Alles wird gut, nur nicht sofort ~ @kosmar

Wer beginnt, sich ernsthaft mit der Fotografie zu beschäftigen, der wird an seine Grenzen kommen. Früher oder später wird er/sie feststellen, dass vieles nicht so funktioniert, wie erwartet. Der tiefrote Sonnenuntergang sieht auf dem Foto nicht so aus, wie er erlebt wurde.

Fragen tauchen auf. Kann ich das? Liegt mir das? Verdammt nochmal, wie geht das?

Auf viele Fragen, Zweifel und Schwierigkeiten in der Fotografie gibt es einen Hinweis, einen Anstoss, eine Art Antwort, die mir zunehmend wichtiger wird. Natürlich ist das nicht die Antwort auf alle Fragen. Aber auf sehr viele.

Sie heißt Übung & Ausdauer.

Vor ein paar Wochen habe ich im diesem Artikel zwei Schlüsselkomponenten angesprochen, die wichtig sind, um zu wissen, ob wir gute Fotos machen können. Die eine war Leidenschaft und die andere Hingabe. Letztere möchte ich hier nochmal kurz zitieren:

„Mit der Kamera am Start sein, völlig gleichgültig, ob ich nun gerade inspiriert bin, oder nicht. (…) Hier geht es um dem nötigen Biss, auch über längere Zeit dranzubleiben.“

Über diesen Biss und dessen Bedeutung, möchte ich heute mit Euch sprechen.

Mit den Möglichkeiten und Chancen, die uns heutzutage über das Netz zur Verfügung stehen, bekommen wir viele technische Fragen schnell beantwortet. Es gibt fast kein Thema, zu dem es nicht auch irgendwas in Form eines Artikels oder Videos gibt.

Und es geht schnell. Das ist bequem. Und das ist super so. Aber es gibt noch eine weitere Komponente, die nicht kurfristig, sondern längerfristig ist. Hier geht es darum, was und wie intensiv wir an uns arbeiten. Und: ob wir eine Perspektive haben, die die nächsten 12 Monate überdauert.

Um das mal praktisch zu machen, hier ein paar Fragen:

# Bin ich bereit, so lange, bis ich Land sehe, mich mit einem Thema auseinanderzusetzen, auszuprobieren und mich den ganz normalen Frustrationen auszusetzen oder gleich das Thema zu wechseln, wenn es nicht recht klappen wird?

# Habe ich den Willen, mich für ein halbes Jahr so oft wie möglich in Lightroom hineinzubohren, zu testen, (auch) Artikel zu lesen, zu vergleichen, und alle Möglichkeiten durchzuspielen, wie ich meine Fotos optimieren und nutzen kann?

# Habe ich Geduld mit mir selbst, auch wenn ich länger brauche, als erwartet?

# Bin ich bereit, mich Jahre lang der Fotografie von Menschen hinzugeben, Termine zu machen, verschiedene Lichtsituationen durchzuspielen und ihren Ausdruck festzuhalten?

# Bin ich bereit, bei Bedarf über Monate hinweg meinen Blitz bis auf das Letzte auszureizen und ihn kennenzulernen, wie meine rechte Hosentasche?

# Habe ich einen langen Atem, auch wenn meine Ergebnisse jetzt gerade alles andere aussehen als gut?

Ja, jeder hat seine Problemzeiten, in denen er keine Lust mehr hat. Die hat wirklich jeder, auch die „ganz Großen“.

Doch tiefgreifende entscheidende Verbesserung unseres Stils, unserer Fähigkeiten, die erreichen wir nicht in zwei Wochen.

In diesem Zusammenhang ein Auszug aus dem Buch Überflieger* von Malcom Gladwell:

Die Beatles unternahmen im Februar 1964 ihre erste USA-Tournee. Damit läuteten sie die sogenannte britische Invasion des amerikanisches Musikmarktes ein und veröffentlichten eine Serie von Nummer 1-Hits, mit denen sie die Popmusik revolutionierten.

Das erste, was die Beatles in unserem Zusammenhang interessant macht, ist die Zeit vor ihrem internationalen Durchbruch. (…) Im Jahr 1960, als sie noch eine unbekannte Schülerband waren, bekamen sie nämlich die Möglichkeit, in Hamburg aufzutreten.

„In Hamburg gab es damals keine Rock‘n‘Roll-Clubs. Es gab Nachtclubs“, erzählt Philip Norman, Autor der Beatles Fotografie Shout!. (…) „Und die Bands spielten ununterbrochen, um die Passanten in den Club zu locken.„

Aber was reizte die Beatles an Hamburg? Die Bezahlung kann es nicht gewesen sein, denn die war schlecht. (…) Es war schlicht und ergreifend die Zeit, die sie auf der Bühne stehen konnten.

In einem Interview, das er nach der Auflösung der Band gab, berichtete John Lennon über ihre Auftritte in einem Nachtclub namens Indra:

“Wir sind immer besser geworden und haben mehr Selbstvertrauen bekommen. Das war kaum zu vermeiden, bei der ganzen Erfahrung, die wir mitgenommen haben, weil wir die ganze Nacht durchgespielt haben.

(…)

In Liverpool hatten wir immer nur einstündige Auftritte gehabt, und wir haben immer nur unsere besten Stücke gespielt, jedes Mal dieselben. In Hamburg haben wir acht Stunden am Stück auf der Bühne gestanden, also mussten wir uns was Neues einfallen lassen. „

Acht Stunden?

Pete Best, der damalige Schlagzeuger der Beatles, erinnerte sich: “Als bekannt wurde, dass wir einen Auftritt haben, war der Club voll. Wir haben sieben Tage die Woche gespielt. Zuerst fast nonstop bis halb eins, bis der Club zugemacht hat, und dann, als wir besser waren, sind die Leute an den meisten Tagen bis zwei Uhr morgens geblieben.„

Sieben Tage die Woche?

(…)

Bei ihrem Durchbruch im Jahr 1964 hatten sie insgesamt 1200 Auftritte hinter sich. Das ist mehr als ungewöhnlich. Heute kommen die meisten Bands in ihrer gesamten Laufbahn nicht auf so viele Bühnenauftritte. (…) “Hamburg war der Schlüssel zum Erfolg.“ {Seite 46-49}

In der Gefahr, mich zu wiederholen, möchte ich es dennoch auch hier anbringen:

Das, was wir bei den großen erfolgreichen Fotografen meistens nicht sehen, sind ihre 1000 Stunden, in denen sie geübt, geübt und nochmals geübt haben.

Die Folge davon ist, dass wir uns gedankenlos mit ihnen vergleichen. Oder sogar glauben, diese Fotografen hätten eben ein besonderes Talent. Doch ihre Übungzeiten, die sehen wir nicht.  Ich glaube, wenn wir mal alle schlechten Fotos der Fotografen sehen würden, würde uns einiges klar werden.

Übung macht den Meister. Ausdauer auch. Und Fehler, die sind erlaubt.

*Dies ist ein Affiate Link. Wenn ihr darüber bei Amazon.de etwas bestellt, bekomme ich eine kleine Provision. Ihr aber zahlt keinen Cent mehr.

Dustin Diaz ist definitiv einer der Fotografen, welcher durch entfesseltes Blitzen mit Nikon SB-900ern bekannt geworden ist. Nicht umsonst war er Mashable’s Flickr Fotograf des Jahres und wurde auf Strobist.com interviewt. Und weil ich hier bisher noch nicht ein einziges Mal über diesen Herren berichtet habe, wird es allerhöchste Zeit, ihn Euch mal vorzustellen.

Dustin Diaz arbeitet bei Twitter und startete am 1. Januar 2009 sein 365 Tage Projekt, welches er als Set auf Flickr veröffentlichte und dazu ein Blog startete. Ergo: Jeden Tag ein neues Foto und logischerweise ist das Projekt schon abgeschlossen.

Das Interessante an Dustins Fotos ist, dass er sehr häufig nachts in einer urbanen Umgebung entfesselt blitzt und ausserdem in vielen seiner Fotos sich selbst portraitiert. Alleine das ist schon keine einfache Übung. Doch Dustin setzt meist noch einen drauf:

Zu fast jedem seiner Fotos mit Blitz gibt es ein Making Of (er nennt es Stobist Info), welches das Licht-Setting vor Ort erklärt. Hier mal drei Beispiele, die ich aus seinem Projekt herausgegriffen und etwas kommentiert habe:

A HAPPY PLACE

Day Ninety Eight. Dustin sitzt hier auf einer Mauer, liest Zeitung und trägt ein Shirt, welches konzeptionell ebenfalls zur Thematik passt. Die komplette Szene ist wunderbar ausgeleuchtet und es sieht keinswegs nach einer Nachtaufnahme aus. Und jetzt das Setup:

Strobist Info: Auch hier handelt es sich um ein
Selbstportrait, welches entfesselt geblitzt wurde. “Triggered via Pocket Wizards and homeless Teenager”, welcher wahrscheinlich hier die Kamera auslöste. Beachtlich finde ich den Abstand der Kamera zu Dustin.

LUCIDITY



Day Two Hundred Seventy Eight: Ebenfalls, wen wundert es noch, ein Selbstportrait. Das seitliche Blitzlicht betont hier vor allen Dingen die Form des jungen Dustin. Die Sonnenbrille addiert die Coolness, die diesem Manne aufs Gesicht geschrieben steht. Schon fast zu cool.

