tant tout ce qui touche à l’œuvre des anglais déglingués de The Cribs relève de l’extraordinaire. En plus de dix ans de carrière, leurs folles ambitions n’ont jamais été revues à la baisse et permettent aujourd’hui à ces trois frères (plus Johnny Marr tout de même) de les réaliser complétement. Bref, “In The Belly Of The Brazen Bull”, c’est du lourd.

Premier constat, doit-on s’étonner du nombre de compositions présentes sur l’album? Alors que la majorité des productions actuelles se cantonnent à une toute petite dizaine de nouveautés, la démarche de The Cribs ferait presque figure d’anticonformisme. Comme s’ils leurs étaient impossible de contenir leur créativité. Exception faite de quelques lourdeurs, de “Come On, Be A No-One” à “Confident Men” l’album se veut mature, mais le plaisir à l’écoute reste enfantin.

Deuxième constat, même lorsqu’ils sortent un album tous les deux-trois ans, les frères Jarman, incorrigibles rockers, restent extrêmement dangereux. A l’écoute de “In The Belly Of The Brazen Bull”, on a qu’une envie: aller dans un bar, se bourrer la gueule et foutre le boxon. Aussi amoché qu’un homme après huit pintes, leur rock effronté a beau trainer dans le caniveau, il lui faut peu de temps pour filer en douce et conter fleurette à des jeunes filles en fleurs.

Troisième et dernier constat, les fauteurs de troubles de Wakefield offrent des chansons comme on monte sur un ring, alternant les coups de force et les moments de récupération. Tour à tour bruyant et mélodique, sauvage et barré, innocent et pervers, “In The Belly Of The Brazen Bull” est un album parfait pour ceux qui adorent noyer des chats.

En écoute

En écoute intégrale

Related posts

• Simian Mobile Disco - “Unpatterns”
• The Cribs
• Best Coast - “The Only Place”
• Lissy Trullie - “Lissy Trullie”
• Simian Mobile Disco dévoile son nouveau single

Le moins que l’on puisse dire, c’est que Damon Albarn ne s’est jamais isolé dans ses idées, ni emprisonné dans sa musique. Repoussant en permanence ses ambitions, le gars de Londres vient de trouver un nouveau terrain de jeu et de nouveaux camarades pour satisfaire ses folles envies. Car, c’est un fait, l’ex-Blur ne voyage jamais seul. Pour ne pas déroger à la règle, il invite ici l’ex-batteur de Fela Kuti, Tony Allen, et le joueur de kora, Madou Diabate. Pour se la jouer bande annonce TF1, ensemble, ils n’ont qu’un seul but: moderniser notre conception de l’opéra Elisabéthain.

Versant tragique de son œuvre, “Dr Dee” fait dialoguer le passé proche et le passé lointain de l’Angleterre en se focalisant sur John Dee, un mathématicien-astronome-navigateur-amateur d’occulte devenu célèbre grâce à son rôle de consultant auprès de la Reine Elizabeth I. Nous voilà donc retournés quatre siècles en arrière où viole de gambe, chant hiératique et orchestre en tout genre (sopranos, ténors et mezzos) déconstruisent les normes. Même si l’idée de départ était de créer un opéra sur les super-héros, on ne peut qu’être émerveillé devant cette parenthèse enchantée.

Baroque dans l’esprit, lyrique dans les intentions, on reste loin de la pop music qui caractérise cet éternel insatisfait. Comme s’il venait de comprendre qu’une composition pouvait être comme une méthode d’écriture, c’est-à-dire un enchainement d’harmonies et de nappes cinématographiques. En offrant un aperçu de ses compositions l’été dernier à Manchester, Damon Albarn prouvait déjà que le terme “décrue d’inspiration” ne lui sciait guerre. Après “Monkey: Journey To The West”, “Dr Dee” apporte la preuve définitive, grâce à des titres comme “A Man Of England” et “Cathedrals”, que la musique est un art éternellement libre.

Manifestement, Damon Albarn fait partie de ces artistes dont le nom ne suffit pas à les identifier. Marque de fabrique? Privilège rare? Héros malgré lui? Difficile à dire à tant il s’acharne à ne pas marcher droit. Le monde qu’il décrit ici n’est ni pire ni meilleur que celui du 17ème siècle: on y croise les mêmes problèmes sociaux, matériels et culturels, mais ici, ils sont magnifiés par une sensibilité exquise. Aussi inventif que perché, Damon Albarn est humain, trop humain, mais bon sang, qu’est-ce qu’il est divin.

En écoute

En écoute intégrale

Related posts

• Damon Albarn
• Graham Coxon - “A+E”
• Damon Albarn sortira “Dr Dee” au mois de mai
• Damon Albarn monte un nouveau groupe. Etonnant non?
• DRC Music - “Kinshasa One Two”

Ceux qui n’ont jamais senti la plénitude monter lorsque, au pied des montagnes, le ciel s’ouvre, le soleil réchauffe l’eau du lac sur le chant des faucons, peuvent passer leur chemin. Pour les autres, en revanche, “Post Empire” fera office de gracieuse bande sonore. Même si, ces dernières années, on n’en finit plus de réécouter et de redécouvrir une folk pour chemise de bucheron et grands voyageurs, le nouvel album de Will Stratton doit-il pour autant payer les pots cassés de cette abondance? Touchante parce qu’elle a pris le temps de s’imprégner des vibrations de la nature, cette œuvre est un geste, un son, une invitation à suivre ce bon vieux Will dans ses méditations solitaires. Et soudain, si on prend le temps de le rejoindre, on n’est plus seul. Qu’importe la durée du voyage, seuls comptent les pas qui nous dirigent inévitablement au loin, vers ces montagnes. Question: fallait-il qu’ils soient aussi extrêmes? Oui, car il est nécessaire de démontrer que les œuvres peuvent encore être l’équivalent d’un véritable espace public en englobant l’air, la terre et le ciel. Et d’autres choses encore qui permettent d’écouter “Post Empire” de jour comme de nuit, de parader dans l’obscurité comme dans les cercles de lumière, comme si la pluie et le soleil jouaient à cache-cache. On en est désormais certains, Will Stratton est un génie de la folk, abstraite et atmosphérique. Immersion garantie.

