La plupart des guitaristes « rock » se servent du médiator pour jouer à la fois la guitare rythmique et « lead ». C’est que lorsqu’on joue avec un plectre, le son produit est beaucoup plus fort, net et précis – soit exactement le son que l’on recherche dans un band de « rock ». Aussi, les guitaristes jouant avec le « pick » peuvent jouer très rapidement, en utilisant l’« alternate picking » et le « sweeping » – en autant qu’ils ne jouent qu’une note à la fois, donc pas de « double-stops »!

L’utilisation du médiator permet aussi de jouer aisément des accords en « strumming » et, surtout, sans s’abimer les ongles… Mais parce qu’en utilisant le médiator vous n’avez aucun contact direct avec la corde, vous perdez un peu de « contrôle » et de « feeling ». Jouer avec les doigts permet d’obtenir une sonorité particulière, écoutez par exemple Albert King ou le son génial de la Strat de Mark Knopfler sur « Sultan’s of Swing ».

Qu’est-ce que le « fingerpicking »? Et le « fingerstyle »?

Le « fingerstyle » est  une technique impliquant simplement que le guitariste joue les cordes de son instrument sans utiliser de médiator (dont les « picks » normaux, les « thumb picks » et les « finger picks ») – il ne joue de la guitare qu’avec ses doigts. On peut jouer en « fingerstyle » sur tous les types de guitare, que ce soit électrique ou acoustique, avec des cordes de nylon ou de métal. Il n’y a que les guitaristes classiques et flamencos qui n’utilisent que leurs doigts pour jouer. La plupart des premiers guitaristes blues de la région du Delta jouaient également de cette manière.

Le « fingerpicking » s’avère plus « spécifique ». Il implique que vous employiez certains « picking patterns » en particulier, qui proviennent d’accords et joués dans un style rappelant l’arpège. Bien souvent, le pouce joue une sorte de partie rythmique, comme une « walking bass », alors que les doigts jouent des « patterns » qui se répètent. Le style est couramment utilisé en guitare « folk » (p. ex. : Paul Simon) ainsi qu’en blues, en « country », en « ragtime » et même en musique « pop » et « rock ». Pour mieux illustrer les choses : la guitare acoustique entendue dans la pièce « Presence of the Lord » d’Eric Clapton est en « fingerpicking », tandis que le jeu acoustique sur « Layla » est en « fingerstyle », mais pas en « fingerpicking ». Mais puisque la plupart des guitaristes qui jouent en « fingerpicking » sont également des « fingerstylers » (certains utilisent des « finger picks »!), il est parfois difficile (ou insensé) de faire une distinction entre les deux.

Beaucoup de guitaristes acoustiques emploient la technique du « fingerstyle », cependant il n’y a que très peu de musiciens qui jouent de cette manière à la guitare électrique. Parmi les plus connus d’entre eux, on retrouve :

• Mark Knopfler
• Jeff Beck, qui a adopté la technique du « fingerstyle » après des années de jeu au médiator…
• Derek Trucks
• Duane Allman (lorsqu’il joue de la guitare « slide »)
• Ry Cooder
• Wes Montgomery, à la guitare jazz, utilisation du pouce seulement
• Chet Atkins
• Robie Krieger (des Doors)
• Lindsey Buckingham (de Fleetwood Mac)

Et maintenant les bluesmen! :

• Albert King – utilisation du pouce seulement, de façon intense et dure
• Albert Collins – il utilise le pouce et l’index et de l’index sur sa Telecaster
• Clarence Gatemouth Brown – pouce et index
• John Lee Hooker – pouce et index, parfois des accordages ouverts
• Lowell Fulson – pouce et index, il joue également avec des « finger picks » et des « thumb picks »
• Otis Rush
• Et parfois Eric Clapton (exemples : « Reconsider Baby », « Sinner’s Prayer ») et sur « One More Car, One More Rider » (sur plusieurs chansons!)

Il y a plusieurs façons de jouer en « fingerstyle » en guitare blues. La plupart d’entre nous connaissent la manière « classique » de l’effectuer : utilisation du pouce pour les trois cordes des basses, et l’index, le majeur et l’annulaire pour jouer la mélodie. C’est également la façon de jouer le « fingerpicking » en blues – les lignes de « bass » sont jouées avec le pouce, et les « picking patterns » ou les « licks » courts avec les doigts. Aux débuts du blues (à l’époque de Robert Johnson, de Big Bill Broozy, etc.), la technique dite classique était la plus répandue chez les bluesmen, et les médiators n’étaient pas utilisés. Certains guitaristes blues ont même conservé la technique après être passés à la guitare électrique (comme Lightnin’ Hopkins)! Quelques-uns d’entre eux ont développé de nouveaux styles de jeu en guitare « lead » nécessitant l’utilisation des doigts, et d’autres ont lentement adopté les « finger picks » (dont Freddie King)

À la guitare électrique (cordes de métal), on ne joue pas seulement avec les ongles (ils se briseraient après quelques minutes de jeu), on joue plutôt avec le bout des doigts. Note : Vos ongles ne devraient pas être trop longs, au début!

Jouer en « fingerstyle » à la guitare électrique sera difficile, au début, si jusqu’à maintenant vous avez joué uniquement avec un « pick ». Vous aurez par exemple tendance à frôler d’autres cordes que celle que vous voulez jouer…

Plusieurs styles de jeu peuvent être adoptés pour faire de la guitare « fingerstyle », en voici 3 :

• Utilisation du pouce seulement : pour jouer comme Albert King, vous utilisez votre pouce au lieu du médiator et jouez surtout en allers. Vous créerez un son très « sale » et « hard », de cette manière. Bonne attaque, bon son, mais une vitesse restreinte. Débutez par employer cette technique pour développer une bonne sensation  (« feeling ») des cordes.

• Utilisation du pouce et de l’index : jouez comme si vous aviez un « pick » en main, mais utilisez le pouce pour les allers et l’index pour les retours. Au début, le défi sera pour vous d’obtenir le même son en jouant avec l’index qu’en jouant avec le pouce. Le plus grand avantage de cette technique, quand on la compare au jeu au médiator, est un « feeling » amélioré des cordes; vous pouvez aussi jouez deux cordes en même temps, et plus vite qu’avec l’utilisation unique du pouce.

• Utilisation du pouce, de l’index et du majeur : la technique est pareille à celle du style de jeu précédent, mais vous utiliserez aussi l’index et le majeur pour effectuer de l’« alternate picking » très rapide. Et maintenant vous pourrez jouer de vrais « power chords » – jouer 3 cordes en même temps. Note : davantage de doigts peuvent être employés, mais il deviendrait plus difficile de les contrôler.

Essayez tout ça! Mais ne jouez pas trop longtemps, au début, car vos doigts devront s’habituer à ce nouveau style de jeu…

L’un des aspects intéressants découlant de l’essor fulgurant ces dernières années de l’industrie du jeu vidéo de simulation musicale est certainement le coup de pouce que celui-ci donne à de plus vieilles industries (la réinvention qu’il aura provoqué même chez ces dernières même), par exemple celles des jouets, de la mise en forme et, surtout, de l’industrie de la musique. Car bien que vous soyez sans doute familiers avec des noms tels que « Rock Band » et « Guitar Hero », peut-être ne réalisons pas l’impact que ces jeux vidéos ont eu jusqu’à maintenant sur la consommation de disques dans certains pays, en France et aux États-Unis, par exemple. Ces jeux sont partout, et leur influence est en effet énorme sur l’industrie du disque, sur celle de la guitare, ainsi que sur le monde de la musique en général. Toutefois, cette influence n’est-elle que bénéfique (comme le clâment haut et fort les représentants de l’industrie du disque)? Quels sont les effets réels des jeux vidéo de simulation musicale tels que « Guitar Hero » et « Rock « Band » sur la grattosphère?

L’équipe de Guitare Domination s’est penchée sur le phénomène de l’heure dans l’industrie des jeux vidéo guitaristique…

Des riffs et des hommes

Depuis leur apparition sur le marché en 2005, les jeux de simulation musicale « Rock Band » et « Guitar Hero » connaissent un succès fou; ces franchises ont en effet jusqu’à ce jour généré des centaines de millions de dollars de revenus pour leurs éditeurs respectifs. Ces jeux vidéo consistent à piloter un guitariste (ou autre musicien) et leur faire interpréter des morceaux variés. On y joue en utilisant un périphérique dédié (en forme de guitare dans le cas de « Guitar Hero »), ou une manette. Les notes de la pièce sélectionnée apparaissent à l’écran sur une représentation en 3D d’un manche de guitare, puis le joueur doit appuyer sur divers boutons (notes jouées sur le manche, grattage) pour simuler le jeu du guitariste. Le but du jeu évolue également dans un environnement virtuel (salle de concert, stade, etc.).  « Guitar Hero », « Rock Band », c’est une sorte de karaoké guitaristique en quelque sorte!

En ce qui a trait aux morceaux compris dans « Guitar Hero » et « Rock Band », ce sont des tubes et des morceaux moins connus du grand public. Notez qu’il est maintenant possible de télécharger des chansons pour un coût supplémentaire. Cependant, ces titres sont conçus spécifiquement pour les jeux; ils ne peuvent être gravés sur un DC ou transférés sur un lecteur MP3 portatif. Donc, pour disposer de sa propre copie ou mieux connaître la discographie de tel ou tel groupe ou artiste, un joueur doit utiliser d’autres plateformes payantes de téléchargement…  Comme vous vous en doutez, « cette forme de consommation de musique représente à l’heure actuelle d’énormes revenus pour l’industrie musicale », affirme Paul Menes, un avocat américain spécialisé en « licensing » musical. C’est que typiquement, les éditeurs, maisons de disques et musiciens perçoivent d’avance des droits pour leurs titres inclus dans le jeu vidéo. Mais lorsque le contrat est bien négocié, musiciens ainsi que producteurs touchent aussi des royautés en fonction du nombre de jeux vendus, et de titres téléchargés… Les jeux vidéo de simulation musicale s’avèrent en effet un outil de promotion sans égal, si l’on se fie aux chiffres de vente.

Penchons-nous par exemple sur le cas du groupe de « heavy metal » Mötley Crue et la sortie en mai 2008 du premier extrait de son album en format digital (sur la plateforme de téléchargement iTunes, sur Amazon, etc. ET sur le jeu « Rock Band »), avant même la sortie de l’opus en juin. Selon le « Billboard magazine », qui avait établi un classement hebdomadaire des diffusions radio, sur Internet et de ventes de titres musicaux, les ventes de la chanson « Saints of Los Angeles » avaient été 5 fois plus grandes sur « Rock Band » que par l’iTunes Store. Impressionnant n’est-ce pas?

Une croissance fulgurante pour le jeu vidéo de simulation musicale

Lors de la création de « Guitar Hero » par Harmonix (qui est également le concepteur de « Rock Band », cela n’est aucunement une coïncidence…), l’industrie de la musique se souciait peu des jeux vidéos… Mais les choses ont drôlement changé! Le président du Universal Music Group rapporte que les morceaux compris dans un jeu « Guitar Hero », après la parution de ce dernier, se vendent généralement de 2 à 3 fois plus qu’en temps normal!

Par exemple, la vente d’exemplaires de la chanson « My Name is Jonas » de Weezer (une pièce parue originalement en 1994) aura décuplé après la parution de « Guitar Hero 3 ». Autre fait intéressant : une version spéciale du jeu axée sur la musique du groupe Aerosmith aura engendré plus de revenus pour celui-ci que n’importe quel de ses albums individuels!

Les jeux de simulation musicale seraient-ils donc un « eldorado » pour les labels majors ? Non. Pas réellement, selon Edgar Bronfman,  le DG de Warner Music Group. Il s’explique : « Les royautés qui sont versés à l’industrie du disque, dont ces jeux sont pourtant totalement dépendants, sont beaucoup trop faibles ». Pour cette raison, c’est la guerre entre les deux clans : les développeurs de « Rock Band » boycottent désormais les artistes Warner tandis que Warner refuse d’émettre des licences pour les artistes de son catalogue… Et c’est une guerre que nul des deux clans ne peut gagner. Après tout, ralentir ou cesser la création des jeux vidéo de simulation musicale nuirait à tous les membres de l’industrie musicale, une industrie qui bat déjà de l’aile.

Bâtir un empire dans le domaine vidéomusical

Mais bien que les géants de l’industrie du disque ne gagnent pas autant d’argent qu’espéré grâce aux jeux musicaux, ceux-ci constituent néanmoins d’imposantes sources de revenus potentiels – de possibles concurrents pour le géant iTunes. La preuve? « Guitar Hero » est édité par Activision; Vivendi est maintenant propriétaire d’Activision; Vivendi est aussi la maison-mère d’Universal –  c’est ce que l’on appelle un exemple parfait d’empire vertical.

Le jeu vidéo musical : de la guimauve pour le cerveau?

Le phénomène d’émancipation du jeu vidéo musical n’est pas local. Les entreprises de tous les secteurs tentent d’utiliser les jeux et les principes qu’ils enseignent au public pour mousser leurs ventes et réinventer des marchés moribonds. Et bien que ce ne soit pas tout qui puisse être transformé en jeu vidéo, beaucoup (trop?) de choses le peuvent!

Ces jeux vidéos musicaux sont évidemment bénéfiques à l’industrie de la musique, toutefois ceux-ci ne sont certainement pas « la meilleure chose qui soit arrivée » au secteur musical ces dernières années; en fait, nous croyons que des jeux comme « Rock Band » et, surtout, « Guitar Hero » menacent les guitaristes et la guitarosphère en général.

C’est que « Rock Band » et « Guitar Hero » sont de dignes représentants de la fade et grosse « machine corporative ». Car ce n’est parce qu’un jeu vidéo donne envie à certains de jouer d’une guitare en plastique que les effets réels du jeu sont « positifs »,  favorables à toute l’industrie de la musique et celle de la guitare…

D’aucuns affirmeront peut-être que le populaire « Guitar Hero » incite ou donne envie aux jeunes de se procurer une « vraie » guitare, mais nous en doutons bel et bien. Que ce soit la faute de la loi du moindre effort ou celle de l’esprit de consommation qui habite la plupart des occidentaux modernes, les jeux vidéos musicaux ne sont certainement source de motivation pour les jeunes et moins jeunes de débuter ou poursuivre l’apprentissage d’un instrument; au contraire, ils leur retirent leur aspect « noble », de par la simplicité et le travail peu intellectuel que ceux-ci nécessitent.

La plupart des adeptes de « Guitar Hero » aiment le jeu pour l’image que celui-ci permet de projeter, l’habit de « guitar god » ou de « légende du rock » que celui-ci permet à chacun de revêtir. « Guitar Hero » a pris la forme d’une campagne – faites de la musique, faites de l’argent, beaucoup d’argent…

Mais après tout, la dernière chose dont l’industrie de la musique a besoin est d’une foule de jeunes ados ne connaissant que trois accords et une chanson de Blink 182, et prêts à faire n’importe quoi pour « faire partie de l’industrie » et être une « légende du rock ».

