Visuelle Inspiration.

Normaler Weise lässt aus freier Hand eine Belichtungszeit ­halten, die etwa dem Kehrwert der Brennweite entspricht. Durch Bildstabilisierung lässt sich dieser Wert ausdehnen.

Die Bildstabilisierung findet je nach Hersteller und Modell ­entweder im Objektiv statt oder in der Kamera.

Da die Belichtungszeit umso kürzer sein muss, je länger die Brennweite ist, ist eine solche Unterstützung natürlich umso willkommener, je ­länger die Brennweite ist. Anders gesagt, bei kurzen Brennweiten im Weitwinkelbereich bis hinein in den Bereich der Normalobjektive ist eine Bildstabilisierung nicht unbedingt notwendig, da man ohnehin nicht so oft unter Belichtungszeiten von 1/50 Sekunde kommt. Deshalb bieten auch die meisten Objektive dieser Brennweiten keine Bildstabilisierung an (sofern der Hersteller die Bildstabilisierung nicht ohnehin in die Kamera verlagert hat).

Laut Herstellern und Medien sollen sich mit Bildstabilisierungssystemen bis zu vier Lichtwerte gewinnen lassen. Das heißt, man kann länger aus freier Hand belichten, ohne dass das Bild verwackelt.

Es gibt kritische Stimmen zur Bildstabilisierung. Meine eigenen Erfahrungen damit sind positiv, vor allem bei meinem ­Nikon 70–300 mm 4.5–5.6 Objektiv, bei dem ich Stabilisierung in erster Linie nutze. Die folgenden Abbildung zeigen eine Reihe von Testaufnahmen, die ich mit diesem Objektiv ohne und mit Stabilisierung aufgenommen habe. Die Ergebnisse sprechen für sich. ­Allerdings darf man aus den Ergebnissen ebenso wenig ableiten, dass die Bildstabilisierung aller Nikon Objektive ebenso effektiv arbeitet, noch, dass andere Hersteller weniger effektive Systeme haben. Am besten findet ihr heraus, wie leistungsfähig euer System ist, indem ihr eine ähnliche Testserie aufnehmen.

	Der Originalausschnitt, aus dem die Ausschnitte unten stammen. Alle Ausschnitte sind nicht in tatsächlicher Pixelgröße dargestellt und sind durch die JPEG-Komprimierung unschärfer, als im Original. Trotzdem verdeutlichen die Abbildungen klar, dass Bildstabilisierung extrem effektiv arbeiten kann. Alle Bilder wurden mit einer Nikon DX-Kamera bei 300mm Brennweite aufgenommen, was einer Kleinbild-Brennweite von 450mm entspricht (siehe dazu »Formatfaktor«).
	1/640 Sekunde ohne Bildstabilisierung
	1/640 Sekunde mit Bildstabilisierung
	1/320 Sekunde ohne Bildstabilisierung
	1/320 Sekunde mit Bildstabilisierung
	1/160 Sekunde ohne Bildstabilisierung
	1/160 Sekunde mit Bildstabilisierung
	1/60 Sekunde mit Bildstabilisierung

Als Kaufargument für oder gegen ein Objektiv hat Bildstabilisierung für mich eher wenig Gewicht. Wichtiger sind mir Lichtstärke und generelle Abbildungsleistung. Doch wenn eine ­Stabilisierung auch noch mit drin ist – warum nicht!

Ebenso wenig wäre für mich das Argument, dass ein Hersteller die Bildstabilisierung in der Kamera vornimmt, ein Grund, mich für eine Marke zu entscheiden. Zwar hat es den Vorteil, dass mit der ­Stabilisierung in der Kamera mit jedem Objektiv stabilisiert foto­grafiert werden kann. Doch auch hier fallen mir viele Argumente ein, die mir wichtiger sind als dieses.

• Zurück
• Kreativ fotografieren | Inhalt und Einleitung
• Fortsetzung folgt

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Schaut man in die Regale sowohl der echten als auch der virtuellen Buchläden, so stellt man fest, dass es angesichts des boomenden Digitalfotografiemarktes eine Unmenge an Literatur zu diesem Thema gibt. Prüft man das Angebot genauer, so fällt in’s Auge, dass viele der angebotenen Werke sich voneinander kaum unterscheiden, da die gleichen Themen in vergleichbarer Art und Weise dargestellt werden. Bei dem vorliegenden Werk »Kreativ fotografieren« von Markus Wäger stelle ich erfreulicherweise eine interessante Herangehensweise an die Aufbereitung des Themas fest, welche ich so noch nicht in einem anderen Buch, das ich zum Thema gelesen habe, angetroffen habe.

Stefan Neuweger, photowalkingmunich.de

Sehr lehrreich und anschaulich erklärt. Mit Freude hab ich es gelesen und konnte sehr viel daraus lernen.

Klaus Gröber, Wangen

Ob das Histogramm, die Schärfentiefe, der Weißabgleich, die ISO-Empfindlichkeit oder das Blitzen mit System – kein Thema wird ausgelassen. Für mich persönlich stellt sich das Buch daher als das ideale Nachschlagewerk dar, das ich nicht mehr vermissen möchte.

Oliver Schaef, fotolism.us

Egal ob Einsteiger oder fortgeschrittener Fotograf – Markus Wägers Buch ist eine wohltuende Ausnahme unter den Fotobüchern und ein Fachbuch im besten Sinne. Bravo!

Markus Dollinger, nachbelichtet.com

Ein durchaus empfehlenswertes Buch für alle Ein- und Aufsteiger, oder alle, die endlich mal verstehen wollen, was da eigentlich in der kleinen schwarzen Kiste passiert, und wie man vom Knipsen zum Fotografieren kommt. Ein Buch, das wir auf jeden Fall ab Sofort unseren Workshopteilnehmern nahelegen werden.

Mark Kujath, www.canikon.de/literatur

Ein sehr gutes Buch für Anfänger – und wie man in meinem Fall sieht, durchaus auch für Fortgeschrittene Fotografen geeignet. Denn wie heißt es so schön: man lernt nie aus! Das Buch bekommt eine dicke Empfehlung von mir.

Jana Mänz, www.janasworld.de

LESENSWERT! • Für Anfänger und Semis sehr gut geeignet • Mit 44,90€ nicht ganz ›Billisch‹ aber es ist es Wert! • KAUFEMPFEHLUNG

Jörg Langer, langeronline.de

Ein gutes Nachschlagewerk auch für fortgeschrittene Fotografen.

Martin Neuhof, farbwolke.de

Ich kann das Buch nur empfehlen. Vielleicht kaufe ich auch noch die Kindle Edition, damit ich es leicht mitnehmen kann, wenn ich mit der Kamera losziehe. Es sind viele praxisnahe Tipps zu finden, und man merkt gleich, wie viel Erfahrung in diesem Buch steckt. Endlich verstehe ich, welchen Einfluss die Blende auf die Schärfentiefe hat, und auf was ich bei den Objektiven achten muss. Ich wusste vorher auch nicht so recht, was ich mit dem Histogramm anfangen soll – unglaublich was man da so alles rauslesen kann.

Maxemilian Hilbrand, isiCore GmbH, Wipperfürth

Grafik und Gestaltung — das umfassende Handbuch

Eine umfassende und gründliche Einführung in die Themen Grafik und Design, interessant geschrieben und nicht nur für Grafiker, sondern auch für Fotografen mit hohem Nutzwert.

Michael Omori Kirchner, www.fotografr.de

Vor allem für Neulinge ist »Grafik und Gestaltung – Das umfassende Handbuch« von Markus Wäger Inspiration und überlebensnotwendiges Praxiswissen in einem. Für alte Designhasen ist das Buch mehr als nur ein optimales Nachschlagewerk für die tägliche Arbeit – es regt an, gewohnte Prozesse und Sichtweisen zu überdenken.

Rezension mackauf.de

Unser Jahrgang lernt grad für die anstehende Prüfung zum Mediengestalter. Mit ›uns‹ spreche ich von den Schülern
der da! in Rostock. Wir haben Ihr Buch »Grafik und Gestaltung« erhalten. Vielen Dank für das Werk. Im Gegensatz zu anderen Fachbüchern sticht es vor allem dadurch hervor, dass es das Beschriebene anwendet – das macht es um Welten angenehmer, als manche Bleiwüste.

Friedemann Ohse, Designakademie Rostock

Der Verfasser hat ein Handbuch vorgelegt, das sowohl dem Einsteiger wie dem Profi eine Vielzahl äußerst nützlicher Informationen zum Umgang mit den verschiedenen Mitteln des Grafikdesigns an die Hand gibt. Zudem ist es so geschrieben, dass man sich gerne versehentlich festliest. Ein Muss für jeden spezialisierten Kreativen, der über den Tellerrand seiner Disziplin
hinausblicken will.

Pressestimme aus der Zeitschrift Docma

Super Buch, wirklich sehr schön erklärt.
Die Kapitel lassen sich super am Stück lesen, was nicht
oft vorkommt bei ›Lernbüchern‹.

Semih Morel, Gaissau

Weitere Leserstimmen gibt es in Rezensionen bei Amazon.

Adobe Photoshop CS5 — Schritt für Schritt zum perfekten Bild

Bislang hatte ich Photoshop ohne Fachwissen genutzt und doch den einen/anderen Fotowettbewerb gewonnen. Und dennoch: Es wurde mal Zeit, sich mit diesem Programm näher zu befassen. Da erschien mir dein Buch Adobe Photoshop CS5 genau als richtig. Was mir auffiel, ist die geniale Erklärungsschiene, die es einem wirklich leicht macht zu lernen/begreifen. Es macht Spaß, die Theorie des Buches mit der Praxis zu verknüpfen.

Wolfgang Stemme

Weitere Leserstimmen gibt es in Rezensionen bei Amazon.

Nikon D700 – das Buch zur Kamera

Ich studiere und genieße seit ein paar Tagen ihr Buch über die Nikon D700. Habe es im norditalienischen Triest entdeckt, in einer Buchhandlung bei deutschsprachigen Büchern. Das war die Botschaft!

Selber habe ich die Sony Alpha 900. Aber ihr Buch ist für mich auch ein Schlüssel Funtionen meiner Sony und fotografische Themen besser zu verstehen. Sie haben die Gabe gut und spannend zu unterrichten.

Bernhard Weishaupt, Innsbruck

Im 2006 habe ich meine erste Speigelreflexkamera gekauft (Nikon D80) – dieses Jahr habe mein Sortiment mit Nikon D700 erweitert. Ihr Buch zur Kamera war und ist mir einer der wichtigsten Lehrer bezüglich Fototechnik.

Durch die genauen, gut aufgebauten Beispiele und der sehr verständlichen Beschreibung (z.B. Histogramm, Tonwerte, Farbkanäle und wie die Blitzaufnahmen funktionieren), habe ich jetzt als vorweigende Autodidaktin Vieles begriffen, was für mich durch vorheriges Literaturstudium oft zu wenig nachvollziehbar war. Echt Spitze!

Annemarie Leiser, Zürich

Gerade den mittleren und den letzte Teil des Buches, also »Grundlagen für Fortgeschrittene« und »Voreinstellungen und Funktionen«, fand ich besonders interessant. Hier wird nämlich richtig Wissen vermittelt, anschaulich kurz, knapp und präzise. Fast schon zu viel Information, um alles auf einmal aufzunehmen. Deswegen werde ich das Buch immer wieder zur Hand nehmen (müssen).

Ralf-Jürgen Stilz

Weitere Leserstimmen gibt es in Rezensionen bei Amazon.

Kreativ fotografieren mit Canon Powershot G12|S95

Rohskript das als PDF bei mir angefordert werden kann.

Endlich verstehe ich die wichtigen Funktionen wie Blende, ISO, Belichtung, und, und, und. Ich habe ja schon so Einiges gelesen, habe aber als blutiger Laie nicht wirklich etwas verstanden und wenn, dann nur Bruchteile. In diesem Buch ist Alles so gut und einleuchtend erklärt, dass selbst ich als Einsteigerin es verstehen und umsetzen kann.

Andrea Thiemann

Ich unterrichte an der Hochschule der Medien Stuttgart Fotografie und stelle das Skript über G12|S95 meinen Studenten zur Verfügung. Die Bibliothek hier hat zwar auch Bücher, doch es fasst die wichtigen Punkte so einfach zusammen, dass ich glaube, dass es den Studenten mehr bringt.

Petra Rösch, Baden-Württemberg

Danke.

Aktionen und Veranstaltungen im Themenbereich meines Blogs habe ich immer gerne unterstützt, sei es zu Design und Typografie oder eben auch zu Fotografie. Stefan Neuweger von photowalkingmunich.de hat mich gebeten auf die Veranstaltung »Fotomarathon München 2012« zu verweisen, was ich natürlich gerne mache. Anbei ein Auszug aus der Beschreibung, die er mir geschickt hat:

1. Münchener Fotomarathon, 21. Juli 2012

Ein Fotomarathon ist eine fotografische Herausforderung, bei dem jeder Fotobegeisterte, unabhängig von Ausrüstung und Erfahrung, teilnehmen kann und in einem bestimmten Zeitraum mehrere Themen zu einer Serie umzusetzen hat. Dabei geht es um eine Kombination aus Geschwindigkeit, Ausdauer, Kreativität und vor allem Spaß.

Der Fotomarathon in München wird so gestaltet, dass die Teilnehmer in acht Stunden zwölf Themen fotografisch in Szene setzen müssen und hierbei eine Serie mit Bezug zu München erschaffen. Das Oberthema und die zwölf Unterthemen werden erst am Veranstaltungstag bekanntgegeben.

Nach einem Zeitraum von etwa vier Wochen, findet dann im Rahmen einer Abendveranstaltung die Prämierung der besten zehn, durch eine Jury ausgewählten Serien, statt. Im Anschluss werden in einer Ausstellung und auch über die Webseite die Ergebnisse der besten Teilnehmer für eine bestimmte Zeit der Öffentlichkeit präsentiert.

Links:

• Web: www.fotomarathonmuenchen.de
• Facebook: facebook.com/fotomarathonmuenchen
• Twitter: twitter.com/#!/fotomarathonMUC

Mehrfeld- und mittenbetonte Messung berechnen die Belichtung, indem sie einen großen Teil des Bildfeldes mit einbeziehen. Das funktioniert in den meisten Situationen gut, kann aber kritisch ­werden, wenn das Verhältnis zwischen ganz hellen und ganz dunklen Be­reichen massiv ungleich ist. Helfen kann hier eine Kombination aus Spotmessung und Belichtungsmessert-Speicherung. Diese liegt bei ­Canon auf der *-Taste, bei den meisten anderen ­Herstellern auf AE-L/AF-L beziehungsweise AEL/AFL.

	Stern-Taste einer Canon PowerShot G12.
	AE-L/AF-L-Taste einer Nikon D700.

Nehmen wir als Beispiel eine Kupfer-Katze und eine Buddha-Figur und nehmen wir an, wir wollen auf die Katze scharf stellen und die ­Figur nur angeschnitten am Rand im Bild haben. Fokussieren wir bei einem Bildausschnitt, wie in der Abbildung unten, auf die Katze, dann wird bei Mehrfeld- und mittenbetonter Messung die Belichtung anhand der Helligkeit eines großen Teils des Bildausschnitts berechnet. Das führt zu einer Überbelichtung des hellen Buddha.

Motiv mit ungleich hellen Bildbereichen.

Eine Möglichkeit wäre nun über eine Belichtungskorrektur einzugreifen. Statt dessen kann ich aber auch mit dem Messfeld auf den zu messenden Bereich zielen und durch Drücken der *- beziehungsweise AE-L/AF-L-Taste die Belichtung speichern.

Belichtung auf einen Bildbereich messen, …

Dann schwenke ich zur Katze, auf die ich scharf stellen möchte, und löse aus.

… das Bild dann neu komponieren und auslösen.

• Zurück
• Kreativ fotografieren | Inhalt und Einleitung
• Fortsetzung folgt

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Nun könnte man einwenden »Fotografier halt von vornherein besser, dann musst du auch nicht zwei Drittel deiner Aufnahmen automatisch oder manuell nachbessern!« Wer aber glaubt die Entwicklung von Digitalbildern wäre an der Kamera abgeschlossen, verkennt die Möglichkeiten der Digitalfotografie. Natürlich kann man: Wenn man für das Speichern der Bilder JPEG als Dateiformat wählt. Aber JPEG ist für mich irgendwie wie Sofortbilder. Mancheiner mag Polaroids reizend finden – ich meine das Wertungsfrei; mir persönlich gefallen auch viele Polaroid Aufnahmen ebenso, wie mir Lomographien gefallen können, oder Resultate die mit den zahlreichen Apps aus dem iPhone oder anderen Smart Phones zu erzielen sind. Es reizt mich aber nicht, mich selbst damit zu befassen.

JPEGs werden ebenso wie Sofortbilder in der Kamera automatisch entwickelt. Man hat als Gestalter nicht mehr viel Möglichkeiten auf das Resultat einzugreifen. Mit Raw habe ich diese Möglichkeit. Aber ebenso entscheidend wie für die Entwicklung eines analogen Fotos das Labor ist (das gilt ja eigentlich auch für Digitalbilder), ebenso ist für die Entwicklung einer Raw-Datei die Entwicklungsumgebung wichtig. Ob man ein Foto beim einen Labor oder beim anderen entwickeln lässt, führt zu unterschiedlichen Resultaten führen.

Manche Labore liefern generell lausige Resultate. Andere Labore liefern Ergebnisse, für die sich der eine Fotograf begeistern kann, der andere aber nicht. Letzterer zieht ein weiteres Labor vor, das wieder dem Fotografen davor nicht gefällt. Es ist also oft auch subjektiv.

Genau so verhält es sich auch mit Raw-Dateien. Lightroom entwickelt Bilder anders als Aperture, beide anders als DxO Optics, alle wieder anders als das neue After Shot und nicht zuletzt liefern diese wieder andere Resultate als die Raw-Entwicklungs-Tools der Kamerahersteller. Ich habe mit Capture One Pro mein Entwicklungslabor gefunden, mit dem ich endlich rundum zufrieden bin, wenn man einmal davon absieht, dass dem Werkzeug im Moment sinnvolle Retusche-Tools noch fehlen. Aber ich hoffe auf eine Weiterentwicklung, die der Qualität der aktuellen Version gerecht wird und solche Werkzeuge in Zukunft zur Verfügung stellt. Wenn dann noch ein RGB-Kanalmixer dazu käme, die Möglichkeiten die Deckkraft der Ebenen für selektive Anpassungen, die selektiven Anpassungen so wie in Aperture auch auf das ganze Bild anzuwenden, und die Werkzeuge für die selektive Bearbeitung generell verbessert würden, dann wäre das fast schon zu schön um wahr zu sein.

Wenn man ein Dokument schließt und es noch nicht gespeichert ist, dann fragt der Mac mit einem Dialogfenster ›Nicht speichern‹, ›Abbrechen‹ oder ›Speichern‹? Wenn man Enter drückt, dann wird das Dokument gespeichert. Mit Apfel+. wählt man abbrechen. Aber wie wählt man ›Nicht speichern‹ ohne die Maus zu bemühen?

Bei Windows kann man N für ›nicht‹, ›no‹ oder ›not‹ drücken. Am Mac geht das in den meisten Programmen auch mit den Shortcuts Apfel+D für ›don’t‹ oder Apfel+N für ›nicht speichern‹.

Inhalt

• 0. Einleitung
  • 0.1. Vier Schritte zum Bild
  • 0.2. Drei Grundbestandteile der Fotografie
  • 0.3. Fotografische Projekte
  • 0.4. Fotografische Genres und die geeignete Kamera
  • 0.5. Die Bildgestaltung
  • 0.6. Die technische Umsetzung
• 1. Perspektive
  • 1.1. Grundlagen der Perspektive
  • 1.2. Alles aus Augenhöhe fotografieren
  • 1.3. Architektur und Perspektive
  • 1.4. Brennweite
  • 1.5. Formatfaktor
  • 1.6. Brennweiten, Fluchtpunkte und Bilddynamik
  • 1.7. Brennweite und Bildausschnitt
  • 1.8. Das Objektiv – zentrales Bindeglied zu guten Ergebnissen
• 2. Schärfe
  • 2.1. Brennweite und Schärfentiefe
  • 2.2. Schärfentiefe, Brennweite und Distanz
  • 2.3. Sensorformat und Schärfentiefe
  • 2.4. Blende
  • 2.5. Blendenschritte
  • 2.6. Lichtwert und Offenblende
  • 2.7. Blende und Schärfentiefe
  • 2.8. Blende bewusst kreativ einsetzen
  • 2.9. Fokussierung
  • 2.10. Scharfstellen und Messfeldsteuerung
  • 2.11. Bewegungsunschärfe
  • 2.12. Mitziehen
  • 2.13. Bokeh
• 3. Belichtung
  • 3.1. Was ist Belichtung?
  • 3.2. Das Zonensystem
  • 3.3. Ziel der Belichtungsautomatik: Zone 5
  • 3.4. Licht und Blendenwert
  • 3.5. Das Histogramm
  • 3.6. Unter- und Überbelichtung am Histogramm erkennen
  • 3.7. Ohne Verwackeln fotografieren
  • 3.8. Belichtungszeit und ISO-Empfindlichkeit
  • 3.9. Belichtungsmessung und Messmethoden
  • 3.10. Belichtungsmodi
  • 3.11. Bildkontrolle und Belichtungskorrektur

Einleitung

Als ich im letzten Jahrtausend zu Fotografieren begann, wollte ich natürlich mehr über die Grundlagen der Fotografie wissen. Wie Viele begann ich meine fotografische Laufbahn mit einer Kompak­tkamera und Urlaubs- und Freizeitbildern. Als ich dann angefangen habe als Grafikdesigner zu arbeiten wuchs auch mein Interesse an der richtigen Fotografie. Meine ersten Erfahrungen mit Spiegelreflex konnte ich mit der analogen Minolta meines Vaters machen. Bald schon wollte ich aber eine eigene Kamera und bin bei Nikon gelandet – und geblieben.

Um mehr über Fotografie zu erfahren habe ich mich als Autodidakt nach Literatur zum Thema umgesehen. Unter anderem bin dich dabei auf ›Das große Buch der Fotografie – Schritt für Schritt zum gelungen Bild‹ von John Freeman gestoßen. Das Buch hat mir gut gefallen und die Basis für mein heutiges Wissen über Fotografie gebildet. Aber habe ich damit fotografieren gelernt? Nicht wirklich. Der allgemeine Charakter des Buches hat dazu geführt, dass alles mögliche beleuchtet wurde, was mit Fotografie in Zusammenhang steht – so auch Dinge wie Mittel- und Großformatkameras. Greifbar vermittelt wie ich meine Spiegelreflex einsetze um bessere Bilder zu machen, hat es mir nicht.

Dann kam die digitale Fotografie und mit ihr eine Schwemme an Büchern. Das erste Buch, das mich wirklich einen entscheidenden Schritt weiter gebracht hat, war ›Das digitale Fotografie Buch‹ von Scott Kelby. Ich kann es noch immer uneingeschränkt jedem empfehlen, der mit Hilfe prägnanter, praxistauglicher Tipps in der Fotografie vorankommen will, wobei ich diese Empfehlung auf den ersten Band beschränke.

Doch abgesehen davon, dass ich bei Kelby viele nützliche Tricks erfuhr, könnte ich nicht sagen, dass ich damit wirklich fotografieren gelernt habe. Kelbys Konzept ein Fotobuch für die Praxis zu schreiben – nach dem Motto »Du willst das und das? Dann mach das so und so!« – ist großartig, bedingt aber auch, dass er bewusst auf theoretische Hintergründe verzichtet. Wer verstehen will weshalb Kelby das und das so und so macht, muss woanders recherchieren.

Ein sehr gutes Werk für diese Recherche ist ›Der große ­Humboldt Fotolehrgang‹ von Tom! Striewisch. Für dieses Buch gilt, was auch für Kelbys Buch gilt: Un­eingeschränkte Empfehlung! Striewisch versteht nicht nur die Materie, er versteht es auch sie so zu erklären, dass es auch ambitionierte Einsteiger gut verstehen (noch eine Gemeinsamkeit mit Kelby).

Aber hat es mir das Fotografieren beigebracht? Ich würde es mit Pink Floyd zum Ausdruck bringen: »It was another brick in the wall«.

Freemans Grundlagen, Kelbys Praxistipps, Striewisch’ theoretische Erläuterungen und meine eigenen Erfahrungen haben mir gemeinsam geholfen, mein Bild der Fotografie vollständig zu bekommen.

Der letzte Initialzünder in meinem Puzzle war ›Hot Shoe Diaries – groß inszenieren mit kleinen Blitzen‹ von Joe McNally. Auch er versteht es, die komplexen Themen der Fotografie einfach und prägnant auf den Punkt zu bringen. Dieses Buch hat meine ablehnende Haltung gegenüber Systemblitzen und Blitzen außerhalb des Studios eliminiert und mich zu einem Blitz-Fan gemacht.

Nachdem ich das Buch über Nikons Profikamera D700 geschrieben hatte und es von den Lesern mit viel Wohlwollen und lobendem Feedback angenommen wurde, kamen zunehmend Anfragen nach Fotografie-Schulungen auf mich zu. Um einen Workshop über die Grundlagen der Fotografie abhalten zu können – mit dem Ziel, dass die Teilnehmer Fotografie anschließend besser verstehen – habe ich mich hin gesetzt und mir überlegt, wie man Fotografie erklären müsste, dass es für Einsteiger und Amateure ein ganz­heitliches Bild ergibt.

Als Erstes habe ich mich an meinen eigenen Werdegang als Autodidakt erinnert. Aus dieser Erfahrung heraus habe ich die didaktischen Konzepte, die ich kennen gelernt hatte, einmal zu vergessen versucht und mich gefragt: Wie lernt man als Einsteiger und Amateur Fotografie?

Normalerweise lernt man in Workshops und Lehrbüchern über Fotografie die theoretischen und technischen Grundlagen und was sie bewirken. In Praxisbüchern und -Workshops wird zwar sehr wohl vermittelt, wie man in bestimmten Situationen vorgehen sollte, doch die Grundlagen von Theorie und Praxis werden dabei vorausgesetzt.

Aber fotografiert man tatsächlich so? Fragt man sich tat­sächlich: Ich habe hier Blende 8 – was könnte ich damit fotografieren?

Nein! Man hat ein Motiv vor Augen und überlegt sich: Wie kann ich es am besten in Szene setzen? Aus welcher Perspektive und mit welchem Blickwinkel kommt es am besten zur Geltung. Brauche ich viel oder wenig Schärfentiefe? Wie ermittle ich die optimale Belichtung? Und ein oft vergessenes Thema: Wie ­komponiere ich die Aufteilung innerhalb des Bildausschnitts? Drittelregel und Goldener Schnitt sind nicht die Antwort auf alle Fragen.

Basierend auf diesen Überlegungen habe ich ein Konzept entwickelt, bei dem ich von eben diesen Fragen ausgehe:

1. Welchen Blickwinkel und welche Perspektive möchte ich und mit welchen technischen Mitteln erreiche ich das.
2. Wie kann ich mit Schärfe umgehen um die Bildaussage zu unterstreichen und welche technischen Mittel stehen mir zur Beeinflussung zur Verfügung.
3. Mit welchen Mitteln und Einstellungen erreiche ich eine optimale Belichtung.
4. Was gibt es für Grundlagen, die ich bei der Komposition des Bildausschnitts berücksichtigen kann.

