Laberintos vs. Jardines

Cosmohedron | Animated Short

noreply@blogger.com (Luis Mº Iglesia) — Sun, 09 Feb 2025 13:04:00 +0000

La Feria Internacional de Arte "ARCO" se traslada excepcionalmente al mes de julio de 2021 para asegurar la mayor presencia internacional

noreply@blogger.com (Luis Mº Iglesia) — Thu, 24 Sep 2020 17:52:00 +0000

IFEMA y el Comité Organizador de ARCOmadrid han acordado trasladar excepcionalmente la celebración de la 40 ª edición de la Feria Internacional de Arte Contemporáneo a la semana del 7 al 11 de julio de 2021.

Una meditada decisión impulsada por la permanente voluntad de ofrecer una feria con garantías de éxito comercial para las galerías participantes, en unas fechas en las que previsiblemente se vivirá un mejor entorno que permita la movilidad internacional, y con ello el encuentro con galerías, coleccionistas y profesionales de todo el mundo, y que permita el desarrollo de la Feria en un contexto económico más estable.

En esta decisión ha tenido un peso especial la celebración del 40ª Aniversario de la Feria, una edición que se está proyectando de forma especial un programa de amplia repercusión a nivel internacional, que se verá afianzado en sus nuevas y excepcionales fechas de celebración. Asimismo, su convocatoria en julio permitirá ampliar el tiempo de trabajo y preparación de proyectos a galerías, instituciones y agentes de la ciudad de cara a la celebración de ARCOmadrid 2021, y garantizar a profesionales llegados de todos los rincones del mundo, y al público, un contexto más seguro y unas condiciones sociales y comerciales más favorables.

La internacionalidad de la feria y la calidad de sus contenidos artísticos seguirán rigiéndose como pilares esenciales de ARCOmadrid 2021 en una especial edición, la de su 40 Aniversario, que aspira a ser momento de reencuentro y reactivación de nuevas oportunidades para todo el sector del arte contemporáneo.

La próxima convocatoria de ARCOmadrid reunirá, como parte de su homenaje al sector en estos 40 años de historia, a una selección de grandes nombres del galerismo internacional, galerías que han tenido presencia en la feria a lo largo de su trayectoria, y que serán invitadas a participar en la sección ´ARCO 40 Aniversario` -comisariada por María Inés Rodríguez, directora de Tropical Papers y comisaria adjunta de arte moderno y contemporáneo de MASP, São Paulo; Sergio Rubira, Comisario independiente y Profesor de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid, y Francesco Stocchi, comisario de Arte Moderno y Contemporáneo del Museum Boijmans Van Beuningen, Rotterdam, y co-curador de la 34ª Bienal de São Paulo-.

Esta especial participación se presenta como complemento a los contenidos que presentarán las galerías seleccionadas por el Comité Organizador en el Programa General, y las participantes en la sección Opening, cuya selección será realizada por Övül Durmuşoğlu, crítica y comisaria independiente, Berlín, y Julia Morandeira, comisaria e investigadora, Madrid.

La permanente disputa entre el hombre y la divinidad. Periodo Pre-Aqueménida. Siglos VIII-VI a. C.

noreply@blogger.com (Luis Mº Iglesia) — Thu, 04 Jun 2020 10:47:00 +0000

Recipiente de plata y oro Pre-Aqueménida en forma de héroe y toro alado Plata y oro, siglos VIII-VI a. C. H. 27,5 cm.

El héroe sostiene una espada en su mano derecha y con su mano izquierda aferra el ala izquierda del toro, mantiene su pie izquierdo presionando contra la grupa izquierda del toro, mientras que su pie derecho está firmemente plantado en el suelo. La parte posterior más bien corta de su abrigo tiene largos mechones alrededor del borde de la cola. El abrigo está abotonado en la parte delantera y cuelga hasta la rodilla en la espalda. El diseño de las bandas decorativas, una cadena de pequeños cuadrados con círculos dentro, rodean el puño, el cuello, el pecho, la cintura y el dobladillo del abrigo.

Tipos similares de ropa y decoración también se encuentran en el este de Anatolia, Mesopotamia e Irán occidental a principios del primer milenio antes de Cristo. La cara del hombre, o más exactamente, su boca y rasgos por encima de ella, están cubiertos de oro. El hecho de que las cuencas de los ojos sean desproporcionadamente grandes para el tamaño de la cara del hombre sugiere que originalmente gozaba de algún tipo de incrustaciones, a juzgar por las ranuras incisas a lo largo de las cejas que se arquean sobre las cuencas de los ojos. La larga depresión en la cara desde la sien hasta debajo de la nariz y hasta la barbilla también plantea la posibilidad de que alguna vez estuviera cubierta con una barba hecha de otro material.

La cara del hombre recuerda a las que se encuentran en las tallas de marfil excavadas en Hasanlu. Un agujero en la parte superior de la cabeza y un amplio canal cortado desde arriba de la frente del hombre hasta la parte posterior de la cabeza probablemente significan que otros materiales fueron colocados en esas áreas como adorno de cabeza y/o cabello. El elemento en forma de marco en la frente está separado en el centro y parece curvarse hacia arriba, lo que sugiere que los cuernos de toro estaban unidos a la corona que llevaba el hombre. El rostro del toro alado tiene rasgos humanos, incluida la barba. Los cuernos en la cabeza del toro se asemejan más bien al del genero de las cabras. Las alas están compuestas por tres capas de plumas en forma de espada con diseño en espiga. Alrededor de un agujero circular en el pecho, aparece un rastro que sugiere que pudo tener un elemento adjunto. Los mechones en la frente, que cubren la sien, se colocan detrás de las orejas son características casi comunes de los grifos, también bestias sobrenaturales aladas o sin alas, mitad humanas, mitad animales del área del Mediterráneo oriental, Anatolia oriental e Irán septentrional y occidental.