Le « corporate musicianship » nuit à cette industrie, mais c’est tout à fait ce que représente « Guitar Hero ». Ce jeu n’est rien d’autre qu’une compilation de chansons plaisant à la « génération MTV », des chansons à interpréter de manière simplifiée à l’aide d’une fausse guitare en plastique – étant donné que les jeunes et moins jeunes ne veulent actuellement pas prendre le temps d’apprendre un vrai instrument; les jeunes sont trop occupés à regarder les émissions de téléréalité qui sont par ailleurs bien peu réelles…

Et pourquoi cela nous révolterait-il? Mais parce que cela nuit à la créativité, et parce que cela ne se base sur l’expression ou la représentation des goûts musicaux d’un individu; on a plutôt affaire à une tentative de marchander quelque chose d’intangible – la créativité, le sens artistique – au grand public. Et s’affairer à vendre au grand public ce qu’il est impossible de manufacturer n’est évidemment pas « bon pour l’industrie » de la musique : ce n’est pas bon pour les musiciens; c’est bon pour les cadres, et c’est à peu près tout…

C’est pourquoi, au lieu d’acheter « Guitar Hero », achetez donc une guitare moins coûteuse, ou une basse, ou un ensemble de percussions, et devenez un « vrai » musicien. Cela ne serait certainement pas une mauvaise chose; ce le devient seulement lorsque l’orgueil et l’argent s’infiltrent dans la démarche artistique…, et les jeux comme « Rock Band » et « Guitar Hero » n’y ont pas échappé.

De quelle guitare ce cher Han Solo de la célèbre saga futuriste Star Wars, aimerait-il jouer, d’après vous? Mais d’une guitare à l’image de son vaisseau le « Faucon Millenium », bien sûr! Eh bien, ce sera maintenant chose possible pour lui, car un jeune américain du nom de Travis Stevens a construit un instrument hors du commun, une « vraie » guitare électrique à l’image du vaisseau de Han Solo et de Chewbacca dans la série de films « Stars Wars » (« La Guerre des étoiles »).

La tâche a été plutôt simple pour Travis, car celui-ci construisait déjà des guitares avec son père alors qu’il était toujours élève au lycée. C’est cependant le défi de bâtir un instrument « unique en son genre » qui lui aura donné sa motivation initiale.

Fan inconditionnel des films de la série « Star Wars » (possédant une collection impressionnante d’objets-souvenirs associés aux films par-dessus le marché), il a décidé d’unir son amour de l’icône « sci-fi » à sa passion pour la guitare pour créer un instrument hors de l’ordinaire. Construire la guitare en forme de « Faucon Milllenium » ne lui a pris qu’un mois (en n’y travaillant que la fin de semaine), mais en entrevue, le bricoleur et « nerd » de « Stars Wars » a affirmé qu’il aurait pu le faire en moins d’une semaine, s’il avait dès le début disposé de tout ce dont il avait besoin et s’il n’avait eu que cela à l’horaire, évidemment…!

Sa création étant une guitare électrique, la présence d’un « body » en plastique (le jouet) n’affecte pas le son de l’instrument (ce n’est pas le cas pour les grattes acoustiques), toutefois Travis a dû solidifier le « Millenium Falcon » d’un bloc d’érable – afin d’éviter que celui-ci ne cède sous la tension des cordes (le plastique âgé n’aurait pu résister très longtemps).

Il explique :

« Un bloc d’érable fait toute la longueur du vaisseau-jouet. Il sert de point d’ancrage pour le chevalet, le manche, et les fixations de courroie (« strap pins ») de la guitare. Même si le jouet a été solidement fixé à cette structure à l’aide de colle puissante, sa fonction n’est purement qu’esthétique et symbolique. »

La créativité de Travis semble sans fin : la présence de lumières DEL bleues enjolive le dessous du vaisseau « Millenium Falcon », et le dessous du jouet a été délogé pour laisser place à l’électronique, dont l’éclairage DEL activé par interrupteur et fonctionnant par piles (on peut accéder à celles-ci par la structure du jouet). Travis a inséré les piles dans le vaisseau : un bloc-piles repose dans le compartiment à piles original du jouet, et un autre se trouve dans la porte de la rampe du vaisseau (celle-ci fonctionnait réellement).

En ce qui concerne les autres parties de la guitare, l’homme a utilisé un manche d’occasion qu’il a acheté en ligne, il a également construit le bloc ressortant de la pièce d’érable (par le dessus du vaisseau) dans lequel s’ancre le chevalet, et il fait tous les ajustements nécessaires. Pour la peinture (les designs du dessus de la barre de réglage et de la tête de la guitare), il s’est inspiré d’images tirées du film ainsi que d’idées personnelles…

Malgré son apparence futuriste, la guitare a au départ été conçue pour qu’il soit possible d’en jouer. Travis n’a installé qu’un seul micro – c’était au départ un « humbucker » nécessitant le même espace qu’un micro à simple bobinage. Il a installé un interrupteur pour séparer les « bobines » et fournir au guitariste plusieurs options au niveau du son.

Imaginez la réaction du public lorsqu’un guitariste décidera un jour d’amener cette guitare sur scène!! Vous la trouvez « cool »? Eh bien, attendez de voir le prochain projet de Travis : une basse « Seigneur des anneaux »!

Notez que ce n’était pas la première fois que Travis transposait son amour du classique cinématographique en création reflétant ses talents manuels : il a déjà construit un lit ayant aussi l’apparence du « Millenium Falcon »…!

Beau travail Travis!

Est-ce que vos compétences actuelles à la guitare vous satisfont? Pouvez-vous affirmer que vous avez atteint tous vos buts en musique? Est-ce que votre jeu à la guitare s’est constamment amélioré depuis que avez commencé à jouer de la guitare?

Avoir l’impression qu’atteindre ses buts en musique et en guitare semble impossible est tout à fait normal si vous ne jouez de la guitare que depuis peu de temps. L’important est de ne pas demeurer dans cet état d’esprit. Voici donc 10 astuces simples qui vous aideront à surpasser la frustration que vous pourriez éprouver actuellement par rapport à votre niveau en guitare.

Bonne lecture, et courage, vous êtes sur la bonne voie!

Astuce 1 : Reconnaissez le fait que vous avez progressé. Avant de chercher à améliorer quoi que ce soit dans votre jeu à la guitare, voyez le progrès que vous avez déjà fait. Vous devriez en être content et fier! Rappelez-vous lorsque vous effectuiez vous premiers exercices en guitare et n’arriviez à jouer que très peu de choses… À ce moment-là, vous auriez été bien heureux de posséder les aptitudes à la guitare que vous avez en ce moment. Voyez cette évolution, et soyez fier de ce que vous avez accompli jusqu’ici. Beaucoup de guitaristes sont plutôt dur envers eux-mêmes et leur jeu à la guitare alors qu’ils sont assez doués! Cela ne signifie pas non plus de se satisfaire de ce dont vous êtes capables actuellement, mais de reconnaitre votre talent actuel tandis que vous poursuivez votre évolution en guitare et en musique.

Astuce 2 : Soyez conscient de ce qui vous inspire et vous pousse à continuer d’évoluer comme guitariste. Il y a sûrement des choses, moments, événements, endroits ou personnes qui vous permettent de vous sentir bien comme musicien. Ces choses sont différentes pour chacun. Peut-être vous sentez-vous inspiré lorsque vous assistez à un concert. Ou peut-être obtenez-vous de la motivation en écoutant – ou en jouant avec – d’autres musiciens qui sont « meilleurs » que vous actuellement. Il est aussi possible que pratiquer de nouveau des morceaux que vous avez appris il y a 3, 6 ou 12 mois vous permette de constater tout le progrès que vous avez fait en guitare depuis. Être capable de réaliser (et avoir une preuve tangible de) son progrès comme guitariste est en effet source d’inspiration puissante pour certains. Et peu importe quelles sont ces choses qui vous donnent de la motivation, tout ce qui peut faire en sorte que vous ne vous axiez plus sur vos frustrations temporaires/du moment comme guitariste et vous amène à vous concentrer sur ce qui vous inspire et vous motive est ce qui devrait prendre le plus de place dans votre « vie musicale ».

Astuce 3 : Déterminez si vous êtes un guitariste, un musicien ou un artiste. La façon dont vous vous voyez et votre vision de ce que vous désirez devenir influencera grandement votre façon de penser en musique ainsi que la façon de voir votre progrès. Par exemple, si vous vous soyez surtout comme un guitariste, vous aborderez la pratique de votre instrument d’une manière particulière. La plupart de vos efforts pour vous améliorer s’axeront sur le jeu à la guitare. D’un autre point de vue, comme musicien, vos énergies seront utilisées pour effectuer un éventail d’activités plus large en plus de vos exercices de jeu à la guitare, par exemple développer vos compétences en musique (oreille musicale, solfège, etc.).

Enfin, pour l’artiste, l’expression de soi devient le plus souvent l’objectif le plus important recherché en musique, et tout ce que vous apprenez en musique et en guitare devient un outil pour exprimer l’art qui réside en vous (l’expression de soi devient alors le pinacle de tout ce que vous faites). Il est inutile de croire que l’un de ces 3 titres est meilleur que les autres, mais vous devriez déterminer où vous en êtes et si vous cherchez à parvenir à un autre titre (et si non, en quoi pourriez-vous améliorer votre situation actuelle en musique). Passer du titre de guitariste à celui de musicien ou d’artiste changera votre façon de penser et la manière que vous percevez votre progrès et la pratique de votre instrument en général.

Astuce 4 : Effectuez de petits changements, car ils peuvent avoir un effet important. Parfois de petits changements apportés à vos habitudes de pratique peuvent générer un grand changement dans les résultats reliés à votre jeu à la guitare. Par exemple, réorganisez votre routine de pratique de manière à effectuer les choses qui requièrent un max d’attention de votre part en premier, quand votre esprit est reposé. Si vous ne disposez que de peu de temps (ou si vous avez de la difficulté à maintenir une bonne concentration lors de longues pratiques), divisez votre temps de pratique en blocs plus faciles à gérer pour en améliorer l’efficacité. Vous verrez, ces courtes périodes de pratique s’accumuleront, et leur effet vous sera rapidement favorable. De plus, analysez votre environnement de travail. Si vous pratiquez présentement parmi beaucoup de sources de distraction (la télévision fonctionne, vous répondez toujours au téléphone quand il sonne, beaucoup de gens vont et viennent autour de vous, etc.), alors il vous faut les éliminer afin de pouvoir tirer le maximum de vos pratiques et constater davantage de progrès, ou de réelles améliorations dans votre jeu.

Par ailleurs, vous devriez enregistrer certaines des sections que vous pratiquez, c’est-à-dire celles dont l’amélioration peut être « mesurée » (vitesse de jeu de certains exercices et passages, par exemple). Il existe plusieurs façons de le faire, mais peu importe celle que vous choisirez, nous vous recommandons grandement de LE FAIRE!

Ces petits conseils et astuces peuvent réellement vous permettre de changer les choses pour vous comme guitariste, de contribuer à votre progrès en guitare.

Astuce 5 : De grands changements auront de grands effets. Bien que les petites idées dont nous venons de parler plus haut soient bel et bien efficaces, si vous faites des choses encore plus importantes, vous pouvez espérer tirer des résultats encore plus intéressants dans votre démarche de progrès en guitare. Par exemple, si, comme autodidacte, vous n’arrivez pas à progresser au-delà d’un certain niveau et que cela vous frustre énormément, alors il faudrait sûrement que vous vous tourniez vers l’apprentissage accompagné d’une bonne méthode de guitare en ligne, par exemple Guitare Domination, ou encore vers les cours privés afin qu’un professeur puisse vous éclairer et vous soutenir pour régler vos problèmes au niveau de la technique, etc. L’important est d’admettre l’existence d’un problème, puis de s’y attaquer par un geste concret. Il faut changer votre approche jusqu’à ce que vous parveniez à atteindre les résultats que vous désirez obtenir. Pour ce faire, il vous également identifier clairement la source de chacun des problèmes que vous avez en guitare, et cela dans le but de les résoudre de manière efficace et pour de bon.

Astuce 6 : Laissez le temps travailler en votre faveur. Beaucoup de guitaristes deviennent frustrés quand un progrès important ne découle pas de leur pratique en une période de temps courte. Le résultat : ils perçoivent le temps comme un ennemi. Toutefois, si vous progressez constamment avec le temps, même si ce n’est qu’un peu, et êtes suffisamment patient pour laisser le temps accumulé travailler en votre faveur, alors il devient en fait votre meilleur ami et plus grand avantage.

Apprendre un instrument, c’est un peu comme investir à taux d’intérêt composé : au début, l’investissement semble croitre très lentement, et l’on peut avoir l’impression de regarder de l’herbe pousser en observant la situation… Mais au fil des années, la croissance deviendra très grande et rapide, étant donné la puissance exponentielle de l’intérêt composé. Ainsi, si vous laissez le temps être de votre côté, vous vous sentirez beaucoup mieux et plus confiant par rapport à votre « futur musical ».

Astuce 7 : Déterminez votre objectif en guitare : voulez-vous distraire les gens, impressionner votre ou vous exprimer, par la musique? Chacun de nous possède sa raison de jouer et de créer de la musique. Mais peu importe quels sont vos buts, vous en viendrez ultimement à distraire des personnes, impressionner votre public ou exprimer quelque chose à celui-ci (ou une combinaison de ces 3 choses). La bonne nouvelle est que, indépendamment de votre niveau actuel en guitare, vous pouvez probablement déjà distraire les gens…; vous pouvez probablement impressionner certaines personnes…; et, évidemment, vous pouvez sûrement arriver à exprimer certaines de vos pensées et sentiments par ce que vous jouez à la guitare. Peut-être que vous n’arrivez pas encore à faire ces choses aussi bien que vous le voulez, mais même un guitariste ne possédant presque pas d’expérience peut effectuer ces choses à un certain degré! Donc, la prochaine fois que vous ressentirez une certaine frustration en ce qui concerne vos capacités actuelles en guitare, pensez à cela. Il faut cesser de vous sous-estimer, car vous possédez déjà une valeur comme guitariste!

Astuce 8 : Comparez et reproduisez le « feeling », pas la musique. Bien souvent, les guitaristes cherchent à imiter leurs idoles et deviennent frustrés de ne pouvoir les égaler. Un très bon moyen de remédier à ce problème est de vous axer sur l’imitation du « feeling » que vous retirez en écoutant la musique de quelque guitariste, au lieu d’acheter le même équipement et de chercher sans arrêt à reproduire les mêmes nuances dans son jeu. Car en imitant le « feeling », en évoquant les mêmes émotions que vous ressentez en écoutant la musique d’un guitariste en particulier, et en les reproduisant à votre manière, vous ressentirez une satisfaction beaucoup plus grande – vous vous sentirez davantage accompli musicalement.

Non seulement vous atteindrez le niveau de satisfaction musicale que vous cherchez à atteindre, mais vous développerez probablement votre propre style en cours de route…

Astuce 9 : Renversez la vapeur. La frustration peut vous aider ou vous nuire, selon la façon dont vous la gérez. Utilisez votre frustration comme force motrice positive et puissante; servez-vous en comme motivation. Il est inutile de chercher à éviter la frustration que vous pourriez ressentir comme guitariste, mais il est nécessaire de la transformer de manière à ce qu’elle joue en votre faveur, vous pousse à aller toujours plus loin en guitare.

