DelfSail es uno de los eventos náuticos más grandes de Holanda. En total la organización espera un millón de visitantes, quienes no solamente podrán admirar las naves

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• La década de los sesenta (1966)
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1. “Países Bajos” y “Holanda” son dos denominaciones para un mismo país?
2. una cuarta parte de Holanda se encuentra bajo el nivel del mar?
3. la Corte Internacional de Justicia (Palacio de la Paz) se encuentra en La Haya?
4. Holanda tiene, por término medio, unos 480 habitantes por kilómetro cuadrado?
5. Holanda, con su 0,008% de la superficie mundial, es el tercer país exportador de productos agrícolas del mundo?
6. Holanda es uno de los fundadores de la Unión Europea?
7. Holanda tiene más de 15.000 km de carriles para bicicleta?
8. el neerlandés también se habla en Bélgica, el norte de Francia, Surinam, las Antillas Holandesas y Aruba?
9. en Holanda están funcionando unos 1.000 molinos originales?
10. los holandeses son las personas más altas de Europa?
11. Amsterdam está construida en su totalidad sobre pilotes?
12. Holanda siempre tiene Gobiernos formados por coaliciones y es un país de compromisos?
13. Holanda acoge dentro de sus fronteras casi 1.000 museos y que 42 de ellos están en Amsterdam?
14. casi todos los holandeses tienen una bicicleta y que hay dos bicicletas por cada automóvil?
15. Holanda ocupa el octavo lugar del ranking mundial de exportadores?
16. en Holanda se come el arenque crudo pasado por cebolla picada?
17. en Holanda alrededor del 30% de los bebés nacen en casa?
18. usted puede contemplar en Amsterdam 22 cuadros de Rembrandt y 206 obras de Van Gogh?
19. Holanda tiene el porcentaje más alto de trabajadores a tiempo parcial (4 de cada 10 trabajadores) de toda la Unión Europea?
20. el punto más alto de Holanda está a 323 metros y que por eso se le llama ” montaña”?
21. en prácticamente todos los hogares holandeses hay un ramo de flores frescas?
22. Amsterdam es la capital de Holanda, aunque la sede del Gobierno se encuentra en La Haya?
23. la mayoría de los holandeses habla un idioma extranjero?
24. uno de cada tres holandeses es socio activo de una asociación deportiva?
25. los holandeses son, después de los escandinavos, los más cafeteros del mundo?
26. en Amsterdam viven personas de casi 200 nacionalidades?
27. Holanda es uno de los países con menor envejecimiento de la UE?
28. al llegar su avión al Aeropuerto Schiphol aterrizará 4,5 metros bajo el nivel del mar?
29. Holanda tiene la mayor densidad de cableado de Europa?
30. Amsterdam tiene 1.281 puentes?
31. cuando los escolares holandeses aprueban sus exámenes se cuelga fuera de la casa la bandera nacional con la mochila del escolar?

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Nació en Rotterdam y vivió durante cuatro años de su adolescencia en Indonesia. Terminados sus estudios escolares, se dedicó inicialmente al periodismo, trabajando en un rotativo de La Haya. Posteriormente estudió arquitectura en la Architectural Association de Londres.

Una vez regresado a los Países Bajos, Koolhaas estableció en 1975 su despacho de arquitectura junto con tres socios, al que le dio el nombre de Office for Metropolitan Architecture (OMA). Recientemente OMA segregó una parte de sus labores en una segunda oficina AMO.

Obra

Koolhaas es un arquitecto que proyecta edificios de clara consistencia física, en los que la masa adquiere un carácter predominante.

En 2000 Koolhaas recibió el premio Pritzker, el galardón internacional más importante de arquitectura.

Actualmente el estudio OMA emplea a 100 arquitectos y diseñadores, que trabajan en numerosos proyectos en todo el mundo. El más importante que se está desarrollando es la nueva sede de la televisión China junto a un centro cultural, que suman en total 550.000 metros cuadrados, y que se construirán coincidiendo con los Juegos Olímpicos de Pekín en 2008.

Koolhaas es también un teórico de la arquitectura y ha publicado varios libros. Entre los más importantes se encuentran: “S, M, L, XL“, “Mutaciones”, “Content” y “Delirious New York: A Retroactive Manifesto for Manhattan”.

Otra de las facetas de Koolhaas y de las que quizás sea más importante y es su labor como urbanista, entre los que predomina su especial predilección por el uso de la congestión en sus obras, como en los proyectos para Lille o para Melun Senart, y su gusto hoy día por las ciudades asiáticas.

Ha impartido clases en varias escuelas y universidades. Desde 2000 es profesor invitado en la Universidad Harvard, probablemente sea en estos momentos el arquitecto más influyente y contundente del panorama internacional.

Rem Koolhaas creo un diseño de bandera de Europa como crítica a la Unión Europea como entidad exclusivamente económica, realizando un diseño basado en el código de barras de compra.

Obras Representativas

• Edificio Grand Palais (Lille, Francia)
• Plan maestro de desarrollo urbanístico (Lille, Francia)
• Centro Euralille (Lille, Francia)
• Teatro de la Danza de Holanda (La Haya, Holanda)
• Embajada de los Países Bajos en Berlín (Berlín, Alemania)
• Viviendas Nexus (Fukuoka, Japón)
• Diseño de las tiendas de Prada para todo el mundo
• Museo de Arte [Kunsthal](Rotterdam)
• Edificio multifuncional Educatorium, Universidad de Ultrecht (Ultrecht, Holanda)
• Villa Dall’Ava (Saint-Cloud, París)
• Museo Guggenheim de Las Vegas (Las Vegas, EEUU)
• Biblioteca Pública de Seattle (Seattle, EEUU)
• McCormick Tribune Campus Center (Chicago, EEUU)
• Casa da Música (Oporto, Portugal)
• Edificio CCTV (China)
• Proyecto Torre Bicentenario (México, D.F). Cancelado.
• Centro de Congresos de Córdoba (Córdoba, España). Proyecto sin fecha de iniciación.

Premios

• 2000: Premio Pritzker
• 2003 Praemium Imperiale
• 2004 RIBA Medalla de Oro
• 2005: Premio de Arquitectura Contemporánea Mies van der Rohe
• 2007 Doctor Honoris Causa por la Universidad Católica de Leuven, Belgica.