En écoute

En écoute intégrale

Related posts

• Will Stratton

Tous les doutes étaient permis et pourtant, le premier album de Best Coast a survécu au temps si l’on en croit l’impressionnante affection qu’il génère encore auprès du public, deux ans après sa sortie. Depuis, visiblement pas grand chose n’a changé chez les Californiens, passés en un disque du statut de produit de la blogosphère à tête d’affiche de festival. De retours avec ”The Only Place”, ils réitèrent la formule connue et chipée aux Vivian et Dum Dum Girls, à la différence près que, cette fois, Bethany Cosentino est vraiment triste, au point d’exhorter le chéri à prouver son amour pour elle (”Do You Still Love Me Like You Used To”), de rêver de départ (”Dreaming My Life Away”), de s’indigner des rumeurs (”Better Girl”). En résumé, géologiquement, le centre du monde passe par l’axe de Bethany et elle l’assume parfaitement (”I always complain…” chante t-elle sur “Why I Cry”). Seulement, la belle n’est pas la seule à plonger dans le pathos et son compère Bobb, malgré l’aide de Jon Brion, ne soulève pas non plus les foules par l’exubérance de ses compositions. Si les (nombreux) fans du duo ne seront pas déçus par ce second album, “The Only Place” a l’indéniable qualité de vous faire espérer une vie plus haletante une fois que vous l’avez écouté. Certes, il n’a rien à envier à ses contemporains, mais il ne possède pas non plus suffisamment d’aspérités pour éveiller la curiosité. À ce titre, “Sees The Light” de La Sera lui met bien plus d’une calotte.  Mais bien aveugle celui qui espèrerait de l’audace chez Best Coast et, de fait, “The Only Place” remplit parfaitement sa fonction: celle d’un opus taillé pour supporter une heure de route avec l’espoir d’acheter un paquet de chewing-gums à la prochaine station.

En écoute

Related posts

• Best Coast - “Crazy For You”
• Simian Mobile Disco - “Unpatterns”
• The Cribs - “In The Belly Of The Brazen Bull”
• Lissy Trullie - “Lissy Trullie”
• Téléchargez gratuitement le nouveau single de Best Coast

Deux ans après ”Teen Dream”, Beach House reprend du service pour un quatrième album sous l’égide de Sub Pop. Une fois de plus, le duo formé par Alex Scally et Victoria Legrand ne déshonore pas ses précédentes productions tant “Bloom” reste dans la digne lignée initiée par le premier album et se pose déjà comme le disque idéal pour les futures longues soirées estivales. Encore plus soignée par sa production, plus lissée aussi, cette nouvelle salve peut, davantage qu’auparavant, agacer par sa candeur apparente. Seulement, une fois digéré, ”Bloom” se révèle être la quintessence de l’onirisme.

En entrant directement dans son sujet, Beach House obsède dès le début. En monument pop, bien aidé par Chris Coady (Blonde Readhead, Yeah Yeah Yeahs), le duo sillonne la mesure parfaite entre la charge mélancolique, l’audace romantique et l’élégance d’une production à la fois parcimonieuse et fastueuse. Pour autant, si certains trouvent les similitudes trop nombreuses avec ”Teen Dream”, on ne peut que constater un nouveau penchant pour une écriture déstructurée, tout en crescendo, délaissant ainsi le traditionnel couplet-refrain. À ce titre, la notion de voyage remplit pleinement son rôle et la seconde moitié de l’album le souligne aisément tant, dès l’immense ”Troublemakers”, Beach House démontre toute sa propension à bâtir des édifices pop magistraux. Cette orientation s’applique également dans les textes de Victoria Legrand, tous touchés par la perte de l’innocence, de l’adolescence, de l’amour impossible: autant de thématiques qui, derrière la caméra de Christophe Honoré, donneraient envie de vomir mais qui s’approchent du sublime dès lors qu’il s’agit des intéressés.

Enfin, si les singles ”Myth”, ”Wild” et ”Other People” seront les plus éloquents auprès du grand public, ”Lazuli”, ”On The Sea” et surtout ”Irene” s’imposent comme les incontournables d’un album hors de tout format. Officieusement leaké depuis un moment sur la toile, déjà en boucle dans beaucoup d’oreilles, il est avec Lower Dens tout ce dont nous pouvions espérer de mieux pour cette année, érigeant ainsi la glauque Baltimore en nouvelle capitale de l’amour désabusé. Alors bien sûr, Beach House continuera de déplaire aux aigris sans coeur mais avec “Bloom”, la formation nous reprend là où Metronomy nous avait laissé l’an dernier, la maturité en plus, avec le bonheur de se savoir triste à jamais. Et si nous sortions les violons?

En écoute

Related posts

• Beach House - “Teen Dream”
• Beach House - “Myth” (live on Letterman)
• Handsome Furs n’est plus.
• Father John Misty - “This Is Sally Hatchet” (music video)
• Father John Misty - “Fear Fun”

Ce n’est pas la première fois que Thomas Poli (Dominique A, Montgomery, Miossec) et Laetitia Sheriff mettent leur nez dans la musique de Robert Le Magnifique, auteur de plusieurs albums remarqués, dont le dernier “Oh Yeah Baby” ou on les y croisait. Connaissant le background plutôt rock des deux intéressés, on comprend sans mal pourquoi le producteur rennais n’a pas tardé à faire appel à eux quand il s’est embarqué dans le projet “Where Is My Mind?”, pour lequel il s’était engagé à reprendre deux titres des Pixies. C’était en 2009, et l’osmose fut telle que les trois ont logiquement décidé de prolonger l’expérience pour le compte d’un nouveau projet de la Compagnie L’Unijambiste, décidément portée sur Shakespeare (”Hamlet“, “Richard III”). De là nait “A Midsummer Night’s Dream”, album inspiré par “Le Songe d’Une Nuit d’Eté”, mais pour lequel une grande liberté a cette fois été accordé aux musiciens. Mais, si les inspirations pop, electro et hip hop de Robert Le Magnifique se marient subtilement aux envies rock indé naturelles de Laetitia Sheriff et post rock de Thomas Poli, l’ambiance générale reste en grande partie fidèle à celle de la pièce, quand elle ne lui sert pas des titres ambiants qui lui semblent entièrement dévoués (”Play The Game”, “Why Is Your Cheek So Pale?”). L’album ne manque ainsi pas de cultiver la notion de paradoxe et de conflit qui règne au sein de l’original, et la répercute sur des compositions relativement sombres, aux humeurs changeantes, souvent au sein d’un même titre. Du coup, il n’est pas rare qu’au détour d’un morceau on aperçoive la lumière sans qu’elle nous illumine, qu’on ressente une certaine gravité sans en être affecté. Les mélomanes à la culture théâtrale apprécieront. Mais que les autres se rassurent: “A Midsummer Night’s Dream”, par sa richesse et sa diversité, a aussi une vie en dehors de son contexte, et peut s’écouter seul, pour ce qu’il est.