Los diseños que involucran a la cabra alada son bastante comunes en las tierras altas iraníes: el animal divino alado y con rostro humano con cuernos de cabra se puede encontrar en las obras de metal de Luristán en el oeste de Irán durante los siglos X al IX a. C., y más tarde, el toro alado con rostro humano con cuernos de cabra se puede encontrar en el arte aqueménida.

La escena de la lucha de un héroe con una espada en su mano derecha, sosteniendo un animal o una bestia sobrenatural por detrás y con el pie izquierdo presionando el cuerpo del animal se asemeja a los que se encuentran en los sellos cilíndricos de Babilonia a principios del primer milenio antes de Cristo.

Se ha especulado sobre la existencia de una ruta comercial activa que conectaría Kassite-Babilonia, Asiria, Hasanlu en el oeste de Irán y Marlik al norte de Irán, lo que corrobora claras similitudes en los diseños de arte y artesanía en estas áreas. Las dos figuras de esta pieza están conectadas a través del pie izquierdo del héroe. Parece que hay pruebas suficientes, incluidas las perforaciones en la cabeza del guerrero y en el pecho del toro alado, que apuntarían a un posible uso de este trabajo como un recipiente o aguamanil.

Miho Museum

www.miho.or.jp/intro/

FEDERICO GARCÍA LORCA EN BURGOS. 1916-17

noreply@blogger.com (Luis Mº Iglesia) — Sun, 12 Apr 2020 11:34:00 +0000

Siendo alumno en las Facultades de Filosofía y Letras y de Derecho de la Universidad de Granada (en las que tuvo como profesores a los burgaleses Martín Domínguez Berrueta y Andrés Manjón), Federico García Lorca visitó Burgos en sendos viajes de estudios en 1916 y 1917.

Durante el verano de 1917 Diario de Burgos publicó cinco artículos del jovencísimo escritor, fruto de sus sensaciones durante aquellas estancias en la ciudad, textos que más tarde emplearía en su primer libro, Impresiones y paisajes, que vio la luz en 1918.

Ahora han sido recuperados en formato sonoro gracias a la complicidad de algunos amigos de la Biblioteca Municipal de Burgos, que han puesto voz a aquellos textos para deleite de todos nosotros:

1. Las monjas de Las Huelgas (publicado el 7 de agosto de 1917 Voz: María Jesús Jabato Dehesa

2. Mesón de Castilla (publicado el 22 de agosto de 1917) Voz: Regina Tapia

3. Divagación. Las reglas en la música (publicado el 18 de agosto de 1917) Voz: Juan Manuel Moure

4. San Pedro de Cardeña. Paisaje... (publicado el 3 de agosto de 1917) Voz: Rodrigo Pérez Barredo

5. Notas de estudio. La ornamentación sepulcral (publicado el 31 de julio de 1917) Voz: Mayte Gómez Sanz

ARCO 2020. FERIA DE ARTE CONTEMPORÁNEO. MADRID 26FEB _01MAR

noreply@blogger.com (Luis Mº Iglesia) — Tue, 14 Jan 2020 20:24:00 +0000

Tras el éxito comercial y de la crítica de la pasada edición, ARCOmadrid 2020, en su 39a edición anual vuelve a celebrarse en la capital española entre el 26 de febrero y el 1 de marzo de 2020, ampliando sus esfuerzos en vincular el arte contemporáneo con la sociedad en general, al mismo tiempo que promoviendo el coleccionismo artístico en todos los niveles, desde los coleccionistas más acendrados hasta el público más joven.

La pieza central de esta edición será una sección temática exclusiva titulada «Es solo cuestión de tiempo». Comisariada por Alejandro Cesarco, Mason Leaver-Yap y Manuel Segade, «Es solo cuestión de tiempo» acogerá la obra de Félix González-Torres y la transcendencia extraordinaria de su influjo en el arte y el discurso contemporáneos.

¿Existe la posibilidad de concebir una lectura sobre arte contemporáneo a partir de una figura que niega el principio de autoridad? El trabajo del artista Félix González-Torres ha ido creciendo como un trasfondo continuo en las últimas décadas, como una aspiración, un deseo o un acompañamiento que hace que la noción tradicional de historia progresiva y rectilínea sea más complicada. A modo de un género de contaminación, sus modos de distribución, la implicación del público en su trabajo, la contingencia de incluir la emotividad en los patrones conceptuales, la capacidad de transformación del activismo político más cotidiano al simbólico como poético formal, el costura entre lo público y lo privado.

Es el momento de aproximarnos de verdad e interesarnos por entender la relevancia de las complejas prácticas artísticas a la altura de la segunda década del siglo XXI, y preservar su valioso espacio de diversidad y complejidad.

ARCOmadrid 2020 disfrutará de nuevo de su posición excepcional, sello distintivo de la feria, como nexo entre los mundos del arte europeo y latinoamericano para ofrecer una plataforma para artistas latinoamericanos, incluidos los que desarrollan su trabajo en otras partes del mundo, así como para el gran mercado latinoamericano que está presente en toda la programación de la feria, tanto en el Programa General como en los programas comisariados de la feria, como por ejemplo, Diálogos, comisariada por Agustín Pérez Rubio y Lucía Sanromán, y Opening, comisariada por Tiago de Abreu Pinto y Övul Ö. Durmusoglu.

