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Estevan Oriol

Joia Magazine — Tue, 24 Mar 2009 04:05:26 +0000

Es difícil imaginar que un guardia de discoteca pueda terminar dirigiendo videoclips de Cypress Hill, pero esta vez el asunto fue mucho más allá. Oriol no sólo dirige videos musicales para Eminem, Linkin Park, Blink 182, Paul Wall, P.O.D., Xzibit o D12; además de eso, en calidad de fotógrafo, tiene como clientes a Nike, Rockford Fosgate y Cadillac, y ha dirigido proyectos publicitarios para My Cadillac Stories, MTV y Apple Computer. Pero la mayor proposición de Oriol se aleja de lo comercial: consiste en una fotografía que se mueve entre lo artístico y lo documental. Su cercanía al Hip Hop –mundo del que se hizo un miembro más en los tiempos en los que estuvo a cargo de las giras de Cypress Hill– le fue mostrando cada vez más un mundo marginal al que el fotógrafo quiso acercarse para retratarlo. Sin mayor enseñanza que la que le dicta su criterio, Oriol empezó a fotografiar escenas de los espacios que le han parecido interesantes. Y eso es lo que hace hasta el día de hoy. Al otro lado de su cámara ha visto pasar tipos amenazantes, mujeres hermosas y personajes que se han hundido entre las nubes del negocio de la música, y en nada ha cambiado su estética que, más que una estética, parece sólo querer ser un retrato de lo que ve; una imagen que busca anular la presencia del fotógrafo para dejar todo el protagonismo a la escena y al personaje fotografiado. Hoy Estevan Oriol, con 39 años y radicado en Los Ángeles, California, sostiene una docena de proyectos diferentes, principalmente relacionados con la fotografía, interesado sobre todo en la locura que nos rodea hoy en día.

-Cuéntanos acerca de tus inicios como fotógrafo.

La pasión por la fotografía empezó más o menos por el año 1995. Antes de eso estaba preocupado de las giras de House of Pain y de manejar mi club, el “Lifestyle Car Club”; en otras palabras, me dedicaba a recorrer el mundo y a pasarlo bien.

-Sabemos que el hip hop ha sido muy importante para ti…

Demasiado. La mitad de mis archivos son sobre hip hop. Esto se lo debo a que durante mucho tiempo me tocó estar a cargo de las giras de Cypress Hill: no habría fotografiado tanto hip hop y no tendría tantas conexiones si no fuese por eso. Definitivamente, buena parte de las cosas que he logrado en mi carrera se las debo al hip hop.

-¿Cómo conociste a Cypress Hill?

Solían ir al club en el que yo trabajaba de portero el año 1989. Con el tiempo fuimos haciéndonos amigos, hasta que un día llegó DJ Muggs y me preguntó si quería ser gestor de giras de House of Pain. En eso estuve tres años, recorrí el mundo con ellos, hasta que dejaron de hacer giras, entonces quedé a cargo de Cypress Hill. Fueron diez años con ellos, visitamos en total 44 países y todos los estados de EE.UU. varias veces. Pasábamos mucho tiempo juntos, de manera que hasta el día de hoy somos muy amigos, ¡una familia!

-Tus fotografías se caracterizan por mostrar la crudeza de algunas realidades. ¿Qué buscas cuando decides sacar a la luz imágenes de un mundo que se caracteriza precisamente por su oscuridad, su poca publicidad? ¿Te sientes en ese sentido un documentalista?

Sí, me gusta verme como un documentalista. Me gusta mucho trabajar con retratos… estoy simplemente recogiendo tanto como pueda y mientras pueda. El mundo cambia todos los días, muy rápidamente, y justo delante de mis ojos… es una locura, y yo me dedico a retratarla, a documentarla.

-Tus fotografías son muy características; tienes un estilo que se reconoce fácilmente. ¿Esto se ha dado de forma natural, por el entorno en el que te ha tocado vivir, o siempre has estado buscando tener esa línea fotográfica, dejando de lado otras posibilidades?