Ich glaube, dass diese vier Schritte eine gute Basis bilden, von der ausgehend sich Fotografie gut im Zusammenhang beschreiben und vermitteln lässt. Dieses ›Vier Schritte zum Bild‹-Konzept möchte ich euch, liebe Leser, mit dieser ›Fotoschule OnLine‹ vorstellen. Dabei geht es mir nicht um ein akademisches Lehrkonzept für Profis, sondern darum, dem Ein- und Aufsteiger fotografisches Wissen greifbar, bildlich, praxistauglich und unterhaltsam zu vermitteln. Dem gelernten Fotografen mögen sich ob der teilweise sicher sehr unorthodoxen Herangehensweise die Haare sträuben. Aber ich hoffe, dass ambitionierte Amateure und Hobbyfotografen umso mehr davon profitieren.

Die Idee des Konzepts

Ausgangsbasis zu den Überlegungen die zum Konzept geführt haben, waren meine Erfahrungen bei Workshops, dass die Teilnehmer zwar verstanden haben, wie Blenden, Brennweiten, etc. funktioniert. Doch bei praktischen Versuchen ist mir aufgefallen, dass theoretisches Verstehen nicht unbedingt bedeutet zu sehen wie dieses Wissen praktisch angewendet werden kann. Also habe ich überlegt worum es in der Fotografie eigentlich geht. Nicht um Technik, sondern um Kreativität. Und welche Dinge kann der Fotograf mit Kamera und Objektiv beeinflussen?

Die Antwort hat mich überrascht: Es sind eigentlich nur die vier Parameter, die ich bereits genannt habe – Perspektive, Schärfe, Belichtung und Bildausschnitt. Der Rest – der mindestens genauso wichtig ist – ist einer eine Frage der Grundidee und der Organisation. Also habe ich begonnen ein Diagramm mit diesen vier Parametern als Basis zu erstellen.

Als zweiten Schritt habe alle Begriffe notiert, die mit Kamera und Objektiv und deren Einstellungsmöglichkeiten in Zusammenhang stehen. Dabei habe ich Blitz und Stativ mit aufgenommen, allerdings auch Dinge Filter ausgespart – das entstandene Diagramm ist so schon komplex genug.

Das daraus entstanden Diagramm zeigt deutlich wie komplex Fotografie eigentlich ist und vermittelt einen Eindruck davon, weshalb es vielen Einsteigern schwer fällt das Thema zu verstehen und die theoretischen Grundlagen praktisch anwenden zu können. Das Problem ist dabei, dass der Hobbyfotograf die theoretischen Grundlagen nicht verstanden hätte, sondern vielmehr das Wissen wie dieses Verständnis in der Praxis und im Zusammenhang angewendet werden kann.

Ich habe deshalb versucht alle technischen Details einem der vier kreativen Grundparameter zuzuordnen. Tatsächlich sind die Zusammenhänge so komplex wie im Diagramm oben, oder eher noch komplexer. Doch als Basisüberlegung kann man schon behaupten, dass die Brennweite als erstes zur Gestaltung der perspektivischen Wirkung einer Aufnahme herangezogen wird, wogegen man die Blende eher dazu nutzt die Schärfentiefe bewusst zu beeinflussen. Also habe ich alle sekundären Zusammenhänge raus gelöscht und jedes technische Element einem der vier kreativen Grundparameter zugeordnet.

Nach diesem Konzept werde ich in den folgenden Artikeln, zusammengefasst in vier Kapiteln die technischen und theoretischen Grundlagen der Fotografie erklären. Es darf nicht als Schablone für jede Aufnahmesituation betrachtet werden. Es soll schon gar keine akademische Abhandlung über Fotografie sein. Mir ging es in all meinen Büchern vor allem darum ein Thema für den praktischen Gebrauch einfach zu beschreiben, auch wenn dazu manchmal Vereinfachungen notwendig sind, bei dem es dem Theoretiker die Haare sträubt. Das Vier-Schritte-Konzept ist als Sprungbrett in die Welt der Fotografie gedacht. Wer Fotografie durch und durch verstanden hat und die Anwendung eines solchen, oder ähnlichen Konzepts souverän beherrscht, der wird ohnehin in der Praxis nicht mehr überlegen, ob er jetzt Brennweite oder Blende verwenden soll um die Schärfentiefe zu beeinflussen. Sobald einem der Umgang mit all diesen Parametern einmal in Fleisch und Blut übergangen ist fotografiert man intuitiv und aus dem Bauch heraus. Es ist vielleicht etwas wie Autofahren: Am Anfang muss man noch über Kupplung, Schaltung und Gas nachdenken. Doch hat man einmal eine gewisse Praxis geht das alles von selbst.

Über die Navigationsleiste direkt unterhalb könnt ihr dem Konzept vom Anfang zum Ende folgen, indem ihr am Ende jedes Abschnitts auf ›Weiter‹ klickt. Im Blog selbst erscheinen die Artikel von neu nach alt, also in verkehrter Reihenfolge.

Falls ihr Fragen und Rückmeldungen habt, freue ich mich auf euere Kommentare. Ich wünsche auch viel Spaß beim Lesen und Erfolg in der Umsetzung.

• Zurück
• Kreativ fotografieren | Inhalt und Einleitung
• Weiter

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Sehen wir uns nun an, wie man mit Hilfe des Histogramms eine Fehlbelichtung identifiziert und mittels Belichtungskorrektur in die Belichtung eingreift. Wichtig ist, dass man die Kamera so einstellt, dass das Histogramm in der Rückschau nach jeder Aufnahme angezeigt wird.

Luminanz-Histogramm (Helligkeitsverteilung) links unten und die Histogramm für die Grundfarben Rot, Grün und Blau.

Das mag am Anfang gewöhnungsbedürftig sein, da man es vielleicht gewohnt ist, das zuletzt aufgenommene Bild ­Display-füllend zur Kontrolle angezeigt zu bekommen. Mit dem Histogramm nimmt die Aufnahme selbst nur mehr einen Teil des Displays ein, wird also deutlich kleiner dargestellt. Doch während wir selbst in der Display-füllenden Anzeige die Schärfe ohne Einzoomen keinesfalls adäquat beurteilen können, und man auch die Belichtung oder Weißabgleich anhand der Display-Anzeige unmöglich verlässlich beurteilen kann, verrät einem der Blick auf das Histogramm zuverlässig, ob eine Unter-, Über- oder korrekte Belichtung vorliegt.

Schaut das Histogramm in der Bildkontrolle aus wie in Abbildung oben ist eigentlich alles in Butter – jedenfalls, was die Belichtung angeht. Das Tonwertgebirge läuft links und rechts zu Schwarz und Weiß bis auf die Nulllinie aus und bildet an keinem Ende eine Anhäufung. Wie die Landschaft dazwischen beschaffen ist, ist nicht von Belang. Was zählt, ist, dass dieses Bild mit Sicherheit optimal belichtet worden ist.

Die nächste Abbildung zeigt ein etwas überbelichtetes Bild.

Das Histogramm zeigt eine leichte Überbelichtung an.

Auf der weißen Seite des Histogramms läuft das Tonwertgebirge ins Ende und wird abgeschnittend – das bedeutet Überbelichtung. Die Kamera muss also so eingestellt werden, dass sie geringfügig unterbelichtet. Zwar dürften bei diesem Bild durch so eine Korrektur tatsächlich Bildbereiche unterbelichtet und schwarz ausfallen – auf der linken Seite ist kaum Platz für eine Negativkorrektur – aber unterbelichtete Bereiche sind meist weniger auffällig und störend als überbelichtete und können deshalb eher akzeptiert werden.

Die folgende Abbildung zeigt eine Aufnahme, die im dunklen Bereich einen Anschnitt des Tonwertgebirges anzeigt und damit Unterbelichtung signalisiert.

Das Histogramm zeigt eine leichte Unterbelichtung an.

Hier muss der Fotograf so eingreifen, dass etwas heller belichtet wird – schließlich bietet das helle Ende noch etwas Luft.

Spitzlichter kennzeichnen | Ein zusätzliches Hilfsmittel – neben dem Histogramm – mit dem man Überbelichtung in einem Bild sofort erkennt und sogar noch sieht, wo sich die überbelichteten Bereiche befinden (das kann das Histogramm nicht), bietet eine Funktion, mit der sich die so genannten Spitzlichter markieren lassen.

Die schwarzen Bereiche in den Wolken kennzeichnen Bereiche die überbelichtet ausgefallen sind.

Ist diese Funktion aktiv, werden überbelichtete Bereiche schwarz oder farbig blinkend dargestellt. Unter ­›Spitzlichter ­markieren‹, ›Überbelichtung anzeigen‹ oder einem ähnlichen Namen sollte sich diese Funktion bei praktisch jeder ­Kamera finden lassen, auch wenn sie über ein Histogramm nicht verfügt.

Belichtungskorrektur in automatischen Belichtungsmodi

Eine Belichtungskorrektur sollten so gut wie alle Digitalkameras bieten – vom preiswertesten Kompaktmodell bis zur Profi-DSLR. Bei Einsteiger- und Kompaktkameras muss die Belichtungskorrektur in der Regel über ein Einstellungsmenü vorgenommen werden. Bei SLRs ist es üblich, dass die Belichtungskorrektur durch Drücken ­einer Taste und Drehen ­eines Einstell­rades vorgenommen wird. Andere Kameras erlauben es die Belichtungskorrektur ohne Drücken einer Zusatztaste über ein Einstellrad zu verändern, und wieder andere haben ein komplett ­eigenes Einstellrad dafür.

Unterschied Belichtungskorrektur und –einstellung |  Unter ›Ziel der Belichtungsautomatik: Zone 5‹ habe ich beschrieben, dass die Belichtungsautomatik einer Kamera versucht die ­Belichtung einer Aufnahme so einzustellen, dass sich für das Resultat eine mittlere Helligkeit ergibt.

Wenn man in einem automatischen Belichtungsmodus eine Veränderung der Vorgaben einstellt, wird die Kameraelektronik in der Zeitvorwahl die Blende öffnen, wenn man die Zeit verkürzt, in der Blendenvorwahl die Zeit verringern, wenn man die Blende öffnet, oder in der Programmautomatik Zeit und Blende im Verhältnis verschieben, wenn man im Programm (P) eine Programmver­schiebung durchführen. Durch eine Änderung der Vorgaben für die Automatik wird sich durch die Änderung der Blendenöffnung zwar die Schärfentiefe der Aufnahme ändern, nicht aber die Helligkeit! Ohne Belichtungskorrektur bleibt das Ziel der Belichtungsautomatik Zone 5.

Mit der Belichtungskorrektur hingegen verändert man die Zielvorgabe. Das Resultat soll nicht mehr Zone 5, mittlerer Helligkeit, entsprechen, sondern bei einer negativen Korrektur dunkler aus­fallen und bei einer positiven heller.

Ein Praxisbeispiel | Ziehen wir einmal einen Kamm für ein praktisches Beispiel heran und legen ihn auf einen weißen Karton. Wenn ich damit mit einer Belichtungsautomatik ein Foto mache, sieht das Ergebnis so aus.

Belichtungsautomatiken führen bei hellen Motiven zu Unterbelichtung.

Das Histogramm zeigt das auch an.

Ein Histogramm, das eine mittlere Belichtung anzeigt. In diesem Fall ist das aber deutlich zu dunkel.

Das Tonwertgebirge steht ziemlich genau in der Mitte des Histogrammfeldes. Da die Vorlage lediglich vom strukturierten Weiß des Kartons (≈ Zone 9) bis bestenfalls zu leichtem Grau in den Schatten des Kamms (≈ Zone 6) reicht (siehe ›Das Zonensystem‹), also lediglich etwa vier der elf Zonen umfasst, ist der Tonwertberg relativ schmal. Das Histogramm verrät uns, dass die Aufnahme einen geringen Kontrastumfang hat. Was es uns nicht verrät, ist, dass das Bild zu dunkel belichtet ist. Das verrät uns aber das Bild selbst.

Im Grunde müsste man hier nicht unbedingt eingreifen. So ­lange das gesamte Tonwertgebirge innerhalb des Histogrammfeldes Platz hat und auf keiner Seite abgeschnitten wird, lässt sich das Digitalbild in der Nachbearbeitung beliebig aufhellen oder abdunkeln. Doch schneller als Nachbearbeiten geht es, wenn ich die Vorgaben der Belichtungsautomatik über einen Eingriff in die Belichtungskorrektur verändere.

In diesem Fall ist die Aufnahme deutlich zu dunkel. Deshalb habe ich für die Belichtungskorrekur einen positiven Wert von +2LW (Lichtwerte) eingestellt – im Modus Blendenvorwahl vervierfacht sich die Belichtungszeit von 1/500 auf 1/125 Sekunde, und die Lichtwert-Skala schlägt zwei ƒ-Stops in Richtung ›Überbelichtung‹ aus. Die neuerliche Aufnahme fällt entsprechend um das Vierfache heller aus, was sich auch im Histogramm spiegelt.

Eine Belichtungskorrektur um +2LW hat zu einer korrekten Wiedergabe des High-key-Motivs geführt.

Das Histogramm für das korrigierte Bild.

Belichtungskorrektur im Modus Manuell (M)

Wenn man statt mit einem automatischen Belichtungsmodus im manuellen Modus arbeitet, dann nimmt man die Korrektur nicht über die Funktion Belichtungskorrektur vor, sondern korrigieren manuell, indem man Blende oder Zeit verändern. Bezogen auf das voran gegangene Beispiel würde das bedeuten, entweder die Blende manuell um zwei ganze Schritte zu öffnen oder die Zeit manuell zu vervierfachen. Oder einen Mix aus beidem.

• Zurück
• Kreativ fotografieren | Inhalt und Einleitung
• Weiter

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Schreibt mir eine E-Mail oder einen Kommentar zu diesem Artikel welche Aufgaben ihr immer schon einmal gerne in einem Workshop gelöst hättet und gerne lernen würdet. Wer ein Bild mit einem konkreten Problem in seiner Sammlung hat kann mir das Bild auch zukommen lassen. Wenn es für sie/ihn OK ist und ihr mir das Recht gebt es im Buch zu verwenden, werde ich es vielleicht auch gerne einsetzen. Natürlich unter Nennung eures Namens (falls jemand auf die Idee kommt ich wolle nur billig an Material kommen: Ich kann das Buch wahrscheinlich wieder zu 90% selbst mit Bildern ausstatten und der Rest kostet bei Bildagenturen auch nicht die Welt).

Damit sich das mitmachen auch lohnt soll es natürlich etwas zu gewinnen geben. Alle, die eine Idee für einen neuen Workshop beisteuern, bekommen das neue Workshop-Buch sobald es aus der Druckerpresse fällt. Den ›Einsendeschluss‹ kann ich euch im Moment natürlich noch nicht nennen, weil ich selbst noch nicht so genau weiß, wann es wirklich in die konkrete Umsetzungsphase geht.

Wie Heise meldet hat Corel Bibble übernommen und stellt sein erstes Tool zur Raw-Entwicklung mit dem Namen AfterShot vor. Das Programm ist neben Windows auch für Mac und Linux erhältlich und kostet 90 Euro. Umstiegswillige Nutzer von Bibble 5, Lightroom oder Aperture können es für 70 Euro haben (irgendwie finde ich solche Angebote ja ein bisschen unmoralisch).

Hier geht es zu Corel und AfterShot: Corel AfterShot Pro – photo management software.

Am Anfang war Aperture

Mein erster Raw-Entwickler war Apple Aperture. Das in der Beta-Phase befindliche Lightroom lockte aber bereits und es zeichnete sich noch vor der offiziellen Version ab, dass das Programm ein Erfolg werden würde. Immerhin kam es von Adobe und die hatten mit Photoshop Erfahrung in Bildbearbeitung wie kaum jemand sonst. Also habe ich in großen Erwartungen den Zug gewechselt und meine junge Bibliothek auf Lightroom umgestellt.

Meine Lightroom-Phase

Glücklich geworden bin ich damit nicht. Die Oberfläche des Programm ist furchtbar klobig, platzverschwenderisch gestaltet und absolut strikt. Gut. Man kann in die Kopfleiste sein eigenes Logo einpflanzen und verschiedene Schnörkel für den Abschluss der Palettenleisten definieren. Professionell finde ich diesen Umfang an Individualisierbarkeit allerdings nicht. Der Rest lässt sich kaum an die Anforderungen des Anwenders anpassen.

Dann dieses seltsame Konzept mit den fünf Räumen. Auch so eine Idee die Adobe dem Benutzer unabänderlich aufs Auge drückt. Zu allem Überfluss verknüpft das Programm mit demselben Shortcut unterschiedliche Befehle, je nach Raum, in dem ich mich gerade befinde. Zumindest in früheren Versionen war das so.

Und wenn herum nörgeln an Shortcuts sind: In InDesign, Illustrator und Photoshop rufe ich mit cmd+K die Voreinstellungen auf. Weshalb ist das in Lightroom ein anderer Kürzel?

Ihr merkt schon: Ich mag Lightroom nicht!

Zurück zu Aperture

Nach einigen Monaten unglücklicher Ehe mit Lightroom bin ich reumütig zu Aperture zurück und wenn ihr mich fragt: Es ist das bessere Programm für die Raw-Entwicklung. Zwar wird immer wieder die Kompetenz Lightrooms beim Entrauschen gelobt, aber wenn das nicht besser ist als in Adobe Camera Raw – und ich gehe davon aus es ist 1:1 die selbe Engine – dann berauscht mich das auch nicht.

Wo Aperture im Verhältnis zu Lightroom definitiv glänzt ist die Wiederherstellung von unterbelichteten und überbelichteten Bereichen – ich habe diesbezüglich einmal einen Artikel veröffentlicht.

Natürlich arbeitet das Gros der professionellen Welt mit Lightroom und ich halte die Kollegen bei Gott nicht für Nackerpatzerln. Am Ende ist es immer auch etwas subjektiv was man gut findet und was nicht. Unterm Strich findet man Licht und Schatten bei Lightroom und bei Aperture.

Lightroom vs. Aperture

Aperture wird zuweilen ein etwas zähes Ansprechverhalten nachgesagt und tatsächlich: Wer keinen Turbo im Rechner hat muss mangelnde Power mit Geduld ausgleichen. Auch die Stabilität könnte besser sein. Allerdings verfiel ich bei meinen Lightroom-Tests, die ich über die Jahren immer wieder gemacht habe, auch nicht gerade in einen Geschwindigkeitsrausch.

Was mich wundert ist, was Adobe am heutigen Tag an Neuerungen für Lightroom 4 ankündigt: Ein neues Buchmodul (sieht aus wie das, was ich von Aperture schon lange kenne); Direkte Integration von Maps (habe ich seit Aperture 3 und brauche ich so oft wie etwas anderes: Faces – nämlich exakt gar nicht).

Was ich allerdings sehr wohl brauche ist Softproofing. Ich kann mich nicht erinnern, dass ich das in Aperture einmal nicht hatte. In Lightroom soll es das mit 4 jetzt auch geben. Wie um Himmels Willen! Konnte die professionelle Welt in Lightroom bislang auf den Bildschirm-Proof verzichten? Ist mir rätselhaft.

Aber wäre bei Aperture alles so, wie ich es mir vorstellte, hätte ich mich nie nach einer Alternative umsehen müssen.

Geschwindigkeit und Stabilität habe ich bereits als problematisch angesprochen. Dann verliert Aperture Bilder in der Datenbank. Ich nehme an, das passiert bei Abstürzen. Die Bilder vegetieren dann irgendwo auf der Festplatte rum. Ob die Bilder in der Aperture-Datenbank liegen oder als Verknüpfungen in separaten Ordnern ist dabei Irrelevant. Wenn Sie in Aperture nicht mehr aufscheinen sind sie so gut wie nicht mehr existent, auch wenn sie noch irgendwo auf der Festplatte Speicherplatz verspeisen.

Ein Vorteil von Aperture war für mich unter anderem die Integration in das Gesamtsystem Apple, bestehend aus meinen Macs, iPhone, iPad und mobileMe. Aber die Alben von mobileMe sollen nach der Einführung von iCloud sterben. iCloud ist mir noch immer suspekt. Und Fotostream, das Bilder annähernd in Echtzeit auf allen Geräten eines Anwenders verteilt, hat bei mir mehr Unordnung als Nutzen gestiftet.

Das schlimmste ist bei Aperture allerdings, dass man keine Ahnung hat, was Apple weiter damit vor hat. Lightroom-User sehen durch die neue Beta, dass an ihrem Programm was weiter geht. Aber Apple macht ja aus allem ein Staatsgeheimnis. Das wäre nicht so schlimm, wenn man von einer professionellen Weiterentwicklung ausgehen könnte. Leider ist bei mir der Verdacht gekeimt, Apple mache aus dem Profi-Werkzeug langfristig ein Aufsteiger-iPhoto für Hobbyfotografen und lässt den professionellen Anspruch fallen.

Was nun?

Frustriert habe ich vor Weihnachten wieder einmal ein Auge auf das aktuelle Angebot an in Frage kommenden Werkzeugen geworfen. Zunächst einmal natürlich wieder der Blick auf Lightroom. Allerdings brauchte ich nicht lange um sicher zu sein, dass damit für mich noch nicht einmal eine Vernunftehe möglich ist.

DxO Optics

Durch einen Tweet von Zoomyboy bin ich wieder auf DxO Optics Pro aufmerksam geworden. Und – wow! – was das Programm an Schärfe in ein Bild rein zaubern kann hat mich echt umgehauen. Weniger begeistern kann die Geschwindigkeit. Auf meinem Rechner waren die paar Tests mit der Software eine zähe Tortur. Mein MacBook ist nicht mehr das jüngste, aber wenn ich die Leistung mit Aperture vergleiche, dann erscheint das Apple-Programm plötzlich wie ein Ferrari.

Die Geschwindigkeit ist allerdings nicht alleinige KO-Kriterium für das Programm aus Frankreich. Darüber hinaus erscheint mir der Funktionsumfang recht überschaubar und vor allem die Individualisierbarkeit der Oberfläche zu begrenzt. Zum Beispiel habe ich keinen Dialog gefunden um Shortcuts zu individualisieren.

Wer jedoch ein Programm sucht, das Objektiv-Fehler und Verzerrungen kompetent aus Bildern heraus rechnen kann und rattenscharfe Ergebnisse erzielt, der sollte vielleicht zumindest als Zweitprogramm einen Blick auf DxO Optics werfen.

Bibble

Weiters habe ich mir auch Bibble wieder einmal angesehen. Auch hier spricht mich allerdings die Oberfläche nicht wirklich an und auch hier hatte ich den Eindruck, dass Anpassungen an individuelle Arbeitsweisen nur sehr eingeschränkt möglich sind.

Capture One Pro

Capture One Pro dürfte wohl so etwas wie der Mercedes unter den Raw-Entwicklern sein – zumindest was den Preis angeht. 300 Euro muss hinblättern, wer die Pro-Version kaufen möchte. DxO, Bibble und vor allem Aperture sind absolute Schnäppchen dagegen. Allerdings bekommt man für dieses Geld auch eine ganze Menge Professionalität.

Capture One stammt von Phase One. Phase One ist ein dänischer Hersteller von Mittelformat-Kamerasystemen und bietet soweit ich weiß die Kameras mit der höchsten Sensorauflösung an – aktuell bis zu 65 Megapixel. Capture One scheint der professionalität dieser High-End-Geräte nicht nach zu stehen.

Nach etwa drei Wochen der Arbeit mit Capture One Pro kann ich mich vor Begeisterung kaum halten. Ich hätte es nicht für möglich gehalten, dass eine um so vieles bessere Raw-Entwicklung möglich ist. Die Resultate heben sich um Welten von dem ab, was ich mit Aperture oder Adobe Camera Raw aus meinen Bildern raus hole.

Ebenso überzeugend wie die Resultate sind, ist auch die Performance mit der das Programm zur Sache geht. Man arbeitet quasi in Echtzeit. Wartezeiten im Arbeits-Workflow gibt es kaum. Lediglich beim Exportieren von Bildern oder während des Imports lässt man dem Programm besser seine Ruhe. Allerdings sind diese Vorgänge bedeutend schneller abgeschlossen, als ich es von Aperture kenne. Viele Aktionen, wie zum Beispiel das Kopieren und Einsetzen von Entwicklungseinstellungen geht auch über dutzende Bilder hinweg so schnell, dass man sich zunächst fragt, ob das Programm jetzt überhaupt etwas gemacht hat.

Dabei scheint Capture One äußerst Ressourcenschonend mit den Recheneinheiten meines Macs umzugehen. Während Aperture die Lüfter des Laptops immer wieder einmal zum Großeinsatz aufruft, kann ich mich nicht erinnern sie schon einmal wegen Capture One groß in Aufregung gehört zu haben.

Ein weiterer Punkt der mich aus den Socken haut, ist die Benutzerfreundlichkeit und Flexibilität der Oberfläche. Der Benutzer kann jedes Detail exakt so einrichten, wie er es haben möchte. Der Funktionsumfang ist immens. Trotzdem bleibt das Programm wie gesagt intuitiv sehr zugänglich und einfach zu bedienen. Ich habe mir etwa eine Stunde lang Schulungsvideos angeschaut und nach ganz kurzer Einarbeitungszeit fühlt sich das Programm an als würde ich seit Jahren damit arbeiten.

Doch nicht nur die Oberfläche lässt sich beliebig konfigurieren. Für beinahe jedes Detail lassen sich Shortcuts konfigurieren. Ich kann Belichtung, Kontrast, Helligkeit, Sättigung, Weißableich und Färbung über Tastatur steuern. Performance und Effizienz der Oberfläche geben der Sortierung und Ausarbeitung von Bildern eine mir bislang unbekannte Dynamik.

Der Umgang mit Farbmanagement ist ein Traum. Man richtet ein Ausgabeprofil ein, definiert das Farbprofil dafür und mit einem Klick hat man den entsprechenden Softproof am Bildschirm vor Augen. Automatisch passen sich Farbwerte an den Farbraum des Zielprofils an. Im Grunde ein Detail. Aber eines von vielen, dass das Arbeiten mit Capture One zum flüssigen Vergnügen macht. Mich ärgert nur, dass ich jetzt erst damit arbeite.

Was ich weiters an Capture One schätze ist, dass es nicht wie Lightroom und Aperture auf einer Datenbank basiert. Vielmehr greift man auf beliebige Verzeichnisse auf angeschlossenen Festplatten zu. Also eher so wie der Finder am Mac, der Explorer unter Windows oder Bridge. Dateileichen auf Grund von Fehlern in der Datenbank sind somit ausgeschlossen. Die Entwicklungseinstellungen werden schlicht als XML-Datei in einem Ordner im Verzeichnis der Bilder abgelegt. Clever, die Dänen!

Wo Licht ist, ist aber auch Schatten – das soll nicht verschwiegen werden. Lightroom-Benutzer können – im Gegensatz zu Aperture-Anwendern – Objektivfehler aus Bildern heraus rechnen lassen. Capture One Pro kann das zwar auch. Allerdings nur für ausgesuchte Objektive von Mittelformatkameras. Der Anwender kann zwar manuell Fehler wie Verzerrungen und Chromatische Aberation beseitigen, doch der Luxus, das auf Basis unter Laborbedingungen entwickelten Werten automatisch ausführen zu lassen fehlt.

Aperture hat tolle Retusche Werkzeuge. Capture One hat zwar auch ein Flecken-Entfernungswerkzeug, doch im Verhältnis zur Professionalität des restlichen Programms ist das doch von eher peinlicher Qualität und Funktionalität.