ARCOmadrid 2020 también goza de un extenso programa de actividades profesionales, que incluye a críticos, comisarios, galeristas, directores de museos y figuras internacionales del sector del arte que contribuirán en un programa muy diverso con mesas de debates, coloquios y demás reuniones profesionales. Estos eventos, ofrecen a un extenso espectro de referencias artísticas mundiales una excelente oportunidad para discutir proyectos e ideas, al tiempo que brindan su visión y expresión al conjunto de actividades de la feria.

Luis Mª Iglesia

www.ifema.es/arco-madrid

Stanislaw Szukalski, ¿Visionario o loco?

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 27 Dec 2019 13:40:00 +0000

Considerado por muchos como un visionario, estuvo olvidado durante un largo periodo de tiempo de la escena artística. Venerado como un genio por algunos, para otros no fue sino un artista perturbado con un descomunal ego. “Nunca me llamaron de otra manera que no fuera genio”. “Si quieres crear cosas nuevas en este mundo nunca escuches a nadie. Tienes que mamar tu sabiduría, todo el conocimiento de tu pulgar”. “El arte no es perfecto. El arte debe ser exagerado. Debe doblarse hasta que se quiebre”.

Szukalski permanentemente estuvo angustiado por la sensación de ser víctima de un terrible quebranto hacia su persona, dado que su talento fue subestimado. Sintió esa aflicción a lo largo de su vida, señalando la falta de oportunidades para crear y consolidar su carrera personal. A lo largo de su vida vivió en una batalla indisoluble contra si mismo, contra el sentimiento de asunción de que tras su muerte sus logros se perderían, así como la materialización de sus proyectos monumentales.

Quienes lo conocieron coinciden en que no había arte que realmente le gustara, únicamente el suyo, y que según sus propias palabras afirmaba que era el mayor enemigo de sí mismo. Creador de una extravagante pseudociencia, el zermatismo. Compilada en una obra de 39 volúmenes, sostiene que toda cultura humana emanó de la Isla de Pascua después de la inundación que destruyó a todos los seres vivos, excepto aquellos que subieron en el arca de Noé. El zermatismo mantiene que todos los lenguajes derivan de una única fuente (la Protong) y que todo el arte es una variación de unos pocos temas que se pueden destilar a una sola cadena de símbolos universales. El zermatismo declara que las diferencias entre razas y culturas se debe a la hibridación de especies. Los primeros seres humanos fueron casi perfectos, pero se aparearon con el Yeti obteniendo resultados terribles los “Yetinsyny”.

Pero es que en Szukalski, participaban de forma convulsa una propiacepción de su indudable talento activado por un enérgico ego y una aterradora situación política e histórica. La independencia de Polonia, su exilio a los EE. UU., la querella contra el gobierno comunista polaco por el regreso de sus obras supervivientes y las generadas durante su periodo en Los Ángeles.

Stanislaw Szukalski nace en Warta en 1893. En aquel momento Warta formaba parte de Prusia. Antes lo fue de la Federación Lituano-Polaca. Más tarde sería rusa, intermitentemente soviética, finalmente polaca. Pero Stanislaw se sentía intensamente y fervientemente polaco. Abogaba por la creación de una nueva Federación “Neuropa” que recordase aquella de Polonia y Lituania que imaginaba como una Edad Dorada. Una legendaria Arcadia cuyas tradiciones y cosmogonía permanentemente reinventada era fuente de su arte.

Su familia emigró a los Estados Unidos y se estableció en Chicago en 1907. Szukalski hizo varios viajes de regreso a Polonia, el primero en 1910 para estudiar en la Academia de Bellas Artes de Cracovia. Regresó a Chicago en 1913 y se convirtió en un destacado catalizador en la comunidad artística, el denominado “Renacimiento de Chicago”. En noviembre de 1914, exhibió siete de sus esculturas en la Exposición Anual de “American Oil Paintings and Sculpture” en el The Art Institute of Chicago, como una en el Progressive Arts Club of Vancouver en 1919, etc.

En los años 20, periodo que regresó a Polonia fue líder del grupo de excéntricos artistas que se hacían llamar “Szczep rogate serce" (1929-36) o “Tribu del Corazón con Cuernos”, una ideología peculiar que combinaba el culto a la juventud y la acción, el anticlericalismo con una tendencia neopagana y el nacionalismo biológico radicalmente eslavo.

En 1936 Szukalski fue invitado a volver a Polonia donde era respetado como un fecundo nacionalista, para realizar una serie de monumentos para ensalzar la identidad polaca y, así, mostrar mensajes combativos ante una Alemania y una Italia que se sumergían en el absolutismo y el militarismo. Con el apoyo financiero del Ministro de Hacienda ejecutó varias esculturas, principalmente el monumento de Bolesław Chrobry, y decoró la fachada del Museo de Silesia en Katowice , así como un edificio del gobierno local en esa ciudad. Polonia declaró a Szukalski el mejor artista vivo del país. El gobierno le dotó de un magnífico estudio, y estableció el Museo Nacional Szukalski. Abarcaba muchas de sus intrincadas pinturas y monumentales esculturas, trascendentales por sus dramáticas imágenes mitológicas; Szukalski había llevado gran parte de su trabajo con él a Polonia.

También fue contactado por el canciller alemán Joschka Fischer del gobierno alemán para invitarlo a realizar obras dedicadas a Adolf Hitler y Hermann Göring, cuando estos personajes todavía no estaban mal vistos en Europa. Se sabe que trabajó en algunos bocetos con este cometido, mientras que pudo confeccionar una escultura dedicada a Benito Mussolini llamada “Remussolini”, que mostraba al tirano estilizado como un mítico lobo romano con una de las manos extendidas a manera del saludo fascista. En esta época también publicó su única obra literaria, un poema épico en honor al el legendario príncipe polaco llamado Krak en el que incluyó algunos pronunciamientos antisemitas que quizás no estaban tan mal vistos en una época en la que comenzaron a proliferar las posturas más intolerantes de extrema derecha, permitidas por el gobierno totalitario polaco.

