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Zoë NYC | La qualità italiana per il beachwear made in U.S.A.

noreply@blogger.com (LaMcBull) — Fri, 19 Jul 2013 14:54:00 +0000

Parte oggi da Capri il fashion tour italiano della linea beachwear Zoë NYC Zoe Haggerty e arriverà a Fregene domenica 21 Luglio con una sfilata evento presso lo Janga Beach sul Lungomare Ponente.
Ex modella, ora apprezzata designer negli Stati Uniti come in Italia, ha deciso di dirottare la propria esperienza nel campo della moda. Le materie prime e le caratteristiche di vestibilità sono, insieme all'inconfondibile glam, le vere protagoniste delle sue collezioni di costumi e accessori da bagno. Le sue creazioni traggono spunto dai lunghi viaggi compiuti da Zoe, la cui storia è davvero affascinante: ”È l’essere fuori dai canoni, molto fuori dal comune, che fa spiccare le doti di una ragazza come Zoë NYC”. Lei è una vera e propria giramondo, che va spesso in luoghi esotici per prendere ispirazione per il design dei suoi prodotti. Zoe ama durante i suoi viaggi immergersi nella cultura locale, assaporando i suoi soggiorni tra gli hotel e i mercatini vintage locali. Le più grandi influenze nei costumi di Zoe provengono dalle spiagge di St. Tropez, mentre pietre, ricami e accessori provengono dai suoi viaggi in India. L’Italia invece è il luogo dove cerca la qualità della produzione e l’artigianalità. Ecco perchè Zoe divide il suo tempo tra Capri, dove ha allestito il suo studio ufficio, e New York, creando una splendida collezione di costumi da bagno, lussureggiante ed esotica, diversa da qualsiasi altra. L’evento è in collaborazione con NO LOGO FAKE FASHION, brand di t-shirt romano che per l’occasione presenterà la Tee dedicata allo Janga Beach. Preview dell’evento il 19 a Capri e apertura del temporary shop il 3 Agosto sempre a Capri. In partnership con Anema e Core e Celeste Club Capri.

Reemix presenta: Shablo live

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 04 Jul 2013 08:28:00 +0000

Anche la seconda fase di Reemix si è conclusa, ed è tempo di festeggiare.

Per l’estate Reemix si sposta a Perugia durante il periodo più caldo e più vivo per la città. Il padrone di casa stavolta è Shablo, protagonista di questa parte del contest con la traccia “Get Loose”, realizzata in coppia con lo storico MC di Detroit, Dank.

A condividere la consolle con lui saranno i The Elhits, vincitori scelti tra tutti i remixers che hanno messo mano al pezzo.

Festeggeremo giovedì 11 luglio alla Terrazza, all’interno del Mercato Coperto di p.zza Matteotti, ma se volete essere presenti dovrete venirvi a pescare un invito nel nostro aperitivo pre-party ospitato da Smooth.Di origine argentina, Shablo è il più eclettico e brillante tra i beatmakers italiani.

Ha prodotto tracce per tutti i grandi nomi hip-hop della penisola (Club Dogo, Kaos, Marracash, Tormento, Fabri Fibra, Noyz Narcos), un album solista e collaborazioni con artisti di tutto il mondo.

Nel 2011 ha dato alle stampe Thori & Rocce, parata di stelle coprodotta con Don Joe dei Club Dogo. Attualmente si divide tra Italia e Olanda. Più recentemente ha prodotto due tracce per Salmo, contenute nel suo ultimo album Midnite e ha curato l'intera produzione artistica del disco di Clementino in uscita questa primavera.

Fatti un giro nel sito / Segui l’evento su Facebook

UNITE ALL ORIGINALS

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 20 Mar 2013 00:20:00 +0000

Per celebrare la campagna “Unite All Originals” e la sneaker Torsion Allegra, grande novità in casa Adidas Originals, il brand lifestyle da appuntamento a tutti i suoi fan in giro per l’Italia, con una serie di eventi che porteranno alla luce incontri artistici e nuove opere uniche e originali.

Ad aprire le danze, Perugia, venerdì 22 marzo presso lo store Smooth di Via Oberdan 13.
Questo evento esclusivo vede la “collisione” tra Zero-T, uno dei primi interpreti della scena writing italiana, e Mario Terradura, artista visivo che crea opere in video mapping, che lavoreranno in tempo reale sulle vetrine, reinventandole con creatività e stile.
In esclusiva presso lo store Smooth sarà anche possibile trovare un vinile in edizione limitata, nato dall’incontro tra due dei personaggi più in vista della scena creativa italiana: da una parte Phra, volto dei Crookers e creatore dell’etichetta indipendente LuckyBeard; dall’altra Stefano Monfeli, in arte Pane, artista pop di estrazione underground e cofondatore di WhyStyle, la crew romana conosciuta per la reinterpretazione della scena writing.
Il pezzo contenuto nel vinile si intitola Descending Love, inedito prodotto in esclusiva da LuckyBeard il cui artwork è curato da Pane.
“Unite All Orignals” proseguirà con Taranto (22 marzo), Napoli (4 aprile), Roma (12 aprile)
e Milano (19 aprile).

LAMENTO

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 31 Jul 2012 14:04:00 +0000

Il motion designer francese Joshua Catalano crea un video super, di 4 minuti circa, per il talentuoso dj John Talabot, autore dell'ultimo EP Families.

France based motion designer Joshua Catalano takes us on a wild trip into the unknown in his 3D animation titled LAMENTO. The musical track Lamento was created by Barcelona producer John Talabot, from his last EP Families.

Nulla da aggiungere, godetevi la track ed il video.

Watch the beautiful video and listen the related track. That's all.

Abstract Vision of Architecture + Khaa PINS Live!

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 10 Jul 2012 08:00:00 +0000

l'evento nell'evento
Abstract Vision of Architecture / 6-15 Luglio 2012
Khaa PINS Live! / giovedì 12 Luglio 20:00-00:00
Ipso Arts Gallery a Perugia

Per combattere la fiacca e l'apatia dovute al caldo esuberante di queste giornate di Luglio, occorre tenersi attivi mentalmente; e quale posto migliore per rinfrescare la mente se non Perugia nella settimana dell'UmbriaJazz?
È ben noto a tutti l'effetto domino che scaturisce da questo tipo di eventi, in cui si genera un fermento culturale che coinvolge ogni tipo di produzione artistica e di arte applicata possibile. Grazie a questa catena di accadimenti nuove facce, nuovi sguardi, nuovi punti di vista riescono a prender parola e conquistare uno spazio d'attenzione.

Abstract Vision of Architecture è una riflessione fotografica sull'architettura senza implicazioni architettoniche.
Nel gioco della dicotomia tra reale ed astratto, gli scatti di Gemma propongo un'architettura scevra di significati funzionali: l'interpretazione spetta all'osservatore.
"cosa c'è di pIù reale, plastico e concreto dell'architettura?
com'è possibile trasformare l'architettura in arte astratta?"
Perugia, via Bonazzi, Galleria Orsini.

Khaa PINS! è "un laboratorio artigianale pronto-uso" per la realizzazione di spillette.
A cosa serve una spilletta? Una spilletta è il ricordo di una manifestazione, è il souvenir di un marchio ed è espressione artistica immediata.
Khaa PINS Live! è l'evento della produzione istantanea di un momento da incorniciare.
Con più di sedici tecniche diverse si possono avere subito piccole creazioni artistiche personalizzate e realizzate con cura.
La cosa più geniale che caratterizza questo evento è la possibilità di creare personalmente la propria pin tramite le schedine DIY: una frase, un nome, una foto, qualsiasi cosa si voglia appuntare. Uomo avvisato, mezzo salvato.
giovedì 12 Luglio dalle 20:00.

SEBASTIANO MAURI | WHO’S YOUR GOD?

noreply@blogger.com (Dodo) — Fri, 06 Jul 2012 17:34:00 +0000

Sincretismo. Così si può riassumere in una parola l’arte di Sebastiano Mauri. Video e installazioni generate dalla globalizzazione, dal multiculturalismo, dall’ibridazione di elementi molto diversi fra loro. O no?

