il blog del violino

Jazz Violin - L' Improvvisazione lezione #3

2010-02-13T21:24:00.001+01:00

Continuiamo il nostro viaggio nell' improvvisazione e nel violino con le lezioni di Luca Ciarla tratte dal sito JazzItalia eccovi la 3^ lezione!

Lezione 3

Il violino nella tradizione classica è utilizzato soprattutto come strumento melodico e solistico. In alcune tradizioni popolari e nel jazz moderno, viene però utilizzato anche dal punto di vista ritmico e persino nell'accompagnamento ritmico (groove).Con la chop technique è possibile creare al tallone dei suoni particolari (senza pitch, cioè non classificabili come note, praticamente dei suoni percussivi), che se proposti in maniera convincente, possono dar vita a pattern d'accompagnamento (groove) veramente efficaci. L'utilizzo della terminologia inglese è inevitabile visto che per certi termini non si riesce a trovare traduzioni che abbiamo un senso compiuto e che abbiano la stessa chiarezza. Prima di cominciare a smanettare con l'arco, consiglio vivamente di mettere molta pece al tallone, altrimenti l'effetto viene diminuito.
Ecco cosa fare per realizzare la chop technique:

colpire le corde, possibilmente quelle più basse, vicinissimo al tallone, con un movimento del polso e delle dita (colpire può sembrare eccessivo ma se siete troppo gentili non viene fuori niente)
se normalmente cerchiamo di tenere l'arco dritto (in senso verticale) oppure leggermente girato verso la tastiera, in questo caso provate a girarlo verso di voi (come se doveste eseguire un ricochet con il legno)
l'effetto è ancora più evidente se il violino è amplificato.

Se siete riusciti ad arrivare ad un suono che sembra più un rumore….ci siete. Ora l'arte sta nel saper controllare questo suono ed unirlo ad altri più definiti per creare dei groove soddisfacenti.
Cerchiamo di codificare adesso i vari suoni che probabilmente avete incontrato tentando di arrivare alla chop technique.
Il suono sordo (o rumore) che abbiamo creato lo chiameremo hard chop. Il suono simile che sicuramente siete riusciti ad ottenere ma che corrisponde ad un pitch definito lo chiameremo soft chop. Vi sarà anche capitato di sentire suoni che per esempio si sentono quando rialzate l'arco dalle corde subito dopo averle colpite. Queste note le chiameremoghost notes. Volendo codificare tutto ciò in musica utilizziamo questi segni:

Adesso cerchiamo di creare un groove di qualità.
Provate a suonare questo:

Cool chop groove

Nelle pause di croma poggiate l'arco sulle corde (creando quindi ghost notes che ho preferito non scrivere per non complicarvi la vita).
Questa tecnica è sicuramente molto più facile da imparare vedendola fare. Il video Chop & Grooves di Darol Anger, un maestro della chop technique, vi sarà di grandissimo aiuto.

Musica Jazz Violino Lezioni - L' improvvisazione 2 (per ogni tipo di musica)

2010-02-08T13:01:00.001+01:00

Eccovi la seconda Lezione di Improvvisazione di Luca Ciarla tratta dal sito Jazzitalia. Si può studiare da autodidatta l' improvvisazione al violino, ma come al solito il mio consiglio è quello di rivolgersi ad un buon maestro per poi seguire le proprie considerazioni musicali e stilistiche.

Lezione2

E torniamo alla nostra amata (e forse anche odiata!) Oh Susanna. E' un brano facile e divertente che ben si presta ad una improvvisazione a cavallo tra il bluegrass, lo swing e il jazz. Suonando il brano ad orecchio ovviamente ci si accorge subito della semplicità della struttura dal punto di vista armonico e formale. Infatti gli accordi di base sono tutte triadi maggiori, e se suoniamo il brano in re maggiore, sono appunto RE, SOL e LA maggiore, cioè I, IV e V grado della scala. Ecco la struttura armonica in Re maggiore (semplificata dal punto di vista ritmico).

Allora prendiamo il violino (o la viola o quello che volete!) e dopo aver eseguito nuovamente il tema, suoniamo in successione:

fondamentale dell'accordo di triade per ogni battuta (quindi RE minima per 3 volte, poi LA minima, ecc.);

fondamentale + terza dell'accordo (RE - FA# per tre volte, poi LA - DO#, ecc.)

fondamentale, terza e quinta (RE – FA# - LA, ecc.)

fondamentale, terza, quinta e ottava (RE – FA# - LA - RE, ecc.)

scala di re maggiore partendo sempre dalla nota fondamentale dell'accordo (quindi su A suonerete LA – SI - DO# - RE – MI - FA# - SOL - LA)

Fatto? Suonate nuovamente il tema e finite il brano. Adesso fate tutto questo lavoro in tutte le tonalità….è una faticaccia ma è l'unico modo che abbiamo per imparare a conoscere veramente un brano e il nostro strumento.

Violino Metodo - Curci Young - Duetti Violino

2010-02-06T18:03:00.003+01:00

Curci Young presenta "Alighiero in Concerto: Romantico"
di Claudio Merico

Edito da Curci Young il nuovo volume "Alighiero in concerto: Romantico" della violinista Antonella Aloigi Hayes e del pianista Carlo Mormile. Il volume è una raccolta di duetti per violino tratti da celebri brani della tradizione violinistica romantica. Il libro fa parte della fortunata serie di "Alighiero - Il ranocchio violinista" beniamino dei bambini. Il volume è corredato da CD guida che oltre a contenere le registrazioni di tutti i duetti è completato da preziosi consigli per i giovani violinisti. Il pratico metodo "minus one" consente nel cd di escludere all' ascolto ciascuno dei due violini. Silenziando la parte dell' allievo, si potranno eseguire i brani in duo anche a casa. Il volume (prendendo spunto dai repertori proposti) affronta diverse difficoltà violinistiche tra cui: i principali colpi d'arco (e la padronanza dello stesso),

l 'intonazione, la 1^ posizione, l' elasticità, la leggerezza,velocità e coordinazione della mano sinistra. Nella scrittura dei duetti la prima parte voce è per gli allievi del II corso, mentre quella del secondo per allievi dal III corso. Il libro al suo interno è strutturato da uno schema composto da esercizio preparatorio e applicazione dello stesso sul repertorio appositamente riamaneggiato per duetto (la famosa tecnica applicata).

Uno degli aspetti che ritengo più importanti di questo volume è la possibilità di poter stimolare un giovane violinista sin dall' inizio della sua carriera con questi repertori spesso trattati (giustamente) come punti di arrivo, riuscendo in buona sostanza a trarre quegli stimoli importanti per un giovane allievo nel suo percorso (che come si sa comincia in modo molto aspro e poco musicale). Con questo volume regaliamo ad un giovane violinista il piacere di poter godere di grandi melodie e celebri opere quali ad esempio: Paganini capriccio n° 24 e 9 , il fantastico tema del concerto per violino di Mendelssohn (Op 64) o Shubert "Il Bel Danubio Blu". I brani con i relativi esercizi tecnici preparatori sono inseriti nel volume per ordine di difficoltà crescente.

Consiglio questo volume a tutti gli insegnanti che sentano l' esigenza di stimolare la musicalità e l' espressività dei loro allievi novizi senza porre difficoltà eccessive o insormontabili a quest ultimi. Per una crescita musicale (e tecnica) in tutta serenità, un lavoro che mira a stimolare il rapporto interiore dello studente con il suo strumento.

Clicca Qui per visionare o acquistare i volumi della serie "Alighiero".

Musica Jazz Violino Lezioni - L' improvvisazione 1 (per ogni tipo di musica)

2010-02-04T16:58:00.005+01:00

Scorrazzando in rete ho trovato sul sito Jazzitalia delle interessanti lezioni di improvvisazione al violino (per ogni genere di musica) a cura del rinomato violinista italiano Luca Ciarla. Vi proporrò di volta in volta le singole lezioni.

Lezione I

Iniziare ad improvvisare con il violino non è facile per chi ha avuto un impostazione classica. Io consiglio sempre di avvicinarsi al mondo dell'improvvisazione con tre approcci diversi all'inizio.
Approccio n. 1 ornamentazioneSuonate il brano "Oh Susanna" in Re maggiore e cominciate a trasportarlo in tutte le tonalità eseguendolo salendo di semitono come se si stesse facendo dei vocalizzi. Ad ogni modulazione, cercate di aggiungere "al volo" una nota di passaggio, un bicordo, una pausa, ecc. Le possibilità sono tantissime, anche se si resta ancorati al tema. Sforzatevi di aggiungere qualcosa istantaneamente, anche se può sembrare poco gradevole.
Approccio n. 2 sfruttamento della scalaProvate a creare istantaneamente combinazioni di note sfruttando la scala di Re maggiore. Assegnando un numero da 1 a 8 per ogni nota della scala (es. LA è un 5, SI un 6, ecc.), cercate di creare una melodia utilizzando le note come se fossero numeri. Immaginate una sequenza di numeri (es. 37264815) e provate a suonarla subito dopo. Fate poi lo stesso esercizio in tutte le tonalità. Fate finta di creare musica seriale ma quasi istantaneamente!
Approccio n. 3 improvvisazione totaleL'improvvisazione totale può essere un punto di partenza ed un punto di arrivo nella vita di un musicista che vuole o sappia improvvisare sul proprio strumento. Si pensi per esempio a Keith Jarrett e ai suoi concerti di piano solo nei quali spesso la creazione è totale, nel senso che la musica che ascoltiamo è completamente creata all'instante. Ebbene, l'improvvisazione totale (o radicale) può essere utilizzata anche in uno stadio iniziale dell'apprendimento e può aiutare molto a "sbloccare" un musicista dal punto di vista psicologico. In realtà quasi tutti i violinisti a volte riescono ad improvvisare per qualche secondo. Quando si prova un violino o un archetto nuovo, magari da un liutaio, inizialmente spesso si fanno note a casaccio, frammenti di concerti o sonate, scale o altro e si prova come suona sulla quarta corda, note acute, il balzato, ecc. Ecco in questi pochi secondi a volte in realtà improvvisiamo, nel senso che ci può capitare di suonare una successione di note non necessariamente prestabilita. Questa piccola esperienza improvvisativa può svilupparsi in qualcosa di più corposo. Con lo stesso spirito che si ha quando si prova un violino che non conosciamo, proviamo a creare all'istante musica mai sentita prima, lasciandoci andare completamente e ascoltando soltanto il nostro suono.

