mowno » disques

Baths - “Obsidian”

Francois — Wed, 22 May 2013 16:25:33 +0000

Album
(Anticon)
28/05/2013
Poptronica

Une huître peut contenir une perle. “Cerulean“, le premier album de Baths, en comptait douze. Dire que la barre était placée bien haute avant la composition de son successeur serait donc un criant euphémisme, si ce n’est un obstacle paradoxal pour cette étape pourtant aussi inévitable qu’attendue. Dans le cas présent, faire “moins-bien-mais-pas-trop” suffirait à nous sustenter, nous autres auditeurs déjà conciliants et prêts à avaler les idées magiques de ce one-man band electronica.

Nos souhaits ont visiblement été entendus dès “Worsening”, entame plutôt rassurante et preuve bien vivante que l’américain n’a pas laissé au placard son aptitude à mêler les émotions humaines à l’électronique. “Obsidian” n’est pas pour autant une suite: là où son premier opus demandait au moins trois écoutes pour seulement commencer à s’en imprégner et finir par l’adorer, cette nouvelle salve se montre définitivement plus pop, plus directe et immédiatement assimilable. Inévitablement, le lover décline ses poésies amoureuses à travers des romances qui deviendraient franchement godiches sans cette volonté de remplir les espaces avec des micro-détails glitchy, ces craquements et poussières qui ne font finalement que donner du cachet à sa voix (”Ironworks”, “Incompatible”).

Toujours organique, sa musique laisse ainsi apparaître derrière son voile expérimental une espèce de naïveté capable de se transformer en génie à chaque détour, même si Baths ne privilégie plus la superposition des éléments et noie beaucoup moins le chant dans les arrangements, préférant ici pousser sa voix au premier plan pour mieux partager des thèmes symptomatiques d’une certaine schizophrénie. En partant du postulat qu’amour et mort sont deux sujets antagonistes parfois abordés à quelques minutes d’intervalle, “Obsidian” devient alors une succession de suicides teintés d’espoir, suivis de formidables résurrections, sans jamais tomber dans la déprime.

Notez d’ailleurs le contraste notoire entre l’agréable bleu cyan de son premier disque et cette nouvelle pochette résolument sombre. Heureusement, Baths ne s’enferme pas dans une cellule grisâtre et laisse toujours une fenêtre ouverte vers d’autres perspectives bien plus rassurantes, grâce à une mélancolie omniprésente, comme sur la marche militaire “No Eyes” ou le carrément saturé “Ossuary”. A 24 ans seulement, l’artiste précoce semble habité par un esprit empli de contradictions et de questions, des sentiments profondément humains, traduits sur des morceaux saisissants (”No Past Lives” notamment).

Appelé à défendre ce nouvel album sur scène, Baths a aussi compris qu’il devait simplifier et durcir le tempo pour pouvoir s’entourer d’un groupe et donner des concerts plus intelligibles. Ainsi, même s’il n’est pas forcément représentatif du reste, “Miasma Sky” est un premier single qui, à la manière de Gold Panda, a le mérite de regarder le dancefloor d’un œil certain. De la même manière, l’uptempo “Phaedra” rappelle parfois Radiohead, tandis que “Earth Death” est une magnifique descente aux Enfers, ardue et extrêmement dark, prouvant une fois encore la volonté du producteur de nous faire danser sans jamais nous dire si l’on doit pleurer de joie ou de tristesse…

En écoute

Daft Punk - “Random Access Memories”

Jeremy — Tue, 21 May 2013 10:23:55 +0000

Album
(Columbia)
22/05/2013
Tenue de soirée

La France est un pays nostalgique. Les canaux rediffusent jusqu’à plus soif les actes glorieux des idoles d’hier, offrant à ces dernières suffisamment de temps d’antenne pour les nourrir de royalties. Se succèdent ainsi sur nos écrans et transistors les mêmes visages qui émaillent aujourd’hui les Zénith pour des tournées sponsorisées adressées à un public aussi jauni qu’un vieil album de souvenirs. Convenons qu’il serait désastreux de ne pas rendre hommage aux fulgurances d’Emile et Image, Patrick Juvet et Jean-Luc Lahaye. Frédéric Forestier ne démentira pas, lui qui eut récemment la présence d’esprit d’offrir un chef d’oeuvre cinématographique à cette génération - “Stars 80″ - pour que jamais le monde ne les oublie.

Ces idoles de pacotille avaient à l’époque trouvé écho en digérant jusqu’à la diarrhée les sons déjà surproduits de Chic à Donna Summer ou Cerrone. De cette zizanie sonore est né un vaste pot-pourri où disco, funk et merde ne sont plus distingués. Cette époque a fait Daft Punk, une des rares formations à avoir su réutiliser avec succès les sédiments des meilleurs échantillons de leur jeunesse. Il n’est donc guère étonnant de les voir revenir à cette source qui les a déjà tant abreuvés.

Tissé comme un tapis rouge, ”RAM” est ponctué de réussites irréfutables, de l’opéra “Touch” ou le surprenant “Motherboard” plus proche de Tortoise que d’Edwin Birdsong, jusqu’à la présence salvatrice de Panda Bear sur “Doin’ It Right”. Néanmoins, que reste t-il une fois l’emballement médiatique et le name-dropping dissipés? Le duo transpire tant la fascination pour ces héros qu’il ne se permet plus la moindre fantaisie en leur présence. Clinique, conçu par des instruments entièrement désinfectés, la chirurgie réparatrice génère un hybride sans âme. Clairement, le pouls battait plus fort quand Daft Punk n’était que robot. En délaissant les machines au profit des instruments de requins de studio du siècle dernier, Daft Punk tombe dans l’hommage pompeux.

Quid de “Giorgio Moroder” dont le témoignage savoureux aurait pu trouver meilleure sublimation qu’une redite de son oeuvre? Si le duo érige un pont générationnel heureux entre interprètes d’hier et d’aujourd’hui, il ne parvient pas non plus à parler du futur. Déjà passé à la postérité, son regard est tourné vers son propre passé. Certes, cette absence de perspective n’empêchera pas le disque de s’écouler. Clinquant, taillé pour cohabiter avec les classiques de RFM, ”RAM” aidera certainement à concrétiser quelques coïts chez les admirateurs de Richard Anconina. On laissera donc généreusement ce disque aux soirées mousse du Cap d’Agde en attendant des lendemains moins poussiéreux.

En écoute intégrale

Marvin - “Barry”

matthieu — Fri, 17 May 2013 14:59:40 +0000

Album
(Africantape)
03/06/2013
Heavy-kraut-electro-rock-noise…

Guidé par la vision d’un rock qui finit par n’appartenir qu’à lui, Marvin est devenu grand en refusant toute forme de simplicité, en ne sous estimant jamais l’importance de perpétuellement évoluer. Ainsi, depuis 2003 qu’elle résonne, sa musique se ressent plus qu’elle ne se discute, porte à chaque nouvel album les fruits d’un savoir, d’une maîtrise, et d’une expérience accrue, comme d’influences chaque fois mieux digérées et recrachées. Rappelez-vous il y a trois ans, quand “Hangover The Top” répondait à la furie électrique et incroyablement fédératrice du premier opus en délaissant l’intensité au profit de la voix et de claviers nettement plus expressifs. Ces deux visages désormais dévoilés, le groupe enfante de “Barry”, un troisième album monumental.

Ne cherchez pas. Définitivement droit dans ses bottes, Marvin ne tangue plus ni à droite ni à gauche, refuse de choisir entre guitares et claviers, les deux indéfectibles béquilles d’une batterie toujours très à l’aise dans son rôle de colonne vertébrale. Désormais tous à l’unisson, comme transcendés par l’indéniable assurance acquise par chacun, et parfaitement mis en valeur par le travail de production du méticuleux Vincent Robert (Electric Electric), les trois sont manifestement passés au stade supérieur en parvenant à marier comme jamais auparavant l’efficacité, les mélodies, l’intensité qui ont su se manifester - ensemble ou séparément - depuis leurs débuts. Les montpelliérains renouent ainsi avec la puissance et la transe de leurs premières déflagrations, recyclent avec brio les mélodies et le relief affichés lors de leur dernière sortie, pour finalement aligner neuf titres, tous indispensables et essentiels à la bonne tenue d’un disque assénant claque sur claque, sans essoufflement ni fausse note.

Parce qu’il a beau conjuguer deux grands prénoms de la soul music, afficher des ruines qu’Yves Montand avait déjà choisi pour la pochette de son 45t du “Temps des Cerises“, l’opus ne fait pas vraiment dans la douceur, et Marvin vient encore moins y conter de belles histoires. De “Tempo Fighting” à “Jey Ferson” mariant tous deux penchants heavy et cavalcades électroniques, le trio déballe ici sa large palette rythmique (”We Won’t Gel Fooled Again Anymore”), vire au krautrock protéiné quand ça lui chante (”Automan”), multiplie les riffs assassins (”The Dark Sheep”), décroche ses mélodies les plus efficaces, et affiche sa bonne humeur (”Giorgio Moroder”). Fulgurante ascension, l’album pousse ainsi jusqu’à un état second totalement libératoire qui culmine sur trois titres: le tubesque “As Noisy As Possible”, “Barry” et ses multiples tiroirs, et l’irrésistible “Un Chien En Hiver” incarnant parfaitement le Marvin 2013. De quoi grimper au rideau jusqu’à ronger la tringle.