Syncretism. So we can summarize in one word the art of Sebastiano Mauri. Videos and installations created by globalization, multiculturalism, the crossing of elements very different. Or not?

In numerose opere dell’artista italo-argentino ritroviamo una fusione di elementi semantici provenienti dalle culture più geograficamente lontane fra loro. La sua riflessione si incentra soprattutto sulla religione e, in particolare, sulle varie rappresentazioni delle divinità nei vari credo.

Nell’installazione My God is your God il dio che Mauri ci presenta è una figura ottenuta dall’unione delle caratteristiche fisiche di Gesù, Shiva e Horus: tre divinità che hanno inaspettatamente molto in comune, nelle vicende e nelle biografie, a partire da un originario culto del sole. Così, come lo stesso artista dice, “(...) My God is your God è l’esercizio di immaginare Dio come una categoria flessibile, antica e modernissima al tempo stesso”.

In many Anglo-Argentine artist's works we find the fusion of semantic elements from multiple cultures, geographically far apart. His research focuses mainly on religion and, in particular, on the different representations of the deities in the different beliefs.

In the installation My God is your God the God who presents us Mauri is a figure obtained by the union of the physical characteristics of Jesus, Shiva, and Horus: three gods who have unexpectedly much in common, in the events and in the biographies, from a original worship of the sun. Thus, as the artist himself says, "(...) My God is your God is the exercise of imagining God as a flexible category, ancient and modern at the same time."

Per assemblare i suoi Altars l’artista utilizza prodotti di merchandising popolare, realizzando dei microset in cui le divinità appaiono sospese in un mondo più kitsch che metafisico, ma solo perché ispirato alle immagini votive correnti. Dio infatti è sostanzialmente un essere che nessuno ha mai visto, ma nella cui esistenza gli uomini credono. Così, le immagini che ne abbiamo sono solo delle ideali rappresentazioni.

To assemble his Altars, the artist uses the popular merchandising products, creating microsets where the deities are suspended in a world more kitsch than metaphysical, but only because it inspired by currents votive images. God is essentially a being that nobody has ever seen, but in which men believe. Thus, the images that we have are only ideal representations.

Questa stessa caratteristica è propria degli alieni e Sebastiano Mauri ha provato ad immaginare cosa succederebbe ribaltando i ruoli: nella serie di sculture Aliens, degli extraterrestri mostrano ai propri simili dei souvenir dal pianeta Terra e scopriamo che, aspetto a parte, nel comportamento non sono così diversi da noi.

Questa serie sembra invitarci ad abbattere ogni pregiudizio nei confronti dell’Altro, di chi ci è estraneo, che ha una cultura, una lingua o dei tratti differenti. Se l’omologazione appiattisce e non dà dignità al singolo individuo, le diversità al contrario arricchiscono.

This same feature is characteristic of the aliens and Sebastiano Mauri tried to imagine what would happen reversing the roles: in the series of sculptures Aliens, extraterrestrials show their similar souvenirs from planet Earth and we discover that, aside from appearance, behavior is not so different from us.

This series seems to invite us to break down any prejudice against the Other, who is alien, who has a culture, language, or different traits. If standardization flattens us and gives no dignity to the individual, diversity, contrary, enriches.

Nel video Immanence la nostra flessibilità mentale è in un certo senso messa alla prova e, se proveremo a trarre delle conclusioni dalle immagini iniziali, verremo smentiti. Questo video infatti, il cui titolo rimanda al concetto buddista di “immanenza” secondo cui una stessa anima può coesistere in due corpi differenti, è composto di diversi frammenti che “spiano” dei momenti della vita di ognuno dei protagonisti: all’inizio l’artista ce li presenta tramite uno stretto primo piano che nasconde il contesto, e solo in un secondo momento ci mostra quello che sta accadendo realmente (guarda qui un estratto del video http://www.sebastianomauri.com/works_video.php?id=2).

In the video Immanence our mental flexibility is in a sense put to the test and, if you try to draw some conclusions from the initial images, we will be proven wrong. This video in fact, whose title refers to the Buddhist concept of "immanence", which says that one soul can exist in two different bodies, is composed of several fragments that "spy" moments of the life of each of the protagonists: at the beginning the artist presents them through a narrow first floor that hides the context, and only later shows us what is really happening (see here an extract from the video http://www.sebastianomauri.com/works_video.php?id=2).

Scriveva Erich Fromm in Avere o essere: “Il bisogno di religione è radicato nelle fondamentali condizioni di esistenza della specie umana”, e ancora: “Il problema non è però formulabile con la domanda: religione o no?, ma soltanto come: che tipo di religione?”. Quella di Mauri è sicuramente la meno conflittuale, raccolta in un’unica preghiera panteistica.

Erich Fromm wrote in To Have or to be: "The need of religion is rooted in the fundamental conditions of existence of the human species", and again: "The problem is not formulated with the question: religion or not?, but only as: what kind of religion?". The one of Mauri is definitely one of the less confrontational, collected in one pantheistic prayer.

Sebastiano Mauri, di origine italo-argentina, nato a Milano nel 1972, ha vissuto e lavorato per anni tra Milano, New York e Buenos Aires.

Si è laureato alla scuola di cinema della New York University e per i suoi cortometraggi ha vinto il Warner Brothers Award e il Martin Scorsese Post-Production Award. Ha studiato alla Byam Shaw School of Art di Londra e all’Art Students League di New York. Artista visivo, le sue opere sono state esposte in gallerie e musei di tutto il mondo.

Ha recentemente pubblicato il suo primo romanzo Goditi il problema, Rizzoli, 2012.

Sebastiano Mauri, an Italian-Argentine, was born in Milan in 1972, has lived and worked for years in Milan, New York and Buenos Aires.

He graduated from film school at New York University for his short films and has won the Warner Brothers Award and the Martin Scorsese Post-Production Award. He studied at the Byam Shaw School of Art and the Art Students League of New York. Visual artist, his works have been exhibited in galleries and museums around the world.

He recently published his first novel Enjoy the issue, Rizzoli, 2012.

Rock'n Road con Toyota GT86 1st Edition

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 27 Jun 2012 10:38:00 +0000

Toyota sfodera la prima coupè sportiva in edizione limitata acquistabile online. Un design sexy ed un'offerta esclusiva superconcepita apposta per il divertimento.

E' finalmente arrivato il momento di lasciarsi alle spalle il periodo Suv e re-edition di vecchi classici? Sinceramente non vedevo l'ora! Insomma dove erano finite quelle auto super sportive dai colori accattivanti e con quello stile tutto loro che sembrano fregarsene di tutte le altre vetture in strada? Finalmente è arrivato il momento di tornare a parlare di design automobilistico accattivante ma anche divertente e sportivo come la nuova arrivata in casa Toyota. La GT86 1st Edition viene direttamente dalla lunga tradizione sportiva della casa automobilistica giapponese ma tutta ripensata da un team di ingengneri che per prima cosa sono patiti della guida e ne hanno fatto una sportcar nata in strada, in condizioni di gara, nel circuito tedesco di Nurburgring. Trazione posteriore, baricentro abbassato, super aerodinamicità, compattezza nelle sue forme rotonde e brillantezza nel suo color lightning red percorso in lunghezza dalle due strisce in nero opaco.

C'è tutto quello che serve per trasformare l'esperienza di guida in una scarica di divertimento senza rinunciare allo spazio e alla comodità di chi si trova al volante. Un insieme di tutte le caratteristiche che un'auto sportiva Toyota ha sempre avuto ma perfezionata e messa a punto per venire incontro ai drivers più esigenti grazie anche ai feedback dei piloti professionisti che l'hanno provata su strada. La GT86 1st edition è inoltre un'auto super esclusiva, prodotta in 86 esemplari in edizione limitata e numerata acquistabile esclusivamente dal sito internet gt86.toyota.it fino al 30 giugno ad un prezzo irripetibile. La vostra auto arriverà insieme ad un vero e proprio kit da rock'n road: compresi nel prezzo il badge personalizzato con il vostro nome ed un corso di guida sportiva alla GT86 Academy con il suo team di collaudatori, trainers e piloti pronti ad insegnarvi come si tratta un gioiellino del genere.