Yo diría que sucedió muy naturalmente, es un estilo muy propio. Al principio no intentaba ser fotógrafo, estaba solamente tomando fotos… y la verdad es que eso nunca ha cambiado. Mi estilo ha sido el mismo desde el primer día; eso podrá verse con mayor claridad pronto, cuando se publiquen mis libros.

-Lo más conocido de tu trabajo como fotógrafo está relacionado con las pandillas y el hip hop, pero también tienes un buen prontuario en materia de belleza, fotografiando chicas latinas. Sabemos que actualmente estás trabajando en un proyecto llamado L.A. Women. ¿En qué consiste?

Se trata de un libro de 112 páginas, en el que aparecen todas las mujeres que he fotografiado en Los Ángeles, en diversos ambientes y situaciones. Este es otro proyecto que surgió sorpresivamente para mí. He fotografiado mujeres desde que tomé la cámara; fueron acumulándose fotos, hasta que a alguien se le ocurrió hacer un libro. Será publicado este año en Italia, a través de la editorial Drago. Ahora estamos en las etapas finales del diseño.

-Háblanos de tu relación con el gran Mr. Cartoon, y acerca de la marca de ropa que han creado en conjunto: Joker.

En realidad la marca de ropa Joker fue creada por Mr. Cartoon y un amigo suyo, creo que el año 1996. Después de la primera estación decidieron no seguir más en el rubro; fue entonces cuando B Real (de Cypress Hill) y yo se la compramos y seguimos con el negocio, siempre teniendo a Mr.Cartoon encargado del diseño. Pasaron muchas personas como socios de la marca, pero finalmente logré que quedásemos como dueños Mr. Cartoon y yo. Eso fue alrededor del año 2000. Hoy seguimos en el juego y cada vez nos hacemos más fuertes.

-También estás trabajando en una película biográfica de Mr. Cartoon, que llevará por nombre “INK”. Cuéntanos de qué se trata.

Todavía está en proceso de construcción de guión, de manera que no es mucho lo que puedo adelantar. Yo quedé a cargo de la creación de un reparto de 3 cuadros, pero aún no empiezo porque estoy esperando que esté listo el guión.

-Además de la fotografía, el negocio de la moda y la película, creaste una agencia llamada S.A. Studio (Soul Assassins). ¿En qué consiste?

S.A. Studio es una agencia de diseño, de marketing y de arte. Hacemos muchas y muy diversas cosas: cubiertas de DVDs, de CDs, carteles de películas, de eventos, campañas publicitarias, logos, documentales, vídeos musicales, sesiones fotográficas, etc. Hay mucho trabajo ahí.

-Y también estuviste trabajando en un proyecto realizado en conjunto con Adidas, llamado “1979”…

Claro. Desde L.A. me contactaron para colaborar con una gran tienda de zapatillas, para relanzar uno de los diez mejores modelos que ha habido desde 1979. Entonces nos encargamos de diseñar las cajas, y yo realicé un fotobook sobre baloncesto. Había sólo 650 series hechas. Todo se agotó rápidamente.

-Volviendo al cine: participaste también en la fotografía para la película Rightous Kill. ¿Cómo fue esa trabajar por primera vez en ese formato?

Hice una sesión fotográfica con dos de mis actores preferidos: Roberto De Niro y Al Pacino. La sesión entera duró cuatro minutos y medio. Por suerte a la compañía que estaba a cargo de la película le gustó mi trabajo; así fue como mis fotos fueron lanzadas como el cartel principal de la película, y ahora también están en la cubierta del dvd.

-Hace poco vimos en tu blog unas fotos en Panamá, trabajando para un proyecto documental… ¿Qué nos puedes contar de ese nuevo proyecto?