En écoute

Talib Kweli - “Prisoner Of Conscious”

matthieu — Fri, 17 May 2013 09:49:05 +0000

Album
(Javotti Media)
07/05/2013
Hip hop

Talib Kweli a beau nommer ce nouvel album “Prisoner Of Conscious” comme pour se défaire de l’étiquette qui lui colle sur le dos depuis ses débuts et ses multiples collaborations avec des Mcs de ce type (Common et Mos Def en tête), il semble que l’esprit soit plus fort que sa propre volonté. La preuve dès l’intro ou, durant le mouvement Occupy Wall Street ou toute sonorisation était interdite, on l’entend clamer ses vers, et les faire répéter par l’assistance pour qu’ils soient entendus. Peu importe, cela nous a certainement toujours moins dérangé que lui, et cette entame n’est pas sans rassurer ceux qui attendent de sa part - et depuis longtemps - un véritable retour aux sources.

L’excellent “Human Mic” n’est d’ailleurs pas sans raviver la flamme, comme la plupart des collaborations ici entre Talib Kweli et Oh No. Exception faite de l’ensoleillé et cuivré “High Life”, force est de constater que l’entente entre les deux est loin d’enfanter le pire de cet album (”Hold It Now”, “Hamster Wheel”), que d’autres se sont par ailleurs bien chargés d’incarner. Preuves en sont les quelques guimauves qui plombent le disque, soit par une approche RnB trop affirmée (”Come Here” feat Miguel), soit par des choix artistiques certes respectables mais finalement peu goûteux (”Push Thru” feat Curren$y, Kendrick Lamar et Glen Reynolds, “Favela Love” feat Seu Jorge).

Entre quelques titres de bonne facture mais qui ne resteront certainement pas dans les annales (”Delicate Flowers”, “Upper Echelon”), reste néanmoins quelques exceptions pour éclaircir un peu le tableau. Parmi elles, cette nouvelle collaboration avec Melanie Fiona (”Ready Set Go”) dont la contribution soul convient pas mal au flow du new yorkais, l’efficace “Rocket Ships” concocté par RZA et craché avec Busta Rhymes, ou le chanté “Before He Walked” (feat Nelly & Abby Dobson) porté par une belle mélodie. Au final, mémorables ou non, tous les titres servent une diversité inédite chez Talib Kweli qui, si elle peut écorcher la cohérence de ce “Prisoner Of Conscious”, a au moins le mérite de ne plus focaliser l’auditeur sur le caractère “conscient” du Mc. Une maigre consolation pour un album somme toute banal.

En écoute

En écoute intégrale

Grems - “Vampire”

matthieu — Thu, 16 May 2013 12:16:35 +0000

Album
(Grems Industry)
13/05/2013
Deepkho mais pas que

Après treize années passées à défendre sa marginalité, ses audaces, et ses envies au sein de la scène hip hop française, Grems a pris une décision sans appel: ce “Vampire” sera son dernier album et l’avenir sera désormais pour lui dégagé de toute pression liée à l’obligation d’un long format. Il faut dire que le Mc - également artiste contemporain, graphiste et graffeur - a assez de cordes à son arc pour que, sans disque, sa vie rime également avec plaisir. En guise d’ultime coup de gueule et à l’image du titre éponyme, le bonhomme monte donc une dernière fois au front pour pointer du doigt les défauts qu’il semble avoir toujours réussi à éviter: l’opportunisme, l’arrivisme, la facilité, le conformisme surtout. Dans la ligné de “Air Max” et “Sea, Sex & Grems”, ce sixième opus solo conforte Grems dans le deepkho: ce mélange de hip hop, de broken beat, de house et de techno dont il se proclame l’inventeur, et qui s’illustre encore en grande majorité ici (”Vampire”, “Full HD”, “Chair Fraiche”, “Charogne”, “Schlag Music”, “Pince Moi Je Rêve”). Pourtant, alors que certains de ses disques ont pu parfois souffrir d’une trop grande monotonie, celui-là - signé John 9000 - surprend par quelques productions plus conventionnelles qui ont le mérite de servir sa diversité comme sa bonne digestion. Et aucune raison d’y voir une contradiction avec le thème phare développé durant la plupart de ces treize titres majoritairement courts. Grâce à une approche définitivement personnelle, jamais “Vampire” ne sonne véritablement familier. Même à l’écoute de morceaux plus “confortables” au premier abord, à l’image de “Les Bails” (feat Le Jouage) et “Cimetière”, ou plus encore des deux incroyables pics d’efficacité que sont “Zombi” et “UFO” (feat Foreign Beggars & Micro Coz). Pas de doute, chaque Ep ou featuring que Grems se contentera d’accorder désormais sera inévitablement accompagné de regrets de ne pas avoir droit à plus. Parait qu’il n’y a que les imbéciles qui ne changent pas d’avis… Que le dicton se vérifie!

R.A. The Rugged Man - “Legends Never Die”

matthieu — Wed, 15 May 2013 15:54:24 +0000

Album
(Nature Sounds)
30/04/2013
Hip hop

Depuis qu’on a croisé son flow totalement atypique pour la première fois durant les années 90 sur quelques productions Rawkus, les compilations SoundBombing notamment, on n’a cessé de vouloir régulièrement s’abreuver du hip hop cher à R.A. The Rugged Man. Un mauvais choix puisque rares sont les acteurs du genre à se montrer si peu prolifiques. La preuve: ce “Legends Never Die” n’est autre qu’un deuxième album que l’on aura attendu durant neuf ans. Un laps de temps que la compilation “Legendary Classics Vol.1″ parue il y a quatre ans n’aura même pas réussi à relativiser.

Majoritairement produite par Buckwild, Apathy, Marco Polo et Mr Green, cette nouvelle salve semble avoir appris des défauts de production du passé, et frappe décidément très fort sur le papier grâce aux featurings - vétérans pour la plupart - qu’elle aligne également, de Talib Kweli à Sadat X, en passant par Masta Ace et Brother Ali. Et ce qui n’est souvent qu’un leurre se révèle très vite être la cerise sur le succulent gâteau qu’est “Legends Never Die”, de loin ce que R.A. The Rugged Man a fait de mieux depuis qu’il est en âge de tenir un micro.

Imperméable aux modes, débarrassé de tout vernis superficiel, à peine remis en cause par quelques guimauves (”Legends Never Die”, “Still Get Through The Day” feat Eamon), le Mc ne fait ici qu’honorer valeurs et basiques du golden age, quand le hip hop était une culture avant d’être une attitude (”Tom Thum”). C’est donc logiquement que l’album se laisse porter par une agréable authenticité, marie une science aiguisée du bon sample (”The People’s Champ”, “Media Midget”) avec une certaine dextérité du flow, impressionnante en certaines occasions (”Definition of a Rap Flow” feat Amalie Bruun, “Bang Boogie”).

Alors, quand il fusionne tous ses meilleurs atouts, “Legends Never Die” fait preuve d’une redoutable efficacité (”Holla Loo Yuh” feat Tech N9ne & Krizz Kaliko), atteint même la perfection quand il va jusqu’à se rapprocher ou renouer avec l’ère Rawkus. C’est le cas sur “Learn Truth” ou Talib Kweli, au mieux de sa forme, contribue à en faire un des titres les plus convaincants du cru, tout comme sur “The Dangerous Three” porté par les contributions de Masta Ace et Brother Ali, et “Sam Peckinpah” feat Sadat X et Vinnie Paz. Trois raisons de revenir régulièrement sur un opus qui pourrait tourner longtemps sur la platine. Ca tombe bien, le bougre serait capable de nous faire encore attendre dix ans.

Major Lazer - “Free The Universe”

Frederic — Wed, 15 May 2013 12:34:53 +0000

Album
(Secretly Canadian)
16/04/2013
Dancehall

Dans une récente interview, Diplo - le cerveau aux commandes de Major Lazer - parlait de son projet comme d’une alternative à la Dance et à la Party Music. Au sein de ses deux notions se donnant naturellement la main, composant l’hédonisme propre à la musique électronique, on voit surtout l’absence de limite que le producteur entend donner à cet hybride qui semble aspirer l’essence de courants musicaux plus versatiles que jamais, les faisant se fusionner sur une base dancehall qui n’agit plus que comme un prétexte.

