Cassandra Jenkins partage une anecdote qui lui est arrivée en France. “Je jouais au festival Coconut à Saintes. j’avais préparé mon entrée sur scène, pour pouvoir m’adresser au public en français. “Je suis heureuse d’être en Saintes…” D’un coup, tout le monde s’est tu ! C’est là que mes musiciens m’ont expliqué que je venais d’annoncer à tout le monde que j’étais enceinte. C’était très drôle !”

Cassandra Jenkins

Cassandra Jenkins ne se formalise pas de ses erreurs, pour ce nouvel album, elle a jeté beaucoup de brouillons. “C’était plus comme un faux départ. Dans ma tête, je me disais qu’il était temps de faire un album, pour pouvoir repartir en tournée, un peu par nécessité… Or, je sortais de tournée, et j’étais un peu un robot. Malheureusement, pour faire un disque, il faut donner un peu de soi, voire tout ce qu’on a.” A la fin de la tournée de An Overview on Phenomenal Nature, la songwriteuse était en burn out. “J’étais épuisée. J’avais besoin de récupérer avant de pouvoir me consacrer pleinement à un album. Ça a été difficile d’admettre que j’avais des difficultés. Tous mes rêves étaient en train de se réaliser, mais j’étais trop détruite pour pouvoir avancer.”

La pandémie a détruit beaucoup de repères pour beaucoup de monde, et Cassandra Jenkins n’est pas une exception. “Je m’étais convaincue que je n’avais plus besoin des autres. probablement parce que j’avais réussi à tourner pendant une pandémie mondiale, après une année entière passée à survivre dans l’isolement. Sauf que pour écrire, j’avais besoin de me nourrir, d’aller à des concerts, de voir ma famille et mes amis, d’être dans la nature et de faire toutes les choses que j’aime. ” Après un temps, la compositrice a réalisé qu’elle avait besoin de se reconnecter aux autres. “L’un de mes plus grands défauts est d’être très indépendante. Et la vie m’a montré qu’en fait, j’ai vraiment besoin de contacts humains, d’une communauté. Bien sûr, je peux survivre sans, parce que dans chaque cellule de mon corps se trouve la volonté de vivre et de survivre, mais ce n’est pas une manière de vivre. J’en suis capable, mais ce n’est pas comme ça que je veux vivre ma vie !”

Dans la chanson ‘Clams Casino’, l’autrice raconte qu’elle ne veut plus être seule. “Ce morceau porte sur mes choix de vie, qui m’ont amenée à vivre en itinérance. Dans cette chanson, je suis en quelque sorte en dialogue avec ma grand-mère Doris mais aussi en dialogue avec mon dernier album, avec moi-même… Ce sont des questions, maintenant que j’ai atteint la quarantaine, sur la façon dont je veux vivre cette vie.” En miroir de cette réflexion, My Light, My Destroyer est un album très collaboratif, mais qui sonne très personnel. “C’est moi qui écris les paroles, mais la musique aide à les mettre en valeur et à leur donner vie, sinon ce ne sont que des mots sur une page. C’est là que je me tourne vers mes amis pour qu’ils m’aident, qu’ils m’encouragent à faire mieux. J’aime ces amis qui savent me mettre au défi. Et j’ai remarqué que je gravite autour de personnes qui n’ont pas peur de me faire des retours très honnêtes parce qu’elles savent que je peux le supporter.”
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C’est en faisant confiance à ses amis que Cassandra Jenkins a composé le single ‘Only One’. “Je suis très fière de cette chanson parce qu’elle m’a beaucoup appris. Le refrain est venu en quelque sorte de mon subconscient. J’étais au piano avec mon amie Steph Marziano, nous parlions en plaquant quelques accords, et tout d’un coup je me suis mise à chanter ce truc, et je me suis dit que c’était ringard, pop et générique. Et mon amie m’a conseillé de lui donner une chance de vivre.” Cette amie l’a mise au défi d’arrêter d’être aussi critique envers elle-même. “J’avais besoin qu’un ami me tienne la main et me dise d’être douce avec cette partie de moi qui avait besoin d’être exprimée. Nous avons donc enregistré cette chanson et je l’ai mise de côté. Mais je sentais qu’il y avait quelque chose… Cette chanson m’a appris que j’ai d’autres méthodes d’expressions. Elle m’a appris à les explorer et à ne pas toujours me réfugier dans une certaine esthétique…”

“La collaboration est le meilleur moyen de sortir de soi, de ne pas toujours faire à sa guise.”

