Viele von euch kennen das sicherlich: Man sieht Bilder von anderen Fotografen, oft Landschafts- oder Architekturaufnahmen, deren Plastizität und Detailreichtum einfach nur beeindruckend ist. Irgendwann erfährt man dann, dass viele dieser Bilder sogenannte „HDR“s sind, lädt sich entsprechende Software runter, experimentiert herum – und die Ergebnisse sind enttäuschend. Grau, kontrastarm, matschig… eben alles andere als beeindruckend.

So ging es mir auch lange, doch inzwischen bin ich wenigstens einen Schritt weiter, und diesen möchte ich euch heute gerne zeigen.

Eine für mich entscheidende Erkenntnis habe ich im Titel bereits angedeutet: Die meisten, wenn nicht alle dieser „flashenden“ Bilder kommen nicht direkt aus dem HDR-Tool, sondern dort findet lediglich die Vorarbeit statt, das Zusammenrechnen der Belichtungsreihe. Die entscheidende Arbeit kommt erst danach, um aus dem unansehnlichen grauen Haufen Pixel ein imposantes Foto zu machen.

Im Folgenden will ich euch den Bearbeitungsprozess des obigen Bildes als einen möglichen vorstellen. Ein bisschen Bearbeitungserfahrung setzte ich dabei voraus, ich werde also gewisse Grundlagen (bspw. Tonwertkorrektur oder Bedienungsfragen) nicht extra erläutern.

Frisch aus Photomatix sieht das Bild erst einmal so aus:

Zunächst erzeuge ich eine Einstellungsebene Gradationskurven, verknüpfe sie mit meiner Hintergrundebene, nehme eine Tonwertkorrektur vor und stelle die Einstellungsebene auf den Modus Luminanz.

Im nächsten Schritt geht es mir um die Kontraste des Gebäudes. Hierzu schaue ich mir zunächst die einzelnen Kanäle des Bildes an – der Rotkanal gefällt mir am besten, er bietet am meisten Kontrast zwischen den hellen und dunklen Teilen der Fassade und hat gleichzeitig überall genügend Zeichnung. Also erzeuge ich eine neue Ebene und füge in diese den Rotkanal meiner Hintergrundebene ein.

Dann füge ich eine weitere Einstellungsebene Gradationskurven hinzu, verknüpfe diese mit der darunterliegenden Ebene (dem Rotkanal) und nehme eine Tonwertkorrektur vor, wobei ich sehr genau darauf achte, in den Lichtern kein Clipping zu erzeugen.

Um den Kontrast noch weiter zu erhöhen, dupliziere ich die beiden Ebenen (Rotkanal und Einstellungsebene) und setze die obere Kopie auf den Ebenenmodus Überlagern. Abschließend gruppiere die 4 Ebenen und wähle für die Gruppe den Modus Luminanz.

Zur besseren Übersicht hier ein Screenshot mit eingeblendeten Ebenen:

Leider laufen mir jetzt die Schatten komplett zu, was mir nicht gefällt. Um dies zu ändern füge ich zu der Luminanz-Gruppe eine Ebenenmaske hinzu. In diese füge ich das zusammengefügte RGB-Bild ein und ziehe anschließend (per Gradationskurven oder Tonwertkorrektur) den Weißpunkt der Maske extrem nach innen, damit die Maske wirklich nur in den extremen Schatten wirksam wird. Anschließend zeichne ich die Maske mit dem Gaußschen Weichzeichner mit einem hohen Radius (hier: 100px) weich.

Um einen etwas natürlicheren Eindruck zu erhalten, lege ich als (fast) letzten Schritt die korrekt belichtete Aufnahme aus meiner Belichtungsreihe mit einer Deckkraft von 30% über das Bild. Auch diese wird natürlich noch in den Tonwerten korrigiert.

Eine abschließende Tonwertkorrektur für das ganze Bild führt zu folgendem Ergebnis:

Jetzt nur noch ein paar kleine Schönheitskorrekturen (Sensordreck, Gullideckel…), verkleinern, entrauschen und zu guter letzt schärfen – fertig.

Diese Bearbeitung ist sicherlich kein Rezept, das man beliebig auf andere Bilder übertragen kann, lediglich ein exemplarischer Weg. Aber viele Elemente daraus lassen sich auch bei anderen Bearbeitungen anwenden, es gilt nur jeweils das richtige Ausgangsmaterial zu finden oder sich zu erarbeiten. Einzelne Kanäle (auch in invertierter Fassung) und ihre verschiedenen Verrechnungen sind hierbei ein schier unerschöpfliches Mittel seine Bilder aufzubessern.

Es ist mir hoffentlich gelungen, mit diesem kleinen Einblick das Interesse des einen oder anderen an diesen Möglichkeiten zu wecken. Ich freue mich wie immer über Fragen, Kritik und sonstiges Feedback in den Kommentaren.

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Die Regeln sind die gleichen wie immer bei “Du bist BrowserFruits”. Zur Erinnerung oder für alle, die die Regeln noch nicht kennen, hier noch mal eine kurze Übersicht:

• Hinterlasse maximal 3 Links in den Kommentaren zu diesem Artikel und erläutere kurz, um was es sich bei den Links handelt.
• Die Links müssen einen Bezug zur Fotografie haben (und dürfen natürlich weder gegen geltendes Recht verstoßen noch in irgendeiner Form anstößig sein).
• Verboten sind Links auf Eure eigenen Seiten, Fotos, Blogartikel oder flickr-Streams. Logisch – oder?
• HTML funktioniert in den Kommentaren, ihr könnt die Links also schön verpacken. Wenn Ihr kein HTML verwenden wollt, wäre es cool, wenn ihr die Links kürzen würdet, so dass es nicht allzu unübersichtlich wird.

Außerdem gibt es noch einen kleinen Statusbericht vom Team

Martin ist leider immer noch nicht ganz gesund. Allerdings haben wir diese Woche mal wieder mit ihm gesprochen und es geht ihm kontinuierlich besser, so dass wir ihn hoffentlich schon bald wieder auf kwerfeldein.de begrüßen dürfen.

Von unserer Seite geht ein riesengroßes Dankeschön an alle, die uns so fleißig mit Gastartikeln versorgt haben.

Natürlich freuen wir uns auch weiterhin über Artikelvorschläge von Eurer Seite. Wenn Ihr also ein Thema habt, über das Ihr auf kwerfeldein.de etwas schreiben wollt und könnt, meldet Euch einfach bei uns (Steffen, Holger oder Hannes). Wir freuen uns über Eure Vorschläge!

Jetzt aber viel Spaß beim BrowserFruits Picknick!

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Montagen und Composings haben mich schon sehr früh fasziniert, als ich mich mit der Fotografie und damit auch mit der Bildbearbeitung beschäftigt habe. Das Problem dabei war nur, dass meine ersten Versuche nie realistisch genug ausgesehen haben, sondern irgendwie immer den Eindruck machten, zusammen kopiert zu sein. Klar, das waren sie ja auch, aber man sollte das natürlich nicht gleich sehen.

Am meisten Probleme machten dabei meine Personen, die ich vor andere Hintergründe oder in ganz andere Welten setzen wollte. Dabei habe ich meine Models schon unter Studiobedingungen vor weissem Hintergrund fotografiert, so dass das Ausschneiden bzw. Freistellen der Personen relativ leicht geht, wenn man sich Mühe gibt.

Am verwendeten Programm konnte es nicht liegen, da ich ziemlich schnell beschlossen habe, mit Photoshop zu arbeiten, auch wenn das erst mal ein grosses Loch in die Haushaltskasse gerissen hat. Eigentlich funktioniert das ganze aber natürlich auch mit Gimp oder Paintshop Pro.