Strobist Info: Auch hier lässt sich wieder sehr schön nachvollziehen, wie dieses Foto im Studio entstanden ist. Ausserdem erklärt das Bild, wie der weisse Spot hinter Dustins’ Gesicht gemacht wurde. Ebenfalls getriggert mit Pocket Wizards.

PORTRAIT EINER BRAUT

Day Two Hundret Forty Two: Wir sehen eine Braut, welche sich einmalig vom Hintergrund abhebt, aber gleichzeitig in ein tolles Bokeh eingehüllt ist. Im Hintergrund erkennen wir noch eine Straßenbahn, deren Lichter sich farblich gut mit dem Blumenstrauss der Dame decken.

Strobist Info: Und schon sieht das Ganze etwas verständlicher aus. Der Robert – “Human Lightstand” mit Stativ, Reflektor und Blitz hat also dafür gesorgt, dass die Braut gleichmässig ausgeleuchtet wurde. Das Making Of Bild zeigt Robert links von der Braut. Im Foto selbst (oben) denke ich aber, dass der Robert auf der rechten Seite stand, weil der Schatten in Tinas gesicht nach links wegfällt -> siehe Gesicht & Arm.

Ein paar Gedanken

Anschließend möchte ich hinzufügen, dass die Fotos von Dustian Diaz nicht nur toll aussehen, sondern auch viel Arbeit und Vorbereitung bedeuten. Auch wenn manche Fotos nach “mal so nebenher beim Spazieren in der Stadt” aussehen, bin ich mir sicher, dass Dustin das nicht mal so in 2 Minuten erledigt hat.

Zudem folgt nach dem Shooting auch eine (von ihm) sehr gekonnte Bildbearbeitung, welche den Fotos den letzten Schliff gibt und nicht unterschätzt werden sollte.

Aber: Dustin’s Fotos inspirieren, seinen Blitz mal mit nach draussen zu nehmen und sich mal an einem Selbstportrait zu versuchen. Nachts. Dazu sollte es aber erstmal Sommer, ach nein Frühling werden, nicht war?

Tipp für heute (egal bei welchem Wetter) ist jedenfalls: Project 365 von Dustin Diaz auf Flickr oder seinem Blog anschauen. Viel Spaß damit!

Liebe Leute, letzte Woche habe ich mich mit Simon Sticker “im Netz getroffen” und mich mit ihm eine Weile über seine Arbeit unterhalten. Das Ganze haben wir aufgenommen und für Euch mit ein paar Fotos von Simon aufbereitet. Thema ist der Fotojournalismus und Simons Tätigkeit in diesem Genre. Wie er dazu gekommen ist und wie eine Fotoreportage von Statten geht, darüber erfahrt ihr mehr im Video oben.

Das Portfolio von Simon Sticker

Falls Euch während dem Zuhören irgendwelche Fragen einfallen oder ihr etwas bestimmtes wissen wollt, dann schreibt das doch einfach in die Kommentare. Falls hier aussergewöhnlich viele Fragen eingehen, würde ich das mit Simon in einem zweiten Interview nochmals aufgreifen.

Tipp: Wer das Video hier nicht sehen kann, dürfte auf Vimeo fündig werden.

Guten Morgen, guten Mittag und guten Abend liebe Leser. Wie viele von Euch schon wissen, mache ich mindestens einmal im Jahr eine Umfrage. Halt, stimmt nicht. Mindestens einmal im Monat eine, die was mit Fotografie zu tun hat. Aber die jährliche, so wie diese, hat erstmal nix mit Fotografie zu tun.

Auch nicht mit mir, nicht mit Druckerproblemen und nicht mit Quittensaft.

Nein, sie hat etwas mit Euch zu tun.

Ganz im Ernst. Neben Freunden verfolgen Berufsfotografen, Kritiker, Gleichgesinnte oder Hobbyisten dieses Blog und manchmal frage ich mich schon: Ja warum denn eigentlich?

Schließlich gibt es tausende alternative Foto-Seiten im Netz – also warum auch kwerfeldein.de? Was macht diese Seite für Leute so interessant? Klar, niemand verfolgt (dank RSS) nicht nur ein Blog, aber was bewegt Menschen, hier mitzulesen?

Neulich meinte jemand, er lese kwerfeldein.de wegen den Kommentaren (huh?). Die seien so abwechslungsreich und er fände es super-interessant, wie dort unterschiedliche Standpunkte vertreten werden.

Habt ihr das gehört? Es gibt Leute, die lesen kwerfeldein.de wegen Euch. DAS beeindruckt mich.

Wir sehen: Es gibt ganz unterschiedliche Motivationen, hier mitzulesen. Und jetzt seid ihr dran. Ihr dürft (wenn ihr wollt) gerne weiter ausholen oder einfach nur einen Satz schreiben. Ganz wie ihr wollt.

Warum lest ihr kwerfeldein.de?

Rinnjehaun!

{P.S. Danke Kai für die Erinnerung, das mal wieder zu machen}

Durch das Internet ist Fotografie heute omnipräsent und so sind wir tagtäglich von unglaublich schönen und eindrucksvollen Fotos umgeben. Neben all der Bewunderung für die Fotografen, die hinter eben jenen faszinierenden Bildern stecken, steht oft vor allem eines: die eigene Unzufriedenheit. Zeit für eine Perspektivkorrektur.

Die digitale Revolution als Ausgangspunkt der “Flickr-Bewegung”

Die Fotografie ist heute so präsent wie nie zu vor. Im direkten Vergleich von damals zu heute war man als Hobbyfotograf noch vor nicht ganz allzu langer Zeit eher die Ausnahme als die Regel. Ein Grund dafür ist sicherlich die “digitale Revolution”, die den Zugang zur Fotografie sowohl finanziell, als auch durch das Teilen von fotografischem Wissen online (kwerfeldein.de ist das beste Beispiel dafür) stark vereinfacht hat.

Das Resultat dessen ist die, wie ich sie nenne, “Flickr-Bewegung”.

Heute ist nahezu jeder in unserer Gesellschaft in der Lage Fotos zu schiessen. Sei es nun mit einer Handykamera, mit einer kleinen, kompakten Digitalkamera oder mit einer vollwertigen DSLR.

“Visual pollution” und ihre Folgen

Die logische Konsequenz ist, dass wir täglich mit einer wahren Flut von Bildern konfrontiert werden und die Fotografie im Allgemeinen, zumindest aus meiner Sicht, heute anders, vielleicht sogar weniger, wertgeschätzt wird als noch in den analogen Zeiten. Zack Arias bezeichnet dieses Phänomen sehr treffend als “visual pollution”.

Von dieser Warte aus betrachtet ergibt auch ein Problem, das uns selbst ganz persönlich betrifft: Unser Bedarf nach guten und schönen Bildern ist heute stärker gedeckt als je zuvor. Das Internet kennt keine Landesgrenzen und so sind wir in unserem virtuellen Leben täglich von unglaublich vielen guten Arbeiten umgeben. Flickr Kontakte und Favoriten, facebook Fanseiten, Twitter Follower und Portfolios. Qualität. 24/7. Soweit das Auge reicht.

Wie oft ertappen wir uns dabei unter unseren Flickr-Kontakten ein gutes Bild anzusehen, das nach einem kurzen und routinierten Scan auf seine Außergewöhnlichkeit hin kommentarlos und gleichgültig weggeklickt wird? Warum tun wir das?

Gerade das permanente “Eingedeckt sein” mit gutem bis erstklassigen Bildmaterial führt zu einem Abstumpfen, zu einer verschobenen Wahrnehmung. Kommentiert und gebookmarked wird heute oft leider nur noch das Außergewöhnliche, das es schafft aus der grauen Masse hervorzustechen. “Gut” ist das neue “Gewöhnlich”.

Verfälschte Maßeinheiten und neue Standards

Interessant wird dieses Thema vor allem im Kontext der eigenen Motivation. Was wir früher als “gut” empfunden hätten, wird heute aufgrund der schieren Masse leider oft nur noch als “gewöhnlich” abgestempelt. Durch diese verschobene Wahrnehmung, in der das einstige “sehr gut” durch “gut” ersetzt wird, schaffen wir einen neuen Standard, der unsere eigenen Arbeiten, unseren individuellen Werdegang automatisch abwertet und uns damit einen Stock zwischen die Füße wirft.

Unsere Arbeiten im Licht einer verschobenen Wahrnehmung

Wie oft stoßen wir auf außergewöhnlich gute Bilder und haben das Gefühl dem Niveau von entweder längst etablierten Fotografen oder einfach unglaublich talentierten Nachwuchsfotografen entsprechen zu müssen?.

Wie oft sehen wir uns voller Bewunderung die Arbeiten der, wie ich sie nenne, “neuen Elite” an (Leute, die teilweise noch nicht einmal die Volljährigkeit erreicht haben, jedoch aber längst auf einem professionellen Niveau arbeiten; beispielsweise Dan Vojtech, Joey Lawrence, Lara Jade oder Lindsay Adler) und fühlen uns untalentiert und manchmal sogar vielleicht fehl am Platz?

