E quello di cui vi parlo oggi ha segnato in maniera indissolubile la nostra infanzia, al pari dell’uomo un pò Bruce Lee e un pò Mad Max che vaga in un deserto postatomico uccidendo punk sotto steroidi.

Sto parlando di Teenage Mutant Ninja Turtles, da noi più conosciute come Tartarughe Ninja. Alzi la mano chi di voi non ha mai visto il famosissimo cartone animato, datato 1987: Tartarughe Ninja alla riscossa. O magari il film del 1990, a cui hanno fatto seguito altri due lungometraggi meno riusciti, ed un film d’animazione nel 2007,senza contare le produzioni post-anni 2000 e quelle inedite in Italia.

Quanta nostalgia….

Ma quello di cui voglio parlarvi oggi, cari lettori, è quello che ha ispirato il cartone animato delle quattro tartarughe mutanti: il fumetto Teenage Mutant Ninja Turtles, di Kevin Eastman e Peter Laird (entrambi scrittori e disegnatori), datato 1984.

Dove, per la cronaca, tutte le Tartarughe portavano una fascia rossa.

E questo fumetto è doppiamente meraviglioso, perchè oltre ad essere qualcosa sulle Tartarughe Ninja(cioè qualcosa che gente come il sottoscritto ha adorato a dire poco), rappresenta un lavoro fumettistico di un certo livello.

Inizialmente nato come una pseudoparodia delle opere di Frank Miller ( Ronin e Daredevil, più nello specifico), Teenage Mutant Nija Turtles(da qui TMNT) era completamente privo del lato comico del cartone animato; i toni erano molto più seri e violenti, e la serie spaziava in un modo che solo negli anni 80 era possibile. Quattro tartarughe mutanti addestrate alle arti ninja da un topo(!), una storia di vendetta personale e di onore in stile giapponese, un cattivo che più cattivo non si può(Shredder, l’ antagonista preferito in assoluto di chi vi scrive), uno scienziato pazzo terrorista e i suoi piccoli robot assassini, e triceratopi antropomorfi spaziali…tutto questo solo nel primo numero!

Triceratopi spaziali. Che vuoi di più dalla vita?

La storia è bene o male quella che tutti conosciamo: quattro tartarughe ed un topo entrano a contatto con del liquido tossico, (che cade da un camion che stava per investire un cieco, salvato da un ragazzino che ci rimette la vista: piccola citazione del marvelliano Daredevil) che li rende umanoidi e capaci di parlare. Addestrate alle arti ninja dal topo, che le ha apprese da un maestro giapponese di cui era l’animale da compagnia, Leonardo, Raffaello, Michelangelo e Donatello si trovavano di fronte a svariate avventure, con la vulcanicità creativa e la varietà di stili tipica di quel periodo (il fumetto non era il massimo dell’accuratezza, ma chi se ne frega, erano gli anni 80!).

La psicologia dei quattro protagonisti era più approfondita rispetto alla serie animata: Leonardo (quello con le spade, per chi di voi non conosce le Tartarughe e che dovrebbe essere deriso da Crom e scacciato dal Valhalla) era il ‘protagonista’ della serie e capo del gruppo, nonchè il più interessato alle dinamiche del bushido(la via del guerriero giapponese). Raffaello(quello con i sai, sempre per le infime persone di cui sopra) era il ribelle, spesso in contrasto con i rigidi dogmi che la dottirna ninja imponeva. Donatello(bastone) era quello più al passo con la tecnologia, e Michelangelo(i nunchaku) quello che più si adattava al caotico ambiente della città.

La qualità del lavoro dei due autori, che si spartivano equamente storia e disegni, era ineccepibile, facendo di TMNT un piccolo gioiello del fumetto indipendente americano, con tutti i pregi che si potevano trovare nella narrativa disegnata (d’intrattenimento) di quel periodo.

Gli autori

Piccola cosa che potrebbe interessarvi, il fumetto originale delle Tartarughe Ninja è tranquillamente disponibile in Italia, edito dalla 001 edizioni.

Alla prossima, magari con un altra chicca degli anni ’80…

Teenage Mutant Ninja Turtles – Recensione, pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 24/05/2013

© Rorschach per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | Commenta! |
Tag: 001 Edizioni, Botte come se ci non fosse un domani, Meravigliosi Anni 80, Tartarughe ninja, TMNT

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L’oggetto rivenuto era una scatoletta bianca lunga circa dieci centimetri, larga sei centimetri e spessa due centimetri. La scatola non sarebbe sembrata sospetta se non fosse stato per due piccoli led elettrici, uno rosso e uno blu, che sporgevano da un lato, e per il fatto che fosse piena di una sostanza sconosciuta e impacchettata in una borsa di plastica argentata.

Le autorità competenti hanno risposto alla segnalazione accorrendo sul posto con ben dieci macchine della polizia, un camion dei vigili del fuoco e un veicolo della squadra di artificieri. Gli artificieri stessi hanno utilizzato una macchina a raggi x per determinare il contenuto della scatola che si è rivelato essere nient’altro che cartapesta e che, quindi, non rappresentava nessuna minaccia. La polizia, a scopo cautelativo, aveva recintato e chiuso per quattro ore un’aerea di cinquanta metri intorno all’edificio.

Gli sponsor dell’evento legato a Detective Conan hanno fatto sapere che erano stati loro a utilizzare e quindi a portare sul luogo l’oggetto sospetto e che si erano semplicemente dimenticati di riprenderlo. Si sono quindi scusati per la loro mancanza di attenzione e per tutti i problemi che hanno causato.

L’evento, il cui nome era Real Escape Game x Detective Conan: Escape From a Skyscraper, che si era tenuto il 27 e il 28 Aprile all’interno del’edificio, non era altro che un gioco di ruolo dal vivo nel quale i partecipanti doveva cercare di scappare dai piani più alti del grattacielo prima che questo fosse distrutto. Per riuscire nello scopo ai giocatori era richiesto di cercare oggetti nascosti e codici speciali.

[ Fonte | ANN ]
[ Fonte | Wikipedia ]

Allarme bomba per un oggetto di scena di Detective Conan, pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 24/05/2013

© Silvia Letizia per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | Commenta! |
Tag: Detective Conan, Gosho Aoyama, Real Escape Game x Detective Conan: Escape From a Skyscraper, Takamatsu Marugamemachi Ichibangai Azumakan

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Signore e signori, vi prego di unirvi a me nell’augurare ad Eichiro Oda una pronta guarigione (a prescindere che apprezziate o meno One Piece, si tratta di buona educazione e di comportamento civile)! Detto questo… tuffiamoci in una valle di lacrime!

