Seit letzter Woche arbeite ich an der vierten Ausgabe meines Photoshop Workshop Buches »Adobe Photoshop CS6 – Schritt für Schritt zum perfekten Bild« für Galileo Design (Amazon nimmt schon Vorbestellungen entgegen). Projekte, wie dieses, nehmen mich als Autor immer voll in Beschlag und Zeit zum Bloggen bleibt dabei kaum. Leider.

Der Termin für die Veröffentlichung ist für Ende August geplant. Für mich bedeutet das, dass ich das Buch bis Ende Juni geschrieben haben muss. Parallel dazu gibt es noch etliche Kurse und ein paar Grafikaufträge. Deshalb sollte es bis Anfang Juli hier im Blog sehr ruhig werden.

Amazon-Rezension

Ich werde häufig von Bekannten und Freunden gefragt, welches Buch ich für den Einstieg empfehlen könnte. Bisher konnte ich keines der Bücher am Markt so wirklich empfehlen, doch jetzt bin ich fündig geworden: Das Buch “Kreativ fotografieren: Digitalfotografie verständlich erklärt” von Markus Wäger gehört zu den besten Büchern in dieser Sparte und ich kann es Einsteigern und Fortgeschrittenen, die auf dem Weg zu besseren Bildern sind, uneingeschränkt empfehlen.

Sven Maier, www.iso125.de

Ich habe in meinem Leben schon viele – auch sehr gute – Bücher über Fotografie gelesen. Dieses Buch ist eindeutig das Beste darunter.

Michael Tiedt, via Amazon-Rezension

Das Buch … unterscheidet sich meiner Meinung nach sehr von den vermeidlich ›ähnlichen‹ Büchern, die ich schon mein Eigen nennen darf. Zum einen findet Markus Wäger eine sehr verständliche Sprache, welche es jedem sehr einfach ermöglicht seinen Gedanken zu folgen. Zum anderen führt er den Leser auf einem sehr interessanten Weg durch das komplette (!) Themengebiet der Digitalen Fotografie. Es hat mich inspiriert diesen ›Weg‹ in der Umsetzung meiner Fotos weiter zu verfolgen.

Ich muss zugeben ich war beim Kauf nicht ganz davon überzeugt ob das Buch die richtige Ergänzung für mich darstellt, da ich mich selber nicht mehr zu den blutigen Anfängern zähle. Umso mehr war ich darüber überrascht, dass es ganz und gar nicht nur für ›Anfänger‹ geschrieben wurde. Zwar werden alle Themen von der Pike auf erklärt, dennoch werden Zusammenhänge und Abhängigkeiten einzelner Parameter sehr verständlich erklärt und mit sehr vielen Bildern hinterlegt, was auch bei mir zu sehr vielen Aha-Effekten geführt hat.

Das Buch stellt für mich keine Ergänzung zu meiner Sammlung dar, sondern ersetzt sehr viele davon. Schade, dass es dieses Buch nicht schon länger gibt. Ich hätte mir sehr viel Geld gespart.

Thomas P., via Amazon-Rezension

Dem Buch merkt man die Tätigkeit des Autors als Foto-Trainer an, denn es ist didaktisch sehr klug aufgebaut.

Michael Omori Kirchner, www.fotografr.de

Schaut man in die Regale sowohl der echten als auch der virtuellen Buchläden, so stellt man fest, dass es angesichts des boomenden Digitalfotografiemarktes eine Unmenge an Literatur zu diesem Thema gibt. Prüft man das Angebot genauer, so fällt in’s Auge, dass viele der angebotenen Werke sich voneinander kaum unterscheiden, da die gleichen Themen in vergleichbarer Art und Weise dargestellt werden. Bei dem vorliegenden Werk »Kreativ fotografieren« von Markus Wäger stelle ich erfreulicherweise eine interessante Herangehensweise an die Aufbereitung des Themas fest, welche ich so noch nicht in einem anderen Buch, das ich zum Thema gelesen habe, angetroffen habe.

Stefan Neuweger, photowalkingmunich.de

Sehr lehrreich und anschaulich erklärt. Mit Freude hab ich es gelesen und konnte sehr viel daraus lernen.

Klaus Gröber, Wangen

Ob das Histogramm, die Schärfentiefe, der Weißabgleich, die ISO-Empfindlichkeit oder das Blitzen mit System – kein Thema wird ausgelassen. Für mich persönlich stellt sich das Buch daher als das ideale Nachschlagewerk dar, das ich nicht mehr vermissen möchte.

Oliver Schaef, fotolism.us

Egal ob Einsteiger oder fortgeschrittener Fotograf – Markus Wägers Buch ist eine wohltuende Ausnahme unter den Fotobüchern und ein Fachbuch im besten Sinne. Bravo!

Markus Dollinger, nachbelichtet.com

Ein durchaus empfehlenswertes Buch für alle Ein- und Aufsteiger, oder alle, die endlich mal verstehen wollen, was da eigentlich in der kleinen schwarzen Kiste passiert, und wie man vom Knipsen zum Fotografieren kommt. Ein Buch, das wir auf jeden Fall ab Sofort unseren Workshopteilnehmern nahelegen werden.

Mark Kujath, www.canikon.de/literatur

Ein sehr gutes Buch für Anfänger – und wie man in meinem Fall sieht, durchaus auch für Fortgeschrittene Fotografen geeignet. Denn wie heißt es so schön: man lernt nie aus! Das Buch bekommt eine dicke Empfehlung von mir.

Jana Mänz, www.janasworld.de

LESENSWERT! • Für Anfänger und Semis sehr gut geeignet • Mit 44,90€ nicht ganz ›Billisch‹ aber es ist es Wert! • KAUFEMPFEHLUNG

Jörg Langer, langeronline.de

Ein gutes Nachschlagewerk auch für fortgeschrittene Fotografen.

Martin Neuhof, farbwolke.de

Ich kann das Buch nur empfehlen. Vielleicht kaufe ich auch noch die Kindle Edition, damit ich es leicht mitnehmen kann, wenn ich mit der Kamera losziehe. Es sind viele praxisnahe Tipps zu finden, und man merkt gleich, wie viel Erfahrung in diesem Buch steckt. Endlich verstehe ich, welchen Einfluss die Blende auf die Schärfentiefe hat, und auf was ich bei den Objektiven achten muss. Ich wusste vorher auch nicht so recht, was ich mit dem Histogramm anfangen soll – unglaublich was man da so alles rauslesen kann.

Maxemilian Hilbrand, isiCore GmbH, Wipperfürth

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

In meine Photoshop-Workshop-Büchern stecken etwa 300 Stunden.

In »Kreativ fotografieren« stecken 300 bis 600 Stunden – je nach dem wie ich es betrachte. Während es »Grafik & Gestaltung« und »Photoshop – Schritt für Schritt zum perfekten Bild« bislang nicht als eBook gibt, ist »Kreativ Fotografieren« elektronisch verfügbar. Obwohl das Buch ohne die Marketing-Maschinerie eines klassischen Verlags ein Mauerblümchen-Dasein im Buchhandel fristet und mit bislang knapp 500 verkauften Exemplaren ein sehr kleiner Fisch im Leseteich ist, bin ich doch schon über die Nachfrage nach einer Möglichkeit das Buch ›kostenlos‹ irgendwo herunterladen zu können, und ein entsprechendes Angebot bei einem sogenannten File-Sharing-Dienst, gestoplert. Letzteres scheint zu bedeuten, dass man dort kostenlos kriegt, was dessen Erzeuger nicht verschenken will. Amüsantes Detail: Wer will, kann bislang etwa 60% von kreativ Fotografieren als Artikelserie in meinem Blog lesen und der Rest soll folgen, sobald ich wieder einmal Zeit dafür habe.

Das Thema Urheberrechte und Respekt vor geistigem Eigentum beschäftigt mich also und ich finde, dass einer, der seine Zeit damit verbringt etwas kreatives zu schaffen, auch davon leben können sollte. Vor allem, denn dieses kreative Schaffen Nutzen stiftet.

Respekt vor dem, was sich andere Erarbeitet haben, ist für mich eine Selbstverständlichkeit. Wäre es für die Masse der Bürger eine Selbstverständlichkeit, bräuchten wir keine Gesetze zum Schutz geistigen Eigentums, sondern die Sache würde sich von selbst regeln.

Urheberrecht beschäftigt mich also. Deshalb habe ich schon öfter Artikel mit meiner Meinung darüber veröffentlicht und schon mit vielen darüber diskutiert. Zuletzt schrieb ich den Artikel »Fotografie und Urheberrecht«. Vor einigen Tagen habe ich die Petition »Wir sind die Urheber!« unterzeichnet, dessen Inhalt ich mir hier wiederzugeben erlaube:

»Mit Sorge und Unverständnis verfolgen wir als Autoren und Künstler die öffentlichen Angriffe gegen das Urheberrecht. Das Urheberrecht ist eine historische Errungenschaft bürgerlicher Freiheit gegen feudale Abhängigkeit, und es garantiert die materielle Basis für individuelles geistiges Schaffen.

Der in diesem Zusammenhang behauptete Interessengegensatz zwischen Urhebern und ›Verwertern‹ entwirft ein abwegiges Bild unserer Arbeitsrealität.

In einer arbeitsteiligen Gesellschaft geben Künstler die Vermarktung ihrer Werke in die Hände von Verlagen, Galerien, Produzenten oder Verwertungsgesellschaften, wenn diese ihre Interessen bestmöglich vertreten und verteidigen. Die neuen Realitäten der Digitalisierung und des Internets sind kein Grund, den profanen Diebstahl geistigen Eigentums zu rechtfertigen oder gar seine Legalisierung zu fordern.
Im Gegenteil: Es gilt, den Schutz des Urheberrechts zu stärken und den heutigen Bedingungen des schnellen und massenhaften Zugangs zu den Produkten geistiger Arbeit anzupassen.

Das Urheberrecht ermöglicht, dass wir Künstler und Autoren von unserer Arbeit leben können und schützt uns alle, auch vor global agierenden Internetkonzernen, deren Geschäftsmodell die Entrechtung von Künstlern und Autoren in Kauf nimmt. Die alltägliche Präsenz und der Nutzen des Internets in unserem Leben kann keinen Diebstahl rechtfertigen und ist keine Entschuldigung für Gier oder Geiz.«

Vor diesem Hintergrund hat ein Artikel zu dieser Petition, mit dem Titel »Ich bin die Böse«, meine Aufmerksamkeit auf sich gezogen.

Mir ist bewusst, dass viele Leute ein bisschen geistiges Eigentum ›illegal‹ verbreiten, aber das meiste legal erwerben. Ich habe selbst einen (kleinen) Anteil von Musik in meiner Bibliothek, die ich von Freunden aufgespielt bekommen habe. Ich habe Schriften auf meiner Festplatte, für die ich keine Lizenz habe, auch wenn ich für meine Projekte nur legal erworbene nutze. Ich habe schon Software gecrackt, für die es kein Demo gab, um herauszufinden, ob es sich lohnt sie zu kaufen.

Ich glaube nicht, dass man päpstlicher als der Papst sein muss, und dass man ein Todsünder ist, wenn einmal Daten den Weg auf persönliche Festplatten finden, der nicht ganz den Vorstellungen des Urhebers entspricht. Ich bin aber dagegen, dass das ›sich einfach Bedienen‹ bei den Leistungen anderer, zu einem Quasi-Grundrecht erklärt wird. Das hat etwas mit Respekt zu tun. Respekt davor, dass jeder selbst bestimmen darf, unter welchen Bedingungen er die Früchte seiner Arbeit teilt. Bin ich mit diesen Bedingungen nicht einverstanden, gibt mir das nicht das Recht, mir die Früchte einfach zu nehmen.

Oft habe ich den Eindruck, der überwiegende Teil der privaten Anwender organisiert sich eine Software wie Photoshop irgendwie, obwohl die meisten schon der Ansicht sind, dass Urheber es verdienen für ihr Schaffen entlohnt zu werden. Es wird halt argumentiert, Adobe habe eh genug Geld und ihre Software sei ohnehin überteuert.

Allerdings entspricht das nicht meinen Moralvorstellungen (nennt nun ruhig mich böse und schimpft mich einen ›Gutmenschen‹ – ich kann das einstecken –, aber ich brauche meine Moral damit ich mir im Spiegel in die Augen sehen kann). Ich finde, jeder der etwas produziert, egal ob geistig, geistlos oder materiell, hat das recht selbst zu bestimmen, wie und zu welchem Preis er die Verbreitung erlaubt. Und wenn ich Photoshop zu teuer finde, dann ergibt sich für mich daraus nicht das Recht es mir einfach zu nehmen, sondern ich verzichte darauf und suche nach einer anderen Alternative. Ich höre jetzt schon wieder die »ja, aber«s. Aber Haltung hat für mich nichts mit »ja, aber« zu tun.

Wir brauchen mit Sicherheit ein neues Urheberrecht und eine zeitgemäße Regelung für die Verbreitung geistigen Eigentums, die das Internet nicht zum Stillstand bringt und von der nicht nur ›Große‹ profitieren.

Für mich ist der Schutz vor Kopie meiner Werke eine Frage des Einkommens und des Lebensunterhalts. Ich habe hunderte Stunden in ein Konzept investiert, das Fotografie verständlicher beschreiben soll, als ich es den mir bekannten Fotoschulen unterstelle. Dazu habe ich mir viele Illustrationen und Metaphern ausgedacht, um die Themen greifbar und leicht verständlich zu machen. Ich halte »Kreativ fotografieren« für eine von mir erdachte und erarbeitete Innovation. Ob ich damit jemals einen Umsatz erlange, der zu einem Stundenlohn führt, den die meisten Arbeitnehmer als akzeptabel erachten würden, ist ungewiss.

Auf File-Sharing-Servern ist das eBook wie gesagt verfügbar und es gibt offensichtlich auch eine Nachfrage von Leuten, die offensichtlich der Meinung sind, mein Werk sei seine 45 Euro nicht wert. Ich frage mich nur, weshalb sie dann Stunden investieren wollen, es zu lesen, wenn es keine 45 Mücken wert ist?

Mir kommt vor es fließe ein breiter Mainstream in der Meinung ›kopiert sei doch nicht geklaut‹. Jedenfalls wird oft argumentiert, der Besitzer eines Werks, das lediglich kopiert wurde, verfüge ja trotzdem weiterhin über sein Original. Nur, wenn mir durch Kopie, statt Verkauf, mein Einkommen weg bricht, dann hinterlässt das bei mir sehr wohl ein Loch in der Brieftasche. Wo ist dann der Unterschied, ob mir jemand mein Einkommen auf diese Art vorenthält, oder ob er in meine Brieftasche greift und mir Bares entwendet? Das Ergebnis ist für mich, als Urheber, dasselbe: Mir fehlt der Lohn meiner Leistung.

Gerade gestern habe ich in einem Zeitungsforum so argumentiert und die Antwort erhalten, dass ich ja das Original noch immer habe und es anderweitig verkaufen könne.

Ein Anderer argumentiert bezogen auf Musik, es habe eh jede mögliche Tonfolge bereits einmal gegeben und jemand der heute komponiert schaffe eh nur das, was vor ihm bereits da war. Dieser Logik folgend kann ich aber sein Haus marschieren und mit seinem Golf davonfahren, denn das Blech dazu war ja auch schon da, bevor VW ein Auto daraus gepresst hat. Mir unterstellt es, »Kreativ fotografieren« wäre kein originelles Werk, schließlich gab es die Wörter, die ich genutzt habe, schon vorher, und auch Fotografie war schon vorher dar.

Ich behaupte: Niemand schafft etwas aus dem Nichts. Aber ein Tischler, der aus gewachsenem Holz einen neuen Tisch formt hat es verdient fair dafür entlohnt zu werden.

Ehrlich gesagt bin ich es leid mit Leuten zu diskutieren, die solcher Kleinkinderlogik in ihrer Argumentation folgen folgen. Ernst nehmen kann ich das nicht. Und ernst genommen fühle ich mich in meinem Standpunkt damit auch nicht.

Noch schlimmer sind die Vorwürfe ich würde die Totalüberwachung des Internets und chinesische Zustände fordern, wenn ich das Kopieren von Werken entgegen den Bedingungen des Urhebers als Diebstahl bezeichne.

Bin bin auch gegen Gewalt, Raub, Mord, Totschlag und Vergewaltigung in den Straßen. Ich bin deshalb aber nicht für eine Überwachung öffentlicher Plätze, schon gar nicht gegen eine Totalüberwachung mit Videokameras. Ganz im Gegenteil: Ich bin strikt gegen eine solche Kontrolle.

Und nein: ich setze das Kopieren eines eBooks nicht mit Mord und Vergewaltigung gleich!

Ich bringe lediglich klar zum Ausdruck: Wenn ich mich an dem, was ein andere geschaffen hat, bediene, ohne mich an seine Bedingungen zu halten, dann ist das Diebstahl. Ich habe auch schon einen Apfel stibitzt und verurteile niemanden, der einmal eine Musik-DVD oder mein »Kreativ fotografieren« auf seine Festplatte kopiert, weil ein Freudn gerade mit diesem Datenmaterial vorbei marschiert. Doch dass ich beim pflücken eines Apfels aus Nachbars Garten einmal eine Auge zudrücken kann, bedeutet nicht, dass ich stehlen generell akzeptiere.

Es hat was mit Respekt zu tun. Und Haltung.

PS: Eine weitere Petition in diese Richtung findet ihr unter wir-sind-die-buerger.de. Diese gefällt mir vor allem deshalb, weil sie wichtige Punkte konkret anspricht und auf Konsens setzt. Etwas, was ich in der allgemeinen Diskussion immer mehr vermisse.

Dinge, die mir an DNG zu denken geben

Alles nur Interpretation | Dritthersteller, wie Adobe, Apple, Phase One oder Corel, müssen die RAW-Formate der Kamerahersteller im sogenannte Reverse Engineering erst analysieren und interpretieren, bevor sie sie mit ihren RAW-Convertern entwickeln können, denn die Kamerahersteller verraten die Rezepte für ihre RAW-Formate normalerweise nicht.

Diese Interpretationen mögen eventuell von Fall zu Fall besser sein, als die Entwicklungsrezepte jener, die das Original-RAW-Format, und die Kamera, zu der es gehört, entwickelt haben. Mir scheint aber die Wahrscheinlichkeit groß, dass der Koch der Ursprungssuppe – eben bei Canon, Nikon, Olympus, Sony & Co – doch mehr herausholt, als jene, die die Suppe bei Adobe, Apple und Corel nachzukochen versuchen.

Entwicklungsprogramme | Obwohl ich die Bilder keiner meiner Kameras mit der Software ihres Herstellers entwickle, schenke ich den Leuten durchaus Glauben, die behaupten mit der Original-Software mehr aus den Bildern herauszuholen, als mit Lightroom, Aperture & Co. Allerdings konnte ich mich mit dem Interface und der Arbeitsgeschwindigkeit von Nikons Capture NX2, das für mich als Nikon-Fotograf primär in Frage käme, bislang nicht anfreunden. Vor allem müsste ich mit der Nikon Software darauf verzichten auch Bilder von meiner Panasonic und meiner Oympus zu entwickeln. Außerdem habe ich schon mit Canon fotografiert und könnte mir eine Fuji vorstellen. Am Ende hätte ich fünf, sechs Entwicklungsprogramme. Nicht meine Vorstellung von Luxus.

Programmwechsel | Zwar habe ich auch meine RAW-Entwicklungs-Software schon gewechselt – von Aperture zu Lightroom, zurück zu Aperture und jetzt zu Capture One. Wechsel, die ich mit gutem Grund vollzogen habe. Der Wechsel von Lightroom zu Aperture erfolgte, weil ich mit Apertures Ergebnissen einfach zufriedener war. Ich hatte immer den Eindruck, dass ich in Aperture schneller zu besseren Ergebnissen komme, auch wenn das Programm langsamer und instabiler sein mag als Lightroom. Den selben Grund hatte es, dass ich Ende 2011 zu Capture One gewechselt habe: Die Ergebnisse sind noch einmal deutlich besser als in Aperture.

Abstriche bei der Qualität musste ich bei meinen Wechseln nie befürchten, da ich immer mit den eigentlichen Rohdaten aus der Kamera gearbeitet habe, und nie mit einer konvertierten Pseudo-Rohdatei, wie DNG.

Das Problem bei Wechseln der Entwicklungs-Software ist, dass man alle RAW-Bilder neu entwickeln muss, was einen unheimlichen Aufwand erfordert, wenn man auch alte Aufnahme mit der Qualität der neuen Software sehen will. Auch DNG bringt hier nicht den vielleicht zu erwartenden Benefit, dass Einstellungen, die man zuvor in Lightroom gemacht hat, von Aperture oder Capture One erkannt und übernommen werden. Dafür hat man mit den Original-Formaten der Kamerahersteller hingegen die absolute Gewissheit, dass man mit der neuen Software alles aus den ursprünglichen Rohdaten herausholen kann, was sie herauszuholen in der Lage ist.

Aber wie sieht es bei einem Umstieg von einem Programm zum anderen aus, wenn man DNG nutzt? Adobe behauptet immer bei der Umwandlung der proprietären RAW-Formate der Kamerahersteller nach DNG ginge keine Information verloren. Das können wir glauben oder auch nicht. Mag also sein, dass ein RAW-Bild durch die Umwandlung nicht schlechter wird. Besser kann die Rohdatei durch die Umwandlung allerdings mit Sicherheit nicht werden!

RAW von Hersteller A + DNG von Hersteller B + Entwicklung von Hersteller C ? Nun stelle ich mir vor, das bei der Konvertierung vom proprietären Format nach DNG eine Interpretation des Datenmaterials passieren muss. Und wenn man dieses DNG dann mit einer Software entwickelt, wird neuerlich interpretiert. Mag sein, dass beim Entwickeln von Adobe DNG mit Adobe Lightroom keine Qualitätseinbußen zu befürchten sind. Aber wie sieht es aus, wenn DNG mit Aperture, Capture One oder einem anderen RAW-Converter entwickelt wird?

Wird DNG besser ? Ich habe heute ein Video-Tutorial gesehen, bei dem der Trainer ein RAW-Bild in Adobe Camera Raw 6 zeigt und anschließend demonstriert um wie viel mehr Camera Raw 7 aus dem selben Bild herausholen kann. Da drängt sich bei mir die Frage auf, ob die aktuelle Version 1.3 von DNG mehr aus einem RAW herausholt als die ursprüngliche Version 1.0?

Kleinster gemeinsamer Nenner ? Als nächstes gibt mir zu denken, dass DNG ja viele verschiedene Dateiformate auf einen Nenner bringen muss. Der DNG Converter von Adobe verwandelt NEFs, CR2s, ORFs, ARWs und so weiter in DNG-Files. Klingt für mich nach kleinstem gemeinsamen Nenner und das wiederum klingt für mich nicht vertrauenserweckend.

No Future ? Adobe argumentiert für DNG, dass es noch lesbar sei, wenn Nikon, Canon und Sony ihre alten NEF-Formate längst aufgegeben haben. Doch wie wahrscheinlich ist das? Weshalb sollten sie das tun? Was sollte mich das kümmern, wenn ich Lightroom nutze? Weshalb sollte Lightroom in zehn Jahren ein RAW-Format nicht mehr unterstützen, das es heute unterstützt? Um den Nutzern, die nicht nach DNG konvertiert haben, eins auszuwischen? Weshalb sollte ich mir sicher sein, dass Adobe nicht irgendwann DNG einstellt? So, wie man GoLive und LiveMotion eingestellt und deren Nutzer im Regen stehen hat lassen?

Ich kann sogar von diesem seltsamen Vorkommen berichten: Vor einigen Monaten machte ich wieder einmal einen Lightroom-Test. Dabei habe ich alte DNG-Files importiert, die ich auch in Aperture entwickelt habe. Lightroom stellte diese Bilder nicht dar und vermerkte lediglich, dass es sie nicht interpretieren könne. DNGs, die Aperture anstandslos entwickelt werden, werden von Lightroom nicht erkannt!?

Wenn das Wörtchen ›wenn‹ nicht wär’ | Keine Frage: Ein Standardformat für RAW-Bilder wäre eine feine Sache. Wenn alle Kamerahersteller für alle Modelle ein einziges kompatibles Format nutzen würden, dieses Format von jeder RAW-Entwicklungs-Software gelesen und interpretiert werden könnte, und Einstellungen, die ich in Software A mache, von Software B erkannt und interpretiert würden. In einer perfekten Welt könnte man dann die Vorteile von Software A, mit den Stärken von Software B und Features von Software C nutzen um aus einem digitalen Negativ das perfekte digitale Positiv zu entwickeln. Allerdings wird es das niemals geben und das liegt nicht allein an marketing-strategischen Entscheidungen von Kamera- und Software-Herstellern.

Fazit | Ich kann mit keinem Beispiel belegen, dass eine meiner Aufnahmen durch DNG schlechter geworden wäre, als wenn ich es beim Original belassen hätte. Aber es gibt zu viele Zweifel, die ich mit dem Format verbinde, als dass ich ihm vertrauen würde. Und ich sehe den Grund nicht, weshalb ich Bilder nach DNG konvertieren soll.

Nachtrag, 13. Mai 2012

Peter Werner hat eine sehr lesenswerte Ergänzung zu diesem Artikel als Kommentar hinterlassen. Verweisen möchte ich außerdem auf die Beschreibung von DNG im deutschsprachigen Wikipedia.

Exotische Sensortypen | Peters Kommentar hat bei mir weiteres Nachdenken über DNG angeregt, wobei ich auf weitere Fragezeichen gestoßen bin. Laut Wikipedia unterstützt DNG derzeit die Art, wie Sigmas Kameras Pixel aufzeichnen, anordnen und speichern, nicht. Das dürfte auch für die, von Peter genannten, Sensoren in Fujis X-Pro 1 Kamera und der neuen Leica M9 M gelten. Sollte DNG diese Formate in Zukunft aufnehmen können, so muss dann aber auch die Anwendung, die die DNGs entwickelt, die exotische, ich nenne es jetzt einmal: »Pixel-Verteilung«, ebenfalls unterstützen und interpretieren können. DNG hin oder her. Drängt sich die Frage auf, ob es für diese Software dann einen Unterschied macht, ob sie das proprietäre Format von Sigma, Fuji oder Leica bekommt, oder das konvertierte DNG? Und in nächster Folge, ob es möglich wäre, dass die Software zwar die proprietäre Datei lesen kann, aber nicht darauf eingestellt ist, auch DNGs zu lesen, die diese »Pixel-Verteilung« nutzen.

Ich bleibe dabei: DNG liefert in meinen Augen mehr Fragen als Antworten.

Kompakt, Bridge-; System- oder Spiegelreflexkamera?

Das ist die eine Gretchenfrage bei der Entscheidung für ein Kamerasystem. Wer eine kleine Kamera zum bequemen Mitnehmen sucht ist bei Kompaktkamera am besten aufgehoben, muss aber auf das Spiel mit geringer Schärfentiefe – zum Beispiel um Personen in Porträts durch unscharfen Hintergrund freizustellen – verzichten und kann keine Objektive wechseln.

Wem kreative Möglichkeiten und Abbildungsleistungen einer Kompakten zu wenig sind, ergonomisches Handling und effiziente Bedienung wichtig, aber das Wechseln von Objektiven keine Bedingung ist, dem kann man empfehlen sich bei Bridge-Kameras umzusehen. Ein Kamerakonzept, das besonders für Leute die gerne Makro fotografieren, aber keinen absoluten Hight-End-Anspruch haben, perfekt sein kann.

Wer DSLRs zu groß findet, aber dennoch die Option zum Objektivwechsel haben möchte, für den gibt es heute mit Systemkameras eine Option. Die Qualität kann derzeit mit Einsteiger-Spiegelreflex mithalten. Eine Erweiterung der Systeme nach oben in semiprofessionelle Bereiche oder gar in die Profifotografie zeichnet sich derzeit hingegen noch bei keinem System ab. Das liegt weniger an den Kameras – Sony, mit der NEX7 und Olympus mit der OM-D E-M5 (schöner Name, gell?) dürften durchaus gehobenen Ansprüchen gerecht werden – als vielmehr am Angebot der Objektive. Zwar gibt es für fast alle Modelle Adapter um professionelle Optiken aus der Spiegelreflexwelt mit den Systemkameras zu verbinden, doch mir erschließt sich der Sinn nicht ganz, ein riesiges Objektiv an eine winzige Kamera anzuschließen.

Es kommt doch auf die Größe an!

Gewicht und Volumen | Wenn es um Abbildungsleistung und Flexibilität geht, nähme wohl jeder gerne alles was er kriegen kann. Doch für viele sind am Ende Preis, Volumen und Gewicht die Kriterien, die sie zu einem anderen Konzept führen, als zur Spiegelreflex – jenem System, bei dem man kaum Kompromisse bei Qualität und Anpassungsfähigkeit machen muss, so lange man sich nicht an Umfang und Gewicht der Ausrüstung stößt und mit den Preisen leben kann. Es fordern halt auch kompromisslose Entscheidungen ihren Kompromiss; in diesem Fall den Kompromiss tiefer in die Tasche zu greifen und mehr mit sich rum zu tragen.

Sensorformat | Es geht also um die Größe! Und das nicht nur beim Volumen des Kameragehäuses. Neben dessen Größe ist das Format des Aufnahmesensors das zweite wesentliche Kriterium bei der Entscheidung für ein System und ein Modell.

Der Bildsensor ist so etwas wie der Film einer Analogkamera. Er ist das Aufnahmemedium einer Digitalkamera. Hier der Sensor einer Nikon D7000.

Neben der Frage nach der Gehäusegröße und der Sensorgröße werden alle anderen Fragen sekundär! Große Gehäuse sind gut fürs Handling, schlecht zum mitschleppen. Große Aufnahmesensoren erlauben geringe Schärfentiefe und sind gut um Objekte durch unscharfen Hintergrund zu isolieren. Kleine Sensoren erlauben kleinere Gehäuse und haben Vorteile im Makrobereich.

Kompakt- und Birdge-Kameras haben so gut wie immer kleine Aufnahmesensoren, die mehr oder weniger deutlich kleiner sind, als 8×6mm. Systemkameras haben kleine Sensorformate zwischen 6,16×4,62mm (Pentax Q) und 13,2×8,8mm (Nikon 1), oder mittelgroße Formate, wie 17,3×13mm (Olympus und Panasonic) und 24×16mm (Pentax K-01, Sony NEX und Samsung).

Digitale Spiegelreflexkamera (DSLR)

Spiegelreflexkamera haben allesamt mittelgroße bis große Bildsensoren. Angefangen bei den mittelgroßen Sensorformaten von FourThirds (17,3×13mm; Olympus), Sigma Foveon (20,7×13,8mm), Canon APS-C (22,2×14,8mm) und General APS-C (knapp 24×16mm; Nikon, Sony und Pentax) bis hin zu den großen Sensorformaten Canon APS-H (27,9×18,6mm) und Vollformat (24×36mm).

Keine Frage der Gehäusegröße

Wer sich für die Kategorie Kompakt- oder Systemkamera entscheidet kann zwischen großen und kleinen Modellen in verschiedenen Preisklassen wählen. Bei Spiegelreflexkameras gibt es diese Wahlmöglichkeit so nicht. Hier fällt die Wahl für eine Gehäusegröße parallel zur Wahl der Preisklasse. Preiswerte Einsteigermodelle sind kleiner und leichter. Je höher der Anspruch (und der Preis) ausfällt, desto größer und schwerer werden die Modelle.

Olympus

Definitiv kleiner, als bei der Konkurrenz, sind die FourThirds DSLRs aus dem Hause Olympus. Hier sind auch Modelle erhältlich, die semiprofessionellen und professionellen Ansprüchen gerecht werden und dennoch relativ kompakt ausfallen.

Eine schöne Kamera, die Olympus E-5, finde ich. Olympus war Pionier in Sachen LiveView bei DSLR. Die, in die Kamera integrierte Bildstabilisierung, genießt einen guten Ruf. Ebenso Olympus’ Zuiko Objektive.

Doch die kompakten Gehäuse erreicht Olympus nur dadurch, dass man den kleinsten Aufnahmesensor im gesamten Mitbewerberfeld verwendet. Das hat zwar in spezifischen Bereich, wie der Makrofotografie, Vorteile, insgesamt aber wohl deutlich mehr Nachteile: Schlechteres Rauschverhalten und eingeschränkterer Spielraum mit Schärfentiefe. Olympus bezeichnet sein, zusammen mit Panasonic entwickeltes Sensorformat mit 17,3×, als ‘FourThirds’.

FourThirds | Ich persönlich bin nach einem Jahr Erfahrung mit einer Lumix G3 Systemkamera etwas enttäuscht vom FourThirds-Standard. 17,3×13mm ist für viele Situationen einfach zu klein um wirklich schön mit kurzer Schärfentiefe gestalten zu können. Bei viel zu vielen Motiven stößt man an Grenzen, die es einem nicht erlauben durch unscharfen Hintergrund für einen schönen Freisteller zu sorgen. Zu allem Überfluss glänzt das Angebot an verfügbaren Micro-FourThirds–Objektiven nicht unbedingt durch Lichtstärke, was den Spielraum mit Schärfentiefe noch weiter einschränkt. Auch bei Objektiven für den normalen FourThirds Standard – und damit für die Olympus DSLRs – sieht es diesbezüglich nicht viel besser aus.

Ich will die Spiegelreflexkameras von Olympus nicht schlecht schreiben – dazu ist mir die Marke zu sympathisch. In Sachen Qualität und Technik mag man mit der Konkurrenz auch auf Augenhöhe liegen. Wer vor allem Wert auf eine kompakte DSLR legt oder in erster Linie Makro fotografiert, der mag damit eine gute Wahl treffen. Doch wer andere Prioritäten hat wird wohl mit einer anderen Marke glücklicher werden. Und wer vor allem Wert auf Kompaktheit legt, findet bei Systemkameras wahrscheinlich sogar die bessere Alternative.

Crop und Vollformat

Vollformat ist das vom Kleinbildfilm übernommene Format von 36×24mm. Es stellt in der digitalen Spiegelreflexfotografie heute quasi das Maß der Dinge dar. Alles was kleiner als Kleinbild ist, und somit nur einen mehr oder weniger kleinen Ausschnitt aus 36×24mm abdeckt, wird als Crop bezeichnet, was man mit ›Ausschnitt‹, ›Anschnitt‹ oder ›Beschnitt‹ übersetzen kann.

Crop für Einsteiger, Vollformat für Profis | Da der Aufnahmesensor nach wie vor noch zu den kostspieligsten Elementen einer Digitalkamera gehört und gilt, je größer desto teurer, werden Consumer-Kameras in der Regel mit Sensoren in einem Crop-Format ausgestattet und Profi-Kameras meist mit Vollformat-Sensoren. Allerdings gibt es von dieser Regel doch relativ viele Ausnahmen.

Pentax

Grundsätzlich gibt es gar nicht so viele Hersteller, die heute Spiegelreflexkameras bauen und anbieten: Canon, Nikon, Olympus, Pentax, Sigma und Sony. Von diesen sechs Herstellern haben lediglich drei Kameras mit Vollformat im Programm: Canon, Nikon und Sony.

Olympus wurde bereits als Ausnahme genannt, die auch bei Kameras für professionelle Fotografen ihre FourThirds-Sensoren verbauen. Eine andere Ausnahme ist Pentax. Pentax’ DSLR-Programm ist durchgehend mit Bildsensoren im sogenannten APS-C-Format von etwa 24×16 ausgestattet – auch die Modelle für ambitionierte Fotografen.

Technisch auf Höhe der Zeit: die K-5 von Pentax. Was sie von ihren Mitbewerbern abhebt ist eine Abdichtung gegen Staub und Feuchtigkeit, die für diesen Preis bei Mitbewerbern nicht zu finden ist. Somit könnte sie der ideale Begleiter für Outdoor-Fotografen sein.

Pentax gehört zu den seit Jahrzehnten bekannten Herstellern von Spiegelreflexkameras. Sowohl Kameras als auch Objektive aus diesem Hause genießen einen guten Ruf. Wer einfach eine Spiegelreflexkamera mit ein paar Objektiven sucht, dabei Wert auf eine Outdoor-taugliche Abdichtung legt, aber keine Ambitionen hat, dieses System langfristig vielleicht bis in die Oberliga auszubauen, macht mit Pentax sicher keinen Fehler. Man muss sich aber eben auch bewusst sein, dass ein Aufstieg in Klassen, wie sie Canon, Nikon und Sony anbieten, derzeit nicht möglich ist.

Sigma

Ich möchte Pentax nicht als Exoten bezeichnen. Ein DSLR-Anbieter, dem man dieses Etikett vielleicht eher anheften kann, ist Sigma. Sigma ist vor allem bekannt für die Herstellung von Objektiven für die etablierten Kamerahersteller, wie Canon, Nikon, Sony und inzwischen auch für den FourThirds-Standard.

Derzeit hat Sigma zwei Spiegelreflexkameras im Angebot, von der mir persönlich allerdings nur die neue SD1 Merrill tatsächlich interessant erscheint.

Sigma SD1 Merrill. Eine exotische Kamera mit besonderen Eigenschaften.

Sigma hat mit diesem Modell sicher viele Kunden verärgert, vor allem jene, die vor nicht allzulanger Zeit die SD1 um den Einführungspreis von 7000 Euro gekauft haben. Das aktuelle Modell ist nun zu einem Straßenpreis von unter 2000 Euro zu haben. Zwar bietet Sigma den frühen Käufern Warengutscheine um 4000 Euro als Entschädigung an. Befremdlich bleibt es allemal.

Das ändert aber nichts daran, dass die SD1 sicher eine hervorragende Kamera mit absolut professionellem Anspruch ist. Ohne, dass ich eine Sigma DSLR bislang live testen konnte, hört man von vielen Seiten gutes über die exzellente Abbildungsqualität.

Sigma behauptet, die SD1 habe 46 Megapixel Sensorauflösung. Je nachdem, wie man die Auflösung berechnet, ist das auch korrekt. Der Foveon Sensor, im Format von 20,7×13,8mm, trägt diese 46 Megapixel in drei Schichten hintereinander. Das heißt von oben betrachtet liegen 12 Megapixel auf dem Sensor. Doch mal der drei Schichten ergeben sich rechnerisch eben 46 Megapixel. Ich gehe davon aus, dass Sigma damit nicht die Detailschärfe einer Nikon D800 mit 36 Megapixel erreicht, doch laut dem was man hört und liest, erreicht Sigma damit doch detailreichere Abbildungen, als andere Hersteller mit gewöhnlichen Sensoren und 12 Megapixel.

Das Sensorformat der Sigma SD1 liegt zwischen FourThirds und APS-C. Der Sensor ist also bei diesem Profi-Modell kleiner, als bei Pentax, Nikon, Canon und Sony bei Consumer-Modellen. Die Nachteile, die das bezüglich Spiel mit der Schärfentiefe haben könnte, dürfte sich bei Sigma sehr wahrscheinlich gut durch Lichtstarke Objektive ausgleichen lassen, von denen man doch einige im Programm hat. Immerhin besteht ein Angebot von 44 Objektiven für Sigma Kameras.