Spartiti Violino, Musica - Petrucci Music Library (I.M.S.L.P)

2010-02-01T20:51:00.009+01:00

I.M.S.L.P un Ambizioso Progetto

Letteralmente significa International Music Score Library Project (IMSLP) è l'ambizioso progetto ( In stile Wiky) che si propone di creare il più grande network mondiale di spartiti musicali, una sorta di enorme libreria virtuale dove poter reperire tutti gli spartiti musicali di pubblico dominio ordinati per compositore, epoca, genere, strumentazione, una fucina di analisi musicali e della partitura, sorrette da un utilissimo forum, fa di IMSLP un meraviglioso ausilio per noi violinisti e per qualsiasi strumentista. La facilità con cui possiamo ( e potremo sempre più nel tempo) reperire e condividere spartiti per violino è uno degli aspetti più interessanti della libera condivisione a mezzo internet. Nello specifico la Petrucci Music Library si interessa anche alla diffusione di spartiti di autori contemporanei. Una sorta di veicolo di scambio e di circolazione per tutto i compositori, che vorranno mettere a disposizione la loro musica, affinchè possa essere conosciuta, suonata e perchè no anche analizzata dagli altri utenti. Detto ciò non resta che visitare il sito!

P.s

ViolinistiNet apre tre nuove sezioni:

Lezioni di Violino (Video molto interessanti; dalla tecnica di base, al vibrato, agli stili moderni)
Spartiti per Violino Gratis ( es. J.S Bach Concerto, Sonata, Rapsodia ecc poi Violin o Viola)
YouTube channel (VideoArchivio di violinisti famosi)

Buona navigazione!

P.s2

Per chi fosse interessato, Il fantastico violino elettrico pubblicato in foto nel post precedente è un
"Gavari Violin" un violino ancora sperimentale che verrà presentato a breve alla fiera del Design di
Tokyo!! Questo meraviglioso violino elettrico è stato progettato da Gerda Hopfgartner. Ecco il Link.

Technology - Il Violino nel Web

2010-01-29T02:45:00.005+01:00

Il Violino nel CyberMondo
di Claudio Merico

Lo studio del violino e gli ausili a disposizione per le nuove leve sono notevolmente aumentati con l'avvento di internet. La possibilità di poter condividere informazioni nei forum, consigli, paragoni e esperienze ci consente di poter avere un bacino di confronto enormemente ingrandito rispetto a neppure dieci anni fa. Si sa, la conoscenza aiuta la crescita, così i "segreti" del violino prima considerati tanto preziosi e riservati quasi con gelosia in una più o meno ristretta cerchia di musicisti di livello, oggi navigano liberi in rete. Un flusso di informazioni a cui migliaia di violinisti in tutto il mondo possono avere accesso per poter formare la loro esperienza, cultura e carriera. Un inestimabile patrimonio conoscitivo che aspetta solo di essere utilizzato. I risultati della profonda condivisione in atto sono sotto gli occhi di tutti, il livello medio grazie a questi potenti mezzi è notevolmente cresciuto e i vecchi termini di paragone tra il concetto di "buono" e "scadente" sono oggi notevolmente cambiati. Il circolare delle informazioni crea sicuramente un' omogeneità dei livelli tecnici (una tecnica globale, moderna e unificata, non più legata settorialmente alle antiche scuole). Ben presto si svilupperà (almeno a mio avviso) una sempre più profonda ricerca "dell' Io" e della personalizzazione in tutte le sue forme e possibilità. Girovagando nel web ho trovato diversi siti e le più svariate idee riguardanti il violino, alcune molto utili altre un pò meno, ma certamente stravaganti.
Il più grande ausilio a mio avviso è il conosciutissimo portale di google "YouTube". Sarebbe impensabile oggi lo studio di un repertorio o di uno stile senza il riscontro visivo dei migliori artisti nel panorama e quale migliore mezzo di YouTube per poter osservare, ascoltare, paragonare l' esecuzione di un artista piuttosto che un altro. E' ovvio che la praticità, la velocità e l' economia di questo mezzo fa sì che intere generazioni stiano crescendo con un termine di paragone e una coscienza del livello molto sviluppata. Sarebbe impensabile per un giovane violinista oggi non poter vedere le principali e più stimate esecuzioni di un repertorio, prima di eseguirlo. E' di un anno fa la creazione della YouTube Symphony Orchestra, un' orchestra mondiale completamente creata tramite audizioni fatte con video YouTube. Esibitasi lo scorso anno alla Carnage Hall di New York. Ecco come grazie al web anche la meritocrazia può farsi strada, ognuno da casa propria potrà mettersi in gioco e senza alcun dispendioso spostamento avere la possibilità di sviluppare la propria carriera. Praticamente un altro mondo! impensabile sino a poco tempo fa. Un' altro fenomeno molto interessante sono le WebTv e qui, (passatemelo) mi devo necessariamente chiamare in causa con la mia SibeliusTv una WebTv completamente dedicata al violino, abbiamo inoltre Medici.tv un' altra fantastica WebTv che tratta il mondo classico più in generale. Uno tra i principali siti mondiali per il violino è invece TheViolinSite, un completissimo portale interamente dedicato al mondo violinistico. Altre idee più stravaganti sono: il sito Get-tuned.com un accordatore virtuale per vari strumenti tra cui il violino o ancora Metronomeonline che come il nome stesso suggerisce è un metronomo virtuale. Capite bene come il nostro mondo è stato completamente rivoluzionato e cosa ci aspetta per il futuro.In breve tempo sarà impensabile (ma lo è già) approcciarsi al violino senza riscoprirlo in rete. Chi vivrà vedrà!
Intanto, non posso che dare un sincero augurio a tutti noi violinisti internauti convinti!

P.s
Vi linko un sito dove potrete trovare delle lezioni video molto interessanti per un principianti o un autodidatti, consigliandovi comunque di farvi seguire da un bravo insegnante, perchè si sa..... è praticamente impossibile raggiungere un buon livello con il violino da autodidatta.

Musica Violino, World - Violinista: Lino Cannavacciuolo

2009-11-19T01:24:00.009+01:00

Intervista a Lino Cannavacciuolo
Realizzata da Francesca Guccione, a cura di: C. Merico

La nostra Francesca Guccione ha intervistato per ViolinistiNet l' artista Lino Cannavacciuolo, il noto violinista compositore campano autore di tre dischi ( Ca Nà, Segesta, Aquadia) e della sigla de "La nuova squadra" fiction Rai. Concertista di musica world-etno a livello nazionale ed internazionale. Un artista che rappresenta uno dei caposaldi della world music italiana.

Nell intervista Cannavacciuolo ci offre un piccolissimo anticipo del suo nuovo lavoro discografico.

Parliamo del tuo inizio in teatro. Che cosa è stato e cosa ti ha lasciato in termini artistici?

Il teatro, è stato proprio il mio inizio, chiaramente avevo un ruolo da orchestrale, ma nonostante questo andavo un pò oltre quello che facevo perchè ero affascinato da tutto, non mi lasciavo prendere dal lavoro in se stesso, ero affascinato dal testo e da come si vive il teatro e il mio inizio è stato molto interessante e bello perchè ero giovanissimo e ho iniziato con Edoardo de Filippo ( parliamo dell' 81) erano i primi anni che Luca De Filippo aveva compagnia a sè e la regia era di Edoardo.

Parliamo dell’ incontro con Beppe Barra.

Con Beppe Barra è stato quasi in contemporanea abbiamo avuto questa prima esperienza insieme, successivamente negli anni ‘90 ci siamo rincontrati dove poi abbiamo fatto un percorso bello insieme sia dal punto di vista teatrale che musicale.

Cosa rappresenta per lei la musica popolare e che importanza riveste nelle sue scelte musicali.Bè per me la musica popolare è un elemento ben presente e forse , sai chi ha dentro questo riferimento, chi l’ ha vissuto questo mondo, non può che diventare parte integrante, quindi anche quando in certi momenti sono comunque portato ad immaginarmi un mondo contemporaneo dove vado a scoprire (oggi si dice contaminazione musicale) dentro c’è sempre la radice, è spontanea , mi esce ….. c’ è poco da fare!
Quello che più fortemente colpisce delle sue esibizioni è la capacità di arrivare al pubblico, e di creare disegni con la sua musica, ogni frase assume un po’ una valenza lirica, tutto questo innestato in un prodotto world o etnoworld, hai lavorato molto sull’ espressività e sulla direzione della frase musicale?
Assolutamente, io non sono un compositore nel vero senso della parola, io questo l’ ho scoperto molto tardi , perché ho sempre fatto il violinista, ma ho fatto il violinista a modo mio,non ho mai seguito schemi ben precisi , ne ai tempi del conservatorio, ho sempre avuto un bisogno naturale, avevo un trasporto, quindi anche per la composizione, all’ improvviso ho sentito questa esigenza naturale di buttare giù delle idee, e con grande umiltà l’ ho fatto e lo faccio tuttora.

Il tuo secondo disco è Segesta , a nostro avviso uno dei più bei dischi world italiani sia come intuizioni che come originalità, un disco ricchissimo di particolari che solo dopo diversi ascolti si possono carpire. Come nasce Segesta? Che importanza riveste questo disco tra i tuoi lavori?

Segesta rispetto agli altri cd, se parliamo del primo, lì c’è un vero inizio mio, c’è anche tanta ingenuità, ma in quella ingenuità io poi negli anni ho riscoperto qualcosa che effettivamente mi riconosce. Segesta è un disco che afferma più degli altri due, forse perchè c’è stato più tempo per esprimere per ricercare dentro di me veramente, effettivamente incarna la mia vera identità musicale. Parlando del terzo (Kanà) è un disco che è stato commissionato dal museo di Venezia dove mi chiedevano di ispirarmi alla rappresentazione di Pulcinella, quindi un disco mirato in una direzione precisa.

Oggi e da diverso tempo ti occupi anche di colonne sonore, come unisci le due carriere?Le vedi come due carriere separate?
Sinceramente è affascinante ,perché rispetto ad un progetto discografico,fare musica per immagini,ti mette in una condizione particolare,dove ti devi ispirare a qualche cosa di reale, di preciso e quindi, è un bel viaggio che mi affascina molto e che ti fa scoprire tante cose,ti fa sperimentare,anche verso una scrittura che magari non pensavi di possedere,in modo però naturale,senza spersonalizzare.
Che cosa rappresenta, per te, il violino?
Il violino è un elemento che esiste da sempre ed io ho sempre avuto un occhio verso la musica contemporanea, anche quando ero studente, mentre gli altri amici suonavano strumenti più moderni, cioè strumenti che potevano esprimere quel tipo di musica,io avevo il violino.Questo è stato un modo per sperimentare,infatti io uso il violino in modo percussivo, così diventa un rapporto unico,particolare,perché quello è il tuo strumento ed è grazie ad esso,che puoi vivere le sensazioni che vuoi e renderlo il tuo strumento in tutti i sensi.
Di che cosa parla il tuo nuovo lavoro discografico ? Ci dai un’ anticipazione?
Questo CD ha un contenuto preciso e particolare,concentrato sul dolore di questo momento, quindi è un lavoro molto profondo, greve e scuro.