En écoute intégrale

Related posts

• “Often False”, leçon de grâce et de noirceur par Laetitia Sheriff
• Robert Le Magnifique - “Oh Yeah Baby”
• Robert Le Magnifique - “Kinky Attractive Muse”
• Robert Le Magnifique - “s/t 23″
• Psykick Lyrikah - “Derrière Moi”

Les amis de mes amis sont mes amis. La preuve, c’est en se rendant au vernissage de l’exposition de leur pote Sonny Kay que Cedric Bixler Zavala et Christian Eric Beaulieu font connaissance en 2010, décident de jouer ensemble en acoustique avant d’élargir le line up en invitant Mike Watt à la basse et Rachel Fannan au chant. Vous en conviendrez, rien de bien original jusque là, les prémices d’Anywhere ressemblant plus ou moins à ceux de millions d’autres groupes. A la différence qu’on a ici affaire à un quatuor pour le moins expérimenté, chacun ayant respectivement accroché les discographies de At The Drive In, Mars Volta, Triclops, Minutemen, fIREHOSE ou Sleepy Sun à sa discographie. Sans compter sur la propension de ces quelques figures à constamment envisager la musique avec une touche toute naturelle d’expérimentation.

Partagé entre acoustique et électrique, convoquant de multiples instruments à percussion, pas mal d’effets, ils accouchent tous ici d’un premier album avant gardiste, finalement bien plus sérieux que le projet récréatif auquel on s’attendait. Ni plus ni moins que la somme des styles de prédilection de chacun (”Anywhere”), cet opus éponyme compte avant tout sur l’énergie punk qu’il arbore parfois pour le ramener dans le domaine du concret. Un élément indispensable au regard de la couleur générale de cet opus le plus souvent baigné de rock progressif, de psychédélisme, et d’un mysticisme sans cesse alimenté par les francs clins d’oeil adressés à la transe orientale (”Dead Golden West”, “Shaman Mantra”), autant d’occasions qui soulignent la difficulté à ne pas décrocher. Néanmoins accessible, l’album devrait trouver un écho chez les fans du Mars Volta des débuts. Profitons en car, à l’écouter entre les lignes, Anywhere laisse déjà envisager un avenir musical moins abordable. S’il en a un.

En écoute

Related posts

• Des membres de At The Drive In, Triclops et Minutemen forment Anywhere
• Anywhere
• Sleepy Sun - “Spine Hits”
• V/A by Autechre - “All Tomorrow’s Parties 3″

Comme Hot Sugar, ils sont quelques-uns à nous avoir sur-vendus leur technique avant qu’on puisse jeter une oreille sur le rendu. Au final, peu se sont pourtant révélés convaincants: souvent perdus dans leur concept, les producteurs en ont trop souvent oublié de rester efficaces, de soigner la mélodie et l’accessibilité de leur musique. Ces dernières années, un seul y est vraiment arrivé: sur “Foley Room” pour lequel il était parti à travers l’Amérique du Nord en quête de matière première, armé de son matériel d’enregistrement, Amon Tobin - pourtant souvent accusé de privilégier la performance - était magnifiquement parvenu à faire cohabiter efficacité et démarche de production alambiquée. Avec “Moon Money”, mini album qui l’invite chez Ninja Tune et qui fait suite à un “Muscle Milk” paru l’an passé, Hot Sugar lui emboite donc dignement le pas, partageant avec lui une manière plutôt originale de marquer sa différence au sein de la nuée de producteurs actuels.

En effet, pour le new yorkais Nick Koenig, auteur notamment du titre d’ouverture du récent “Undun” de The Roots, tout est bon pour donner corps à sa musique hésitant majoritairement entre downtempo synthétique et bass music. Ainsi, sans jamais qu’on s’en aperçoive le temps de ces neuf titres, on entend des rythmiques issues notamment de caisses claires faites d’os humains ou du rythme cardiaque amplifié d’un rat. Des exemples parmi d’autres qui pourraient effrayer mais qui, finalement, se noient subtilement dans une oeuvre rendue humble et accessible par des mélodies lumineuses (”Everybody’s Parents Will Die”), faciles au point de pouvoir parfois être sifflées (”The Kid Who Drowned At Summer Camp”, “Addictions”), pourtant elles aussi tirées de sources pour le moins originales: la respiration d’un vieillard, l’enregistrement d’un ouragan, un rat en vadrouille sur un piano. Une technique baptisée “musique associative” par le principal intéressé, qui s’est rarement révélée aussi intéressante sur le fond que sur la forme (”#Mindcontrol”). Ninja Tune a donc peut être trouvé en Hot Sugar l’équilibre qui lui manquait, perdu qu’il était ces derniers temps entre productions downtempo demi-molles et expérimentations saluées mais rapidement indigestes. L’avenir nous le dira, rapidement de préférence.

En écoute

Related posts

• Hot Sugar
• Blockhead - “Interludes After Midnight”
• Yppah - “Eighty One”
• Amon Tobin va mettre ses archives en boite
• Bonobo - “Black Sands Remixed”

The Glass Half, c’est l’histoire d’un duo séparé par l’Océan Atlantique. L’un, en France, fait valoir son travail de production sous le nom de Matmat quand il n’oeuvre pas pour le collectif Circa Diem. L’autre, Jonah Byrd, est chanteur et multi instrumentiste à Brooklyn et officiait au sein de Jigwaw Soul, un groupe progressif de la Grosse Pomme. Ensemble, ils ont décidé de collaborer suite au déclic vécu par le français lors d’un voyage initiatique au Brésil qui influença nettement son approche de la production, et de laisser aller leur inspiration commune sans s’affranchir d’un genre en particulier. Même si, au delà d’une fine couche d’électronique et la patte sud américaine nouvelle du beatmaker, on croise inévitablement le temps de ces onze titres le hip hop et le rock des sixties ou des seventies, les deux genres de prédilection des deux compères…

En résulte un album qui, contrairement à ce qu’on aurait pu penser, prend soin de ne pas partir dans tous les sens, de suivre une ligne directrice cohérente, sans qu’on puisse lui coller avec assurance sur le dos la moindre étiquette. Fort d’une certaine richesse née du mariage des machines et des instruments, il a pour lui cette cette convivialité qui plonge l’auditeur en terrain familier tout en parvenant à le surprendre. Imprévisible de par sa grande ouverture d’esprit, The Glass Half l’est de tout son long, mais souffre néanmoins rapidement d’un manque d’innovation dont on le sent pourtant régulièrement capable à l’écoute de ce disque. Un bémol incarné par quelques titres qui peinent à nous embarquer (”The Promise Of Glory”, “A Welcome Departure”), mais bien vite oublié quand on se rend compte également que le duo n’a pas fait l’erreur de plonger la tête la première dans des sonorités world (”The Glass Half”) qui, avouons le, alourdissent considérablement les albums urbains quand elles ne sont pas savamment dosées.