Wir vergleichen uns mit den Besten und vergessen dabei jedoch die Fairness gegenüber uns selbst.

Die Folgen für unsere Selbstwahrnehmung und unsere Motivation
Wieso macht uns dieses Thema so zu schaffen und lässt uns so oft ins Grübeln kommen? Weil die Frage nach der eigenen Begabung, dem eigenen Talent und dem eigenen Potential wohl die sein dürfte, die uns tagtäglich unterbewusst beim Betrachten von all jenen perfekten und so überlegenen Bildern nicht nur am meisten beschäftigt, sondern auch am meisten daran hindert selbst zu wachsen.

Wie oft haben wir dieses unbeschreibliche Gefühl der Unzufriedenheit, wenn wir wieder völlig sprachlos sind, weil wir in irgendeinem Blog den nächsten tollen Fotografen entdeckt haben, uns ganz klein fühlen, denken wir hätten nie das Zeug dazu solch atemberaubende Bilder zu machen und die Fotografie am liebsten an den Nagel hängen würden?

Perspektivkorrektur.
Ich denke jeder geht mit diesen Momenten unterschiedlich um. Natürlich beschäftigt einen die Frage nach dem eigenen Talent sehr und gerade in solchen Momenten nagt so etwas auch stark an einem selbst. Getreu dem Motto “(…) und morgen sieht die Welt schon wieder anders aus” versuche ich diese Momente passieren zu lassen und daraus etwas Positives zu ziehen.

Ich für meinen Teil brauche die Unzufriedenheit vielleicht sogar ein Stück weit, da sie mich stetig daran erinnert, dass ich längst noch nicht dort bin wo ich gerne sein möchte und es bis dahin noch eine Menge zu tun gibt. Manchmal müssen wir gar nicht die Perspektive unseres Objektivs korrigieren, sondern einfach nur unsere eigene.

Daher möchte ich mich heute mit den so wahren Worten von Zack Arias, der dieses Thema wie ich finde sehr gut auf den Punkt gebracht hat, verabschieden:

Every photographer in all of history was a horrible photographer for some period of time.

They learned.
The grew.
They had dark days.
They persevered.

That is the way of the artist.

Just be patient.
Keep on going.
Transformation takes time.
And from what I’ve seen in my life:

It’s really is worth the way.

Dementsprechend hoffe, ich, dass die Mischung auch diesmal für Euch einiges an Inspiration parat hat. Viel Spaß!

Foto Special

Deutschsprachige Fotosachen

# Beim Fotografr gibt es einen lesenswerten Gastartikel von Michael Gelfert zum Thema Anschaffung einer Studioblitz-Anlage.

# Sehenswerte Portraitserie über Patienten eines Sanatoriums für psychisch Kranke in Afghanistan gibts bei im Fotoblog der Zeit.

# Eine schicke Schwarzweiss-Serie gibts bei Fotofeinkost, Martina berichtet über Andy Fox. Achso, Badetücher gleich mitnehmen.

# Fantastischer Bericht über den Vulkanfotografen Martin Rietze. RP-Online ist recht überladen, aber es lohnt sich.

# Der Sonic Blog berichtet über Luis Diaz Diaz’ witzige Underwear-Serie. Auch mal was anderes.

# Tolle Idee: Anders-Anziehen “zeigt Menschen in ihrer in- dividuellen Art sich zu kleiden. Die Fotografien sind ungeplante Momentaufnahmen – auf der Suche nach Originalität und authentischem Eigensinn.” Via Kommentar hier.

Internationale Fotosachen

# Vielleicht einen Blick wert: 25 Best Free Photoblog Wordpress Themes.

# Nach so einem Vortrag bin ich sprachlos: Shaped by War (Don McCullin):

# Absolut lesenswertes Photo-Essay von Shelby Lee Adams. Weise Worte, tolle Fotos.

# Schonmal mit ƒ0.95 fotografiert? Bei Noktor bahnt sich was an: With Canon and Nikon stopping production on their ultra fast lenses years ago, Leica offered the only (and expensive) option. Our goal is to enable new creative possibilities by creating high quality lenses for photographers and filmmakers interested in low-light shooting.

# Achso, hier mal ein Review zur Noktor-Linselchen.

# Wer Zeit und Lust hat, kann mal diesen MonitorIQ-Test machen (via). Das dauert zwar ne Weile, aber hinterher weiß man, dass entweder der Monitor nicht richtig eingestellt ist, oder die eigenen Augen etwas danebenliegen. Oder beides. Ersteres ist in dieser Angelegenheit sicher das Angenehmere.

# Tolles Photoblog: OurBlogOfLove.com – schön gemacht, und die Fotos ebenso.

# Photocontests are about … What The Duck?

# Köstliches Portrait eines älteren Herren.

# Chromasia holt mal wieder kräftig aus und zeigt drei supergeile Fotos (1,2,3). David bearbeitet zwar auch mal gerne etwas mehr, ist aber (meiner Meinung nach) ein begnadeter Fotograf.

# Eindrucksvoll: Die Traces Of War – Serie von Jan Banning.

# Wer wissen möchte, ob die Canon EOS 550D videomässig geeignet ist, sollte sich dieses sehr ausführliche Review nicht entgehen lassen.

Videos

# Das nenn ich mal ein etwas anderes Bild.

# Na, schonmal mit einem Kürbis fotografiert?

# Schönes Werbevideo, gedreht mit der 5D MkII & dem 50mm ƒ1,4.

# Sehr feines Video über den Landschaftsfotografen Michael Kenna. Wunderbar (via).

Je nach Auflösung der Kamera und Schärfe im Foto haben wir dabei teilweise unzählige Möglichkeiten, unser Foto nur durch den Beschnitt erheblich aufzubessern – oder das Gegenteil zu erreichen. Dabei können wir nicht nur den Ausschnitt selbst verändern, sondern auch das Seitenverhältnis beeinflussen. 4×6, 4×5, 1×1 (6×6), Widescreen (in Hoch-und-Querformat).

Ausserdem können wir ein Foto durch bewusstes Drehen neu definieren, wie das Beispiel oben zeigt, welches ich vor einer Weile veröffentlich habe. Dieses Foto wurde in einen 1×1 Beschnitt genommen und anschließend um 90° im Uhrzeigersinn gedreht. Der Titel des Bildes ist “As I Lay Dying” – der hier auch zur Perspektive und Drehung passt.

Ich habe mir mal drei Fotos herausgenommen, und sie in unterschiedlichen Seitenverhältnissen beschnitten & (auch) gedreht. Daran können wir sehr gut erkennen, wie sich die Wirkung ein und desselben Fotos verändert, weil verschiedene Ding einfach weggelassen und nicht gezeigt werden. Zuerst sehen wir jeweils das Ursprungs-Format und danach die Crops, die vorgenommen habe.

Wie immer könnt ihr durch die Fotos nach dem Klick mit den Pfeiltasten navigieren.

Bäume in der Landschaft

Das Ursprungs-Format.

Glas Wein

Das Ursprungs-Format.

Rolltreppe

Das Ursprungs-Format.

Wie ihr seht, ist nicht zwingend jeder Crop und nicht jede Drehung eine Aufbesserung des Bildes

Natürlich ist (wie oben angedeutet) die Schärfe im Foto ein Merkmal, das uns bei größeren Ausschnitten zugute kommt. Fotos, die mit einer sehr weiten Blendenöffnung fotografiert wurden (wie ich es gerade sehr gerne tue) haben da nicht selten einen Nachteil. Und: Auch die Auflösung der Kamera spielt eine, Rolle in wie weit wir ins Bild eingreifen können.

Dieser Artikel soll nicht dazu verleiten, ab jetzt jedes Foto zu drehen und extrem zu beschneiden. Im Idealfall können wir schon beim Fotografieren bestimmen, wie der Ausschnitt sein wird – denn dann verlieren wir weder Schärfe noch Auflösung (man bedenke auch den Print des Bildes).

Dennoch können die Fotos hier als Inspiration dienen, entweder beim Fotografieren bewusster darauf zu achten oder im Nachhinein mehrere Versionen eines Bildes mit unterschiedlichen Crops zu erstellen. Da bietet sich Lightroom an, bei welchem wir super mit virtuellen Kopien arbeiten können.

Danke für die Inspiration, Dominik.

Bibble 5 Pro {Twitter} ist ja einer unter vielen im Meer der Raweditoren und Alternativen zu Lightroom. Schon seit langem wurde Version 5 angekündigt und sollte vielversprechende Funktionen mit sich bringen.

Ich habe Bibble auf seine Fähigkeiten und Problemzonen ausgetestet. Dabei dachte ich mir “Wenn ich das Teil schon teste, kann ich auch ein Filmchen drüber machen”.

Dieser Screencast ist für Leute gedacht, die sich schon immer mal Bibble anschauen wollten und sich über eine 12minütige Einführung freuen. Weiter habe ich natürlich auch besprochen, was mir an Bibble gefällt und was weniger.

Weitere Vorstellungen zu Raweditoren werden folgen (Vorschläge/Preferenzen anyone?). Welche Raweditoren interessieren Euch?