Dans ‘Delphinium Blue’, Cassandra Jenkins fait référence à son expérience chez un fleuriste. “C’était un peu le métier de mes rêves. J’ai beaucoup appris sur les fleurs et les plantes mais j’ai surtout beaucoup appris sur les gens ! Chez un fleuriste, on voit le monde à travers les fleurs, qui deviennent un mode d’expression : pour souhaiter un joyeux anniversaire, pour s’excuser, pour réconforter une personne malade…” Dans cette boutique, l’artiste a été confrontée à beaucoup d’émotions humaines. “Mon rôle consistait à rendre service aux autres et à leur donner un espace de confiance pour qu’ils expriment leurs besoins. Parfois il s’agissait simplement de suivre leurs directives. Et parfois, une personne arrive, très nerveuse, parce qu’elle va rencontrer ses beaux-parents. Elle tremble et vous pouvez la rassurer : elle est désormais entre de bonnes mains.”

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A cette époque, la songwriteuse traversait une période difficile. “Rendre service aux autres m’a beaucoup aidée à un moment où j’étais très déprimée. Au début, j’ai pensé que le fait de m’entourer de couleurs, de belles fleurs – même si elles ont été retirées de leur environnement naturel -, était très utile. Ca empêchait mon esprit de tourner en boucle, anxieux, à imaginer des scénarios catastrophes.” Petit à petit, cette expérience l’a aidée à remonter la pente. “Ça m’a aidée à sortir de mes propres problèmes. Déjà, je sais me montrer à la hauteur lorsque quelqu’un a besoin d’aide. Mais en plus, pour gérer la dépression, il est recommandé de faire chaque jour quelque chose d’utile. Ça permet de reprendre confiance en soi, en plus d’aider les autres… et d’éviter de faire du mal aux autres ou à soi dans les pires épisodes de la dépression.”

Dans la répétition des tâches quotidiennes, Cassandra Jenkins a trouvé une stabilité. “Cette chanson parle de reprendre pied et de gagner en clarté, ce qui a été un processus douloureux, mais finalement très beau et vital pour continuer à avancer. En plus, je viens d’apprendre que le Delphinium, est un autre surnom de la lavande officinale ou Guardian Lavander. Ça me fait penser à mon ange gardien qui veille sur moi et qui me donne de l’espace pour pouvoir faire les choses.”

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L’album My Light, My Destroyer comporte un morceau en français. “La notion de langage m’intrigue, j’ai notamment écouté beaucoup d’interviews d’Anne Carson au sujet de la traduction. Le langage est un moyen de communication imparfait parce qu’on n’arrive jamais à exprimer exactement ce que nous voulons dire, quelle que soit la langue parlée. Par exemple, en France, j’ai beaucoup trébuché en essayant de parler français, et chaque erreur me fait me sentir idiote.” Le morceau ‘Attente téléphonique’ est plus parlé que chanté. “Je m’intéresse beaucoup au travail de Robert Ashley, et notamment sa pièce Automatic Writing, avec ce refrain en anglais qui répète ‘I’m a vistor”, avec cette idée que quoi qu’il arrive, nous parlons toujours une langue étrangère. J’ai fini par écrire un poème abstrait sur le besoin de se connecter, de communiquer, pour retrouver cette idée de transmission qui apparaît tout au long de l’album.“

Réclame

My Light, My Destroyer de Cassandra Jenkins parait le 12 juillet chez Dead Oceans
Cassandra Jenkins sera en concert le 15 novembre au Hasard Ludique

The National

Les artistes sont encore backstage, mais le grand écran qui surplombe la scène nous montre leurs préparatifs au son de ‘Slippery People’ de Talking Heads. Le groupe démarre sur ‘Runaway’ paru sur High Violet, et le mariage du chant grave avec les toms basses se charge instantanément de poser l’ambiance. La voix de Matt Berninger se brise déjà par moments, alors qu’il s’accroche presque désespérément au micro.