Point de Gilberto Gil sous machine donc, ni d’aucune caricature grossière de ce genre: The Glass Half transpire un plaisir certain à enfanter d’une musique libre, accessible quand elle opte pour un format conventionnel (les convaincants “Daylight” et “Hereafter”), parfois un poil expérimentale aussi pour varier l’affaire (”Claptrap”, ou ce “Forbidden Fruit” qui ne s’interdit rien). Pourtant au final, difficile de ne pas céder à la tentation de ranger le duo auprès des acteurs d’un hip hop chanté et chaleureux, surtout Lyrics Born dont on touche parfois la ressemblance ici, notamment sur le single “Gone For East”. Accueillant et généreux, The Glass Half, à défaut de garantir qu’on l’écoute très longtemps, mérite clairement qu’on visite son monde, au moins le temps de ce premier album qui pourrait ouvrir la voie d’autres plus intéressants et approfondis encore.

En écoute




Related posts

• The Glass Half - “Gone For East” (music video)
• The Glass Half
• Soklak - “Maow Airlines”
• Iris / Arm - “Les Courants Forts”
• Fred Yaddaden - “The Shadow Of a Rose”

Il a beau avoir d’abord conquis son public avec Amor Belhom Duo, le projet qu’il a longtemps mené avec son complice Naïm Amor, Thomas Belhom n’a pas perdu de temps pour prouver qu’il était un musicien assez accompli pour pouvoir mener sa barque seul. En deux albums clairement marqués par le brulant héritage musical de l’Arizona ou il vécu, il s’est vite affirmé comme un songwriter de fond, de ceux qui n’attirent pas forcément toutes les lumières mais qui n’en perdurent pas moins dans le temps. Certains musiciens de Lambchop, Calexico ou Tindersticks qu’il a croisé, ou avec qui il a pu collaborer, ne s’y sont d’ailleurs pas trompés, jusqu’à lui rester fidèles sur “Rocéphine” puisque l’on peut y entendre Stuart Staples chanter “A Meaning Shovelfull Of Promises”.

Ça n’empêchera pas cette nouvelle oeuvre de se démarquer singulièrement de celles qui l’ont précédée, notamment par une approche nettement plus introspective et sombre qu’à l’accoutumée. Plus rares sont donc les tournures parfois improvisées qu’on pouvait croiser lors de certains passages de “Remedios“, moins courantes sont également les mélodies évidentes et légères qui faisaient le charme de “No Border“. Ici, Thomas Belhom vous capture, vous calfeutre de force dans son intimité, comme pour ne jamais altérer la proximité qui se dégage de chacune des compositions, sans exception. Seulement, l’approche est à double tranchant: ou l’on s’y sent à l’aise et l’on capte ce que l’auteur souhaite ardemment faire passer, ou la gêne d’une relation forcée s’installe jusqu’à vous faire passer à côté de l’essentiel.

A vrai dire, ce sont les deux sentiments qui dominent tout au long de ce “Rocéphine”, alternance de réjouissances et de titres trop hermétiques pour que l’on s’y attarde. Question de goût incontestablement, de perception aussi sûrement, qui fait qu’on préfère définitivement Belhom en mélodiste plutôt qu’en conteur d’histoires rendues volontairement pesantes, que le sujet soit plus ou moins gai. Et c’est sans compter sur un recours beaucoup plus récurent que par le passé à la langue française, laissant les mots abandonner la douce et agréable musicalité de l’anglais pour mieux peser de tout leur poids (”L’Avancée En Moi”, “Temps Allongé”). Ainsi, parce que la beauté est toujours moins perceptible dans la pénombre, on conseillerait donc à Thomas Belhom de repeindre les murs noirs de son intérieur à grands renforts de couleurs vives. On y verrait alors plus distinctement les véritables trouvailles que sont “Local Loco”, “Got TV I” et “Yumi”: trois titres vers lesquels on revient irrémédiablement chaque fois qu’on trouve la force morale de se replonger dans ce disque.

Related posts

• Thomas Belhom - “No Border”
• Thomas Belhom - “Remedios”
• Chapelier Fou - “Invisible”
• Mein Sohn William - “Mein Sohn William”
• Zëro - “Hungry Dogs (In The Backyard)”

Il fallait que Josh Tillman ait une envie irrépressible de s’exprimer de nouveau en solo, et de se concentrer uniquement sur sa propre carrière, pour faire le choix de quitter ses Fleet Foxes à l’apogée de leur succès, ceux chez qui il s’est dressé derrière les fûts de 2008 à 2011. Après quelques albums sortis sous son nom qui lui ont fait glaner un succès d’estime certain, et après une période de dépression ou il retrouva goût à la composition en se lançant dans l’écriture d’un livre, il a donc mis toute son ambition au service de Father John Misty: un nouveau projet qui, pour la première fois vraiment, le voit véritablement prendre des risques, ou on l’entend meilleur chanteur que jamais (”Nancy From Now On”), au centre des compositions les plus orchestrées de sa discographie (”Now I’m Learning To Love The War” par exemple).

Et pour cause, alors qu’il comptait tout interpréter lui-même, Tillman a fini par approfondir sa collaboration avec le producteur Jonathan Wilson, et laisser quelques musiciens de Los Angeles contribuer au disque quand les deux se sont mis au travail dans la Cité des Anges. Définitivement accessible et telle une oeuvre profondément réfléchie, “Fear Fun” parvient néanmoins à semer le trouble: la faute à une ambiance générale à la fois sombre et mystérieuse qui ne fait que le rendre plus intriguant et passionnant encore. Celle qu’on avait déjà pu gouter en amont avec “Hollywood Forever Cemetery Songs”, une ballade électrique du plus bel effet mais trompeuse tant elle fait finalement figure d’exception au sein de titres majoritairement pop folk, ancrés dans une certaine tradition, plus lumineux aussi.