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Hijo de un austero y humilde pastor protestante holandés,Brabante Septentrional. Su nombre fue el mismo que sus padres le dieron a su hermano mayor, que murió un año antes de que él naciera, a los pocos meses de vida. El primer paisaje que vio fue el de la tumba de su hermano muerto. Fue muy temperamental desde su infancia y siempre buscó la muerte, pero a través de la vida. Empezó a aficionarse a la pintura desde la escuela, en donde no era buen estudiante, pero durante toda su vida sí se enorgullecía de ser un gran autodidacta. Pese a su dedicación a los dibujos, muchos maestros de este arte le dijeron que nunca iba a ser un pintor profesional porque no sabía pintar. Esto no lo rindió en su afición y trabajó con tres parientes suyos marchantes de arte en Londres. A su vuelta de Inglaterra se obsesionó con La Biblia y quiso hacerse teólogo y estudió para ello en la Universidad de Leiden.

Para demostrar su profunda creencia en la religión cristiana pidió ser misionero en varias compañías, pero fue rechazado por no saber ni latín ni griego, pero un dirigente se compadeció de él por su profundo fervor y lo mandó como misionero a las minas de Borinage, en Bélgica. Allí durante 22 meses dio todo lo que tenía a los mineros: ropa, dinero y comida, además de realizar sus primeras pinturas. Estuvo demasiado abstraído en la religión y muchos le llegaron a temer. Decía que estaba obligado a creer en Dios para poder soportar tantas desgracias.

Van Gogh recibió los mismos nombres -Vincent Willem- que se impusieran a un hermano que nació muerto justo un año antes que él, el mismo día 30 de marzo; como si fuera un presagio de su original y atormentada existencia. Vino al mundo en Zundert, donde su padre oficiaba de pastor protestante, y durante la infancia asistió a la escuela de manera discontinua e irregular. A los diecisiete años entró como aprendiz en Goupil & Co. -luego Boussod & Valadon-, importante compañía internacional de comercio de arte, ramo en el que su familia tenía, al parecer, alguna tradición. Además de en las oficinas de La Haya, trabajó en la sucursal de Londres entre 1873 y 1875. Tras ser destinado a París, donde ya había estado tres meses, la inadaptación de Vincent al negocio se hizo tan evidente que fue despedido. En Boussod & Valadon quedó, sin embargo, su hermano Theo, cuatro años menor que él, que trabajaría allí desde 1873 hasta su muerte y sin cuya abnegación nunca hubiera sido posible la corta e intensa carrera artística de su hermano mayor.

En 1880 empezó su etapa de pintar de forma regular y empezó retratando a campesinos, que según decía eran lo único natural que quedaba ante la irrupción de la sociedad industrial. Una de estas obras fue la llamada “Los comedores de patata”.
En 1886 se mudó a París, para vivir junto a su hermano menor Theo Van Gogh, quien sería el soporte más fuerte de su vida y de sus aspiraciones artísticas. Se instalaron en Montmartre y empezó a codearse con los artistas de la época que allí se reunían creciendo como pintor y como ser humano. Conoció a Émile Bernard y a Henri de Toulouse-Lautrec, haciéndose gran amigo de ellos. Van Gogh como muchos pintores de la época admiraba el arte japonés-cífrense: Hokusai, Hiroshige, Utamaro…, prueba de ello son las réplicas que realizó de grabados japoneses y algunas pinturas suyas que reproducen pinturas de ese país a manera escenográfica.

En 1888 se instaló en Arlés al sur de Francia, con la intención de crear un taller de artistas en su casa, llamada la casa amarilla, el color favorito de Vincent. El único que atendió a su petición del taller fue Paul Gauguin, que se desplazó hasta allí. Vincent le hizo un cuadro de bienvenida, “La Habitación” y pasaron juntos una temporada, en la cual los desórdenes mentales de Vincent impidieron que la relación se mantuviera. En la tarde del 23 de Diciembre de 1888 Van Gogh y Paul Gauguin tuvieron un altercado en el cual se dijo que Van Gogh amenazó a Gauguin con una navaja. Más tarde esa noche Van Gogh volvió a la “Casa Amarilla” en Arles donde él vivía y se mutiló. Sosteniendo la navaja abierta en su mano derecha, rebanó su oreja izquierda, comenzando arriba en la parte de atrás y descendiendo de forma que toda la parte inferior de la oreja fue cortada de un tajo. Esto dejó parte de la porción superior de la oreja asida como una horrible solapa de carne. Van Gogh luego envolvió la oreja en un paño y se las arregló para ir a su burdel favorito donde le presentó este “regalo” a una prostituta. Llamaron a la policía y Van Gogh fue posteriormente hospitalizado. El tejido dañado de la oreja fue puesto en un frasco con alcohol en caso que se necesitara como evidencia. Algunos meses después fue desechado.

Regresó a Arlés junto con un amigo para ir a su casa, en donde descubren que sus cuadros estaban cubiertos por el moho y rasgados por los envidiosos vecinos lo que provoca otra depresión en él. Los últimos años de Van Gogh estuvieron marcados por sus permanentes problemas mentales, que lo llevaron a ser recluido en sanatorios mentales de forma voluntaria. Pero, la estrecha relación con su hermano, quien sostenía a Vincent económicamente, lo alentaba moralmente. Su comportamiento agresivo y solitario lo hacen ser un paria de los diferentes sitios donde habita y lo hacen vivir una vida de frustraciones amorosas al ser rechazado por cada una de sus pretendidas.

En el sanatorio de Saint-Rémy-de-Provence le es habilitada una habitación para que siga pintando. Aquí empezó una frenética vida artística en donde se inspiró en Rembrandt. En mayo de 1890 un amigo de Theo, el Doctor Paul Gachet, le invita a que le haga diversas consultas y como Vincent no tiene dinero le paga con un retrato del doctor. Durante los últimos treinta meses de vida llegó a realizar 500 obras y en sus últimos 69 días firmó hasta 79 cuadros.

Finalmente, el 27 de julio sale a caminar por el campo, se dispara con un arma de fuego en el pecho y regresa a su habitación para morir dos días después, dejando inacabado el cuadro llamado “Trigal con Cuervos”. Todos sus amigos acudieron a su pensión y Vincent no dejó de fumar en los dos días de agonía. En su entierro todos los que le conocían trajeron flores amarillas para su tumba. Antonin Artaud, con un extenso poema en prosa nos da la noción de la calidad de Van Gogh; bástenos leer algunos fragmentos de tal poema: “…Regreso al cuadro de los cuervos;¿quién ha visto como, en ese cuadro, equivale la tierra al mar? el mar es azul pero no de un azul de agua sino de pintura líquida Van Gogh ha retornado los colores a la naturaleza, pero, a él, ¿quién se los devolverá? aquél que supo pintar tantos soles embriagados sobre tantas parvas sublevadas, el Café de Arlés, la recolección de las olivas, los aliscampos;…’El puente’, sobre un agua en donde se tiene el irrefrenable deseo de hundir el dedo en un movimiento de regresión violenta a la infancia,”.