Sony

Sony spielt im Match um die Marktführerschaft im DSLR-Bereich lediglich die dritte Geige. Vor allem bei ambitionierten Hobby- und Profifotografen mag man bislang nicht so recht Boden gewinnen. Dabei stellt Sony die Aufnahmesensoren unter anderem für Nikon her. Außerdem hat man mit den sogenannten SLT-Modellen ein Konzept im Regal, das es bei keinem anderen Hersteller gibt. Dieses System verbindet die Vorteile von System- und Spiegelreflexkameras. Es verzichtet auf einen mechanischen Spiegel, nutzt einen elektronischen Sucher, erreicht aber dennoch die Auslösegeschwindigkeit von DSLRs. Etwas, was Systemkameras derzeit noch nicht in jeder Situation so ganz zu schaffen scheinen.

SLT-Kameras von Sony, sind sowas, wie Spiegelreflexkameras ohne Spiegel.

Von allen Herstellern dürfte Sony wohl das breiteste Angebot an DSLR-Kameramodellen im Sortiment haben. Ob das gut ist, wage ich zu bezweifeln, denn es trägt wahrscheinlich nur zur Verwirrung bei.

Crop oder Vollformat?

Wer sich für eine DSLR-Kamera von Sony, Nikon oder Canon entscheidet, muss sich für Crop- oder Vollformat entscheiden. Bei Sony und Nikon heißt das APS-C mit ≈24×16mm für Crop (Vollformat ist immer 36×24mm). Das ist aber gleichzeitig auch eine Entscheidung für eine Preisklasse.

Crop-Kameras | Einseigen kann man in die Welt der Spiegelreflexfotografie ab etwa 400 Euro für ein Kameragehäuse. Meist werden diese Gehäuse im Set mit einem preiswerten Objektiv angeboten und dann darf man ab etwa 500 Euro kalkulieren. Allerdings rate ich immer dazu nicht das billigste Paket mit dem billigsten Objektiv zu nehmen. Diese Billigpakete haben in der Regel Zoomobjektive mit etwa 18–55mm. Legt man 100–150 Euro drauf, bekommt man ein flexibleres Zoom mit etwa 18–105mm oder 18–135mm. Damit dürften die meisten Einsteiger etwas mehr Freude am Fotografieren haben.

Doch nicht nur Modelle für Ein- und Aufsteiger nutzen Aufnahmesensoren, die kleiner sind als Vollbild. Auch Modelle, die sich an Profis richten, sind mit einem solchen kleineren Sensor am Markt (ab hier beschränke ich meine Betrachtungen auf das Sortiment von Canon und Nikon, weil ich darüber eher den Überblick habe, als bei Sony).

Das Topmodell im Consumer-Segment bei Nikon: Die D7000. Trotz des Crop-Sensors findet sie durchaus auch bei Profis Einsatz.

Canon EOS 1D Mark IV. Die Profikamera ist zu einem Einstiegspreis von über 4500 Euro auf den Markt gekommen. Sie hat keinen (!) Vollformatsensor, sondern einen sogeannten APS-H mit 27,9×18,6mm. Trotzdem meinen viele Experten, dass Canon mit diesem Modell eine praxistauglichere Kamera liefert, als Nikon mit den neuen Modellen D4 und D800 – letztere beide mit Vollformat.

Wer sich für eine Ein- oder Aufsteigerkamera interessiert und sicher ist, niemals den Aufstieg in die professionelle, oder semiprofessionelle Fotografie, zu unternehmen, der ist mit Kameras mit Crop-Sensor bestens bedient. Anders sieht es aber aus, wenn man mit einer späteren Anschaffung einer Vollformat-Kamera liebäugelt. Denn dann muss man beim Kauf der Objektive beachten, dass diese auch Vollbildtauglich sind.

Objektive, die für kleinere Sensoren konstruiert werden, decken nicht den kompletten Umfang des Vollformats ab. Bei Nikon tragen diese Objektive das Kürzel DX im Namen. Sie lassen sich zwar an Kameras mit Vollbildsensor anbringen, decken dann aber nur eine geringere Auflösung ab, zum Beispiel nur 5 von 12 Megapixel. Ich gehe davon aus, dass das bei Sony und Canon nicht viel anders ist.

Umgekehrt hingegen funktioniert die Kompatibilität ohne Einschränkungen: Ein Objektiv für Vollformat kann an einer Crop-Kamera voll genutzt werden. Wer also eine Crop-Kamera kauft und plant früher oder später aufzusteigen, der sollte darauf achten in erster Linie Objektive einzukaufen, die er auch am Vollbild nutzen kann – sofern er nicht den ganzen Objektivpark später austauschen will.

Muss es unbedingt Vollformat sein? Manchmal gewinne ich den Eindruck, viele Fotografen glaubten, alles unter Vollformat sei eines Profis nicht würdig. Canon sieht das offensichtlich anders, wie der Konzern mit der 1D Mark IV beweist. Ich sehe es ebenfalls anders.

Zwar nutze ich heute eine Nikon D700 mit Vollformatsensor. Aber das liegt vor allem daran, dass ich ein Buch über dieser Kamera geschrieben habe. Wäre das nicht der Fall würde ich mit Sicherheit weiterhin eine Kamera mit Crop-Sensor benutzen – bei Nikon Modelle mit der Bezeichnung DX.

Würde ich gerade jetzt eine Kamera brauchen und ich hätte nicht schon einige Vollformat-Objektive, dann fiele meine Wahl wahrscheinlich auf die D7000 oder D300S.

Natürlich gilt auch bei der Frage APS-C-Crop oder Vollformat, dass das Vollformat mehr Spielraum in der Gestaltung der Schärfentiefe bietet – jedenfalls so lange man nicht Makro fotografiert. Aber das Angebot lichtstarker Objektive ist bei Canon, Nikon und wohl auch Sony dermaßen groß, dass die Frage Crop oder Vollformat diesbezüglich eine zu vernachlässigende Rolle spielt. Auch sind die neuen Sensoren in APS-C mittlerweile so gut, dass das Problem des Bildrauschens ebenfalls zu vernachlässigen ist. Das hat mir jedenfalls die D7000 gezeigt.

Um das letzte Quäntchen an qualitativem Vorsprung von Vollformatsensoren wirklich komplett ausschöpfen zu können – zumal wenn die Auflösung so gigantisch ist, wie bei der Nikon D800 – braucht es auch exzellente Objektive, die für diese hohe Qualität optimiert sind. Da muss man zum Kameragehäuse, die für Vollformat aktuell ab etwa 2000 Euro zu haben ist, in der Regel je Objektiv ab etwa 1000 Euro budgetieren. Preiswertere Optiken im dreistelligen Bereich sind für Vollformat eher die Ausnahme, als die Regel.

Das Angebot an preiswerten Objektiven für Crop-Kameras hingegen ist breit und nur wenige dürften die 1000-Euro-Schallmauer deutlich durchbrechen. Dabei hinkt die Abbildungsqualität, die diese Objektive leisten, den Vollformat-Optiken in dem meisten Fällen gar nicht so sehr hinterher. Vielmehr sind es die verwendeten Materialien und die Qualität der Abdichtung, die den Mehrpreis maßgeblich ausmachen. Wer darauf trotz Crop-Kamera nicht verzichten will, kann zusätzlich auch Vollformat-Objektive voll nutzen. Das heißt Crop-Kamerabesitzer blicken auf ein viel breiteres Angebot an Optiken.

Der Preis der Professionalität | Kameras für anspruchsvolle Amateurfotografen, wie die Nikon D7000 oder die Canon 7D, erreichen heute mit passenden Optiken wohl etwa 90% der Abbildungsqualität professioneller Vollbildausrüstung. Wer damit keine guten Bilder her bringt, sollte fotografieren lernen, nicht mit der Anschaffung einer teureren Kamera liebäugeln. Ob es einen Wert hat das doppelte und dreifache für die letzten zehn Prozent zusätzlicher Abbildungsqualität auf den Ladentisch zu blättern, muss jeder Fotograf mit sich selbst ausmachen.

Ich will damit nicht andeuten, dass die Kamerahersteller für zehn Prozent mehr Qualität 200 und 300 Prozent mehr Geld einstecken. Doch der Mehrwert professioneller Geräte liegt eben nicht in erster Linie in der besseren Abbildungsqualität, sondern vor allem in besseren Materialien, besserer Abdichtung, soliderer Verarbeitung usw. So wird zum Beispiel für die Verschlüsse von Consumer-Kameras in der Regel eine Garantie von 100.000 bis 150.000 Aufnahmen gegeben. Bei professionellen Kameras sollte die Garantie eher bei 300.000 bis 400.000 liegen. Außerdem bieten Profikameras deutlich mehr Funktionen und viele davon müssen nicht wie bei Consumer-Kameras über Menüs aufgerufen werden, sondern es gibt für alle wichtigen Einstellungen am Gehäuse einen Knopf, mit dem man ihn schnell und blind erreichen kann. Mir zum Beispiel würde an Nikons D7000 vor allem ein AF-On-Button fehlen – in allen anderen Belangen wäre mir diese Kamera absolut genug.

Welche Kamera soll es nun sein?

Wer eine Spiegelreflexkamera kauft, kann nicht viel falsch machen. Ich glaube nicht, dass es derzeit ein wirklich schlechtes Gerät auf dem Markt ist, dass sein Geld absolut nicht wert ist. Das unterscheidet Spiegelreflexkameras von Kompaktkameras, wo es zwischen ein paar sehr guten Geräten sicher einige Nieten gibt.

Die Marke ist sekundär | Auf keinen Fall sollte man sich als erstes für eine Marke entscheiden und dann in dessen Regalen nach einem Modell suchen. Wer neu einsteigen will sollte keinen Hersteller ausschließen. Sie kochen alle nur mit Wasser.

Nicht den Preis entscheiden lassen | Auch der Preis sollte nicht das Kernargument sein. Nur in selten Fällen führt der Kauf des billigsten Produkts zur langfristigen Liebe.

Schwierig ist es auch einen Preisvergleich zwischen Modellen verschiedener Hersteller anzustellen. Megapixel und Brennweite des Kit-Zoomobjektivs lassen nur selten Rückschlüsse über die tatsächliche Qualität einer Kamera zu. Und der billigere Preis eines Modells eines Herstellers als beim am ehesten vergleichbaren Modelle eines anderen, rührt vielleicht einfach daher, dass er bessere Materialien verwendet und mehr Detailfunktionen anbietet.

Vorsicht mit Tests und Tipps | Auch der Rat eines Fotografen ist mit Vorsicht zu genießen. Würdet ihr mich fragen, welche Kamera ich kaufen würde, dann kann ich nur sagen: Nikon. Ich habe eine Nikon gekauft und mich bewusst für die Marke entschieden. Was sollte ich also anderes sagen? Und das sollte eigentlich auch für jeden gelten, der sich für Canon, Pentax, Sony oder Olympus entschieden hat. Ich würde mich aber nicht darauf verlassen, dass einer von Ihnen recht mit seiner Entscheidung hatte und alle anderen Deppen sind (wenn dem so wäre, würde ich sagen, die Nikon-Fotografen haben recht ).

Doch jeder Fotograf hat andere Anforderungen und andere Vorlieben. Und diese Anforderungen führen dazu, sich für die eine oder die andere Marke zu entscheiden.

Lasst euren Bauch entscheiden | Vergesst also am besten all die Tests in Zeitschriften und im Internet. Informiert euch, aber lasst euch nicht zu sehr davon beeinflussen. Geht zu einem Händler, der möglichst viele Kameras von möglichst vielen Herstellern im Geschäft hat und nehmt die Geräte in die Hand. Schaut drauf, wie sich das Gerät in euren Händen anfühlt und ob sich euch die Bedienung einigermaßen Intuitiv erschließt. Vor kurzem sagte jemand zu mir Canon Apparate hätten eine bessere Menüführung. Aber fragt mich mal ob ich mit Canon zurecht komme? Ich bin Nikon gewöhnt! Also finde ich mich auf Anhieb mit praktisch jeder Nikon zurecht.

Wenn ihr schone mit Kompakt- oder Systemkamera fotografiert habt, dann habt ihr gewisse Erfahrungen. Die Bedienung einer Spiegelreflex sollte sich damit grundsätzlich erschließen und für die Grundfunktionen darf es keine großen Hindernisse geben.

Lasst vor allem eure Hand, euer Gefühl und eure Intuition beim Kamerakauf entscheiden. Das ist viel wichtiger, als Fakten auf Datenblättern, Testberichte und das, was Freunde sagen (und das, was ich schreibe). Falsch machen könnt ihr dabei nichts, denn schlechte Modelle gibt es, wie gesagt, derzeit wohl bei keinem Hersteller.

Doch auch wenn ihr euren Bauch entscheiden lässt habt ihr keine Gewährleistung, dass ein bestimmtes Modell oder eine bestimmte Marke doch nicht das richtige für euch ist. Dann muss man die Marke wechseln. Das ist zwar lästig und bedauerlich, aber was man tatsächlich genau braucht, erfährt man leider immer erst, wenn man eine gewisse Zeit mit einem Gerät arbeitet. Durch diese Schule – die manchmal auch teuer sein kann – mussten und müssen wir leider alle durch.

Fazit

Niemand kann euch die Frage »Welche Kamera soll ich kaufen?« konkret mit einem bestimmten Modell beantworten. Wer das tut, ist ein Schelm, hat keine Ahnung, oder hat nicht lange genug nachgedacht.

Bestimmt keinen Fehler macht man mit Canon und Nikon. Die Frage welcher der beiden besser ist, ist so sinnvoll, wie die Frage ob Audi oder BMW besser ist. Geschmacksache!

Hobbyfotografen machen sicher auch mit Sony keinen Fehler. Im professionellen Bereich konnte sich Sony bislang aber noch kaum etablieren. Ob das auch an den Kameras liegt, mag ich nicht beurteilen. Schlecht sind sie sicher nicht.

Als Outdoor-Fotograf bekommt man bei Pentax die am besten abgedichtete Kamera für den kleinsten Preis. Wer nicht plant seine Ausrüstung in die Breite und nach oben stark auszubauen, macht auch hier keinen Fehler. Das Angebot an Kameramodellen und Objektiven ist hier aber deutlich beschränkter, als bei den Platzhirschen Canon und Nikon – mit denen kann aber auch Sony nicht mithalten.

Olympus DSLRs kann ich nach meinen Erfahrungen mit Micro FourThirds Systemkameras nicht mehr so recht empfehlen. Wer doch mit dem Gedanken spielt, sollte sich gut anschauen, ob der die Obektive findet, die seine Anforderungen an ein Spiel mit Schärfentiefe erfüllen und ob das Rauschverhalten ausreichend ist. Lediglich im Bereich Makro ist Olympus heute noch eine ernstzunehmende Option, da die lange Schärfentiefe des relativ kleinen Sensors hier zum Vorteil gegenüber größeren Sensoren wird.

Wer kompromisslose Abbildungsqualität sucht und kein Problem mit einem Exoten hat, für den kann auch Sigma eine Option sein (allerdings glaube ich, dass die Zielgruppe der Sigma SD1 so erfahren ist, dass sie die Erläuterungen dieses Artikels kaum mehr brauchen – die Zielgruppe dieses Artikels ist doch eher der ambitionierte Einsteiger und Aufsteiger). Bei Sigma würde ich mir persönlich etwas Sorgen machen ob Sigma den Markt tatsächlich langfristig mit Kameras bedienen wird. Sollte es einmal keine Sigma DSLR mehr geben bleibt man natürlich auf seinen Objektiven sitzen.

So. Nun hoffe ich, dass meine Artikelserie zur Orientierung beim Kamerakauf nicht zu komplex und auch nicht zu langatmig geworden ist, und dass ich euch – die ihr bis hierher gelesen habt – geholfen habe etwas klarer zu sehen, was für ein Kamerakonzept das passende für euch ist, und dass ihr auch mit den Verweisen zu verschiedenen Herstellern und Modellen etwas anfangen könnt. Hätte ich gewusst, wie viel Arbeit es wird, einen solchen Überblick zu schreiben, hätte ich wohl nicht damit begonnen.

Wenn ihr Feedback oder Ergänzungen dazu habt, bitte ich euch einfach zu kommentieren. Auch eure Erfahrungsberichte (auch mit Links zu euren eigenen Blogs) kann den Lesern helfen sich besser zu orientieren.

Viel Spaß beim Fotografieren!

Diesem Artikel gingen bereits ein paar Teile voraus, in denen ich ein paar essenzielle Grundgedanken zum Kamerakauf skizziert, über Megapixel und so philosophiert, Kompaktkameras und etwas exzentrischere Kompaktkameras, sowie Bridge-Kameras vorgestellt habe. Zweck und Ziel der langen Geschichte ist es, dem angehenden Kamerakäufer und -aufsteiger eine Orientierung zu bieten, was es für unterschiedliche Konzepte gibt, wo die Vor- und Nachteile der verschiedenen Konzepte liegen, und bei welchen Herstellern man was für Kameras finden kann.

Meine Kameras | Die Serie ist absolut kein Vergleichstest in irgendeiner Form, sondern soll lediglich eine Basis zum Überblick bilden, auf der sich der Leser dann weiter zu den verschiedenen Marken und Modellen orientieren kann. Ich fotografiere selbst mit einer Nikon D700 – mittlerweile ein Auslaufmodell – und einer Panasonic Lumix G3, über die ich auch schon einmal einen ausführlicheren Artikel geschrieben habe.

Des Weiteren hatte ich über einige Zeit das Vergnügen mit der Canon Powershot S95 (Bericht) und der Canon Powershot G12 (Bericht) arbeiten zu können – dazu gibt es ein unveröffentlichtes Buch, das ich dem interessierten Leser gerne via Anfrage als PDF zusende.

Über diese vier Kameras kann ich aus intensiver, persönlicher Erfahrung berichten. Das heißt, mit 90% der Kameras, die ich in dieser Serie erwähne, habe ich keine persönliche Erfahrung und kann nur das wiedergeben, was ich aus Artikel, Blogs, Zeitschriften und Berichten von Kollegen in Erfahrung gebracht habe. Wer also eine der hier erwähnten Apparate interessant findet, sollte auf jeden Fall noch etwas weiter nach Meinungen und Tests recherchieren.

Systemkameras

Auch wenn man aus Kompaktkameras heute viel herausholen können und Bridge-Kameras sehr gute Qualität liefern – das Maß der Dinge in der Fotografie stellen nach wie vor die sogennannten Spiegelreflexkameras da (abgesehen vom professionellen High-End-Bereich, in dem sogenannte Mittelformatkameras eine große Rolle spielen). Doch seit ein paar Jahren haben diese Modelle kräftige Konkurrenz von den sogenannten Systemkameras bekommen.

Be Evil | Als Systemkameras werden landläufig digitale Fotoapparate bezeichnet, bei denen sich die Objektive – im Gegensatz zur Kompakt- und Bridge-Kamera – wechseln lassen, die aber nicht über einen analogen Sucher verfügen, der den Blick über einen Spiegel durch das Objektiv ermöglichen. Oft wird statt dessen auch von EVIL gesprochen, was für ‘Electronic Viewfinder, Interchangeable Lens’ steht; also ›elektronischer Sucher + Wechselobjektive‹.

Die Stärken von EVIL | Durch Verzicht auf einen mechanischen Spiegel, der den Bildsensor komplett abdecken muss und Platz zum Hochschwingen braucht, lassen sich Systemkameras kompakter bauen, als Spiegelreflexkameras. Manche Modelle sind deshalb kaum größer als eine Kompaktkamera, beherbergen jedoch einen Bildsensor, der das Format der Sensoren gängiger DSLRs für Einsteiger und Semiprofis hat.

Durch den Verzicht auf einen Spiegel entfällt das Geräusch, das dieser beim Hochklappen in der Regel macht und bei DSLRs durch ein deutliches ›Klack‹ zu hören ist. Gleichzeitig entfällt die minimale Erschütterung beim Auslösen und die Kameras können für Extremfällen etwas ruhiger Auslösen. Spiegelreflexkameras für den etwas gehobeneren Anspruch bieten für diese Fälle allerdings eine sogenannte Spiegelvorauslösung an, um beim Fotografieren vom Stativ diese Erschütterung ebenfalls zu vermeiden. Zusätzlich führt das Weglassen des Spiegels auch dazu, dass Systemkameras etwas leiser auslösen, auch wenn die meisten mit einem mechanischen Verschluss ausgestattet sind, der sehr wohl zu vernehmen ist.

Als die besondere Stärke von Systemkameras würde ich aktuell hervorheben, dass die Modelle oft annähernd so handlich sind, wie Kompaktkameras (was allerdings nicht immer ein Vorteil sein muss; siehe ersten Artikel der Serie), aber gleichzeitig die kreativen Vorzüge in der Bildgestaltung einer Spiegelreflexkamera mit mittelgroßem Sensor mitbringen, und auch das einhergehende bessere Qualitäts- und Rauschverhalten.

Nachteile von EVIL | Wo Licht ist, ist natürlich auch Schatten. Der in meinen Augen am meisten herausstechende Nachteil ist das mangelnde Angebot an qualitativ hochwertigen und lichtstarken Objektiven. Besonders bei den Modellen von Olympus, Panasonic, Nikon und der Q-Serie von Pentax, bieten die doch, im Vergleich zu den meisten Spiegelreflex-Modellen, relativ kleinen Sensoren in Kombination mit relativ lichtschwachen Objektiven nur wenig mehr Spielraum mit Schärfentiefe zu spielen, wie Kompaktkameras. Auf jeden Fall hat man weder das Angebot, noch die kreativen Möglichkeiten, wie bei Spiegelreflex-Systemen von Canon und Nikon.

Marken und Modelle

Panasonic mit Lumix

Eigentlich dachte ich ja Olympus wäre der erste Player mit einer EVIL am Markt gewesen. Doch bei meinen Recherchen zu diesem Bericht habe ich gelesen, dass tatsächlich Panasonic eine erste Spiegellose Lumix mit Wechselobjektiven im Handel war. Wie bereits eingangs erwähnt nutze ich selbst auch eine Lumix, und zwar die G3, als immer-dabei-Kamera. Diese Kamera sieht zwar aus wie eine Spiegelreflex; man würde aber nicht blauen wie kompakt sie ist, bevor man sie nicht in Händen hielt. Kompakt heißt bei der G3 allerdings doch ordentlich größer, als bei einer echten Kompakten. Technisch betrachtet lässt die G3 kaum Wünsche offen. Fast scheint es schon zu viel der Einstellungsmöglichkeiten zu geben. Sehr positiv auf die Bildgestaltung aus ungewöhnlichen Perspektiven wirkt sich das Klapp- und Dreh-Display aus. Lustig ist auch, dass sich die Kamera via Touch-Display bedienen lässt, also ähnliche wie ein Smart Phone. Diese Art der Bedienung scheint bei Systemkameras zunehmend zum Standard zu werden. Dabei lässt sich bei vielen Modellen einstellen, dass man auf einen Punkt des Motivs am Display tippt, die Kamera auf diesen Punkt scharf stellt und dann gleich auslöst. Allerdings muss ich bei der G3 einschränken, dass die Fokussierung zu langsam läuft, als dass dabei bei nicht ganz ruhigen Motiven so richtig Freude aufkommen könnte. Die G3 macht beim ersten in die Hand nehmen einen durch und durch soliden Eindruck. Doch bei näherem Hinsehen wirken die Schalter und Drehräder etwas billig und vor allem auch klein und dicht aufeinander. Vielleicht mag es daran liegen, dass ich mit der G3 rundum zufrieden bin, trotzdem aber keine rechte Liebe aufkommen will. Ich habe einfach das Gefühl der Kamera fehlt die Seele – was nun natürlich das exakte Gegenteil einer objektiven Meinungsäußerung ist. Die oben abgebildete Lumix DMC-GX1X (vielleicht liegt es auch an diesen hässlichen Namen, dass ich mich nicht so recht in Panasonics Kameras verlieben kann) ist ein kompakteres Modell, das auf den elektronischen Sucher (den ich an der G3 sehr mag) und das Klapp-Display verzichtet. Ich hatte vor längerer Zeit eine ältere Schwester, die DMC-GX1, in der Hand, die recht schick finde und deren Format mich ansprach. Doch irgendwie mochte ich nicht, was ich in der Hand hatte. Es war irgendwie die Haptik der Oberfläche, oder ich weiß nicht was. Auch das wieder eine völlig subjektive Meinung. Nehmt die Kamera ruhig einmal selbst in die Hand, wenn sie euch gefällt. Es könnte euch ja durchaus anders gehen als mir. Gemeinsam mit der G3 habe ich auch das Standard-Zoomobjektiv Lumix G Vario 14-42 mm F 3,5-5,6 eingekauft. Ein schreckliches Objektiv. Es hat zwar gute Kritiken für die Bildqualität erhalten, macht aber seltsame Geräusche beim Zoomen und fühlt sich an wie eine Dreingabe zu den Ypps-Heft meiner Kindheit. Statt dessen verwende ich von Beginn an das LUMIX G 20mm F1.7. Eine Festbrennweite, die sich ordentlich anfühlt und mit einem angenehm gleitenden, aber mit dem notwendigen Widerstand ausgestatteten Ring zur Einstellung der Schärfe versehen ist. Manuelles Schaustellen macht damit richtig Spaß. Das Duo G3 und 20mm ƒ1.7 hat mich auf meiner letzten Rundfahrt im Cabrio durch Österreich begleitet. In einem Artikel über die Vorzüge einer Festbrennweite beziehe ich mich alleine auf diese Kombination und zeige einige Bilder.

Wer sich für Panasonic oder Olympus mit FourThirds-Sensor entscheidet, entscheidet sich für einen Vorteil, den es sonst nirgends gibt: Er kann jederzeit zwischen Kameras der beiden Hersteller wechseln, ohne seinen Objektivpark erneuern zu müssen. Bei Panasonic gefällt mir besonders dieses Lumix G X Vario PZ 14-42mm F3,5–5,6 Objektiv, ohne, dass ich allerdings etwas über seine optischen Qualitäten sagen könnte. Doch es macht das, was man aktuell von einer Systemkamera erwartet: Es macht das System kompakt. Die Auswahl an Objektiven ist beim Micro-FourThirds-System, im Verhältnis zu anderen EVIL-Systemen recht groß, da man nicht nur auf Objektive eines Herstellers zurück greifen kann, sondern kompatible Objektive bei zwei Herstellern findet und außerdem auch Sigma und Voigtländer für diesen Objektivanschluss produzieren. Außerdem lassen sich an Micro FourThirds auch Linsen, die für das DSLR-System FourThirds gemacht sind über einen Adapter anschließen.

Olympus Pen und OM-D

Wie sieht eine schöne Kamera aus? Richtig! So wie die Olympus Pen E-PL3. Und sie fühlt sich auch gut an. Die Haptik erzeugt bei mir eine Zuneigung, die ich bei der Lumix G3 nie verspürt habe (und wieder: absolut subjektiv). Leider fehlt ihr der elektronische Sucher. Dieser lässt sich zwar als Zubehör nach ordern, was allerdings einen etwas tieferen Griff ins Portemonnaie erfordert. Das Klappdisplay verzichtet auf die Touch-Funktion der G3 (und des Schwestermodells Pen E-P3), was ich allerdings verschmerzen könnte. Für meinen Geschmack hat die E-PL3 aber vor allem zu wenig Knöpfe und Räder. Ich vermute, dass sich da die G3 für einen versierten Fotografen vielseitiger und effizienter einsetzen lässt.

Eine äußerst verlockende Alternative, mit einem sicher äußerst sinnvollen Retro-Bedienkonzept, zeigt uns Olympus mit der neuen OM-D Reihe. Die Kamera ist kompatibel zur Pen-Reihe und verwendet dasselbe Micro FourThirds Anschlusssystem und bietet dadurch Zugriff auf eine breite Palette an Objektiven. Einzig das Problem eines mageren Angebots an wirklich Lichtstarken Objektiven bleibt, das beim relativ kleinen FourThirds Sensor in meinen Augen so dringend notwendig wäre. Ohne die OM-D live schon in Händen gehalten zu haben: Sie dürfte deutlich kleiner sein, als sie auf Fotos wirkt. Laut dem was ich gesehen habe, ist sie etwa so groß wie die Panasonic Lumix G3 und diese ist kompakt. Verlockend auch, dass das Gehäuse gut gegen Staub und Wasser abgeschirmt sein soll. Man fragt sich derzeit allerdings welche Objektive man wählen soll, die ebenfalls dem Abdichtungsstandard des OM-D Gehäuses entsprechen.

Das lichtstarke Objektiv für Micro FourThids gibt es übrigens doch und es kommt von Voigtländer. Mit einer Offenblende von ƒ0.95 ist es sogar besonders lichtstark und sollte trotz kompaktem Sensorformat ein ausreichendes Spiel mit der Schärfentiefe ermöglichen. Ein zweites soll bereits in Vorbereitung sein. Einzig: Der gewillte Käufer muss auch gewillt sein manuell zu fokussieren, den mit Autofokus ist es nach meinen Informationen Essig. Allerdings gehe ich davon aus, dass das der avisierten Klientel nicht unbedingt ein Dorn im Auge ist.

Sony NEX

Sony scheint es sehr gut verstanden zu haben sich mit ihren NEX-Modellen auf dem Markt der Systemkameras zu etablieren. Mit der abgebildeten NEX-7 haben sie offensichtlich auch die Herzen der ambitionierten Fotografen erobert. In einem Praxistest bei fotointern.ch ließ man die NEX-7 gar gegen Nikons damaliges Flaggschiff D3x antreten und die kleine Sony soll sich mehr als wacker geschlagen haben. Bei aller Skepsis gegenüber gigantischen Sensorauflösungen, scheint Sony seinen Job durchaus gut zu machen. Und dass Sony Sensoren bauen kann weiß man. Schließlich produzieren sie auch jene von Nikon und Nikon wird kaum jemand höchste Qualität bei Spiegelreflexkameras absprechen können. Meine eigene persönliche Erfahrung habe ich lediglich in ein paar Minuten mit einer NEX-3 gemacht. Keine großartige Erfahrung, muss ich sagen. Oder anders gesagt: Ich mochte sie nicht. Das Problem ist, dass Sony die Benennung vieler Einstellungen so gewählt hat, dass ein Einsteiger vielleicht verstehen kann, was damit gemeint sein könnte. Als ambitionierter Fotograf suchst du aber nach etablierten Fachbegriffen und die Sony NEX-3 verstehst du dann ganz einfach nicht. Außerdem … wie soll ich sagen … es fehlt ihr die Seele (Achtung: Subjektiv!) Was bei Sony sehr schwer zu verstehen ist: Weshalb baut an winzige Bodys, nur um den Fotografen dann riesige Objektive anzubieten. Man müsste meinen, es wäre möglich gute Objektive mit weniger Volumen zu konstruieren. Panasonic zeigt doch schließlich wie’s geht. Und noch ein Haken an den Objektiven: Wer keinen Adapter für Objektive verwenden will, um Objektive anzuschließen die nicht für NEX-Kameras konzipiert sind, wird nur wenig Qual bei der Wahl haben – das Angebot ist klein bis mager. Zurück zur NEX-7. Trotz meiner Vorbehalte Sonys NEX-Reihe gegenüber: Wer eine wirklich anspruchsvolle Systemkamera sucht, der sollte sich die NEX-7 wohl ansehen. Und bei Bedarf einen, der Adapter einkaufen, über die sich andere Objektivsysteme koppeln lassen.

Nikon

Lange mussten die Freunde von Nikon (zu denen ich mich ja auch zähle) auf eine Systemkamera ihrer Marke warten. Enttäuscht waren viele über das Ergebnis – ich nehme mich da nicht aus. Nikons Systemkamera-Serie Nikon 1 glänzt vor allem mit einem relativ kleinen Bildsensor – zwar größer, als bei Kompakten üblich, aber kleiner als FourThirds. Die Nikon 1 Reihe ist für mich deshalb keine Option. Zu wenig Spielraum mit Schärfentiefe und aktuell zu wenig Objektivauswahl. Allerdings entspreche ich auch nicht der deklarierten Zielgruppe der Nikon 1. Deshalb gibt es an den Kameras auch kaum meine geliebten Knöpfe und Räder. Damit möchte ich die Nikon 1 jetzt aber absolut nicht schlecht reden. Ich hatte bereits beide Nikon 1 Modelle in Händen und fand die Haptik phantastisch. Das gilt gleichermaßen für Gehäuse wie Objektive. Die Kameras haben das, was ich als Seele bezeichnen möchte. Einmal mehr beschleicht mich das Gefühl, dass ein Unternehmen, das auf Kameras konzentriert ist doch etwas mehr Herzblut in die Apparate einfließen lässt, als ein großer Elektronik-Konzern der eben auch Kameras anbietet und vor allem Technik einfließen lässt. Der Vorteil des kleinen Sensors ist natürlich, dass sich damit noch kleinere Kameras konstruieren lassen. Ich gehe davon aus, dass Nikon – neben allen anderen Herstellern auch – dem Beispiel Pentax’ folgen und spiegellose Kameras anbieten werden, die mit den Objektivanschlüssen der aktuellen Spiegelreflexkameras kompatibel sind. Bei Nikon heißt das Kompatibilität bis in die 1950er Jahre hinein. Da würde es wenig Sinn machen zwei Systeme mit vergleichbar großen Sensoren im Portfolio zu haben mit unterschiedlichen Anschlüssen. Was ich bei der Nikon 1 weniger verstehe ist, weshalb sie einen eigenen Anschluss für ein eigenes Blitzsystem haben und nicht kompatibel sind, zum Blitzsystem der Nikon DSLRs.

Pantax K und Q

Zum Thema Unverständlich fällt mir als nächstes Pentax’ Q System ein. Wenn man den Sensor der Nikon 1 als klein bezeichnen kann, dann muss man bei Pentax Q wohl von winzig sprechen. Sieht man sich diese Kamera samt Objektiven auf Bildern an hat man nicht den Eindruck es handle sich um Fotoapparate, sondern um Miniaturen. Ich weiß ehrlich gesagt nicht ganz, was ich davon halten soll.

Besser nachvollziehbar ist für mich da schon die neue Pentax K-01. Sie mag zwar zunächst in einer überraschenden Optik daherkommen und irgendwie an eine Mischung aus Baustellen-Werkzeug und Plastikspielzeug erinnern, doch die Ambitionen können ernsthafter wohl nicht sein. Diese Kamera überrascht nicht nur mit ihrem Aussehen, sondern auch mit dem Umstand, dass sie das erste spiegellose Modell eines Systemherstellers ist, das zu Objektiven der etablierten Spiegelreflex-Modelle kompatibel ist. Das bedeutet, man hat ohne zusätzlichen Konnektor die Möglichkeit auf alle Objektive des Pentax Spiegelreflex-Systems zurück zu greifen. Und die Optiken von Pentax genießen bei Gott keinen schlechten Ruf. Dabei dürfte das Modell kompakter sein, als es die Abbildung links nahe legt.

Fujifilm

Größte Wellen in der Welt der Fotoentusiasten hat die Ankündigung der Fuji X-Pro1 geschlagen. Fuji – bekannt für exzellente Bildsensoren und hervorragende Optiken – bringt mit diesem Modell eine Mischung aus Systemkamera und Sucherkamera auf den Markt. Der Sensor hat ein mittleres, sogenanntes APS-C-Format und entspricht damit dem, was aktuell in Spiegelreflex-Kameras für Einsteiger, Aufsteiger und Semi-Pros verbaut wird (etwa selbe Größe wie bei Sony NEX, Pentax K-01 und Samsung, aber größer als FourThirds und Nikon 1). Den professionellen Anspruch des Systems unterstreicht Fuji nicht nur dadurch, dass zum Verkaufsstart lediglich drei Festbrennweiten (!) auf den Markt kommen, sondern auch durch den Preis. Die Erwartungen sind groß.

Und sonst?

Von Canon ist noch immer nichts über die Einführung eines spiegellosen Systems zu erfahren. Neben den bekannten Herstellern finden sich auch noch Samsung und Ricoh am Markt der Systemkameras – Letztere mit einem besonders innovativen (in meinen Augen auch seltsamen) Ansatz, bei dem der Bildsensor direkt mit dem Objektiv verbaut ist. Man darf gespannt sein was aus diesem System wird, nachdem Ricohs Kamera-Sparte mit der Kamera-Entwicklung von Pentax verschmolzen wurde.

Letzte Worte | Ich habe mir größte Mühe gegeben, den Artikel gut zu recherchieren und meine persönlichen Eindrücke der Systeme zu beschreiben. Besser können das in den meisten Fällen allerdings all jene, die das eine oder andere System ihr Eigen nennen und ihre Praxiserfahrung einbringen können. Sachdienliche Ergänzungen und Beschreibungen würden diesen Artikel und die Serie im Nutzen für die Leser natürlich immens aufwerten. Gerne auch mit Links auf eure Blogs und Websites.

Weiter zum 7. Teil: Spiegelreflexkameras

Spaß ohne High-end-Technik | Allerdings bilde ich mir ein auch ohne Vollformat-Kamera und Lichtstarke Profiobjektive Freude an der Fotografie haben zu können. Ganz so, wie ich mit meinem Mazda Roadster Freude am Fahren haben kann, auch wenn ich mir sicher bin, dass es mit einem Aston Martin oder Porsche noch mehr Spaß sein könnte. Allerdings nicht der fünf- oder zehnfache Spaß! Deshalb würde ich auch nicht versuchen die fünf- oder zehnfache Kohle zusammenzukratzen und mich ruinieren, nur um ein bisschen mehr Freude am Fahren zu haben. Und so kann ich eben auch mit meiner 500-Euro Systemkamera genauso viel Spaß am Fotografieren haben, wie mit der sündteuren Profiausrüstung.

Und nun bin ich halt doch wieder so tief in der Technik, auch wenn ich behaupte, dass sie Nebensache ist. Andererseits ist sie ja auch Fundament. Denn ohne Technik keine Fotografie. Digitalfotografie schon gar nicht.

Größer als gedacht | Die Idee zu dieser kleinen Übersicht entstand bereits vor Monaten. Schon als ich an »Kreativ fotografieren« über Kamerakonzepte schrieb überlegte ich das Thema in meinem Blog etwas ausführlicher zu behandeln. Dass es aber fünf oder mehr Teile brauchen würde (und es werden nach diesem Artikel mindestens zwei weitere folgen) hätte ich allerdings nicht gedacht, als ich begann an der Übersicht zu schreiben.

Nach einem Artikel über Grundgedanken zum Kamerakauf und ein paar Gedanken zu Megapixel und Einstellrädern habe ich zunächst die gewöhnliche Riege der Kompaktkameras vorgestellt um darauf folgend etwas ungewöhnlichere Kompaktkameras zu zeigen. Nun möchte ich noch einmal eine besondere Klasse der Kameras mit fix montierten Objektiven vorstellen.

Bridge-Kamera

Die Bridge-Kamera soll eine Brücke zwischen Kompaktkamera und Spiegelrefelex-Kamera sein. Sie hat das ausfahrbare, aber fix verbaute Objektiv der Kompakten, und die griffige Form von der Spiegelreflexkamera – um es vereinfacht auszudrücken. Da diese Kameras meist extreme Zoombereiche abdecken, spricht man auch oft von Superzoom. Allerdings gibt es längst auch sehr kompakte Modelle in kleinen, eckigen oder modischen Gehäusen, die nicht im weitesten an Spiegelreflexkameras erinnern und trotzdem super-zoom-Bereiche abdecken. Deshalb bleibe ich doch lieber bei Bridge für dieses Kamerakonzept.

