Es ist so schwer, zu beschreiben, was mir das Fotografieren bedeutet, denn es ist nicht so, dass mir die Luft zum Atmen genommen wird, wenn ich monatelang nicht fotografieren kann. Es ist eher so, dass ich eine ganze Weile nicht einmal Lust habe, die Kamera anzuschauen.

Mal, weil ich mich selbst entmutige, dann weil die Luft einfach raus ist oder ich andere Dinge treibe, die mich glücklich machen und träumen lassen – ich mache Entwürfe fürs Studium, streiche ein Zimmer neu, laufe mit ausgestreckter Hand durch die Läden und fühle an allem, nähe, bastle und klebe Inspirationen mit buntem Tesafilm in ein Buch.

Dann überkommt es mich plötzlich wieder, es kribbelt allein beim Gedanken ganz schrecklich in meinen Armen und in meinem Kopf – das passiert immer, wenn mein ganz, ganz tiefes Interesse geweckt ist, mich zu beflügeln scheint und das ist das Zeichen: Ich muss wieder fotografieren.

Die Fotografie ist für mich eine unheimlich emotionale Angelegenheit. Einen Plan habe ich dabei nie. Denn es ist einfach so, dass mich ein Plan eher verunsichert und ich fühle mich unheimlich eingeengt. Wenn es ums Fotografieren geht, leide ich nämlich an schrecklichen „Stimmungsschwankungen“ und das, worauf ich gestern noch Lust hatte, interessiert mich heute so gar nicht mehr, deswegen bedeutet mir diese Spontanität unheimlich viel.

So kann ich ganz planlos, je nach Gefühl des Tages entscheiden, was passiert. Außerdem liegt es mir sehr am Herzen, vor dem Shooting viel, viel Zeit mit dem Modell zu verbringen, gemeinsam zu lachen und sich aufeinander einzustimmen, stundenlang zusammen den Kleiderschrank zu durchwühlen, sie so näher kennen zu lernen und dann ganz nach Laune zu entscheiden, wie Make-up und Frisur aussehen sollen.

Meistens schminke und frisiere ich die Mädels selbst und auch wenn es sich eigenartig anhört, für mich ist diese ganze Vorbereitung immer ein so intimer Moment, dass spätestens dann meine Stimmung komplett auf das Fotografieren umschwenkt und ich mich dem Modell sehr verbunden fühle. Ohne diese Verbundenheit funktioniert nämlich nichts, ich habe es schon versucht: Blöde Stimmung, blöde Bilder, blöder Tag. Deswegen mag ich nicht mehr auf die Zeit mit dem Modell verzichten.

Bei all der Spontanität steht doch eine Kleinigkeit auf dem Plan: Wir gehen immer raus, weil ich natürliches Licht so liebe. Auf langen Autofahrten beobachte unheimlich gern die Farbstimmung, die in der Luft liegt. Manchmal scheint das irgendwie magisch zu sein. Ich liebe es, wenn das Licht ganz sanft ist und das Gesicht berührt, durch die Haare leuchtet und mich durch die Linse manchmal blendet.

Und genau so sehr liebe ich Gräser, Bäume und Büsche – ich mag, wie sie im Wind hin und her schaukeln und was für Schatten sie werfen, wie sie Gesichter verdecken, wie die Zweige pieken und die Haut ein wenig kratzen, wenn ich mich wieder für die richtige Perspektive in sie hineinstürze.

Ich liebe es, mit Festbrennweiten zu arbeiten und um das Modell herumzutanzen, weil ich nur so ein Gefühl für sie und die Umgebung bekomme. Liebe es, mich und das Modell ein wenig im Dreck zu wälzen, sie in die Büsche reinkrakseln zu lassen und den Matsch, der meine Schuhe manches Mal durchnässt und auch die Hektik, wenn die Sonne fast untergegangen ist und ich doch eigentlich noch gar nicht fertig bin, will ich irgendwie nicht missen. Das gehört einfach alles dazu, zu einem fabelhaften Tag.

Dann habe ich auch ein totales Faible für Farbspiele, die ich eigentlich gar nicht sehe, sondern eher fühle und genau die versuche ich in die Bilder zu bekommen. So, dass allein die Farbe schon für eine Stimmung sorgt, wie ich sie in dem Moment hatte. Mal dramatisch, mal ganz sanft. Aber wenn ich so durch meine Arbeiten klicke, fühlt es sich manchmal irgendwie an, als wären alle Bilder, selbst die dramatischen, gehaucht. Aber vielleicht bilde ich mir das auch nur ein.

Mehr als das, was es draußen so gibt und dem, was sich in meinem Kopf abspielt, brauche ich eigentlich nicht für meine Bilder. Ich nehme mir keinen Assistenten mit, der Reflektoren hält, sondern bin immer allein mit dem Modell und mit dem was uns umgibt. Ich interessiere mich nicht für Technik, will nicht auf dem neusten Stand sein.

Ich finde, dass viel zu viele Neueinsteiger, aber auch alte Hasen sich zu sehr dafür interessieren und dabei die Emotionen völlig außer acht lassen. Denn auch mit einer super Ausrüstung macht sich ein fesselndes Bild nicht von selbst. Horcht doch lieber in Euch hinein und versucht, Euch nicht an die Technik zu klammern! Auf technische Perfektion kommt es auch gar nicht so an, sondern auf das Gefühl, das Ihr erlebt und vermittelt.

Ja, mich reizt eigentlich nur dieses Gefühl, das ich nicht recht beschreiben kann, das mich für den Moment aber erfüllt. Und ich erfreue mich an dem Gedanken, dass es da ein paar Menschen gibt, mit denen ich mein Gefühl teilen kann und hoffe, dass ich ihnen vielleicht mit dem einen oder anderen Bild ein schönes Gefühl in den Kopf, ins Herz, am besten in den ganzen Körper pflanzen kann.

Mehr möchte ich auch gar nicht und glaube, dass es genau das ist, was mir die Fotografie bringt und was mir so viel bedeutet: Ein schönes Gefühl in meinem Bauch und meinen Armen und meinem Kopf, die dann so schrecklich schön kribbeln, wenn ich es brauche.

Hallo Marwane. Danke, dass Du Dir die Zeit für ein Interview mit uns nimmst. Zu allererst, erzähl uns doch mal ein wenig über Dich. Wer bist Du, was machst Du?

Ich bin ein junger, aufstrebender, französischer Fotograf. Für mich ist die Fotografie nur ein Hobby. Bevor ich mich in sie verliebte, habe ich viel gezeichnet und ich denke, dass man das auch in meinen fotografischen Arbeiten sehen kann.

Ich studiere an einer Wirtschaftshochschule. Aber um die Wahrheit zu sagen, wäre ich im Moment lieber ein Vollzeit-Künstler. Aber wie ich gehört habe, sind die Zeiten gerade hart und mir fehlt auch der Mut zu diesem Schritt.

Was war denn Deine erste Begegnung mit der Fotografie? Warum hast Du eine Kamera in die Hand genommen und weitergemacht?

Traurigerweise, weil ich für ein Blog ein Foto von mir brauchte. Einer meiner Freunde zeigte mir deviantArt und dann erstellte ich dort und auf flickr einen Account. Ich entdeckte, dass man mit einer Kamera auch Kunst machen kann.

Ich kaufte meine DSLR im Juni letzten Jahres. Davor hatte ich nicht die Zeit, um zu fotografieren, aber mir war klar, dass ich an einem bestimmten Zeitpunkt anfangen würde, ernsthaft Fotos zu machen. Im letzten Sommer hatte ich dann sozusagen die beste Zeit meines Lebens:

Ein freier Monat, ich draußen in der Wildnis, heißes Wettter… in dieser Zeit machte ich meine „Human Series“. Ich bin eigentlich sehr introvertiert und die Fotografie ist manchmal ein Vorwand, um mich von anderen zu isolieren – und trotzdem hilft es mir, mich mehr mit anderen Menschen zu verbinden: Zum Beispiel über das Internet.

Das klingt ja erst einmal wie ein Widerspruch. Hat die Fotografie Dein persönliches Leben verändert?

Manchmal fühle ich mich, als hätte ich eigentlich zwei Persönlichkeiten. Einerseits bin ich ein Wirtschaftsstudent, der sich wirklich für Ökonomie und Politik interessiert, der es genießt, Anzüge zu tragen und die Finanzpresse zu lesen.

Aber die Fotografie half mir, eine neue Seite zu entdecken. Eine Perönlichkeit, die Kunst und alle möglichen Arten von Kreationen genießt, ebenso wie barfuß im Wald herumzulaufen, obwohl ich vorher wahnsinnig auf Hygiene bedacht war.

Die Natur zu erkunden, während ich früher die Art sonderliches Kind war, die sich in Bücher vertieft und fast nie das eigene Zimmer verlässt. Also, ja – ich denke, die Fotografie hat mir einfach geholfen, mir bisher unbekannte innere Potentiale erkennen.

Während das ja großartig klingt. Wie reagieren denn die Menschen auf diese zwei Seiten von Dir?

Bevor ich diese Frage beantworten konnte, habe ich ein paar meiner Freunde dazu befragt. Sie sagten, dass es großartig ist, weil ich dadurch nicht einfach in eine Schublade gesteckt werden kann, dass ich aufgeschlossen bin, obwohl einige Leute denken, dass ich eigenartig bin. Ein Freund sagte mir, dass ich in einer priviligierten Position sei, die man beneiden könnte, weil ich sozusagen „das Beste von beiden Welten“ hätte.