Naruto 631 – Il Team Sette. Ho solo una domanda: “Kishimoto, che cazzo stai a fa?”. No, sul serio, qualcuno me lo spieghi chi lo ha sceneggiato questo capitolo, perché secondo me è stato il fratello di Kishi! Andiamo con ordine, prima che qualche fan mi salti alla giugulare: il problema non è che il capitolo sia senza senso, anzi, se proprio vogliamo dirla tutta, l’arrivo degli Hokage, la conversione di Sasuke, la ritrovata alleanza, ci stanno tutte. Il problema è che, più che leggere il capitolo 631, mi è sembrato di vedere la parodia di Naruto fatta da Benny Hill! Ma dico, vi rendete conto? Neanche Madara viene risparmiato (la scena muta dopo che Hashirama gli risponde mi ha fatto venire il latte alle ginocchia!) e tutto il capitolo aleggia in una sorta di limbo semiserio che, piuttosto che allentare la tensione, la fa crollare in maniera terrificante e deprimente! Ripeto, le idee e i concetti spiegati nel capitolo possono anche avere un loro senso e, sicuramente, avranno un seguito (non mi aspetto che Sasuke torni a fare il paladino della giustizia e che, dopo il gran finale, venga acclamato da tutti come un salvatore!) però la narrazione, i tempi, le “gag” fuori luogo e inserite praticamente in ogni istante rendono illeggibile il capitolo e fanno quasi sperare che, da un momento all’altro, ricompaia Obito ad ammorbarci con i suoi discorsi/polpettone!

Bleach 538 – Standing on the Edge. Potete dire quello che volete, ma questo capitolo, per quanto mi riguarda, segna il definitivo ritorno di Kubo ai vecchi fasti. In poche pagine, condensa situazioni e misteri, ci apre nuovi interrogativi e, in qualche modo, ci fornisce anche delle risposte: il fatto che “il fulcro della zampakuto” il quale sceglie Ichigo abbia la faccia da Hollow la dice lunga su cosa possiamo aspettarci in futuro. Così come il “ridimensionarsi” di Hitsugaya, ormai orfano di Bankai, che scende al livello dello shinigami semplice e si va allenare al dojo mostra un nuovo aspetto del carattere di questo personaggio che, sono certo, nei prossimi scontri potrebbe portare a scoprire come riottenere il bankai (lo so, detto così sembra che io reputi Kubo fin troppo prevedibile… ma il fatto è che se fossi stato io a sceneggiare Bleach avrei dato proprio al giovane capitano della decima compagnia l’ingrato compito di scoprire come riappropiarsi dei poteri rubati!). Stesso dicasi dello strano incontro tra Komamuro e… papà? Cosa diavolo è la versione incazzosa di Falcon (il drago de “La storia infinita”) che il capitano dal muso di cane incontra nei recessi di questa misteriosa e non ben specificata caverna?  Che abbia a che fare con la sua faccia (sicuro) e con il suo potere shinigami (probabile)? Staremo a vedere… nel frattempo sono curioso di sapere che razza di bankai possieda uno che, di suo, vorrebbe cogliere fiorellini ed invece si ritrova con in mano uno shikai sanguinario: lightsaber tipo Jedi che affettano da sole il nemico? Bomba termonucleare? Una sorta di potere da “sentenza di morte” tipico di alcuni GDR? Vedremo come evolveranno gli eventi: per il momento credo che, dal prossimo capitolo, riprendere la processione nei 5 palazzi dei “pezzi grossi” prima di giungere al cospetto del Re delle Anime!

Naruto 631, Bleach 538 – Recensione, pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 23/05/2013

© Ciampax per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | 18 commenti |
Tag: Bleach, capitoli ita, Naruto, One Piece, recensione

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La settimana scorsa affrontai un approfondimento fuori dagli schemi classici, presentando una lettura di Bakuman da un punto di vista diverso, particolare, direi anche poco comune ma molto personale. E in chiusura, come dicevo, avrei completato l’intervento utilizzando un altro manga, che mostra una visione diversa di questo mondo, ma anche complementare. I due manga guardano ad autori di livello completamente differente, infatti, mentre in Bakuman vi sono dei geni prodigiosi che pubblicano ancor prima di raggiungere la maggiore età, quelli di Hayate no Gotoku disegnano manga ma non hanno successo, non pubblicano per riviste e non lottano per i questionari, sono fermi al livello amatoriale del fumetto: ai doujinshi.

Hayate no Gotoku (Hayate the Combat Butler) è un manga strano, poco conosciuto in Italia, ancora inedito, sebbene abbia superato i 400 capitoli, e sia in corso la quarta serie animata. È un manga “difficile” per la grande presenza di citazioni al mondo del fumetto e dell’animazione nipponica, di riferimenti nascosti ad altri autori, colleghi che pubblicano sulla stessa rivista, Shonen Sunday della Shogakukan, casa editrice che produce mangaka del calibro di Rumiko Takahashi, Mitsuru Adachi e Gosho Aoyama (nonchè l’autore che da alcuni anni seguo con maggiore passione, Tamiki Wakaki). Un manga che difficilmente avremo in Italia per le similitudini con Gintama, sebbene Hayate no Gotoku non sia di così complessa lettura… fatto sta che a volte anche io ho avuto difficoltà a seguire l’autore, quando le sue citazioni si facevano più intricate, nascoste. Di cosa parla Hayate no Gotoku, tuttavia? È una domanda a cui non posso rispondere ora, perchè necessiterebbe di un articolo (con uno intendo almeno tre) a parte che ho già in programma di fare, un giorno o l’altro. Posso dirvi che in questo manga si parla di tutto, da tanti punti di vista, perchè l’autore, Kenjirou Hata, non è famoso solamente per la sua vena umoristica, per l’intricato e complicatissimo intreccio narrativo che a costruito in sette anni, ma anche per la straordinaria capacità di essere espressivo e sintetico allo stesso tempo. Io leggo settimanalmente i capitoli di Hata mentre non lo faccio per altri manga (preferisco si accumulino, e tornarci ogni tanto) perchè le sue diciassette pagine sono sempre stranamente molto appaganti. Ma non divaghiamo.

Hayate, il mio maggiordomo tuttofare preferito del mondo dei manga.

In Hayate no Gotoku si parla di manga dal terzo capitolo, quando il protagonista scopre che la sua “padrona” passa tutto il suo tempo davanti a videogiochi e anime, e sebbene ricca da far schifo, desidera diventare una mangaka di successo e vendere un miliardo di copie… questo aspetto rimarrà solo una gag ricorrente: tutto comincerà a cambiare intorno al trecentesimo capitolo. L’inserimento di un nuovo personaggio, Ruka, una idol con un passato simile a quello di Hayate, che nasconde anche lei la passione per i fumetti, scatenerà una reazione a catena che finirà per mettere al centro dell’attenzione la sfida tra la protagonista Nagi e la idol Ruka a suon di doujinshi… che vendono all’incirca qualche decina di copie.

La doujinshi di Ruka, mostrata in Hayate no Gotoku (parte 1 di 3).

Tutto normale fino al momento in cui non viene tirato in ballo il personaggio di Hinagiku: le viene chiesto di aiutare Ruka nella produzione del suo manga (una dozzina di pagine), e la Presidentessa del Comitato Studentesco si rimbocca le maniche, legge una ventina di manga e stira una lista di consigli e caratteristiche per guidare Ruka. E quello che succede tra i capitoli 332 e 335 (principalmente) è stato per il sottoscritto un fulmine a ciel sereno, e la causa scatenante di questo approfondimento, pensato per svariati mesi prima di presentarvelo (più che altro, avevo altre cose da scrivere).