Hochwertiger als Kompakte | Preislich beginnen Bridge-Kameras in der Regel in einer Region, wo Kompaktkameras kaum mehr zu finden sind. Man darf also durchaus noch ein bisschen bessere Abbildungsqualität erwarten.

Ergonomisch geformt | Die Gehäuse sind kleiner und (in der Regel deutlich) leichter als bei Spiegelreflexkameras mit Objektiven. Dennoch haben sie ein gutes Volumen und sind ergonomisch geformt, bieten also durchaus dem Bedienungskomfort einer DSLR. Auch was Einstellräder und Funktionstasten angeht braucht der ambitionierte Fotograf kaum auf etwas zu verzichten.

Flexible Brennweite | Die Brennweitenbereiche der Zoomobjektive braucht man bei Objektiven für SLRs gar nicht erst zu suchen. Bridge-Kameras haben oft die zwei oder dreifache Brennweite der zoomstärksten Wechselobjektive für SLRs. Allerdings auch mit all den qualitativen Einschränkungen und Nachteilen, die damit einher gehen.

Ich persönlich bin ja bekennender nicht-Fan langer Telebrennweiten – meine Liebe gehört dem Weitwinkel. Doch bei den kleinen Bildsensoren kompakter Kameras – und Bridge-Kameas haben in der Regel keine größeren Sensoren als Kompaktkameras – haben lange Brennweiten einen nicht zu unterschätzenden Vorteil: Man kann die lange Brennweite nutzen um mit der dadurch entstehenden kurzen Schärfentiefe den Hintergrund unscharf zu bekommen und damit ein Motiv freizustellen. Auch wenn die Motive dadurch kaum mehr perspektivische Tiefenwirkung entfalten, lassen sich dennoch coole Ergebnisse erzielen.

Guter Reisebegleiter | Bridge-Kameras sind ein guter Tipp für alle, die eine möglichst flexible Kamera wollen, die auch etwas größer sein darf, die aber nicht gleich in eine DSLR-Ausrüstung investieren und sie mit sicher herumtragen wollen. Sie sind gute Reisebegleiter, wenn man etwas anspruchsvoller ist und nicht nur Draufhalten und Abdrücken will.

Makro-Profi | Eine besondere Empfehlung stellt die Bridge-Kamera für Freunde der Makrofotografie dar. Bridge-Kameras erlauben es meist bis auf 1cm an ein Motiv heranzurücken. Wer eine Spiegelreflexkamera nutzt kommt mit den gewöhnlichen Objektiven nur selten näher an ein Motiv als 20cm. Oft sogar nur 50cm oder lange Brennweiten erwarten sogar einen Abstand von einem Meter und mehr. Für eine SLR brauht man spezielle Makro-Objektive, die meist alleine das Preisschild einer ganzen Bridge tragen. Dabei sind Bridge-Kameras komfortabel für die Makrofotografie einsetzbar, bieten von Haus aus große Schärfentiefe – was bei Makro ein großer Vorteil ist – und man erreicht mit ihnen oft eine annähernd professionelle und postertaugliche Abbildungsqualität.

Modelle

Einen besonders guten Ruf hat sich bei den Bridge-Kameras Fuji erarbeitet. Ich glaube auch, dass kaum ein Hersteller mehr Modelle dieser Gattung in seinem Portfolio präsentieren dürfte. Man bekommt also von Fuji Bridge-Kameras in den verschiedensten Ausführungen, bereits ab Preisen unter 200 Euro. Das Spitzenmodell ist aktuell die X-S1, die nicht zuletzt auf Grund ihrer Größe kaum von einer DSLR zu unterscheiden ist. Allerdings liegt der UVP dafür aktuell bei etwa 750 Euro. Eine DSLR plus Objektiv ist schon um weniger Geld zu haben.

Wie bereits in einem vorangegangenen Artikel erwähnt, genießt Fuji einen äußerst guten Ruf sowohl als Hersteller von Objektiven als auch als Entwickler von Bildsensoren. Ich würde also erwarten, dass die X-S1 unterm Strich SLRs in der gleichen Preisklasse kaum nachstehen dürfte.

Der Sensor der X-S1 ist mit 8,8×6,6mm für diese Kameraklasse relativ groß und darüber hinaus mit 12 Megapixel nicht zu üppig mit Pixeln überladen, was für gute Abbildungsqualität und gutes Rauschverhalten sorgen sollte.

In der Supermakro-Einstellung ist es in Weitwinkelstellung bis auf 1cm an ein Motiv heranzugehen.

Auch Panasonic hat ein paar Modelle an Bridge-Kameras im Sortiment, wobei Panasonic wieder von Superzoom spricht. Die Modelle, wie zum Beisiel diese Lumix FZ150, lesen sich auf dem Datenblatt durchaus interessant. Der Bildsensor ist hier mit 6,16×4,62mm nicht übermäßig groß und auch Panasonic vermeidet es ihn mit Megapixel zu überfrachten und liefert mit 12 Megapixel eine wohl sinnvolle Dichte.

Die P510 von Nikon bietet ein 42-fach Zoom von 24mm bis 1000mm! Am Klappdisplay dürften Makrofotografen ihre Freude haben und die Schalter und Knöpfe versprechen ergonomisches Fotovergnügen.

Sony hat sich vor allem zu Beginn der Digital-Kompaktkamera-Ära dadurch einen Namen gemacht, dass sie Modelle anboten, die sehr schnell auslösen konnten. Ich war mit meinen Sony Cybershot-Modellen recht zufrieden. Die technischen Daten der aktuellen Sony Bridge-Kameras sprechen mich persönlich nicht so besonders an. Zu viel Megapixel für die kleinen Sensoren und zu wenig Weitwinkel am kurzen Ende der super Zooms, zum Beispiel 27–810mm und 18 Megapixel, bei dieser DSC-HX200V. Wie für den Rest dieser Artikelserie gilt allerdings auch hier, dass das hier keine Testberichte sind, sondern dass ich lediglich einen Ansatzpunkt anbieten möchte, welche verschiedenen Arten an Kamerakonzepten es gibt und bei welchen Herstellern man wo nach den Modellen suchen kann.

Zu den Pionieren unter den Anbietern von Bridge-Kameras gehört Olympus und auch heute gibt es noch mehrere Modelle dieser Klasse, bei Olympus Traveler genannt. Auch Pentax hat ein Modell im Programm das bei ihnen als Crossover bezeichnet wird.

Fazit

Unverdiente Mauerblümchen | Bei Canon fand ich keine Bridge-Kamera im Angebot. Das Segment scheint Canon zu wenig interessant zu sein und ich finde das durchaus OK. Man braucht ja nicht auf jeder Hochzeit zu tanzen. Ein aufmerksamer Leser hat mich darauf aufmerksam gemacht, dass Canon sehr wohl eine Bridge-Kamera im Angebot hat, nämlich die PowerShot SX40S. Ich bin selbst etwas verwundert, wie ich die übersehen konnte, denn selbstverständlich habe ich auf den Websites der Hersteller recherchiert.

Neben und zwischen schicken Kompaktkameras, trendigen Systemkameras und den beliebten Spiegelreflexkameras gehen die Bridge-Kameras meist etwas unter. Unverdient, wie ich meine. Fotografen, denen eine Kompakte nicht reicht und die mit einem Aufstieg zu System- oder Spiegelreflexkamera überlegen, sollten Bridges als Alternative nicht ganz außer acht lassen. Wer ohnehin nicht beabsichtigt mehrere Objektive zu kaufen, braucht nicht unbedingt eine Systemkamera. Bridges sind nicht so groß und schwer wie eine Spiegelreflex-Ausrüstungen. Sie ermöglichen unkompliziert tolle Makro-Einblicke in die Welt des Kleinsten und meist sind sie flexibel genug im Weitwinkel tolle, spannende und dynamische Landschaftsaufnahmen einzufangen und am anderen Ende, im Tele, kann man sogar Spiegelreflex-ähnliche Porträtaufnahmen erreichen.

Weiter zum 6. Teil: Systemkameras

Die Kompaktkameras im ersten Teil meiner kleinen Übersicht richten sich an die breite Masse der Fotografen. Daneben – oder besser gesagt: darüber – finden sich noch etwas speziellere Geräte, die sich an besonders anspruchsvolle Fotografen richten.

Zu diesen speziellen Apparaten müsste man auch die Kompakten von Leica zählen, von denen ich euch hier aber kein Exemplar zeigen kann, weil ich keine Bilder für die Presse gefunden habe. Nun muss ich zugeben, dass sich Leica nach meiner bescheidenen Meinung das Prestige ihrer Marke ordentlich bezahlen lässt – ob man einen Mehrwert erhält der dem Mehrpreis der Geräte entspricht mag dahin gestellt bleiben. Allerdings handelt es sich bei dieser Aussage um ein Vorurteil, denn tatsächliche Erfahrungen mit einer Leica habe ich bislang nicht gemacht.

Zu den ausgefallenen Geräten unter den kompakten Kameras zählt die DP-Serie von Sigma – hier abgebildet die DP1 Merrill. Diese Kamera hat einen Bildsensor mit einem Format von 23,5×15,7mm und ist damit mit einer Spiegelreflexkamera vergleichbar. Beinahe alle anderen Kompakten haben deutlich kleinere Sensoren. Der Fotograf darf dementsprechend eine Bildqualität erwarten, die tatsächlich einer Spiegelreflex entspricht, und nicht nur an diese heranreicht. Das ermöglicht dem Fotografen auch einen entsprechend großen Spielraum bei der Gestaltung der Schärfentiefe. Lichtstarke Objektive komplettieren Geräte die für den professionellen Anspruch entwickelt wurden. Zu diesem Anspruch gehört allerdings auch, dass die Objektive Festbrennweiten sind. Zoomen is also nich, dafür darf man aber kompromisslose Abbildungsqualität erwarten. Eine weitere Besonderheit stellt ein besonderer Bildsensor da, der ein Sigma-Eigengewächs ist und der sich von anderen Sensoren dadurch unterscheidet, dass nicht ein roter, ein blauer und zwei grüne Pixel nebeneinander im Quadrat angeordnet die Motive vor der Linse digitalisieren, sondern ein roter ein blauer und ein grüner Pixel die hintereinander angeordnet sind. Frag mich niemand, wie das technisch funktioniert. Jedenfalls haben diese ›Foveon‹ genannten Sensoren einen ausgezeichneten Ruf und sollen exzellente Ergebnisse liefern. Sigma gibt für den Sensor der DP1 Merrill eine Auflösung von 45 Megapixel an, wobei sie so rechnen: 15 Millionen rote + 15 Millionen blaue + 15 grüne Pixel = 45 Millionen Pixel, also 45 Megapixel. Das heißt aber, dass von vorne betrachtet lediglich 15 Megapixel auf dem Sensor angebracht sind und die restlichen 30 dahinter liegen. Im Vergleich: Eine Nikon D800 mit 36 Megapixel hat von vorne betrachtet tatsächlich 36 Millionen Pixel auf der Oberfläche, allerdings nur 9 Millionen blaue, 9 Millionen rote und 18 Millionen grüne. Da sich je vier Pixel (zwei grüne, ein rotes und ein blaues) das Aufnehmen der Farbinformationen teilen müssen, hat Sigma das bessere Verhältnis. Sagt Sigma. Im Grunde ist das reines Marketing und für die Praxis wenig relevant. Für die Praxis ist wichtig, dass der Sigma Sensor in Wirklichkeit 15 Megapixel Bilder generiert und dass deren Qualität höchsten Ansprüchen gerecht werden sollten. Eine kompromisslose Kamera für kompromisslose Fotografen, die für gute Abbildungsleistungen auf einigen Luxus und viel Schnickschnack zu verzichten bereit sind.

Weiterere Exoten im Reich der kompakten Kameras sind die »GR Digital«-Kameras von Ricoh. Auch sie sind vor allem sehr ambitionierten Fotografen bekannt und genießen einen guten Ruf. Allerdings sind die Eckdaten nicht ganz so kompromisslos und bemerkenswert, wie es bei Sigmas DP-Kameras der Fall ist.

Neben den DP-Modellen von Sigma stellt auch die neue G1X von Canon die seltene Ausnahme einer Kompaktkamera mit dem Sensorformat einer Spiegelreflexkamera dar. Anders als die Sigma ist der Apparat aber weniger kompromisslos und zum Beispiel mit einem, für kompakte Kameras eigentlich üblichen, Zoomobjektiv ausgestattet. Zu erwähnen wäre noch, dass die G1X mit einem – ebenfalls seltenen – optischen Sucher ausgestattet ist. Wenn dieser aber tatsächlich, wie ich gelesen habe, praktisch identisch ist, mit jenem er Canon G12, dann ist seine Praxistauglichkeit wohl eher begrenzt. Ich habe mir außerdem sagen lassen, dass man die Kamera nur mehr mit gutem Willen als kompakt bezeichnen kann. Dafür soll aber auch die Bildqualität für diese Kameraklasse sehr großes Niveau haben.

Weiter zum 5. Teil: Bridge-Kameras

Man muss ich für ein Kamerasystem und eine Kameramarke entscheiden. Wichtiger als die Marke ist aber das System. Spiegelreflexkameras haben andere Eigenschaften als Systemkameras und eine Systemkamera gibt es beispielsweise aktuell von Canon nicht. Also fiele für alle, die sich eine Systemkamera wünschen, Canon als Marke aus.

Grundsätzlich ist die Marke selbst relativ belanglos. Alle Marken haben Stärken und Schwächen. Wer bestimmte Eigenschaften sucht, mag bei einem Systemen eines bestimmten Herstellers besser bedient sein, als beim anderen. Im Großen und Ganzen jedoch kochen alle Hersteller mit Wasser und man findet wohl bei allen bessere und weniger gut gelungene Modelle.

Mit diesem Artikel möchte ich einen Fokus auf die verschiedenen Systeme legen, ihre potenziellen Vor- und Nachteile ansprechen und ein paar Modelle verschiedener Hersteller hervorheben, wobei ich zunächst mit Kompaktkameras beginne.

Auch wenn ich mit Nikon DSLRs arbeite, die Entscheidung für diese Marke bewusst getroffen habe und keinen Grund sähe die Marke zu wechseln, ist das meine subjektive Entscheidung. Fragt man mich, welche Marke ich als DSLR empfehlen würde, muss es natürlich Nikon sein – schließlich ist es die Marke für die ich mich entschieden habe. Aber jeder muss selbst herausfinden was für ihn am besten passt. Und wenn mich einer fragt, welche Kompaktkamera ich empfehle, dann wäre es die Canon Powershot S96 (aktuell S100). Trotz aller Vorlieben bleibt die Marke nur bedingt wichtig und es gibt bedeutend wichtigere Faktoren.

Kompaktkameras

Modische Basismodelle zum Draufhalten und Abdrücken

Kompaktkameras gibt es in schier unübersichtlicher Anzahl von allen Herstellern in allen Farben und Formen. Viele versuchen schick auszusehen, manchen gelingt es. Die Bildsensoren erreichen kaum ein Format 6×4mm. Diese winzigen Aufnahmemedien ermöglichen so gut wie kein kreatives Spiel mit Schärfentiefe und die Anfälligkeit für Bildrauschen ist erhöht wenn die Lichtbedingungen nicht optimal sind und das Umgebungslicht schwach ist.

Lieber weniger Megapixel | Da die Zielgruppe kompakter Kameras vor allem der unerfahrene Fotograf ist und die Marketing-Abteilungen der Hersteller wissen, dass man dieser Klientel möglichst viele Megapixel offerieren muss, um die Modelle zu verkaufen, liegt der Standard für die meisten Geräte bei etwa 16 Megapixel. Leider wirkt sich die Kombination kleinerer Sensor, mehr Megapixel negativ auf die Bildqualität aus (etwas ausführlicher im letzten Artikel erklärt). Ich rate also sich in der Kategorie der kleinen, modischen Kompaktkameras lieber für Geräte mit weniger Megapixel zu entscheiden, also viel lieber 10 statt 16 MP.

Draufhalten und Abdrücken | Die Geräte sind grundsätzlich zum Draufhalten und Abdrücken gedacht. Kreative Einstellungen finden sich, wenn überhaupt, lediglich in den Menüs und ich habe bisher keine Kamera kennengelernt, bei der das Einstellen über Menüs den fotografischen Fluss nicht gebremst hätte.

Wahlräder für Blenden- und Zeitvorwahl und manuelle Belichtungseinstellungen sucht man in dieser Kameraklasse vergebens. Man darf sich aber fragen, welchen Sinn solche Hardware-Steuerelemente in dieser Kameraklasse überhaupt haben, wenn man ohnehin kaum Blendenspielraum und (außer im Makro-Bereich) so gut wie immer annähernd unendliche Schärfentiefe hat – egal welche Blende man vorwählt.

Qualität oft besser als der Ruf | All die beschriebenen Einschränkungen bedeuten jedoch nicht, dass man mit kompakten Kameras keine tollen Aufnahmen machen könnte. Wer zu fotografieren versteht, kann auch im Rahmen enger Einschränkungen gute Fotos machen. Ich habe auch schon umwerfende Bilder aus Handys gesehen – von guten Fotografen gemacht, die verstehen, trotz der bei Handys noch engeren Einschränkungen, das beste aus einem Fotoapparat herauszuholen.

Wer in erster Linie ein Gerät sucht, mit dem man auf Motive zielen und Abdrücken kann, ohne sich mit Blendeneinstellungen, ISO-Werten und Brennweite-Belichtungszeit-Verhältnissen zu befassen und weder Blitz, noch Stativ, noch eine große Kamera mit sich rum schleppen möchte, der ist in dieser Klasse gut bedient und braucht auf tolle Ergebnisse nicht zu verzichten. Sich nicht mit den technischen Aspekten von Fotografie auseinandersetzen zu wollen, bedeutet ja nicht, dass man nicht dennoch bewusst und kreativ fotografieren könnte, auch wenn man ganz ohne technisches Wissen in den kreativen Ausdrucksmöglichkeiten natürlich immer etwas eingeschränkt bleibt.

Brennweite – lieber weniger als mehr | Vor wenigen Jahren reichte die Brennweite der Zoomobjektive kompakter Kameras meist von 35mm bis etwas über 100mm (bezogen auf Kleinbild). Beeindruckende Landschaftsaufnahmen sind mit mit 35mm Weitwinkel kaum zu erzielen – dabei sind es vor allem Landschaften, bei denen kompakte Kameras einigermaßen mit Spiegelreflex-Modellen mithalten können.

Heute liegt der Standard meist bei 28mm+, womit sich durchaus ein netter Panoramablick einfangen lässt. Ich persönlich würde aber auf jeden Fall 24mm+ vorziehen.

Umgekehrt kann ich am langen Ende gut auf mehr Brennweite verzichten. Lange Brennweiten werden meist genutzt um auf große Distanzen zu fotografieren. Dabei ergeben sich meist Probleme durch Blauverschiebung und Störungen in der Atmosphäre, sowie mit der Belichtungszeit oder zu hartem Licht. Ich kann deshalb gut auf lange Brennweiten verzichten. Bewegliche Beine machen besser Aufnahmen als lange Brennweiten.

Allerdings können lange Brennweiten bei kompakten Kameras (und bei allen Kameras mit kleinen Bildsensoren) genutzt werden um Objekte, trotz kleinem Bildsensor, durch geringe Schärfentiefe und somit unscharfen Hintergrund freistellen zu können. Je länger nämlich die Brennweite eingestellt wird, desto kürzer wird die Schärfentiefe. Bei 200mm+ kann man auch mit einer Kamera mit sehr kleinem Sensor den Hintergrund unscharf bekommen; fast so, als hätte man mit einer Spiegelrefexkamera mit offener Blende fotografiert. Man muss sich bei längerer Brennweite halt etwas vom Motiv weg bewegen (wobei wir wieder bei den beweglichen Beinen wären) und damit leben, dass sehr lange Brennweiten immer zu einer etwas flachen Perspektive führen. Aber wie gesagt: Fotografieren heißt immer auch Kompromisse eingehen.

Darüber hinaus kann man sehr lange Brennweiten auch in der Makrofotografie, für die Kompaktkameras ja unkompliziert und gut eingesetzt werden können, gut für tolle Ergebnisse einsetzen.

Canons IXUS-Serie gehörte schon in analogen Zeiten zu den Klassikern. Die IXUS 510 HS hier scheint mir mit etwa 10 Megapixel sinnvoll und nicht übertrieben hoch aufgelöst. Die Anfangsbrennweite von 28mm wäre für meinen Geschmack etwas zu lang, dafür erreicht sie aber mit 336mm KB am langen Ende ein durchaus beachtliches Tele. Außerdem sind kürzere Brennweiten als 28mm nach wie vor rar bei kompakten Kameras. Tipp: Wer eine simple Kamera sucht und sich etwas sehr eckigen Look dieser Kamera nicht stört, sollte sich das Gerät einmal etwas genauer ansehen. Mir scheint es jedenfalls einen näheren Blick wert.

Meine Erfahrungen mit Nikon Coolpix-Kameras sind durchwegs positiv, auch wenn ich den Eindruck habe, dass Canon bei Kompakten die Nase etwas vorne hat. Die Coolpix S9100 hier ist mit 12 Megapixel nicht sinnlos hoch aufgelöst und deckt mit 25–450mm einen immensen Brennweitenbereich ab. Tipp: Die zweite (und letzte) Kamera, die mir beim Blick in die Auslagen der Kamerahersteller aufgefallen ist, die mir in der Klasse der einfachen Basismodelle aufgefallen ist und die ich mir persönlich näher ansehen würde.

Ebenfalls positiv waren meine bisherigen Erfahrungen mit Digitalkameras von Sony. Wie auch in anderen Bereichen besticht Sony durch cooles Design, wie bei der TX1 hier, und Sony-Kameras sehen oft anders aus, als die Geräte der etablierten Kamerahersteller. Kameras mit unter 16 Megapixel sind bei Sony aber leider eine Seltenheit. Bei meinen früheren Sony Modellen störten mich außerdem die teuren Speicherkarten und die teuren, aber sehr rasch entleerten Akus.

Nicht minder innovativ im Design sind die Kompaktkameras von Samsung. Dabei bestechen die Geräte, die ich bislang in Händen hatte, durch extrem hochwertige Materialhaptik. Die WB750 hier ist im übrigen ein typisches Bespiel dafür, dass die etwas teureren Modelle beim selben Hersteller oft weniger Auflösung haben, als preiswertere.

Meine persönlichen Erfahrungen mit Kompakten von Olympus sind gemischt. Ich hatte und habe eine mit absolut herausragender Bildqualität und hatte für ein paar Tage ein Modell, dessen Ergebnisse inakzeptabel für einen Fotoapparat war (bestenfalls auf dem Niveau aktueller Smartphones). Man darf aber davon ausgehen, dass jeder Hersteller seine Highlights und Nieten im Programm hat.

Ebenfalls gemischt ist meine Erfahrung mit Panasonics Lumix-Kameras; hier die DMC-FS40EG-K (man lasse sich den Namen auf der Zunge zergehen). Vor einigen Jahren hatte ich eine kleine Lumix gekauft, habe sie aber nach einem Wochenende wieder gegen eine andere Kamera eingetauscht, weil mich die Lumix völlig enttäuscht hat. Heute besitze ich eine Lumix G3 und kann nicht viel daran aussetzen. Allerdings finde ich, dass Panasonics Kameras irgendwie die Kamera-Seele fehlt; das ist aber ein sehr subjektives Empfinden und kein Hard-Fact.

Fujis Objektive und Sensoren genießen einen hervorragenden Ruf. Persönlich finde ich in ihrem Angebot an kompakten Geräten aber nichts was ich mir persönlich näher ansehen würde. Das soll aber nichts über die generellen Leistungen von Fujis kleinen Geräten sagen. Schließlich kann man nur objektiv über eine Kamera urteilen, nachdem man ausgiebig praktische Erfahrungen damit gemacht hat.

Pentax ist ein alter Hase auf dem Feld der Kamerahersteller. Die paar Pentax Optio-Modelle die ich bislang in Händen hatte, habe ich aber rasch wieder weg gelegt. Die Materialanmutung roch mir zu sehr nach billigem Plastik. Das muss allerdings nichts über die Qualität der Kameras selbst aussagen. Mir persönlich ist halt eine angenehme Haptik und wertiges Material wichtig.

Kompaktkameras für den sportlichen Einsatz

Wer sportlich unterwegs ist und seiner Kamera harte Stöße, Stürze, Feuchtigkeit oder gar Nässe zumuten möchte oder muss, für den gibt es heute auch bereits ein breiteres Angebot an Kameras. Einige Kameras bieten zusätzlich sogar GPS, was bei diesen Modellen, da ja oft im Outdoor-Sport und auf Reisen Einsatz finden, wohl auch besonders sinnvoll sein mag.

Hätte Batman eine Kamera würde sie wohl so aussehen wie diese Kamera von Pentax. Zumindest wenn sie komplett schwarz wäre. Und tatsächlich habe ich sie schon in ganz schwarz gesehen. Nicht aber auf der Website von Pentax. Schlagfest. Wasserfest. Und mit GPS. Leider hat die WG2 GPS nur 28mm+ Brennweite. 24mm wäre mir sympathischer für eine Kamera mit so klar deklariertem Outdoor-Einsatz.

Die Nkon AW100 ist anhand der technischen Eckdaten vergleichbar mit der Pentax oben. Allerings unglaublich hässlich, im hier abgebildeten H.C.-Look für die Fotos von drei-Biere-bitte-Bestellungen bei den paramillitärischen Paintball-Übungen in den heimischen Wäldern und Bierstuben. Glücklicherweise gibt es das Gerät auch in mattschwarz mit Hammerschlagstruktur, und damit sieht sie richtig cool aus – entwickelt dann eher eine Art Ninja-Ästhetik.

Eigentlich gebührte es Olympus in der Reihe der toughen Kameras als erstes genannt zu werden, denn soweit ich mich erinnern kann, waren sie in diesem Feld als erstes am Platz.

Kürzere Brennweiten als 28mm findet man bei Panasonic. Die DMC-FT20EG-K (einen freien Kaffee für alle, die sich den Namen bis morgen merken) beginnt bei 25mm und endet bei 100mm. Andere Modelle gehen von 28mm–128mm. Leider finden sich auch hier nur Pixelmonster mit 14–16 Megapixel.

Canon hat zwar schon jetzt ein wasserfestes Gehäuse am Start, allerdings mit einer Brennweite von 35mm+ (und dem Look eines aufgeblasenen Schweinchens im Taucheranzug. Die neue D20 kommt ab Mai 2012 mit einer Anfangsbrennweite von 28mm. Nicht ganz mein Wunschwert von 24mm+. Dafür finde ich aber die 12 Megapixel smart. Wetten, dass Canon aus diesen 12MP mehr Bildqualität herausholt, als die anderen Kollegen aus 14 und 16? Tipp: Wer warten kann und nicht auf Biegen und Brechen mehr Weitwinkel, als 28mm, haben muss, sollte bis Mai warten und einen Blick auf diese Kamera werfen. Es könnte sich lohnen.

Kompakte für ambitionierte und anspruchsvolle Fotografen

Kompaktkameras für anspruchsvollere Fotografen zeichnen sich oberflächlich betrachtet dadurch aus, dass sie Wahlräder für Blenden- und Zeitvorwahl, manuelle Belichtungseinstellung und einen schnellen Zugriff auf Belichtungskorrektur ermöglichen. Die Darstellung eines Histogramms nach der Aufnahme muss selbstverständlich sein.

Weniger ist mehr | Interessant ist, wie bereits erwähnt, dass diese Kameras trotz des höheren Preises meist weniger Megapixel haben, als die preiswerteren Basismodelle. Der erfahrende Fotograf weiß, dass er dennoch – oder gerade deshalb – mehr Bildqualität erwarten darf. 16 Megapixel bei kompakten mit winzigen Sensoren darf man ruhig als Marketing-Gag betrachten, der vom Markt allerdings dankbar angenommen wird.

Nicht nur die geringere Auflösung verbessert die Aufnahmeeigenschaften, auch die meist schon etwas größeren Bildsensoren im Bereich von 8×6mm. Zwar reicht das Sensorformat bei Weitem nicht um großartig kreativ mit Blende und Schärfentiefe spielen zu können, aber zumindest das Rauschverhalten entwickelt sich gut bei weniger Auflösung bei größerem Sensorformat.

Das Problem bei kleinen Sensoren und großer Auflösung ist, dass sich Bildrauschen oft auch unter guten Lichtbedingungen in schattigen Bereichen nicht vermeiden lässt. Die Software der Kamera steuert diesem Umstand gegen, dass sie mit aggressiven Rauschreduzierungs-Algorithmen drüber fährt. Das macht aber das Bild noch unschärfer, als es durch das Rauschen ohnehin schon wird. Deshalb wird das Bild anschließend wieder aggressiv nachgeschärft. Werden die Bilder zusätzlich noch durch kräftige JPEG-Komprimierung auf geringe Dateigröße zusammengestaucht, dann fallen die Resultate noch schlechter aus. Ein Bild, das mit 10 Megapixel aufgenommen wurde, nur maßvoll JPEG-komprimiert und in Photoshop auf 16 oder 18 Megapixel aufgeblasen wird, wird mit ziemlicher Sicherheit besser ausfallen, als ein Bild aus einer 16-MP-Kamera, das durch den beschriebenen Rausreduzierungs-Scharfzeichnungs-Komprimierungs-Fleischwolf gejagen wurde.

Raw | Noch besser, und für mich ein absolutes Go-/Nogo-Kriterium, ist es, wenn es die Kamera erblaubt Bilder gleich im Raw-Format zu speichern. Wenn der Bildsensor etwas taugt, kann der Fotograf damit in einem Raw-Entwicklungsprogramm, wie Lightroom, Aperture oder Capture One das Maximum aus den digitalen Negativen herausholen.

Modelle, wie die Nikon P7100, richten sich an besonders anspruchsvolle Fotografen. Sie bieten schnellen Zugriff auf wichtige Einstellungen über Schalter, woraus man aber nicht schließen darf, dass man die Flexibilität einer Spiegelreflex erreicht. Den Funktionsumfang bezahlt man hier aber dafür mit einem Volumen und Gewicht, dass die Kamera nicht mehr ganz kompakt ausfallen lässt. Ich hatte vor einiger Zeit das Konkurrenzmodell von Canon, zur P7000 (dem Vorgänger der P7100). Ein durchaus toller Apparat. Allerdings war dessen Hauptargument in meinem Augen – der optische Sucher – so klein, dass er sich für die Praxis als praktisch unbrauchbar herausgestellt hat. Ob das auf die Nikon P7100 ebenfalls zutrifft kann ich nicht sagen. Persönlich stelle ich mir unter eine Kompaktkamera etwas kompakteres vor und würde mich nicht mehr für die Canon Powershot G12 entscheiden.

Kompaktkamera-Empfehlung: Es gibt eine schier unüberschaubare Anzahl an Kompaktkameras am Markt. Die meisten werden Durchschnitt sein. Manche sind Stark, haben aber natürlich ihre Schwächen. Die Canon S95 durfte ich über ein paar Wochen testen und die kleine konnte mich echt begeistern. Sie hat dieselben Qualitäten wie Canons Kompakt-Flaggschiff G12, allerdings in einem tatsächlich kompakten Gehäuse. Dabei ist sie komfortabel zu bedienen und gibt dem Fotografen alle wichtigen Einstellungen in schnellen Zugriff. Vor allem gehört sie aber zu den nach wie vor wenigen Modellen, die in einem sehr kleinen und schicken Gehäuse, die Möglichkeit bieten, die Bilder als Raw zu speichern. Und das, was ich aus den Raw-Dateien rausgeholt habe, war um vieles besser, als die JPEG-Dateien, die die Kamera speichert und die auch nicht schlecht sind. Die Nachfolgerin der S95 ist die links abgebildete S100. Diese hat zwar 12, statt 10 Megapixel, aber ich gehe jetzt einfach einmal davon aus, dass es sich Canon für diese Kamera gut überlegt hat, die Auflösung zu erhöhen. Ich würde zumindest keine Verschlechterung erwarten, denn die technische Entwicklung bleibt ja nicht stehen.

Wer es nicht ganz so kompakt haben muss, wie bei der Canon S100, der sollte sich auf jeden Fall die Fuji X10 ansehen. Die Kamera ist im trendigen, aber auch funktional absolut sinnvollen, Retro-Look gehalten. Die Materialanmutung ist edel – man nimmt die Kamera gerne zur Hand. Der Sensor ist mit 8,8×6,6mm für eine Kompakte sehr groß, mit allen günstigen Eigenschaften die damit verbunden sind. Der Einschaltmechanismus ist schlicht Wegs genial. Natürlich können die Bilder in Raw gespeichert werden. Auch bei den Kollegen der Foto-bloggenden Zunft genießt sie einen recht guten Ruf.

Wer nach einer anspruchsvollen Kompakten sucht und die X10 von Fuji bereits als zu groß empfindet, der sollte neben der S100 von Canon auch die XZ-1 von Olympus in Betracht ziehen. Diese Kamera weißt eine absolut beeindruckende Lichtstärke auf. Lediglich die P310 von Nikon würde mir noch mit derselben Lichtstärke einfallen (die Fuji X10 bringt es zwar nur auf ƒ2.0, statt ƒ1.8 im Weitwinkel, ist aber mit ƒ2.8 im Telebereich insgesamt besser). Gegenüber der Nikon hat die Olmpus allerdings den Vorteil Raw als Dateiformat anzubieten, weshalb die Nikon für mich in dieser Klasse der anspruchsvollen Kompakten auch ausfällt.

Im schnelllebigen Digitalkameramarkt bereits ein etwas älterer Knabe aber noch immer gut beleumundet ist die Lumix LX5 von Panasonic.

Weiter zum 4. Teil: Kompakte Exoten

Nach meiner subjektiven Erfahrung sind die wichtigsten Parameter um mit einer Kamera glücklich zu werden, Gewicht und Volumen und die Sensorgröße. Alles Weitere sind Details. Anders gesagt: Diesmal kommt es wirklich auf die Größe an! Wobei größer nicht zwingend besser ist.

Volumen und Gewicht der Kamera entscheiden einerseits über die Ergonomie des Geräts beim Fotografieren, aber auch darüber, ob man die Kamera gerne mitnimmt.

Das Format des Bildsensors entscheidet, wie ich in welchen Situationen mit Schärfentiefe arbeiten kann und wo ich an Grenzen stoße.

Megapixel

Nach meiner Ansicht ein völlig überbewertetes Thema. Das Gros der Fotografen wird mit zehn bis zwölf Megapixel ein Leben lang ein Auslangen finden. Einsteigern würde ich deshalb raten kein besonders großes Gewicht auf möglichst viel Megapixel zu legen. Erst wenn sich aus der Erfahrung der Praxis ergibt, dass man mit der Pixelanzahl seiner Kamera definitiv an sichtbare Grenzen stößt, würde ich den Kauf einen Aufstieg zu einem höher auflösenden Gerät in Betracht ziehen.

Dem Einsteiger sollte zum Beispiel zu denken geben, weshalb professionelle Geräte um mehrere Tausend Euro zum Teil nicht mehr Auflösung (oder sogar weniger) haben, als billige Einsteiter-Kompaktkameras. Interessant ist sogar, dass Kompaktkameras, die sich an anspruchsvolle Fotografen richten (und deutlich teurer sind), meist nur zehn bis zwölf Megapixel auflösen, während 16 Megapixel bei den billigen Geräten quasi Standard sind. Haben die erfahrenen Hasen keine Ahnung oder fallen sie nur nicht auf die Tricks des Marketings herein?

Tatsache ist: Ein ungünstiges Verhältnis von Megapixel zu Sensorgröße ist problematisch und erzeugt sogenanntes Bildrauschen in dunklen Bereichen und wenn die Lichtsituation nicht mehr optimal ist. Auf dem kleinen Bildsensor einer Kompaktkamera finden bei 16 Megapixel nur mehr winzig kleine Pixel Platz. Das ist schlecht. Auf dem großen Sensor einer professionellen Spiegelrefelxkamera im sogenannten Vollformat können 12 Megapixel hingegen vergleichsweise riesig ausfallen. Das ist gut.

Die Auswirkung demonstriert das Foto eines iPhones mit, wie bei fast allen Handys, ganz, ganz kleinem Bildsensor. Betrachtet man das ganze Bild in der verkleinerten Darstellung, dann wirkt die Schärfe für ein Handy absolut beachtlich. Doch wenn man es zu 100% betrachtet, wie im Ausschnitt darunter zu sehen, dann ist das Resultat absolut unbefriedigend. Schlechter wäre das Ergebnis auch nicht, wenn die Kamera nur 4 statt 8 Megapixel hätte und in Photoshop zur höheren Auflösung aufgeblasen worden wäre.

Bild eines 8 Mepagpixel iPhone 4s im ganzen Ausschnitt, also verkleinert.

Ausschnitt, aus dem oberen Bild, in 100%, also der tatsächlichen Größe des Bildes.

Dabei ist Apple in Sachen Auflösung ja Musterknabe. Andere Hersteller liefern schon lange vor dem iPhone 4s Geräte mit 10 Mepgapixel und erreichen damit wahrscheinlich auch keine besseren Resultate.

Dieses Problem ist allerdings nicht nur auf Handys beschränkt. Ich habe schon ähnliche lausige Resultate bei Kompaktkameras auf dem Bildschirm gehabt.

Das darf jetzt allerdings auf keinen Fall so verstanden werden, dass eine hohe Bildauflösung per se schlecht oder überflüssig wäre. Es gibt Aufgaben, in denen ist viel Auflösung Pflicht. Zum Beispiel, wenn ich Architektur und Landschaft fotografiere, kleinste Details scharf abgebildet haben möchte, und beabsichtige die Aufnahmen auf großen Postern zu reproduzieren. Dann allerdings muss auch die Ausrüstung und die Arbeitsweise mitspielen.

Nikon empfiehlt für die neu angekündigte D800, mit sagenhaften 36 Megapixel, nur mehr die hochwertigsten Objektive, um die Auflösung voll nutzen zu können. Wir reden von Glas, dass kaum mehr unterhalb von 1000 Euro zu haben ist. Außerdem wird ein Stativ und die Arbeit mit Spiegelvorauslösung und Fernauslöser nahegelegt. Wer diesen Aufwand nicht treiben will, sollte über die Sinnhaftigkeit hoher Auflösungen nachdenken.

Blenden- und Zeitvorwahl und manuelle Einstellung

Wer eine Spiegelreflexkamera kauft kann über die Vorwahl der Blendenöffnung, der Zeit oder mit manueller Einstellung Bilder kreativ gestalten. Die Frage ob die Kamera diese Einstellungen komfortabel und leicht erreichbar zur anbietet, stellt sich bei diesen Geräten allerdings nicht, denn sie sind Standard.

Bei einer kompakten Kamera darf man aber sehr wohl hinterfragen, ob es wirklich einen Nutzen bringt großes Gewicht darauf zu legen. Hier gibt es Geräte die eigene Schalter dafür anbieten und solche, die das nicht tun. Man hat also die Wahl. Doch ob eine solche Funktion bei kompakten Geräten wirklich eine Notwendigkeit ist, ist fraglich.