Ecco il clip tratto da youtube della colonna sonora de "La nuova Squadra".

Didattica - Il Metodo Suzuky

2009-11-14T13:03:00.002+01:00

L' Oriente e Shinichi Suzuky

Il reale motivo della venuta in Occidente di SHINICHI SUZUKI, fondatore dell'omonimo metodo, era quello di comprendere il vero significato dell'Arte, risposta che sperava di trovare nell'Europa degli anni '20 - '30. A Berlino egli non solo studiò violino con Karl Klingher, allievo di Joachim ed affermato violinista e insegnante, ma divenne intimo amico di Albert Einstein e conobbe le nuove idee sull'educazione dei bambini che si stavano diffondendo grazie alla generazione di Maria Montessori e Jean Piaget.

La sintesi di questo "apprendimento", avvenuto in un ricco e variegato panorama culturale, si riassunse alla fine nella sua frase: "L'arte non è qualcosa che sta sopra o sotto di me, l'arte è legata alla mia essenza più profonda".

Questa profondità d'indagine, la ricchezza della cultura musicale europea e la messa a punto di nuovi e rivoluzionari metodi educativi in cui il bambino diventava soggetto, dunque, furono il fertile terreno da cui, grazie a quel lungimirante e intraprendente didatta che era Shinichi Suzuki, nacque il "Metodo Suzuki".
E' un fatto che il repertorio appreso dagli studenti del metodo Suzuki, dai pezzi più semplici fino ai brani da concerto, si rifà interamente al patrimonio compositivo barocco o romantico dell'Europa, principalmente a quello della Germania, dell'Italia e della Francia. Nel suo libro Suzuki fa riferimento a Pablo Casals e ad altri artisti esecutori europei come modelli di studio per gli studenti, intendendo sottolineare l'importanza di una corretta imitazione del suono e di un buon dominio tecnico nel momento in cui si muovono i primi passi nell'esecuzione strumentale.

Suzuki aveva compreso che proprio "l'imitazione" è alla base del processo d'apprendimento umano nei primi stadi della vita e, attraverso il metodo che egli chiamò "della lingua madre", dimostrò che si poteva insegnare ad un bambino così come gli si insegna a parlare: niente di più ovvio, eppure niente di più straordinariamente rivoluzionario per quei tempi in cui il gran maestro giapponese ideava e codificava il metodo. Come, infatti, un bambino impara a parlare ascoltando e ripetendo continuamente le parole dette infinite volte dai genitori, così impara a suonare ascoltando e ripetendo continuamente un frammento musicale, un ritmo, una melodia che gli stessi genitori, "addestrati" dall'insegnante, gli proporranno nel corso della giornata affinché gli risultino familiari.

Poiché la musica sarà a questo punto entrata a far parte in modo del tutto naturale della vita del bambino e della sua famiglia, diventerà per loro "metodo di vita", attraverso il quale verrà costruito il carattere, si coltiverà il buon gusto, si svilupperanno le buone maniere, si imparerà ad entrare in relazione con gli altri rispettando le regole, ma anche affinando la sensibilità; soprattutto si troverà' in essa quella compagnia che non verrà mai meno, ancor più se si sarà in grado di suonare uno strumento.

Inoltre, attraverso l'inserimento nei gruppi di ritmica prima e d'orchestra poi, il bambino (con i suoi genitori) si potrà confrontare costantemente con i suoi compagni, imparando a capire in modo concreto il proprio ruolo all'interno di un gruppo, il proprio stile particolarissimo, la propria capacita' di stare e di fare con gli altri senza rinunciare ad essere, come direbbe Suzuki, "profondamente se stesso". Elevato obiettivo questo, ma come dicono gli orientali: "Bisogna mirare alla luna per colpire l'aquila". In queste poche e significative parole ritroviamo tutto lo spirito delle scuole Suzuki: massimo impegno di tutti (allievi, genitori, insegnanti) per perseguire i livelli di studio e preparazione e l'ingresso nell'orchestra, che e' la grande ambizione di tutti i bambini.

Musica Violino, Contemporanea - Intervista a Marco Fusi

2009-11-10T01:35:00.008+01:00

Marco Fusi e la Musica Contemporanea.

di C. Merico

Il blog ha intervistato il violinista Marco Fusi, giovane e valente concertista di musica contemporanea. Un curriculum ricco di prestigiosi concerti in Italia, e all' estero (Disney Hall di Los Angeles, Rassegna Fiesolana, Rai Radio3). Un' eccellenza tutta italiana tra gli esecutori della Musica Contemporanea.

Vuoi parlarci del tuo background e della tua formazione musicale?

La mia formazione ha avuto un percorso abbastanza normale, ho studiato in conservatorio a Milano, mi sono diplomato nel 2003 in violino 2007 in composizione ed ho avuto la fortuna durante gli studi di accostarmi ad un certo numero di compositori di ottimo livello tra cui Alessandro Solbiatti, Fabio Vacchi con i quali ho avuto modo di condividere questo interesse per la creazione di nuovi pezzi per violino di nuovi lavori per piccolo ensamble, cose che comunque sin dai primi anni di studio ho frequentato con molto interesse. Finito il conservatorio ho tentato e stò tuttora tentando di imboccare la strada dell’ interpretazione della musica contemporanea e per questo mi sono mosso studiando con i membri dell’ "Ensamble Moderna" e con Dimitry Polisoidis, un grande violista e violinista che lavora a Vienna, uno dei più grandi musicisti che abbia mai incontrato!

Come ti sei avvicinato alla musica contemporanea?

In realtà ho dei ricordi moto vaghi di questo, io ho studiato i primi anni con Fulvio Luciani del (Quartetto Borciani) e loro avevano in programma un’ esecuzione dell’ Integrale dei quartetti di Beethoven, alla fine di ogni concerto veniva proposto come bis un brano commissionato e riadattato in stile contemporaneo per l occasione ispirato ai quartetti di Beethoven, e mi ricordo in particolare il primo movimento di un quartetto di Fabio Vacchi che mi colpì talmente tanto, che io andai da Vacchi in conservatorio per chiedergli se aveva un brano per violino solo che io potessi suonare, lui incredibilmente qualche mese dopo spuntò con un nuovo pezzo per violino solo che aveva scritto e pensato perché potessi studiarlo io, vista l‘importanza di Fabio nel panorama contemporaneo internazionale, per me è stato un po’ come entrare in questo mondo dalla porta d’ingresso principale .

Hai suonato all’ estero (a Los Angeles Per esempio) quali sono le differenze culturali che hai riscontrato rispetto all’ Italia?

Ci sono enormi differenze non solo con gli Usa ma anche con altri paesi d’ Europa, negli Stati Uniti anche, la musica contemporanea è ben diversa da come la possiamo immaginare, tanto quanto gli statunitensi sono persone con meno “spocchia” culturale rispetto a noi così la loro musica contemporanea non ha pretese di elitarismo o di settorialismo, si contamina tantissimo con il jazz e la musica etnica con qualunque cosa sia più “facilmente comprensibile” di quello che noi intendiamo. Per quanto riguarda altri paesi d’ Europa

Invece la differenza nel rapporto con la stessa musica è enorme, io sono stato a Lucerna per un esecuzione di “Gruppen” di Stockhousen e mi ricorderò per sempre la signora che mi ha ospitato in quel periodo, lei era un’ agricoltore e spese 70 franchi per venire a vedere Gruppen diretta da Boulez. Mi rimase nel cuore come un gesto di amore per quello che stavo facendo! Quindi una maggiore attenzione del pubblico che è figlia (ma anche madre) di un maggiore interesse da parte di chi può permettersi di investire sulla cultura. Penso per esempio ai grandi ensamble europei che creano interesse e pubblico i quali sono frutto essenzialmente delle sovvenzioni statali dei loro paesi.

Una domanda un po’ tecnica, Ci parli del concetto di rumore nella musica contemporanea?

Sicuramente quello che è successo negli ultimi anni è stato l’allargamento del suono al rumore, in questo posso citare due esempi enormi, uno è Lakeman specialmente il primo quartetto scritto quasi unicamente con suoni non convenzionali ovvero battuti con la vite, grattati con l’ arco piuttosto che sulla cordiera o sui piroli. l’ altra soluzione è stata secondo me quella di Cage, ovvero di abbattere a livello filosofico la differenza tra suono e rumore quindi “ridurre” il suono a rumore ed elevare il rumore a suono penso ai pezzi in cui i rumori dell’ ambiente rientrano nel brano o ad intere opere come ad esempio “Ryoanjie” che sono composti da una sola nota (che ho avuto la fortuna e l’ esperienza di poter eseguire)la quale dopo circa cinquanta minuti di esecuzione diventa quasi un “oggetto palpabile” è questo secondo me il livello filosofico di ammissione del rumore al suono nella musica contemporanea.

Come si pone uno strumento come il violino in queste sonorità?

Sicuramente il violino nella sua storia e nel repertorio ha una sua tipologia di utilizzo e una tradizione molto particolare, ma di fatto il tipo di approccio che si può avere, non tanto allo strumento quanto alla nuova musica per questo strumento, è quello di considerare che tra le nostre mani abbiamo semplicemente un oggetto, che può essere suonato in migliaia di modi diversi. Per esempio qualche anno fa suonai un brano di Benedict Maison scritto per circa cinquanta esecutori (quindi orchestrale) e ricordo che non suonavamo mai strumenti convenzionali, ad esempio avevamo un violino con un arco completamente rotondo (costruito appositamente per l’ occasione) il quale ci permetteva di suonare contemporaneamente tutte e quattro le corde premendo molto su di esse, oppure suonavamo con un arco tradizionale e una sorta di “Nail Violin” (come lui lo aveva chiamato) ovvero una tavola di legno con dei chiodi inseriti che erano intonati in modo diverso quindi suonando con l’ arco in maniera ordinaria sui chiodi producevamo una sorta di acutissimo armonico. Per quanto riguarda l’ uso ordinario del violino nella contemporanea consiglierei di a ognuno di avere un secondo arco innanzitutto dato che molto spesso si tratta di situazioni estreme, situazioni da affrontare con un ottica e una ricerca di suono e di interpretazione completamente diverse da quelle a cui siamo abituati per esempio per gli autori classici e romantici.

Qual è stata l’ importanza di un artista come Luciano Berio per la musica ?