Im Prinzip gibt es da zwei Möglichkeiten, die ich versucht habe:

• die Schatten selbst einzeichnen
• die Stellen, an denen der Schatten sein müsste, mit Rauch oder ähnlichem vertuschen

Ihr ahnt wahrscheinlich schon, dass beide Möglichkeiten nicht zum gewünschten Erfolg geführt haben. Es gibt sicher genug Leute, die Schatten sehr gut in ein Bild malen können, ich gehöre offensichtlich nicht dazu.
Eine weitere Möglichkeit ist, den Bildausschnitt so zu wählen, dass der Schatten des Models nicht im Bild zu sehen ist. Das ist sicher eine elegante Methode um das Problem zu umgehen, aber funktioniert halt nicht immer.

Nein, ich wollte wissen, wie man es besser machen kann und besuchte einen Workshop zum Thema Studiofotografie und Bildbearbeitung. Und da ist der Knoten geplatzt! Der Workshop hat unheimlich viel gebracht und von da an war “nur” noch üben und Umsetzen des Gelernten angesagt.

Okay, das war nicht alles… ich habe mir auch einen neuen Hintergrund für mein kleines Heimstudio zugelegt und zwar in der Farbe “neutral-grau”.
Die Farbe neutral-grau oder auch 50% Grau liegt genau in der Mitte zwischen Weiss und Schwarz. Die Farbe des Hintergrunds ist ein Teil des Geheimnisses von realistischen Schatten: Die realistischsten Schatten sind nämlich logischer Weise die, die man schon mit dem Model fotografiert hat. Das klingt zwar banal, aber man muss erst mal drauf kommen. Ihr fragt Euch jetzt, was hat das jetzt mit dem neutral-grauem Hintergrund zu tun? Ganz einfach:

Bei einigen Verrechnungsmodi für Ebenen wird alles was neutral-grau ist unsichtbar! Photoshop bietet beim Anlegen einer neuen Ebene (CTRL + Shift + N) und Auswahl des entsprechenden Modus sogar an, die Ebene mit der neutralen Farbe „50% Grau“ zu füllen. Dies gilt für die Ebenenmodi „Überlagen“, „Weiches Licht“, „Hartes Licht“ usw., eben alle, die in diesem Abschnitt der Auswahl für den Ebenenverrechnungsmodus sind. Da der Schatten dunkler ist, bleibt er im Bild und sieht ganz natürlich aus… logisch, ist er ja auch! Damit das Ganze nicht so theoretisch bleibt, gibt’s jetzt mal ein Beispiel:

Das Ausgangsbild ist so, wie ich es fotografiert habe. Mein Model sitzt auf dem Boden vor bzw. auf der grauen Studiopapierrolle. Der Schattenwurf wird durch die Lichtsetzung bestimmt.

Im nächsten Schritt habe ich meinen gewünschten Hintergrund zusammengebastelt und mein freigestelltes Model im Ebenen Modus “normal” darübergelegt. Das Ergebnis ist sehr ernüchternd, da vollkommend unrealistisch.

Das ändert sich aber sehr schnell, wenn wir einfach den Modus auf “Überlagern” ändern. Jetzt haben wir den Originalschatten im Bild. Die Lichtstimmung des Gesamtbilds ändert sich auch ein bisschen, was daran liegt, dass der Hintergrund je nach Lichtsetzung heller oder dunkler als das neutral-grau wird.
Die Reihenfolge der Ebenen muss dann natürlich so aussehen:

Die Ebenen „Boden“ und „Wand“ sind jetzt im Modus „Überlagern“ und die Ebene „Model“ im Modus „Normal“.
Und das war auch schon alles! Eigentlich ganz einfach, oder?

Klar, kann sich jetzt nicht jeder zu Hause ein eigenes Studio einrichten, aber es gibt so viele Möglichkeiten, relativ günstig in einem Mietstudio oder bei einen Modelsharing oder Workshop zu fotografieren.
Und dafür wisst ihr jetzt, welchen Hintergrund ihr wählen müsst, wenn ihr später ein Composing daraus machen wollt. Denn so einen Hintergrund sollte immer vorhanden sein!

Noch Fragen? Nur her damit, dafür sind die Kommentare ja da!

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Wir alle machen Bilder – und das Thema um das es heute geht ist, wo wir diese Bilder zeigen.

Einige drucken ihre Bilder zu Hause aus oder lassen sie irgendwo ausbelichten, um sie ins Fotoalbum zu kleben, Freunden zu zeigen oder sie gerahmt an die Wand zu hängen. Andere zeigen ihre Bilder am Rechner oder Fernseher ihren Freunden, wieder andere tragen einen digitalen Bilderrahmen mit sich herum oder präsentieren ihre Fotos auf dem iPad oder einem Smartphone.

Außerdem laden viele Ihre Bilder ins Netz, um sie dort entweder einem ausgewählten Kreis oder aber der breiten Öffentlichkeit zu zeigen. Dazu kann man die großen Fotocommunitys (z.B. flickr, picasa, die Fotocommunity oder deviantART) nutzen, auf die Exoten (wie z.B. ipernity oder 23hq) ausweichen, oder aber eine eigene Lösung auf dem eigenen Webspace verwenden.

Manche laden ihre Fotos auch auf nicht fotospezifischen Seiten wie z.B. facebook. Dort werden die Bilder zwar in wesentlich schlechterer Qualität präsentiert, als beispielsweise auf flickr und auch die Funktionen und Möglichkeiten lassen dort im Vergleich zu flickr stark zu wünschen übrig, aber auf facebook erreichen viele einfach einen weitaus größeren Kreis an Menschen. Dieser ist zwar nicht zwingend so fotografiebegeistert wie die Mehrzahl der auf flickr registrierten Nutzer, aber meistens geografisch oder emotional näher am Fotografen. Außerdem laden hier auch Nicht-Foto-Freaks ihre Bilder hoch. Somit hostet facebook nicht umsonst schon seit langem wesentlich mehr Bilder als flickr.

Vor ein paar Jahren war eine Vielzahl der Kwerfeldein-Leser auf flickr anzutreffen. Wir haben uns neulich gefragt, ob das heute immer noch so ist.

Ihr seid gefragt!

Die Möglichkeiten sind ebenso zahlreich wie vielseitig, daher geben wir keine fixe Maske zum Ankreuzen vor, sondern geben die Frage an Euch weiter:

Wie zeigt Ihr Eure Bilder? Analog auf Papier, im Album oder an der Wand? Oder eher digital und persönlich am Monitor zu Hause oder unterwegs?

Zeigt Ihr Eure Bilder überhaupt im Netz? Wenn ja: Wo ladet Ihr sie hoch? Flickr? Eigener Server? Facebook? Und warum gerade da?

Oder zeigt Eure Bilder aus einem bestimmten Grund gar nicht im Netz?

Natürlich sind hier Mehrfachnennungen möglich und gewünscht. Schreibt einfach, wo Ihr Eure Bilder zeigt, was Ihr an Eurer Lösung gut findet, und was für Euch die perfekte Lösung ist oder wäre.

Hierbei sind Links auf die eigenen Fotoseiten oder Profilseiten in Communitys als Beispiele durchaus erwünscht!

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Das Faszinierende in der Panoramafotografie ist, dass nicht nur ein kleiner Ausschnitt einer Szene zu sehen ist, sondern die komplette Umgebung.

Ich möchte in diesem Beitrag einen kleinen Einblick über meine Arbeit geben, wie ich bei so einem Shooting vorgehe. Angefangen von den Aufnahmen bis zum fertigen Bild für das Web.

Shooting

Legen wir also los….angekommen an der Location schaue ich zuerst mal nach der idealen Lage. Ist die gefunden baue ich mein Dreibeinstativ  auf und packe meinen Nodalpunktadapter drauf. Dieser ist nötig, damit die Aufnahmen ohne Parallaxenfehler aufgenommen werden können bzw. damit die Kamera um den Nodalpunkt gedreht wird. Ich setze hier den NodalNinja 5 ein.