‘Happy Pride Month’ furent ses premiers mots à la foule. Puis The National enchaîne sur ‘Eucalyptus’, d’une intensité folle, sur laquelle Matt Berninger incarne différents personnages. Le chanteur est ce soir en pleine forme, met à mal l’ingé son qui le suit avec son câble de micro, et se retrouve à genoux sur le tube ‘The System Only Dreams in Total Darkness’, suivi de l’émouvant ‘I Need My Girl’.

Plusieurs fois au cours du concert Matt Berninger insulte le candidat Trump, le traitant de raciste et de violeur, et appelle à voter Biden en novembre.

The National invite This Is The Kit, qui assurait la première partie, et Mina Tindle à les rejoindre sur scène pour une superbe version orchestrale de ‘I’m Easy To Find’ et ‘Rylan’, portée par la foule. La batterie se fait mitrailleuse sur ‘Conversation 16’, avant que le groupe n’exhume un morceau de l’EP Cherry Tree, paru en 2004, pour les fans de la première heure.

La voix de Matt Berninger est désormais déchirée pour ‘Abel’, du fameux album Alligator, et voilà que le leader se tape la tête avec le micro pour ‘Deep End (Paul’s in Pieces)’, en hommage à son papa. Après ‘Day I Die’ sublimé par une batterie des plus rock, le chanteur livre des éléments de sa biographie, et notamment que le fameux Chester est le frère de sa grand-mère. Il parle très vite, puis enchaîne sur ‘Pink Rabbits’ où il chante “You never see I was falling apart”… Or là il est difficile de ne pas le voir !

La foule veut l’encourager et chante avec lui sur ‘Fake Empire’. Porté par cet enthousiasme, Matt Berninger part se balader dans la foule. Aaron Dessner en profite pour remercier la foule, et expliquer que ce concert est spécial pour eux, car ils se sentent comme chez eux à Paris.

Matt Berninger n’a bel et bien plus de voix pour le rappel, sur ‘Light Years’. Pour donner le change, il retourne rendre visite à ses fans dans les gradins pour ‘Mr November’. Et pour clore ce sublime concert, il offre ‘Vanderlyle Crybaby Geeks’ en acoustique au Zénith, laissant le public chanter seul, l’aidant en mimant les paroles. L’émotion est tellement forte de voir une salle entière chanter un morceau vieux de 15 ans, que Matt Berninger finit dans les bras d’Aaron Dessner.

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Réclame

• Lire le live report du concert de The National à l’Olympia en 2019
• Lire le live report du concert de The National à Pitchfork en 2017
• Lire le live report du concert de The National au Primavera Sound Festival en 2014
• Lire le live report de El Vy au Trabendo en 2015
• Lire le live report de Sufjan Stevens et This Is The Kit au festival Days Off en 2017

Fat White Family

La salle est pleine à craquer, les fans commencent à s’impatienter, quand soudain ‘Angels’ de Robbie Williams retentit, pour permettre au groupe de faire son entrée calmement. La famille dépareillée prend ses marques, la flûte traversière monte, et Lias Saoudi entame ‘John Lennon’. La tension monte lentement, Lias semble lutter pour calmer sa rage, et bientôt son visage se retrouve déformé par l’intensité sur ‘Without Consent’, tiré de leur foutraque premier album.

Le concert vient tout juste de commencer, que Lias est déjà dans la fosse pour déclencher les pogos. Le chanteur remonte sur scène, retire son imperméable et se livre en collant couleur chair, révélant son tatouage en forme de coeur sur le torse. Quelques instant plus tard, il est en train de slammer sur la foule au son de ‘Polygamy is Only for the Chief’. Cette escapade sur le nouvel album ne dure pas, et on revient à l’inégalable Songs for our Mothers avec ‘Tinfoil Deathstar’.