Questa è una bella domanda in quanto la cosa più interessante di Berio secondo me sta nel suo ruolo di grande “continuatore” della tradizione italiana, infondo Berio è stato un operista, ha scritto diverse e stupende opere penso a “Outis” su tutte. La sua caratteristica nel rapporto con il violino è stato quello di affiancarsi ad un tradizione, ma cercando di compenetrarla con altre tradizioni in qualche modo ovvero per quello che io vedo della “Sequenza” (il suo capolavoro per violino!)la particolarità è nel fatto che ha un sacco di materiale in comune con le grandi opere per violino, penso al suo inizio che in qualche modo ricorda la “Ciaccona” penso al fatto che la polifonia all’ interno di Sequenza sia un ‘ elemento particolare, penso ad un passo alla metà dell’ opera scritto in trentaduesimi (ribattuti velocissimi) che mi ricorda il Moto Perpetuo di Paganini (per certi versi) poi dietro questo secondo me ci sono anche moltissimi elementi di vocalità popolare, l’ inizio di Sequenza in qualche modo può ricordare un coro sardo. l’ idea per me è che Berio abbia effettuato moltissimi studi per comporre Sequenza, di certo il rapporto fisico con lo strumento in questa opera è fondamentale, la mia impressione è che Berio voglia quasi “soffocare” il violino attraverso questo modo aggressivo all’inizio, oppure di scinderlo in più strumenti con una polifonia veramente estrema e alla fine attraverso l’ uso di diversi tipi di sordina (che vengono cambiati più volte durante l’ esecuzione) passando da sordine più dolci a sordine di piombo (sordina da hotel) ed è curioso notare come lo strumento sembri “soffocare” non è una bella immagine per un violinista! Ma io la trovo una cosa molto affascinante!

Per concludere, Cosa consiglieresti ad un giovane professionista che volesse avvicinarsi alla musica contemporanea?

Non consiglio nulla di particolare, se non di cominciare a suonarla senza alcun preconcetto, che è ancora cosa difficile in Italia, lavorando anche in orchestra mi accorgo con i miei colleghi che avvolte c’ è effettivamente una forma di pregiudizio nei confronti di questa musica che, in parte viene dal fatto che abbiamo sentito e suonato un sacco di “porcheria” perché purtroppo manca un filtro storico su questo repertorio, però d’ altro lato in realtà spesso manca l’ agilità mentale di capire che quello che possiamo fare con un violino non è “soltanto” (per quanto inarrivabile sia)quello che hanno fatto Brahms piuttosto che Sibelius o Beethoven, ci sono un sacco di territori inesplorati. La cosa bellissima della musica contemporanea sta nella possibilità di affiancarsi direttamente ai compositori. Ho dei rapporti direttissimi con i compositori dei brani che eseguo, uno su tutti si chiama Federico Gardella ed è un eccellente compositore con il quale abbiamo lavorato ad un pezzo per violino solo che si chiama “Estroso” che è una evidente ricerca sui timbri alternativi del nostro strumento (Fingercuppen piuttosto che il battuto con il legno, suoni al ponte ecc) e il risultato di questo lavoro è che il brano sembra una trasposizione di un Capriccio di Paganini per certi versi, ma con una perfetta originalità strumentale.

Progetti per il futuro?

Negli ultimi mesi sono successe molte cose felici e sono lieto di potervele raccontare. A Novembre sarò al Parco della Musica a Roma per due concerti con Algoritmo Ensamble (una nuova e importante collaborazione per me). Ho recentemente terminato di registrare il primo di due Cd dedicati a John Cage, per il quale sono in trattativa con diverse case discografiche e infine a Gennaio sarò a Las Vegas per una serie di concerti in un università dove mi è stata gentilmente richiesta una piccola “presentazione" del violino nella musica contemporanea, in particolare delle tecniche esecutive e del repertorio italiano.

Musica Violino, World - La Musica Celtica

2009-10-31T13:32:00.004+01:00

La Musica Del Donegal
Di Francesca Guccione

Oggi cade una ricorrenza particolare famosa in tutto il mondo,ma pochi sanno che questa tradizione affonda le sue radici in un antico passato.

Questo periodo,infatti,segnato dalle piogge d’Autunno, rappresentava una porta di passaggio tra l’aldilà e il mondo terreno e il momento in cui il passato,investiva con tutti i suoi ricordi e credenze il presente.

La sensibilità popolare di tutte le culture,legata ai ritmi della natura ha parlato di questa giornata,in particolare le tribù dei Celti , profondamente legate alle radici della Madre terra,che posero in questa data la festività di Sahmain.

Ed è in ricordo di questo popolo,che ha così segnato al suo passaggio tutte le terre in cui ha camminato, che oggi parleremo del Donegal e dei suoi violini, lasciando che le note di un vecchio fiddle , ci accompagnino in un pub, tra Jigs e reels.

In questa Contea, in cui ancora si conserva la lingua gaelica, è conservata una lunga tradizione musicale, che si è caratterizzata tecnicamente rispetto al resto dell’Irlanda, soprattutto viene utilizzato il fiddle .

Quest’ultimo ha sempre ricalcato il suono della cornamusa e proprio per questo il fiddle del Donegal si è differenziato dal resto dell’isola, infatti mentre nel resto dell’Irlanda predominano le uillean pipes, nel Donegal la cornamusa più frequente è la pìob mòr, molto vicina alla cornamusa scozzese e mentre nella tecnica musicale del resto dell’Irlanda predomina l’uso del legato, ricco di abbellimenti, nel Donegal lo stile è più essenziale, con un colpo d’archetto per una sola nota e l’uso dello staccato.

In questa regione è presente una tradizione di duo fiddling, mentre nel resto dell’isola il fiddle è uno strumento solista e strumenti come la concertina e il Tin Whistle sono entrati in questa regione soltanto negli ultimi decenni.

Queste differenze dipendono sicuramente dall’importanza dell’influenza della Scozia, che storicamente ha svolto un ruolo importante nella vita e nella società di questa regione,influenza che è visibile anche nel repertorio, con l’introduzione di ritmi che appartengono alla musica tradizionale scozzese:

Le Strathspeys, le Highlands, le Barndances e le Mazurkas.

Dopo questo rapido cenno sull’Irlanda,vi lascio con le parole di un libro che ho particolarmente a cuore e che descrive la notte di Samhain….buon Halloween!

“Qualcosa in Merlino cercava di riportarlo indietro.

Ancora la foresta…Ricordi vaghi,così lontani che non ne restava quasi niente.

Dei volti,però,delle figure simili a bambini.

La confusione di una battaglia,ma con la sensazione che i bambini dei boschi erano amici.

Poi,infine,dei volti più definiti. Il ricordo di un nome. Un viso,soprattutto, sovrastava gli altri nei meandri della sua memoria.”

(Da Il Passo di Merlino di Jean – Louis Fetjaine).

Curiosità - Il Violino nella Pittura del '900

2009-10-20T21:53:00.001+02:00

Un affascinante viaggio nella pittura del '900. Il post che Aida Laterza dedica a ViolinistiNet è un bellissimo viaggio tra famose tele. L' arte che avvalora se stessa. Il Violino come forza creativa dei più grandi artisti contemporanei.

Il violino nella pittura
di Aida Laterza

Il violino, il suo fascino misterioso e le sue linee sinuose, ha ispirato decine di menti creative. Mi riferisco ad artisti che hanno scelto come strumento di comunicazione la pittura, forma d’arte per eccellenza.
Quale miglior artista per intraprendere questo breve viaggio di relazione, tra la pittura e il violino, se non Marc Chagall?
Sin dall’infanzia Chagall vive un’autentica passione per la musica, poiché strettamente connessa ai riti della comunità hassidico-ebraica di Vitebsk, cui la sua famiglia faceva parte.
Era enormemente attratto dai canti, dalle danze, dalla musica dei kletzmerim, i musicisti ebrei, che deliziavano feste o cerimonie religiose. Scrive nella sua autobiografia: “Diventerò cantante, diventerò cantore. Entrerò al Conservatorio”, così il giovanissimo Chagall prese lezioni elementari di canto da un vecchio precettore.
Inoltre vicino a casa sua abitava un violinista…

“Durante il giorno faceva il commesso presso un mercante di ferramenta, la sera insegnava il violino. Io strimpellavo qualcosa. Qualsiasi cosa fosse, o comunque suonassi, lui diceva sempre, battendo il tempo con lo stivale: Ammirevole! E io pensavo: Diventerò violinista, entrerò al Conservatorio”

Invece divenne pittore: “La pittura mi era necessaria come il pane. Mi sembrava come una finestra da cui avrei potuto fuggire, evadere in un altro mondo…”

L’immagine del violinista è sì un frammento del suo vissuto, ma soprattutto una figura-chiave del suo linguaggio figurativo, del suo modo pittorico lirico e visionario, intrisa di densi valori simbolici.
Nel 1920 fu incaricato di decorare la nuova sala del Teatro Ebraico a Mosca. Come figura allegorica della musica scelse un violinista, molto simile a quello che avrebbe dipinto tre anni dopo (Il violinista verde). Il violinista sul tetto fonde due personaggi della storia di Chagall: lo zio musicista e il nonno che di tanto in tanto scorgevano “arrampicato sul tetto a sgranocchiar carote”. L’ubicazione eccentrica lo fa diventare un vero e proprio archetipo, il capostipite, l’emblema di tutti i violinisti che compariranno da qui in poi nei suoi dipinti. La posizione in bilico sull’apice del tetto evoca la precarietà economica e sociale dei kletzmerim, molti erano costretti a condurre una vita grama e difficile e a esercitare altre professioni per sopravvivere.D’altra parte questa stessa precarietà, questo trovarsi sempre “in bilico” si può estendere a tutto il popolo ebraico. In Liberazione (1952, Trittico Resistenza, Resurrezione, Liberazione) la figura dominante che si erge dal centro rosso è quella del violinista, cui è affidato il compito di esprimere gioia e luce attraverso la musica del suo strumento…“forme sonore come suoni”, scrisse Chagall. La gioia cromatica che inonda il dipinto sembra sprigionarsi dal violino stesso, magico strumento che suona, con i colori, un inno all'amore e all'arte.

Altro artista è Fernando Botero. "Violino sulla sedia" è sì una natura morta ma in versione “large”. L’artista colombiano dilata il violino fino a renderlo panciuto, tondeggiante, irreale, per godere appieno del colore. Persino l’ombreggiatura nei suoi dipinti è assente per non sporcare l'idea del colore che vuole trasmettere.Violino sulla sedia, 2000.

"Il Violinista" del 1998 si contrappone all'umana simpatia boteriana ricchissima di colore. Il soggetto, che quasi si confonde con lo sfondo scuro, appare austero, sobrio.