Zum Einen ist der größte Nutzen von Blendenvorwahl und manueller Belichtungssteuerung, dass ich damit die Schärfentiefe kreativ gestalten kann. Doch mit dem kleinen Bildsensor einer Kompaktkamera ist die Auswirkung auf die Schärfentiefe, ob ich nun Blende 2.0 oder Blende 8.0 verwende, bei den meisten Motiven so gering, dass der Unterschied kaum mehr zu erkennen ist.

Außerdem erlauben Spiegelreflexkameras, je nach Objektiv, einen Spielraum zwischen Blende ƒ2.0 und Blende ƒ32 oder sogar noch mehr. Kompaktkameras sind jedoch meist auch im besten Fall zwischen Blende ƒ2.0 und Blende 8 eingeschränkt. In der Regel sogar eher noch Blende ƒ3.5 und Blende 8. Da ergibt sich wenig Spielraum für kreative Blendenvorwahl.

Fazit

Meine Empfehlung bleibt also für den Einsteiger nach wie vor sich erst einmal Gedanken darüber zu machen, wie, wo und was er fotografieren möchte, wie es im Eingangs erwähnten Artikel dargestellt ist. Es sind für mich die wichtigsten Überlegungen um längerfristig am Fotografieren mit einem Apparat Freude zu haben.

Einen Aufstieg auf ein teureres Gerät mit mehr Funktionen und mehr Leistung würde ich immer erst in Betracht ziehen, wenn man mit dem aktuellen Gerät an tatsächlich sichtbare und in der Praxis tatsächlich behindernde Einschränkungen stößt. Und dann auf das Gerät umsteigen, bei dem man durch visuelle Kontrolle und praktische Erprobung verifizieren kann, dass der neue Apparat diese Einschränkungen behebt. Bessere Kennzahlen und Hörensagen allein ist kein guter Einkaufsratgeber.

Auch wenn ich im Detail vielleicht etwas andere Prioritäten ansetze, als der genannte Kollege, Tom! Striewisch; seinen Artikel möchte ich dem geneigten Leser dennoch nahe legen um sich weitere Anregungen zur Kameraauswahl zu holen.

Weiter zum 3. Teil: Kompaktkameras

Ausschlaggebend für die Entscheidung ist vor allem wo und wie man welche Motive fotografieren möchte.

Frage 1: Wo

Mit der Frage nach dem ›wo Fotografieren‹ meine ich vor allem, wie einen die Kamera zur ›Location‹ begleiten soll. Begibt man sich speziell zum Zweck des Fotografierens an einen bestimmten Ort und geht es dann ausschließlich um das Fotografieren? Dann darf die Kamera auch ein ordentliches Volumen und Gewicht haben. Man wird vielleicht sogar eine ganze Kameraausrüstung mitschleppen.

Oder fotografiert man eher bei Gelegenheit und Beiläufig wenn sich Motive gerade erbeben? Dann ist natürlich vor allem wichtig, dass die Kamera dabei ist. Dann brauche ich also eine Kamera, die klein genug ist, um in die Jacken- oder Handtasche zu passen.

Natürlich wäre es schön, wenn man aus der kleinsten, schicksten und leichtesten Kamera dasselbe herausholen könnte und wenn sie genauso ergonomisch zu bedienen wäre, wie das bei großen und schwereren Kameras der Fall ist. Doch wer sich für ein möglichst kleines Gerät entscheidet, muss sich bewusst sein: Je kleiner das Gerät, desto mehr muss man mit qualitativen, gestalterischen und ergonomischen Einschränkungen rechnen. Diese Erkenntnis ist wichtig: Nicht nur die Qualität ist (etwas) und die Bedienung (deutlich) eingeschränkt, sondern vor allem auch der gestalterische Spielraum.

Frage 2: Wie

Schicke, kleine Kompaktkameras decken kaum eine Handfläche ab. Zum schnellen draufhalten auf ein Motiv ist mehr Ergonomie nicht unbedingt notwendig. Doch wer ausgedehnt fotografieren will, wird schnell merken, dass diese kleinen Geräte der Hand wenig Griffigkeit anbieten. Man hält sie mit den Fingern und bei längerem Fotografieren eher etwas verkrampft. Verkrampft heißt unruhig. Und unruhig ist für scharfe Fotos eher nicht so optimal.

Schick und klein, aber ohne Ergomie für lange Foto-Sessions – die Komapktkamera.

Möchte man außerdem kreativ mit einem Fotoapparat arbeiten, ist es am besten für möglichst viele Einstellungen möglichst viele Knöpfe direkt am Gehäuse zu haben. Bedienung über Hardware, sozusagen, und nicht über die Software-Menüs, die sich am Display darstellen lassen. Kamera-Einstellungen über Menüs stören den Fluss des Einstellens und Fotografierens. Doch kleine Kameras haben, sofern sie überhaupt die Möglichkeit bieten wichtige Einstellungen über Knöpfe und Drehräder vorzunehmen, wenig Platz für diese. Sie sind dann meist zu klein und liegen zu dicht aufeinander.

Zu groß für die Hand- und viel zu groß für die Jackentasche. Aber ergonomisch geformt für viel Spaß beim langen Fotografieren (Abbildung: Fuji X-S1).

Kameras, die nicht nur für das gelegentliche Schnappschießen gedacht sind, sind deshalb meist größer, so dass sie ein oder zwei Hände gut ausfüllen können – mit zwei Händen hält sich die Kamera einfach besser. Außerdem braucht man für kreativ gestaltendes Fotografieren auch eine Hand fürs Zoomen und Scharfstellen und die andere für Blendeneinstellungen, Zeiteinstellungen, Belichtungskorrekturen, etc.

Die größeren Gehäuse sind auch schwerer. Was als Nachteil für den Transport und ermüdend klingen mag, ist für das Fotografieren ein nicht zu unterschätzender Vorteil. Denn mehr Gewicht liegt satter in Händen, stabilisiert die Kamera und sorgt somit für mehr unverwackelte und scharfe Bilder.

Auf den größeren Gehäusen lassen sich viele gut ertastbare Schalter und Wählräder bei ausreichendem Abstand unterbringen. Das macht die Arbeit mit diesen Geräten um Welten angenehmer.

Wie gesagt: Fürs draufhalten und abdrücken ist das alles kein Thema. Aber wer ausgiebige Foto-Sessions und -Safaris mit kreativer Bildgestaltung plant, der sollte lieber nicht zur kompaktesten Lösung greifen.

Frage 3: Was

Die dritte Frage ist: Was möchte ich fotografieren? Welche Art von Motiven? Dabei würde ich drei grundlegende Gruppen unterscheiden.

Landschaft und landschaftähnlich

Das klassische Landschaftsbild besteht aus Vordergrund, Mittelgrund und Hintergrund. Alle drei sollen scharf abgebildet sein – die Schärfe soll also von ganz vorne bis ganz hinten reichen. Man spricht dann von großer Schärfentiefe.

Was für Landschaften gilt, gilt grundsätzlich auch für Orts- und Städteansichten – das meine ich dann mit landschaftsähnlich. Auch wenn ich einen Raum fotografiere, oder eine Party, möchte ich wohl meist von vorne bis hinten alles scharf abgebildet haben.

Die Schärfentiefe hängt von verschiedenen Faktoren ab: dem Abstand zum Motiv, der Brennweite, der sogenannten Blende und vom Format des Bildsensors.

Je kleiner der Bildsensor, desto größer fällt die Schärfentiefe aus.

Für Landschaften und landschaftähnliche Motive, bei denen viel Schärfentiefe von vorne bis hinten gewünscht ist, sind auch Kameras mit sehr kleinen Bildsensoren durchaus gut geeignet. Wenn das Licht geht kann die Kamera und der kleine Aufnahmesensor sogar ein Vorteil sein, weil man die sogenannte Blende offen lassen kann, somit das noch vorhandene Licht besser ausnutzt und trotzdem eine hohe Schärfentiefe erzielt. Bei einer Kamera mit großem Bildsensor hat man die Wahl zwischen offener Blende, die das vorhandene Licht gut ausnutzt, und kurzer Schärfentiefe, oder geschlossener Blende, was zwar die Schärfentiefe erhöht, aber nicht mehr viel Licht zum Sensor lässt und somit längere Belichtungszeiten erfordert.

Kleiner Sensor, großer Sensor

Kleine Kompaktkameras und große Kameras – zum Beispiel Spiegelreflexkameras – unterscheiden sich vor allem auch durch die Größe des Bildsensors. Der Bildsensor ist das Aufnahmemedium. In der analogen Fotografie ist das der Film.

Eine Spiegelreflexkamera hat in fast allen Fällen einen um ein mehrfaches größeren Bildsensor als eine Kompaktkamera. Damit ist nach Stand der Technik vor allem etwas mehr Detailschärfe und weniger störendes sogenanntes Bildrauschen möglich. Größere Sensoren erlauben also insgesamt im Detail etwas mehr Bildqualität (was allerdings, abgesehen von Extrembedingungen, bei einer Wiedergabe unter A4 eher marginal ins Gewicht fällt). Vor allem aber erlauben diese größeren Bildsensoren viel mehr Spielraum zwischen wenig und viel Schärfentiefe. Geringe Schärfentiefe (wie in der nächsten Abbildung weiter unten) ist mit Kompaktkameras schwer zu erreichen (nur durch extrem kurzen Abstand oder extrem lange Brennweite).

Doch da bei Landschaft und landschaftähnlich große Schärfentiefe gewünscht ist, erreichen die kleinen Kompakten bei solchen Motiven dennoch Resultate, die jenen von Spiegelreflexkameras kaum nachstehen. Erst bei sehr großen Ausdrucken und bei sehr genauem Hinsehen wird man die Unterschiede deutlich ausmachen können.

Kompaktkameras sind somit für alle gut geeignet, die gerne Landschaften, Plätze, Gärten und Parks, Orte, Städte und Gassen fotografieren, jedoch auf das letzte Maß an anspruchsvoller Qualität zugunsten des leichten Transports verzichten können. Somit sind Kompaktkameras zum Beipsiel gute Reisekameras. Sie erreichen zwar die Güte ihrer großen Geschwister nicht ganz, doch je größer die Kamera, desto lieber und öfter wird man wohl ohne sie aus dem Haus gehen. Und die Kamera, die daheim im Schrank liegt, macht keine besseren Bilder, sondern gar keine!

Porträt und porträtähnlich

Anders sieht es aus, wenn man gerne Leute porträtiert. Bei einem Porträt geht es vor allem darum eine Person, einen Kopf, ein Gesicht zu zeigen. Alles andere würde bei diesen Aufnahmen nur stören und ablenken. Ein unruhiger, penetranter Hintergrund ist der Tod einer jeden gelungen Aufnahme einer Person. Deshalb hat man für diese Motive gerne eine geringe Schärfentiefe. Bei kurzer Schärfentiefe erscheint nur die Person scharf am Bild und der Hintergrund ist unscharf, lenkt nicht mehr vom Hauptmotiv ab und stört auch nicht mehr.

Porträt. Die Person ist durch kurze Schärfentiefe vom Hintergrund ›freigestellt‹.

Was für Porträts gilt, lässt sich auf alle Objekte übertragen, die nicht wesentlich größer als eine Person sind und die ich zeigen möchte, ohne, dass ihr Hintergrund sich wichtig macht.

Porträtähnliche Situation. Das Hauptmotiv ist ebenfalls durch kurze Schärfentiefe vom Hintergrund freigestellt.

Leider ist beim kleinen Sensor einer Kompaktkamera die Schärfentiefe so gut wie immer so groß, dass man kaum in der Lage ist das Hauptmotiv durch Unschärfe vom Hintergrund freizustellen.

Ich bin mir sicher, dass darin der Grund liegt, weshalb so viele Leute das Gefühl haben eine Spiegelreflexkamera würde um Welten bessere Fotos machen, als eine Kompaktkamera. Wenn es um Porträts geht erzeugen sie tatsächlich auch im Automatikbetrieb bessere Aufnahmen, als es in vielen Fällen auch mit den ausgefeiltesten manuellen Einstellungen an einer Kompaktkamera möglich ist.

Doch wie gesagt: Auch wenn das für Porträt und porträtähnlich zutrifft, sind die qualitativen Unterschiede bei Landschaft und landschaftähnlich für den Laien oft gar nicht recht auszumachen.

Klein oder Porträt | Das ist eine ganz wichtige Frage. Möchte ich eine kleine Kamera zum immer-dabei-haben? Oder eine Kamera mit der sich tolle Porträts und Bilder von Menschen machen lassen? Beides geht nicht! (genau genommen gibt es kleine Kameras mit relativ großen Sensoren, die aber die absolute Ausnahme dieser Regel sind und meist in der Preisregion einer Einsteiger-Spiegelreflexkamera liegen).

Für den Wanderer stellt sich diese Frage nicht. Seine Motive werden zu einem großen Teil Landschaften sein. Zwar will er sicher auch ein paar Aufnahmen seiner Begleiter einfangen. Aber diese Art der Porträts geraten dann am gelungensten, wenn die Landschaft, in der gewandert wird, mit einbezogen und ebenfalls scharf abgebildet wird. Das heißt, dass bei diesen Porträts die Schärfentiefe groß sein darf oder sogar soll. Er ist also mit einer kompakten Kamera, die klein genug ist um nicht einmal im Rucksack verschwinden zu müssen und somit schnell zur Hand ist, gut bedient. Für den Wanderer ist eine kompakte Kamera also wohl in den meisten Fällen ein Gewinn. Zumindest, wenn man zu jenen Wanderern gehört, für die das Wandern die Hauptsache und das Fotografieren die Nebensache ist (es gibt ja auch Wanderer, für die das Fotografieren die Hauptsache und das Wandern eher die Nebensache ist). Auf den Städtebummel und auf die Reise lässt sich das natürlich genauso übertragen.

Wer aber den Menschen, Objekte zwischen Blumen- und Menschengröße, oder auch Tiere in den Mittelpunkt seines fotografischen Interesses stellt, wird mit einer Kompaktkamera und ihrem kleinen Bildsensor keine langfristige Freude haben. Hier kommt man um eine Spiegelreflex, oder eine sogenannte Systemkamera mit ausreichend großem Bildsensor einfach nicht herum.

Zu einer Spiegelreflex oder Systemkamera würde ich auch den Mamas und Papas raten, für die der Nachwuchs das liebste Motiv darstellt – die Fotos werden einfach besser und machen wohl ein Leben lang mehr Freude. Natürlich darf man sich hier die Frage stellen, ob man diese doch schon mehr oder weniger großen Geräte dann wirklich immer dabei hat, wenn Bambam oder Pebbles gerade wieder ihre herzigsten Momente an den Tag legen. Aber seien wir mal ehrlich: Welche Kamera hat man immer dabei? Richtig: Das Smartphone. Und die Qualität der Kameras von Smartphones sind heutzutage absolut Schnappschusstauglich. Man macht dann halt die Erinnerungsschnappschüsse mit dem Telefon und die Hammerbilder mit der Großen.

Marko und die Welt des Kleinsten

Eine dritte Gruppe der Motive stellen Makroaufnahmen von winzigen Motiven dar. Der Besitzer einer Spiegelreflexkamera steht hier vor zwei Problemen:

1. Normale Objektive für Spiegelreflexkameras verlangen einen reltaiv großen Mindestabstand zum Motiv. Das können 20cm, 40cm oder auch 100cm sein. Damit kommt man gar nicht nahe genug an winzige Motive heran um sie formatfüllend abzubilden. Der Spiegelreflex-Makrofotograf muss also in spezielle Makroobjektive investieren und diese kosten meist ein mehrfaches einer normalen Kompaktkamera.
2. Auf Grund der geringen Schärfentiefe der mittelgroßen bis großen Bildsensoren dieser Kameratypen gerät bei der normalen Automatikeinstellung die Schärfentiefe so kurz, dass es kaum möglich ist, einen Käfer von vorne bis hinten scharf abzubilden. Die Schärfentiefe ist oft sogar so kurz, dass es kaum möglich ist das Facettenauge kleiner Käfer von vorne bis hinten scharf abzubilden und aus freier, unruhiger Hand ist es ein Glücksfall den Punkt maximaler schärfe dorthin zu bekommen, wo er sein soll: auf die Augen.
   Makrofografen mit Spiegelreflexkamera fotografieren deshalb oft mit Blitzen oder Stativen – oder beidem zusammen (der Grund dafür würde für diesen kleinen Leitfaden etwas zu weit führen).

Wer also gerne kleine Blüten, Schmetterlinge, Käfer und andere Winzigkeiten fotografiert, kann mit einer Kompaktkamera und ihrer von Haus aus großen Schärfentiefe viel leichter und bequemer beeindruckende Ergebnisse erzielen. Ich rate deshalb jedem, der Makro liebt und nicht den Aufwand mit Spezialobjektiven, Stativen und Blitzen treiben will, sich für eine Kompaktkamera zu entscheiden. Speziell die sogenannten Birdgekameras bilden hier oft hervorragende Arbeitsgeräte, die auch hohen Ansprüchen gerecht werden.

Die Grundsätzliche Entscheidung

Wer sich auf die Suche nach einer Kamera begibt muss also die Grundsatzentscheidung treffen, zwischen bevorzugten Motiven – landschaftähnlich, porträtähnlich oder Makro – bevorzugter Arbeitsweise – gelegentlich Fotografieren oder ausgedehnte Shootings – und Portabilität – immer dabei oder maximale Qualität und kreative Flexibilität. Wer sowohl ausgedehnte Porträt-Shootings und immer-dabei haben möchte, kommt um die Anschaffung (mindestens) zweier Kameras nicht herum.

Sonstige Kriterien

Natürlich gibt es noch weitere Kriterien. Zum Beispiel wäre die Bedienbarkeit über Hardware-Schalter und -Einstellräder genannt, die bereits angesprochen wurde. In dem Zusammenhang vor allem, wie viele Schalter vorhanden sind, was sich damit bedienen lässt und wie man sie vielleicht mit Individuellen Funktionen belegen kann.

Touch-Display | Neuere Kameras bieten zunehmend die Möglichkeit der Bedienung über ein Touch-Display, also wie bei einem Smartphone. Das ist etwas komfortabler als die Bedienung über kleine Kippschalter und Menüs, bietet zudem ganz neue Möglichkeiten (zum Beispiel mit einem Tipp auf das Display auf einen Punkt scharf zustellen und sogleich auszulösen), kommt aber an echte Schalter, die sich auch blind ertasten lassen, nicht ran.

Wechselobjektive | Ob sich die Objektive wechseln lassen ist natürlich auch ein ganz schwer gewichtiges Kriterium. Allerdings sollte man nicht grundsätzlich dem Schluss verfallen, dass eine Kamera mit der Möglichkeit Objektive zu wechseln grundsätzlich die bessere Entscheidung ist. Wie immer gilt: Es kommt drauf an. Und die Frage nach einem fix verbauten Objektiv, oder mit einem Anschluss für Wechselobjektive würde ich erst als vierten Schritt stellen, nachdem ›wie‹, ›wo‹ und ›was‹ geklärt ist.

Dateiformat | Da ich nicht nur die fotografische Gestaltung, sondern auch die Bildentwicklung, selbst kontrollieren möchte, ist für mich das Speicherformat noch eine ganz wichtige Zusatzfrage. Kompaktkameras bieten mit wenigen Ausnahmen nur das JPEG-Format als Speicherformat an. Wenn man selbst nicht in die Ausarbeitung eingreifen möchte, dann ist das auch perfekt. Doch für die Nachbearbeitung und Optimierung am Computer bietet es viel zu wenig Spielraum. Hier ist das sogenannte Raw-Format einfach besser. Bei Spiegelreflex- und Systemkameras ist das selbstverständlich. Bei Kompaktkameras gibt es diese Option hingegen nur selten.

Weiter zu Teil 2: Megapixel und so

Irgendwo habe ich vor ein paar Tagen eine Anzeige für diese Zeitschrift gesehen und mir gedacht »ein guter Grund wieder einmal im Zeitungskiosk vorbei zu schauen«. Und was liegt an meinem ersten Arbeitstag nach dem Urlaub im Briefkasten meines Büros? Ein Rezensionsexemplar, zugesandt vom heise Zeitschriften Verlag!

Wer was mit Computern am Hut hat, dem dürfte der Name »c‘t« sicher was sagen: das einzige wirklich ernstzunehmende Computerfachblatt in deutscher Sprache – sagen die Ernstzunehmenden.

Nun bin ich ja nicht so der Computer-Fuzzi, weshalb ich ja auch einen Frauencomputer, also einen Mac, in Verwendung habe. Für Letzteres ist mir heise auch schon länger mit Mac & i Heimat geworden. Seit macnews.de giga geworden ist und angefangen hat auch über Themen wie Fotografie zu schreiben – mit viel inkompetentem Schwachsinn (und du fragst dich dann ob ihre News zum Mac genauso profund sind) – gilt mein täglicher Besuch dieser Seite aus dem Hause heise. Außerdem gelten meine regelmäßigen Besuche auch noch heise Foto. Womit wir beim Thema wären.

Ich will euch nicht viel über den Inhalt dieser Ausgabe »c’t Digitale Fotografie« erzählen, weil ich noch gar nicht durch bin. Allerdings wollte ich mit meinem Artikel nicht warten, bis sie schon wieder aus den Kioskregalen verschwunden ist. Einen Überblick über den Inhalt könnt ihr euch hier verschaffen.

So viel sei von meinem Eindruck verraten: Auch in Sachen Fotografie vermittelt heise einen guten und vertrauenserweckenden Eindruck. Die Verpackung (das Layout) mag man anderswo schicker bekommen. In Sachen inhaltlicher Kompetenz dürfte man aber auch hier das Feld der Mitbewerber anführen.

Besonders interessant für mich schon der erste Artikel zum Thema HDR. Ich bin ja praktisch seit Jahren bekennender Gegner dieser Technologie, weil sie versucht einen Dynamikumfang einzufangen und abzubilden, den unser Auge nicht wahrnehmen und kein Monitor, schon gar kein Druck, wiedergeben kann. Doch der Artikel hat mich angeregt meine Position zu überdenken. Schließlich ist der Kopf ja bekanntlich rund damit das Denken seine Richtung ändern kann. Auf jeden Fall habe ich richtig Lust bekommen selbst wieder einmal Versuche mit HDR zu starten.

Man muss vielleicht dazu sagen, dass c’t Fotografie, ebenso wie die anderen Blätter aus dem Hause heise, ein Fachblatt im guten und schlechten Sinn ist. Das heißt es ist keine reine, leichte Unterhaltung, die man in einer Stunde durch hat, weil man die meisten Artikel eh eher nur überblättert und sich Bilder ansieht und wenn es gut geht die Bildtexte durchliest und man kann den Inhalt zuweilen auch als etwas trocken bezeichnen. Man muss etwas Zeit und Interesse an Fachthemen mitbringen, wenn man sie konsumieren will. Für den Einsteiger und Point-and-Shoot-Fotografen dürfte sie nicht die erste Wahl sein. Als Zielgruppe wird man eher die ambitionierten Hobby-, Semiprofi- und Profifotografen ins Auge gefasst haben.

In meinen Augen dürfte, neben der »Photographie«, »c’t Fotografie« wohl die beste Zeitschriftenlektüre für Fotografen sein. Erstere mit Schwerpunkt auf schönen, ästhetischen Fotostrecken, letztere mit Schwerpunkt auf kompetenten Technikberichten.

Am besten selbst mal rein schnüffeln.

Nicht, dass ich Zooms schlecht finde. Ganz im Gegenteil: Wer mit einer Festbrennweite auf Weg geht, hat keine Möglichkeit die perspektivische Wirkung seiner Bilder zu gestalten. Zwar kann man den Blickwinkel verändern, aber unterschiedliche Brennweiten haben ganz verschiedene Auswirkungen auf Perspektive, Fluchten und Tiefenwirkung. Dennoch hat das Fotografieren mit einer festen Brennweite absolut seinen Reiz. So ist viel Lichtstärke bei Festbrennweiten bedeutend günstiger zu bekommen, als bei Zooms. Und viel Lichtstärke bedeutet nicht nur einen Vorteil bei ungünstigen Lichtverhältnissen, sondern auch mehr Gestaltungsspielraum mit Schärfentiefe und Bokeh.

Bei meiner Urlaubsreise nach La Palma im Frühjahr 2011 fehlte mir noch der Mut ausschließlich mit einer einzigen Festbrennweite zu fliegen. Doch die meiste Zeit blieben meine 24–70mm und 70–300mm Nikkore in der Finka und lediglich eine 24mm ƒ1.8 Festbrennweite von Sigma, mit Makro-Fähigkeit, begleitete mich.

Muss jedes Motiv jederzeit erreichbar sein? | Natürlich gibt es Motive, die sich damit nicht einfangen lassen. Vor allem all jene, die sich in der Ferne befinden und weg laufen oder fliegen, wenn man näher ran will. Manchmal gibt es auch Barrieren zwischen Fotograf und Motiv, die sich nicht so einfach überwinden lassen. Einen Fluss zum Beispiel, oder eine schlichte Absperrung. Aber ist es wirklich wichtig sie alle zu erreichen, so lange man nicht als Berufsfotograf darauf angewiesen ist genau dieses Motiv einzufangen?

Ich meine, was versäume ich schon, wenn ich auf einige Motive verzichte, weil ich nicht auf die passende Brennweite zoomen kann? Natürlich ist es toll ein eigenes tolles Foto eines Löwen, Bären oder von George Clooney zu schießen. Tatsächlich aber versäumen wir in jeder Minute unseres Lebens Millionen und Milliarden toller Motive, weil sie irgendwo auf der Welt statt finden und wir sie mit unseren Zooms nicht erreichen können. Doch mir persönlich geht es beim Fotografieren ums Fotografieren. Wenn ich Kimba, Meister Petz oder George begegne und keine passende Brennweite an der Kamera habe, sie gut abzulichten, ist das schade (jedenfalls bei Kimba und Meister Petz), aber keine Katastrophe. Schließlich sind großartige Bilder von Ihnen dank Internet immer nur einen Klick entfernt.

Oft der bessere Kompromiss | Ich ziehe es vor beim Fotografieren ein Maximum an Komfort bei bestmöglicher Abbildungsqualität zu haben. Und da sind auf Reisen und auf Tour Festbrennweiten einfach der bessere Kompromiss, als schwere Zooms mit guter Abbildungsqualität oder leichte und kompakte Zooms, die aber bei der Abbildungsleistung schwächeln. Und in Sachen Lichtstärke kommen auch die teuersten Zooms mit Festbrennweite nicht mit.

Die nachfolgenden Bilder sind alle mit dem Sigma 24mm ƒ1.8 entstanden. Ich glaube sie zeigen sehr schön, dass man auch mit einer einzigen Brennweite Facettenreich fotografieren kann.

Gut: Das ist noch nicht mit dem Sigma 24mm ƒ1.8 entstanden, sondern zeigt mich beim Fotografieren mit selbigem.

Eine Insel, eine Brennweite, viele Gesichter.

Rechtzeitig vor meinem Abflug in den Urlaub nach La Palma hat mir Jana Mänz, von janasworld.de, ein E-Book mit dem Titel »Die Magie des Bokehs« zur Rezension zugesandt, das sie zusammen mit Dr. Susan Brooks Dammann geschrieben hat. Eigentlich mag ich ja keine Bücher rezensieren. Für mich passt das nicht zusammen: Bücher schreiben und rezensieren. Entweder du bist Autor oder Kritiker. Was nicht heißt, dass ich nicht gerne auch einmal ein Buch empfehle.

Das E-Büchlein von Jana umfasst etwa 60 Seiten und ist reich bebildert. Es ist als PDF angelegt – das heißt es erscheint in einem Layout wie ein gedrucktes Buch. Etwas, was ich an meinem E-Book, »Kreativ fotografieren«, vermisse. Allerdings hat das Vor- und Nachteile – erfahrene E-Book-Lesser dürften die Unterschiede zwischen einer ePub und einem PDF kennen. Vorteil des PDF-Formats ist natürlich, dass man nicht auf einen der verschiedenen ePub-Reader angewiesen ist und es jeder auch am Computer ohne weiteres lesen kann.

Als ›Bokeh‹ bezeichnet man – für alle, die den Begriff nicht kennen – den Charakter der Unschärfe in einem Bild. Das mag für den Laien abstrakt klingen, ist aber essenziell für die Wirkung von Fotos. Schließlich ist für einen guten Braten nicht nur das Fleisch wichtig, sondern vor allem auch die Art der Zubereitung und die Gewürze (was für einen Vegetarier, wie mich, vielleicht eine seltsame Analogie sein mag). Anders gesagt: Ein Foto besteht immer zu gleichen Teilen aus Kernmotiv und Details. Und zu diesen Details gehört eben auch, wie die Unschärfe ausfällt – glatt, weich, rau oder unruhig.

Klassisches Bild, bei dem die ›im Bokeh‹ sichtbaren Lichter im Hintergrund als polygone Punkte eine wichtige Rolle für die Bildwirkung spielen (Bild aus »Die Magie des Bokehs«).

Wahrscheinlich könnte man über Bokeh auch ein richtig dickes Buch schreiben. Aber ich denke, würde man so tief einsteigen, dann würde man den Einsteiger in die Thematik überfordern und gleichzeitig dem erfahrenen Fotografen wenig Neues erzählen können. »Die Magie des Bokehs« hat in meinen Augen genau den richtigen Umfang um dem Hobby-Fotografen das Thema schmackhaft und Lust auf die beschriebenen und vorgeschlagenen Experimente zu machen. Das Büchlein ist gut in ein bis zwei Stunden zu lesen. Den Preis von 5 Euro finde ich angemessen.

Kaufen könnt ihr »Die Magie des Bokehs« hier.

Das Buch ist die beste Investition seit langem!

Rezension via Amazon

Eine umfassende und gründliche Einführung in die Themen Grafik und Design, interessant geschrieben und nicht nur für Grafiker, sondern auch für Fotografen mit hohem Nutzwert.

Michael Omori Kirchner, www.fotografr.de

Vor allem für Neulinge ist »Grafik und Gestaltung – Das umfassende Handbuch« von Markus Wäger Inspiration und überlebensnotwendiges Praxiswissen in einem. Für alte Designhasen ist das Buch mehr als nur ein optimales Nachschlagewerk für die tägliche Arbeit – es regt an, gewohnte Prozesse und Sichtweisen zu überdenken.

Rezension mackauf.de

Unser Jahrgang lernt grad für die anstehende Prüfung zum Mediengestalter. Mit ›uns‹ spreche ich von den Schülern
der da! in Rostock. Wir haben Ihr Buch »Grafik und Gestaltung« erhalten. Vielen Dank für das Werk. Im Gegensatz zu anderen Fachbüchern sticht es vor allem dadurch hervor, dass es das Beschriebene anwendet – das macht es um Welten angenehmer, als manche Bleiwüste.

Friedemann Ohse, Designakademie Rostock

Der Verfasser hat ein Handbuch vorgelegt, das sowohl dem Einsteiger wie dem Profi eine Vielzahl äußerst nützlicher Informationen zum Umgang mit den verschiedenen Mitteln des Grafikdesigns an die Hand gibt. Zudem ist es so geschrieben, dass man sich gerne versehentlich festliest. Ein Muss für jeden spezialisierten Kreativen, der über den Tellerrand seiner Disziplin
hinausblicken will.

Pressestimme aus der Zeitschrift Docma

Super Buch, wirklich sehr schön erklärt.
Die Kapitel lassen sich super am Stück lesen, was nicht
oft vorkommt bei ›Lernbüchern‹.

Semih Morel, Gaissau

Weitere Leserstimmen gibt es in Rezensionen bei Amazon.

Grafik und Gestaltung — das umfassende Handbuch 620 Seiten ISBN: 978-3-8362-1206-9 Info und Bestellung direkt bei Galileo-Design oder über Amazon.

AF NIKKOR 24–85mm 1:2,8–4D

FourThirds ist nicht genug | Meine letzte Reise unternahm ich mit meiner Panasonic Lumix G3 mit 20mm ƒ1.7 Festbrennweite als einzige Kamera und einziges Objektiv. Nach meiner knapp einjährigen Erfahrung mit der Micro FourThirds-Kamera bin ich ein bisschen enttäuscht von dem Möglichkeiten der recht kleinen Bildsensoren dieses Kamerasystems. In Kombination mit den zumeist relativ lichtschwachen Objektiven, die für das System verfügbar sind, ist das Spiel mit Schärfentiefe doch nur eingeschränkt möglich. Deshalb entschloss ich mich auf meinen diesjährigen Urlaubsflug zur Kanaren-Insel La Palma wieder meine D700 einzupacken.

Doch etwas mehr als Festbrennweite | Letztes Jahr war ich schwer bepackt mit mehreren Linsen nach La Palma geflogen, hatte dann aber in erster Linie eine Sigma 24mm ƒ1.8 Festbrennweite in Verwendung. Dieses Jahr sollte mir ein Zoomobjektiv wieder mehr Gestaltungsfreiraum in Sachen Perspektive geben. Nur: Meine Zooms sind überwiegend große, schwere Profi-Objektive. Am ehesten wäre das 24–70mm ƒ2.8 in Frage gekommen. Ein tolles Objektiv und das Standard-Zoom vieler Profis. Aber das Teil ist ohne ohne Streulichtblende 133mm lang und wiegt 900g. Zusammen mit der Kamera sind das dann fast 2kg im Gepäck. Ich begab mich also auf die Suche nach einem etwas leichteren und kompakteren Objektiv und landete bei drei möglichen Optionen (siehe diesen Artikel).

Der neue Reisebegleiter | Entschieden habe ich mich am Ende für das 24–85mm ƒ2.8–4mm – trotz der widersprüchlichen und teilweise schlechten Berichte darüber. An und für sich ist die Linse nicht mehr ganz ‘State of the Art’. Es verfügt weder über die SWM Innenfokussierung mit der Möglichkeit zur manuellen Nachstellung ohne auf Manuell stellen zu müssen, noch über eine Nikon VR Bildstabilisierung. Dafür ist es aber mit knapp 83mm ein gutes Drittel kürzer und wiegt mit 545g mehr als ein Drittel weniger als das 24–70.

Neben Gewicht und Volumen fand ich den Brennweitenbereich von 24mm bis 85mm interessant. Das sind im Grunde genau die 15mm, die mir beim 24–70mm oft fehlen; zum Beispiel wenn ich Gesichtsporträts machen möchte. Dann ist ƒ2.8 bis ƒ4 doch deutlich lichtstärker, als ƒ3.5 bis ƒ5.6, beim 24–120mm und beim 28–300mm Nikkor – bei letzterem würde ich auch die +4mm Weitwinkel vermissen. ‘Last but not least’ hat auch die Makro-Funktion des 24–85mm seinen Reiz. Es wurde zwar kritisiert, dass das Umstellen auf Makro etwas umständlich sei – immerhin ist der Makro-Modus nicht im ganzen Brennweitenbereich, sondern nur von 35–85mm verfügbar. Man muss also erst das Zoom auf mehr als 35mm stellen und kann erst dann einen Schalter nach Makro bewegen und beim Zurückstellen auf den normalen Modus muss erst wieder aus dem Nahbereich raus fokussiert werden. Doch das klingt viel komplizierter als es ist. Hat man das gecheckt und zwei, drei Mal gemacht, geht es ohne nachdenken ganz automatisch.

Schöne Resultate mit bedenklicher Geometrie | Was mir am Ende zählt sind die Resultate und die finde ich überraschend gut. Dazu ist zu sagen, dass ich kein Pixelzähler bin. Mir zählen die subjektiven Eindrücke, die meine Fotos vermitteln. Ich überprüfe nicht die Schärfeverteilung von der Mitte nach außen über alle Blenden- und Brennweitenbereiche hinweg. Subjektiv löste die Bildwirkung bereits bei der Rückschau am Kamera-Display Begeisterung bei mir aus. Das 24–85mm liefert Resultate mit einer schönen Farbigkeit und einem angenehm weichen Kontrast. Kritisch kann ich lediglich eine seltsam wellenförmige Verzerrung im Weitwinkelbereich anmerken, die sich nur schwer digital korrigieren lässt (wobei ich die Korrektur weder in Nikons Capture NX2 noch mit Hilfe eines Spezialisten, wie DX Optics überprüft habe). Wer also gerne und viel Geometrie und Architektur fotografiert wird mit diesem Objektiv eher wenig Freude haben. Allen anderen kann ich es mit gutem Gewissen empfehlen.

Was man im Urlaub halt so fotografiert.

Ein kleines Bisschen ‘Street’.

Durchaus brauchbarer Makro-Modus. Diese Aufnahmen wären mit einem anderen Standardzoom so wohl nicht möglich gewesen.

Auch mit Bokeh lässt sich gut spielen und die Resultate gehen in meinen Augen durchaus in Ordnung.

Weniger berauschend: Die geometrische Verzerrung im Weitwinkelbereich. Die Architektur auf La Palma entspricht zwar nicht immer streng geometrischen Kriterien, aber die Wellenlinie oben am Bild dürfte doch eher durch die Verzerrung des Objektivs so ausgefallen sein.

Bislang hatte ich Photoshop ohne Fachwissen genutzt und doch den einen/anderen Fotowettbewerb gewonnen. Und dennoch: Es wurde mal Zeit, sich mit diesem Programm näher zu befassen. Da erschien mir dein Buch Adobe Photoshop CS5 genau als richtig. Was mir auffiel, ist die geniale Erklärungsschiene, die es einem wirklich leicht macht zu lernen/begreifen. Es macht Spaß, die Theorie des Buches mit der Praxis zu verknüpfen.

Wolfgang Stemme

Weitere Leserstimmen gibt es in Rezensionen bei Amazon.

Adobe Photoshop CS5 — Schritt für Schritt zum perfekten Bild ca. 448 Seiten komplett in Farbe ISBN: I978-3-8362-1590-9 Info und Bestellung direkt bei Galileo-Design oder über Amazon.

Ich studiere und genieße seit ein paar Tagen ihr Buch über die Nikon D700. Habe es im norditalienischen Triest entdeckt, in einer Buchhandlung bei deutschsprachigen Büchern. Das war die Botschaft!

Selber habe ich die Sony Alpha 900. Aber ihr Buch ist für mich auch ein Schlüssel Funtionen meiner Sony und fotografische Themen besser zu verstehen. Sie haben die Gabe gut und spannend zu unterrichten.

Bernhard Weishaupt, Innsbruck

Im 2006 habe ich meine erste Speigelreflexkamera gekauft (Nikon D80) – dieses Jahr habe mein Sortiment mit Nikon D700 erweitert. Ihr Buch zur Kamera war und ist mir einer der wichtigsten Lehrer bezüglich Fototechnik.

Durch die genauen, gut aufgebauten Beispiele und der sehr verständlichen Beschreibung (z.B. Histogramm, Tonwerte, Farbkanäle und wie die Blitzaufnahmen funktionieren), habe ich jetzt als vorweigende Autodidaktin Vieles begriffen, was für mich durch vorheriges Literaturstudium oft zu wenig nachvollziehbar war. Echt Spitze!