Aber eigentlich ist das nur so, weil ich nicht den Mumm habe, um mich für eine der beiden Seiten zu entscheiden. Ich wäre lieber gänzlich ein Künstler. Aber im Moment weiß ich nicht recht, welchem Pfad ich am besten folgen sollte. In Wirklichkeit ist es also sehr frustrierend.

Meistens bist Du Dein eigenes Modell. Warum? Und wie fühlt es sich an, sich so öffentlich zu präsentieren, oft sogar sehr nackt?

Ich wurde das schon so oft gefragt, dass ich sogar ein kurzes Essay darüber geschrieben habe für eine Hausarbeit in Englisch. Ich werde jetzt nicht die ganzen 3.000 Worte des Dokuments hier einfügen, aber Selbstportraits bedeuten mir sehr viel. Ich mache Selbstportraits, um meine kreative Identität zu erforschen, meine Gefühle zu kanalisieren und mein Selbstbewusstsein zu stärken. Es ist eine Art Therapie.

Wenn ich kreativ bin, möchte ich aktiv werden, deshalb spiele ich auch alle Rollen. Und wenn ich schon mit Modellen arbeite, dann wähle ich die Kleidung aus, mache das Make-up und mime die Posen. Aber die meisten meiner Selbstportraits könnten auch nichts anderes als Selbstportraits sein: Ich denke, dass ich niemanden finden könnte, der auch nur die Hälfte von dem machen würde, was ich getan habe.

Ich saß auf einem brennenden Stuhl, habe mich selbst ungezählte Male verletzt, habe die schmutzigsten Dinge auf meinem Körper und Haar verteilt, lag im Winter nackt in einem kalten Fluss, während es schneite, schwamm mit dem Fernauslöser zwischen den Zähnen zu der Stelle, an der ich mich fotografieren wollte. Es schert mich nicht, wenn ich dabei komisch aussehe.

Und vor allem bin ich immer da, wenn ich mich selbst brauche, ich muss also keinen Termin finden und was noch dazu gehört, ich habe einfach Zeit. Es sind nur ich, ich und nochmal ich, es macht die Dinge so einfach. Ich denke nie daran, was die Leute über meine Arbeiten sagen werden; darüber, dass ich nackt seltsame Dinge tue oder nicht – es ist mir wirklich egal.

Was sind wiederkehrende Themen in Deinen Arbeiten, was möchtest Du zeigen oder erzählen?

Natur und Menschen. Ich mag urbane Umgebungen nicht so sehr, ich bin ein Junge vom Land. Ich zeige kaum Zivilisation, denn ich mag es, meine Hauptakteure in der Wildnis zu isolieren. Ich mag auch Traurigkeit; eine Emotion, die oft in meinen Bildern vorkommt.

Zudem bin ich von Gefühlen der Lethargie inspiriert, denn ich möchte, dass die Welt „angehalten“ aussieht. Ich möchte, dass die Zeit außen vor ist, ich sehe direkt in die Kamera, um Emotionen besser zu transportieren und manchmal bediene ich mich an den Gesten von Tänzern, um mehr Anmut zu erreichen.

Basierend auf dem Kampf der Kulturen und dem Kampf meiner inneren Ichs habe ich ganze Serien gemacht. Ich bin ein großer Fan der Geschichtswissenschaft. Ich denke, dass unser früherer Kolonialismus eine Menge darüber aussagt, was wir sind.

Aber abgesehen von diesen Beispielen gilt für den Rest meiner Werke, dass jedes einzelne eigenständig ist und dass ich meine Bilder nicht „zerdenke“. Es ist ein Prozess, der viel mehr unterbewusst stattfindet.

Das heißt, Du hast keine „Interpretationen“ zu Deinen Arbeiten? Wie taucht die Idee für eine Arbeit auf, entwickelt und vollendet sich dann im fertigen Bild?

Sehr oft sind meine Bilder improvisiert, ich mache spontan Dinge vor der Kamera. Ich gehe einfach raus, ohne dass ich Ideen im Kopf habe und lasse mich dann von dem Ort inspirieren, den ich finde, von Requisiten, die ich mitgebracht habe und vor allem vom Licht!

In der Nachbearbeitung bearbeite ich manchmal nur die Farben und manchmal versuche ich wiederum etwas vollkommen anderes und Ungeplantes, wie etwa, das Bild auf den Kopf zu stellen und so etwas. Das Ergebnis ist die Summe aus den zufälligsten Versuchen.

Das macht es erst zum Spaß, denn wenn alles geplant wäre, die ganze Zeit, dann würde es am Ende anstrengend werden. Die Vorstellungskraft sollte niemals von einem vorher festgelegten Pfad verschlossen werden.

Ich erinnere mich daran, dass Du einmal erwähntest, dass Deine Werke auf einige Betrachter hochgradig christlich wirken, ohne dass Du das beabsichtigt hättest. Was denkst Du über solche Interpretationen?

Das ist komplett damit verbunden, dass Gemälde aus der Renaissance schon seit meiner Kindheit meine hauptsächliche Inspiration sind. Als ich sehr jung war, zeichnete ich Madonnen, obwohl meine Familie nicht christlich ist.

Ich habe auch ein Foto von mir als Märtyrer am Kreuz gemacht. Aber selbst, wenn ich nicht eine unmittelbar christliche Szene darstelle, sind einige Themen an sich sehr christlich, zum Beispiel das Thema des Leidens. Aber ich denke, dass diese Wirkung vor allem durch meine Bildreferenzen entsteht.

Du hast vorhin schon ein anderes spannendes Thema angesprochen: Nachbearbeitung. Was machst Du in diesem Schritt und was bedeutet es für Deine Arbeiten? Wo siehst Du Grenzen, was würdest Du in der Nachbearbeitung niemals tun?

Mein Prozess der Nachbearbeitung macht die Leute immer sehr neugierig. Meistens spiele ich mit selektiven Farbanpassungen und den Kurven. Um das tun zu können, muss ich dafür Aufnahmen machen, die so bunt wie nur möglich sind, mit einer schönen orangen Sonne.

Einmal fotografierte ich eine Hochzeit und zeigte der Hochzeitsplanerin die Fotos, die ich gemacht hatte. Sie sagte, dass sie schön seien und fragte mich, wie ich sie bearbeitet hätte. Allerdings hatte ich ihr die Bilder auf meiner Kamera gezeigt, sie waren daher vollkommen unbearbeitet.

Es ist also eine Kombination von Nachbearbeitung und Vorbereitung, ich bin kein digitaler Maler. Es ist ärgerlich, wenn die Leute annehmen, dass alles manipuliert sei. Dass dieser Stuhl auf den Fotos nicht brannte, obwohl er es tat und ich mich auch fast verbrannt hätte. Wenn sie glauben, dass ich mich einfach in einen falschen Hintergrund hineinmontiert hätte und wenn sie denken, dass ich ein Studio besitzen und dort alles kreieren würde.

Dabei ist gerade das genaue Gegenteil der Fall: Ich mag es, die echte Welt künstlich aussehen zu lassen. Es ist viel beeindruckender. Ich mag es, der realen Welt, die ich fotografiere, einen malerischen Anblick zu geben. Bevor ich anfing, zu fotografieren, habe ich gezeichnet und gemalt, die Gemälde aus der Renaissance sind immer noch meine größte Quelle der Inspiration. Indem ich sie kopiert habe, lernte ich, zu zeichnen.

Ich mag es auch, meine Bilder alt aussehen zu lassen, indem ich entsprechende Themen, Kulissen und Texturen benutze. Irgendwie habe ich eine alte Seele. Mein Schlafzimmer sieht aus wie ein alter Dachboden, nur mit Holzmöbeln und Zeug, das ich sammle. Daher überrascht es die Leute nicht, wenn sie meine Arbeiten sehen. Es reflektiert wahrhaftig meine ruhige und romantische Persönlichkeit.

Was sind Deine Pläne und Träume für die Zukunft? Wohin willst Du mit der Fotografie?

Natürlich sind meine Zukunfsträume und -pläne nicht identisch. Ich wünschte, ich wäre talentiert und selbstsicher genug mit meinen Arbeiten, um alles andere aufzugeben und ausschließlich Künstler zu sein. Aber ich werde einfach meinen Abschluss machen und dann weniger Zeit für die Fotografie haben.

Kurzfristiger betrachtet will ich jedoch, dass meine Fotografie stärker handgefertigt wird, vielleicht mit selbst hergestellten Requisiten, insgesamt konzeptioneller und weniger naiv.

Marwane, ich danke Dir sehr für dieses Interview. Ich wünsche Dir für Deine Zukunft das Beste und freue mich schon sehr auf Deine nächsten Arbeiten!

Marwane Pallas’ Arbeiten könnt Ihr auf seiner Webseite, deviantArt, flickr, 500px und Facebook sehen.

Das Interview habe ich mit Marwane auf Englisch geführt und anschließend übersetzt.

Nachdem mein erster Artikel über Wassertropfenfotografie sehr gut angekommen ist, kommt hier nun ein weiterführender Artikel, der sich wieder mit dem Thema der kunstvollen Inszenierung von Flüssigkeiten beschäftigt. Dieses Mal erläutere ich weitere Techniken, die auch mit fotografischer Grundausrüstung realisierbar sind, in der Hoffnung, dass sich einige selbst an der wundervollen Welt der Tropfen, Flüssigkeiten und Farben versuchen.

Kronen

Als Erstes gehe ich auf die wohl beliebteste Form bei Einsteigern ein: Die Krone. Um sie in einer gefüllten Wasserschale einzufangen, reicht ein Tropfen Wasser aus. Aber die schönsten Kronen entstehen, wenn ich sie auf einer Plexiglasplatte produziere – eine Glasplatte ist leider nicht zu gebrauchen, da sie eine doppelte Spiegelung erzeugt.