Jetzt kommt meine Kamera drauf (Nikon D200 ohne BG) und das Ganze wird noch mit einer kleinen Wasserwaage ausgerichtet. Somit weist später mein Panorama einen geraden Horizont auf und kippt nicht links oder rechts ab.

Für das 360° Panorama benötige ich mit meinem Objektiv (Sigma 10-20 F4-5,6) bei Brennweite 10mm 8 Bilder (hochkant). Es ist zu beachten, dass eine Überlappung von ca. 25% von einem zum anderen Bild vorhanden sein sollten.

Ich muss noch erwähnen, dass ich hier im RAW-Format fotografiere. Somit habe ich später die Möglichkeiten, sämtliche Parameter wie Weißabgleich, Belichtung, etc. zu korrigieren.

So sieht nun das Ausgangsmaterial aus:

RAW-Bearbeitung

Zu Hause angekommen werden die Bilder mit Hilfe von LR3 auf meine Festplatte gespeichert. Beim Importieren gebe ich nur eine logischeDateibezeichnung und Stichwörter an, damit meine Werke später zugeordnet werden können.

Für die folgende Vorgangsbeschreibung ist zu beachten, dass sich die Shortcuts auf das MAC-System beziehen.

Nun wird zuerst von jedem Bild eine virtuelle Kopie (Shortcut „cmd  + t“) erstellt. Dies ist sinnvoll, damit immer das original unberührt bleibt und man jederzeit neue Kopien davon erzeugen kann. Im Entwicklungsmodus (Shortcut „d“) nehme ich nun folgende Basic-Optimierungen durch:

• Kamerakalibrierung-Profil (in diesem Fall Camera-Standard)
• Grundeinstellung-Wiederherstellung/Klarheit/Dynamik (regeln nach Geschmack)
• Gradationskurve (leichte „S-Kurve“ für harmonischen Kontrast)
• HSL-Luminanz/Sättigung (besonders den Blaukanal wegen dem Himmel)
• Details-Schärfen
• Objektivkorrekturen-Profil (in meinem Fall für das Sigma 10-20)

Jetzt werden alle Bilder markiert (Shortcut „cmd  + a“), um die Entwicklungseinstellung zu synchronisieren.

Abschließend wird alles im TIFF-Format/16 Bit und ohne Skalierung exportiert.

Stitching

Hier setzte ich das Programm „PTGui“ ein. Als Ergänzung sei noch zu erwähnen, dass seit Adobe Photoshop CS3 es möglich ist, flache Panoramen zu erstellen ;-)

• Die zuvor exportierten TIFF-Dateien werden geladen
• und direkt danach mit den Objektiv-/Kamera-Parameter angezeigt
• Durch „align images“ werden die Bilder nun gestitched

Nach kurzer Rechenzeit erscheint der Panorama Editor mit dem vorläufigen Ergebnis

Hier ist es nun möglich, durch Linksklick & Halten der Maus das Panorama zu verschieben  und zu kippen. Somit kann die Position bzw. der Horizont optimiert werden.

Abschließend wird das Ganze durch „create panorama…“ fertig gestellt.

• Bildgröße angeben (max. Size)
• Format wählen
• Speicherplatz + Dateiname
• Hier wird der Stichprozess angestoßen

Finale Bearbeitung

In Adobe Photoshop CS4 nehme ich nun noch Optimierungsarbeiten vor.

Hierbei kommt der NIK-Filter Color Effex 3 Pro zum Einsatz.

Wie in der Ebenenpalette zu erkennen ist, wurde hier der Filter

• Polarization
• und Graduated Neutral Density

angewandt.

In diesem Bild habe ich mein Hauptaugenmerk auf den Himmel und die Wolken gelegt, da diese hier sehr schön ausgeprägt sind. Mein Ziel war, dies noch mehr zur Geltung zu bringen.

Zum Abschluss habe ich die fertige PSD-Datei noch in meinen LR-Katolog mit aufgenommen. Hier werden abschließend die Wolken mit dem Korrekturpinsel und dem Effekt „Klarheit“ betont. Dies ist eine fantastische Methode, um einen gewissen „3D-Look“ in die Wolken zu zaubern ;-)

Aus LR raus wird nun das fertige Panorama als jpg-Datei exportiert (72dpi, Größe runter skalieren und für den Bildschirm schärfen). Nun kann man das Werk auf eine entsprechende Web-Plattform (Flickr, Website, etc.) laden.

Und hier das Finale 360° Panorama:

Ich hoffe, dass Euch dieser „Workaround“ gefallen und Lust gemacht hat, sich auch mal in der Panoramafotografie zu versuchen.

Und falls ich nun Euer Interesse an dieser Art der Fotografie geweckt habe, gibt es auf meinem Blog weitere Berichte. Es ist auch in Planung, dass ich darüber Workshops halte.

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Ich möchte Euch ein Making Of von folgendem Bild vorstellen. Da die Aufnahmesituation denkbar einfach war, werde ich ausführlich auf die Post Production eingehen.

So sieht das fertige Bild aus und trägt den Titel “The Glacier’s Tear” (Die Träne des Gletschers).

Die Aufnahme

Schauen wir uns gleich noch das Originalbild aus der Kamera zum Vergleich an:

Schon zu Beginn des Shoots erwähnte das Model, dass sie diese ober-coole Fellmütze dabei hätte und sie diese unbedingt noch auf nem Foto haben wolle. Ich dachte mir nur: “Ja, ja, das machen wir dann am Schluss noch, wenn’s unbedingt sein muss, ich zieh jetzt erst mal mein Ding durch!”

So gedacht, so getan: Nachdem ich meine geplanten Shots im Kasten hatte, haben wir dann noch “Mützen-Fotos” gemacht. Aber als ich durch den Sucher meiner Canon 5D sah, merkte ich plötzlich (endlich) dass da was dran war! Clarissas sensationeller Blick, gerahmt von feinen weissen Strukturen – herrlich!

Ich setzte das EF 100m f/2.8 Macro ein, mein liebstes Portrait-Glas. Knapp unterhalb des Bildrandes, auf Brusthöhe kam ein grosser silberner Reflektor zum Einsatz. Dieser lag im 90° Winkel zum Himmel und hellte Clarissas Gesicht wunderbar auf.

Die konkreten Aufnahmedaten waren: ISO 100, f/2.8, 1/1500.

Viel mehr gibt es nicht darüber zu sagen, ausser, dass Clarissa sogar vermochte ein Tränchen hervorzubringen, was dem Bild seine entscheidende Note und letztlich den Titel verleiht.

Die Bearbeitung

So, jetzt macht Euch erstmal ne Tasse Tee und nehmt euch ein bisschen Zeit. Wer will nimmt sich gleich noch ne halbwegs ähnliche Portrait-Aufnahme zur Hand und probiert gleich mit.

Am Anfang einer jeden Bearbeitung steht bei mir das “Ausnullen” des Bildes. Komischer Name, aber es beschreibt den Prozess recht gut. Die Idee dabei ist es, ein extrem flach belichtetes Ausgangsbild zu erhalten. Wir holen dabei absaufende Schatten und ausfressende Lichter näher an einen Mittelwert. Das wäre bei diesem Bild vielleicht nicht nötig, da es recht ordentlich belichtet ist, dennoch ist dieser Prozess fast immer Teil meiner Bearbeitungstechnik und beinflusst die weiteren Schritte entscheidend.

In Lightroom (oder dem RAW-Konverter Eurer Wahl) exportiere ich zunächst mal eine Normalversion des Bildes, so wie es aufgenommen wurde. 16-Bit TIFF, Farbraum Adobe RGB, keine Schärfung, kein Entrauschen – alles andere taugt nicht!