E ancora… come non parlare di Georges Braque, massimo esponente del Cubismo. Le nature morte sono state il tema privilegiato di quest’artista e, più in generale, hanno caratterizzato il primo periodo del Cubismo (Cubismo Analitico).

In Violino e brocca, del 1910, si evince l’assoluta libertà di Braque nell’uso della pittura. Il violino così scomposto e sfaccettato, fuso con lo sfondo, in totale assenza di prospettiva, sembra essere costituito da “piccoli cubi”. E’ affascinante notare come il frutto di questa innovativa ricerca apra inevitabilmente la strada verso l’Arte Astratta.

Mi piace chiudere questo breve viaggio, attorno ad un tema che meriterebbe ben altre stesure, con una talentuosa artista viennese, dall’impronta espressionista, Ilse Sanftl e il suo Stardivari-L’Anima dell’Arte. In questa tela traspare, in modo molto forte, quasi violento nel tratto, un mondo e una passione che attingono dalla mente. Il violino, quasi fuso con lo sfondo, appare pervaso dal vento. L’artista sembra voglia evidenziare in questo modo l’immaterialità della musica. Sanftl ama tradurre il sentimento in una pittura poeticamente sfuggente.“I quadri sono come delle tappe della mia vita… sono un viaggio immaginario nel mio mondo interiore, attingono alle mie avventure oniriche, sono i miei stati d’animo”…dice Ilse.

Con questa immagine, dal respiro intenso e impalpabile al tempo stesso, vi lascio a bearvi di cotanta meraviglia.

Musica Violino, World - Musica in India del sud

2009-10-16T00:17:00.004+02:00

Continua il nostro viaggio nella musica indiana con Francesca Guccioni che ci parlerà della musica Carnatica dell' India del sud.

Musica Carnatica
di Francesca Guccione

“Nata da una ricca cultura millenaria è stata suonata nei templi, quest’arte contemplativa richiede tempo, luogo e stato d’animo.

Quando ciò viene raggiunto, l’artista è in grado di indurre nell’ascoltatore un’esperienza trascendentale”.

Queste parole concludono il commento di un audiocassetta regalatami un anno fa da una signora vissuta in India per anni, questo vecchio nastro rappresenta un tesoro della Musica Indiana, in quanto conserva le note del violino di L.Subramaniam, pilastro ed interprete della musica Carnatica. Dovendo parlare di quest’ultima, ho ritenuto indispensabile tradurre dall’inglese questo documento, per la sua completezza e semplicità:

“La musica Carnatica del Sud dell’India, è un’arte microtonale e modale che si fonda su una base teorica molto sviluppata, in cui sia la melodia che il ritmo sono fondamentali.

Nata da una tradizione vocale e radicata in una poetica mistica, fonde i suoi motivi ritmici complessi agli eleganti abbellimenti delle note. La musica Carnatica si basa sull’ improvvisazione e costituisce una sfida continua sia per l’intelletto, sia per l’agilità del musicista, chiedendo simultaneamente profonda concentrazione e spontanea composizione.

Le forme più complesse vengono chiamate Ragam,Tanam e Pallavi.

Il Ragam rimanda all’Alapana (introduzione ed elaborazione del Ragam), attraverso l’improvvisazione melodica che incomincia l’esposizione di ogni modo.

Nell’Alapana, il musicista prova a rivelare i vari elementi melodici del modo scelto e a stabilire una sua atmosfera.

Questa parte della progressione non ha accompagnamento ritmico.

Nel Tanam (continuazione della libera improvvisazione melodica,senza ancora accompagnamento percussivo ), un battito ritmico viene introdotto alla fine di ogni frase concludendo in una cadenza.

Infine il Pallavi è un breve tema (con parole nel caso di una composizione vocale), generalmente collegato o ad un periodo dello schema ritmico o al Tanam ed è alla fine di questa sezione che il percussionista entra nel dialogo musicale.

Il Pallavi ha tre ulteriori caratteristiche:

il Niraval, il Trikalam e lo swara-Kalpana.

Il Niraval richiede il riempimento di una porzione della linea Pallavi ,con nuove idee musicali .

Il solista improvvisa sulle nuove melodie costruite attorno al pallavi che sono state fissate in relazione al tanam.

Nel Trikalam la linea del Pallavi viene eseguita in tre tempi,tenendo costante il Talam e sono:

il tempo a metà,il tempo originale e il tempo doppio.

Lo swara-Kalpana è un’improvvisazione basata sul solfeggio delle sillabe in tempo andante o veloce, in cui ogni frase ritorna all’ inizio del tema del Pallavi.

Questa complicata improvvisazione melodica, viene conclusa da un’ improvvisazione ritmica di grande effetto del percussionista.”

Sperando che questo breve documento, abbia suscitato in voi interesse , vi parlerò nel

prossimo articolo del maestro L. Subramaniam, della sua vita e della sua musica, concludendo insieme a voi questo viaggio, nella terra dell’ incenso, della danza e di Shiva.

Musica Violino, Barocca

2009-10-13T18:34:00.006+02:00

Vi ripropongo questa bella intervista fatta dal sito "Da capo al Fine" alla violinista Isabella Bison, una tra le più conosciute violiniste nel panorama barocco italiano.

Clicca Qui per ascolatare l' intervista a Isabella Bison.

Che cos’è il violino barocco? Quando nasce? In cosa si distingue da quello moderno? Perché un violinista sceglie l’uno invece dell’altro? Quali sono le differenze tra un’esecuzione filologica e una moderna? Lo abbiamo chiesto alla violinista Isabella Bison, ospite del nuovo podcast di Da Capo al Fine, in una piacevole chiacchierata telefonica, arricchita da un’esecuzione moderna della Sonata op. 2 n. 8 in re minore di Antonio Vivaldi (di un interprete francese) e da due belle interpretazioni della stessa Bison: Armonia Capricciosa di Tommaso Motta e il Concerto op. IV n.3, primo movimento, di G. F. Händel.

Curiosità

2009-10-09T10:44:00.000+02:00

Il Violino e l' House Music
In rete ho trovato un estratto di un video di Yanni (pianista, compositore, tastierista Greco) "Best Violin Solo" con Samvel Yervinyan violinista Armeno.
Bè.......giudicate voi! :-)

Di seguito un altro lavoro di Yanni con due violini (e che violini!) "The best 2 Violin Solo " Live in Acropolis. Fantastico!!!

Musica Violino, Jazz - Violinista: Joe Venuti

2009-10-06T12:45:00.022+02:00

Ecco il primo post che Francesco del Prete (valente ed apprezzato violinista jazz italiano nonchè amico di vecchia data) scrive per ViolinistiNet. Ci accompagnerà lungo questo viaggio nel mondo jazzistico. Sono davvero felice di vederlo collaborare con noi. Ci dà il benvenuto parlandoci del grande Joe Venuti.

Joe Venuti e il Violino Jazz
di Francesco Del Prete

All’inizio degli anni Venti del secolo scorso appare un uomo giustamente considerato il primo vero violinista solista della storia del jazz, Joe Venuti. Strumentista eccezionale, “he had tremendous technique and he could swing more intensely than most horn players” [trad.: “in possesso di una tecnica tremenda e di uno swing più efficace di molti suoi colleghi trombettisti”].Musicista dalla sonorità generosa – quando necessario riusciva a produrre un suono talmente alto da essere ascoltato in mezzo ad una big band – e con una particolare cura nei confronti della melodia; secondo alcuni critici è proprio da questa naturale propensione che viene a galla tutta l’italianità del musicista, dotato di un suono caldo e rotondo, poco aggressivo, solo a tratti leggermente ruvido. Ha saputo esplorare tutte le possibilità del suo strumento, armonici, pizzicati, doppie corde, a volte anche quadruple(!), passando il violino tra il legno dell’archetto ed i crini allentati – Four String Joe.Tappa fondamentale della sua vita, l’incontro col chitarrista Eddie Lang – in realtà Salvatore Massaro – di origini italiane anch’egli, col quale negli anni Venti crea quel magnifico sound violino-chitarra col famoso gruppo dei Blue Four, primo tentativo convincente di un jazz da camera qualche anno dopo ripreso in Francia, ma sviluppato in maniera diversa, da Stéphane Grappelli e Django Reinhardt.Joe ed Eddy, compagni quasi inseparabili, polistrumentisti entrambi – la leggenda vuole che si giocassero col lancio di una monetina la scelta dei due strumenti! – tecnicamente ferratissimi, mettono a punto un linguaggio originale e specifico per i loro strumenti, del tutto indipendente dai modelli allora a disposizione: i country fiddler ed i chitarristi blues.I due italo-americani sapranno fare dell’ottimo jazz, ma anche molta altra musica, compresa la classica, partendo da presupposti e preparazioni tecniche differenti da quelli allora considerati canonici per un jazzman. La loro esperienza non è quindi riconducibile ad alcun tipo di stile, scuola e tendenza. Circostanza questa che prima ostacolerà e poi accompagnerà il riconoscimento di pubblico e critica. Alla fine degli anni Venti, almeno in Europa, i loro nomi facevano già parte del gruppetto di jazzmen bianchi più famosi. Poi la critica, francese soprattutto, con i suoi ostracismi, e la swing era, con la sua popolarità, provocarono i primi ripensamenti sull’effettivo valore del duo. A questo si deve aggiungere un’interpretazione, durante i concerti del tandem in questione, dotata di quel pizzico di humour distaccato che alleggeriva il coinvolgimento dell’ascoltatore-spettatore. Lang e Venuti avevano l’aria, ma, come chiarirà il violinista diversi anni dopo, anche l’intenzione, di burlarsi spesso del pubblico, non in maniera irriverente o offensiva, ma con la volontà manifesta di non prendersi, essi per primi, troppo sul serio. Dovremo attendere qualche anno ed il successo del quintetto dell’Hot Club de France e dei vari proseliti di Venuti Warlop, Asmussen, per riportare la giusta attenzione sul lavoro svolto in studio dal 1926 al 1933 da quei pionieri di origine italiana. Perché di veri capiscuola si tratta: la coesione di questo ensemble è perfetta; al timbro raffinato, alla delicatezza melodica ed al profondo lirismo, allo swing sottile ed al relativo avanguardismo di Venuti, Lang aggiunge un accompagnamento nel ritmo e nel contrappunto così ricco che a volte si ha l’impressione di ascoltare una sezione ritmica completa. Grande successo riscuotono infatti i Blue Four, dal sound particolarissimo creato dalla combinazione con sax basso e piano. Purtroppo Lang verrà a mancare il 26 marzo del 1933 a causa di complicazioni successive ad un banale intervento di tonsillectomia ed il nostro violinista tarderà a riprendersi dallo shock della perdita. Pur affidandosi a validi chitarristi quali Dick McDonough e Frank Victor non riesce a ritrovare quel magico sound che ha creato con il suo compagno. Pian piano verrà dimenticato. Dobbiamo apprezzare gli sforzi del promoter Dick Gibson che, avendolo scovato verso la fine degli anni Sessanta in giro per i locali di Seattle, lo presentò a numerosi jazz parties frequentati da importanti jazzisti, i quali furono piacevolmente meravigliati di scoprire non solo che il vecchio Joe era ancora vivo, ma anche che “he was playing better than ever. Although forgotten by the jazz world, and thoroughly obscure figure to the general public, Venuti nonetheless maintained the highest standards for himself musically and didn’t permit his playing to deteriorate a bit”. [trad.: “egli stava suonando meglio di prima. Nonostante fosse stato dimenticato dal mondo del jazz, e sebbene fosse del tutto sconosciuto al grosso pubblico, Venuti aveva mantenuto musicalmente degli standard qualitativi molto alti e non aveva permesso al suo modo di suonare di peggiorare”]. Furono questi i suoi secondi dieci anni di grandissimo successo – i primi dieci li passò accanto ad Eddie Lang fra il 1923 e il 1933 – che lo portarono nelle sale da concerto di tutto il mondo per la gioia degli appassionati della musica del secolo scorso. Joe suonò fino a poche settimane prima di morire di cancro, il 14 agosto 1978 e, come ha sottolineato il jazz mandolinist Jethro Burns, “it’s going to be many years before people realize how great he really was!”. [trad.: “dovranno passare molti anni prima che la gente realizzi quanto è stato grande”].È un imperdonabile errore che alcuni frettolosi studiosi di jazz – come ad esempio Gunther Schuller nel suo libro Early Jazz del 1979 – non degnino della pur minima citazione né lui né il suo formidabile chitarrista!Tutti i jazz fiddlers che seguono Venuti saranno tremendamente influenzati dall’italo-americano, anche se, in realtà, non dal suo stile molto personale.