El bombardeo nazi de Varsovia y Cracovia destruyó gran parte de su trabajo. Huyó a Los Ángeles en 1939 y vivió su vida en la oscuridad mientras mantenía una prolífica producción de esculturas, medallones y unos 14,000 dibujos glosando una peculiar reintrepretación de la Historia Universal. Durante este oscuro periodo sus principales proyectos fueron Prometeo (1943), diseñado para París en homenaje a los partidarios franceses, El gallo de la Galia (1960), una estructura gigantesca y compleja que pretendía que los Estados Unidos le ofrecieran a Francia en correspondencia a la Estatua de la Libertad, Katyn (1979), un monumento para conmemorar la muerte de más de 20,000 oficiales e intelectuales polacos asesinados por los soviéticos durante la Segunda Guerra Mundial, y un monumento destinado a la ciudad de Venecia (1982), del papa polaco Juan Pablo II. Ninguno de estos proyectos fueron materializados.

Con el nuevo milenio y después de su muerte, hace 32 años, se revisa su vida y obra. En el año 2000 se organizó una muestra retrospectiva patrocinada por Leonardo DiCaprio, titulada " Struggle" en el Laguna Art Museum de Los Ángeles, “The Church of the SubGenius” incorpora los elementos Yetinsynystas del zermatismo y la banda de rock “Tool”, recomienda su trabajo.

Las obras de Szukalski están en exhibición permanente en el Museo Polaco de América en Chicago. Además de la retrospectiva de Laguna Beach, su trabajo se ha exhibido en "The Self-Born" en Varnish Fine Art, San Francisco, en 2005, y "Mantong and Protong", donde Szukalski se pone en relación con otro polémico escritor y artista, Richard Sharpe Shaver, en el Pasadena City College en 2009.

Ahora de nuevo irrumpe en escena tras la producción del documental “Struggle: The Life and Lost Art of Szukalski” de 2018, producido en Netflix por su reconocido admirador Leonardo DiCaprio y disponible desde el 21 de diciembre de 2018.

Luis Mª Iglesia

RECICLARTE/Arte Infantil frente al Cambio Climático / 19 XII_19-19 I_2020. MUSEO DE LA MEMORIA DE ANDALUCÍA

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 08 Dec 2019 12:19:00 +0000

http://www.cajagranadafundacion.es/evento2-0/reciclarte-arte-infantil-frente-al-cambio-climatico/

Manual de Estilo/ Espacio Co-working LÁNZATE

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 01 Dec 2019 10:07:00 +0000

Diseño: L. M. Iglesia

Feria del Libro. Dedicada a la Novela Gráfica y el Cómic. 28_29 Nov. 2019

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 10 Nov 2019 12:29:00 +0000

Diseño: L. M. Iglesia

AVES ZANCUDAS DE TRES PATAS. LOS SAGRADOS TCHANCAYRES DE LAS LANDAS.

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 05 Nov 2019 19:21:00 +0000

Los zancudos de las Landas de Gascuña, los "tchancayres" recuerdan merecidamente algunas de las aves de las pinturas del Bosco. De carácter antropomorfo, pero sobre todo porque se sostenían con 3 patas.

La región de las Landas es una inmensa llanura en el sur-oeste de Francia. Este territorio está limitado por el océano Atlántico al oeste, y por los ríos Adur al sur y el Garona al noreste. Cuenta con el bosque el más grande de Europa, constituido esencialmente pinos plantados a mediados del siglo XIX.

Los primeros testimonios de la existencia de los zancos están fechados a principios del siglo XVIII. ¿Pero desde cuando existían?, ¿fueron ingeniados por los pastores landeses o fueron llevados por los flamencos que los utilizaban desde el Medievo?

Los tchanques o zancos landeses están formados por dos piezas de madera: la “escasse”, pierna en dialecto landés, de donde procede el nombre francés para referirse al zanco como “échasse” y los “paouse pé” o reposapiés fijados en las “escasses”, normalmente a una altura situada entre 90 cm y 130 cm. En castellano el sonido es similar a la palabra zanco, cuya raíz etimológica procede del latín medieval “zanca” o “tzanga”, y este a su vez del antiguo persa zanga, pierna. El zancudo ata a su pierna al zanco mediante dos correas de cuero.

¿Y cómo mantener el equilibrio y además descansar encaramado en los "tchanques", desde la mañana hasta el ocaso? Los lugareños tenían una "tercera pata", un bastón grande "pau" con un pomo sobre el que se sentaban. Sus tres patas hacían la función un trípode estable. Su palo largo también se usaba para incorporarse desde la posición de rodillas y para descender de su percha en un movimiento inverso.

Estos ágiles y sagrados equilibristas, se levantaban al amanecer con su hatillo para el día: una calabaza "cujou" o "cujole" hecha de una calabaza seca y ahuecada y un zurrón "sarroun" con el almuerzo y merienda. ¿Qué hacían para entretenerse durante las largas horas de vigilancia del rebaño? Hilaban la lana de sus ovejas o ... ¡tejían! El hacer punto no era un "trabajo de mujeres" sino un trabajo de hombres. La lana la llevaban en una cesta de mimbre. En invierno, se cubrían con un abrigo de piel de oveja, llamado "prisse" cuando era largo, "prissoun" o "raouboun" cuando era corto. En algunas zonas también utilizaron una capa de lana tejida por ellos mismos, evidentemente, con un capuchón además de, y sin olvidar la conocida boina "beuret" que comparten con sus vecinos los vascos, para protegerse del sol en verano y de la lluvia en invierno.

