Everyone Says “Hi”

Heathen, del 2002, incluye esta pequeña joya de canción que siempre servirá para saludar y celebrar el regreso de Bowie. En ella también vive la nostalgia.

Strangers When We Meet

Es mejor olvidar que alguna vez conocimos a alguien llamado David Bowie y así volver a comenzar. Aparece en el álbum Outside de 1995.

Sons of the Silent Age

Una de las melodías más hipnóticas del Heroes de 1977. Habla de ellos, los hijos del futuro.

Ashes to Ashes

Uno de los himnos de Bowie. De las cenizas siempre se puede volver. Se encuentra en el Scary Monsters de 1980 y, al igual que Where Are We Now?, es un diálogo con un pasado aún más remoto, el del viaje del mayor Tom en Space Oddity, el primer gran éxito de Bowie fechado en 1969.

Sound and Vision

Algo parecido a un mantra. Viene bien invocar los dones del sonido y la visión para un nuevo disco. Uno de los sencillos de Low, de 1977, primer disco de su Trilogía de Berlín.

Survive

Una de esas canciones que tienen el tono de un Bowie demasiado preocupado por las cosas que vivió. Aparece en el Hours de 1999, al borde del milenio.

Changes

La eterna declaración de guerra del Bowie camaleón, siempre dispuesto a cambiar. So the days float through my eyes, but still the days seem the same. Uno de los sencillos de esa obra magistral de 1971 llamada Hunky Dory.

Heroes

Todo está aquí. Aparece en su disco homónimo de 1977.

Speed of Life

La Trilogía de Berlín se apoya en varios momentos instrumentales, varias postales sonoras que hablan de esa ciudad y de un mundo incómodo. Esta canción, uno de los mejores momentos del Low de 1977, sirve para subrayar el paso del tiempo en una vida.

An Occasional Dream

Aparece en el Space Oddity de 1969 y habla de un sueño, uno que nunca termina de irse. Es uno de los primeros registros melancólicos de Bowie, un Bowie de 22 años.

Repetition

Un réquiem por todas esas fiestas y días de gracia que no volverán y que vivirán para siempre en la repetición. Está en el Lodger de 1979, último escalón de la Trilogía de Berlín.

Days

Un bello lamento nostálgico que aparece en el Reality de 2003. Días, días, todos esos días.

Thursday’s Child

Fueron muchos los que recordaron en el tono de Where Are We Now? a esta canción del Hours de 1999. No lo es tanto, pero sí da cuenta de otro Bowie de registro memorioso. Y los días, claro.

The Loneliest Guy

Where Are We Now? pudo haber aparecido fácilmente en el Reality de 2003, pero no, allí aparece esta canción que se encadena y se puede ver así como su hermana perdida.

Absolute Beginners

Una de las baladas con más corazón en la carrera de Bowie. De 1986, es la canción principal de la banda sonora de la película del mismo nombre. Si se quiere, la épica de Where Are We Now? no le es tan lejana, y nos recuerda que, siempre y para siempre, todo se trata de un eterno comienzo. As long as you’re still smiling.

Nota 1: El anterior artículo fue originalmente publicado por la Revista Diners.

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Y aquí estamos. El hombre de las estrellas nos ha enviado a su mensajero una vez más.

En el incierto silencio, llega con una pregunta como eco.

Después de diez años de ausencia, David Bowie, el mismo ser pálido al que siempre hemos visto con un pie en el futuro más imposible, regresa al planeta con una canción que nos interroga, con un zarpazo directo a la nostalgia, por aquel lugar en el que quedaron nuestros recuerdos. Where are we now?, where are we now?, es la pregunta que se expande, como el borrador de algún universo, a lo largo de una melancólica y elegante melodía. Pregunta que es a su vez el título de la canción que, comunicada a los mortales el mismo día del cumpleaños sesenta y seis de aquella deidad estilizada, sirve de abrebocas para lo que será The Next Day, un nuevo disco que eleva de las cenizas a esa figura icónica de la música del siglo XX, una que parecía haber desaparecido para no querer volver.