Parte 2 di 3.

L’obiettivo di Hinagiku diventa quello di guidare Ruka per migliorare come disegnatrice manga, e come sempre, il miglioramento del disegno è lasciato alla pratica, quindi Hinagiku si concentra sulla parte della sceneggiatura: ma non ne scrive una per Ruka, le fornisce solamente alcuni consigli pratici. L’obiettivo diventa quello di produrre un manga che chiunque possa leggere e comprendere inserendo dialoghi semplici e diretti, usando una griglia semplice e non complicandosi la vita con strutture complesse, disegnare sfondi e ambienti, semplici, ma che comunichino immediatamente e chiaramente l’ambiente e la situazione… in poche parole Hinagiku consiglia a Ruka di sviluppare le sue capacità di linguaggio attraverso il dialogo e la costruzione delle immagini, abbandonando costruzioni astratte che possono solo confondere il lettore se questi non ne afferra il significato. Storie e disegni verranno dopo (anche perchè si tratta di doujinshi, quindi trame molto semplificate), quello su cui è necessario insistere è la capacità di farsi capire, quindi passare da vedersi come fumettisti che disegnano per se stessi e chi ha voglia di capire il proprio lavoro, a diventare fumettisti che disegnano per gli altri.

Parte 3 di 3.

A questo punto ritengo che il confronto tra le due visioni si possa integrare: quello che ho sempre lamentato di Bakuman è l’assenza di una vera e propria gavetta da parte dei personaggi. Non che non la facciano, ma tutte questi aspetti dell’essere fumettisti vengono taciuti, perchè semplicemente i personaggi le conosceranno già, sono già talentuosi nella loro passione e scelta lavorativa. In Hayate no Gotoku invece Nagi e Ruka devono partire dalle basi, dal provare la soddisfazione di vendere tutte le trenta copie che sono state stampate, dal sentire i complimenti di una persona che ha letto il proprio lavoro. Quando vendi trenta copie puoi ringraziare ogni singola persona che ha comprato un tuo fumetto, e questo ti riporta alla gente, al mondo, ed è un’esperienza che ritengo fondamentale. Il primo complimento, la prima vendita, la prima stretta di mano, sono tutte piccole cose che servono anche a costruire la propria autostima se si decide di partire dalla pratica, dal fumetto amatoriale e non si riesce, come è capitato a tanti autori che ancora pubblicano, ad avere un valido maestro e trampolino di lancio per le proprie opere (gli autori Shueisha che vengono dal mondo dei doujinshi sono molto pochi, il più famoso di tutti è indubbiamente Togashi, nella Kodansha Mashima, noto per i suoi lavori su Monster Hunter). Soffermarsi sulle capacità di linguaggio è fondamentale: saper disegnare e sceneggiare, avere idee geniali, non vuol dire assolutamente niente se non si possiede la capacità di esprimere con la massima efficacia il proprio messaggio, ed è una competenza che tutti i mangaka di successo possiedono (in Bakuman, Niizuma sicuramente è il più abile nel linguaggio manga).

Ovviamente neppure Hayate no Gotoku ci dirà mai cos’è un manga interessante, in questo Hata è anche più evasivo di Ohba, ma sembra quasi rispondere e ricordare agli autori della Shueisha che le montagne non sono fatte di sole vette, che se vuoi parlare di una sfida, ed idealizzare una realtà che ben conosci, allori di ideali devono essercene parecchi, e il “manga” deve essere uno degli elementi centrali. Ma Hata, autore strano, bizzarro e geniale, non sta scrivendo un manga sui manga, la sua è stata una divagazione (che ancora continua, tuttavia) mentre continua per la sua strada e si concentra capitolo dopo capitolo per provare a comunicare qualcosa. Ed è forse questo il motivo per cui trovo appagante, come dicevo, la lettura di ogni singolo capitolo.

Per concludere volevo presentare un altro dei numerosissimi personaggi di questo manga, perchè in questa situazione sarebbe errato non citarne l’esistenza: il mangaka Gouji Ashibashi. Non è chiaro a chi si riferisca Hata con questa figura, che presenta come il mangaka attualmente di maggior successo, ma la sua immagine stona indubbiamente con lo stereotipo “cool” del mangaka di successo che sembra stia diffondendosi, e ricorda che queste persone sono in realtà sempre in bilico, in lotta con le scadenze, alla ricerca dell’idea che possa far pubblicare una settimana di più e non deludere il pubblico, afflitti da ulcera, tremendi dubbi e un senso di umiltà derivante dall’impossibile confronto con un successo tanto grande da essere quasi ingestibile. Fare manga, in qualche modo, ti consuma, e non c’è eroismo nel martirio.

Gouji Ashibashi.

Bakuman vs Hayate no Gotoku – una sfida sul metafumetto (2), pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 23/05/2013

© Regola per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | 2 commenti |
Tag: Bakuman, Hayate no Gotoku!, Kenjirou Hata

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Tradotta (con i piedi) in Incredibili Avengers, il numero 1 è uscito sull’omonima testata(di cui mi rifiuto di ripetere il nome) lo scorso 26 aprile.

Posso capire lasciare il titolo in originale, posso capire la traduzione totale in Incredibili Vendicatori…ma questo no!

I motivi delle mie aspettative sono molteplici, in primis il team creativo: ai disegni abbiamo John Cassaday(già visto all’opera su Astonishing X-men), un disegnatore a dire poco superlativo anche se un pò lento.

Un esempio di una sua tavola

Ai testi, invece, c’è nientemeno che Rick Remender,

QUEL Rick Remender. Non mi stancherò mai di quest’immagine.

scrittore di indiscussa capacità che si è cimentato con svariati tipi di storie tirando fuori un risultato sempre buono, anche con pessime premesse(come il Punitore Frankenstein, tanto per dirne una).

E le premesse per questa storia sono tutt’altro che pessime: Uncanny Avengers (UA da qui in poi) raccoglie direttamente il testione di Avengers VS X-Men, e più precisamente dalla frase che Scott Summers(Alias Ciclope) rivolge a Capitan America:

‘Non hai mai fatto nulla per i mutanti, nonostante il problema sia sempre stato di fronte a te’

Cap prende molto seriamente questa critica, e risponde a modo suo, cercando di mettere su una squadra che annoveri sia Vendicatori, sia X-Men. E nella più pura tradizione questa squadra si ‘assembla’ (o meglio, si assemblerà) in maniera fortuita, in seguito all’intervento di un ‘cattivo’ che in un qualche modo unisce alcune problematiche di entrambe le ‘famiglie’(sia Vendicatori, sia mutanti).

A differenza di Iron Man (che aveva sul suo numero 1 tre capitoli della serie americana) , sul numero 1 della testata c’è solo il primo capitolo di UA, ergo è difficile dare un giudizio approfondito: in ogni caso, Cassaday è superlativo come al solito, e Remender ritaglia un eguale spazio per tutti i componenti del team, con un sapiente uso delle didascalie non dissimile dal suo lavoro in Uncanny X-Force.