Astuce 10 : Rappelez-vous que vous n’êtes pas seul! Tant des grands de la musique de ce monde ont traversé ce vous vivez en ce moment. À un moment de leur carrière, Beethoven, Bach, Van Halen, SRV, Jimmy Page et plusieurs autres ont tous ressenti la frustration que vous ressentez présentement.

En ce moment, vous possédez les compétences que vous possédez en guitare, et c’est bien ainsi. Par votre frustration qui deviendra motivation, vous vous pousserez en avant, et atteindrez vos buts à un moment donné. Et lorsque vous atteindrez ces objectifs reliés à votre jeu à la guitare ou à la musique, vous ressentirez probablement de nouveau une certaine frustration, car vous voudrez vous améliorer davantage, puis vous établirez de nouveaux objectifs. Et le cycle se poursuivra… Mais souvenez-vous de ceci : vous aussi vous améliorez et progressez constamment comme guitariste. On vous le rappelle : voilà ce qui compte vraiment!

Dès le moment où vous saurez jouer vos premiers morceaux blues à la guitare, vous devriez essayez de leur conférer une touche personnelle. Bien sûr, écouter différents artistes blues et apprendre de nouvelles techniques à la guitare utilisées par d’autres bluesmen peut grandement contribuer au développement de votre oreille musicale, toutefois il est important que vous trouviez votre propre place dans le blues.

Nous n’avons pas besoin d’un deuxième Slowhand, Ray Vaughan ou Waters… Tous ces guitaristes auront trouvé leur « voix » en guitare blues, et à un moment donné, vous devrez faire de même ! N’est-il pas vrai que l’on pourrait immédiatement reconnaitre le son à la guitare de Clapton ou de Hendrix, même si tous deux jouaient simultanément la même chanson? Si l’on prend par exemple la chanson « From The Cradle » interprétée par Eric Clapton, on réalise que ce dernier a très bien étudié la version originale; il a utilisé le même accordage, les mêmes tonalités et techniques, mais on peut toujours discerner le jeu typique de Clapton, la touche « Slowhand » dans ce morceau…

Alors, comment développer son propre style en guitare blues?

Il est possible de personnaliser son jeu à la guitare blues de plusieurs façons. Étudions par exemple celui des 3 « rois » du blues : B.B. King, Freddie King et Albert King (notez qu’aucun lien de parenté ne les unit!!). B.B. est connu pour son « Chicago-style », ses phrasés fluides, mélodiques combinant les gammes majeures et mineures. Il joue avec un « pick » et son unique vibrato du poignet (« hummingbird ») l’a rendu célèbre. Freddie King utilisait des «  thumb picks » et des « finger picks »; il jouait des blues très puissants – parfois même agressifs –  à saveur rock/Chicago blues/Texas blues. Albert King, quant à lui, utilisait son pouce et des « bends » extrêmes – son son à la guitare était dur et impliquait moins de notes.

Pour vous aider un peu, notez que vous pouvez modifier/varier les éléments suivants de votre jeu :

• Les notes/gammes utilisées. Si vous êtes fan de jazz, essayez donc de combiner des gammes « jazzy » à vos gammes blues; si vous aimez le « rock », ajoutez plus de « power chords » à votre jeu, etc.  Mettez-vous aux « double-stops », aux arpèges et aux « picking patterns », etc.

• Le jeu de votre main d’attaque. Essayez le jeu au médiator, le jeu avec les doigts et même les « finger picks »!

• Les techniques de jeu employées. Par exemple, la guitare « slide » vous plaira si vous ne visez pas à ou n’aimez pas jouer très vite. Sinon il y a les « bends », le « vibrato » – autant d’éléments à personnaliser dans votre jeu!

• Votre équipement. La ES-335 (« Lucille ») de B.B. King est  l’un des éléments qui nous permettent de pouvoir identifier si facilement son son à la guitare… Essayez la guitare acoustique, et la guitare électrique à micros « single coil » et à « humbuckers ».

Faites l’essai d’amplis à transistors et à lampes. Ne perdez donc pas votre temps à essayer de reproduire le son exact de tel ou tel bluesman lors de tel ou tel concert…

Demandez-vous plutôt : « Si je faisais partie du band de [x] ou [y], quel équipement aimerais-je utiliser? ».  C’est que deux guitaristes au son plutôt différent peuvent sonner très bien ensemble!

• Peut-être élaborerez-vous quelque chose de tout à fait nouveau? Les « bends », le vibrato du poignet et le « slide guitar » ne faisaient pas partie des « méthodes classiques » de jouer de la guitare, au départ. Mais un jour B.B. King a essayé d’imiter le son produit par les guitaristes « slide » sans utiliser de « bottleneck », et c’est de cette manière qu’il a « inventé » le « string bending » (oui, bon, il n’est pas le seul à avoir développé la technique, mais il l’a rendu populaire!)…

Pour conclure, gardez bien ceci en tête : vous devez vous sentir à l’aise dans tout ce que vous jouez, peut importe la technique ou l’équipement que vous utilisez! Votre public l’entendra!

Pour accéder à des centaines de leçons blues en ligne, visitez le http://blues.guitaredomination.com

Dans le monde des collectionneurs de médiators, certains mordus peuvent dépenser jusqu’à des centaines d’euros pour acquérir un seul médiator. Par exemple, comme souligné par le « Pick Collecting Quaterlerly », un maniaque des « picks » de guitare a dépensé 1063 $ US lors d’une enchère eBay pour un médiator Ace Frehley / Patore Music de Kiss (1974) noir sur fond blanc. N’importe quel collectionneur de médiators vous le confirmera, collectionner les « picks » de guitare peut devenir une obsession aussi enivrante que jouer de la guitare pour les musiciens éperdus de gratte…

Les médiators existent dans de multiples formes, styles et peuvent être faits de plusieurs types de matériaux, par exemple le plastique, le caoutchouc, le feutre, le verre, l’écaille et la pierre, et leur prix varie en conséquence. Bien que les « picks » de guitare existent depuis des siècles (les premiers étaient faits d’os, de coquillage, de bois, de métal, d’ambre et d’autres matériaux), on a commencé à les fabriquer en série pendant les années 20 seulement.

Un phénomène plutôt récent est la production de médiators personnalisés. Ce sont habituellement les groupes de musique qui font concevoir sur mesure des médiators affichant leur nom, mais plus récemment, des compagnies et entités telles que Microsoft, MTV, Verizon et Budweizer distribuent désormais leurs propres médiators. À l’heure actuelle il existe des milliers de « picks personnalisés » en circulation ainsi qu’un nombre important de collectionneurs avides qui sont au courant de tout ce qui bouge dans le milieu…

Vous étiez-vous déjà demandé ce que ces personnes qui restent après les concerts pour se trainer les pieds par terre en scrutant le sol pouvaient bien faire? Eh bien, ce sont possiblement des collectionneurs de médiators, de plectres (ou « picks ») qui vous laissaient perplexes… Faire collection de ces « picks » de guitare personnalisés est un type de hobby qui est encore relativement nouveau, quoique de plus en plus populaire.

Ce qui était au départ un hobby auquel seulement quelques zélés s’adonnaient en est aujourd’hui un dont la crédibilité est tout à fait confirmée; celle-ci s’est d’ailleurs édifiée rapidement, dès les années 80.

La production de « picks » personnalisés a débuté au début des années 70 avec des groupes rock tels que Van Halen. Les tous premiers médiators customisés étaient le plus souvent de couleur écaille de tortue à imprimé blanc ou encore blancs à imprimé noir. De plus, de nos jours, beaucoup de « picks » personnalisés sont imprimés par un procédé de tampographie, alors qu’au début on procédait à l’estampage. Peu de bands avaient des « picks » personnalisés, au début, et ceux-ci étaient peu colorés, ils étaient très sobres, un peu comme les passes pour accéder « backstage » de l’époque. Mais ces médiators peu éclatants sont toutefois les tous premiers à avoir été produits – les médiators personnalisés « les plus simples » sont donc les plus anciens… Au cours des années 70 la mode de posséder ce type de « picks » s’est rapidement répandue chez les « bands », et dès les années 80, on a commencé à produire des plectres plus colorés, à créer des logos personnalisés de groupes ainsi que des médiators « signés » et faits de matériaux variés.

Au début, aux États-Unis, il y avait très peu d’entreprises qui fabriquaient ces médiators personnalisés pour les groupes de musique, parmi ceux-là Jim Dunlop, D’Addario et D’Andrea. En fait, il a fallu plusieurs années avant que les compagnies soient convaincues que la « médiatophilie » se populariserait et deviendrait crédible. Pour cette raison, il n‘existe pas beaucoup de données et d’information disponible pour les collectionneurs de plectres et leur « valeur » est souvent bien relative, liée aux souvenirs et aux événements plus qu’aux « tendances du marché »… Le fait qu’un « band » soit en tournée influence et rajoute à la rareté et à la demande des « picks » personnalisés. Certains médiators de groupes importants sont assez difficiles à trouver, mais chaque collectionneur de plectres possède des articles préférés qui leur sont chers car ils ont appartenu à un membre de tel ou tel groupe et qu’ils l’ont acquiert à un concert gravé dans leur mémoire… Même les « picks » brisés ou modifiés par un guitariste peuvent porter une signification et avoir une valeur – même si elle n’est que sentimentale – aux yeux d’un collectionneur. Mais voilà la beauté de la chose, non?

Malheureusement, la collecte des « picks » est un domaine où l’histoire a été perdue abondamment. Pour les groupes nés dans les années 70 et 80, la plupart des guitaristes ne seraient pas en mesure de reconnaitre leurs propres plectres, car le choix de ceux-ci revient parfois aux techniciens à l’entretien (« guitar techs »), et lorsqu’un « tech » ne travaille aujourd’hui plus avec le groupe, alors l’histoire s’en est allée avec cette personne…

De petits bijoux de médiators?

Pour les curieux comme les collectionneurs, faites la découverte des médiators (que l’on peut porter!) Niglo. Création de Daniel Patin – guitariste possédant un handicap de la main droite qui l’empêche de bien se servir de la plupart des médiators (sauf du Niglo, son invention et « médiator idéal »…) – et du bijoutier François Allier, les Niglo, proposés en plusieurs modèles sont faits de bronze et il est possible de les porter autour du cou, puisqu’ils sont pré-percés et livrés avec une petite corde)!

Abordons ici le Niglo 2 et le Niglo 3, qui conviennent respectivement aux solistes et guitaristes rythmiques. Ergonomiques et pesant 9 grammes, les « Niglo » sont caractérisés par les gorges présentes sur leur face avant ainsi que leur face arrière. Ce qui distingue principalement les deux modèles de médiators? La forme de la pointe du médiator et l’angle d’attaque des cordes, éléments essentiels qui se ressentent sur le jeu, et qui font la spécificité du jeu du guitariste soliste ou rythmique (l’usage n’est toutefois pas exclusif…).

Ces médiators originaux et uniques permettent de gagner beaucoup en puissance dans l’attaque et de générer plus facilement les harmoniques qu’avec un « pick » en plastique… Ils permettent d’obtenir un son assez typé qui plaira à certains et moins à d’autres évidemment, étant donné l’« aura métallique » qui entoure les notes produites. Jouer avec un médiator Niglo, c’est tout à fait un autre monde, en terme de son à la guitare! Cet exemple de médiator « adapté » à l’homme est assez fascinant et pourrait faire le bonheur de certains d’entre vous…!

Ralph le collectionneur

Pour voir en ligne l’une des collections de médiators les plus impressionnantes et complètes à l’heure actuelle, visitez le site guitar-picks.com. L’homme derrière cette collection s’appelle Alan Ralph et semble bel et bien un expert en médiators et tout ce qui touche au sujet! La collection de Ralph a été créée en 20 ans, et celui-ci fait tout de manière authentique, donc pas question d’acheter sur eBay, d’acheter des tonnes de « picks » par quelque contact bien connecté ou encore de se procurer les collections d’autres personnes…, non, non! Le passionné se rend toujours à des concerts et échange avec d’autres collectionneurs les « picks » dont il possède plusieurs exemplaires. Inutile de dire que l’homme doit également être un mélomane!

Voici une autre  « bonne adresse » pour les collectionneurs de médiators (site en anglais) : http://pickcollecting.presspublisher.us/

Collectionnez-vous les médiators? Quels sont vos médiators chouchous?

Qui n’est pas demeuré bouche bée la première fois qu’il a entendu le eu électrisant de Satch? En plus d’avoir enseigné les rudiments de la guitare à de futures « rock gods » telles que Steve Vai, Kirk Hammett (Metallica), Larry Lalonde (Primus) et Alex Skolnick (Testament), Satriani a développé, au cours de sa carrière, un son tout à fait unique, exceptionnel. Pour souligner la sortie de son treizième album « Black Swans and Wormhole Wizards » à l’automne dernier, GD vous explique comme obtenir un son se rapprochant de celui du maître de la six cordes.

Pour être « équipé comme Satch »…

Guitares

Joe utilise les guitares de la série JS d’Ibanez, qui sont évidemment des modèles « signature » du musicien. Le guitariste possède et joue également de plusieurs autres guitares, dont la JS1000 et la JS1200, des guitares qui, selon la période de la carrière de Satch, auront été équipées des biens connus micros PAF Pro, FRED ou encore Mo’Joe ou Paf Joe de DiMarzio.

Les deux guitares favorites de Satriani…

La Ibanez JS1000 :

et la Ibanez JS1200 :

Dans les années 90, c’était une guitare au fini chrome, la « Chrome Boy », qui lui était le plus associée; c’est une guitare que l’on peut d’ailleurs observer sur le DVD « Live in San Francisco ».

D’autres guitares utilisées par Satriani :

- la JS700;
- la JS6/JS6000;
- la JS1 (le modèle original de JS);
- la JS2000;
- un modèle de JS à 7 cordes rouge, guitare que l’on peut voir en visionnant  le DVD « G3 Live in Tokyo » paru en 2005.

Pédales et Effets

Quelques-unes des pédales d’effets utilisées par Satch :

- la Vox wah;
- la Cry Baby wah de Dunlop;
- la RMC Wizard Wah;
- la Digitech Whammy;
- la BK Butler Tube Driver,
- les DS-1, CH-1, CE-2, DD-2 et DD-3 de BOSS (utilisées ensemble pour imiter les effets de « reverb »); ainsi que la BF-3 et la OC-2 de BOSS;
- le Barber Burn Drive Unit;
- la Deja Vibe et l’Ultimate Octave de Fulltone;
- l’Electro-Harmonix POG (« Polyphonic Octave Generator »).

Comme mentionné plus haut, Satch possède sa propre ligne de pédales d’effets « signature » développée avec la compagnie Vox (pédales servant à reproduire le « tone » typique de Satch, mais aussi une vaste gamme de sons « nouveaux » utiles aux guitaristes de tous les genres et niveaux), la première-née étant bien sûr la Satchurator, que vous connaissez probablement, qui a été suivie de la « Time Machine », une pédale de « delay ».