“Fear Fun” se laisse ainsi découvrir au fil des écoutes, révèle progressivement ses petits secrets, mais ne peut cacher plus longtemps le plaisir que le songwriter de Seattle a pris à l’orchestrer et à l’arranger, avec cette conscience permanente de ne jamais en faire une oeuvre indigeste ou trop expérimentale. Parfois marqué par une certaine sinistrose (”Fun Times In Babylon”, “O I Long To Feel Your Arms Around Me”), cet album évite néanmoins de se laisser gagner par la tristesse, en usant de magnifiques mélodies (”Misty’s Nightmares 1&2″), et en multipliant les ambiances agréables: road trip sur “Writing a Novel”, bluegrass sur “Well, You Can Do It Without Me” et “Tee Pee’s 1-12″, orchestrales sur “Only Son Of The Ladiesman” et “Every Man Needs a Companion” qui laissent mesurer l’influence de l’homme sur les compositions passées de Fleet Foxes. Une nouvelle preuve que les artistes livrent souvent le plus beau d’eux-mêmes dans la souffrance.

En écoute intégrale

Related posts

• Father John Misty - “This Is Sally Hatchet” (music video)
• Father John Misty - “Nancy From Now On” (music video)
• Father John Misty, la nouvelle vie de J.Tillman
• Handsome Furs n’est plus.
• Beach House - “Bloom”

Réconciliés avec Last Days Of April grâce à “Gooey” qui, en 2010, venait rattraper un bien terne “Might As Well Live” paru trois ans auparavant, nous voilà replongés dans la pop des suédois, armés d’une épuisette pour choper au vol les tubes légers et délicats que Karl Larsson et sa bande auront bien voulu composer ici. Et si la plupart des titres volent encore trop haut pour qu’ils soient captés avec aisance et facilité, il faut avouer que ce printanier “79″ tombe à pic tant il aligne les pop songs à la fois tranquilles, fraiches, lumineuses, et ensoleillées, aussi les chansons d’amour sans pour autant se noyer dans l’eau de rose. Comme héritées de l’école Nada Surf et autres fiers représentants du genre, certaines se payent même le luxe de se révéler immédiatement, comme si elles nous accompagnaient depuis toujours. C’est le cas des guillerets “Don’t Stand In The Way Of Love”, mis bien au dessus du lot par son évidence mélodique et son refrain accrocheur. Mais ça marche aussi sur quelques ballades dont le groupe a maintenant le secret depuis quelques albums (”When”, “Still Think About It”), également sur “Where We Belong”, pic d’énergie bienvenu contribuant lui aussi à relayer au second plan quelques morceaux plus en deçà au point qu’on aurait très bien s’en passer (”Lily” notamment). Rien pourtant qui puisse freiner ces Suédois dans leur quête de cette pop parfaite dont il se rapproche, doucement mais sûrement, à chaque album. Vivement la suite donc.

En écoute intégrale

Related posts

• Last Days Of April - “Gooey”
• Last Days Of April - “Might As Well Live”
• Last Days Of April - “If You Lose It”
• Looptroop Rockers - “Professional Dreamers”
• Looptroop Rockers - “Professional Dreamers” (music video)

En 2010, en compilant ses quatre premiers Eps, Off! rappelaient à tous les nostalgiques du punk hardcore primaire qu’ils n’étaient plus forcément obligés de piocher dans leurs vieilleries pour retrouver le sourire. Du haut de ses 55 balais, bien entouré par quelques solides représentants depuis longtemps dévoués au genre, Keith Morris - ancien frontman des mythiques Black Flag - s’y offrait une nouvelle jeunesse au moment ou ses Circle Jerks tombaient en désuétude. Pour autant à l’époque, il ne garantissait rien aux nouveaux aficionados de Off!, tous sans voix lorsqu’ils se demandaient si la bande s’entichait là d’un one shot récréatif ou appréhendait son avenir à plus long terme.

Ils trouveront forcément réponses à leurs interrogations avec ce premier véritable album du quatuor qui, à l’instar du précédent, ne fait pas plus dans la dentelle, et ne prend pas plus le temps de convaincre. 16 titres exécutés en à peine autant de minutes, c’est le sort prévisible que Off! a réservé à cette nouvelle salve interprétée pied au plancher, sans aucun répit, avec pas plus d’une poignée d’accords et quelques courts soli bien collés (”Wiped Out”, “Harbor Freeway Blues”). Aussi sans aucune once de ce pathétique que certains pourraient craindre de la part d’un vieux briscard comme Morris…

Évidemment, il ne faut pas attendre ici une quelconque remise en question de la part de cette bande de punks incurables gardant bien au contraire leur regard volontairement rivé sur le rétroviseur. Seulement un autre enchainement de bourrasques punk minimales en tous points similaires avec celles d’il y a deux ans, qui trouvent tout leur intérêt dans cette simplicité d’exécution jouissive, plus ou moins intense pour coller au mieux à la force des coups de gueule d’un Keith Morris pointant tour à tour du doigt - et souvent en moins d’une minute - des sujets de société comme le nucléaire (”Toxic Box”) ou un système éducatif à la dérive (”King Kong Brigade”).

Pourtant, comme pour couper l’herbe sous le pied des plus médisants qui s’apprêtent à le qualifier d’aigri au moment ou il tombe dans les règlements de compte (”I Got News For You”), l’homme y va aussi de paroles beaucoup plus introspectives (”Jet Black Girls”) qui finissent de faire de ce premier “vrai” album en tous points prévisible, une oeuvre authentique et sincère, classique et tenace, spontanée jusque dans sa production perfectible. Ni plus ni moins un rappel de basiques à afficher dans tous les garages, toutes les caves et salles de répétitions ou se forgent actuellement les futures générations.

En écoute intégrale

Related posts

• Off! met en écoute l’intégralité de son album
• Off! a mis la dernière touche à son premier album
• Off! - “Crawl” (video live in Room 205)
• Off! - “Compared To What” (video live in Room 205)
• Off! - “First Four Eps”

Hyphen Hyphen, ce sont ces petits jeunes qui ont défrayé la chronique en mars 2011 avec leur premier EP “Chewbacca, I’m Your Mother“. Vous savez, ceux qu’on n’osait pas aimer, de peur de rabaisser notre fierté plus bas que terre, agréablement dégoûtés que nous étions par cette fraîcheur pop vaporisée par des gamins d’à peine vingt ans. Quelques dizaines de concerts, reconnaissances musicales honorables, et exams plus tard, il était temps pour eux de se remettre aux fourneaux. Les niçois proposent ainsi un nouvel EP de cinq nouveaux titres taillés pour entretenir le buzz avant la saison des festivals, et en vue d’un potentiel album. L’effet de surprise en moins, “Wild Union” affiche les mêmes recettes, si ce n’est des variations rythmiques et une dose supplémentaire d’électro. Au centre, cette voix féminine dont le charme et le timbre bluffant opèrent d’emblée sur “Major Tom”. Passés les acceptables “Atlas” et “Empty Fire”, aux risques orchestraux plus ou moins gérés, Hyphen Hyphen se sert de ces vingt minutes comme une nouvelle épreuve de casting, prêchant ainsi des convaincus dans le but de rafler encore une fois les prix étiquetés “jeunes talents” ou “découvertes” en 2012. Avec un petit côté 4 Non Blondes, le groupe consolide sa personnalité entre la propreté synthétique et la spontanéité vocale de “MVT II”, avant de sortir de son chapeau ce sens inné du refrain sur “Wild Patterns” et son final épique: un petit tube en soi avant une nouvelle démonstration sur album…