Han sido diez años desde el último trabajo de estudio de Bowie, diez años en los que, al menos en el ya cómodo universo del pop, ha pasado de todo y, a la vez, se han sucedido incontables naderías y repeticiones de lo que parece ser ya una historia inmóvil. Diez años que, sin embargo, y en cálculos precisos del tiempo-bowie, apenas alcanzan a sumar el parpadeo a la vuelta de un día.

Ese momento, sí, solo ese momento.

La última vez que se tuvo noticia de un disco de Bowie fue en el 2003, con Reality, una dispareja colección de canciones que, casi como una continuación del Heathen del 2002, encerraba un sonido flamante, actualizado, ajustado a una suerte de realidad ya no tan cercana a los experimentos y viajes al futuro de sus años de gloria, pero sí con algún brillo e intento de búsqueda y, también, con el color de la ironía de un mundo no tan amable y el barniz melancólico de un hombre en tránsito firme por sus cincuenta años. Esos dos discos, aspavientos del nuevo milenio, se presentaban sin tinglados como un nuevo impulso en su carrera, un antojo más de reinvención. Todo como siempre fue. Los buenos tiempos. Y sí, todo en el curso habitual, un disco más para ser exhibido en una gira más, el deliro frecuente hasta que en el 2004, durante una presentación en Alemania, el corazón del protagonista de esta historia encendió sus alarmas de agotamiento. Una arteria tapada bastó para una intervención de hospital, la cancelación de una gira que planeaba darle la vuelta al mundo, y el comienzo de un paréntesis que terminó este año. Después de aquel incidente, un Bowie que no había calculado del todo la aparición repentina de la muerte, como un personaje más de su universo de máscaras, se encerró a dejarse devorar por la calma doméstica. Una pequeña hija de cuatro años a la que quería ver crecer (como no había sucedido con Zowie, su abandonado y luego recuperado hijo con Angela Barnett), algo del aburrimiento de la repetición y el terror de los días que se agotan, encarnaron en Bowie a la que se dejaba ver como la última de sus transformaciones, la del silencioso y decadente artista en retirada. El silencio repentino para un artista que siempre se disfrazó de apasionada vanguardia, para un músico de aliento inagotable que sedujo sin calma, década tras década.

Salvo contadas apariciones al lado de Arcade Fire o David Gilmour, fueron diez años en los que Bowie, que siempre había sido tan afecto a exhibirse, poco se dejó atrapar sobre un escenario. Se le veía, sí, pero en exposiciones artísticas, en obras de teatro, caminando tranquilo por la calle. Tanta calma solo podía entenderse como la despedida por la puerta trasera de un artista que se había atrevido a las acrobacias del simbolismo y el glamour. Rock and roll suicide.

Hasta que, de la nada y sin avisar, reapareció para preguntarnos en qué lugar quedamos desde la última vez que nos vimos.

La primera sensación que deja Where Are We Now?, si tratamos de alejarnos de toda la conmoción que produce el retorno, es de desconcierto, incluso de sospecha. ¿Por qué habrá escogido Bowie esa lenta, lentísima canción de una sencillez soberana para romper el silencio? Tendrá sus razones, en especial cuando ya Tony Visconti, el eterno productor (uno al que todavía le debemos todos los reconocimientos por esa complicidad tan provechosa), adelantó que el disco tiene un espíritu más agresivo, más “rock”. Lo cierto es que esa fría balada, que se decide a mostrar su emoción en sus últimos segundos, puede leerse como un guiño al silencio, a la nostalgia y, por qué no, a lo poco que le importa a Bowie, a estas alturas, verse como el revolucionario que siempre fue. Y ahí, tal vez, está el nuevo giro de tuerca. En un mundo que oscila entre los escándalos de lo pomposo, entre la asfixia de la clonación y los nuevos lanzamientos, la canción es una invitación a decirle no al ruido. La voz, tal vez más apagada, envejecida porque ya lo debe ser, y el video tan fuera de lugar, tan descarado en su delirio “arty” y tan decidido a generar malestar, no pasan de ser detalles adicionales en la exaltación del mito del monstruo vencido que cultivaron los años de vacío. Bowie, después de todo, no estaba muerto, tan solo descansaba de su propia historia.