Amplis

Du côté des amplis, Satch a utilisé beaucoup de types d’amplis au fil des années. Il s’est servi des produits Marshall (dont le modèle bleu d’ampli 6100M) comme amplificateur principal jusqu’en 2001, et ses amplis signature Peavy JSX depuis. En studio, le guitariste a employé plusieurs autres amplis tels que  les Cornfordle Peavy 5150 et Mesa/Boogie Mark IIC+, entre autres. Récemment, il s’est tourné vers les amplis de marque Marshall de série JVM.

Peavy JSX signature

Un Satch aux sons… multiples!

Au fil des années, le musicien et technicien novateur a adopté plusieurs types de « tones » à la guitare et, par conséquent, a employé de multiples moyens pour y arriver, particulièrement au niveau de la distortion : pédales, lampes soumises à l’overdrive, distorsion au niveau du préampli, et même distorsion produite directement à la table de mixage et par des « plugins » audio (comme ce fut le cas pour l’enregistrement de l’album « Engines Of Creation »).

Alors, lorsqu’il s’agit d’aborder le son, le « tone » à-la Satch, il faut en fait bien vite en venir à déterminer quel son au juste, de tous ceux qu’il a utilisés, on désire reproduire…! Les paragraphes qui suivent vous donneront quelques pistes!

Parlons… micros

Bien qu’il n’existe pas qu’un seul « son Satriani », un excellent point de départ dans une quête pour acquérir le « tone » de dernier est le choix de certains micros en particulier. La plupart du temps, Satch utilise des Dimarzio FRED; une unité à « medium output » avec un « mid-range » prononcé. Il a également utilisé des Seymour Duncan Pearly Gates, ainsi que ses micros « humbuckers » signature (les Dimarzio Mo’Joe).

Si votre guitare n’est pas muni de ces types de micros, vous pourrez tout de même reproduire assez bien la signature tonale des FRED en vous servant d’une pédale égalisateur graphique (tel que l’Equalizer Boss GE7) ; celle-ci devra être le premier élément composant votre chaine de commande – après la guitare. Au niveau des réglages, vous devrez baisser le « treble » un peu, et augmenter les « mids » et les « high mids » légèrement aussi. Par la suite, vous devriez rapidement arriver à trouver un réglage grâce auquel les « notes seules » jouées sonneront presque comme des harmoniques.

Le layout de Satriani

image © Copyright - www.guitargeek.com

« Distorsiani »!

Ensuite, on doit bien sûr aborder la distorsion. Satch utilise le plus souvent sa propre pédale « signature »(la Satchurator), mais au cours de sa carrière il a également utilisé un grand nombre de modèles de pédales de distorsion ( tel que la Boss DS-1 Distortion) –  que ce soit dans un ampli à « clean » ou avec des sons de guitare déjà soumis à la distorsion, ou encore une combinaison des deux. Mais que vous obteniez votre distorsion par l’utilisation d’une pédale ou d’un ampli, choisissez un appareil avec suffisamment de « gain » afin de pouvoir « comprimer » doucement les notes en jouant – de cette manière, vous obtiendrez l’effet maximal en jouant des techniques en légato, par exemple le « hammer-on », les « pull-offs » et le « tapping ». Si davantage de « gain » vous est toujours nécessaire, ajustez le volume de la pédale égalisateur. Mais ayez la main légère! Car si vous l’élevez trop, des sons non désirés se feront entendre… Quelques décibels de plus seulement devraient vous permettre d’obtenir un son franc qui décoiffe suffisamment.

Satriani, « delay-eur »

Enfin, il vous faudra du « delay ». Encore une fois, le maître de la six cordes a utilisé plusieurs appareils différents jusqu’à ce jour (que ce soit des pédales ou des unités de « rack delay »). Procurez-vous une pédale possédant un interrupteur au pied « tap tempo », de manière à ce que les répétitions suivent le tempo de la chanson (cela vous sera utile en particulier pour les ballades).

Maintenant, à vous de « rocker » comme Satch!

À découvrir également : 5 plans extraits du dernier Joe Satriani : « Black Swans and Wormhole Wizards »

Josh Homme. Si vous n’avez jamais entendu ce nom, alors mettez donc de côté votre gratte, vos vidéos de Malmsteen et soyez bien attentif.

Joshua Michael Homme (ou plutôt Josh Homme tout simplement) est un guitariste et chanteur californien. Celui qui ne donne jamais une réponse directe quand on lui demande comment se prononce son nom est né le 17 mai 1973 à Joshua Tree, une ville près de Palm Springs dans le sud-est de la Californie. Il s’est tout d’abord fait connaitre parmi le groupe Kyuss, un groupe de « stoner rock » qui s’est formé en 1989 et séparé en 1995. C’était un groupe caractérisé par les guitares saturées de Josh et la voix rauque du chanteur John Garcia.

Bien que Kyuss ait surtout été populaire sur la scène « underground », le groupe aurait été l’un des groupes de « stoner rock/metal » les plus influents des années 90. C’est au sein de Kyuss que Josh et Nick Oliveri ont commencé travailler ensemble. Le « style Homme » utilisant des amplificateurs pour basses afin de maximiser le son tire son origine dans Kyuss, et des éléments de ses « licks » de guitare uniques peuvent être entendus dans des pièces comme « Freedom Run », « Green Machine » et « Gardenia ».

Après la séparation de Kyuss, Homme est devenu guitariste pour le groupe Screaming Trees. Cette collaboration a marqué le début de la relation entre Mark Lanegan et Homme. Lanegan a d’ailleurs participé à la création de chacun des albums de Queens of the Stone Age (QOTSA), sauf le premier, l’album éponyme paru en 1998.

C’est avec la formation de QOTSA qu’Homme a atteint le statut de « star du rock ». Queens, c’est « le propre band » de Josh; on peut également dire qu’il est « l’âme du groupe » en quelque sorte, car c’est le seul membre présent sur tous les albums du band.

C’est avec ce groupe qu’il est devenu chanteur principal d’un groupe et s’est mis à créer des rythmes plus complexes et à utiliser de nouveaux types de saturation tonale. Homme accumule les collaborations avec d’autres musiciens; il aime aussi l’exploration musicale. Il aime innover quand il crée de la musique et est constamment en train de fignoler de la musique avec les musiciens de talent qui l’entourent.

Polyval-Homme

Homme est un musicien polyvalent : en plus de jouer de la guitare électrique, il est aussi bassiste (on peut l’entendre jouer d’une basse Yamaha SA-70 à « semi-hollow body » sur les pièces « Long, Slow Goodbye » et « Burn the Witch ») et batteur (il a enregistré plusieurs albums avec Eagles of Death Metal, l’un de ses nombreux autres projets musicaux – parmi ceux-là on compte aussi Mastodon, Foo Fighters et Mondo Generator).

Qu’est-ce qui rend le son de Josh Homme unique? C’est son goût en matière d’équipement, un son saturé, et sa philosophie personnelle de la guitare en tant que telle. Il a rarement parlé de la façon dont il obtient son « tone », mais au cours de plusieurs entrevues, il a mentionné qu’il voyait la guitare comme un élément « percussif » ajoutant aspect vital au niveau de la texture, en musique. Homme est assez secret en ce qui a trait à l’équipement qu’il utilise. Il a cependant révélé qu’il n’achète pas de guitares portant la signature de fabricants de guitares communs, et qu’il préfère les importations peu coûteuses. Tout cela est partie intégrante de la « méthode Homme » pour arriver à créer un son bien à lui, sa propre façon de se détacher du peloton; chose qu’il accomplit très bien, selon nous.

Si l’on se penche sur son équipement, en 2008, Josh a déclaré qu’il possédait près de 35 guitares, parmi lesquelles 3 étaient « très bonnes ». Il a aussi affirmé préférer les guitares uniques, intrigantes aux guitares de marque populaires; des guitares qui ne sont pas toujours reconnues comme étant « de qualité », mais qui s’avèrent super au niveau du jeu. Homme aime les guitares « japonaises étranges » ainsi que les guitares « abimées », qui ont donc une histoire. Il possède 3 Ovation GP de 1984. Souvent, il accorde sa guitare en C standard. En ce qui concerne les micros, Josh utilise, entre autres, des Seymour Duncan SH-11, SHR-1b et SH-1. Habituellement, il ne donne pas de réponse directe lorsqu’on lui demande de parler de son équipement, changeant de sujet ou allant même jusqu’à mentir en entrevue au sujet du « gear » qu’il utilise…

Quelques-unes des guitares qu’il emploie au sein de QOTSA :

- la Marauder (Gibson);
- la Dot (Epiphone);
- la M503 (Maton);
- la M524 (Maton);
- la VXT (Ovation).

L’imparfait est beau

« J’aime que la musique sonne brute et naturelle, confiait-il récemment au journal en ligne « Stuff.co.nz ». Je dirais même que la perfection me dégoûte. J’aime les cicatrices, les dents manquantes, les histoires et les cache-œil, ce genre de truc. Je ne recherche pas la perfection, musicalement. Pour moi, cet univers existe pour l’imperfection, alors il faut la voir comme un luxe; c’est quelque chose qu’il faut aimer et embrasser ».

Musicien prolifique, il a été et est toujours actif au sein de plusieurs groupes, dont Kyuss, Queens of The Stone Age, Eagles of Death Metal, puis depuis plus récemment Them Crooked Vultures (TCV), un projet unissant Homme, le talentueux Dave Grohl à la batterie, le célèbre John Paul Jones de Led Zeppelin à la basse, et le guitariste polyvalent Alain Johannes (ancien bassiste de QOTSA) pour les concerts.

Homme est aussi celui qui produit et fait paraitre la série d’enregistrements connue sous le nom de « Desert Sessions », des compilations réunissant des « jams » avec d’autres musiciens. On le connait aussi sous le nom de Baby Duck, Carlo Von Sexron et plusieurs autres faux noms. En plus d’adorer s’éclater et de ne pas avoir peur de danser dans les « partys », il possède un bon sens de l’humour et répond toujours de manière bizarre mais honnête aux journalistes. Quelques-unes de ses bonnes citations : « Si quelqu’un vous demande quel heure il est, répondez-leur : Maintenant. – c’est le seul moment qui compte. » À propos de perdre sa virginité : « Eh bien, je l’ai perdue, puis je l’ai retrouvée; elle était derrière le divan avec ce bas qui manque tout le temps à l’appel. »

Second souffle

L’an passé, Homme est mort. Eh oui! Ce n’est pas une mauvaise blague, malgré les apparences. Aujourd’hui, Josh arrive à rire de cet épisode, une chirurgie qui a drôlement mal tourné (une opération au genou au cours de laquelle les médecins ont dû le réanimer!). « Ouais, je suis mort. Aux États-Unis, quand tu paies pour obtenir une chirurgie, l’électrocution est comprise. Je me suis blessé à la jambe, puis ç’a très mal tourné et j’ai été alité pendant 3 mois. », a-t-il raconté au quotidien Web de Nouvelle-Zélande « Stuff ».

Maintenant Josh est en forme, et tout semble bien aller pour lui : sa femme, Brody Dalle est enceinte du deuxième, et il est présentement en tournée avec QOTSA qui fera prochainement paraitre de nouveau une version remastérisée de son tout premier opus – l’album éponyme de 1998.

Josh Homme est un musicien brillant et accompli; il est impliqué dans plusieurs projets musicaux, mais donne son meilleur pour chacun d’eux. Il reprend toujours de ses influences et les façonne pour créer un son nouveau et actuel; il ne s’en tient pas à n’occuper qu’une seule catégorie, bien que son style soit aisément reconnaissable. Non seulement crée-t-il de la musique qui « rock » et agréable à jouer, il crée également de la musique remplissant la fonction la plus importante de la musique contemporaine : donner envie de danser et de battre la mesure de la tête.

En décembre dernier, le Los Angeles Times nous apprenait que l’un des rêves – un des plus extravagant, disons… – de la star du pop Prince s’était réalisé : Fender lui a fabriqué une Stratocaster entièrement plaquée or! L’artiste excentrique a présenté sa guitare au grand public au cours d’une série de concerts donnés dans les États de New York et du New Jersey à la fin de l’année 2010.

Et comment est-ce arrivé, demanderez-vous?

Eh bien, selon le LA Times, en 2010, Prince aurait confié à ses amis de Fender qu’il avait rêvé d’être en train de jouer d’une Strat « en or ». Et puisque pour la tenue des concerts « Welcome 2 America » – ses premières performances sur scène depuis 2004 – il désirait posséder un instrument « spécial », il a leur a demandé s’il était possible de fabriquer un tel instrument.

Les cadres de Fender ont ensuite fait appel à leurs designers de l’usine de Corona, en Californie, là où des luthiers se spécialisent dans la création d’instruments uniques pour superstars et musiciens amateurs désirant (et possédant les moyens de) se procurer une gratte personnalisée « hors du commun ».

Puis la tâche de créer une Stratocaster toute plaquée or a été donnée à Yuriy Shishkov, un luthier d’origine russe. Coïncidence : environ une semaine avant, lors d’une visite de la Custom Shop, les cadres de Fender s’étaient arrêtés au poste de travail de Shishkov et s’étaient informé du progrès du luthier en ce qui a trait à un procédé de placage aux feuilles d’or sur lequel il travaillait pour un autre client. « J’ai mentionné que je n’avais jamais construit une guitare qui serait recouverte entièrement de feuilles d’or. On m’a demandé pourquoi je ne l’avais jamais fait, et j’ai répondu que jamais personne n’en avait commandé une! » Une semaine plus tard, le directeur de marketing du divertissement de Fender, Del Breckenfeld, venait le voir pour lui dire : « Je crois que l’on a trouvé un client pour ta première guitare plaquée or ».

« Les feuilles d’or sont si minces que le placage ne modifie pas le « tone » de l’instrument, a affirmé Shishkov. Elles sont plus minces que n’importe quel autre fini que l’on peut appliquer sur une guitare; même la laque est plus épaisse que la feuille d’or. » Le défi? Appliquer de la feuille d’or à la main sur le manche en bois, les frettes, la touche , le « body », le couvercle des micros, les mécaniques et les autres parties de l’instrument – Shishkov a expliqué que la technique fonctionnant bien consiste à tourner et tordre sa main en travaillant, de manière à ajouter chaque section de feuille d’or au bon endroit alors que l’adhésif servant à la fixer à la surface de l’instrument est toujours humide, le tout en tâchant de ne pas engommer ses mains…

« Le mouvement rotatif que l’on peut faire avec son bras est assez limité. Le résultat final est intéressant. », a dit Shishkov, qui a débuté sa carrière en construisant ses propres guitares dans un atelier souterrain de l’Union soviétique, où cette guitare n’aurait pu voir le jour : on y désapprouvait que les habitants conçoivent des produits non approuvés et fabriqués par le gouvernement. « Maintenant je peux donner vie à ma guitare de rêve. »

La Strat en or de Prince sera bientôt mise aux enchères et les profits iront au Harlem Children’s Zone, un organisme venant en aide à plus de 17 000 enfants actuellement.

Photos : la Stratocaster plaquée or fabriquée spécialement pour Prince à la Custom Shop de Fender à Corona.