Das Verkaufen der eigenen Fotos an Bildagenturen, egal ob Microstock oder etablierte Bildagenturen, ist für viele Fotografen eine erstrebenswerte Angelegenheit. Im Idealfall, so zumindestens die Vorstellung, kann man Bildmaterial, das nebenbei entstanden ist, gewinnbringend verkaufen.

Selbst wenn das einzelne Bildhonorar nicht sehr hoch ist, könnten sich die Einnahmen bei guter Nachfrage summieren und ein interessantes Zusatzeinkommen darstellen.

Amateurfotografen spekulieren damit, sich von den Einnahmen Fotoequipment kaufen zu können und Berufsfotografen möchten mit den zusätzlichen Einnahmen die wegbrechenden Tagessätze etwas aufbessern, indem sie im Anschluss an einen Fotoauftrag noch einige Stockfotos schießen.

Aber nicht immer erfüllt sich diese Hoffnung: Bildagenturen lehnen die eigenen Fotos ab. Oder sie nehmen die Bilder an, anschließend verkaufen sich die Bilder aber nicht. Dabei ist man selber doch so sehr von der Qualität der Fotos überzeugt. Und der andere “Käse”, den die Bildagentur listet, verkauft sich doch auch, nur die eigenen Bilder eben nicht.

Bei dieser Denkweise macht man leicht einen Fehler: Gesucht von Bildkäufern ist nicht das perfekte Bild, sondern Bildmaterial, das ein bestimmtes Thema visualisiert.

Daher ist ein raffiniert ausgeleuchtetes Studio-Portrait von einer attraktiven und leicht bekleideten jungen Frau vielleicht gar nicht so sehr gesucht, das Bild eines Automechanikers bei der Arbeit (beispielsweise) aber umso mehr.

Daher mein Tipp: Versetzt Euch in die Lage der Bildkäufer und versucht, zu verstehen, welche Bilder gebraucht werden.

Am besten ist es, wenn man selber von Zeit zu Zeit in der Situation ist, Bilder zu kaufen. Dann lernt man automatisch die Sichtweise der “anderen Seite” kennen. Wenn man dann einen Flyer für eine Bank oder einen Steuerberater entwerfen soll und Bildmaterial sucht, fällt einem auf einmal auf, wie ungeeignet ein Großteil der angebotenen Fotos sind.

Aber es müssen ja nicht kommerzielle Aufträge sein: Schon die Visualisierung der Artikel in eigenen Blog ist nicht immer einfach zu lösen. Selbst viele Fotografen haben Schwierigkeiten, geeignete Fotos für ihre Blogartikel zu finden.

Relativ einfach ist das, wenn man die üblichen Bildagentur-Themen darstellen möchte. Das hier gezeigte Stockfoto kann z.B. für vielfältige Themen im Bereich “Business”, “Beratung”, “Management” u.s.w. verwendet werden.

Viel schwieriger ist das schon bei etwas ausgefalleneren Themen. Beispielsweise plane ich gerade einen Artikel zum Thema “Foto-Assistenten”. Dazu fehlt mir ein passendes Bild und es stellt sich die Frage: Wie soll ich das Thema fotografisch darstellen? Einfach meinen Assi vor die Kamera stellen? Das kann es ja nicht sein. Ihn bei der Arbeit fotografieren? Ja, aber was ist die typische Arbeitshaltung eines Foto-Assis?

Oder in das Archiv einer Bildagentur schauen? Wenn man dort “Assistent” eingibt, erscheinen vor allem Fotos von Sekretärinnen oder Telefonistinnen. Das passt also nicht. Versuchen wir es mit “Handwerker”. Schon besser, aber auch nicht genau das, was ich brauche.

Macht doch selber einmal den Versuch, zu einem bestimmten Thema, beispielsweise zu dem hier angesprochene Thema “Fotoassistent” oder zu einem anderen Thema ein passendes Foto bei einer Bildagentur zu suchen. Oder, wenn ihr ein eigenes Blog habt, macht euch zur Gewohnheit, für jeden Artikel ein passendes Foto zu verwenden. Auf einmal wird deutlich, dass das alles andere als einfach ist. Und man versteht, welche (eigenen oder fremden) Fotos als Stockfoto geeignet sind und welche nicht.

Hilfreich sind auch die Tipps von Robert Kneschke, der auf seinem Blog Alltag eines Fotoproduzenten beschreibt, wie er Fotos erstellt, die sich bei Bildagenturen verkaufen.

Dieser Tage bin ich über einen Tweet von Alain de Botton gestolpert, der mich zum Nachdenken gebracht hat. Er lautet:

“To start writing means trying to quieten the thousand internal voices that argue why one is obviously not the right person for the job.”

Es dauerte nicht lange, bis mir hunderte Sätze durch den Kopf gingen, die ebenso zum Fotografieren passen. Das klingt dann ungefähr so (um auch im sprachlichen Sinne bei Botton zu bleiben, habe ich den Satz auf Englisch weitergeführt):

# To start photographing means trying to quieten the thousand internal voices that argue why this is obviously the wrong weather, time or place to take some photographs.

# To start photographing means trying to quieten the thousand internal voices that argue why this is obviously the wrong camera, lens or even postprocessing software to work with.

# To start photographing means trying to quieten the thousand internal voices that argue why one shurely hasn’t enough skills to make a good photograph today.

# To start photographing means trying to quieten the thousand internal voices that argue why no one will ever look at the photographs or actually like them.

# To start photographing means trying to quieten the thousand internal voices that argue why today the light is too soft, too hard or just not good enough for the effort.

# To start photographing means trying to quieten the thousand internal voices that argue why our camera hasn’t enough ISO sensivity, megapixels or is just too friggin’ slow.

Ich glaube jeder von uns kennt diesen Kampf mit sich selbst, den Zweifeln und 1000 Gründen, warum es sich einfach nicht lohnt, zu fotografieren. Mir passiert das meistens kurz vor einem Fototrip. Denn wenn ich losgelegt habe, finde ich wieder neu Spaß daran und selbst wenn kein einziges Foto etwas wird: Allein schon, weil es für mich ein Vergnügen ist zu fotografieren, lohnt es sich.

Und ich glaube, das jeder schwerpunktmässig andere Zweifel hat und anders damit umgeht.  Deshalb möchte ich hier nun nicht darüber sprechen, wie man (!) sich selbst überwindet und mit diesen Kämpfen umgeht. Das ist mir zu allgemein und zu groß. Doch ich kann darüber sprechen, was mir bisher konkret geholfen hat, am Ball zu bleiben.

• Fototrips mit anderen Leuten. Es gibt Leute, die laden regelmässig Freunde ein, weil sie wissen, dass sie dann öfter die Wohnung säubern. Ich bin jemand, der sich gerne im Vorraus mit Leuten zum Fotografieren verabredet, weil dann noch jemand involviert ist, dem ich nur ungern absage. Vor allem dann, wenn eine Fototour schon Wochen zuvor geplant war. Ausserdem macht es mir enorm Spaß, mit einem guten Freund zu fotografieren, nebenher einwenig zu quatschen und hinterher ein Bierchen zu trinken.

• Festgelegte Projekte. Soweit ein Projekt ausdefiniert ist, habe ich einen Rahmen und Grenzen, die ich mir selbst festlege. Beispielsweise war ich kürzlich im Kinderheim und habe in meiner alten Gruppe die Kinder mit der Kamera begleitet – es handelte sich aber um keinen Auftrag, sondern um ein selbsternanntes Projekt. Definiert waren: Start – und – Schlußzeit des Projektes (wann fange ich an, wann höre ich auf), die Art des Fotografierens (keine Gruppenfotos, die Kinder möglichst natürlich und unbemerkt ablichten) und ein Ziel, nämlich eine gebrannte DVD mit den Fotos darauf (anschließend haben die Erzieher die besten Fotos ausgesucht, groß drucken lassen und den Kindern geschenkt). So ein Projekt ist in seiner Länge variabel sein und muss nicht zwingend andere Menschen miteinschließen. Mir hilft es aber, im Vorhinein die Bedingungen abzustecken und mich dann auch dran zu halten – ohne unflexibel zu werden, klaro.

• Zweckentfremdung. Komisches Wort, passt hier aber am Besten. Das kommt daher, dass ich manchmal nicht des Fotografierens wegen fotografiere (huh?), sondern um zu entspannen. Nach einem anstrengenden Tag in Büro “reicht es mir” manchmal und ich mache einen kleinen Spaziergang. Die Kamera nehme ich mit, vielleicht komme ich so ja auf andere Gedanken. Meistens endet das dann in einem ausgedehnten Photowalk und fast immer komme ich mit 100-xy Fotos nach Hause. Selten aber mit gar keinem. Diese Art Verlagerung des Zweckes nimmt mir den Druck, perfekte Ergebnisse abzuliefern. Und enstpannt bin hinterher meistens auch noch.