Lias est désormais habité, envouté… Porté par la foule qui ne tarde pas à reprendre en choeur la fameuse ‘Touch the leather’. Les Fat White Family enchaînent avec ‘Bullet for Dignity’, et le chanteur retourne dans la fosse. Le groupe revisite des morceaux de leurs débuts, dont le fameux ‘I Am Mark E Smith’, aux accents malsains.

Un gong à la main, Lias entonne ‘Visions of Pain’ et sa performance touche plus au théâtre qu’au chant, nous faisant plonger aux entrailles de ses émotions. La folie prend la salle avec un enchaînement de ‘What’s That You Say To Me’, ‘Satisfied’ qui incite à recommander une pinte, et ‘Fringe Runner‘ au solo de flûte décoiffant.

Après ‘Religion for One’, Lias se lance dans une version sped-up de ‘Today You Become Man’ – qui raconte la circoncision de son frère sans anesthésie. Le concert touche à sa fin avec ‘Feet’ et le fameux ‘Whitest Boy on the Beach’. Lias reste seul en scène, armé d’une guitare acoustique, il intime à tout le monde le silence pour ce moment intimiste, et entonne ‘Borderline’, qui se finit en slam.

Les Fat White Family annoncent la dernière chanson, la survoltée ‘Work’, puis quittent la scène en envoyant des bisous. La foule attend un rappel, mais les lumières se sont déjà rallumées… En même temps, la tenue de Lias est bonne à essorer, le groupe a tout donné pendant 90 minutes, sans s’épargner.

Réclame

• Lire l’interview de Moonlandingz (Fat White Family + The Eccentronic Research Council)
• Lire le live report de Fat White Family en session France Inter
• Lire le live report des Fat White Family à la Route du Rock 2016

Lambrini Girls

Les trois musiciennes ont beau arborer des petites robes blanches, avec même une croix en strass pour la bassiste, les Lambrini Girls ne sont pas des oies innocentes. En dix minutes, elles ont déjà foutu le boxon dans la fosse. Avec son accent de Brighton, la chanteuse accuse son gouvernement de ne pas gérer face au conflit israélo-hamas et nous fait crier Free Palestine en intro de leur titre ‘God’s Country’. Certaines personnes décident alors de quitter la salle, mais c’est pour mieux laisser entrer tous ceux qui sont sur le pas de la porte, sur la pointe des pieds, pressés de voir le groupe de plus près.

Le trio décide d’entonner ‘Mr Lovebomb’ et pour l’occasion, la bassiste hurle et la chanteuse retire sa robe, pour s’élancer dans un slam en soutif et collant. Et la voilà maintenant dans la fosse pour expliquer qu’on déteste JK Rowling et les TERF. “Trans men are men trans women are women and if you don’t think so, fuck off”. En réponse, la foule se lance dans de jolis pogos.

Tous les sujets actuels y passent, y compris les agressions sexuelles que subissent les femmes, tout en sachant que la police ne fait rien. Conclusion, il faut mettre les hommes face à leurs responsabilités. Et pour clore le concert, les Lambrini Girls organisent un concours de cris, nous encourageant à hurler Fuck Macron et Fuck Attal. Puis elles se cassent en faisant des doigts d’honneur. Le public vient de se prendre une belle dose de punk dans les dents !

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Fat Dog

C’est la dernière signature du très respecté label Domino, et tous les curieux sont présents car impossible de se faire un avis avec les deux seuls titres disponibles sur les plateformes. L’intro est assourdissante, puis le costume de l’armée et l’accent russe sonne un peu faux, sans compter que dans le contexte actuel, c’est une idée pour le moins saugrenue…

Un saxophone fait son entrée, et le groupe s’élance dans une version electro de la musique des balkans. Comme un remix d’Emir Kusturica and The No Smoking Orchestra. Avec des aboiements en plus. La chorégraphie sur scène est assez étrange mais on se laisse porter par le titre sans fin ‘King of the Slug’. Un grand chasssé croisé s’opère dans la salle, le public reste perplexe : ce groupe relève soit du génie, soit… A suivre !