Crédits : Fender Musical Instruments Corp. et le Los Angeles Times.

Cela ne fait aucun doute, l’achat d’une guitare vintage en bonne condition est le plus souvent synonyme d’investissement judicieux. Par exemple, selon le modèle, certaines guitares Les Paul peuvent actuellement se vendre à un prix surpassant les 190 500 euros – tandis que des Telecaster peuvent être vendues jusqu’à 76 200 euros dans le marché actuel. En fait, de façon générale, certaines des guitares vintage des années 60 les plus populaires peuvent valoir jusqu’à 15 250 euros présentement… Mais quand on y réfléchit, pour nos parents ou amis faisant partie de la génération des « baby-boomers », un instrument comme la guitare représente cette époque de leur jeunesse où les économies issues de quelques mois de salaire permettaient de se procurer des années de plaisir sous la forme d’une guitare amusante. Et aujourd’hui, des décennies plus tard, des grattes ayant appartenu à des légendes de la chanson et de la guitare, des icônes tels qu’Eric Clapton et George Harrison, peuvent être vendues en enchères à des prix frôlant respectivement le million de dollars US et 600 000 $ US.

Comment une telle recrudescence est-elle possible – et qu’est-ce qui caractérise les guitares vintages dites de collection?

Les guitares vintage au XXIe siècle : instruments adulés, suivis, surveillés

Instruments fétiches, les guitares vintage, des objets de collection – certaines ayant été l’instrument de prédilection de guitaristes légendaires –, ne sont plus, à l’heure actuelle, des items à valeur stable. En effet, ces dernières années, avec le passage au XXIe siècle, leur valeur a en effet entamé une croissance fulgurante. Par exemple, comme l’indiquent les auteurs du « Guitar Price Guide » du « Vintage Guitar Magazine », le prix demandé des 100 guitares vintage les plus recherchées a augmenté de 24 % entre 2007 et 2009.

Bien que les objets de collection avec du « celebrity cachet » aient toujours été des objets recherchés sur le marché aux enchères, la vente de « Blackie » et celle d’une guitare du feu « quiet Beatle » auront amené, depuis 2004, les acteurs du secteur à surveiller davantage la valeur des instruments à frettes dits vintage. C’est que, dans le marché aux enchères, les guitares n’avaient pas retenu énormément l’attention de ceux-ci depuis très longtemps, mais qu’un intérêt accru pour celles-ci a été observé depuis les années 80, selon Kerry K., le directeur de service de Christie’s (une importante maison de ventes aux enchères) de New York. Les spécialistes de l’industrie se sont entendus pour dire que la raison principale pour laquelle les guitares vintage étaient maintenant si recherchées est que l’instrument à cordes a été « mis au point » vers la moitié du XXe siècle; aucune amélioration significative au niveau du son ou du design de la guitare sont à venir.

Selon Kerry, les « belles années » de la fabrication de guitares en Amérique auraient été les années 30 et 40, puis les années 50 et 60 pour la guitare électrique : aucun avancement majeur n’aurait eu lieu dans le domaine de la lutherie depuis, et aucun ne serait à prévoir non plus. Et tout comme les musiciens demandent à cor et à cri les violoncelles italiens issus des XVIIe et XVIIIe siècles, on croit que, dans une centaine d’années, les guitares américaines de la moitié du XXe siècle seront autant recherchées.

Les guitares vintage – l’amour qui dure; la valeur qui croît

Les musiciens sérieux et les amoureux de la guitare, ainsi que ces « boomers » qui tendent à chantonner et jouer de l’« air guitar » quand on ne les observe pas, savent bien que le « charme » d’une guitare ne fait que grandir avec le temps. Et cela se traduit chez les collectionneurs une bonne stratégie d’investissement. En 2005, Stan J., un professionnel de la firme américaine Mandolin Brothers Ltd. affirmait : « Nous n’avons jamais vu les prix croître aussi rapidement que ces trois ou quatre dernières années;  chaque mois, nous nous étonnons en apprenant qu’un instrument est mis en vente à un prix dépassant nos prévisions…  Par exemple, une Stratocaster Sunburst de 1959 de Fender avec une touche « slab » coûtait à l’origine autour de 190 euros, mais dès 1997, elle avait une valeur entre 6 100 euros et 6 850 euros. Et maintenant, il faudrait débourser près de 12 955 euros pour le même instrument! »

Impressionnant, n’est-ce pas?

Ces dernières années, les collectionneurs de guitares auraient aussi été avantagés par l’imprévisibilité du marché boursier : lorsque la valeur d’un portefeuille demeure stable durant une longue période, tout investissement, conventionnel ou non, peut devenir intéressant, en ce sens qu’il peut fluctuer à la hausse à un moment donné. Ainsi, plusieurs se sont plongés dans l’achat de guitares vintage alors que le marché prenait un dur coup, croyant qu’investir dans un secteur aussi spécialisé les mettrait à l’abri de fluctuations importantes et leur conférerait une stratégie moins risquée. Et selon la plupart, en particulier les collectionneurs au portfolio imposant et varié – au portefeuille équilibré, donc – cette hypothèse a subi le test du temps avec succès.

L’art de l’acquisition vintage

Alors, qu’elle serait la définition de « guitare vintage »? Qu’est-ce qui rend ces guitares si uniques?

Les guitares vintage de collection sont des instruments de plus de 25 ans qui ont une place toute spéciale dans le cœur et la tête des guitarophiles… Quelles soient acoustiques, électriques, à corps vide ou plein, c’est davantage leur popularité auprès des musiciens célèbres du passé et actuels qui dicte leur attrait. En d’autres mots, si Jimmy Page, Eric Clapton ou même Steve Vai jouent d’un type de guitare en particulier, alors les collectionneurs désirent posséder cet instrument aussi… Un autre facteur influençant le statut d’une guitare est sa marque, par exemple Di Giorgio, Gibson, Fender, etc. Certains collectionneurs ne recherchent que des guitares de certaines marques en particulier. En outre, la valeur des instruments vintage augmente selon leur rareté. Le travail au niveau de la fabrication et la qualité du son de la guitare sont d’autres facteurs qui déterminent la valeur des grattes vintage – dont leur valeur « sentimentale » chez le public, et leur valeur réelle. Pour les connaisseurs, la condition ainsi que l’apparence (le design, le fini et la couleur) de plusieurs guitares vintage en font de véritables œuvres d’art à chérir et préserver. Mais sans leur attrait subjectif, sans cet aspect « romantique », ces instruments ne seraient que des vieux instruments ayant peu de valeur dans le marché de revente.

Selon le spécialiste américain Jay S., le terme « vintage » implique qu’un instrument soit « d’une bonne période, issu d’une période durant laquelle des matériaux et des techniques employés pour sa fabrication n’ont plus été utilisés après ce temps, ou une guitare dont la production date d’une période précédant un changement majeur au sein d’un fabricant. » Par exemple, lorsque Leo Fender, l’inventeur de la guitare électrique moderne, a vendu Fender Musical Instruments à CBS en 1963, son départ de la compagnie aurait, selon certains, sonné le glas de son entreprise. Aujourd’hui, les guitares Telecaster et Stratocaster de Fender fabriquées avant l’acquisition de l’entreprise par Columbia Broadcasting System demeurent grandement recherchées, et le prix demandé pour ces instruments est dans les cinq chiffres… Un changement semblable a eu lieu chez C.F. Martin & Co., une entreprise de Pennsylvanie – et le fabricant de la D-28, probablement la guitare acoustique la plus populaire de tous les temps. Depuis 1969, l’entreprise ne peut utiliser le bois de rose brésilien comme « bois standard » pour la fabrication de ses guitares, et bien que la production de l’entreprise ait augmenté considérablement pendant les années 70, plusieurs collectionneurs de guitares voient les Martin de cette époque de transition comme étant de qualité plus ou moins inférieure.

Il est intéressant de voir que ce sont les guitares électriques qui détiennent la plupart du marché des guitares vintage, mais cela sans toutefois empêcher la guitare acoustique d’occuper une importante part du marché également. La lutte restera à surveiller dans les prochaines années; nous verrons bien quel type de guitare sera en pole position en termes de « part du marché »…

La « guitare vintage » en bref

Gibson, Fender, Guild, Gretsch et Martin sont connues comme étant les entreprises et marques sortant le plus du lot aux États-Unis, et les collectionneurs s’entendent pour dire que, pour chacune d’entre elles, les guitares produites furent de qualité supérieure à un moment donné dans l’histoire. Mais comme mentionné plus haut, la marque n’est pas le seul facteur servant à déterminer la valeur d’une guitare. Rappelons que les autres sont : la provenance ou la chaîne de propriétaires, la rareté et la condition. À ces facteurs ajoutons la « mode ».

La Gibson Les Paul

Par exemple, les amateurs de guitares électriques verraient une Les Paul Standard de Gibson de la fin des années 50 comme le Saint-Graal. À l’origine, la guitare se vendait environ 200 euros, mais son prix a par la suite grandement varié, allant de 26 650 euros à 45 700 euros, et plus tard 190 400 euros. Sa rareté se traduit en « désirabilité » – seulement 1500 Les Paul Standard ont été fabriquées au cours des années 50 (de 1958 à 1960 plus précisément). Ce modèle comporte également le dernier avancé technologique important : deux rangées de micros « humbucking ». Et, évidemment, il y a le « look » de la guitare venant rajouter à son attrait. Le dessus en érable et le magnifique fini « cherry sunburst » fait de la Les Paul une guitare typiquement « cool ».

Le cas D’Angelico

La rareté est aussi le facteur dictant la demande pour les guitares D’Angelico. John D’Angelico était un luthier d’origine italienne établi dans la « Big Apple ». Celui-ci  y a fabriqué 1164 guitares entre 1932 et 1964. Considérées comme le « nec plus ultra » des guitares « archtop », ses guitares peuvent aujourd’hui se vendre, aux enchères, à un prix aussi imposant que 60 000 euros.

Au bric-à-brac, les brico-grattes?

Ce que les collectionneurs évitent, ce sont les guitares aux parties non-originales, même si elles sont vintage. Mais les guitaristes et « rockeurs » ayant l’habitude de modifier leurs instruments afin d’obtenir certains effets sonores, collectionneurs néophytes, prenez donc garde.

« Le plus important, c’est de faire confiance au vendeur », a fait remarquer Vincent J., propriétaire d’un commerce de vente de guitares à Paris. Il est aussi bon de savoir que certains commerces proposent des évaluations rédigées sur place afin de vérifier minutieusement l’intégrité d’un instrument et de soulever toute réparation qui devrait être effectuée; c’est une étape à ne pas négliger dans certains cas.

Dear prudence

Selon le premier dirigeant et président de Gibson, Henry J., les nouveaux collectionneurs devraient être prudents et rechercher les instruments de qualité « high-profile », par exemple les Gibson ES-335 ou une Martin D-28 des années 30, bien connues dans le marché et facilement identifiables. Mais ceux-ci doivent également se méfier des guitares de contrefaçons, car il y en a sur le marché. L’homme s’est expliqué sur le sujet : « Parce que les instruments n’ont pas été traités comme de l’art en tant que tel, il n’y a aucune infrastructure qui maintient et assure l’intégrité d’un instrument dans le secteur. La meilleure façon d’en vérifier l’authenticité, dit-il, c’est de connaitre l’identité des propriétaires ou responsables précédents. »

Les guitares vintage au nom d’or

Bien sûr, à toute règle il y a une exception, par exemple « Blackie », la guitare d’Eric Clapton, que ce dernier a personnalisé sans toutefois influencer la valeur de l’instrument célèbre. C’est ici que le désir « d’imiter » une idole entre en ligne de compte. Bon nombre de collectionneurs ont acheté chacune des guitares composant (ou ayant fait partie de) leur collection parce qu’un artiste qu’ils admirent en ont joué… Il en est de même pour les grands de la guitare : Eric Clapton aurait acheté sa première Les Paul après avoir vu la légende du blues Freddie King interpréter un de ses succès avec une « gold-top »…

Contrairement aux vases de céramique chinoise par exemple, les guitares vintage sont de ces objets de collection avec lesquels ont peut s’amuser sans craindre de les endommager ou d’influencer leur valeur. En fait, les guitares sonnent de mieux en mieux avec le temps, au fur et à mesure que le bois vieillit. Mais il y a un « mais » important – tous les collectionneurs vous le diront : le plus difficile, lorsque l’on investit dans une guitare vintage, c’est de savoir dès le départ que, pour que celle-ci rapporte, il vous faudra un jour laisser partir cet instrument pour lequel on développera un amour profond…

Et revendre une de ses guitares est plus facile à dire qu’à faire. Certains collectionneurs se défont d’objets de plus grande valeur que leurs guitares bien-aimées avant de vendre ces dernières. Après tout, qui peut jouer d’un tableau ou d’une gravure?

Savoir jouer les collectionneurs

De l’information dédiée aux collectionneurs de guitares néophytes se trouve sur les sites suivants :

- www.vintageguitar.com;
- http://www.guitarecollection.com;
- http://guitare-vintage.forumactif.com/;
- www.mandolinbrothers.com;
- www.umanovguitars.com;
- www.fender.com;
- www.gibson.com.

Votre enfant désire se mettre à la guitare? Vous qui êtes peut-être aussi musicien ne pourriez vous y opposer… À Guitare Domination, nous sommes de l’avis que, pour votre enfant, se familiariser avec un instrument comme la guitare à un jeune âge ne peut que contribuer à son épanouissement artistique ainsi qu’à l’émancipation de sa créativité.

Alors, ce Noël, au lieu de lui offrir la plus récente version du jeu « Guitar Hero », pourquoi ne pas l’encourager à apprendre à jouer de l’un des instruments les plus populaires au monde, la guitare?

Mais comment choisir la bonne guitare pour son enfant – quelle gratte acheter pour que les débuts de son jeune en guitare soient agréables, et une réussite; une expérience enrichissante et non pas une période pénible, brève, une phase sans lendemain?

Tant de parents semblent trouver ardue la décision et la tâche de choisir une guitare pour leur enfant, et c’est pourquoi GD a créé ce guide visant à vous fournir tous les renseignements dont vous avez besoin pour bien choisir la future guitare de votre enfant. Facteurs généraux, types de guitares, recommandations – tout s’y trouve! Vous pourrez désormais faire aisément un choix judicieux et éclairé en ce concerne l’avenir « guitaristique » de votre enfant – un achat selon le niveau actuel de votre enfant (débutant), son âge, sa taille et ses habilités, donc!

Facteur 1 – Le type de guitare

Mon enfant devrait-il jouer de la guitare acoustique, classique ou électrique?

La plupart d’entre nous musiciens nous rappelons l’âge exact auquel nous avons commencé à jouer ainsi que notre première guitare. Puisque la 1re guitare de votre enfant est un instrument dont il se souviendra toute sa vie, il est important que vous sachiez bien choisir!

Mais il ne faut pas croire dès le départ qu’un type de guitare sera « mieux » que l’autre; les guitares acoustiques comme les guitares électriques possèdent des avantages et des désavantages.

