Ich habe die meiste Zeit meines Lebens ohne Fotografie verbracht, denn mein Plan war es immer, Malerin zu werden. Als ich noch ein kleines Kind war, malte ich die ganze Zeit, ohne Unterlass. Immer damit beschäftigt, irgendetwas zu kritzeln.

Kreiden, Kugelschreiber, Wasserfarben. Ich zeichnete und malte. Ich war nicht sonderlich gut darin, was vielleicht auch der Grund ist, dass ich heute ganze 115 verschiedene Kamera besitze – und keine Kreiden mehr.

Die erste Kamera, die ich mich zu benutzen erinnere, war eine Afga Afgamatic 100, das war vor Ewigkeiten, Mitte der 70er Jahre. Ich war noch ein Kind und ich benutzte sie wie ein Kind. Ich nahm Bilder von Sonnenuntergängen auf, von Pferden. Danach habe ich immer wieder mit der Fotografie gespielt, aber sie hat mich nie wirklich tief interessiert, bis ich mir vor 9 Jahren meine erste DSLR zulegte.

Nach einer Weile allerdings fühlte sich die digitale Fotografie dann doch wieder zu statisch und vorhersehbar für mich an. Also ging ich einige Schritte zurück in der Evolution der Fotografie und begann, mit einer Polaroid 600 zu fotografieren.

Das war ein Jahr bevor Polaroid beschloss, alle ihre Filmfabriken zu schließen, also kam ich ein bisschen spät an im Zeitalter des Sofortbildfilms. Allerdings entdeckte ich zur gleichen Zeit auch meine Freude an der Klein- und Mittelformatfotografie.

Was also habe ich für eine merkwürdige Obsession mit Sofortbildfilm? Er ist für mich der perfekte Hybrid aus Old-School- (ich meine Film generell) und New-School-Fotografie (digital): Du fotografierst mit einem analogen, organischen Filmformat, aber Du bekommst die Ergebnisse sofort zu Gesicht. Für mich ist es exakt die beste Kombination aus beiden Welten.

Unglücklicherweise ist es auch einer der teuersten Wege, Fotografie zu betreiben. Ein einziges Bild Integralfilm aus dem Impossible Projekt kostet Dich 4 Dollar. Wenn Du also nicht gerade eine unendliche Geldquelle hast, musst Du sehr sparsam mit Deinem Material umgehen und nur dann ein Bild machen, wenn Du Dir ganz sicher bist, dass es das richtige ist.

Verschwendung von Bildern kommt aufgrund der Kosten nicht in Frage. Ich versuche nur einen Schuss pro Motiv. Wenn es nicht klappt, dann ist diese Motiv für mich verloren.

Das Tolle daran ist, dass es auch zu meiner Vergangenheit als Kind anknüpft und zur Kunst. Man kann sehr leicht damit experimentieren: Du kannst die Bilder in Flüssigkeiten (Tee, Kaffee, Wein, Sojasauce, die Liste ist endlos) einlegen, um Effekte zu kreieren, Du kannst Emulsionslifts durchführen, Du kannst sogar die Negativseite eines Polaroids in Photoshop invertieren, um ein Bild zum Weiterarbeiten zu bekommen.

Und das alles mit einem Bild. Lustigerweise geht das auch mit schiefgegangenen Motiven. Ich habe rausgefunden, dass schiefgegangene Motive am Ende manchmal sogar besser werden als gute, weil man mit ihnen leichtfertiger experimentiert.

Sterile und herkömmliche Fotografie langweilt mich inzwischen ein bisschen. Ich finde keinen Spaß daran. Das ist natürlich eine Sache des persönlichen Geschmacks, ich mache eher „grungigere“ und griffigere Bilder. Ich packe Texturen auf meine Bilder, die ich selbst fotografiert habe (oft sind die Texturen genau die Bilder, die schiefgegangen sind).