Zurück auf dem RAW wird die Belichtung um 0.5 bis 1.0 Blenden abgedunklet und das Bild wiederum als 16-Bit TIFF exportiert. Und das ganze noch ein drittes mal, bei dem die Belichtung um 0.5 bis 1.0 Blenden angehoben wird. Alle drei Exports werden nun in Photoshop geöffnet. Ihr habt nun drei Bilder die etwa so aussehen:

Jetzt werden alle drei Exports in einer PS-Datei als Ebenen kombiniert, wobei die Normale Ausbelichtung unten liegt, die hellere Belichtung darüber und ganz oben die dunkle Variante. Die dunkle Version schalten wir erstmal aus (Augen-Symbol an der Ebene), so dass wir die helle Belichtung sehen.

Wir wechseln zum Reiter Kanäle, wo wir die Kanal-Ebenen RGB (kombiniert) und Rot, Grün und Blau sehen und machen eine “Highlight-Selection”. Dafür klickt man bei gedrückter Command-Taste auf den Thumbnail des RGB-Kanals.

Photoshop generiert nun eine Selektion welche auf der Helligkeit des Bildes basiert. Ihr solltet nun “wandernde Ameisen” um die hellen Stellen des Bildes sehen:

Um diese Auswahl in eine Ebenen-Maske umzuwandeln gehen wir zurück auf den Reiter Ebenen und drücken das Symbol für die Ebenen-Maske:

Die Helligkeits-Auswahl wird dabei in eine S/W-Maske gewandelt und der Ebene zugeordnet. Diese bestimmt wo die Ebene transparent bzw. deckend ist. Je weisser die Maske umso deckender, je dunkler umso transparenter liegt die Ebene nun auf unserer Normalbelichtung ganz unten.

Schön und gut, aber die hellere Belichtung aus dem RAW-Konverter an der wir gerade arbeiten, dient dazu, die Schatten des Originals aufzuhellen.

Bei der jetzigen Ebenen-Maske geschieht aber das Gegenteil, die helleren Bereiche des Bildes liegen deckend über dem Original und die dunklen Bereiche sind noch genauso dunkel wie zuvor. Deshalb invertieren wir die Maske mit dem Kurzbefehl Command + I (Achtung: Nicht die Ebene selbst, sondern die Maske auswählen, bevor man Command + I drückt).

Et voila: Die Schatten des Originals sind heller als zuvor, während die Lichter gleich bleiben.

Schalten wir nun also die oberste Ebene (die aus dem RAW-Konverter abgedunkelte) ein (Augensymbol an der Ebene anclicken). Ihr ahnt es vielleicht schon, wir machen nun das umgekehrte und dunkeln die hellen Bereiche des Originals ab.

Dabei gehen wir genau gleich vor wie vorher, nur dass wir die dabei entstehende Ebenen-Maske nun nicht mehr invertieren müssen, da es uns ja gerade um die Lichter geht, welche die Hilghlight-Selektion auswählt. Am Ende solltet Ihr so eine Ebenen-Anordnung erhalten:

Das Resultat ist ein extrem flaches, flaues Bild. Sieht mies aus… aber das muss so!

Wir haben nun die ideale Ausgangslage für die weiterführende Bearbeitung. Wir haben Zeichnung in den Lichtern und in den Schatten. Das Konzept hinter all dem ist die totale Kontrolle über den Kontrast des Bildes. Ich nenne das auch gern den Micro-Kontrast, denn wir werden nun selektiv den Kontrast des Bildes gestalten.

Aber erst mal machen wir die Ebenen flach mit Shift+Command+F oder über das Menu des Ebenenfensters. Als nächstes erstellen wir eine Einstellungs-Ebene mit dem Kanalmixer, via das Symbol im Ebenenfenster.

Im Dialog des Kanalmixers schalten wir unten auf monochrom und verschieben die RGB-Kanäle zu gunsten des Grünkanals und erhalten dadurch abgedunkelte, strukturreiche Hauttöne. (Alter Silberoxid SW-Film reagierte übrigens hauptsächlich auf den grünen Anteil des sichtbaren Lichts, weshalb viele alte Fotos eine spezielle Tonalität haben!)

Je nach Bild können die Werte stark variieren. Passt auf, dass die Schatten im Rot nicht absaufen oder, dass die Lichter ausfressen. Wir wollen unbedingt in allen Bildbereichen noch Zeichnung haben!

Jetzt machen wir kurz eine Kopie der farbigen Ebene unter dem Kanalmixer, setzen sie ganz nach oben und schalten sie vorübergehend aus – wir bauchen sie später noch. Die unterste Ebene und die Einstellungsebene des Kanalmixers reduzieren wir dafür auf eine (Shift+Command+E) Müsste so aussehen:

Mit der unteren Ebene angewählt, gehen wir jetzt in den Schatten-Lichter-Filter (Menu: Bild > Einstellungen > Schatten/Lichter) um den Kontrast des Bilds weiter zu verfeinern.

Auch hier sind die Einstellungen nur ein Anhaltspunkt und variieren stark je nach Bildinhalt. Grundsätzlich möchten wir hier die Schatten nochmals etwas anheben und die Lichter reduzieren, um den “Mikrokontrast” des Bildes herauszuarbeiten. Und auch hier ist unbedingt darauf zu achten, dass nichts ausfrisst!

Nun schalten wir die farbige Ebene über dem SW-Bild wieder an (Augensymbol neben der Ebene) und stellen den Ebenenmodi auf “Farbe”, was erstmal fürchterlich aussieht:

Also schnell ne Einstellungsebene für Farbton/Sättigung drüberhauen!

Da wir zuvor mit dem Kanalmixer die Rottöne zu gunsten der Grüntöne reduziert haben, wirken die Hauttöne nun schmutzig. Mit der Einstellungsebene für Farbton/Sättigung reduzieren wir die Sättigung der Rot und auch der Gelbtöne. Da ich einen kühlen Look wollte, bin ich dabei etwas weiter als üblich gegangen. (Je nach dem müssen auch die Magentatöne reduziert werden.)

Seid Ihr noch da? Noch fit? Denn jetzt wird’s erst richtig gut!

Als nächstes kommt das sogenannte “Painting with Light”. Hiezu erstellen wir zwei leere Ebenen. Die eine füllen wir mit reinem Weiss und die andere mit purem Schwarz. Diese beiden Ebenen platzieren wir zwischen die SW-Ebene aus dem Schatten/Lichter-Filter und der Farbebene:

Den Ebenenmodi der weissen Ebene stellen wir nun auf “Color Burn”, den der schwarzen auf “Color Dodge”. Zunächst passiert nichts, da sich Farbe der Ebenen und deren Ebenenmodi ausnullen.

In der schwarzen Ebene zeichnen wir die hellen Bildbereiche nach. Dazu nehmen wir ein grössere Pinselspitze (100px und mehr), setzen die Farbe auf Weiss und die Deckkraft auf 7%. Nun zeichnen wir die hellen oder markanten Bildanteile nach um sie zu akzentuieren.

Bei Gesichtern werden dabei z.B. die Wangenknochen, Nase, Highlights auf den Lippen, Wölbung um die Augenbrauen und Kinn nachgezeichnet. Es kommt sehr auf die Ausleuchtung an. Wir können so bereits existierende Highlights hervorheben aber auch künstliche Lichtkanten erzeugen.

Wenn “zu dick aufgetragen” wird, reissen bei dieser Technik schnell die Lichter aus, was zu vermeiden ist. Das Resultat der Schwarzen Ebene und der Effekt auf das Bild sieht bei mir so aus:

In der weissen Ebene, machen wir das umgekehrte. Wir zeichnen die Schattenpartien nach und akzentuieren sie dabei. Dazu brauchen wir eine schwarze Pinselspitze, Deckkraft auf 3% und tendenziell kleinerer Radius als zuvor (50px und weniger). Auch hier saufen die Schatten sehr schnell ab, also vorsicht! Bei mir sieht das dann so aus:

Je nachdem sieht man nun noch die Pinselstriche, deshalb setzen wir den Gausschen Weichzeichner auf die weisse und die schwarze Ebene an. Ein Radius von 10-25px sollte genügen, aber auf jeden Fall so viel, dass man keine Pinselstriche mehr ausmachen kann.