Vous comme votre enfant pouvez apprendre à jouer de la guitare avec n’importe quel type de gratte. Si vous pouvez jouer d’une électrique, vous arriverez à jouer d’une acoustique. Si vous jouez d’une gratte à cordes de métal, alors vous serez capable de jouer de la guitare classique à cordes de nylon. Et si vous savez jouer de la guitare, vous pourriez même jouer, sans avoir trop de difficulté, de la basse. Si vous jouez un de ces instruments, vous pouvez tout simplement jouer des autres assez facilement – il en est de même pour votre enfant.

Alors, quel type de guitare choisir pour mon enfant?

Les professeurs de musique et de guitare recommandent habituellement que les enfants débutent par l’apprentissage de la guitare classique à cordes de nylon. La touche des guitares dites classiques étant plus large, il est alors plus facile de fretter les notes de façon précise. De plus, le « body » d’une classique sera généralement moins long, et plus « ergonomique » pour un jeune enfant. Enfin, les cordes de nylon sont moins dures pour les doigts que les cordes de métal des guitares acoustiques ou électriques. Bien sûr, cela ne sera plus un facteur à considérer quelques mois après le début des leçons, car votre enfant aura développé du durillon sur le bout de ses doigts.

D’un autre côté, si votre enfant semble porter le feu « hard rock » en lui et rêve de se produire devant les foules endiablés, alors recevoir une guitare classique pourrait le décevoir; d’ailleurs il pourrait ne jamais apprendre à jouer de l’instrument si celui-ci ne lui plait pas réellement (catastrophe!)… En fait, le facteur principal qui déterminera la réussite de votre enfant en guitare (et permettra d’éviter qu’il n’abandonne après 1 an) est sa passion, son intérêt pour la musique. De ce fait, obliger son enfant à apprendre tel ou tel style de guitare en premier est inutile; le choix de l’instrument comme du type d’instrument doit venir de lui ou d’elle, car après tout, la musique deviendra l’une de ses voies d’expression personnelles; on ne parle pas de vous ici!

Par ailleurs, cette étape du processus peut s’avérer assez simple si votre enfant est indécis ou s’il ne connait pas beaucoup les guitares : vous pourriez lui montrer des photos, puis lui faire entendre le « son » des deux types de guitares (ou encore vous lui faites une démonstration avec vos guitares, si vous possédez chacun des types d’instruments!). Pour les plus vieux, vous pourrez également vous baser sur le type de musique que celui-ci écoute et préfère.

Une guitare électrique, c’est bruyant, non?!

Nombreux sont les parents qui ne sont pas chauds à l’idée d’endurer leur fils ou leur fille jouer de la guitare électrique toute la soirée. Cela se comprend. Des sons affreusement déplaisants peuvent être produits par l’instrument de votre apprenti « guitar hero »… Et ces notes terribles, on ne peut toujours y échapper.

Mais souvenez-vous de ceci : une guitare acoustique n’a pas de bouton de contrôle du volume non plus. On ne peut JAMAIS la mettre en position « arrêt ». On peut en jouer très fort, et si quelqu’un en joue dans votre maison, vous l’entendrez assurément. Cela n’est pas un problème en soi, mais il faut y réfléchir! Inversement, une guitare électrique possède des réglages de volume, et, encore plus important, l’amplificateur possède une fiche où brancher des écouteurs. En optant pour la guitare électrique et l’ampli, votre enfant pourra donc satisfaire son cœur de « rock star » longtemps après le coucher du soleil s’il le veut, et vous n’entendrez rien! Les écouteurs sont bel et bien un achat judicieux et le salut de tous les parents de jeunes guitaristes électriques…

Facteur 2 – La taille de la guitare

Comment savoir quelle taille de guitare conviendra à mon enfant?

L’un des aspects les plus importants à considérer lors de l’achat d’une guitare pour un enfant est bien évidemment la taille de l’instrument. Il faudra en fait vous assurer que votre jeune puisse vous accompagner au magasin de musique pour essayer chacune des guitares qui l’intéressent. Après tout, faire en sorte d’acheter une guitare de bonne « taille », c’est un peu comme essayer un manteau d’hiver!

Se procurer une guitare acoustique de taille inférieure à une ¾ de taille est difficile; de plus la différence au niveau du prix est minime. En règle générale, les guitares électriques et acoustiques de taille ¾ conviennent aux enfants de 6 à 11 ans, et les acoustiques et électriques ½ sont pour les enfants de moins de 6 ans.

Pour faire un achat avantageux, vous pourriez acheter une guitare 7/8 faite pour les enfants de 10 ans, car le vôtre pourra, même s’il est en pleine croissance, continuer de jouer avec le même instrument.

Comment choisir la bonne taille de guitare pour votre enfant

Choisir un instrument convenant parfaitement à votre enfant est le point de départ essentiel à sa réussite en guitare. Commencer l’apprentissage de la guitare avec un instrument trop « grand » ou « trop petit » pourrait avoir pour conséquences des heures et des heures de frustration pour votre enfant, un progrès lent, et même l’acquisition d’une technique pauvre, déficiente. Étant donné que la guitare est un instrument plutôt facile à apprendre, il n’y a aucune raison pour que cela ce produise en ce qui concerne votre futur Jimi Hendrix ou Paco de Lucia, du moins s’il pratique avec l’instrument approprié.

Guitares pour enfants – tableau des tailles

ÂGE ————————– TAILLE DU GUITARISTE —— TAILLE DE GUITARE RECOMMANDÉE
4 à 6 ans                                       99 cm à 114 cm                                          ¼ de taille rég.
5 à 8 ans                                       117 cm à 135 cm                                       ½ de taille rég.
8 à 11 ans                                     137 cm à 150 cm                                       ¾ de taille rég.
11 ans à adulte                           152 cm                                                           Taille régulière

Mais ce n’est pas que la longueur totale d’une guitare qui vous permettra de déterminer si celle-ci convient à votre enfant. Vous devez également connaitre la longueur de touche (« scale length » en anglais). Pour ce faire, il vous faut mesurer à partir du chevalet jusqu’au sillet de la guitare.

Comme vous le voyez, la longueur de touche mesure la partie des cordes qui vibrent en jouant. C’est le seul moyen de comparer les tailles de guitares. Car une guitare classique de 97 centimètres et une guitare à cordes de métal de 104 centimètres peuvent avoir exactement la même longueur de touche, et toutes deux pourraient être des guitares « de taille régulière ». Ainsi, la seule façon de s’assurer de leur taille est de mesurer la « longueur de touche ».

Tableau des longueurs de touche – guide (les longueurs peuvent varier légèrement)

Taille régulière : 64 cm ou 66 cm
¾ de taille : 58 cm
1/2 taille : 53 cm
1/4 de taille : 48 cm

Tableau des tailles selon le type de guitare (tailles communes générales)

Classiques              Acoustiques               Électriques                         Basses
Taille rég. 97 cm à 102 cm      102 cm à 107 cm          97 cm à 102 cm         109 cm à 117 cm
¾ de taille 91 cm                           97 cm                                86 cm à 91 cm            107 cm
½ taille 84 cm                                91 cm                                 84 cm                             99 cm
¼ de taille 79 cm                          81 cm                                 79 cm                             91 cm

La taille totale des guitares peut varier grandement selon le modèle. Les vendeurs bien informés vous fourniront les renseignements concernant la taille des instruments vendus (taille régulière, ¾, etc.) et la plupart devraient également être en mesure de vous renseigner en ce qui a trait la « taille de touche » de chacun d’eux.

Autres facteurs à considérer

Si votre enfant se situe entre, par exemple, une ¾ et une guitare de taille régulière, en termes d’âge ou de taille, alors vous devriez opter pour guitare de taille supérieure, ici la gratte de taille régulière. Car après tout, pourquoi achèteriez-vous une guitare plus petite si de toute façon vous devrez en acheter une plus grande dans quelques mois, ou même quelques semaines. Un enfant qui a de longs bras devrait aussi jouer d’une guitare de taille supérieure à la taille recommandée.

En outre, bien qu’un enfant de moins de 10 ans puisse apprendre à jouer d’un instrument légèrement trop grand pour lui, nous vous recommandons d’acheter un instrument qui lui convient réellement – il peut être difficile pour un enfant d’adopter une bonne posture et un positionnement des mains correct sur une guitare qui est trop grande – et ces mauvaises habitudes pourraient demeurer avec votre enfant même à plus long terme, et cela malgré lui.

Largeur du manche

Note : Prendre connaissance de la section qui suit n’est pas essentiel pour effectuer un bon achat, en ce qui concerne la première guitare de votre enfant (guitare débutant). Vous voudrez en faire la lecture et la considérer que si vous cherchez à trouver « la guitare parfaite » pour votre enfant, sinon elle pourrait brouiller les cartes pour vous.

Un autre facteur à prendre en considération est la largeur du manche au niveau du sillet de l’instrument. Connaitre cette mesure vous permettra de comparer la largeur des touches de différentes guitares. C’est qu’une touche plus large rend le doigté à la guitare plus facile – les 6 cordes sont assez éloignées les unes des autres –; d’un autre côté, il est plus difficile pour de petites mains de faire le tour du manche.

Le profil du manche

Le « profil » du manche est la forme du dos du manche – la côté de celui-ci qui est face à vous quand vous jouez. Cela vous donnera une idée de l’épaisseur du manche. Pour les petites mains, l’on préfère habituellement se procurer une guitare au manche ayant une forme en « C », et l’on évite les formes de manche en « U » ou en « V ». Cependant, sachez que les manches des guitares de taille ¼, ½ et ¾ sont tous de taille et de forme conçues en fonction du type de guitariste visé. Donc, la largeur, la forme et le rayon du manche sont généralement des facteurs à considérer que pour l’achat d’une guitare « pour adulte »; soit lorsqu’un guitariste sait quel type de manche lui est le plus confortable. De plus, notez bien que les guitares classiques auront inévitablement un manche plus large que les guitares acoustiques à cordes de métal. Par ailleurs, les professeurs de musique encouragent bien souvent leurs jeunes élèves à débuter par l’apprentissage de la guitare classique plutôt que par celui de la guitare électrique ou acoustique.

Facteur 3 -  Le « style » de la guitare

L’apparence d’une guitare peut-elle influencer l’apprentissage de mon enfant?

Ce dont nous parlons ici, c’est du « look », de l’apparence générale de l’instrument. Bien que l’apparence d’une guitare n’ait peut-être aucune influence sur votre envie d’en jouer, cela ne sera possiblement pas le cas chez votre enfant. En effet, si votre futur apprenti guitariste n’aime pas le « look » de sa guitare, avec le temps il pourrait se désintéresser de celle-ci… et, bien évidemment, devenir de moins en moins motivé par la poursuite de l’apprentissage de son instrument. Le défi consiste alors pour vous à dénicher une gratte qui s’avère un compromis entre une guitare qui lui semble « cool » et un instrument correspondant à votre budget tout en étant de bonne taille pour votre enfant.

Facteur 4 – Le prix de la guitare

Combien devrai-je dépenser pour l’achat d’une bonne guitare pour enfant?

À l’heure actuelle sont disponibles sur le marché d’excellentes guitares à bon prix. En fait, la qualité d’instrument qu’il est possible de se procurer avec 150 euros à 225 euros n’est pas comparable à ce que la même somme permettait d’obtenir il y a 20 ans… En effet, actuellement, de très bonnes guitares sont vendues à ce prix.

Par ailleurs, lorsqu’il s’agit d’acheter la première guitare de son enfant, nous vous recommandons de ne pas dépenser plus de 225 euros pour l’instrument : après tout, votre jeune pourrait en bout de compte décider de passer à un autre instrument… ou découvrir que la musique n’est pas une voie qui l’appelle du tout. Et si cela devait arriver, eh bien, vous ne seriez alors pas à sec, ruiné par l’achat de la guitare haut de gamme de fiston!

Les guitares pour enfant, peu importe le type, coûtent à peu près la même chose. Bien sûr, les prix varieront selon la qualité, la marque, etc., mais en général, les guitares électriques ne coûteront pas plus cher ou moins cher qu’une guitare acoustique de qualité comparable. Par contre, si vous faites l’achat d’une guitare électrique pour votre enfant, il faudra également à un moment donné acheter un amplificateur. Un petit ampli débutant pour la pratique coûte au minimum 69 euros.

Ainsi, généralement, les guitares pour débutants ne coûtent pas très cher. L’unique raison pour laquelle l’instrument se nomme d’ailleurs « débutant » est que la plupart des novices en guitares ne veulent pas dépenser beaucoup pour leur première gratte. Les guitares « pour débutant » sont donc habituellement les moins chères. Mais on peut apprendre à jouer avec n’importe quelle guitare,

Autre chose : on pourrait croire qu’une guitare de taille ¼, ½ ou ¾ se vend à un prix inférieur à celui d’une guitare de taille « normale ». Mais en fait, la production des petites guitares – de plus petite taille – est plus difficile, étant donné un resserrement des tolérances de production. Heureusement, la plupart des guitares de taille réduite sont faites pour les débutants et ne sont pas réellement plus (ou moins) dispendieuses que leur équivalent de taille régulière.

Quelques  recommandations de modèles de guitares pour enfants

Voici quelques recommandations de guitares pour enfants maison (notez bien la « très bonne adresse en ligne » suivante, où dénicher de nombreuses grattes pour enfants : http://www.noizikidz.com/instruments-de-musique-enfants/guitare-enfants/1) :

- La Squier MC-1 est une guitare classique pour enfants de taille ¾ et à cordes de nylon; le son de cette gratte vous surprendra pour son prix. Son manche est beaucoup plus mince que celui d’une guitare acoustique régulière, de plus sa taille est parfaite. Si vous prévoyez que votre enfant suivra des cours dans une école de musique, alors la MA-1 pourrait également être un choix judicieux.

- La Squier « Mini » est une guitare de taille ¾ robuste et se vendant à un prix raisonnable. Avec ses micros à triple bobinage (l’enfant ne peut s’en lasser…), son chevalet « non-trémolo », et son côté très « cool » – un facteur intéressant et à prendre en considération lors de l’achat d’un instrument pour enfant – cette « Strat » s’avère un excellent achat. C’est l’une des guitares de taille réduite le plus comparable à une guitare électrique « normale ». D’ailleurs, Squier est le seul fabricant (mis à part peut-être Ibanez, avec sa GRGM21) qui produit des guitares pour enfants de qualité.

- Enfin, si c’est votre fille qui désire se mettre à la guitare, celle-ci devrait adorer jouer d’une guitare Daisy Rock. Le manche peu épais des Daisy Rock permet un déplacement plus facile sur la touche. Les modèles sont d’allure contemporaine tout en ayant le « look » d’instruments produits par une compagnie se spécialisant dans les guitares pour fillette…

Voilà de bonnes guitares pour enfants, et toutes coûtent 79 euros environ actuellement – sauf certains modèles Daisy Rock. Mais malgré nos suggestions, prenez votre temps, faites vos propres recherches avant d’acheter la toute première guitare de votre enfant; vous devrez prendre la meilleure décision possible. Après tout, ils se souviendront de cette guitare toute leur vie!

