DIE ZÄHNE BLITZEN

Auf ihrem Album „Eyes Full“ präsentiert sich Zoh Amba mit Gitarre statt Saxofon im Gepäck und mit ihrer Vorliebe für Ungewöhnliches im Rock-Genre, denn sie verwebt die Singer-Songwriter-Formel zu einem energiegeladenen, gefühlvollen Ganzen. „Eyes Full“pulsiert vor Energie und Leidenschaft, Zoh Amba fungiert dabei als Sprachrohr für rohe Emotionen. Auf dem Album ist die Musikerin Teil eines Trios mit Jim White (Schlagzeug) und Kevin Hyland (Gitarre).

Der Titeltrack ist ein leidenschaftlicher, bewegender, düsterer und treibender Country/Indie-Rock-Song über die Frage, was das Herz erfüllt und warum. Ihr Sound, geprägt von Ambas unverwechselbarer Stimme ist eine mitreißende Mischung aus rauem, schlingerndem Akustik-Blues, durchsetzt mit Feedback-lastigen E-Gitarren-Soli und sanften Anklängen an Appalachian Folk. So klingt die Musik, wie von Alkohol berauscht, die Stimme knurrend und wütend. Die Rhythmusgitarre verlangsamt sich und nimmt dann wieder Fahrt auf, bis sie zu entgleisen droht. Der Wechsel zwischen Zärtlichkeit und roher Energie kommt oft unvermittelt, die Zähne blitzen – dann herrscht Stille.

ÜBER EIN TURBOLENTES WOCHENENDE

Die vierköpfige Band The Heavenly Bodes, bestehend aus Paul Ruskin (Gesang/Gitarre), Fin Wilson (Gesang/Gitarre/Orgel), Iolo Puleston (Bass) und Alex Mantle (Schlagzeug), fand in der Psychedelic-Szene Südcornwalls zusammen und hat ihr Debütalbum „Green Hills“ angekündigt.

Der hier präsentierte Song „De Groene Heuvels“ ist die zweite Singleauskopplung nach „Faux Pillars“ und dauert etwas über zweieinhalb Minuten, wobei die Band den Song als einen Bericht über ein turbulentes Wochenende in den Niederlanden beschreibt und mit verzerrter Gitarre, ein treibender Bass-Groove, der sich kraftvoll in den Rhythmus hineinzieht, und das Ganze mit einer lockeren, authentischen Live-Atmosphäre, die eher nach Live-Musik als nach Studioaufnahme klingt, daherkommt.

Hier zeigt sich, wie gut die Rauheit die Energie unterstreicht, anstatt einen Mangel daran zu entschuldigen: Der Song ist nicht ungeschliffen, weil die Band es nicht ändern konnte, sondern weil alles andere die Dynamik zerstören würde. Die Anklänge an Acid Garage der 1960er Jahre sind vorhanden, aber sie dominieren den Song nicht; es klingt nach einer Band, die diese Einflüsse vor Jahren aufgenommen und aufgehört hat, darüber nachzudenken. Das Ganze sortiert sich rgendwo zwischen ungestümen Garage-Rock und lässiger Velvet-Underground-Coolness ein. Es ist der Sound von klirrenden Surf-Riffs, treibenden Bassgrooves und verschwommener Orgel, die sich in der salzigen Meeresluft auflösen.

IN HÖCHSTFORM

Nach dem Erfolg der vorherigen Singles „Star“ und „Ember“ präsentiert sich die dänische Band Iceage aus Kopenhagen mit „The Weak“ in Höchstform – angetrieben von nervösen Gitarren, unbändiger Energie und einem Gefühl kaum gebändigten Chaos, das den Sound von Iceage seit Langem prägt. Der Song drängt mit Dringlichkeit nach vorn, bevor er in befreienden Momenten gipfelt und die unberechenbare Intensität einfängt, die die Band in den letzten zwei Jahrzehnten zu einer so fesselnden Größe gemacht hat.