Se non foste ancora convinti delle prestazioni di questo fulmine rosso vi rimando alla prova su strada di Chris Harris sul circuito di Jarama in Spagna nel video qui sotto. Finalmente un pò d'azione sull' asfalto!

Articolo sponsorizzato

KEEP ON TURNIN'

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 25 Jun 2012 15:44:00 +0000

Keep on Turnin è un egregio pezzo di design; ingloba al suo interno un lettore cd, un dock per iPhone ed un giradischi per i vostri bei vinili.
Keep On Turnin’ is a new sound system that hosts both.

Il tutto in perfetto design di legno, rivestito da slider bianchi e porta vinili giallo acceso. Stupendo, nulla da aggiungere.

Il genio è Valerie Hebel.

Within a simple raw wood box, it collects a record player, an iPod/iPhone dock, and CD player with surprisingly little visual clutter. A punchy yellow cover slides along the deck, concealing whichever system isn’t in use. At one end of the table, a yellow metal shelf drops down to form a record drawer.It’s actually the work of Aachen-based designer Valerie Hebel, who says she wants to “bring back the pleasure of music.”

BOOKS&PARTY | SUMMER .CURA

noreply@blogger.com (Dodo) — Wed, 20 Jun 2012 14:49:00 +0000

Vorrei una libreria in cui trovare riviste internazionali, libri d’artista e volumi sull’arte contemporanea e l’architettura... una libreria che ospiti le ricerche e le sperimentazioni di case editrici indipendenti... ora c’è! Perché apre il Permanent Bookshop Cura. (with) Motto.

I would like to find a library with international journals, artist's books and books on contemporary art and architecture ... a library that houses the research and experimentation of independent publishing houses ... there is now! Because it opens the Permanent Bookshop Cura. (with) Motto.

Dopo alcune esperienze con dei temporary bookshop, Cura. stabilisce il suo nuovo store a Roma e lo fa iniziando con una festa: il Fish&Chips Summer Party che vi attende tutti venerdì 22 giugno, dalle ore 20, in via Nicola Ricciotti 4, Roma.

After some experiences with some temporary bookshop, Cura. establishes its new store in Rome and it does begining with a party: the Fish&Chips Summer Party that awaits all of Friday, June 22, starting at 20, Via Nicola Ricciotti 4, Rome.

http://www.curamagazine.com/

SHOP AT RUMPLO

noreply@blogger.com (MIC) — Wed, 30 May 2012 11:48:00 +0000

E' tempo di riempire il guardaroba di teeshits!
It's time to fulfill your wardrobe with teeshirts!

Scovata in rete una nuova risorsa da più di 18000 magliette a T provenienti da tutta la rete. Marchi selezionati ma anche designer indipendenti e illustratori dell'ultim'ora, su Rumplo.com è come trovarsi in un mercatino: c'è tutto e anche di più. Basta avere un pò di tempo per sgrufolare.

Found on the net a new source with more than 18000 T shirts from all over the web. Selected brands, independent designers and amateurs, at Rumplo.com it's like being on a street market: there's more than everything. You just need some time to chase up your best fit.

thinking back to milano design week 2012 / second thought

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 28 May 2012 16:00:00 +0000

qualcosa che ha catturato la mia attenzione: versatilità, design, divertimento e... bachelite!
Tamawa, designers dal Belgio.
something that captured my attention: versatility, design, fun and...bakelite!
Tamawa, designers from Belgium.
Girando per mercatini delle pulci e negozi vintage mi sono spesso imbattuta in meravigliosi oggetti realizzati tra gli anni venti ed i cinquanta: grammofoni, radio, telefoni, spille e bracciali, tanti e coloratissimi.
La bachelite è un materiale affascinante sia alla vista che al tatto.
Si tratta di una resina plastica sintetizzata per la prima volta nel 1907 da Leo Baekeland, da cui prende il nome. Verso la metà del XX secolo viene rimpiazzato da nuovi materiali plastici, rimanendo confinata alla realizzazione di palle da biliardo. Un materiale sconosciuto ai più che per fortuna ora è pronto a tornare in auge!
Wandering around flea markets and vintage stores I often stumbled upon marvellous objects realized between the 20s and the 50s: grammophones, radios, phones, pins and bracelets, many colourful bracelets.
The bakelite is a fascinating material to touch and look at. It is a plastic resin first sinthetyzed in 1907 by Leo Baekeland, from whom it took name. During the second half of the 20th century it has been replaced by new plastic material, but luckily now it is time for the come back!

Tamawa in giapponese significa "sfera su un anello". La sfera è difatti l'elemento caratterizzante. Questa forma pura e la scelta cromatica vanno a creare il gioiello, l'accessorio e l'elemento d'arredo.
La linea Tamawa è caratterizzata da eleganza, linearità, ottima fattura, libertà nella composizione, offrendo un design contemporaneo dal caldo gusto retrò.
Date un occhio al video di presentazione...
Tamawa in japanese means "sphere on a ring". Sphere is in fact the key element. This pure shape together with the color make the jewel, the accessory, furnishing.
Elegance, linearity, excellent workmanship, freedom in the composition caracterizes the Tamawa line, for a contemporary design with a warm-retrò taste.
Give a look at the presentation video...

ART SHOT YOU DOWN

noreply@blogger.com (Dodo) — Sat, 26 May 2012 17:20:00 +0000

Una mitragliatrice come un oggetto comune, per denunciare la violenza di una guerra che ormai ci circonda quotidianamente. È One day, un’azione pubblica di Milica Tomic.

A machine gun as a common object, to denounce the violence of a war that now surround us. Is One Day, a public action of Milica Tomic.

Passeggia per le strade e, insieme alle buste della spesa e all’ombrello, l’artista tiene in mano anche un’arma, perfettamente visibile e inequivocabile. Nel suo cammino ripercorre i luoghi battuti dalla resistenza antifascista durante la Seconda Guerra Mondiale, mettendo in scena così un percorso tutto semantico, ricco di rimandi e significati profondi.

La performance è iniziata nel 2009 per le vie di Belgrado, è continuata a Copenaghen e infine quest’anno è giunta anche a Roma, in occasione della personale della Tomic alla galleria Z2O Sara Zanin. Per realizzare questa azione l’artista non ha richiesto alcuna autorizzazione e nei video e nelle fotografie che la testimoniano possiamo ricostruire le reazioni spontanee dei passanti, presi tra la paura e lo stupore.

Nell’era post 9/11, della fobia degli attacchi terroristici, l’artista non vuole creare scalpore, ma indurre ad una riflessione, chiedendosi: “chi è il terrorizzato e chi il terrorista?”.

She strolls the streets and, along with shopping bags and the umbrella, the artist holds a weapon, clearly visible and unambiguous. In its path retraces the places covered by the anti-fascist resistance during the Second World War by staging a semantic path, rich in references and deep meanings.

The performance began in 2009 through the streets of Belgrade, has continued in Copenhagen, and finally this year arrived in Rome on the occasion of the staff Tomic to the Z2O Sara Zanin gallery. To accomplish this action, the artist has not requested any authorization and in the videos and in the photographs that testify it, you can reconstruct the spontaneous reactions of passers-by, caught between fear and amazement.

In the post 9/11, in the era of the phobia of terrorist attacks, the artist does not want to create a stir, but lead to a reflection, wondering: "who is the terrified and who is the terrorist?".

Erich Fromm, analizzando le cause della guerra in Anatomia della distruttività umana (1973), scrisse: “La tesi secondo cui la guerra è provocata dall’aggressività umana non è soltanto non-realistica, è soprattutto dannosa. Distoglie l’attenzione dalle cause reali (...)”. Tali cause sono conflitti realistici fra gruppi e le guerre, fin dai tempi dei Babilonesi, sono sempre state pianificate, non per un’inclinazione dell’animo, ma per ottenere schiavi, materie prime, terre, mercati e altre ricchezze.

In una società dominata dal modello multinazionale, in cui il principale obiettivo è il profitto indiscriminato, la guerra diventa permanente e diffusa, seppur camuffata.