Se trata de un proyecto que busca retratar la situación de unos presos que construyeron una biblioteca y un estudio de música en la prisión, para rehabilitarse a través de la educación y la música. Es muy interesante y motivador ver lo que se está haciendo allá.

-Tienes mucha cercanía con el mundo de las pandillas, los tatuajes y los latinos. ¿Qué opinión tienes respecto al fenómeno de las MARAS?

Me parece que es algo muy serio. Creo que es una locura todo lo que los medios los promueven, finalmente hacen que el movimiento sea más atractivo y más grande. No cabe duda de que toda la mediatización del fenómeno provoca que el movimiento crezca cada vez más.

-Sabemos que eres un amante y defensor de la vieja escuela de la fotografía… ¿Qué opinión tienes respecto al uso –o abuso– de la manipulación fotográfica en photoshop, que es tan común en estos tiempos?

Creo que es hacer trampa. En cuanto a mi trabajo, algunas revistas ahora me lo exigen, pero intento no hacerlo mientras me es posible. Si uno toma una foto suficientemente buena, no es necesario manipularla en la computadora. Hay gente que ve arte en el trabajo de photoshop, pero no es mi caso, creo que lo único que se logra con esos programas es destrozar las imágenes.

-¿Cómo ves a EE.UU. liderado por Barack Obama? ¿De qué forma crees que pueden verse beneficiadas los latinos que viven y se buscan una vida ahí?

No sé. Ya lo veremos. Según lo que ha hablado, todo se ve genial… ahora es tiempo de ver la acción.

-¿En qué otros proyectos te encuentras actualmente, además de los muchos acerca de los que ya nos has hablado?

Tanto el libro de la Cultura del tatuaje como el L.A. Woman están en proceso de diseño. Ambos serán lanzados este año 2009. Por otro lado, estoy publicando constantemente en revistas, todos los meses. También, además de la marca de ropa Joker Brand Clothing, tengo la marca Estevan Oriol Clothing, que no me da menos trabajo que la primera. Y bueno, los documentales y la película. Se viene un año cargado.

Felice Varini

Joia Magazine — Tue, 24 Mar 2009 04:04:01 +0000

Felice Varini es un artista que ha intentado llevar al extremo la idea de una pintura que exista por sí misma, independiente del artista y el observador. Para esto, se ha servido de la arquitectura y de los espacios abiertos, a los que les encomienda una responsabilidad considerablemente mayor que la de oficiarlas de mero soporte: el lugar preexistente en el que toman forma las pinturas de Varini pasa a ser parte de la esencia de las mismas. Y es que Varini en cada entrevista que le hacen repite que su trabajo no consiste en ilusiones ópticas, sino más bien en buscar las posibilidades profundas de la abstracción de una pintura, cosa que ocurre desde cualquier lugar que ésta sea observada. Ya han pasado más de treinta años desde que Varini dio con la idea, treinta años de acumulación de premios, exposiciones en todo el mundo y publicaciones en libros y revistas, y la obra, pese a ser sostenida siempre por la misma idea básica, sigue impactando a los observadores que les toca habitarla. Se trata de un experimento con el espacio, un acto de fricción entre bidimensionalidad y tridimensionalidad, que pone en juego coordinado a las artes arquitectónicas y pictóricas.

Felice Varini nació el año 1952 en Locarno, Suiza, y hoy está radicado en París, aunque casi todo su tiempo lo pasa viajando para exponer su peculiar forma de hacer arte. Sin más preámbulos, dejemos que él mismo sea quien explique su obra en entrevista exclusiva con Joia Magazine.

Observando tu obra, uno se pregunta cómo has llegado a trabajar de un modo tan peculiar. ¿Qué crees que te ha ayudado a seguir el camino que llevas?