Ich fühle mich generell eher zu den schief aussehenden Dingen im Leben hingezogen, auch in den Motiven. Halbverbrannte Bäume, vertrocknete und dornige Disteln, überflutete Flüsse, Krähen. Die Dinge, die die Leute nicht angucken, an denen sie vorbeilaufen. Und mit der Sofortbildfotografie halte ich die übersehenen Dinge für immer fest.

Auf die Food-Fotografie bin ich nicht zufällig, aber über Umwege gestoßen. Eigentlich bin ich seit Jahren der Menschenfotografie verschrieben. Den Portraits, Momentaufnahmen, Fashionbildern und Bildergeschichten gilt auch heute noch mein Hauptinteresse als Fotograf. Und natürlich als Mensch.

„Shoot what you love“ tönt es von allen Seiten, also warum nicht mal das Spektrum erweitern und etwas hinzufügen, was ich auch liebe? Mit leckerem Essen verbindet mich nicht nur meine persönliche Leidenschaft, sondern auch mein Startup foodQuest, das sich mit dem Thema Essen, genauer: Restaurants, in Form einer App auseinandersetzt. Und dann auch noch in Berlin wohnen! Klischeealarm!

Es mag kaum überraschen, aber ich könnte kaum glücklicher über die Reihenfolge sein, in der ich diese Felder der Fotografie kennengelernt habe. Warum? Ganz einfach: Einen Menschen darzustellen, einen Moment festzuhalten, den Ausdruck einzufangen, all das sind Dinge, die neben einem Hauch Technik vor allem eines erfordern:

Gefühl. Den Moment erkennen, erspüren, ihn vielleicht sogar selbst zu erzeugen. Sich auf das Wesentliche zu konzentrieren.

Etwas entdecken im Gesicht des Gegenübers und dieser Entdeckung zu huldigen. In der Food-Fotografie versuche ich, diesen Prozess zu wiederholen: Nicht einfach nur abbilden, sondern erst einmal fühlen. Sehen. Mit dem Koch reden: Was ist das Besondere an diesem Essen? Wer ist der Star?

Ach, das Fleisch hat eine Kerntemperatur von 55°C und ist deswegen so schön rosa? Diese Eindrücke nehme ich mit und versuche, sie in das Bild einzubauen. Hierbei hilft es mir enorm, dass ich das Entdecken, Fühlen und Sehen bereits aus meiner vorherigen Fotografieerfahrung einbauen kann.

Wir kennen alle die stark konzeptualisierte und stilisierte Form der Food-Fotografie (die ich auch auf eine gewisse Weise bewundere), aber genau wie in meiner Menschenfotografie interessiert mich meistens der Blick auf’s Ganze, nicht nur der hochglanzkompatible Eindruck.

Die Emotion, die ich mit meinen Food-Bildern erzeugen will, ist ungleich einfacher als in der Menschenfotografie: APPETIT. Ich mag Bilder, die Lust auf Essen machen. Lecker. Will ich haben. Ich persönlich muss dafür dem Foto glauben.

Es muss authentisch sein und trotzdem ästhetisch. Dieser Ästhetik sind natürlich dadurch gewisse Grenzen gesetzt. Essen sieht nun mal schnell „falsch“ aus. Verdorben, ungesund. Wir sind nun einmal evolutionsbiologisch so programmiert. Meine Lösung hierfür: Mach’s Dir einfach.

Ein Tageslicht-Setup im Studio nachbauen klappt mit etwas Übung im Portraitbereich sehr gut, im Food-Bereich ist es aufgrund der Vielzahl an unterschiedlichen Oberflächen, die teilweise recht erbarmungslos jeden Fehler offenbaren, schon etwas komplizierter.

Meine Food-Fotos entstehen daher häufig mit reinem Tageslicht. Ein großes Fenster zur Nordseite, ein Faltreflektor. Mehr brauche ich meistens nicht. Ich baue durchaus mal das eine oder andere Setup im Studio, aber die Limitationen sind deutlich stärker:

Je nachdem, wie viel Essen ich fotografieren möchte (ich fotografiere viel in Restaurants) und wie der Prozess der Essensanlieferung aussieht, muss ich teilweise sehr schnell und spontan arbeiten.