Parfaite représentation de notre temps, Major Lazer est le fantasme d’un alchimiste trop pressé de mettre en forme les tremblements de la musique pop. Pris de secousses, “Free The Universe” part alors s’acoquiner autour d’invités toujours plus nombreux, tournant les pages d’un carnet d’adresses gigantesque qui comprend valeurs indies (Amber Coffman, Ezra Koening), haut des charts (Bruno Mars), EDM peu recommandable (Flux Pavilion), et veilles figures du dancehall historique (Elephant Man, Busy Signal).

Au milieu de ces invités pas vraiment appelés à se rencontrer, Diplo soude chacun auprès d’atmosphères qui lui correspondent, faisant de ce courant jamaïcain une simple toile de fond, qui se métamorphose à l’envie, s’épurant (”Jessica”), et se grossissant à l’envie (”Wind Up”). Chacun se retrouve alors conforté au sein de cette petite île plus que jamais vectrice des trémolos de la musique urbaine contemporaine.

Alors, oui, la faute de gout est quelquefois largement consommée, à l’image de ce “Jah No Partial” formaté pour les stades américains, ou de ce “Reach For The Star” destiné à la BO de la Coupe du Monde 2014. Mais ici, elle compte autant que les réussites (”Watch Out For This”, “You’re Not Good”) au sein d’un album de pop music imparfait et méta morphe.

A l’image de son imprévisible géniteur, “Free The Universe” est donc un album mué par de multiples et irrésistibles envies, que chaque producteur rêve de mettre en scène. Autour du dancehall, gravitent la pop et le hip hop (entre autres), plus que jamais liés et déterminés à faire danser les foules qui auront la curiosité de venir se frotter à ce bien doux mélange.

En écoute

En écoute intégrale

Come - “Eleven:Eleven”

matthieu — Wed, 15 May 2013 12:03:01 +0000

Album
(Glitterhouse)
21/05/2013
Indie rock

Il faut déjà avoir vécu pas loin de trois décennies et demi, ou avoir un féroce appétit indie rock, pour savoir à quel point “Eleven:Eleven” est parmi les albums les plus sous estimés des années 90. Entame de la courte discographie de Come, il faisait suite à un premier maxi sorti en 1991 dans le cadre du “Single Of The Month Club” initié par Sub Pop, qui n’avait pas manqué de dévoiler la personnalité du combo de Boston, partageant alors magnifiquement ses compositions entre puissance, émotion, tension et mélodies pour faire se confronter influences slowcore et college rock. De lors, le quatuor - au sein duquel on retrouve notamment Chris Brokaw, ex Codeine - a immédiatement suscité l’admiration des plus fins connaisseurs (Dinosaur Jr, Sugar, Pavement, Sonic Youth, et Nirvana l’ont imposé en tournée), comme des labels les plus en vue du moment qui souhaitaient se l’arracher.

Come choisira finalement Glitterhouse pour enfanter un album essentiel, qu’il est aujourd’hui possible de qualifier de “précurseur” pour l’époque. Epuisé depuis un bail, “Eleven:Eleven” n’a pourtant jamais fléchi sous le poids des ans. Au contraire, bien aidé par des titres aussi forts et variés que “Submerge”, “Dead Molly”, “Off To One Side”, ou “Bell”, le disque sonne plus intemporel que jamais, le talent de chacun des musiciens demeure intact, et la voix de Thalia Zedek toujours aussi prenante. Autant d’incitations pour une réédition bien méritée puisque le label s’apprête à le remettre sur le marché en édition deluxe: à la version originale s’ajoute un live enregistré en 1992 au Vermonstress Festival, même chose en vinyl qui comprendra également une réédition du 45t “Fast Piss Blues/I Got The Blues”. Il fallait bien faire les choses pour un album à côté duquel vous ne pourrez plus passer sans excuse valable.

Bibio - “Silver Wilkinson”

matthieu — Tue, 14 May 2013 16:18:37 +0000

Album
(Warp)
13/05/2013
Folktronica

Sidérant de beauté en 2009 à la sortie de “Ambivalence Avenue“, plus perturbant en 2011 avec un “Mind Bokeh” qui - bien que réussi - trahissait quelques difficultés à dessiner sa voie, Bibio trouve finalement en “Silver Wilkinson” le juste milieu qui semble lui convenir le mieux. Folktronica mais pas trop, avec juste assez de personnalité pour ne pas retomber de bout en bout dans un registre aussi essoré que le fut le downtempo il y a dix ans, l’Anglais fait ici un pas de côté plus qu’un véritable pas en arrière. En quelques occasions donc, il se préserve de marcher totalement à côté de ses pompes, notamment lorsqu’il met sa sensibilité au service d’une pop chantée (le charmeur “Dye The Water Green”, “Mirroring All” joliment arrangé), et qu’il délaisse la mélancolie pour anticiper la bonne humeur estivale (l’enjoué “A Tout à l’Heure”, le plus electro “You”). Seulement, le reste du temps, il a beau nous ressortir ses arpèges de guitare les plus délicats, la jouer producteur fleur bleue (”The First Daffodils”, “You Won’t Remember…”) ou gendre folkeux idéal (”Sycamore Silhouetting”, “Raincoat”), l’Anglais nous renvoie illico au début des années 2000 quand l’Angleterre - abreuvée de productions Warp et Ninja Tune surtout - déversait des disques oniriques tous plus identiques les uns que les autres. Certes, le trop poli Bibio a beaucoup de talent, et l’inoffensif “Silver Wilkinson” affiche de belles intentions, plus encore à l’ère du “bio”. Mais tous deux peinent à nous faire assez rêver pour qu’on ne conserve pas le peu qui nous reste d’amour pour le downtempo à l’attention des génies de Boards Of Canada dont le prochain album - en juin - se révélera certainement plus intéressant.

En écoute

No Pilot - “Mille Mondes”

matthieu — Mon, 13 May 2013 16:02:54 +0000

Mini album
(Offoron Rex / Karen Koltrane)
Avril 2013
Electro/noise/new wave

Déjà, à l’automne 2011, No Pilot se donnait des ailes avec “Moderne Contre Moderne”, un premier album qui dévoilait le registre electro/noise/new wave du brestois, alors seul aux commandes. L’année suivante, après avoir cumulé les heures de vol, Kokoszka s’est finalement offert les services d’un acolyte en la personne de Brieuc Le Meur, parfaitement intégré et fort utile pour apporter au projet le pincée de puissance et de richesse qui lui manquait pour marquer durablement les esprits. En conservant toujours cette approche consistant à ériger des cathédrales à partir de boucles répétitives, No Pilot marque donc forcément ici une nette progression. Avec incontestablement plus de coffre, de relief, de profondeur, d’intensité, de mélodie, et de souplesse quand il s’agit de faire fusionner ses diverses influences, le duo martèle une plus grande efficacité, celle qui vous pète à la gueule dès l’entame de ce “Mille Mondes”. Le temps de huit titres, assez courts pour la moitié d’entre eux, No Pilot déballe l’artillerie, parvient sans mal à happer l’auditeur jusqu’au centre de chacun de ses cyclones, là ou on se laisse aller à l’entendre accumuler les couches jusqu’à parfois flirter avec la transe. S’il affiche quelques difficultés sur un titre éponyme long à la détente, il lui suffit plus souvent d’un riff, d’un bon refrain (”Discharge”), ou d’une rythmique dansante (”Hardstyle”, sorte de cousin germain de Electric Electric) pour convaincre. Définitivement peut être pas, mais assez pour qu’on ait déjà envie d’assister au prochain décollage.

Album disponible en CD et 12″ ici.

En écoute

Mille Mondes by No Pilot

No Pilot, one man band du bout du monde…

Deerhunter - “Monomania”

matthieu — Tue, 07 May 2013 16:11:41 +0000

Album
(4AD)
06/05/2013
Pop garage

Quand, en mars dernier, Deerhunter annonçait son retour avec un nouvel album qu’il qualifiait lui-même de “garage nocturne”, on a un peu flippé. On a même craint que tout ce petit monde soit sur le point de vriller quand le combo s’est fendu d’une prestation remarquée sur le plateau télé de Jimmy Fallon, un Bradford Cox bien perché feignant le doigt coupé sous une poupée ensanglantée avant de s’échapper en coulisse avant même la fin du morceau. Ravalez vos inquiétudes: “Monomania” n’est ni plus ni moins qu’un des plus beaux albums de cette année 2013, une oeuvre parfaitement achevée alors même qu’on aurait pu penser qu’elle allait payer à la fois l’arrivée du nouveau bassiste Josh McKay, mais aussi toute l’attention portée ces derniers temps à Lotus Plaza et Atlas Sound, les projets respectifs de Cox et Pundt.