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Gwendoline

Le duo est dans le noir, occupé à ses platines, surplombé par un énorme écran. Ce qui permet judicieusement de laisser le public prendre connaissance des paroles. Et en effet, au bout de 3 refrains le public tente de reprendre en choeur les chansons. Et notamment les “j’en ai rien à foutre” qui ponctuent Chevalier Ricard. “Nous sommes tous des Bretons alcooliques”, clament-ils !

Les morceaux sont très sombres, les chansons d’amour sont tristes à en pleurer, mais les refrains sont fédérateurs. ‘Conspire’ compile les thèmes d’anti-capitalisme, féminisme, syndicalisme, anti-nucléaire… Le propos est éminemment politique, ils tirent à balles réelles sur tout ce qui bouge ! Est-ce pour ça que la salle commence à se vider tout doucement pendant que les autres font des doigts d’honneur à Balkany et entonnent “la jeunesse emmerde le front national” ?

Le concert se finit sur leur tube ‘Audi RTT’, qui rappelle à tous que “la vie c’est dur putain”. Alors certes, Gwendoline n’est pas encore à l’aise sur scène, et pas prêt pour les têtes d’affiche de soirée, mais pour être honnête… c’est sûrement pas leur kif d’amuser les bourgeois de la Capitale.

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La Colonie de Vacances

C’est un projet unique en France : La Colonie de Vacances, c’est la rencontre de quatre groupes, à savoir Papier Tigre, Pneu, Electric Electric (lire l’interview) et Marvin. Placés chacun à un coin de la salle, le public se retrouve au centre, à déambuler. Une véritable expérience Dolby Atmos en live ! Le concert commence, et la foule tente de se déplacer pour se rapprocher d’une des scènes, mais en vain : le Cabaret Sauvage affiche complet ce soir.

Depuis la sortie de leur album, ECHT, l’orchestre joue des compositions plus structurées, avec plus de synchronisation et d’harmonie. Mais ce qu’on retient surtout c’est que le noise et le math rock font très bon ménage, et les pogos ne tardent pas à pointer leurs baskets. A commencer par l’ingé son, porté en slam au cœur de la foule pour pouvoir calibrer le son.

Il n’y a pas que la foule qui s’éclate, à voir les guitaristes qui headbang allègrement. Et de fait, le sol vibre en permanence ! A observer de l’extérieur du ring, la chorégraphie de la foule paraît désordonnée car chacun perçoit des temps forts différents !

Le temps d’une pause, les batteurs se reposent sur la foule qui clap en rythme, et le batteur de Pneu – qui joue pieds nus d’ailleurs ! – en profite pour siroter une petite bière. La montée se fait progressivement, très lentement, et le morceau ‘Alex Weir’ devient dantesque, presque interminable. On a l’impression qu’un sacrifice humain va avoir lieu ce soir… Peut être ce jeune garçon sur les épaules de son père, qui innocemment danse au milieu de la salle.

Le rythme des percussions est très soutenu, les batteurs ont l’air crevés. Le concert touche à sa fin, même la foule a du mal à suivre la partie de ping pong de sons qui se joue au-dessus de leurs têtes. Pour le dernier morceau, ‘Palmers’, les lumières se rallument et, sentant la fin arriver, les acharnés se retrouvent au centre pour un beau carnage.

C’était terriblement jouissif comme concert. Tous les sens sont en alerte (avec la bière à sauvegarder de ce chaos). “Ça c’est du collectif” balance Emilie Rougier en guise de conclusion. [NDLR: C’est la seule artiste féminine sur un collectif de 12 membres].

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Lire le live report de La Colonie de Vacances à la Route du Rock

Blanco Teta

Pour planter le décor, Blanco Teta ça signifie Sein blanc. D’après le groupe, le nom “fait référence au fait qu’en Argentine, il est interdit de faire du topless”, même à la plage, d’où la marque de bronzage. Sur scène, elles sont quatre : trois Argentines et un Colombien. Et donc sans surprise, elles sont assez – très – féministes.