Capture One beherrscht auch selektive Bildbearbeitung mit Pinseln. Das Konzept diese Arbeiten über Ebenen zu verwalten ist eine für erfahrene Photoshoper gut nachvollziehbare und leicht zu verwaltende Idee. Doch das Pinselwerkzeug bietet wenig Einstellungsmöglichkeiten, der Radierer radiert gleich einmal alles aus und die Ebenen lassen sich nicht in Ihrer Deckkraft reduzieren, was einiges Potenzial zur kreativen Bildentwicklung mit sich bringen würde.

Was ich von Aperture vermisse ist ein Regler für Lebendigkeit (in Lightroom sollte das wohl Dynamik heißen). Außerdem fehlt mir auch ein Kanalmixer.

Trotz dieser Schönheitsfehler hat mich Capture One Pro bislang völlig überzeugt und ich glaube meine Begeisterung wurde im vorangegangen Text offensichtlich. Wer nicht zu 100% glücklich ist mit seinem Raw-Entwicklungswerkzeug, oder einfach einmal über den Tellerrand hinaus schauen möchte, dem kann ich nur empfehlen die Demoversion des Programms bei Phase One herunter zu laden und einmal auf Herz und Nieren zu testen. Vielleicht versteht ihr meine Begeisterung dann.

Der will-haben-Faktor für diese Kamera ist bei mir am oberen Anschlag. Ich bin schon gespannt auf erste Testberichte. Wenn die Kamera hält was sie verspricht und der Preis tatsächlich, wie meine erste Recherche ergeben hat, bei etwa 1300 Euro inklusive Normal-Objektiv liegen wird, dann ist das Teil so gut wie gekauft. Der Preis sollte für die Kamera bei etwa $1700 liegen, die Objektive sollen in einem Bereich von etwa $600 auf den Markt kommen.

Fuji Guys – Fujifilm X-Pro1 – Hands-on Preview (1/2) – YouTube.

Generell beschäftigt mich das Thema Urheberrecht jedoch. Ein Artikel mit dem Titel »Bilderklau – die Konsequenzen«, auf blendwerk-freiburg.de, hat meine grauen Zellen nun wieder einmal darum joggen lassen.

Wie gehen wir mit geistigem Eigentum um?

Bevor man sich graue Haare um Selbstbedienungsmentalität im Internet wachsen lässt, sollte man zunächst den eigenen Umgang mit den geistigen Werken Anderer hinterfragen: Nutze ich Software, Musik, Videos, Spiele, Schriften, etc., die auf Wegen zu mir gekommen sind, die nicht ganz den rechtlichen Lizenzvorstellung der Produzenten entsprechen?

Wer bei dieser Frage ins Stocken gerät sollte sich überlegen, ob er nicht zweierlei Maß ansetzt, wenn er über Bilder, die ihm geklaut wurden, echauffiert ist, und sich gleichzeitig bei den Werken Anderer bedient.

Ich nehme an, dass viele Leser diese Zeilen jetzt mit einem ›ja, aber …‹ auf den geistigen Lippen lesen werden. Nach meinem Gefühl haben etwa 90 Prozent kein Problem damit Musik, Filme, Software, Schriften, etc. bei Wunsch einfach aus dem Internet oder von den Festplatten von Freunden zu saugen. Wieso auch nicht: Eine Datei zu kopieren ist schließlich einfach und es macht ja eh jeder.

Belastet hat die seltsame Beziehung zwischen Content-Anbietern und Content-Konsumenten sicher der patscherte Umgang der Musik-Industrie mit manischen Vielkopierern. Die Millionenklagen gegen Jugendliche und Hausmütterchen haben diese Branche in den Augen der Öffentlichkeit zum geldgierigen Darth Vader gemacht, der eingefleischte Musikfans mit ihrer geballten dunklen Macht einfach platt macht. Es darf sich deshalb als Robin Hood fühlen, wer das Imperium um ein paar Titel erleichtert. Man nimmt es ja Quasi von den Reichen und verteilt es unter dem Armen, der man selbst ist.

Software Firmen, wie Microsoft und Adobe, die ihr Monopol nutzen, Software überteuert und zu sittenwidrigen Lizenzbedingungen an den Verbraucher zu bringen, entlasten das Verhältnis Produzent–Konsument auch nicht unbedingt.

Aber!

Ich gehe jede Wette ein, dass der überwiegende Teil der privaten Anwender von Photoshop mit illegalen Kopien arbeitet. Für die breite Masse scheint das selbstverständlich und es in Frage zu stellen erntet Stirnrunzeln und Kopfschütteln. Schließlich seien die Programme so teuer – das könne man sich ja nicht leisten!

Verstehe ich das richtig? Wenn etwas teurer ist, als ich es mir leisten kann oder will, dann darf ich es mir einfach und selbstverständlich nehmen?

Ein Mercedes SLK ist ein schönes Auto. Aber er ist mir zu teuer. Darf ich dann zum Händler gehen und ihn vom Platz flatzen?

Speziell bei Hobby-Fotografen kann ich diese Mentalität nicht nachvollziehen. Mancher fotografiert da mit einer Nikon D3 um 5.000 bis 6.000 Euro und hat Objektive davor, die im Stück ebenso 1.000, 2.000 und 3.000 Euro kosten. Da sollten doch die 1.000 Euro für Photoshop nicht zum Ruin führen. Verzichtet man halt auf ein Objektiv.

Aber Photoshop ist doch völlig überteuert!

Stimmt. Aber wenn mir jemand ein Auto anbietet und zu viel Geld dafür verlangt, kann ich es ja auch nicht mit gutem Recht klauen! Ich muss halt bei Jemandem einen Wagen kaufen, der ein akzeptables Angebot macht, auch wenn es dann vielleicht nicht genau das Modell ist.

Es gibt Alternativen zu Photoshop. Angefangen vom kostenlosen Gimp (zwar hässlich wie Sau, aber kann fast alles, was Photoshop kann) bis hin zu Pixelmator am Mac (kann zwar nicht alles, was Photoshop kann, kostet aber nur einen Bruchteil davon, ist flink wied er Blitz und fast schon zu schön gestaltet).

Sprechen wir noch von Bilderklau?

Genau. Darum ging es ja. Um Fotografen, die es nicht lieben, wenn sich Andere ihre Bilder unter den Nagel reißen.

Meine Software ist zu 100% lizensiert, meine Musik zu über 95% legal, ich setze in Grafik-Projekten nur lizensierte Schriften ein und bin mir nicht sicher, ob ich schon jemals einen raubkopierten Film gesehen hat. Ich bilde mir deshalb ein nicht mit zweierlei Maß zu messen, würde ich mich darüber aufregen, wenn sich jemand an meinen Bilder bedient und ich sauer wäre. Mach ich aber nicht. Ist nicht gesund und interessiert mich auch nicht. Ich habe Besseres zu tun.

Oder anders gesagt: Ich halte es mit Depeche Mode. Diese wurden einmal gefragt, ob sie nicht verärgert sind, wenn andere Musiker ihre Sounds klauen. Sie antworteten, dass sie sich im Gegenteil geschmeichelt fühlten; denn würden diesen Anderen ihre Sounds nicht gefallen, würden sie sich auch nicht daran bedienen.

Natürlich ist zu unterscheiden, ob ein schlichter Konsument, der sein Leben lang kaum etwas über Urheberrechte gehört hat, ein Foto für sein Facebook-Profil verwendet, weil es ihm gefällt, oder ob ein Unternehmen es in einem Folder oder der Internet-Präsentation einsetzt, weil sie die Kosten für einen Fotografen bzw. für Stock- oder Agenturbilder sparen wollen. Erstens darf man im Bereich der Marktkommunikation Professionalität und Wissen um Urheberrechte erwarten und zweitens ist es dann einfach Bereicherung an den Leistungen anderer.

Im Grunde ist das nichts anderes als Software-Piraterie. Jemand anders investiert Zeit (und wir wissen ja: Zeit ist Geld) um eine Leistung zu erbringen und jemand anderes reißt sich das unter den Nagel um damit selbst, ohne viel Aufwand, abzusahnen. Wobei ich gestehen muss, dass ich den Kunden dieser Piraten nicht sonderlich besser finde, als den Piraten selbst. Ohne Kunden keine Piraten. So einfach ist das.

Persönlich verzichte ich nicht deshalb auf Raubkopien, weil ich Angst vor Verfolgung und Strafe habe, sondern weil ich es es einfach für unrecht halte. Es ist schlicht eine Frage der Haltung.

Recht, aber mit Augenmaß

So traurig es klingt: Wer sich ärgert, wenn sich Leute an seinen Werken einfach bedienen, sollte keine ins Internet stellen. Stelle ich etwas Brauchbares oder gar Wertvolles vor das Haus oder an einen öffentlichen Platz, darf ich mich auch nicht wundern, wenn es eines Tages weg ist. Dabei ist das Bewusstsein, dass Hardware nicht gestohlen werden darf, relativ hoch – sieht man einmal von Seifen und Badetüchern in Hotels ab, die bei Gelegenheit viele Zeitgenossen zu Dieben zu machen scheinen. Geht es hingegen um Software – und nichts anderes sind digitale Bilder – ist Unrechtsbewusstsein offensichtlich mehr Ausnahme als Regel. Sogar Jene, die selbst von der Erstellung geistiger Werke leben, haben oft keinen Respekt vor den geistigen Leistungen anderer.

Nun gibt es auch Leute die resolut und konsequent gegen die Selbstbedienung im Internet vorgehen. So hörte ich von einer Künstlerin, die Google auf Unterlassung geklagt hat, weil Ihre Kunstwerke von irgendeiner Galerie-Website in die Bilder-Suchergebnisse der Suchmaschine geraten waren. Grundsätzlich ist dieses Ansinnen sicher rechtens; wer etwas schafft, sollte auch bestimmen dürfen, was damit geschehen darf und was nicht. Doch was würde aus dem Internet, wenn sämtliche Urheberrechtsbestimmungen so scharf exekutiert würden würden, wie sie geschrieben wurden?

Es würde verstopfen und zusammenbrechen!

Mein Blog visuelle Inspiration als Beispiel: In diesem Blog veröffentliche ich interessante Designs, Fotos, Werbung, etc. Alles, was ich visuell inspirierend finde, für mich als Lesezeichen ablegen und mit Anderen teilen möchte.

Ich sehe das als Win-Win-Situation für alle Beteiligten. Mein Blog bekommt durch die Fundstücke Traffic und mein Name vielleicht etwas Bekanntheit, was den Absatz meiner Bücher fördern könnte. Der Gestalter der präsentierten Fundstücke bekommt Aufmerksamkeit. Der Besucher bekommt Inspiration. Grundsätzlich gehe ich aber davon aus, dass sich dieser Blog aber am Rande der Legalität bewegt und ich jederzeit mit einer Abmahnung rechnen muss.

Ich denke, dass der Blick auf Urheberrechte von Augenmaß, Toleranz und Verständnis getragen werden sollte. Nicht jeder, der ein Bild in seinem Facebook-Profil postet, ist von krimineller Energie geleitet. Viel wichtiger ist aber vor allem zunächst vor der eigenen Haustüre zu kehren und sich selber an der Nase zu nehmen. Es geht um Haltung. Es geht darum, die Leistungen und Werke anderer zu respektieren. Dann kann man auch Respekt für die eigenen Werke verlangen.

Zwar sind im Moment nur drei Objektive angekündigt, aber diese scheinen dafür ebenso vom Feinsten zu sein. Alle drei sind Festbrennweiten. Eines davon, mit 35mm Brennweite und Lichtstärke ƒ1.4, ist bereits auf meiner Wunschliste gelandet. Positioniert Fuji den Preis des X-Pro 1 Bodys nicht zu hoch, wird diese Kamera mit höchster Wahrscheinlichkeit in meine Fototasche. Kann es kaum erwarten mehr zu erfahren und eine in die Hände zu nehmen.

Weitere Grüchte zur X-Pro 1 hier: Two new images of the Fuji X-Pro 1 camera | Photo Rumors.

Wer sich für Lichtführung mit Blitzen interessiert, sollte auch einmal das E-Book ‘Lighting101’ von Krolop und Gärst ansehen. Darin wird zwar das Beleuchten mit entfesselten Systemblitzen erklärt; aber abgesehen davon, dass Studioblitze kräftiger beleuchten, dürften sich die Grundlagen nicht wesentlich von der Lichtführung mit den kleinen Aufsteckblitzen unterscheiden. Das PDF sollte demnach für alle interessant sein, die sich für Blitzlicht interessieren und einsteigen wollen.

Für 9,99 kann man das E-Book bei Krolop und Gerst einkaufen. Wer Mitglied bei FotoTV ist, oder mit dem Gedanken spielt eine Mitgliedschaft zu testen, kann sich den Preis auch sparen, denn Mitglieder von FotoTV bekommen das E-Book als Weihnachtsgeschenk gratis.

Für alle, die FotoTV noch nicht kennen: FotoTV ist eine Lernplattform für Fotografen mit mittlerweile wohl hunderten Videos und Tutorials zum Thema Fotografie. Für eine Abbo-Gebühr ab etwa 15 Euro im Monat kann man sich Fotografie-Info rein ziehen bis zum Abwinken.

Diese Woche bin ich mit Jana Mänz von www.janasworld.de – als Frau zur Minderheit der Foto-Blogger zählend – in Kontakt uns ins Gespräch gekommen. Ich hatte Sie mit der Bitte kontaktiert ihr »Kreativ fotografieren« als Rezensionsexemplar zusenden zu dürfen. Wir haben uns während der Woche einmal via Skype verbunden, über Fotobücher, Fotografie, Fotoschulen, die unterschiedlichen Zugänge von Frauen und Männern zur Fotografie und die Foto-Blogger-Szene unterhalten.

Jana betreibt auf ihrem Blog eine eigene Fotoschule, die völlig anders funktioniert als meine. Sie veröffentlicht keine Artikelserie in Form eines Buches, sondern betreut und berät ihre Fotoschüler – besser gesagt meist Schülerinnen – direkt und aktiv, zum Beispiel in Form von Bildbesprechungen. Ein interessanter Ansatz, wie ich meine; nicht nur für Fotografinnen.

Für das kommende Jahr steht bei ihr ein Webinar zum Thema »selbständig machen als Fotograf« in der Pipeline. Ich habe mir die Sache einmal angesehen und finde sie sieht sehr interessant aus. Vor allem hat mich der Preis von 390 Euro überrascht. Wäre bei mir der Jahresbeginn 2012 nicht schon ziemlich dicht hätte ich mich gleich angemeldet. Ich bin zwar schon seit langem (als Grafiker) selbständig, aber man lernt nie aus.

Anbei eine gekürzte Beschreibung Janas des Webinars.

Kreative Wege, sich als Fotograf/Fotodesigner selbständig zu machen.

Sie wollen aus Ihrem Hobby, der Fotografie einen Beruf machen, Sie haben das Gefühl, dass nichts anderes Ihnen so viel erfüllte Zeit bieten kann? Aus diesem Grund haben wir unser Webinar unter dieses Motto gestellt: »Tue das, was du liebst und liebe das,was du tust! – ›Kreative Wege, sich als Fotograf/Fotodesigner selbständig zu machen‹«.

Wir haben Dozenten aus dem Fotografie-Business eingeladen. Dabei sind u.a. der erfolgreiche Werbefotograf und Autor Jens Brüggemann, der Justizar des Deutschen Verbandes für Fotografie e.V. (DVF) Wolfgang Rau sowie Business Coach Petra Rexroth aus London, der CEO der Bildagentur westend61, Gerald Staufer, sowie weitere Dozenten, die unsere Webinare mit ihrem Fachwissen und Know-How begleiten werden.

Mehr Informationen findet ihr hier.

Kameras für ambitionierte Fotografen stellen in der Regel drei verschiedene Programme für die Belichtungsautomatik und einen ­Modus zur manuellen Belichtungseinstellung zur Verfügung. Die Bezeichnungen und Abkürzungen der verschiedenen Hersteller unterscheiden sich wieder einmal etwas.

• Programmautomatik | Wird bei allen mir bekannten Kameras mit ›P‹ abgekürzt.
• Blendenvorwahl | Die Blende wird vorgewählt, die Kamera regelt die Zeit automatisch. Deshalb wird dieser Modus manchmal auch als Zeitautomatik bezeichnet. Die Abkürzungen lauten ›A‹ für ‘Aperture’ (englisch für ›Blende‹) oder ›Av‹ für ‘Aperture Value’ (›Blendenwert‹).
• Zeitvorwahl | Die Zeit wird vorgewählt und die Kamera regelt die Blende automatisch. Hier spricht man deshalb manchmal von Blendenautomatik. Die üblichen Abkürzungen sind ›T‹ oder ›Tv‹ für ‘Time Value’ (›Zeitwert‹) oder ›S‹ für ‘Shutter’ (›Verschluss‹, also auf die Verschlusszeit bezogen).
• Manuell | ›M‹ steht bei allen mir bekannten Modellen für manuelle Einstellung.

Programmautomatik

Die meisten Digitalkameras – angefangen von der günstigsten Kompaktkamera bis hin zur professionellen DSLR – bieten in der Regel einen Auto- und einen Programm­modus.

Auto | Der vollautomatische Modus ›Auto‹ nimmt dem Fotografen in der Regel jede Einstellungsentscheidung ab. Wenn es die Kameraelektronik für erforderlich hält zu blitzen, klappt sie den Blitz auf und sorgt bei der Aufnahme für zusätzliches Licht. Blitzen oder nicht Blitzen ist für mich allerdings eine zu essenzielle Frage, als dass ich die Entscheidung der Elektronik einer Kamera überlassen möchte. Deshalb kommt der Auto-Modus für mich nicht in Frage.

Programm (P) | In Programm (P) balanciert die Elektronik der ­Kamera die Blende und die Belichtungszeit automatisch aus, um zu einer möglichst sicheren und optimalen Belichtung ohne Verwackelung zu kommen. Dazu wird sie versuchen die Belichtungszeit so kurz wie möglich zu halten, wenn möglich ohne die Blende vollständig aufzureißen. Eine maximale Blendenöffnung würde zwar die kürzest mögliche Belichtungszeit bedeuten, doch die Schärfen­tiefe könnte dabei kürzer ausfallen, als es dem (ungeübten) Fotografen lieb wäre. Außerdem erinnern wir uns, dass viele Objektive bei maximaler Blendenöffnung nicht mehr ihre maximale Abbildungsschärfe er­reichen. Die Kamera wird deshalb versuchen die Blende im mittleren Bereich, zwischen ƒ 5.6 und ƒ 8, zu halten. Nach meiner Erfahrung berücksichtigt die Elektronik dabei auch, dass die Belichtungszeit nicht länger als der Kehrwert der Brennweite ausfällt, um nicht zu verwackeln.

Programmverschiebung | Viele Kameras erlauben in ›Programm‹ das Shiften der vom Programm ermittelten Belichtungseinstellungen. Das bedeutet, dass die Programmautomatik für eine bestimmte Szene eine bestimmte Kombination aus Blende und Belichtungszeit vorschlägt, der Fotograf allerdings die Möglichkeit nutzt diesen Vorschlag zu verändern. In der Regel wird zu diesem Eingriff an einem der Einstellräder der Kamera gedreht. Die Kamera öffnet je nach Richtung, in die der Benutzer dreht, die ­Blende und verkürzt die Belichtungszeit, oder schließt die Blende und erhöht die Zeit. An der Belichtung selbst ändert sich dadurch nichts; nur das Verhältnis Zeit/Blende verschiebt sich. Man bezeichnet es deshalb auch als Programmverschiebung.

Blendenvorwahl

Ich bin mir ziemlich sicher, dass das Gros der Fotografen überwiegend im Modus Blendenvorwahl fotografiert. Gehen wir von ­unserem ›Vier Schritte‹-Konzept aus, ist das auch logisch: Zuerst wird durch Blickwinkel, Distanz und Brennweite die Perspektive gestaltet, dann wird über die Blendeneinstellung die Schärfentiefe, die sich aus Distanz und Brennweite ergeben hat, dem ­Motiv entsprechend angepasst. Die Kamera übernimmt die Berechnung und Einstellung der Zeit zur optimalen Belichtung automatisch.

Zeitvorwahl

Im Modus Zeitvorwahl gibt der Fotograf, wie der Name schon sagt, die Belichtungszeit vor, und die Kamera passt die Blendenöffnung für die Belichtungszeit an. Sie wird vor allem dort eingesetzt, wo ein bestimmter Effekt mit Bewegung erzielt werden soll. Zum Beispiel, wenn man einen Sportler durch eine sehr kurze Belichtungszeit sicher einfangen will, oder wenn man ein Fahrzeug durch Mitziehen vor verwischtem Hintergrund abzubilden gedenkt.

Manueller Modus (M)

Im manuellen Modus nimmt der Fotograf die Zügel der Belichtung in die eigenen Hände. Er definiert die Blendenöffnung und die Belichtungs­­zeit. Klingt kompliziert und anspruchsvoll. Tatsächlich ­jedoch kann man sich auch hier von der Belichtungsmessung der Kamera unterstützen lassen, und dann ist es eigentlich gar nicht mehr kompliziert.

Lichtwert-Skala im Sucher.

Die Abbildung oben zeigt noch einmal einen Blick durch einen ­Sucher. Die Lichtwert-Skala zeigt für die aktuelle Lichtsituation bei der derzeitigen Einstellung von Zeit ① und Blende ② (und ISO) eine Überbelichtung von +1 Lichtwert an ③. Der Fotograf kann nun die Belichtungseinstellung um –1 LW korrigieren. Zur Auswahl stehen für diese Korrektur, die Blende um –1 Schritt auf ƒ 5.6 zu schließen, die Belichtungszeit um –1 Lichtwert von 1/60 auf 1/120 ­Sekunde zu verkürzen (in der Praxis 1/125) oder den ISO-Wert um einen –1 ganzen Schritt zu verringern. Oder man entscheidet sich für einen beliebigen Mix aus zwei oder drei dieser Parameter. Normaler Weise stehen ja Drittel-Lichtwert-Schritte für Blende, Zeit und ISO zur Verfügung.

Doch warum sollte man sich die Mühe antun diese Einstellung mit menschlicher Geschwindigkeit von Hand vorzunehmen, statt sie von der Kamera mit elektronischer Geschwindigkeit auto­matisch ausführen zu lassen?

Für mich gibt es vor allem zwei gute Gründe: Erstens kann ich als Fotograf individuell und kreativ entscheiden, ob ich für exakt die Situation vor meinen Augen ein besseres Ergebnis erziele, wenn ich die ­Blende ändere, wenn ich die Zeit ändere, oder wenn ich die Empfindlichkeit ändere.

Manueller Modus bei konstantem Licht | Zweitens brauche ich bei konstanten Lichtbedingungen nicht vor jeder Aufnahme neu ­messen. Oft sind die Lichtbe­dingungen während eines Foto-­Shootings weitgehend konstant. Das gilt für Fotosafaris unter freiem Himmel und noch viel mehr für die Arbeit im Studio. Das heißt, wenn einmal eine optimale Belichtungseinstellung für die Lichtsituation ­getroffen worden ist, kann ich mit derselben Einstellung weiter foto­grafieren, bis sie sich wieder deutlich ändert.

Eine fixe Einstellung für die Belichtung ist vor allem im Studio ein großer Vorteil. Das Licht sollte dort ja absolut konstant sein, bis die Beleuchtung verändert wird. Mit einer einzigen, konstanten Belichtungseinstellung über eine gesamte Serie hinweg fallen alle Ergebnisse absolut gleich hell aus. Das erleichtert vor allem auch das Kopieren von Entwicklungseinstellungen von einem Bild auf die anderen bei der Entwicklung in der digitalen Dunkelkammer.

Doch nicht nur im Studio ist eine gleich bleibende Belichtungseinstellung von Vorteil. Auch beim Fotografieren im Freien. ­Arbeitet man mit einer automatischen Belichtungseinstellung, egal ob Blendenvorwahl, Zeitvorwahl oder Programm, dann misst und bewertet die Kamera die Lichtsituation vor jeder Aufnahme neu.

Neigt man die Kamera bei Landschaftsaufnahmen und in ähnlichen Situationen etwas nach oben, kommt ein großer Ausschnitt des fast immer hellen Himmels ins Bild. Die Kamera wird die helle ­Vorlage ausgleichen, indem sie eine dunklere Belichtungseinstellung wählt.
Neigt man die Kamera eher nach unten, dann dominiert die Landschaft im Bildausschnitt, und die ist deutlich dunkler als der Himmel. Die Kamera wird also eine hellere Einstellung wählen, um zu einer neutralen Belichtung zu gelangen.

Tatsächlich aber sollten beide Aufnahmen mit exakt derselben Belichtungseinstellung zu einer weitgehend optimalen Belichtung führen. Im manuellen Modus erhält man also konstantere Resultate als im Automatikbetrieb. Darüber hinaus lässt sich die Belichtungsautomatik auch einmal von einer ungewöhnlichen Lichtsituation in die Irre führen. Im manuellen Betrieb kann höchstens der Fotograf in die Irre geführt werden.

M, der Modus für Einsteiger | Es mag seltsam klingen und im ­Gegensatz zu dem stehen, was wohl viele andere Fotografen ­einem Einsteiger empfehlen würden. Ich rate, wenn man ­Einsteiger ist, sich zumindest eine gewisse Zeit auf den ­manuellen Modus zu konzentrieren. Allerdings nur dann, wenn man für die Auseinandersetzung mit den Einstellungen Zeit hat und niemand auf einen wartet und die Motive nicht davon laufen. Man lernt ­dadurch einfach am meisten über Fotografie. Wenn der Umgang mit Blende, Zeit und ISO einmal in Fleisch und Blut über gegangen ist, spricht nichts dagegen einen anderen Modus zum eigenen Standard zu erklären. Doch Souveränität im Umgang mit Ihrer ­Kamera lernt man manuell am besten.

• Zurück
• Kreativ fotografieren | Inhalt und Einleitung
• Weiter

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Die Rechnung ist natürlich Unsinn. Niemand wird so denken. Aber es zeigt, dass ein Bild nichts mehr kostet. Sind Bilder deshalb nichts mehr wert?

Die omnipräsente Kamera

Ich habe die beliebteste Kamera bei Flickr: Ein iPhone. Ich habe auch einige Apps mit denen man Fotos machen und gleich mit coolen Effekten versehen und direkt zu Flickr, Twitter oder Facebook hochladen kann. Ich habe in den letzten Tagen auch überlegt ob ich auf den Instagram-Zug aufspringen soll. Immerhin: Jedes Bild, das du bewusst aufnimmst, trägt zu deiner Entwicklung als Fotograf bei.

Älter als die Zeitung von gestern

Aber was dann? Sind diese, in den sozialen Netzwerken publizierten Schnappschüsse, jemandem mehr als einen flüchtigen Blick wert? Ist der Tweet oder der Facebook-Status von vor fünf Minuten nicht schon älter als die Zeitung von gestern und die damit geposteten Bilder mit ihm? Dabei kann man noch nicht einmal Fisch darin einwickeln!

Sicher: Wenn ich das Glück habe mit meinem iPhone eine bemerkenswerte Szene zu erwischen, dann ist es die Publikation sicher wert. Was aber ist mit den 99,9% restlicher Aufnahmen, die nichts Spektakuläres darstellen? Wenn sie schon jetzt niemandem mehr als eine Sekunde Aufmerksamkeit entlocken können – werde ich sie selbst in einem Monat, einem Jahr oder in der Pension noch einmal anschauen wollen? Oder vergrößern sie nur einen gigantischen Haufen visueller Eindrücke in digitalen Quadraten festgehalten?