Le mot de la fin

Si votre jeune suivra des cours privés ou en classe, vous devriez opter pour une guitare classique à cordes de nylon (rappelez-vous de vous fier au tableau des tailles pour bien choisir l’instrument). S’il désire apprendre à jouer de la guitare, mais qu’il apprendra seul ou en ligne, alors achetez le type de guitare qui lui plait et fournissez-lui de bons outils d’apprentissage tels que des DVD pédagogiques, des manuels, et l’accès à un bon cours de guitare en ligne.

Gardez bien en tête les aspects abordés plus haut en magasinant pour le futur instrument de votre jeune, et vous devriez demeurer sur « la bonne voie »…; celle qui vous permettra de bientôt pouvoir entendre une douce musique s’échapper de la chambre de votre enfant…

N’oubliez surtout pas d’encourager votre enfant le plus souvent possible, de vous investir dans son apprentissage : c’est si important de l’encadrer et de le soutenir dans ses activités!

Y a-t-il d’autres conseils sur le sujet que vous désiriez prodiguer à nos lecteurs guitaristes et parents?

Bonne chance, et bon magasinage!

Chacun de nous guitaristes, à un moment de notre carrière amateur ou professionnelle, souffrons de ce que nous appellerons le « syndrome de l’achat de guitare compulsif », syndrome ayant souvent pour conséquence de nous pousser à acheter une guitare à crédit.

Ce trouble foudroyant pouvant toucher les guitaristes de tous les niveaux se caractérise par un besoin urgent et irrépressible de se procurer une guitare en particulier…, sans se soucier du prix de celle-ci ou du lieu où elle se trouve … Et le seul remède à cette « fièvre guitaristique » : suivre son instinct sans nécessairement réjouir son portefeuille!

Malheureusement, pour la plupart d’entre nous, se procurer un nouvel instrument comme une guitare électrique haut de gamme s’avère bien souvent aussi difficile que réussir un doigté qui s’étendrait sur cinq frettes. Et dès le moment où notre cœur de musicien bat pour une nouvelle gratte, que nous DEVONS ramener la belle à la maison, trois options ressurgissent, évidentes : essayer d’économiser jusqu’à ce que l’on ait les moyens de payer l’instrument comptant…, acheter la guitare en payant selon un plan de financement… ou bien acheter la guitare à crédit.

Mais est-que l’achat d’une nouvelle guitare en payant par crédit est avantageux, est-ce que cela réellement une bonne idée?

Avec les Fêtes qui approchent à grands pas et cette envie irrépressible de gâter les gens que l’on aime habitant la plupart d’entre nous en cette période de l’année, le moment semble idéal pour parler des « pour » et des « contre » de l’achat de guitares à crédit.

Les contre – Pourquoi vous ne devriez PAS payer une guitare par carte de crédit

Ici le facteur principal dictant que la carte de crédit n’est pas une bonne option pour vous est votre capacité de payer. Si vos moyens actuels ne vous permettent pas l’achat de telle ou telle guitare, alors il est possible que l’achat par carte de crédit vous mette dans le pétrin, que l’achat de votre guitare devienne un « fardeau financier » pour vous. Bien sûr, en utilisant le paiement par carte de crédit, vous obtiendriez une gratification immédiate et pourriez rentrer sur-le-champ avec votre Les Paul Special 1960 de Gibson ou votre Eric Clapton Signature acoustique de Martin, mais non seulement vous paieriez alors le prix total de la guitare, mais paieriez également les frais d’intérêts mensuels reliés à la carte.

C’est pourquoi, au départ, l’achat par carte de crédit est avantageux pour du crédit « immédiat », « à court terme, « gratuit »; cela implique que vous remboursiez en entier le solde de votre compte de carte de crédit avant la date d’échéance qui se trouve sur votre relevé! Sinon – il n’y a aucun mystère à ce sujet pour l’homme et la femme modernes -, chaque mois, vous aurez à payer des intérêts sur les achats effectués avec votre carte.

Ho! Ho! Hauts, les taux!

Les taux d’intérêts reliés aux cartes de crédit varient grandement selon les institutions et les types de cartes, alors si vous êtes de ceux qui chaque mois ne paient jamais le montant total dû avant la date d’échéance et qu’en plus le taux d’intérêts sur achat de votre carte de crédit est élevé, que vous payez des intérêts importants, vous devrez à un moment donné transférer le solde sur une carte à intérêt moindre pour minimiser les dégâts…

Les pour – pourquoi acheter une guitare par carte de crédit peut être intéressant

Eh oui, acheter une guitare à prix élevé par carte de crédit, par exemple une Telecaster American Vintage 1952 de Fender, peut être avantageux, si l’on considère que :

Vous pourrez acheter la guitare de vos rêves;

Les cartes de crédit sont un moyen sûr de payer pour une guitare, en particulier si vous achetez au téléphone ou par Internet (c’est-à-dire que si vous achetez une guitare d’un prix entre 125 euros et 35 000 euros qui se révèle une contrefaçon, ou encore advenant que vous ne la receviez jamais parce que l’entreprise vendeuse s’est évaporé, vous pourrez demander un remboursement à la compagnie de crédit);

Pour l’amateur de guitares plus « exotiques », payer avec une carte de crédit sera toujours une bonne idée, car celles-ci sont acceptées comme mode de paiement presque partout autour du monde – parfait si vous avez déniché votre guitare coup de cœur à l’étranger, ou si vous avez ratissé le pays pour l’instrument de vos rêves.

Alors, devriez-vous vraiment acheter une guitare à crédit?

La somme de toutes les données

Cela dépend tout simplement de votre capacité de payer. Par exemple, disons que vous désiriez vous procurer une J200 de Gibson, mais que vous n’avez pas les moyens de rembourser le solde de votre compte de carte de crédit en entier d’ici la fin du mois; dans ce cas-là, vous auriez à payer des frais d’intérêts chaque mois sur cet achat, rendant du coup la guitare « plus chère » que ce qu’elle ne vaut ou que ce qu’elle ne vous aurait couté si vous aviez payé en entier, par carte bancaire ou comptant, le jour de l’achat.

D’un autre point de vue, il faut également soulever que certaines compagnies de crédit/cartes proposent des promotions intéressantes, comme des points de récompense, des remises comptant, ou de soutenir par vos paiements un organisme/une œuvre de bienfaisance. Cela pourrait vous influencer dans le choix d’un mode de paiement qui vous convient lors de l’achat d’une guitare.

Pour conclure, soyez prudent, réaliste lorsque vous achèterez une guitare par carte de crédit. Comparez les taux et les offres afin de tirer le maximum de votre argent. Et acheter en fonction de vos moyens, quitte à repousser un peu le moment de l’achat, sera certainement un choix judicieux.

Cette semaine, l’équipe de Guitare Domination met à votre disposition un slow blues jam (extrait de GD Blues) en tonalité de fa (F) et inspiré du jeu de Buddy Guy et de celui d’Eric Clapton (Attention! cet exercice de guitare blues est conçu pour les guitaristes de niveaux intermédiaire ou avancé).

Bien qu’il n’existe aucune définition formelle du genre de musique qu’est le slow blues, son nom est plutôt évocateur, n’est-ce pas?

Voici quelques titres slow blues que vous connaissez peut-être et que nous aimons beaucoup… : Double Trouble d’Otis Rush, Goin’ Down Slow de Johnny Winter, Ain’t My Cross to Bear du Allman Brothers Band, etc.

Bluesez bien!

Écoutez le morceau :

http://www.guitaredomination.com/blogue/wp-content/uploads/2010/11/slow-blues-jam.mp3

Écoutez la backing track :

http://www.guitaredomination.com/blogue/wp-content/uploads/2010/11/slow-blues-jam-backing-track.mp3

Pour plus d’exercices de guitare blues, visitez le http://blues.guitaredomination.com

Avis aux mélomanes et aux musiciens passionnés de la région de Paris! Du 19 au 22 novembre 2010 à Paris dans la Grande Halle de la Villette aura lieu le salon de musique Music & You, anciennement Le Salon de la Musique et du Son.

Voilà un rendez-vous musical incontournable de la fin de 2010, que vous soyez musicien amateur ou professionnel, mélomane ou tout simplement curieux. Toutes les musiques seront accueillies et représentées lors de cet événement interactif et salon d’instruments pour toute la famille.

Le salon Music & You en bref

50 000 visiteurs sont attendus à Music & You, où l’on retrouvera 200 exposants et 700 marques (dont des importateurs d’instruments, des luthiers et artisans, des écoles de musique, et des sociétés diverses reliées au monde de la musique) et pourra assister à plus de 50 concerts répartis sur les 4 journées toutes en musique bien remplies. Cette année, les organisateurs affirment qu’une plus grande emphase a mise en ce qui concerne la représentativité de la musique classique par rapport à la dernière édition du salon. De quoi en réjouir plusieurs!

Parmi les exposants, soulignons la présence de noms importants tels que Fender, Ibanez, Selmer, Buffet Crampon, Roland, Yamaha, Sacem, Spedidam, le Ministère de la Culture, etc. Notez que chaque exposant de Music & You proposera des animations interactives aux visiteuses et visiteurs. Ainsi, chaque personne qui visitera le salon pourra aussi être un « participant »! Se dérouleront également des ateliers de pratique musicale, où petits aussi bien que grands pourront essayer un instrument de musique et apprendre à jouer un morceau de groupe.

Un Village de la Lutherie Quatuor et un Village des Maîtres d’Art représentant l’excellence de la facture instrumentale sont également prévus à l’horaire.

Une programmation rimant avec « transversalité » pour Music & You 2010!

Les deux parrains de Music & You 2010 sont le Quatuor Ebène et Bernard Lavilliers. Se produiront également (gratuitement!) pendant les quatre jours du Salon dans l’Auditorium Boris Vian pouvant accueillir plus de 450 personnes : le Ludovic Beier Trio, Herman Li – Dragon Force, Monica Passos, le Exultet Trio, le Denis Croisonnier Quartet, le Paris Jazz Big Band et Spoke Frevo Orchestra, Romain Leleu (trompette), Ricardo Del Fra (contrebasse), Hervé Sellin (piano) ainsi que des jeunes talents venus du Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris et des Sociétés Civiles.

Un événement pour musiciens de tous styles à ne pas manquer!

Pour plus d’informations, visitez le site : http://www.salon-musique.com/

Eric Clapton…, Ritchie Blackmore…, Jimmy Page…, David Gilmour…, Jimi Hendrix… Existe-t-il un équivalent, dans la musique populaire moderne, à ces géants de la guitare des années 60 et 70? Le « guitar hero » – guitariste extrêmement doué, créatif, maitre de la mélodie et de l’émotion, qui marque également l’histoire de la musique par sa présence et son apport à la grattosphère – existe-il vraiment encore au sens que nous l’entendions il y a 30 ans?

Voilà un sujet délicat. Car, en 2010, la simple expression « guitar hero » est quasi péjorative : elle représente quelque chose de « ringard », de « kitsch »; l’image intrinsèque impliquée est désuète.

Et les principaux responsables de cette situation, selon nous : les jeux vidéo de simulation musicale. Le concept même de guitariste virtuose a été corrompu par les jeux comme « Guitar Hero » et « Rock Band », qui mettent en vedette – et encensent en quelque sorte – le type de jeu « classic rock » à la guitare, le tricotage canonique, et cela principalement. Jamais ces jeux ne vous demanderont de vous attaquer à, disons, « When You Sleep » de My Bloody Valentine, « The Drowners » de Suede ou « How Soon Is Now? » des Smiths…

Le guitariste doué au XXIe siècle : héros sans « éclat »?

Un magazine musical britannique populaire a récemment demandé à ses lecteurs de voter sur son site afin de déterminer le « meilleur guitariste de tous les temps ». Et durant plusieurs jours, le meneur de la course a été Joshua Third (Hayward), guitariste du groupe de punk revival/shoegaze/rock alternatif The Horrors.

Sans vouloir dénigrer le talent de Josh qui, à 25 ans, est un guitariste talentueux et très imaginatif, ou mettre en doute le jugement des milliers de lecteurs du magazine en question, cette situation aura bien illustré le problème actuel… : le « guitar hero » flamboyant, inspirant; l’icône du « rock », le « héros » de la guitare ambulant n’est tout simplement plus à l’ère moderne.

Il se faut se rendre à l’évidence : bien qu’il soit un petit « magicien du son », un diplômé en physique que la science fascine – il bricole d’ailleurs ses propres pédales d’effets -, Hayward n’est définitivement pas une « bête de scène ». En interprétant « Count in Five » sur scène, il ne jouera jamais de son instrument en simulant le tir à la carabine, tel un Steve Harris moderne…; on ne verra jamais des flammes de 10 pieds s’échapper du manche de sa guitare tandis qu’il joue son solo dans « Sea Within a Sea », comme l’a fait Richard Kruspe du groupe Rammstein :

En concert, il n’a jamais convoqué en élevant les bras sa Ibanez Artcore pour la faire descendre des cieux, et ensuite s’adonner au « shred » de son instrument – comme ce guitariste exacerbé à la « quad-guitar » :

Manifestement, la vidéo précédente est dépassée – voir ridicule. Mais d’un autre côté, ne dégage-t-elle pas quelque chose de spécial, ne possède-t-elle pas un je-ne-sais-quoi manquant à la musique actuelle? Un esprit d’exubérance. Un caractère superflu, un effet de surabondance. On assiste au mariage de la flamboyance frôlant l’absurde et de l’absence totale d’ironie ou de retenue… Chose que l’on ne voit presque plus dans la musique moderne.

L’effet Bellamy ou savoir se distinguer des guitaristes chevronnés « hors-mainstream »

De nombreuses critiques tentent d’expliquer la popularité colossale du groupe Muse auprès du grand public, sa qualité « mainstream ». Mais il n’y a aucun mystère au sujet de Matt Bellamy; il est en notre sens un vrai « guitar hero », un musicien tout à fait impressionnant – et il n’en pleut pas dans la musique populaire, à l’heure actuelle. Il joue de la guitare en dépassant les limites physiques du guitariste moyen. C’est inspirant.

Bien sûr, il y a les Marnie Stern, Johnny Greenwood et Avi Zahner-Isenberg (d’Avi Buffalo) qui sont d’excellents guitaristes et qui se dégagent aussi du peloton. Ce sont des musiciens doués, mais ils ne sont pas « superambitieux », ce ne sont  pas des « guitar heroes » de l’ère moderne.

Les ados guitaristes ne passeront pas un week-end entier, pénible, en solitaire à tenter de jouer « Transformer » à s’en faire saigner les doigts…

Le « guitar hero » est mort, vive le « guitar hero »!

Certains guitaristes de rock indie sont de l’avis que la guitare électrique devrait être « forte et grisante », qu’il ne devrait pas s’agir nécessairement d’enchaîner « le plus de notes possible ». En fait, ces notes qui fusent des doigts du guitariste agile (ou survolté!) peuvent être drôlement grisantes, comme quiconque s’est déjà amusé à faire du « air guitar » en écoutant le(s) solo(s) de « Paranoid Android » de Radiohead en témoignera.

Voilà pourquoi nous disons mais où sont donc passés les « guitar heroes »?