Hierfür muss ich am Aufprallpunkt etwas Flüssigkeit platzieren: Es bietet sich an, farbiges Wasser oder Milch zu benutzten. Ohne diese Basis würde keine Krone entstehen, sondern nur eine flache Scheibe, deren Ränder nicht in die Höhe ragen.

Alternativ kann ich auch einen dünnen Wasserfilm auf der Plexiglasplatte verteilen. Dadurch spare ich mir das Auftragen des ersten Tropfens. Ich kann zwar keine so farbenfrohen Kronen erzeugen, aber das lästige Säubern nach jedem Versuch wird hinfällig.

Wie üblich in der Tropfenfotografie ist es besser, mit verdicktem Wasser zu arbeiten. Auf schwarzem Hintergrund benutzte ich sehr gern Sahne, diese hat genau die richtige Konsistenz und bildet einen sehr guten Kontrast zum Hintergrund. Allerdings ist die Beleuchtung etwas kniffliger als vor einem hellen Hintergrund.

Double Pillar

So habe ich eine Technik getauft, die ich vor Kurzem entdeckt habe. Mit ihr lassen sich nur sehr schwer schöne und ruhige Formen erzeugen, dennoch sind die Ergebnisse mehr als sehenswert.

Um derartige Bilder zu erschaffen, benötige ich zwei Tropfen, die in einem bestimmten Abstand zueinander synchron ins Wasser fallen. Die entstehenden Wassersäulen ziehen sich dabei gegenseitig an und vereinigen sich zu einer einzelnen Säule, auf der ich einen dritten Tropfen platziere. Für solche Aufnahmen werden mindestens drei Ventile benötigt, die unabhängig voneinander angesteuert werden.

In Planung sind bereits Aufnahmen mit vier Säulen, doch leider habe ich es noch nicht zustande gebracht, alle vier Säulen im Mittelpunkt zu vereinen. Bis jetzt ist es mir lediglich gelungen, drei Säulen auf einen Nenner zu bringen. Doch den Gedanken mit vier Säulen habe ich noch nicht verworfen und er wird zu gegebener Zeit wieder in Angriff genommen. Von Misserfolgen lasse ich mich nicht kleinkriegen.

Farbexplosionen

Diese Aufnahmen machen sehr viel Spaß. Man hat jedoch so gut wie keinen Einfluss auf das Ergebnis. Dennoch können dabei sehr beeindruckende Bilder entstehen.

Das Prinzip ist einfach: Ein Luftballon wird über einen Lautsprecher gestülpt und dient als Membran, auf der ich die Farben platziere. Als Basis gebe ich einen Teelöffel verdicktes Wasser auf die Membran, mit einer Pipette gebe ich Farbe hinzu. Das hat den Vorteil, dass die Formen etwas länger zusammenhalten, bevor sie zerreißen. Durch Musik wird die Membran in Schwingung versetzt und dadurch springen die Tropfen in unterschiedlichsten Formen nach oben.

Anfangs habe ich Bässe aus Technomusik verwendet oder mit Frequenzen eines Tongenerators gearbeitet. Doch mit der Zeit bin ich dahinter gekommen, dass das nicht optimal ist. Jetzt benutze ich ein Keyboard, um die Töne zu erzeugen. Das hat den Vorteil, dass ich nur einen Ton benötige und die Farben sich nicht so sehr mischen. Dadurch ist es möglich, noch ein zweites oder drittes Bild mit den gleichen Farben zu machen, ohne dass es eine braune Suppe wird.

Meine Kamera löse ich über einen Soundtrigger aus. Somit kann ich gezielt steuern, wann die Kamera auslösen soll. Es geht aber auch ohne, jedoch hat man dann weit weniger Kontrolle und benötigt unter Umständen mehr Versuche.

In meinen aktuellen Bildern habe ich noch einen fallenden Tropfen in die Farbexplosionen eingebracht. Dieser soll beim Zusammenstoß mit der nach oben springenden Farbe einen Schirm erzeugen. Da ist aber viel Zufall im Spiel, da ich nie weiß, wie sich die Farbe nach oben bewegt.

Was bei solchen Aufnahmen noch wichtig ist: Jede Kamera hat eine Auslöseverzögerung (Shutter Lag). Das heißt, wenn die Kamera auslöst, ist die Action schon vorbei. Das kann ich umgehen, indem ich in einem abgedunkelten Raum fotografiere und über die Blitze auslöse. Die Auslösung sollte dabei recht früh erfolgen. Je später die Blitze ausgelöst werden, umso stärker reißen die Formen ab und enden im Tropfenchaos.

Bei meinen Aufnahmen bevorzuge ich einen schwarzen Hintergrund. Um das zu erreichen, bestücke ich meine Blitze mit Lichtformern (Snoots). Dadurch wird Streulicht gering gehalten und nur punktuell beleuchtet. Um auf Nummer Sicher zu gehen, benutzte ich im Hintergrund noch eine schwarze Platte zur Abschirmung.

Cream Flow

Bei dieser Methode werden keine technischen Hilfsmittel, wie etwa die Zeitsteuerung, benötigt. Es reichen Kamera, Stativ, Pipette, Fernauslöser und ein externer Blitz aus. Als Wasserbehälter benutzte ich ein sehr kleines Aquarium. Zuerst wird der Behälter mit Wasser gefüllt und die Kamera so ausgerichtet, dass sie in einem Winkel von ca. 10-20° von unten auf die Wasseroberfläche fokussiert. Die Kamera muss komplett manuell eingestellt werden.

Meistens fotografiere ich solche Bilder mit einer sehr kleinen Blende von maximal f/16, um möglichst alles scharf zu bekommen. Als Belichtungszeit benutze ich grundsätzlich 1/160s, damit funktionieren meine Funkauslöser am zuverlässigsten. Die Blitzleistung darf auch bei diesen Aufnahmen nicht zu hoch gewählt werden. Zwar sind die Bewegungen nicht sehr schnell, dennoch kann man durch eine zu lange Abbrenndauer Bewegungsunschärfe ins Bild bekommen.

Es gibt verschiedene Methoden, um Farbe ins Bild zu bekommen. Entweder ich färbe die Kaffeemilch oder Sahne mit Lebensmittelfarbe ein oder ich benutze farbige Folien am Blitzgerät.

Wenn alles soweit eingestellt ist, kann es auch schon losgehen mit dem kreativen Teil: Mit der Pipette tröpfle ich Milch in das Becken und löse fleißig die Kamera aus. Da die Flüssigkeit ziemlich langsam absinkt (je höher der Fettanteil, umso langsamer sinkt sie) kann ich mehrmals auslösen. Die Bilder drehe ich in der Nachbearbeitung dann um 180°.

Alternativ kann ich auch einen hellen Hintergrund verwenden und als Flüssigkeit Tinte ins Wasser tropfen. Damit lassen sich ebenfalls sehr ansprechende Bilder erzeugen. Durch den hellen Hintergrund ist diese Variante auch einfacher zu beleuchten.

Soap Film

Um Seifenfilm zu fotografieren, ist keine großartige Technik nötig. Wie bei den Cream-Flow-Bildern benötige ich ein Stativ, Fernauslöser und einen externen Blitz.

Ich habe mir einen Ring von ca. 5 cm Durchmesser aus Draht geformt und diesen mit Wolle umwickelt. Durch die Wolle platzt der Seifenfilm nicht so schnell, da er mit Flüssigkeit versorgt wird. Der kniffligste Teil ist die Beleuchtung und der richtige Winkel des Seifenfilms zur Kamera. Die Kamera darf nicht parallel zum Seifenfilm positioniert werden. Es braucht einen kleinen Winkel von bis zu 5°, um ihn auf den Bildern sichtbar zu machen.

Ich beleuchte die Bilder indirekt über einen weißen Reflektor, den ich U-förmig gebogen habe. In die Mitte des Reflektors habe ich ein Loch für das Objektiv geschnitten. Den Blitz richte ich auf den Reflektor, dadurch wird der Seifenfilm beleuchtet. Als Hintergrund benutzte ich eine schwarze Pappe. Auch farbliche Hintergründe sind möglich, die besten Erfahrungen habe ich allerdings mit schwarz gemacht – damit ist die Leuchtkraft der Farben am intensivsten.

Ich hoffe, dass ich Euch mit diesem Artikel inspirieren konnte, vielleicht den einen oder anderen Versuch nachzustellen. Die Möglichkeiten, mit Wasser kreativ zu sein, sind schier endlos. Das ist auch ein Grund, warum ich diese Art der Fotografie so lange betreibe. Ihr findet noch weitere Bilder auf meiner Homepage und falls es Fragen gibt, stehe ich natürlich gerne zur Verfügung.

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Deutschsprachig

• Den ganzen Juni lang wird Berlin Kreuzberg Schauplatz des Browse Foto-Festivals mit 80 Ausstellungen und Veranstaltungen. Es gibt unglaublich viel zu entdecken!

• Ihr seid Eltern und Eure Sprösslinge beginnen auch schon, sich für Fotografie zu interessieren? KameraKinder und Knipsclub sind zwei pädagogisch betreute Fotocommunities speziell für Kinder bis 12 Jahre.

• Foodfotografie in Verbindung mit Makrofotografie: Essen im Miniatur-Format.

• Unser Redakteur Michael im Talk mit Olaf Bathke. Es geht um Landschaftsfotografie, Planung und Bildbearbeitung. In der Aufzeichnung werden auch einige Bearbeitungsbeispiele erläutert.

• Portraits gegen den Laubbläser.