Erich Fromm, analyzing the causes of the war in Anatomy of Human Destructiveness (1973), wrote: "The argument that the war is caused by the human aggression is not only non-realistic, it is particularly harmful. It diverts attention from the real causes (...)". These cases are realistic conflicts and wars between groups, since the time of the Babylonians, were always planned, not by an inclination of the soul, but to obtain slaves, raw materials, land, markets and other riches.

In a society dominated by the multinational model, where the main goal is profit indiscriminate, the war becomes permanent and widespread, albeit in disguise.

Nel film documentario The Corporation, che analizza il potere delle multinazionali nell’economia mondiale, il comportamento delle corporations viene paragonato a quello dello psicopatico, fino ad assimilarli: caratteristica dello psicopatico è la mancanza di empatia, colmata dalla capacità di simulare le emozioni umane, e l’utilizzo di manipolazione, intimidazione e violenza al fine di controllare le altre persone e perseguire i propri interessi. Per provare la plausibilità di queste associazioni basti pensare alla pubblicità occulta e, se non ai suoi effetti, alle intenzioni che la animano.

Quando le lotte in Bolivia per il diritto all’acqua potabile (accessibile, a causa di una privatizzazione, dietro il pagamento di una tassa pari ad un quarto del proprio reddito) hanno causato numerosi feriti e un morto, si può ancora associare uno strumento antiquato come una mitragliatrice ad un pericolo per la sicurezza pubblica? Quando un’importante società informatica rifornisce il Terzo Reich di strumenti per ottimizzare le attività dei campi di concentramento, come si può individuare il “cattivo”? Quali attributi lo rendono riconoscibile? Per Milica Tomic la questione rimane irrisolta e complicata dall’insorgere di intolleranza, ipocrisia, conformismo e indifferenza.

In the documentary film The Corporation, which analyzes the power of multinational corporations in the world economy, the behavior of corporations is compared to that of the psychopath, until assimilate: the characteristic of the psychopath is the lack of empathy, filled by the ability to simulate human emotions, and the use of manipulation, intimidation and violence to control other people and pursue their own interests. To test the plausibility of these associations just think to subliminal advertising and, if not to its effects, to the intentions that motivate it.

When the struggles in Bolivia for the right to drinking water (accessible, due to privatization, upon payment of a fee equal to one quarter of the income) have caused numerous injuries and one death, one can still associate an instrument dated like a machine gun to a danger to public safety? When a leading information technology company supplying the Third Reich of tools to optimize the activities of the concentration camps, as you can find the "bad"? What attributes make it recognizable? For Milica Tomic the matter remains unresolved and complicated by the onset of intolerance, hypocrisy, conformity and indifference.

Milica Tomic | One day

a cura di Eugenio Viola

23/05/2012 – 28/07/2012

Z2O galleria | Sara Zanin

via della Vetrina 21, Roma

Milica Tomic | One day

curated by Eugenio Viola

May 23 – June 28, 2012

Z2O gallery | Sara Zanin

via della Vetrina 21, Roma

Milica Tomic, nata nel 1960 a Belgrado, dove vive e lavora.

La sua ricerca artistica è apertamente politica, volta da un lato a sottolineare l’importanza della memoria storica, dall’altro ad aprire una riflessione su temi che toccano l’attualità, dall’identità nazionale alla violenza e alla responsabilità civile, dal diritto all’autodeterminazione alla costruzione mediatica della realtà.

Ha partecipato a due edizioni della Biennale di venezia e ha presentato i suoi lavori in occasione di numerose mostre, alla Kunsthalle di Vienna, allo Stedelijk Museum di Amsterdam, al Brooklyn Museum of Art.

Milica Tomic, born in 1960 in Belgrade, where she lives and works.

Her research is overtly political, turned on the one hand to emphasize the importance of historical memory, on the other to open a debate on issues that touch on current events, from the national identity to the violence and the civil liability, the right to self-determination to the construction of media reality.

She participated in two editions of the Venice Biennale and has presented her work at numerous exhibitions at the Kunsthalle in Vienna, the Stedelijk Museum in Amsterdam, the Brooklyn Museum of Art.

MEET MELVIN GREEN

noreply@blogger.com (LaMcBull) — Fri, 25 May 2012 14:49:00 +0000

La prima volta che sentii qualcuno sostenere che anche le piante, in quanto esseri viventi, avevano sentimenti e potevano comunicarli avrò avuto più o meno otto anni.

The first part of this post is full of reminders of my childhood and quotes from italian pop characters so it's quite useful to translate it.

A sostenerlo era qualche autorevolissimo ospite di una trasmissione televisiva forse condotta da Fabrizio Frizzi o forse da Raffaella Carrà. Mi sarebbe piaciuto credere a quel tale, come mi sarebbe piaciuto credere ad altri tali che popolavano le serate estive del Maurizio Costanzo Show decantando misteriosi incontri con gnomi, fate e folletti dei boschi. Ok, sto divagando. Tutto questo per dire che a distanza di circa una ventina di anni, ecco un'iniziativa tangibile ad alta componente tecnologica e assolutamente coinvolgente che ripropone il tema in modo decisamente accattivante. Treeloc è un'azienda spagnola con dieci anni di attività nella traduzione di software e manuali tecnici. Settore piuttosto di nicchia che difficilmente riesce a far uscire la compagnia dai ristetti confini degli addetti ai lavori. Per questo ingegneri e traduttori che compongono il team hanno deciso di fare ciò meglio riesce loro e tradurre ciò che nessuno aveva mai tradotto prima: impressioni, sentimenti e quotidianità di Melvin. Melvin è una pianta. La prima pianta connessa ad un terminale che traduce i suoi pensieri in tweets. Monitorata da sensori, coccolata da micro controller che mantengono temperatura, luce e condizioni del terreno costanti, in live cam 24/7. Arduino è la componente intelligente che raccoglie tutte le informazioni dall'ambiente e le traduce nel nostro linguaggio corrente. Melvin si può guradare, si può seguire, ma ci si può anche parlare, hashtag #translatingmelvin. Start to follow @MrMelvinGreen.

More interesting is the story of Melvin. Melvin is a plant which you can talk with. An idea of Treeloc, translation and software localization company based in Barcelona. They want to escape from their niche market making their specialties. So they combined translation and engineering skills. They try to translate something new, thought of a plant. Melvin is in live cam 24/7 and expresses itself on twitter, hashtag #translatingmelvin. Arduino is the real brain which receives informations from Melvin's surroundings and give it a value in our language. Explore components of the project and how you can talk with Melvin. Find @MrMelvinGreen on twitter and follow it.

CANNES 65 - "VOI NON AVETE ANCORA VISTO NIENTE!"

noreply@blogger.com (giulia) — Wed, 23 May 2012 16:00:00 +0000

Michael Haneke 70 anni, Alain Resnais 90 anni, Abbas Kiarostami 72, come Bernardo Bertolucci e Dario Argento, Ken Loach 76.

C’era la meglio terza età del cinema europeo e internazionale: sono loro che ancora riescono a concepire opere sconcertanti e impensate, miracolose e inaspettate.

Raccontano i dolori delle nostre vite, e soprattutto hanno ancora la voglia e il desiderio di porre nuove domande, di confrontarsi con nuove narrazioni, e senza saperlo riescono sempre a ringiovanire il Cinema.

La Palma d’Oro è già stata assegnata. Nel pensiero comune almeno. Haneke ha già vinto insomma. E come potrebbe essere diversamente? Anche perché è impossibile resistere e sopravvivere a qualsiasi suo film, da “Funny Games”, a “La pianista” all’ultimo “Il Nastro Bianco”, che il premio l’ha vinto veramente. Ogni immagine è così crudelmente bella da mettere lo spettatore in soggezione, intimidendolo. Senza distrazioni, senza far perdere neanche un secondo della pellicola.

