La Linterna del Acomodador

Malditos Bastardos

noreply@blogger.com (Ixowa) — Sun, 11 Oct 2009 13:00:00 +0000

Cuando fui a ver Inglorious Bastards (Malditos Bastardos) esperaba ver una película de Tarantino con los rasgos particulares de su cine que le han convertido en un director único, pero para mi sorpresa, me encontré con algo bastante diferente.

Seguramente la mayoría de los espectadores que vayan a ver esta película esperaran encontrarse un espectáculo de sangre y violencia gratuita, pues no, no hay nada de violencia gratuita, apenas alguna escena de corte de cabelleras, pero ésta falta de sangre y vísceras no es un defecto ni mucho menos, a no ser que lo único que te guste del cine de Tarantino sea su violencia.

La película está dividida en capítulos, al estilo de Kill Bill y Pulp Fiction, no se si Tarantino hará esto por gusto o porque no tiene recursos suficientes para enlazar las historias en el guión, sea como sea, la división en capítulos funcionaba algo mejor en las dos anteriores películas. Sin embargo esta división ayuda a distinguir cuáles son las mejores partes y las más flojas, porque la película es bastante irregular gozando de momentos bastante buenos y algunos otros bastante flojillos.

Malditos Bastardos consiste básicamente en largas conversaciones que normalmente no llevan a ninguna parte y acaban en tiroteo, a mi no me aburrieron las conversaciones, pero no llegan a estar a la altura de los míticos diálogos Tarantinianos de Pulp Fiction o Reservoir Dogs.

Yo destacaría el comienzo de la película en la granja como un comienzo muy digno y unas actuaciones muy buenas y la escena casi final del cine, que no voy a revelar para no spoilear, pero que visualmente es una gozada y creo que tiene mucha fuerza. El resto tiene sus altibajos, los “Bastardos” que dan título a la película no me entusiasmaron, tal vez porque su historia es la menos desarrollada.

Aunque tiene muchos defectos, en general no se la puede calificar como una mala película, yo sólo la llamaría “irregular” y menos Tarantiniana de lo esperado.

Homenaje a Yoshito Usui

noreply@blogger.com (Ixowa) — Mon, 21 Sep 2009 19:02:00 +0000

Desde aquí me quiero sumar al recuerdo del recientemente fallecido Yoshito Usui dando constancia a través de esta entrada de mi luto y pena. Siempre le recordaré con cariño como el entrañable autor de su obra más conocida, Crayon Shin-Chan, la cual se ha convertido para muchos en una parte imprescindible de nuestra cultura popular.

Descanse en paz, Usui-Sensei.

Nana

noreply@blogger.com (Ixowa) — Mon, 14 Sep 2009 16:17:00 +0000

Nana es un manga y anime creado por Ai Yazawa que trata sobre la vida de dos chicas aparentemente opuestas que comparten el mismo nombre, Nana. El manga lleva ya 22 tomos editados en Japón, el anime tuvo una primera temporada de 47 capítulos. Se espera que salga una segunda temporada cuando el manga llegue a su fin.

Aquí hablaré sobre el anime, ya que el manga no lo he leído entero. Las obras de Ai Yazawa tienen algo muy especial, pertenecen al género shojo, pero no son la típica historia de chicas tontitas enamoradas del guapo de la clase. Nana es una obra que ha tenido mucho éxito gracias a su realismo, el carisma de sus personajes y la intensidad de las historias que cuenta.

Cuando empecé a ver el anime no sabía qué me iba a encontrar, primero me conquistó la música, después las protagonistas y más tarde la historia. Poco a poco fui descubriendo que no iba a ser una historia fácil, que era poco probable que tuviera un final feliz y que no todo se iba a arreglar cómo suele ocurrir normalmente.

En Nana, a diferencia de otros shojos, el sexo se trata con naturalidad y los personajes son reales, cometen errores, tienen personalidades muy definidas y son tan humanos que se puede llegar a tener con ellos un grado de empatía más allá de lo normal.

Ai Yazawa puede provocar que toques el cielo de felicidad y momentos después hundirte en la más terrible tristeza, es como la vida misma, todo real, a veces tanto, que duele como si te clavaran un puñal en el corazón. Pero no puedes abandonar la historia, sabes que Nana y Hachi se merecen ser felices y lo deseas de corazón, y cuando parece que ya lo van a conseguir algo ocurre y lo rompe todo.

Nana Osaki es cantante punk del grupo Black Stones, es una chica independiente con una personalidad muy fuerte, aparentemente es bastante dura pero en el fondo tiene un gran corazón. Nana Komatsu es una chica dulce, con un carácter bastante infantil y muy sensible, Nana Osaki la pone el mote de Hachi y a partir de entonces todos la llaman así. Estas dos chicas que se conocen por casualidad en un tren traban una amistad muy intensa y especial que tendrá sus momentos buenos y malos.

A estas protagonistas tan carismáticas se les unen unos secundarios que no se quedan atrás, cada uno con sus pequeñas historias que se entrelazan. Todo gira en torno a dos grupos musicales: Black Stones (Blast) y Trapnest, los miembros de estos dos grupos y Hachi, viven diferentes historias de amor y amistad entre ellos, destacando sobre todo, la relación entre Nana y Ren, una de las parejas más carismáticas que jamás he visto.

Es mejor ver este anime o leer el manga sin saber mucho sobre la trama para poder así ir viviendo junto a los personajes todo lo que va ocurriendo.
Si lo ves y te gusta, empezarás a ver los demás shojos con otra mirada, ninguno superará nunca la magia y la intensidad de Nana.

Déjame Entrar

noreply@blogger.com (Ixowa) — Mon, 07 Sep 2009 17:01:00 +0000

El mito vampírico nunca dejará de estar vigente en la literatura y el cine porque es un tema que nunca muere, del que siempre se puede sacar algo nuevo y en el que cada autor da un nuevo punto de vista que le añade una fascinante frescura y actualidad al tema.

El protagonista de Déjame Entrar es un niño de 12 años bastante solitario que sufre acoso escolar, Oskar, muy rubio y blanco, aparentemente es todo lo contrario que su nueva vecina también de 12 años a la que conoce una noche enfrente de casa. Entre ellos se va fraguando poco a poco una historia de amistad y amor.

El amor en esta película es puro y verdadero, como es el amor infantil y el de los animales, la muerte también es algo verdadero e inevitable, es necesario para alimentarse, no estremece ver a esas personas morir, causa mucho más terror el acoso al que someten al chico en el colegio.