• Der BUND ruft zum Fotowettbewerb „Dein Grün in der Stadt“ auf. Einsendeschluss ist der 30. Juni. Zu gewinnen gibt es Adobe Photoshop CS5 im Wert von über 1.000€, Umhängetaschen und mehr.

• Hat noch jemand Kameras für 110 Film im Schrank? Lomography stellt ihn wieder her. Den Anfang macht ein Schwarzweißfilm und man kann hoffen, dass demnächst noch mehr kommt.

• Tobias Bräuning gewann mit einem bunten Tropfenfoto in der Kategorie “split second” beim Sony World Photography Award 2012. Bei DW TV gibt’s ein Interview mit ihm, Blicke hinter die Kulissen in seinem Heimstudio und Highspeed-Aufnahmen der Tropfenkollisionen.

• Für Kurzentschlossene: Sunbounce veranstaltet Workshops mit Profis in Zingst an der Ostsee vom 26. Mai bis 3. Juni. Je nach Workshopleiter zu unterschiedlichen Themen rund um Fotografie und Lichtsetzung. Kiel Magazin verlost einen Platz im Workshop am 13./14. Oktober.

• Hinter der Frage „Ist Twitter ein Selbstbedienungsladen?“ verbirgt sich der interessante Fall einer Urheberrechtsfrage. Es geht um Fotos und 120 Millionen Dollar.

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International

• The Shepherds way von Dima Gomberg über das Leben von Schäfern mit wunderschönen und auch blutigen Bildern. Auch seine anderen Serien sind absolut sehenswert!

• Eine sehr schöne und amüsante Umsetzung alte Bilder neu darzustellen, zeigt die Serie „Supermodels“ von Gregor Schuster und Daniel Wetzel.

• We Wanted Beer – New York in Zeiten der Prohibition.

• Unterwasserfotos von gesunkenen Schiffen und Flugzeugen.

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Neuerscheinungen und Tipps vom Foto-Büchermarkt

„From Polaroid to Impossible“* des Hatje Cantz Verlag zeigt mit 230 ausgewählten Polaroid-Arbeiten auf 192 Seiten im Großformat 25x32cm eine faszinierende Bandbreite von Material und Techniken des erst kürzlich vorm Aussterben geretteten Sofortbildfilms.

In „BILDBEWERTUNG mit dem Doppelten Dreieck: Die MAGIE der Fotografie oder das GEHEIMNIS herausragender Bilder“* liefert Martin Zurmühle ein umfassendes System zur Beurteilung von Fotos anhand der Faktoren Technik – Komposion – Wirkung und Motiv – Idee – Zeitgeist. Auf über 200 Seiten in tiefer Einblick in die Perspektive von Bildkritikern, die hilft, die eigenen Fotos zu verbessern.

„Fabrik“* ist die Neuauflage des Bildepos von Jakob Tuggener, das zu seiner Zeit wenig Beachtung fand, obwohl es heute als Meilenstein gilt. In der Ästhetik des Stummfilms zeigt es das zerstörerische Potential ungebremsten technischen Fortschritts. 72 beeindruckende Aufnahmen auf 132 Seiten mit einem aktuellen Nachwort.

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Videos

Ed Karshi zeigt Bilder aus 30 Schaffensjahren Street- und Dokumentationfotografie, die ursprünglich aussortiert wurden, weil jemand direkt in die Kamera schaut und erläutert die vielschichtigen Beziehungen zwischen Betrachter und Abgebildetem, die sich durch den Blickkontakt verändern.

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ShiKai Tseng macht Lochkamera-Aufnahmen auf mit lichtempfindlicher Emulsion bestrichene Objekte, zum Beispiel Vasen. Was herauskommt, ist nicht mehr Fotografie, sondern angewandte Kunst.

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“Dark Side of the Lens”, im letzten Jahr zigfach ausgezeichneter Kurzfilm mit Wahnsinnsaufnahmen eines Surfers und Fotografen, der dem Ozean verfallen ist.

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Hinter den Kulissen: Vögel im Studio fotografieren.

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So wird die Leica M9-P »Edition Hermès« hergestellt.

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Das Buch, eine Assemblage aus 50 Bildern, poetischen Texten sowie sachlichen Bildanalysen, enthält unter anderem das um 90° gedrehte und auf den ersten Blick vielleicht banale Bild einer Wasserpfütze. Durch die Kombination mit einer erstaunlichen Bildanalyse entpuppt es sich allerdings zu etwas unerwartet Neuem. Was da geschehen ist, soll auch Euch hier nicht vorenthalten bleiben.

Vexierbilder in der schier unübersichtlichen Vielfalt der städtischen Umgebung zu entdecken – darum geht es mir bei meinen zahlreichen, fast täglich unternommenen Streifzügen. Die Fotos sollen beim Betrachter Erinnerungen, Assoziationen, Gedanken und Bilder auslösen, die über das unmittelbar Sichtbare hinausgehen.

Durch die gewählte Perspektive oder das gezeigte Detail geraten die Dinge der alltäglichen Wirklichkeit in Bewegung und treten in den Spielkreis einer deutenden Fantasie. So bummle ich durch die Stadt und horte Ansichten, die ihre je eigenen Geschichten erzählen, wie auch die folgende: Ich stehe in einem überdachten Durchgang, wo sich Wasserpfützen gebildet haben. Ich bin fasziniert von der präzisen Linienführung und den organischen Formen mit den wenigen, aber klaren Spiegelungen.

Ich mache ein paar Fotos, kurz nach der Rückkehr zeige ich sie meiner Herzensdame auf dem Laptop und ihr fällt unwillkürlich eine Geschichte dazu ein. Sie glaubt, eine erstaunlich gut erhaltene Wandmalerei eines bisher unbekannten, archaischen Volkes vor Augen zu haben und schnell hat sie ein paar Details zur möglichen Entstehungsgeschichte parat: Vermutlich handelt es sich um die Darstellung einer rituellen Begegnung eines Kriegers und einer Kriegerin.

In der rechten Figur ist die Kriegerin zu erkennen, in ihren fließenden Formen erinnert sie an Pflanzliches und ihr Körper und ihr Kopf zeigen gleich mehrfach die Formen der weiblichen Brust. Ihren Helm hat sie rechts hinter sich abgelegt.

Die linke Figur ist dagegen eindeutig als männlicher Krieger zu identifizieren, aufrecht stehend, mit stolzgeschwellter Brust und kleinem Kopf auf einem breiten Stiernacken. Krieger und Kriegerin sind beim rituellen Austausch der Waffen gezeigt, sie messen und präsentieren die Wurfspeere und tauschen diese, was als Zeichen des gegenseitigen Respektes gedeutet werden kann.

Dass der männliche Krieger links in seiner Haltung leicht nach hinten kippt und in labiler, zurückweichender Haltung dargestellt ist, könnte, wie meine Herzensdame vermutet, auf den langsamen Verfall des patriarchalischen Einflusses und eine damit verbundene Stärkung des Matriarchats innerhalb dieses Volkes hindeuten.

Ihre kurze Betrachtung schließt sie mit der humorigen Bemerkung, dass die genaue Datierung der Wandmalerei bisher noch ausstünde.

Ich bin bass erstaunt und kann bis heute noch nicht glauben, was alles in einer trivialen Wasserpfütze für Geschichten stecken können. Aber das Auge ist unersättlich und zusammen mit unserer Fantasie ständig dazu bereit, alles Sichtbare zu verwandeln.

aber erst, als er zu Spenden für eine Wohltätigkeitsorganisation aufrief, wurde ich wirklich hellhörig und beschäftigte mich eingehender mit den Texten unter seinen Bildern, die mehr über die Menschen erzählen, die er uns auf seine Weise zeigt.

Latoria. Miami. Wahrscheinlich mein Lieblingsbild für pure Dokumentation. Es wurde von Latoria akzeptiert, die mich so nah heranließ. Nicht gestellt oder posiert war dies ein Portrait, das – nun, ja – einfach alles zusammenfasst, was ihr momentanes Leben ist.

Ich muss sagen, dass ich ein sehr visueller Mensch bin. Obwohl mich Persönlichkeiten und Geschichten begeistern, macht mich meistens ein herausragendes Bild allein schon glücklich. Ich fange erst zu lesen an, wenn mich etwas stutzig macht.

Hinter den Arbeiten von Lee Jeffries verbirgt sich jemand, dem es gelingt, die Würde der vom hochsensiblen gesellschaftlichen Thema der Obdachlosigkeit betroffenen Menschen zu seinem Hauptanliegen zu machen und gleichzeitig diese Portraits auf künstlerische Weise zu betrachten, zu bearbeiten und sie für seine Sache zu nutzen.

Hallo Lee. Danke, dass Du Dir die Zeit für ein Interview mit uns nimmst. Erzähl uns doch zuerst einmal etwas über Dich. Wer bist Du, was machst Du?

Also, mein Name ist Lee Jeffries. Ich bin 41 Jahre alt und lebe in Manchester im Vereinigten Königreich. Ich zahle meine Rechnungen, indem ich in meiner Vollzeitbeschäftigung als Buchhalter arbeite, aber irgendetwas muss schief gegangen sein, denn viel lieber wäre ich ein Fotograf.

Salvation. Eine Zeit, in der die fotografischen Götter wirklich zu mir herabgelächelt haben. Ich hatte mich gerade mit einer Coke auf einen Bordstein in Skid Row gesetzt. Er tauchte hinter mir auf und da ich wusste, dass ich die Kamera in der Hand hatte, drehte ich mich um und schoss mehrere Bilder mit der D3. Ich wünschte, dass ich sagen könnte, dass das Gebäude der Heilsarmee im Hintergrund Absicht war, aber es war gänzlich die Arbeit derer, die auf mich runterschauten.