Il discorso di Logan è la parte che mi è piaciuta di più di tutto il fumetto.

Già, la squadra. Personalmente devo dire di essere contento della scelta dei componenti: abbiamo Thor nel ruolo di ‘peso massimo’, due personaggi femminili molto interessanti ed approfondibili ( e dai poteri variegatissimi) come Rogue e Scarlet, l’immancabile Wolverine (di questo passo lo vedremo anche nella Justice League) che nel ruolo di ‘badass’ appoggiato al muro non ci sta mai male, e sopratutto un Capitan America che non vedremo in veste di capo. Tale ruolo è riservato infatti per Havok, alias Alex Summers (il fratello di Ciclope): una scelta quanto mai curiosa, che sono sicuro porterà a sviluppi interessanti.

Che dire: le premesse sono buone, il team creativo pure, il primo capitolo fa venir voglia di leggere il secondo…si è meritato la mia approvazione, almeno per ora. Alla fine del primo arco narrativo, tireremo le somme!

Appuntamento a giovedì prossimo per un altro numero uno!

Marvel Now! – Uncanny Avengers, pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 23/05/2013

© Rorschach per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | 3 commenti |
Tag: Capitan America, Havok, John Cassaday, Marvel, Marvel Now!, Rick Remender, Rogue, scarlet, THOR, Uncanny Avengers, Wolverine

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Erano state quindici le compagnie di produzione a presentare diciassette progetti per ottenere i finanziamenti. I seguenti quattro sono i progetti e gli studi vincitori:

Lo studio Ultra Super Pictures, con un progetto del regista Yasuhiro Yoshiura (Kimi no Iru Machi, Eve no Jikan, Patema Inverted), prodotto da Ryousuke Inagaki e intitolato Arumoni (Armonia).

Lo studio A-1 Pictures, con un progetto del regista Ayumu Watanabe (Space Brothers, Mysterious Girlfriend X, Danchi Tomoo), prodotto da  Makoto Sotozaki e intitolato Ōkii Ichinensei to Chiisana Ninensei (Il grande studente del primo anno e il piccolo studente del secondo anno).

Lo studio Shinei Animation, con un progetto del regista Kazuaki Imai (regista di alcuni episodi di Doraemon), prodotto da Maiko Okada e intitolato  provvisoriamente Paroru to Miraijima (Paroru e l’isola del futuro).

Lo studio Studio 4°C, con un progetto del regista Naoyuki Onda (character designer di Ai no Kusabi, Berserk: The Golden Age Arc I – The Egg of the King, Ergo Proxy, Gantz), prodotto da Eiko Tanaka e intitolato Kaze no Sorashita.

Una delle ragioni per cui l’Agency for Cultural Affairs ha offerto il proprio supporto a questa iniziativa è la preoccupazione derivante dal fatto che molte opere d’animazione giapponese siano in parte prodotte all’estero, dov’è possibile trovare animatori disposti a lavorare con stipendi più bassi. Di conseguenza, ai giovani animatori viene preclusa la possibilità di imparare direttamente dai maestri più anziani, poichè è più difficile che vengano assunti all’interno degli studi, con conseguente perdita di una parte importante del patrimonio culturale giapponese.

[ Fonte | ANN ]
[ Fonte | Wikipedia ]

Anime Mirai: i quattro studi vincitori, pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 23/05/2013

© Silvia Letizia per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | Commenta! |
Tag: A-1 Pictures, Agency for Cultural Affairs, Anime Mirai, Arumoni, Japan Animation Creators Association, Kaze no Sorashita, Ōkii Ichinensei to Chiisana Ninensei, Paroru to Miraijima, Shinei Animation, studio 4°C, Ultra Super Pictures, Young Animator Training Project

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Torniamo alle origini, allo scopo primo di questa rubrica, lasciando da parte (con la promessa di riutilizzarli al momento debito) il tono e lo stile canzonatorio che ho adoperato nelle ultime settimane, e prendiamoci del tempo per fare una noiosissima critica costruttiva. La serie scelta, come potete intuire dal titolo, mi è stata suggerita, non perchè non la conoscessi ma semplicemente non l’avevo presa in considerazione avendo avuto a che fare solo con il manga: la proposta è arrivata parecchie settimane fa, ma ho aspettato di sentire la necessità di variare genere e argomenti. Per questo, oggi, ho deciso che la serie condotta in catene davanti al giudice è Ga-rei Zero.

Non ricordo nemmeno i nomi di questi personaggi.

Ga-rei nasce come manga, sceneggiato e disegnato da Segawa Hajime pubblicato sulla rivista Shonen Ace della Kadokawa Shonen tra il 2005 e il 2010, mentre i dodici volumi di cui è composto sono stati pubblicati in Italia tra 2009 e il 2010 dalla Panini Comics… perchè vi parlo del manga, quando è in esame la serie animata? Semplicemente perchè Ga-rei Zero è poco più di un prequel, e non è possibile procedere con l’analisi se non si tengono presenti alcune differenze tra stampa e animazione. Uno dei grossi problemi di Ga-rei è indubbiamente stato il paragone che ha sofferto con Bleach: il fatto che ci sia un protagonista in grado di vedere gli spettri a cui viene data una spada (con grilletto) da una ragazza, dotata di poteri da esorcista, può sembrare decisamente un plagio dichiarato, ma dopo i primi colpi di assestamento è abbastanza chiaro che si tratta di due manga diversi, semplicemente resi simili da alcuni punti in comune; inoltre, mentre Bleach è tranquillamente assimilabile nel genere dei manga fantasy, Ga-rei fa parte di quel sottogenere definito urban fantasy.

Caratteristica tipica di questo sottogenere è ambientare storie fatte di spada e magia in luoghi urbani, sfruttando anche mitologia e leggende metropolitane creando ambienti tetri e oscuri, ricchi di mistero e intrigo; focalizzandosi su questi elementi poi, offrono combattimenti di tipo diverso, spesso molto brevi ma intensi, in cui vita o morte di un personaggio si decidono in poche pagine… perchè la morte è una tematica centrale nel genere (a differenza dello shonen fantasy più classico), come anche lo sono tutto quello che di “sporco” e “sbagliato” c’è nella società: droga, prostituzione, violenza su donne e bambini… Ga-rei, almeno il manga, riesce a restare sui binari del genere shonen sfruttando un “protagonista buffone”, senza quindi diventare seinen, come potrebbe accadere per opere di questo genere. (Se volete un parere personale, il miglior urban fantasy degli ultimi anni è Durarara!!) Detto questo, ci tengo a sottolineare che Ga-rei l’ho bocciato come manga anni fa, ma non completamente cestinato dopo la lettura completa, in virtù di pochi spunti buoni presentati e di atmosfere che, sebbene non disegnate con uno stile di mio gusto, ho apprezzato. Ma qui il problema è la serie animata, il prequel.

Le differenze stilistiche tra anime e manga sono enormi.