Annemarie Leiser, Zürich

Gerade den mittleren und den letzte Teil des Buches, also »Grundlagen für Fortgeschrittene« und »Voreinstellungen und Funktionen«, fand ich besonders interessant. Hier wird nämlich richtig Wissen vermittelt, anschaulich kurz, knapp und präzise. Fast schon zu viel Information, um alles auf einmal aufzunehmen. Deswegen werde ich das Buch immer wieder zur Hand nehmen (müssen).

Ralf-Jürgen Stilz

Weitere Leserstimmen gibt es in Rezensionen bei Amazon.

Kreativ fotografieren mit Canon Powershot G12|S95

Rohskript das als PDF bei mir angefordert werden kann.

Endlich verstehe ich die wichtigen Funktionen wie Blende, ISO, Belichtung, und, und, und. Ich habe ja schon so Einiges gelesen, habe aber als blutiger Laie nicht wirklich etwas verstanden und wenn, dann nur Bruchteile. In diesem Buch ist Alles so gut und einleuchtend erklärt, dass selbst ich als Einsteigerin es verstehen und umsetzen kann.

Andrea Thiemann

Ich unterrichte an der Hochschule der Medien Stuttgart Fotografie und stelle das Skript über G12|S95 meinen Studenten zur Verfügung. Die Bibliothek hier hat zwar auch Bücher, doch es fasst die wichtigen Punkte so einfach zusammen, dass ich glaube, dass es den Studenten mehr bringt.

Petra Rösch, Baden-Württemberg

Danke.

Frage

»Wenn ich ein Foto mache (es ist eine Canon) dann ist das sehr oft verwackelt. Mit Blitz ist es nicht verwackelt, aber die Farben sind nicht mehr so schön. Liegt das an irgendwelchen Einstellungen? Ich habe eine Nikon und wenn ich Fotos mit ihr schieße, sind diese nicht verwackelt.«

Antwort

Wenn es sich tatsächlich um sichtbare Verwackelung, und nicht einfach nur Unschärfe handelt, würde ich das Problem ziemlich klar auf eine zu kurze Belichtungszeit eingrenzen. Dafür spricht auch, dass die Bilder laut Beschreibung beim Blitzen scharf werden.

Der Blitz friert ein | Beim Blitzen erfolgt die Belichtung zum größten Teil durch den Blitz, der sein Licht in der Regel lediglich für einen Zeitraum von 1/1000 Sekunde oder deutlich kürzer auf das Motiv wirft. Dieser Zeitraum ist so kurz, dass praktisch jegliche Bewegung gestochen scharf eingefroren wird – egal ob sich das Motiv bewegt oder der Fotograf die Kamera nicht ganz ruhig hält.

Ohne Blitz werden Belichtungszeiten länger | Fotografiert man ohne Blitz, führt bereits die geringste Unruhe beim Halten der Kamera zu einer sichtbaren Verwackelung. Ohne Blitz braucht die Kamera, je nach Intensität des Umgebungslichts, oft 1/50, 1/10 oder gar 1/2 Sekunde Belichtungszeit. Das ist in den meisten Situationen zu lang um Bilder ohne sichtbare Verwackelung einfangen zu können. Lediglich in hellen Tageslichtsituationen sind Belichtungszeiten von 1/500 Sekunde oder kürzer die Regel. Für eine Belichtungszeit, die der Dauer einer Blitzsalve entspricht, muss es schon sehr hell sein und die Sonne so richtig aufs Motiv knallen.

Leben ist Unruhe | Grundsätzlich sind wir Menschen nicht in der Lage eine Kamera völlig ruhig zu halten – jedenfalls nicht, solange wir noch Leben in uns haben und die Leichenstarre noch nicht eingesetzt hat. Hat man einen Kaffee zu viel intus, wird die Unruhe vielleicht noch stärker. Eine Verrenkung, um eine Makroaufnahme aus einer ungewöhnlichen Perspektive einzufangen, führt auch nicht unbedingt zur Stabilisierung unserer Hände. Selbst wenn wir die Kamera mit der Ruhe einer Leiche halten könnten, wäre da noch immer der Spiegel, der in der Spiegelrefelxkamera vor dem Auslösen des Bildes hochklappt und das deutlich vernehmbare »Klack« erzeugt, der die Kamera etwas erschüttert und eine leichte Verwackelung als Spur im Bild hinterlässt.

Ausreichend kurze Belichtungszeit | Um sichtbare Verwackelung zu vermeiden gilt es eine einfache Regel zu beachten. Die Faustregel besagt, dass man etwa eine Belichtungszeit, die dem Kehrwert der Brennweite entspricht, aus freier Hand halten kann (siehe dazu auch meinen Artikel aus der Serie »Kreativ fotografieren«). Das heißt, bei Brennweite 50mm etwa 1/50, bei Brennweite 100mm etwa 1/100 Sekunde und so weiter.

Brennweitenverlängerung und Bildstabilisierung | Streng genommen muss man sich nun noch die Frage stellen, worauf diese Brennweite bezogen ist, denn eine Brennweite an einer Olympus Spiegelreflex ist nicht gleich dieselbe Brennweite an einer Canon oder Nikon Spiegelreflex mit Vollformat-Sensor. In der Faustregel vom ›Kehrwert der Brennweite‹ bezieht man sich auf das sogenannte Kleinbildformat.

Das Kleinbildformat nutzen aktuell lediglich professionelle Top-Modelle von Canon, Nikon und Sony. Wer eine Consumer-Spiegelreflex von Canon nutzt hat einen Umrechnungsfaktor von 1,6 zu berücksichtigen. Das heißt 100mm an seiner Kamera entspricht 160mm Kleinbild (KB). Bei Nikon, Sony und Pentax Consumer-Modellen ist der Umrechnungsfaktor 1,5 und bei Olympus und Panasonic beträgt der Umrechnungsfaktor 2; das heißt bei den beiden Letztgenannten entspricht 100mm 200mm auf Kleinbild umgerechnet.

Das heißt, wer keine Vollformatkamera hat muss die Brennweite, die das Objektiv an seiner Kamera anzeigt, erst einmal auf Vollformat (Kleinbild) umrechnen. Bezogen auf Nikon/Sony/Pentax heißt das, dass 50mm kaum eine längere Belichtungszeit als 1/75 aus freier Hand zulässt und dass man bei 100mm 1/150 Sekunde nicht unterschreiten sollte. Bei Olympus ist bei 100mm Brennweite gar 1/200 Sekunde und kürzer gefordert.

Wer ein Objektiv oder eine Kamera mit Bildstabilisierung hat, kann allerdings auch wieder längere Belichtungszeiten aus freier Hand halten.

Aufnahme-Einstellungen überprüfen | Digitale Fotografie macht es einfach zu überprüfen, ob tatsächlich eine zu lange Belichtungszeit Ursache für eine Verwackelung gewesen sein könnte. Die meisten Programme, mit denen man Fotos betrachten und bearbeiten können, bieten eine Möglichkeit sich die sogenannten Meta-Daten anzeigen zu lassen. So findet man zum Beispiel im Menü ›Datei‹ in Photoshop die ›Dateiinformationen‹.

Klickt man hier auf ‘Camera Data’ (›Kameradaten‹) dann wird unter anderem die Brennweite (hier 24mm) und Belichtungszeit (hier 1/100 Sekunde) angezeigt. In diesem Fall sollte das Bild ohne sichtbare Verwackelung eingefangen worden sein. Hätte ein Bild eine Verwackelung und es stünde hier – zum Beispiel – 100mm Brennweite und 1/25 Sekunde Belichtung, dann wäre es klar, was die Ursache wäre.

ISO-Automatik | Zurück zur Ausgangsfrage: Der Grund weshalb die Zweitkamera von Nikon unverwackelte Bilder bringt und die Spiegelreflex von Canon bei vergleichbaren Lichtsituationen nicht, könnte an der ISO-Automatik liegen. Diese Automatik ist bei Kompaktkameras oft voreingestellt und hilft Verwackelungen bei ungünstigen Lichtverhältnissen zu vermeiden. Gleichzeitig führt eine Erhöhung des ISO-Wertes allerdings zum sogenannten Bildrauschen, was erstens auch nicht schön ist und zweitens die Schärfe von Bildern untergräbt. Bei der Spiegelreflex wird diese Automatik wohl von Haus aus deaktiviert sein.

Die Top-Favoriten der Präsentatoren für die neue Version von Photoshop reißen mich nicht von den Socken. Das alles mag in den YouTube-Filmchen toll aussehen und beeindrucken. Doch den praktischen Nutzen des Meisten bezweifle ich einmal ganz frech. So sieht man zum Beispiel bei Terry Whites sechstem Top-Feature, dem Content-Aware-Move-Tool, dass es dort, wo das Auto stand, einen ziemlichen Sauhaufen hinterlässt.

Trotzdem bin ich nach den ersten Stunden mit Photoshop CS6 sehr angetan. Die Oberfläche ist sinnvoll überarbeitet worden und die Aufteilung verschiedener Funktionen auf zum Teil neue Paletten erlauben ein deutlich flüssigeres Arbeiten. Flüssiger fühlt sich Photoshop CS6 generell an. Adobe scheint unter der Haube einiges gemacht zu haben; ich habe den Eindruck es arbeitet deutlich schneller als CS5.

Wenig begeistern kann mich der dunkle Ton des Interfaces. Doch so düstere Oberflächen liegen derzeit vor allem für die Bildbearbeitung sehr im Trend. Das Resultat ist hier in Photoshop, dass durch die relativ hellen und somit aufdringlichen Symbole und Beschriftungen der Paletten die Oberfläche sehr unruhig wird. Außerdem lassen die dunklen Farben der Umgebung die Farben in Bildern sehr kräftig und leuchtend aussehen, was die Bearbeitung negativ beeinflussen kann.

Nach meiner Erfahrung ist ein Arbeitsbereich mit einer Helligkeit zwischen 50% und 75% Schwarz ideal, weil sich die Oberfläche damit am neutralsten verhält. Gerade ein mittlere Helligkeit für den Hintergrund von Bildern hilft bei der Einstellung des Weißabgleichs und bei der Neutralisierung von Farbstichen, weil das Auge mit dem Mittelgrund eine Referenzfläche zur Orientierung vor sich hat. Am schlechtesten für Farb- und Kontrastanpassungen ist vor allem ein völlig schwarzer Hintergrund.

Glücklicherweise bietet Adobe dem Anwender die Möglichkeit die Helligkeit der Oberfläche seine Anforderungen anzupassen. Ich habe jedenfalls nach dem ersten Starten von Photoshop CS6 als erstes Licht gemacht, indem ich die Voreinstellungen auf das hellste Grau geändert habe. Somit ist die Welt wieder in Ordnung.

Terry White’s 6 Favorite Photoshop CS6 beta Features – YouTube.

Auf jeden Fall liebe ich meine Festbrennweiten. 24mm von Sigma, 28mm von Nikon, 35mm von Nikon, 40mm (KB) von Panasonic, 50mm von Nikon und 105mm. Von Nikon. Nur das neue 85mm ƒ1.8 harrt noch auf der Wunschliste. Übrigens auch von Nikon.

Weniger Ballast, mehr Herausforderung | Vor Jahren bin ich mit 14–24mm, 24–70mm, 70–200mm und 70–300mm auf Reisen gegangen. Würde ich heute nicht wieder machen. Für die letzten beiden Urlaubsreisen – nach La Palma und quer durch Österreich – habe ich jeweils nur eine (!) einzige Festbrennweite eingepackt. Habe ich es bereut? Keineswegs! Rücken und Schultern waren froh. Hat es weniger Spaß gemacht? Im Gegenteil! Verschiedenste Motive mit einer einzigen Brennweite ansprechend einzufangen ist eine größere Herausforderung, als wenn man die Perspektive mit flexibler Brennweite aktiv kreativ gestalten kann. Diese Flexibilität ist natürlich durchaus ein Vorteil von Zooms. Es heißt aber nicht, dass man mit Festbrennweiten keine bemerkenswerten Ergebnisse erzielen kann. Es kostet nur oft etwas mehr Anstrengung. Und gerade dieser erhöhte Herausforderung mag es sein, dass man trotz der eingeschränkteren Möglichkeiten doch oft bessere Treffer erzielt, als in der Komfortzone des Zooms. Einmal ganz abgesehen davon, dass das Preis-Qualitäts-Verhältnis bei Festbrennweiten oft besser ist.

Mit der Festbrennweite quer durch Österreich

Neben meiner Leidenschaft für Fotografie und Design habe ich auch eine für offenes Fahren. Regelmäßig fahren ich und meine Frau in meinem kleinen japanischen Reiskocher Straßen und Pässe in der näheren und weiteren Region ab. Auf meine letzte Reise kreuz und quer durch Österreich habe ich lediglich meine Zweitkamera mitgenommen, die Panasonic Lumix G3, mit einem 20mm ƒ1.7 Festbrennweiten-Objektiv mitgenommen. Umgerechnet auf Kleinbild entspricht dieses 20mm-Objektiv 40mm und ist somit irgendwo zwischen leichtem 35mm Weitwinkel und 50mm Normalobjektiv zu sehen. Ein bisschen eng, für einen Weitwinkelfreund wie mich, aber doch gut zu gebrauchen. Die folgenden Bilder stammen allesamt von dieser Reise und sind somit mit demselben Objektiv und derselben Brennweite entstanden.

Meine Kamera für Unterwegs. Die G3 mag mir zwar nicht so recht ans Herz wachsen – sie vermittelt mir nicht das Gefühl eine Seele zu haben – aber sie ist dennoch eine praktische Kamera mit guten Eigenschaften in einem recht kompakten Gehäuse. Besonders mit dem 20mm ƒ1.7 kann man die G3 gut einsetzen.

Es kommt auf die Perspektive an. Enten sind zwar keine aufregenden Motive und auch das Licht ist hier eigentlich recht langweilig, aber der Blick aus Entenaugenhöe auf die Vögel, das Schilf und die tiroler Berge dahinter macht das Motiv dennoch durchaus interessant.

Auch Schmetterlinge sind jetzt nicht so die spannenden Motive, zumal es sich um Exemplare handelt, die in unseren Landen über alle Wiesen, Auen und Wälder flattern. Dennoch mache ich das kleine ‘catch me if you can’-Spiel, zu dem einen die Mistviecher immer einladen. Setzen sich erst vor deiner Nase auf eine Blume und kaum hast du die Kamera eingeschaltet, machen sie schon wieder den Flattermann. Schmetterlinge sind groß genug um sie trotz eines Minestabstands von 20cm, beim Panasonic 20mm ƒ1.7, einigermaßen formatfüllend einfangen zu können und nach dem Urlaub sagen zu können »Schau mal, ich hab da auch ein Makro.«

Besonders weite Panoramen muss man mit 40mm Kleinbild natürlich nicht einfangen wollen – dafür ist der Ausschnitt viel zu eng. Aber ein bisschen Landschaft geht immer. Die Bäume und Äste im Vordergrund geben dem Bild etwas tiefe und verhindern, dass das Bild von Bergen und Felsen zu flach wirkt. Vor allem der halb angeschnittene Baum rechts tut der Gesamtkomposition recht gut. Der leicht durchzogene Himmel ist interessanter, als wenn er mit flächigem Blau angemalt wäre.

Wege gehören, neben Türen und Fenstern (‘yes, I like windows’), zu meinem liebsten Motiven. Dieses Bild zeigt, dass sich auch mit 40mm schön mit perspektivischer Tiefe arbeiten lässt. Und auch hier garnieren die Wölkchen schön den Himmel.

Passend zu meinem Sarkasmus und meinem Faible für schwarzen Humor fasziniert mich das Schwindende und Verfallende. Die Bildentwicklung in schwachen Farbtönen kommt dem Motiv entgegen.

Und noch eine Leidenschaft: Street Photography. Allerdings hier von der Street durch das offene Fenster in die Küche eines Restaurants fotografiert. Frag mich aber jetzt niemand wie weit ich dabei die Grenze des Legalen schon überschritten habe.

Grünes Licht. Nichts weiter.

Urlaub und Abendrot. Gehört irgendwie zusammen. Auch wenn dieses Abendrot ein Morgenrot ist.

Das empfundene Blau in der Realität vor Art habe ich trotz aller Nachbearbeitung nicht zustanden gebracht. Leider sind Bildschirme nicht in der Lage alle in der Natur vorkommenden Farben in ihrer tatsächlichen Leuchtkraft wieder zu geben. Schön finde ich es allemal.

Schrieb ich nicht eben weiter oben, dass ich Fenster liebe? Besonders wenn sie von so einem dezenten Lichtstrahl gestreift sind wie hier.

Eine Tür. Licht. Diagonale Linien. Dynamik. Eines meiner liebsten Bilder der Österreichrundfahrt 2011.

Noch ein stiller Favorit der Reise, aufgenommen in einer Kirche in der Wachau.

Dieses Bild hat den Titel »Das schnelle Paket« erhalten. Ich muss immer wieder schmunzeln, wenn ich es sehe. Kann mich voll identifizieren, mit dem kleinen Penner. Übrigens einmal mehr ein klassisches Beispiel für das ›Vier Schritte zum Bild‹-Konzept: Perspektive (Augenhöhe), Schärfe (geringe Schärfentiefe zum Freistellen), Belichtung (etwas dunkler eingestellt) und Komposition (asymmetrisch, was der Bildinhalt zulässt). Und gut is.

Die tatsächlichen Wahrzeichen aller Touristenorte sind eigentlich die Andenken-Läden. Hier einmal einer der einen wirklich zum Eintreten einladen könnte.

Kein gutes Foto, aber ein witziges Bild, wie ich finde, der grinsende Schädel.

Kirchenbesuche gehören bei Städte- und Orte Touren irgendwie dazu. Wobei es hier wieder einmal das Licht war, das mich zur Aufnahme bewegt hat.

Warum ich auch mit solchen Aufnahmen immer wieder heimkehre, weiß ich eigentlich auch nicht. Wahrscheinlich weil man das halt so macht und weil es nichts kostet.

Schön bunt und schön tief. Letzteres trotz 40mm Brennweite.

Anderes Wetter, andere Region, andere Stimmung. Und immer dieselbe Brennweite. Die Entwicklung der Bilder soll die Stimmung vor Ort unterstreichen. In Farbe wären die Aufnahmen dieser Höhentour völlig langweilig und nur trostlos geworden.

Trotz dem nicht allzu großen Sensor der Panasonic G3 und der mit 40mm auch relativ kurzen Brennweite, lässt sich bie Offenblende ƒ1.7 doch ein bisschen mit Schärfentiefe spielen.

Noch ein Motiv aus Licht und Farbe.

Der Weg ist mein Ziel | Wie gesagt: Alle Bilder sind mit demselben Objektiv bei derselben Brennweite entstanden. Ich kann mich an keine Situation erinnern, an der mir ein Zoom tatsächlich abgegangen wäre. Hätte ich ein anderes Objektiv – vielleicht auch ein Zoom – dabei gehabt, hätte ich sicher anders fotografiert. Doch bei meinen Foto-Touren geht es mir nicht darum bestimmte Dinge auf bestimmte Art einzufangen. Ich weiß ja noch gar nicht was auf mich zukommt. Es geht mir vielmehr darum raus zu gehen und zu schauen welche Motive mir passieren. Und dabei fange ich die ein, die ich mit meinem aktuellen Objektiv gerade erreichen kann. Man kann also sagen ich konzentriere mich auf die Motive, die zum Objekti passen.

Etwas anderes ist es, wenn ich ein Shooting mit einer Person vereinbare, ein bestimmtes Gebäude oder eine Landschaft von einem bestimmten Standpunkt aus ablichten möchte. Dann muss ich die Ausrüstung einpacken, die zum Motiv passen.

Ob so oder so: Was mir zählt ist die Freude an der Fotografie und die Aktive Auseinandersetzung mit Motiven. Das hat so ein Hauch von Flow; von Einswerden mit Motiv und Kamera. Die fertigen Aufnahmen sind mehr so etwas wie ein angenehmer Nebeneffekt. Natürlich freue ich mich, wenn die Resultate gut werden; wenn ich sie wieder sehe und sie Erinnerungen an die Zeit der Entstehung auslösen. Deshalb laufen meine Fotoalben auch als Bildschirmschoner auf meinem Wohnzimmmer-Mac.

Zurück zur Reise und zur 40mm-Brennweite: Ein paar Situationen hat es gegeben, in denen mir der Blickwinkel deutlich zu eng war. In diesen Situationen habe ich einfach mehrere Aufnahmen der Szene gemacht und die Einzelbilder von Photomerge in Photoshop zu einer Gesamtansicht zusammen bauen lassen. Das Programm ist mittlerweile so gut, dass man auch aus freier Hand und ohne Stativ fotografieren kann und trotzdem herzeigenswerte Urlaubsaufnahmen erhält.

Dieses Bild besteht aus beinahe einem Dutzend Einzelaufnahmen neben- und übereinander, die Photoshops Photomerge zu einem Ganzen zusammengebaut hat. Ich hätte während der Aufnahme nicht gedacht, dass es tatsächlich gelingt.

Auch hier war es mir nicht möglich weit genug vom Schloss weg zu kommen, um es mit dem Blickwinkel der 40mm Brennweite einzufangen. Photoshop hat diese Ansicht aus drei Einzelbildern zusammen gesetzt, die ich im Hochformat aufgenommen habe.

Und noch ein Photomerge-Panorama.

Auch wenn Blogs und Feeds seit langem tot gesagt sind bin ich nach wie vor ein Fan davon und habe zahlreiche abonniert und besuche sie regelmäßig, sobald mir meine Feedreader Reeder oder Flipboard anzeigen, dass es Neuigkeiten gibt. Mir fiele keine bessere Möglichkeit ein mit Neuigkeiten versorgt zu werden, auch Twitter neben RSS-Feeds zu einem wichtigen Versorgungstool geworden ist.

Wenn ich mir meine Blog-Statistiken heute ansehe, dann fällt auf, dass die Besucherzahlen, seit ich mit der Analyse begonnen habe, weitgehend gleichgeblieben sind. Feedburner zeigt relativ kontinuierlich etwa 500 Abonnenten an, und die Zahl täglicher Besucher wird mit 200–300 ausgewiesen.

Kontinuierliche Besucherzahlen | Etwas bedauerlich, dass es keinen nennenswerten Zuwachs gibt. Allerdings bin ich mir auch bewusst, dass es im Wesentlichen meine eigene Verantwortung ist, dass das Blog kein kontinuierliches Wachstum verzeichnen konnte. Zum Einen hat sich der Inhalt über die Jahre verändert. Ging es die ersten Jahre noch vor allem um Typografie und Grafikdesign, ist in den letzen Fotografie immer wichtiger geworden. Zum Anderen gab es auch immer wieder längere Phasen, in denen ich einfach nicht die Zeit hatte das Blog zu pflegen und zu publizieren. So haben sich Inhalt und Aktualität immer wieder geändert. Positiv allerdings sollte zu bewerten sein, dass der Besucher heute doppelt so lange bleibt, als es zu Beginn der Aufzeichnungen 2008 der Fall war.

Visuelle Inspiration | 2010 habe ich interessante Fundstücke und Kurzmeldungen in ein separates Parallel-Blog mit dem Namen »Visuelle Inspiration« ausgelagert. Außerdem gibt es eine Facebook-Page auf der meine Aktivitäten hier, bei Visuelle Inspiration und bei Twitter zusammenfließen.

Wenig Diskussion | Was ich bedauere ist, dass es mir nicht gelungen ist Besucher zu Kommentaren und Diskussionen zu bewegen; nur vereinzelt wird einmal ein Post kommentiert. Etwas neidisch blicke ich da auf die bloggenden Kollegen, bei denen jeder Artikel mit einem halben dutzend und mehr Kommentaren ergänzt und erweitert wird. Ich grüble darüber nach an was es liegen konnte. Schreibe ich als Autor und Referent so Oberlehrerhaft, dass kaum jemand einen Kommentar wagt? Sind die Artikel so klar, dass es nichts zu bemängeln und zu ergänzen gibt (außer von den zwei oder drei Besuchern, die in jeder Suppe ein Haar zu finden müssen glauben)? Oder sind die Artikel so schlecht, dass kaum jemand sie eines Kommentars würdig findet. OK. An letzteres glaube ich jetzt nicht wirklich, sonst hätte ich längst zu Schreiben aufgehört. Vielleicht liegt es auch einfach daran, dass ich selbst kaum bei anderen Blogs kommentiere und mich eher darauf beschränke interessante Artikel via Facebook, Twitter und »Visuelle Inspiration« zu teilen.

Die nächsten sechs Jahre | Auch wenn ich manchmal darüber nachdenke das Bloggen einzustellen, weil es viel Zeit frisst und die Resonanz oft so gering erscheint, kann ich mir gut vorstellen, dass ich auch die nächsten sechs Jahre dran bleiben werde, denn am Ende macht mir das Schreiben Spaß. Ich ich hoffe, dass es auch ein paar Besucher gibt, denen das Lesen Spaß macht und die mit meinen Artikel etwas anfangen können.

Es sind profane Bilder, die ich heute gemacht habe. Einmal mehr. Aber ich liebe es trotzdem. Fotos können einen dermaßen anderen Blick auf alltägliche Dinge liefern. Können. Oft sind Bilder profaner Dinge einfach nur profan. Aber manchmal zeigen Fotos etwas, was sich dem menschlichen Auge nicht erschließt.

Kaum erblüht und schon etwas abgefuckt, die kleinen Blüten. Aber wunderschöne Farben. Der Blickwinkel auf Augenhöhe und das nette Bokeh, das durch die offene Blende (ƒ4) entstanden ist, verleihen dem Bild einen bescheidenen Reiz; ›bescheiden‹ im durchaus positven Sinn.

Fleißig müssen sie gewesen sein, die Spinnen, um diesen Ast – und ein paar andere im direkten Umfeld – dermaßen einzuspinnen. Und die Sonne hat das kleine Kunstwerk plastisch ausgeleuchtet. Die offene Blende, ƒ4, hat auch hier geholfen die Plastik vom Hintergrund freizustellen.

Wo wir grad bei fleißig sind: Auch die Bienen waren es heute schon. Bienen im Flug scharf zu erwischen ist eine besondere Herausforderung. Wer mit einer Spiegelreflex fotografiert, und wie ich, im Vollformat, tut gut daran die Blende zu schließen. Ich habe Blende ƒ11 eingestellt. Genug Schärfentiefe um die Biene einigermaßen von vorne bis hinten scharf abbilden zu können. Und es vergrößert die Chance das Tier einigermaßen scharf zu erwischen. Blende ƒ22 oder kleiner wäre natürlich noch besser. Aber dann werden die Belichtungszeiten zu lang.

Helfen kann auch Serienbildaufnahme. Klack-klack-klack-klack-klack – Fotografieren wie mit dem Maschinengewehr erhöht die Chance auf einen Treffer immens. Allerdings nicht immer. Heute hat’s leider nicht gereicht.

Beinahe böse sieht der kleine Honigsammler hier aus. Freistellen geht im Makro-Bereich mit Spiegelreflex und Vollformat von selbst. Man sollte die Blende schließen, um winzige Tiere von vorne bis hinten scharf abzubilden.

Jetzt ist sie weg, die Biene. Aber hat das Buschwindröschen nicht dennoch seinen Reiz?

Es war einfach an der Zeit, dass mein Blog neue Kleider bekommt. Nach Jahren mit viel dunklem Grau wollte ich einmal etwas Helleres und Freundlicheres mit weniger Kontrast.

»Ich habe bei Amazon eine äußerst negative Kritik hinsichtlich der Verarbeitungsqualität des Buches (›Kreativ fotografieren‹) gelesen. Da ich selbst demnächst ein Buch fertig habe, das ich auch über BoD veröffentlichen möchte, würde es mich interessieren, ob es nur ein ›Nörgler‹ war, oder ob es wirklich Probleme mit der Qualität bei BoD gibt.«

Meine Antwort:

»Die Qualität der BoD-Bücher ist sicher nicht auf dem Niveau, das vom klassischen Offset zu erwarten ist. Das Papier hat die Anmutung von Kopierpapier und die Bindung hinkt dem normalen Buchdruck etwas hinterher. Ich habe bereits mehrere Feedbacks bekommen, die in diese Richtung deuten.

Das Gros der Leser scheint diesen ›Mangel‹ aber nicht zu bemerken und nicht zu bemängeln – auch diesbezüglich habe ich (wohlwollendes) Feedback erhalten.

Ich persönlich finde die Qualität, in Anbetracht dessen, dass die Bücher digital, und bei Bedarf als Einzelexemplare, gedruckt werden, sehr gut und die Preise von BoD für Druckwerke absolut in Ordnung (eBooks werden von BoD nach meiner Ansicht hingegen viel zu teuer verkauft). Was die Farbverbindlichkeit der Bilder angeht, funktioniert das Farbmanagement sogar sehr gut. Es verlangt jedoch vom Setzer und Gestalter des Buches sich in diesen Dingen auszukennen (Anmerkung: Ich habe auch ein einzelnes Exemplar gesehen, bei dem die Farben gar nicht stimmten und alles einen Magenta-Stich hatte; ein Laie hat dazu allerdings bemerkt, dass ihm das gar nicht auffiele).

Natürlich muss sich der Leser fragen, weshalb er (in meinem Fall) 45 Euro für ein Buch ausgeben soll, wenn er einen vergleichbaren Umfang bei klassischen Verlagen zum Teil um die Hälfte bei besserer Qualität haben kann. Ich glaube, dass das Konzept des Buches vom Inhalt anderer Fotoschulen abweicht und einen Nutzen liefert, der diese 45 Euro zu einer guten Investition macht – sonst hätte ich das Buch nicht geschrieben und verlegt.

Welche Bedeutung der einzelne Leser der Qualität der Verarbeitung beimisst, und welches Gewicht er auf die Qualität des Inhalts legt, muss jeder selbst entscheiden. Der besagte Rezensent schreibt zwar, dass der Inhalt »absolut top« ist, er misst aber halt der Qualität der Verarbeitung offensichtlich einen deutlich höhere Bedeutung bei. Das ist legitim.«

Ich persönlich finde BoD macht einen guten Job, würde es weiter empfehlen und bei Bedarf wieder dort publizieren – trotz dem, dass der Preis das Buch etwas schwer verkäuflich zu machen scheint und der gelegentlichen Kritik an der Verarbeitung.

Meine Auswahl an Objektiven für die Nikon D700 ist groß, aber das meiste ist entweder groß und schwer, oder Festbrennweite. Auch wenn ich im letzten Urlaub auf den Kanaren ausschließlich eine 24mm Festbrennweite eingesetzt habe und viel Spaß damit hatte, wünsche ich mir diesmal doch wieder etwas mehr Gestaltungsspielraum mit Brennweiten.

Als Begleiter für Unterwegs war eigentlich die Lumix G3 gedacht. Aber je länger ich im Angebot an Objektiven für Micro Four Thirds herumblättere, desto mehr bin ich davon enttäuscht. Das Gros der Gläser ist relativ Lichtschwach. Dabei bräuchte ich für kreatives Gestalten mit Schärfentiefe beim kleinen Bildsensor von Four Thirds ja dringend mehr Lichtstärke um durch Unschärfe freistellen zu können.

Sicher: Mit dem 20mm ƒ1.7 von Panasonic auf meiner Lumix lässt sich schon eine geringe Schärfentiefe und ein ansprechendes Bokeh erzeugen. Aber 20mm MFT (Micro Four Thirds) sind 40mm Kleinbild und das ist schon ein recht enger Bildausschnitt. Zu eng für eine Reise auf eine Kanareninsel. Außerdem habe ich damit ja dann erst recht wieder kein Zoom um die Brennweite zu variieren.

Da für Micro Four Thirds offensichtlich kein Objektiv nach meinen Vorstellungen verfügbar ist, komme ich nun auf die D700 zurück, auch wenn mir die leichte G3 lieber gewesen wäre als Reisebegleiter. Nun stellt sich aber die Frage welches Reisezoom es werden soll. Nach einigen Recherchen habe ich die potenziellen Kandidaten auf diese zwei Objektive reduziert: AF 24-85mm 1:2,8-4 und AF-S 28-300mm 1:3,5-5,6.

Ich muss gestehen, dass das, was man über das relativ preiswerte 28–300mm Nikkor liest, durchaus verlockend ist. Andererseits steht dieses Objektiv in Sachen Gewicht und Volumen meinem 24–70mm ƒ2.8 Nikkor gar nicht soweit nach. Und den Brocken möchte ich eben nicht wieder mit auf Reise nehmen.

Außerdem bin ich kein begeisterter Tele-Fotografierer und nutze sehr lange Brennweiten eher selten. Auf der anderen Seite hingegen würden mir 24mm statt 28mm Brennweite schon abgehen.

Es sieht derzeit also nach dem 24–85mm ƒ2.8–4 aus. Das Objektiv ist deutlich kleiner und leichter als das 28–300. Die Stimmen, die man zu diesem Objektiv vernimmt, sind zwar geteilt. Wie so oft loben es die Einen in den höchsten Tönen, während es für andere eine unbrauchbare Scherbe zu sein scheint. Einmal abwarten. Vielleicht gibt es ja noch den einen oder anderen Tipp meiner Leser.

Ich nutze Macs seit Mitte der 1990er Jahre. Ich nutzte Macs in einer Zeit, als das Betriebssystem deutlich unter 4% Marktanteil hatte (und ihr, leibe Basher, haltet euch für Social Underdogs weil ihr Windows und Android nutzt!?). Und jetzt muss ich mich von Leuten die Windows (Marktführer bei Betriebssystemen) und Android (Marktführer bei mobilen Betriebssystemen) sagen lassen, ich würde mein iPhone nur nutzen, weil das Jeder macht. Dabei merken die Basher gar nicht, dass sie selbst nur in einer Herde mitlaufen; dass sie, wenn sie Apple-Bashen, etwas machen, was Jeder macht. Man sehe nur in die einschlägigen Seiten beim Standard: Da bashen etwa 90% der Kommentatoren massiv gegen Apple und wer eine positive Stimme erhebt, wird als Fan-Boy (Idiot) abgekanzelt.

Ich sehe nach etwa 15 Jahren Apple und meinen Erfahrungen keinen Grund der Firma den Rücken zu kehren, nur weil es unter Nerds, Freaks und Geeks gerade en vogue ist, Apple für Böse zu halten. Und ich habe keine Lust mich deshalb als dummen Fan-Boy abstempeln zu lassen. Ich bin kein dummer Anwender der alles was Apple macht cool findet. Ich betrachte das Unternehmen und seine Produkte auch kritisch. Ich hatte auch schon ärgerliche Probleme mit Apple-Produkten. Unterm Strich bin ich aber noch immer sehr zufrieden, weil das Meiste meist problemlos funktioniert. Kann sein, dass es bei Linux oder Windows besser wäre (auch wenn ich es nicht glaube). Aber weshalb sollte ich es probieren und wechseln, so lange ich in der Apple Welt zufrieden bin? Ich sehe nirgends, dass Google oder Microsoft Apple gegenüber in irgendeiner Angelegenheit so weit voraus wäre, was es rechtfertigen würde über einen Wechsel nachzudenken. Ganz im Gegenteil.

Wie war es denn, als Apple das iPhone ohne Tastatur und mit Bedienung über ein Touch-Display ankündigte? Hat da nicht die Apple-Bahser-Community geunkt, dass das Produkt Mist sei und nie funktionieren würde? Und was nutzt diese Community heute? Android auf Samsung oder HTC? Mobile Devices die teilweise auf den ersten Blick kaum vom Original zu unterscheiden sind? Mit Original meine ich natürlich das Teil, das zuerst auf dem Markt war. Da lobe ich mir übrigens Microsoft, denn die haben das Aussehen von iOS nicht 1:1 kopiert, sondern die Oberfläche anders gestaltet und bieten somit eine Alternative, die mir durchaus gefallen kann.

Es liegt mir fern mit meinem Artikel Android oder Windows Mobile zu bashen. Ich kann nichts über diese Produkte sagen, weil ich bislang keines besessen habe. Und – heh! – ich urteile nur aus eigener Erfahrung und nicht so gerne aus hören-sagen oder aus reinem Verdacht. Viel mehr noch finde ich es gut, dass Apple mit Android einen erfolgreichen Mitbewerber auf dem Markt hat und wenn Microsoft mit Windows Mobile zu diesen beiden Playern aufschließen kann, umso besser. Von Konkurrenz können wir Anwender nur profitieren. Anders gesagt: Das Monopol ist immer schlecht für den Konsumenten. Es wäre genau so eine Katastrophe für den Anwender, wenn Microsoft oder Google alle anderen Anbieter aus dem Markt drängen würde, wie wenn Apple den Endsieg davontragen würde. Doch zu dieser Art differenzierter Sichtweise scheint der gemeine Apple-Basher wohl nicht in der Lage zu sein.

Heute habe ich einen Bericht beim Standard unter dem Titel »Mountain Lion: Der Anfang vom Ende des ›offenen‹ OS X?«. Es geht um eine neue Funktion für Mac OSX 10.8 unter dem Titel Gatekeeper. Diese Funktion erlaubt es dem Anwender voreinzustellen, ob er jede Software installieren können will, nur Software mit bestimmten Sicherheitszertifikaten oder nur Software aus dem App-Store. Voreingestellt ist nur Software aus dem App-Store. Das macht auch Sinn, denn damit kommt für ungeübte Anwender nur Software auf den Mac, die von Apple geprüft wurde. Ja, klar. Auch das ist keine Garantie, dass mit solcher Software kein Schindluder getrieben werden kann – dazu gibt es aus dem App-Store für iOS bereits genug Beweise. Dennoch stellt es die höchst mögliche Sicherheitsstufe dar.

Liest man den Bericht beim Standard, so unterstellt er Apple, dass das Betriebssystem zu einem geschlossenen System werden könnte und nur mehr Software aus dem Store erlaubt werden könnte. Natürlich ist das langfristig nicht auszuschließen und kritischer Journalismus sollte auf jeden Fall auf diese Gefahr hinweisen. Aus heutiger Sicht kann man das aber getrost ausschließen, denn nach wie vor gibt es weder die Adobe Creative Suite noch Microsoft Office im App Store. Vor diesem Hintergrund dürfen wir wohl ausschließen, dass Apple den Mac sobald für alle Software außerhalb des App-Stores schließt. Würde es wirklich soweit kommen, müsste ich wohl oder übel zu Windows wechseln, denn ich brauche Adobe CS und nutze einige andere Programme, z.B. Capture One Pro, die es im App Store nicht gibt, auf die ich aber nicht verzichten möchte oder kann. Bitte also keine vorschnellen Vorurteile verbreiten, die hochgradig unwahrscheinlich sind. Das hat mit Objektivität nicht viel zu tun.

Objektivität scheint ohnehin nicht Sache der Apple-Basher zu sein. Grundsätzlich wird alles aus dem Hause Apple von vornherein als überteuerter Mist abgelehnt. Ich denke, dass da die als Fan-Boys beschriebene Apple-Gemeinde dem Computer-Hersteller aus Cupertino bedeutend kritischer und objektiver gegenüber steht. Allerdings macht es eine objektive und kritische Diskussion unmöglich, wenn man als grundsätzlich zugeneigter Anwender aus der Bashing-Ecke generell als Vollidiot abgestempelt wird.