Wann begann Deine Leidenschaft für die Fotografie und wie hat sie sich entwickelt?

Zurückblickend war ich wohl zum ersten Mal mit 14 Jahren im Geschichtsunterricht der Fotografie wirklich ausgesetzt. Unsere Lehrerin zeigte uns Bilder von alten Soldaten aus dem Ersten Weltkrieg. Sie erklärte, dass es immer etwas Eindringliches in ihren Augen gab. Diese Begebenheit hat einen tiefen Nachhall in mir erzeugt.

Ich habe nie die Wirkung vergessen, die es auf mich hatte, aber es hat lange gedauert, bis erst vor Kurzem, als ich eine Ausgabe von „Inferno“* gekauft bekam und diese früher im Unterricht gesehenen Bilder zusammen mit denen von James Nachtwey eine Saite in mir berührt haben.

Die Geschichten, diese unglaublich humanitären Geschichten, die sie erzählen, entzündeten bei mir den Wunsch und das Interesse, es zu versuchen und meine eigenen Geschichten zu erzählen. Der Funke war vollkommen journalistisch. Die Leidenschaft religiös. Die weitere Entwicklung eine Kombination aus beidem.

Skid Row. Los Angeles. Ein Bild, das ein Synonym für Lee Jeffries ist.

Wie hast Du denn mit so großen Idolen wie Nachtwey im Hinterkopf angefangen, Deine eigenen Werke zu kreieren? Scheinen sie am Anfang nicht vollkommen unerreichbar zu sein?

Es war schwierig. Als Fotografen und Künstler entwickeln wir uns alle und wenn ich zu einigen meiner frühen Bilder zurückblicke, habe ich die Tendenz, zu erschaudern! Ich denke, die größte Barriere, die ich überwand, war die Angst. Als ich das erste Mal nach Skid Row in Los Angeles fuhr, war ich fast zu starr vor Angst, um aus dem Auto auszusteigen.

Ich denke, dass das eine normale Reaktion ist. Ich war erstaunt darüber, wie ruhig ich war, als ich endlich draußen war. Ich wurde jemand, den ich fast nicht wiedererkannte. Ruhig und geduldig. Mitfühlend und verständnisvoll. Ich fühlte mich als ein Teil der Gemeinde und genoss es, dort zu sein mit all den Leuten, die der Rest der Gesellschaft vergessen hatte.

Sogar bis heute vermisse ich es noch, dort zu sein. Ich vermisse es, draußen auf den Straßen zu sein. Nachtweys Bilder waren der Funke – aber ich musste erst meine eigene Fähigkeit, menschlich zu sein, bewältigen, von der ich nun fühle, dass sie unmöglich zu begreifen war, bevor all das anfing.

Overtown. Miami. Sonderbar und zweifellos faszinierend. Ich saß sogar im Auto und fuhr weg, als ich ihn im Rückspiegel bemerkte. Natürlich drehte ich um für ein Gespräch. Sehr ausdrucksstark und ich machte mehr als zwanzig Bilder, jedes für sich ein gewinnendes Bild. Ich denke, dass man als Fotograf sehr selektiv mit seinen eigenen Arbeiten umgehen und nur die allerbeste einer Serie auswählen sollte.

Wie würdest Du Deine Fotografie beschreiben – was sind wiederkehrende Motive und Themen, was möchtest Du zeigen?

Ich habe schon bei einigen Anlässen versucht, meine fotografische Philosophie zu beschreiben, sie kommt aber immer irgendwie zerknirscht rüber. Allerdings bin ich über eine Beschreibung gestolpert, die jemand anderes verfasst hat und die mich förmlich umgehauen hat. Es war, als hätte er es komplett verstanden – mich verstanden – als hätte er die Emotionen gespürt, die ich spüre, wenn ich diese Bilder mache. Diese richtigen Worte sind die folgenden:

Ich bitte um Nachsicht, aber diese Arbeiten sind absolut kein Fotojournalismus. Sie sind auch nicht als Portraits gedacht. Sondern das ist religiöse oder spirituelle Ikonografie. Das sind sehr kraftvolle Arbeiten.

Jeffries hat diesen Leuten etwas mehr gegeben als nur persönliche Würde. Er gab ihnen ein Licht in ihren Augen, das Transzendenz zeigt, sozusagen ein Lichtschimmer an den Toren von Eden. Die Klarheit in ihren Augen ist einzigartig anzusehen, als wäre Gott irgendwo da drinnen.

Er machte aus diesen Leuten mehr als nur alte, gebrochene Obdachlose, die faul auf eine kleine Gabe von einem höflichen und aufmerksamen Firmenvertreter warten. Er flößte ihnen Licht ein, nicht Dunkelheit. Sogar dem blinden Mann fließt Licht aus seinen nicht sehenden Augen.

Ich denke, dass Jeffries mit seiner Kunst beabsichtigt, diese Leute zu ehren – nicht, sie zu bemitleiden. Er ehrt diese Leute, indem er ihren Bildnissen eine größere Bedeutung gibt. Er gibt ihnen einen religiösen, spirituellen Stellenwert. Er tränkt sie mit der ikonischen Seele der Humanität.

Ich denke, das ist es, was er versucht, zumindest zu einem bestimmten Grad.

— Jack Conran. Rangefinder Forum. 2011.

5th. Downtown. Miami. Eine Aufnahme, die all die religiösen Elemente, die offensichtlichen sowie die metaphysischen, verkörpert, nach denen ich in meiner Bildwelt strebe. Ruhig und zugleich kraftvoll ist es wirklich ein persönlicher Favorit.

Wie wählst Du aus, wen Du portratierst, was verbindet Dich mit den Menschen?

Mir wurde gesagt, dass ich einen sechsten Sinn für Traurigkeit hätte, aber für mich ist es viel mehr eine religiöse und menschliche Erfahrung. Ich kann stundenlang oder sogar tagelang herumlaufen und nichts sehen. Plötzlich, scheinbar aus dem Nichts, bin ich mit einem Blick oder einer Emotion konfrontiert, die meistens von den Augen der Person ausgeht, die mich aus meinem Trott gerissen hat.

Während mein Herz etwas schneller schlägt, fühle ich mich beinahe dazu verpflichtet, diese Erfahrung mit der Kamera festzuhalten. Es ist etwas quälend Verletzendes daran, Zeuge von Traurigkeit in den Augen eines Fremden zu werden und das ist es, was die Verbindung antreibt und das Mitgefühl erzeugt.

Rome. Das erste Mal, dass ich Zeuge von Tränen wurde, die jemand weinte, den ich fotografierte. Der erste Instinkt ist, die Kamera herunterzunehmen, was ich auch tat, aber irgendwie und ich kann mich nicht erinnern warum und wie, wartete ich noch für diese eine Aufnahme ab. Die Kraft jedes Bildes ist seine Emotion.

Zuerst dachte ich, dass Dein Stil ein schwarzweißer ist, aber dann habe ich auch ein paar farbige Bilder entdeckt. Was hat es mit schwarzweiß und Farben bei Dir auf sich?

Während ich mir nicht vorgenommen hatte, nur schwarzweiße Bilder zu produzieren, nehme ich an, dass sich mein Prozess einfach in dieser Richtung entwickelt hat. Ich benutze Farben, wenn die Aufnahme es verlangt, gehe aber ausnahmslos zurück zu schwarz und weiß, weil ich fühle, dass es sich für die Thematik und meinen Stil gleichermaßen am besten eignet.

Rome. Aufgenommen auf den Straßen von Trastevere. Wieder ist hier nichts gestellt, ich war nur nah genug dran, um auf das zu reagieren, was vor mir geschah. Es ist wichtig, in der Lage zu sein, eine Aufnahme in der Nachbearbeitung ebenso zu interpretieren, wie sie überhaupt zu machen. Es hat eine Weile gedauert, bis ich sie so bearbeitet hatte und nun schüttelt mich ihr Symbolismus jedes Mal, wenn ich sie ansehe.

Du unterstützt ein Projekt namens Centrepoint. Kannst Du uns darüber etwas erzählen, wie bist Du eingebunden und warum?

Centrepoint ist eine im Vereinigten Königreich angesiedelte Wohltätigkeitsorganisation, die obdachlosen Menschen hilft und einen besonderen Schwerpunkt auf unter 25-Jährige gesetzt hat. Prinz William ist ihr Schirmherr.

Ich begann, mich dort zu engagieren, nachdem ich Michelle getroffen hatte, ein 23 Jahre altes, obdachloses Mädchen aus Schottland, die sich auf den Straßen von London wiederfand. Familienzerwürfnisse, Ausschlüsse aus der Schule, Übergangsversorgungen sind nur ein paar von vielen Gründen, warum jedes Jahr über 80.000 junge Menschen im Vereinigten Königreich Obdachlosigkeit erleben müssen.

Michelle. Obdachlose in London. Ich hatte inzwischen zwei Mal das Vergnügen, sie zu treffen. Beim zweiten Mal ließ sie mich für einige Stunden in ihre Welt ein. Ich werde nie ihre Schönheit und ihren Sinn für Humor vergessen.

Michelles Schönheit hat mich berührt. Ihre kristallblauen Augen, die ihre schmutzigen Kleider und Finger Lügen strafen. Menschen wie Michelle brauchen Organisationen wie Centrepoint, sie sind vielleicht die einzige handfeste Möglichkeit, von der Straße weg zu kommen.

Ich habe eingewilligt, mich besonders in einem speziellen Projekt zu beteiligen: Dort bringe ich einigen der Leute, denen sie helfen, den Umgang mit der Kamera bei. Die Hoffnung ist, so eine fotografische Ausstellung, ein Essay zu erhalten, wie Obdachlose andere Obdachlose durch das fotografische Medium wahrnehmen.