En retrouvant ici l’esthétique punk abrasive de “Turn It Up Faggot”, en s’appuyant sur des guitares vintage et brumeuses, et en affichant une surprenante diversité (l’enjoué et sudiste “Pensacola”, la ritournelle “THM”), le ragaillardi Deerhunter a eu l’excellente idée de conserver l’approche pop déjà responsable des coups d’éclat de son dernier fait d’armes “Halcyon Digest“, pour l’emmener ailleurs. De fait, “Monomania” peut sans gêne se laisser porter par les siens, libres de toutes continuité logique, qu’ils soient flanqués de mélodies à tomber (l’entame “Neon Junkyard” et “The Missing”, seul titre signé par Lockett Pundt), ou qu’ils cèdent aux élans bruitistes du quintet (”Leather Jacket II”, “Monomania”).

De cette fusion d’envies sans véritable faux pas, résultant certainement d’une expérience désormais significative, Deerhunter a assurément mis le doigt sur une alchimie capable de le faire signer, si ce n’est son album phare, celui qui pourrait lui ouvrir définitivement les portes de la petite cours des grands groupes: ceux qui, grâce à un indéniable talent, ont réussi à se faire un nom sans compromission, sans jamais emprunter de chemins parfaitement balisés. Un coup de maître(s).

En écoute intégrale

Mikal Cronin - “MCII”

matthieu — Mon, 06 May 2013 15:55:35 +0000

Album
(Merge)
13/05/2013
Power pop garage

Après avoir touché à tous les instruments via les différents groupes qu’il a servi (et sert encore), Mikal Cronin a mis tout son talent à sa seule disposition il y a deux ans, à la sortie d’un premier album éponyme dont la pop n’a pas manqué d’émoustiller le fin connaisseur public garage. Particulièrement occupé ces derniers mois à accompagner en tournée un Ty Segall au vent bien en poupe, l’Américain réédite avec le sobrement intitulé “MC II”: un nouvel album pour le compte de l’éminent label Merge (Arcade Fire, Dinosaur Jr, Superchunk…), histoire de passer un cap significatif et sonner le printemps en bonne et due forme. Parce qu’il n’est pas question avec lui de tomber dans le larmoiement forcé, y compris quand il cède plusieurs fois au charme de l’acoustique (”Don’t Let Me Go”). Cronin laisse cela à d’autres. A l’exception du final “Piano Mantra”, il préfère généralement la mélodie à la mélancolie, et revendiquer bien haut le qualificatif “power” qui sied si bien à ses tubes pop-garage (”Weight”, “Shout It Out”). Matures malgré leurs courbes adolescentes et les sujets légers qu’ils abordent, tous ont entièrement été composé par le multi-instrumentiste qui a seulement laissé entrer dans son oeuvre déjà bien chargée, certains invités triés sur le volet, pour ce qu’ils avait véritablement à offrir au disque. En sus d’un clavier qu’il s’est lui même approprié (”Weight”, “Am I Wrong”), on retrouve ainsi logiquement Ty Segall le temps de deux soli de guitare (”Am I Wrong”, “I’m Done Running From You”), mais aussi le violon de K. Dylan Edrich habituellement croisé chez Thee Oh Sees (”Peace Of Mind”, “Change”). Il fallait à peine plus que ces petites attentions pour que “MCII” se paye les armes nécessaires pour affronter le temps. Si l’intemporalité n’est pas à la portée de tous, Cronin - lui - l’a adoptée.

En écoute

French Cowboy & The One - “French Cowboy & The One”

Jeremy — Sun, 05 May 2013 19:47:54 +0000

Album
(Havalina)
29/04/2013
Patchrock

Que ce soit avec les autres Little Rabbits, Lisa-Li Lund, Rubin Steiner ou en solo, Federico Pellegrini n’a cessé de travailler un répertoire qui lui est propre, qu’il s’époumone à dévoiler sans relâche sur les routes depuis dix ans. Cette fois, uniquement entouré d’Eric Pifeteau pour une nouvelle variante intitulée French Cowboy & The One, le songwriter démontre si besoin en était qu’il dévoue toujours sa vie au rockn’n'roll. Définitivement sonore, l’ouverture lance la couleur d’un album conçu autour de machines omniprésentes, d’une rythmique martiale et de claviers ici présents pour apporter toute la science mélodique du monsieur. Ce dernier ne délaisse pas son instrument de prédilection mais ici, la guitare se place en arrière-plan, comme pour mieux sublimer l’explosivité des compositions. Le duo ne se contente pas de jouer le pied à l’étrier tout du long, comme l’atteste “Maico”, échappée down-tempo smooth à souhait, preuve aussi que cet opus est avant tout l’occasion d’un vaste terrain de jeu. Parfois brouillon, il est aussi le fruit de superposition riche de boucles et de couches, à tel point que French Cowboy n’a jamais semblé aussi bouillonnant. Malgré quelques morceaux plus faibles, le duo s’en sort haut la main. De par sa légèreté, sa désinvolture aventureuse et la délicatesse de ses évocations, “French Cowboy & The One” est certainement l’un des albums les plus intéressants de leur discographie.

En écoute intégrale

No related posts…

No Joy - “Wait To Pleasure”

Jeremy — Sun, 05 May 2013 11:30:59 +0000

Album
(Mexican Summer)
19/04/2013
Pop délavée

Jusque là trop peu émancipé de l’ombre de My Bloody Valentine, No Joy n’avait éveillé qu’un intérêt limité lors de la sortie de ”Ghost Blonde”. Il faut dire que, comme beaucoup, à s’enfermer dans des références trop majestueuses, les Canadiens n’amenaient pas grand chose de neuf à nos oreilles. Ce deuxième album confirme un changement de direction entrepris depuis l’EP ”Negaverse”. Déterminé à balayer tous les doutes les concernant, ils passent un cap dans la réalisation de cet album, délaissant l’unique labelisation shoegaze pour travailler les harmonies vocales en premier plan. Moins savant, le duo ne se restreint plus à démontrer ses qualités de guitaristes émérites. En résulte des compositions plus complètes au sein desquelles le groove pop prend une part majeure. Ainsi, avec son ouverture tubesque ”E” et une seconde partie d’album convaincante, No Joy s’affirme comme une formation capable de lâcher des pépites indéniables (”Lunar Phobia”, ”Wrack Attack”). Néanmoins, ces nouvelles prises de risque ne sont pas sans défaut, comme en témoigne la première partie de l’album, fade de politesse. Quelque part entre Cults et Ringo Deathstarr, le groupe n’atteint donc pas encore le brio de ces derniers. Pour autant loin d’être anodine, ”Wait to pleasure” dessine un combo talentueux, encore en quête d’identité, mais la beauté de sa conclusion (”Uhy Yuoi Yoi”) appelle un successeur encore meilleur.

En écoute

En écoute intégrale

Ghostface Killah - “Twelve Reasons To Die”

Frederic — Sat, 04 May 2013 15:57:11 +0000

Album
(Soul Temple)
16/04/2013
Hip hop pour salles obscures

Depuis l’annonce du grand retour du Wu-Tang pour un nouvel album groupé, on a failli passer à coté de ce petit épisode à priori mineur qu’est “Twelve Reasons To Die”. Et pourtant, quel grand mal nous aurait pris de snober ce dixième album solo de Ghostface Killah, associé ici à Adrian Younge, homme-orchestre et compositeur notamment de la BO du film “Black Dynamite”. Plus qu’une simple étape sur la route de la réunion, il est aussi le reflet de cette galaxie Wu-Tang qui se met à retendre des ponts entre les différents aspects de son univers protéiforme. Cinéma pour RZA avec “The Man With The Iron Fists”, comic book pour la pochette du “Wu Massacre” de 2010, autant de grandes et de petites passerelles érigées pour développer toujours un peu plus la schizophrénie du collectif, perdu entre alter ego fictifs et storytelling urbain.

Si schizophrénie il y a, Ghostface est surement l’un des patients les plus sévèrement touchés. Pour ce “Twelve Reasons To Die”, il rend hommage à un comic book du même nom, ou il se glisse dans la peau de Tony Starks, homme de main d’une famille de gangsters, les De Lucas. Assassiné par ses anciens employés, voyant ses restes pressés en douze vinyles (oui, oui), il renaît si tôt que l’un d’entre eux est joué, pour obtenir vengeance. Derrière ce pitch qui a sans surprise passionné notre rappeur, se cache un album cohérent, ou l’ombre de RZA n’est jamais très loin (ce dernier étant d’ailleurs cité comme producteur exécutif). Revendiqué par Younge - au même titre que Morricone - comme une des ses deux plus grandes influences pour cet album, le jeune producteur parvient à s’émanciper de cette ombre bienveillante par le biais d’atmosphères qui ont plus à voir avec le Giallo et les films de la Hammer qu’avec les shaolins chers au producteur historique du groupe.

Au sein de ces univers, Tony/Killah semble jouer différents rôles, des lors qu’il s’agit de sombrer dans la paranoïa (”Ennemies All Around Me”), de lancer les hostilités (”I Declare War “) et de savourer sa revanche (”Revenge Is Sweet”). Ecartelé entre la winchester et le borsalino, cette petite demi-heure précieuse brille de mille feux, tant ses incursions et digressions au sein d’un univers bien connu se révèlent tendrement désobéissantes envers ceux qui détiennent les clefs de la maison Wu-Tang.