Eine Suppe? Vielleicht ein softes Gegenlicht. Das leckere Fleisch? Braucht schönen Kontrast, also versuche ich, das Licht eher von der Seite oder von hinten kommen zu lassen. Und so weiter.

Hierbei liegt es mir trotz reicher Erfahrung mit Blitzen aller Art einfach näher, mich mit einer großen Lichtquelle in Form eines Fensters zu begnügen und so schnelle Entscheidungen treffen zu können.

Ich will in diesem Text bewusst nicht viel von der Technik erzählen. Technik ist entsetzlich langweilig. Klar ist es notwendig, seinen Weißabgleich richtig einzustellen, wenn man ordentliche Farben haben möchte. Aber genau darum geht’s mir ja: Erst fühlen, dann sehen, dann fotografieren.

Dann klappt’s auch mit den richtigen Farben und der restlichen Technik. Wer noch nie eine Softbox bedient hat, tut in jedem Fall gut daran, bei den ersten Food-Gehversuchen die große kostenlose Softbox von „da oben“ zu verwenden.

Vielleicht bringt Euch dieser Text dazu, Euer Hauptinteressengebiet mal für einen Moment zu verlassen und etwas ganz anderes zu fotografieren. Und dann erlebt Ihr vielleicht, was für Euch die darunterliegende Verbindung zwischen den verschiedenen Gebieten ist. Seid gespannt!

Dort gab es viele schöne Bilder von Blumen und Katzen, die zeigten, dass auch diese Motive weit mehr als Anfängermaterial sein können – aber das war es nicht, was meine Welt veränderte.

Es waren vor allem Fotografinnen wie Kalie Garrett und Rosie Hardy, die mich in die wunderbare Welt der Selbstportraits entführten. Ich war begeistert und bin versucht zu sagen, es war Liebe auf den ersten Blick. Ich wusste, ich wollte Menschen fotografieren.

Die Frage war nur: Woher die Menschen nehmen? Wer hat Zeit und Lust, miese Anfängerfotos von sich machen zu lassen? Denn nicht jeder hat eine hübsche kleine Schwester, gutmütige Freunde mit viel Zeit oder Lust, Geld für Modelle auszugeben. Und vor allem: Woher das Selbstbewusstsein nehmen, sich selbst als Portraitfotograf anzupreisen? Daher schienen Selbstportraits erst einmal die einfachste Möglichkeit zu sein.

Klar, der Anfang war auch hier nicht leicht. Ich habe ein Weile gebraucht, bis ich herausfand, wie ich das Bild wirklich scharf bekomme, wenn ich im Moment der Auslösung nicht hinter der Kamera stehe. Aber durch diese technischen Fragen habe ich meine Kamera kennen und verstehen gelernt.

Die ersten Ergebnisse waren trotzdem enttäuschend. Ich konnte zwar nicht genau definieren, woran es lag, aber verglichen mit meinen Vorbildern sahen sie einfach nicht gut aus. Nach und nach entwickelte ich dann einen Blick für das, was mir nicht gefiel und versuchte, es zu verändern. Bis ich dann schließlich Fotografien machte, mit denen ich zufrieden war, dauerte es allerdings trotzdem noch eine ganze Weile.

Erst seit kurzem arbeite ich regelmäßig mit anderen Menschen vor meiner Kamera und erst jetzt wird mir bewusst, wie sehr ich dabei von meinem Selbstportraitstudium profitiere. Nicht nur, weil ich alles in Ruhe lernen konnte, ohne meine Unsicherheit vor einem Modell verstecken zu müssen. Nicht nur, weil ich jederzeit üben konnte, weil ich ja nur mich und die Kamera brauchte.

Nicht nur, weil mir nichts peinlich sein musste, weil nur ich die Ergebnisse zu Gesicht bekam. Nicht nur, weil ich völlig frei experimentieren konnte, weil ich allein der Auftraggeber war. Sondern auch, weil ich heute weiß, wie sich die Person hinter der Kamera fühlt, denn ich kenne ihren Blickwinkel.