Und – heh! – wenn es tatsächlich am Mac soweit kommt, dass alle Software die ich brauche nur mehr über den App Store verfügbar ist und sich die Preise in Richtung derer der Apps für iOS entwickeln, weshalb sollte ich mir deswegen graue Haare wachsen lassen? Ich wünsche mir sogar in Zukunft Schriften über Apple einkaufen zu können. Schriften von allen Herstellern. Zu Preisen, wie für iOS-Apps (ja, Schriften kann man und sollte man kaufen, nicht stehlen).

Und keine Angst, liebe Windows-Freunde: Früher oder später würde diese Entwicklung dann auch beim Marktführer für Betriebssysteme Einzug halten. Ihr bekommt dann auch einen App Store und die Preise werden ebenso sinken.

Das letzte Wort | Wie gesagt: Das ist kein Linux-, kein Windows- und kein Android-Bashing. Das ist Bashing-Bashing. Weil es nervt, dass diese Community permanent glaubt vor meiner Haustür kehren zu müssen und dabei doch nur Mist hinterlässt (würde mich ja nicht beschweren, wenn es nach dem Kehren sauberer wäre). Kümmert euch einfach um euren eigenen Scheiß!

Nachtrag | Wer es etwas differenzierter mag, als beim Standard, kann bei Heise nachlesen: 10.8, der Partyschreck

Ich halte mich normalerweise ja etwas zurück hier Produkt-Neuvorstellungen durch zu reichen. Aber ich glaube es gibt im Moment so viel Wind um Nikon, Fuji, Sony und Pentax, dass ich hier ruhig einmal etwas Aufmerksamkeit auf das lenken darf, was aus dem Hause Olympus angekündigt wurde.

Die E-M5 OM-D ist eine digitale Neuinterpretation eines klassischen Gehäuses. Ausgestattet mit einem Micro Four Thirds Sensor dürfte sie sehr kompakt sein und somit ein guter Begleiter. Objektive gibt es ja mittlerweile einige für Micro Four Thirds (auch in meiner Kollektion befindet sich eines). So zum Beispiel ein Leica Summilux von Panasonic (das zwar nur ein bisschen Leica sein soll, aber eben doch ein bisschen) oder ein 25mm Nokton ƒ0.95 (!) von Voigtländer – ein 17,5mm Nokton ƒ0.95 soll folgen.

Was die Kamera als permanenten Begleiter auch unter unwirtlicheren Bedingungen macht, ist eine gute Spritzwasser- und Staubabdichtung, was die Wassertropfen auf der Produktabbildung oben erklärt.

dpreview.com hatte die Kamera auch schon in der Hand und hat einen ersten Artikel dazu veröffentlicht. Ich bin jedenfalls schon sehr gespannt mehr über sie zu erfahren und möchte sie selbst einmal zur Hand nehmen, sobald sie in den Märkten verfügbar ist.

Logische Produktentwiklung

Erwartet hätte nach der D4 eine D4x (die eventuell mit 36 Megapixel) und eine D800 als kleinere Schwester zur D4, mit einem einfacheren Gehäuse. Dann als nächstes eine D400 – quasi als D800, aber mit kleinerem FX-Sensor. Das wäre mir logisch erschienen.

Nikon-Produktlinie und Logik – ein Widerspruch?

Blöd von mir, in den Produktlinien von Nikon Logik zu erwarten. Das war früher schon schwierig, als eine D50 die Kamera für den Einsteiger und die D80 die Kamera für den Aufsteiger war, während der Profi und Semiprofi eine 0 mehr in der D200 haben durften. Dann das Topmodell D3 – wieder mit zwei Nullen weniger – und dann die D700. Ich meine, D700? Wo kommen die Name her? Werden bei Nikon Produktnamen vom Zufallsgenerator ermittelt? Würfelt sie die Oma? Ich jedenfalls verstehe die Logik nicht. Aber wie gesagt: Mein Fehler.

Ich mag Nikon

Aber wisst ihr was: Es ist mir egal. Ich mag Nikon und ihre DSLRs. Ich mag ihre Haptik, ihre Optik und ihr Bedienkonzept. Ich habe mich von Anfang an wohl gefühlt damit.

Ob Nikon dabei besser oder schlechter ist, als die Mitbewerber, kann ich nicht sagen. Ich mag weder die Haptik noch die Bedienung von Canon und auch bei einer Olympus DSLR habe ich mich damals nicht wohl gefühlt. Über Sony und Pentax kann ich nichts sagen.

Gut liegt im Auge des Betrachters

Ein wirklich einigermaßen objektives Urteil kann in meinen Augen ohnehin nur abgeben, wer über längere Zeit intensiv mit mehreren verschiedenen Systemen gearbeitet hat. Er kann vergleichen. Doch auch so ein Urteil bleibt natürlich immer noch vom primären Einsatzbereich und von subjektiven Vorlieben gefärbt. Persönlich glaube ich, dass alle Hersteller mit Wasser kochen und ordentliche Geräte anbieten.

Ich bin mit meiner Nikon-DSLR-Ausrüstung äußerst zufrieden, und sehe keinen Grund mehrere Tausend Euro zu investieren um herauszufinden, ob es bei der Konkurrenz nicht vielleicht doch noch einen Zacken besser ist. Oder eben schlechter.

So wie ich mit Nikon zufrieden bin, bin ich mit der D700 glücklich. Da ich nur eine DSLR-Kamera habe ist das eh ein und dasselbe. Auch wenn die D800 keine gigantische Auflösung hätte, wäre sie kein Thema für mich, weil ich keinen Grund sehe die D700 zu ersetzen. Das Einzige was ich überhaupt an der Kamera vermisse, sind konfigurierbare User-Einstellungen, wie an der D7000 (bitte, bitte, Nikon: reicht das doch endlich als Firmware-Updage für das Menü nach; kann doch nicht so schwierig sein). Doch auch dafür würde ich die D700 nicht verkaufen und drei Kilo für ein Nachfolgemodell investieren.

Der einzig sinnvolle Grund für ein Kamera-Upgrade

Der einzig vernünftige Grund eine neue Kamera zu kaufen ist in meinen Augen, wenn man mit dem aktuellen Gerät an klare Grenzen stößt. Grenzen, die klar identifizierbar sind und die man benennen kann.

Das wäre für mich an der D7000 zum Beispiel das Fehlen einer AF-On-Taste (wer jetzt nicht weiß, für was eine AF-On-Taste gut ist, sollte lieber über mehr Know-how, als über eine teurere Kamera nachdenken). Hätte ich noch eine Kamera ohne AF-On-Taste würde ich sofort ein Upgrade machen. Ein anderes Thema ist zum Beispiel, wenn jemand Landschaftsaufnahmen macht, oder Gärten fotografiert, diese als Poster ausdruckt und die Blumen und Blüten nicht mehr scharf abgebildet werden, weil die Auflösung nicht reicht. Wenn so etwas mein Genre wäre, könnte ich es nicht erwarten die D800 mit meinen Objektiven zu testen.

Keine Poren in hoch aufgelöster Detailschärfe

Aber Landschaft, Gärten oder Architektur sind nicht mein Thema. Ich fotografiere am liebsten Menschen mit der D700 und ich sehe keinen Sinn darin die Poren meiner Modelle noch höher aufgelöst abzubilden. Schon jetzt erreiche ich mit 12 Megapixel und hochwertigen Objektiven eine Detailzeichnung, die die Modelle lieber nicht so genau sehen wollen. Und auch wenn ich aus den Porträts große Poster machen würde, gehe ich nicht davon aus, dass jemand auf Zentimeter an das Bild herangehen würde, um sich Nasenhaare im Detail vor Augen zu führen.

Wie viel Megapixel braucht eine Kamera, ist eine sinnbefreite Frage

Was ich sagen will: Ich finde die, an der D800 aktuell wieder hochgekochte Frage, wie viel Auflösung eine Kamera braucht ziemlich entbehrlich. Die Frage alleine ist schon völlig sinnentleert. Genauso sinnvoll wäre zu fragen, wie viel PS braucht ein Kraftfahrzeug. Es kommt nämlich drauf an: Mit einer Lotus Elise kann man mit wenig PS die meisten hochgezüchteten Sportwaren abhängen, aber ein Sattelschlepper würde mit den paar Pferdchen der Elise nicht weit schleppen.

So wie mit leichtem Sportwagen und schwerem Sattelschlepper, verhält es sich auch mit der Auflösung von Kameras. Der eine braucht eine hohe Auflösung für seine Aufgaben, der andere nicht. Doch die Freaks, Nerds und Puristen bekämpfen sich wieder einmal aus zwei konträr gegenüberliegenden Schützengraben, als könnte nur eine Antwort die richtige auf alle Fragen sein.

Die die Antwort auf alle Fragen wissen

Das ganze ist eine Schlacht, die man bei jeder neuen Produktvorstellungen in den verschiedensten Produktbereichen beobachten kann. So wie damals alle Naseweisse bereits nach der ersten Vorstellung wussten, dass das iPhone ein voller Flop sein würde und dass das Gerät völliger Schwachsinn sei – die meisten davon nutzen jetzt wohl Android (sorry, der kleine Seitenhieb musste mal wieder sein).

Ähnlich emotional wie die Schlachten bei Apple, Google und Microsoft geführt werden, verlaufen sie auch durch die Linien der Fotografen. Kaum wird ein neues Gerät angekündigt, gibt es schon eine breite Schar fleißiger bloggender, twitternder und kommentierender Fotografen, die genau wissen, was an dem kommenden Gerät klasse oder scheiße sein wird und die nicht davor zurück schrecken, das jedem mit der Überzeugung des Propheten aufs Auge zu drücken. Ich denke mir dabei oft »Junge, hast du Scheuklappen? Ich verstehe ja, dass das Teil, um das es geht, nicht dem entspricht, was du für deine Art zu fotografieren brauchst. Aber kannst du dir vorstellen, dass es Leute auf der Welt gibt, die anders fotografieren, andere Themen und andere Vorlieben haben?«

Die tatsächlich richtige Antwort auf die meisten Fragen

Die richtige Antwort auf die meisten Fragen ist doch: Es kommt drauf an. Es gibt nicht die perfekte Kamera. Es gibt nur ein paar Geräte, die für manches besser und für manches weniger gut geeignet sind. Und es gibt subjektive Unterschiede in den Vorlieben. Man sollte immer sagen was man denkt, aber man muss es deswegen keinem Anderen aufs Auge drücken. Schon gar nicht, wenn man mit der Materie, um die es geht, gerade einmal Null Erfahrung gemacht habt.

Nikon

So zum Beispiel die Nikon 1, die als komplett neues System im letzten Herbst der Öffentlichkeit vorgestellt wurde.

Derzeit sind die beiden verfügbaren Modelle J1 und V1 für ambitionierte und professionelle Fotografen wahrscheinlich noch nicht besonders interessant. Direkten Zugriff auf Blendeneinstellung, Zeiteinstellung, manuelle Einstellung usw. sucht man vergebens an der Oberfläche. Das Meiste muss, sofern überhaupt möglich, über Menüs justiert werden. Und soweit ich es mitbekommen habe, sind die Optionen eher spartanisch angelegt. Doch Nikon geht damit für diese beiden Modelle den richtigen Weg: Die Kameras sind sehr einfach gehalten und konzentrieren sich auf die Optionen, die für Einsteiger und Gelegenheitsfotografen interessant sind, anstatt den Anwender, wie bei Panasonic und Sony üblich, mit einer unüberschaubaren Anzahl an Optionen zu überfordern.

Sowohl die Nikon V1 als auch die J1 fühlen sich gut und hochwertig an, was man bei dem Preis allerdings auch erwarten sollte. Auch die Objektive, die ich bislang in Händen hatten, machen haptisch einen guten Eindruck auf mich, was ich zum Beispiel vom 14–42mm Objektiv, das zu meiner G3 geliefert wurde, nicht sagen kann. Das fühlt sich eher an, als wäre es einem Kinderüberraschugnsei, einem Yps-Comic oder einem Pack Katz-im-Sack entsprungen. Und es hört sich auch so an.

Einsteiger, die eine Kamera suchen, die die Qualität ihrer Aufnahmen im Vergleich zu einer Kompaktkamera verbessern möchten, dabei aber nach einer kompakten, einfachen und leicht zu bedienenden Kamera suchen, sollten also unbedingt einen Blick auf das Angebot von Nikon werfen. Und die Kameras vor allem einmal in die Hand nehmen. Ausprobieren sagt mehr über eine Kamera aus, als Leistungsdaten studieren und Testberichte lesen.

Der Vorteil der neuen Nikon-Linie gegenüber Kompaktkamera: Objektive lassen sich wechseln und der Bildsensor ist größer als bei Kompaktkameras üblich. Allerdings finden viele am Sensor eben auch den Haken an der neuen Linie: Denn er ist deutlich kleiner, als beim Großteil der Konkurrenz an Kameras, bei denen sich die Objektive wechseln lassen.

Meine Betrachtung zum doch relativ kleinen Sensor der Nikon 1s: Zum Einen hat er den Vorteil, dass man extrem lange Brennweiten erhält, wenn man eines der, über einen Adapter kompatiblen Objektive für Nikon Spiegelreflexkameras, ansetzt. So bekäme man Beispielsweise beim Umrechnungsfaktor von 2,7 des Nikon-1-Formats auf Kleinbild mit einem 200mm ƒ2.8 Objektiv ein sehr lichtstarkes 540mm-KB-Objektiv.

Zum Anderen kann ich Nikons Strategie auch nachvollziehen. Ich rechne damit, dass Nikon (wie andere Hersteller auch) mittel- bis langfristig Kameras vorstellen wird, die zu Objektiven und Anschlüssen der bisherigen Spiegelreflex-Linie kompatibel sind, aber keinen Spiegel haben, sondern einen elektronischen Sucher verwenden. Da würde es wenig Sinn machen, wenn Nikon jetzt ein System vorstellen würde, das einen ebenso großen Sensor nutzt, wie die aktuellen DX- oder gar FX-Modelle. So gesehen macht ein komplett anderes System, dass vor allem auf Kompaktheit hin ausgerichtet ist, durchaus Sinn.

Canon

Von Canon ist bislang überhaupt nichts zu hören, dass ein neues System mit Wechselobjektiven aber ohne Spiegel ansteht. Stattdessen hat Canon vor kurzem eine bemerkenswerte Kompaktkamera der Öffentlichkeit präsentiert: Die PowerShot G1 X.

Das besondere dieser Kamera ist vor allem ein großer Sensor, wie er bei kaum einer anderen Kompakten derzeit zu finden ist. Mit 18,7×14mm ist er deutlich größer, als der Sensor der Nikon-1-Serie und auch größer, als bei Spiegelrefexkameras von Olympus und Panasonic.

Ein größerer Sensor hat nicht nur den Vorteil besserer Abbildungsqualität; er bietet dem Fotografen vor allem mehr Spielraum mit Schärfentiefe zu gestalten. Etwas, was bei üblichen Kompaktkameras mit kleineren Bildsensoren kaum möglich ist und der Grund, weshalb Porträts mit Kompakter nur selten so gut aussehen, wie mit SLR.

Wer also nach maximaler Bildqualität sucht und auf Wechselobjektive verzichten kann oder will, der sollte der G1 X durchaus etwas Aufmerksamkeit schenken.

Es gibt aber ein Manko an diesem Modell, über das ich nur den Kopf schütteln kann. Nach dem was ich gelesen habe, soll die G1 denselben Sucher nutzen, wie er in der G12 verbaut wurde. Die G12 konnte ich letztes Jahre mehrere Wochen testen. Eine tolle Kamera, aber ein Sucher zum Vergessen. Er ist so klein, dass ich den Eingang in seinen Schacht mit meinem Auge oft gar nicht gleich gefunden habe. Man mag ihn vielleicht als etwas betrachten, das man in höchster Licht- oder Energiekriese vielleicht einmal als Notnagel nutzen kann. Aber ich würde meinen, dass Canon in diesem Fall der Kamera einen fatalen Konstruktionsfehler mit auf den Weg gegeben hat, der sie für mich somit uninteressant macht. Mit einem vernünftigen Sucher hingegen könnte mich das Modell reizen – egal ob optisch oder elektronisch. Canon sollte sich bei Fuji einmal ansehen, wie man Sucher so konzipieren kann, dass ambitionierte Fotografen in Begeisterung ausbrechen.

Fuji

Fuji hat 2010 mit der Ankündigung der X100 für Aufsehen in der Fotografenwelt gesorgt.

Was Amateure an der Kamera wohl zunächst abschrecken dürfte: Ein Preis von etwa 1000 Euro (für das Sondermodell oben sogar 1500 Euro), dabei kann man noch nicht einmal das Objekt wechseln und das verbaute Objektiv ist eine Weitwinkel-Festbrennweite, das heißt mit Zoomen ist Essig. Doch gerade das macht dem fotografischen Feinspitz die Kamera fast unwiderstehlich (für mich vor allem im schwarzen Dress – in Silber konnte ich mich nie zu 100% mit der Retro-Optik anfreunden); Objektiv und Sensor sind bei dieser Kamera optimal aufeinander abgestimmt und garantieren exzellente Abbildungsqualität. Darüber hinaus verfügt die Kamera über einen innovativen Sucher, der es ermöglicht zwischen elektronischer Ansicht und optischer Durchsicht umzuschalten.

Der Retro-Stil dürfte übrigens nicht reine Spielerei sein: Vielmehr hat die Kamera alles, was der Analogfotograf an analogen Kameras schätzt: Die Blende wird über einen Blendenring am Objektiv eingestellt und für die Belichtungszeit gibt es ein ebenso übersichtliches Rad oben an der Kamera, wie für die Belichtungskorrektur. Manuelle Einstellräder und -knöpfe sind in Sachen Effizienz menügeführter Einstellung einfach Haushoch überlegen.

Ähnlich begeistert sind Foto-Freaks auch von Fujis Kompaktkamera X10, die in Design und Konzept eindeutig an die X100 angelehnt ist, aber eher einer normalen Kompaktkamera entspricht.

Neben dem meisten, was sonst an Kompakten erhältlich ist, nimmt sich die X10 als ausgesprochene Schönheit aus. Auch hier stehen alle wichtigen Einstelloptionen für den Fotografen in direktem Zugriff über Einstellräder. Einen Blendenring sucht man am Objektiv vergebens. Eine Idee die mich jedoch begeistert: Anders, als bei kompakten üblich, erfolgt das Zoomen über einen Ring am Objektiv, so wie wir es von Zoomobjektiven für Spiegelreflexkameras gewohnt sind. Dreht man den Ring unter der kürzesten Brennweite auf Anschlag, rastet er ein und die Kamera wird ausgeschaltet. Einschalten und Zoomen ist somit ein Schritt. Wie geil ist das denn?

Einzig der kleinere Sensor ist ein kleines Manko der Kamera wenn es um kreative Gestaltung mit Schärfentiefe geht. Allerdings ist das Objektiv dafür recht Lichtstark.

Doch mit der X100 und der X10 ist das Innovations-Feuerwerk bei Fuji noch lange nicht zuende. Im Gegenteil: Der große Knall kam erst mit der Vorstellung der X-Pro1.

Die X-Pro1 ist eine Kamera, die das funktionale Retro-Design und den Innovativen Sucher der X100 weiter führt und verbessert und um Wechselobjektive erweitert und mit einem ganz neu entwickelten Sensor mit innovativer Pixelanordnung verbessert. Noch ist die Kamera nicht erhältlich, doch die Erwartungen sind hoch. Fuji unterstreicht den professionellen Anspruch dadurch, dass fürs erste nur drei Festbrennweiten angekündigt sind. Zoomobjektive, die in der Regel ja nicht ganz die Abbildungsqualität von Festbrennweiten erreichen, sind erst für einen späteren Zeitpunkt in Aussicht gestellt. (Leider) unterstreicht auch der Preis der X-Pro1 die professionellen Ambitionen von Fuji.

Sony

Während Nikon nicht unbedingt nur positive Resonanz für die 1-Serie erntete und Canon im Moment wohl auf Grund fehlender vollkommen neuer Produkte eher wenig Beachtung in der Presse findet, bekam Sony für die neue NX-7 besonders positives Feedback. Sowohl Presse als auch Blogger scheinen sich für das Modell begeistern zu können.

Ich hatte die NX-7 bislang nicht in der Hand und so ist meine Meinung dazu als sehr oberflächlich zu werten.

Mein Test einer NX-5 fiel enttäuschend aus. Nicht bezogen auf die Bildqualität – soweit bin ich nicht gekommen. Aber das Bedienkonzept der Kamera ist so auf fotografisch ungebildete Laien ausgerichtet, dass man sich als ambitionierter Fotograf kaum in den Menüs zurecht findet. Sony hat statt der in der Fotografie üblichen Bezeichnungen oft Namen gewählt, die für den Einsteiger einleuchtender sein mögen, nach denen der ambitionierte Fotograf aber einfach nicht sucht. Ob das der richtige Weg ist? Ich weiß nicht. Ich glaube nicht. Jedenfalls sind Kameras, mit denen ich nicht spontan zurecht komme kein Thema für mich. Ich will eine Kamera intuitiv benützen können und keine Einschulung benötigen um die Einstellungen zu verstehen.

Diese Erfahrung belastet mich natürlich negativ vor, was die NX-7 betrifft. Aber es gibt für mich noch weitere Fragezeichen. Welchen Sinn machen kompakte Kameras, wenn die Objektive riesig sind? Abgesehen vielleicht von der Fuji X-Pro1 glänzen alle Kamerakonzepte hier durch Kompakte Baumaße. Die X-Pro1 wiederum dürfte wohl etwa vergleichbar große Objektive haben, aber durch einen größeren Body wohl auch etwas satter in den Händen liegen. Vor allem aber dürfte wohl eine klassische SLR deutlich besser in Händen liegen, als die Sony Nex-Kameras, vor allem, wenn man mit etwas größeren Objektiven auf Weg geht.

Der nächste Punkt ist in meinen Augen die übertrieben hohe Auflösung der Nex-7 mit etwa 24 Megapixel. Zwar habe ich in einem Vergleichstest gelesen, dass die Nex-7 in der Abbildungsqualität durchaus nahe an die professionelle und deutlich teurere Nikon D3 herankommt. Allerdings sehe im aktuellen Angebot an Objektiven für Sony Nex-Kameras bestenfalls ein Objektiv, bei dem ich mir vorstellen kann, dass es der Auflösung der Nex-7 gerecht wird. Der Rest liegt in preislichen Regionen, in der ich höchste Abbildungsleistung eher nicht erwarten würde.

Wie gesagt: Da ich weder die Nex-7 noch passende Objektive bislang in Händen hatte, stellt die angeführte Kritik nichts anderes als oberflächliche Vorurteile dar. Am Ende ist für mich vor allem Ausschlaggebend, dass ich nicht besonders scharf auf gewaltige Auflösungen bin und mit 10 bis 18 Megapixel absolut glücklich werden kann. Die Qualität von Bildern lässt sich nicht an Pixeln abzählen, auch wenn ich weiß, dass es Aufgaben gibt, für die eine hohe Auflösung unerlässlich ist. Nur ist das halt eher die Ausnahme, als die Regel.

Bei aller Kritik und allen Vorbehalten dem Sony-Nex-Angebot gegenüber, stellt es in meinen Augen dennoch eine interessante Entwicklung dar.

Pentax

Was die Miniaturisierung angeht, ist Pentax mit ihrem Q-System für Kameras mit Wechselobjektiven eindeutig einen Schritt zu weit gegangen.

Wo ich Nikons Schritt zu etwas kleineren Kameras noch nachvollziehen kann, gelingt mir das bei Pentax Q-Kameras nicht ganz. Der winzige Bildsensor dürfte sowohl was die Bildqualität, als auch was das kreative Spiel mit Schärfentiefe angeht, nur Probleme mit sich bringen. Manuelle Einstellungen für die Blende an der Kamera bringen nicht wirklich viel, wenn sich zwischen Offenblende und geschlossener Blende kaum mehr ein optischer Unterschied ergibt.

Das nächste Rätsel gibt dem Beobachter die neue vorgestellte K-01 auf. Ob einem das Design nun gefällt oder nicht wollen wir einmal dahin gestellt lassen. Ich würde es zumindest als mutig bezeichnen, auch wenn ich ihm wenig Aussicht auf Erfolg prognostiziere. Es ist einfach zu extrem. Mut alleine zeichnen ein Produkt aber nicht unbedingt aus, wenn es nicht in der Lage ist Begehrlichkeiten bei einer Zielgruppe zu erwecken. Ob mir das Design gefällt entscheide ich später, wenn ich mich daran gewöhnt habe.

Man fragt sich allerdings, weshalb jetzt Pentax so kurz nach der Einführung des spiegellosen Q-Systems schon wieder ein neues System einführt. Nun, immerhin ist das System nicht ganz neu, sondern ohne Adapter kompatibel zu den bisherigen Pentax-Objektiven mit K-Mount.

Olympus

Olympus hat in den letzten Monaten vor allem mit kompetenter Produktpflege der Pen-Reihe ein bisschen Aufmerksamkeit und Beachtung gefunden. Was mir aber bei Olympus in jüngster Zeit besonders ins Auge gestochen ist, ist eine Abbildung, die ausschließlich mit einem Gerücht verbunden ist. Ein Gerücht um eine neue Kamera, die OM-D E-M5 heißen soll.

Sollte Olympus tatsächlich ein Modell mit diesem Look auf den Markt bringen, dann werde ich mir die Kamera sicher etwas genauer ansehen; in der Hoffnung, dass sie kompatibel zu Micro Four Thirds ist und deutlich günstiger, als die begehrenswerte Fuji X-Pro1.

Visuelle Inspiration.

Normaler Weise lässt aus freier Hand eine Belichtungszeit ­halten, die etwa dem Kehrwert der Brennweite entspricht. Durch Bildstabilisierung lässt sich dieser Wert ausdehnen.

Die Bildstabilisierung findet je nach Hersteller und Modell ­entweder im Objektiv statt oder in der Kamera.

Da die Belichtungszeit umso kürzer sein muss, je länger die Brennweite ist, ist eine solche Unterstützung natürlich umso willkommener, je ­länger die Brennweite ist. Anders gesagt, bei kurzen Brennweiten im Weitwinkelbereich bis hinein in den Bereich der Normalobjektive ist eine Bildstabilisierung nicht unbedingt notwendig, da man ohnehin nicht so oft unter Belichtungszeiten von 1/50 Sekunde kommt. Deshalb bieten auch die meisten Objektive dieser Brennweiten keine Bildstabilisierung an (sofern der Hersteller die Bildstabilisierung nicht ohnehin in die Kamera verlagert hat).

Laut Herstellern und Medien sollen sich mit Bildstabilisierungssystemen bis zu vier Lichtwerte gewinnen lassen. Das heißt, man kann länger aus freier Hand belichten, ohne dass das Bild verwackelt.

Es gibt kritische Stimmen zur Bildstabilisierung. Meine eigenen Erfahrungen damit sind positiv, vor allem bei meinem ­Nikon 70–300 mm 4.5–5.6 Objektiv, bei dem ich Stabilisierung in erster Linie nutze. Die folgenden Abbildung zeigen eine Reihe von Testaufnahmen, die ich mit diesem Objektiv ohne und mit Stabilisierung aufgenommen habe. Die Ergebnisse sprechen für sich. ­Allerdings darf man aus den Ergebnissen ebenso wenig ableiten, dass die Bildstabilisierung aller Nikon Objektive ebenso effektiv arbeitet, noch, dass andere Hersteller weniger effektive Systeme haben. Am besten findet ihr heraus, wie leistungsfähig euer System ist, indem ihr eine ähnliche Testserie aufnehmen.

	Der Originalausschnitt, aus dem die Ausschnitte unten stammen. Alle Ausschnitte sind nicht in tatsächlicher Pixelgröße dargestellt und sind durch die JPEG-Komprimierung unschärfer, als im Original. Trotzdem verdeutlichen die Abbildungen klar, dass Bildstabilisierung extrem effektiv arbeiten kann. Alle Bilder wurden mit einer Nikon DX-Kamera bei 300mm Brennweite aufgenommen, was einer Kleinbild-Brennweite von 450mm entspricht (siehe dazu »Formatfaktor«).
	1/640 Sekunde ohne Bildstabilisierung
	1/640 Sekunde mit Bildstabilisierung
	1/320 Sekunde ohne Bildstabilisierung
	1/320 Sekunde mit Bildstabilisierung
	1/160 Sekunde ohne Bildstabilisierung
	1/160 Sekunde mit Bildstabilisierung
	1/60 Sekunde mit Bildstabilisierung

Als Kaufargument für oder gegen ein Objektiv hat Bildstabilisierung für mich eher wenig Gewicht. Wichtiger sind mir Lichtstärke und generelle Abbildungsleistung. Doch wenn eine ­Stabilisierung auch noch mit drin ist – warum nicht!

Ebenso wenig wäre für mich das Argument, dass ein Hersteller die Bildstabilisierung in der Kamera vornimmt, ein Grund, mich für eine Marke zu entscheiden. Zwar hat es den Vorteil, dass mit der ­Stabilisierung in der Kamera mit jedem Objektiv stabilisiert foto­grafiert werden kann. Doch auch hier fallen mir viele Argumente ein, die mir wichtiger sind als dieses.

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• Fortsetzung folgt

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Aktionen und Veranstaltungen im Themenbereich meines Blogs habe ich immer gerne unterstützt, sei es zu Design und Typografie oder eben auch zu Fotografie. Stefan Neuweger von photowalkingmunich.de hat mich gebeten auf die Veranstaltung »Fotomarathon München 2012« zu verweisen, was ich natürlich gerne mache. Anbei ein Auszug aus der Beschreibung, die er mir geschickt hat:

1. Münchener Fotomarathon, 21. Juli 2012

Ein Fotomarathon ist eine fotografische Herausforderung, bei dem jeder Fotobegeisterte, unabhängig von Ausrüstung und Erfahrung, teilnehmen kann und in einem bestimmten Zeitraum mehrere Themen zu einer Serie umzusetzen hat. Dabei geht es um eine Kombination aus Geschwindigkeit, Ausdauer, Kreativität und vor allem Spaß.

Der Fotomarathon in München wird so gestaltet, dass die Teilnehmer in acht Stunden zwölf Themen fotografisch in Szene setzen müssen und hierbei eine Serie mit Bezug zu München erschaffen. Das Oberthema und die zwölf Unterthemen werden erst am Veranstaltungstag bekanntgegeben.

Nach einem Zeitraum von etwa vier Wochen, findet dann im Rahmen einer Abendveranstaltung die Prämierung der besten zehn, durch eine Jury ausgewählten Serien, statt. Im Anschluss werden in einer Ausstellung und auch über die Webseite die Ergebnisse der besten Teilnehmer für eine bestimmte Zeit der Öffentlichkeit präsentiert.

Links:

• Web: www.fotomarathonmuenchen.de
• Facebook: facebook.com/fotomarathonmuenchen
• Twitter: twitter.com/#!/fotomarathonMUC

Mehrfeld- und mittenbetonte Messung berechnen die Belichtung, indem sie einen großen Teil des Bildfeldes mit einbeziehen. Das funktioniert in den meisten Situationen gut, kann aber kritisch ­werden, wenn das Verhältnis zwischen ganz hellen und ganz dunklen Be­reichen massiv ungleich ist. Helfen kann hier eine Kombination aus Spotmessung und Belichtungsmessert-Speicherung. Diese liegt bei ­Canon auf der *-Taste, bei den meisten anderen ­Herstellern auf AE-L/AF-L beziehungsweise AEL/AFL.

	Stern-Taste einer Canon PowerShot G12.
	AE-L/AF-L-Taste einer Nikon D700.

Nehmen wir als Beispiel eine Kupfer-Katze und eine Buddha-Figur und nehmen wir an, wir wollen auf die Katze scharf stellen und die ­Figur nur angeschnitten am Rand im Bild haben. Fokussieren wir bei einem Bildausschnitt, wie in der Abbildung unten, auf die Katze, dann wird bei Mehrfeld- und mittenbetonter Messung die Belichtung anhand der Helligkeit eines großen Teils des Bildausschnitts berechnet. Das führt zu einer Überbelichtung des hellen Buddha.

Motiv mit ungleich hellen Bildbereichen.

Eine Möglichkeit wäre nun über eine Belichtungskorrektur einzugreifen. Statt dessen kann ich aber auch mit dem Messfeld auf den zu messenden Bereich zielen und durch Drücken der *- beziehungsweise AE-L/AF-L-Taste die Belichtung speichern.

Belichtung auf einen Bildbereich messen, …

Dann schwenke ich zur Katze, auf die ich scharf stellen möchte, und löse aus.

… das Bild dann neu komponieren und auslösen.

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Nun könnte man einwenden »Fotografier halt von vornherein besser, dann musst du auch nicht zwei Drittel deiner Aufnahmen automatisch oder manuell nachbessern!« Wer aber glaubt die Entwicklung von Digitalbildern wäre an der Kamera abgeschlossen, verkennt die Möglichkeiten der Digitalfotografie. Natürlich kann man: Wenn man für das Speichern der Bilder JPEG als Dateiformat wählt. Aber JPEG ist für mich irgendwie wie Sofortbilder. Mancheiner mag Polaroids reizend finden – ich meine das Wertungsfrei; mir persönlich gefallen auch viele Polaroid Aufnahmen ebenso, wie mir Lomographien gefallen können, oder Resultate die mit den zahlreichen Apps aus dem iPhone oder anderen Smart Phones zu erzielen sind. Es reizt mich aber nicht, mich selbst damit zu befassen.

JPEGs werden ebenso wie Sofortbilder in der Kamera automatisch entwickelt. Man hat als Gestalter nicht mehr viel Möglichkeiten auf das Resultat einzugreifen. Mit Raw habe ich diese Möglichkeit. Aber ebenso entscheidend wie für die Entwicklung eines analogen Fotos das Labor ist (das gilt ja eigentlich auch für Digitalbilder), ebenso ist für die Entwicklung einer Raw-Datei die Entwicklungsumgebung wichtig. Ob man ein Foto beim einen Labor oder beim anderen entwickeln lässt, führt zu unterschiedlichen Resultaten führen.

Manche Labore liefern generell lausige Resultate. Andere Labore liefern Ergebnisse, für die sich der eine Fotograf begeistern kann, der andere aber nicht. Letzterer zieht ein weiteres Labor vor, das wieder dem Fotografen davor nicht gefällt. Es ist also oft auch subjektiv.

Genau so verhält es sich auch mit Raw-Dateien. Lightroom entwickelt Bilder anders als Aperture, beide anders als DxO Optics, alle wieder anders als das neue After Shot und nicht zuletzt liefern diese wieder andere Resultate als die Raw-Entwicklungs-Tools der Kamerahersteller. Ich habe mit Capture One Pro mein Entwicklungslabor gefunden, mit dem ich endlich rundum zufrieden bin, wenn man einmal davon absieht, dass dem Werkzeug im Moment sinnvolle Retusche-Tools noch fehlen. Aber ich hoffe auf eine Weiterentwicklung, die der Qualität der aktuellen Version gerecht wird und solche Werkzeuge in Zukunft zur Verfügung stellt. Wenn dann noch ein RGB-Kanalmixer dazu käme, die Möglichkeiten die Deckkraft der Ebenen für selektive Anpassungen, die selektiven Anpassungen so wie in Aperture auch auf das ganze Bild anzuwenden, und die Werkzeuge für die selektive Bearbeitung generell verbessert würden, dann wäre das fast schon zu schön um wahr zu sein.

Wenn man ein Dokument schließt und es noch nicht gespeichert ist, dann fragt der Mac mit einem Dialogfenster ›Nicht speichern‹, ›Abbrechen‹ oder ›Speichern‹? Wenn man Enter drückt, dann wird das Dokument gespeichert. Mit Apfel+. wählt man abbrechen. Aber wie wählt man ›Nicht speichern‹ ohne die Maus zu bemühen?

Bei Windows kann man N für ›nicht‹, ›no‹ oder ›not‹ drücken. Am Mac geht das in den meisten Programmen auch mit den Shortcuts Apfel+D für ›don’t‹ oder Apfel+N für ›nicht speichern‹.

Inhalt

• 0. Einleitung
  • 0.1. Vier Schritte zum Bild
  • 0.2. Drei Grundbestandteile der Fotografie
  • 0.3. Fotografische Projekte
  • 0.4. Fotografische Genres und die geeignete Kamera
  • 0.5. Die Bildgestaltung
  • 0.6. Die technische Umsetzung
• 1. Perspektive
  • 1.1. Grundlagen der Perspektive
  • 1.2. Alles aus Augenhöhe fotografieren
  • 1.3. Architektur und Perspektive
  • 1.4. Brennweite
  • 1.5. Formatfaktor
  • 1.6. Brennweiten, Fluchtpunkte und Bilddynamik
  • 1.7. Brennweite und Bildausschnitt
  • 1.8. Das Objektiv – zentrales Bindeglied zu guten Ergebnissen
• 2. Schärfe
  • 2.1. Brennweite und Schärfentiefe
  • 2.2. Schärfentiefe, Brennweite und Distanz
  • 2.3. Sensorformat und Schärfentiefe
  • 2.4. Blende
  • 2.5. Blendenschritte
  • 2.6. Lichtwert und Offenblende
  • 2.7. Blende und Schärfentiefe
  • 2.8. Blende bewusst kreativ einsetzen
  • 2.9. Fokussierung
  • 2.10. Scharfstellen und Messfeldsteuerung
  • 2.11. Bewegungsunschärfe
  • 2.12. Mitziehen
  • 2.13. Bokeh
• 3. Belichtung
  • 3.1. Was ist Belichtung?
  • 3.2. Das Zonensystem
  • 3.3. Ziel der Belichtungsautomatik: Zone 5
  • 3.4. Licht und Blendenwert
  • 3.5. Das Histogramm
  • 3.6. Unter- und Überbelichtung am Histogramm erkennen
  • 3.7. Ohne Verwackeln fotografieren
  • 3.8. Belichtungszeit und ISO-Empfindlichkeit
  • 3.9. Belichtungsmessung und Messmethoden
  • 3.10. Belichtungsmodi
  • 3.11. Bildkontrolle und Belichtungskorrektur

Einleitung

Als ich im letzten Jahrtausend zu Fotografieren begann, wollte ich natürlich mehr über die Grundlagen der Fotografie wissen. Wie Viele begann ich meine fotografische Laufbahn mit einer Kompak­tkamera und Urlaubs- und Freizeitbildern. Als ich dann angefangen habe als Grafikdesigner zu arbeiten wuchs auch mein Interesse an der richtigen Fotografie. Meine ersten Erfahrungen mit Spiegelreflex konnte ich mit der analogen Minolta meines Vaters machen. Bald schon wollte ich aber eine eigene Kamera und bin bei Nikon gelandet – und geblieben.

Um mehr über Fotografie zu erfahren habe ich mich als Autodidakt nach Literatur zum Thema umgesehen. Unter anderem bin dich dabei auf ›Das große Buch der Fotografie – Schritt für Schritt zum gelungen Bild‹ von John Freeman gestoßen. Das Buch hat mir gut gefallen und die Basis für mein heutiges Wissen über Fotografie gebildet. Aber habe ich damit fotografieren gelernt? Nicht wirklich. Der allgemeine Charakter des Buches hat dazu geführt, dass alles mögliche beleuchtet wurde, was mit Fotografie in Zusammenhang steht – so auch Dinge wie Mittel- und Großformatkameras. Greifbar vermittelt wie ich meine Spiegelreflex einsetze um bessere Bilder zu machen, hat es mir nicht.