Musica Violino, World - Musica Hindustana (India del Nord)

2009-10-03T01:52:00.006+02:00

Colgo l'occasione con questo post per presentarvi la mia valente collaboratrice Francesca Guccione. Ritorniamo sull' argomento della meravigliosa musica indiana, anzi cominciamo ad osservarla più da vicino!

La Musica dell' India del Nord #2

di Francesca Guccione

Il luogo in cui la spiritualità si concretizza in musica è l’India. Qui infatti il confine tra arte e religiosità è talmente sottile, che ogni regola e ogni strumento musicale diventa un ponte di collegamento tra il reale e il divino e questa realtà non poteva non includere il suono impalpabile ed etereo del violino.
Bisogna, a questo punto,ricordare la suddivisione della musica indiana degli ultimi quattrocento anni che possiamo riassumere in due grandi rami: la musica Hindustana dell’India del Nord, che conserva, per vicissitudini storiche, l’influenza araba; la musica Carnatica dell’India del Sud, che conserva le radici della musica indiana più antica e in cui il violino, introdotto in India all’inizio del diciottesimo sec. è utilizzato maggiormente rispetto alla prima.

Un elemento fondamentale per comprendere il linguaggio musicale indiano è il Raga.

Questo termine descrive strutture musicali sottoposte, durante l’esecuzione, a precise regole basate su un certo numero di scale musicali che si sviluppano gradualmente.
Le note possono variare durante il movimento ascendente e discendente,nella musica Hindustana le scale di base sono dieci,mentre in quella Carnatica sono settantadue ,delle quali trentadue effettivamente utilizzabili. L’esecutore è libero d’improvvisare sul momento una serie infinita di combinazioni ritmiche e melodiche, attenendosi alle regole specifiche del Raga, che si divide in due tipi: la base (malakarta raga), che ha una struttura rigida e il derivato (janya raga), che è l’elemento che evolve la melodia. Lo sviluppo di un Raga segue quindi una scala modale, in grado di creare: associazioni emotive come la gioia, la tristezza e la serenità; una gerarchia dei gradi in relazione a una nota fondamentale, la tonica; abbellimenti specifici; infine una forma melodica caratteristica riconoscibile immediatamente dagli ascoltatori.
Nella sua integrità segue sempre lo stesso procedimento, prima l’Alap (improvvisazione in tempo libero), lo Jog (improvvisazione ritmata), infine l’esecuzione di una melodia composta da un ciclo ritmico (Gat nel Nord e Kriti nel Sud).

Dopo questa breve parentesi, la prossima volta ci soffermeremo sulla musica Carmatica, su altre strutture musicali e su maestri di violino che hanno reso la musica indiana celebre in tutto l’Occidente.

Vi lascio con una bellissima frase:
“ La musica è la voce di tutta l’umanità,
di qualsiasi tempo e luogo. Alla sua presenza noi siamo Uno.”

Per chi volesse ecco il post del 27 febbraio sul violino e la musica Indiana.
Un esempio di musica Hindustana.

p.s

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Didattica - Katò Havas

2009-09-28T09:00:00.086+02:00

Katò Havas: La Paura del Pubblico e il Nuovo Approccio al Violino
di Claudio Merico

Salve a tutti oggi parleremo di Katò Havas, violinista ungherese, (ex bambina prodigio). Didatta di fama mondiale che ha scritto una serie di libri davvero interessanti, nel particolare: "La paura del pubblico" e "Il nuovo approccio al violino". Un punto di vista totalmente originale (se pur basato su nozioni tecniche ampiamente spermentate in varie scuole violinistiche come quella russa). Nel particolare Katò ha un enorme capacità di sintesi e semplificazione dei concetti violinistici, guardando solo ed unicamente al focus "la musica". Un approccio quasi Zen quello di Katò, che mira a sdoganare le tendenze (cattive) più diffuse nei violinisti per far si che "tutto la musica scorra liberamente". Guardando alcuni video disponibili su youtube (riportati in basso) noto come alcuni esercizi posturali che Katò insegna ai suoi allievi ( in particolare quello delle braccia sospese) sono del tutto ritrovabili nel "Tai-Chi-Chuan" cinese ( la base del kung-fu ) per eccellenza la disciplina del rilassamento e dell' armonia del corpo. Ecco il parere di Yehudi Menuhin in merito ai libri di Katò...

“Cara Kató Havas, vorrei scriverle una seconda lettera da ammiratore per congratularmi con lei per il suo libro Stage fright. È l'approccio più realistico e pratico che si possa immaginare... mette in risalto le vere ragioni e non quelle false... un libro che vale tanto oro quanto pesa per ogni studente e per molti esecutori".

“È un triste commento sulla perenne ignoranza dell’uomo il fatto che le cose rare e originali sono di solito quelle evidenti. La Signora Havas è originale nel suo approccio al suonare il violino poiché insiste sul fatto che la tecnica violinistica debba essere riducibile a movimenti fondamentali che coinvolgono più che solo la punta delle dita… È anche rincuorante e ugualmente ‘originale’ trovare un’anima gemella che sostiene che tutto il corpo vada coinvolto, in questo modo non fornendo nessun punto di resistenza da nessuna parte, solo sostegno, e che si rende conto che tra tutte le cose, lo stato di costante bilanciamento, l’equilibrio di tutte le parti, dita rispetto al pollice, braccia rispetto alle scapole, ecc., è l’obiettivo di tutto lo studio.…”

Yehudi Menuhin

Clicca QUI per acquistare i libri di Kato Havas

Ho intervistato per voi la curatrice (nonchè allieva) dei suoi libri nella versione intaliana ; Monica Cuneo.

Ciao Monica innanzitutto grazie per la tua disponibilità. Ci racconti come è avvenuto il tuo incontro con kato Havas?
Avevo incontrato il nome di Kato Havas e dei suoi corsi su Stage fright (la paura del pubblico) fin dal 1985 quando stavo cercando corsi di musica in Inghilterra, ma poi non ho potuto parteciparvi. La prima volta che l'ho incontrata di persona fu nel 1995, quando una mia amica pianista, Paola Piasentin, organizzò il primo seminario di Kato in Italia, a Milano. Partecipai solo al termine della giornata e alla fine Kato, rispondendo a varie domande, prese un violino e suonò solo un LA col primo dito sul SOL. Questa singola nota mi colpì in maniera eccezionale perché aveva una sonorità così morbida, ricca, piena, bella e mi stupì perché non capivo come facesse. Apparentemente non faceva nessun movimento particolare, nessun vibrato speciale, eppure il suono era così toccante. L'anno dopo la stessa mia amica mi chiese se volessi tradurre il libro Stage fright per farlo uscire in occasione di un altro seminario con Kato. Lessi il libro e accettai, mi interessava entrare in contatto con lei personalmente. Così nel 1997 Kato tenne un altro seminario a Milano e uscì La paura del pubblico. Da allora siamo rimaste in contatto, sono stata la sua interprete durante altri seminari e nel 2003 mi sono trasferita ad Oxford per studiare approfonditamente con lei.
Quanto influisce secondo te la tensione durante un esecuzione in pubblico?

Può influire in maniera molto diversa, dipende dalla persona, stiamo parlando di quando si deve suonare "scoperti", da soli. C'è una tensione sana che è del tipo che ci fa sentire elettrizzati, entusiasti, nell'attesa di compiere qualcosa di bello, che non si vede l'ora di fare. Questa influisce positivamente sull'esecuzione musicale e coinvolge anche gli ascoltatori, ma sfortunatamente si verifica piuttosto raramente. Diverso è il tipo di tensione che deriva dalla paura di dover affrontare un pericolo, di perdere il controllo, non potercela fare: questa può rovinare completamente un'esecuzione e peggiorare sempre più, fino al punto in cui il musicista non riesce più a suonare in pubblico, o deve ricorrere a tranquillanti di vario tipo. Ho sperimentato personalmente che, in generale, la gravità della tensione nervosa deriva anche da altre faccende della vita che hanno contribuito a minare la fiducia nella propria capacità di controllare le situazioni, perciò il musicista perde anche la fiducia nella sua capacità di controllare il suo modo di suonare, poiché suonare è una parte così essenziale della persona che risente di tante altre circostanze.

I metodi di Katò per risolvere "la paura del pubblico" hanno un approccio di tipo psicologico o puramente conoscitivo?