Blanco Teta c’est un véritable show. La chanteuse arrive en manteau qui lui donne des allures impressionnantes de Cruella. Le bassiste avait une tenue en illusion d’optique, noire et blanche, très stylisée. La violoncelliste était en body résille, tout simplement. Et la batteuse, sur une plateforme en hauteur derrière le trio, semble provenir tout droit d’un groupe de glamrock, vent dans les cheveux inclus.

Le son est très abrasif, très punk mais expérimental. Alors certes on ne maîtrise pas vraiment l’espagnol, surtout quand il est crié, mais quand elles répètent POLICIA en boucle, on a tendance à se dire qu’elles sont très remontées contre les forces de l’ordre, pas uniquement contre les injustices de genre et les Violences sexistes et sexuelles. “Quand on crie, on crie pour tout le monde, pour toute la communauté queer“ racontent-t-elles aux Trans Musicales de Rennes.

L’originalité de ce groupe de punk, look mis à part, pourrait reposer sur l’usage d’un violoncelle, mais en fait Josefina Barreix alias Jsfnbrrx passe plus de temps à maltraiter son instrument qu’à en jouer. D’ailleurs l’archet a failli casser.

Au fur et à mesure du concert, nous nous sommes retrouvés happés, jusqu’à nous retrouver dans les premiers rangs. Ce qui fascine chez Blanco Teta, c’est cette énergie brute, avec un sens de la mise en scène. C’est assez compliqué à décrire, donc faut voir cette session KEXP pour se rendre compte.

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Agar Agar

La seconde journée débute pour nous avec Agar Agar. Dommage, on a loupé l’intéressant duo belge d’electro-pop Charlotte Adigéry et Bolis Pupul qui ouvrait le bal. Les parisiens d’Agar Agar, autre duo de la scène electro, sont donc chez eux et font de suite de la scène du parvis une espèce de dancefloor à la cool où on sautille gentiment grâce aux mélodies catchy du groupe et à l’énergie démonstratrice de Clara (qui contrebalance le flegme de son comparse Armand). Mention spéciale pour le toujours excitant titre ‘Prettiest virgin’, éternel tube worldwide.
[See image gallery at www.letransistor.com]

Jason Glasser

Nous jetons ensuite un œil à Jason Glasser dans les salons, qui, accompagné de son violoncelle et d’un batteur, délivre un set à la fois délicat et captivant, entre pop mélancolique et americana.

Violet Indigo

Dans un autre genre, Violet Indigo fait sensation sur le parvis, déjà par son spectaculaire look irisé, mais aussi par certains titres enjoués, entre groove et electro. Nous ne sommes pas forcément convaincus mais la jeune assistance semble jouer le jeu.

Benjamin Biolay

Enchaîne Benjamin Biolay, qui amène un public un peu plus mûr. N’empêche, le dandy du rock français sait rallier le public à sa cause, et ses tirades font mouche, comme sur ‘La superbe’ ou ‘Comment est ta peine’.

Johnny Jane

Johnny Jane prend le relai pour réveiller les plus jeunes, sans hommage avant l’heure à Jane Birkin (Car oui, son nom est à l’origine un titre de l’actrice, chanteuse, scénariste et réalisatrice britannico-française.). Il capte d’entrée la grande scène : forte personnalité, air nonchalant et paroles mélancoliques font bon ménage, et on se dit qu’on va souvent le retrouver en festivals.

Franz Ferdinand

Les incontournables Franz Ferdinand déboulent ensuite, et même s’ils commencent, avec près de 20 ans de carrière, à devenir des anciens du rock indé, l’énergie déployée par leur leader Alex Kapranos est communicative. Évidemment, ils se servent de leurs tubes ancestraux pour retourner le public, et le résultat est encore plutôt probant. ‘Matinée’, ‘Do you want to’ et évidemment un éternel ‘Take me out’ semblaient bien attendus par les milliers de spectateurs.

Nous n’avons pas été autorisés à entrer dans les salons et à shooter les phénomènes Zaho de Sagazan et Charlotte Cardin qui s’y produisaient. Dommage pour nous car cela promettait des prestations intéressantes de personnalités plus que montantes… Nous laissons ensuite le Fnac Live se terminer avec le set électro toujours de bon goût d’Étienne de Crecy, Boombass et
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