Digitalfotografie ist Freiheit (für mich)

Ich liebe die digitale Fotografie, weil sie es mir ermöglicht frei zu probieren und zu experimentieren und zu lernen, ohne, dass jedes Bild meine Geldtasche plündert. Ich genieße den Luxus Bilder zu machen, von denen ich schon vor dem Fotografieren weiß, dass das Licht, der Hintergrund oder andere Rahmenbedingungen eine gelungene Aufnahme unmöglich machen. Wenn ich mit meiner Einschätzung richtig lag, ist das Foto schnell gelöscht. Doch manchmal täuscht meine Einschätzung und das Resultat hat doch etwas reizendes. Das ist für mich auch eine Form der Freiheit.

Sicher: Analoge Fotografen können jetzt einwerfen, dass das eine feige Einstellung ist. Ich möchte, dass mich das Scheitern nichts kostet. Für den Analogfotografen ist jede Aufnahme eine Investition. 36 Aufnahmen machen einen Film voll, die Entwicklung kostet Geld und den Film kann man nach der Bildentwicklung icht wieder leeren und für die nächsten 36 Aufnahmen nutzen.

Es ist legitim diese Herausforderung zu suchen. In meinen Augen ist das weder besser noch schlechter als digital zu Fotografieren und ich würde mir den Respekt von Analogfotografen gegenüber der Digitalfotografie wünschen, den Digitalfotografen der analogen entgegen bringen. Was zählt ist die Freude an der Fotografie und Resultate, die den Betrachter berühren. Egal ob die Bilder chemisch oder elektronisch zustande gekommen sind.

Nicht jede Aufnahme ist bemerkenswert

Digitalfotografie heißt für mich aber nicht, dass ich jeden Schnappschuss und jede Aufnahme einer Serie von zwei Dutzend Ansichten einer Blume aus verschiedenen Perspektiven behalten muss, geschweige sie ins Internet stellen. Nicht jede Aufnahme ist bemerkenswert und man muss deshalb auch nicht jedes Bild archivieren. Bilder löschen ist auch ein Teil des kreativen Prozesses, dem sich der Fotograf stellen muss.

Ich werde es deshalb es wohl auch unterlassen mich mit täglich zehn Bildern an Instagram zu beteiligen und jeden Schritt den ich mache, durch unscharfe und mit Effekten versehene Bilder öffentlich zu dokumentieren.

‘Just because we can’ ist keine ausreichende Begründung für ein Bild

Digitalfotografie sollte nicht heißen, gedankenlos Speicherkarten voll zu stopfen und jeden Kuhmist zu digitalisieren. ‘Just because we can’ ist kein Ausreichendes Argument für eine Aufnahme. Wenn es mir ausschließlich ums Fotografieren geht, ohne dass mich die Resultate noch interessieren, ist das legitim – eine Speicherkarte brauche ich dazu aber nicht. Noch nicht einmal eine Batterie.

Gute Bilder sind Resultat von Kreativität, offener Augen und der aktiven Auseinandersetzung mit dem Motiv. Und das wird auch so bleiben, egal welche Ästhetik- und Kreativitätsautomatismen die Marketingabteilungen von Kameraherstellern in ihre Geräte einpflanzen. Welchen Sinn hätte Fotografie überhaupt noch, wenn am vorderen Ende der Fotograf beim Fotografieren nur mehr den Auslöser drücken muss und die Kamera alles, bis auf den Bildausschnitt und die Schärfentiefe automatisch wählt, und am hinteren Ende die Resultate eh niemand mehr sehen will?

Nicht jedes Bild ist es wert archiviert zu werden. Das meiste ist weder persönlich noch historisch eine Katastrophe, wenn man es so schnell wieder löscht, wie man es aufgenommen hat. Publizieren muss man es schon gar nicht – auch nicht ‘just because we can’.

Die Flut, die keine Spuren hinterlässt

Wir werden ohnehin von viel zu vielen Bildern überflutet. Die Welt der neuen Medien beschießt uns mit einem Dauerfeuer visueller Reize, denen wir nirgends entgehen können. Schon die guten Bilder sind um Tonnen mehr, als wir registrieren können – an Genuss kann ich dabei gar nicht denken. Wir schwimmen in einer Flut an Eindrücken die immer schneller an uns vorbei zieht.

Aber wird dieses Dauerfeuer an Bildeindrücken Fotografie überhaupt gerecht? Ist Fotografie nicht viel eher das Einfrieren der Zeit das Stille braucht die Werke zu betrachten und wirken zu lassen?

Etwas Entschleunigung, aktive Auseinandersetzung mit den Resultaten unserer fotografischen Aktivitäten und der Mut zu löschen, was nicht bemerkenswert ist, würde uns sicher gut tun. Denn die Bilderflut die aktuell an uns vorbei schwappt hinterlässt doch im Wesentlichen eines: keine Spuren.

Es gibt keine unbearbeiteten Digitalbilder!

Unbearbeitet wäre das Bild so, wie es der Bildsensor der Digitalkamera gesehen hat. Der sieht aber keine bunten Farben, sondern lediglich winzige Punkte (Pixel) in unterschiedlich hellen Nuancen von Rot, Grün und Blau. Das rohe Datenmaterial kann der Normalanwender normalerweise nicht betrachten. Selbst wenn er es könnte, wäre es wahrscheinlich so naturgetreu wie ein analoges Negativ.

Damit das Bild das Motiv einigermaßen so abbildet, wie es der Fotograf gesehen hat, muss das Rohmaterial des Sensors erst interpretiert werden, wobei die Kamerahersteller ein bisschen schummeln.

Ein Beispiel | Nehmen wir an, wir haben einen Bildsensor mit 1200 Pixel in der Breite à 800 Pixel in der Höhe. Das wären dann 960.000 Pixel – knapp ein Megapixel.

Auf dem Sensor sind ein Viertel davon (240.000) für rot empfindlich, ein Viertel für blau und die Hälfte (480.000) für grün. Keiner der Pixel sieht Mischfarben wie Orange, Violett oder Braun. Die Farben eines einzelnen Pixel des fertigen Bildes müssen jeweils aus zwei grünen, einem roten und einem blauen Sensorpixeln zusammen berechnet werden.

Genau genommen dürfte demnach ein Bildsensor mit 960.000 Pixeln nur 240.000 Pixel im fertigen Digitalbild ausspucken. Aber eine reale Kamera mit 960.000 Pixel spuckt im fertigen Bild auch 960.000 Pixel aus.

Durch Interpolation zu hoher Auflösung | Erreicht wird das durch sogenannte Interpolation. Das bedeutet, dass die Software der Kamera für jedes bunte Pixel (das sie aus zwei grünen, einem roten und einem blauen Sensorpixel berechnet), drei weitere Pixel dazu erfindet.

Was da in der Kamera abläuft ist tatsächlich etwas komplexer als hier beschreiben, aber es sollte reichen, das Grundkonzept zu verstehen. In der Praxis sollte es uns auch egal sein, solange das Resultat unseren Anspruch an Schärfe erfüllt. Wichtig ist nur: Was wir am Ende am Computer zu sehen bekommen, ist nicht das, was der Bildsensor gesehen hat, sondern das Resultat hoch komplizierter Berechnungen.

Der Trick mit der Pixelschieberei ist aber nicht das einzige was die Software der Kamera an einer Aufnahme baselt. Wenn ich im JPEG-Format fotografiere, dann wird das Programm Rauschen reduzieren, Kanten schärfen, Tonwerte korrigieren, Farbsättigung puschen, eventuell Schatten aufhellen und Lichter reduzieren, und was auch immer die Maketingabteilung des Kameraherstellers die technische Entwicklung vorgegeben hat.

Von unbearbeitet kann man bei Digitalbildern also nicht wirklich sprechen. Es mag zwar nicht durch den Fotografen bearbeitet worden sein; so lange der Fotograf die Kamera nur in die Hand nimmt und abdrückt, geschieht die Bildbearbeitung im engeren Sinn durch die Software des Apparats. Die Entwicklung basiert aber auf Richtlinien und Programmabläufen, die die Software-Ingenieure des Kameraherstellers definiert haben. Also ist es im weiteren Sinn der Ingenieur in Japan, der die meisten Bilder entwickelt hat, die viele Fotografen als unbearbeitet präsentieren.

Natürlich kann der Fotograf bei den meisten Kameras auch leicht in die Bildbearbeitung eingreifen. So bieten zum Beispiel viele Modelle die Möglichkeit die Intensität der Farben zu bestimmen, in dem man eine spezielle Einstellung für ‘Vivid’ bzw. ›Lebendig‹, für Hauttöne oder Sonnenuntergänge wählt. Je nach Einstellung wird die Software der Kamera das JPEG anders entwickeln. Das ist nichts anderes als Bildbearbeitung.

Auch Raw-Bildern werden entwickelt | Auch wer im Raw-Format fotografiert kommt um die Bearbeitung der Bilddaten nicht herum. Nur geschieht die Entwicklung nicht mehr wie beim JPEG in der Kamera, sondern im Raw-Converter – ob der nun iPhoto, Aperture, Lightroom, Adobe Camera Raw, Bible, LightZone, DXO Optics, Capture One, Nikon Capture oder wie auch immer heißt. Der Unterschied ist nur, dass jetzt der Ingenieur, der die Entwicklung bestimmt, nicht mehr unbedingt in Japan sitzen muss, sondern in den USA oder vielleicht auch in Deutschland.

Raw-Converter entwickeln Raw-Bildern nach vordefinierten Rezepten – nicht anders, als bei der Software die JPEGs in der Kamera entwickeln. Auch hier gehören wieder Beeinflussung der Farbsättigung, Gradation, Tonwertvereilung, Rauschunterdrückung, usw. zum Standard.

Was ein Raw-Converter ausspucken ist am Ende immer Resultat des Rezepts, das die Software-Programmierer als optimal erachtet haben, um in möglichst vielen Fällen Resultate zu erzielen, mit denen möglichst viele Anwender möglichst glücklich sind. Da es aber auch Geschmacksache ist, wie entwickelt ein Bild ein gut entwickeltes Bild ist, werden die gleichen Rohdaten in unterschiedlichen Raw-Convertern unterschiedliche Resultate liefern.

So habe ich in meiner Zeit beim Wechsel von Adobe Photoshop Lightroom zu Apple Aperture den Eindruck gewonnen, dass Aperture Grastöne in den Bildern einer Nikon D80 schöner entwickelt, während Lightroom in den Schatten von Hauttönen eindeutig schönere Töne erzeugt. Das muss aber noch nicht einmal heißen, dass dieses Verhalten bei Gras- und Hauttönen bei den beiden Programmen auch auf die Bilder anderer Kameras zutrifft. Schließlich brauchen die Programmierer von Lightroom, Aperture und Co für jede neue Kamera ein neues Entwicklungsrezept.

Unbearbeitete Bilder gibt es also nicht. Die Frage, die sich für den Fotografen stellt, ist lediglich: Wer soll die Fäden in Händen halten: Der Ingenieur in Japan, oder ich, der Fotograf? Will ich das Resultat bestimmen, oder eine Software-Routine?

Langsam bekommt meine kleine Fotoschule »Kreativ fotografieren« etwas Rückenwind. Die Rückmeldungen sind durchwegs positiv. Vor allem von Ein- und Aufsteigern habe ich nun schon mehrfach gehört und gelesen, dass sie das Buch als sehr logisch und verständlich empfinden. Damit hätte ich das Ziel wie gewünscht erreicht.

Zu eurer Info was »ein bisschen Fahrt gewonnen« für mich als Selbstverleger bedeutet: Seit dem Verkaufsstart im September habe ich etwa 70 Exemplare verkauft.

Das ist das schöne am Selbstverlegen: Man freut sich über jedes verkaufte Exemplar, fast so, wie man sich bei großen Verlagen über Tausendereinheiten freut.

Davon, dass sich der finanzielle und zeitliche Aufwand für das Buch gerechnet hätte, bin ich natürlich noch weit entfernt und ohne Rückenwind aus dem Netz und von Lesern, die Rezensionen schreiben, wird es sicher nicht gehen (ich weiß: das schreibe ich nicht zum ersten Mal).

In der nächsten Zeit möchte ich noch einmal einige Rezensions-Exemplare versenden. Falls also jemand von euch, liebe Leser, einen Blog mit Reichweite im Bereich Fotografie und Gestaltung betreibt, für ein Medium in dem Bereich schreibt, oder jemanden kennt, für den ein Rezensions-Exemplar interessant wäre, bitte gerne melden und empfehlen.

Ich bedank mich schon einmal für die Unterstützung.

Mehr über das Buch und ein Demo-Kapitel zum kostenlosen Download.

Ein paar Rezensionen gibt es bei Amazon bereits. Generell kann sich meine Bewertungs-Billanz aller meiner Bücher bei Amazon durchaus sehen lassen.

Bevor die Elektronik Einzug in Kameragehäuse hielt, waren Fotoapparate nicht in der Lage die Belichtung automatisch zu messen. Der Fotograf war darauf angewiesen die Lichtsituation selbst nach Gefühl zu schätzen und die Zeit/Blenden-Kombination entsprechend dieser Einschätzung einzustellen. Oder er hatte einen Belichtungsmesser.

Belichtungsmesser

Heute befindet sich die ganze Elektronik zur Messung der Lichtsituation und der Belichtung in der Kamera, obwohl Profis nach wie vor auf die punktgenaue Messung mittels spezieller Geräte vertrauen. Das Resultat der Messung wird je nach Kamera im Sucher, auf einem LCD-Display oder am Kamera-Display angezeigt.

Lichtwert-Skala

Die Belichtungsmessung wird meist in Form einer Skala dargestellt.

Lichtwert-Skala, ›mittlere‹ Belichtung und ƒ-Stops

Der Nullpunkt ➀ zeigt eine neutrale Belichtung an (Zone 5). Schlägt die Skala in keine Richtung aus, erachtet die Kamera die Belichtungseinstellung für optimal. Die kleinen ­Punkte der Skala markieren die so genannten ƒ-Stops ➁. Diese markieren eine Verdoppelung beziehungsweise Halbierung der Belichtung (also je einen ganzen Lichtwert).

Entspricht die Lichtsituation, die vom Belichtungsmesser gemessen wird, nicht mittlerer Helligkeit, schlägt die Waage in die eine oder andere Richtung aus. Überbelichtung wird durch ›+‹ gekennzeichnet, Unterbelichtung durch ›–‹. Ob positive Werte links oder rechts stehen, ist von Hersteller zu Hersteller unterschiedlich und lässt sich zum Teil auch konfigurieren.

–2LW unterbelichtet

In der Abbildung oben schlägt der Balken um sechs Punkte zum zweiten ƒ-Stop in den negativen Bereich aus ➂. Jeder Punkt unten in der Skala ➃ steht für 1/3 Lichtwert. Ein Ausschlag um zwei ƒ-Stops in den Minus-Bereich zeigt eine Unterbelichtung um –2 Lichtwerte an.

+1/3LW überbelichtet

Die Abbildung zeigt eine leichte Überbelichtung um +1/3Lichtwert an ➃.

Wenn man in einem der automatischen Belichtungsmodi arbeitet, wird die Kamera dafür sorgen, dass die Waage der Skala am Nullpunkt auf mittlere Helligkeit ausbalanciert ist. Wenn man die Belichtung mit Manuell (M) eigenhändig steuert, dann muss man die Einstellungen für Blende und Zeit selbst vornehmen. In der Regel stellt man dann Belichtungszeit und Blende so ein, dass die Waage annähernd ausgeglichen wird.

Beispiel: Um eine Unter­belichtung um –2 Lichtwerte zu korrigieren, wird a) entweder die Blende um +2 (ganze) ­Blendenschritte geöffnet, oder b) die Belichtungszeit vervierfacht, oder c) die Empfindlichkeit vervierfacht. Oder ein Mix aus diesen Möglichkeiten.

Noch ein Beispiel: Um eine Überbelichtung um +1/3LW auszugleichen, muss entweder die Blende um –1/3 Blendenschritt geschlossen, die Zeit um –1/3 verkürzt oder der ISO-Wert um –1/3 ­verringert werden.

Um die Belichtung mit Hilfe der Elektronik der Digitalkamera zu messen, stehen verschiedene Methoden zur Verfügung.

Mittenbetonte Messung

Icons mittenbetonte Messung: Canon, Nikon, Olympus, Pentax, Sony

Bei der mittenbetonten Messung wird in der Regel ein Bereich im Zentrum des Bildfeldes zur Berechnung der Helligkeit heran ­gezogen, der meist etwa 75 % des gesamten Bildausschnitts einnimmt. Zwar werden auch Randbereiche mit in die Berechnung aufgenommen, aber die Priorität liegt im Zentrum.

Wie groß der Bereich tatsächlich ist, auf dem die Priorität liegt, unterscheidet sich von Hersteller zu Hersteller und eventuell auch von ­Kamera zu Kamera. Auch in welchem Verhältnis die Gewichtung zwischen Zentrum und Rand verteilt ist, entscheiden die Hersteller nach ­ihren eigenen Vorstellungen.

Während bei anderen Messmethoden das Zentrum der Messung auf dem ausgewählten AF-Messfeld liegen kann, sollte es bei dieser Messmethode immer in der Mitte des Bildfeldes liegen.

Obwohl das Prinzip sehr simpel ist, funktioniert es in der ­Praxis recht gut und ist für die meisten Szenen und Situationen gut ­geeignet.

Spotmessung

Icons Spotmessung: Canon, Nikon, Olympus, Pentax, Sony

Während bei der mittenbetonten Messung etwa zwei Drittel des Bildausschnitts zur Messung der Helligkeit heran gezogen werden, ist es bei der Spot-Messung lediglich ein mehr oder weniger kleiner Punkt um das ausgewählte AF-Messfeld.

Bei der mittenbetonten Messung wird der Bereich in der Mitte mit höherer Gewichtung in die Berechnung der Belichtung einbezogen, egal welches Messfeld gerade aktiv ist.

Bei der Spotmessung wird innerhalb eines kleinen Bereiches um das ausgewählte AF-Messfeld gemessen.

Messmethoden, die wie mittenbetonte oder Mehrfeldmessung den größten Teil des Bildfeldes zur Berechnung der Helligkeit heran ziehen, erreichen eine relativ hohe Trefferquote bei der Ermittlung der optimalen Belichtungseinstellung. Der kleine Punkt, anhand dessen die Spotmessung die Helligkeit ermittelt, führt hingegen überwiegend zu Fehlbelichtungen, wenn man mit dem Spot nicht sehr bewusst und gekonnt arbeitet.

Ich nutze die Spotmessung manchmal im manuellen Belichtungsmodus – vor allem, wenn ich im Freien unterwegs bin. Dann messe ich einmal auf den Himmel . Bei der Messung auf den Himmel darf der Belichtungsmesser ohne Weiteres zwei Drittelschritte in Richtung Überbelichtung aus­schlagen, ohne dass es ­tatsächlich zu einer Überbelichtung in der Aufnahme kommt. Überbelichtung bedeutet in diesem Zusammenhang nicht, dass ­dadurch Bildbereiche tatsächlich überbelichtet ausfallen – also in reinem Weiß von Zone 10 landen und ausbrechen – sondern, dass ein Bildbereich heller (über)belichtet ist als mittlere Helligkeit.

Spotmessung auf den Himmel

Nach der Messung der Lichter messe ich auch auf die Schatten des Motivs. Diese fallen allerdings während des Tages auch bei bedecktem Himmel oft mehr als zwei Lichtwerte unter­belichtet aus.

Spotmessung

Hilfreich kann die Spotmessung auch in Situationen mit extremen Kontrasten (zum Beispiel) zwischen Vordergrund und Hintergrund sein.

Meine Kamera erlaubt es die Spotmessung auf eine Sondertaste zu legen. Das hat den Vorteil, dass ich permanent mit der von mir bevorzugten, mittenbetonten Messung arbeiten kann, bei Bedarf aber nur die Funktionstaste drücken brauche, um für einen ­Moment die Spotmessung für einen kleinen Messbereich zu aktivieren. Lasse ich die Funktionstaste wieder los, schaltet die Kamera zurück auf mittenbetonte Messung. Das ist bequemer, als tatsächlich zwischen Spot- und mittenbetonter Messung umschalten zu müssen.

Mehrfeldmessung

Icons Mehrfeldmessung: Canon, Nikon, Olympus, Pentax, Sony

Für Einsteiger und Gelegenheitsfotografen ist die Mehrfeldmessung (bei Nikon ›Matrixmessung‹ und bei Olympus ›Digitale ESP-­Messung‹ genannt) die komfortabelste Methode die optimale ­Belichtung ermitteln zu lassen. Bei dieser Messmethode kommt eine ganze Reihe an Messfeldern, verteilt über den ganzen Bildbereich, zum Einsatz. In der Regel ist diese Messung mit einer Datenbank im Speicher der Kamera verknüpft, womit ermittelt werden soll, um welche Art Motiv es sich handelt. Somit kann die Kamera ­natürlich individueller und intelligenter auf Szenen unterschiedlicher Lichtsituationen eingehen.

Dass die Mehrfeldmessung für Einsteiger und Amateure interessant ist, bedeutet nicht unbedingt, dass sie nicht auch von Profis und Semi­profis genutzt wird. Auch wenn ich schätze, dass der über­wiegende Teil der professionellen Fotowelt mit mittenbetonter Messung arbeitet, so weiß ich doch von einigen erfahrenen Fotografen, dass sie die Mehrfeldmessung bevorzugen.

Ich habe einmal den Rat gehört, dass man sich im Großen und Ganzen auf eine Methode konzentrieren soll. Nutzt man immer die gleiche, arbeitet die Kamera immer nach demselben Prinzip, und man entwickelt ein besseres Gefühl für die Resultate. Mir würde kein Grund einfallen, weshalb man ein Mal mittenbetont und ein anderes Mal mit Matrixmessung messen sollte. Also würde ich mich dem Rat anschließen.

• Zurück
• Kreativ fotografieren | Inhalt und Einleitung
• Weiter

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Einst war ich ein erklärter Available-Light-Fan und stand Blitzen skeptisch gegenüber. Aber ich denke, das ist normal, wenn man von etwas keine Ahnung hat. Dann habe ich The Hot Shoe Diarys von Joe MacNally gelesen und habe begonnen mich für das Thema zu begeistern. Ich habe verstanden, dass Systemblitze ganz Anderes leisten können, wenn man sie von der Kamera entfernt.

Da Nikon ein hervorragendes Wireless Lighting System in ihren Kameras eingebaut hat und man damit die Systemblitze, die man im Raum oder im Freien verteilt aufgestellt hat, bequem über das Kameramenü einstellen kann, ohne jeden Blitz zu Fuß zu besuchen, macht die Arbeit damit besonders viel Spaß. Außerdem sind Systemblitze ja klein und leicht und man kann sie ganz bequem überall hin mitnehmen. Dabei steckt in dem System mittlerweile so viel Intelligenz und es lässt sich so einfach anwenden, dass man auch als Anfänger sehr rasch zu beeindruckenden Ergebnissen kommt.

Je mehr man von der Sache versteht und sich vorstellen kann, was da abläuft, desto mehr lassen sich die Ergebnisse natürlich bewusst kreativ gestalten. Und wenn am Schluss nicht nur zufällig und dank Elektronik tolle Ergebnisse herauskommen, sondern weil man ganz bewusst Akzente gesetzt und die Lichtsituation systematisch geformt hat, wächst der Spaß noch mehr.

Im Moment habe ich etwas freie Zeit gewonnen und nutze sie unter anderem dazu mein Wissen über entfesseltes Blitzen zu erweitern. Dabei bin ich auch auf das eBook »Nikon SB-900 Praxisguide« von Patrick Ludolph von neunzehn72.de gestoßen.

Für 7 Euro kann man das PDF bestellen und man erhält unmittelbar eine E-Mail mit einem Link um es herunter zu laden. Es ist sehr simpel gestaltet – eine Silbentrennung würde dem Blocksatz gut bekommen – macht aber was es soll: Es bietet einen guten Einblick in die Arbeit, nicht nur mit dem SB-900, sondern generell mit Systemblitzen und entfesselten Blitzen. Anders gesagt: Obwohl absolut auf Nikon und den SB-900 zugeschnitten, kann wohl jeder, der bei Blitzen noch zu den Ein- und Aufsteigern gehört, von dem kleinen PDF-Buch etwas lernen. Umso mehr natürlich, wenn man eine Nikon Kamera und Nikon Blitze hat, mit denen man das gleich ausprobieren kann.

Patrick schreibt sehr klar verständlich und bringt die Dinge gut auf den Punkt. Obwohl ich mich bereits etwas mit der Thematik befasst habe, hatte ich doch den einen und anderen Aha!-Effekt und konnte ein paar gute Tipps mitnehmen.

Qualität und Berufung

Auf kusperfarben.de werden Fotografen in Ebenen-Schubladen untergebracht. Ich muss gleich einmal sagen, dass ich den Artikel durchaus mit Wohlwollen gelesen habe. Ich mag differenzierte Meinungen und sie sind mir lieber, als Ansichten die sich nach dem Wind richten und im Mainstream verlaufen. Ich respektiere das, auch wenn ich eine andere Ansicht dazu haben mag. In dem Artikel heißt es unter anderem, dass die Qualität (in Deutschland) darunter gelitten hat, dass Fotografie zum freien Gewerbe geworden ist.

Bei uns in Österreich ist Fotografie noch immer ein geschütztes Gewerbe. Nur ein amtlich anerkannter Fotograf darf fotografische Leistungen verkaufen – ob er nun fotografieren kann oder nicht! Und hier, in unseren Landen, darf noch nicht einmal jeder, der als Fotograf anerkannt ist, Hochzeitsfotograf sein.

Ob das der Qualität hilft? Nach meinem Eindruck nicht. Ich kenne zu viele ausgezeichnete Fotografen, die Autodidakten sind, und habe schon zu viele Bilder von ›amtlich anerkannten‹ Fotografen gesehen, die lausig waren. Es ist im Grunde wie auch im Grafikdesign.

Grafiker, die ihren Beruf einfach als Job von ‘nine to five’ ausüben und sich ab 17:00 mit Sesamstraße, Häkeln, Briefmarken sammeln oder Lokal-Touren befassen, leisten in der Regel an guten Tagen Durchschnittliches. Die guten Grafiker mit den Layouts, die dir die Augen und den Mund aufmachen und ein Boa! und Wow! entlocken, sind die besessenen Spinner. Leute, die sich mit viel Leidenschaft für Gestaltung begeistern. Berufsgrafiker, für die ihr Beruf Berufung ist.

Ich glaube das ist in jedem Bereich so. Ein Lehrer, der ganz Lehrer ist, und nicht nur vom Vormittag zum Nachmittag unterrichtet, wird ein besserer Lehrer sein. Ein Koch, der auch nach Feierabend noch mit Leidenschaft kocht, wird wohl bessere Suppen servieren. Ein Berater, der mit Leidenschaft berät, wird der bessere Berater sein. Von Sportlern und Musikern wollen wir hier gar nicht anfangen.

Doch um eine Tätigkeit – egal ob fotografieren, gestalten oder kochen – mit Leidenschaft ausführen zu können, braucht es keinen Gewerbeschein. Und auch anders herum: Mir wäre nicht bekannt, dass man für den Erwerb einer Gewerbeberechtigung Leidenschaft vorweisen müsste. In der Regel reicht es doch Ausbildungszeit abzusitzen und bei einer Prüfung durch zu kommen.

Dass eine Gewerberegelung die Qualität verbessert, kann ich nicht glauben. Ein Auftraggeber, der seine Aufträge davon abhängig macht, ob eine Gewerbeberechtigung vorhanden ist oder nicht, ob der Fotograf in einem Berufsverband ist oder nicht, kann sich wohl kaum beschweren, sollten die Ergebnisse nicht das Gelbe vom Ei sein. Vielmehr sollte er sich Referenzen des Fotografen ansehen und entscheiden, ob ihm Stil und Qualitätsanmutung zusagen. Das sehe ich fürs Grafikdesign genau so.