Fue rodada Suecia, su ambiente es frío, su desarrollo es lento y pausado. Lo que provoca esta película no es terror ni miedo, sino ternura a la que vez que cierta inquietud, como una extraña mezcla de sentimientos difíciles de explicar. Apenas se muestra nada, pero se sabe todo, la historia se desarrolla con una sutileza y elegancia como para quitarse el sombrero, acabando con un desenlace magistral e inolvidable.

Mapa de los Sonidos de Tokio

noreply@blogger.com (Ixowa) — Mon, 31 Aug 2009 23:27:00 +0000

Igual que ocurre con las comidas más suculentas, algunas películas se saborean mejor lentamente, con un ritmo pausado que ayuda a sentir mejor cada momento. Esto ocurre con Mapa de los Sonidos de Tokio, una película intimista sobre la soledad, la muerte, el amor, los eternos temas que siempre ha tratado el arte y de los que nunca nos cansamos, ya que son parte del motor que mueve la vida.

He empezado hablando de la “lentitud” porque siempre hay quien crítica una película llamándola lenta, como si esto fuera algo malo, a mi no me parece que sea algo negativo cuando la historia requiere que el ritmo sea más suave de lo que serían otras películas, lo importante son los personajes, la historia, el espíritu de la película y si todo el conjunto te llega de alguna manera o te dice algo o al menos te hace reflexionar sobre algún tema que tenías olvidado.

La película de Coixet es un mapa de sentimientos humanos desgarradores y trágicos con la soledad como hilo fundamental que lo mueve todo, la soledad suele ser un elemento muy presente en su filmografía como algo que causa la tristeza más profunda en el ser humano, en Mapa de los Sonidos de Tokio la soledad de los personajes está expresada a través de los silencios y de la cotidianeidad de una vida que no parece tener ningún sentido. De repente alguien irrumpe en la vida de otra persona y aligera esa soledad (aunque no deja de existir), lo que provoca una ligera sensación de estar viv@ de nuevo pero que sólo es un paréntesis de una soledad aún más profunda que llegará en el momento de la despedida.

La soledad, Tokio, la cultura japonesa, un español, una asesina a sueldo y un padre que no soporta la pérdida de una hija, esos son los elementos de este mapa que Isabel Coixet ha creado y combinado con habilidad formando un todo que no llega a la altura de Mi Vida Sin Mí o La Vida Secreta de las Palabras, pero que, sin duda, tiene el mismo espíritu.

Mis malos preferidos del cine

noreply@blogger.com (Ixowa) — Mon, 24 Aug 2009 15:41:00 +0000

Tras una temporada de parón veraniego en mi blog, esta mañana mientras volvía de la Biblioteca de coger mi ración semanal de libros y películas, por alguna extraña razón he empezado a pensar en los malos que más me han fascinado en el cine, creo que no son muchos y tal vez me olvide de alguno.

ADVERTENCIA: al final de este post hay un spoiler sobre la película Barton Fink, si no la has visto, no lo leas!

Ahí van, sin ningún orden especial los “malos” más fascinantes del cine:

- John Doe de Seven, este papel fue el que dió a conocer a Kevin Spacey, desde ese momento se convirtió en uno de mis actores favoritos. El psicópata John Doe cree haber sido elegido por Dios para llevar a cabo su plan. Con los 7 pecados capitales como excusa asesina a varias personas de diferentes maneras. No tiene identidad, su nombre es falso y ha eliminado sus huellas dactilares con una cuchilla de afeitar. Es un malo fascinante por la manera en la que lleva a cabo su enrevesado plan, que suele puede ser obra de una persona muy inteligente, la mirada de Kevin Spacey es escalofriante.

-Norman Bates de Psicosis, no podía faltar uno de los asesinos más famosos del cine, el carismático e inquietante Norman Bates, está ligeramente basado en un asesino real, Ed Gein, que al igual que Bates tuvo una enfermiza relación con su madre que provocó sus trastornos mentales. Norman Bates es un chico de apariencia frágil y en cierto modo, agradable, pero al mismo tiempo posee una mirada inquietante a la vez que atrayente, su habitación llena de pájaros disecados le daba aún más dimensión a su fascinante locura.

-Joker de El Caballero Oscuro, este el típico caso en el que un “malo” se convierte en el verdadero protagonista de la película eclipsando al héroe, ya ocurrió con el Batman de Tim Burton, donde Jack Nicholson interpretó a un Joker que ensombrecía al Batman de Michael Keaton. En 2008 llegó Heath Ledger e hizo que olvidaramos por completo a Nicholson creando un Joker totalmente loco y desatado, un perfecto antagonista que se convirtió en protagonista, no sólo por la prematura muerte del actor, sino también por una maldad que arrastra al espectador al abismo de la locura y el desenfreno más inquietante.

A PARTIR DE AQUÍ, SPOILER

-Charlie Meadows de Barton Fink, este peliculón de los Coen engendra uno de los personajes más interesantes que he visto nunca, mientras el protagonista está embobado en su propio mundo, no se da cuenta que el simpático gordinflon que vive junto a él es mucho más complicado de lo que aparenta. Un final sorprendente y visualmente genial acaba con este personaje de la manera más elegante que podría acabar.

Nuevas imágenes de Alicia en el País de las Maravillas de Tim Burton

noreply@blogger.com (Ixowa) — Mon, 22 Jun 2009 23:23:00 +0000

Ultimamente tengo el blog un poco abandonado, pero no he podido resistirme a poner estas imágenes de “Alicia en el País de las Maravillas” la próxima película de Tim Burton. Sólo puedo decir que son impresionantes, hacía mucho tiempo que unas imágenes de un próximo estreno no me llamaban la atención como éstas, lo mejor: la caracterización de Johnny Depp, aunque la de Helena Bonham Carter tampoco tiene desperdicio.
Y pensar que hay que esperar hasta marzo de 2010 para verla…

Elfen Lied

noreply@blogger.com (Ixowa) — Tue, 26 May 2009 14:03:00 +0000

Elfen Lied es un anime de 13 capítulos basado en el manga al cual es fiel hasta el capítulo 11, los dos últimos capítulos toman un rumbo diferente y la historia acaba de manera totalmente diferente a como termina en el manga.

Elfen Lied está dirigido a un público adulto dada la cantidad de escenas con desnudos, gore y violencia física y psicológica que presenta, siendo principalmente categorizado en los géneros de seinen, ecchi y terror. El nombre “Elfen Lied” es alemán y significa “canción élfica”, su origen es el lied Elfenlied del compositor austríaco Hugo Wolf, basado en el poema homónimo del escritor alemán Eduard Mörike. (Wikipedia")

Los diclonius (humanos con dos pequeños cuernos) son unos mutantes con un don que se le podría denominar como un sexto sentido. Estos seres tienen el poder necesario como para eliminar toda la humanidad. La humanidad está preocupada, y comienza a estudiarlos para buscar un remedio. Lucy, uno de los diclonius, se escapa de su cámara de contención, matando a todo aquél que se interpone en su camino, hasta caer al mar... Al día siguiente acaba en una playa, donde Kouta y Yuka la encuentran y la alojan en su casa, Lucy no recuerda nada y se ha convertido en una inocente chica que ni siquiera sabe hablar.