En écoute intégrale

Hanni El Khatib - “Head In The Dirt”

matthieu — Fri, 03 May 2013 18:58:14 +0000

Album
(Because)
29/04/2013
Rock garage

Quand il a débarqué il y a deux ans avec un premier album dont il a signé toutes les lignes, de la composition à la production en passant par l’enregistrement, Hanni El Khatib s’est définitivement révélé au monde musical alors tout émoustillé par les Black Keys avec lesquels il entretenait déjà quelques évidents points communs: l’incandescence du blues, le charme vintage et cette incroyable sensation que les vieilles influences renforcent un registre plus qu’elles ne le plombent. Le destin réservant parfois quelques surprises, le californien passera alors très vite du rang d’admirateur à celui de collaborateur après avoir séduit Dan Auerbach, guitariste/chanteur du duo qui ne manqua pas de lui proposer de prendre en main la production d’un deuxième disque se faisant déjà attendre. Avant même qu’on puisse l’entendre, la carrière de Hanni El Khatib était définitivement lancée.

Heureusement, parce qu’il n’est pas du tout certain que tous ceux restés sensibles au rock rugueux et au groove de “Will The Guns Come Out” se retrouvent dans ce “Head In The Dirt”, pourtant parmi les sorties rock les plus intéressantes du moment. Car débarrassée de la comparaison que traîne chaque deuxième opus tel un fardeau, cette nouvelle salve tient fermement la route: à l’exception d’un “Penny” très pop et formaté, Hanni El Khatib ne cède à rien d’autre qu’à son inspiration, étale encore sa facilité à écrire des refrains efficaces (”Head In The Dirt”), envoie quelques soli de guitare capables de relever un morceau tout entier (”Family”, “Skinny Little Girl”), et soigne très justement la diversité nécessaire à son album (les passages reggae/dub de “Nobody Move” et “Low”, le blues appuyé de “Save Me”).

Ce n’est donc nulle part ailleurs que dans sa tentative d’amélioration que ce “Head In The Dirt” échoue, c’est à dire dans l’accomplissement d’une collaboration trop poussée qui finit de lisser l’opus, lui ôter toute originalité et mordant. La faute surtout à un Dan Auerbach qui - comme marqué par ses quelques expériences avec un DangerMouse bien connu pour fortement colorer tout ce qu’il touche - n’est pas allé de main morte pour imposer sa patte sur tout l’album. Entre arrangements déjà largement usés par les Black Keys (”Head In The Dirt”, “Can’t Win Em All”) allant parfois jusqu’à une certaine approche de la mélodie (”Skinny Little Girl”), le bonhomme a ni plus ni moins réussi à ce que son nouveau petit protégé finisse par courber l’échine sous le poids de son influence et de son expérience. Quelques esprits mal placés pourraient même considérer “Head In The Dirt” comme la transition idéale et calculée entre “El Camino” et le prochain opus du duo.

Logique donc que la partie la plus intéressante de ce nouvel album réside dans ces morceaux échappant à toute influence, et au sein desquels Hanni El Khatib a réussi à conserver assez d’espace pour exprimer ce qui sort directement de ses tripes. Ainsi, c’est dans l’incandescent et venimeux “Nobody Move”, le rugueux et encrouté “Save Me”, un “Sinking In The Sand” parti bille en tête, ou dans la magnifique ballade finale qu’est “House On Fire” que ce “Head In The Dirt” trouve essentiellement sa saveur. Le reste du temps, le Californien ne fait que nous imposer Dan Auerbach, à la manière de ces bons potes que l’on a tous, dont on s’efforce de supporter les compagnes.

En écoute intégrale

Qwel & Maker - “Beautiful Raw”

matthieu — Fri, 03 May 2013 15:33:14 +0000

Album
(Galapagos 4)
07/05/2013
Hip hop

Alors que “Beautiful Raw” n’est autre que le quatrième fruit de la collaboration entre Qwel et Maker, le duo n’en est plus au stade de trouver ses marques. Bien au contraire, devenus des acteurs incontournables de la scène hip hop indépendante, on aurait plutôt tendance à attendre des deux un véritable coup de maître. Si on ne fait que le frôler ici, force est d’avouer qu’ils tiennent sans mal la dragée haute à nombre de concurrents plus médiatisés qu’eux, pourtant loin d’être aussi appliqués et perfectionnistes qu’ils ne le sont. Normal donc que “Beautiful Raw” trouve toute sa cohérence dans l’effort de faire mieux. S’il n’est porté par aucun véritable coup d’éclat, l’opus jouit en revanche d’une constance dans la qualité qui ne manquera pas d’être apprécié par les puristes du genre. Ici, ce n’est pas un tube et puis s’en va: pousser “play”, c’est signer pour une heure d’un hip hop frappé d’une immédiateté régénérante, assez traditionnel et frais pour inviter quelques collaborateurs de la trempe de The Grouch, Qwazaar (Typical Cats), D-Styles et quelques autres à venir épauler un Qwel, comme un poisson dans l’eau sur les productions de Maker. Et pour cause, si les Mcs débitent à leur aise, c’est bien tout le talent du producteur qui contribue à la réussite évidente de ce disque. En mêlant ainsi samples classiques et cruivrés (”Beautiful Raw”), ou plus électriques et psychédéliques (”Long Walkers”), en ne sous estimant jamais l’importance des refrains (”Lake Effect”), et en signant des beats assez efficaces pour faire souffler le vent dans les baggies (”En Garde”), Maker amène à la fois la couleur positive que l’on croisait par exemple dans le travail de Soul Position (”Pilfer”, “Abracadabra”), comme la pesante mélancolie chère à certaines productions Rhymesayers (”If I Could Sing”). Un quasi sans faute qui ne rend que plus injuste la sous médiatisation dont le duo souffre depuis trop longtemps.

En écoute

Ghostpoet - “Some Say I So I Say Light”

Francois — Fri, 03 May 2013 13:15:50 +0000

Album
(Pias)
06/05/2013
Hip hop

Peu formatée, la musique de Ghostpoet s’est pourtant retrouvée au rang des nominées au titre de Mercury Prize 2011. Malheureusement pour lui, c’est PJ Harvey qui l’a remporté, ce qui n’enlève rien au côté inattendu du buzz qui a accompagné ce premier album, un disque produit dans une chambre d’étudiant avec un minimum de matos. Il a suffi d’une oreille bien tendue de Gilles Peterson pour enclencher la machine et donner une chance au jeune Obaro Ejimiwe de définitivement sortir du lot avec son style indubitablement singulier, mêlant intelligemment dubstep et spoken-word.

Même s’il a humblement fait face à ce succès inattendu, Ghostpoet avait toutes les armes en main, comme le support nécessaire, pour produire un disque grand public et se laisser aspirer par la hype. Mais ici, pas l’ombre d’un single radio, sauf peut-être “Plastic Bag Brain” et son riff de guitare accrocheur qui n’a néanmoins rien d’un bol de soupe à l’anglaise. Il a donc préféré expérimenter et rester fidèle à son cheminement de pensée sur un second opus légèrement plus extraverti, à la production plus clairvoyante, même si le britannique dégage toujours des fumerolles bien grises au seul son de sa voix sombre et nonchalante (”MSI Musmid”).

Cependant, à force de trop déployer son style vocal, Ghostpoet a tendance à exagérer et donc se montrer indigeste ou décalé sur des morceaux longs et répétitifs comme “Thymethymethyme” ou “Them Waters”. Heureusement, l’artiste a une parade pour ne pas lasser sur la longueur: il s’entoure ici d’invités qui viennent contrebalancer son flow hypnotique, à l’image de Woodpecker Williams sur le joli “Meltdown”, ou Lucy Rose qui apporte un peu de douceur à un “Dial Tones” avançant au rythme des battements d’un cœur endormi. Ponctué de tracks légèrement plus rythmés mais bien loin des dancefloors (le très bon “Cold Win”), ce second disque reste surprenant, fidèle à cette étrange personnalité découverte sur “Peanut Butter Blues & Melancholy Jam“, et ne prend jamais le risque de s’égarer vers un son qui n’est pas le sien. Il enchaîne ainsi les balades nocturnes que sont le fantomatique “12 Deaf”, l’enfantin “Dorsal Morsel” ou un “Comatose” clôturant l’album noyé dans les cordes. Pour la première fois peut être, le hip hop s’écoute avant d’aller dormir.