En ocasiones mataban el tiempo tocando rondós con una pequeña flauta de 6 agujeros ("pifre") de saúco o caña. Era un instrumento musical económico y fácil de llevar en el zurrón. Los más ricos tenían una especie de oboe con boquilla de cuerno, "tchalamine". En los días festivos, pequeños grupos se reunían en el pueblo y bailaban tocando música, encaramados en sus tchanques, por supuesto.

A finales del siglo XIX, los pastores prácticamente habían desaparecido. Las antiguas Landas cenagosas y cubiertas de forma casi permanente de barro fueron reforestadas sistemáticamente por Napoleón III con pinos y las ovejas perdieron sus pastizales. Los "tchanques" terminaron transformándose en un aparejo residual, se convirtieron en un pasatiempo, un espectáculo y un deporte rural.

Ya en 1889 emergió el primer grupo de bailarines sobre zancos, “Lou Quadrilh dous Tchancats” fundado en Arcachón por Sylvain Dornon. Hoy existen al menos 21 grupos folclóricos landeses amantes de su original cultura que pretenden preservar con los tchanques las tradiciones y los bailes de sus antepasados.

Su mágica y sagrada silueta en el horizonte aún hoy nos estremece y conmueve.

Luis M. Iglesia

BB AA Bilbo 1984

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 06 Oct 2019 09:36:00 +0000

Trabajo experimental colaborativo de varios alumnos de la especialidad de Técnicas Audiovisuales de la Facultad de Bellas Artes de Bilbao. (1984)

https://vimeo.com/377102074

Benigno Bossi

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 01 Sep 2019 17:43:00 +0000

Hijo de Pietro Luigi Bossi, estuquista, Benigno (Parma, 1727 - Parma, 1792) siguió a su padre a Alemania, donde éste trabajó en las decoraciones de estuco del Castillo de Hubertsburg y más tarde en Nüremberg y Dresde.

Aprendió de él los primeros rudimentos del arte de la decoración en estuco que sería su principal actividad. En Dresde comenzó su aprendizaje como aguafuertista, animado por el pintor francés Charles François Hutin, y más tarde con el propio Anton Raphael Mengs. En 1757, Bossi regresó a Italia, pasando por Suiza, hasta Milán.

En 1759 estaba ya establecido en Parma, recibiendo numerosos encargos decorativos, que le llevan en 1766 a ser nombrado estucador de la corte, y también a ingresar como profesor en la Academia de Bellas Artes.

Entre sus obras, merecen destacarse las decoraciones en estuco realizadas para el Palazzo di Reserve, el Palazzo dei Ministeri y el Palazzo del Giardino, en los que los elegantes festones recuerdan la gracia y la finura de las decoraciones de Parmigianino, doscientos años antes. De Bossi se conocen también algunos cuadros, entre los que merece citarse la Beata Orsolina Veneri ante el Papa Clemente VII, obra de 1786, para la iglesia de San Quintín, de Parma.

Tuvo una escuela de grabado importante, con numerosos discípulos, que pudieron estudiar la técnica de las muchas obras reunidas por el artista durante sus viajes.

Los aguafuertes se corresponden a la Edición "Mascarade à la Grecque" de 1771. Una serie de personajes ataviados con elementos arquitectónicos ornamentales salidos del mortero, cobran vida en una imaginativa cabalgata cortesana.

Fuente: Departamento de Grabados del Museo de Arte de Cleveland
https://clevelandart.org/

08/03/19

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 03 Mar 2019 10:40:00 +0000

Pyke Koch

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 25 Feb 2019 13:24:00 +0000

Pieter Frans Christiaan Koch, conocido como Pyke Koch (1901-1991), junto al también pintor Carel Willink encarnan los principales representantes de lo que se llamó Figuración Mágica Holandesa.

El gran contorsionista (desfile de circo).1957.

Su pintura recoge la tradición renacentista y posteriormente barroca en una exhaustiva atención por los detalles sobre los que desarrolla una amplia gama; posiblemente esa dedicación por el enmascaramiento del signo esconda la transcripción de mensajes de carácter secreto. No es extraño pensar en referentes como El Bosco o Brueghel.

Pero no solo eso, su trabajo parece materializar correspondencias con otros periodos y artistas de la historia como con el indudable tratamiento pictórico de Piero dela Francesca, Masaccio y Mantegna.

Amigo de Gerrit Rietveld, también admiraba a Charley Toorop, René Magritte, y al italiano Giorgio de Chirico.

La atmósfera misteriosa que emana su pintura nos embriaga transmitiendo inquietantes emociones. Somos inmediatamente transportados a su mundo. Sus pinturas ofrecen una combinación única de exquisitez técnica, representaciones arrebatadoras, delgadas bisagras entre el continente y el contenido. Los significados ocultos y los sutiles juegos de palabras, las metáforas y alegorías, los objetos cuidadosamente escogidos, todo ha sido seleccionado deliberadamente.

La relación de amistad con Ernst Voorhoeve fundador de Verdinaso, afecto a Benito Mussolini, y su posterior afiliación, aunque lo abandonará después tras su fusión con el partido nazi holandés NSB, enturbió su biografía hasta en final de sus días, aunque no en el talento de su maravillosa obra.

L. M. Iglesia

23_27_FEB_JORNADAS PARA LA CULTURA, LA SOLIDARIDAD Y LA SOSTENIBILIDAD

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 16 Feb 2019 09:02:00 +0000

CATÁLOGO PDF_ARCOMADRID 2019_FERIA INTERNACIONAL DE ARTE CONTEMPORÁNEO

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 02 Feb 2019 12:10:00 +0000

CATÁLOGO

Máscara y diegésis_Fotografías de Nadia Lee Cohen

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 28 Jan 2019 12:00:00 +0000

Con películas de cabecera como Los pájaros de Hitchcock, Blue Velvet de David Lynch, Gummo de Harmony Korine, Pink Flamingos de John Waters y The Shining de Stanley Kubrik, entre otras del cine británico y americano de los ´50, ´60 y ´70 Nadia Lee Cohen explora los roles de la mujer en un permanente conflicto histórico, cultural social y antropológico entre su potencia y su fragilidad.