Wenn man mit der Technik anfängt, übertreibt man es gerne. Deshalb schadet es nicht, bei beiden Ebenen mal die Deckraft zu reduzieren. Der Effekt soll erkennbar aber nicht übertrieben oder kitschig wirken.

Fast geschafft! Der Rest ist Dekoration!

In meinem Tiefkühler hatte ich einige grosse Eiswürfel in Tupperware-Behältern gezüchtet. Diese habe ich mit einer Taschenlampe seitlich beleuchtet und mit dem EF 100mm Macro fotografiert. Das sah etwa so aus:

Insgesamt 3 solcher Makros hab ich als Textur über das Bild gelegt und den Ebenenmodi auf weiches Licht oder Überlagern gestellt. (Kommt auf die Textur an, welcher Ebenenmodi passt. Einfach ausprobieren!)

Im Bereich des Gesichts sind solche Texturen oft störend. Deshalb erstellen wir eine Ebenenmaske für die Texturen.

In der dabei entstehenden, weissen Maske, radieren wir mit einer schwarzen Pinselspitze die Bereiche aus, die störend oder zu stark wirken. Das sieht dann etwa so aus:

Und das Resultat ist bekannt

Im zweifelsfall muss noch mit Farbton/Sättigung oder Fablance etwas an den Farben gedreht werden… ist aber reine Geschmackssache! Ich hoffe Ihr konntet meinem Tutorial folgen! Wäre interessant zu sehen was Ihr mit dieser Technik hervorbringt!

Vielen Dank für die Aufmerksamkeit!

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Tina Bauer ist freiberufliche Journalistin und Fotojournalistin aus Stuttgart und lebt zurzeit in Reykjavík/Island. Nach einer professionell geführten Fotoreise durch Island hat sie ihr Schwerpunktthema gefunden und zeigt ihre Arbeiten jetzt in Fotoausstellungen sowie in verschiedenen Magazinen. Als Bloggerin ist sie noch ein Neuling.

Schwierige Bedingungen austricksen und andere Perspektiven wählen, lautet bei der Konzertfotografie mein Motto. Die Isländer lieben Musik, fast jeder hier kann ziemlich gut singen. Und es ist erstaunlich, wie viele Bands, Sängerinnen und Sänger ein Land mit rund 320.000 Einwohnern hervorbringt.

So komme ich in Island kaum drumherum, auf Konzerten zu fotografieren. Da es aber viele gute Konzertfotografen gibt, versuche ich meist etwas andere Fotos verstärkt im Reportagestil zu machen. Ich möchte euch von einigen Erfahrungen berichten. Es geht weniger um technische Details, als um den Spaß am Experiment.

Andere Perspektive wählen

Es schüttete aus Kübeln beim Open-Air-Konzert „Inspired by Iceland“ in Reykjavík. Die Kameramänner und Zeitungsfotografen waren mehr damit beschäftig, ihre Linsen abwischen als zu filmen und zu fotografieren – Bilder und Livestreams gibt es dennoch genug. So habe ich mich unter den Bühnenrand gerettet – um mich einerseits vor dem Regen etwas zu schützen – und von dort mal von dort die Zuschauer fotografiert – um andererseits ein anderes Motiv als die üblichen Musiker- und Bandfotos zu bekommen.

Die Leute haben schon ein bisschen komisch geschaut, als ich quasi in die falsche Richtung fotografiert habe. Aber mir war es wichtig zu zeigen, dass trotz strömendem Regen die Leute mit Gummistiefeln und Regenschirmen ausgestattet zum Feiern und Musikhören gekommen sind.

In Schwarz-weiß umwandeln

Von schlechten und häufig wechselnden Lichtverhältnissen können Konzertfotografien ein Lied singen. Doch auch wenn man mit einem lichtstarken Objektiv arbeitet, empfiehlt es sich oft, mit einen hohen ISO-Wert zu fotografieren. Beim Bræðslan Musikfestival in den isländischen Ostfjorden habe ich den ISO-Wert bis auf 1600 hochgeschraubt. Das Konzert fand in einer ehemaligen Fischfabrik statt: geniale Atmosphäre, aber sehr düster.

Mit den Farbaufnahmen war ich gar nicht zufrieden: zu viel Rauschen und Unschärfe. Also habe ich es mal in Schwarz-Weiß versucht – so kommt die Atmosphäre viel authentischer rüber. In Schwarz-Weiß wird der konzentrierte Blick von Cathy noch stärker fokussiert.

Details hervorheben

Auch wenn es in Island viele kleine Konzerte und Gigs gibt –- das Großereignis ist das Airwaves-Festival im Oktober jeden Jahres. Da etliche Fotografen aus dem In- und Ausland bei diesem Event sind und tolle Fotos auf dem Markt sind, habe ich versucht, weniger beachtete Details aufzunehmen. Bei der Gruppe „Boys in a band“ von den Färöer Inseln ist mir der banale Bandname, über den ich in einem Interview gelesen hatte, sofort ins Auge gesprungen.

Das Bild der Plektra der brasilianischen Band CSS – Cansei de Ser Sexy – soll ein Kontrast zum Auftritt sein. Dieser war absolut schrill mit einer exzentrischen Sängerin. Im Gegensatz dazu haben die Plektra ihren festen, beständigen Platz am Mikro bis sie zum Einsatz kommen.

*** Werbepause: Buchtipp - Vom Alltäglichen zum Besonderen!

Der folgende Erfahrungsbericht soll euch einen Einblick in das Studium in Kommunikationsdesign mit dem Schwerpunkt Fotografie geben. Vielleicht kann das hier dargestellte aber auch für den ein oder anderen eine Anregung sein, mal wieder analog zu fotografieren.

Wo fängt der Himmel an…

Die Faszination war meine größte Motivation und so suchte ich nach einem Weg, der mir eine Zukunft im Bereich oder mit der Fotografie ermöglichte. Klar dachte ich zuerst an ein Studium in Fotografie selbst. Ich wollte mich jedoch nicht nur auf dieses Medium festlegen und wusste, dass ein Studium in Kommunikationsdesign mir fotografisch gesehen keine Grenzen aufzeigen würde. Ich denke, Niemand kann im Zuge der digitalen Revolution sagen, was morgen ist. Mein Studium bietet mir die Chance Crossmedial zu arbeiten, weshalb meine Entscheidung gegen die Fotografie, auch eine für sie war.

und wo hört er auf?

Thematisch gesehen sollten wir uns im ersten Semester mit dem klassischen Portrait beschäftigen. Hierzu musste jeder unterschiedliche Personen vollformatig portraitieren und das sowohl mit einem Tele- als auch mit einem Normalobjektiv. Insgesamt sollten am Ende mindestens 6 Aufnahmen gezeigt werden, wobei 3 handwerklich anspruchsvoll ausgearbeitet sein mussten.

Die verbleibenden Bilder konnten mit dem klassischen Handwerk brechen und daraus ihre Kraft schöpfen (sog. Punkfotografie). Darüber hinaus sollte mit einem Weitwinkelobjektiv ein Halbakt-Portrait vor Ort und nicht im Studio erstellt werden. Realisiert wurde das Thema mit Hilfe der analogen s/w-Technik.