En écoute

Sole - “No Wising Up No Settling Down”

matthieu — Tue, 30 Apr 2013 16:40:27 +0000

Album
(Black Canyon)
01/05/2013
Rap social

Le mec ne s’arrête plus: six mois seulement après avoir sorti un “A Ruthless Criticism Of Everything Existing” plein de bonne volonté mais plombé par un travail de production en berne, Sole retourne au charbon et rectifie quelque peu le tir avec “No Wising Up No Settling Down”. Moins direct et brut de décoffrage, légèrement plus centré sur sa personne (”My Veganism”, “People Piss Me Off”), le Mc use cette fois d’une approche plus philosophique et poétique, comme pour se préserver du trop plein de rage et d’aigreur guettant celui dont le hip hop est devenu depuis quelques années plus un moyen de faire passer son message qu’une véritable finalité. Logique donc qu’il continue de soigner son “fonds de commerce”, qu’il pointe toujours aussi violemment les maux de notre société, l’ignorance galopante de la population, ou qu’il crie bien haut ce que les médias s’appliquent à taire.

Parce que trop peu de Mcs sont aussi crédibles que lui, Sole est unique, au point que l’on finisse presque par accepter qu’il ait récemment eu tendance à sous estimer le reste. Pourtant, un discours aussi lourd ne peut longtemps aller sans solides productions. Moins expérimental que ses derniers albums, “No Wising Up No Settling Down” le voit donc revenir à un hip hop plus conventionnel, plus simple (”Civil War”, “Insurgent Rap”), finalement assez proche de ce qu’il pouvait parfois proposer à l’époque d’Anticon (”Extremeophile”). Si l’idée était de ne surtout pas faire de l’ombre au discours, le disque gagne ainsi immanquablement en efficacité (”Introfukyall”, “Prole”), bien aidé qu’il est par le talent des “petites mains” plus ou moins connues recrutées pour l’occasion (Man Mantis, Dj Pain1, Loden, Gold Panda, Dosh, Cars & Trains…). Celles ci ont su parfaitement contribuer à l’atmosphère sombre et oppressante qui sied si bien à son flow (”People Piss Me Off”), et offrir à l’opus la pointe d’originalité nécessaire pour le rendre plus digeste (”Geneology of Giving a Fuck”, “Gangster Of Love”). Voilà une suite pouvant se targuer d’un bien meilleur équilibre entre des textes toujours très engagés et une cohérence musicale indispensable.

En écoute intégrale

No Wising Up No Settling Down by sole

Coliseum - “Sister Faith”

matthieu — Mon, 29 Apr 2013 16:41:29 +0000

Album
(Temporary Residence)
30/04/2013
Sludgy-noisy-punk

Pour ne pas changer, ce nouvel album de Coliseum sonne encore une fois la fête du slip. Non content de vous y faire tourner jusqu’à péter l’élastique, le groupe de Louisville a encore convoqué du beau monde pour que la fête soit mémorable. En effet, comme pour “House With a Curse” qui nous présentait son nouveau batteur il y a trois ans, le combo - cette fois armé d’un nouveau bassiste en la personne de Kayhan Vaziri - a confié ses morceaux au producteur Jay Robbins, et lancé quelques invitations de poids pour venir envoyer le bois. Ainsi, ce sont Wata (Boris), Jason Loewenstrin (Sebadoh, The Fiery Furnaces) et Jason Farell (Bluetip, Retisonic) qui sont venus lui prêter main forte très discrètement. Pour la forme, parce que le trio n’a pas franchement besoin qu’on l’aide quand il s’agit de cracher son sludgy-noisy-punk, aux accents fortement nineties (”Save Everything”, “Bad Will”) et bordé de riffs de mammouth, à la gueule d’un public forcément consentent (”Fuzzbang”). C’est le moins que l’on puisse dire, “Sister Faith” y va toujours aussi gaiement (”Under The Blood Of The Moon”). Ainsi, bien qu’il ait délibérément enrichi les structures de ses compositions - chose pourtant peu évidente à l’écoute de l’entame souffrant d’un léger manque de diversité - Coliseum dégomme ses cibles avec une justesse de compétition, qu’elles débordent de testostérone (”Black Magic Punks” et son énorme riff) ou qu’elles lèvent le pied tout en contribuant à son impressionnante solidité rythmique (”Love Under Will”, “Everything In Glass”). Aussi, sans jamais que “Sister Faith” ne perde en agressivité, on note un travail mélodique plus évident que par le passé (”Late Night Trains”), tout comme l’effort vocal qui va de paire (”Used Blood”). Parce que du haut de ses dix ans d’existence, et sous ses airs de brute épaisse, Coliseum n’oublie toujours pas d’évoluer, d’élargir son spectre, et de faire grincer les œillères. Si le disque ne l’est pas forcément, l’approche reste essentielle.

En écoute intégrale

!!! (Chk Chk Chk) - “Thr!!!er”

matthieu — Sun, 28 Apr 2013 21:15:06 +0000

Album
(Warp)
29/04/2013
Indie dance

Il fallait oser. En intitulant son dernier album “Thr!!!er” en référence à la meilleure vente d’albums de tous les temps, !!! (Chk Chk Chk) ne pouvait mieux faire pour planter le décor et susciter l’impatience de l’entendre enfin revenir, trois ans après un “Strange Weather, Isn’t It?” qui aura finalement moins bien vieilli que ses prédécesseurs. Cette assurance, il faut sans aucun doute en trouver la raison dans la genèse de ce disque, de loin le plus pensé de tous. En effet, alors que le combo était jusque là adepte de l’improvisation au moment d’entrer en studio, il a choisi cette fois de tout écrire à l’avance et collaborer avec Jim Eno, batteur de Spoon pour qui l’exercice classique de composition n’a plus aucun secret depuis longtemps.

Tous ont oeuvré dans le même sens: pousser le perfectionnisme de !!! des paroles aux refrains, en passant évidemment par les structures des morceaux. L’approche porte donc ses fruits quand groove et dancefloor avancent du même pas (”Get That Rhythm Right”), et quand !!! oriente la production de manière à sonner véritablement comme un groupe (”Even When The Water’s Cold”, “Fine Fine Fine”, “Californiyeah”, l’excellent “Station (Meet Me At The)”).

Mais “Thr!!!er” n’est pas une réussite sur toute la ligne. Sans compter quelques contributions vocales dispensables (”Except Death”), il finit par souffrir de ses efforts de production ne parvenant jamais à se faire totalement oublier. Au delà de lisser quelque peu l’ensemble du disque (”One Girl/One Boy”), ils finissent de souligner ici le manque d’humanité faisant si souvent défaut à la musique électronique, celle à laquelle !!! cède d’ailleurs sur “Slyd” (produit par James Ford de Simian Mobile Disco) et “Careful”: deux morceaux qui devraient en revanche se révéler sur scène, là ou les new yorkais sont de toute façon les meilleurs.

En écoute intégrale

Homeboy Sandman - “Kool Herc: Fertile Crescent”

matthieu — Fri, 26 Apr 2013 14:54:34 +0000

Mini album
(Stones Throw)
23/04/2013
Hip hop

Qui suit un peu l’actualité hip hop aura certainement la même impression que nous: depuis qu’il a rejoint les rangs de l’éminent label Stones Throw, Homeboy Sandman est partout, tout le temps. Hyperactif et infatigable, le Mc new yorkais enchaîne les Eps, cette fois un peu plus longtemps puisqu’il est allé jusqu’à aligner huit titres au tracklisting de ce “Kool Herc: Fertile Crescent”: un format qui colle parfaitement à la trame dévoilée par le titre et la pochette, et qui s’étend jusque dans les thèmes abordés dans les lyrics. Entièrement produit par Rthentic, le disque fait donc sans surprise la part belle au hip hop old school, et renforce sa cohérence grâce à un léger vent psychédélique le traversant de bout en bout, rappelant même Clutchy Hopkins dans ses souffles les plus violents. Fort de ce point commun, chaque titre peut alors y aller de ses atouts respectifs: un beat efficace qui s’efface seulement le temps d’un break soul (”My Brothers”), une couleur afrobeat jazz dominante (”Oh, The Horror”), un ton psyché appuyé (par quelques samples vocaux en français (”Lonely People”), un flow innarrêtable sur une énergie funk (”Dag, Philly Too”), ou l’électricité d’une guitare pop (”Peace & Love”). Respectueux de ses ainés au plus haut point, Homeboy Sandman leur rend parfaitement le retour de manivelle de leur riche héritage.