Aber wir wissen ja wo oft das Entscheidungskriterium hängt: Am Preis! Und wenn das auf Kosten der Qualität geht sollte es einen nicht wundern.

Anders gesagt: Es sollte am Ende Qualität sein, die entscheidet. Und die wird nicht durch Gewerbescheine bestätigt sondern allein durch Referenzen.

Von Förstern und Fischern

Als Grafikdesigner ärgert es mich besonders, dass ich in Österreich keine fotografischen Leistungen anbieten kann. Denn Grafikdesign ist kein geschütztes Gewerbe. So darf also der Fotograf grafische Leistungen verkaufen – ob er dazu fähig ist oder nicht –, aber ich Grafiker darf keine fotografischen Leistungen in Rechnung stellen – ob ich fotografieren kann oder nicht. Das heißt der Förster darf in meinem Teich fischen, aber wenn ich im Wald einen Bock schieße nennt ich das wildern (ok, die Böcke brauchen sich nicht zu fürchten: Ich bin Vegetarier).

Der Nabel der Welt

Profession und Berufung sind aber nur die eine Seite der Medaille, die mich nachdenklich stimmt und über die ich mich regelmäßig echauffieren kann. Die andere Seite ist die Wichtigkeit, mit der sich Kreative und Gestalter gerne nehmen. Man starrt sich voller Ehrfurcht auf den eigene Nabel und hält ihn für den Mittelpunkt der Welt. Damit meine ich nicht unbedingt Selbstverliebtheit in die eigene Arbeit – obwohl das bei besonders egozentrischen Subjekten durchaus der Fall ist – sondern viel mehr die Bedeutung, die man dem Bereich, in dem man tätig ist, beimisst.

Als erstes fallen mir dazu Architekten ein. Als außenstehender Beobachter habe ich den Eindruck diese Profession halte sich oft für den Architekten der Welt und der Gesellschaft, nicht nur von Gebäuden. Wer dann in ihren Werken leben und arbeiten muss und in der Praxis alltäglich gegen die Ecken und Kanten der genialen Entwürfe rennt und Kritik äußert ist nichts anderes als ein unverständiger Banause.

Grafiker sind da nicht anders. Grafikdesign wird nicht selten zum Allerwichtigsten. Botschaften, die man transportieren soll, und Produkte, die man verpacken, oder für die man werben soll, sind doch eher lästiges Beigemüse. Was zählt ist vor allem das ultimative Design.

Ebenso habe ich schon Kommentare von Werbern – auch Kreative – gehört und gelesen, die ihre Branche als Mittelpunkt des Marktes verstehen und behaupten, Werbung wäre der Motor der Wirtschaft.

Und auch Fotografen fallen in den Topf jener, die sich sehr wichtig nehmenden. Im Mittelpunkt steht vor allem die Genialität kreativer Einfälle und vielleicht die Qualität der handwerklichen Umsetzung.

So wichtig sind unsere Ergüsse, dass sich keiner darüber befremdet, dass grafische Werke und Fotografien für Millionen gehandelt werden, während Menschenleben nicht einmal einen Euro wert sind. Ganz im Gegenteil: Um ein paar Euro kann man locker einen Menschen opfern. Schließlich lässt sich die verdiente Kohle ja in Kunst investieren. Gut angelegtes Geld.

Entweder ist unsere Welt abartig, oder ich bin es, wenn ich das pervers finde und nicht nachvollziehen kann.

Boa. Jetzt kommt der auch noch mit der Moral-Keule, mag manch Leser jetzt denken. Aber der Blick auf das Ganze relativiert etwas die Bedeutung der Details. Eine zu starke Fokussierung auf einen bestimmten Bereich kann man auch als engstirnig bezeichnen. Scheuklappen haben noch nie zu einem objektiv weiten Horizont verholfen.

Die schönste Nebensache der Welt

Nein ich spreche jetzt nicht von Sex. Sex ist keine Nebensache. Für mich ist Gestaltung die schönste und wichtigste Nebensache der Welt. Ich liebe Gestaltung und manchmal kann mich ein perfekt geschwungener Bogen vor Begeisterung beinahe zu tränen rühren – ohne Scheiß jetzt!

Aber Gestaltung bleibt Nebensache.

Gestaltung ist inso fern von großer Bedeutung, dass sie unser Leben mit Schönheit und Ästhetik bereichern kann. Ästhetik ist ein wichtiges Gewürz für unsere Augen. Es ist quasi das Salz in unserer visuellen Suppe. Aber nicht das einzelne Salzkorn ist von Bedeutung, sondern Salz an sich. Man darf ein Salzkorn also nicht überbewerten. Satt würden wir auch ohne.

Oder ziehen wir eine Analogie zur Natur. Auch sie ist wichtig. Um vieles wichtiger als Gestaltung. Als Architektur. Als perfekt designte Werbung. Und als Fotografie. Aber auch sie ist vor allem als Ganzheit von Bedeutung. Eine blühende Blume, ein kraftvoller Hengst, eine schleichende Katze, Nebelfelder, herbstliche Wälder und fallende Blätter bereichern Momente unseres Lebens. Aber die Blume wird spätestens im Herbst verwelkt sein. Dann werden neue Blumen kommen und neue Augenblicke bereichern.

Genau so sehe ich Design, Architektur und Fotografie – auch wenn vielleicht nicht alles dieselbe Halbwertszeit hat. Beinahe alle Fotografien, so toll sie auch gemacht sein mögen, werden in einigen Jahren vergessen sein. Selbst die, über die man noch nach Jahrzehnten spricht, finden nur deshalb Beachtung, weil sie mit einem Fotografen verbunden sind, dessen Name zu Berühmtheit gelangt ist, oder weil sie einen historischen Moment zeigen.

Wir Menschen arbeiten hart daran uns vom Erdboden verschwinden zu lassen oder uns zumindest zurück in die Höhlen zu treiben. Es mag noch Jahrhunderte, Jahrtausende oder aber auch nur Jahrzehnte dauern. Danach wischt sich mit heutigen Kunstwerken bestenfalls der Höhlenmensch seinen Hintern.

Und wenn die Erde eines Tages ›paff‹ macht lösen sich auch monumentale Baukunstwerke in Sand, Partikel und Atome auf.

Extrem gezeichnet? Wie gesagt: Der Blick aufs Ganze relativiert die Bedeutung des Details. Das Weltall besteht seit Milliarden von Jahren. Die Erde seit ein paar Millionen (oder so). Der Mensch seit einigen Tausend. Alles, außer dem Menschen, wird nach uns wahrscheinlich noch ein paar Milliarden Jährchen halten. Vor diesen Relationen wird selbst die Mona Lisa zum Furz in der Unendlichkeit.

Fotos sind wichtig und von großer Bedeutung. Für den Moment. Für diesen und vielleicht noch viele in der Zukunft. Immer dann, wenn wir uns an ihnen erfreuen. Aber man sollte dem Foto und der Fotografie nicht zu viel Bedeutung beimessen. Man sollte das alles etwas lockerer und im passenden Maßstab sehen. Nicht so ernst.

Fotografen sind Dienstleute

Interessant finde ich, dass geistig und akustisch Kreative, ihre Bedeutung nicht ganz so zu überschätzen scheinen, wie visuell Kreative. Mir scheint, dass sich Musiker, zum Beispiel, bei weitem nicht so wichtig nehmen, wie Architekten. Dabei erreichen sie eine um ein Vielfaches größere Öffentlichkeit. Und ich will hier einmal ganz frech unterstellen, dass die Beatles mehr ‘impact’ auf unsere Gesellschaft hatten, als irgendein Architekt, Fotograf oder Grafikdesigner. Nun ja: John Lennon war vielleicht auch nicht ganz bescheiden, als er behauptete die Beatles wären größer als Jesus.

Kurt Weidemann sagte einst »Typografen sind Dienstleute«. Ich habe mich als Grafiker immer nach diesem Motto verstanden. Ich habe meine Arbeit nie besonders wichtig genommen. Das darf nicht falsch verstanden werden: Für mich gehört Gestaltung zu den wichtigsten Dingen in meinem Leben. Ohne Gestaltung fehlte mir nicht nur das Salz, sondern die ganze Suppe in der ich schwimme. Doch was für mich Essenziell ist muss nicht unbedingt das Zentrum des Weltalls sein.

Grafikdesign, und die Werbung, für die ich selbst viel gestalte, ist letzten Endes nur Beigemüse. Produkte verkaufen sich nicht vor allem wegen der Werbung und ihrer Gestaltung. Produkte verkaufen sich über Qualität, Quantität, Kundennutzen, Preis und Vertriebskanäle. Und, ob sie zur richtigen Zeit am richtigen Ort sind. Werbung und Gestaltung kann bestenfalls Zünglein an der Waage sein. Ein bisschen Zusatzdrive, der es einem Produkt ermöglicht ein vergleichbares Konkurrenzprodukt zu überholen. Dieser kleine Vorteil kann oft entscheidend sein. Aber Werbung und Gestaltung sind eben nicht der Hauptgrund für den Erfolg eines Produkts.

Schon richtig. Mit ordentlich Werbemasse und massiver Präsenz kann ein Produkt auch auf dem Markt gepuscht werden. Aber dann ist es meist eher die Masse der Finanzmittel, die es anschiebt, und nicht die Kreativität und die Gestaltung der Werber.

Und was hat das mit Fotografie zu tun?

Es hat vor allem mit mir zu tun. Als gelernter und besessener Grafikdesigner kann ich aus keinem anderen Blickwinkel, als der Perspektive eines Grafikers, über Fotografie nachdenken und philosophieren. Auch Fotografen sind Dienstleute. Auftragsfotografen stehen im Dienst ihrer Auftraggeber.

Auch wer nicht beruflich fotografiert, steht im Dienst. Im Dienst der Betrachter seiner Bilder. Das sollte man immer im Hinterkopf behalten. Schließlich fotografiert man ja nicht zuletzt auch dafür, die Resultate her zu zeigen.

Es ist natürlich auch nicht verwerflich zu sagen »Ich fotografiere nur für mich alleine. Was Andere davon halten ist mir Wurst.« Das ist zwar irgendwie Selbstbefriedigung (also durchaus mit Onanieren zu vergleichen und onanieren ist ja nichts ›Böses‹), aber durchaus legitim. Nur muss ich dann die Resultate nicht unbedingt zur Schau stellen und mich mit meiner eigenen Philosophie über die Werke anderer Fotografen her machen. Ersteres wäre dann ein bisschen wie Exhibitionismus, nach dem Motto: Ich habe hier zwar ein verschrumpeltes kleines Teil aber ihr schaut euch das jetzt gefälligst an, ob ihr wollt oder nicht.

Von Zen und Wabi Sabi

Ich selbst fotografiere vor allem aus Spaß an der Freude. Und weil ich diese Leidenschaft gut auch für meinen Lebensunterhalt nutzen kann. Wenn schon nicht als Auftragsfotograf (hier in unserer schönen Alpenrepublik), so zumindest für meine Bücher über Photoshop, Gestaltung und Fotografie. (Eigentlich lustig: Ich darf zwar keine Foto-Aufträge annehmen, aber ich darf Fotografie unterrichten.)

Mein Ziel ist immer auch, dass ich mit meinen Bildern auch einen Betrachter erreiche. Ich möchte, dass er das sieht, was ich gesehen habe. Dass er die Schönheit auch alltäglicher Dinge so sieht, wie ich sie im Moment wahrnehme. Ich möchte, dass ein Betrachter die Schönheit in einer Person erkennt, die nicht dem Mainstream visueller Medien entspricht und die nicht mit Farbe, Styling und Photoshop auf Perfektion getrimmt ist (womit ich jetzt wiederum keine Kritik an der Fashion & Beauty Fotografie üben will – auch sie kann mich begeistern).

Egal was ich fotografiere; für mich zählt dabei etwas, das ich als Wabi Sabi verstehe. Wabi Sabi ist eine japanische Philosophie, die die Schönheit im Alltäglichen, auch Gebrauchten, verehrt. Es geht davon aus, dass die Dinge erst mit der Zeit – wenn man ihnen den Gebrauch, ihre Geschichte, den Zahn der Zeit, ansieht – zu wahrer Schönheit erwachen.

Es ist so ungefähr das Gegenteil von unserem westlichen Wahn alles möglichst neu und unversehrt zu behalten. Ein Wahn, der viele einen Kratzer im iPhone oder im neuen Wagen empfinden lässt, als hätte man sie selbst tief ins Fleisch geschnitten . Ein Wahn, weswegen viele Leute die hässlichen Folienüberzüge, mit denen ihre elektronischen Gadgets geliefert werden, auf den glatten Flächen lassen. Auch wenn das tausendmal hässlicher aussieht, als ein natürlicher Kratzer.

Mir geht es darum die Dinge so zu fotografieren, wie sie sind, oder besser gesagt, so, wie ich sie sehe. Ohne sie maßgeblich zu manipulieren. Egal ob Menschen, Tiere, Dinge, Landschaften oder was auch immer. Auch ich greife natürlich gelegentlich ein und schiebe ein Blatt zur Seite um eine bessere Perspektive auf eine Blüte zu erhalten. Ich retuschiere auch Stromleitungen aus Landschaftsaufnahmen. Ich sage zu Modellen auch, nimm doch die Hand einmal dahin und richte die Augen dorthin.

Am Ende bin ich aber vor allem Beobachter, der in der Tätigkeit des Fotografierens versinken kann. Auch wenn ich dabei nicht mehr daran denke, ist dann vor allem der Weg das Ziel. Es ist wohl ein bisschen wie Zen. Wir können es auch westlicher als ›Flow‹ bezeichnen.

Den Spaß ernst nehmen, aber nicht für zu wichtig

Und dabei bin ich dann dabei angekommen, was Fotografie für mich ist: Eine Tätigkeit, die den Fotografen erfüllen, eventuellen Modellen Freude (und im professionellen Bereich auch Geld) bringen und dem Betrachter etwas geben soll. Das ist ungeheuer wichtig und ich nehme das ernst! Doch die Fotografie im übergeordneten Kontext und das einzelne Foto im untergeordneten, sollte man nicht zu ernst nehmen. Es ist wie mit der schönsten Blüte des Sommers: Spätestens im Herbst wird sie wieder verblüht sein.

Ziehen wir zum Einstieg in die praktischen Einstellungen zur Belichtung einmal ein Zwischenfazit. Wir haben bereits Eingangs ­definiert, dass die wesentlichen Faktoren der Belichtung das vorhandene Umgebungslicht, die Blendenöffnung, die Empfindlichkeit des Bildsensors und die Belichtungszeit sind.

Das Umgebungslicht ist ein Faktor, der sich oft nicht aus­reichend kontrollieren lässt, so lange man die Lichtsituation nicht mit Blitzen beeinflussen oder zu einem anderen Zeitpunkt an den Ort zurück­kehren möchte.

Nutzen wir die Blende um nach dem System der ›Vier Schritte‹ die Schärfentiefe kreativ zu beeinflussen, können wir die Blendenöffnung nicht mehr nutzen, um auf die Intensität des Umgebungslichts zu reagieren. Es bleiben dem Fotografen also zwei Stellschrauben, um eine optimale Belichtung zu erzielen: Die ISO-Empfindlichkeit und die Dauer der Belichtung. Beides unterliegt Einschränkungen. So lässt sich die Belichtungszeit nicht beliebig ausdehnen, so lange man aus freier Hand, und nicht mit einem ­Stativ fotografieren möchte. Sie sollte kürzer sein als der Kehrwert der Blende. Bleibt im Moment die ISO-Empfindlichkeit.

ISO-Empfindlichkeit des Bildsensors

Als wir uns zuerst über die Blende unterhalten haben, habe ich Ihnen die bekannte ›Wasserglas-Metapher‹ vorgestellt und anschließend meine Variation davon, die ›Regen und Trichter‹-Metapher, erklärt. Die Wasserglas-Metapher erklärt den Zusammenhang zwischen Blendenöffnung und Belichtungszeit. Die Regen und Trichter Metapher bringt Zeit und Blendenöffnung in Verbindung mit dem Umgebungslicht. Was uns nun als vierte ­Dimension zu Licht, Blende und Zeit als Stellschraube noch fehlt, ist die ISO-Empfindlichkeit.

Als flexible Variable ist die ISO-Empfindlichkeit noch relativ jung. In der analogen Fotografie lässt sich die ISO-Empfindlichkeit ­lediglich ändern, indem man den Film wechselt. Erst die Einführung von Bildsensoren als Aufnahmemedium macht es möglich, den ISO-Wert durch eine Einstellung der Kamera zu ändern.

Zu Beginn der Digitalfotografie war der erreichbare Spielraum noch gering. Ausgehend von einem Basiswert von ISO100, bei dem die meisten Digitalkameras eine optimale Abbildungsleistung er­reichen, stieg das so genannte Bildrauschen durch Anheben der Empfindlichkeit sprunghaft an. Werte ab und jenseits von ISO800 führten auch bei hochwertigen Kameras zu absolut inakzeptablen Störungen in den Aufnahmen. Deshalb musste es heißen: Die ISO-Empfindlichkeit sollte so gering wie möglich eingestellt werden.

Mittlerweile geben sich Kameras mit mittleren und großen Bildsensoren bereits bis in den Bereich von ISO800 und darüber hinaus kaum mehr Schwächen im Rauschverhalten, und sogar Kompaktkameras liefern bei ISO 800 durchaus akzeptable Resultate.

Um zu illustrieren, was die ISO-Empfindlichkeit ist, habe ich noch einmal eine Metapher mit Wasserglas und Regen heran gezogen. Allerdings lasse ich den Trichter als Stellvertreter für die Blendenöffnung weg.

Viel Umgebungslicht | Bei dichtem Regen kann ich auch mit ­einem Glas mit schmalem Durchmesser in kurzer Zeit genug Wasser ­sammeln, um es rasch zu füllen. Genau so kann ich bei ausreichendem Umgebungslicht mein Sammelbecken (der Bildsensor) rasch bis zur optimalen Belichtung füllen.

Viel Regen. Das Glas füllt sich trotz geringer Aufnahmefähigkeit (schmaler Form) rasch.

Ist die Niederschlagsmenge hingegen gering, dauert es viel länger, bis das Glas mit einem kleinen Durchmesser ausreichend voll ist.

Bei geringem Regen dauert es natürlich länger das Glas voll zu bekommen.

Genau so dauert es bei geringem Umgebungslicht ­länger, bis der Sensor mit genug Licht für eine ausreichende Belichtung ­gefüllt ist.
Nun kann man aber durch Erhöhung der Empfindlichkeit die Fähigkeit des Sensors erhöhen Licht auszubeuten. Das ist etwa so, als würde man den Durchmesser des Wasserglases erhöhen und gleichzeitig die Höhe reduzieren. Das Volumen bleibt identisch, aber der Regen sammelt sich schneller, und das Glas ist schneller voll.

Erweitert man die Aufnahmefähigkeit des Glases – in der Metapher, indem man den Durchmesser bei gleichbleibendem Volumen erweitert – kommt man ebenfalls wieder rasch zur gewünschten Füllmenge.

Sensorformat, Lichtausbeute und Rauschverhalten | Das Problem dabei: Je mehr man die Lichtausbeute des Bildsensors unter Strom stellt, um auch bei schwachem Umgebungslicht kurze Belichtungszeiten zu erreichen, desto mehr entstehen ­Störungen, die sich im Bild als Rauschen bemerkbar machen – man spricht vom Bildrauschen.

Größere Bildsensoren, wie Sie in System- und Spiegelreflexkameras in der Regel verbaut werden, haben bei gleich viel lichtempfindlichen Punkten (Sensorpixel) eine größere Fläche pro Pixel zur Verfügung. Sie können Licht effizienter einsammeln und liegen nicht so dicht neben ihren Nachbarn. Sie stören sich dadurch von Grund auf weniger gegenseitig was zu weniger Rauschen führt. Vereinfacht ausgedrückt.

Ein Pixel auf einem Bildsensor mit 12 Millionen Pixeln (12 Megapixel) auf einem Kleinbild-Sensor, im ­Format 36×24 mm, ist um ein vielfaches größer als ein Pixel auf einem Minisensor, im Format 7,3×5,7 mm, in einer Kompaktkamera mit 12 Megapixel. Das heißt auch, je größer der Sensor, desto größer die Sensorpixel, desto besser die Lichtausbeute und desto geringer das Bildrauschen.

Bildrauschen

Als Rauschen bezeichnet man eine körnige Struktur aus helleren und dunkleren Pixeln in Digitalbildern. Minimales Rauschen wird jedes Digitalbild aufweisen. Man kann es unter guten Bedingungen für die Belichtung allerdings so gering halten, dass es nicht zu erkennen ist. Wie stark eine Kamera dazu neigt unter bestimmten Bedingungen Rauschen zu produzieren, hängt von verschiedenen Faktoren ab.

Sensorformat | Zum Ersten, wie eben erwähnt, von der Größe des Sensors. Je kleiner der Bildsensor, desto anfälliger ist er für Bild­rauschen.

Belichtungszeit | Zum Zweiten von der Belichtungszeit: Je länger belichtet wird, desto mehr Rauschen entsteht. Das liegt vor allem daran, dass sich die Sensoren bei der Belichtung erhitzen und mehr Wärmet mehr Störungen produzier.

Helligkeit | Drittens zeigt sich das Rauschen vor allem in dunklen Bildbereichen und Schatten. Das heißt, bei Motiven mit großen und sehr dunklen Bereichen wird das Rauschen eher zum Problem als bei so genannten High-key-Bildern.

Qualität des Bildsensors | Last but not least: Die Qualität des ­Sensors. Hochwertigere (und leider auch teurere) Kameras be­inhalten bessere Sensoren und sollten weniger zum Rauschen neigen.

Rauschen im Bild |Die letzten Abbildungen unten zeigen eine Aufnahme, die mit einer Kompaktkamera bei ISO800 aufgenommen worden ist und einen vergrößerten Ausschnitt daraus. Ich persönlich finde, dass Rauschen manchen Bildern durchaus ­einen intimen Charme verleihen kann. Umso mehr, wenn die Bilder schwarzweiß entwickelt werden.

Diese Aufnahme zeigt, dass moderne Kompaktkameras heute in der Lage sind auch bei ISO800 noch gute Fotos zu produzieren.

In der Vergrößerung ist das Rauschen allerdings deutlich zu erkennen. Neben der körnigen Struktur als die Rauschen zu sehen ist, hat es auch die negative Auswirkung Schärfe zu reduzieren.

• Zurück
• Kreativ fotografieren | Inhalt und Einleitung
• Weiter

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Hat sie gemacht. Dort hat ihr die freundliche Verkäuferin erzählt, dass man Porträts mit Blende ƒ8 oder kleinerer Blendenöffnung schießt. Häh? Schon mal was von freistellen gehört?

Wieso sie dann lichtstarke Objektive für viel Geld verkaufen, hat meine Freundin die Fachhändlerin gefragt. Ach, das brauche man bloß für Makros. Häh? Offenblende für Makros? Damit man auch ja kein Käferauge von vorne bis hinten scharf abbilden kann, oder was? Und außerdem reden wir hier nicht von Makro-Objektiven, sondern zum Beispiel vom Nikon 50mm ƒ1.4. Makro ist damit ziemlich Essig, liebe Fachfrau!

Und überhaupt: Über die optimale Blende zu sprechen, ohne Distanz und Brennweite zu berücksichtigen ist etwas abenteuerlich.

War die gute Freundin heute wieder samt Nikon D90 und 50mm 1.4 bei mir und wir haben getestet. Als Vergleichsmodelle hatte ich meine D700 und eine D5000 sowie verschiedene Objektive dabei. Am Ende ist der Eindruck entstanden, dass besagte Nikon D90 einen sauberen Backfokus aufweist.

Freundin fährt also wieder zum Händler. Diesmal wird nichts von wegen Blende ƒ8 und Makro-Märchen erzählt, sondern die Kamera wird gleich eingepackt und an Nikon gesendet. Dort macht sie jetzt also einmal mindestens zwei Wochen Urlaub. Die Kamera, nicht die Freundin. Am Ende gibt es kostenpflichtig ein Angebot was eine Reparatur kosten würde. Der Fachhändler selbst war so freundlich, ebenfalls kostenpflichtig, eine Leihkamera übers Wochenende (für einen geplanten Workshop) zur Verfügung zu stellen.

Wer braucht bei so einem Service eigentlich einen Fachhandel?

Eigentlich bin ich ja gar kein Fotograf. Ich bin Grafikdesigner.

Grafikdesign hat meinen Blick auf Fotos geprägt. Ich suche immer nach Achsen, Proportionen, Harmonien und Kontrasten. Gestalterisch wichtige Parameter. Parameter, die sich nicht an Schaltern an irgendeiner Kamera einstellen lassen.

Noch viel wichtiger ist für mich als Grafiker – als Kommunikationsdesigner – aber die Botschaft, die in einem Bild steckt. Grafikdesign ist visuelle Kommunikation. Und in jedem grafischen und fotografischen Detail steckt eine Geschichte. Fotos sind voller Geschichten. Oft braucht es mehr als tausend Worte sie zu erzählen, heißt es.

Was Fotos erzählen, ist viel wichtiger, als ihre technische Brillanz in der Umsetzung. Sicher: Gute Werbung verlangt nach guten Fotos. Fotos, die auch technisch professionell umgesetzt sind. Unprofessionelle Fotos assoziieren nur einen unprofessionellen Betrieb hinter einer Werbung. Doch, abgesehen von der reinen Produktfotografie, sind technisch brillante Fotos die keine Emotionen wecken, verschwendete Farbe.

So gesehen bin ich als Fotograf ein Geschichtenerzähler und Emotionenfänger. Allerdings keiner der Geschichten erfindet und Emotionen inszeniert.

Eigentlich wäre ich der klassische Street Photographer. Nirgends begegnen einem mehr Geschichten als auf einer Straße voller Menschen. Leider bin ich zu feige und zu schüchtern Menschen mit dem Fotoapparat zu überfallen und ihnen ihre Geschichten zu klauen. Zwar schleiche ich trotzdem gelegentlich über Plätze und durch Gassen und stehle mir unbemerkt ein paar Impressionen. Aber was ich publiziere muss die Privatsphäre der Abgebildeten wahren. Wegen dieser Skrupel entgehen mir zwar dauernd wunderbare Motive. Aber man kann halt nicht aus seiner Haut. Ich bin kein Henri Cartier Bresson.

Ich funktioniere als Fotograf nach einem Zitat von Emile Zola: »Nach meiner Ansicht kann man nicht behaupten, etwas gesehen zu haben, bevor man es fotografiert hat.« Es fasziniert mich die Welt mit der Kamera aus Blickwinkeln zu sehen, aus denen ich sie selbst normalerweise nicht sehe. Blickwinkel, aus denen ich sie niemals sehen könnte, weil ich meine Augen weder auf Weitwinkel noch auf Makro stellen kann.

Also verlasse ich meine vier Wände und halte meine Augen nach Geschichten offen. Geschichten von Türklopfern, von Bäumen, die ihre Wurzeln in Treppen schlagen, verlassenen Weingläsern, fleißigen Bienen, schiefen Häusern, verwilderten Gärten, etc. Und wenn sie mir begegnen suche ich nach der passenden Perspektive (und den Dingen mit der Schärfe, der Belichtung und der Komposition, um unauffällig auch mein Buch ein bisschen ins Licht zu rücken).

Und immer suche ich nach Leuten, die meine Freude an der Fotografie teilen. Allerdings von der anderen Seite des Suchers aus gesehen.