In den ersten Tagen des Studiums wurde ich mit Namen konfrontiert, die ich vorher noch nie gehört hatte. Richard Avedon, Nobuyoshi Araki, Robert Mapplethorpe oder Wolfgang Tillmans, um nur einige zu nennen. In unserer hochschuleigenen Bibliothek konnte ich Bildbände wälzen, die ich hätte niemals bezahlen können. Darüber hinaus widmete ich mich, schon in die Tage gekommener Pflichtlektüre, von Amsel Adams – Die Kamera / Das Negativ / Das Positiv.

Anfangs stand das Verstehen der Technik im Vordergrund. Wir besuchten parallel zur Fototheorie einen Grundlagenkurs in Gerätetechnik. Vielen war die Auseinandersetzung mit der Technik einfach zu komplex. Als man uns dann lediglich das Entwicklungsverfahren für einen Kodak T-Max 100 erklärte wobei es draußen so langsam Winter wurde, wandten sich viele ab. Probieren ging also erstmal über studieren ;)

Schnell äußerte sich allerdings auch ein Unverständnis gegenüber dem analogen Verfahren. Welchen Mehrwert sollte diese in die Jahre gekommene Technik schon haben? Viele von uns besaßen keine analoge Kleinbildkamera, die Kosten für Chemie und Papier förderten den Missmut nur.

Meine Erfahrung ist es, dass ich durch den Umgang mit analoger Technik gelernt habe, anders zu sehen. Darüber hinaus bin ich offener gegenüber experimenteller Fotografie, da diese sich durch das häufige Scheitern fast selbstständig ergibt. Heute versuche ich so oft wie möglich analog zu arbeiten. Ich nehme mir demzufolge die Zeit, die Fotografie mit Hilfe ihrer Vergangenheit zu verstehen.

Klassik vs. Punk

Die hier gezeigten Fotos sind das Ergebnis meiner Abschlusspräsentation im ersten Semester. Lediglich das Halbakt-Portrait wird hier nach Absprache mit der abgebildeten Person nicht gezeigt. Alle Arbeiten wurden auf Ilford Multigrade IV RC Deluxe Papier / 24×30,5cm vergrößert. Ich selbst erwartete von mir, mich jeder Aufgabe zu stellen.

Ich fotografierte dementsprechend mit einem alten 50mm f/2.8 Tessar von Zeiss, dem 85mm f/1.8 Nikkor und lieh mir manchmal eine Leica R4. Die ersten Bildbesprechungen mit meinem Professor verliefen anders als erwartet. Schnell wurde klar, für jedes gezeigte Bild einstehen zu müssen. Kritisiert wurde alles.

Nebenbei fielen immer wieder Bemerkungen zur Fotografie an sich. Wir müssten uns ihr bewusst werden gleichzeitig aber unsere Rolle als Fotograf dem gegenüberstellen. Was ist überhaupt ein Foto? Eine Momentaufnahme der Realität, die Interpretation der Kamera oder doch das, zu was es der Fotograf gemacht hat?

Beeindruckt von diesen kritischen Anmerkungen zum fotografischen Prozess, begann ich die Fotografie zu hinterfragen, bevor ich sie überhaupt verstand. Während der ersten Monate versuchte ich, Aufnahmeverfahren die ich schon digital angewandt hatte analog zu übertragen.

Konsequenz waren die klassisch angelegten High- und Low-Key Portraits. Das hier gezeigte Low-Key entstand mit Hilfe einer Studioblitzanlage und einem hochauflösenden Orthopan Ur ISO 20 Film von SPUR. Ich wollte dieses Foto unbedingt. Ich entschied mich also bewusst für die langweilig anmutende Schlüssellochperspektive, die Ausarbeitung der Hauttöne sowie dem Model. Als Kritik bekam ich lediglich “langweilig” zu hören.

Ich wusste nicht damit umzugehen, nahm das Foto aber trotzdem in meine Präsentation auf und orientierte mich um. Das nicht betitelte, sich in Unschärfe auflösende Portrait einer Kommilitonin war ein Ergebnis dieses Prozesses. Die Anregung für das Spiel zwischen Unschärfe und Bokeh lieferte mir übrigens ein Beitrag zum Lens-Tilting hier auf kwerfeldein.de.

Das Semester näherte sich dem Ende entgegen und ich konnte mich einfach nicht mit der Punkfotografie identifizieren. Andere zerkratzten ihre Bilder, bemalten sie oder vergrößerten sie durch einen Teebeutel hindurch. Und ich? Ich wollte dem Medium entgegen treten.

Mich hatten schon immer Fotos gereizt, die Verwitterungsprozessen ausgeliefert waren. Hierbei empfand ich die dem Prozess geschuldete Ästhetik als eine Auseinandersetzung der Natur mit dem Medium. Ich selbst fand darin meine Inspiration. Meine Vorstellung war es, den Film so weit wie möglich aufzulösen bzw. anzugreifen ohne die abgebildeten Personen zu stark zu deformieren.

Das Ergebnis ist eine Serie bestehend aus 3 Bildern (von ca. 50) die durch Wärme und Kälte verfremdet wurden. Bedingt durch den Zustand der Negative können diese niemals wieder so vergrößert werden.

Ist der Himmel die Grenze?

Auf mich warten in den folgenden Semestern Aufgabenstellungen zur narrativen Fotografie, inszenierter und manipulierter Fotografie sowie der angewandten Fotografie. In Zukunft werden wir die Technik zur Umsetzung unserer Arbeiten frei wählen können.

Was haben das analoge Mittel- oder Großformat für Potential? Wäre es zu früh, sich schon dem Digitalen hinzugeben? Ich kann euch diese Frage heute noch nicht beantworten aber vielleicht können wir auch weiterhin hier auf Kwerfeldein darüber in einen Dialog treten.

Bei Fragen und Co hinterlasst einfach einen Kommentar!

*** Werbepause: Buchtipp - Vom Alltäglichen zum Besonderen!

Wie schon erwähnt, ist Martin immer noch krank. Und immer häufiger wird der Ruf nach Martins Zustand laut: was er hat, ob es ihm besser geht und wann er sich wieder selbst um kwerfeldein.de kümmert. Da wir bisher nie im Einzelnen auf diese Frage eingegangen sind, gibt es heute ein kleines, öffentliches Update: Nicht als Antwort auf einzelne Kommentare oder Mails, sondern als allgemeine Info für alle, die daran interessiert sind.

Martin befindet sich auf dem Weg der Besserung. Wir haben einige Male mit ihm telefoniert und er hört sich auch schon wesentlich besser an als noch vor einer Woche. Trotzdem wird es wohl noch etwas dauern, bis er wieder fit genug ist um seinem normalen Arbeitsalltag nachzugehen.

Die Frage nach der Krankheit möchten wir allerdings nicht beantworten, da wir die Kommunikation von privaten Dingen komplett Martin selbst überlassen. Wenn er wieder da ist, kann er selbst entscheiden, ob und in welcher Form er von seiner Krankheit berichten möchte. Denn das ist alleine seine Sache, in die wir uns nicht einmischen werden.

Wir hoffen, dass Ihr für diese Entscheidung Verständnis zeigt.

Übrigens

Wir haben schon einige Gastartikel erhalten, und wollen an dieser Stelle noch mal Danke an alle bisherigen Autoren sagen! Denn Eure Gastartikel halten den Betrieb hier auf kwerfeldein.de aufrecht – ohne Euch gäbe es hier in den letzten zwei Woche nichts als gähnende Leere. Natürlich freuen wir uns auch weiterhin über Eure Gastartikel – wenn Ihr etwas schreiben wollt, meldet Euch einfach bei uns (Steffen, Holger oder Hannes)!

So, jetzt aber genug der langen Worte: Wir wünschen Euch viel Spaß mit den browserFruits!