Lo cierto es que Where Are We Now?, por más escépticos que pretendamos ser, nos muestra a un Bowie que está en forma y que ha regresado siendo consciente de su pasado más que de su futuro. Ese hombre que aparece en el video se sujeta, ahora, de otro disfraz más, uno que se dispone a no usar maquillaje, a celebrar cierto agotamiento, a celebrar lo desganado de sí invitándonos a mirar hacia el pasado.

Es evidente que el sombrío Berlín de los 70 es el motivo detrás de la canción. Las figuras que se nombran, los lugares citados, las imágenes puestas con fingido azar en el video, sirven para darle forma a todo como si se tratara de una postal, de un mapa o carnet de viaje. Y entonces asume un sentido aún mayor cuando le prestamos atención a la portada que tendrá el disco, diseñada con acierto por Jonathan Barnbrook. En ella se hace eco del Heroes de 1977, esa pieza magistral en la discografía de Bowie. Dice Visconti que el artista del futuro ha querido recuperar el sonido de su pasado; dice Barnbrook que el título de The Next Day sugiere una visita al día anterior. Un cuadro blanco, como el vacío, oculta el rostro de Bowie, y el otrora título del disco es tachado y suplantado por el nombre del artista para dejarnos saber, así, que lo que importa ahora es la leyenda.

Parece que luego de pisar el futuro el único gobierno que nos queda es el horario de regreso.

El futuro, claro, esa escurridiza materia tan amable con la nostalgia.

Si caminamos hacia atrás, siguiendo la pista de la imagen del nuevo disco, llegamos al ya mencionado Heroes, ese retrato del Berlín de la Guerra Fría y evidencia obstinada del intento de escape de Bowie de sus adicciones. En varios pasajes de ese disco se alcanzan a ver puntillazos a una relativa obsesión con lo efímero y con la duda del mañana, ese que no sabemos si vendrá. Claro, el hombre encerrado en esa áspera ciudad se apoderó de ese mensaje de temor que transmitían cosas como el Muro de Berlín, el silencio y la censura de la cortina de hierro, de ese tedio, del aire de desazón, y lo dejó en varias canciones que, con el tiempo, han sabido conservar su mensaje como pequeños himnos. La atmósfera fría y desconcertante del disco, gestada con cuidado por las mentes de Brian Eno y Tony Visconti y tan influenciada por el tránsito sonoro de bandas como Neu! o Kraftwerk, se puede saborear en Heroes, la canción que da título al disco y tal vez la joya de la corona en el catálogo de Bowie. Durante poco más de seis minutos, una voz camina por un denso paisaje post atómico, alzándose como testimonio de una catástrofe inminente. Lo que comienza como una balada tranquila, se convierte con el paso de los segundos en el grito desesperado de un hombre que sabe o presiente que tan solo queda un día en su cuenta, un día para hacerlo todo imposible. We’re nothing and nothing will help us, aúlla, para rematar varias veces con un just for one day, just for one day. No habrá mañana.

Hasta ahora.

Estamos ya en el día siguiente. El título del nuevo álbum y su gesto al Heroes tal vez nos quieren hablar de un Bowie que sobrevivió y ahora viene, otra vez de un nuevo mundo, con un mensaje en contravía de su tiempo. Silencio. Calma. Tal vez la ausencia de noticias previas sobre el disco, tal vez el pacto secreto que firmaron los involucrados en su producción para que no se conociera nada durante los dos años de trabajo que le demandaron, tienen que ver con eso. La novedad, en este caso, es que no existe mayor novedad que la resurrección. Es temprano para decir si será un gran disco, y fue muy temprano para decir que Where Are We Now? es una gran canción. Seguro no lo es tanto, y seguro todo la algarabía alrededor de ella, y las ventas y las cifras y los tops y hits, se deben más al culto que a otra cosa, pero es cierto, entonces, que Bowie todavía puede sacudir algunas fibras con un mensaje de simbolismos calculados. Podemos imaginarnos a The Next Day así: Bowie despertando en medio de los escombros luego de un largo sueño, un Bowie horrorizado, un Bowie que mira el mundo moderno y parece no entenderlo, que se cuestiona por el lugar en el que está ahora, preguntándose si tiene que ver algo con su pasado y, en especial, si acaso de verdad sobrevivimos a los tantos muchos fines que van y vuelven. Un día después, solo por un día otra vez.