Este anime es muy especial, empezando con el opening, uno de los mejores que he visto, donde se escucha una canción inolvidable llamada “Lillium”, que también tiene un papel importante en la historia, la letra está en latín y mezcla algunos pasajes bíblicos e himnos religiosos. En las imágenes que aparecen en el opening aparecen los personajes de la serie pintados con un estilo inspirado en el pintor simbolista Gustav Klimt.

Lucy es la primera diclonius, la original, las que nacieron después son “silpelit”. Todo comienza cuando ella escapa del centro donde la tienen recluida provocando una matanza, al ser herida en la cabeza mientras escapa pierde la memoria y se convierte en la dulce e inocente “Nyu” que convive junto a Kouta y Yuka, que la encuentran casualmente en la playa, ellos son una pareja de primos que tienen una relación más allá de la puramente familiar. Lucy tiene ciertos momentos en los que despierta y recupera la memoria, pero siempre vuelve a ser “Nyu”, que no sería capaz de matar ni a una mosca. Según va a avanzando la historia descubrimos el pasado de Lucy, de Kouta y Yuka y todo va encajando poco a poco creando una historia triste y muy dura, tan dura que hay algunas escenas muy difíciles de ver y digerir, no por lo gore que son, sino por la extrema crueldad que representan.

Pero Elfen Lied no tiene sólo extrema crueldad, también tiene momentos de comedia, de amor y de ternura, la ternura enmedio de la crueldad más extrema es lo que caracteriza a este anime y por eso es tan impactante, además de por tener una historia inolvidable de nostalgia, tristeza, crueldad y amor.

Trailer de Sherlock Holmes

noreply@blogger.com (Ixowa) — Tue, 19 May 2009 14:29:00 +0000

Ya ha salido el trailer de una nueva versión sobre el detective por excelencia, creado por Arthur Conan Doyle. Sherlock Holmes será interpretado por Robert Downey Jr. y Watson por Jude Law.
La pareja protagonista no podría ser mejor: Robert Downey Jr., cada vez mejor actor y Jude Law, parece que hay muy buena química entre ellos, aunque habrá que esperar a ver la película, lo peor de todo es que hasta enero de 2010 no llegará a España y seguramente a lo largo de los meses que quedan irán saliendo más imágenes, trailers,etc para ponernos la miel en los labios hasta que se estrene.

El director es Guy Ritchie, no tengo mucha confianza en él, porque aunque Snatch, cerdos y diamantes me gustó, también fue capaz de hacer un bodrio como “Barridos por la Marea”, el trailer tampoco se puede considerar que sea muy orientativo de lo que será finalmente la película porque la mayoría de las veces los trailers no tienen nada que ver con lo que es en realidad la película, intentan vender algo más comercial para atraer a más público.

Abajo el Telón (Cradle Will Rock)

noreply@blogger.com (Ixowa) — Fri, 15 May 2009 11:00:00 +0000

Un tapiz de la vida en Nueva York en la dura década de los 30, durante la que artistas y obreros unieron fuerzas para luchar por la libertad de expresión, en una revolución cultural sin precedentes. La vinculación de la clase rica en proyectos culturales, Nelson Rockefeller y Diego Ribera, un Orson Welles con 22 años dirigiendo el Grupo de Teatro Federal en una infame producción de "The Cradle Will Rock", cancelada por el ejército en la víspera de su estreno, y todo un abanico de referencias históricas a aquella excitante y peligrosa época de la historia americana, cuando el coraje individual se enfrentaba cara a cara con la censura. (FILMAFFINITY).

Tim Robbins escribe y dirige una película con un ritmo trepidante y con un plantel de actores enorme, cada uno de ellos está perfecto en su papel, aunque yo destacaría a Bill Murray, que interpreta a un ventrílocuo con un halo de tristeza que al final descubre su verdadera cara a través de su muñeco en una de las mejores y más emocionantes escenas del film.

Hank Azaria también tiene momentos sublimes interpretando al autor de la obra, vemos como se va gestando la obra rodeado a la vez de sus propios fantasmas y del agitado presente que le inspira.
La obra que escribe trata sobre la prostitución, pero no sólo de la que se veían obligadas a ejercer muchas chicas durante la Gran Depresión a causa de la pobreza, sino también la prostitución del Estado, de la Iglesia, los sindicatos e incluso de los propios artistas.
Era una obra polémica y en aquella época se estaba fraguando la locura absurda que más tarde se conocería como la “caza de brujas”. Las sospechas de un grupo de políticos ignorantes de que los comunistas estaban dentro del Teatro Federal hicieron que se suspendieran todas las obras que iban a ser estrenadas, incluyendo The Cradle Will Rock, los militares tomaron el teatro y los sindicatos prohibieron a los actores y a los músicos actuar justo el día antes del estreno. Tim Robbins nos enseña de manera magistral todo lo que ocurre a partir de ese momento, es evidente el amor con que trata a esos personajes que amaban el arte por encima de todo, se echan a la calle junto al público que había ido a ver su obra y consiguen interpretarla en otro teatro, aunque en principio iba a actuar el autor sólo con el piano, por ser el único que no pertenece a un sindicato, pero al final de entre el público salen los verdaderos actores y cantan y actúan en el gran momento clímax de la película.

No sólo son los actores acuciados por la pobreza los protagonistas de esta historia, también están los ricos y poderosos que trafican con arte, negocian con fascistas como Mussolini y al mismo tiempo intentan que los artistas se sometan a su voluntad por un precio, pero no todos están dispuestos a prostituir su arte, como Diego Rivera no estuvo dispuesto a ceder ante las presiones de Rockefeller.

Por la gran cantidad de personajes y el ritmo trepidante que tiene la película en algunas ocasiones se podría haber convertido en una maraña imposible de seguir, sin embargo está todo perfectamente hilado, la cámara nos lleva al lugar justo en el momento justo y cuando la película acaba sientes haber vivido un espectáculo único que te deja un sabor agridulce con el último plano donde se nos muestra la actualidad, todo plagado de publicidad de grandes corporaciones, ¿la lucha sirvió para algo?