En Locarno, mi ciudad natal, había una galería de arte moderno llamada Galleria Flaviana de Rinaldo Bianda. Estaba muy intrigado por lo que presentaba esta galería, de manera que entre los 10 y los 16 años de edad empecé a frecuentar el lugar. Así fue como conocí la obra de Lucio Fontana, Manzoni, Richter y la de otros artistas de la vanguardia de la época. También vi por primera vez los geométricos suizos Max Bill y Lohse. Yo iba solo y era muy niño, de manera que fui construyendo mi propia idea de lo que veía, sin un discurso establecido que me diera explicaciones rápidas. Sin duda esos fueron años que me marcaron profundamente.

El año 1978 empezaste a trabajar con el espacio. ¿Cómo llegaste a eso?

Antes de empezar con lo mío, pasé un tiempo trabajando en el teatro en Ginebra haciendo escenografías. Ahí estuve seis años, para luego partir a París. Fue en Francia donde decidí empezar un trabajo personal como pintor. Lo que había aprendido en Ginebra me tenía pensando en el espacio: desde entonces supe que el espacio era materia viva para mi obra. Trabajar en el espacio me permitió librarme del soporte del lienzo, que consideraba demasiado estrecho.

Tu trabajo, que ocupa un espacio intermedio entre la pintura y la arquitectura, nos hace tener ilusiones ópticas que presentan imágenes bidimensionales que aparentan estar flotando, como fuera del paisaje: ¿qué intención hay, a nivel discursivo, en este esfuerzo?

Bueno, es cierto, mi pintura se desarrolla en relación estrecha con el espacio tridimensional. Utilizo uno o varios puntos de vista para construir la imagen en el lugar donde me toca pintar. El tema es el resultado de la relación entre el espacio y la geometría sencilla que en cada caso decido utilizar. Cuando mi pintura está terminada, si uno se ubica en el “punto de vista aventajado” es posible divisar una figura en dos dimensiones. Sin embargo, para mí el momento más interesante aparece fuera de este punto, cuando la pintura se vuelve abstracta y ya no cuenta nada fuera de su propia realidad. El “punto de vista aventajado” es el método que me permite construir las obras en los espacios. No hago un trabajo en torno a la ilusión, no es mi preocupación en absoluto. Lo real es bastante interesante para mí, mucho más que la ilusión.

De acuerdo, pero, aunque no sea lo que más te interesa de tu trabajo, en tus obras siempre hay un punto desde el cual es posible dar con la perfección de la figura que has pensado, y eso suele ser lo que más llama la atención de los observadores.

Generalmente no creo en nada, ni en perfección ni en imperfección. El “punto de vista aventajado” en sí mismo es una visión del espíritu, y su supuesta perfección también. En la realidad, no se trata de un punto único. Ese punto existe, sí, pero existe tanto como todos los otros puntos de vista, y sólo en estrecha relación con ellos y con todos los otros conjuntos de puntos de vista posibles.

¿Cómo llevas a cabo el proceso creativo que va a engendrar cada obra?

Suelo recorrer el espacio observando su arquitectura, sus materiales, su historia y su función en la ciudad. A partir de esos diferentes datos espaciales, y también en relación a la última obra que realicé, determino un punto de vista en torno al cual tomará forma mi intervención.

Has pintado obras inmensas, en esos casos ¿trabajas solo o con un equipo?

Todo depende del tamaño del espacio y de la pintura. El número de personas que constituye mi equipo es variable: desde un sólo asistente hasta 25 personas. Y es variable también a quiénes contrato: a veces es necesario contar con alpinistas y operadores de plataformas telescópicas, por ejemplo.

¿Cómo eliges los espacios que pintas?

Cuando me propuse pintar en espacios arquitecturales, también decidí que no tendría preferencias en cuanto a los lugares de intervención: estoy abierto a todo. No necesito más que un espacio lo suficientemente amplio como para realizar una obra. Las características arquitecturales pueden variar.
El proceso habitual es el siguiente: me invitan a realizar una obra en un sitio. Si lo acepto, voy a conocer el lugar y empiezo un trabajo de reflexión que me llevará a pensar en las formas geométricas, y, finalmente, paso a la realización pictórica.