Per quanto mi riguarda, spesso basta la classificazione come prequel a una serie perchè decida di bocciarla. Fare un prequel equivale, secondo i miei standard, ad animare una serie i cui presupposti sono quelli di mostrare al pubblico come sono avvenuti fatti che già si conoscono: questo lascia il tempo che trova, e sebbene esista qualche prequel interessante, il più delle volte non sono riusciti a conquistarmi per quanto ben realizzati (che è stato il mio problema con Fate/Zero). Spesso si assiste a situazioni che vengono stravolte e cambiate per allungare il brodo, cose che dovranno essere cancellate o riportate allo stato noto allo spettatore, poichè la stramba costante dei prequel è che si guardano sempre dopo la serie regolare. Ga-rei Zero non fa eccezione, prende tanti elementi che vengono presentati durante il manga, li cambia quel tanto che basta per creare attenzione senza oltrepassare una linea di non ritorno; si trattà tuttavia di 12 episodi che ho trovato noiosi e in certi punti superflui.

La storia, invero, è molto semplice: Kagura, la protagonista, è destinata ad ereditare Ga Rei Byakurei, uno spirito usato negli esorcismi dalla famiglia Tsuchimiya, che è ovviamente il più potente in circolazione. Per svariati problemi famigliari inizierà a vivere con Yomi Isayama che già sappiamo destinata a diventare uno spirito e attentare alla vita di tutti gli abitanti di Tokyo: lo scopo del prequel è però quello di mostrare per bene sia il rapporto tra Kagura e Yomi, e come arriveranno a considerarsi sorelle, sia la strana storia d’amore tra Yomi e Noriyuki, sia di presentare in maniera più o meno lineare la degenerazione di Yomi. Per fare questo verranno inseriti tantissimi personaggi che non sono nel manga… tanto per mettere quel tocco di violenza gratuita che di tanto in tanto ha riacceso la mia attenzione. La prima parte dell’anime è confusionaria, servono due episodi per capire quanto accade: dal terzo si intuisce che hanno mostrato la prima parte del finale e dello scontro tra Kagura e Yomi per poi tornare indietro al loro primo incontro… un flashback di svariati episodi in un prequel non è qualcosa presente nella mia lista delle scelte azzeccate, e le costruzioni cronologiche non lineari servono, in questi casi, proprio a coprire i punti deboli della sceneggiatura e non perdere spettatori. Dopo la visione dei primi episodi, però, ho sentito la necessità di ritornare sul manga perchè qualcosa dell’insieme stonava parecchio: ed è così che ho notato anche cambiamenti nel tono, nello stile narrativo e anche nei generi, che rendono questo prequel un lavoro eccessivamente diverso dal manga. Stesse premesse non indicano necessariamente la comunicazione degli stessi messaggi, e ne risulta che mentre il manga è uno shonen con elementi sentimentali e umoristici, l’anime è un prodotto più maturo, quindi un seinen dove gli elementi horror sono esasperati, con elementi romantici anche dello stampo yuri (alcuni aspetti della relazione tra Kagura e Yomi possono essere letti in chiave morbosa, ripeto, possono). Questo vuol dire che hanno un prodotto che potrebbe essere gradito solo in uno dei suoi aspetti: alcune persone attratte dall’anime potrebbero non gradire il manga e viceversa, e per me questo è un imperdonabile difetto per un prodotto il cui scopo è soprattutto promozionale. L’anime, trasmesso quando il manga era al terzo anno di pubblicazione, non è riuscito a essere un vero e proprio trampolino di lancio per il manga.

Ho odiato questo fermo immagine di 20 secondi.

Lo studio che si è occupato del prodotto è l’AIC (Anime International Company) che vanta diversi titoli interessanti ma è indubbiamente uno studio minore (Boku wa Tomodachi ga Sukunai, Seitokai no Ichizon Lv2, Vampire Princess Miyu e l’epicissimo Tenchi Muyo negli anni novanta) ha fatto un lavoro non impeccabile ma neppure da cestinare. Anzi, alcune scene d’azione sono veramente ben realizzate, come lo scontro tra Yomi e il padre di Kagura nell’undicesimo episodio. Cercare delle pecche dal punto di vista della realizzazione grafica è inutile ma non posso fare a meno di far notare che in alcune immagini, soprattutto quando inquadrati da lontano, i personaggi perdono eccessivamente di dettaglio. Tirata d’orecchie ad alcuni usi di computer grafica, fortunatamente molto poca: può essere un altro deterrente alla visione qualora non si gradisca l’intrusione di modelli tridimensionali nell’animazione. I fondali sono un pò ripetitivi e vengono riciclati cambiando le luci, ma non penso che tutti gli spettatori prestino troppa attenzione a questi particolari.

Il problema principale resta quindi il fatto che si tratta di un prequel: avere storie che corrono su binari prestabiliti è il loro fascino e il loro limite. Guardando questa serie senza conoscere il manga, o avere la consapevolezza di guardare un prequel, vuol dire di essere alla ricerca di una pellicola che probabilmente deluderà: alla fine la crescita e lo sviluppo dei personaggi di Kagura, Yomi e Noriyuki, i tre protagonisti, non può che essere limitata e scontata perchè avvenuta in primo luogo sulla carta stampata. Noriyuki è il classico esempio dell’ineluttabilità del prequel: per quanto possa essere presentato nell’anime come una persona seria, tutti coloro che hanno avuto a che fare col manga sanno che si tratta di un vigliacco, di una persona che non ha agito quando avrebbe dovuto e questo lo ha trasformato radicalmente (leggi: dobbiamo riportare il personaggio alla struttura originale creata dall’autore).

Esempio di perdita della qualità del disegno.

Vi ho annoiato? Vi ho incuriosito? Esistono anche giorni così. Per oggi ho terminato, Gli Inguardabili tornano mercoledì prossimo (non vi libererete mai di me!), e approfitto dell’occasione per ricordarvi che anche voi potete fare la vostra parte: avete un titolo da sconsigliarmi? Contattatemi sul nostro forum (mi piace mantenere il segreto sulla mia scaletta), rispondetemi sul forum se non siete d’accordo con una mia analisi, oppure sul blog, se volete che cambi stile, se volete sfidarmi a un duello mortale… non so, fate voi.

Gli Inguardabili (on demand) – Ga-rei Zero, pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 22/05/2013

© Regola per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | Un commento |
Tag: Ga-Rei, Ga-rei Zero, Gli Inguardabili, Kadokawa Shonen, Panini Comics, Segawa Hajime

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La storia di BlazBlue Alter Memory si svolge nel Dicembre del 2199, nel momento in cui si sta per festeggiare l’inizio dell’anno nuovo. Nel mezzo dei festeggiamenti che hanno portato un gran numero di persone a riversarsi nelle strade, si sparge la voce che Ragna the Bloodedge, un ribelle di classe SS con una taglia altissima sulla sua testa, sia stato visto nella Tredicesima Hierarchical City di Kagutsuchi. Apparentemente lo scopo di Ragna, noto anche come Grim Reaper, è la distruzione del sistema che controlla il mondo. Per catturarlo e intascare la taglia, una serie di combattenti di recano a Kagutsuchi, decisi ad avere la meglio gli uni sugli altri e su Ragna stesso.