Muchos historiadores comparten la teoría de que su locura podría deberse a que en su infancia tuvo que convivir junto a la tumba de un hermano que murió antes de su nacimiento y el cual se llamaba como él: Vincent van Gogh.

La paranoia de Van Gogh desemboca en el famoso episodio en el que se corta una oreja. Internado en el hospital, se recupera rápidamente, pero su excentricidad es cada vez peor vista por los vecinos de Arlés. En 1889 ingresa voluntariamente en el asilo de Saint-Remy, donde realiza los cuadros de cipreses y Noche estrellada, expuesta en los independientes ese año.

Vicent Van Gogh produjo todo su trabajo (unas 910 pinturas y 1100 dibujos) durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar). Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su fama creció rápidamente después de su muerte, gracias a la promoción de la esposa de Theo que, aunque no tuvo una buena relación con Vincent, resultó ser la única heredera de toda su obra tras la muerte de su esposo, ocurrida poco después de la de Vincent. El mayor impulso de su obra vino especialmente después de una muestra de 71 de sus pinturas, en París el 17 de marzo de 1901 (11 años después de su muerte).

La influencia de Van Gogh en el expresionismo, fauvismo y los principios del abstraccionismo fue enorme, y se puede notar en muchos otros aspectos del arte del siglo XX. El Museo Van Gogh en Ámsterdam se dedica al trabajo de Van Gogh y a los de sus contemporáneos. El museo de Kröller-Müller en Otterlo (también en los Países Bajos), tiene una colección considerable de las pinturas de Vincent van Gogh.

Varias de las pinturas de Van Gogh están entre las pinturas más caras del mundo. El 30 de marzo de 1987 la pintura Lirios de Van Gogh fue vendida por un valor récord de $53,9 millones en Southeby’s, Nueva York. En 15 de mayo de 1990 su Retrato del Doctor Gachet fue vendido por $82,5 millones en Christie’s, así estableciendo un nuevo precio récord.

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Biografía

La escasez de documentos y la ausencia total de escritos personales de Frans Hals hacen que su personalidad y su vida permanezcan un poco en oscuridad. Hay varias fechas hipotéticas sobre su nacimiento, que pudo ser en 1580, 1581 ó 1585, deducidas de la edad que sus biógrafos calculan que tendría cuando murió, aunque con seguridad nació en la ciudad flamenca de Amberes. En esta ciudad permanecería pocos años, pues en 1591, recibió el bautismo, ya en Haarlem, su hermano Dirck, que también se dedicaría a la pintura.

Después de la caída de Amberes a manos de las tropas españolas en la Guerra de los Ochenta Años, que supuso la fragmentación de Flandes, su familia se instaló en Haarlem, en la zona norte, de donde su padres eran originarios. En dicha ciudad vivió Hals toda su vida. La biografía del pintor corre en paralelo con la independencia de los Países Bajos de la monarquía española.

Los estudios más recientes han ido desterrando la idea que sobre el pintor se tenía desde antiguo sobre una vida libertina y un incorregible vicio por el alcohol. Teniendo en cuenta que pertenecía a la asociación oratoria De Wijngaertranken y la milicia cívica de San Jorge, fue miembro de la cámara de rectores y presidente desde 1644 del gremio de pintores de Haarlem, el que tuviera malas costumbres y vicios conocidos, no parece empatar mucho con la rectitud y puritanismo de estas sociedades.

Comienzos

Entró el joven artista en el taller del pintor flamenco Karel van Mander (1548–1606), que también recaló allí huyendo del empuje español en la zona. La academia de este maestro dedicaba su estudio a una técnica manierista. Pero a finales del siglo XVI, debido a la influencia de la pintura italiana, surge un arte de cierta inspiración clasicista que se dejará traslucir en las obras del primer Hals. Por ello, no se nota la influencia de Van Mander en este período.

Su emancipación laboral se produce cuando alcanzó cierta madurez artística. Coincide con su ingreso en la Sint-Lucasgilde, la guilda de San Lucas en 1610, célebre gremio de artistas de Haarlem con sucursales en Amberes, Utrecht, Delft y Leyden. La obra más antigua de Frans Hals, cuya autoría se conoce con seguridad, es el retrato de Jacobus Zaffius (1611).

Es en 1610 también cuando contrae matrimonio con Anneke Hermansz, aunque a juzgar por los hechos, esta unión no fue feliz. Algunos historiadores han documentado que Hals tuvo que comparecer ante los tribunales por dar malos tratos a su primera mujer. Sea como fuere, es extraño que siendo Hals un pintor exclusivamente de retratos, no pintase en ninguna ocasión el rostro de Anneke. Sin embargo la unión duró poco, ya que ésta murió en 1616, dando dos hijos al pintor. En 1617, tras un viaje fugaz a Amberes (quizá para ponerse en contacto con Rubens), se casó con Lysbeth Reyniers con la que tuvo ocho hijos.

Consolidación: Entre el éxito y las deudas

La tradición retratística holandesa alcanza su cumbre con Frans Hals, consiguiendo sacarla del mutismo y retratando sus figuras en movimiento. Su gran aportación vino en 1616, con el retrato colectivo, Banquete de oficiales de la milicia cívica de San Jorge. Este encargo prueba que el pintor ya había alcanzado cierta reputación como artista. Desde este cuadro, los encargos se hace muy habituales tanto de particulares como de instituciones.

Aunque la obra de Hals fue muy demandada durante su vida, tuvo graves dificultades financieras, no se sabe si por una vida disoluta o por tener que mantener una gran familia tras un segundo matrimonio con una mujer humilde. Además de pintar, trabajó como marchante, restaurador de arte y maestro de pintura.

A partir de 1640, un nuevo giro en la moda del retrato se observa en los países nórdicos. Empiezan a atraer retratos con mayor aire de distinción y de nobleza, como los de Antonio Moro o Anthony van Dyck. Esto repercutió sensiblemente en los pedidos del retratista neerlandés. A pesar de esto, en los ambientes artísticos oficiales, se sucedían los reconocimientos, como en 1644, que fue elegido presidente del gremio de San Lucas de Haarlem.