En otra canción del Heroes, en Sons of the silent age, Bowie habla de una raza consagrada al silencio, a la lentitud. They never die, they just go to sleep one day, canta, y entonces me dejo tentar para pensar en que Bowie simplemente cerró los ojos por un día, un día que se tomó diez años. Así pasa el tiempo para los hombres acostumbrados a vivir en el futuro. Un futuro que dura un día, sí, para atrevernos a ver el día siguiente.

Aquí viene.

Nota 1: Como complemento a este texto, Daniel creó una lista de 15 canciones del pasado para mezclar con Where Are We Now?
Nota 2: El anterior artículo fue originalmente publicado por la Revista Diners.

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El Festival Centro está en marcha y como es habitual desde hace tres ediciones la canción hace parte esencial de su programación; reconocidos cantautores como Nacho Vegas, Daniel Melero, Chinoy, Carla Morrison, Anita Tijoux y Victoria Sur, entre otros, han sido parte de la cuota cancionística. Este año, en su cuarta versión, el Festival Centro tiene un componente importante de cantautores entre los que, para mi gusto, se destacan los que aparecen a continuación:

Tulsa

Tulsa es Miren Iza y Miren Iza es Tulsa. Miren escribe canciones que no sólo evocan a las carreteras de la ciudad que lleva el nombre de su proyecto musical, también desprenden tal intensidad que duele. Su dulce voz encanta, atrapa y envenena mientras se atraviesa una tormenta sin tregua en compañía de un folk-rock contundente.

Andrés Correa

Lo de Andrés Correa es cancionismo bogotano puro, sincero, sin ningún tipo de imposturas, del que arriesga pero con altura; descreyó del rock para entenderlo como una posibilidad más. Sus canciones envueltas de nostalgia llevan impresa la certeza del que ha saboreado la derrota y se ha hecho fuerte con cada paso avanzado.

Meridian Brothers

Canción experimental a ultranza. El proyecto principal del guitarrista Eblis Álvarez es genial y desfachatado. Su inquietud por la música tropical (presente en proyectos paralelos como Los Pirañas y el Frente Cumbiero) se revitaliza en los Meridian cuando la conjuga con música contemporánea y altos niveles de mordacidad.

Sunny War

Con apenas 22 Sydney Ward, o Sunny War, como ha decidido llamarse, encarna la música norteamericana, sus raíces y sus ramificaciones. Su virtuosismo particular interpretando la guitarra conecta directamente con una voz cálida y jazzie y una actitud militante y de allí brotan canciones que revelan a una artista genuina a cabalidad.

Mateo Lewis

Sorprende, y gratamente, que el ex-integrante de agrupaciones de rock juvenil local como Ratón Pérez y El Sin Sentido se haya dado a la tarea de encontrar un sonido personal. De dicha búsqueda el primer resultado es “Sumas”, un álbum íntimo, cálido y coetáneo, si se quiere; un trabajo que augura un camino en el que germinarán buenas canciones.

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El 2012 fue de esos años que no fueron ni buenos ni malos. “Pudo haber sido mejor, pero también pudo haber sido mucho peor”, oí por ahí. No se acabó el mundo, pero tampoco quedó gran cosa. Solo quedaron canciones que dan cuenta de la esquizofrenia del año.

Rock adolescente, pop polémico y feliz y canciones de autoayuda, rabia y dolor escritas por mujeres tristes. Palabras de Leonard Cohen, pasos de baile de David Byrne, Fiona muchos años después y Jack White siendo Jack White. Canciones de Navidad on crack y algo de Fleetwood Mac con un toque Fanta. Muchos grupos nuevos que no son y Sharon Van Etten.*

1. Who – St. Vincent y David Byrne
With a graceful montion she sat down slowly, drank a cup of coffee and she’ll fold the laundry…

2. Love Interruption – Jack White
I want love to walk right up and bite me, grab a hold of me and fight me, leave me dying on the ground.

3. Give Out – Sharon Van Etten
You’re the reason why I’ll move to the city. You’re why I’ll need to leave.

4. Anything We Want – Fiona Apple
And I kept touching my neck to guide your eye to where I wanted you to kiss me when we find some time alone.

5. Dissolve Me – Alt J
She makes the sound, the sound the sea makes to calm me down. She makes the sound, the sound the sea makes, I am tired now.