Nadia Lee Cohen (15 de noviembre de 1990) comenzó a estudiar fotografía en 2011 en el London College of Fashion. En 2012, con su retrato American Nightmare, inspirado en una escena con un disfraz de perro de The Shining consiguió el premio Taylor Wessing Portrait de la National Portrait Gallery. Continuó estudiando para obtener un master en fotografía de moda en el London College of Fashion.

Impulsada por su pasión el proceso diegético cinematográfico y por los recursos narrativos del cine y la fotografía cinematográfica, reunió accesorios y enseres de los años 60 y 70 en su propia casa para la elaboración de escenografías surreales cercanas a la cosmogonía de David Linch, experimentando con lo que hoy es la raíz de sus producciones.

En 2014, ganó un premio Better Lives Award del London College of Fashion, que le permitió viajar a lo largo de la costa californiana y que le supuso el descubrimiento in situ de su paisaje legendario, insólito y extraordinario, magma de su inspiración. Su trabajo se exhibió en una exposición en la Victoria House Gallery en Londres, en él acentúa el ocaso glamuroso de los años 50 y 60 en Estados Unidos. Sus personajes semidesnudos, brutalmente estereotipados parecen elevarse como ángeles masacrados en su visión de la naturaleza humana.

En 2015 Nadia Lee se graduó en el London College of Fashion y viajó por segunda vez los USA para emprender su serie 100 Naked Women en respuesta a la progresiva censura cultural a la representación del cuerpo femenino. Modelos y escenarios cuidadosamente seleccionados dan forma a un imaginario denso y poliédrico que con maravillosos reflejos y exquisitas reminiscencias fílmicas, divulgaciones cinematográficas, roles, poses, contextos, tramas, tipologías, tipos y arquetipos, verdades y medias verdades, que nos permiten deliciosamente mecernos.

Luis M. Iglesia

www.nadialeecohen.com

Genesis Belanger_Extrañamiento categórico

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 25 Jan 2019 20:13:00 +0000

Este es el trabajo de Genesis Belanger, una escultora de 40 años residente en Brooklyn que transforma objetos habituales y mundanos a través de la arcilla gres en objetos inquietantes, quiméricos e irreales.

"Holding Pattern", es el título de su muestra en el New Museum, comisariada por Margot Norton, y que evoca una especie de antesala del subconsciente, y que como gran parte de su trabajo, es a la vez sorprendente y divertido.

Su imaginario mantiene nexos, como no podría ser de otro modo con el Ready made Duchampiano o el Objet trouvé surrealista, con la cultura surreal de Magritte y los ensamblajes de Meret Oppenheim, pero también hunde sus raíces en el la cultura Mass media americana con referencias al pop de Oldenburg, Weeselmann y Lichtenstein.

Pero intentar acercarnos a su obra a través de una línea argumental originaria con antecedentes remotos a lo Grotesco como condición nos llevaría aparejada un elemento luctuoso del que carece su trabajo, inquieto, divertido y plenamente contemporáneo.

Elementos como la objetualización de nuestra cultura postindustrial, la fetichización y ritualización de nuestros comportamientos consumistas que se desarrollan más allá de nuestra esfera íntima emergen en sus esculturas a medio camino entre las ilusión y el objeto. Combatido por un tratamiento que nos sugiere y provoca un nuevo extrañamiento hacia la densidad de las categorías o patrones.

L. M. Iglesia

https://www.newmuseum.org/exhibitions/view/genesis-belanger

ARCOmadrid 2019

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 03 Jan 2019 10:18:00 +0000

ARCOmadrid presenta una edición centrada en los diálogos de artistas.

En total participan 203 galerías de 30 países, de las cuales 165 integran el Programa General, sumándose a ellas las secciones comisariadas: ´Perú en ARCO´, con una selección de 23 artistas de 15 galerías; ´Diálogos´, con 13 y ´Opening´, con 21.

Cerca del 40% de las galerías participa con programas enfocados a la presentación de uno o dos artistas de distintos entornos, reforzando a ARCOmadrid como espacio para el conocimiento de la obra de artistas de distintas generaciones.

La Feria consolida su proyección latinoamericana con la presencia de Perú como país invitado de honor Lima, 12 de noviembre de 2018.- Hoy se ha presentado en Lima la 38ª edición de ARCOmadrid, Feria Internacional de Arte Contemporáneo, que organizada por IFEMA se celebrará del 27 de febrero al 3 de marzo en Madrid. Una nueva convocatoria que tendrá como principal novedad la participación especial de Perú como País Invitado y su proyección en la capital española a través de distintas iniciativas en los principales museos y centros de arte de la ciudad.

La presentación ha corrido a cargo de la Ministra de Cultura del Perú, Patricia Balbuena, así como del director general de IFEMA, Eduardo López-Puertas; el director de ARCOmadrid, Carlos Urroz, y la comisaria de Perú en la feria, Sharon Lerner.

Durante el acto se han desgranado las líneas maestras de lo que será la próxima edición de ARCOmadrid, así como los principales contenidos y presencias de Perú en ARCO. ARCOmadrid 2019 reunirá a un total de 203 galerías de 30 países, de las cuales 165 integran el Programa General, sumándose a ellas las secciones comisariadas: ´Perú en ARCO´, con una selección de 23 artistas de 15 galerías; ´Diálogos´, con 13 y ´Opening´, con 21.