Alles, was ich heute über Komposition, Motiv, Posen, Licht und Kameratechnik weiß, habe ich an mir selbst getestet und gelernt. Und zwar allein durch erkannte Fehler. Besser sich selbst den Kopf angeschnitten als einem Kunden und lieber an sich selbst erkennen, dass die Schärfe auf den Augen liegen sollte und nicht auf der Nase.

Worauf ich hinaus möchte? Jeder, der bei sich die Liebe zur Portraitfotografie entflammen spürt, aber nicht weiß, wie und mit wem anzufangen, sollte die Selbstportraitschule in Betracht ziehen. Die zeitliche Unabhängigkeit, völlige Sicherheit vor peinlichen Momenten und die Freiheit, jedes noch so unmögliche Experiment wagen zu können, sind doch ein gutes Angebot oder?

Eine eventuelle Nebenwirkung sollte aber nicht unerwähnt bleiben: Selbstportraits sind nicht nur Schule, sondern auch sehr viel Spaß, daher besteht in manchen Fällen Suchtgefahr. Diese ist nicht behandelbar, aber nach bisherigen Erkenntnissen ungefährlich.

Seitdem ist viel Zeit vergangen und dennoch habe ich an diesem Projekt festgehalten. Was mich inzwischen enorm daran fasziniert, ist, denke ich, wie ich mit dem immer wieder gleichen Versuchsaufbau stets zu neuen und sehr unterschiedlichen Ergebnissen komme.

Das ist auch der Grund, weshalb ich rigide daran festhalte, immer genau 60 Sekunden lang zu belichten. Zum einen handelt es sich um eine gewollte Restriktion, innerhalb derer ich die bestehenden Möglichkeiten auslote und zugleich gefällt mir der symbolische Charakter dieser Zeitspanne: Eine Runde des Sekundenzeigers um das Ziffernblatt.

Was mich darüber hinaus im Verlauf des Projektes immer mehr zu interessieren begann, ist die menschliche Wahrnehmung von Zeit. Eine Fotografie vermag Zeit eben nicht nur momentan einzufrieren, sondern, ganz im Gegenteil, auch zu komprimieren, und zwar in einer Art und Weise, wie wir sie allein mithilfe unserer Sinne nie wahrnehmen könnten.

Ich finde es spannend zu betrachten, wie sich im festgesetzten Zeitrahmen von 60 Sekunden bestimmte kollektive Bewegungsmuster abzeichnen. Das sind erfahrungsgemäß Bewegungen, bei denen möglichst viele Menschen möglichst dicht aufeinander folgen – beispielsweise eine Demonstration, ein Marathon oder ein Verkehrsknotenpunkt zur Hauptbetriebszeit.

Was da als Experiment mit der Zeit begann, hat sich inzwischen zu einer ausgewachsenen Reflexion über das Thema der Stadt entwickelt und darüber, wie der Mensch in Bezug zu seiner gebauten Umgebung steht und den von ihm geschaffenen Raum nutzt.

Angefangen in Berlin, begann ich im vergangenen Jahr, das Projekt geografisch zu erweitern. So fand ich mich im Herbst kurzerhand in Warschau wieder und dieses Jahr zu Ostern schließlich in Rom.

Das geschah natürlich nicht völlig zufällig. Angesichts der erforderlichen, recht schweren Ausrüstung (Stativ und Mittelformatkamera) bedarf es immer einer konkreten Planung. Flexbilität und Spontaneität behalte ich mir dann in der Regel eher für die Erkundung vor Ort vor.

Inspiriert nach Rom zu fahren, war ich durch die Nachricht im Radio über die Wahl des neuen Papstes. Dabei hatte ich sofort ein Bild vor meinem inneren Auge: Den mit Menschenmengen gefüllten Petersplatz. Dieses gedankliche Bild habe ich hier mal anhand einer Skizze visualisiert.