Trailer en inglés

Extraños en un tren

noreply@blogger.com (Ixowa) — Mon, 04 May 2009 15:58:00 +0000

Extraños en un Tren no es una de las películas de Hitchcock más conocidas por el gran público, fue rodada en 1951, antes de los grandes éxitos de la carrera del director (Psicosis, La Ventana Indiscreta, Con la muerte en los talones…) y después de dos fracasos en taquilla, Atormentada y Pánico en la Escena.

Basada en una novela de Patricia Highsmith, el propio Hitchcock. eligió la historia, en principio parecía una novela difícil de adaptar al cine pero él consiguió crear una buena película de suspense con sus señas de identidad, incluyendo uno de los temas más recurrentes en su filmografía: el del falso culpable.

Guy Haines es un joven campeón de tenis que mientras viaja en un tren se ve abordado por un admirador que sabe mucho sobre su vida privada por lo que se publica en las revistas de sociedad, en el trascurso de la conversación Bruno le propone a Guy un intercambio de asesinatos, él mataría a la mujer del tenista, que no le concede el divorcio y a cambio Guy tendría que matar al padre de Bruno, al que este odia porque no le deja vivir como quiere.

Hitchcock comienza la película haciendo lo que mejor sabe hacer: jugar con la cámara. Nos muestra unos pies andando en una estación de tren, dos pares de pies que se encontrarán casualmente en un choque fortuito, hasta ese momento la cámara no sube para enseñarnos a los dueños de esos pies. Este principio ya es sublime y anuncia que estamos a punto de ver una historia que merecerá la pena.

Pero el comienzo no es la única escena destacable, también nos encontramos con un momento en un partido de tenis en el que se nos muestra a los espectadores de dicho partido moviendo la cabeza todos al unísono de un lado hacia otro, en principio no se capta nada fuera de lo normal, pero cuando la cámara se acerca vemos que una persona está mirando hacia el frente, Bruno sólo tiene ojos para Guy. Otra escena memorable sin duda, es el asesinato de la mujer de Guy, este personaje se nos ha presentado como alguien despreciable, que manipula a su marido para sacarle todo el dinero posible, Hitchcock quiere que nos caiga mal y lo consigue, su muerte no nos causará turbación alguna, en cierto modo, nos fascinará ver un asesinato tan bien rodado. Hitchcock juega con el espectador como tanto le gustaba hacer, provocando que nos adentremos en nuestro lado más oscuro, sintiendo cierta empatía por un asesino.

Escena del partido de tenis

Siempre se dice que el personaje de Bruno tiene connotaciones gays, y es cierto, en aquella época un personaje gay no estaba permitido por la censura, pero Hitchcock siempre se las arreglaba para evadir dicha censura como ya hizo en La Soga, donde se vislumbra de manera bastante clara para la época, una relación homosexual entre los protagonistas.
Es curioso también el papel de la madre de Bruno, no aparece demasiado pero por lo poco que vemos de ella, sabemos que es una persona con algún problema mental, nadie con la cabeza en su sitio podría pintar el cuadro que ella le enseña a su hijo en una escena, siente predilección por Bruno y Bruno por ella, se intuye una relación madre-hijo algo enfermiza, que puede ser el verdadero motivo por el que Bruno quiere acabar con su padre, que sería un estorbo en esa relación.

En Extraños en un Tren podremos disfrutar del mejor cine de Hitchcock y de la actuación de Robert Walker que hizo un buen trabajo con un personaje que tiene muchos matices, ésta fue su penúltima película, ya que murió meses más tarde antes de acabar la que fue su última película que tuvo que ser completa con escenas descartadas de Extraños en un Tren.
Patricia Hitchcock, hija de Alma Reville y el director, trabaja en esta película interpretando un papel bastante importante y lo hace bastante bien, sin embargo nunca se dedicó a la actuación seriamente, tan sólo apareció en pequeños papeles en Psicosis y Pánico en la Escena.
Y por supuesto, no puede faltar el cameo del director de oronda figura… esta vez aparece entrando en el tren con la funda de un instrumento tan grande como él.

En el libro “El Cine Según Hithcock”, imprescindible para cualquier cinéfilo, el director habla sobre la película con Truffaut y nos cuenta cómo en la escena de la escalera, utiliza un momento de suspense con el perro para hacer que el espectador no piense en lo que va a hacer Guy en el dormitorio, nos distrae haciendo que nos preocupemos por cómo va a evitar que el perro le muerda y no pensamos en lo que de verdad importa. Por cosas como esta Hitchock era una maestro no sólo del suspense, sino también del cine, sabía perfectamente cómo manejar todos los recursos que tenía a su disposición para influir en cómo el espectador vería la película y lo que sentiría en cada momento.

Remake

noreply@blogger.com (Ixowa) — Sat, 02 May 2009 12:49:00 +0000

Un grupo de personas con un pasado en común se reúnen después de 20 años, al principio todo va bien, pero empiezan a surgir viejas heridas y frustraciones que ponen de manifiesto que aunque siguen siendo las mismas personas nunca podrán recuperar esos momentos felices que vivieron.

Que una película refleje unos diálogos tan naturales, tan vivos y que fluyan tan bien es algo que tiene mucho mérito, la mayoría de las películas tienen diálogos "de película", cosas que nunca diríamos en la vida real, y no me parece mal, hay algunos de esos diálogos que me encantan porque son pura ficción o fantasía, sin embargo en una historia como ésta que es absolutamente realista funciona mucho mejor el diálogo real, ver como un actor corta al otro o hablan a la vez, hace que la película sea especial y atrayente como retrato humano.

Nos retrata porque sabe reflejar los problemas generacionales que provoca la convivencia entre padres e hijos y también habla sobre una generación que tenía ideales, que vivieron en comunas, practicaron el amor libre y vivieron experiencias que no tienen nada que ver con su vida actual, el reunirse les hace recordar todo aquello y surgen los conflictos entre ellos y también con sus hijos, al final el fin de semana que parecía que iba a ser una balsa de agua de nostalgia y recuerdos perdidos se convierte en una idea nefasta.

Películas como ésta me hacen recuperar la esperanza por el cine español y sobre todo por los intérpretes, aunque a veces se echen de menos (la mayoría de los actores jóvenes españoles son pésimos), tenemos buenos actores jóvenes y mayores, como el gran Juan Diego y Alex Brendemühl, que son los que más me han impactado en esta película, aunque los demás no se quedan cortos.

El final me resultó desconcertante pero después de escuchar al director hablar sobre ello conseguí apreciarlo llegando a entender lo que pretendía.