In concorso c’è “Amour”, la storia di un amore, di un lunghissimo amore, che la vecchiaia porta alla morte. La storia di un legame fra due ottantenni, che la malattia inesorabilmente trasformerà e deteriorerà: lei che vorrebbe continuare a vivere come prima, e lui che continuerà ad amarla e a prendersi cura come prima. Sullo schermo due anziani attori, Jean Louis Trintignant e Emmanuelle Riva, protagonisti di una gloriosa ed eroica stagione cinematografica.

SPREAD - STUDIO INESISTENTE

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 22 May 2012 22:36:00 +0000

Nel 2011, in Italia, sia da politici che dall'alta finanza, la parola più utilizzata è stata "spread".

Since the summer of 2011, for many months, spread (BTp-Bund 10Y) was the most used and worrying word in Italy.

L'Italia potrà uscire dalla crisi, ci si rialzerà, avremo nuova vita, dipende tutto dallo spread. Tutto dipende dall'andamento dello spread; lo studio Inesistente, ha ben pensato di dar vita ad una parola astratta, di cui tutti si riempivano la bocca, ma che stringi stringi, tutti evitavano e tuttora evitano di spiegare.

Così lo spread, da parola e grafico d'andamento, si trasforma in una libreria di design da salotto. Geniali, anzi, geniale Antonio Maria Privitera.

Newspapers and magazines all over the world have spoken daily about Italy and its debt:

Too Big to Fail, Too Big to Save.

Spread 10Y is a handcrafted wooden magazine rack designed to combine the "news" with the now "(in)famous" graph. It also maps the transition between the Silvio Berlusconi government and that of Mario Monti.

Concept: Antonio Maria Privitera

CANNES 65 - MATTEO GARRONE

noreply@blogger.com (giulia) — Mon, 21 May 2012 12:00:00 +0000

“È un Pinocchio moderno, candido, ingenuo che insegue il sogno del successo facile nella tv, il nuovo Eldorado che fa sentire l’Olimpo in terra, un nuovo paese dei balocchi.” (Matteo Garrone, Cannes 65)

Unico italiano in concorso, Matteo Garrone ha presentato il suo ultimo lavoro. Quattro anni di silenzio, dopo il successo ottenuto con “Gomorra”, che proprio al Festival di Cannes vinse il Gran Premio della Giuria, il regista torna sulla Croisette con “Reality”. È la storia di Luciano, un pescivendolo napoletano, che per guadagnare qualcosa in più si arrangia con Maria, la moglie, tramando delle piccole truffe. Dotato di una simpatia naturale, spinto dai familiari, partecipa a un provino per entrare nella casa del “Grande Fratello”. Da quel momento tutto cambierà, anche quella stessa percezione della realtà sarà profondamente diversa.

Lasciandosi alle spalle quello che “Gomorra” è stato e ha rappresentato, cercando un tema che fosse anche più sorprendente, Garrone ha scritto e ha girato una piccola storia, una fiaba moderna, il racconto del percorso di un paese e del percorso di uomo verso la follia e la delusione, il continuo muoversi fra sogno e realtà.

La rappresentazione della realtà è la vera essenza del Cinema. La difficoltà è proprio quella di riuscire a raccontare questa essenza superando l’esteriorità delle cose. È quello che Garrone ha dimostrato nei suoi film: partire da uno spunto della realtà per poi trasfigurala. Il suo Cinema è il suo sguardo. E per quanto il regista voglia mantenere una propria autonomia e limpidezza, deve fare i conti con l’industria cinematografica, con i suoi limiti e con le sue censure preventive. È una presa di coscienza. Il Cinema riuscirà a trovare i propri spettatori se riuscirà a trovare qualcosa di originale da dire. È una situazione di continua ambiguità. E per quanto abbia un proprio stile e un proprio territorio d’azione, Garrone riesce sempre a discostarsene, ad essere differente da se stesso, per permettere che il proprio sguardo sulla realtà non si inaridisca, che non diventi uno sguardo stereotipato. Tanto da rendere il proprio lavoro sempre necessario: per il pubblico e soprattutto per il nostro Cinema.

CANNES 65 - DI (UN) NUOVO GONDRY

noreply@blogger.com (MIC) — Fri, 18 May 2012 08:00:00 +0000

Tre film sopra tutti nel primo giovedì di festival: Jacques Audiard, Lou Ye e Michel Gondry
Sono tre i film che ieri l'hanno fatta da padrone a Cannes che come al solito finisce per regalare sorprese soprattutto nelle sezioni collaterali alla spietata competizione che vedrà il termine domenica 27 grazie ad una giuria capitanata da Nanni Moretti e, tra gli altri, Diane Kruger, Alexander Payne e Jean Paul Gaultier. Il red carpet è stato DI Marion Cotillard tanto quanto il film cui partecipa: Rust and Bone - Ruggine e ossa di Jacques Audiard [regista del Il Profeta, vincitore del Grand Prix nel 2009] e grazie al quale regala una straordinaria interpretazione in un ruolo femminile tutt'altro che semplice da portare in sullo schermo.

In apertura per la sezione Un Certain Regard il film di uno dei registi più censurati in madre patria Lou Ye, Cinese, ha presentato alla Salle Debussy Mistery un thriller sentimentale, sulla scoperta dell'insospettata seconda vita di Yanzaho da parte di sua moglie Lu Jie. Girato come sempre in libertà dal suo regista, che si guarda dal fare un solito film di vendetta. Guarda il Trailer

E poi, dove meno te lo aspetti, ad aprire la Quinzane des Realisateurs C'era Michel Gondry con il suo nuovo lungometraggio che finalmente, in vacanza dalle super-produzioni che spesso hanno sacrificato la sua vena artistica, sembra ben promettere: stile documentaristico, attori non protagonisti direttamente dal bronx. E' un francese nel ghetto a raccontare l'ultimo giorno di scuola direttamente dentro l'autobus che porta a casa i passeggeri adolescenti.

CANNES 65 - WES ANDERSON

noreply@blogger.com (giulia) — Thu, 17 May 2012 08:00:00 +0000

I tappeti rossi sono stati srotolati. Cannes 65 è ufficialmente iniziato.

Grandi registi e grandi autori affollano il festival. Matteo Garrone in concorso con il suo ultimo lavoro “Reality”, Bernardo Bertolucci fuori concorso con “Io e te”, tratto dall’omonimo romanzo di Niccolò Ammaniti, Dario Argento sempre fuori concorso con “Dario Argento Dracula 3D”. E poi Alain Resnais, Abbas Kiarostami, Ken Loach, Michael Haneke, David Cronenberg. Tutti rigorosamente in concorso per la Palma d’Oro.

Il festival è iniziato con le nostalgiche immagini di “Moonrise Kingdom”, l’ultimo film di Wes Anderson. Ambientato in un’isola del New England, a metà degli anni Sessanta, è la storia d’amore di due dodicenni, Suzy e Sam, e della loro fuga, lungo un antico sentiero.

Chissà quanto ci farà ridere con lacrime di commozione agli occhi questa volta. Ancora una volta.

Da quando la mirabolante tecnologia del digitale terreste ha raggiunto anche camera mia, quasi tutte le notti m’addormento con la tv accesa. E fra repliche di meravigliose soap, per ben tre volte mi sono imbattuta nella messa in onda di “The Royal Tenenbaum”. E sempre la stessa scena. Richie (Luke Wilson) davanti allo specchio. I capelli tagliati sul lavandino e il sangue che scende dai polsi. Resto là. Senza neanche sbattere le palpebre. C’è qualcosa di magnetico. In tutta la pellicola. Forse quei due poli opposti che si rincorrono per tutto il tempo. È già troppo tardi. E non è mai troppo tardi. È troppo tardi per ritrovare e inseguire le utopie e i colpi di testa della gioventù. Ma c’è ancora tempo. Tempo per ricongiungersi con la propria famiglia, chiudere un matrimonio, dichiarare un amore taciuto.

ME, YOU AND.... DARIO DIEGO MARRONE

noreply@blogger.com (MIC) — Wed, 16 May 2012 08:00:00 +0000

Pet therapy #6

Surreale, malinconica, EMOtudinale, L' opera di Dario Diego Marrone è semplice e complicatissima allo stesso tempo: Ha tutto in sè ma c'è da andarlo a scovare perché non è tutto in superficie. E' una questione di dettagli. E' una mappa dell' inconscio del suo creatore ed anche uno specchio con il quale è un piacere fare i conti.