I doppiatori del videogioco riprenderanno i propri ruoli anche per la serie animata. Tomokazu Sugita tornerà quindi a interpretera Ragna the Bloodedge, Kanako Kondou doppierà Noel Vermillion, Tetsuya Kakihara doppierà Jin Kisaragi, Kana Ueda doppierà Rachel Alucard, Yūichi Nakamura doppierà Hazama, Chiwa Saito doppierà Taokaka, Chiaki Takahashi doppierà Litchi Faye-Ling, Kenji Nomura doppierà Iron Tager, Asami Imai doppierà Tsubaki Yayoi, Chie Matsuura doppierà Kokonoe e Tomomi Isomura doppierà Makoto Nanaya.

Toshimichi Mori supervisionerà il prodogetto e Hideki Tachibana (Higurashi no Naku Koro ni Kira) sarà il regista dell’anime presso la teamKG e la Hoods Entertainment. Seiji Mizushima (Fullmetal Alchemist, Mobile Suit Gundam 00) collaborerà alla regia. Deko Akao (Arakawa Under the Bridge, Mysterious Girlfriend X) si occuperà della revision della sceneggiatura scritta insieme a Tatsuya Takahashi (The IDOLM@STER, Phantom ~Requiem for the Phantom~). Tomoyuki Shitaya (Bakuman., Hatsukoi Limited, Kiss×sis) sarà sia il character designer che il capo dei processi di animazione.

Il primo episodio di BlazBlue Alter Memory andrà in onda nel corso dell’autunno.

[ Fonte | ANN ]
[ Fonte | Wikipedia ]

BlazBlue Alter Memory: l’anime, pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 22/05/2013

© Silvia Letizia per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | Un commento |
Tag: Arc System Works, BlazBlue Alter Memory, Deko Akao, Hoods Entertainment, seiji mizushima, Tatsuya Takahashi, teamKG, Tomoyuki Shitaya, Toshimichi Mori

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Finisce il giorno.

Le nubi si distesero sull’esile riflesso poco prima che il sole scomparisse del tutto, poi la porpora scivolò via come un guizzo nella volta celeste. Kiokai, l’enorme pesce che abita il giorno, sfiorò le torri di Numenopoli e con un rapido colpo di coda s’inabissò moveno la brezza della sera. [...] La luna risplendava sul Palazzo dei Potenti come una perla abbandonata in un gioco d’amore. Il giaciglio di stoffa damascena ricordava ancora il caldo tepore dei corpi; l’imprenta di Eros s’increspava di seta suadente e, ringraziando la flebile incadescenza dell’incenso, disegnava trame di cornucopie sui marmi nel Salone delle Quaranta Colonne.

Qui è Regola, e quest’oggi mi prendo qualche minuto della vostra giornata per parlarvi del terzo volume di Noêin, pubblicato nel mese di marzo dalla Cyrano Comics e presentato (con la possibilità di avere uno sconto all’acquisto), allo scorso Mantova Comics&Games. Una delle migliori pubblicazioni della casa editrice del piccione arrivata al terzo volume, composto da 224 pagine, in cui, al prezzo di 9,50€ troverete il nuovo capitolo de Le Ballate di Babilonia e due parti di orWELL, due delle storie che allietano le notti della corte di Numenopoli, raccontate dal Giullare per scacciare la noia dei fratelli Noêin e Nous. Nel volume sono inoltre presenti due brevi racconti dal titolo Gli Occhi di Miranda e Spiragli.

Le Ballate di Babilonia racconta delle vicende dell’oscuro e misterioso Damon Blake, cacciatore di taglie nella città di Neobabilonia, che porta avanti una vita senza troppe pretese o aspettative, proprio in virtù dei segreti che custodisce. Ma per quanto si voglia allontanarsi, rinnegare o ribellarsi dalla verità che si è conosciuta, essa ti perseguiterà per sempre, e ti costringerà a vedere il mondo con occhi completamente differenti, e notare probabilmente sfumature che si sarebbero volute evitare, e di cui la maggior parte delle persone nemmeno conosce l’esistenza. Per quanto vorrà negarlo, il destino di Damon, detto il Rinnegato, è quanto più prossimo e inevitabile si possa pensare.

Le cibernetiche atmosfere di orWELL, del protagonista Primo e sua sorella Alice proseguono, in un mondo dove oramai tutto può essere ridotto a dati, anche le emozioni, come le reazioni ad esse. Solo il protagonista ha qualcosa di strano, e non deve sfruttare questi aiuti nelle sue interazioni quotidiane, ma questa sua particolarità è destinata ad attirare l’attenzione di investigatori, e della F.A.R.M. (Federazione Annichilimento Riflessi Mentali) i cui scopi sono tutt’ora avvolti e nascosti in questo mondo dalle tinte misteriose.

Entrambe le storie condividono lo stesso stile grafico (la prima storia nasce dalle matite di Tristam Strauss, e Diego Mazzo, la seconda solo da quelle di Tristam Strauss) e uno storyboard volutamente regolare e ripetitivo. Le atmosfere eteree vicine a un modo molto pulp e onirico di vedere questo distopico futuro o corso alternativo del genere umano sono rese benissimo dall’effetto quasi “verticalizzante” della struttura di questi due fumetti. C’è poco di umano, la fisicità è quasi assente nonostante ci siano corpi, edifici; tutto è molto evanescente, elevato all’iperuranio, pertanto ricco di quel potere alienante che è il tocco a rendere coinvolgenti le atmosfere, e le storie, composte a loro volta di eventi compresi, ma mai completamente afferrati e metabolizzati, come se vi fosse qualcosa di indecifrabile a essere comunicato pagina dopo pagina. Il tratto, e il disegno di Noêin sono per definizione manga, viene anche arricchito dagli autori di elementi tipici della cultura fumettistica nipponica, come situazioni stereotipate o citazioni; puramente occidentali, invece, quelli che definirei gli enigmatici e onirici fondali che fungono da palcoscenico per gli attori di queste vicende. A volte semplici, a volte intricati, altre volte indecifrabili.

Un saluto a tutti voi lettori di Komixjam, e un ringraziamento a Cyrano Comics per il materiale di riferimento gentilmente concesso per questa recensione.