Mein letztes Privatprojekt war ein Fotoalbum meiner Familie. Aber ich habe die Idee nach einem Shooting wieder gecancelt. Fotografieren macht mir einfach keinen Spaß, wenn die Modelle es nicht erwarten können, bis der Spaß wieder vorbei ist.

Also suche ich nach freiwilligen Opfern. Laien, die sich gerne ablichten lassen. Meist kommt dann die Frage: Was soll ich (als Modell) machen? Welche Idee hast du (lieber Fotograf)?

Keine! Die traurige Wahrheit ist: Ich habe keine Vorstellung. Ich habe keine Ideen im Kopf, die ich unbedingt fotografisch umsetzen muss. Nun ja. Manchmal schon. Aber es ist nicht mein grundsätzliches Interesse Motive zu inszenieren.

Fotografie ist für mich eine Entdeckungsreise. Ich setze die Segel und lass mich von meinen Modellen überraschen. Mich interessiert Chareaktere. Authentizität. Oder wie er oder sie sich sieht und sich selbst inszenieren will.

Ich halte mich als Fotograf gerne im Hintergrund. Beobachte und versuche im richtigen Moment einen Hauch der Wirklichkeit einzufangen. Oft habe ich den Eindruck die besten Aufnahmen entstehen dann, wenn das Modell vergisst, dass ich und meine Kamera anwesend sind. Ich versuche also unsichtbar zu werden.

Das mag an meinem Background als Typograf liegen. Als Typograf versuchst du auch nicht den Geschichten deiner Autoren deinen eigenen Stempel aufzudrücken. Du hast deinen Job dann am besten gemacht, wenn der Leser dich überhaupt nicht mehr wahrnimmt sondern sich voll auf die Geschichte konzentrieren kann.

Aber vielleicht bin ich auch Typograf weil ich bin wie ich bin. Und deshalb bin ich auch die Art Fotograf die ich bin. Es passt so gut zu meinen Lebensmottos: Der Weg ist das Ziel. Der Weg eröffnet sich beim gehen. Und: Wer kein Ziel hat kann es auch nicht verfehlen.

Und welche Art Fotograf bist du?

Bildinhalt:

Die Bäume im Ried in der Umgebung sind knorrig und urig und faszinieren mich stets. Schon öfters habe ich sie fotografiert, obwohl der Hintergrund durch industrielle Gebäude, Straßen und Hochspannungsleitungen ist nicht attraktiv und ein einzelner Baum lässt sich kaum isolieren, ohne dass er mit anderen Bäumen dahinter verschmilzt. Keine gute Voraussetzungen für ein gutes Bild.

Daten:

• Kamera: Nikon D700
• Objektiv: AF-S VR Micro-Nikkor 105mm f/2.8G IF-ED
• Brennweite: 105 mm
• Blende: ƒ2.8
• Belichtungskorrektur: –1EV

Schritte zum Bild:

1. Perspektive | Zunächst habe ich auf horizontaler Achse nach einem Blickwinkel gesucht, der möglichst wenig Störelemente zeigt. Keine Straßenschilder und keine Hochspannungsleitungen. Ein bisschen Hochspannungsleitung war dennoch störend sichtbar. Diese Leitungen habe ich am Computer heraus retuschiert.
   Die tiefe Perspektive habe ich zunächst gewählt, weil ich gehofft habe, dadurch den Baum im Vordergrund von den Bäumen dahinter zu lösen – hätte ich näher hin gekonnt und hätte ich somit einen noch steileren Blickwinkel von unten wählen können, wären die hinteren Bäume kleiner und niedriger ausgefallen und hätten ›meinen‹ Baum nicht mehr berührt.
   Leider ließ es die Festbrennweite nicht zu näher hin zu gehen ohne zu viel vom Himmel und Umfeld zu verlieren.
   Auch wenn der tiefe Blickwinkel nicht ganz brachte, was ich erhoffte, so ist dadurch die Wiese mit in die Bildgestaltung eingeflossen. Es ergibt sich die klassische Komposition Vordergrund (Gras), Mittelgrund (Baum), Hintergrund (andere Bäume und Himmel). Die Unschärfe vorne verleiht dem Bild Leben. Vor allem aber ist es ein Blickwinkel, aus dem wir so einem Baum normalerweise nie sehen würden. Vielmehr würde wohl eine Maus die Welt sehen.
2. Schärfe | Offenblende ƒ2.8 um die hinteren Bäume soweit als möglich unscharf zu bekommen und dadurch das Hauptmotiv doch noch etwas vom Hintergrund zu trennen.
3. Belichtung | Belichtungskorrektur –1EV, damit der Himmel nicht überbelichtet wird und ausbricht. Belichtungskorrekturen zwischen –1/3 und –1 Lichtwert sind in der Landschaftsfotografie praktisch Standard und können unter ›normalen‹ Lichtverhältnissen meist angewendet werden.
4. Komposition | Auch wenn der Baum dezent nach rechts geneigt ist, so ist seine eigene ›Körperhaltung‹ relativ statisch. Es ist schwer bei einem Baum eine ›Blickrichtung‹ auszumachen. Bei Motiven ohne Richtung (z.B. eine Kugel, ein Ball) ist eine zentrierte Bildkomposition ebenso ›erlaubt‹, wie eine asymmetrische (Goldener Schnitt / Drittelregel), oft ist das Einmitten sogar die harmonischere Bildkomposition.

Baum., originally uploaded by Markus Wäger.

Um noch einmal die Werbetrommel für mein Buch »Kreativ Fotografieren« zu rühren: Ich habe bereits mehrmals raus trompetet, dass es einen anderen Ansatz verfolgt Fotografie zu erklären, wie klassische Fotoschulen. Dass es vor allem auf die Zusammenhänge zwischen theoretischen Grundlagen vor dem Hintergrund praktischer Bildgestaltung eingeht. Nun möchte ich eine Grafik nachreichen, die zeigt, was der Grundgedanke und die Basis des Konzepts darstellt: Die vier Schritte zum Bild.

Alle technischen Grundlagen stehen immer im direkten Zusammenhang mit einer der vier gestalterischen Grundparameter. Und weil sich das Eine in der Praxis nicht immer ganz klar vom Anderen trennen lässt, sondern viele Parameter zwischen sowohl bei einer gestalterischen Frage relevant sind, wie auch bei einer anderen, ist das Buch gespickt mit Querverweisen. Dazu muss nicht der Index bemüht werden, sondern die Querverweise stehen immer direkt auf der Seite.

»Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt«
Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011;
240 Seiten, in Farbe, Hardcover;
ISBN: 9783842373938;
Link zu Amazon
Link zu Books on Demand
Ladenpreis: 44,90 (D);
Ladenpreis E-Book: 35,99 (D)
Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Bevor wir uns konkret den Belichtungseinstellungen, der Überprüfung der Belichtung und der Belichtungskorrektur zuwenden, ­müssen wir noch das Problem der Verwackelung ansprechen.

Wenn man mit der Kamera in der Hand fotografiert, wird es ­einem nie gelingen, die Kamera absolut ruhig zu halten. Bei ausgesprochen kurzen Belichtungszeiten, im Rahmen von Hundertstel oder Tausendstel Sekunden ist das kein Problem, da die Verwackelung so gering ausfällt, dass sie im Bild nicht zu erkennen ist. Bei längeren Belichtungszeiten hingegen ist das ein Problem.

Dabei gibt es keinen fixen Wert, ab dem unter allen Bedingungen ab einer bestimmten Zeit die Gefahr zu verwackeln zunimmt. Vielmehr hängt die Zeit, die man relativ sicher aus freier Hand ohne Verwackelung belichten kann, von der Länge der Brennweite ab. Es gilt: Je länger die Brennweite, desto kürzer muss die Belichtungszeit sein, um Verwackelung zu vermeiden.

Winkel der Verwickelung, lange Brennweite und kurze Brennweite.

Der Grund dafür ist relativ simpel. Man wird die Kamera nicht grundsätzlich mehr oder weniger unruhig halten, wenn man mit kurzer Brennweite ➀ oder langer Brennweite ➁ fotografiert. Allerdings wirkt sich die Stärke der Verwackelung ➂ beim engen Bildausschnitt eines Teles wesentlich deutlicher aus als beim großen Ausschnitt eines Weitwinkels.

Verwickelung im engen Ausschnitt eines Teles.	Exakt dieselbe Verwickelung, doch im weiten Bildausschnitt der Weitwinkelbrennweite ist sie kaum mehr zu erkennen.

Der Kehrwert der Brennweite markiert die längste Belichtungszeit | Um zu berechnen, wie lang die längste Belichtungszeit ausfallen darf, um aus freier Hand noch relativ sicher ohne deutlich sichtbare Verwackelung belichten zu können, nimmt man als Faustregel einfach den Kehrwert der Brennweite an. Also zum Beispiel bei einer Brennweite von 50mm 1/50 ­Sekunde, bei 100mm 1/100, bei 200mm 1/200 und so weiter. Zu berücksichtigen ist dabei, dass sich die Brennweite in der Regel auf Kleinbild bezieht. Das heißt, bei einer Kamera mit Kleinbildformat kann die Faustregel 1:1 anwendet werden. Bei einer Kamera mit einem kleineren Sensorformat, muss dabei aber der Formatfaktor berücksichtigen und auf Kleinbild umrechnet werden.

• Zurück
• Kreativ fotografieren | Inhalt und Einleitung
• Weiter

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Nikons neues Kamera-System kommt unter anderem mit einer Funktion auf den Markt, die sich bewegter Schnappschuss nennt. Dabei wird zu einem Bild eine kurze Filmsequenz in Zeitlupe aufgenommen. Ansehen kann man sich das in einer Galerie auf der Seite von Nikon, schön kitschig aufgemacht mit noch viel kitschigerer Musik.

Im ersten Moment sieht das etwas nach nutzloser Spielerei aus. Aber dann muss ich an Harry Potter denken. Die bewegten Bilder in dessen magischem Wunderland haben absolut seinen Reiz. Und als nächstes fallen mir Videographien ein, wie Film ist Gefühl und Splittscreen, oder die Bilder von Jamie Beck und Kevin Burg oder dieses Fundstück hier.

Die Bewegung vermag den Bildern unheimliches Leben und Gefühl ein zu hauchen – ihnen eine ganz neue Dimension zu verleihen. So wie den Bildern bei Harry Potter. Auch ohne kitschige Musik.

Mir fehlt da nur mehr die Software, die in der Lage ist aus einem Schnappschuss einen Loop zu machen. Der in einem Foto ewig Haare wehen lässt. In der Zeit digitaler Bilderrahmen, Smartphones und von Tablett Computern scheint mir der Gedanke gar nicht so abwegig. Nikons bewegter Schnappschuss mag der erste Schritt auf einem neuen, spannenden Weg sein.

Zugegeben: Mein Buch ist teuer. Schon vor ein paar Wochen habe ich in einem Artikel beschrieben, weshalb es kostet was es kostet. Doch ich bin sicher, dass es seinen Preis wert ist. Nur: Wer weiß das denn? Jene paar Leute die über meine Website, durch Empfehlungen der ersten Leser oder zufällig auf das Werk stoßen, stehen noch immer vor der Frage, weshalb sie für 45 Euro ein Buch kaufen sollen, wo es doch schon um ein Drittel weniger Werke mit der doppelten Seitenanzahl gibt. Von etablierten Verlagen.

Ich kann natürlich niemandem seine Skepsis, dass der Kauf ein lohnender ist, nehmen. Aber vielleicht solltet ihr es einfach versuchen. Schließlich ist es mit seinem Preis zwar teurer, als bei den Mitbewerbern. Es verfolgt aber auch einen ganz anderen Ansatz. Statt sich voll auf Technik und Theorie zu stürzen, wie es bei Fotoschulen allgemein üblich ist, steht die kreative Gestaltung im Mittelpunkt.

Dahinter wird natürlich Technik und Theorie auch ausführlich, und mit vielen einfachen Grafiken bebildert, beschrieben. Aber immer vor dem Hintergrund der praktischen und kreativen Fotografie. Es ist sozusagen zwei Bücher in einem. Ein Werk für die theoretischen Grundlagen und eines für die praktische Anwendung.

Der Bonus für den Leser ist dabei, dass er die Zusammenhänge zwischen Theorie und Praxis nicht selbst herzustellen braucht, sondern dass gerade die Zusammenhänge den Kern des »Vier Schritte zum Bild«-Konzepts bilden. Es ist sozusagen ein Buch der Zusammenhänge. Deshalb sind auch alle Seiten voller Querverweise, die direkt zu verwandten Themen führen.

Wer gar nicht gerne liest und für wen ein Buch, um Fotografie zu lernen, eh schon mehr als genug ist, der sollte einen Blick in mein Buch werfen. Wer bereits Einiges über Fotografie gelesen hat und immer noch nicht recht weiß, wie man Brennweiten, Blenden und Histogramm praktisch einsetzen kann, der sollte es auch in Betracht ziehen. Und wer dafür nicht gleich 45 Euro investieren will, der kann ein ganzes Demo-Kapitel von meiner Website runter laden.

Vielleicht hilft es euch auch, ein paar Rezensionen über meine anderen Bücher zu lesen. Zwar hat »Kreativ fotografieren« bislang erst zwei Kommentare erhalten, aber die Rückmeldungen zu meinen anderen Büchern sind beinahe durchgehend sehr positiv.

Ich glaube auf das Buch trifft ein Werbespruch aus den 1980er Jahren zu: »Es ist sauteuer, aber es wirkt.«

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Bildinhalt:

Die Libelle kreiste permanent über einem kleinen künstlichen Teich. Die Tiere haben die Eigenschaft kurz an einem Punkt in der Luft stehen zu bleiben und im nächsten Moment blitzschnell weiter zu fliegen. Ein Motiv bei dem meine ›Vier Schritte zum Bild«-Konzept nicht wirklich greift. Großartig den Blickwinkel zu bestimmen geht sich hier nicht aus. a) weil ich nicht über Wasser gehen kann und b) weil die Libelle wohl nicht warten und Cheese sagen würde.

Daten:

• Kamera: Nikon D700
• Objektiv: AF-S VR Micro-Nikkor 105mm f/2.8G IF-ED
• Brennweite: 105 mm
• Blende: ƒ2.8
• Zeit: 1/5000 Sekunde
• ISO: 200

Weitere Voreinstellungen:

• Belichtungsmodus: Manuell (M) – bei Serien an Bildern unter konstanten Lichtverhältnissen immer optimal.
• Fokussier-Methode: Kontinuierliche Schärfenachführung AF-C (bei Canon entspricht das Servo AF)
• AF-Messfeldsteuerung: Dynamische Messfeldsteuerung bzw. automatische Messfeldsteuerung – die Automatik fängt das flinke Motiv einfach schneller ein, als es mir mit einem vorgewählten AF-Messfeld gelingen würde.
• + Serienbild-Funktion

Schritte zum Bild:

1. Perspektive | An diesem Tag war ich mit dem 105mm Makro von Nikon unterwegs, also einer Festbrennweite. Für das Motiv der Libelle wäre mir aber mein 70–300mm Telezoom deutlich lieber gewesen. So kam ich nicht wirklich nah an mein Motiv ran und die scheinbare Nahaufnahme entstand durch Beschneiden des Originalbildes am Computer.
   Überlegungen zur perspektivischen Wirkung der Brennweite erübrigen sich. Hier gilt, je länger desto besser. Auch bei der Bestimmung des Standpunktes war ich, wie oben bereits beschrieben, sehr eingeschränkt.
2. Schärfe | Offenblende ƒ2.8 erfüllt hier eine doppelte Funktion: Die Belichtungszeit fällt so kurz als möglich aus, was die Bewegung und den Flügelschlag der Libelle einfriert und die Schärfentiefe gerät so gering als möglich, was den Hintergrund völlig verschwimmen lässt und unscharf macht – die Libelle ist freigestellt.
3. Belichtung | Zu Beginn meiner Jagd auf die Libelle habe ich die Belichtung in aller Ruhe manuell eingestellt. Auf Grund der hellen Tageslichtsituation ergaben sich extrem kurze Belichtungszeiten ohne, dass die ISO-Empfindlichkeit anzuheben gewesen wäre.
4. Komposition | Was für die Perspektive gilt, gilt bei so flinken und unruhigen Motiven auch für die Komposition: Drauf halten, abdrücken, viele Aufnahmen machen und hoffen, dass ein Treffer dabei ist. Die Komposition kann im Bedarfsfall dann am Computer noch optimiert werden.

Hubschraubereinsatz, originally uploaded by Markus Wäger.

Diesmal habe ich meine Favoriten bei 500px durchforstet und Bilder von Kameras zusammengestellt, die mehr oder weniger deutlich unter 1000 Euro liegen. Dabei sind Aufsteiger-Kameras, wie die Nikon D90 und Canon 550D. Bilder von Kameras die sich bereits an Semi-Profis richten, wie die Nikon D7000 und Canon 60D etc. habe ich schon nicht mehr aufgenommen. Mit von der Partie sind absolute Einsteiger-DSLRs, die für deutlich unter 500 Euro zu haben sind. Sogar ein Bild einer Kompaktkamera aus dem Jahr 2004 mit 4 Megapixel ist dabei.

Wie viel Kamera braucht man also? Als Freizeit- und Hobby-Fotograf.

Mann wahrscheinlich viel. Wir lassen uns ja leicht verführen. Von Technik. Und wir verlieren den Glauben nicht, dass es doch auf die Größe ankommt. Aber, liebe weibliche Leser, ihr solltet euch nicht von der vermeintlichen technischen Kompetenz männlicher Kollegen beeinflussen lassen. Gute Fotografie lebt nach wie vor zu 45% von guten Ideen und Motiven und zu 45% von kreativer Bildgestaltung (nebenbei bemerkt: Ich habe ein Buch über »Kreativ fotografieren« geschrieben ) Die restlichen 10% ist vor allem für professionelle Auftragsfotografen wichtig, und für Leute, die vor allem an Technik und Pixel-Zählerei interessiert sind.

Bitte nicht falsch verstehen: Professionellere Kameras machen Spaß und eine gute Ausrüstung kann genauso Freude bereiten, wie luxuriöse Uhren, Kleider, Schuhe oder Autos. Aber man sollte nicht aus den Augen verlieren, dass billige Uhren die Zeit genauso anzeigen, preiswerte Kleider wärmen und billige Schuhen die Sohlen schützen und man keinen Bentley braucht, um von A nach B zu kommen.

Manch einer scheint Wünsche nach Kameras zu hegen, die gar kein Können mehr vom Fotografen verlangen. Kameras, die es erlauben die Schärfentiefe nachträglich am Computer zu bestimmen, und neueste Entwicklungen, die die ästhetische Qualität in Bildern erkennen und beeinflussen sollen, erscheinen als Heilsversprechen.

Wie langweilig! Wo bitte wäre denn der Spaß an der Fotografie, wenn es keine Herausforderung mehr wäre, tolle Bilder zu erstellen.

Aber einerlei: Ich glaube ohnehin nicht daran, dass sich in den nächsten Jahren viel tun wird. Ich glaube nicht, dass Kameras, die es erlauben die Schärfentiefe und den Schärfepunkt von Bildern im Nachhinein am Computer zu bestimmen, den Qualitätsanspruch ambitionierter Fotografen erfüllen werden.

Ich glaube auch nicht, dass ein Ästhetikprogramm die Qualität von Aufnahmen wesentlich verbessern kann. Jedenfalls nicht, so lange man das Programm in die Kamera einbaut. Man müsste es in das Hirn des Dilettanten integrieren, damit es funktioniert. Denn wenn der Licht nicht versteht, und bei unmöglicher Lichtsituation die Kamera auf ein Motiv hält, und sich nicht bewegt, um die Perspektive kreativ zu gestalten, kann sich die Kamera noch so viel Mühe geben – das Ergebnis wird dasselbe bleiben: Garbage in, Garbage out.

Die einzige Möglichkeit tolle Bilder aus den Händen von Leuten, die gar keine Ahnung von Fotografie haben, zu bekommen, wäre, wenn die Kamera einfach ein anderes Motiv ausgibt, als das, worauf der Fotograf zielt. Oder per Google eine Aufnahme aus dem Internet sucht, die dasselbe Motiv zeigt, aber von jemandem aufgenommen wurde, der das fotografische Handwerk versteht.

Das wäre doch noch ein Geschäftsmodell: Eine Kamera, die aus dem Internet tolle Aufnahmen von Motiven sucht und ausgibt, auf die man das Gerät gerade richtet. Und der Fotograf erhält ein paar Cent Tantiemen für jede Aufnahme die ein Tourist in Salzburg, Paris oder Florenz herunterlädt.

Aber ich schweife etwas zu weit ab.

Aber, werden ein paar (wohl männliche Leser) einwerfen: Es gibt ja diese Entwicklungen. Gerade kam eine Kamera auf den Markt, die es erlaubt Schärfepunkt und Schärfentiefe im Nachhinein zu bestimmen. Und Xerox arbeite an einem Programm, das in der Lage ist die ästhetische Qualität von Aufnahmen zu bestimmen. Adobe soll an einer Software arbeiten, die aus verwackelten Bildern gestochen scharfe macht.

Nun, ich habe in den letzten Jahren als Bildbearbeiter und Fotograf genug Heilsversprechen gesehen, die bei weitem nicht gehalten haben, was sie bei der Präsentation versprachen. So erfüllen zum Beispiel in Photoshop weder »Inhaltsbewahrendes Skalieren«, noch »Inhaltsensitives Löschen«, noch »Bereichsreperatur-Pinsel-«, »Reparatur-Pinsel-« und »Ausbessern-Werkzeug« die Anforderungen professioneller Bildbearbeitung. Nur wenn es mal schnell gehen muss und nicht so genau ist, sind die Ergebnisse in der Regel akzeptabel.

Und egal welche Software was für einen Algorithmus zum Entfernen und reduzieren von Rauschen verwendet – am Ende ist immer auch die Schärfe reduziert.

Meine Erfahrung mit diesen Technologien ist die: Sieht man das Ganze in einer Präsentation auf Leinwand oder YouTube, dann ist das »boah« und »wow« und »…«. Aber in der Praxis am heimischen Bildschirm in der tatsächliche-Pixel-Ansicht kommt man schnell wieder auf dem Boden der Wirklichkeit an.

Welcher ambitionierte Fotograf nutzt an seiner Kamera schon Smile-Detection? Manuelle Belichtungseinstellung funktioniert noch immer am sichersten, wenn es nicht gerade auf Zehntel-Sekunden ankommt. In vielen Situationen ist auch das manuelle Scharfstellen noch immer nicht durch Auto Fokus zu ersetzen. Und ich nehme an, dass mehr ambitionierte Fotografen die simple mittenbetonte Messung zur Ermittlung der Belichtung einsetzen, als die hochkomplexe Mehrfeldmessung.

Kreativität, Können und Erfahrung können durch Technik und Software nicht ersetzt werden. Weder durch die teuerste, noch durch die neueste. Zwar bringen viele Innovationen in manchen Situationen einen Hauch mehr Luxus und Effizienz in der Anwendung. Viel mehr steckt aber nicht dahinter.

Bildinhalt:

Katzen faszinieren mich. Ihre Unergründlichkeit, ihre Geschmeidigkeit, Unbezähmbarkeit, Geschicklichkeit – für mich die schönsten Tiere. Ich muss sie fotografieren, wenn ich sie sehe. Auch wenn Haustierbilder unter ambitionierten Fotografen verpönt sind.

Daten:

• Kamera: Panasonic Lumix G3
• Objektiv: Panasonic 20mm ƒ1.7
• Brennweite: 40 mm
• Blende: ƒ1.7
• Zeit: 1/400 Sekunde
• ISO: 160
• Belichtungskorrektur: ±0 LW

Schritte zum Bild:

1. Perspektive | Tiefe Perspektive, mit der Katze auf Augenhöhe bzw. knapp darunter. Ich sah die Katze schon von weiter hinten herankommen und habe die Perspektive vorbereitet. Der um die Ecke abbiegende Weg würde der Aufnahme eine schöne Tiefe verleihen. Beton und Metall würden in interessantem Kontrast zum flauschigen Katzenpelz stehen. Die Blätter am Asphalt lassen die Jahreszeit bestimmen und machen das Bild lebendig. Ohne das Klappdisplay der G3 wäre die Aufnahme kaum möglich gewesen.
   Aufgrund der 40mm (KB) Festbrennweite, die mein permanenter Begleiter ist, ließ sich die räumliche Perspektive nicht anders bestimmen. Allerdings funktionieren die 40mm für diese Aufnahme auch perfekt.
2. Schärfe | Blende ƒ1.7 um die Katze vom Hintergrund leicht frei zu stellen. Der nicht allzu große Sensor und die relativ kurze Brennweite von 40mm KB machen die Schärfentiefe nicht allzu gering und bilden den Hintergrund nur moderat weichgezeichnet ab. Für dieses Bild wäre mehr Weichzeichnung aber auch gar nicht wünschenswert.
3. Belichtung | Die offene Blende nützt hier allerdings nicht nur der leichten Freistellung, sondern ist auch notwendig um mit einer kurzen Belichtungszeit die Katze in der Bewegung einzufrieren. Ein prüfen des Histogramms und eine Belichtungskorrektur, wie es bei statischen Motiven möglich ist, geht hier natürlich nicht. Schon eine Sekunde nach der Aufnahme ist die Katze an mir vorbei marschiert. Die Aufnahme klappt, oder klappt nicht.
4. Komposition | Der Ausschnitt ist – in der Nachbearbeitung am Computer – so gewählt worden, dass die Augen sowohl in Höhe als auch in der Breite etwa auf Drittellinie zu liegen kommen.

Stella, originally uploaded by Markus Wäger.

© Nikon

+

© Nikon

+

© Nikon

= 810mm Brennweite

Dazu ohne Spiegel, also erschütterungsfrei, auslösen und Filme in HD-Qualität aufnehmen. Und das alles bei extrem schneller Fokussier und Auslösegeschwindigkeit. Bekommt man da als Ornithologe und Wildtier-Fotograf keine feuchten Träume?

Oder:

© Nikon

+

© Nikon

+

© Nikon

=

Makro-Kamera-Objektivkombination mit 162mm (KB) Brennweite und durch den kleinen Bildsensor relativ hohe Schärfentiefe, was bei Makros durchaus als Vorteil zu betrachten ist.

In der Abbildung unten sieht man noch einmal ein Histogramm. Darunter habe ich das Zonensystem 90° gedreht platziert. Zone 0 steht für reines Schwarz ohne die geringste Zeichnung. Das ist Unterbelichtung. Zone 10 ist reines Weiß ohne Zeichnung – sprich: Überbelichtung.

Histogramm und Zonensystem

Aus dem Histogramm lassen sich Unter- und Überbelichtung ganz einfach ablesen. Läuft das Tonwertgebirge ins linke Ende des Histogrammfeldes ➀ bedeutet das, dass unterbelichtete ­Bereiche im Bild sind. Je größer die Anhäufung, desto größere Bereiche sind unter­belichtet. Eine Anhäufung am rechten Ende ➁ sagt uns, dass Bildbereiche überbelichtet ausgefallen sind.

Optimaler Kontrastumfang | Die folgende Abbildung zeigt ein Motiv mit beinahe optimalen Lichtbedingungen, praktisch optimal belichtet. Das Histogramm reicht von ganz links bis ganz rechts. Das heißt, dass das Bild von ganz dunklen zu ganz hellen Tonwerten reicht. Der Tonwertumfang des Digitalbildes wird in voller Breite genützt – das Bild ist Kontrastreich. Mit so einer Vorlage bleiben auch für die Nachbe­arbeitung am Computer alle Wege offen.