Ante esta falta de trabajo, Hals intenta abrir nuevos caminos y funda un taller hacia 1650. Pero la empresa no debió ser afortunada porque en 1652 su economía toca fondo. Sus acreedores lo demandaron en varias ocasiones, y en ese año pagó su deuda con un banquero vendiendo sus pertenencias. El embargo de su patrimonio sólo pudo requisar tres colchones, almohadas, un aparador, una mesa y cinco cuadros. La ciudad en reconocimiento se vio obligada a ayudarle en sus gastos, proporcionándole vivienda gratuita y aprovisionamiento de combustible.

Esta situación le hizo dimitir del cargo directivo del gremio y en 1661, se le exime, debido a su avanzada edad, del pago de la cuota correspondiente. El municipio de Haarlem también le concedió una anualidad de 200 florines en 1664.

Frans Hals murió en Haarlem en 1666 y está enterrado en la Catedral de San Bavón de la localidad, como homenaje póstumo al pintor. Su viuda murió poco después en un hospital de caridad de la beneficencia.

Características de su técnica pictórica

Se ha creído con ligereza que Hals no tenía una técnica muy depurada y que pintaba apenas sin correcciones o dibujos preparatorios. Pero estudios científicos y técnicos han demostrado que esto no es así. Es cierto que los trabajos menos conocidos fueron apuntados sin correcciones (’alla prima’), pero la mayoría de sus obras fueron creadas a partir de varias capas, como era costumbre en esa época. A veces el esbozo era hecho con tiza o pintaba sobre una capa base gris o rosa, para luego completar el cuadro por fases. Parece como si el maestro normalmente usara los esbozos muy tenuemente. Esto demuestra que Hals utilizaba su virtuosismo desde el inicio del cuadro. La ausencia de líneas delimitadoras o de dibujo preparatorio fue cada vez más usada por el pintor en sus obras de madurez.

Psicología del retrato

Frans Hals manifestó durante su vida una tremenda audacia y un gran coraje que empaparon sus propios lienzos. Él tenía la capacidad de plasmar la psicología del personaje. A diferencia de otros retratistas contemporáneos de Hals, no diferenciaba en su pintura si era por encargo o no. Utilizaba la misma diligencia y precisión en cualquiera de sus obras.

“Una inusual manera de pintar que superaba a la de casi cualquiera” escribió su primer biógrafo, Theodorus Schrevelius, en el siglo XVII, sobre su técnica pictórica. En realidad, esta técnica no fue creación original de Hals, ya existía en la pintura italiana barroca, aunque probablemente Hals la tomó de sus contemporáneos flamencos: Rubens y Van Dyck.

A comienzos del siglo XVII, ya sorprendía la vitalidad de los retratos de Frans Hals. Schrevelius apuntaba que su obra reflejaba “tal potencia y vida” que el pintor “parecía alcanzar el natural con sus pinceles”. Siglos después, Vincent van Gogh escribía a su hermano Theo: “Qué alegría es ver a Frans Hals, qué diferente son sus pinturas -muchas de ellas- donde todo está cuidadosamente alisado del mismo modo”.

Colorido preimpresionista

Hals eligió no darle un acabado definido a sus pinturas, como hacían casi todos sus contemporáneos, pues imitaba la vitalidad de sus retratados usando manchas, líneas, gotas, grandes parches de color, que conformaban los detalles.

No fue hasta el siglo XIX que esta técnica tuvo seguidores, particularmente en el Impresionismo. Se puede considerar al pintor holandés como un precursor, usando la técnica impresionista en los cuadros de las milicias o los retratos de los regentes del asilo de Haarlem.

Temática

Del conjunto de su obra por su número destacan los retratos, en los que demuestra una sorprendente habilidad en la captación de gestos y detalles:

Retratos por encargo: Podríamos dividirlos en dos clases:
o Retratos individuales: Son imágenes eminentemente burguesas dedicadas a la decoración de las casas, generalmente a través de encargos dobles: retratos masculinos y femeninos que presidirían las estancias nobles de los hogares de Haarlem. Aparecen llenas de vida y en una actitud increíblemente natural y conseguida, poco común para lo habitual de esta pintura por encargo. Utiliza para caracterizar la propia psicología de los retratados generalmente, en actitud seria y solemne.
o Retratos colectivos: A encargo de sociedades o agrupaciones burguesas, Hals concede a todas las figuras un mismo trato preeminente, evitando personajes secundarios o subordinados. Se reflejan en estos cuadros de grupo el realismo psicológico y son ricos en cromatismo y efectos de luz dirigida a rostros y manos. Incluso en ocasiones sus honorarios le fueron pagados en vez por el lienzo en conjunto por persona pintada.
Retratos de tipos populares: Pintado con naturalidad y en actitud cotidiana. Son los desposeídos de su ciudad, a diferencia de los burgueses de alto poder adquisitivo de los encargos. Es pintura de género muy al gusto del Barroco, donde el estudio de la instantaneidad sobre las clases pobres suponen un estudio casi sociológico de esta parte de la sociedad excluida de las páginas de la Historia. Centra Hals en estos casos la atención más que en el físico del individuo en la personalidad integradora del momento captado.

Obra destacada

Según la temática referida en el punto anterior, de la obra de Hals podemos destacar los siguientes cuadros:

Pareja de esposos (1625): La singularidad de este cuadro estriba en que fue el único con el tema de los esposos en un paisaje, muy habitual en la pintura flamenca como es el caso de Rubens o Rembrandt. Tanto el tema como el entorno hizo difícil su atribución a Hals, que hoy es unánime. Algunos estudiosos identifican las figuras con un autorretrato del pintor con su segunda esposa Lysbeth, pero no se puede asegurar con fidelidad. Podría ser también una pintura de encargo por un matrimonio de la ciudad o modelos desconocidos, que era técnica común en la pintura académica, como cuadro de género.

La milicia cívica de San Jorge y San Adrián (1627): Estos dos lienzos son de los más destacable de los ocho retratos colectivos que atesora el museo Frans Hals de Haarlem. Representan escenas de banquetes de dos de las milicias cívicas de la ciudad, con las que el pintor estaba muy relacionado. Muestran el poderío y bonanza económica que vivía la ciudad. Estos aspectos son simbolizados, además de por el carácter afable de sus miembros, por el hecho de que se encuentren inmortalizados durante un banquete. El retrato de grupo es la gran aportación del genio holandés y no tenía precedentes en la retratística de la época. La luz de los lienzos destaca los rostros y las manos con la intención de hacer más notorio los gestos de sus figuras. El juego de luces, tomada del exterior, sirve para contrastar la sobriedad de los ropaje de estas asociaciones cívicas de carácter puramente calvinistas. Destaca también la posición de las figuras, de forma manierista y que van más allá de las meras personas sentadas en torno a una mesa.