George. Ich habe dieses Bild ausgewählt wegen der einzelnen Elemente, die in diesem Portrait zusammenkommen, um ein Ganzes zu formen. Die Muster auf dem Kopf, die zu den Haaren führen und dort gespiegelt werden und dann zurück entlang der Narbe auf der Wange. Meiner Meinung nach ist es ein visuelles Gedicht.

Was sind Deine Pläne und Träume für die Zukunft? Hast Du andere Projekte im Kopf?

Mein unmittelbarer Plan ist es, weiterhin Fotos zu machen, die Menschen berühren. Die genug Kraft haben, um die Wahrnehmung von Obdachlosen etwas zu verändern und den Betrachter dazu anregen, deshalb etwas Positives zu tun.

Wie jeder urbane Fotograf bin ich am glücklichsten, wen ich draußen auf den Straßen unterwegs bin. Die Gerüche, die Menschen, darum geht es. Vielleicht treffe ich Dich ja irgendwann einmal dort?

Das wäre großartig. Vielen Dank für dieses Interview, Lee, und ich wünsche Dir für Deine Zukunft alles Gute!

Andy. Ich verbrachte mehr als vier Stunden mit Andy, bevor ich überaupt erwähnte, ihn fotografieren zu wollen. Wir hatten ein sehr seltsames Gespräch. Gott, telepathisch sein… überhaupt alles. Seine Dämonen sind offensichtlich.

Lees Arbeiten könnt Ihr bei flickr und 500px sehen, außerdem twittert er.

Auf der Plattform Virgin Money Giving hat Lee Jeffries eine Sammlung für Centrepoint gestartet, die Ihr unterstützen könnt. Unter allen Spendern wird ein grpßer Schwarzweißdruck des Portraits von Michelle aus einer limitierten Auflage verlost.

Das Interview habe ich mit Lee Jeffries auf Englisch geführt und anschließend übersetzt.

* Das ist ein Affiliate-Link zu Amazon. Wenn Ihr darüber etwas bestellt, erhalten wir eine kleine Provision, Ihr bezahlt aber keinen Cent mehr.

Sie waren die stillen Beobachter meiner Jugend. Meine Eltern hatten scheinbar keine Angst vor meiner blühenden Fantasie und unterstützten diese Neigung mit Geschenken in Form von Büchern über angebliche Geisterfotos.

Im späten 19. Jahrhundert, in einem kleinen Kämmerlein irgendwo in Boston passierte nämlich eine schauerliche Absonderlichkeit. William H. Mumler, von Beruf Graveur und Fotograf, machte ein Selbstbildnis und entdeckte anschließend auf dem Bild neben seinem Konterfei das unscharfe und geisterhafte Portrait seiner 12 Jahre zuvor verstorbenen Cousine.

links: Master Herrod mit Geist.
rechts: Conant mit dem Geist ihres Bruders.
© William H. Mumler

Aber wie so oft gab es natürlich auch dafür eine wissenschaftliche Erklärung – leider. Für das Foto hatte er eine nicht ordentlich gereinigte Platte benutzt und das Produkt war eine Doppelbelichtung. Er erkannte ziemlich schnell, was für einen Schatz er mit dieser Fahrlässigkeit aus den tiefen unser fantasievollen Seele gehoben hatte. Er gab sich fortan als Medium aus und eröffnete 1869 in New York sein Geisterstudio.

Die Geisterfotografie erfreute sich großer Popularität, sodass viele andere Fotografen seinem Beispiel folgten und ihre gläubigen Kunden zum Narren hielten, indem sie ihr Handwerk begriffen und geisterhaft einsetzten. Es entstand eine neue Dienstleistung im Bereich des Paranormalen und viele Portraits mit verstorbenen Verwandten überschwemmten die Stuben der Hinterbliebenden.

 
links: Eine Seance und die Hand eines Geistes.
rechts: Mann mit dem Geist seiner zweiten Frau.
© William Hope

Am Ende des 19. Jahrhunderts, als die Industrialisierung bereits ein Jahrhundert vorangeschritten war und die Naturwissenschaften immer erstaunlichere Ergebnisse zu Tage förderten, stand der Spiritismus in seiner vollsten Blüte. In London wird 1882 die Society for Psychical Research gegründet. Eine Vereinigung zur Erforschung parapsychologischer Phänomene.

In den Hinterzimmerchen hielt die feine Gesellschaft Seancen ab, um Kontakt mit Verstorbenen herzustellen. Unsichtbare Geister ließen Tische wackeln oder Gläser in der Luft schweben. Man wollte sichtbare Beweise und da kammen die Fotografien von  Mumler und seinen Kollegen gerade recht, da sie zunächst als Zeugnis paranormaler Erscheinungen angesehen wurden.

Was jedoch wiederum verwunderlich ist. Denn gerade die Fotografie galt als Abbildung der Realität und nicht dessen, was wir nicht sehen, aber erahnen. Man übergab also der Fotografie zusätzlich die Gabe, Geister zu bannen und sichtbar zu machen.

© Janine R. Matheson

Heute können wir einander nicht mehr so leicht zum Narren halten. Wir haben begriffen, dass die Fotografie nicht einfach abbildet, was wir sehen oder glauben zu sehen, sondern auch zeigt, was wir sehen wollen.

Die Fotografie ist auch ein Medium unseres Ausdrucks an Gedanken, Gefühlen und Ideen und nicht immer dessen, was wirklich da ist. Insofern kann Fotografie eben doch Geister festhalten. Nämlich unsere ganz eigenen.

Und vielleicht ist das der Grund dafür, warum sich die Geisterfotografie auch heute großer Beliebtheit erfreut. Das Mysterium der Entstehung ist zwar größtenteils offengelegt, aber die Fantasie der Menschen pulsiert durch das Medium.

© Marta Orlowska

Doppel- und Langzeitbelichtungen sind beliebte Techniken, um Geisterfotos zu erstellen. Aber manchmal reicht es auch aus, nur mit der Unschärfe zu spielen oder mit Stoffen und Spiegeln doppelte oder verschleierte Realitäten zu entwerfen. Auch hier ist der Experimentierfreudigkeit viel Raum gelassen.

Diese Bilder können dann zum Türenöffner im Kopf werden und darin finde ich die Stimmung wieder, der ich als Kind so oft nachgejagt bin. Und sie befriedigen mich viel mehr als die Geisterbilder in den Büchern von damals.

© Stanka Koleva

Denn die Personen bleiben weiterhin unfassbar für mich. Da sie nicht personalisiert sind, kann ich sie in meine Geschichten mit einweben. Ähnlich wie die surrealistischen Bilder drücken auch die Geisterfotos für mich Gefühle aus. So gibt es Fotografien, die mir eine wahre Gänsehaut bescheren.

Sie sind aber auch sichtbar gemachte Erzählungen oder Korrespondenzen mit einer Welt, der auch unsere Vorfahren schon erlegen sind: Die Welt der Toten und des Vergangenen, deren Realität oft eine verblasste Erinnerung in unseren Köpfen ist.

Quellen:
• Alexander Rosenhäger, Fotografie in Spiritismus und Okkultismus – ein problematisches Medium als Fenster zur Geisterwelt und Nachweis des Übernatürlichen, Bielefeld 2004 (Seminararbeit)
• Christine Walter, Das Abstrakte ist kein Beweis! Gedankenfotografie im Spiegel zeitgenössischer Kunst, München 2004

Therapie, Droge und Geliebte zugleich. Sich einfach auf den Boden zu legen und Bilder in den Wolken zu entdecken, so sehe ich das Fotografieren. Ich lasse die Gedanken treiben und gebe mir die größte Mühe, die Realität nicht so abzubilden wie ich sie sehe, sondern wie ich sie fühle, denn alles andere wäre nur der verzweifelte Versuch, das zu zeigen, was man sowieso bereits sieht.

So gieße ich lieber die Realität in eine gläserne Brillanz und passe behutsam darauf auf, ihr nicht zu nahe zu kommen. Stille und Einsamkeit sowie Intimität oder manchmal auch das leise Summen einer Neonröhre sind Dinge, die in mir den Drang wecken, den Auslöser zu drücken und ein Gefühl im Bild zu speichern, das mich in diesem Moment erfüllt.

Die offene Blende als offenes und sehr selektives Auge, das die Realität in Millionen von Dimensionsebenen zerfließen lässt und sie so zeigt, wie wir sie nicht wahrnehmen können. Auch Pushen und Pullen helfen dabei, in Sphären vorzudringen, die man so nicht kennt. Momente von Besonderheit in besondere Gewänder hüllen, die Realität verkleiden und schminken, Spaß am Spiel mit dem, was vielen von uns viel Stress bereitet – kurz: Eine Mal- und Basteltherapie für Realitätsflüchtlinge.

Ja, ich bekenne mich schuldig: Ich flüchte hin und wieder vor der Realität und am liebsten mit der Kamera. Mit den alten staubigen, die schon ein wenig klappern und rattern geht das am besten. Wenn das Klicken des Auslösers von einem leichten Knirschen begleitet wird, ist sie genau richtig. Manchmal kann es auch etwas aus Plastik sein, aber dann doch bitte ohne Autofokus, denn meine Gefühle überlasse ich nun mal keiner Maschine, die ohne Batterien überhaupt nichts kann, da bin ich eigen.