Foto Special

Fotografie im deutschsprachingen Raum

# Wir finden Das Astronomy Picture of the Day Archive ist definitiv einen Klick wert (via andilicious)

# Wie wird man heute als Fotograf erfolgreich? Vielleicht so!

# Any Rock ‘n Rollas out there? Dann ab zum pixeleye

# Drüben beim Torsten findet ein Fotowettbewerb statt. “Mein schönstes Alpenfoto”

# Ein bisschen off-topic, aber wie ist Eure Meinung zur Google Streetview Diskussion in Deutschland?

# Der Besim hat drüben bei lens-flare.de einen Lightroom Workshop angekündigt. Für Lightroomer im Raum Kassel sicher eine Überlegung wert.

# Auf Menschen2null sieht man den Tascheninhalt von verschiedenen Leuten und kann Tipps zum jeweiligen Tascheninhaber abgeben. Am 29.8. gibt es dann die Auflösung, welche Gegenstände zu wem gehören. Wer in der zweiten Runde des Projektes dabei sein will, kann noch bis zum 30.9. ein Foto seines Tascheninhaltes einsenden.

# Bei Nicolas Henri gibt es einen Fotowettbewerb: Show us your Hope. Einsendeschluss ist der 10.9.

Fotografie auf internationaler Ebene

# Ihr fotografiert auch schonmal mit der Handykamera? EYE’EM gefällt uns richtig gut!

# Ähnlich zu dem oben vorgestellten Projekt “Menschen2null” ist das Fotoprojekt Persona auf flickr – nur dass hier keiner raten darf ;-)

# Seine Starportraits hat nun wirklich jeder schon mal gesehen. Mark Seliger – noch Fragen?

# It’s a blog! Siebe Warmoeskerken, manchen vielleicht bekannt von seinem Interview hier, bloggt seit Juli. Bokeh-Lovers sollten schnell mal seinen Feed abonnieren. Tolle Fotos und sehr gute Screencast-Tutorials.

# The best city in the world. Ok. Läßt sich drüber streiten. Beim Pictory New York City Showcase kann man auf jeden Fall tolle Fotos sehen.

# Last but not least ein Nachruf auf Herman Leonard.

Wenn sich jemand einen Jazzmusiker in einem Klub vorstellt, denken wohl die meisten von uns an die Fotos von Herman Leonard, ohne es vielleicht zu wissen. Kaum ein Fotograf hat es wie er geschafft, dass seine Arbeiten geradezu zu Ikonen wurden.

Leider ist er am 14. August 2010 im Alter von 87 Jahren gestorben.

Denjenigen, die nicht wissen wer er war und was er gemacht hat, lege ich folgendes Zitat von Quincy Jones ans Herz:

“I used to tell cats that Herman Leonard did with his camera what we did with our instruments. Looking back across his career, I’m even more certain of the comparison: Herman’s camera tells the truth, and makes it swing. Musicians loved to see him around. No surprise; he made us look good.”

Video

# Island. Toll.

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# Nicht mehr ganz neu, aber nachdem das erste Video um die Welt ging: ein weiterer großartiger Stop-Motion-Film von blu

-> Link zum Video

# Philip & Tobi reden ausnahmsweise nicht über Fotografie, sondern erklären, wie man Waffeln backt. Weltklasse.

-> Link zum Video

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Objektive gibt es viele – Canon zum Beispiel bietet mehr als 60 verschiedene Objektive für ihre DSLR Kameras an, und Fremdanbieter erweitern das Angebot nochmals beträchtlich. Da sollte doch für jeden Anspruch und Geldbeutel das passende Objektiv dabei sein – könnte man meinen.

Allerdings findet man oftmals Nutzer, die sich zumindest teilweise mit alten Objektiven ohne Autofokus und ohne von der Kamera gesteuerten Funktionen „herumschlagen“.

Ich gehöre zu dieser eigenartigen Spezies Fotograf ;-)

Mein Einstieg in die Welt der manuellen Objektive an DSLR Kameras war wohl ähnlich unspektakulär wie bei den Meisten: Ich hatte einige Objektive, darunter ein paar wenige Zeiss Optiken, für meine analoge Contax / Yashica Ausrüstung. Diese wollte ich auch nach meinem Wechsel in die Digital-Foto-Welt nutzen. So stand für mich schnell die Entscheidung für Canon EOS Spiegelreflexkameras fest, da dieses System aufgrund des etwas kürzeren Auflagemaßes und des großen Bajonettdurchmessers für Adaptionen alter Optiken ideal ist.

Anfangs nutzte ich noch eifrig das Canon EF 50mm/1.4 und EF 28-135mm IS USM mit vollem Automatik-Komfort an meiner EOS 350D Crop-Kamera. Zusätzlich kamen meine manuellen Optiken zum Einsatz – aber die große Freude an den klassischen Objektiven kam erst mit dem Kameraklassiker EOS 5D, Canons erschwinglicher Kleinbild-Digitalkamera.

Erst damit machten die manuellen Objektive richtig Spaß – soviel Spaß, dass ich zur Zeit mehr als 95 Prozent meiner Aufnahmen damit anfertige. Zum Einen hilft der große Sucher bei der Bildgestaltung und beim Scharfstellen, zum Anderen laufen die Objektive erst bei 24×36 mm Sensorgröße zu ihrer vollen ursprünglichen Leistung auf – die großen Pixel der EOS 5D helfen dabei.

Weshalb tue ich mir diesen eklatanten Komfortverzicht an?

Autofokus (AF) war für mich noch nie wirklich relevant. Für die eine oder andere Gelegenheit war AF zwar ganz gut, aber viele Autofokusobjektive machen mir einfach haptisch keinen Spaß. Zudem muß ich mir so keine Gedanken wegen Front- oder Backfocus machen, und komme erst gar nicht auf die Idee, meine Bildgestaltung nach AF-Feldern zu richten.

Deswegen werde ich zwar ein paar AF Optiken weiterhin behalten, aber sie verstauben im Regal.

Die Springblende ist schon eher ein Verlust der schmerzt – immer bei Arbeitsblende scharf zu stellen ist vor allem bei Blitzaufnahmen, zum Beispiel im Makrobereich, unangenehm.

Was sind dann die Vorteile?

• Die manuellen Objektive sind oftmals von der Machart wesentlich robuster und wertiger. Der persönlich gefühlte Abstand zwischen dem hochgelobten Canon EF 50mm/1.4 und dem als “Joghurtbecher“ verunglimpften EF 50mm/1.8 II ist etwa ähnlich wie zwischen meinem manuellen Minolta Rokkor 58mm/1.2 und dem EF 50mm/1.4.
• Alte manuelle Objektive kosten in der Regel weniger als aktuelle Objektive. Ein Pentacon 50mm/1.8 kostet oft nur 20 Euro, ein passender Adapter mit Schraubgewinde M42 auf das Kamerabajonett nochmals 10 Euro. Ein Rokkor 58mm/1.2 kostet um die 300 Euro – eine vergleichbare aktuelle Optik kostet gebraucht 900 Euro. Und mit etwas Geduld finden sich bei den Manuellen eher Schnäppchen.
• Alte Objektive haben zum Teil Charakter: Das Bokeh, also das Unschärfeverhalten, des Meyer Trioplan 100mm/2.8 ist bei Offenblende als spacig zu bezeichnen, beim erwähnten Rokkor ist es sahnig. Verschiedene Objektive haben eine malerische Überstrahlung. Zeiss (West) Objektiven wird ein spezieller 3D-Look der Bilder nachgesagt – das ist zum Beispiel eine Sache, die ich für mich erst noch austesten muß. Vergleiche und Bewertungen nehmen da fast esoterische Züge an.

Was läßt sich alles adaptieren – und weshalb sind nicht alle Kombinationen sinnvoll?