En écoute intégrale

Minors - “This Is Not Happening”

matthieu — Fri, 26 Apr 2013 11:07:54 +0000

Ep
(Travelling Music)
30/04/2013
Folk orchestrée

Quand Minors a déboulé l’air de rien il y a bientôt deux ans, son premier album “Ways/Times” a fait de lui une véritable révélation. Combinant des influences toutes aussi attrayantes les unes que les autres, le combo parisien se démarquait haut la main par son approche de la composition. Accessible mais pas trop, grand public mais finalement pas tant que ça, folk mais pas si inoffensif et vulnérable qu’on l’aurait pensé, il s’offre désormais une suite avec “This Is Not Happening” et ses cinq titres, endossant la dure responsabilité d’avoir à confirmer. L’effet de surprise passé et nos certitudes sur les talents de Minors plus fermes que jamais, l’Ep n’y parvient qu’à moitié, notamment parce qu’il gagne en maturité, en richesse, et en personnalité, ce qu’il perd en mélodies pourtant si chères. Si quelques titres sortent du lot (”Night Birds Lurking”), inutile donc de partir en quête d’un nouveau “Them Beaches” tant les parisiens semblent ne même pas y avoir songé, comme obnubilés par la volonté de se détacher des récurrentes comparaisons, avec Fleet Foxes notamment. En revanche, l’influence du label Constellation plane encore nettement au dessus de ce disque (”Dancing On Ashes”). Elle se ressent via l’utilisation des cordes surtout, mais aussi à travers cette atmosphère générale hésitant entre mélancolie et tension, et cette tendance à ne pas se dévoiler immédiatement, seulement à force d’écoutes répétées. En 2013, Minors est donc nettement plus introverti: un trait de personnalité qui, bien que charmant également, invite un peu moins à communier avec lui, et gâche quelque peu la spontanéité qu’il est allé chercher dans un enregistrement en condition live. En attendant la suite, on s’en accommodera.

En écoute

This Is Not Happening by MiNORS

STNNNG - “Empire Inward”

matthieu — Thu, 25 Apr 2013 12:43:13 +0000

Album
(Rejuvenation)
04/2013
Noise rock bluesy

Sur la lancée de l’excellent “Smoke Of My Will” qui, il y a trois ans, l’imposait définitivement parmi les plus ardents défenseurs du noise rock américain, STNNNG réitère avec “Empire Inward”, un nouveau coup de burin sur un clou qu’on aurait juré déjà enfoncé à son maximum. Pour y parvenir, le combo de Minneapolis s’y est mis à deux mains: celle du studio Electrical Audio pour l’enregistrement signé Albini, et celle d’Abbey Road pour le mastering. Rien de moins pour fêter comme il se doit son dixième anniversaire… Du coup, on comprend très vite que le quintet n’a pas mis ainsi les petits plats dans les grands pour ne pas poser bien franchement ses “bollocks” sur la table du banquet. Le temps de ses huit titres trop vite expédiés en vingt sept minutes, cet album sonne véritablement le passage au plat de résistance, au gros du morceau. A la fois succulent et relevé, “Empire Inward” use alors de tous ses atouts sans jamais en abuser. Question de justesse… Ainsi, rythmique imperturbable, guitares qui discourent, et le chant particulier de Chris Besinger fusionnent pour varier les plaisirs, distribuer les nions. Et cela qu’ils la jouent heavy en feintant AC/DC (l’ouverture “Ring And Roar”) et jusqu’en lâchant littéralement les chiens (l’énorme “Braindumb”, “Ballad Of The Drunken World”), qu’ils préfèrent mettre la pédale douce sur des titres étonnement plus calmes et contenus (le volatile “Texas Disco”), ou qu’ils retournent à ses fidèles accents blues finissant de vernir ses contours bien ricains (”Old Fool & Crow”, l’incandescent titre éponyme, “Adam Justified”). En couvrant avec autant de brio et d’assurance un spectre allant de Jesus Lizard à June of 44, en passant très brièvement par Shellac et Pissed Jeans, STNNNG n’attend plus qu’on lui ouvre la cours des grands. Il s’y invite.

LP disponible chez Rejuvenation Records.

En écoute

Lee Fields - “Let’s Talk It Over”

Hugues Marly — Wed, 24 Apr 2013 20:15:45 +0000

Album
(Truth & Soul)
14/01/2013
Réédition soul

Depuis la sortie de l’album “My World” en 2009, le succès de Lee Fields s’est étendu jusqu’au plateaux télé, mais la carrière du chanteur avait commencé bien avant ça. En 1969, sort un premier 45t avec le titre “Bewildered”, une reprise de James Brown qui sera suivie d’une douzaine de deux-titres, jusqu’à l’album-compilation de 1979 réédité aujourd’hui. En plus de bénéficier d’une ressortie officielle avec une pochette digne de ce nom, le disque contient quelques titres bonus tout aussi intéressants et efficaces que les enregistrements déjà présents sur la version initiale. Les talents du soulman sont multiples, à l’aise avec le funk tranchant mais aussi avec les ballades de soul tamisées. On navigue ici entre dancefloor killers et interprétations délicates, avec des moments intenses comme pendant “We Fought For Survival” et son intro imparable. Un bel objet au contenu sans faille, qui égale ou surpasse les dernières sorties du label Truth & Soul.

En écoute

En écoute intégrale

The Appleseed Cast - “Illumination Ritual”

matthieu — Tue, 23 Apr 2013 12:39:15 +0000

Album
(Graveface)
23/04/2013
Indie post rock

On le croyait mort, pourtant The Appleseed Cast n’a pas dérogé à son petit rythme d’un album tous les trois ou quatre ans: son laps de temps habituel pour faire face à un énième et récurrent changement de line up, pour opérer une légère remise en question musicale, et pour s’atteler à la composition de ce “Illumination Ritual”. Autrefois qualifié d’émo plus en raison du giron au sein duquel il évoluait que pour ses véritables choix artistiques, le groupe s’est ensuite progressivement orienté vers un indie rock façon post rock avec lequel on renoue encore ici (”Simple Forms”, “Branches On The Arrow Peak Revelation”), bien aidé par son recours régulier aux arrangements électroniques et par sa grande maîtrise rythmique (”Great Lake Derelict”, “Cathedral Rings”). De quoi ne pas plier définitivement sous le poids d’un registre quelque peu daté - entrevu ici ou là (”Adriatic To Black Sea”, “Clearing Life”, le trop long “North Star Ordination”) - que pourrait aisément incarner la voix de Chris Crisci, aujourd’hui seul membre originel de la formation et en grande partie responsable des meilleurs titres de ce nouvel opus. Dénués de toute nostalgie, sans jamais être d’une évidence mélodique assez flagrante pour qu’on les siffle ou les chante à la seconde écoute, “30 Degrees 3am” et “Cathedral Rings” sortent ainsi du lot en endossant tout ce que The Appleseed Cast maitrise depuis toujours sur le bout des doigts: la technique couplée à l’émotion, sans jamais que le groupe ne tombe dans le piège de compositions trop calculées. En cela, ce huitième album - sans franche différence avec son prédécesseur “Sagarmatha” - gagne dignement sa place au sein d’une discographie en perpétuelle évolution et qui, si elle n’a jamais pris d’avance pour autant, n’a jamais laissé le temps la rattraper.

En écoute

En écoute intégrale

Aufgang - “Istiklaliya”

Francois — Mon, 22 Apr 2013 15:33:11 +0000

Album
(InFiné)
15/04/2013
Electro classe

Des pianos, des synthés et une batterie… Nous ne sommes pas ici en train de parler d’une flûte à bec, ni d’un triangle ou d’un violon. Pour privilégier la force de frappe à l’encombrement, les musiciens d’Aufgang n’ont effectivement pas choisi les armes les plus faciles à trimbaler dans leur sac à dos. De retour après un premier album remarquable, Rami Khalifé, Francesco Tristano et Aymeric Westrich exploitent à nouveau - et de manière plus variée - les possibilités infinies qu’offre leur configuration inédite, sans jamais se contenter d’un simple mariage en grande pompe entre techno et classique. Ici, chacun des neufs morceaux possède une identité et une ambiance singulière qui naît grâce à cette volonté de surprendre, d’improviser, d’approvisionner leur son aux influences world, ou d’y insuffler une énergie rock.

Dès l’entame, les musiciens revêtissent armures et peintures de guerre pour arbitrer “Kyrie”, bagarre sanglante où les notes graves tentent de se dépêtrer d’un méchant beat techno. Cette introduction épique est le point de départ d’une première moitié d’album résolument excitante ou les gars illustrent quelques clichés d’Europe de l’Est, comme sur le superbe “Balkanik” qui, en partant d’une mélodie simple et d’une ambiance folklorique, monte en puissance vers une cavalcade finale organique et synthétique. De manière un peu naïve, ils mélangent la beauté du piano à des arrangements cosmiques sur “Ellenroutir”, une pause cinématographique bien méritée qui débouche sur “Vertige”, litanie dramatique et percutante dans laquelle on se retrouve psychologiquement coincé comme dans un film d’Hitchcock, histoire d’encaisser plus efficacement ces breaks maladifs.

Essoufflé comme on est à ce stade du disque, le reste ne peut être qu’un peu en-dessous mais mérite néanmoins qu’on s’y attarde. En effet, si le titre imprononçable “Istiklaliya” ressemble à celui d’un album d’Autechre, il reste à l’inverse compréhensible et habilement assemblé par un trio qui y déploie ses idées, sans déborder d’un cadre accessible. D’abord composé de choeurs joyeux et d’hésitations rythmiques, “Abusement Ride” se transforme progressivement en un track si bancal qu’il en devient presque malsain. On tient ici une preuve supplémentaire de l’impossibilité de n’écouter que partiellement un morceau d’Aufgang, et de s’arrêter aux émotions dégagées dans les seules premières minutes.