Welche Droge ich in die Pfeife stopfe, also welchen Film ich in die Kamera lege, überlasse ich auch gern dem Zufall. Außer, ich bin bereits im Wahn einer Idee, dann weiß ich genau, was ich will und mittlerweile habe ich auch gelernt, wie ich es bekomme. Schwarzweiß tut der Seele gut und Farbe ist für die Momente der Euphorie geeignet. Infrarot für die mystischen Stunden allein im dunklen Wald bei Sturm und Blitzen, wenn ich mal wieder richtig weit weg will von allem, weil es wieder mal genug ist.

Und wenn mich richtig der Flash treffen soll, dann brauche ich es cross und knusprig mit abgelaufenem Film in der einen und der Holga in der anderen Hand. Perfektion, das sind die anderen. Damit will ich nicht sagen, dass Fähigkeiten schlecht sind, sie helfen als Ventil für die Ideenschübe.

Aber auch Fähigkeiten befinden sich im Wandel und oft passiert es, dass man längere Zeit sich selbst nicht mehr überzeugt oder gar enttäuscht. Aber wenn man einfach unbedacht und gedankenlos nach vorn durch geht, bis hin zum Licht, verpasst man die wichtigsten, wirklichen Momente.

Die wahre Schönheit, deren Flüchtigkeit so extrem hoch ist, dass man oft nicht einmal die Kamera heben kann, um sie zu fangen – die schönsten Bilder sind die nicht gemachten – diese Momente muss man lernen zu erkennen und zu genießen, denn sie sind so selten und jeder für sich kommt nie wieder, ein Wegschauen oder Kameraheben, um scharf zu stellen wird oft sofort bestraft, der Moment geht vorbei und man hat ihn nicht gesehen. Doch ist es wichtig, gerade diese Bilder in seiner Seele, in seinen Gedanken zu sichern und daraus Kraft und Erfahrung zu schöpfen, um selbst Neues und Schöneres zu erreichen.

Schönheit erschaffen? Ist das wahrlich möglich? Für wenige von uns ja, die anderen sind und bleiben Pfadfinder. Ich selbst bin sehr gern Pfadfinder, denn ich sehe es eher als eine Last an, Schönheit wirklich erschaffen zu können. Aber Schönheit zufällig zu finden und sehen zu können, ist oft mit Glück verbunden. Wir sind die Glücklichen. Unbelastet, mit einem leichten Hauch naiver Gedankenlosigkeit, Zerstreutheit und Einsamkeit, bereits ein paar gute Abzeichen im Portfolio, machen wir uns auf die Suche nach ihr, auf ihren einsamen und flüchtigen Pfaden.

Die Suche nach Schönheit in der gleißenden Sonne des Tages oder der finsteren Dunkelheit kalter Keller: Sie ist überall und manchmal finden wir sie. Aber sie ist und bleibt eine Geliebte, denn die Schönheit lässt sich weder fesseln noch einsperren, wie auch selbst der längste Rausch eines Tages verflogen ist.

Denn das Ende ist wichtig. In allen Dingen.

All das und noch mehr verbinde ich mit den Arbeiten von Hengki Koentjoro. Obwohl sofort klar ist, dass kontrastreiche Schwarzweißfotos in quadratischem Format der Rahmen seines Stils bestimmen, fällt es mir fast schwer, seine Bilder darüber hinaus zu beschreiben.

Es gibt eine unüberschaubare Zahl von Fotos, die alltägliche Naturgewalten und -ansichten zeigen. Auf denen man sieht, dass der Fotograf bewusst auf den richtigen Moment gewartet und ihn dann eingefangen hat. Was den Großteil dieser Arbeit aber von Hengkis unterscheidet, ist fast eine Nuance, die ich erst nach einiger Betrachtung benennen konnte.

Hengkis Arbeiten bedeuten mir mehr, fesseln mich tiefer und stärker als Bilder, die ich mit ähnlichen Worten beschreiben würde, weil ihnen die Kitschigkeit fehlt. Das liegt nicht unbedingt am Verzicht auf Farben. Sondern auch daran, dass ich seinen Bildern glaube, dass sie „echt“ sind.

Echt im Sinne von authentisch, wirklich, auch etwas alltäglich. Als wäre er zufällig dort gewesen. Als könnte man eigentlich zu jedem Zeitpunkt in den indonesischen Wald laufen und dort genau das sehen, was er festhält. In seinen ausbalancierten und durchdachten Kompositionen schwingt immer auch eine gewisse Spontanität mit. Als hätte er nur eben schnell ein Bild gemacht, um es einzufangen – so, wie man ein Urlaubsbild macht.

Dazu kommt, dass Hengki unbekannte Landschaften vorführt. Nicht die immer gleichen Motive, die Fototouristen in fernen Ländern abklappern. Nicht die gleichen Strände und Sehenswürdigkeiten, die ich schon tausend Mal gesehen habe. Stattdessen zeigt er neue Perspektiven und Blicke auf mir unbekannte, fremde Orte ohne Namen.

Es ist beeindruckend, welche Bandbreite an Motiven und Stimmungen sich in seinen Arbeiten findet. Von absoluter Ruhe, Ausgeglichenheit und minimalstischen Kompositionen bis hin zu überbordender Fülle von Details, Richtungen und aufbrausender Dynamik. Die Elemente, Menschen, Tiere, Pflanzen und Architektur, immer besonders im Kontext ihrer Natur verortet.

Besonders das Wasser als Element hat es ihm angetan, es ist seine größte Inspirationsquelle. So verbringt er so viel Zeit wie möglich in der Natur und am Ozean, wo die gigantische offene Weite in Kombination mit einem überwältigenden Blau ihn beruhigt und zu Neuem anregt.

Er hält das Meer ruhig oder in Form von aufbrausenden Wellen fest. Ebenso ist Wasser das verbindende Element in seinen Wolken- und Nebelkompositionen. Aber auch Unterwasser ist er fotografisch zuhause, von unterhalb der Oberfläche fotografiert er Schwimmer, Fische oder auch das Wasser an sich, das die unterschiedlichsten Phänomene bereithält.

Hengki Koentjoro wurde 1963 in Semarang in Indonesien geboren. Zwischenzeitlich hat er in den USA gearbeitet und dort auch sein Studium der Videoproduktion und Fine-Art-Fotografie abgeschlossen. Inzwischen lebt er mit seiner Frau und drei Kindern wieder in Indonesien, jetzt in Jakarta.

Nach dem Studium ist er in seine Heimat zurückgekehrt, um dort ein freier Videograf und -redakteur zu werden, spezialisiert auf Naturdokumentationen und Unternehmensprofile. Parallel dazu reflektiert er seine Freiheit des Ausdrucks in der beeindruckend sorgfältigen Ausführung und immerwährenden Erkundung der Schwarzweiß-Fotografie.

Die Fotografie begeistert ihn schon praktisch sein ganzes Leben, seit seine Mutter ihm eine Kodak Pocket zu einem Geburtstag schenkte. Diese füllte seine Leidenschaft für Bilder in den folgenden Jahren aus, heute fotografiert er meistens mit einer Nikon D700 und einer Canon 5D.

Für Hengki ist Fotografie nicht nur ein Weg, seiner innersten Seele Ausdruck zu verleihen. Er erschafft durch seine Bilder auch ein Fenster zur Welt, in der das Ungesehene und das Unausgesprochene greifbar wird.

Er wird durch den sehnsuchtsvollen Wunsch, die mystische Schönheit der Natur zu erkunden, angetrieben und hat mit den Mitteln der Fine-Art-Fotografie seine Sinnen und seine Empfindsamkeit für das entwickelt, was er festhalten möchte.

Für ihn kann Fotografie nie vom Aspekt getrennt werden, etwas Alltägliches auf eine ungewöhnliche Art und Weise zu zeigen. Das Unerwartete willkommen zu heißen. Die Fotografie zu umarmen und ihr zu frönen, ebenso wie daran zu glauben, dass alles möglich ist.

Hengki nutzt die Möglichkeiten des weltweiten Netzes ausgedehnt, um aller Welt seine Arbeiten zu präsentieren. So findet Ihr seine Arbeiten auf den üblichen bekannten Plattformen, zum Beispiel bei Facebook, flickr, Google+, deviantArt und 500px.

Nach so vielen Jahren, in denen ich jetzt schon fotografiere, ist die Lehrzeit, die ich mir einmal gesetzt hatte, immer noch lange nicht vorbei. Ich bin immer noch, fast Tag für Tag, auf der Suche nach Bildern, die mir etwas bedeuten könnten, bin immer noch hungrig, nie zufrieden.

Allerheiligen, San Adriá de Besós, Spanien

Wie vor vielen Jahren, als ich zum ersten Mal zu einer langen Reise aufgebrochen bin und die ich mir eigentlich als eine Art Abschluss meiner fotografischen Ausbildungszeit vorgestellt hatte. Ein Irrtum. Ich erinnere mich noch an den Hafenkai in Huelva, im äußersten Südwesten Spaniens. Der Atlantik war, wie so oft im Winter, unruhig und aufgewühlt, dunkelgraue Wellen, die in regelmäßigen Intervallen gegen die Betonmauern rollen, unaufhörlich.

Es war einen Tag vor meiner Abreise, einen Tag bevor ich einen Überlandbus nach Madrid bestieg, um von dort am nächsten Tag nach Abidjan, an der Elfenbeinküste, zu fliegen. Im Gepäck eine Hose, ein paar Hemden, ungefähr 70 Schwarzweißfilme und zwei verbeulte Nikon FM2. Acht Wochen, allein, durch unbekannte Länder, nur sehen und schauen.