Ponyo en el Acantilado

noreply@blogger.com (Ixowa) — Tue, 28 Apr 2009 10:52:00 +0000

Sosuke, un niño de cinco años, vive en lo más alto de un acantilado que da al mar. Una mañana, mientras juega en una playa rocosa que hay bajo su casa, se encuentra con una 'pececita' de colores llamada Ponyo, con la cabeza atascada en un tarro de mermelada. Sosuke la rescata y la guarda en un cubo verde de plástico. Ponyo y Sosuke sienten una fascinación mutua. Él le dice: “No te preocupes, te protegeré y cuidaré de ti”. Sin embargo, el padre de Ponyo, Fujimoto, que en otro tiempo fue humano y ahora es un hechicero que vive en lo más profundo del océano, la obliga a regresar con él a las profundidades del mar. “¡Quiero ser humana!”, exclama Ponyo y, decidida a convertirse en una niña y regresar con Sosuke, escapa. (La Butaca)

Ponyo en el Acantilado es una libre adaptación de la Sirenita realizada con la mano magistral de Hayao Miyazaki.

Ponyo llama la atención por su sencillez y por su maravillosa animación, de hecho es la película de animación con más fotogramas pintados a mano de la historia (170.000), lo que le da un toque artesanal y muy especial. En plena era digital, Miyazaki nos sigue sumergiendo en mundos creados con animación artesanal y consigue imágenes tan bellas y poéticas que no echamos de menos la animación digital en ningún momento.

La película destila inocencia y alegría, es una película para niños orgullosa de serlo, algo que no abunda ultimamente, sin embargo, los adultos sin prejuicios también pueden disfrutar viéndola, sobre todo los que conozcan el universo de Ghibli y Miyazaki. Se echa de menos algo más de profundidad en la historia, conocer por ejemplo, cómo llegó el padre de Ponyo, que es humano, a vivir en el fondo del mar, pero hay que tener en cuenta que la intención de Hayao Miyazaki esta vez no era realizar una película compleja y profunda sino una pequeña historia para niños.

A pesar de ser una película más sencilla, las constantes del cine de Miyazaki siguen estando presentes, la denuncia ecologista que ya aparecía en La Princesa Mononoke, el respeto a los ancianos, la poesía visual y un cierto toque onírico, todo esto junto da lugar a esa magia tan especial y única que tienen las historias de Hayao Miyazaki.

Mi nota:

Ver tráiler de Ponyo

Vampire Knight

noreply@blogger.com (Ixowa) — Fri, 17 Apr 2009 22:44:00 +0000

Los vampiros siempre me han fascinado, cuando era pequeñita creía que un vampiro vivía debajo de mi cama y con 13 años empecé a escribir una historia de vampiros inspirada por Anne Rice y su Entrevista con el Vampiro, que en esa época me volvió totalmente loca. Con el paso de los años mi fascinación por los vampiros no ha disminuído, por eso, cuando leí que existía una anime llamado Vampire Knight pensé que tal vez me gustaría dependiendo de cómo tratara el tema vampírico, explotado hasta la saciedad, pero que si está bien contado nunca cansa.

SINOPSIS

Lo único que Yuki recuerda de su infancia es que, perdida en el bosque mientras nevaba, fue atacada por un vampiro fuera de control, situación de la que la rescató otro vampiro, Kuran Kaname. Él la llevó con Kaien Cross, quien se convierte en su padre adoptivo y más adelante, en el director de la "Academia Privada Cross". Sin embargo, la academia de élite oculta un secreto: los alumnos de la Clase Nocturna son en realidad vampiros. El director y Kuran Kaname creen que es posible una convivencia pacífica de humanos y vampiros.

Yuki y Zero, un chico procedente de una familia de cazadores de vampiros cuyos padres fueron asesinados por uno de ellos cuatro años atrás, son los únicos de la clase diurna que conocen el secreto y se ocupan de mantener el orden en la Academia. Zero odia a los vampiros más que a nada en el mundo, pero a su vez también oculta un gran secreto que lo tortura día a día.

Yuki siente un amor muy especial y profundo por Kuran Kaname, a la vez que le infunde gran respeto, por ser quien es, pero también siente un amor incondicional por Zero y demuestra que sería capaz de cualquier cosa para evitar que sufra. Kaname y Zero se odian pero tienen en común su amor por Yuki, además los dos ocultan secretos que poco a poco se irán revelando y cambiando el rumbo de la historia.

En Vampire Knight los vampiros son seres elegantes, aristocráticos, melancólicos y con un lado oscuro (como todo buen vampiro). Los alumnos de la clase de día, sobre todo las alumnas, se sienten terriblemente atraídas por los chicos de la clase nocturna, aún sin saber cual es su verdadera naturaleza, ejercen sobre ellas una atracción irresistible, lo cual da lugar a situaciones que le ponen el punto de humor a la serie.

Desde el primer momento el personaje de Kuran Kaname me fascinó, es un vampiro de una familia muy importante dentro de su raza, un sangre pura, así que todos los demás vampiros de la escuela le obececen, es el que mantiene el orden y colabora junto al director Cross para que los vampiros no muerdan a los humanos, para ello han desarrollado unas pastillas que pueden saciar la sed de sangre. Kaname es un vampiro triste, sus ojos reflejan un sufrimiento eterno cuya causa no conocemos hasta que se van desvelando los detalles de su historia.

Zero odio a Kaname, por ser un vampiro y también en parte, por ese amor que Yuki siente por él, algo que Zero no puede entender por su desprecio a los vampiros, a los que considera monstruos, sin embargo tendrá que enfrentarse a lo que más odia desde dentro, luchando por conservar su humanidad y por no hacerle daño a Yuki.

Yuki, Zero y Kaname me parecieron los personajes más carismáticos que he visto en muchos años, sobre todo Kaname, un vampiro terriblemente atrayente. La historia nunca decae, ya que en los momentos más ligeros de la serie también se mantiene el interés, pero sin duda lo mejor fueron los últimos capítulos, en los que se empieza a desvelar una serie de misterios que dan un vuelco a todo y que te hacen adorar aún más a esos personajes atormentados. El final es muy emocionante, toda la verdad ha sido desvelada y comienza una nueva etapa dejando una puerta abierta a una continuación.

Mi primer premio ^^

noreply@blogger.com (Ixowa) — Fri, 17 Apr 2009 18:41:00 +0000

Los chicos de Blopez decidieron ayer darme el premio “Este blog es una joya” y me hizo ilusión, es mi primer premio! Ahora, me toca a mí elegir los blogs que más me gustan de los que suelo leer, primero dejo las normas:

1. Mostrar el premio.

2. Enlazar a quién te lo entrega.

3. Pasárselo a 10 personas y avisarles para que lo recojan.

And the winners are…

La página web de Mr. X por sus completas entradas sobre cine y “para que todos esos momentos no se pierdan en el tiempo como lágrimas en la lluvia” (me encanta decir esa frase)

Cinoscar & Rarirites porque me encanta ver la cabecera nueva cada vez que entro, por su magnífico concurso “La película de la década” y porque nos gusta el cine!