Der erste zu berücksichtigende Faktor ist der Bildkreis. Das ist der maximale Durchmesser eines Bildes mit nutzbarer Qualität. Bei vielen alten Objektiven sind das 43 mm – die Bilddiagonale vom 24x36mm großen Kleinbild (abgekürzt KB), auch bekannt als Vollformat. Daher kann man für KB gerechnete Objektive an Sensoren im KB-Format oder kleiner nutzen.

Der zweite Faktor ist der freie Abstand zwischen dem letzten Bauelement des Objektivs in Richtung des Bildes und dem Sensor. Dies ist die Schnittweite. Wenn dieser Abstand zu klein ist, kann eventuell der Schwingspiegel der Kamera anstoßen. Nur dummerweise sind diese Maße nirgends angegeben. Stattdessen wird daher oft das Auflagemaß herangezogen.

Gerne wird geschrieben, das Auflagemaß sei eins der absoluten Maße für eine Adaption. Sobald das Auflagemaß des Objektivs größer oder zumindest gleich groß sei wie das der Kamera, seien Adaptionen mit reinen Adapterringen ohne Linsen möglich. Andernfalls nicht.

Was ist das Auflagemaß?

Bei Kameras ist das einfach der Abstand von der Fläche, die als Anschlag des Einschraubens dient, zum Sensor. Bei Objektiven ist es der Abstand von der Anschlagfläche bis zur Schärfenebene des Objektivs.

Gut, wenn wir jetzt ein M42-Schraubgewinde-Objektiv in eine Kamera mit entsprechendem M42-Adapter einschrauben, paßt alles wunderbar, sofern die Auflagemaße übereinstimmen.

Ist das Auflagemaß des Objektivs kleiner als das der Kamera, landet das Bild unendlich entfernter Motive irgendwo in der Luft vor dem Sensor – schade eigentlich. Die einzige Lösung wäre, sich auf Motive im Nahbereich zu beschränken – nicht immer wünschenswert. Das ist das Problem bei der Adaption der meisten manuellen Objektive an das Nikon F-Mount.

Andersrum landet das Bild erstmal hinter dem Sensor. Da beim Fokussieren auf nahe Objekte der Abstand zwischen Optik und Sensor vergrößert werden muß, kann oftmals der dazu vorhandene Schneckengang in diesem Fall auch zum Fokussieren auf Unendlich genutzt werden – Glück gehabt. Nur wird die Nahgrenze des Objektivs verloren gehen.

Auch bei Objektiven wie den alten Olympus Zuiko OM Optiken stimmt die einfache Aufkagemaß-Regel. Diese Optiken finden mittels des Adapters problemlos im Canon EF Bajonett Platz.

Dann schweift unser Blick umher und trifft auf den Pentax K-Mount. Vom Auflagemaß paßt alles wunderbar – nur in der Praxis stößt die einfache Auflagemaß-Formel an ihre Grenzen, und der Spiegel der Vollformat-Kamera an Hebelchen des Objektivs. Gut, die Hebelchen und eine “Nase” lassen sich schnell entfernen, und dann kann man die Pentax Optiken gut verwenden.

Schauen wir jedoch mal Zeiss Objektive mit Contax / Yashica Bajonett an: Das Auflagemaß ist wieder größer als bei Canon EF. Und nach dem Kürzen eines Blendenhebels passen die Optiken auch wieder – zumindest einige. Bei Kleinbild im Weitwinkelbereich stehen manche Rücklinsen dem Kamera-Schwing-Spiegel im Weg! Die Linse abzuschleifen wäre sehr verwegen, optische Nachteile wären zu erwarten ;-). Deswegen schleifen viele Manuell-Fokus Liebhaber den Spiegel der Kamera an, um diese hochwertigen Zeiss Objektive nutzen zu können.

Auch nicht jedermanns Sache.

Eine weitere Variante, die von der “Regel” abweicht, sind C-Mount Optiken an FourThirds Kameras. Diese können zum Teil mit ihrer Auflage im 4/3 Bajonett eintauchen. Wenn wir dann den Blick etwas zurück wenden, stellen wir fest, dass auch z.B. M42 nur deswegen an Canon EOS Kameras paßt, weil das M42-Gewinde in den EF Mount eintauchen kann – ein weiterer Gesichtspunkt, der beachtet werden will. Hier verliert Sigma mit dem kleinen Bajonettdurchmesser.

All diese Punkte sind bei den DSLR Kameras bei Canon und wohl auch Sony am besten – die Systeme sind ideal für die Nutzung fremder Objektive per mechanischem Adapter ohne Umbau. Wer zum Schraubendreher greift, hat andere Optionen.

FourThirds Fans werden jetzt grinsen, sie haben mehr Möglichkeiten mit Adaptern. Und bei Micro-FourThirds ist die Objektivauswahl noch größer. Da werden auch Canon FD und Minolta SR Objektive nutzbar.

Allerdings gibt es den berechtigten Einwurf, dass 4/3 nur ~28% der Kleinbild Sensorfläche nutzt – Cropfaktor 2. Kleinbildobjektive (KB) sind nicht auf die kleinen Pixel optimiert, liefern nicht den bei 4/3 gepriesenen bildseitig telezentrischen Strahlengang, sind für andere Aufnahmewinkel optimiert, was Streulicht anbelangt – alles Punkte bei denen adaptierte KB Optiken schlechter sein dürften als 4/3 Objektive. Zu den Punkten, die hier eventuell für alte Objektive sprechen, kommt vielleicht noch ein Statusdenken in Bezug auf das “dicke” Objektiv hinzu.

Bei meiner Arbeit mit Industriekameras mit 2 bis 11 µm Pixelgröße sehe ich, was aus dem Sensor wirklich rauskommt – ein Grund mehr für mich, bei Kleinbild zu bleiben.

Mit den neuen Sony NEX-3 und NEX-5 Kameras hat man die gleiche Sensorgröße wie bei Canon-Cropkameras, aber durch den Entfall des Schwingspiegels eine große Auswahl an Objektivadaptierungen mit Adaptern. Von dem Gesichtspunkt her sehr empfehlenswert – nur ohne die Aufstiegsmöglichkeit zum Kleinbild bzw. Vollformat.

Das Auflagemaß alleine macht also nicht glücklich. Zumindest eine erlaubte Eintauchtiefe müßte noch beachtet werden. Bei Canon EF Vollformat sind das circa 1-2 mm hinter dem EF Bajonettring. Eine M42-Optik, die z.B. mehr als einen Millimeter hinter dem Adapterring hervorsteht, sollte man besser nicht unbesorgt an eine 24x36mm KB Format DSLR ansetzen.

Was würde eigentlich passieren, wenn man’s trotzdem tut?

Es kann sein, dass der Spiegel nur kurz am Objektiv entlang streift, und sonst passiert nichts. Oder der Spiegel bleibt hängen, klappt aber wieder runter wenn man in den Nahbereich fokussiert. Oder, wohl ein Worst-Case, es haut einiges an der Spiegelmechanik zusammen.

Fatal könnte es werden, wenn man zum Lösen des hängenden Spiegels das Objektiv weiter in die Ferne fokussiert – dann wird der Spiegel nach hinten gedrückt.

Auch kritisch könnte das Entriegeln sein, die Drehung könnte zerstörerische Wirkung haben.

Nun möchte ich aber nicht als Missionar in Sache manuelle Objektive auftreten – sondern einzig diese Alternative vorstellen, um Unsicherheiten und Fehlkäufe zu vermeiden. Die steigenden Preise für einige manuelle Schätzchen, wie das Rokkor 58mm/1.2, zeigen das schon bestehende große Interesse. Es gibt auch bei den “Alternativen” einen Mainstream!

Links zum Thema:

• Digicamclub – Forum Manuelle Objektive: Wohl die umfangreichste deutschsprachige Informationsquelle
• Fredmiranda.com – da entstehen Trends wie das Rokkor 58/1.2
• MFlenses glänzt mit vielen Reparaturtipps und Modifikationsanleitungen

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