• Jobs (no-brainer). Bekomme ich einen Aufrag, dann ist das ein sehr wichtiges Projekt. Das ist quasi ein No-Brainer, weil es die Frage nach der Motivation dann für mich nicht gibt. Wenn ich einen Vertrag (mündlich oder schriftlich) zusage, dann ist klar: Ich werde da sein und 150% Vollgas geben. Egal, wie ich mich fühle, denn der Kunde ist König. Aber: Ein Auftrag ist keine Garantie dafür, dass auf einmal alle Zweifel fort sind. Die Zweifel spielen schlicht und einfach eine viel geringere Rolle. Ich bin schon auf Hochzeiten gefahren und habe innerlich mit den Zähnen geklappert, wie ich das schaffen würde und wenn das Wetter und ob alle Akkus und und und … Doch fotografiert habe ich trotzdem. Und nach ein paar Jobs kommt Routine rein. Und die ist gut.

Nun gibt es noch viele andere Wege, über die ich mit meinen Zweifeln umzugehe oder “am Ball” bleibe. Da ich diesen Artikel aber nicht überfrachten möchte, belasse ich es erstmal dabei. Ich hoffe, Euch einwenig inspiriert zu haben und vielleicht passt ja der ein oder andere Weg, den ich gegangen bin auch für Euch

Es ist einwenig wie wenn ein Bergsteiger oder Kletterer für eine Weile auf den Komfort der warmen Stube und die Sicherheit im Tal verzichtet. Warum solle er das tun? Unten ist es doch viel schöner! Er könnte doch auch mit dem Auto fahren oder mit der Seilbahn! Doch auch beim Klettern geht es um eine Erfahrung, und nicht in erster Linie um Komfort, Produktivät oder Schnelligkeit.

Der Weg ist das Ziel. Und hinterher möchte er von seinen Erlebnissen berichten, und das tue ich jetzt, so wie gestern mittels dieses Tagebuches und den Fotos.

Das Kill Your LCD – Projekt hat meine Beziehung zum Fotografieren ungemein positiv verändert, auch wenn es zu Beginn (vor allem am ersten Tag) schon sehr anstrengend und echt nervig war. Doch über die Zeit habe ich mich … ach, das steht ja schon im Tagebuch

Achso, noch ein Tipp: Wie immer könnt ihr die Foto per Draufklick größer ansehen und mit dem Pfeiltasten navigieren.

Tag 4

Ich komme von einem vielversprechendem Gespräch und bin von vorne herein gut gelaunt. Da macht das Fotografieren natürlich Spaß, auch ohne LCD und RAW. In Flehingen nehme ich mir Zeit für einen Rundgang und schaue, was mir so in die Quere kommt.

Es läuft. Ich habe zwar immer noch keine Ahnung, wie die Ergebnisse ausfallen, aber das wird zunehmend zweitrangig. “Alles-richtig-machen” ist heute nicht, ich fotografiere einfach drauf los und lasse mich von meine Intuition leiten.

Eine ältere Frau spricht mich an, was ich denn hier so besonders fände, dass ich es fotografieren würde. “Flehingen ist einfach schön” antworte ich, und das meine ich auch so. “Gefällt mir hier, das hat Stimmung”. Ich sehe ihr an, dass sie sich über diese Bemerkung freut. “Naja, ich wohne schon seit ‘78 hier, für mich ist das halt so”.

Ich frage sie, ob ich sie denn auch fotografieren dürfe, denn im Hinterkopf sind mir die Bilder von Markus Schwarze. Zwei Fotos gemacht, fertig. Ob ich die denn für mein Projekt auch im Internet veröffentlichen dürfe, frage ich. “Hajo, natirlich. Mi’ darf jeder sehen!” Supergut.

Auf dem Rückweg fahre ich an einem Radfahrer vorbei, stehe aufs Gas und halte 500m weiter auf meinem Lieblingsparkplatz. “Er müsste gleich kommen”. Ich positioniere mich mitten auf der Straße, mache ein paar Testschüsschen für die Bildkomposition und warte auf das flinke Kerlchen.

Als er dann ankommt müssen ausgerechnet jetzt noch ein paar Autos auf der Gegenseite an mir vorbei. Na toll. Ich bekomme noch eher schlechte als rechte Fotos hin, drehe mich um und drücke noch einmal ab.

Tag 5

Ich kann es gar nicht abwarten, mal wieder ein paar Fotos zu machen, und schnappe mir 10 Minuten die Kamera und suche mir ein paar Gegenstände zu fotografieren. Allein die Tatsache, dass ich die Fotos erst später am Rechner betrachten kann, macht es spannend und interessant.

“Ich muss das öfter machen”.

Nach meinem Spaziergang frage ich mich manchmal, warum ich eigentlich wie bescheuert nacht jedem gemachten Foto immer auf das Display geschaut habe. Wieviel davon war Gewohnheit?

Nachmittags ziehe ich nochmal eine Runde durch Jöhlingen, um ein paar Impressionen einzufangen. Macht das Spass heute.

Tag 6

Eigentlich ein perfekter Tag zum Spazieren. Nachmittags ziehe ich los, um dann doch ein paar Fotos zu machen, denn das Wetter macht es mir eigentlich nicht schwer. Obwohl – viel zu harte Kontraste, eigentlich.

Ich fotografiere einwenig in Jöhlingen, ziehe dann einwenig raus in die Natur und finde mich dabei, etwas abstrakter zu fotografieren, gegens Licht und so.

Das Stück Papier über dem LCD droht bald abzugehen, ich reibe es immer wieder fest und hoffe, dass es hält. Mir ist es wichtig, das jetzt durchzuziehen und nicht kurz vor Schluß noch einzuknicken.

Aber irgendwie freu ich mich jetzt richtig, das LCD nächste Woche wieder zu haben und nutzen zu können. Ich bin schon gespannt, wie das dann wird und was ich aus dieser Woche dann wirklich gelernt habe.

Beim Durchsehen der Fotos bin ich positiv überrascht, es gibt doch einige Fotos (vor allem die Abstrakten), mit denen ich was anfangen kann. Die Belichtung kommt ganz gut hin. Morgen ist letzter Tag. So schnell geht eine Woche rum.

Tag 7

Orkanwarnungen und ein ordentlicher Wind zwingen mich, heute mal drin zu bleiben. Hier und da nehme ich mir meine Kamera und fotografiere ein paar Kleinigkeiten. Nichs wildes, aber immerhin. Passt schon.

Denn ich weiß: Heute ist letzter Kein-LCD-Tag. Und letzter Keine-Bearbeitung-Tag. Und so langsam vermisse ich mein Display wirklich und freue mich nun umso mehr drauf, endlich mal wieder in den Genuss zu kommen, das Foto einfach nur kurz nach dem Abdrücken zu sehen.

Deshalb reisse ich Abends voller Freude das Papier und den Tesa von der Kamera. Wenn ich es mir recht überlege, sah das mit dem Papier drauf ganz schön doof aus. Hat sich aber gelohnt. Denn ich bin um eine wichtige Erfahrung reicher geworden. Und darum gings.

Letzte Woche habe ich ein Projekt gestartet, das ich schon lange mal durchziehen wollte. Die alten Hasen unter den Lesern haben mich bestimmt schonmal sagen hören, dass man “doch mal sein LCD zukleben sollte”.

Letzten Montag habe ich mein Kameradisplay zugeklebt. Und bin eine Woche jeden Tag mindestens 30 Minuten fotografieren gegangen. Ausserdem habe ich in JPG fotografiert und Schwarzweiss (was aber eher unbeabsichtigt war, das kommt aber weiter unten).

Denn es hätte für mich keinen Sinn gemacht, ohne LCD zu fotografieren und dann in RAW die Fehler wieder gerade zu biegen. Ergo nächster Schritt: Keins der Bilder wurde bearbeitet, die Fotos wurden nicht einmal angerührt. Alles, was ich an diesen Fotos gemacht habe war, sie zu verkleinern fürs Web. That’s it.

Warum das Ganze? Nun, ich weiß, dass ich mit meiner Kamera und den Objektiven 1000 Möglichkeiten habe und manchmal in so eine Art Gleichgültigkeit verfalle, in der ich alles für selbsverständlich halte – was es aber nicht ist.

Um da rauszukommen und mich selbst einwenig zu fordern, habe ich mich freiwillig in meiner Freiheit beschränkt.

Mir ging es nicht darum, mir zu beweisen, dass ich auch ohne LCD fotografieren kann. Das wäre es nicht wert gewesen. Vielmehr wollte ich diese Erfahrung machen, wie es ist, sozusagen nur durch den Sucher zu fotografieren, einzustellen und… das wars dann. Ende. Kein Bearbeiten mehr. Nichts. Kein Beschneiden, nada.

Somit habe ich ein Platt Papier, Schere und Thesa in die Hand genommen und meine Kamera hinten zugeklebt. Ich habe jeden Tag fotografiert und danach ein kleines Tagebuch geschrieben. Ich habe überlegt, ob ich die Cuzzwords rausnehmen soll, aber das würde zu viel Authenzität nehmen.

So, jetzt gehts aber los. Heute zeige ich Euch Tag 1-3 und morgen Tag 4-7. Hier nochmal die Settings:

# Zugeklebtes Display
# Nur JPEG
# Schwarzweiss, festgelegt in der Kamera
# Keine Bildbearbeitung im Nachhinein

Wichtig: In diesem Artikel / Projekt geht es nicht zu allererst um die Qualität dieser Fotos. Ich weiß, dass viele unterbelichtet sind oder qualitativ keine Vorzeigefotos sind. Aber darum geht es nicht. Es geht um diesen Prozess, in den ich mich selbst begeben habe und die Dinge, die mir dabei wiederfahren und aufgefallen sind. Das ist wichtig zum Verständnis. Trotzdem habe ich ein kleine Auswahl der Fotos, die ich am Gelungensten finde hier vorbereitet – alle Fotos zu zeigen, hätte den Rahmen sicher gesprengt.