Dann kam die digitale Fotografie und mit ihr eine Schwemme an Büchern. Das erste Buch, das mich wirklich einen entscheidenden Schritt weiter gebracht hat, war ›Das digitale Fotografie Buch‹ von Scott Kelby. Ich kann es noch immer uneingeschränkt jedem empfehlen, der mit Hilfe prägnanter, praxistauglicher Tipps in der Fotografie vorankommen will, wobei ich diese Empfehlung auf den ersten Band beschränke.

Doch abgesehen davon, dass ich bei Kelby viele nützliche Tricks erfuhr, könnte ich nicht sagen, dass ich damit wirklich fotografieren gelernt habe. Kelbys Konzept ein Fotobuch für die Praxis zu schreiben – nach dem Motto »Du willst das und das? Dann mach das so und so!« – ist großartig, bedingt aber auch, dass er bewusst auf theoretische Hintergründe verzichtet. Wer verstehen will weshalb Kelby das und das so und so macht, muss woanders recherchieren.

Ein sehr gutes Werk für diese Recherche ist ›Der große ­Humboldt Fotolehrgang‹ von Tom! Striewisch. Für dieses Buch gilt, was auch für Kelbys Buch gilt: Un­eingeschränkte Empfehlung! Striewisch versteht nicht nur die Materie, er versteht es auch sie so zu erklären, dass es auch ambitionierte Einsteiger gut verstehen (noch eine Gemeinsamkeit mit Kelby).

Aber hat es mir das Fotografieren beigebracht? Ich würde es mit Pink Floyd zum Ausdruck bringen: »It was another brick in the wall«.

Freemans Grundlagen, Kelbys Praxistipps, Striewisch’ theoretische Erläuterungen und meine eigenen Erfahrungen haben mir gemeinsam geholfen, mein Bild der Fotografie vollständig zu bekommen.

Der letzte Initialzünder in meinem Puzzle war ›Hot Shoe Diaries – groß inszenieren mit kleinen Blitzen‹ von Joe McNally. Auch er versteht es, die komplexen Themen der Fotografie einfach und prägnant auf den Punkt zu bringen. Dieses Buch hat meine ablehnende Haltung gegenüber Systemblitzen und Blitzen außerhalb des Studios eliminiert und mich zu einem Blitz-Fan gemacht.

Nachdem ich das Buch über Nikons Profikamera D700 geschrieben hatte und es von den Lesern mit viel Wohlwollen und lobendem Feedback angenommen wurde, kamen zunehmend Anfragen nach Fotografie-Schulungen auf mich zu. Um einen Workshop über die Grundlagen der Fotografie abhalten zu können – mit dem Ziel, dass die Teilnehmer Fotografie anschließend besser verstehen – habe ich mich hin gesetzt und mir überlegt, wie man Fotografie erklären müsste, dass es für Einsteiger und Amateure ein ganz­heitliches Bild ergibt.

Als Erstes habe ich mich an meinen eigenen Werdegang als Autodidakt erinnert. Aus dieser Erfahrung heraus habe ich die didaktischen Konzepte, die ich kennen gelernt hatte, einmal zu vergessen versucht und mich gefragt: Wie lernt man als Einsteiger und Amateur Fotografie?

Normalerweise lernt man in Workshops und Lehrbüchern über Fotografie die theoretischen und technischen Grundlagen und was sie bewirken. In Praxisbüchern und -Workshops wird zwar sehr wohl vermittelt, wie man in bestimmten Situationen vorgehen sollte, doch die Grundlagen von Theorie und Praxis werden dabei vorausgesetzt.

Aber fotografiert man tatsächlich so? Fragt man sich tat­sächlich: Ich habe hier Blende 8 – was könnte ich damit fotografieren?

Nein! Man hat ein Motiv vor Augen und überlegt sich: Wie kann ich es am besten in Szene setzen? Aus welcher Perspektive und mit welchem Blickwinkel kommt es am besten zur Geltung. Brauche ich viel oder wenig Schärfentiefe? Wie ermittle ich die optimale Belichtung? Und ein oft vergessenes Thema: Wie ­komponiere ich die Aufteilung innerhalb des Bildausschnitts? Drittelregel und Goldener Schnitt sind nicht die Antwort auf alle Fragen.

Basierend auf diesen Überlegungen habe ich ein Konzept entwickelt, bei dem ich von eben diesen Fragen ausgehe:

1. Welchen Blickwinkel und welche Perspektive möchte ich und mit welchen technischen Mitteln erreiche ich das.
2. Wie kann ich mit Schärfe umgehen um die Bildaussage zu unterstreichen und welche technischen Mittel stehen mir zur Beeinflussung zur Verfügung.
3. Mit welchen Mitteln und Einstellungen erreiche ich eine optimale Belichtung.
4. Was gibt es für Grundlagen, die ich bei der Komposition des Bildausschnitts berücksichtigen kann.

Ich glaube, dass diese vier Schritte eine gute Basis bilden, von der ausgehend sich Fotografie gut im Zusammenhang beschreiben und vermitteln lässt. Dieses ›Vier Schritte zum Bild‹-Konzept möchte ich euch, liebe Leser, mit dieser ›Fotoschule OnLine‹ vorstellen. Dabei geht es mir nicht um ein akademisches Lehrkonzept für Profis, sondern darum, dem Ein- und Aufsteiger fotografisches Wissen greifbar, bildlich, praxistauglich und unterhaltsam zu vermitteln. Dem gelernten Fotografen mögen sich ob der teilweise sicher sehr unorthodoxen Herangehensweise die Haare sträuben. Aber ich hoffe, dass ambitionierte Amateure und Hobbyfotografen umso mehr davon profitieren.

Die Idee des Konzepts

Ausgangsbasis zu den Überlegungen die zum Konzept geführt haben, waren meine Erfahrungen bei Workshops, dass die Teilnehmer zwar verstanden haben, wie Blenden, Brennweiten, etc. funktioniert. Doch bei praktischen Versuchen ist mir aufgefallen, dass theoretisches Verstehen nicht unbedingt bedeutet zu sehen wie dieses Wissen praktisch angewendet werden kann. Also habe ich überlegt worum es in der Fotografie eigentlich geht. Nicht um Technik, sondern um Kreativität. Und welche Dinge kann der Fotograf mit Kamera und Objektiv beeinflussen?

Die Antwort hat mich überrascht: Es sind eigentlich nur die vier Parameter, die ich bereits genannt habe – Perspektive, Schärfe, Belichtung und Bildausschnitt. Der Rest – der mindestens genauso wichtig ist – ist einer eine Frage der Grundidee und der Organisation. Also habe ich begonnen ein Diagramm mit diesen vier Parametern als Basis zu erstellen.

Als zweiten Schritt habe alle Begriffe notiert, die mit Kamera und Objektiv und deren Einstellungsmöglichkeiten in Zusammenhang stehen. Dabei habe ich Blitz und Stativ mit aufgenommen, allerdings auch Dinge Filter ausgespart – das entstandene Diagramm ist so schon komplex genug.

Das daraus entstanden Diagramm zeigt deutlich wie komplex Fotografie eigentlich ist und vermittelt einen Eindruck davon, weshalb es vielen Einsteigern schwer fällt das Thema zu verstehen und die theoretischen Grundlagen praktisch anwenden zu können. Das Problem ist dabei, dass der Hobbyfotograf die theoretischen Grundlagen nicht verstanden hätte, sondern vielmehr das Wissen wie dieses Verständnis in der Praxis und im Zusammenhang angewendet werden kann.

Ich habe deshalb versucht alle technischen Details einem der vier kreativen Grundparameter zuzuordnen. Tatsächlich sind die Zusammenhänge so komplex wie im Diagramm oben, oder eher noch komplexer. Doch als Basisüberlegung kann man schon behaupten, dass die Brennweite als erstes zur Gestaltung der perspektivischen Wirkung einer Aufnahme herangezogen wird, wogegen man die Blende eher dazu nutzt die Schärfentiefe bewusst zu beeinflussen. Also habe ich alle sekundären Zusammenhänge raus gelöscht und jedes technische Element einem der vier kreativen Grundparameter zugeordnet.

Nach diesem Konzept werde ich in den folgenden Artikeln, zusammengefasst in vier Kapiteln die technischen und theoretischen Grundlagen der Fotografie erklären. Es darf nicht als Schablone für jede Aufnahmesituation betrachtet werden. Es soll schon gar keine akademische Abhandlung über Fotografie sein. Mir ging es in all meinen Büchern vor allem darum ein Thema für den praktischen Gebrauch einfach zu beschreiben, auch wenn dazu manchmal Vereinfachungen notwendig sind, bei dem es dem Theoretiker die Haare sträubt. Das Vier-Schritte-Konzept ist als Sprungbrett in die Welt der Fotografie gedacht. Wer Fotografie durch und durch verstanden hat und die Anwendung eines solchen, oder ähnlichen Konzepts souverän beherrscht, der wird ohnehin in der Praxis nicht mehr überlegen, ob er jetzt Brennweite oder Blende verwenden soll um die Schärfentiefe zu beeinflussen. Sobald einem der Umgang mit all diesen Parametern einmal in Fleisch und Blut übergangen ist fotografiert man intuitiv und aus dem Bauch heraus. Es ist vielleicht etwas wie Autofahren: Am Anfang muss man noch über Kupplung, Schaltung und Gas nachdenken. Doch hat man einmal eine gewisse Praxis geht das alles von selbst.

Über die Navigationsleiste direkt unterhalb könnt ihr dem Konzept vom Anfang zum Ende folgen, indem ihr am Ende jedes Abschnitts auf ›Weiter‹ klickt. Im Blog selbst erscheinen die Artikel von neu nach alt, also in verkehrter Reihenfolge.

Falls ihr Fragen und Rückmeldungen habt, freue ich mich auf euere Kommentare. Ich wünsche auch viel Spaß beim Lesen und Erfolg in der Umsetzung.

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Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Sehen wir uns nun an, wie man mit Hilfe des Histogramms eine Fehlbelichtung identifiziert und mittels Belichtungskorrektur in die Belichtung eingreift. Wichtig ist, dass man die Kamera so einstellt, dass das Histogramm in der Rückschau nach jeder Aufnahme angezeigt wird.

Luminanz-Histogramm (Helligkeitsverteilung) links unten und die Histogramm für die Grundfarben Rot, Grün und Blau.

Das mag am Anfang gewöhnungsbedürftig sein, da man es vielleicht gewohnt ist, das zuletzt aufgenommene Bild ­Display-füllend zur Kontrolle angezeigt zu bekommen. Mit dem Histogramm nimmt die Aufnahme selbst nur mehr einen Teil des Displays ein, wird also deutlich kleiner dargestellt. Doch während wir selbst in der Display-füllenden Anzeige die Schärfe ohne Einzoomen keinesfalls adäquat beurteilen können, und man auch die Belichtung oder Weißabgleich anhand der Display-Anzeige unmöglich verlässlich beurteilen kann, verrät einem der Blick auf das Histogramm zuverlässig, ob eine Unter-, Über- oder korrekte Belichtung vorliegt.

Schaut das Histogramm in der Bildkontrolle aus wie in Abbildung oben ist eigentlich alles in Butter – jedenfalls, was die Belichtung angeht. Das Tonwertgebirge läuft links und rechts zu Schwarz und Weiß bis auf die Nulllinie aus und bildet an keinem Ende eine Anhäufung. Wie die Landschaft dazwischen beschaffen ist, ist nicht von Belang. Was zählt, ist, dass dieses Bild mit Sicherheit optimal belichtet worden ist.

Die nächste Abbildung zeigt ein etwas überbelichtetes Bild.

Das Histogramm zeigt eine leichte Überbelichtung an.

Auf der weißen Seite des Histogramms läuft das Tonwertgebirge ins Ende und wird abgeschnittend – das bedeutet Überbelichtung. Die Kamera muss also so eingestellt werden, dass sie geringfügig unterbelichtet. Zwar dürften bei diesem Bild durch so eine Korrektur tatsächlich Bildbereiche unterbelichtet und schwarz ausfallen – auf der linken Seite ist kaum Platz für eine Negativkorrektur – aber unterbelichtete Bereiche sind meist weniger auffällig und störend als überbelichtete und können deshalb eher akzeptiert werden.

Die folgende Abbildung zeigt eine Aufnahme, die im dunklen Bereich einen Anschnitt des Tonwertgebirges anzeigt und damit Unterbelichtung signalisiert.

Das Histogramm zeigt eine leichte Unterbelichtung an.

Hier muss der Fotograf so eingreifen, dass etwas heller belichtet wird – schließlich bietet das helle Ende noch etwas Luft.

Spitzlichter kennzeichnen | Ein zusätzliches Hilfsmittel – neben dem Histogramm – mit dem man Überbelichtung in einem Bild sofort erkennt und sogar noch sieht, wo sich die überbelichteten Bereiche befinden (das kann das Histogramm nicht), bietet eine Funktion, mit der sich die so genannten Spitzlichter markieren lassen.

Die schwarzen Bereiche in den Wolken kennzeichnen Bereiche die überbelichtet ausgefallen sind.

Ist diese Funktion aktiv, werden überbelichtete Bereiche schwarz oder farbig blinkend dargestellt. Unter ­›Spitzlichter ­markieren‹, ›Überbelichtung anzeigen‹ oder einem ähnlichen Namen sollte sich diese Funktion bei praktisch jeder ­Kamera finden lassen, auch wenn sie über ein Histogramm nicht verfügt.

Belichtungskorrektur in automatischen Belichtungsmodi

Eine Belichtungskorrektur sollten so gut wie alle Digitalkameras bieten – vom preiswertesten Kompaktmodell bis zur Profi-DSLR. Bei Einsteiger- und Kompaktkameras muss die Belichtungskorrektur in der Regel über ein Einstellungsmenü vorgenommen werden. Bei SLRs ist es üblich, dass die Belichtungskorrektur durch Drücken ­einer Taste und Drehen ­eines Einstell­rades vorgenommen wird. Andere Kameras erlauben es die Belichtungskorrektur ohne Drücken einer Zusatztaste über ein Einstellrad zu verändern, und wieder andere haben ein komplett ­eigenes Einstellrad dafür.

Unterschied Belichtungskorrektur und –einstellung |  Unter ›Ziel der Belichtungsautomatik: Zone 5‹ habe ich beschrieben, dass die Belichtungsautomatik einer Kamera versucht die ­Belichtung einer Aufnahme so einzustellen, dass sich für das Resultat eine mittlere Helligkeit ergibt.

Wenn man in einem automatischen Belichtungsmodus eine Veränderung der Vorgaben einstellt, wird die Kameraelektronik in der Zeitvorwahl die Blende öffnen, wenn man die Zeit verkürzt, in der Blendenvorwahl die Zeit verringern, wenn man die Blende öffnet, oder in der Programmautomatik Zeit und Blende im Verhältnis verschieben, wenn man im Programm (P) eine Programmver­schiebung durchführen. Durch eine Änderung der Vorgaben für die Automatik wird sich durch die Änderung der Blendenöffnung zwar die Schärfentiefe der Aufnahme ändern, nicht aber die Helligkeit! Ohne Belichtungskorrektur bleibt das Ziel der Belichtungsautomatik Zone 5.

Mit der Belichtungskorrektur hingegen verändert man die Zielvorgabe. Das Resultat soll nicht mehr Zone 5, mittlerer Helligkeit, entsprechen, sondern bei einer negativen Korrektur dunkler aus­fallen und bei einer positiven heller.

Ein Praxisbeispiel | Ziehen wir einmal einen Kamm für ein praktisches Beispiel heran und legen ihn auf einen weißen Karton. Wenn ich damit mit einer Belichtungsautomatik ein Foto mache, sieht das Ergebnis so aus.

Belichtungsautomatiken führen bei hellen Motiven zu Unterbelichtung.

Das Histogramm zeigt das auch an.

Ein Histogramm, das eine mittlere Belichtung anzeigt. In diesem Fall ist das aber deutlich zu dunkel.

Das Tonwertgebirge steht ziemlich genau in der Mitte des Histogrammfeldes. Da die Vorlage lediglich vom strukturierten Weiß des Kartons (≈ Zone 9) bis bestenfalls zu leichtem Grau in den Schatten des Kamms (≈ Zone 6) reicht (siehe ›Das Zonensystem‹), also lediglich etwa vier der elf Zonen umfasst, ist der Tonwertberg relativ schmal. Das Histogramm verrät uns, dass die Aufnahme einen geringen Kontrastumfang hat. Was es uns nicht verrät, ist, dass das Bild zu dunkel belichtet ist. Das verrät uns aber das Bild selbst.

Im Grunde müsste man hier nicht unbedingt eingreifen. So ­lange das gesamte Tonwertgebirge innerhalb des Histogrammfeldes Platz hat und auf keiner Seite abgeschnitten wird, lässt sich das Digitalbild in der Nachbearbeitung beliebig aufhellen oder abdunkeln. Doch schneller als Nachbearbeiten geht es, wenn ich die Vorgaben der Belichtungsautomatik über einen Eingriff in die Belichtungskorrektur verändere.

In diesem Fall ist die Aufnahme deutlich zu dunkel. Deshalb habe ich für die Belichtungskorrekur einen positiven Wert von +2LW (Lichtwerte) eingestellt – im Modus Blendenvorwahl vervierfacht sich die Belichtungszeit von 1/500 auf 1/125 Sekunde, und die Lichtwert-Skala schlägt zwei ƒ-Stops in Richtung ›Überbelichtung‹ aus. Die neuerliche Aufnahme fällt entsprechend um das Vierfache heller aus, was sich auch im Histogramm spiegelt.

Eine Belichtungskorrektur um +2LW hat zu einer korrekten Wiedergabe des High-key-Motivs geführt.

Das Histogramm für das korrigierte Bild.

Belichtungskorrektur im Modus Manuell (M)

Wenn man statt mit einem automatischen Belichtungsmodus im manuellen Modus arbeitet, dann nimmt man die Korrektur nicht über die Funktion Belichtungskorrektur vor, sondern korrigieren manuell, indem man Blende oder Zeit verändern. Bezogen auf das voran gegangene Beispiel würde das bedeuten, entweder die Blende manuell um zwei ganze Schritte zu öffnen oder die Zeit manuell zu vervierfachen. Oder einen Mix aus beidem.

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Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Wie Heise meldet hat Corel Bibble übernommen und stellt sein erstes Tool zur Raw-Entwicklung mit dem Namen AfterShot vor. Das Programm ist neben Windows auch für Mac und Linux erhältlich und kostet 90 Euro. Umstiegswillige Nutzer von Bibble 5, Lightroom oder Aperture können es für 70 Euro haben (irgendwie finde ich solche Angebote ja ein bisschen unmoralisch).

Hier geht es zu Corel und AfterShot: Corel AfterShot Pro – photo management software.

Am Anfang war Aperture

Mein erster Raw-Entwickler war Apple Aperture. Das in der Beta-Phase befindliche Lightroom lockte aber bereits und es zeichnete sich noch vor der offiziellen Version ab, dass das Programm ein Erfolg werden würde. Immerhin kam es von Adobe und die hatten mit Photoshop Erfahrung in Bildbearbeitung wie kaum jemand sonst. Also habe ich in großen Erwartungen den Zug gewechselt und meine junge Bibliothek auf Lightroom umgestellt.

Meine Lightroom-Phase

Glücklich geworden bin ich damit nicht. Die Oberfläche des Programm ist furchtbar klobig, platzverschwenderisch gestaltet und absolut strikt. Gut. Man kann in die Kopfleiste sein eigenes Logo einpflanzen und verschiedene Schnörkel für den Abschluss der Palettenleisten definieren. Professionell finde ich diesen Umfang an Individualisierbarkeit allerdings nicht. Der Rest lässt sich kaum an die Anforderungen des Anwenders anpassen.

Dann dieses seltsame Konzept mit den fünf Räumen. Auch so eine Idee die Adobe dem Benutzer unabänderlich aufs Auge drückt. Zu allem Überfluss verknüpft das Programm mit demselben Shortcut unterschiedliche Befehle, je nach Raum, in dem ich mich gerade befinde. Zumindest in früheren Versionen war das so.

Und wenn herum nörgeln an Shortcuts sind: In InDesign, Illustrator und Photoshop rufe ich mit cmd+K die Voreinstellungen auf. Weshalb ist das in Lightroom ein anderer Kürzel?

Ihr merkt schon: Ich mag Lightroom nicht!

Zurück zu Aperture

Nach einigen Monaten unglücklicher Ehe mit Lightroom bin ich reumütig zu Aperture zurück und wenn ihr mich fragt: Es ist das bessere Programm für die Raw-Entwicklung. Zwar wird immer wieder die Kompetenz Lightrooms beim Entrauschen gelobt, aber wenn das nicht besser ist als in Adobe Camera Raw – und ich gehe davon aus es ist 1:1 die selbe Engine – dann berauscht mich das auch nicht.

Wo Aperture im Verhältnis zu Lightroom definitiv glänzt ist die Wiederherstellung von unterbelichteten und überbelichteten Bereichen – ich habe diesbezüglich einmal einen Artikel veröffentlicht.

Natürlich arbeitet das Gros der professionellen Welt mit Lightroom und ich halte die Kollegen bei Gott nicht für Nackerpatzerln. Am Ende ist es immer auch etwas subjektiv was man gut findet und was nicht. Unterm Strich findet man Licht und Schatten bei Lightroom und bei Aperture.

Lightroom vs. Aperture

Aperture wird zuweilen ein etwas zähes Ansprechverhalten nachgesagt und tatsächlich: Wer keinen Turbo im Rechner hat muss mangelnde Power mit Geduld ausgleichen. Auch die Stabilität könnte besser sein. Allerdings verfiel ich bei meinen Lightroom-Tests, die ich über die Jahren immer wieder gemacht habe, auch nicht gerade in einen Geschwindigkeitsrausch.

Was mich wundert ist, was Adobe am heutigen Tag an Neuerungen für Lightroom 4 ankündigt: Ein neues Buchmodul (sieht aus wie das, was ich von Aperture schon lange kenne); Direkte Integration von Maps (habe ich seit Aperture 3 und brauche ich so oft wie etwas anderes: Faces – nämlich exakt gar nicht).

Was ich allerdings sehr wohl brauche ist Softproofing. Ich kann mich nicht erinnern, dass ich das in Aperture einmal nicht hatte. In Lightroom soll es das mit 4 jetzt auch geben. Wie um Himmels Willen! Konnte die professionelle Welt in Lightroom bislang auf den Bildschirm-Proof verzichten? Ist mir rätselhaft.

Aber wäre bei Aperture alles so, wie ich es mir vorstellte, hätte ich mich nie nach einer Alternative umsehen müssen.

Geschwindigkeit und Stabilität habe ich bereits als problematisch angesprochen. Dann verliert Aperture Bilder in der Datenbank. Ich nehme an, das passiert bei Abstürzen. Die Bilder vegetieren dann irgendwo auf der Festplatte rum. Ob die Bilder in der Aperture-Datenbank liegen oder als Verknüpfungen in separaten Ordnern ist dabei Irrelevant. Wenn Sie in Aperture nicht mehr aufscheinen sind sie so gut wie nicht mehr existent, auch wenn sie noch irgendwo auf der Festplatte Speicherplatz verspeisen.

Ein Vorteil von Aperture war für mich unter anderem die Integration in das Gesamtsystem Apple, bestehend aus meinen Macs, iPhone, iPad und mobileMe. Aber die Alben von mobileMe sollen nach der Einführung von iCloud sterben. iCloud ist mir noch immer suspekt. Und Fotostream, das Bilder annähernd in Echtzeit auf allen Geräten eines Anwenders verteilt, hat bei mir mehr Unordnung als Nutzen gestiftet.

Das schlimmste ist bei Aperture allerdings, dass man keine Ahnung hat, was Apple weiter damit vor hat. Lightroom-User sehen durch die neue Beta, dass an ihrem Programm was weiter geht. Aber Apple macht ja aus allem ein Staatsgeheimnis. Das wäre nicht so schlimm, wenn man von einer professionellen Weiterentwicklung ausgehen könnte. Leider ist bei mir der Verdacht gekeimt, Apple mache aus dem Profi-Werkzeug langfristig ein Aufsteiger-iPhoto für Hobbyfotografen und lässt den professionellen Anspruch fallen.

Was nun?

Frustriert habe ich vor Weihnachten wieder einmal ein Auge auf das aktuelle Angebot an in Frage kommenden Werkzeugen geworfen. Zunächst einmal natürlich wieder der Blick auf Lightroom. Allerdings brauchte ich nicht lange um sicher zu sein, dass damit für mich noch nicht einmal eine Vernunftehe möglich ist.

DxO Optics

Durch einen Tweet von Zoomyboy bin ich wieder auf DxO Optics Pro aufmerksam geworden. Und – wow! – was das Programm an Schärfe in ein Bild rein zaubern kann hat mich echt umgehauen. Weniger begeistern kann die Geschwindigkeit. Auf meinem Rechner waren die paar Tests mit der Software eine zähe Tortur. Mein MacBook ist nicht mehr das jüngste, aber wenn ich die Leistung mit Aperture vergleiche, dann erscheint das Apple-Programm plötzlich wie ein Ferrari.

Die Geschwindigkeit ist allerdings nicht alleinige KO-Kriterium für das Programm aus Frankreich. Darüber hinaus erscheint mir der Funktionsumfang recht überschaubar und vor allem die Individualisierbarkeit der Oberfläche zu begrenzt. Zum Beispiel habe ich keinen Dialog gefunden um Shortcuts zu individualisieren.

Wer jedoch ein Programm sucht, das Objektiv-Fehler und Verzerrungen kompetent aus Bildern heraus rechnen kann und rattenscharfe Ergebnisse erzielt, der sollte vielleicht zumindest als Zweitprogramm einen Blick auf DxO Optics werfen.

Bibble

Weiters habe ich mir auch Bibble wieder einmal angesehen. Auch hier spricht mich allerdings die Oberfläche nicht wirklich an und auch hier hatte ich den Eindruck, dass Anpassungen an individuelle Arbeitsweisen nur sehr eingeschränkt möglich sind.

Capture One Pro

Capture One Pro dürfte wohl so etwas wie der Mercedes unter den Raw-Entwicklern sein – zumindest was den Preis angeht. 300 Euro muss hinblättern, wer die Pro-Version kaufen möchte. DxO, Bibble und vor allem Aperture sind absolute Schnäppchen dagegen. Allerdings bekommt man für dieses Geld auch eine ganze Menge Professionalität.

Capture One stammt von Phase One. Phase One ist ein dänischer Hersteller von Mittelformat-Kamerasystemen und bietet soweit ich weiß die Kameras mit der höchsten Sensorauflösung an – aktuell bis zu 65 Megapixel. Capture One scheint der professionalität dieser High-End-Geräte nicht nach zu stehen.

Nach etwa drei Wochen der Arbeit mit Capture One Pro kann ich mich vor Begeisterung kaum halten. Ich hätte es nicht für möglich gehalten, dass eine um so vieles bessere Raw-Entwicklung möglich ist. Die Resultate heben sich um Welten von dem ab, was ich mit Aperture oder Adobe Camera Raw aus meinen Bildern raus hole.

Ebenso überzeugend wie die Resultate sind, ist auch die Performance mit der das Programm zur Sache geht. Man arbeitet quasi in Echtzeit. Wartezeiten im Arbeits-Workflow gibt es kaum. Lediglich beim Exportieren von Bildern oder während des Imports lässt man dem Programm besser seine Ruhe. Allerdings sind diese Vorgänge bedeutend schneller abgeschlossen, als ich es von Aperture kenne. Viele Aktionen, wie zum Beispiel das Kopieren und Einsetzen von Entwicklungseinstellungen geht auch über dutzende Bilder hinweg so schnell, dass man sich zunächst fragt, ob das Programm jetzt überhaupt etwas gemacht hat.

Dabei scheint Capture One äußerst Ressourcenschonend mit den Recheneinheiten meines Macs umzugehen. Während Aperture die Lüfter des Laptops immer wieder einmal zum Großeinsatz aufruft, kann ich mich nicht erinnern sie schon einmal wegen Capture One groß in Aufregung gehört zu haben.

Ein weiterer Punkt der mich aus den Socken haut, ist die Benutzerfreundlichkeit und Flexibilität der Oberfläche. Der Benutzer kann jedes Detail exakt so einrichten, wie er es haben möchte. Der Funktionsumfang ist immens. Trotzdem bleibt das Programm wie gesagt intuitiv sehr zugänglich und einfach zu bedienen. Ich habe mir etwa eine Stunde lang Schulungsvideos angeschaut und nach ganz kurzer Einarbeitungszeit fühlt sich das Programm an als würde ich seit Jahren damit arbeiten.

Doch nicht nur die Oberfläche lässt sich beliebig konfigurieren. Für beinahe jedes Detail lassen sich Shortcuts konfigurieren. Ich kann Belichtung, Kontrast, Helligkeit, Sättigung, Weißableich und Färbung über Tastatur steuern. Performance und Effizienz der Oberfläche geben der Sortierung und Ausarbeitung von Bildern eine mir bislang unbekannte Dynamik.

Der Umgang mit Farbmanagement ist ein Traum. Man richtet ein Ausgabeprofil ein, definiert das Farbprofil dafür und mit einem Klick hat man den entsprechenden Softproof am Bildschirm vor Augen. Automatisch passen sich Farbwerte an den Farbraum des Zielprofils an. Im Grunde ein Detail. Aber eines von vielen, dass das Arbeiten mit Capture One zum flüssigen Vergnügen macht. Mich ärgert nur, dass ich jetzt erst damit arbeite.

Was ich weiters an Capture One schätze ist, dass es nicht wie Lightroom und Aperture auf einer Datenbank basiert. Vielmehr greift man auf beliebige Verzeichnisse auf angeschlossenen Festplatten zu. Also eher so wie der Finder am Mac, der Explorer unter Windows oder Bridge. Dateileichen auf Grund von Fehlern in der Datenbank sind somit ausgeschlossen. Die Entwicklungseinstellungen werden schlicht als XML-Datei in einem Ordner im Verzeichnis der Bilder abgelegt. Clever, die Dänen!

Wo Licht ist, ist aber auch Schatten – das soll nicht verschwiegen werden. Lightroom-Benutzer können – im Gegensatz zu Aperture-Anwendern – Objektivfehler aus Bildern heraus rechnen lassen. Capture One Pro kann das zwar auch. Allerdings nur für ausgesuchte Objektive von Mittelformatkameras. Der Anwender kann zwar manuell Fehler wie Verzerrungen und Chromatische Aberation beseitigen, doch der Luxus, das auf Basis unter Laborbedingungen entwickelten Werten automatisch ausführen zu lassen fehlt.

Aperture hat tolle Retusche Werkzeuge. Capture One hat zwar auch ein Flecken-Entfernungswerkzeug, doch im Verhältnis zur Professionalität des restlichen Programms ist das doch von eher peinlicher Qualität und Funktionalität.

Capture One beherrscht auch selektive Bildbearbeitung mit Pinseln. Das Konzept diese Arbeiten über Ebenen zu verwalten ist eine für erfahrene Photoshoper gut nachvollziehbare und leicht zu verwaltende Idee. Doch das Pinselwerkzeug bietet wenig Einstellungsmöglichkeiten, der Radierer radiert gleich einmal alles aus und die Ebenen lassen sich nicht in Ihrer Deckkraft reduzieren, was einiges Potenzial zur kreativen Bildentwicklung mit sich bringen würde.

Was ich von Aperture vermisse ist ein Regler für Lebendigkeit (in Lightroom sollte das wohl Dynamik heißen). Außerdem fehlt mir auch ein Kanalmixer.

Trotz dieser Schönheitsfehler hat mich Capture One Pro bislang völlig überzeugt und ich glaube meine Begeisterung wurde im vorangegangen Text offensichtlich. Wer nicht zu 100% glücklich ist mit seinem Raw-Entwicklungswerkzeug, oder einfach einmal über den Tellerrand hinaus schauen möchte, dem kann ich nur empfehlen die Demoversion des Programms bei Phase One herunter zu laden und einmal auf Herz und Nieren zu testen. Vielleicht versteht ihr meine Begeisterung dann.

Der will-haben-Faktor für diese Kamera ist bei mir am oberen Anschlag. Ich bin schon gespannt auf erste Testberichte. Wenn die Kamera hält was sie verspricht und der Preis tatsächlich, wie meine erste Recherche ergeben hat, bei etwa 1300 Euro inklusive Normal-Objektiv liegen wird, dann ist das Teil so gut wie gekauft. Der Preis sollte für die Kamera bei etwa $1700 liegen, die Objektive sollen in einem Bereich von etwa $600 auf den Markt kommen.

Fuji Guys – Fujifilm X-Pro1 – Hands-on Preview (1/2) – YouTube.

Generell beschäftigt mich das Thema Urheberrecht jedoch. Ein Artikel mit dem Titel »Bilderklau – die Konsequenzen«, auf blendwerk-freiburg.de, hat meine grauen Zellen nun wieder einmal darum joggen lassen.

Wie gehen wir mit geistigem Eigentum um?

Bevor man sich graue Haare um Selbstbedienungsmentalität im Internet wachsen lässt, sollte man zunächst den eigenen Umgang mit den geistigen Werken Anderer hinterfragen: Nutze ich Software, Musik, Videos, Spiele, Schriften, etc., die auf Wegen zu mir gekommen sind, die nicht ganz den rechtlichen Lizenzvorstellung der Produzenten entsprechen?

Wer bei dieser Frage ins Stocken gerät sollte sich überlegen, ob er nicht zweierlei Maß ansetzt, wenn er über Bilder, die ihm geklaut wurden, echauffiert ist, und sich gleichzeitig bei den Werken Anderer bedient.

Ich nehme an, dass viele Leser diese Zeilen jetzt mit einem ›ja, aber …‹ auf den geistigen Lippen lesen werden. Nach meinem Gefühl haben etwa 90 Prozent kein Problem damit Musik, Filme, Software, Schriften, etc. bei Wunsch einfach aus dem Internet oder von den Festplatten von Freunden zu saugen. Wieso auch nicht: Eine Datei zu kopieren ist schließlich einfach und es macht ja eh jeder.

Belastet hat die seltsame Beziehung zwischen Content-Anbietern und Content-Konsumenten sicher der patscherte Umgang der Musik-Industrie mit manischen Vielkopierern. Die Millionenklagen gegen Jugendliche und Hausmütterchen haben diese Branche in den Augen der Öffentlichkeit zum geldgierigen Darth Vader gemacht, der eingefleischte Musikfans mit ihrer geballten dunklen Macht einfach platt macht. Es darf sich deshalb als Robin Hood fühlen, wer das Imperium um ein paar Titel erleichtert. Man nimmt es ja Quasi von den Reichen und verteilt es unter dem Armen, der man selbst ist.

Software Firmen, wie Microsoft und Adobe, die ihr Monopol nutzen, Software überteuert und zu sittenwidrigen Lizenzbedingungen an den Verbraucher zu bringen, entlasten das Verhältnis Produzent–Konsument auch nicht unbedingt.

Aber!

Ich gehe jede Wette ein, dass der überwiegende Teil der privaten Anwender von Photoshop mit illegalen Kopien arbeitet. Für die breite Masse scheint das selbstverständlich und es in Frage zu stellen erntet Stirnrunzeln und Kopfschütteln. Schließlich seien die Programme so teuer – das könne man sich ja nicht leisten!

Verstehe ich das richtig? Wenn etwas teurer ist, als ich es mir leisten kann oder will, dann darf ich es mir einfach und selbstverständlich nehmen?

Ein Mercedes SLK ist ein schönes Auto. Aber er ist mir zu teuer. Darf ich dann zum Händler gehen und ihn vom Platz flatzen?

Speziell bei Hobby-Fotografen kann ich diese Mentalität nicht nachvollziehen. Mancher fotografiert da mit einer Nikon D3 um 5.000 bis 6.000 Euro und hat Objektive davor, die im Stück ebenso 1.000, 2.000 und 3.000 Euro kosten. Da sollten doch die 1.000 Euro für Photoshop nicht zum Ruin führen. Verzichtet man halt auf ein Objektiv.

Aber Photoshop ist doch völlig überteuert!

Stimmt. Aber wenn mir jemand ein Auto anbietet und zu viel Geld dafür verlangt, kann ich es ja auch nicht mit gutem Recht klauen! Ich muss halt bei Jemandem einen Wagen kaufen, der ein akzeptables Angebot macht, auch wenn es dann vielleicht nicht genau das Modell ist.

Es gibt Alternativen zu Photoshop. Angefangen vom kostenlosen Gimp (zwar hässlich wie Sau, aber kann fast alles, was Photoshop kann) bis hin zu Pixelmator am Mac (kann zwar nicht alles, was Photoshop kann, kostet aber nur einen Bruchteil davon, ist flink wied er Blitz und fast schon zu schön gestaltet).

Sprechen wir noch von Bilderklau?

Genau. Darum ging es ja. Um Fotografen, die es nicht lieben, wenn sich Andere ihre Bilder unter den Nagel reißen.

Meine Software ist zu 100% lizensiert, meine Musik zu über 95% legal, ich setze in Grafik-Projekten nur lizensierte Schriften ein und bin mir nicht sicher, ob ich schon jemals einen raubkopierten Film gesehen hat. Ich bilde mir deshalb ein nicht mit zweierlei Maß zu messen, würde ich mich darüber aufregen, wenn sich jemand an meinen Bilder bedient und ich sauer wäre. Mach ich aber nicht. Ist nicht gesund und interessiert mich auch nicht. Ich habe Besseres zu tun.

Oder anders gesagt: Ich halte es mit Depeche Mode. Diese wurden einmal gefragt, ob sie nicht verärgert sind, wenn andere Musiker ihre Sounds klauen. Sie antworteten, dass sie sich im Gegenteil geschmeichelt fühlten; denn würden diesen Anderen ihre Sounds nicht gefallen, würden sie sich auch nicht daran bedienen.

Natürlich ist zu unterscheiden, ob ein schlichter Konsument, der sein Leben lang kaum etwas über Urheberrechte gehört hat, ein Foto für sein Facebook-Profil verwendet, weil es ihm gefällt, oder ob ein Unternehmen es in einem Folder oder der Internet-Präsentation einsetzt, weil sie die Kosten für einen Fotografen bzw. für Stock- oder Agenturbilder sparen wollen. Erstens darf man im Bereich der Marktkommunikation Professionalität und Wissen um Urheberrechte erwarten und zweitens ist es dann einfach Bereicherung an den Leistungen anderer.

Im Grunde ist das nichts anderes als Software-Piraterie. Jemand anders investiert Zeit (und wir wissen ja: Zeit ist Geld) um eine Leistung zu erbringen und jemand anderes reißt sich das unter den Nagel um damit selbst, ohne viel Aufwand, abzusahnen. Wobei ich gestehen muss, dass ich den Kunden dieser Piraten nicht sonderlich besser finde, als den Piraten selbst. Ohne Kunden keine Piraten. So einfach ist das.

Persönlich verzichte ich nicht deshalb auf Raubkopien, weil ich Angst vor Verfolgung und Strafe habe, sondern weil ich es es einfach für unrecht halte. Es ist schlicht eine Frage der Haltung.