Noêin 03 – Edito Cyrano Comics, pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 21/05/2013

© Regola per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | Commenta! |
Tag: Cyrano comics, Noein, Noèin:03

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Cominciamo subito con questa recensione che ce n’è di roba da dire. E non solo per quanto riguarda l’episodio in sè. Ho scritto davvero tanto questa settimana…

Davanti a Kasuga si dischiude la porta di casa di Saeki. La madre lo invita ad entrare e, molto gentilmente, lo conduce in camera della figlia. Quest’ultima è immersa nella lettura de “I fiori del male”, in pijama, svaccata sul letto. La madre da fuori le dice che c’è qualcuno che le ha portato i compiti; Saeki, immaginandosi una sua amica, le dice di entrare senza problemi.  Non appena vede Kasuga cerca di coprirsi/nascondersi con le coperte del letto. La madre li lascia soli. Profondamente imbarazzato, Kasuga cerca di avviare una conversazione chiedendo a Saeki se il raffreddore stia migliorando. Nessuna risposta. Sempre più impacciato (soprattutto perchè gli vengono in mente le parole di Nakamura) il nostro tipo chiede alla sua ragazza come mai piangesse la sera prima. Nessuna risposta. Comincia quindi a preoccuparsi ci sia qualcosa che non va e si offre di fare qualsiasi cosa possa essere utile a Saeki. Rapidamente questa si scopre dalle coperte e si siede al limite del letto invitando Kasuga a sederle a fianco. Noi stiamo costruendo piano piano una relazione, cosa pensi che questo voglia dire?

Questa domanda spiazza Kasuga che, forse, da quell’invito si aspettava altro. Saeki quindi procede con un’altra domanda, quella a cui mirava dall’inizio: mi stai nascondendo qualcosa? Kasuga scivola nel panico. Cominciano a passargli di fronte agli occhi  immagini della tuta rubata, dell’assalto in biblioteca di Nakamura e della tuta sotto i suoi vestiti all’appuntamento. Sembra deciso una volta per tutte a liberarsi di questo peso e avere quindi una relazione aperta, oltre che sincera, con Saeki. Ma non ce la fa e nega abbia qualcosa da nasconderle, tutto bene. Lei conclude la conversazione con un: va bene, mi fido. Kasuga lascia la casa e passando dal punto di vista di Saeki capiamo che quello che la preoccupava non era la questione della tuta (di cui lei non sa nulla), ma piuttosto dello stralcio di conversazione colta precedentemente tra Nakamura e Kasuga. Quando la rossa disse al ragazzo: Saeki vuole scopare con te! Saeki coglie solo un: voglio scopare con te! (fraintendimento più realistico in giapponese, suppongo). Quello che preoccupa la ragazza di Kasuga è che quest’ultimo possa avere un’infatuazione per la sua amica rossa. Oh, Saeki! Se solo sapessi… Piccolo appunto: Saeki ha iniziato a leggere I fiori del male e, trovandolo piuttosto difficile da leggere, si complimenta con Kasuga per i suoi gusti, la sua maturità e robe varie; tutto ciò però fa sentire Kasuga peggio dato che, col segreto che nasconde, il contrasto tra quello che è e quello che Saeki vede lo tortura.

E questo tormento, Kasuga lo confessa a Nakamura. Insomma lei è perfetta, si è fatta un’idea di lui che è solo superficiale e purtroppo è quel Kasuga che le piace. Saeki non immagina quello di cui è stato capace, i pensieri che lo colgono a volte; questo dover vivere “nell’ombra” quella che potrebbe essere una bella relazione (con la sua musa, tra l’altro) lo tormenta. Vorrebbe non aver mai rubato quella tuta. Ovviamente il passato non si può cambiare, quello che può fare è confessare. Colto dal pianto prega in ginocchio Nakamura di farlo per lui, di dirlo lei a Saeki. Dopo una risata quasi interminabile, Nakamura lo apostrofa con un: che sfigato! Ma sorprendentemente accontenta Kasuga. Lo farà. La rossa lo invita a trovarsi dietro la scuola a mezzanotte, e che porti con sè la tuta incriminata.

Si incontrano, entrano nella scuola, vanno alla loro classe, Nakamura sale in cattedra con la tuta tra le mani. Kasuga ha mostrato alcune incertezze nell’introdursi di notte all’interno della scuola, ma poi ha docilmente seguito quel demone dal nome Nakamura. Chiamato alla lavagna, dotato di un gessetto, viene ordinato di scrivere il suo “crimine”. Dovrà scrivere di uno dei suoi lati più nascosti, lasciando in classe la tuta così che la mattina dopo tutti sapranno la verità. Questo non è esattamente quello che Kasuga aveva in mente e infatti finisce per litigare violentemente con Nakamura rifiutandosi di fare quello che lei gli dice. Nakamura non ha mai avuto intenzione di fargliela passare facile… insomma la vita non è tutta fiori e unicorni: certe volte c’è da scodellarsi della sbobba impronunciabile. L’immaturità di Kasuga la fa incazzare e per di più questo step, che per lui risulterà di maturazione, per lei non sarà che di appagamento (come ha sempre sostenuto dall’inizio) nel vederlo sputtanato di fronte al mondo. Kasuga continua a sostenere la sua volontà di essere all’altezza di Saeki e di poter essere considerato una persona normale, come tutti. Quindi cancellare i suoi peccati in modo “silenzioso”. Tutto ciò, come prevedibile, delude Nakamura al punto che, apostrofandolo malamente (sei come tutti gli altri, tutto quello che dici o fai è merda!), lo lascia solo in classe. Nakamura infatti decide di andarsene. Il contratto è rescisso, il tutto sottolineato da lei che re-indossa gli occhiali. 

Inizia così la scena finale, una delle tre scene per cui il manga è ricordato.

Kasuga richiama Nakamura e, incazzato come una bestia comincia a scrivere forsennatamente sulla lavagna, firmandosi. La rossa si volta, ma non sembra soddisfatta e gli dice di scrivere di più. Frustrato manda all’aria il cassetto coi gessetti e comincia a riempire, oltre la lavagna, il parquet con le sue confessioni. Scrive fiumi di ideogrammi quando qualcosa gli schizza ma mano di nero: Nakamura gli sta porgendo inchiostro e pennelli. Kasuga inizia ad imbrattare le pareti correndo attorno alla stanza mentre Nakamura danza divertendosi come una matta, e direi anche un po’ eccitata dalla faccenda. Il vandalismo procede con il ribaltamento violento di tutti i banchi e delle sedie andando a formare uno spazio circolare centrale dove Kasuga si mette a disegnare il “fiore del male” rappresentato sulla cover del libro di Baudelaire. Il tutto termina con Nakamura e Kasuga senza fiato distesi, lì al centro, sporchi di inchiostro e gesso ma profondamente soddisfatti. Lì per terra è presente pure la tuta di Saeki. Cala il sipario su uno sguardo d’intesa tra i due ragazzi.

Prima di parlare un po’ di quello che potrebbe essere passato per la cocuzza dei nostri tre ragazzi vorrei fissare il punto su un elemento che non ho mai affrontato prima, e a ragione. Aspettavo questo settimo episodio per due cose: la scena finale e l’opening. Sappiamo tutti che l’ending è piuttosto disturbante e inquietante, ma quanti hanno prestato attenzione all’opening? Cambia ogni tre episodi e anche le decorazioni hanno colori diversi. Per chi ancora non ci fosse arrivato leggendo i testi, ogni opening è incentrata su un personaggio che parla di sè in prima persona. ogni colore assegnatogli è lo stesso con cui è identificato nelle prime tre cover degli albi del manga. Verde per Kasuga (prima OP), rosa per Nakamura (seconda OP) e blu per Saeki (terza OP). Queste tre OP sono utilissime per capire un pochettino meglio la psicologia di questi tre personaggi, alcune cose che s’intuiscono potete già ritrovarle nei miei vecchi articoli. E a mio parere quella di Nakamura è una figata, ma son gusti. Sorpassata la questione opening, vediamo di guardare a quanto è successo nella puntata.