En écoute

Related posts

• Hyphen Hyphen
• Hyphen Hyphen - “Chewbacca I’m Your Mother”

Aligner seulement deux ou trois titres assez forts sur un album peut parfois se révéler à double tranchant: au pire on condamne le manque de consistance, au mieux on ne se souvient que de cela au moment ou déboule un deuxième disque comme “Death Dreams”, successeur d’un “Meet Me At Munster Station” sorti en 2010 pour faire de PS I Love You une des plus belles surprises rock d’alors. Pourtant, le temps servant l’objectivité, force est d’avouer que ce premier long format du duo canadien reposait essentiellement sur l’imparable “Facelove”, un peu aussi sur “Get Over”: un rapide état des lieux qui fait donc relativement retomber l’enthousiasme au moment de s’attaquer à ce cru 2012.

Sans véritable élan de nouveauté, tel un deuxième volume digne du premier, “Death Dreams” reprend les choses là ou elles ont été laissé il y a deux ans: rythmiques efficaces donnent encore le change à une guitare omniprésente et au son caractéristique identique. Il faudra donc s’en remettre à la mélodie, seul élément qui semble offrir à ce nouvel album des “tubes” plus nombreux qu’au tracklisting du précédent effort. “Sentimental Dishes”, premier véritable morceau du disque car planqué derrière une intro instrumentale que le groupe tente en vain de nous vendre comme inédite chez lui, en est un tant il marque les esprits de par son refrain accrocheur et ses soli à la Dinosaur Jr, ceux qu’on retrouve aussi sur la convaincante conclusion qu’est “First Contact”. Pour leur emboiter le pas, et faute de mieux, le délicat “How Do You” et le puissant “Princess Towers” s’ajouteront in extremis à cette short list.

Malgré eux, une fois n’est pas coutume, “Death Dreams” sombre rapidement à coups de déflagrations trop brouillonnes et trop linéaires (”Don’t Go” pourtant revendiqué comme LE single de cet album, “Toronto”), de compositions ternes et presque inintéressantes (”Future Dontcare”, “Saskatoon”) qui font qu’on trouve trop souvent le temps long. Dommage, alors qu’on pensait les deux canadiens capables d’élever considérablement leur niveau malgré un line up rétréci, ils ont semble t-il préféré ne pas prendre de risques. Peut être au troisième album, s’il n’est pas déjà trop tard.

En écoute

Related posts

• PS I Love You dévoile deux titres de son prochain album
• PS I Love You - “Meet Me At The Muster Station”
• PS I Love You - “Princess Towers” (live session)
• PS I Love You & Diamond Rings - “Leftovers” (music video)
• PS I Love You - “Get Over” (music video)

En grossissant le trait, on peut facilement dire que peu d’artistes techno ont aujourd’hui le chic pour rendre un disque digne d’intérêt sur la longueur. On a connu des moments de gloire avec Laurent Garnier, Daft Punk, Jeff Mills, Technasia ou Carl Craig, mais ça… c’était avant! La solution moderne de l’éclectisme a bien sûr porté ses fruits mais on ne parle alors plus de techno pure, celle qui fait danser avec son éternel pied 4×4 et qui n’a pas vraiment connu d’album majeur depuis des années. Ce discours de mec blasé est en réalité une manière cachée de poser ce disque sur un piédestal encore plus haut. En effet, Oxia - vétéran de la scène tech-house hexagonale et anciennement moitié de Phunky Data - parvient à garder sa place parmi les jeunes qui envoient des bpm de leur chambre pour un oui ou pour un non. Tout en conservant la priorité qu’il a toujours laissée au groove, il regarde de loin la fin des années 90 - date à laquelle il créait le label Goodlife avec The Hacker - et poursuit en solitaire à coups de maxis bien sentis sur différents labels de renom. Huit longues années après son premier album “24 Heures”, son second long format “Tides of Mind” voit enfin le jour, marqué par une manière plus fine et plus pop d’aborder la techno que sur maxi, et une profondeur d’esprit  logiquement accueillie par InFiné. A l’instar de son nouveau patron Agoria, ce perfectionniste presque maladif laisse échapper quelques nouvelles influences en laissant d’abord chanter Miss Kittin sur le deep “Housewife”, Mesparrow sur la magnifique promenade electronica “Traveling”, et Scalde sur la tech-pop tranquille “The Phoney Lullaby”. En plus de ces trois titres déjà remarquables de sincérité, Oxia a eu le temps de faire mûrir ses idées, et la cueillette s’avère fructueuse lorsqu’il aligne des titres distingués comme “Flying Over Time” et “Latitude” au groove plus que persuasif, le fragile “Harmonie”, ou “Rue Brusherie” (et ses délicates connotations jazz) qui côtoie l’excellence en termes de techno!

En écoute

Related posts

• Oxia
• Interview - Don Nino, sécrétions prohibées
• Don Nino - “In The Backyard Of Your Mind”
• Cubenx tire un single de son premier album
• Avant première: Composer - “Polar Bear” (music video)

La rumeur de séparation de Puppetmastaz nous avait chagriné en 2009, mais il faut bien avouer qu’on aurait préféré voir le crew rester dans les tiroirs au lieu de revenir trois ans plus tard avec un disque aussi décevant que “Revolve & Step Up!”. Mr Maloke, la taupe-cerveau du groupe, y réunit sa troupe de trente-cinq marionnettes pour ce cinquième album aux idées plates et manquant cruellement de personnalité. Et ce n’est pas en insistant lourdement avec de faux tubes ragga ou électro à l’anglaise que ces pantins en forme d’animaux gangstas prendront le pas sur les humains. Plutôt avec les encourageants “Entertainers”, “Turnit Into Gold” ou le massif  “Mastaz of Ceremony”, seules réjouissances de cet opus. Quoi qu’il en soit, entre Guignol et Gnafron à la salle des fêtes du coin et les Puppets en live, on choisira toujours ces derniers pour nous faire marrer. A défaut de nous mettre une claque musicale…

En écoute intégrale

Related posts

• Puppetmastaz - “The Break Up”
• Puppetmastaz - “The Takeover”
• General Elektriks - “Tomorrow We’re Leaving…” (music video)
• Stuck In The Sound - “Pursuit”
• Interview - General Elektriks, simple et funky

Deux ans après la sortie de “Who Killed Sgt. Pepper”, le Brian Jonestown Massacre y va de son treizième album. Avec le temps, et quoique le principal intéressé en dise, Anton Newcombe ne s’est jamais autant ouvert au monde. Le berlinois d’adoption a ainsi fait appel aux services de  Constantine Karlis de Dimmer ou encore la finlandaise Eliza Karmasalo.