Un programa que tendrá como eje la calidad y singularidad del artista, impulsando la exploración de nuevos talentos y contenidos para coleccionistas y profesionales. Así, del total de galerías seleccionadas por el Comité Organizador y por los comisarios de los diferentes programas, cerca de un 40% participa con programas enfocados a la presentación de uno o dos artistas de distintos entornos, reforzando a ARCOmadrid como espacio para el conocimiento de la obra de artistas de distintas generaciones.

La participación de Perú como País Invitado viene a consolidar la proyección de ARCOmadrid como referente latinoamericano en Europa. De hecho, Latinoamérica será una de las principales representaciones internacionales de la Feria. Con ello, del 70% que alcanza en esta edición la participación internacional, el 29% lo acapara la presencia artística del continente americano, con la participación de 40 galerías de 12 países de la región, a las que se unen contenidos latinoamericanos en galerías de otras naciones, posicionando una vez más a ARCOmadrid como punto de encuentro e intercambio entre Europa y Latinoamérica.

En este contexto, Madrid en febrero será un excepcional momento para celebrar el coleccionismo en Latinoamérica con la coincidencia de diferentes proyectos que podrán verse en los principales centros de arte y museos de la capital.

El Instante Fundación acogerá una muestra promovida por CIFO Europa con artistas peruanos de la colección de Ella Fontanals-Cisneros, Alberto Rebaza Torres, Armando Andrade de Lucio, Juan Carlos Verme Giannoni y Carlos Marsano. La Sala de Arte Santander exhibirá la colección Teixeira de Freitas; la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, la colección Eduardo y Mariana Hochschild, y Casa de América, la colección Jan Mulder.

A estas exposiciones se sumarán otras del programa que Perú en ARCO está preparando en la ciudad, coordinado por Fietta Jarque, así como otras acciones que se desarrollarán en el marco del Foro Perú, organizado por Miguel A. López, y con la participación de artistas, historiadores y comisarios que analizarán las particularidades del arte contemporáneo peruano. GALERÍAS Y ARTISTAS La calidad de las nuevas galerías participantes en ARCO 2019 será una de las particularidades de la próxima edición, que incorpora un total de 43 nuevas galerías.

El eje principal de la Feria, el Programa General, estará formado por 165 galerías seleccionadas por el Comité Organizador, de las cuales 19 son nuevas entre las que destacan Meyer Riegger; Rodeo; Timothy Taylor y Edward Tyler Nahem. A éstas se suman otras que confirman su confianza en ARCOmadrid como Alexander and Bonin; Carlier Gebauer; Chantal Crousel; Esther Schipper; Gregor Podnar; Hauser & Wirth; König Galerie; Raffaela Cortese y Thaddaeus Ropac. Además, ARCOmadrid sigue apostando por la presentación de proyectos de artistas individuales o en diálogo de manera que vuelve a dar cabida a la propuesta SOLO/DUO.

De las galerías del Programa General, 25 dedicarán su stand a uno o dos artistas entre los que se encuentran Miriam Cahn; Marcius Galan; Lia Perjovschi o Cinthia Marcelle.

También las secciones comisariadas incluirán presentaciones individuales o en diálogo. Perú en ARCO, con la participación de 23 artistas de 15 galerías seleccionadas por Sharon Lerner –curadora de arte contemporáneo del Museo de Arte de Lima -, presentará artistas reconocidos internacionalmente como Fernando Bryce, Teresa Burga, Sandra Gamarra, Miguel Aguirre, Antonio Páucar, Herbert Rodríguez, Elena Damiani, Ximena Garrido-Lecca, José Vera Matos, Carlos Runcie Tanaka y Rita Ponce de León.

El programa Diálogos contará con 13 galerías seleccionadas por Agustín Pérez Rubio -comisario independiente-, y Catalina Lozano -curadora asociada del Museo Jumex e investigadora independiente-, cuyos stands generarán contenidos nuevos y la presentación en profundidad de obra de artistas de galerías como Luisa Strina -Anna Maria Maiolino y Magdalena Jitrik-; DVIR -Jonathan Monk y Naama Tsabar-; Patricia Ready - Cecilia Vicuña y Voluspa Jarpa-; PPOW - Carlos Motta y David Wojnarowicz-, y Proyectos Ultravioleta -Vivian Suter + Elisabeth Wild-.

Asimismo, el programa Opening volverá a centrarse en galerías con una trayectoria de un máximo de siete años con el objetivo de aportar nueva información y experiencias estéticas. El programa estará formado por 21 galerías seleccionadas por los comisarios independientes Tiago de Abreu Pinto e Ilaria Gianni.

Un programa que contempla una investigación más allá de los centros artísticos habituales incluyendo galerías como Baril –Cluj-; Bombon Projects –Barcelona-; Clima –Milán-; Embajada -San Juan, Puerto Rico-; Francisco Fino –Lisboa-; Rodríguez –Poznan-; Sé -São Paulo-, y Sindicato -Santo Domingo-.

En la misma línea, alrededor de 20 piezas de gran formato se distribuirán por ARCOmadrid bajo la categoría de Proyectos Especiales, lo que confirma también la apuesta de las galerías por presentar obras y proyectos ambiciosos de artistas como Waqas Kahn -Sabrina Amrani-; Sandra Gamarra -Juana de Azipuru-; Jaume Plensa –Lelong-; Sol Calero -Barbara Gross-; Jorge Piqueras -Henrique Faria-; Engel Leonardo –Formatocomodo-; Pepe Espaliú -García Galeria-; Heini Aho –Anhava-, y Fernando Bryce –Espaivisor-, entre otros.