Bordell, La Línea de la Concepción, Spanien

Ein paar Tage zuvor stand ich am offenen Grab meines geliebten Großvaters, im kalten oberbayrischen Winter. Und oft sehe ich mich noch immer dort stehen. Bleich, käsig, in einem schweren, dunkelblauen Mantel, den er mir noch geschenkt hatte, zwischen Leuten, von denen ich viele überhaupt noch nie gesehen hatte. Eine Nelke werfe ich ins Grab, dann Erde. Alles wie in Zeitlupe, ich wollte nicht weinen, und dann, noch bevor der Leichenschmaus zu Ende war, war ich in Gedanken bereits weit weg.

Timisoara, Rumänien

Waisenhaus, Timisoara, Rumänien

Dieser Moment ist in meinem Hirn eingebrannt, wie sich Licht in Silberkristalle auf einen Filmstreifen brennt. Es ist wie in der spielerischen Foto-Falle Henri Lartigues, die Paul Virilio in seinem Essay „Esthétique de la disparition“ zitiert: Als Kind, wenn er etwas gesehen habe, das ihm gefallen hätte, hätte er die Augen geschlossen bis er nur noch das gesehen hatte, was er sehen wollte. Dann, so Virilio weiter, drehte sich der kleine Henri ganz schnell um die eigene Achse – und das Bild war gespeichert!

Und unter Zuhilfenahme der fotografischen Technik können diese Bilder konserviert werden, dann hat man auf einmal Hunderte oder Tausende alte Fotografien um sich liegen, Fragmente des eigenen Lebens und des Lebens der anderen.

Psychiatrische Klinik, Gavodnija, Rumänien

Ich sehe die alten Fotografien meiner Reisen, sehe aufs Neue, höre noch einmal, was mir damals in den Ohren klang, rieche sogar und kann mir in Erinnerung rufen, was ich in diesen Momenten gefühlt habe, an weit entfernten Orten, nicht nur gemessen in Kilometern, vor allem weit entfernt, in einer anderen Zeit, eine unmessbare Distanz, unvorstellbar.

Das Eigenartigste daran ist, dass manchmal die alten Bilder Gefühle hervorrufen, die im Nachhinein noch intensiver scheinen, konzentrierter. Damals, nach mehr als zehn verschiedenen Ländern in weniger als 360 Tagen, habe ich meine mühsam zusammengelesene Sicht auf die Welt wieder verloren.

Was bleibt, ist eine eher gebrochene Zeitwahrnehmung, irgendwie brüchig oder gebrochen, ein ständiges Kommen und Gehen von Zukünftigem und Vergangenem, Gewesenes und Hypothetisches vermischend, während der Augenblick, das Jetzt, sich wie Sand zwischen den Fingern zerreiben lässt. Was bleibt, festgehalten in einer Fotografie, ist ein Moment, der dem unerbittlichen Lauf der Zeit entrissen ist, eigentlich mehr ein Verdienst der Silberhalogene auf der Filmemulsion als mein eigener.

Karwoche, Arcos de la Frontera, Spanien

Etwas Schönes oder etwas Abstoßendes, oder einfach etwas Absurdes erregt meine Aufmerksamkeit und ich drücke auf den Auslöser – Schönheit verursacht Schmerz, sagte einmal Ernst Haas und wirklich: Schönes zu sehen und zu erleben, kann zu einer leidvollen und schmerzhaften Erfahrung werden, weil es zu schnell vergeht.

Karneval, Ituren, Spanien

Ich war mir meiner selbst noch nie besonders sicher und oft auch nicht dessen, was ich eigentlich mit meinen Bildern erzählen will. Zuerst einmal sind es einfach meine Bilder. Weil ich dort war, weil ich mit diesen Menschen gesprochen habe oder sie mich angesehen haben.

Meist flüchtige Bekanntschaften, viele blieben Unbekannte, manche wenige wurden zu Weggefährten und noch weniger sogar zu Freunden. Vielen war ich gleichgültig, ich habe viele liebevolle und selbstlose Menschen getroffen. Auch auf Hass und Ablehnung bin ich gestoßen, natürlich. Aber eines haben sie alle gemeinsam: Jetzt sind sie alle Darsteller in meinem kleinen Welttheater.

Predigt, Luampa, Zambia, Afrika

Es ist nicht die Frage, ob die Fotografie die Welt verändern kann. Wir schaffen Bilder, Bilder von Bildern. Nicht mehr, nicht weniger. Interessant für einige, langweilig für andere, harmlos oder aufwühlend. Aber es ist niemals die Reproduktion einer objektiven Realität, es ist einfach eine Wahrnehmung, einzigartig und individuell. Die subjektive Wahrnehmung des Menschen, der fotografiert. Nichts weiter.

Der Anspruch, die Krankheiten unserer Gesellschaft zu erfassen, zu dokumentieren, scheint ein von vornherein sinnloses Unterfangen zu sein, unmöglich, angesichts des irreversibel fortgeschrittenen Siechtums und der überwältigenden Komplexität aller unserer Missstände.

Links: Abschiebezelle, Gefängnis Málaga, Spanien
Rechts: Brothel, Beira, Mocambique

Eine Fotografie der angehäuften toten Körper in der Leichenhalle des Krankenhauses in Bamako, Mali. Hätte ich dort fotografieren sollen? Ich weiß es nicht mehr. Ich habe es nicht gemacht. An diesem Tag starben 119 Menschen an der Meningitis-Epidemie, die das Land in Angst versetzte.

Die Ärzte und Krankenschwestern bewegten sich wie stumme Schatten durch die stinkenden Korridore der Krankenstationen. Ihnen fehlte die Kraft, vor Erschöpfung konnten sie kaum mehr einen Fuß vor den anderen setzen. Ich habe es nur beobachtet, niemand hatte mich gerufen und niemand hat von meiner Anwesenheit Notiz genommen. An diesem Tag habe ich nicht nur tote Kinder, Frauen und Männer gesehen, ich habe geglaubt, dass ich gesehen habe, wie das Leben selbst stirbt, ohne viel Aufregung, am Ende ohne Gegenwehr.

In der Nacht dann wieder im Bus, das Gesicht an die Scheibe gedrückt, neben mir eine junge, krank aussehende Frau mit ihrem Säugling an der Brust. Süßer Gestank und alle Geräusche wie von weit weg. Die Fahrt durch trockenes Sahelland, ausgedörrte Felder, hier und da eine Hütte, aus der schwaches Licht scheint, ich selbst verloren in einem irreal scheinenden Film, der auf der Scheibe abläuft.

Ab und zu werden wir langsamer, schwarze Schatten tauchen aus dem Nichts am Rand der Fahrbahn auf und bieten Wegzehrung an, Bananen und hartgekochte Eier. Der Schein einiger Lagerfeuer und ein paar flackernde Lichter, ich war mittendrin und doch schien es mir, als würde ich alles aus der Ferne betrachten.

Krankenhaus-Innenhof, Luampa, Zambia

AIDS-Patientin, Luampa, Zambia

Afrika. Das Schlagen des Mörsers, das die Stille jedes Morgens hier am Äquator bricht. Diesige Morgen, feucht, warm, getränkt von einem Geruch, den man nicht wieder vergessen kann, nach Maniok und reifen Früchten, süß, ausladend, Schweiß, auch bitter, wie nach Wurzeln. Sex und Schläfrigkeit. Ich erinnere mich gerne an Marie Therèse, die bei mir schlief, an ihre zuckenden Mundwinkel und die im schwachen Morgenlicht glänzenden Perlen auf ihrer Stirn.

Flugzeuge, Schiffe, Busse oder Eisenbahnwaggons. Zimmer in billigen Pensionen, schnelles Leben und glückliche Momente, die aufblitzen und vergehen wie Sternschnuppen am Sommerhimmel. Freude und Traurigkeit, Hoffnung und Verzweiflung. Blicke, Gesten, Geräusche und Gefühle. Intensität. Reine Energie, alles komprimiert, ein Jahr in 0,66 Sekunden für die Ewigkeit. Eingefrorene Bewegung, erstarrte Szenen, lebende Materie, die vergeht und Lebloses, das sich plötzlich wieder mit Leben füllt.

Jedes Negativ, jede Fotografie ist wie ein Kerker oder ein Käfig, manchmal leer, manchmal darben darin unschuldige Opfer und manchmal auch wahre Bestien. Von was rede ich eigentlich? Hexerei? Fetisch? Oder einfach Besessenheit?

Tankstelle, Meerenge Gibraltar, Spanien

Prozession, Andújar, Spanien

Wieder zurück in Spanien, Granada, die Alhambra und der Sacromonte, alles zusammen auf wenigen Quadratmetern rund um ein Lagerfeuer in einer kleinen Wellblechsiedlung in San Adriá de Besós, einige Kilometer nördlich von Barcelona. Vom nächtlichen Treiben der Gitanos bleibt die kalte Asche am Morgen. Spielt doch noch einen Fandango, oder gib mir noch einen Schluck, noch eine Geschichte oder einen Witz, mehr Funken, mehr Rausch, nur noch nicht heimgehen.

Europa, Lourdes und seine Wunder, ein Irrenhaus in Rumänien, alles ist Transit, überall Grenzen, menschliche Katastrophen, alle unterwegs, viele auf der Flucht, oft ohne es zu wissen. Oft sehe ich mir meine alten Bilder an und reise zurück an all die Orte, an denen ich gewesen bin.

Und wenn ich es jemals bereue, ein bestimmtes Bild nicht gemacht zu haben, dann wäre es eine Aufnahme der Hände meines Großvaters, hart und wie versteinert von der Arbeit, gleichzeitig sanft, harmlos und verletzlich. Als ihn seine Kraft verließ, an einem sonst schrecklich ereignislosen Nachmittag in einem grauenhaften Krankenhaus, war ich noch bei ihm und wollte nur noch einmal seine Hand halten.