Oui, ces pièces sont de véritables constructions classiques, façonnées de plusieurs couches et animées de différentes péripéties. A la manière d’un recueil de nouvelles, elles racontent toute une histoire, et mènent le plus souvent vers une happy-end. Exemple sur “Stroke “où la complémentarité des musiciens prend tout son sens au sein d’un travail d’équipe aussi ouvert à des expérimentations plus déséquilibrées, comme le montre cet hommage menaçant à “Diego Maradona”. “African Geisha”, tout comme “Rachael’s Run” prenant rapidement des allures de course-poursuite débouchant sur une fin lumineuse, sont là pour nous rappeler l’une des missions primordiales du piano: offrir des balades poétiques et mélodiques. Autant d’arguments qui nous amènent au constat que “Istiklaliya” est un disque évidemment riche, physique, spontané… et sensiblement humain!

En écoute

En écoute intégrale

Kurt Vile - “Walking On a Pretty Daze”

Frederic — Sun, 21 Apr 2013 16:25:22 +0000

Album
(Matador)
09/04/2013
Indie folk

Petit à petit, et depuis son départ de The War On Drugs dont il était l’un des membres fondateurs, Kurt Vile creuse le sillon de sa carrière solo, infiltrant le canal historique du psychédélisme et du folk américain, par le biais d’une voix, et d’un jeu de guitare qui confère à sa musique une simplicité frôlant l’insolence. Avec ce cinquième album, son plus ambitieux à ce jour, il renouvelle ses chansons par petites touches, s’adonnant à l’efficacité d’une part, tout en développant comme jamais auparavant, l’amplitude majestueuse de certaines autres.

Des l’intrusion à pas feutrés du paisible “Walking On A Pretty Daze”, on est surpris pour la première fois par les longues traines que réservent certains morceaux, oscillant entre 8 à 10 minutes pour certains. Au cours de ces digressions, le guitariste prend le soin d’associer son instrument à de nouveaux matériaux, tels que de subtiles touches électroniques sur “Was All Talk”, et un orgue sur le très beau “Girl Called Alex”. Par deux fois, Kurt Vile le placide donne dans une immédiateté en contraste total avec l’atmosphère générale de l’album. Attaché depuis toujours à sa Philadelphie natale, il semble vouloir s’en extirper sur l’électrique “Kv Crimes” et “Never Run Away”. On sort alors le fouet, prêts à fustiger ces deux écarts qu’on pense destinés aux stades, et au début d’une éventuelle déchéance. Quant une fois de plus, la magie opère, la voix se fait plus incarnée que jamais, nous laissant sans défense face aux multiples mouvements que ce brillant jeune homme donne à sa musique.

On aurait pu glisser sans peine Neil Young ou encore Bob Dylan dans les travers de cette chronique pour justifier une éventuelle affiliation. Pourtant, Kurt Vile n’en a nullement besoin. Dans la lignée de son très beau “Smoke Ring For My Halo“, l’ex-War On The Drugs impose le respect avec une maitrise fascinante. Jouant sur les héritages lointains, mais en creusant à la fois sa propre voie, Kurt Vile est aujourd’hui un des tous meilleurs émissaires de ce folk tendu entre la campagne et la ville, l’intimisme et l’accessible, dans un rôle de passeur tranquille, mais néanmoins, toujours sûr de sa force.

En écoute intégrale

Seal Of Quality - “Life Hacks”

matthieu — Fri, 19 Apr 2013 12:55:40 +0000

Mini album
(Kythibong)
24/10/2013
8-Bit Punk

Après pas mal d’albums et de collaborations ayant vu le jour le plus discrètement du monde pour qui n’est pas familier avec lui, Nicolas Cueille - l’homme qui se cache derrière Seal Of Quality - s’offre une ouverture sur le monde un poil plus grande via Kythibong. Un moyen pour lui d’amener sa nouvelle oeuvre à faire face à un horizon plus large que celles qui l’ont précédé, de s’inviter dans les foyers d’ordinaire sensibles aux références majoritairement math rock du label, même si “Life Hacks” - uniquement disponible au format 10″ - est à mille lieux des albums de ses voisins de catalogue. Et pour cause, puisque le registre du rouennais repose essentiellement sur les sonorités 8-bit chères à la Game Boy qu’il utilise, et autres consoles de jeu que les moins de trente ans n’ont jamais connu. Si l’approche n’a pas toujours été couronné de succès, notamment à cause de son côté indigeste et déshumanisé, Seal Of Quality se sort du piège avec une certaine habileté, parce qu’il les baigne dans des compositions rock aux influences multiples (le heavy-glam de “Sockets”), mais aussi parce qu’il peut compter sur la force de ses mélodies. C’est d’ailleurs grâce à elles avant tout que ces sept morceaux se distinguent les uns des autres. Ainsi, en optant pour de folles cavalcades syntho-numériques (”Angry Mouth”), en préférant virer pop (”Comfort Zone”), ou en s’appuyant sur des refrains efficaces (”Switch”, “Beyond Thunderdome”), Seal Of Quality parvient à marquer durablement les esprits, et transformer ce qu’on pensait être une carte rédhibitoire en véritable atout. Un bon coup de bluff!

Papaye - “Tennis”

matthieu — Fri, 19 Apr 2013 10:48:17 +0000

Album
(Kythibong)
24/04/2013
Math rock souriant

En deux ans, Papaye a bien changé: coiffé et rasé de près, le trio court désormais les mini jupes plutôt que les mini shorts, renifle les cougars des tennis club huppés de la banlieue nantaise, s’est même lancé dans l’élevage de chiens au cas où rien ne morde. Il n’y a donc plus que sa musique qui marque chez lui une certaine constance, et c’est bien là le principal. Découvert en 2011 avec “La Chaleur” sur lequel on l’entendait décliner avec brio un savoir faire et une technique taillés à l’expérience, le groupe réédite aujourd’hui avec “Tennis”, un nouvel album rendu quelque peu prévisible par son prédécesseur et son registre math rock particulièrement marqué, mais qui n’est pas sans dévoiler deux atouts fondamentaux: une cohésion définitivement plus forte que par le passé entre le batteur de Pneu et les guitaristes de Room 204 et Kommandant Cobra, ainsi qu’un zest nécessaire de nouveauté pour éviter la redite. Désormais plus véritable groupe que somme d’individualités, Papaye se libère, évite toujours aussi habilement les pièges démonstratifs grâce à des breaks plus simples et directs (”Peut Etre Si”, “Moquette Miroir”, “Europapaye”), gagne en efficacité à la seule force d’un riff (”Totally Indeed”, “Sparrows & Pigeons”), ose le chant et le fait bien (”Grapes”), et conserve son agréable second degré qui n’est pas sans l’amener à nous prendre à contre pied, nous faire sourire au détour de quelques morceaux (l’aboiement de clébard sur “Super, Marcher!”, le riff à boire de “Je Suis Caché Sous Ton Pull”), comme à la lecture de quelques-uns de leurs titres. Avec treize titres avalés en vingt cinq minutes, le partie est brève et sans appel: Papaye passe haut la main le deuxième tour.

En écoute

Tennis by PAPAYE

mowno » disques

Baths - “Obsidian”

Related posts

Daft Punk - “Random Access Memories”

Related posts

Marvin - “Barry”

Related posts

Talib Kweli - “Prisoner Of Conscious”

Related posts

Grems - “Vampire”

Related posts

R.A. The Rugged Man - “Legends Never Die”

Related posts

Major Lazer - “Free The Universe”

Related posts

Come - “Eleven:Eleven”

Related posts

Bibio - “Silver Wilkinson”

Related posts

No Pilot - “Mille Mondes”

Related posts

Deerhunter - “Monomania”

Related posts

Mikal Cronin - “MCII”

Related posts

French Cowboy & The One - “French Cowboy & The One”

Related posts

No Joy - “Wait To Pleasure”

Related posts

Ghostface Killah - “Twelve Reasons To Die”

Related posts

Hanni El Khatib - “Head In The Dirt”

Related posts

Qwel & Maker - “Beautiful Raw”

Related posts

Ghostpoet - “Some Say I So I Say Light”

Related posts

Sole - “No Wising Up No Settling Down”

Related posts

Coliseum - “Sister Faith”

Related posts

!!! (Chk Chk Chk) - “Thr!!!er”

Related posts

Homeboy Sandman - “Kool Herc: Fertile Crescent”

Related posts

Minors - “This Is Not Happening”

Related posts

STNNNG - “Empire Inward”

Related posts

Lee Fields - “Let’s Talk It Over”

Related posts

The Appleseed Cast - “Illumination Ritual”

Related posts

Aufgang - “Istiklaliya”

Related posts

Kurt Vile - “Walking On a Pretty Daze”

Related posts

Seal Of Quality - “Life Hacks”

Related posts

Papaye - “Tennis”

Related posts