Recht, aber mit Augenmaß

So traurig es klingt: Wer sich ärgert, wenn sich Leute an seinen Werken einfach bedienen, sollte keine ins Internet stellen. Stelle ich etwas Brauchbares oder gar Wertvolles vor das Haus oder an einen öffentlichen Platz, darf ich mich auch nicht wundern, wenn es eines Tages weg ist. Dabei ist das Bewusstsein, dass Hardware nicht gestohlen werden darf, relativ hoch – sieht man einmal von Seifen und Badetüchern in Hotels ab, die bei Gelegenheit viele Zeitgenossen zu Dieben zu machen scheinen. Geht es hingegen um Software – und nichts anderes sind digitale Bilder – ist Unrechtsbewusstsein offensichtlich mehr Ausnahme als Regel. Sogar Jene, die selbst von der Erstellung geistiger Werke leben, haben oft keinen Respekt vor den geistigen Leistungen anderer.

Nun gibt es auch Leute die resolut und konsequent gegen die Selbstbedienung im Internet vorgehen. So hörte ich von einer Künstlerin, die Google auf Unterlassung geklagt hat, weil Ihre Kunstwerke von irgendeiner Galerie-Website in die Bilder-Suchergebnisse der Suchmaschine geraten waren. Grundsätzlich ist dieses Ansinnen sicher rechtens; wer etwas schafft, sollte auch bestimmen dürfen, was damit geschehen darf und was nicht. Doch was würde aus dem Internet, wenn sämtliche Urheberrechtsbestimmungen so scharf exekutiert würden würden, wie sie geschrieben wurden?

Es würde verstopfen und zusammenbrechen!

Mein Blog visuelle Inspiration als Beispiel: In diesem Blog veröffentliche ich interessante Designs, Fotos, Werbung, etc. Alles, was ich visuell inspirierend finde, für mich als Lesezeichen ablegen und mit Anderen teilen möchte.

Ich sehe das als Win-Win-Situation für alle Beteiligten. Mein Blog bekommt durch die Fundstücke Traffic und mein Name vielleicht etwas Bekanntheit, was den Absatz meiner Bücher fördern könnte. Der Gestalter der präsentierten Fundstücke bekommt Aufmerksamkeit. Der Besucher bekommt Inspiration. Grundsätzlich gehe ich aber davon aus, dass sich dieser Blog aber am Rande der Legalität bewegt und ich jederzeit mit einer Abmahnung rechnen muss.

Ich denke, dass der Blick auf Urheberrechte von Augenmaß, Toleranz und Verständnis getragen werden sollte. Nicht jeder, der ein Bild in seinem Facebook-Profil postet, ist von krimineller Energie geleitet. Viel wichtiger ist aber vor allem zunächst vor der eigenen Haustüre zu kehren und sich selber an der Nase zu nehmen. Es geht um Haltung. Es geht darum, die Leistungen und Werke anderer zu respektieren. Dann kann man auch Respekt für die eigenen Werke verlangen.

Zwar sind im Moment nur drei Objektive angekündigt, aber diese scheinen dafür ebenso vom Feinsten zu sein. Alle drei sind Festbrennweiten. Eines davon, mit 35mm Brennweite und Lichtstärke ƒ1.4, ist bereits auf meiner Wunschliste gelandet. Positioniert Fuji den Preis des X-Pro 1 Bodys nicht zu hoch, wird diese Kamera mit höchster Wahrscheinlichkeit in meine Fototasche. Kann es kaum erwarten mehr zu erfahren und eine in die Hände zu nehmen.

Weitere Grüchte zur X-Pro 1 hier: Two new images of the Fuji X-Pro 1 camera | Photo Rumors.

Wer sich für Lichtführung mit Blitzen interessiert, sollte auch einmal das E-Book ‘Lighting101’ von Krolop und Gärst ansehen. Darin wird zwar das Beleuchten mit entfesselten Systemblitzen erklärt; aber abgesehen davon, dass Studioblitze kräftiger beleuchten, dürften sich die Grundlagen nicht wesentlich von der Lichtführung mit den kleinen Aufsteckblitzen unterscheiden. Das PDF sollte demnach für alle interessant sein, die sich für Blitzlicht interessieren und einsteigen wollen.

Für 9,99 kann man das E-Book bei Krolop und Gerst einkaufen. Wer Mitglied bei FotoTV ist, oder mit dem Gedanken spielt eine Mitgliedschaft zu testen, kann sich den Preis auch sparen, denn Mitglieder von FotoTV bekommen das E-Book als Weihnachtsgeschenk gratis.

Für alle, die FotoTV noch nicht kennen: FotoTV ist eine Lernplattform für Fotografen mit mittlerweile wohl hunderten Videos und Tutorials zum Thema Fotografie. Für eine Abbo-Gebühr ab etwa 15 Euro im Monat kann man sich Fotografie-Info rein ziehen bis zum Abwinken.

Diese Woche bin ich mit Jana Mänz von www.janasworld.de – als Frau zur Minderheit der Foto-Blogger zählend – in Kontakt uns ins Gespräch gekommen. Ich hatte Sie mit der Bitte kontaktiert ihr »Kreativ fotografieren« als Rezensionsexemplar zusenden zu dürfen. Wir haben uns während der Woche einmal via Skype verbunden, über Fotobücher, Fotografie, Fotoschulen, die unterschiedlichen Zugänge von Frauen und Männern zur Fotografie und die Foto-Blogger-Szene unterhalten.

Jana betreibt auf ihrem Blog eine eigene Fotoschule, die völlig anders funktioniert als meine. Sie veröffentlicht keine Artikelserie in Form eines Buches, sondern betreut und berät ihre Fotoschüler – besser gesagt meist Schülerinnen – direkt und aktiv, zum Beispiel in Form von Bildbesprechungen. Ein interessanter Ansatz, wie ich meine; nicht nur für Fotografinnen.

Für das kommende Jahr steht bei ihr ein Webinar zum Thema »selbständig machen als Fotograf« in der Pipeline. Ich habe mir die Sache einmal angesehen und finde sie sieht sehr interessant aus. Vor allem hat mich der Preis von 390 Euro überrascht. Wäre bei mir der Jahresbeginn 2012 nicht schon ziemlich dicht hätte ich mich gleich angemeldet. Ich bin zwar schon seit langem (als Grafiker) selbständig, aber man lernt nie aus.

Anbei eine gekürzte Beschreibung Janas des Webinars.

Kreative Wege, sich als Fotograf/Fotodesigner selbständig zu machen.

Sie wollen aus Ihrem Hobby, der Fotografie einen Beruf machen, Sie haben das Gefühl, dass nichts anderes Ihnen so viel erfüllte Zeit bieten kann? Aus diesem Grund haben wir unser Webinar unter dieses Motto gestellt: »Tue das, was du liebst und liebe das,was du tust! – ›Kreative Wege, sich als Fotograf/Fotodesigner selbständig zu machen‹«.

Wir haben Dozenten aus dem Fotografie-Business eingeladen. Dabei sind u.a. der erfolgreiche Werbefotograf und Autor Jens Brüggemann, der Justizar des Deutschen Verbandes für Fotografie e.V. (DVF) Wolfgang Rau sowie Business Coach Petra Rexroth aus London, der CEO der Bildagentur westend61, Gerald Staufer, sowie weitere Dozenten, die unsere Webinare mit ihrem Fachwissen und Know-How begleiten werden.

Mehr Informationen findet ihr hier.

Kameras für ambitionierte Fotografen stellen in der Regel drei verschiedene Programme für die Belichtungsautomatik und einen ­Modus zur manuellen Belichtungseinstellung zur Verfügung. Die Bezeichnungen und Abkürzungen der verschiedenen Hersteller unterscheiden sich wieder einmal etwas.

• Programmautomatik | Wird bei allen mir bekannten Kameras mit ›P‹ abgekürzt.
• Blendenvorwahl | Die Blende wird vorgewählt, die Kamera regelt die Zeit automatisch. Deshalb wird dieser Modus manchmal auch als Zeitautomatik bezeichnet. Die Abkürzungen lauten ›A‹ für ‘Aperture’ (englisch für ›Blende‹) oder ›Av‹ für ‘Aperture Value’ (›Blendenwert‹).
• Zeitvorwahl | Die Zeit wird vorgewählt und die Kamera regelt die Blende automatisch. Hier spricht man deshalb manchmal von Blendenautomatik. Die üblichen Abkürzungen sind ›T‹ oder ›Tv‹ für ‘Time Value’ (›Zeitwert‹) oder ›S‹ für ‘Shutter’ (›Verschluss‹, also auf die Verschlusszeit bezogen).
• Manuell | ›M‹ steht bei allen mir bekannten Modellen für manuelle Einstellung.

Programmautomatik

Die meisten Digitalkameras – angefangen von der günstigsten Kompaktkamera bis hin zur professionellen DSLR – bieten in der Regel einen Auto- und einen Programm­modus.

Auto | Der vollautomatische Modus ›Auto‹ nimmt dem Fotografen in der Regel jede Einstellungsentscheidung ab. Wenn es die Kameraelektronik für erforderlich hält zu blitzen, klappt sie den Blitz auf und sorgt bei der Aufnahme für zusätzliches Licht. Blitzen oder nicht Blitzen ist für mich allerdings eine zu essenzielle Frage, als dass ich die Entscheidung der Elektronik einer Kamera überlassen möchte. Deshalb kommt der Auto-Modus für mich nicht in Frage.

Programm (P) | In Programm (P) balanciert die Elektronik der ­Kamera die Blende und die Belichtungszeit automatisch aus, um zu einer möglichst sicheren und optimalen Belichtung ohne Verwackelung zu kommen. Dazu wird sie versuchen die Belichtungszeit so kurz wie möglich zu halten, wenn möglich ohne die Blende vollständig aufzureißen. Eine maximale Blendenöffnung würde zwar die kürzest mögliche Belichtungszeit bedeuten, doch die Schärfen­tiefe könnte dabei kürzer ausfallen, als es dem (ungeübten) Fotografen lieb wäre. Außerdem erinnern wir uns, dass viele Objektive bei maximaler Blendenöffnung nicht mehr ihre maximale Abbildungsschärfe er­reichen. Die Kamera wird deshalb versuchen die Blende im mittleren Bereich, zwischen ƒ 5.6 und ƒ 8, zu halten. Nach meiner Erfahrung berücksichtigt die Elektronik dabei auch, dass die Belichtungszeit nicht länger als der Kehrwert der Brennweite ausfällt, um nicht zu verwackeln.

Programmverschiebung | Viele Kameras erlauben in ›Programm‹ das Shiften der vom Programm ermittelten Belichtungseinstellungen. Das bedeutet, dass die Programmautomatik für eine bestimmte Szene eine bestimmte Kombination aus Blende und Belichtungszeit vorschlägt, der Fotograf allerdings die Möglichkeit nutzt diesen Vorschlag zu verändern. In der Regel wird zu diesem Eingriff an einem der Einstellräder der Kamera gedreht. Die Kamera öffnet je nach Richtung, in die der Benutzer dreht, die ­Blende und verkürzt die Belichtungszeit, oder schließt die Blende und erhöht die Zeit. An der Belichtung selbst ändert sich dadurch nichts; nur das Verhältnis Zeit/Blende verschiebt sich. Man bezeichnet es deshalb auch als Programmverschiebung.

Blendenvorwahl

Ich bin mir ziemlich sicher, dass das Gros der Fotografen überwiegend im Modus Blendenvorwahl fotografiert. Gehen wir von ­unserem ›Vier Schritte‹-Konzept aus, ist das auch logisch: Zuerst wird durch Blickwinkel, Distanz und Brennweite die Perspektive gestaltet, dann wird über die Blendeneinstellung die Schärfentiefe, die sich aus Distanz und Brennweite ergeben hat, dem ­Motiv entsprechend angepasst. Die Kamera übernimmt die Berechnung und Einstellung der Zeit zur optimalen Belichtung automatisch.

Zeitvorwahl

Im Modus Zeitvorwahl gibt der Fotograf, wie der Name schon sagt, die Belichtungszeit vor, und die Kamera passt die Blendenöffnung für die Belichtungszeit an. Sie wird vor allem dort eingesetzt, wo ein bestimmter Effekt mit Bewegung erzielt werden soll. Zum Beispiel, wenn man einen Sportler durch eine sehr kurze Belichtungszeit sicher einfangen will, oder wenn man ein Fahrzeug durch Mitziehen vor verwischtem Hintergrund abzubilden gedenkt.

Manueller Modus (M)

Im manuellen Modus nimmt der Fotograf die Zügel der Belichtung in die eigenen Hände. Er definiert die Blendenöffnung und die Belichtungs­­zeit. Klingt kompliziert und anspruchsvoll. Tatsächlich ­jedoch kann man sich auch hier von der Belichtungsmessung der Kamera unterstützen lassen, und dann ist es eigentlich gar nicht mehr kompliziert.

Lichtwert-Skala im Sucher.

Die Abbildung oben zeigt noch einmal einen Blick durch einen ­Sucher. Die Lichtwert-Skala zeigt für die aktuelle Lichtsituation bei der derzeitigen Einstellung von Zeit ① und Blende ② (und ISO) eine Überbelichtung von +1 Lichtwert an ③. Der Fotograf kann nun die Belichtungseinstellung um –1 LW korrigieren. Zur Auswahl stehen für diese Korrektur, die Blende um –1 Schritt auf ƒ 5.6 zu schließen, die Belichtungszeit um –1 Lichtwert von 1/60 auf 1/120 ­Sekunde zu verkürzen (in der Praxis 1/125) oder den ISO-Wert um einen –1 ganzen Schritt zu verringern. Oder man entscheidet sich für einen beliebigen Mix aus zwei oder drei dieser Parameter. Normaler Weise stehen ja Drittel-Lichtwert-Schritte für Blende, Zeit und ISO zur Verfügung.

Doch warum sollte man sich die Mühe antun diese Einstellung mit menschlicher Geschwindigkeit von Hand vorzunehmen, statt sie von der Kamera mit elektronischer Geschwindigkeit auto­matisch ausführen zu lassen?

Für mich gibt es vor allem zwei gute Gründe: Erstens kann ich als Fotograf individuell und kreativ entscheiden, ob ich für exakt die Situation vor meinen Augen ein besseres Ergebnis erziele, wenn ich die ­Blende ändere, wenn ich die Zeit ändere, oder wenn ich die Empfindlichkeit ändere.

Manueller Modus bei konstantem Licht | Zweitens brauche ich bei konstanten Lichtbedingungen nicht vor jeder Aufnahme neu ­messen. Oft sind die Lichtbe­dingungen während eines Foto-­Shootings weitgehend konstant. Das gilt für Fotosafaris unter freiem Himmel und noch viel mehr für die Arbeit im Studio. Das heißt, wenn einmal eine optimale Belichtungseinstellung für die Lichtsituation ­getroffen worden ist, kann ich mit derselben Einstellung weiter foto­grafieren, bis sie sich wieder deutlich ändert.

Eine fixe Einstellung für die Belichtung ist vor allem im Studio ein großer Vorteil. Das Licht sollte dort ja absolut konstant sein, bis die Beleuchtung verändert wird. Mit einer einzigen, konstanten Belichtungseinstellung über eine gesamte Serie hinweg fallen alle Ergebnisse absolut gleich hell aus. Das erleichtert vor allem auch das Kopieren von Entwicklungseinstellungen von einem Bild auf die anderen bei der Entwicklung in der digitalen Dunkelkammer.

Doch nicht nur im Studio ist eine gleich bleibende Belichtungseinstellung von Vorteil. Auch beim Fotografieren im Freien. ­Arbeitet man mit einer automatischen Belichtungseinstellung, egal ob Blendenvorwahl, Zeitvorwahl oder Programm, dann misst und bewertet die Kamera die Lichtsituation vor jeder Aufnahme neu.

Neigt man die Kamera bei Landschaftsaufnahmen und in ähnlichen Situationen etwas nach oben, kommt ein großer Ausschnitt des fast immer hellen Himmels ins Bild. Die Kamera wird die helle ­Vorlage ausgleichen, indem sie eine dunklere Belichtungseinstellung wählt.
Neigt man die Kamera eher nach unten, dann dominiert die Landschaft im Bildausschnitt, und die ist deutlich dunkler als der Himmel. Die Kamera wird also eine hellere Einstellung wählen, um zu einer neutralen Belichtung zu gelangen.

Tatsächlich aber sollten beide Aufnahmen mit exakt derselben Belichtungseinstellung zu einer weitgehend optimalen Belichtung führen. Im manuellen Modus erhält man also konstantere Resultate als im Automatikbetrieb. Darüber hinaus lässt sich die Belichtungsautomatik auch einmal von einer ungewöhnlichen Lichtsituation in die Irre führen. Im manuellen Betrieb kann höchstens der Fotograf in die Irre geführt werden.

M, der Modus für Einsteiger | Es mag seltsam klingen und im ­Gegensatz zu dem stehen, was wohl viele andere Fotografen ­einem Einsteiger empfehlen würden. Ich rate, wenn man ­Einsteiger ist, sich zumindest eine gewisse Zeit auf den ­manuellen Modus zu konzentrieren. Allerdings nur dann, wenn man für die Auseinandersetzung mit den Einstellungen Zeit hat und niemand auf einen wartet und die Motive nicht davon laufen. Man lernt ­dadurch einfach am meisten über Fotografie. Wenn der Umgang mit Blende, Zeit und ISO einmal in Fleisch und Blut über gegangen ist, spricht nichts dagegen einen anderen Modus zum eigenen Standard zu erklären. Doch Souveränität im Umgang mit Ihrer ­Kamera lernt man manuell am besten.

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Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Die Rechnung ist natürlich Unsinn. Niemand wird so denken. Aber es zeigt, dass ein Bild nichts mehr kostet. Sind Bilder deshalb nichts mehr wert?

Die omnipräsente Kamera

Ich habe die beliebteste Kamera bei Flickr: Ein iPhone. Ich habe auch einige Apps mit denen man Fotos machen und gleich mit coolen Effekten versehen und direkt zu Flickr, Twitter oder Facebook hochladen kann. Ich habe in den letzten Tagen auch überlegt ob ich auf den Instagram-Zug aufspringen soll. Immerhin: Jedes Bild, das du bewusst aufnimmst, trägt zu deiner Entwicklung als Fotograf bei.

Älter als die Zeitung von gestern

Aber was dann? Sind diese, in den sozialen Netzwerken publizierten Schnappschüsse, jemandem mehr als einen flüchtigen Blick wert? Ist der Tweet oder der Facebook-Status von vor fünf Minuten nicht schon älter als die Zeitung von gestern und die damit geposteten Bilder mit ihm? Dabei kann man noch nicht einmal Fisch darin einwickeln!

Sicher: Wenn ich das Glück habe mit meinem iPhone eine bemerkenswerte Szene zu erwischen, dann ist es die Publikation sicher wert. Was aber ist mit den 99,9% restlicher Aufnahmen, die nichts Spektakuläres darstellen? Wenn sie schon jetzt niemandem mehr als eine Sekunde Aufmerksamkeit entlocken können – werde ich sie selbst in einem Monat, einem Jahr oder in der Pension noch einmal anschauen wollen? Oder vergrößern sie nur einen gigantischen Haufen visueller Eindrücke in digitalen Quadraten festgehalten?

Digitalfotografie ist Freiheit (für mich)

Ich liebe die digitale Fotografie, weil sie es mir ermöglicht frei zu probieren und zu experimentieren und zu lernen, ohne, dass jedes Bild meine Geldtasche plündert. Ich genieße den Luxus Bilder zu machen, von denen ich schon vor dem Fotografieren weiß, dass das Licht, der Hintergrund oder andere Rahmenbedingungen eine gelungene Aufnahme unmöglich machen. Wenn ich mit meiner Einschätzung richtig lag, ist das Foto schnell gelöscht. Doch manchmal täuscht meine Einschätzung und das Resultat hat doch etwas reizendes. Das ist für mich auch eine Form der Freiheit.

Sicher: Analoge Fotografen können jetzt einwerfen, dass das eine feige Einstellung ist. Ich möchte, dass mich das Scheitern nichts kostet. Für den Analogfotografen ist jede Aufnahme eine Investition. 36 Aufnahmen machen einen Film voll, die Entwicklung kostet Geld und den Film kann man nach der Bildentwicklung icht wieder leeren und für die nächsten 36 Aufnahmen nutzen.

Es ist legitim diese Herausforderung zu suchen. In meinen Augen ist das weder besser noch schlechter als digital zu Fotografieren und ich würde mir den Respekt von Analogfotografen gegenüber der Digitalfotografie wünschen, den Digitalfotografen der analogen entgegen bringen. Was zählt ist die Freude an der Fotografie und Resultate, die den Betrachter berühren. Egal ob die Bilder chemisch oder elektronisch zustande gekommen sind.

Nicht jede Aufnahme ist bemerkenswert

Digitalfotografie heißt für mich aber nicht, dass ich jeden Schnappschuss und jede Aufnahme einer Serie von zwei Dutzend Ansichten einer Blume aus verschiedenen Perspektiven behalten muss, geschweige sie ins Internet stellen. Nicht jede Aufnahme ist bemerkenswert und man muss deshalb auch nicht jedes Bild archivieren. Bilder löschen ist auch ein Teil des kreativen Prozesses, dem sich der Fotograf stellen muss.

Ich werde es deshalb es wohl auch unterlassen mich mit täglich zehn Bildern an Instagram zu beteiligen und jeden Schritt den ich mache, durch unscharfe und mit Effekten versehene Bilder öffentlich zu dokumentieren.

‘Just because we can’ ist keine ausreichende Begründung für ein Bild

Digitalfotografie sollte nicht heißen, gedankenlos Speicherkarten voll zu stopfen und jeden Kuhmist zu digitalisieren. ‘Just because we can’ ist kein Ausreichendes Argument für eine Aufnahme. Wenn es mir ausschließlich ums Fotografieren geht, ohne dass mich die Resultate noch interessieren, ist das legitim – eine Speicherkarte brauche ich dazu aber nicht. Noch nicht einmal eine Batterie.

Gute Bilder sind Resultat von Kreativität, offener Augen und der aktiven Auseinandersetzung mit dem Motiv. Und das wird auch so bleiben, egal welche Ästhetik- und Kreativitätsautomatismen die Marketingabteilungen von Kameraherstellern in ihre Geräte einpflanzen. Welchen Sinn hätte Fotografie überhaupt noch, wenn am vorderen Ende der Fotograf beim Fotografieren nur mehr den Auslöser drücken muss und die Kamera alles, bis auf den Bildausschnitt und die Schärfentiefe automatisch wählt, und am hinteren Ende die Resultate eh niemand mehr sehen will?

Nicht jedes Bild ist es wert archiviert zu werden. Das meiste ist weder persönlich noch historisch eine Katastrophe, wenn man es so schnell wieder löscht, wie man es aufgenommen hat. Publizieren muss man es schon gar nicht – auch nicht ‘just because we can’.

Die Flut, die keine Spuren hinterlässt

Wir werden ohnehin von viel zu vielen Bildern überflutet. Die Welt der neuen Medien beschießt uns mit einem Dauerfeuer visueller Reize, denen wir nirgends entgehen können. Schon die guten Bilder sind um Tonnen mehr, als wir registrieren können – an Genuss kann ich dabei gar nicht denken. Wir schwimmen in einer Flut an Eindrücken die immer schneller an uns vorbei zieht.

Aber wird dieses Dauerfeuer an Bildeindrücken Fotografie überhaupt gerecht? Ist Fotografie nicht viel eher das Einfrieren der Zeit das Stille braucht die Werke zu betrachten und wirken zu lassen?

Etwas Entschleunigung, aktive Auseinandersetzung mit den Resultaten unserer fotografischen Aktivitäten und der Mut zu löschen, was nicht bemerkenswert ist, würde uns sicher gut tun. Denn die Bilderflut die aktuell an uns vorbei schwappt hinterlässt doch im Wesentlichen eines: keine Spuren.

Es gibt keine unbearbeiteten Digitalbilder!

Unbearbeitet wäre das Bild so, wie es der Bildsensor der Digitalkamera gesehen hat. Der sieht aber keine bunten Farben, sondern lediglich winzige Punkte (Pixel) in unterschiedlich hellen Nuancen von Rot, Grün und Blau. Das rohe Datenmaterial kann der Normalanwender normalerweise nicht betrachten. Selbst wenn er es könnte, wäre es wahrscheinlich so naturgetreu wie ein analoges Negativ.

Damit das Bild das Motiv einigermaßen so abbildet, wie es der Fotograf gesehen hat, muss das Rohmaterial des Sensors erst interpretiert werden, wobei die Kamerahersteller ein bisschen schummeln.

Ein Beispiel | Nehmen wir an, wir haben einen Bildsensor mit 1200 Pixel in der Breite à 800 Pixel in der Höhe. Das wären dann 960.000 Pixel – knapp ein Megapixel.

Auf dem Sensor sind ein Viertel davon (240.000) für rot empfindlich, ein Viertel für blau und die Hälfte (480.000) für grün. Keiner der Pixel sieht Mischfarben wie Orange, Violett oder Braun. Die Farben eines einzelnen Pixel des fertigen Bildes müssen jeweils aus zwei grünen, einem roten und einem blauen Sensorpixeln zusammen berechnet werden.

Genau genommen dürfte demnach ein Bildsensor mit 960.000 Pixeln nur 240.000 Pixel im fertigen Digitalbild ausspucken. Aber eine reale Kamera mit 960.000 Pixel spuckt im fertigen Bild auch 960.000 Pixel aus.

Durch Interpolation zu hoher Auflösung | Erreicht wird das durch sogenannte Interpolation. Das bedeutet, dass die Software der Kamera für jedes bunte Pixel (das sie aus zwei grünen, einem roten und einem blauen Sensorpixel berechnet), drei weitere Pixel dazu erfindet.

Was da in der Kamera abläuft ist tatsächlich etwas komplexer als hier beschreiben, aber es sollte reichen, das Grundkonzept zu verstehen. In der Praxis sollte es uns auch egal sein, solange das Resultat unseren Anspruch an Schärfe erfüllt. Wichtig ist nur: Was wir am Ende am Computer zu sehen bekommen, ist nicht das, was der Bildsensor gesehen hat, sondern das Resultat hoch komplizierter Berechnungen.

Der Trick mit der Pixelschieberei ist aber nicht das einzige was die Software der Kamera an einer Aufnahme baselt. Wenn ich im JPEG-Format fotografiere, dann wird das Programm Rauschen reduzieren, Kanten schärfen, Tonwerte korrigieren, Farbsättigung puschen, eventuell Schatten aufhellen und Lichter reduzieren, und was auch immer die Maketingabteilung des Kameraherstellers die technische Entwicklung vorgegeben hat.

Von unbearbeitet kann man bei Digitalbildern also nicht wirklich sprechen. Es mag zwar nicht durch den Fotografen bearbeitet worden sein; so lange der Fotograf die Kamera nur in die Hand nimmt und abdrückt, geschieht die Bildbearbeitung im engeren Sinn durch die Software des Apparats. Die Entwicklung basiert aber auf Richtlinien und Programmabläufen, die die Software-Ingenieure des Kameraherstellers definiert haben. Also ist es im weiteren Sinn der Ingenieur in Japan, der die meisten Bilder entwickelt hat, die viele Fotografen als unbearbeitet präsentieren.

Natürlich kann der Fotograf bei den meisten Kameras auch leicht in die Bildbearbeitung eingreifen. So bieten zum Beispiel viele Modelle die Möglichkeit die Intensität der Farben zu bestimmen, in dem man eine spezielle Einstellung für ‘Vivid’ bzw. ›Lebendig‹, für Hauttöne oder Sonnenuntergänge wählt. Je nach Einstellung wird die Software der Kamera das JPEG anders entwickeln. Das ist nichts anderes als Bildbearbeitung.

Auch Raw-Bildern werden entwickelt | Auch wer im Raw-Format fotografiert kommt um die Bearbeitung der Bilddaten nicht herum. Nur geschieht die Entwicklung nicht mehr wie beim JPEG in der Kamera, sondern im Raw-Converter – ob der nun iPhoto, Aperture, Lightroom, Adobe Camera Raw, Bible, LightZone, DXO Optics, Capture One, Nikon Capture oder wie auch immer heißt. Der Unterschied ist nur, dass jetzt der Ingenieur, der die Entwicklung bestimmt, nicht mehr unbedingt in Japan sitzen muss, sondern in den USA oder vielleicht auch in Deutschland.

Raw-Converter entwickeln Raw-Bildern nach vordefinierten Rezepten – nicht anders, als bei der Software die JPEGs in der Kamera entwickeln. Auch hier gehören wieder Beeinflussung der Farbsättigung, Gradation, Tonwertvereilung, Rauschunterdrückung, usw. zum Standard.

Was ein Raw-Converter ausspucken ist am Ende immer Resultat des Rezepts, das die Software-Programmierer als optimal erachtet haben, um in möglichst vielen Fällen Resultate zu erzielen, mit denen möglichst viele Anwender möglichst glücklich sind. Da es aber auch Geschmacksache ist, wie entwickelt ein Bild ein gut entwickeltes Bild ist, werden die gleichen Rohdaten in unterschiedlichen Raw-Convertern unterschiedliche Resultate liefern.

So habe ich in meiner Zeit beim Wechsel von Adobe Photoshop Lightroom zu Apple Aperture den Eindruck gewonnen, dass Aperture Grastöne in den Bildern einer Nikon D80 schöner entwickelt, während Lightroom in den Schatten von Hauttönen eindeutig schönere Töne erzeugt. Das muss aber noch nicht einmal heißen, dass dieses Verhalten bei Gras- und Hauttönen bei den beiden Programmen auch auf die Bilder anderer Kameras zutrifft. Schließlich brauchen die Programmierer von Lightroom, Aperture und Co für jede neue Kamera ein neues Entwicklungsrezept.

Unbearbeitete Bilder gibt es also nicht. Die Frage, die sich für den Fotografen stellt, ist lediglich: Wer soll die Fäden in Händen halten: Der Ingenieur in Japan, oder ich, der Fotograf? Will ich das Resultat bestimmen, oder eine Software-Routine?

Bevor die Elektronik Einzug in Kameragehäuse hielt, waren Fotoapparate nicht in der Lage die Belichtung automatisch zu messen. Der Fotograf war darauf angewiesen die Lichtsituation selbst nach Gefühl zu schätzen und die Zeit/Blenden-Kombination entsprechend dieser Einschätzung einzustellen. Oder er hatte einen Belichtungsmesser.

Belichtungsmesser

Heute befindet sich die ganze Elektronik zur Messung der Lichtsituation und der Belichtung in der Kamera, obwohl Profis nach wie vor auf die punktgenaue Messung mittels spezieller Geräte vertrauen. Das Resultat der Messung wird je nach Kamera im Sucher, auf einem LCD-Display oder am Kamera-Display angezeigt.

Lichtwert-Skala

Die Belichtungsmessung wird meist in Form einer Skala dargestellt.

Lichtwert-Skala, ›mittlere‹ Belichtung und ƒ-Stops

Der Nullpunkt ➀ zeigt eine neutrale Belichtung an (Zone 5). Schlägt die Skala in keine Richtung aus, erachtet die Kamera die Belichtungseinstellung für optimal. Die kleinen ­Punkte der Skala markieren die so genannten ƒ-Stops ➁. Diese markieren eine Verdoppelung beziehungsweise Halbierung der Belichtung (also je einen ganzen Lichtwert).

Entspricht die Lichtsituation, die vom Belichtungsmesser gemessen wird, nicht mittlerer Helligkeit, schlägt die Waage in die eine oder andere Richtung aus. Überbelichtung wird durch ›+‹ gekennzeichnet, Unterbelichtung durch ›–‹. Ob positive Werte links oder rechts stehen, ist von Hersteller zu Hersteller unterschiedlich und lässt sich zum Teil auch konfigurieren.

–2LW unterbelichtet

In der Abbildung oben schlägt der Balken um sechs Punkte zum zweiten ƒ-Stop in den negativen Bereich aus ➂. Jeder Punkt unten in der Skala ➃ steht für 1/3 Lichtwert. Ein Ausschlag um zwei ƒ-Stops in den Minus-Bereich zeigt eine Unterbelichtung um –2 Lichtwerte an.

+1/3LW überbelichtet

Die Abbildung zeigt eine leichte Überbelichtung um +1/3Lichtwert an ➃.

Wenn man in einem der automatischen Belichtungsmodi arbeitet, wird die Kamera dafür sorgen, dass die Waage der Skala am Nullpunkt auf mittlere Helligkeit ausbalanciert ist. Wenn man die Belichtung mit Manuell (M) eigenhändig steuert, dann muss man die Einstellungen für Blende und Zeit selbst vornehmen. In der Regel stellt man dann Belichtungszeit und Blende so ein, dass die Waage annähernd ausgeglichen wird.

Beispiel: Um eine Unter­belichtung um –2 Lichtwerte zu korrigieren, wird a) entweder die Blende um +2 (ganze) ­Blendenschritte geöffnet, oder b) die Belichtungszeit vervierfacht, oder c) die Empfindlichkeit vervierfacht. Oder ein Mix aus diesen Möglichkeiten.

Noch ein Beispiel: Um eine Überbelichtung um +1/3LW auszugleichen, muss entweder die Blende um –1/3 Blendenschritt geschlossen, die Zeit um –1/3 verkürzt oder der ISO-Wert um –1/3 ­verringert werden.

Um die Belichtung mit Hilfe der Elektronik der Digitalkamera zu messen, stehen verschiedene Methoden zur Verfügung.

Mittenbetonte Messung

Icons mittenbetonte Messung: Canon, Nikon, Olympus, Pentax, Sony

Bei der mittenbetonten Messung wird in der Regel ein Bereich im Zentrum des Bildfeldes zur Berechnung der Helligkeit heran ­gezogen, der meist etwa 75 % des gesamten Bildausschnitts einnimmt. Zwar werden auch Randbereiche mit in die Berechnung aufgenommen, aber die Priorität liegt im Zentrum.

Wie groß der Bereich tatsächlich ist, auf dem die Priorität liegt, unterscheidet sich von Hersteller zu Hersteller und eventuell auch von ­Kamera zu Kamera. Auch in welchem Verhältnis die Gewichtung zwischen Zentrum und Rand verteilt ist, entscheiden die Hersteller nach ­ihren eigenen Vorstellungen.

Während bei anderen Messmethoden das Zentrum der Messung auf dem ausgewählten AF-Messfeld liegen kann, sollte es bei dieser Messmethode immer in der Mitte des Bildfeldes liegen.

Obwohl das Prinzip sehr simpel ist, funktioniert es in der ­Praxis recht gut und ist für die meisten Szenen und Situationen gut ­geeignet.

Spotmessung

Icons Spotmessung: Canon, Nikon, Olympus, Pentax, Sony

Während bei der mittenbetonten Messung etwa zwei Drittel des Bildausschnitts zur Messung der Helligkeit heran gezogen werden, ist es bei der Spot-Messung lediglich ein mehr oder weniger kleiner Punkt um das ausgewählte AF-Messfeld.

Bei der mittenbetonten Messung wird der Bereich in der Mitte mit höherer Gewichtung in die Berechnung der Belichtung einbezogen, egal welches Messfeld gerade aktiv ist.

Bei der Spotmessung wird innerhalb eines kleinen Bereiches um das ausgewählte AF-Messfeld gemessen.

Messmethoden, die wie mittenbetonte oder Mehrfeldmessung den größten Teil des Bildfeldes zur Berechnung der Helligkeit heran ziehen, erreichen eine relativ hohe Trefferquote bei der Ermittlung der optimalen Belichtungseinstellung. Der kleine Punkt, anhand dessen die Spotmessung die Helligkeit ermittelt, führt hingegen überwiegend zu Fehlbelichtungen, wenn man mit dem Spot nicht sehr bewusst und gekonnt arbeitet.

Ich nutze die Spotmessung manchmal im manuellen Belichtungsmodus – vor allem, wenn ich im Freien unterwegs bin. Dann messe ich einmal auf den Himmel . Bei der Messung auf den Himmel darf der Belichtungsmesser ohne Weiteres zwei Drittelschritte in Richtung Überbelichtung aus­schlagen, ohne dass es ­tatsächlich zu einer Überbelichtung in der Aufnahme kommt. Überbelichtung bedeutet in diesem Zusammenhang nicht, dass ­dadurch Bildbereiche tatsächlich überbelichtet ausfallen – also in reinem Weiß von Zone 10 landen und ausbrechen – sondern, dass ein Bildbereich heller (über)belichtet ist als mittlere Helligkeit.

Spotmessung auf den Himmel

Nach der Messung der Lichter messe ich auch auf die Schatten des Motivs. Diese fallen allerdings während des Tages auch bei bedecktem Himmel oft mehr als zwei Lichtwerte unter­belichtet aus.

Spotmessung

Hilfreich kann die Spotmessung auch in Situationen mit extremen Kontrasten (zum Beispiel) zwischen Vordergrund und Hintergrund sein.

Meine Kamera erlaubt es die Spotmessung auf eine Sondertaste zu legen. Das hat den Vorteil, dass ich permanent mit der von mir bevorzugten, mittenbetonten Messung arbeiten kann, bei Bedarf aber nur die Funktionstaste drücken brauche, um für einen ­Moment die Spotmessung für einen kleinen Messbereich zu aktivieren. Lasse ich die Funktionstaste wieder los, schaltet die Kamera zurück auf mittenbetonte Messung. Das ist bequemer, als tatsächlich zwischen Spot- und mittenbetonter Messung umschalten zu müssen.

Mehrfeldmessung

Icons Mehrfeldmessung: Canon, Nikon, Olympus, Pentax, Sony

Für Einsteiger und Gelegenheitsfotografen ist die Mehrfeldmessung (bei Nikon ›Matrixmessung‹ und bei Olympus ›Digitale ESP-­Messung‹ genannt) die komfortabelste Methode die optimale ­Belichtung ermitteln zu lassen. Bei dieser Messmethode kommt eine ganze Reihe an Messfeldern, verteilt über den ganzen Bildbereich, zum Einsatz. In der Regel ist diese Messung mit einer Datenbank im Speicher der Kamera verknüpft, womit ermittelt werden soll, um welche Art Motiv es sich handelt. Somit kann die Kamera ­natürlich individueller und intelligenter auf Szenen unterschiedlicher Lichtsituationen eingehen.

Dass die Mehrfeldmessung für Einsteiger und Amateure interessant ist, bedeutet nicht unbedingt, dass sie nicht auch von Profis und Semi­profis genutzt wird. Auch wenn ich schätze, dass der über­wiegende Teil der professionellen Fotowelt mit mittenbetonter Messung arbeitet, so weiß ich doch von einigen erfahrenen Fotografen, dass sie die Mehrfeldmessung bevorzugen.

Ich habe einmal den Rat gehört, dass man sich im Großen und Ganzen auf eine Methode konzentrieren soll. Nutzt man immer die gleiche, arbeitet die Kamera immer nach demselben Prinzip, und man entwickelt ein besseres Gefühl für die Resultate. Mir würde kein Grund einfallen, weshalb man ein Mal mittenbetont und ein anderes Mal mit Matrixmessung messen sollte. Also würde ich mich dem Rat anschließen.

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Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.