El Otaku porque entrar en este blog siempre es un placer y a mi también me encanta FullMetal Alchemist.

Lolfanzine por su indudable aportación al mundo friki!!

Stif-Maister´s Blog porque después de la entrevista que le hizo Jaume para el Lolfanzine me cae aún mejor xD

Y esto es todo, son pocos pero de mucha calidad ^^, hay otros a quien me hubiera gustado dárselo pero ya lo tienen.

Saludos a tod@s y gracias a Blopez!

Trailer oficial en español de Ponyo

noreply@blogger.com (Ixowa) — Wed, 15 Apr 2009 18:54:00 +0000

Ya ha salido el trailer con el doblaje español de Ponyo en el acantilado, la nueva película de Hayao Miyazaki que tanto estoy esperando desde hace meses. El día 20 de este mes se estrena, es decir, la semana que viene ya estará en los cines y espero poder verla en pantalla grande que es como más me gusta ver las películas. En cuanto la vea comentaré lo que me ha parecido.
La canción con el doblaje se ha quedado con un tono muy infantil, pero como siempre las películas de Miyazaki aunque tengan apariencia infantil se disfrutan más siendo más mayorcito, pero como siempre en los cines la mayoría serán niños, así que espero poder ir a una hora en la que no haya tanto público infantil, porque odio que la gente haga ruidos en el cine!!
Ultimamente no escribo mucho en el blog porque no veo películas tan a menudo como antes, ahora tengo una época más de series y anime, ahora mismo estoy con la primera versión de Fullmetal Alchemist, cuando la acabe haré una entrada sobre ella, de momento me está gustando mucho más de lo que esperaba.

Aquí os dejo el trailer de Ponyo, ya falta menos!

Fellini, 8 y medio

noreply@blogger.com (Ixowa) — Sat, 11 Apr 2009 18:07:00 +0000

Es difícil escribir sobre una película como esta, hay que verla para entenderla o al menos para intentar comprender que se le pasaba por la cabeza a Fellini cuando escribió y dirigió semejante obra. Mastroianni interpreta al propio Fellini con el nombre de Guido Anselmi, con una crisis creativa y personal, mezclando desde el principio imágenes oníricas y evocadoras de su infancia.

Hasta que aparece el crítico de cine todo es desconcertante y no sabes bien que estás viendo, pero cuando el personaje del crítico le explica a Mastroianni su opinión sobre la película que está preparando entonces todo cobra sentido: estamos en una película dentro de otra película, dentro de la cabeza del director que nos intenta explicar lo difícil que es crear algo y la presión y frustración que puede causar.

Es una película apasionante, desconcertante a veces y técnicamente magistral, algunas escenas ponen los pelos de punta por su perfección cinematográfica, nunca me había estremecido tan sólo viendo una ventana cerrarse, pero esta película lo consiguió, es la magia del cine en estado puro.

Es increíble la belleza de las mujeres que salen en esta película, casi todas están deslumbrantes pero por encima de todas ellas brilla Claudia Cardinale, una musa que cuando aparece en pantalla parece que no existe nada más.

Es impactante darse cuenta de que los considerados como maestros o genios de un arte como el cine también tienen sus dudas y sus frustraciones, esta es una de las razones por las que esta película es tan grande, porque nos permite sumergirnos en una mente creadora y ver que no se diferencian tanto de los demás humanos. Tan sólo una cosa los diferencia: sus dudas y frustraciones al final se transforman en una gran obra de arte.

8 ½ es una película bastante autobiográfica. Este hecho ha sido reconocido y negado, según cómo le viniese el ánimo, por el propio Fellini.

La película suponía el número ocho y medio en su filmografía, porque ya había rodado anteriormente siete películas, y media, considerando como tal su episodio en la obra colectiva Boccaccio '70.

La Invasión de los Ladrones de Cuerpos

noreply@blogger.com (Ixowa) — Wed, 08 Apr 2009 00:04:00 +0000

The Invasion Of The BodySnatchers es una de esas películas de ciencia ficción de los 50 que se ha convertido en un film de culto a pesar de los errores que tiene su trama y la falta de lógica de algunos elementos de su historia.

Miles es un médico al que vemos al principio de la película llegando a una comisaría desesperado y gritando que no está loco, así comienza a contar la historia convirtiendo a toda la película en un flashback. Todo comienza cuando Miles empezieza a notar cosas raras en su pueblo, investigando, él y su amada Betty descubren que todos sus vecinos y amigos se han convertido en seres incapaces de sentir emociones a pesar de conservar el mismo aspecto físico, la transformación se realiza a través de unas vainas de las que "nace" el nuevo cuerpo clonado del ser humano en cuestión. Poco a poco todos se van convirtiendo menos el doctor y Betty que consiguen huir de la ciudad.

En muchas ocasiones la película es algo pesada y hay escenas totalmente innecesarias que no aportan nada y que hacen que el ritmo sea un auténtico desastre, los actores están aceptables para una película de esa época y por lo demás poco hay que destacar, si es un film de culto es por la inquietante historia que nos cuenta y tal vez por su "subliminal" mensaje político.

Hay muchas interpretaciones relacionadas con esta película que la sitúan como un film de propaganda anticomunista, hay que comprender que se realizó en la época de la guerra fría y ésta no fue la única película de los 50 a la que se le acusó de esto, en otros muchos films de ciencia-ficción aparecían extraterrestres malvados que venían a invadir la Tierra imponiendo sus ideas, la mayoría de ellos venían de Marte, el planeta "rojo" casualmente, estableciendo una analogía entre la amenaza exterior de los extraterrestes que quieren destruir la humanidad y los comunistas.

No se si esta película se hizo con fines propagandísticos o no, aunque todo parece apuntar a que sí. Independientemente de la intención política, me parece una idea estupenda: es aterrador que tus propios amigos, familiares y vecinos sigan siendo los mismos pero pierdan su capacidad de sentir emociones, y nos plantea un dilema: ¿si nos dieran la oportunidad de vivir sin sentir nada lo aceptaríamos? Sería el final del sufrimiento y el dolor pero también del amor, la emoción y todo lo que nos hace humanos. Yo tendría clara mi respuesta y tu?