Das Histogramm zeigt: Dieses Bild ist optimal belichtet.

Histogramm eines unterbelichteten Bildes | Die nächste Abbildung zeigt ein unterbelichtetes Ergebnis – das Tonwertgebirge hat am ­linken Ende des Histogrammfeldes einen großen ›Haufen‹ ge­bildet. Wenn der Fotograf eine Aufnahme in der Bildrückschau prüft, und das Histogramm sieht so aus, dann sollte er mittels einer Belichtungskorrektur eingreifen und eine neuerliche Aufnahme machen.

Das Histogramm zeigt links einen Haufen und ist angeschnitten: Unterbelichtung!

Histogramm eines überbelichteten Bildes | Das folgende Beispiel ist hoffnungslos überbelichtet – der große Haufen türmt sich am weißen Ende des Histogrammfeldes auf. Auch hier sind ein Eingriff über eine Belichtungskorrektur und eine zweite Aufnahme notwendig.

Anhäufung und angeschnittenes Tonwertgebirge auf der rechten Seite: Überbelichtung!

Zu großer Kontrastumfang

Die beiden vorangegangenen Motive konnte ich auf Grund der Lichtverhältnisse durch eine Belichtungskorrektur dann doch noch relativ gut ­belichtet einfangen. Anders sieht es mit der folgenden Szene aus.

Schwierige Lichtsituation: Helle Lichter im Hintergrund und dunkle Schatten in den Ecken im Vordergrund.

Bei diesem Motiv haben wir es mit tiefen Schatten im Vordergrund und sehr hellen Lichtern im Hintergrund zu tun. Der Kontrastumfang der Szene ist deutlich höher als der Kontrastumfang, der für das Digitalbild aufgenommen werden kann. Das Tonwertgebirge des Histogramms ist sowohl am schwarzen Ende als auch am weißen Ende des Histogrammfeldes angeschnitten.

Histogramm links und rechts angeschnitten: Die Szene beinhaltet mehr Kontrast zwischen hell und dunkel, als der Bildsensor aufzeichnen kann.

Mit Belichtungskorrektur ist hier nicht gleichzeitig weder Über- noch Unterbelichtung zu er­reichen. Würde man dunkler belichten, um der Überbelichtung zu entgehen, würden sich die unterbelichteten Bereiche ausdehnen. Würde man heller belichten, um der Unterbelichtung entgegen zu wirken, ­dehnen sich die überbelichteten Bereiche aus. Die Frage nach der technisch optimalen Belichtung stellt sich hier nicht mehr, sondern lediglich: Bei welcher Einstellung sieht es besser aus? Keine Unterbelichtung, dafür große, überbelichtete Bereiche? Keine Überbelichtung, dafür große, unterbelichtete Schatten? Oder ein bisschen von Beidem?

Eine pauschale Antwort gibt es nicht. Man muss von Bild zu Bild entscheiden. Doch Unterbelichtung fällt meist weniger negativ auf, als Überbelichtung.

Das menschliche Wahrnehmungssystem in der Lage ist, etwa zehn Lichtwerte von Schwarz bis Weiß auf einmal zu unterscheiden – eine Digitalkamera etwa zehn bis zwölf. Die Natur jedoch umfasst etwa zwanzig Lichtwerte.

Glücklicher Weise ist der Kontrastumfang der meisten Szenen nicht wesentlich größer als zehn Lichtwerte. So lange die hellsten Bereiche in einem Bild nicht mehr als zehn Mal heller sind als die dunkelsten, haben wir kein Problem, sowohl die Lichter der Szene als auch die Schatten in einer Belichtung einzufangen. ­Problematischer wird es jedoch mit Szenen, in denen der Unterschied zwischen ganz dunkel und ganz hell deutlich mehr als das Zehn­fache beträgt.

Mehr als zehn Lichtwerte | Eine Vollmondnacht repräsentiert eine solche Problemszene. Der Mond ist Reflektor des Sonnenlichts und ist hell erleuchtet. Der Nachthimmel hingegen ist rabenschwarz.

Eine Vollmondnacht weist einen hohen Kontrastumfang auf.

Unserer Wahrnehmung nach ist die Szene etwa so, wie in der Abbildung oben. Zwar sind wir nicht in der Lage den natürlichen Kontrast­umfang von mehr als zehn Lichtwerten mit einem einzigen Blick auf­zunehmen, doch unsere Wahrnehmung baut sich die ­Ein­drücke einfach aus mehreren Blicken zusammen. Deshalb scheint es, als könnten wir sowohl die helle Topographie des Mondes als auch das Muster der Wolken am Himmel zugleich wahrnehmen.

In der Fotografie ist es nicht möglich mit einer einzigen Belichtung Szenen von Schwarz bis Weiß zu erfassen, die den Kontrast­umfang des Bildsensors (die Anzahl an Lichtwerten) überschreiten. Die Konsequenz ist, dass wir uns entscheiden müssen, ob wir die dunklen Bereiche korrekt belichten wollen oder die hellen oder einen Bereich da­zwischen. Letzteres hat natürlich zur Folge, dass wir sowohl im Dunkeln Unterbelichtung, als auch im Hellen Überbelichtung in Kauf nehmen müssen.

Entscheiden wir uns, die dunklen Bereiche korrekt zu belichten, können wir zwar den Wolkenhimmel gut belichtet einfangen, der helle Bereich jedoch, der den Kontrastumfang des ­Sensors überschreitet, muss abgeschnitten werden. Deshalb erscheint der Mond nur mehr als weiße Scheibe (überbelichtet).

Auf die dunklen Bereiche belichtet.

Entscheiden wir uns, den Mond korrekt zu belichten, können wir die Struktur im Mond abbilden, doch die dunklen Be­reiche des Wolkenhimmels fallen aus dem Kontrastumfang des Sensors und werden abgeschnitten – sie erscheinen im Bild als schwarze Flächen ohne Kontrast (unterbelichtet).

Auf die hellen Bereiche belichtet.

Kein Kraut gegen zu hohen Kontrastumfang | Leider gibt es kein Mittel gegen zu hohen Kontrastumfang. Der Fotograf versucht deshalb in der Regel Situationen zu meiden, in denen der Kontrast zu hoch ausfällt. Weitaus häufiger als in der Vollmondnacht tritt das Problem unter direktem Sonnenlicht auf. Direkt unter der Sonne ist der Kontrastumfang von Licht zu Schatten sehr hoch und sorgt für harte Kontraste. Unter bedecktem Himmel, mit einer Wolke vor der Sonne oder im Schatten, verringert sich der Kontrast hingegen, sorgt für weicheres Licht und sanftere Kontraste.

	Zu hoher Kontrastumfang entsteht auch bei direktem Sonnenlicht.
	Deshalb wenn möglich lieber im Schatten fotografieren.

• Zurück
• Kreativ fotografieren | Inhalt und Einleitung
• Weiter

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

• Kauf nicht die Kamera zusammen mit dem Standard-Objektiv im Kit (diese Pakete sind meist so geschnürt, dass das Kit billiger wird – Sinnhaftigkeit spielt da meist weniger eine Rolle).
• Lern erst mal was Blende, Belichtungszeit und ISO ist. Stell die Belichtung manuell (M) ein. Fotografier im Raw-Format.
• Glaub nicht, dass eine bessere Kamera und bessere Ausrüstung dir helfen bessere Bilder zu machen. Du brauchst vor allem Inspiration und Ideen.
• Eine lichtstarke Festbrennweite mit 35mm oder 50mm (KB) wird dir ganz neue Möglichkeiten eröffnen.
• Schlepp immer eine Kamera mit.
• Nur weil ein Effekt cool aussieht, braucht man ihn nicht auf jedes Bild anwenden.
• Mach ein Projekt, bei dem du über einen bestimmten Zeitraum jeden Tag ein Bild aufnimmst.
• Man kann nicht alles am Computer richten. Eine vermurkste Aufnahme wird nie zum Meisterwerk.
• Mach 300 Bilder und zeig eines davon.
• Man kann’s nicht jedem recht machen.

Eine Ergänzung meinerseits: Mach Fotosafaris, bei denen du dir ein Thema vornimmst: Punkt, Linie, Fläche, Rot, Kontrast, Komplementärfarbe, Liebe, Musik, … was auch immer dir einfällt. Konzentriere dich auf genau dieses Thema und widersteh der Versuchung auch nur ein einziges Bild zu machen, das nicht zum Thema passt. Es wird deinen fotografischen Blick enorm schulen.

SnapSeed from actualidad7 on Vimeo.

Wer gerne Bilder am iPad (oder iPhone) bearbeitet sollte unbedingt einen Blick auf die App Snappseed von Nik Software werfen. Das Programm kann man durchaus als ein bisschen revolutionär bezeichnen. Mit einen Preis von € 3,99 geht es darüber hinaus als absolut preiswert durch.

© Nikon GmbH

Schon tolle Geräte, Kameras wie die P7000 von Nikon, die Lumix LX5 oder die Canon PowerShot G12. Scheinen alles zu können, was eine Spiegelreflexkamera kann, außer Objektive wechseln. Sie bieten sogar wie DSLRs einen Wahlschalter für Programm ( P ), Zeitvorwahl (S), Blendenvorwahl (A) und manuelle Belichtungseinstellung (M).

Aber bringen diese Belichtungsmodi bei einer Kompakten überhaupt etwas?

Vielleicht sollte ich einmal eine Umfrage dazu starten. Ich würde zwei mögliche Antworten anbieten:

• Bringt nix!
• Weiss nicht?

© Nikon

Wenn ich mir Reaktionen über Nikons neues Kamerasystem mit dem schlichten Namen 1 ansehe, dann scheinen die meisten Beobachter überrascht zu sein und die wenigsten davon positiv.

Nikons neues System baut auf einen Sensor, der mit 13,2×8,8mm deutlich kleiner ist, als das übliche Format für Amateur-Spiegelreflexkameras, 16×24mm (mit dem auch die Systemkameras von Sony und Samsung ausgestattet sind), und das im Profi-Bereich übliche Kleinbildformat (Vollformat), mit 24×36mm. Allerdings ist das Format auf der anderen Seite doch deutlich größer als die größten Bildsensoren, die derzeit in Kompaktkameras verbaut werden – ca. 7,3×5,7mm.

Nun ist natürlich ein kleinerer Sensor technisch und bildgestalterisch ein unbestreitbarer Nachteil. Zum einen verschlechtert sich das Rauschverhalten bei schwachem Umgebungslicht und entsprechend erhöhten ISO-Werten. Viel dramatischer wiegt aber, dass das Spiel mit geringer Schärfentiefe nur eingeschränkt möglich ist, was jedoch wertvoll wertvoll wäre um die Aufmerksamkeit auf ein bestimmtes Objekt zu lenken. Wer daran jedoch seine gesamte Kritik am Nikon 1 System aufhängt, denkt zu kurz.

Wer von einer Kamera einen großen Sensor erwartet, muss eine große Kamera in Kauf nehmen. Zwar hat das Nachteile beim Transport, aber ambitionierte Fotografen wissen, dass die Vorteile einer großen, griffigen und satt in der Hand liegenden Kamera für komfortables Fotografieren ohnehin unverzichtbar ist.

Klar ist es möglich Kameragehäuse heute auch mit größeren Sensoren sehr kompakt zu gestalten. Doch von der Größe des Sensors hängt auch die Größe des Objektivs ab und dessen Volumen lässt sich nicht so leicht schrumpfen. Was aber soll ein winziges Kameragehäuse bringen, wenn das Objektiv groß ist?

© Samsung

Das Ziel aktueller Systemkameras ist vor allem Geräte mit Wechselobjektiven im kleinen Volumen anbieten zu können. Wer eine Kamera mit einem großen Sensor, und dafür angemessene Objektiv nutzen will, ist mit den aktuellen Spiegelreflexmodellen besser bedient. Man muss auch nicht über Cabrios mosern, nur weil man die Vorteile von Kombis schätzt.

Nikons Entscheidung, das neue System mit einem verhältnismäßig kleinen Bildsensor auszustatten, ergibt durchaus einen vernünftigen Sinn, wenn man ein paar Jahre in die Zukunft denkt.

In den letzten Monaten sind immer mehr Kameras mit elektronischen Suchern auf den Markt gekommen. Die aktuellen Modelle haben gegenüber optischen Suchern noch Nachteile. Aber sie haben auch bereits Vorteile. Es wird wohl nur eine Frage der Zeit sein, bis die Nachteile durch technische Weiterentwicklung ausgemerzt werden können. Schon wird diskutiert, dass elektronische Sucher in nicht allzu ferner Zukunft die optischen Sucher verdrängen könnten. Das heißt also aus mit Spiegelreflex.

Eine Kamera mit elektronischem Sucher ohne Spiegel ist eine Systemkamera. Wenn also Nikon in einigen Jahren seine semiprofessionellen und professionellen Modelle nur mehr mit elektronischem Sucher ausstatten sollte, dann wäre jede Nikon eine Systemkamera. Das heißt die aktuellen Nikon DX- und FX-Spiegelreflexkameras würden sich linear und fließend zu DX- und FX-Spiegelreflexkameras entwickeln. Welchen Sinn würde es für Nikon (und den Anwender) dann machen, parallel ein zweites System zu fahren, mit den mittelgroßen DX- oder großen FX-Sensoren?

Vor diesem Blick in eine durchaus wahrscheinliche Zukunft beginnt das neue Nikon 1 System plötzlich einen klaren Sinn zu ergeben. Wer einen großen Sensor für seine Arbeit wünscht und braucht, wird weiterhin auf Nikon FX-Modelle setzen können und kann alle Objektive der letzten fünfzig Jahre nutzen. Wer mit etwas weniger auskommt, kann die DX-Reihe mit kleineren Bildsensoren und preiswerteren Objektiven nutzen, kann ebenso alle Objektive seit den 1950er Jahren ansetzen und auch die hochwertigen und teuren FX-Objektive verwenden.

Für jene, die vor allem eine kleine Kamera, zum komfortablen mitnehmen, suchen gibt es nun das neue CX-System der Nikon 1. Zwar kann der Fotograf auch hier mittels Adapter DX- und FX- und alle Objektive der letzen fünfzig Jahre nutzen, aber – he! – das ist eigentlich nur eine mögliche Option, nicht der wirkliche Zweck der Kamera. Der Zweck der Nikon 1 ist es vor allem klein zu sein und diesen Zweck erfüllt das neue System perfekt. So wie ein Cabrio seinen Zweck erfüllt. Wer Ladefläche mit Dach sucht, muss sich halt bei den Kombis umsehen.

© Panasonic

© Panasonic

Seit Juli habe ich nun die Panasonic Lumix G3 in Besitz und im Einsatz. Ich habe mich sogar getraut sie als alleine Kamera mit auf meine dreiwöchige Urlaubsreise mit dem Cabrio durch Österreich zu nehmen, was ich keinen Moment bereut habe. In sofern war die Kamera für mich ein guter Zuwachs, auch wenn ich im Weiteren einiges zu bekritteln habe.

Die G3 sieht auf Bildern größer aus als sie tatsächlich ist. Sie ist sogar sehr kompakt und gar nicht so viel größer als zum Beispiel oder die Nikon P7000. Um Unterschied zu diesen beiden Modellen hat man aber einen um ein vielfaches größeren Bildsensor, einen Sucher, der mehr als ein Placebo darstellt und die Möglichkeit Objektive zu wechseln. Für viele ist wohl letzteres ein Grund sich für die G3 zu entscheiden. Für mich gar nicht so unbedingt, obwohl es natürlich alles andere als ein Nachteil ist.

Trotz ihrer Kompaktheit ist die G3 überraschend schwer, was eine absolut positive Eigenschaft für eine Kamera ist, weil sie so gut und satt in der Hand liegt, sich gut stabilisieren lässt und sich darüber hinaus wertig anfühlt.

Nimmt man die G3 zur Hand macht sie einen sehr soliden Eindruck und man empfindet ein metalleneres Gehäuse, als man bei genauerer Analyse tatsächlich entdeckt. Einiges an der Kamera ist Plastik und nicht alles macht einen so soliden Eindruck. So frage ich mich zum Beispiel wie lange es wohl dauern wird, bis ich den Schalter zum Einschalten der Kamera wohl abbreche.

Die Knöpfe machen einen recht billigen Eindruck, sind zum Teil kaum zu ertasten und damit nur schwer blind anzuwenden, liegen schlecht positioniert oder zu dicht aufeinander und ich würde mir wünschen die Taste zum Starten der Video-Aufnahme und die iA-Taste (›intelligent Auto‹) per Menü mit anderen Funktionen versehen zu können. Sollte ja eigentlich für die Programmierer kein Problem darstellen. Diese beiden Tasten liegen günstiger und sind besser zu ertasten, als die beiden Fn-Tasten, die man frei mit Funktionen belegen kann.

Etwas fummelig ist auch das Einstellrad am Rücken und es macht auch einen etwas billigen Eindruck. In der Praxis lässt es sich aber relativ gut, wenn auch nicht perfekt, bedienen. Genial finde ich daran, dass man dieses Rad nicht nur Drehen, sondern auch Drücken kann, und so zwischen Blendeneinstellung und Belichtungskorrektur, im Belichtungsmodus Blendenvorwahl, und zwischen Blende und Zeit, im manuellen Modus, wählen kann. Auf diese Art lässt sich die G3 für mich so bedienen, wie meine Profi-Kamera Nikon D700 mit zwei Einstellrädern.

Gold wert ist natürlich das Klappdisplay. Besonders bei einer kompakten Kamera wüte ich nur ungern auf diese Option verzichten. Schließlich gehört der Blickwinkel als Teil der Bildperspektive, neben Schärfe, Belichtung und Komposition, zu den wichtigsten Gestaltungsparametern.

Lustig und interessant ist die Option die Kamera mit Touch zu steuern. Die Kamera hat nämlich ein berührungsempfindliches Display, wie man es von Handys her kennt, auch wenn es etwas weniger sensibel ist, an was man sich zuerst gewöhnen muss, was in der Praxis aber wohl auch gut ist. So kann man zum Beispiel die Kamera so einstellen, dass mit einem Fingertipp auf das Display auf diesen Punkt scharf gestellt und gleich ausgelöst wird. Ich könnte nicht behaupten, dass das die Art zu fotografieren revolutionieren würde. Es scheint mir nicht wirklich einen großen Vorteil zu klassischen Art zu fokussieren und auszulösen zu haben. Vielleicht in manchen Situationen, aber nicht generell. Um was es die Fotografie aber auf jeden Fall bereichert ist den Spaß, den es macht Bilder auf diese Art aufzunehmen. Es erweitert einfach die spielerischen Varianten die eine Kamera bietet. Und Spaß sollte immer etwas zentrales an der Fotografie sein.

Schön wäre, wenn die Kamera automatisch zwischen Display und Sucher wechseln würde, wenn man sich mit dem Auge dem Sucher nähert. Tatsächlich muss man vorher manuell umschalten.

Der Sucher selbst, mein erster elektronischer Sucher, erweist sich in der Praxis als sehr gut brauchbar. Er ist groß genug und natürlich auch hell genug, da ja ein Bildschirm im Sucher steckt und der immer mit Licht arbeitet. Jedenfalls so lange Licht vor dem Objektiv ist. Wenn es bereits relativ dunkel ist, dann sieht man durch diesen elektronischen Sucher nur mehr Schwarz. Bei einem analogen Sucher könnte man denselben in derselben Situationen noch problemlos nutzen.

Beim Funktionsumfang gibt es an der G3 kaum etwas zu bemängeln. Die Kamera bietet fast schon zu viel Einstellungen, was man individualisieren kann. Vielleicht wäre hier weniger fast ein bisschen mehr gewesen.

Mit dem mitgelieferten 14–42mm Objektiv hatte ich wenig keine Freude. Zwar werden ihm im Verhältnis zum Preis recht gute optische Eigenschaften nachgesagt, aber es fühlt sich an, als wäre es aus einem Kinderüberraschungsei geschlüpft. Und so billig sich das Plastik anfühlt, so billig hört es sich auch an, wenn die Plastikteile aneinander schaben, wenn man am Zoomring dreht. Das passt einfach nicht zum eher wertigen Eindruck, den das Gehäuse insgesamt doch macht. Hier fühlen sich zum Beispiel die neuen Nikon 1 Modelle und deren Objektive um Welten besser an.

Generell scheinen mir die aktuellen Evil Systemkameras (Elecrtonic Viewfinder, Interchangable Lens – Elektronischer Sucher und Wechselobjektiv) einen gravierenden Ansatzfehler zu haben. Der Sinn dieser Modelle ist ja vor allem auch, dass sie deutlich kleiner sein sollen, als Spiegelreflexkameras. Und so gut wie alle Modelle, von Sony, Olympus, Samsung oder eben auch Panasonic sind das auch – die meisten noch deutlich kleiner als die G3. Das soll den Vorteil haben, dass man die Kamera immer dabei haben kann. Auf die Kameras mag das ja zutreffen. Aber gilt das noch, wenn auch Objektive mit dabei sind?

© Sony

Das ist mit dem 14–42mm Objektiv zur G3 nicht anders. Auch wenn es grässlich leicht ist, so trägt es doch ordentlich vor der Kamera auf und macht aus der kompakten Systemkamera ein Gerät, das nicht mehr so kompakt in einer Tasche untergebracht werden kann.

Wer also eine G3 (oder eine andere Kamera von Panasonic oder Olympus) ins Auge fasst, sollte sich überlegen ob er deren Standardobjektiv tatsächlich im Set mit der Kamera kaufen soll, oder ob es nicht vernünftiger wäre das Kameragehäuse alleine zu kaufen und ein angemessenes Objektiv gesondert dazu. Wer auf Zoom nicht verzichten will, sollte sich einmal das innovative Panasonic Lumix G X Varia PZ 14–42mm ansehen.

© Panasonic

Dieses Objektiv kopiert im Grunde das Prinzip von Objektiven, wie sie in Kompaktkameras üblich sind und die sich komplett in das Kompaktkamera Gehäuse versenken lassen. Durch dieses Prinzip wird das Objektiv im Ruhezustand extrem flach und so wird das Konzept der kompakten Evil-Systemkameras erst richtig schlüssig. Zum Zooomen dient dann kein Ring mehr, sondern der Schalter, der am Objektiv zu sehen ist. Man zoomt also auch, wie bei einer Kompaktkamera.

Für meine G3 habe ich mich für ein Festbrennweiten-Objektiv entschieden und zwar für das H020E Pancake mit Lichtstärke ƒ1.7.

© Panasonic

Es fühlt sich an, wie sich ein Objektiv anfühlen soll und liefert eine ausgezeichnete Abbildungsqualität. Der Straßenpreis von ca. 350 Euro geht dafür absolut in Ordnung. Durch die hohe Lichtstärke lässt es sich richtig schön mit Schärfentiefe spielen und es ist möglich Motive vor dem Hintergrund freizustellen. Die Lichtstärke hilft auch dem Autofokus beim Scharfstellen.

Wie alle bisherigen Systemkameras ohne Sucher glänzt auch die G3 nicht unbedingt durch blitzartiges Fokussieren, wenn die Lichtverhältnisse nachlassen. Genau genommen ist an sehr trüben Tagen selbst mit dem Lichtstarken 1.7er Objektiv ein Scharfstellen auf bewegte Objekte kaum möglich. Mit einem weniger Lichtstarken Objektiv fällt der Kamera das Fokussieren natürlich noch schwerer.

Das Pancake 1.7 von Panasonic ist auf jeden Fall eine Empfehlung für alle, die mit einer Micro FourThirds Kamera fotografieren.

Von meinen Nikon-Objektiven bin es gewohnt praktisch immer eine Streulichtblende im Lieferumfang zu finden. Die wenigen Ausnahmen haben das Glas der Frontlinse so tief im Objektivgehäuse versenkt, dass man gut darauf verzichten kann.

Das Lumix Pancake kommt leider ohne Streulichtblende daher und Panasonich bietet auch keine an. Schade, denn ich schätze Streulichtblenden vor allem als Schutz für die Frontlinse. Besser als jeder UV-Filter und ohne dessen möglicherweise negativer Auswirkung auf die Abbildungsqualität.

Ich habe mir deshalb die Streulichtblende von Enjoyyourcamera bei Amazon besorgt. 17 gut investierte Euro, denn ohne wäre das Objektiv mittlerweile sicher über den Jordan. Während einer Wanderung stolperte ich mit der Kamera über einen Draht, den ein heimtückischer Bauer knapp über den Weg gespannt hatte und trotz meiner Bemühung den Fall so zu gestalten, dass ich mir die Knochen breche und nicht die Kamera sich das Gehäuse, fiel die G3 mit der Front nach unten auf den Schotterweg. Ohne die stabile Streulichtblende aus Aluminium wäre die vorstehende Frontlinse garantiert zu Bruch gegangen.

Ebenfalls von Enjoyyourcamera stammt die Handschlaufe, die ich mir zur Kamera besorgt habe. Für mich die komfortablere Möglichkeit eine kompakte Kamera mit mir herumzutragen, als eine Schlinge um den Hals. Die Kamera versehentlich fallen zu lassen, wird durch die Schlaufe unmöglich.

Bild: Amazon

Fazit | Die Lumix G3 ist eine Empfehlung für alle, die viel Fotografieren und eine kompakte Kamera mit sehr guter Abbildungsleistung, ordentlicher Verarbeitung, vernünftiger Objektiv-Auswahl und vielfältigen Einstelloptionen suchen. Es macht Spaß mit ihr zu fotografieren, doch sie krankt noch etwas an einer Schwäche, die spiegellose Systemkameras bisher hatten: Sie fokussiert deutlich langsamer als eine Spiegelreflexkamera. Diese Schwäche teilt sie mit Kompaktkameras, die die Schärfe in der Regel auf dieselbe Art ermitteln, wie Systemkameras. Doch die kreativen Möglichkeiten und die mögliche Bildqualität sind bei der G3 deutlich besser, als bei Kompaktkameras.

Ob Nikon mit seinen neuen Nikon 1 Kameras das Problem der langsameren Fokussierung bei spiegellosen Kameras gelöst hat, wird sich zeigen. Es wird ihr jedenfalls nachgesagt. Doch Nikon hat für das neue System kleinere Bildsensoren gewählt und hat damit Schwächen bei den Möglichkeiten die Schärfentiefe zu reduzieren. Hier haben FourThirds-Kamras Vorteile.

Man wird sehen, was die Zukunft bringt und es ist durchaus möglich, dass ich mittelfristig die G3 durch ein aktuelleres Modell ersetze. Bislang jedoch ist die G3 für mich die optimale immer-dabei-Kamera und ich sehe noch kein Modell auf den Markt, das meine Anforderungen und Wünsche besser erfüllen würde.

Lasst euch nicht kirre machen, liebe Leute! Wer mit einer Einsteiger-Spiegelreflexkamera keine guten Bilder herbringt, bei dem fehlt es einfach noch am fotografischen Know-how und der Erfahrung. Die Investition in eine teurere Kamera wird diese Lücke nicht füllen. Man bekommt dann mit dem professionelleren Modell in erster Linie mehr Funktionen mit denen man sich nicht auskennt.

Um das zu unterstreichen habe ich einmal meine Favoriten bei Flickr durchforstet und Bilder, die mit Kameras unter 1000 Euro aufgenommen wurden, herausgepickt. Auch Einsteigerkameras unter 500 Euro sind vertreten und sogar Handy-Aufnahmen sind dabei. Es wären noch deutlich mehr und auch bessere Bilder in dieser Klasse dabei gewesen. Aber manche verraten ihre Ausrüstung nicht und viele erlauben es einfach nicht, dass man ihre Bilder teilt.