6. Spaghetti – The Wave Pictures
Wild hair tumbling from the center of your skull like spaghetti, I knew them that you’d never forget me…

7. Feels Like We Only Go Backwards – Tame Impala
I know that you think you sound silly when you call my name, but I hear it inside my head all day…

8. Hollywood Forever Cemetery Sings – Father John Misty
We should let this dead guy sleep…

9. Call Me Maybe – Carly Rae Jepsen
Before you came into my life I missed you so bad…

10. The House That Heaven Built – Japandroids
And if they try to slow you down, tell ‘em all to go to hell…

11. The Love You Love – The Walkmen
Don’t trust the facts, trust the fiction…

12. Nothin’ But Time – Cat Power
You ain’t got nothing but time and it ain’t got nothing on you.

13. El puñal – La derecha
Solo falta cruzar unas pocas calles, un montón de cables…

14. Simple Song – The Shins
And you feel like an ocean, being warmed by the sun.

15. Anything Could Happen – Ellie Goulding
That was the year I knew the panic was over.

16. Storms – Best Coast (Cover de Fleetwood Mac)
But never have I been a blue calm sea, I have always been a storm…

17. The John Wayne – Little Green Cars
And when I asked you your name you said John Wayne, and I guess it’s true ‘coz then you shot me down, doubled over and I hit the ground right in front of you…

18. Leak at the Disco – Baxter Dury
But Katie you’ve lost your smile…

19. Baby Get Worse – Divine Fits
My heart was beating in, in and out of time…

20. Christmas Unicorn – Sufjan Stevens
I’m a mythical mess with a treasury chest, I’m a construct of your mind.

21. Laura – Bat for Lashes
Uh, Laura you’re more than a superstar, you’re the train that crashed my heart.

Bonus tracks. Dos canciones que son de discos que saldrán en febrero del 2013:

• Blue Ice – Shout Out Louds
• Peach Blossom – Eels

*Disclaimer: Frank Ocean no entra en la lista porque el disco es indivisible; es
perfecto en conjunto. Y Leonard Cohen es solo para mí.

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Michael Andrews es un músico talentosísimo que ha hecho carrera principalmente en la composición de música para películas. Su trabajo más reconocido en el cine es sin lugar a dudas el soundtrack de Donnie Darko. Musicalmente hablando, el punto más alto de esa película es Mad World, un cover de Tears for Fears que hizo junto a Gary Jules y que le cambió la vida a ambos. En adelante la hoja de vida de Mike se llenó de películas como Me, You and Everyone We Know, Funny People, Cyrus y Jeff, Who Lives at Home entre muchísimas otras.

También ha habido tiempo para proyectos personales. En 2006 grabó Hand on String y ahora se prepara para sacar su segundo disco como solista. Spilling a Rainbow estará disponible el próximo mes y lo que se ha dejado escuchar por ahí no decepciona. Los dos discos se disfrutan y se entienden como formas de liberar ideas que no han encontrado su lugar en ningún soundtrack. Pero al final es el mismo tipo de trabajo. Hacer un disco solista es dejar de escribir para la historia de un escritor y dedicarse a componer para su propia historia.

Igual a como me pasa con Jon Brion, es dificil no sentir admiración por alguien que tiene esa capacidad de aportar tanta emoción no solo a las películas en las que participa sino a todo lo que hace. Michael Andrews no adorna películas sino que hace parte de ellas. Su música se adhiere a los diálogos y los gestos de una escena y se queda guardada junto a todo lo demás para siempre en la memoria.

Michael Andrews – Bubbles in Space

Michael Andrews – Just a Thought

Michael Andrews – Fuck

Michael Andrews and Gary Jules – Mad World

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David Longstreth, el líder de los Dirty Projectors, nació el mismo día que yo. Estoy segura que eso es una señal del destino. David, quien es altísimo y debería cortarse el pelo, ideó el grupo en 2002. Los Dirty Projectors están compuestos por batería, bajo, guitarra y voz de David, guitarra y voz de Amber Coffman y las voces de otras dos lindas chicas que también tocan teclados y percusión. La voz de David es de estaño. Sus canciones son como acciones que se desenvuelven a medida que van sucediendo. Como despertarse lentamente y recibir la primera luz ansiosa de la mañana o dar un paso y lentamente extender el pie y colocarlo justo en frente del otro para dar el paso siguiente. En medio de melodías que se revelan como si justo estuviera amaneciendo, entran arreglos vocales en donde las tres lindas chicas gritan como si emularan el llamado de una ninfa ruidosa e histérica. Es el amanecer en Temecula.