Loin d’enterrer le passé six pieds sous terre, “Aufheben” synthétise les premières amours folk, psychédéliques, et le récent attachement aux eighties. Si le corps de Newcombe défie les lois de la nature, cette association pourrait bien s’avérer testamentaire tant jamais la formation n’était allée aussi loin dans la béatitude. Parfois à la limite de la niaiserie (”Illuminomi”, “Face Down Of The Moon”), le Brian Jonestown invoque les fantômes du passé avec la plus grande empathie. Pour autant, ces réminiscences ne sont pas toutes pour déplaire.  Après une demi-heure d’ennui confortable, les travers vénérés du groupe refont surface avec “The Clouds Are Lies” et surtout, “Starways To The Best Of Universe”, petit bijou psychédélique salvateur. L’explication se cache probablement derrière le retour de Matt Hollywood (co-fondateur de la formation, tout droit surgi des limbes californiennes) et l’intégration de l’ex-Spacemen 3 et Spiritualized, Will Carruthers, adulé par Newcombe himself. Quelques soubresauts plus ou moins dispensables plus tard, “Aufheben” s’achève sur l’inévitable “Blue Order/New Monday”, zizanie guimauve hommage à qui vous savez.

Au final, “Aufheben” laisse l’image troublante d’un groupe définitivement adoré de par son statut de looser éternel, capable de composer des perles qui marqueront une période de notre vie sans pour autant laisser un souvenir impérissable. Le Brian Jonestown Massacre a la faculté d’être plus important que ses propres chansons. Certes, “Dig” a largement aidé dans ce sens mais jamais le combo n’a cherché à aller à l’encontre de cette fatalité. Même l’irritant ego d’Anton Newcombe semble avoir mis de l’eau dans son vin, probablement usé de ses digressions stériles. Paradoxalement, si cet album est loin d’être le meilleur, c’est peut-être celui qui révèle enfin au groupe un semblant d’humanité, l’humilité touchante d’icône pop qui a vécu et s’est résignée à mourir. Ironie du sort, il aura fallu attendre le treizième. Les superstitieux sous mescaline ne croiront pas à une coïncidence.

En écoute intégrale

Related posts

• Brian Jonestown Massacre

En 2005, à la sortie d’un “Poor People’s Day” accusateur, Bigg Jus - comme galvanisé par les évènements du 11 septembre 2001 - semblait trouver en la présidence de George W.Bush un puits sans fond d’inspiration. Sept ans plus tard sous l’ère Obama, les têtes ont changé, Company Flow a beau s’être récemment offert une éphémère résurrection, le Mc n’a toujours pas la langue dans sa poche et pointe encore du doigt ce qui le fait sortir de ses gonds: la disparité des richesses, les dessous des relations internationales et de la politique monétaire. Un engagement à tout crin qu’on retrouve sur “Machines That Make Civilization Fun”, un nouvel album rappelant à quel point le hip hop peut se montrer anticonformiste et novateur.

Bigg Jus a constamment deux choses en tête qu’il s’applique à marier en toute occasion: innover et réveiller les consciences endormies. Pour y parvenir, il a cette fois encore pris ces chemins de traverse qui ont toujours été les siens. Avec une détermination à toute épreuve et une tranquillité paradoxale, il pousse donc ici le plus loin possible une approche totalement atypique qui l’éloigne volontairement du grand, lisse et apolitique divertissement que le hip hop est aujourd’hui devenu. Celui dont il a bien pris soin d’esquiver toute nouveauté durant la longue période de gestation d’un album que le Company Flow a lui même produit en bon et frais autodidacte, à l’aide d’un équipement qui lui était jusque là inconnu.

Ici, point de paillettes ni d’entertainment, encore moins de formatage. A l’exception de quelques unes rendues inévitablement nébuleuses par leur complexité (les insaisissables “Empire Is a Bitch”, “Machines That Make Civilization Fun” et “Polymathmatics”, le convulsif “Hard Times For New Lovers”), les productions sont généralement massives et denses (”Game Boy Predator”), les samples aussi angulaires qu’une bâtisse allemande de la seconde guerre (”Black Roses”), le beat lourd (”Redemption Sound Dub”), l’ambiance oppressante (l’excellent “Samson Op-Ed”), presque guerrière (”Advanced Lightbody Activation”, “Food For Thought”). Et pour compléter le tableau, Bigg Jus use encore davantage de son flow changeant au débit fluctuant, de son vocabulaire toujours plus riche, comme de la phonétique du moindre de ses mots.

Fort d’une démarche cohérente sur le fond comme sur la forme, armé du ton on ne peut plus sérieux du prêcheur aussi convaincant que convaincu, Bigg Jus met donc tous les atouts de son côté pour sonner une nouvelle fois l’heure de la révolte. Seulement, contrairement à beaucoup de ses homologues qui résument leur engagement à la simple dénonciation, le Mc ne s’inspire pas uniquement des évènements mondiaux (Occupy Movement entre autres) pour élaborer son discours. Là aussi, il va plus loin, osant quelques solutions aussi radicales soient elles, prônant par exemple un soulèvement inévitable et spontané de la population à l’instar du Printemps Arabe vécu l’an passé. Parce que, quoi qu’il arrive, c’est toujours du sang chaud de jusqu’au boutiste qui coule dans les veines du révolutionnaire…

En écoute

Related posts

• Bigg Jus squattera Mowno pour son retour au printemps
• Bigg Jus - “Poor People’s Day”
• Radioinactive - “The Akashic Record”
• Company Flow - “Patriotism” & “Bad Touch” (live videos)
• Alpine Decline - “消失/Disappearance”

L’amour, la drogue et Dieu: trois sujets qui reviennent comme une obsession chez Jason Pierce qui, tout au long de sa carrière, n’a cessé d’exorciser cette sainte trinité sur l’autel d’un rock céleste, ou le gospel et le psychédélisme copulent sans vergogne, additionnés à des boucles de guitares ombrageuses et à un soupçon de shoegaze. En 1997, cet étrange assemblage sonore accouchait d’un chef d’œuvre - “Ladies And Gentlemen, We Are Floating In Space” - qui se payait même le luxe de passer devant le “OK Computer” de Radiohead dans le classement final du NME.