Né uno né l'altro, il Nuovo Approccio è molto pratico, i libri forniscono esercizi, indicazioni su come studiare. Tensione fisica e tensione emotiva sono strettamente collegate e nel libro La paura del pubblico viene indicato chiaramente che è necessario occuparsi degli aspetti fisici, mentali e sociali della paura del pubblico, in quest'ordine.
Eccone un breve riassunto:

la tensione fisica (stringere l'arco, premere il mento sulla mentoniera, l'arco sulle corde, le dita sulla tastiera) rende tutti gli aspetti tecnici (doppie corde, passaggi veloci, posizioni alte) molto difficili, quasi impossibili da suonare, provoca dolore e persino gravi lesioni fisiche
questo genera insicurezza riguardo alla propria capacità di superare quei passaggi, tensione mentale (paura di non farcela)
per completare il quadro, ciò che pensiamo che la società (la famiglia, gli insegnanti, i compagni di scuola, eccetera) si aspettano da noi (che siamo bravi, perfetti, nessun errore..,) ci fa dimenticare il senso, lo scopo del fare musica, e ci preoccupiamo solamente, temiamo e ci viene la paura di suonare in pubblico.

Perciò si parte dall'eliminazione delle tensioni fisiche, si impara a suonare in un modo che coinvolge tutto il corpo, con movimenti naturali, dall'interno, non dalle dita. Questo fa acquisire maggior controllo sull'esecuzione, di conseguenza piano piano si riacquista fiducia nella propria capacità di controllare i movimenti del proprio corpo e l'effetto che questi producono sullo strumento. Poi si deve riacquistare, o coltivare, il desiderio e la capacità di comunicare veramente qualcosa con la musica, di provocare un effetto nell'ascoltatore, suscitare un'emozione, dimenticandosi di sé e concentrandosi sulla musica. Allora veramente suonare davanti a qualcuno diventa un piacere.
Tu ti sei occupata della trascrizione in italiano dei suoi libri,si può davvero risolvere questi problemi leggendo semplicemente un libro?

Non si risolve un problema, qualunque sia, semplicemente leggendo un libro. Un libro può dare spiegazioni e indicare la via, dare indicazioni pratiche su cosa fare, ma poi ci deve essere l'applicazione assidua delle indicazioni da parte del musicista, con l'aiuto di un insegnante che conosce il problema, sa che lo studente può farcela e lo aiuta a riacquistare la fiducia in sé, nelle proprie abilità. Tuttavia, dopo aver già studiato per molti e molti anni, non succede tutto in una settimana, ma vale veramente la pena di dedicarci del tempo. Non faccio mistero del fatto che io stessa col passare del tempo ero diventata sempre più nervosa a suonare in pubblico. Ora io ho veramente eliminato questo problema, ho suonato e suono in situazioni di ogni tipo, formali e non, e mi diverto davvero.

Pensi che chiunque possa risolvere questi problemi o ci sono situazioni più difficili di altre?

Penso che qualunque problema sia risolvibile, se lo si desidera e ci si applica con determinazione. L'ho visto su me stessa, su miei allievi e su altri. Quando si risolve quello che sembrava un grosso problema e si riacquista un'abilità che sembrava persa, la persona recupera molta più fiducia in sé in generale. Questo vale soprattutto per un musicista che riacquisisce il controllo, la sua capacità di comunicare per mezzo della musica.
Brevemente... in cosa consiste "il nuovo approccio al violino" ?

Molto sinteticamente, include corpo, mente, spirito nel suonare (vedi gli aspetti della paura del pubblico), conoscere la differenza tra causa ed effetto nei movimenti, l'uso degli equilibri coordinati, dall'interno verso l'esterno, da tutto il corpo, invece di usare la pressione e di suonare con le dita. Vediamo le dita della mano sinistra e la mano destra che si muovono e pertanto tendiamo a concentrarsi su di esse, ma queste sono solo l'effetto, non la vera causa del loro movimento.
Il Nuovo approccio consiste nell'avere COORDINAZIONE e CONTROLLO TOTALI di ciò che facciamo.
A quando un altro seminario di Katò in italia?

Kato, data l'età, non viaggia più per tenere seminari, benché ami molto l'Italia. Io sto organizzando dei seminari per far conoscere di più il nuovo approccio. Chissà, magari se c'è un buon numero di interessati riusciamo a convincerla a fare di nuovo un giro da queste parti.
Grazie per la tua disponibilità e tienici aggiornati sugli appuntamenti, Il blog vi seguirà!

Grazie a te per l'interesse e il contributo a far conoscere il nuovo approccio, a risentirci.

Di seguito vi propongo i video disponibili su youtube....

Purtroppo i sottotitoli in italiano non sono perfetti.....

copia questo codice per inserire il banner nel tuo sito!

Violino Elettrico-Liuteria

2009-09-26T00:01:00.017+02:00

Scorazzando per la rete ho trovato sul sito "Accordo" questo breve documentario sulla costruzione di un violino elettrico.Mi sembrava interessante parlare di liuteria riferita ai violini elettrici! Quando si parla di liuteria per violino infatti il pensiero scorre sempre verso i grandi liutai del violino acustico come Stradivari, Amati, Guarnieri ecc.
Nel caso specifico parliamo di un violino "Vector".
Vi sono comunque diverse case produttrici di violini elettrici, dai comuni "Silent Violin" della Yamaha, ai più celebri "Violin Zeta" ai raffinatissimi "Design&harmony"sino ad arrivare ai modelli e alle marche più stravaganti come "G&fills"o "Brewer" (interamente in fibra di carbonio) e "Wood Violin" (indossabile senza spalliera grazie ad un sistema di cinte e tastato come una chitarra) per arrivvare ai modelli più inimmaginabili come "Jordan7 String" (avete capito bene, un violino a 7 corde!). In Italia a Mantova abbiamo un liutaio nostrano "Cantini". Di certo in molti casi si bada più all' estetica (il violino rock è avvolte un pò di cattivo gusto) che al suono dello strumento, ma in linea di massima c'è una grande varietà di offerta e possiamo facilmente trovare lo strumento più adatto a noi.
Se siete interessati ad un violino elettrico e volete una panoramica completa delle offerte, vi consiglio di visitare il Sito di "Electric Violin Shop".
Come viene realizzato un violino elettrico
dal sito "Accordo" 31 Maggio 2009
Non sono solo le chitarre ad avere una controparte elettica, vengono infatti realizzati anche i violini "elettrici". Sono pressoché silenti se non collegati ad un aplificatore. Alcune fasi fondamentali della realizzazione di un violino acustico vengono chiaramente meno in quanto alcuni fenomeni come la risonanza perdono di significato su uno strumento di questo tipo. Tutto ciò naturalmente non declassa per nulla il complesso e minuzioso lavoro degli artigiani che realizzano questi strumenti.

Il violino proposto nel video, viene realizzato da Vector Instruments (link in alto a destra tra le risorse per questo articolo) nota per l'ottima fattura dei propri prodotti

Musica Violino, Barocca

2009-09-18T22:23:00.013+02:00

Vi propongo un' intervista realizzata nel 2008 dal sito "Beni Musicali" a Stefano Barneschi, violinista della formazione "Giardini Armonici"....
Clicca Qui per ascoltare L'intervista.

Quattro chiacchiere col violinista Stefano Barneschi
Pubblicato il 8 Gennaio 2008 da Beni Musicali

Quattro chiacchiere con Stefano Barneschi, violinista, componente del Giardino Armonico, ensemble tra i più noti nel panorama internazionale della musica antica. L’orchestra barocca, gli strumenti che la compongono, il ruolo della spalla, gli strumenti originali. Questi e altri i temi toccati da Stefano nel corso dell’intervista, condotta dai nostri Giovanna Piccioni e Marco Traferri. Da ascoltare utilizzando il player. I brani presenti nel podcast sono:
F. Schubert
Allegro dal Trio in si bemolle maggiore D. 898 (Op. 99)
Allegro moderato dal Trio in mi bemolle maggiore D. 929

Violinisti cerca Collaboratori

2009-09-17T01:57:00.007+02:00

Stiamo creando la Redazione di Violinisti.net . Proponiti !!

Salve a tutti.
Violinisti.net cerca collaboratori per creare la nostra redazione. Se siete appassionati della cultura violinistica e volete aiutarmi a migliorare questo spazio potete contattarmi alla mail
claudiomerico@libero.it, sarò lieto di rispondervi. Questo spazio è completamente gratuito e si propone di dare agli utenti una visione d' insieme (ma non per questo grossolana) del nostro fantastico strumento. Il violino a 360° , come spero capiate la mole di lavoro è tanta e sarei lieto di avere un aiuto da voi.

Nel particolare cerco 2 o 3 redattori che si occupino di una rubrica ciascuno (Classica,Violinjazz,Musica Antica ecc) in base alle competenze a loro inerenti. contattatemi!

Grazie anticipatamente
Claus

Musica Violino, Jazz - Violinista: Didier Lockwood

2009-06-11T11:00:00.006+02:00

Salve a tutti oggi conosceremo uno dei più brillanti violinisti jazz al mondo,
un allievo del mitico Stephane Grappellì .
Didier Lockwood (Calais, 11 febbraio 1956) è un violinista francese.

Nato a Calais, dove ha studiato violino classico e composizione al conservatorio, si è interessato ben presto al rock and roll e, nel 1972 ha lasciato gli studi classici per formare un gruppo di rock progressive, i Magma, assieme a suo fratello Francis, pianista.

I due fratelli suonano assieme per tre anni ma Didier si lascia affascinare dalle improvvisazioni di Jean-Luc Ponty nel disco Kink Kong Album di Frank Zappa e la sua musica è influenzata da Stéphane Grappelli con cui va a suonare in tour.

Ha partecipato inoltre all'album Absolutely Live del gruppo fusion canadese Uzeb.

È celebre per la sua tendenza all'esplorazione di nuovi contesti musicali e per la versatilità nel riprodurre vari tipi di suoni con il suo violino amplificato (come ad esempio il suono del treno o del gabbiano).

Il 23 luglio 1982, a Montreaux, in Svizzera, ha suonato in concerto con il chitarrista Allan Holdsworth, il batterista Billy Cobham, il bassista e vocalist Jack Bruce, ed il tastierista David Sancious.

Nel 2001 ha fondato una scuola pre improvvisazione con strumenti a corda, la CMDL (Centro Musicale Didier Lockwood).

È sposato con la cantante Caroline Casadesus.

Nel 2006 è in tour con il chitarrista jazz Martin Taylor.

Da diversi anni Didier ha creato a Parigi un polo di cultura jazzistica per violinisti e non, una prestigiosa

accademia al quale si rifanno e si affidano le nuove leve del jazz violinistico mondiale.

Ecco il Link . Una prestigiosa scuola nella quale è possibile effettuare oltre al corso triennale (a numero

chiuso) anche degli stage di pochi giorni .

Ecco qualche video di Didier!!!