Tienen once discos. El último salió hace cuatro días. Se llama Swing Lo Magellan y suena como a la música que le pondría a mi vida, si mi vida fuera un road movie en donde la protagonista decide mandar todo al carajo, ponerse una vincha hermosa en el pelo y atravesar una carretera soleada en un descapotable. Suena swing, rock, pop, Bob Dylan, Stevie Wonder, Beyonce, ninfas y estaño, todo en una licuadora y a todo volumen.

Julián Mayorga, quien también es músico y sagitario como David y como yo, me mostró su música prometiendo que me enamoraría perdidamente de ellos. Tuvo razón. Me compartió canciones sobre espíritus agradecidos con la tierra por permitirles bailar. Canciones sobre montañas grandes y ciudades más grandes. Canciones sobre abrir los ojos ante un mundo en donde todos parecen saludables e intentar armonizar con él.

Quiero aprender a tocar la marimba para que él me enliste en sus filas y me ponga a gritar como ninfa y que juntos hagamos música hermosa. Apenas pudiera le confesaría que a veces tomo sus canciones como oráculos sobre como actuar con mis caprichos. A veces me dice que el mejor movimiento es quedarme quieta, otras veces me dice que debería bailar y bailar hasta que la respuesta que estoy buscando me encuentre.

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Hablar de los clásicos con nostalgia y escupir frases genéricas como “la música ya no es lo que era antes”, me ha parecido siempre una idiotez. Me hace pensar en esos que se quedaron en Pink Floyd y The Doors “porque es que ya no hacen discos como esos”.

Siempre pensé que eso de re-editar discos viejos se lo habían inventado para darle la razón a los que piensan que la única salida es volver a hacer los discos de antes pero con mejor sonido. Por suerte la cosa no se queda ahí. Son una excusa buenísima para volver a escuchar algo que nunca se escuchó con la suficiente atención. Sirven, en definitiva, para callarse la boca y escuchar. Para bajarse de esa nave racional y más bien echarse en el pasto y sentir.

El mes pasado re-editaron Ram, que viene siendo el segundo disco de Paul McCartney luego de la separación de los Beatles. Con esto Ram volvió a mi vida y me abrió los oídos. Me mandó hasta 1971 y me metió en un loop del que no puedo ni quiero salir.

En Ram están Too Many People y Dear Boy: un par de canciones que fueron misiles en una guerra de disco a disco entre Lennon y McCartney luego de su separación. Cuenta, por primera vez, con la participación y firma de Linda McCartney, quien aparece como co-autora de la mayoría de las canciones en el disco. Y aunque para muchos su aporte es poco y su crédito excesivo, la verdad es que, desde el coro más elaborado hasta el grito más incoherente, aportan matices que contribuyen para que Ram sea lo que es.

Y así pasa con la voz rasgada de Paul en Monkberry Moon Delight, la agudeza de Too Many People, la dualidad de Uncle Albert / Admiral Halsey, la belleza sutil de Hey Diddle, el pianito y las armonías Beatle de Dear Boy, las partes tarareadas de Heart Of The Country y el viaje maravilloso que es Ram On.

El disco es una colección de canciones que son un gesto de libertad. Una cantidad de emociones encontradas y sonidos represados que se ven desde lejos como una colcha de retazos pero que desde cerca se entienden con claridad. Ram es un trabajo altamente elaborado donde cada capa existe por una razón y donde todo (y todos) suman a esa masa que suena pop, básica e inocente pero que en realidad es compleja y hermosa por donde se le mire.

Paul McCartney – Ram On

Paul McCartney – Monkberry Moon Delight

Paul McCartney – Too Many People

Paul McCartney – Uncle Albert / Admiral Halsey

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Este post no es más que una excusa para comunicar acerca de la participación de Andrés Gualdrón, hijo de este pueblo, y sus Animales Blancos en el lanzamiento de lo último de Meridian Brothers. La cosa ocurrirá este viernes 8 de junio en Boogaloop (Bogotá). Detalles completos en Facebook.