So setzte ich mir also in den Kopf, solch eine Situation einmal in Form einer Langzeitbelichtung aufzunehmen. Und da gerade das Osterfest bevorstand und der neue Papst feierlich seinen Segen „Urbi et Orbi“ erteilt, so würde sich der Petersplatz abermals mit tausenden Gläubigen aus aller Welt füllen.

Der Platz liegt direkt vor dem Petersdom – dem Herzen des Vatikans – und öffnet sich in Richtung der Via della Conciliazione, die bereits zum Territorium Roms gehört. Von 1656 bis 1667 nach den Plänen des römischen Architekten Gian Lorenzo Bernini erbaut, bildet der Platz ein Oval, in seiner Mitte steht ein Obelisk und an den Enden seiner Hauptachse wird er von zwei symmetrischen Kollonaden gerahmt.

Natürlich war es schwierig, die gedachte Perspektive von oben auf den Platz zu bekommen, da man sie eigentlich nur von den nicht öffentlich zugänglichen Dächern der Kollonaden oder einer frei positionierbaren Hebebühne erhalten würde.

Strategisch und weit vorausgedacht wäre die Organisation eines solchen Zugangs durchaus möglich gewesen, nur hätte sie einen zeitlichen, bürokratischen und sicher auch finanziellen Aufwand erfordert, den ich für mein Ein-Mann-Projekt dann doch für etwas überzogen hielt.

Als ich mich nun am Ostersonntag auf den Weg zum Petersplatz machte, war ich überwältigt von den Menschenmassen, die sich alle in die gleiche Richtung bewegten. So brachte ich schließlich fast eine Stunde lang damit zu, diese Bewegung festzuhalten.

Leider hatte dies dann zur Folge, dass ich nicht mehr auf den Petersplatz kam, da er zu diesem Zeitpunkt schon randvoll war. Also beeilte ich mich, um wenigstens noch einen guten Standpunkt auf der Via della Conciliazione mit Blick auf die Benediktionsloggia des Papstes zu ergattern.

Dort fuhr ich das Stativ auf seine volle Höhe aus, womit ich die Kamera etwas über die Köpfe der Menschen gehoben und somit nun trotzdem die Perspektive eines (wenngleich tieffliegenden) Vogels bekam. Mit dem Petersdom im Fluchtpunkt machte ich eine ganze Reihe Blindversuche, denn durch den Schachtsucher meiner Kamera konnte ich ohne Zuhilfenahme einer Leiter nun nicht mehr schauen.

Dieses Bild hier habe ich aus einem Fundus von etwa 20 Versuchen ausgewählt, weil es kompositorisch das gelungenste ist und die Bewegung der Massen nach dem Ende der päpstlichen Ansprache sehr gut wiedergibt.

Wenn ich jetzt im Nachhinein auf das Resultat schaue, das ich mit nach Hause bringen konnte, bin ich sehr zufrieden. Sicher, es entspricht nicht eigentlich der Vorstellung, die ich hatte, aber ich finde es genauso gut. Und letztendlich schlägt nichts die Erfahrung, tatsächlich dort vor Ort gewesen zu sein und das Glück, auf die gegebenen Umstände mit einem zufriedenstellenden Ergebnis reagiert zu haben.

Und ich denke, es ist immer gut, mit einem Bild im Kopf zu beginnen…

Dieses und weitere Bilder aus Rom, die ich im Rahmen des Projektes „60-second slices of present“ erstellt habe, könnt Ihr Euch auf meiner Webseite anschauen.

Fotospecial: Schmetterlinge

Flickr

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Deutschsprachig

• lens light love nennt sich ein junger, deutscher Blog, der Tipps und Kniffe rund um Fotografie und Bildbearbeitung gibt. Gestartet haben ihn vor Kurzem zwei ebenso junge deutsche Fotografinnen und ein Fotograf. Wir sind gespannt, was da noch kommt.

• Hauke Fischer hat tonnenweise allgemeine und spezielle Tipps für Portraits zusammengestellt. Lesen lohnt sich, auch wenn der schnell runtergeschriebene Stil einem etwas Disziplin abverlangt.