Ho avuto modo di incontrare Dario Diego nei giorni di Pasqua durante una sua visita in Umbria [lui è di Palermo] ed ho conosciuto quella che lui chiama Pink Shit ovvero l'insieme dei suoi lavori. Questi piccoli mondi fragili adagiati su sfondi bianchi sono dei veri e propri paesaggi emotivi, semplici, disarmanti e disarmati. C' è bisogno di passare del tempo a soppesare quello che è stato tracciato, un processo analogo a quello della conoscenza di un estraneo e delle sue esperienze, manie, ossessioni, le sue verità e le tante sfaccettature del suo carattere. Ogni cosa sembra proporzionata alle assurde ed esatte dimensioni di un'inconscio ben preciso che colpisce e lascia interrogare. Giorni dopo questo fortunato incontro ho deciso di domandargli un pò di cose e questo è quello che è successo.

Envy

Come sei arrivato al progetto Pink Shit? Quali esperienze/ studi /passioni ti ci hanno portato?

Innanzitutto grazie per la possibilità di parlare del mio lavoro qui sul vostro blog... davvero onorato!

Com’è iniziato tutto?... bella domanda... credo sia successo a Modena poco più di tre anni fa, gestivo un bookshop d’arte all’interno di una mostra fotografica giapponese.

Ogni giorno per tre mesi dovevo stare lì otto ore, e i clienti erano davvero pochi... dunque approfittavo di matite, cartoline e cataloghi che vendevo in libreria per schizzare, scarabocchiare fondamentalmente.

Ricordo un catalogo sui Viennesi, dei fogli bianchi e un unico evidenziatore rosa usato come sfondo per ‘decorare’ quei primi schizzi di anatomia... ne uscì una serie di bozzetti formato cartolina tutti accomunati dalla presenza costante di un pattern rosa fluo. Confrontandomi con quei grandi pittori i miei disegni ovviamente erano puro SHIT... da cui il titolo. Stranamente considerando il rosa uno dei colori che più detesto in assoluto ho iniziato a notare che spesso continuava a tornare nei miei lavori come una campitura piatta e obiettivamente nauseante. Il rosa come tonalità stucchevole del quotidiano, quella di cui farei volentieri a meno ma che inevitabilmente e senza controllo si impone quasi in ogni mia tavola.

Pink shit non nasce come progetto coerente, cerca però di diventarlo lentamente in questi ultimi due anni di lavori.

In effetti la mia formazione non è accademica, e credo che ciò si possa evincere dal tratto stilistico che emerge. Tuttavia avendo studiato al Dams ho avuto modo di incamerare diversi input dalle varie forme di arti visive di cui continuo a nutrirmi quotidianamente.

Inoltre, a parte lo studio della storia dell’arte e del cinema, credo che gran parte della mia ispirazione venga dalla passione che ho sempre avuto per i cartoni animati e per i manga in generale.

Quanto c'è di personale in ogni nuovo lavoro? Nasce da una ricerca estetica o più personale ed emotiva?

Una mia cara amica poco tempo fa vedendo alcuni miei lavori mi disse di stare attento al rischio di sfociare nella ’EMOtudine’, neologismo coniato dalla stessa e che in questa sede vorrei orgogliosamente fare mio. Dunque sì, la sfera emotiva rappresenta assolutamente una parte cospicua del racconto visivo che intendo fare attraverso le mie tavole.

Di sicuro c’è una riflessione, un racconto appunto, a volte amaro sicuramente, ma che tenderei a sdrammatizzare con l’uso dell’ironia, dell’antifrasi, e di altre figure retoriche come l’iperbole e l’ellisse, tramite le quali tendo a ridicolizzare i picchi di pathos che spesso non riesco a gestire...

Il pathos dunque, o a volte il patetismo sono topoi che sfrutto a mio favore per rendere certe immagini più comunicative, universali al sentire di tutti...

Essendo siciliano conservo innatamente una certa inclinazione al drama, alla spettacolarizzazione di stati emotivi forti quali il dolore, la solitudine, l’incomunicabilità ecc... dunque cerco di sfruttarla e enfatizzarla, tendendo però a virare questo mio sentire folk nell’ utilizzo di una stilizzazione e una scelta di soggetti che hanno poco a che fare con le mie origini territoriali.

Se da una parte gli stati emotivi che scelgo di rappresentare hanno come humus una teatralità da Magna Grecia, dall’altra cerco di stemperare il tono melodrammatico con una voluta piattezza delle immagini stesse nonché da un’accurata scelta di soggetti che evocano certe atmosfere nordiche, un onirismo ossianico... almeno nei miei intenti, o forse me la sto soltanto raccontando... chissà.

Non ho mai parlato della mia produzione in terza persona, dunque grazie a voi in questo frangete riesco a vedere cose del mio lavoro che non avevo mai notato prima.

La morte e la fanciulla (bambini nel tempo)

Malinconia e surrealismo si trovano spesso insieme nei tuoi disegni, mi racconti come si mescolano nei tuoi lavori?

Chissà perché da giovani, appena approcciati alla storia dell’arte ci si appassiona mostruosamente al genio di Dalì... forse per il continuo gioco che fa tra le immagini, le loro trasformazioni, e i rimandi al mondo onirico e subcosciente, il suo essere irrimediabilmente pop... per questi motivi successe anche a me.

Anche nei miei lavori cerco spesso di giocare con le immagini, farle accoppiare tra loro e vedere che ibridi insani ne vengon fuori. Nella mostruosità dunque c’è l’ironia, così come accadeva nelle grottesche medievali che attraverso il riso smodato cercavano di cacciar via morte e suoi derivati.

Una risata ci seppellirà o ci farà risorgere piuttosto, per questo esalto il monstrum insito in ogni creazione, lo smodato, il teatralmente tragico, il fiottar di lacrime... quasi a costringere il fruitore dell’opera a chiedersi: “come non morire dal ridere davanti ad uno spettacolo così triste?”.

Accanto all’elemento surreale, disturbante c’è la Malinconia. Una presenza immancabile come una qualsiasi mater natura, impossibile spodestarla. Madre creatrice di tutte le opere, a sentir Durer... e come dargli torto... a stento riesco a tenere una matita in mano nei giorni in cui realizzo che il sole può salvarci la vita... quindi esci con gli amici e chissène della creazione.

Poi fortunatamente spesso si sta male e si crea quella che si crede bellezza, o comunque un ridicolo tentativo di riprodurla. Come si traspone la malinconia su di un foglio bianco? Innanzitutto lasciando più bianco possibile all’interno dello stesso foglio, uno spazio vuoto, inerme, un significante a-temporale che incastra il soggetto al centro della tavola, focalizzando su di sè lo sguardo dell’altro, intimorendo il protagonista della stasi, facendolo sentire solo e pensoso, sicuramente penoso... dunque la malinconia è bianca nelle mie tavole. E tale vuole rimanere.

I soggetti sono spesso bambini, o personaggi di favole che non esistono, non scritte, o scritte da sempre e per sempre, ma mai lette. Questi bambini, protagonisti di infinita dolcezza, di infinito timore, crudelissimi a volte, come spesso sono i veri bambini. Li vedo sapienti e pieni di domande, domande eterne che prescindono da valori concreti quali quelli attinenti al quotidiano, a quelli degli adulti, per capirci... non so, spesso penso alla figura di un infinito puer, una creaturina indicibile, conturbante perché piccola ma sapiente, è così che dovrebbe somigliare probabilmente il soggetto tipo delle mie tavole. Un bambino, senza sesso, che si chiede della morte e della vita, dell’amore.

Confusion is sexy

Quali sono i progetti attualmente in corso? E cosa vorresti per il futuro di Pink Shit?

E’ talmente strano questo periodo che non riesco davvero a dargli una connotazione reale; è da un po’ di mesi che sono tornato ad essere disoccupato (facevo il libraio), e un’altra volta una mole spaventosa di tempo libero ha inondato le mie giornate, mettendomi davanti alla possibilità di ri-considerarmi come artista, o meglio, creativo, o semplicemente una persona che ama disegnare.