Meridian Brothers – Porque entras y me regalas todos los colores

Andrés Gualdrón y los Animales Blancos – Sesiones Radio Pachone

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Hace una semana Paulinho Moska trajo a Bogotá su festival de cuatro días con el que anda recorriendo varios países de suramérica. En una sala pequeña vimos cómodamente y muy de cerca a Francisca Valenzuela, Andrea Echeverri y Kevin Johansen. Ellos, a su vez, sirvieron de excusa para escuchar por primera vez a los brasileños Ana Cañas y Marcelo Jeneci, aunque la lista de invitados era más grande y hubo gente que nos quedamos sin ver, como Fernando Cabrera, Pedro Luis y Fernanda Takai.

La primera sorpresa fue descubrir que Paulinho Moska, muy carismático, tenía un rol no solo en la organización sino también dentro del escenario. Era él quien presentaba desde una silla, guitarra en mano a cada uno de sus invitados, dándole espacio a las historias, colaboraciones e interpretaciones de sus propias canciones.

La segunda sorpresa fueron los brasileños. Ana Cañas es pequeñita pero tiene una voz poderosa. Nos impresionó como sonaba con la banda pero también lo emotivo de sus canciones cuando estaba sola con la guitarra. Marcelo Jeneci tiene una propuesta esencialmente pop. Lo acompañan un acordeón y Laura Lavieri, una rubia con una voz preciosa que es una máquina del tiempo.

La tercera sorpresa fue la aparición de Andrea Echeverri en la presentación de Kevin Johansen. Cantaron en inglés, en español y en portugués. Cantaron los dos, invitaron a Paulinho y luego cantó ella sola. Un set perfecto y afortunado.

Quedamos muy agradecidos con el gran Paulinho, con el Ministerio de Cultura de Brasil y con todos los invitados. Ya tendremos la oportunidad de volver a verlos pronto.

Kevin Johansen, Andrea Echeverri y Paulinho Moska – Oh My Love, My Love

Kevin Johansen, Paulinho Moska y Marcelo Jeneci – No voy a ser yo

Andrea Echeverri – Amorcito

Kevin Johansen – Anoche Soñé Contigo

Kevin Johansen – Cumbiera Intelectual

Kevin Johansen y Paulinho Moska – Desde Que Te Perdí

Kevin Johansen, Marcelo Jeneci, Paulinho Moska – El Círculo

Kevin Johansen, Paulinho Moska y Marcelo Jeneci – Plug del Sur

Kevin Johansen, Paulinho Moska, Marcelo Jeneci – Waiting for the Sun to Shine

Marcelo Jeneci – Felicidade

Marcelo Jeneci, Paulinho Moska y Kevin Johansen – Copo de Agua

Paulinho Moska y Kevin Johansen – La Edad del Cielo

Paulinho Moska y Kevin Johansen – Pensando Em Voce

Paulinho Moska, Kevin Johansen y Marcelo Jeneci – Lágrimas de Diamantes

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Kelly Pratt tiene una trayectoria importante como trompetista (aunque toca otros instrumentos de viento) en bandas como Beirut, LCD Soundsystem y Arcade Fire. En 2009 se vio obligado a buscar una excusa, un canal, una forma de darle salida a toda su creatividad y entonces, en medio de varias giras monstruosas, decidió a hacer un disco desde su computador, entre cuartos de hotel y salas de abordaje.

Ese fue el origen de un primer proyecto llamado Team B, que sería el antecesor de lo que hoy motiva esta entrada. Su segundo disco, ahora bajo el nombre Bright Moments, se llama Natives y es una producción soltaria, hecha principalmente en un apartamento en Brooklyn, con la ayuda de su esposa y algunos amigos de bandas en las cuales ha participado, que no son pocas.

Es cierto que la cercanía con todas estas bandas alcanza a permear por momentos el estilo, pero en definitiva uno identifica que Natives es un trabajo completamente auténtico. La riqueza en el sonido, el detalle en los arreglos, la melancolía en las melodías dan como resultado una obra preciosa y emotiva que transcurre sin altibajos.

Bright Moments – Drifters

Bright Moments – Tourist

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