¿Cómo consigues el permiso para pintar en lugares públicos, y hasta en monumentos históricos e iglesias?

En lo que toca a las obras realizadas en monumentos históricos o en lugares públicos, los trámites para conseguir los permisos son a menudo largos y engorrosos. Suelen ser los organizadores locales los que se encargan de ello. Una vez establecido mi proyecto, ellos se preocupan de contactar a los propietarios privados o públicos para presentarles el proyecto y convencerlos para que autoricen su ejecución; para esto, claro está, hay que garantizarles que sus edificios y ornamentos no serán dañados. Es cierto que no siempre resulta fácil, pero la experiencia me ha enseñado que con paciencia y perseverancia siempre es posible conseguirlo.

Una vez que la obra esta realizada, ¿permanece ahí para siempre o a veces tienes el compromiso de borrarla?

Hay dos tipos de intervenciones. Una es temporal: dura el tiempo acordado para la exposición de arte contemporáneo y luego debe ser borrada. La otra es permanente y concebida para resistir al mal tiempo. Por ahora he realizado muchas más pinturas temporales que permanentes.

¿Consideras que la fotografía del trabajo terminado es también parte de la obra?

No. La fotografía es solamente fotografía. Nunca sustituirá a la obra.

De todos los proyectos que has realizado, ¿hay alguno al que le tengas especial cariño?

La verdad es que el proyecto más importante para mí es aquel que no he realizado todavía. El pasado me da muchas experiencias que pongo en tela de juicio en cada nuevo proyecto.

Háblanos del papel de la luz en tu trabajo.

La luz, reveladora de los espacios, de las tonalidades, de los claroscuros, es absolutamente fundamental. A menudo su acción supera las esperanzas. Muchas veces es imprevisible, particularmente para las obras exteriores, pues la luz nunca es fija: sus influencias sobre los fragmentos pintados no tiene límites. Por consiguiente, el resultado del trabajo nunca es el mismo. Es por eso también que limito mi paleta a los colores primarios, incluyendo el naranja, el negro y el blanco, porque un color pintado en algún sitio en un espacio abierto, es algo realmente poco estable. Según el desplazamiento de la luz y las consiguientes variaciones de las incidencias luminosas, este color puede adquirir otros valores que los que se le quiere dar.

Se ha escrito que tu trabajo es «una variación permanente del objeto en su proyección», ¿qué piensas al respecto?

En mi trabajo –más que en otras expresiones– ocurre que sin la realidad en la que se incluye, sería imposible su existencia, pues mi pintura se enriquece mucho del conjunto y, más aún, depende absolutamente de él. Con mi intervención ocurre algo nuevo, difícil de definir, pero ocurre porque ocurre en “ese” contexto particular. Esto implica que mi pintura se me escapa de las manos, para alcanzar un nivel de abstracción imposible de obtener por mi propia cuenta.

Por la infinitud de posibilidades que permite cada una de tus obras, tu trabajo podría ser citado para hablar de subjetividad y otros conceptos que se han vuelto muy importantes en el pensamiento contemporáneo. ¿Qué piensas respecto a esto?

Bueno, yo no tengo el control de lo que se dice o se escribe sobre mi pintura. A veces la subjetividad del espectador es extraordinariamente fuerte, y esto, a decir verdad, no me gusta mucho. Puedo aceptar que con mi trabajo se construya pensamiento de esa clase, pero siempre y cuando aquella “subjetividad” no se vuelva jamás una verdad ni un dogma cualquiera, ni tampoco alguna clase de a priori; de lo contrario, la rechazo. Se trata, sin duda, de un concepto interesante dentro del pensamiento moderno, y valoro mucho todo lo que se ha pensado desde ahí, pero creo que debe ser tratado con cuidado.

En tus trabajos, sobre todo en los grandes, ¿tomas en cuenta fenómenos de la óptica, como por ejemplo la difracción?