Mit „For Love Of Grace & The Hereafter“, ihrem ersten Album seit fünf Jahren, verfeinert Iceage ihren Stil, ohne dabei ihre raue Kante einzubüßen. Das Ergebnis ist ein Album, das sich gleichermaßen durchdacht und herrlich ungezügelt anfühlt. Das Album balanciert über seine gesamte Laufzeit Melodie und Rauheit und verschmilzt verstimmte Riffs, Chorgesang und unerwartete Klangtexturen zu einem lebendigen und unvorhersehbaren Ganzen. Selbst inmitten des Chaos schwingt eine gewisse Freude mit – die pure Begeisterung fürs Spielen, fernab jeglicher festgelegter Ästhetik.

Mit „The Weak“ zeigen Iceage eine Rock-’n‘-Roll-Kraft der alten Schule und hämmern Riffs heraus, die an Chuck Berrys Rockabilly erinnern und geben einen weiteren Vorgeschmack auf ein Album, das zu ihren dynamischsten Veröffentlichungen zählen dürfte – ein Werk, das sowohl ihre Entwicklung als auch ihre unermüdliche Innovationskraft widerspiegelt.

MIT KETTENSÄGEN-TEMPO

Uncle Acid And The Deadbeats machen Musik, die immer kühn und eigenwillig daherkommt. Schwierig ist es, diese Band aus Cambridge einfach in eine Schublade zu stecken, tauchte sie doch aus einer obskuren Ecke des labyrinthischen englischen Undergrounds als schattenhafte Lieferanten einer neuen und überwältigend psychedelischen Interpretation der schroffen und düsteren Grundlagen von Hard Rock und Turbo-Blues auf.

Angetrieben von der Dunkelheit und das lysergisches Herz der späten 1960er und frühen 1970er Jahre, durchdrungen von den eigensinnigen Melodien und schelmischen Arrangements des psychedelischen Pops und dem dissonanten Donner des Proto-Metals und Dooms bestand die größte Anforderung darin, aus diesen vertrautesten Zutaten eine völlig neue Klangwelt zu erschaffen.

Als blutgetränkte Kostprobe aus dem kommenden Studioalbum“ Don’t Let It Control You“ prescht die Band mit dem Titelsong in rasantem Kettensägen-Tempo durch dreieinhalb Minuten Psycho-Rock. Mit einer Mischung aus Fuzzrite-Gitarren, treibenden Stooges-artigen Klavierklängen, schrägen Harmonien und Shadow-Morton-inspirierten Backing-Vocals ist dieser Song dazu bestimmt, sich im Gehirn festzufressen.

DIE KRAFT DER NATUR

Die Band Stornoway aus Oxford, die sich als Schnittstelle zwischen Musik und Naturschutz etabliert hat, setzt ihre Mission mit einem Album voller Hoffnung fort, das aus Isolation und Entdeckungslust entstanden ist. „Beyonder“ nutzt die Kraft der Natur, um uns wieder mit ihr zu verbinden und die Menschen durch Musik der Natur näherzubringen.

„Beyonder“ ist ein Album für eine Welt im Wandel. Es thematisiert den Verlust der Artenvielfalt und die Klimakrise, den Aufstieg polarisierender Politik und die Auswirkungen dieser Belastungen auf unsere Psyche und unsere Gemeinschaften. Die Lieder handeln von Reisen und Zielen, von Entdeckungen und Entscheidungen und vermitteln gemeinsam Hoffnung in unruhigen Zeiten.

Die mitreißende erste Single des Albums, „Marco Polo“, reflektiert das Entdecken und zieht eine Verbindung zwischen physischen Reisen und inneren emotionalen Bewegungen.