Los carteles de Ponyo en español

noreply@blogger.com (Ixowa) — Sat, 04 Apr 2009 22:39:00 +0000

El día 24 de abril es la fecha en que se estrenará en España Ponyo en el Acantilado, la nueva película de Miyazaki y Ghibli, muchos ya han podido verla y por lo que he oído parece que no decepcionará. Esta vez, no he tenido ocasión de ir al pase de prensa, no sé si harán otro pase en las próximas semanas, pero si no es así tendré que esperar hasta el día 24 para verla en pantalla grande, eso si, intentaré ir a una hora en la que no haya niños...

Mientras esperamos, aparte del trailer que ya puse en otra entrada, ya podemos ver los nuevos carteles oficiales en español que han salido, yo los ví en Ramen para Dos y como ya comenté allí, me hacen gracia los caracteres que han puesto para el título, porque aunque intentan conservar el espíritu de los caracteres japoneses y el aire infantil, lo único que han conseguido es que parezcan hechos con el Paint por un niño de 3 años, aunque tal vez sean temporales y luego los cambien por otros más "profesionales", pero en fin... lo que importa es que Miyazaki vuelve y este hombre no sabe dirigir nada que no sea una obra maestra..

Tim Burton y Alicia en el País de las Maravillas

noreply@blogger.com (Ixowa) — Wed, 01 Apr 2009 18:14:00 +0000

Después de oír rumores diferentes sobre lo que iba a hacer Tim Burton después de Sweeney Todd por fin supimos hace algún tiempo que la próxima película de Tim será una adaptación de Alicia en el País de las Maravillas, en la que estarán como siempre, Johnny Depp (que será el sombrerero loco) y Helena Bonham Carter aparte de otros actores como Anne Hathaway (la reina blanca), Michael Sheen, Matt Lucas, Stephen Fry, Crispin Glover, Timothy Spall y Alan Rickman.

Alice/Alicia será Mia Wasikowska, de momento no muy conocida, y será narrada con una combinacíón de imagen real y animación con personajes creados a partir de la captura de movimiento, que fue la técnica con la que se hizo a Gollum, por ejemplo.

Walt Disney ha llegado a un acuerdo con IMAX para estrenar la película al mismo tiempo que en cines convencionales también en cines IMAX digitalmente remasterizada y con sonido de calidad IMAX, es decir en 3D digital. Seguramente será una experiencia única ver esta película en 3D, aunque cualquiera de sus películas por su estética podrían ser buenas candidatas para la tecnología 3D.

Tim Burton tiene una manera especial de tratar las historias y sus películas siempre son especiales por algún motivo, y aunque en los últimos años su figura se ha vuelto bastante comercial con todo tipo de merchandising que ha puesto de "moda" una estética y que a veces lleva gente que ni siquiera ha visto Eduardo Manostijeras o Ed Wood, las dos mejores obras de Tim Burton, a pesar de todo eso, sus películas siguen siendo suyas y siguen siendo geniales y especiales.

Se estrenará simultaneamente en cines convencionales y en IMAX el 5 de marzo de 2010.

Vía: No es cine todo lo que reluce

Beyond The Clouds

noreply@blogger.com (Ixowa) — Tue, 31 Mar 2009 00:32:00 +0000

Beyond The Clouds nos cuenta la historia de dos chicos, Hiroki y Takuya y una chica, Sayuri, que se conocen en el colegio en medio de un Japón dividido en dos partes por una misteriosa y gigantesca torre que se ve desde su pueblo. Los dos chicos construyen un avión con la intención de llegar volando algún día a la torre y Hiroki le promete a Sayuri que algún día irán juntos en ese avión y volarán sobre la torre. Varios años después los 3 chicos se encuentran separados y Sayuri ha caído en un estado de sueño del que no puede despertar.

Es una película extremadamente bella, cada imagen te deslumbra con unos paisajes y sobre todo unos cielos impresionantes, la belleza de los paisajes es tan exagerada que incluso le roban el protagonismo a los personajes.

En cuanto a la historia es un poco enrevesada, la parte en la que se explica el extraño fenómeno de los universos paralelos y la causa de que la chica haya estado durante años dormida creo que no me quedó muy clara, aún así disfruté mucho viendo esta película porque visualmente es una gozada y la historia es entretenida, aunque creo que a los personajes les faltaba un poquito más de fuerza, aunque como ya he dicho antes tal vez ese derroche de belleza visual restó profundidad a los protagonistas.

Pero sin duda, el final es emocionante porque aunque sea predecible, no podía acabar de otra manera.

Where the wild things are y Synecdoche New York, dos películas que no me quiero perder

noreply@blogger.com (Ixowa) — Sat, 28 Mar 2009 16:32:00 +0000

Hay dos películas que se van a estrenar este año y que por diferentes motivos tengo muchas ganas de ver, las dos tienen una pinta muy atractiva pero lo que más me atrae de ellas seguramente es quién se encuentra detrás de la cámara, dos directores que trabajaron juntos en el pasado como guionista y director, son el genial Charlie Kaufman y Spike Jonze.

Charlie Kaufman se estrena como director, después de haber trabajado como guionista de películas que para mí son verdaderas obras maestras como Eternal Sunshine of The Spotless Mind o Adaptation.

Synedoche New York

Director y guionista: Charlie Kaufman

Reparto: Philip Seymour Hoffman, Catherine Keener, Michelle Williams, Dianne Wiest, Emily Watson, Samantha Morton, Hope Davis, Jennifer Jason Leigh

SINOPSIS: Hoffman interpreta a Caden Cotard, un director teatral que intenta representar una obra creando una réplica de Nueva York a tamaño natural dentro de un almacén.

Curiosamente iba a ser dirigida por Spike Jonze, pero prefirió dirigir la otra película que no me quiero perder este año:

Where The Wild Things Are

Director: Spike Jonze

Guión: Spike Jonze, Dave Eggers

SINOPSIS: ‘Where The Wild Things Are’ es una adaptación del clásico cuento para niños de Maurice Sendak, protagonizado por Max, un desobediente niño que es enviado a la cama sin cenar, que crea su propio mundo imaginario, un lugar poblado por feroces criaturas que le tienen a él como líder.

Ambas sinopsis de FilmAffinity

Los Abrazos Rotos

noreply@blogger.com (Ixowa) — Fri, 27 Mar 2009 03:44:00 +0000

Pedro Almodóvar vuelve a estrenar una película que gustará mucho a algunos y que otros odiarán, su cine no suele dejar indiferente a nadie desde que empezó y aún habiendo evolucionado de una manera muy llamativa en los últimos años la polémica siempre está servida cuando Almodóvar estrena nueva película.