Da qui si sono aperte diverse possibilità di trasformare PINK SHIT in qualcosa che attiene ad un vero lavoro di creazione, che possegga una sua coerenza stilistica.

Dunque si sono mosse delle cose, ho parlato con delle persone che hanno trovato i miei lavori interessanti.

Un primo progetto è quello di creare un brand di t-shirt “artistiche”. Considerando il notevole impatto pop che possono avere alcune mie tavole, io e il mio collaboratore abbiamo pensato che determinati soggetti selezionati ad hoc all’interno del mio portfolio potevano non fare eccessivamente schifo se stampati su di una tela alternativa quale può essere una t-shirt. Niente di nuovo ne di geniale insomma, ma tant’è... ci si vuole provare e vedere cosa succede, e come reagirebbe un potenziale pubblico di acquirenti alla serializzazione di un cosiddetto prodotto artistico... Warhol insegna ancora.

Cos’altro... il mio sogno sarebbe di vedere i miei ‘bambini malati’ animati... sono in contatto con una casa di produzione video di Palermo che vorrebbe trasformare le mie tavole in piccoli corti d’animazione... un sogno dunque. Ma si sa come vanno le cose in questo ambiente si parla molto e si conclude relativamente con difficoltà. Comunque continuo a sperare e a disegnare, anche se nessuno di questi progetti vada realmente in porto...

Ah... dimenticavo... sto provando a organizzare una mia personale all’interno di una nuova cioccolateria nata nel centro storico di Palermo, un posto bellissimo, tante pareti bianche e odore di cacao. Immagino le mie tavole esposte dentro le vetrine, circondate dai bellissimi pasticcini al cacao, sporche di cioccolato.

Pure Morning

WHERE THE ROSES GROW

noreply@blogger.com (Dodo) — Thu, 10 May 2012 16:33:00 +0000

Un’opera che cresce e si evolve quanto più viene vista: è Anastatica sensibile di Daniela Di Maro, che ha vinto la prima edizione del concorso “Un’opera per il castello” (Castel Sant’Elmo, Napoli).

A work that grows and evolves more it is seen: it is Anastatica Sensibile's Daniela Di Maro, who won the first edition of "A work for the Castle" (Castel Sant 'Elmo, Naples).

L’installazione è formata da quarantacinque Rose di Jericho in attesa di schiudersi. L’impianto di irrigazione è controllato da un dispositivo digitale che permette il rilascio dell’acqua solo in presenza di visitatori. Quindi, maggiore sarà l’afflusso di persone in visita, più velocemente e con maggiori risultati il giardino prenderà vita e diventerà lussureggiante.

L’intento dell’artista è sensibilizzare il pubblico all’arte, eleggendolo a responsabile della conservazione e trasmissione della cultura. Infatti, Anastatica sensibile coinvolge i suoi fruitori direttamente, tanto che la sua stessa esistenza e sopravvivenza nel tempo dipendono da essi in maniera imprescindibile.

L’opera è tutta metaforica e se l’uomo diviene “nutrimento” per l’arte, la cultura può “fiorire” solo in un ambiente che ne abbia cura.

The installation consists of forty-five Rose of Jericho waiting to bloom. The irrigation system is controlled by a digital device that allows the release of water only in the presence of visitors. Thus, the greater the influx of people visiting, faster and more successfully the garden come to life and become lush.

The intent of the artist is sensitize public to art, in electing him responsible for the preservation and transmission of culture. In fact, Anastatica Sensibile directly affects its users, so that its very existence and survival in time depend on them so unavoidable.

The work is all metaphorical, and if man becomes "sustenance" for art, culture can "bloom" only in an environment that take care of him.

Daniela Di Maro approda a quest’opera dopo una lunga ricerca sulle relazioni tra natura e artificio, per la quale si è dedicata alla costruzione di dispositivi che, utilizzando la tecnologia, inducessero un riavvicinamento tra l’uomo e la natura.

Audio-Sphere ad esempio è un’installazione sonora in cui lo spettatore sperimenta la dissociazione sensoriale: mentre la vista percepisce uno degli elementi (acqua, terra, fuoco, aria), l’udito sente il rumore di un altro.

Daniela Di Maro comes to this work of art after a long research on the relationship between nature and artifice, for which she dedicated herself to the construction of devices, that, using technology, induce a rapprochement between man and nature.

Audio-Sphere for example is a sound installation in which the viewer experiences the sensory dissociation: while the view perceives one of the elements (water, earth, fire, air), the ear hears the sound of another.

Ivy Noise invece è un groviglio di cavi elettrici che si inerpicano sulla parete, come fossero una pianta di edera. Questi “rami” tentacolari terminano in insoliti fiori, formati da speakers e altoparlanti, che emettono, non profumi inebrianti, ma i suoni circostanti ricampionati in tempo reale. Così, anche in questo caso l’opera si anima grazie ai suoi stessi fruitori, e i rumori dei passi, le voci, i movimenti, diventano una linfa vitale per il completamento dell’installazione.

Ivy Noise instead is a tangle of electrical cables that climb up the wall, as if they were an ivy plant. These tentacular "branches" end in unusual flowers, consisting of speakers, which emit no scents, but the surrounding sounds resampled in real time. Thus, in this case the work come alive with its own users, and the sounds of footsteps, voices, movements, become a lifeline to complete installation.

Nelle opere della Di Maro nulla resta immobile o immutato, ma tutto si trasforma in un infinito e imprevisto processo di metamorfosi estemporanea.

In the works of Di Maro nothing stands still or unchanged, but everything turns into an endless and unpredictable process of metamorphosis extemporaneous.

Daniela Di Maro, nata a Napoli nel 1977, vive e lavora tra Napoli e Milano.

Le sue ricerche indagano le relazioni che intercorrono tra i processi vitali, propri dei sistemi naturali, e le opportunità intrinseche al progresso tecnologico. Le sue sperimentazioni conducono alla forte connessione tra le dinamiche della natura e le potenzialità dovute alle tecnologie nate nell’ultimo secolo.

Tra le principali mostre ricordiamo: Videoart Yearbook, sedi varie, 2011; IN_Sonora, VI Muestra de Arte Sonoro e Interactivo, IED, Palazzo Altamira, Madrid, 2010; 31 artisti vs 20mq, Visualcontainer [.box] Project Space, Milano, 2010.

Daniela Di Maro, was born in Naples in 1977, lives and works between Naples and Milan.

His research investigates the relationships between the processes of life, its natural systems, and opportunities inherent in technological progress. His experiments lead to the strong connection between the dynamics of nature and the potential due to the technologies created in the last century.

Among the major exhibitions: Videoart Yearbook, various locations, 2011; IN_Sonora, VI Muestra de Arte Sonoro e Interactivo, IED, Palazzo Altamira, Madrid, 2010; 31 artisti vs 20mq, Visualcontainer [.box] Project Space, Milan, 2010.

thinking back to milano design week 2012 / first thought

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 08 May 2012 08:30:00 +0000

Nivea presenta La Cura by Studio TooGood 17-22/aprile/2012
MOST, sala Conte Biancamano, Museo Nazionale della Scienza e della Tecnica, Milano

Milano Design Week: il design si diffonde come liquido invadendo ed alterando lo spazio urbano.

Tra le mille contaminazioni che sono state sperimentate, oggi ricordo il MOST.

MOST è frutto dell'intuizione del designer Tom Dixon che ha visto nel Museo Nazionale della Scienza e della Tecnica il luogo adatto alla collisione tra tecnologia, cultura e design.

Visitare gli eventi del fuorisalone tra aerei, treni, sottomarini e galeoni del museo è stato emozionante. Si tratta di una combinazione magica e forte che propone una nuova immagine al museo: Scienza e Tecnica sono due materie in continuo movimento ed è giusto che anche il museo che le riguarda faccia lo stesso.

Sono arrivata allo spazio bianco e blu della Nivea senza sapere bene cosa aspettarmi ma molto incuriosita dal titolo "la cura", ideato dal londinese Studio TooGood.