No, nunca me adelanto a la posibilidad de que se produzca esa clase de fenómenos, y tampoco los busco. Y, la verdad, cuando estos fenómenos se producen, no los tomo muy en cuenta.

¿Tienes otras influencias, más allá de la pintura y la arquitectura?

Claro: las mujeres, mi mujer, la música contemporánea, la cocina, mis amigos, la literatura, el vino, Berlín, New York, Tokyo, Locarno, Ciudad de México, Buenos Aires, Berna y mil otras cosas más que siguen construyéndome.

Algunos años atrás publicaste un libro llamado Points of View (2004). ¿Qué nos puedes contar de él?

Es uno de los libros publicados acerca de mi trabajo que han sido publicados. Lars Müller, el editor, Fabiola López Duran, la escritora, y yo, hemos estado seleccionando imágenes tomadas de algunas de mis obras, de manera que éstas puedan expresar lo mejor posible lo que se ha logrado con cada una de ellas. Al contrario de las publicaciones anteriores, se valoraron las obras realizadas en el espacio urbano. Hoy este libro está agotado, pero este año se publicará una nueva edición, incluyendo el mismo texto y añadiendo un complemento para una reactualización. En cuanto a las imágenes, muchas obras recientes sustituirán otras más antiguas. No se tratará de una síntesis, sino de una nueva mirada.

¿Hacia dónde proyectas tu carrera en el futuro?

¡Mi futuro es el presente! Estoy trabajando en muchos proyectos en todo el mundo: actualmente estoy realizando una obra encargada por el Museo V&A de Londres. Para los próximos meses tengo planeado trabajar en el nuevo Centro Cultural Francés; en Ankara, Turquía; en un gran proyecto de exposición en la ciudad de Shanghái, China, y en un encargo en la ciudad de Nagoya, Japón. Todos estos proyectos ya estarán concretados a fines de septiembre. Hay mucho trabajo, ¡y es hoy!

¿Tienes algún proyecto pensado en Sudamérica?

Por ahora no, pero me gustaría mucho volver allá a trabajar. Es una tierra que tiene una vitalidad que me gusta particularmente. Ya he trabajado en Caracas, Venezuela, y conservo un magnífico recuerdo del lugar y de su gente. Quizás pronto aterrice por esos lados, quién sabe.

TEXTO ACERCA DE CÓMO CONSTRUYE SUS OBRAS VARINI

En primera instancia, Varini busca el lugar. Una vez ahí, confecciona una figura geométrica y define el color con el que la pintará. Luego, con un potente foco ubicado a la altura de sus ojos, proyecta la imagen geométrica en el paisaje elegido. Sólo entonces, Varini –y, eventualmente, su equipo de trabajo– comienza a pintar, siguiendo las líneas y figuras trazadas por la imagen proyectada, líneas y figuras que pueden ir en paredes, techos, columnas, ventanas y hasta esculturas que se encuentren en el camino. Sólo se pinta lo que el foco proyecta, dejando así las “sombras” sin pintar, de manera que el resultado final resulta más complejo que el que buscaría un experimento de ilusión óptica. El resultado final se independiza de la figura inicial y adquiere una multiplicidad de formas posibles, completamente independientes las unas de las otras, aunque a la vez se encuentren íntimamente relacionadas.

Adhemas Batista

Joia Magazine — Tue, 24 Mar 2009 04:03:21 +0000

Gregory Crewdson

Joia Magazine — Tue, 24 Mar 2009 04:02:32 +0000

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Niark1

Joia Magazine — Sat, 07 Feb 2009 00:09:34 +0000

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Shawn Barber

Joia Magazine — Sat, 07 Feb 2009 03:08:11 +0000

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Joia Magazine — Sat, 07 Feb 2009 03:07:46 +0000

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Joia Magazine — Sat, 07 Feb 2009 03:06:16 +0000