En este caso nos cuenta una historia de amor con tintes de cine clásico y con pellizcos de autohomenaje. Los Abrazos Rotos habla sobre Harry Caine/Mateo Blanco, un ex-director de cine ahora ciego que se dedica a escribir guiones con ayuda del hijo de su mejor amiga, a lo largo de la película se va descubriendo la verdadera historia, lo que ocurrió años atrás y desembocó en el actual estado de Harry/Mateo.

Los Abrazos Rotos es un homenaje al cine clásico, homenaje que se ve en algunos de sus planos, en sus guiños y en general, en el espíritu de la película, pero también es un "autohomenaje" de Almódovar al cine de su anterior etapa, el que le hizo famoso (Mujeres al Borde de un Ataque de Nervios, Kika, etc), por ello algunos odian la película, porque el "ego" del director la estropea, sin embargo a mi no me molestó, simplemente me pareció curioso.

En cuanto a las interpretaciones, hay de todo, Penélope Cruz está estupenda, cada día me gusta más, aunque nunca la había considerado una buena actriz antes de ver Volver, en esta película sus miradas son muy elocuentes. El protagonista, Lluís Homar también me gustó, es un actor al que nunca he visto destacar mucho pero que siempre cumple muy bien con sus papeles. En el otro lado están algunos secundarios que la verdad es que dan pena, por ejemplo Rubén Ochandiano, un actor de la generación de Al Salir de Clase que interpretando a un personaje gay es, lo peor de toda la película con un amaneramiento propio de chiste malo.

Almodóvar tiene un gran director en su interior que empieza a asomar la cabecita desde hace varias películas pero que aún no termina de salir del todo, sólo se le ve en algunas escenas brillantes, espero que consiga salir algún día y explotar como un gran cineasta, quién sabe...

Death Note

noreply@blogger.com (Ixowa) — Mon, 23 Mar 2009 01:23:00 +0000

SINOPSIS (wikipedia)

Light Yagami es un estudiante japonés con la mejor nota de todo el país. Un día que se encontraba aburrido en la escuela encuentra por casualidad un cuaderno en cuya portada pone DEATH NOTE (cuaderno de muerte) con instrucciones de uso en las que se dice que escribiendo el nombre de una persona de la que se conozca el rostro, ésta morirá de cualquier causa que se especifique entre los siguientes 6 minutos con 40 segundos, sino se especifica simplemente muere de un ataque al corazón 40 segundos después de escribir el nombre de aquella persona en el cuaderno.

Al principio Light es escéptico con la autenticidad del cuaderno, pero después de probarlo en dos ocasiones, se da cuenta que su poder es real. Pasados 5 días lo visita un shinigami llamado Ryuk. Los shinigamis son seres de otra dimensión que usan los Death Note para matar personas y así prolongar su propia existencia. Ryuk le explica a Light que el Death Note que encontró le pertenece, pero cuando se extravía, en el mundo humano, automáticamente pasa a ser posesión de la persona que la encuentre, hasta que ésta última muera o el cuaderno sea destruido. A su vez Light le cuenta a Ryuk que su objetivo es matar a los criminales, para así limpiar al mundo de la maldad y convertirse en el dios de un mundo nuevo, libre de crimen.

Las numerosas muertes sin explicación atraen la atención de la policía, la cual pide ayuda a un misterioso detective mundialmente conocido como L. L se da cuenta que Kira (apodo con el cual se conoce al asesino, que es Light) puede matar a las personas con sólo conocer su nombre y su rostro. Ambos empiezan una pelea de ingenio y astucia.

MI OPINIÓN

Este es uno de los primeros animes que vi y me fascinó desde el primer segundo del opening del primer capítulo (ver video abajo).

La primera parte de Death Note es genial, me encanta el duelo intelectual entre Light/Kira y L/Ryuzaaki, son dos personajes con muchisimo carisma, sin embargo, la segunda parte la historia, sin dejar de ser buena, se hace más floja.

SPOILER > La muerte de L era algo totalmente inesperado y creo que provoca que la serie pierda muchísimo, ya que era el principal personaje junto a Light y su ausencia deja un vacío en la historia que no se puede llenar por su personalidad excéntrica, su inteligencia y su manera de enfrentarse a Kira/Light tan ambigua a veces. < SPOILER

Light es un chico que adquiere un poder propio de un dios (matar a quien quiera tan sólo escribiendo su nombre) y se convierte en una persona megalómana, él mismo dice que va a ser "el dios del nuevo mundo", cree que hace el bien porque asesina a criminales, pero también provoca muertes de personas que no han cometido ningún crimen simplemente porque se interponen en su camino.

Es una manera de plantear lo que significa la pena de muerte aderezado con unos toques religiosos, que se ven a lo largo de toda la historia: crucifijos, angeles, una escena impactante en la que "L" le lava los pies a Light y muchas más referencias que le dan una dimensión mucho más profunda a la historia de lo que pudiera parecer a simple vista.

La visión que tiene Light Yagami de un nuevo mundo en el que no existan los criminales porque todos han sido exterminados por Kira es utópica a la vez que terrorífica, ya que, supuestamente los crímenes no existirán por el miedo de la humanidad a ese nuevo dios llamado Kira que tiene el poder de acabar con la vida de cualquiera.

El manga en el que se basa son 12 tomos, de momento sólo he leído el primero pero parece que el anime es bastante fiel, aunque según tengo entendido hay algunas variaciones en el final.

Sobre el guionista del manga, Tsugumi Ōba, hay diferentes rumores, se dice que es el seudónimo de algún otro autor más famoso, también se especula que la personalidad de "L" está basada en él mismo guionista que escribe en cuclillas, es amante de los dulces y pasa el día y la noche pensando. Nunca ha sido visto en público y también se rumorea que puede ser una mujer, por el avatar que utiliza cuando hace comunicados de prensa. También podría ser que todo esto sea una historia montada para dar más misterio a la obra y al autor, pero tiene su encanto ^^.

La Ruta Natural

noreply@blogger.com (Ixowa) — Thu, 19 Mar 2009 19:09:00 +0000

Hace tiempo que vi este corto y me encantó, al estrenarse El Curioso Caso de Benjamin Button recordé que vi un corto con una temática parecida y me puse a buscarlo. El corto se llama "La Ruta Natural" y juega con el orden lógico de la vida de un hombre. Me sorprendió por su calidad técnica y sobre todo por el tema que trata y cómo lo trata. Una pequeña joya de 10 minutos que merece la pena ver.

Se llevó un montón de premios entre ellos el de mejor cortometraje en el Festival de Sundance.

Ficha Técnica:

Dirección: Àlex Pastor

Guión: Àlex Pastor,Martí Roca

Intérpretes: Pere Ventura, Albert López-Murtra, Albert Capdevila, Carlota Ribes

La Ruta Natural