Tag 1

Draussen regnet es. Egal, ich gehe trotzdem raus. Bevor ich überhaupt loslege, bemerke ich, dass ich Schwarzweiss eingestellt habe. Jetzt nochmal die Kamera aufreissen? Nö. Jetzt ist es auch egal. Fotografiere ich halt monochrom. Wie mit nem Schwarzweissfilm halt, tut meinen Fotos vielleicht sogar gut.

Weil es nieselt, laufe ich zur Jöhlinger St. Martin-Kirche, da regnet es nicht drinnen. Meistens zumindest.

Ich fotografiere ein paar Gesangsbücher und finde es ganz toll, jetzt diese Aktion gestartet zu haben. Wahnsinn. Doch nach einer Weile fotografieren geht mir das nicht-auf-den-LCD-schauen enorm auf die Nerven. Nicht nur das, irgendwann fühlt es sich nicht sehr weit entfernt von SCHEISSE an. So ähnlich wie in den wenigen Momenten meines Lebens, in denen ich nicht den Eindruck hatte, alles unter Kontrolle zu haben.

Und nein, ich schaue nicht wie erwartet ständig hinten auf meine Kamera, ich weiß ja, dass das nichts bringt. Jedenfalls ist es was ganz anderes, als einfach nur die Rückschauzeit auf “aus” zu stellen.

Ich schaue ständig auf die Uhr. Wann sind die 30 Minuten um? Irgendwie komisch, war ich doch noch zu Beginn zu damn begeistert von meiner Idee, die Kamera zuzukleben. Aber so muss es wohl sein. Wäre ja auch komisch, wenn ich flippy-floppy jodelnd durch die Gegend fotografieren würde, als ob mich das gar nicht jucken würde.

Tut es aber.

Ich habe keine Ahnung, ob die Fotos was geworden sind. Nicht ein bisschen. Für andere wäre das warscheinlich superspannend. Ich finde es grauenvoll. Fühle mich wie ein Anfänger, der zum ersten Mal fotografiert. Kein Yea-Geile-Aktion. Viel mehr: Was hab ich da blos angefangen?

Tag 2

… fühlt sich gleich besser an. Mit einem leichten Grinsen (und etwas übermütig) ziehe ich los und es juckt mich wesentlich weniger, nicht mehr auf den LCD schauen zu können. Weniger Jucken heisst aber nicht, dass es mir egal ist.

Es fängt wieder an zu nieseln – aber nur kurz. Bleib blos weg, Du Regen.

Ich schaue etwas bewusster auf Belichtungszeit, ISO und Blende und mache mir Gedanken um diese 3 Komponenten. Nicht, dass ich das vorher nicht auch schon getan hätte, aber jetzt lasse ich mir mehr Zeit dafür. Die Abblendtaste nutze ich bei fast jedem Bild, weil ich wissen will, was scharf ist und was nicht.

Zuhause angekommen, will ich mir die Fotos gleich anschauen. Sie wirken etwas fad auf mich, denn ich weiß ja, dass ich sie nicht mehr bearbeiten werde. Ausserdem bin ich ja festgelegt, was die Farbkanäle betrifft und würde am Liebsten jetzt jedes Bild bearbeiten, Kontraste rein, Vignettierungen raus/rein und so. Geht aber nicht. Weil ich mich dafür entschieden habe.

Ist gut, zu spüren, wie sehr die Bildbearbeitung Teil meines Fotografierens geworden ist. Manchmal merkt man’s halt erst, wenn es einem fehlt.

Tag 3

Heute beginne ich n der Wohnung ein paar Aufnahmen zu machen. Das LCD interessiert mich mittlerweile nicht mehr wirklich, vielleicht habe ich mich aber auch einfach dran gewöhnt. Dann gehe ich mit Enna spazieren. “Tata”, wie wir immer sagen. Die Kamera geht natürlich mit.

Enna schläft nach 20 Minuten ein und ich kann am Wegrand hier und da interessante Motive einfangen. Unterwegs wird mir erneut klar, warum ich dieses Experiment mache: Ich möchte die vielen Möglichkeiten, die mir die Technik bietet neu schätzen & einsetzen lernen.

Die EOS 5D Mk2 und meine Objektive sind zwar super, aber ich will nicht in eine diese scheiss Gleichgültigkeit verfallen, die ich von mir selbst so gut kenne.

Durch dieses “Korsett” möchte ich mich freiwillig in meinen Freiheiten reduzieren, um mich auf wesentliches zu Konztrieren, zu spüren, was mir fehlt und dann neu Dankbar zu sein. Dankbarkeit ist eine Quelle der Inspiration, das weiss ich. Da will ich wieder hin.

Morgen geht es weiter mit Tag 4-7.

Ich selbst kann mir gut vorstellen, so etwas alle paar Wochen hin und wieder zu machen, einfach, um etwas für Abwechslung zu sorgen. Vielleicht fällt mir aber auch etwas ganz anderes ein – schließlich ist so einer browserFruits Woche auch für mich ein ganz anderer Aufwand als ganz “normal” zu bloggen.

So, und nun möchte ich Euch mal fragen: Wie fandet ihr diese Woche? Was hat Euch gefallen, was nicht? Seid ihr dafür, dass ich sowas ab und zu mache? Welcher Artikel hat Euch besonders zugesagt?

Danke schonmal, für Euer Feedback!

Dieses Video habe ich schon lange Zeit “zwischengeparkt”, um es an einem Sonntag zu zeigen. Vier sehr unterschiedliche Fotografen berichten, was aus ihrer Erfahrung heraus essentiell beim Fotografieren ist – und ich finde, dabei kommt besonders ihre eigene Persönlichkeit zum Vorschein. Vielleicht ist es gerade deshalb ein Video, das mit sehr viel bedeutet.

Es beeindruckt mich, welchen Erfahrungsschatz diese Fotografen  auf ihrem Gebiet (die meisten fotografieren Menschen) sammeln konnten. Respekt, Respekt. Jeder sagt hier Dinge, die (nicht alle) in mir wiederhallen, meine Herangehensweise hinterfragen, und anregen, beim nächsten Fotografieren etwas bewusster ranzugehen.

Ich habe versucht, die richtige Reihenfolge herauszufinden (und es lohnt sich allemal, bei deren Portfolios reinzuspickeln): Albert Maysles, Timothy Greenfield Sanders, Sylvia Plachyund Andrew Moore (bei Moore bin ich mir nicht ganz sicher, vielleicht erkennt ja jemand von Euch den Fotografen).

Da es heute nicht wie üblich die normale Ausgabe der browserFruits gibt, starten wir diesen Sonntag mit einem “guten Morgen-Foto” wie in der restlichen Woche. Und heute sehen wir ausnahmsweise mal wieder ein Landschaftsbild, die anderen waren in einem urbanen Kontext aufgenommen.

Ich habe dieses Foto immer wieder angesehen und ich mich gefragt, ob es hierher gehört, oder nicht. Letztendlich habe ich mich dafür entschieden, gerade weil es so abartig untypisch aussieht und eher an eine Malerei erinnert als an ein Foto.

Was wir sehen, ist eine Langzeitbelichtung eines Wasserfalls in der Nähe Seattles. Auf der Flickrseite sind keinerlei Daten zur Belichtung auffindbar, was mich hier auch nicht weiter stört. Nur leider ist das Bild in einer maximalen Breite von knapp über 600px anzusehen.

Der Gesamteindruck dieses Bildes ist sehr weich, und manch einer könnte einwenden, dass hier ein gewisses Maß an Schärfe darunter leidet.

Je länger ich dieses Foto betrachte, umso mehr habe ich den Eindruck, das Wasser vor mir rauschen zu hören und direkt dort vor Ort zu sein. Weniger Bilder schaffen das, dieses sehr wohl.

Das enorm blaue Licht, was auch in der Nachbearbeitung verstärkt sein könnte, weisst darauf hin, dass das Foto nicht am hellichten Tag, sondern evtl. am Morgen aufgenommen wurde. Die Lichter in den Häusern und auf der Straße sind noch an, was diesen Eindruck unterstreicht.

Ein traumhaftes Foto, vielleicht schon etwas zu traumhaft, aber gerade deshalb ungemein interessant.

Weil ich so manche Tilt-Shift-Videos schon zu oft gesehen habe, ging diese Woche “The Sandpit” komplett an mir vorrüber, obwohl Johannes es gepostet hatte. Als dann auch noch der Kai einen Artikel drüber schrieb, musste ich dann doch einen kleinen Blick reinwerfen.

Und wurde nicht im Geringsten enttäuscht. Im Gegenteil, eher positiv überrascht, weil die erwartete Hektik ausblieb und das Video im Zusammenspiel mit der Musik sehr beruhigend auf mich wirkte.