Las rectoras y rectores del asilo de ancianos (1664): Son dos de las últimas grandes obras del pintor, pintadas por Hals, siendo ya octogenario. Es fácil de adivinar la impronta de decadencia, vejez y muerte en los lienzos, que puede reflejar su propia decadencia o incluso el desengaño del autor con la sociedad que permitió su propia penuria económica. A diferencia de otros cuadros colectivos, Hals usa colores primarios, básicamente negros y blancos, meramente extendidos por el lienzo sin pinceladas de precisión. Usa más que nunca el claroscuro al estilo de Caravaggio. Son curiosas las posiciones y la actitud tanto de los rectores como de las rectoras, adoptando formaciones desordenadas y mostrando falta de entendimiento con las miradas dirigidas a objetos dispares.

La cíngara o La gitanilla (1628-1630): Es el más conocido de sus retratos de tipos populares, uno de los mejores conservados y sin embargo uno de los más desconocidos. La identificación de una cíngara es casi eufemística, porque podría ser una prostituta, por la intención de que Hals la dotó con el uso de la luz rasante en el escote. La técnica en la pincelada es muy suelta, pero bien empastada como era habitual en el pintor holandés. Esto sirve perfectamente para la representación de gesto, un tanto agridulce de la muchacha. Prescinde Hals, como en la mayoría de sus retratos individuales de fondo paisajístico y la luz se centra en el rostro y busto de manera intencionada.

Influencia

Frans influyó en su hermano Dirck Hals (1591-1656), que también se dedicó a la pintura. Dirck de otra forma y con mucha más libertad que su hermano pintó fiestas populares y bailes, sin embargo la falta de límites no se vio correspondida con la calidad pictórica del pintor.

* Cuatro de sus hijos siguieron su pasos en la pintura:
o Harmen Hals (1611–1669)
o Frans Hals hijo (1618–1669)
o Reynier Hals (1627–1672)
o Nicolaes Hals (1628–1686)

El más interesante de ellos es Frans Hals hijo, con cuadros de aldeas y granjas y excelentes bodegones.

* Otros de los pintores contemporáneos que tomaron inspiración del maestro holandés fueron:
o Jan Miense Molenaer (1609–1668)
o Judith Leyster (esposa de Molenaer) (1609–1660)
o Adriaen van Ostade (1610–1685)
o Adriaen Brouwer (1605–1638)
o Johannes Cornelisz Verspronck (1597–1662)
o Bartholomeus van der Helst (1613–1670)

Algunos de los citados fueron discípulos del taller de Hals. En su estudio De Groote Schouburgh (1718-21), Arnold Houbraken menciona a Adriaen Brouwer, Adriaen van Ostade y Dirck van Delen como discípulos. El profesor Vincent Laurensz van der Vinne añade a la lista de estudiantes del taller al hijo de Hals y a Pieter Gerritsz van Roestraten. Johannes Verspronck, retratista de Haarlem y contemporáneo de Hals, posiblemente también estudió con el maestro en algún momento.

Dos siglos después de su muerte, Hals consiguió revalorizarse e influyó en maestros como Claude Monet, Édouard Manet, Charles-François Daubigny, Max Liebermann, James Whistler y Gustave Courbet, así como en los holandeses Jacobus van Looy y Isaac Israëls. Tanto el Realismo como el Impresionismo del siglo XIX se vieron influidos en la temática o técnica de Frans Hals. Muchos de estos pintores visitaron el Museo Frans Hals en Haarlem, que guarda la mayor colección de cuadros de este pintor.

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Rembrandt Harmenszoon van Rijn (15 de julio de 1606 – † 4 de octubre de 1669) está considerado uno de los más grandes pintores en la historia del arte europeo, y el más importante en la historia de Holanda.

Rembrandt fue además un grabador experto, y publicó muchos dibujos. Sus contribuciones al arte tuvieron lugar en un período que los historiadores llaman la Edad de Oro holandesa, que corresponde aproximadamente al siglo XVII. En esa época, la cultura, ciencia, comercio, poderío e influencia política de Holanda alcanzaron su punto máximo.Ningún artista combinó nunca tan delicada habilidad con tanta energía y poder.
Su tratamiento de la humanidad rebosa de simpatía.

Biografía

Rembrandt nació el 15 de julio de 1606 en Leiden, Holanda. Fuentes poco confiables suponen que tuvo entre siete y diez hermanos. Su padre era molinero, y su madre, hija de un panadero. De joven asistió a la escuela de latín, y luego se inscribió en la universidad local, donde no estudió mucho tiempo, porque su interés principal ya era la pintura.Sus padres lo enviaron como aprendiz con un oscuro pintor de Leiden, Jacob van Swanenburgh, quien había vivido 25 años en Italia, e inició al joven Rembrandt en los rudimentos de la pintura. Después de un corto pero fructífero aprendizaje con Pieter Lastman en Ámsterdam, Rembrandt abrió un estudio en su ciudad natal, que compartía con sus amigos y con su colega Jan Lievens. En 1627 comenzó a aceptar alumnos, entre ellos Gerrit Dou.Rembrandt fue descubierto por el poeta y estadista Constantijn Huygens, padre de Christiaan Huygens. Alrededor de 1631, Rembrandt gozaba ya de buena reputación, y recibía encargos de retratos desde Ámsterdam. Como resultado de esto, se mudó a esa ciudad, a la casa de Hendrick van Uylenburgh, un vendedor de arte.

Esta mudanza llevó al casamiento, en 1634, con la sobrina nieta de Hendrick, Saskia van Uylenburg. Fue obviamente un matrimonio por amor. Aunque ella venía de una buena familia (su padre había sido burgomaestre de Leeuwarden), Saskia era huérfana y no poseía mucha riqueza. Ella había vivido con su hermana en Frigia y no tenía demasiadas conexiones sociales en Ámsterdam. Todas estas circunstancias, sin embargo son suposiciones de los historiadores.