Après une poignée d’albums bons mais inégaux, accompagnés d’épisodes personnels douloureux (addictions et double pneumonie en tête de liste), ce “Sweet Heart, Sweet Light” semble presque heureux, s’inscrivant dans une nouvelle dynamique qui semblait interdite à Jason Pierce. Au niveau musical, cela donne “Hey Jane”, un single rajeuni aux riffs insouciants et aux chœurs légers entièrement destinés à se greffer durablement dans nos cerveaux. Un peu plus loin, c’est un psychédélisme d’antan que n’aurait pas renié le Velvet Underground qui s’invite sur “Get What You Deserve”, puis un groove sudiste, presque soul, sur “I Am What I Am”. Cependant, même si l’ambiance est au beau fixe sur une poignée de morceaux, il ne faut pas demander trop de soleil à Spiritualized. Vite rattrapé par une tristesse qu’il a appris à aimer, il ne peut éviter les regrets qui s’invitent sur “Too Late”, ou sur les plombés “Life Is a Problem” et “Mary’.

Si les maux de Jason Pierce se conjuguent souvent avec hôpitaux et pilules, “Sweet Heart, Sweet Light” s’apparente, lui, à une convalescence proche de son dénouement. Encore marqué par une mélancolie dont il n’est pas prêt de se séparer, l’album s’attache à dépeindre un aspect plus positif de la personnalité de son auteur, qui se répercute sur une musique oscillant entre le clair et l’obscur avec, ces derniers temps, une petite attirance pour la lumière…

En écoute

En écoute intégrale

Related posts

• El-P - “Cancer 4 Cure”
• Spiritualized
• El-P date et dévoile un peu de son nouvel album
• Unknown Mortal Orchestra - “Thought Ballune” (music video)
• Tyler Ramsey - “The Valley Wind”

On a tous une copine comme Santi White. Un peu excentrique. Le genre de copine qui te papillonne autour tous les soirs de la semaine pour te convaincre d’aller danser plutôt que de finir ton bouquin. La copine qui, en révolte contre le terne et le banal, t’incite à mettre un sari sur un fuseau léopard avec un maquillage bleu flashy pour sortir faire la fête, encore. Santi White est une entraîneuse, une secoueuse de puces. Quand il s’agit d’écrire des tubes pop, c’est pareil: depuis ses débuts comme productrice de R&B, la demoiselle de Brooklyn ne sait pas se faire discrète, il lui faut de la couleur, de la jouissance de vie à pleines dents, et du métissage… Au risque de ne plus retrouver son chemin par excès de gourmandise. Les bras grands ouverts à la sono mondiale, cette fille d’avocat diplômée de l’université Wesleyenne en musique et études afro-américaines, sert de généreux cocktails bariolés, produits par Diplo, Switch ou Buraka Som Sistema parmi les architectes sonores les plus doués et bancables du moment. Ceux pour qui l’association petits carreaux et grosses rayures est appelée sacrilège vont donc souffrir: pop martiale (”Go”) en compagnie de Karen O, chanteuse des Yeah Yeah Yeahs et concurrente farouche de Santi White pour le titre très convoité d’icône baroque de la mode, électro-pop 80s’ (”Disparate Youth”), Kuduro ou dancehall qui conduisent tout droit à l’arthroplastie (”Fame”, “Freak Like Me”, “Look At These Shoes”, “Big Mouth”), new-wave de baisse de moral (”This Isn’t Our Parade”, “The Keepers”), électro-dub dandinante (”Pirate In The Water”) cohabitent sans mal. Malgré la lourde comparaison avec MIA et un fluo qui a pâli depuis la dernière fois, Santigold insuffle un air world-arty bienvenu dans la pop. Beauté dépareillée.

En écoute

En écoute intégrale

Related posts

• Paul Thomas Saunders - “Descartes Highlands”
• The Mars Volta - “Noctourniquet”
• “Disparate Youth”, le nouveau single de Santigold
• Spank Rock & Santigold - “Car Song” (music video)
• Santigold - “Big Mouth” (music video)

Souvent, on questionne les pour connaitre les groupes du moment, comme si l’auditorat était forcément gage de qualité artistique ou que la majorité avait nécessairement raison. On répondra pourtant: Poliça. L’un des seuls actuellement à se démarquer des autres.

Ces dernières années, l’auto-tune s’est largement popularisée. Merveilleux chez James Blake, camelot du progrès chez Kanye West et Colonel Reyel, ce logiciel, s’il n’est pas bien manié, ne fait pas que des heureux et peut parfois atteindre le paroxysme du mauvais goût. Pardonnez-nous donc d’avoir reculé d’un bon mètre à l’annonce de Poliça dans cette liste d’adeptes du vocoder. Pourtant, “Give You The Ghost” est bien au-delà du vulgaire. Plus vrai que nature, chez eux l’auto-tune devient même un objet très neuf, au pouvoir magnétique. Aussi talentueux qu’anticonformistes, ces agités du bocal emmenés par Chassy Casselle ont provoqué en nous une réaction aussi naïve qu’enthousiaste qu’on pensait définitivement enfouie, le fameux “Ah ouais, quand même!”. Même Bon Iver est béat d’admiration, c’est dire.

A l’origine de l’origine, “Give You The Ghost” est né sur les cendres d’une rupture amoureuse. Pourtant, il n’a rien d’une complainte. Dans ses excès et son absence de complexes, l’album est la belle surprise loufoque du printemps. Deux batteurs, un soft-rock typique des seventies et du courage comme on en voit que trop peu. Il est clair que pour Poliça, rien n’est vraiment interdit. C’est un peu surprenant, un peu étrange, et c’est un peu génial.

Visionnaire et unique, ce disque n’est pas sans lourdeur mais il témoigne du savoir-faire de ce quatuor de Minneapolis à investir tous les domaines de la pop. Mélancolie suave, pop futuriste, échos surélevés, r’n’b chaloupé, cuivres psychés et électro aérienne s’y trouvent en proportion variable, le plus souvent à raison de trois/quatre minutes par morceau. Vous l’aurez compris, Poliça, dans sa nébuleuse noctambule, emprunte la voie de l’imprudence et de l’insolence. Bien au-dessus de la mêlée, leur album est une belle proposition.

En écoute intégrale

Related posts

• Poliça
• Hooray For Earth - “True Loves”
• Field Music - “Plumb”
• Milagres - “Glowin Mouth”
• Cymbals Eat Guitars - “Lenses Alien”