Beeindruckt von den Perspektiven und dem Postprocessing durfte ich feststellen, dass der VFX Artist Sam O’Hare (@duskzero) überhaupt gar kein Tilt-Shift Objektiv benutzt hatte (den Effekt hat er mit der Videoeditingsoftware Eyon Fusion + Frischluft Lenscare erstellt). Dieses Interview mit ihm verrät, dass er zwar mit der Überlegung gespielt, ein T&S-Objektiv auch getestet, sich aber vor dem Start dagegen entschieden hat…

… was mir so als Tiltshift-Noob überhaupt nicht aufgefallen ist. Weiter bemerkenswert ist, dass Sam O’Hare für das Video in fünf Tagen sage und schreibe 35.000 Fotos gemacht hat. Das ist wahrlich ne Menge Holz und lässt erahnen, wie lange er daran gesessen haben muss. Ich denke da auch an die Vorbereitung (bei der er Unterstützung hatte).

Selbst das Fotografieren alleine war mit Sicherheit kein Kinderspiel:

“The entire shoot was completed in 5 days and two evenings, during the hottest week of August 2009. Many thanks go to all the people who gave me access to rooftops, penthouses and balconies to shoot from.”

Hat sich gelohnt, würde ich sagen.

Die folgenden Videos wurden mit einer Highspeedkamera aufgenommen, sodass wir in Ultrazeitlupengeschwindigkeit mal nachvollziehen können, was da vor dem Sensor oder Film eigentlich passiert. Spannend finde ich das allemal, obwohl es etwas schade ist, dass ausschließlich Canon Kameras verwendet wurden.

Canon EOS 50D

Canon EOS 5D

Canon F1

Canon Elan7

Canon EOS 20D

Canon EOS 350D

Edit: Leider ist die Qualität der Videos nicht gerade berauschend – sorry dafür.

Via Shockmotion

Man nehme: Die aktuelle Ausgabe der Zeit, Nr. 09*. Genauer gesagt, nehme man das Zeit Magazin, das Beilageheft mit dem Kind vorne drauf. Dort schlage man Seite 56/57 auf und sieht: Ein ausserordentliches Portrait.

Schwarzweiss. Unverschämt gut. Sollte eigentlich direkt an meine Bürowand, so gut gefällt mir das. Ebenfalls gut (und logisch) ist, dass wir hier keinerlei EXIF-Daten oder sonstigen Kram zu sehen bekommen. Ist ja in einer Zeitschrift. Nur ein gutes Foto.

Wichtig: Falls jemand das Foto doch online finden sollte, bitte hier keinen Link posten, sonst ist der ganze Spaß vorbei. So, jetzt bin ich aber still.

Wer es gesehen hat, darf gerne hier etwas dazu sagen. Wie sieht es aus? Könnt ihr es beschreiben? Was gefällt Euch daran? Warum? Oder gefällt es Euch etwa gar nicht?

*Wer sich unsicher ist: Die aktuelle Ausgabe der Zeit sieht so aus.

Tja, und damit hier etwas Abwechslung in die browserFruits Woche kommt, machen wir das gleich heute. Denn wer sich morgen eine neue digitale Spiegelreflex* kauft, wird in vielen Fällen auch eine Videofunktion dabei haben. Aber wie sehr wird das eigentlich genutzt? Ist diese Funktion, wenn man sie mal hat, wirklich so unverzichtbar?

Wie ihr wisst, war ich zu Beginn sehr von der Videofunktion meiner 5D angetan, was sich aber mittlerweile in Wohlgefallen aufgelöst hat. Vielleicht werde ich das Thema nochmals gesondert angehen, aber mein Bedürfnis mit der Kamera Videos zu drehen beläuft sich aktuell gen Null. Doch ich bin (weder heute noch sonst) das Maß aller Dinge.

Heute seit ihr es. Und deshalb stelle ich Euch drei (im Einzelfall 2) Fragen, die ihr ganz easy per Klick beantworten könnt. Edit: Bitte achtet darauf, dass ihr nur eine der Fragen A oder B beantwortet.

Note: There is a poll embedded within this post, please visit the site to participate in this post's poll.

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Ihr seid eingeladen, gerne Eure Klicks hier in den Kommentaren weiter auszuführen. Ich bin mir sicher, dass hier auch einige Einsteiger mitlesen, die sich auch mit dieser Frage auseinander setzen.

Videos auf DLSRs ist bis auf ein paar Ausnahmen immer noch Neuland und ich bin auf das Ergebnis & die Diskussionen hier auf dem Blog.

Go!

Es handelt sich hier um ein Foto, welches er schon im Juni 2006 auf seinen Photoblog lud, und mich damals gut geflashed hat. Denn hier kommen so einige Dinge zusammen, die das Foto interessant machen.

In den Notizen unter dem Foto können wir entnehmen, wie es dazu kam:

“This was shot from inside our friend Marjan’s car while I held the camera out the sunroof shooting a number of shots blindly, hoping for a good composition.”

Zur Bildbearbeitung schreibt er:

“I used a circular polarizer to get the deep blue sky and processed two exposures from Capture One and combined them in Photoshop to get details in both highlights and shadows. The usual perspective and distortion correction and colour adjustments have been done in photoshop.”

Aufgenommen wurde das Foto mit der Canon EOS Digital Rebel XT {350D} mit dem 10-20mm Superweitwinkel, und letzteres ist nicht übersehbar. Weitere Informationen finden wir in den EXIF Daten auf Flickr.

Roggnroll, Sam.

Absagen gehören zum Berufsleben jedes Fotografen. Und sei es nur, dass ein Kunde sich vor Abschluss eines Vertrages kurzerhand umentscheidet und einen anderen Fotografen vorzieht. Was kann man dann tun? Wie reagieren? Wie nicht?

Martina Mettner geht auf ihrem Blog genau auf dieses Thema ein und hat einen empfehlenswerten Artikel dazu verfasst. Hier ein kurzer Auszug:

“Erfahren Sie die Absage live, heißt es: Nerven bewahren! Jetzt bloß nicht beleidigt oder gehässig reagieren. Auch nicht innerlich! Speziell, wenn es um den Auftrag von einer Werbeagentur geht, bedeutet das ja nur, es hat bei diesem Job ein anderer besser gepasst. Es heißt nicht, dass Sie grundsätzlich nicht für Jobs in Frage kommen! Vor allem dann nicht, wenn Sie schon mehrfach zu Besprechungen gebeten wurden.

Versetzen Sie sich in die Lage der anderen: Wenn Sie jetzt eingeschnappt reagieren, wird das Art-Buying denken: „Ein Glück haben wir uns anders entschieden. Beleidigte Leberwurst? Nein, danke.“ Und sie werden auch beim nächsten Job einen Kollegen in Betracht ziehen und nicht Sie.”

Ich finde Martina’s Artikel trifft es wirklich gut. Reagieren wir emotional und negativ, wirft das ein schlechtes Licht auf uns. Reagieren wir gelassen und freundlich, wird auch dieser Eindruck beim Auftraggeber bestehen bleiben. Wir entscheiden also unter Umständen schon bei einer Absage, ob wir den nächsten Auftrag bekommen, oder nicht.

Ich empfehle, bei Martina den kompletten Artikel (keine Sorge, ist nicht zu lange) zu lesen:

Wie Fotografen mit Absagen umgehen sollten.

Habt Ihr schonmal eine Absage bekommen? Wie war das für Euch? Wie seid ihr damit umgegangen?

Schaun wir uns doch mal drei seiner Fotos an…

Ich finde es supermutig von Markus, so Menschen so direkt zu fotografieren – komme ich doch sehr vom Fotografieren aus dem Abseits, vom Indirekten. Ausserdem mag ich sein Spiel mit dem Bokeh und wie er die Umgebung mit in seine Fotos fliessen lässt. Dafür braucht man ein Auge – und ganz zum Schluß auch ein paar Postprocessing-Skills.

Weiter spannend finde ich die kleinen Geschichten, die Markus mit den Menschen erlebt und meist unter den Fotos notiert. Herrlich.

Meine Empfehlung für heute: Markus Schwarze’s Portfolio.

Randbemerkungen: Wie es zu diesem Artikel kam

Wer hier in den letzten Tagen etwas aufmerksam mitgelesen hat, der weiß auch, dass beim ersten Guten Morgen-Artikel diese Woche einen witzigen Zufall gab. Thema des Artikels war ja ein Strassenfoto von Ivan Constantin.

Herr Olsen hatte in Kommentar #7 auf Markus Schwarze hingewiesen und seine Straßenfotos empfohlen. Ich klickte mich durch Markus’ Fotos, dachte “Wow” und sah irgendwann sein Profilbild. “Moooomentchen…, der hat doch auch kommentiert”.

Richtig. Markus Schwarze hatte im gleichen Thread ein paar Kommentare vorher (#3) bekundet, dass er ebenfalls ein Bewunderer von Ivan Constantin ist. Ich musste sowas von Lachen und auch andere hatten den komisch-witzigen Moment ebenfalls bemerkt.

Kurzerhand habe ich Markus Schwarze angerufen, mit ihm über die Situation geschmunzelt und gefragt, ob er gefeatured werden möchte. Und voila: Hier sind ein paar seiner Fotos. Da sieht man mal, wie schnell solch eine Situation zu einem Feature auf kwerfeldein.de wird

Und zum Abschluß noch ein Tipp für alle, die gerne mehr über Markus Schwarze erfahren wollen: Drüben bei Martin Wolf gabs kürzlich ein cooles Interview mit ihm. Lesenswert!