En 1639, Rembrandt y Saskia se mudaron a una casa prominente en la calle Jodenbree, en el barrio judío, que posteriormente se convertiría en el Museo Casa de Rembrandt. Aunque se encontraban en una situación opulenta, la pareja tuvo varios problemas en su vida personal. Tres de sus hijos fallecieron a poco de nacer. Sólo el cuarto hijo, Titus, nacido en 1641, sobrevivió hasta la edad adulta. Saskia murió en 1642, probablemente a causa de tuberculosis.

A finales de la década de 1640, Rembrandt formó pareja con Hendrickje Stoffels, mucho más joven, quien inicialmente había trabajado como sirvienta en su casa. En 1654 tuvieron una hija, Cornelia, que le significó a Hendrickje un reproche oficial de la Iglesia reformada holandesa, por «vivir en pecado». Rembrandt no fue apercibido porque no era miembro de la congregación. Por esos años pintó Jesucristo y la mujer adúltera (1644).

Rembrandt vivió con sus propios medios, comprando muchos artículos de arte, y especialmente impresiones y rarezas, que probablemente causaron su bancarrota en 1656. Allí Hendrickje y Titus iniciaron un negocio de arte para sobrevivir. Como sea, la fama de Rembrandt no se desvaneció en esos años, ya que recibió un importante encargo para una cuadro grande de tipo histórico para el nuevo edificio del ayuntamiento.

Rembrandt sobrevivió a Hendrickje y a Titus. Finalmente, sólo su hija Cornelia quedó a su lado. La sentida muerte de su bienamado hijo le produjo gran tristeza, y poco después él mismo falleció, el 4 de octubre de 1669 en Ámsterdam, donde fue inhumado bajo una lápida sin nombre en el cementerio del oeste.

Obras

Sólo hay una frase conocida de Rembrandt describiendo lo que pensaba lograr a través de su arte: «el mejor y más natural movimiento» , que fue hallada en una carta escrita a uno de sus mecenas.No está claro si se refería al movimiento de los objetos en los cuadros, a la emoción generada en el observador, o a ambas cosas, constituyendo el tema un motivo de debate entre sus historiadores.

En total Rembrandt produjo cerca de 854cuadros, 300 aguafuertes, y 2.600 dibujos. Fue un prolífico pintor de autorretratos, pintando alrededor de 80 cuadros y 20 aguafuertes sobre el tema durante su larga carrera. Además nos dejó pinturas de su persona notablemente claras. Su mirada y —lo más importante— sus emociones nos permiten apreciar el infortunio y la tristeza que arrugan su rostro.

Entre las características prominentes de su obra se encuentra el uso del claroscuro, a menudo usando fuertes contrastes, lo que introduce al observador dentro del cuadro. Sus escenas vívidas y dramáticas destacan sobre la rígida formalidad que muestra la obra de la mayoría de los artistas de la época, junto con un profundo sentimiento de compasión por la raza humana, sin discriminación alguna por la fortuna o edad del sujeto.En sus cuadros aparecen a menudo los miembros de su familia; su esposa Saskia, su hijo Titus, y su concubina Hendrickje, incluso usándolos como modelos en pinturas de temáticas mitológica o bíblica.

Períodos, temas y estilos

Durante la época de Rembrandt en Leiden (1625–1631) fue notoria la influencia de Lastman. El joven Rembrandt abrió un taller, donde elaboró su primera obra inspirada en el apedreamiento de Esteban, denominado La lapidación de san Esteban. Los cuadros son bastante pequeños, pero ricos en detalles (por ejemplo en ropajes y joyas). La temática es principalmente religiosa o alegórica.Durante sus primeros años en Ámsterdam (1632–1636), Rembrandt utilizó grandes formatos y tonos fuertes representando escenas dramáticas. En esta época pintó muchos retratos. Otros cuadros tienen escenas bíblicas o mitológicas.A fines de la década de 1630, Rembrandt pintó varios paisajes, y grabó aguafuertes sobre la naturaleza. Los paisajes se muestran torturados por las fuerzas naturales, con árboles derribados por la tormenta, u ominosos cielos con nubes oscuras.

Desde alrededor de 1640, su trabajo se vuelve más sobrio, reflejando las tragedias familiares que sufre. La exuberancia es reemplazada por profundas emociones internas. Las escenas bíblicas derivan ahora más frecuentemente del Nuevo Testamento en lugar del viejo, como era el caso antes. Los cuadros vuelven a ser pequeños. Una excepción es el enorme cuadro La ronda de noche, el más grande que pintó, retornando con él a la expresividad y espíritu de las obras anteriores. Los paisajes de esta época son generalmente aguafuertes. Las fuerzas de la naturaleza dejan la escena para permitir tranquilas escenas rurales de Holanda.En la década de 1650, el estilo cambia nuevamente; los cuadros crecen en tamaño, los colores se vuelven más cálidos, las pinceladas más fuertes. Con estos cambios, Rembrandt se distancia de sus primeras obras y de la moda de la época, que se inclinaba cada vez más a trabajos finos y detallados. Con los años, los temas bíblicos aparecieron nuevamente, pero el énfasis varió de grupos dramáticos a retratos más íntimos.En sus últimos años, Rembrandt pinta algunos de sus más bellos autorretratos, mostrando un rostro donde la pena y la tristeza han dejado su marca.

Colecciones pictóricas

* En Holanda, la más notable colección de obras de Rembrandt se encuentra en el Rijksmuseum de Ámsterdam, incluyendo Ronda de Noche, y La novia judía.

* Muchos de sus autorretratos se exhiben en el Mauritshuis de La Haya.

* Su hogar, preservado como Museo de la Casa Rembrandt, muestra muchos ejemplos de sus grabados.

* Colecciones importantes en otros países se encuentran en Berlin, San Petersburgo, Nueva York, Washington, DC, el Museo del Louvre en París y la Galería Nacional de Londres.