DRAUFLOSJAMMEN

„Kaleidosmoke“ gibt einen ersten Einblick in das neue Terrain der amerikanischen Band BCMC aus Chicago . Mit einer Spielzeit von fast acht Minuten besticht dieser Song durch britisch-rockige Gitarrenklänge und eine Struktur, die an die geduldige, aufbauende Logik von Terry Riley erinnert. Einflüsse von Pink Floyd, Witthüser & Westrupp, Popul Vuh, Deep Purple und Iron Butterfly durchziehen bluesige Soli, bevor das Stück in einer langsamen, glasklaren Slide-Gitarrenpassage mündet. Es ist weitläufig und gemächlich, psychedelisch im ursprünglichsten und intensivsten Sinne des Wortes.

Mit diesem ersten Song und dem neuen Album „Stash“ hat sich das Duo Bill MacKay und Cooper Crain in den Nischen zwischen Folk und Prog wiedergefunden. Wellen arabischer, indischer, Flamenco- und Soul-Einflüsse vereinen sich unter dem weiten Horizont einer Weltflagge und repräsentieren ein grenzenloses Streben nach kosmischen Musikmomenten – in den Händen, von und für alle, die Folk, Rock und Jazz, Psychedelic, West Coast Psychedelic, Prog, DIY, Experimental, Traditionell, Programmatisch, Impressionistisch, Liturgisch, Elektrisch, Ambient lieben. Dazu: Kompositionen, kürzere Passagen, Riffs, Prog/Funk/Kirchenorgel-Soli, psychedelische Bluesrock-Soli auf dem Synthesizer. Diese Klänge verweben sich zu einem klirrenden Nest, das von gelegentlichen britischen Folk-Einflüssen durchbrochen wird. Es findet eine ständige Entdeckung von Akkorden und Rhythmen statt: so einfach kann drauflosjammen sein.

EIN NEUES KAPITEL

Die Southern-Rock-Veteranen Drivin N Cryin aus Atlanta schlagen mit „Mirror Mirror“, der ersten Single ihres kommenden Albums „Crushing Flowers“, ein neues Kapitel auf. Fast vier Jahrzehnte nach Bandgründung verschmilzt die Band weiterhin Southern-Rock-Charme, Folk-Erzählungen und treibenden Rock ’n’ Roll zu einem unverwechselbaren Sound.

Das Album besticht durch mitreißende Gitarren, satte Harmonien und orchestrale Klänge, die die nachdenklichen Texte von Frontmann Kevn Kinney umrahmen. An den Aufnahmen wirkten R.E.M.-Gitarrist Peter Buck und der verstorbene Todd Snider mit, möglicherweise in seiner letzten Studioaufnahme.

Aber auch heute noch dümpelt die Band im modernen Rock in der zweiten Reihe und konnte trotz einer Reihe ansprechender Alben nie wirklich ein bestimmtes Publikum für sich gewinnen. Man fragt sich, warum eigentlich, denn „Mirror Mirror“ überzeugt sofort. Explosive Gitarrenriffs treiben voran, während der Refrain mit der Wucht eines klassischen Rock-Hits einschlägt. Na also, geht doch.

HEXENPROZESSE

Das Debütalbum „Emerald Dream“ von Fangus aus Montreal ist eine berauschende Mischung aus Psychedelic Rock, Acid Rock, Doom Rock, Proto-Metal, Okkultrock, Blues Rock und Stoner Rock. Es ist wild und ungestüm zugleich, denn Fangus verschmelzen verschiedene Genrekonventionen mit einer extravaganten Prämisse, die die Grenzen der Heavy-Psychedelic-Musik erweitert.

Die Musik schöpft größtenteils aus den legendären Klängen der Sechziger- und Siebzigerjahre, wobei die Band sich nie mit modernen Themen auseinandersetzt. Dadurch ist das Album ein cool klingendes und lässiges Stück Retro-Rock mit der passenden Attitüde. Das Ganze wirkt, als würde es der Soundtrack zu einem verschollenen Horrorfilmklassiker sein, der gerade erst wiederentdeckt ist.