Saeki, tra la scorsa puntata e questa (se possiamo prestare fede alle parole di Nakamura), si mostra simile a Kasuga: soffocata dall’esterno e dalle aspettative degli altri in modo tale da nascondere alcuni suoi desideri o pensieri. Questo però non la porta a intuire la condizione di Kasuga. Convinta egli sia realmente come appare decide di dargli piena fiducia. Kasuga invece arriva al punto di rottura. Ci sono voluti sette episodi, ma alla fine è collassato. I risvolti li vedremo settimana prossima. Quello che è interessante notare è che, nonostante tutto, è lui a richiamare Nakamura. La rossa, infatti, non sta facendo il giochetto “adesso fingo di andarmene, così mi richiama indietro”. E’ una logica che non appartiene al personaggio, Nakamura si è davvero rotta dell’atteggiamento di Kasuga. Quest’ultimo, con rabbia, si accorge che purtroppo Nakamura lo comprende meglio di chiunque altro e che quel legame, che fino ad ora è stato di sudditanza, è un’amicizia distorta. Senza Nakamura, tornare alla normalità sarebbe dura visto che, nonostante la “forma” con cui viene espresso, quello fornitogli dalla ragazza è supporto. La rossa rimane ancora difficile da decifrare e questa ossessione rivolta al sesso ha qualcosa di poco chiaro. Non sembra disprezzarlo in quanto tale (da parte sua credo vi sia solo un profondo disinteresse verso la questione) piuttosto disprezza le persone il cui unico scopo è unirsi nel sesso. Odiare, amare, mentire tutte azioni in funzione del mero contatto fisico, senza mai scoprirsi veramente verso gli altri e nascondere quello che ognuno di noi è veramente: uno stronzo maniaco pervertito.

Avevo detto che non avrei più parlato dell’animazione ma, domanda: a voi non sembra che stia migliorando ad ogni episodio? A testimonianza di ciò porto la scena finale. Dio mio cosa non è quella scena! Azzeccata poi la scelta di non fare l’ending in schermo nero ma approfittare di quel tempo per proseguire con la narrazione.

Siamo a metà stagione e si prospetta il problema del finale. Per porsi il problema di come (più precisamente a che punto della narrazione) si concluderà questa serie bisogna prima chiedersi: ci sarà una seconda serie? In caso affermativo ci possiamo verosimilmente aspettare un cliffhanger finale, in caso negativo ci sono due uniche soluzioni:

1. stravolgimento della trama per rendere “conclusiva” la serie.

2. interruzione in un punto che possa risultare come un finale realistico.

Prego dio che ci sia una seconda serie, soprattutto perchè basterebbe una seconda serie da 13 per concludere la storia visto che il manga si sta dirigendo verso la fine. Entrambe le scelte che prevedo in caso questa sia l’unica serie sarebbero insoddisfacenti, soprattutto perchè taglierebbero fuori le altre due scene clou a cui mi riferivo. Infatti ho una mezza idea di quale sarà il punto finale di questa stagione, se ho fatto i conti bene, e non sarebbe niente di speciale.

Vi reinvio alla settimana prossima, che intitolo già: Conseguenze.

Stay tuned!

Aku no Hana – Recensione [07], pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 21/05/2013

© Kirisuto per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | 2 commenti |
Tag: Aku no Hana, aku no hana anime, aku no hana episodio 7, recensione aku no hana

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Notizia dell’ultimo minuto dal sito ufficiale della Shueisha, la rivista Weekly Shonen Jump ha annunciato che One Piece, di Eiichiro Oda, andrà in pausa per le prossime due uscite della rivista. Gli editori hanno giustificato l’assenza degli episodi poichè il mangaka è stato ricoverato per un ascesso peritonsillare, un’infenzione spesso causata da tonsillite. Pertanto One Piece non verrà pubblicato nelle uscite della rivista del 27 maggio e del 3 giugno, ma non dovrebbero esserci complicazioni ulteriori, e il manga tornerà nell’uscita del 10 giugno.

Gli editori hanno anche fatto presente che One Piece verrà inserito nelle cartoline che verranno pubblicate nella prossima uscita, poichè Oda aveva terminato la sua da tempo. Sebbene l’assenza nella lista delle uscite della settimana prossima sia stata motivata da tonsillite gli editori hanno voluto specificare che si tratta di un ascesso peritonsilare, e scusarsi con tutti i fan di One Piece per questo imprevisto.

[Fonti\ANN]

One Piece in pausa per due settimane, pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 21/05/2013

© Regola per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | 3 commenti |
Tag: Eiichiro Oda

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L’autore del manga di L’attacco dei giganti, Hajime Isayama, si occuperà di supervisionare le visual novel, e la software house Nitroplus (Steins;Gate, Phantom 〜Requiem for the Phantom〜) collaborerà alla produzione insieme alla Production I.G. L’illustratore della Nitroplus Namaniku ATK si sta occupando del character design dei personaggi e lo scrittore della Nitroplus Gan Saaku (Suisei no Gargantia) sta scrivendo le storie per i personaggi di Eren e Levi. Anche lo sviluppatore Jin Haganeya sta lavorando alle visual novel. Si tratta della seconda volta in cui Haganeya si trova a lavorare a una visual novel tratta da un anime diretto da Tetsuro Araki, dopo Guilty Crown. Lo sceneggiatore Hiroshi Seko (L’attacco dei giganti, Panty & Stocking with Garterbelt ) sta scrivendo le storie con protagoniste Mikasa e Annie.

Il terzo Blu-ray della serie uscirà il 18 settembre e conterrà la storia Lost in the Cruel World, scritta da Seko e con protagonista Mikasa, e la storia Kuinaki Sentaku [Yokoku] (Una scelta senza rimpianti: anteprima) scritta da Saaku, sul passato di Levi e Erwin. Il sesto Blu-ray uscirà il 18 Dicembre e conterrà la storia Kuinaki Sentaku scritta da Saaku, la visual novel di Haganeya, ancora priva di titolo, su Eren e Levi, e quella di Seko intitolata Wall Sina, Goodbye con protagonista Annie.

Le visual novel potranno essere giocate su console dotate di lettore di Blu-ray, così come su normali lettori di Blu-ray. Non è ancora stato annunciato se i videogiochi saranno tradotti in inglese o no.

[ Fonte | ANN ]
[ Fonte | Wikipedia ]

L’attacco dei giganti: in produzione cinque visual novel, pubblicato su Komixjam: Manga, Anime e Comics il 21/05/2013

© Silvia Letizia per Komixjam: Manga, Anime e Comics, 2013. | Un commento |
Tag: hajime isayama, Kuinaki Sentaku [Yokoku], l'attacco dei giganti, Lost in the Cruel World, production i.g., Wall Sina Goodbye

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