Principales cuadros

* 1629 – Un artista en su estudio (Museo de Bellas Artes, Boston, Massachusetts)
* 1630 – La resurrección de Lázaro (Museo del condado de Los Angeles)
* 1630-35 – Turco (Galería Nacional de Arte, Washington, DC)
* 1631 – Retrato de Nicolaes Ruts (Colección Frick, Nueva York)
* 1632 – Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp (Mauritshuis, La Haya)
* 1632 – Retrato de un noble oriental (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
* 1633 – Cristo en la tormenta sobre el lago de Galilea (Museo Isabella Stewart Gardner, Boston [4])
* 1635 – La fiesta de Belshazzar (Galería Nacional, Londres)
* 1636 – El cegado de Sansón (Instituto Städel, Fráncfort del Meno)
* 1636 – Dánae (Museo del Hermitage, San Petersburgo)
* 1642 – La ronda de noche (Rijksmuseum, Ámsterdam)
* ±1643 – Cristo curando a los enfermos (Victoria and Albert Museum, Londres [5])

* 1647 – Vieja dama con un libro (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1650 – El filósofo (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1650 – El molino (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1653 – El sacrificio de Isaac (Museo Hermitage, San Petersburgo)
* 1653 – Aristóteles con un busto de Homero (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
* 1654 – Betsabé en su baño (Louvre, París [6])
* 1655 – José acusado por la esposa de Putifar (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1655 – El buey desollado (Louvre, París)
* 1656 – Mujer ofreciendo un clavel (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1656 – Jacob bendiciendo a los hijos de José (Staatliche Kunstsammlungen, Kassel)
* 1657 – El apóstol Pablo (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1658 – Autorretrato (Colección Frick, Nueva York)
* 1659 – Jacob luchando con el ángel (Gemäldegalerie, Berlín)
* 1659 – Autorretrato (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
* 1660 – Autorretrato (Museo Metropolitano de Arte, Nueva York)
* 1660 – Retrato de un caballero con sombrero alto y guantes (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1660 – Retrato de una dama con abanico de pluma de avestruz (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1661 – Conspiración de Julius Civilis (Museo Nacional, Estocolmo [7])
* 1662 – Sociedad de tejedores (Rijksmuseum, Ámsterdam)
* 1662 – Retrato de hombre con galera (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1662-63 – Joven sentada en una mesa (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1664 – Lucrecia (Galería Nacional de Arte, Washington, D.C.)
* 1664 – La novia judía (Rijksmuseum, Ámsterdam)
* 1666 – Lucrecia (Instituto de Arte de Minneapolis)
* 1669 – La vuelta del hijo pródigo (Museo Hermitage, San Petersburgo)

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• Vincent van Gogh (1853-1890)
• Anne Frank
• Museos en Amsterdam
• La lucha neerlandesa contra el agua 1953
• El rey Guillermo I (1813)
• La Unión de Utrecht (1579)
• La Guerra de los Ochenta Años (1568)
• Los dominios borgoñones (1419-1467)

Se graduó por la Universidad de Leiden en Matemáticas y Física. Se unió a la armada neerlandesa y fue allí donde empezó a rodar y a hacer sus primeros documentales. Abandonó la armada y se metió en la televisión neerlandesa, donde desarrollaría estas nuevas habilidades que había adquirido rodando documentales para el ejército. Su primer gran éxito fue la serie de televisión Floris, en 1969, protagonizada por Rutger Hauer. Su primer largometraje fue estrenado en 1971, Wat Zien Ik?, aunque no fue especialmente bien recibido. Su primer éxito a nivel nacional llegaría en 1973 con Turks Fruit cuya traducción al castellano es Delicias turcas, protagonizada por Hauer y nominada al Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Empezó así a forjar su reputación y continuó con éxitos internacionales en menor escala, llegando a ganar el Globo de Oro con Soldaat van Oranje. Finalmente se trasladaría a Estados Unidos. El hecho de cruzar el Atlántico pudo también haber sido el resultado de su resentimiento hacia el sistema cinematográfico neerlandés. Su trabajo era visto allí como demasiado comercial y no había obtenido el reconocimiento que pensaba que merecía.

Trabajar en los Estados Unidos supuso un drástico cambio de estilo, y empezó a dirigir grandes éxitos con muchos efectos especiales, violencia y enormes presupuestos, como Robocop (1987), protagonizada por Peter Weller y Desafío total (1990), con Arnold Schwarzenegger y Sharon Stone. Siguió el camino marcado por estos éxitos con la provocadora Instinto básico (1992), en la que repitió con Stone, y la sensual Show Girls (1995). Después de estas cintas, regresó a la violencia y a los efectos especiales que habían marcado sus anteriores películas, en cintas tales como Starship Troopers (1997) y El hombre sin sombra (2000).

Si hubiese que definir el estilo de Verhoeven (dejando de lado el hecho de haber utilizado la ciencia ficción como tema principal en sus películas más taquilleras), sería quizás la forma en la que es capaz de retratarnos una sociedad (del pasado, del presente o del futuro) polarizada en una clase alta, elitista, incluso snob, por un lado, y una clase baja, humilde y enfrentada al problema de sobrevivir al día a día, por otro, y lograr situar una al lado de otra, equilibrarlas, a través de una orgía de sangre y casquería. La muerte nos hace a todos iguales.

Filmografía

* Een Hagedis Teveel (1960)
* Niets Bijzonders (1961)
* De Lifters (1962)
* Feest (1965)
* Her Korps Mariniers (1971)
* Portret van Anton Adriaan Mussert (1971)
* De Worstelaar (1971)
* Wat Zien Ik? (Delicias holandesas) (1971)
* Turks Fruit (Delicias turcas) (1973)
* Keetje Tippel(Katy Tipel) (1975)
* Soldaat van Oranje(Eric, oficial de la reina) (1977)
* Voorbij,Voorbij (1979)
* Spetters (Vivir a tope)(1980)
* El cuarto hombre (De Vierde Man) (1983)
* Los señores del acero (Flesh & Blood) (1985)
* Robocop (1987)
* Desafío total (Total Recall) (1990)
* Instinto básico (Basic Instinct) (1992)
* Showgirls (1995)
* Starship Troopers: Las brigadas del espacio (Starship Troopers) (1997)
* El hombre sin sombra (Hollow Man) (2000)
* El libro negro (Black Book) (2007)

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• La Guerra de los Ochenta Años (1568)
• El imperio romano
• Frans Hals (1582/1583–1666)

Nació en una familia calvinista. Desde 1892 hasta 1907 estudió en la Academia Estatal de Ámsterdam, siendo su maestro A. Allebé.

Comenzó su carrera como un maestro en la educación primaria, pero mientras enseñaba también practicaba la pintura. La mayor parte de su trabajo de este período es naturalista o impresionista, siendo en gran parte paisajes. Estas imágenes pastorales de su Holanda nativa pintan molinos de viento, campos, y ríos, inicialmente de manera impresionista al estilo de “La escuela de La Haya”, siendo en ese momento un sucesor de Jongkind, y luego en una variedad de estilos y técnicas, documentando su búsqueda por un estilo personal. Las pinturas en las que predominan los colores malva, gris suave y verde obscuro son las más representativas de su momento inicial, e ilustran la influencia de los varios movimientos artísticos en Mondrian, incluso el puntillismo y los colores vívidos del fovismo, colores a los que se vuelca en 1908 por influencia de Jan Toorop.