Tipp: Wer das Video hier nicht sehen kann, wird direkt auf Youtube fündig werden.

Wir bekommen einen Einblick in seine Arbeitsweise und Simon Carter erzählt , auf welche Techniken/Herangehensweisen/Equipment er besonders wert legt. Und ehrlich gesagt habe ich jetzt schweissige Hände kann mir wegen meiner Höhenangst niemals vorstellen, soetwas zu machen. Aber man soll ja niemals nie sagen, nicht war?

Jedenfalls: Seit über 16 Jahren ist Simon Carter nun aktiver Kletter-Fotograf und besteigt selbst gerne Wände. Was zum Einen logisch, zum Anderen auch Vorraussetzung für seine Arbeit ist. Denn wie Carter da in den Seilen hängt, brauchst das Einiges an Erfahrung.

Die leider etwas ungünstig gestaltete Webseite von Simon Carter gibt Neugierigen die Möglichkeit, weitere Fotos von Carter zu entdecken. Deswegen bietet es sich an, sich zurückzulehnen und die Slideshow auf der Startseite durchrauschen zu lassen.

Guten Morgen. Wie gestern gibt es auch heute erstmal ein gutes Foto, um unsere “fotografischen Sinne” etwas aufzuwärmen. Wieder handelt es sich um ein Schwarzweiss und wieder wurde es in einem urbanen Kontext aufgenommen.

Doch im Gegensatz zum gestrigen Foto ist es kein Einzelportrait sondern eine etwas weitwinkligere Aufnahme, bei der die Personen von hinten fotografiert wurden. Viele Details verschwinden im Schwarz – was in diesem Fall nicht weiter stört, denn die Silhuetten der Personen geben uns genügend Information. Die monochrome Ausgabe des Bildes unterstreicht diese Wirkung, da die Aufmerksamkeit des Betrachters nicht durch Farbe abgelenkt wird.

Auffällig ist meiner Meinung nach der aufsteigende Nebel, welcher eher an einen See erinnert als an eine Stadt. Mir gefällt dieses Paradox und es hüllt die Personen in ein geheimnisvolles Licht.

Ich finde es gut, dass der Fotograf die beiden Kinder (links) ins Bild mit heingenommen hat. Und wenn wir genau hinschauen, sehen wir hinten rechts nochmals zwei Personen. Das gibt dem Foto eine gewisse Balance, aus der das Foto auf den ersten Blick geraten ist. Denn der Mann in der Mitte ist eigentlich der Mann leicht neben der Mitte.

Der Fotograf Marc Dezemery ist seit 2008 nicht mehr auf Flickr aktiv und hat auf zenfolio gewechselt.

Was fällt Euch in diesem Foto auf? Was findet ihr bemerkenswert?

Kiss my spatula ist das: Ein Rezeptblog mit unheimlich guten Fotos. Oder das: Ein Food Photography Blog mit unheimlich guten Rezepten – englischsprachig. Aber auch, wer die Begriffe für Gemüse und Gewürze nicht gleich übersetzen kann sieht sofort: Die Frau kann nicht nur kochen, sie kann auch fotografieren.

Und sie verrät nicht wirklich viel über sich selbst ausser:

“a girl who loves being in the kitchen, behind the camera and in front of life.
:: homemade, simple, seasonal…with plenty of kisses & spatulas along the way ::
pull up a chair. i’m here to cook for you, tell you stories and make you happy.”

Sie schreibt über die Herkunft von bestimmten Früchten, fotografiert ihren Einkauf auf dem Markt und nebenher kommt oft eine rührend köstliche Speise zustande, dass ich mich dabei ertappte, nach 5 Minuten ein komplettes Gericht nachgekocht zu haben, meiner Fantasie ihre Suppe zu abzuschmecken. Yummie.

Sowas gehört gefeatured.

Tipp: Kopfhörer auf + Musik aufdrehen.

Eigentlich hatte ich was ganz anderes vor, aber jetzt bin ich auf dieses Video gestossen, das mit der Canon EOS 7D* gedreht wurde. Leider habe ich keine weiteren Infos zu den verwendeten Objektiven noch zum Postprocessing gefunden .

Aber manchmal ist es auch nicht schlecht, wenn wir nicht alle technischen Details wissen. So können wir uns vorbehaltslos auf die doch sehr eindrücklichen Bilder konzentrieren. Die Farben und die Dramatik im Zusammenspiel mit der Musik wirkt auf mich sehr intensiv.

Es sieht jedenfalls nach ner Menge Spaß aus, den die Jungs und Mädels da erleben. Aber es gibt da eine Szene, in der ich mir nicht sicher war, ob der junge Kerl da nicht Wasser geschluckt hat…

Update: Ich bin mir nicht sicher, ob wir das komplett als Spaß warnehmen können.. Manchmal hab ich mir gedacht, in wie weit hier Krieg nachgespielt wird und ob das lustig ist. Ihr wisst, sicher, was ich meine, oder? Hat sich erledigt.

*Dies ist ein Affiliate Link. Wenn ihr darüber bei Amazon etwas bestellt, bekomme ich eine kleine Provision, ihr zahlt aber keinen Cent mehr.

Schönen guten Morgen, liebe Leser. Ich dachte, den zweiten Tag der browserFruits Woche könnten wir ja mit einem guten Foto starten, ganz in der Manier, wie Spreeblick das mit seinen Videos tut.

Ausserdem mag ich es, ein Bild mit einer Tasse frisch gebrühtem Kaffe länger unter die Lupe zu nehmen. Ganz nach dem Prinzip, “durch die Betrachtung eines guten Werkes das fotografische Auge schulen”.

Das Foto oben ist eins meiner Lieblingsarbeiten des Franzosen Ivan Constantin. Ich beobachte seinen Flickrstream nun schon eine ganze Weile und mir gefallen seine Strassenportraits ausserordentlich gut.

Das Foto zeigt einen jungen, gut gekleideten Mann, dessen Augen durch eine Sonnenbrille verdeckt sind. “Cool”. Doch gerade weil das Foto in Schwarzweiss fotografiert wurde, bekommt das Bild zusätzliche Würze. Denn es sieht so aus, als ob hier alt und neu zusammenkommen.

In diesem Bild dürfen wir natürlich nicht ausser acht lassen, dass der Fotografierte mit seinem Kleidungs- und Bartstyle schon viel Charme vorgibt. Doch auch der Lichteinfall auf Gesicht und Kleidung sorgt dafür, dass der Mann im Zentrum unserer Aufmerksamkeit steht.

Alles in allem eine fast zeitlose Aufnahme, bei der mir nicht langweilig wird, sie immer wieder anzuschauen. Es gäbe noch viel über dieses Bild zu sagen, doch ich möchte es jetzt einmal dabei belassen.

Na, gleich erkannt? Ich musste jedenfalls (gerade beim ersten Foto) mehrmals hinschauen, um herauszufinden, dass da eine Person im Bild versteckt ist. Es handelt sich um Liu Bolin, einen 35-jährigen Chinesen, der es sich zur Aufgabe gemacht hat, fotografisch (und ohne Photoshop) mit seiner Umgebung zu verschmelzen.

Ein Zitat aus Odditycentral:

“Liu works on a single photo for up to 10 hours at a time, to make sure he gets it just right, but he achieves the right effect: sometimes passers-by don’t even realize he is there until he moves.”

Ich finde es superspannend, wie Liu das Thema Selbsportraits angeht – denn typisch oder normal ist das nunmal gar nicht. Und eins ist sicher: Es ist alles eine Frage der Perspektive

Weitere Werke von Liu Bolin könnt ihr hier, da und dort betrachten.

Die Jury bespricht dann die Fotos, und bewertet sie nach “Impact, Technique und Production Value”. Anschließend  geben sie ein (im Video viel zu kurzes) Feedback und ernennen dann einen der beiden Fotografen zum Gewinner.

Das (Ergebnis) werde ich hier jetzt nicht niederschreiben, wär ja langweilig

Wenn ihr Lust habt, könnt ihr Euch nach dem Video die Portfolios von beiden Fotografen mal anschauen:

Will Steacy: www.willsteacy.com

Sarah Small: www.sarahsmall.com/portfolio

Nach längerem Nachdenken finde ich es schwierig, dass hier ein Gewinner und eine Verlierer ermittelt wird. Der Gewinner fühlt sich natürlich super, aber ich bin mir nicht so sicher, wie das für den Verlierer ist – denn als Verlierer abgestempelt zu sein ist nicht wirklich konstruktiv.

Ich hoffe deshalb, dass die Beiden noch ein längeres Feedback bekommen haben, dass sie auf ihrem fotografischen Weg weiterbringt. Das Video ist an dieser Stelle sehr beschnitten und eindeutig zu kurz. Trotzdem sehenswert, finde ich.

Fragen an Euch: Seid ihr “cool” mit der Entscheidung der Jury? Haben Euch die Fotos gefallen? Findet ihr solche Gegenüberstellungen ebenso schwierig wie ich? Würdet ihr Euch freiwillig in solch eine Gegenüberstellung begeben?