I Virtuosi - Violinista: Arthur Grumiaux

2009-05-22T10:45:00.003+02:00

Il Violino di Arthur Grumiax

Il barone Arthur Grumiaux nacque a Villers-Perwin, nei pressi di Charleroi. Il carattere sobrio e intenso delle sue interpretazioni, e la sonorità pura del suo violino hanno potuto esprimersi con tutte le più importanti orchestre del mondo.Iniziò lo studio del violino e del pianoforte sotto la guida del nonno, all'età di 3 anni. A 6 anni entra al conservatorio di Charleroi per poi perfezionarsi al conservatorio di Bruxelles nella classe di Alfred Dubois, un allievo di Eugène Ysaÿe, ma furono per lui molto proficui anche i contatti con Georges Enesco.Nel 1939, Dopo aver vinto il premio Henri Vieuxtemps, diede il suo primo importante concerto a Bruxelles al Palais des Beaux-Arts sotto la direzione di Charles Münch, eseguendo il concerto di Felix Mendelssohn-Bartholdy.Nel dopoguerra, dopo il forzato intervallo dovuto all'invasione nazista del Belgio, ha inizio la sua carriera vera e propria, fatta di tournèes, collaborazioni ed incisioni di altissimo livello. Il sodalizio artistico con la pianista rumena Clara Haskil sarà quanto mai fruttuoso: registrarono assieme l'integrale delle sonate per violino e piano di Beethoven, e sei sonate di Mozart.Sebbene non sia stato unanimemente annoverato tra gli dei dell'ideale olimpo dei violinisti del '900, come Heifetz, Menuhin, Stern, Perlman o Oistrakh, la sua reputazione è sempre stata alta tra gli stessi violinisti, che hanno preso come punto di riferimento il suo stile impeccabile.Nel 1986 si spense a Bruxelles.Le registrazioni di Grumiaux includono oltre 30 incisioni, quasi tutte per la Philips, ma ha anche registrato per EMI, Belart and Music & Arts. Si tratta di composizioni di Bach, Beethoven, Brahms, Mozart e Schubert, ma anche di Ravel, Debussy e Franck.

Ci restano di Grumiaux anche alcune testimonianze video: - Concerto per violino e orchestra in do mineur Op.64 di Felix Mendelssohn-Bartholdy (con l'orchestra nazionale della RTF) - Concerto per violino e orchestra in re maggiore, Op.61 di Beethoven (con l'orchestra nazionale dell'ORTF il 4 fbbraio 1965 alla Salle Pleyel a Parigi) - Sarabanda e Ciaccona della partita per violino solo No.2 in re minore BVW 1004 di Bach - Capriccio per violino solo n°14 in mi maggiore, Op.1 di Paganini. Nel 1972, il re Baldovino gli ha conferito il titolo nobiliare di barone, così come era successo in passato a Paganini. Nel 1996, il conservatorio di Charleroi è stato ribattezzato in suo onore Conservatoire Arthur Grumiaux.Suonò sia su un Guarneri che su degli Stradivari, ma ebbe anche alcuni Guadagnini. Il Guarneri, che utilizzava generalmente in concerto, era il Guarneri del Gesu "Rose" del 1744. Gli Stradivari erano il "Ex-General Dupont" del 1727 e il Tiziano del 1715, appartenuto a Efrem Zimbalist.

Musica Violino, World -Violinista: Alfredo De La Fè

2009-05-11T01:47:00.014+02:00

Alfredo De La Fè e la Musica di Cuba
Salve a tutti e ben trovati! Oggi entreremo nel magico mondo della musica Cubana e più in generale Latino-Americana. Ma cosa centra il violino con la musica Latino-Americana? così ad occhio e croce potremmo pensare che siano due corpi totalmente estranei! In realtà da diversi anni in SudAmerica si è creata una vera e propria tradizione del violinista salsero. le capacità ritmiche del violino sono ben note a tutti noi ma la cosa straordinaria è vedere come il nostro strumento si adatta bene a questa musica particolare e coinvolgente. Il violino nella salsa Cubana viene sfruttato veramente al 100%. Dalle potenzialità ritmiche a quelle melodiche (cantando come una voce) per arrivare all' improvvisazione anche caricata di eccessi stilistici tipici di una cultura che affonda le radici nel continente Africano. Uno dei più affermati violinisti Sud-Americani è certamente Alfredo De La Fé . Vive a New York . violinista che ha vissuto in Colombia, per più di 16 anni, grande esportatore il violino nella musica cubana in particoloare di salsa e musica latina. é stato primo violino solista per l'esecuzione con un orchestra di salsa, De La Fe ha girato il mondo più di trenta volte, ha collaborato in più di un centinaio di album con i più grandi artisti latini tra cui: Eddie Palmieri, Tito Puente, Celia Cruz , José Alberto "El Canario", Cheo Feliciano, La Fania All Stars e Santana. Il suo secondo album solista, Alfredo, uscito nel 1979, ha ricevuto una nomination Grammy come "Miglior album latino".

Un bambino prodigio, il padre di Alfredo, che è stato un cantante (un tenore d'opera) a L'Avana, a Cuba e ha cantato con il cubano radio Bienvenido Leon e Celia Cruz nel 1940 ha riconosciuto il figlio di competenze e il suo talento musicale incoraggiata. De La Fé iniziato lo studio del violino presso il Conservatorio Amadeo Roldan a L'Avana nel 1962. Due anni più tardi, ha ricevuto la borsa di studio per frequentare il Conservatorio di Varsavia in Polonia. Nel 1965, egli ha eseguito composizioni di Mendelssohn e Tchaikovsky con la Metropolitan Opera Orchestra Carnegie Hall. Una borsa di studio per Juilliard Arts gli ha consentito di ulteriori studi. De La Fé lanciato la sua carriera professionale, a dodici anni, quando ha acceso, dalla musica classica alla Salsa e ha accettato l'invito ad aderire Charanga leggenda Jose Fajardo's Orchestra. Nel 1972, è entrato a far parte di Eddie Palmieri's Orchestra. E 'rimasto con il gruppo per un breve periodo, si spostano temporaneamente a San Francisco in cui è entrato a far parte della band di Santana. Tornando a New York, De La Fé Tipica'73 ha aderito nel 1977. Due anni più tardi, ha liberato il suo album di debutto come solista, Alfredo.

Nel 1980, De La Fé ha firmato con Sars All Stars, e ha prodotto due album trenta per l'etichetta discografica latino. Il suo secondo album solista, Charanga'80, è stato pubblicato lo stesso anno. Nel 1981, De La Fé divenne direttore musicale di Tito Puente's latino Percussion Jazz Ensemble. L'anno successivo, ha ripreso la sua carriera da solista, con la firma Taboga, per il quale ha inciso l'album Triunfo. Trasferirsi in Colombia nel 1983, De La Fé firmato con Philips e pubblicato tre album - Made in Colombia, Dancing ai Tropici e Alfredo De La Fé Vallenato - entro la fine del 1980. Nel 1989, De La Fé acceso al Fuentes etichetta. Anche se è entrato a far parte della Fania All Stars nel 1995, De La Fé continuato a perseguire una carriera da solista. Ha firmato con la Sony Music nel 1997. Due anni più tardi, in tour con la sua band, che appare a festival in Danimarca, Olanda, Francia, Turchia e Belgio, e il ricongiungimento con Eddie Palmieri's Orchestra per un tour europeo.
Ecco alcuni suoi video davvero coinvolgenti!!
Fantastico!
Alfredo DeLaFè in Duo con Enrique Alvarez

p.s
Vi segnalo anche un film sul tema , si chiama "El Violin".

Curiosità e Video Divertenti

2009-05-11T00:57:00.006+02:00

Cari amici Violinisti e non!! Come segnalatomi da "Ruvido" ............

Ho l' onore di presentarvi il concerto per violino di Paganini eseguito con "Sola Faccia" :-)))

I Virtuosi - Violinista: Guidon Kramer

2009-04-15T00:19:00.003+02:00

Gidon Kramer e il Violino

Nato in Lettonia da genitori di origine tedesca, inizia lo studio del violino con suo padre e suo nonno (entrambi violinisti professionisti) a 4 anni e poi continua al Conservatorio di Riga, per poi perfezionarsi con David Oistrakh al Conservatorio Čajkovskij di Mosca. Nel 1967 vince il terzo premio al Concorso musicale Internazionale Regina Elisabetta del Belgio a Bruxelles, nel 1969 il primo premio al Concorso Paganini di Genova e nel 1970 il primo premio del Concorso Internazionale Čajkovskij a Mosca.

Il primo concerto di Kremer in occidente ha luogo nel 1975, in Germania, seguito dalla partecipazione al Festival di Salisburgo nel 1976 e da una tournèe a New York nel 1977. Nel 1981, Kremer crea un festival di musica da camera a Lockenhaus, in Austria, basato su una programmazione di opere non convenzionali; dal 1992, il festival è conosciuto come Kremerata Musica. Nel 1996 Kremer fonda l'orchestra da camera Kremerata Baltica, composta da giovani musicisti dei Paesi baltici. Ricopre il ruolo di direttore artistico del festival Art Projekt 92 di Monaco et del festival d'estate di Gstaad (Svizzera).

Gidon Kremer è uno dei più grandi violinisti vissuti a cavallo del XX e del XXI secolo. L'originalità, la tecnica, e la profondità interpretativa delle sue esecuzioni fanno di lui una delle più brillanti personalità della musica classica. Kremer è conosciuto per il suo vasto repertorio, che va da Antonio Vivaldi o da Bach fino ai principali autori contemporanei. Di riferimento sono sue esecuzioni di autori come Astor Piazzolla, Philip Glass, Alfred Schnittke, Lera Auerbach, Arvo Pärt, Roberto Carnevale e John Adams. Fra i diversi compositori che gli hanno dedicato delle opere, si possono citare Sofia Gubaidulina (Offertorium) e Luigi Nono (La lontananza nostalgica utopica futura). Si è esibito, tra gli altri, con Martha Argerich, Mischa Maïsky, Keith Jarrett, Yo-Yo Ma, Kim Kashkashian, Valery Afanassiev, Oleg Maisenberg, Vadim Sakharov. Le sue performances con le più importanti orchestre del mondo e i più grandi direttori, come Leonard Bernstein, Riccardo Muti, Claudio Abbado, Lorin Maazel, Herbert von Karajan, Nikolaus Harnoncourt, Seiji Ozawa fanno parte dei momenti più eclatanti della musica degli ultimi 30 anni. Nel 2008 si è esibito con il duo Igudesman and Joo nello spettacolo A little nightmare music, uno show basato su un uso poco ortodosso di pianoforte e violino, dimostrando un pregevole senso dell' umorismo. La sua vasta discografia è principalmente per l'etichetta Deutsche Grammophon, per la quale incide dal 1978, ma ha inciso anche per Philips e Decca.

Suona un Guarneri del Gesù del 1730.
La sua esecuzione della partita No. 1 di Bach!