En exhibición en el Hague’s Gemeentemuseum varias pinturas son de este período, incluyendo los trabajos postimpresionistas como “El Molino Rojo” y “Árboles a la Luz de la luna”. Otra pintura, Avond (”Tarde”) (1908), que presenta una escena de parvas (o, niaras) en un campo durante el crepúsculo es cuadro agorero de los desarrollos futuros de este pintor, usando una paleta que consiste casi completamente en rojo, amarillo y azul. Aunque en ningún sentido es abstracto, “Avond” es el más temprano de los trabajos de Mondrian que da énfasis a los colores primarios.

Las pinturas más tempranas que muestran un vislumbre de la abstracción son una serie de cuadros de 1905 a 1908, en los cuales pinta escenas oscuras de árboles indistintos y casas con los reflejos en agua que los hace casi aparecer como manchas de tinta de un proyectivo test de Rorschach. Sin embargo, aunque el resultado final deja ver el énfasis en las formas sobre el contenido, estas pinturas todavía se arraigan firmemente en la naturaleza, y es sólo por el conocimiento de estos logros de Mondrian que se llegan a saber las raíces de su abstracción futura.

Mondrian y su trabajo posterior fueron influenciados profundamente por los “Moderne Kunstkring” 1911 en la exhibición de cubismo en Ámsterdam. Su búsqueda por la simplificación se muestra en dos versiones del cuadro Stilleven met gemberpot (Vida tranquila con una olla de jengibre). La version cubista de 1911, y la abstracta de 1912, en la segunda version el tema es reducido a una forma redonda con triángulos y rectángulos.

Estuvo en París entre 1911 y 1914, recibiendo la influencia cubista. Volvió a Ámsterdam. Allí conoció, en 1915, a Van Doesburg, con el que fundó el grupo De Stijl en 1917. En torno a esta revista De Stijl (El estilo), publicada entre 1917 y 1926, se constituyeron un grupo de artistas que recibieron la directa influencia de la “revolución cubista”. Es el pintor más importante del grupo.

En 1919 regresó a París. En 1921 redujo su paleta a los colores primarios, blanco y negro. En 1930 se unió al grupo “Cercle et carré” y en 1931 a “Abstraction-Création”. En 1938 se marchó a Londres y, en 1940, a los Estados Unidos.

En la década de los años 1940, sus trabajos se volvieron más vívidos en ritmo, menos estructurados al yuxtaponer áreas de colores brillantes y cálidos.

La teoría de Mondrian ha sido relevante en el siglo XX trascendiendo la pintura e influyendo en las demás expresiones estéticas: diseño, decoración, arquitectura, y escultura.

Filosofía estética de Mondrian

El arte de Mondrian siempre estaba íntimamente relacionado a sus estudios espirituales y filosóficos. A partir de 1908, se interesó en el movimiento teosófico fundado por Helena Petrovna Blavatsky a fines del siglo XIX. Blavatsky creyó que era posible lograr un conocimiento de la naturaleza más profundo que solo el proporcionado por los medios empíricos, y mucho del trabajo de Mondrian del resto de su vida estuvo inspirado por la búsqueda de ese supuesto conocimiento esencial. Una frase suya lo explica: «solo cuando estemos en lo real absoluto el arte no será ya más necesario».
En efecto: al dedicarse a la abstracción geométrica, Mondrian, busca encontrar la estructura básica del universo, la supuesta “retícula cósmica” que él intenta representar con el no-color blanco (color que posee todos los colores) atravesado por una trama de líneas de no-color negro (ausencia de colores) y, en tal trama, planos geométricos (frecuentemente rectangulares) de los ya mencionados colores primarios, considerados por Mondrian como los colores elementales del universo. De este modo, repudiando las características sensoriales de la textura y la superficie, eliminando las curvas, y en general todo lo formal expresó que el arte no debe ser figurativo, no debe implicarse en la reproducción de objetos aparentemente reales, sino que el arte debe ser una especie de indagación de lo absoluto subyacente tras toda la realidad fenoménica. Como anécdota de sus ligeras excentricidades cabe mencionar que prohibió el color verde en su casa.

Busca, en suma, un “arte puro”, despojado de lo particular, y dice que «El propósito no es crear otras formas y colores particulares con todas sus limitaciones, sino trabajar tendiendo a abolirlos en interés de una unidad más grande.» Su radicalismo es tal que, cuando Doesburg buscó variaciones a sus estructuras formales a partir de 1924, inclinando los rectángulos. Mondrian abandonó De Stijl.

Valoración

Mondrian fue un contribuyente importante en el movimiento y grupo de arte De Stijl, que fue fundado por Theo Van Doesburg. A pesar de ser muy conocido, a menudo ha sido parodiado y trivializado. Las pinturas de Mondrian exhiben una complejidad que desmiente su simplicidad aparente. Es principalmente conocido por sus pinturas no figurativas a las que llamó composiciones, consistiendo formas rectangulares en rojo, amarillo, azul o negro, separadas por gruesas líneas rectas. Las mismas son el resultado de una evolución estilística que ocurrió en el curso de casi 30 años y continuó más allá de ese punto hasta el final de su vida.

Obra

* Árbol rojo (1909-1910)
* Árbol verde (1911)
* Composición oval (Estudio de árbol) (1913)
* Composición en rojo, amarillo y azul (1921)
* Cuadro I (1921), Col. Müller-Widmann, Basilea.
* Composición II; composición con azul y rojo (1929).
* Broadway Boogie-Woogie (1942-1943)
* Victory Boogie-Woogie (1943-1944)

fuente ;Wikipedia.org

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En 1908 realizó su primera exposición de pintura en La Haya, encuadrando su arte en el naturalismo hasta 1916, cuando al mismo tiempo que inicia su etapa de abstracción, publica los primeros números de la revista De Stijl, portavoz del movimiento neoplasticista.

En el período en que fuera profesor en la Bauhaus de Weimar (1921-23), se vé influenciado por la estética de su amigo y compatriota Piet Mondrian, pero en 1926, tras la ruptura con éste, escribió un manifiesto en el que explicaba el arte elementarista.

En su obra arquitectónica son destacables el restaurante «Aubette», que construyera en Estrasburgo en colaboración con Cor van Eesteren (1926-28), y su casa-estudio de Val-Fleury, en Meudon (Hauts-de-Seine).

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