Alles ist maßlos übertrieben und wahnsinnig dramatisch und so ist die Single „Pyre Of Love“ eine flammende Ode an die verbotene Liebe, inspiriert von den Hexenprozessen der Antike – wo Begierde, Mystik und Rebellion im Feuer verzehrt wurden. Ein hypnotischer Heavy-Rock-Song, der aus den Flammen emporsteigt.

HAUCHZARTES KLANGGEWEBE

Die Band Cindy aus San Francisco hat ihr fünftes Album am Start, das still und leise erschütternde „Another Country“. Hier weben die Musiker das hauchzarte Klanggewebe hinter Frontfrau Karina Gills langsamen, samtigen Gitarrenklängen und geflüsterten Melodien.

Die Rhythmusgruppe sorgt für den rohen Flow, während die Keyboards einen subtilen und surrealen Kontrapunkt zu der düsteren Welt setzen, die Gill in ihren Texten beschreibt – das ist keine verträumte, sonnige Glückseligkeit; halb geschlossene schwarze Vorhänge hängen vor dem Fenster, hinter dem die Erzählerin in die Ferne blickt. Karina Gill hat eine Art, ihre Phrasierung zu unterbrechen, die den Eindruck erweckt, als würden ihre Gedanken sanft in den Abgrund stürzen. Es ist diese beunruhigende Qualität, vermischt mit der verschwommenen Atmosphäre, die Cindys Musik absolut süchtig macht und es zum perfekten Gegenmittel gegen Wohlfühlmusik werden lässt.

Auch ihr neuestes Werk scheint diese gewisse behagliche Atmosphäre beizubehalten. Knapp über dem Rauschen des Tonbands legt Karina Gill auf der ersten Single „Procession“ ihre sanfte Stimme mit großer Wirkung nieder und hüllt ihre sehnsuchtsvolle Poesie in dichte Klanglandschaften.

EIN ÜBERAUS FESSELNDES GESPÜR

Das Duo Verity Susman (Electrelane) und Matthew Simms (Wire) von MEMORIALS sprengt alle Grenzen. Auf „All Clouds Bring Not Rain“, dem zweiten Studioalbum der Band, experimentieren die beiden mit den Möglichkeiten, die Vintage-Aufnahmegeräte bieten können, wenn man vom endlosen digitalen Bereich der ständigen Manipulation ausgeschlossen ist.

Hier wird Komplexität mit klanglicher Leichtigkeit verbunden und die Grenze zwischen wogendem Krautrock, Lounge-angehauchtem Post-Punk, kaleidoskopischem Folk, 1960er-Jahre-Prog und Psych-Pop auf eine Weise erkundet, die sich unglaublich natürlich und von Natur aus frei anfühlt. Es ist ein phänomenales Album mit einer obszönen Liebe zum Detail von einer Band, die wirklich weiß, wie sie das Beste aus ihrer Umgebung und mit ihren Mitteln herausholen kann.

In einer Pressemitteilung sagten MEMORIALS gemeinsam Folgendes über das Album: „Wir fühlen uns zunehmend von der Art und Weise angezogen, wie Platten früher gemacht wurden, sowohl vom Klang der verwendeten Ausrüstung als auch von den Entscheidungen, die diese Ausrüstung erzwingt; es gab nicht die Möglichkeit, lange herumzubasteln, es ging darum, einen Moment in der Zeit festzuhalten und sich darauf einzulassen. Es ist weitaus befriedigender, Klänge aufzunehmen, die in einem realen Raum existieren und so für uns einzigartig werden: Sie sind nicht dasselbe wie die Samples, die überall verfügbar sind … wir sind aktiv und wenden uns bei fast jeder Gelegenheit von der einfachen Option ab.“

Der Song „Dropped Down The Well“ basiert auf einem mitreißenden Rhythmus mit wunderbar eindringlichen Bässen und einem federnden Schlagzeugbeat und strotzt vor treibender Energie und einem überaus fesselnden Gespür für die Melodie, das zum Synonym für Susmans Songwriting geworden ist.