• Eine schöne Seite für alle, die nicht nur gern analog fotografieren, sondern auch filmen: filmkorn.org sammelt und zeigt Interessantes zu 8 und 16 mm breitem Film.

• Über die schrecklich schönen Momentaufnahmen des Magnum-Fotografen Martin Parr weiß ZeitOnline zu berichten.

• Der Ort Epecuén lag nach einem Dammbruch 27 Jahre lang unter Wasser. Spiegel Online hat einige Bilder dieser nun wieder freiliegenden Geisterstadt.

International

• Die Debatte um die Echtheit des aktuellen World Press Photo Gewinnerbildes von Paul Hansen habt Ihr mitbekommen? Jens Kjeldsen fächert das Thema auf und analysiert, wie sich die Ästethik der Gewinnerbilder der jüngst vergangenen Jahre gewandelt hat.

• Auch 2013 wurde der Teen Photo International Photo Contest für junge Fotografen zwischen 16 und 22 Jahren verliehen. Schaut rein, es gibt Talente zu entdecken!

• Eine weitere schöne Umsetzung aus der Reihe „viele Bilder über viele Jahre machen“: Vier Schwestern im Verlauf von 36 Jahren, auch technisch und ästhetisch ansprechend umgesetzt.

• Von der Schönheit der Cinemagraph-Gifs.

• Hier könnt Ihr mittels vieler Vergleichsfotos sehen, wie sich die iPhone-Kamera über die Generationen verbessert hat.

• Lust, mal wieder eine lange, einfach nur schöne, sommerliche, gut gelaunte und nicht zu bunte oder kitschige Hochzeitsdokumentation anzusehen? Hier geht’s lang, Robby Cavanaugh hat so eine gemacht.

• Immer noch toll, dieses Polaroid-Prjojekt: BEFORE I DIE I WANT TO…

• Die 3D-geometrische Fotografie von David Copithorne präsentiert Landschaften mit sehr interessanten Mitteln der Bearbeitung.

• Kennt Ihr schon CreativeLIVE? Hier werden Workshops rund um die Fotografie angeboten. Wenn man sie live ansieht, sind sie kostenlos. Nachträglich kann man sie für 149 USD erwerben.

• Unter Brücken lassen sich erstaunliche Bilder machen, wie diese Fotosammlung zeigt.

Neuerscheinungen und Tipps vom Foto-Büchermarkt

• Ihr erinnert Euch an den sehr guten Artikel über Wabi-Sabi von Susan? Das eBook dazu gibt es auch auf Amazon*.

• In einer Zeit, in der viele Regimes (aktuelles Beispiel: Syrien) eine neutrale Berichterstattung unterbinden, publizieren die Reporter ohne Grenzen den Band „Fotos für die Pressefreiheit 2013“*. Zum Hinsehen. Und Nachdenken.

Videos

Wir haben ein schönes filmisches Portrait über Marty Knapp, einen amerikanischen Landschaftsfotografen, gefunden und wollen es natürlich gern mit Euch teilen.

Ausstellungen

Wolfgang Tillmans
Zeit: 2. März – 7. Juli 2013
Ort: K21 Ständehaus, Ständehausstraße 1, 40217 Düsseldorf
Link

ALEXANDER MAGEDLER – NIGER: LE TEMPS ÉLASTIQUE
Zeit: 11. Juni – 10. August 2013
Ort: EIGENSINNIG – Schauraum für Mode und Fotografie, Wien
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ALEXANDER RODTSCHENKO – REVOLUTION DER FOTOGRAFIE
Zeit: 11. Juni – 25. August 2013
Ort: WestLicht, Westbahnstraße 40, 1070 Wien
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Stankowski-Stiftung. Fotografien aus dem Archiv
Zeit: 22 Juni – 27. Oktober 2013
Ort: Kunstmuseum Stuttgart, Kleiner Schlossplatz 1, 70173 Stuttgart
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Mehr aktuelle Ausstellungen

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