Fuente: www.ifema.es/arcomadrid

DELPHINE HENNELLY_El patrón y el icono

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 01 Jan 2019 12:41:00 +0000

“Me interesa el uso de una paleta de colores pastel que sugiera una ligereza lúdica al tiempo que subvierte el tropo de su tendencia de género. Las guirnaldas de flores decoran, pero también actúan como una lámina, para distraer. Las piedras bloquean el plano de la imagen en su lugar como pesos de papel. Estos motivos, junto con los colores que elijo, construyen formalmente una ligadura de la cual se cuelga la imagen.

En este marco, la repetición y la decoración, ya sea enmascarar o desenmascarar, ofrecen una multiplicidad de interpretaciones posibles.

En su texto titulado “Patrones, cuadrículas y pintura”, publicado en Artforum en 1975, Amy Goldin declara: “El patrón es básicamente antitético a la imagen icónica, ya que la naturaleza del patrón niega implícitamente la importancia de la singularidad, la pureza y la precisión absoluta".

"Me gusta ver hasta dónde puedo subvertir lo icónico, eliminándolo de un significado singular”.

Delphine Hennelly

delphinehennelly.com

Merry Christmas and Happy New Year

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 25 Dec 2018 11:04:00 +0000

Edén_George Kratochvil

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 06 Dec 2018 11:34:00 +0000

Los dibujos incrustados en una espesa red de tinta que parece urdida por un telar de George Kratochvil, parecen partir de textos iluminados persas, mantienen una tensión originaria entre las antiguas tradiciones amanuenses medievales y el ovillo caligráfico gestual de una concentración espiritual, mas cercana a modos de producción de algunas de las vanguardias, como el expresionismo abstracto o informalismo.

Man Sitting with a Book of Poetry 42.0 x 59.4 cm Ink on paper 2018.

Sitting Woman Pouring Wine 42.0 x 59.4 cm Ink on paper 2018

Sitting Woman With a Bottle 42.0 x 59.4 cm Ink on paper 2018

Two Men Hugging 42.0 x 59.4 cm Ink on paper 2018

Woman with a Lute 42.0 x 59.4 cm Ink on paper 2018

Young Woman Holding Her Gown 42.0 x 59.4 cm Ink on paper 2018

Youth Carrying a Tray 42.0 x 59.4 cm Ink on paper 2018

Youth with a Bow 42.0 x 59.4 cm Ink on paper 2018

Después se produce una retención ante las pequeñas formas desperdigadas delicadamente por un plano de representación isométrico, sólo entonces parece penetrar un fino hilo que da forma a la figura humana. La tensión elegante y delicada de sus composiciones que parecen desarrollarse en un abstracto jardín inconmensurable dotan a sus trabajos de una quietud y sosiego de una naturaleza desacostumbrada.

El pasado y el presente parecen conciliarse en ese edén textil.

Luis Mª Iglesia

www.georgekratochvil.com

16_NOV_DÍA INTERNACIONAL DEL FLAMENCO

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 16 Nov 2018 12:18:00 +0000

15 Singularidades del espacio arquitectónico y urbano

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 27 Oct 2018 12:47:00 +0000

El oxímoron matérico_La condensación y la veladura pictórica_Lev Khesin.

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 18 Oct 2018 09:01:00 +0000

Khesin Nacido en 1981 en Penza, Rusia. Vive en Berlín, Alemania.

“Cuando se crea un trabajo, el proceso de aplicar los materiales es primordial para mí. En general, no planeo la ejecución de mi trabajo más allá de un paso adelante. La obra de arte emerge gradualmente en un proceso interactivo. Se analiza cada desarrollo y la dirección posterior surge de la lógica interna del medio (y las herramientas). Dejo que los resultados de estos experimentos con materiales me sorprendan mientras los manipulo sin saber de antemano cómo estas técnicas afectarán la obra de arte. (La mayoría de) mis obras no están "pintadas" en un sentido tradicional. Más bien, los dejo crecer a lo largo de muchas capas.

Aunque mis pinturas tienen una construcción formal y no son representaciones intencionales de objetos o fenómenos del mundo externo, Su construcción se relaciona libremente con la estructura de minerales o cristales. Esta organización es más explícita en los bordes de las pinturas. El resultado formal final del trabajo se convierte en secundario. Varía ampliamente, dependiendo de la forma de capas de los materiales, desde la simplicidad ascética de Minimal Art hasta la opulencia barroca, la restricción visual hasta la agresividad óptica.

Este trabajo investiga la relación entre el artista, los materiales, sus herramientas y el tiempo. A través de la experimentación, descubrí el silicio como medio de pintura.

A través de la experimentación descubrí la silicona como medio de pintura. Este material tiene un espectro único de cualidades: una amplia gama de posibles grosores de capa, viscosidades, brillo y transparencia. Con la silicona, pude desarrollar intrincadas superficies táctiles. Al manipular estas características con diferentes aditivos, pude desarrollar intrincadas superficies táctiles. Aunque el número de notas es limitado, la posibilidad de su disposición es infinita. Además de las técnicas que desarrollé, el carácter intrínseco de la silicona también es importante en mi trabajo.

La luz en mis pinturas no es representativa, sino más bien una interacción real a través de capas del material en sí. La luz se contrae a través de capas semitransparentes, resaltando los colores a medida que rebota. Otra faceta igualmente importante de la silicona es su calidad oximorónica. En el ámbito de la silicona, una superficie perfectamente uniforme puede tener una estructura y una profundidad inesperada al acecho. O bien, puede parecer cálido y orgánico, mientras mantiene su compostura sintética similar al caucho".

Lev Khesin, 2007.

www.levkhesin.com