La performance si svolgeva in una sala chiusa, chiamata "Conte Biancamano" (che a pensarci ora mi sembra un nome azzeccatissimo!) e si ripeteva ogni ora per quaranta persone alla volta.

Lo spazio all'interno era circolare e bianco, allestito in modo da creare un'atmosfera avvolgente e calda.

Per tutto il tempo una ragazza al centro della sala, seduta tra piccole sculture, ha continuato incessantemente a rigirare della creta tra le mani, assorta. Questo suo movimento attento e costante, assieme alle luci, ai suoni, all'odore nell'aria e ad un piccolo assaggio creato dalle food event designer Arabeschi di Latte ha portato ognuno di noi, partecipanti, a modellare la creta che ci era stata consegnata... ognuno di noi è diventato per un attimo designer, con una piccola opera esposta durante la Design Week!

La cura, in ogni dettaglio, nello scrivere la lista degli spettatori, nel dare una sedia allestita differentemente per ognuno, nel porgerci oggetti;

La cura, come rifugio dal caos abbagliante della Design Week

La cura, del bianco e delle sue sfumature per rilassare lo sguardo

La cura, presa per ognuno dei cinque sensi

La cura, per liberare la mente e creare qualcosa

La cura, nel compiere una sola azione come modellare della creta

Trovo esatta la scelta de "La Cura" + Nivea (in bianco entrambe)

Dal dizionario:

"cu-rà-re: 1.occuparsi di qualcosa con particolare impegno"

"cu-ràr-si: 1. rifl. avere cura della propria salute"

Darsi la crema è proprio questo: curare il proprio corpo e prendere tempo per se stessi, salvarsi dallo stress.

L'ho trovato l'evento più interessante e particolare di tutto quello che sono riuscita a vedere durante i miei "three design days", per la performance in sé e per il connubio tra ideatore, sponsor ed evento. Il filo conduttore di tutto potrei identificarlo nel tatto, essenziale nella cura del corpo, nella modellazione della creta e nella realizzazione degli oggetti di design. La vista affascina e cattura, ma è il tatto che ci dà la conferma. Nivea + StudioTooGood ci hanno reso partecipi dell'evento del fuorisalone, non più solo visitatori: evviva il design interattivo!!!

[TYSW] DON'T BOTHER TO KNOCK BY ASIA ARGENTO

noreply@blogger.com (MIC) — Mon, 07 May 2012 14:03:00 +0000

Ritrovati i monologhi della vagina di Asia Argento
The Asia Argento's Vagina monologues finding.

Don't bother to knock ovvero il genere video diary vampirizzato da Asia salta fuori in questi giorni ripescato direttamente dall'archivio del famoso SHOWstudio dove era stato pubblicato nell' Ottobre 2006 in 51 mini episodi girati tra set, sale d'albergo, bagni d'aeroporto e taxi. E' tutto finto, è tutto vero, tutto spregiudicatamente inventato ed esibito. Un paradossale occhio intimo sulla vita del personaggio Asia Argento. Tra i crediti il regista/fotografo Nick Knight e la scrittrice Emma Forest.

Dont' bother to knock: the video diary genre phagocytized by Asia pops up in these days straight from the SHOWstudio archives where were posted in October 2006 in 51 mini episodes shot between sets, hotel rooms, aeroports toilets and cabs. It's all real, it's a huge fake, unscrupolously invented and shown. A paradoxical- intimate eye pointed on the character Asia Argento. With the contribution of the photograper/director Nick Knight and the writer Emma Forest.

TALE // DESIGN WITH STORY

noreply@blogger.com (LaMcBull) — Wed, 02 May 2012 17:29:00 +0000

Proprio oggi mi confrontavo con un'amica (e collega) sulla qualità e, più in generale, sull'uso delle storie in pubblicità.

Just today I compared myself with a friend (and colleague) about the use of storytelling in advertising.

Per quanto mi sforzi di mantenere un punto di vista tecnico, finisce sempre per dominare la parte emozionale, almeno in prima battuta. Bene per l'agenzia. Quella campagna funziona! Bene, anche per me. Perchè, come mi ha fatto osservare proprio la mia interlocutrice, devo aver fatto la scelta professionale giusta. Sarà questo il motivo per cui ci sono ricascata! Ecco qua Tale. Il nome dice già tutto. Il marchio coreano produce complementi d'arredo di design e ad ognuno associa una storia. L'ultimo nato è Moon Glass, il bicchiere che riproduce le fasi lunari. Poetico, ma il mio preferito rimane Woodpecker, il blocco note che riproduce la trama del legno. Buona lettura!

I struggle to maintain a technical point of view, becouse empathy catch my reason. Good for the agency. This campaign works good! Good for me. As my friend pointed, probably I'm really passionate to my job. Well, I'm doing it again! Here you are, Tale. A design Korean brand which associates a story to each new object. The latest is Glass Moon, a ceramic glass which reproduces lunar phases. Poetic, but my favorite remains Woodpecker, a notebook, which doesn't forget where paper comes from. Find your favourite tales!

ALL AROUND ROME

noreply@blogger.com (Dodo) — Sat, 28 Apr 2012 16:53:00 +0000

MAXXI - Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo

Credete di conoscere Roma? Open House vi sfida e il 5 il 6 maggio vi accompagnerà con delle visite guidate gratuite per i luoghi e gli edifici più interessanti della capitale, per sensibilizzare ad una partecipazione più attiva alla vita pubblica.

Think you know Rome? Open House challenge you and 5 May 6 will accompany you with free guided tours to the places and the most interesting buildings in the capital, to raise awareness to a more active participation in public life.

Open House vuole far apprezzare l’architettura come valore aggiunto per la qualità della vita. Si tratta di un progetto nato a Londra nel 1992 e che approda in Italia per la prima volta.

L’iniziativa apre al pubblico gartuitamente un centinaio di luoghi di alto interesse architettonico, luoghi che verranno raccontati da esperti del settore e che in molti casi sono chiusi al pubblico.

Tra le visite organizzate, anche un tour in bici, per riscoprire una città troppo grande da vedere.

Open House wants you to appreciate the architecture as an added value for the quality of life. This is a project born in London in 1992 and arrives in Italy for the first time.

The event opens to the public free a hundred places of great architectural interest, places that are told by industry experts and in many cases that are closed to the public.

Among the organized tours, a bike tour, to rediscover a city too big to see.

Torri Eurosky

Scopri tutti gli eventi e i luoghi visitabili gratuitamente su http://www.openhouseroma.org/

Discover all the events and places to visit for free on http://www.openhouseroma.org/

Galleria Nazionale di Arte Antica di Palazzo Barberini - progetto di lighting design

TINY HUGE CHANCE

noreply@blogger.com (MIC) — Thu, 26 Apr 2012 13:21:00 +0000

Scrittori, disegnatori ed editori siete tutti invitati a pubblicare sul secondo volume di "The Tiny Book of Tiny Stories"
Writers, illustrators and editors you're all invited to be a part of "The Tiny Book of Tiny Stories"

Ho scoperto solo oggi dell'esistenza della community Hitrecord, una vetrina aperta a tutti i creativi in cui condividere i propri lavori. La super Community creata dall'attore [e da poco regista] Joseph Gordon-Levitt promuove, raccoglie e pubblica i migliori lavori con cadenza stagionale in un polivolume con tutti i supporti per pubblicare immagini, parole, video e musica. Molti sono inoltre i progetti collaterali, come "The Tiny Book of Tiny Stories" per il quale è da poco avviata la raccolta di disegni e testi per la seconda edizione del volume che dedicherà due pagine ai migliori lavori.

I knew about the Hitrecord community just today! A great place where every creative can share his own works plus meet 'n join other people from all over the world. The super community, created by the actor [and newly director] Joseph Gordon-Levitt, promotes/collect/publish images, words, videos and music. There's also a huge amount of collateral projects as "The Tiny Book of Tiny Stories" that just started collecting trough the site the best drawings and texts for his second issue wich should dedicate two pages to each of the best selected works.