Das Bild macht der Fotograf, nicht die Kamera. Gute Fotos basieren zu 45% auf guten Motiven, für die es kreative Ideen und erfahrene Augen braucht. 45% der Qualität bemerkenswerter Aufnahmen ist die gestalterische und technische Umsetzung, auf Basis von Kreativität, Wissen und Erfahrung des Fotografen. Vielleicht 10% macht die Qualität der fotografischen Ausrüstung aus.

Natürlich nutzen Profifotografen nur das beste Equipment, weil Ihre Kunden Top-Qualität bis in die letzten 10% hinein verlangen. Um mit der Konkurrenz mithalten zu können, kann sich der Berufsfotograf diesbezüglich keine Kompromisse leisten. Doch der erfahrende Profi holt aus jeder billig-Knippse beeindruckendere Bilder heraus, als der unerfahrene Laie aus einer High-end-Kamera.

Link zum Artikel »Einfache Kamera, tolle Bilder« in meinem Parallel-Blog.

Die Zufalls-Generator-Glücksfee hat heute die Gewinnerin der »Kreativ fotografieren«-Verlosung gezogen. Ideenkind Sabrina darf sich in den nächsten Tagen auf die Zusendung des Buches freuen. Ich wünsche schon mal viel Spaß beim Lesen und Erfolg beim Fotografieren.

Eine der wertvollsten Gewinne der Digitalfotografie ist für mich das Histogramm. In den Abbildungen unten sind Ansichten der Rückschau am Display einer Nikon SLR und einer ­Canon Kompaktkamera zu sehen. Diese seltsamen ›Gebirge‹ erlauben es dem Fotografen nach einer Aufnahme zu ermitteln, wie gut die Belichtung gelungen ist. Je nach Kamera lassen sich sowohl ein allgemeines Histogramm für die Helligkeit (in beiden Beispielen weiß), oder einzelne Histogramme für den Rotanteil, den Grünanteil und den Blauanteil anzeigen. Oder, wie hier, beides zusammen.

	Histogramme für Helligkeit, Rot, Grün und Blau am Display einer Nikon D700.
	Histogramme für Helligkeit, Rot, Grün und Blau am Display einer Canon PowerShot G12.

Beginnen wir einmal mit einem sehr einfachen Beispiel, wie die Grafik unten, mit fünf verschieden großen farbigen Flächen.

Grafik aus fünf verschiedenen Farbtönen.

Nehmen wir an, dieses Bild besteht aus 15×15 Bausteinen – im Digitalbild Pixel genannt. Insgesamt besteht das Bild also aus 225 Pixeln. 15 davon sind blau, 30 violett, 45 rot, 60 orange und 75 gelb.

Die Grafik baut sich aus 225 Pixeln zusammen.

So etwas lässt sich natürlich auch statistisch darstellen, zum ­Beispiel in einem Balkendiagramm.

Dieses Diagramm informiert über den Anteil der verschiedenen Farbtöne der oberen Grafik mit 225 Pixeln. Ein Histogramm macht im Grunde nichts anderes.

Das Histogramm ist im Grunde nichts anderes als ein Balkendiagramm. Nur informiert es den Fotografen nicht über die Farbverteilung in einem Bild, sondern über die Helligkeitsverteilung. Es zeigt also keine Farbtöne, sondern Tonwerte an.

Histogramme zeigen die Tonwertverteilung | Die Abbildung unten zeigt eine zweite Grafik. Sie ist eigentlich so aufgebaut wie die Abbildung zuvor, aber ich habe die Farben weg­ gelassen und nur mehr Tonwerte unterschiedlicher Helligkeit verwendet

.

Fünf verschiedene Tonwerte. Schwarz hat den Tonwert 100%, Weiß den Tonwert 0%.

Die folgende Abbildung zeigt wieder die Verteilung der Pixel: 15 schwarze, 30 weiße, 45 hellgraue (25%) und so weiter.

Auch diese Grafik – so nehmen wir an – besteht aus 225 Pixeln.

Das Balkendiagramm zu dieser Grafik sieht dann so aus.

Balkendiagramm für die Anteile der verschiedenen Tonwerte der Grafik weiter oben.

Wie bei einem Diagramm üblich, steht auch hier unter dem jeweiligen Balken, was für einen Wert er repräsentiert. Schwarz, 75%, 50% und so weiter. Mit fünf Tonwerten mag das übersichtlich sein. Ein Graustufen-Bild im JPEG-Format kann jedoch schon 256 Tonwerte von Schwarz bis Weiß enthalten. Bei einem Farbbild in RGB sind rein rechnerisch bis zu sechzehn Millionen Farben möglich. Doch bereits bei 256 Tonwerten ist es schon bei weitem nicht­ ­praktikabel unter jedem Balken den Tonwert zu notieren, für den er steht. Statt dessen hat man sich geeinigt, dass am linken Ende der Skala Schwarz, links die dunklen Töne stehen, in der Mitte natürlich mittlere Helligkeit, rechts die hellen Töne und am rechten Ende der Skala reines Weiß.

Histogrammfeld und Tonwertgebirge |Die nächsten Abbildungen zeigen eine Aufnahme und dessen ­Histogramm. Von Balken ist nicht mehr viel zu sehen, da sie ohne Abstand einer am anderen stehen. Statt dessen wirkt das Diagramm eher wie ein felsiges Gebirge.

Eine Aufnahme und das dazugehörige ›Tonwertgebirge‹.

Die Landschaft des Tonwertgebirges im Histogrammfeld ➀ zeigt hier einen hohen Berg links und ein Gefälle nach rechts. ­Darunter finden wir unter ›Tonwertumfang‹ einen Verlauf ➂. Er erinnert uns daran, dass auf der linken Seite die dunklen und auf der rechten Seite die hellen Tonwerte stehen.

Wenn man das Tonwertgebirge mit dem Auge vertikal nach ­unten verlängert ➁, findet man heraus, welcher Bereich dieser Landschaft was für einem Tonwert entspricht ➂.

Ein Blick auf das Bild bestätigt, dass der Anteil dunkler Bereiche relativ hoch ist, was den hohen Berg links erklärt. Doch die Tonwertbereiche zwischen den beiden Extremen, Schwarz und Weiß, ist nicht das, was den Fotografen am Histogramm eigentlich interessiert. Viel wichtiger ist für ihn, dass er am Histogramm Unter- und Überbelichtung ablesen kann. Und das Schöne daran: Es ist in der Praxis ganz einfach.

• Zurück
• Kreativ fotografieren | Inhalt und Einleitung
• Weiter

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.

Dass mich das Projekt reich machen würde habe ich ja nie erwartet. Ich wollte es einfach schreiben. Ich hatte diese Idee mit dem »vier Schritte zum Bild«-Konzept, habe damit in Workshops sehr positives Feedback geerntet und bin überzeugt, dass es Fotografie erklärt, wie sie bislang nicht erklärt wurde. Das heißt nicht, dass ich glaube, dass es das beste Werk ist, das über Fotografie je geschrieben wurde. Gott bewahre! Ich bin zwar überzeugt vom Konzept, aber nicht größenwahnsinnig. Es gibt viele gute Bücher über Fotografie und ich habe über einige viel über fotografische Theorie, angewandte Fotografie, Landschaft, Natur und Makro und Kameratechnik gelesen. Aber mir ist in meinem autodidaktischen Prozess kein Buch in die Hände gekommen, das diese Dinge im Zusammenhang erklärt. Wie hängen Blende und Porträt zusammen? Welchen Einfluss hat die Brennweite auf Architekturfotogrfie? Und weshalb gehören Beine zu den wichtigsten fotografischen – nein, nicht Motiven – Werkzeugen! Hätte ich dieses Buch bislang gefunden, hätte ich mir die Arbeit zu meinen Werk erspart. Immerhin stecken da mehrere Hundert Stunden und über 1.000 Euro Investition drin.

Aber es ist wie bei »Grafik und Gestaltung«: Ich habe das Buch geschrieben, das ich selbst immer gerne gelesen hätte. Eben das Buch, das Fotografie im Zusammenhang erklärt und nicht in theoretischen, praktischen und technischen Einzelteilen, die man sich dann selber zu einem Gesamtbild zusammenbauen muss.

Die Idee dazu war da und sie wollte raus. Deshalb habe ich das Buch geschrieben. Mit der vagen Hoffnung die Einnahen durch den Verkauf könnten die Ausgaben für die Umsetzung decken. Vielleicht sogar einen Gewinn abwerfen. Mal sehen. Der Verkauf ist ja wirklich erst angelaufen, und dass es Zeit brauchen würde, bis der Absatz etwas in Gang kommt war klar.

Ein Handicap ist natürlich, dass das Buch teuer ist. Da gibt’s nichts daran zu leugnen. 45 Euro für 240 Seiten Papier – das gibt es bei den angestammten Verlagen billiger. Und das auch noch in tadelloser Offset-Qualität, hinter der der Digitaldruck meines Buches doch etwas hinterher hinkt.

Nur: Was macht man mit einer Idee, von der man überzeugt und begeistert ist, wenn die Verlage, bei denen man anklopft, es nicht lesen oder wollen? Man sieht sich halt nach Möglichkeiten um, sein Baby trotzdem zur Welt zu bringen. Auch wenn man sich bewusst ist, dass ohne Verlag mit Vermarktungs-Maschinerie ein gesundes Wachstum des Kindes fragwürdig ist.

Dennoch: Mit »Druck auf Bestellung« hat heute jeder die Möglichkeit sein Werk in den Buchhandel zu werfen. Und ich stehe genug hinter der Idee der »vier Schritte«-Didaktik, um überzeugt zu sein, dass das inhaltliche Konzept den Mehrpreis im Verhältnis zu anderen Werken aufwiegt. Dazu haben nicht nur die Feedbacks in meinen Foto-Workshops beigetragen, sondern auch die Rückmeldungen zu meiner online-Fotoschule und meinem Skript zu Powershot S95/G12.

Allerdings nutzt das tollste Werk (oder die Überzeugung, dass man ein tolles Werk geschrieben hat) wenig es zu verkaufen, wenn kaum jemand weiß, dass es es gibt und noch viel weniger, dass es gut sein soll. Das darf jetzt ruhig als Aufforderung an jene verstanden werden, die das Buch bereits gelesen haben bzw. dran sind und auch glauben, dass es eine Bereicherung für angehende Fotografen darstellt, darüber zu berichten. Hinweise in Blogs und sozialen Netzwerken helfen, Rezensionen bei Amazon noch mehr.

Mag sein, dass so ein Aufruf zum Rezensieren etwas fragwürdig ist, und ich möchte auf gar keinen Fall, dass jetzt jemand eine tolle Rezension schreibt, der das Buch niemals in der Hand hatte, geschweige denn gelesen hat. Das wäre für mich falsch verstandene Freundschaft oder Gefälligkeit. Aber ein bisschen Wind im Netzt durch zufriedene Leser ist die einzige Möglichkeit, damit das Buch einen gewissen Erfolg ernten kann. Ohne Marketing- und Werbebudget und Kontakt zu Medien, die über ein Buch berichten, erreicht man den Leser sonst nicht.

Gerade die Feedbacks der ersten Leser sind jetzt wichtig. Wenn erst einmal ein paar gute Rezensionen geschrieben sind (die mein Buch hoffentlich verdient) sollte der Absatz an Dynamik gewinnen und mit zunehmender Verbreitung erhöht sich hoffentlich auch die positive Mundpropaganda.

Um den Preis für mein Buch nicht zu sehr explodieren zu lassen, habe ich auf Format füllende Aufnahmen verzichtet und ein Layout entworfen, das möglichst effizient mit Platz umgeht. Auch die Verteilung der Bilder auf den Seiten habe ich aus kalkulatorischen Gründen so gewählt, dass sich Seiten mit Bildern und reine Textseiten abwechseln und so das halbe Buch in SW (die Seiten ohne Bilder) gedruckt werden konnte, was den Preis doch deutlich unter 50 Euro gehalten hat. Auf Basis des Layouts entspricht der Inhalt auf meinen 240 Seiten wahrscheinlich etwa 400 bis 500 Seiten im Werk eines klassischen Verlages. Dass dabei eben keine schönen großen Bilder zu sehen sind ist ein Wermutstropfen, aber ich glaube, dass man dennoch etwas für sein Geld bekommt.

Übrigens: Mit dem Preis für das Buch verdiene ich mir keine goldene Nase. Ich habe eine Marge von 10% je Buch gewählt. Das sind knapp über 4 Euro je verkauftem Exemplar und ich glaube, dass das angemessen ist. Der höhere Preis des Werkes ergibt sich einfach aus dem Umstand, dass die Exemplare nicht zu Tausenden gedruckt und auf Lager gelegt werden sondern erst auf Bestellung in den Digitaldrucker gehen. Das nimmt das Risiko von mir, den Auflagendruck und die Lagerkosten vorfinanzieren zu müssen, vor dem fragwürdigen Hintergrund, dass man ohne Verlag und Marketing ohnehin kaum eine Chance hat, tausende Werke an den Mann und die Frau zu bringen. Der Preis dafür ist halt der höhere Preis dafür.

Das schöne an dem Projekt war für mich, neben dem spannenden Prozess den Inhalt zu entwickeln, dass ich einmal alle Fäden der Gestaltung selbst in der Hand halten konnte. Von der Schriftwahl bis zum kompletten Layout und Satz folgt alles meinen Vorstellungen – mit der Einschränkung, dass ich natürlich lieber etwas luftiger und opulenter gelautet hätte. Vielleicht erkläre ich ja bald mal in einem Artikel, wie ich das Layout entwickelt habe und wie das Gestaltungsraster aussieht. Dann wäre auch wieder einmal etwas für die Freunde der Grafik hier im Blog.

Ein Blick ins Buch

Ein Jahr habe ich am Konzept für »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt«, und dem ›Vier Schritte zum Bild‹-Konzept dahinter, gearbeitet. Nun ist das Buch, das daraus entstanden ist, in den Druck gegangen. Ich hoffe, dass es noch vor Ende des Monats im Online und bei euch um die Ecke verfügbar sein wird.

Kurzbeschreibung

»Um Fotografie verständlich erklären zu können, habe ich mich als erstes gefragt: ›Was ist das Ziel von Fotografie? Bilden Brennweite, Blende, ISO oder Belichtungszeit die Ziellinie? Oder geht es nicht vielmehr darum mit Perspektive, Schärfe, Belichtung und Komposition ein kreatives Bild zu gestalten?‹«

Vor dem Hintergrund dieser vier gestalterischen Grundparameter – Perspektive, Schärfe, Belichtung und Komposition – erklärt dieses Buch, was Brennweite, Blende, Empfindlichkeit, ­Komposition und vieles mehr bedeutet und wie man die Einstellungen dafür praktisch nutzen kann, um Bilder kreativ zu gestalten.

Markus Wäger
»Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt«
Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011;
240 Seiten, in Farbe, Hardcover;
ISBN: 9783842373938;
Link zu Amazon
Link zu Books on Demand
Ladenpreis: 44,90 (D);
Auch als E-Book erhältlich: Amazon Kindle Edition
iTunes E-Book
Ladenpreis E-Book: 35,99 (D).

Demo-Kapitel: Perspektive

Für alle die neugierig sind, gibt es hier das Kapitel »Perspektive« zum testen, schmökern und lesen.

Download: »Kreativ Fotografieren«; Seite 38–79, Kapitel »Perspektive«, 6,9MB.

Ein Blick ins Buch

Fotografieren: Was und womit?

Fragt mich jemand »Was soll ich für eine Kamera kaufen?« kann ich nur antworten »Was willst du fotografieren?«

Im ersten Kapitel von »Kreativ fotografieren« befasse ich mich mit ein paar zentralen, fotografischen Genres um anschließend die wichtigsten Kameratypen samt wesentlichen Vorzügen und Nachteilen zu skizzieren.

Erster Schritt: Perspektive

Der erste Schritt zur kreativen Gestaltung von Fotografien führt über die Perspektive. In diesem Kapitel erkläre ich, welchen Einfluss Blickwinkel, Distanz und Brennweite auf die perspektivische Wirkung haben.

Zweiter Schritt: Schärfe

Der zweite zentrale Parameter um Bilder kreativ zu gestalten ist die Schärfe – vor allem die Schärfentiefe. Doch nicht nur diese wird in diesem Kapitel bleichtet, sondern Alles vom schärfsten Punkt, über Autofokus-Systeme bis hin zur Bewegungsunschärfe.

Dritter Schritt: Belichtung

Weniger Spielraum für gestalterische Kreativität, aber nicht minder wichtig als Schärfe und Perspektive: Die Belichtung. In diesem Kapitel beginne ich mit den Grundlagen, was Farbe, Sättigung, Helligkeit und Tonwertumfang ist, wie man das Zonensystem verstehen kann, weshalb Kameras immer von Durchschnittlichen Lichtsituationen ausgehen und wann der Fotograf die Kamera korrigieren muss. Ich beschreibe vor allem auch was das Histogramm ist und wie man es interpretieren muss um Belichtungskorrekturen durchzuführen.

Vierter Schritt: Komposition

Gestaltung ist ein riesiges Gebiet. Ich weiß das. Ich habe ein riesiges Buch darüber geschrieben. In diesem Kapitel halte ich mich kurz und und konzentriere mich auf grundlegende Anregungen, worauf man bei der Gestaltung und Komposition achten sollte. Hier geht es mehr um Sensibilisierung, als um das Vermitteln von Theorie und Techniken.

Entwicklung in der digitalen Dunkelkammer

Die Entwicklung digitaler Negative am Computer ist die Übersetzung der analogen Dunkelkammer ins digitale Zeitalter. In diesem Kaptiel beschreibe ich die Vorteile, die es hat, im Raw-Format zu fotografieren und was man mehr aus Bildern herausholen kann.

Inhaltsverzeichnis

1. Kreativ fotografieren : Der Weg zum Buch
2. Fotografieren : Was und womit?
• Vier Schritte zum Bild
• Der fünfte Schritt
• Kernelemente der Fotografie
• Welche Kamera ist die richtige?
• Fotografische Themenbereiche
• Kameratypen und -konzepte
3. Erster Schritt: Perspektive
• Fluchtpunkt und fliehende Linien
• Architektur und Perspektive
• Alles aus Augenhöhe fotografieren
• Brennweite
• Bildsensor, Kleinbildformat und Formatfaktor
• Brennweite, Fluchtpunkt und Bilddynamik
• Normalobjektiv
• Teleobjektiv
• Tele und Weitwinkel – die beiden Extreme
• Weitwinkel
4. Zweiter Schritt: Schärfe
• Autofokus, Fokussieren und Schärfepunkt
• Schärfentiefe
• Blende
• Blende und Schärfentiefe
• Blendenwerte und Blendenreihe
• Schärfentiefe kreativ gestalten
• Offenblende
• Fokussierung
• Fokussieren und neukomponieren
• Einzel- und kontinuierlicher Autofokus
• AF-Messfeldsteuerung
• Serienbild-Funktion
• AF über Sondertaste speichern
• Auslöse- oder Schärfepriorität
• Mit AF-Unterstützung manuell fokussieren
• Schärfentiefe ausreichend berechnen
• Einfrieren und Bewegungsunschärfe
• Bokeh
5. Dritter Schritt: Belichtung
• Was ist eine optimale Belichtung?
• Grundlegende Eigenschaften von Licht und Farbe
• Tonwert und Schwarzweiß
• Das Zonensystem
• Licht- und Blendenwert
• Das Histogramm
• Ohne Verwackeln fotografieren
• Belichtungszeit
• ISO-Empfindlichkeit des Bildsensors
• Bildrauschen
• Belichtungsmessung und Messmethoden
• Belichtungsmodi
• Bildkontrolle und Belichtungskorrektur
• Belichtungsmesswert speichern
• Bildstabilisierung
• Farbtemperatur und Weißabgleich
• Blitzen mit System
6. Vierter Schritt: Komposition
• Gestaltung ist wichtiger als Technik
• Eine Frage des Formats
• Drittel-Regel oder Goldener Schnitt
• Symmetrisch oder asymmetrisch?
• Inhalt und Rahmen in Beziehung
• Was soll weg und was darf dran bleiben?
• Vier Schritte zum Bild
7. Entwicklung in der digitalen Dunkelkammer
• Digitale Ausarbeitung: Ausgleich für mangelndes Können?
• Jpeg oder Raw?
• Software für die digitale Dunkelkammer
• Grundlagen der Bildbearbeitung

Die erste Lieferung von »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« ist heute bei mir eingetroffen. Um meine Freude daran zu teilen, verlose ich unter allen, die zu diesem Artikel einen Kommentar schreiben, weshalb sie das Buch gerne lesen würden, ein Exemplar.

Die Aktion läuft bis zum 10.11.2011. Am 11.11. werde ich dann den Gewinner bekanntgeben.

Eine genauere Beschreibung des Buchs, eine Inhaltsangabe und ein Kapitel als PDF zum Download gibt es hier.

An der Belichtung jedes Fotos sind die vier Faktoren Belichtungszeit, ISO-Empfindlichkeit, Blende und Umgebungslicht beteiligt. Ein ­optimal belichtetes Foto gelingt nur dann, wenn ­diese Faktoren gut ausbalanciert sind.

Umgebungslicht

Das Umgebungslicht ist für den Fotografen der Faktor der Belichtung, der am schwierigsten zu beeinflussen ist. Er kann auf die Lichtsituation in der Umgebung eingehen, indem er die Blende ­öffnet oder schließt, die Lichtempfindlichkeit des Sensors erhöht oder verringert, oder die Belichtungszeit verlängert oder verkürzt. Oft wird er an zwei oder allen drei Parametern drehen, um die ­optimale Belichtung zu erreichen. Das Umgebungslicht hat er höchstens im Studio voll unter Kontrolle. Bei Landschaftsaufnahmen ist die einzige Möglichkeit das Umgebungslicht zu beeinflussen, wenn man zu ­einem anderen Zeitpunkt zurück kehrt, sollte das Licht im Moment nicht optimal sein.

Lichtwert als relatives Maß

Dass ein Lichtwert (LW) für eine Verdoppelung beziehungsweise Halbierung der Helligkeit, Lichtmenge, beziehungsweise Belichtung steht, habe ich bereits erwähnt, als ich das Zonensystem vorgestellt habe.

Nehmen wir an, wir fotografieren im Freien, die Dämmerung ist herein gebrochen und die Lichtmenge hat sich seit dem letzten Foto halbiert – das Umgebungslicht hat sich um –1 LW reduziert. Nun können wir auf die veränderte Lichtsituation so reagieren:

• Die Belichtungszeit auf das Doppelte ausdehnen. Das heißt, Sie heben die Belichtungszeit um +1 LW an.
  Beispiel: Die Belichtungszeit wird von 1/60 Sekunde auf 1/30 ­Sekunde verdoppelt.
• Die Blendenöffnung verdoppeln. Das heißt, Sie öffnen die Blende um +1 LW.
  Beispiel : Sie öffnen die Blende von vormals ƒ 2.8 auf ƒ 2.0.
• Die ISO-Empfindlichkeit verdoppeln. Das heißt, die Empfindlichkeit des Bildsensors um +1 LW anheben.
  Beispiel: von ISO100 auf ISO200.

Auf Englisch nennt sich der Lichtwert ‘Exposure Value’ (EV), ­weshalb Sie auf Kameras auf die Abkürzung ›EV‹ stoßen können. In der fotografischen Praxis wird statt von Lichtwert auch oft von ›Blendenstufe‹ gesprochen. Rät Ihnen also ein Kollege – oder lesen Sie das irgendwo – eine Blende höher (heller) zu belichten, will er ­damit sagen, dass Sie eine Einstellung wählen sollten, die die Lichtmenge um einen Lichtwert verdoppelt. Das muss nicht unbedingt heißen, dass Sie tatsächlich die Blende um einen ganzen Schritt ­öffnen müssen. Er meint lediglich, die Belichtung sollte einen Lichtwert heller ausfallen. Ob Sie das erreichen, indem Sie tatsächlich die Blende öffnen, den ISO-Wert erhöhen oder die Belichtungszeit verdoppeln, bleibt bei dieser Aussage in der Regel Ihnen überlassen.

Auf diese Art angewandt ist der Lichtwert ein relativer Wert, bei dem sich ±X auf einen relativen Ausgangswert bezieht.

Viele Kameras – bei DSLR oder Systemkameras praktisch alle – erlauben es, die Einstellungen für Belichtungszeit, Blendenöffnung und ISO-Empfindlichkeit nicht nur in ganzen Schritten zu verdoppeln oder halbieren, sondern ermöglichen Halb- oder Drittelschritte. Das heißt, Sie können, statt nur Blende, Zeit oder ISO um einen ganzen Schritt zu ändern, auch an jedem Parameter ein Drittel drehen, oder einen beliebigen anderen Mix aus zweien wählen.

Falls Ihnen das jetzt erschreckend kompliziert erscheint, bitte ich Sie um etwas Geduld. Sie werden sehen, dass es in der Praxis gar nicht so kompliziert ist.

Lichtwerttabelle: Lichtwert als absolutes Maß

Die Bezeichnung ›Lichtwert‹ steht nicht nur für relative ­Werte um Belichtung zu halbieren oder zu verdoppeln. Lichtwert wird auch als absolutes Maß eingesetzt um die Helligkeit einer Szene zu bezeichnen. Lichtwert 0 ist der Basiswert und bezeichnet eine Szene, bei der eine Kombination von ISO100, Blende ƒ1.0 und 1 Sekunde Belichtungszeit zu einer neutralen, mittleren Helligkeit des Resultats führt.

Lichtwert 0 entspricht etwa der Lichtsituation einer Neumondnacht, LW4 einer beleuchteten Straße bei Nacht oder ­einer Szene im Kerzenlicht, LW8 hellen Innenräumen und Sport­hallen ; LW12 ist typisch für die Zeit kurz Sonnenauf- oder kurz nach Sonnenuntergang beziehungsweise für bedeckte Tage, LW14 spiegelt die normale Tageslichtsituation am helllichten Tag; und mit LW16 darf man rechnen, wenn die Sonne zur Mittagszeit voll vom Firmament knallt.

Aus der Tabelle unten lässt sich ablesen, was für eine Zeit/Blenden-Kombination beim Lichtwert einer bestimmten Lichtsituation zu einem optimal belichteten Ergebnis führt. Dabei darf allerdings nicht vergessen werden, dass eine perfekte Einstellung aus technischer Sicht nicht immer ein optimales Bild liefert.

Lichtwerttabelle

Bitte glaubt jetzt nicht, ihr müsstet die Lichtwerttabelle auswendig lernen, um bessere Bilder zu machen. Auch wenn Profifotografen mit Lichtwerten arbeiten, die Sie von Belichtungsmessgeräten ­ablesen, denke ich, dass es für den Hobby- und Amateurfotografen deutlich effizienter ist, das Histogramm zu verstehen und über Belichtungskorrekturen die optimale Belichtung zu ermitteln. Um zu verstehen wie das geht, werde ich euch im nächsten Artikel erklären, was das Histogramm bedeutet.

• Zurück
• Kreativ fotografieren | Inhalt und Einleitung
• Fortsetzung folgt

Der Inhalt dieser Online-Fotoschule ist in erweiterter Form auch als Buch erhältlich: »Kreativ fotografieren – Digitalfotografie verständlich erklärt« Books on Demand, 1. Auflage Oktober 2011; 240 Seiten, in Farbe, Hardcover; ISBN: 9783842373938; Link zu Amazon Link zu Books on Demand Ladenpreis: 44,90 (D); Ladenpreis E-Book: 35,99 (D) Mehr Info und ein kostenloses Demokapitel.