Que les guitaristes modernes nous donnent de la virtuosité, de l’excès, des solos bourrés d’émotion à la Gimour et Hendrix, de la surexcitation, des flashes! Oui, donnez-nous des arpèges à profusion… des modes lydiens, des « humbuckers »… des « scalloped necks », des pédales « flanger »… des milliers de câbles branchés dans des « Superfuzz Mig Muff »…!

Que le retour du « guitar hero » survienne.

Et non, cher ami chanteur de Les Savy Fav, un microphone ne peut remplacer la guitare…, bien que vous soyez évidemment un « micro hero ».

Et vous amis et lecteurs guitaristes, qui sont vos « guitar heroes » modernes favoris?

C’est avec grand plaisir que l’équipe de GD vous annonce le lancement d’une nouvelle école de guitare en ligne : Guitare Domination Blues!
Ce site entièrement dédié à l’apprentissage de la guitare blues est en ligne dès aujourd’hui, le 6 novembre 2010.

Désirez-vous apprendre à jouer de la guitare comme le font les légendes du blues, dont B.B. King, SRV, Gary Moore et Eric Clapton? Aimeriez-vous acquérir des techniques qui vous permettront de devenir un bluesman épatant, au jeu vibrant, capable d’interpréter et d’improviser à la guitare des morceaux saisissants d’émotions, des « licks » enflammés et des solos puisés au fond de son âme?

Pour répondre à l’appel de ses nombreux élèves assoiffés de blues, l’équipe de GD a créé une méthode intégrale divisée en 2 volumes; un cours facile à suivre et réellement efficace pour arriver à jouer des blues autant fluides qu’explosifs, en n’ayant même pas à quitter son chez-soi…!

« GD Blues » est ce cours qui vous permettra d’acquérir rapidement de bonnes compétences en guitare blues, par l’exploration de notions propres au blues, de techniques INGÉNIEUSES très utilisées en blues et d’une panoplie de plans typiques en guitare blues.

Pourquoi avoir créé GD Blues?

C’est qu’au cours de la dernière année, nous avons observé certaines tendances chez nos élèves désireux d’approfondir leurs aptitudes en guitare blues, mais ne disposant pas nécessairement du temps et de l’argent que requièrent les cours privés avec un professeur.

Ainsi, en nous basant sur l’expérience de milliers d’élèves à travers le monde, nous avons développé une toute nouvelle méthode de guitare s’axant sur l’apprentissage du blues!

« Guitare Domination Blues » est accessible à tous, est bien fignolée, amusante, et s’oriente vers la compréhension et la pratique de son instrument; elle vous permet donc de bien assimiler les techniques enseignées, car vous comprendrez toujours ce que vous jouez…

Et tout cela par le truchement du Web, à partir de votre ordinateur!

Ce que vous réserve « Guitare Domination Blues » :

Le blues étant un langage, « GD Blues », méthode LUDIQUE, vous enseignera une partie de son vocabulaire courant afin que vous puissiez bientôt vous exprimer librement dans cette langue colorée et bien vivante!

« Guitare Domination Blues », c’est une école de guitare blues en ligne novatrice proposant plus de 246 vidéos de qualité HD (avec tablature intégrée!), 447 pages illustrées, 283 exercices, près de 40 « tracks » audio (+ « backing tracks ») et encore plus!

Vous apprendrez, entre autres :

• À jouer différents styles de blues allant du gospel au Texas blues, en passant par le Rhythm and Blues et le Chicago blues.
• À bien connaitre le manche de votre guitare par l’exploration des différentes gammes blues et les motifs qui les composent.
• Les particularités théoriques du blues (pas trop, mais juste assez!) – ces notions favoriseront votre créativité et les automatismes musicaux.
• Un large éventail de plans, techniques et d’idées pour l’improvisation et les solos en blues — apprenez à couvrir tout le manche au lieu d’être coincé à un seul endroit (et dans votre jeu…)!
• La règle d’or et la structure de base avec lesquelles la plupart des morceaux blues sont construits et donnant au blues son son si particulier et facilement reconnaissable.
• Et bien plus encore!

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ATTENTION : Promotion de lancement!

Procurez-vous le pack de « Guitare Domination Blues » avant la fin du compte à rebours de 48 heures, pour profiter du prix de lancement de 67 € (au lieu de 114 €)! Vous bénéficieriez alors d’un rabais de plus de 50 % par rapport au prix courant!

Cette promotion ne sera valide que pendant 2 jours; hâtez-vous!

Nous vous invitons par la même occasion à devenir fan de Guitare Domination Blues sur Facebook!

Dernièrement, Guitare Domination vous a demandé quels étaient selon vous les guitaristes blues les plus talentueux de tous les temps.

Alors, parmi toutes les légendes du blues de la guitarosphère, quels sont ces bluesmen qui ont la cote auprès des milliers d’élèves et adeptes sur Facebook de GD?

Voici sans plus tarder le classement des 10 plus grands bluesmen de tous les temps, classement établi d’après notre sondage maison auprès de nos 10 000 élèves et 4 800 fans de GD sur Facebook… :

1. Stevie Ray Vaughan

Comme guitariste, SRV alliait force et son énorme. L’Américain aux imposantes mains était à la fois puissance et finesse, et son talent immense lui a permis d’acquérir une popularité importante pendant sa carrière, et de la conserver même après son décès. Par ailleurs, à l’heure actuelle, il serait difficile de nommer un guitariste aussi talentueux et influent que Stevie l’a été. L’inclassable SRV s’est en effet avéré l’un des musiciens les plus influents de sa génération; d’ailleurs on le compare souvent à Jimi Hendrix.

2. B.B. King

Ce « King »-ci est sans aucun doute l’un des meilleurs guitaristes de blues du monde. B.B., qui a su gagner les ondes des radios populaires – et donc pas seulement les cœurs des amateurs de blues – avec son succès « The Thrill Is Gone » au cours des années 70, a également obtenu plusieurs prix Grammy du « Meilleur disque de blues traditionnel » au cours de sa carrière. C’est l’un des bluesman les plus populaires au monde encore de nos jours –- cela est peut-être dû à sa longue carrière, sa longévité comme musicien, mais probablement aussi parce que B.B. est celui qui a « démocratisé » le blues, celui qui a rendu le genre accessible au grand public.

3. Gary Moore

L’Irlandais Gary Moore est connu pour sa virtuosité; c’est l’un des meilleurs guitaristes dans son style qui, bien que s’approchant parfois du « hard rock », lui permette de conserver un titre de bluesman incontournable.

4. T-Bone Walker

Aaron Thibeaux Walker ou « T-Bone Walker » a contribué à faire de la guitare blues un instrument « lead »; c’est sur ses enregistrements que l’on peut entendre parmi les premiers solos de guitare électrique de l’histoire du blues.

Le son à la guitare de Walker était unique – surtout quand il jouait le blues, c’en est un que l’on entend d’ailleurs encore beaucoup dans le blues actuel. T-Bone Walker est un vrai « pionnier » du blues, aussi il a eu une influence importante sur à peu près tous les grands guitaristes blues qui lui ont succédé!

5. Eric Clapton

Clapton est sans aucun doute l’un des meilleurs guitaristes de sa génération; certains lui ont d’ailleurs donné comme surnom « God » (Dieu). Guitariste touche-à-tout, Clapton, par son style unique, aura contribué dans sa carrière à la combinaison du blues des années 60 avec des sons plus « durs » que l’on entend toujours dans la musique moderne.

6. Muddy Waters

McKinley Morganfield ou « Muddy Waters » était un artiste remarquable qui se spécialisait dans la guitare blues acoustique. Ces racines comme musiciens se trouvaient au Mississippi, et son œuvre aura contribué à la naissance de ce que l’on appelle le « Chicago blues ». Ce style de blues – qui a littéralement explosé au cours du XXe siècle – a ouvert la voie à des guitaristes blues de haut calibre dans leur style respectif, par exemple SRV et Eric Clapton.

7. Jimi Hendrix

Jimi Hendrix est en quelque sorte « le parrain » de la musique blues. Soulevons qu’il a également  eu une influence sur à peu près tous les guitaristes modernes…! Jimi a toujours été assez humble – de façon surprenante peut-être –, mais son « son » et son style musical est encore aujourd’hui l’un des plus imités à la guitare. Quand on parle de guitare blues, il est presque impossible de ne pas aborder la carrière et l’œuvre de Jimi Hendrix!

8. Elmore James

Fier représentant du « Chicago blues », ce Mississippien serait toutefois à sa façon toujours « une énigme » dans le monde du blues. Il est néanmoins un guitariste prisé par beaucoup de nos élèves – des élèves qui eux le « connaissent » bien! Avec sa voix brute, belliqueuse et son jeu « slide » étonnant, il aura beaucoup apporté donné au « Delta blues électrique ». Elmore est aussi l’un des piliers du « Chicago blues » – et l’un des guitaristes les plus talentueux que le genre ait connu.

9. Otis Rush

Otis Rush est l’un des plus grands représentants de la musique blues, mais aussi l’un des plus « ignorés » et sous-estimés. En 1993, Robert Santelli a écrit : « C’est seulement parmi ses pairs guitaristes et les fans connaisseurs qu’il reste une figure majeure du blues, un musicien dont les solos pleins d’émotion, les phrasés d’accords plaintifs douloureux, et l’attention aux textures musicales en ont fait l’un des meilleurs guitaristes de blues de Chicago. » Gaucher, Rush joue d’un instrument pour droitier à l’envers – sans en changer les cordes. Il a également un chant déclamatoire et théâtral ainsi qu’une voix très soul qui rend son style personnel très intense.

10. Freddie King

Avec Albert King et B.B. King, il a été l’un des trois « kings » de la guitare blues électrique. Freddie était un grand maitre du blues qui jouait de la guitare à l’aide d’onglets. C’est en plein jeu que Freddie est mort prématurément – d’un arrêt cardiaque – en 1976. Mais son empreinte musicale, elle, n’a jamais faibli depuis son décès. Son influence s’entend d’Eric Clapton à Stevie Ray Vaughan, de Peter Green à Stan Web.

Et vous, quels sont vos bluesmen favoris?

Lorsque l’on pratique la guitare, comme musicien, peu importe notre niveau d’expérience, nous sommes tous un jour au l’autre confrontés à un problème commun : on a l’impression d’avoir cessé de progresser. Puis nous pratiquons encore et encore plus, mais l’on se retrouve tout de même embastillé dans une sorte « d’impasse musicale » où nous ne faisons que répéter continuellement les même vieux « riffs », les mêmes morceaux, les mêmes gammes, etc.; cela nous empêchant de laisser libre cours à notre créativité ou de réellement améliorer notre jeu à la guitare. En fait, c’est cette carence de « liberté musicale » qui est bien souvent la source de notre manque d’amélioration…

Cela vous est-il déjà arrivé?

Si vous vous surprenez à répéter de façon empoisonnante des choses que vous maitrisez déjà parfaitement – parce que vous avez tenté de jouer quelque chose de nouveau, mais que cela a été chose impossible pour vous par exemple –, vous aurez assurément du mal à progresser nettement en guitare, et cela, tout simplement parce que vous n’avez le bon état d’esprit ou la bonne méthodologie en ce qui concerne la pratique de votre instrument.

En fait, bon nombre de guitaristes débutants se découragent précocement et renoncent à leur objectif d’apprendre à jouer de la guitare parce qu’ils tentent de reproduire un solo ou un motif peut-être trop compliqué pour leur niveau actuel et ne réalisent pas qu’ils pourraient travailler plusieurs autres aspects de leur jeu correspondant mieux à leurs aptitudes actuelles…

Alors, que faire pour se sortir d’un tel « plateau » dans son apprentissage de la guitare? Ci-dessous se trouvent 21 astuces qui vous permettront de raviver la flamme de votre passion pour la guitare et de sortir de votre « impasse musicale »; de recommencer à progresser comme guitariste!

Astuce #1. Laissez la guitare de côté complètement pour une journée, une semaine ou même un mois si nécessaire

Certains sexologues vous diront que la meilleure façon de raviver la flamme dans le couple est de prendre vos distances avec votre partenaire un certain temps. Il peut en être de même en ce qui concerne votre relation avec la guitare! Cessez complètement de jouer de la guitare durant un moment. Si vous cessez de jouer de votre instrument, vous devriez bientôt ressentir un besoin urgent de vous y remettre, un manque en quelque sorte. Et lorsque ce sera le cas, ce devrait être un tout nouveau départ – en beauté! – pour vous en guitare.

Astuce #2. Apprenez le solfège pour guitare

Pour la plupart des guitaristes, l’un des meilleurs moyens d’amener son jeu à un niveau supérieur ou de briser une « période de non-évolution » est d’apprendre le solfège pour guitare. Ne vous en faites pas : nul besoin d’entamer des études universitaires en théorie de la musique!

Apprenez tout simplement les bases du solfège pour guitare, et cela influencera grandement votre technique et votre habileté comme guitariste.

Pour faire une analogie, jouer de la guitare sans connaitre le solfège est un peu comme errer dans un immense immeuble sans éclairage. En connaissant les bases du solfège, la situation ressemblera davantage à si vous aviez trouvé l’interrupteur pour allumer les lumières!

Pour apprendre le solfège, nous vous recommandons le logiciel Crescendo édition complète version 6.

Et pour en savoir plus sur les avantages d’apprendre la théorie musicale en guitare, lisez notre article ici : http://www.guitaredomination.com/blogue/conseils-astuces/apprendre-solfege-pour-guitare.

Astuce #3. Apprenez à être patient…!

Le manque de patience est un problème que rencontrent beaucoup de guitaristes et de musiciens en général. C’est si facile de sombrer dans la frustration parce que nos doigts ne sont pas aussi agiles que l’on le voudrait, que notre progrès est sans cesse ralenti par nos capacités physiques… Mais rappelez-vous qu’apprendre une nouvelle technique sera presque toujours difficile (souvent même frustrant, au départ). Il ne faut donc pas vous décourager : la route menant à l’excellence en guitare en est une longue et parfois ardue, impossible de se le cacher (parole de pro!) – cela s’applique à tous les guitaristes! Tous ces musiciens que vous adorez ont eux aussi douté, ragé, et bûché pour devenir les « guitare héros » qu’ils sont aujourd’hui! Et si maintenant ils excellent comme guitaristes, c’est qu’en cours de route ils ont développé la patience et la ténacité nécessaires à ne pas lâcher, à continuer d’avancer en guitare.

En fait, il vous faut parvenir à tirer profit de votre niveau actuel en guitare et être conscient du progrès constant que vous faites comme musicien – pensez à tout ce que vous avez accompli jusqu’à maintenant… Car vous fixer des objectifs peu réalistes ou n’être fier de vous que lorsque vous faites de « grands pas en avant » s’avère bien souvent la route menant à l’échec, à plus long terme. Étant donné qu’arriver à jouer de la guitare comme un pro ne se fait pas en trois coups de cuillère à pot, vous devez arriver à apprécier et tirer profit de ce que vous êtes capable de faire actuellement en guitare; votre motivation et donc votre succès comme guitariste en dépendent! Voyez les choses comme ceci : vous avancez en effet un peu chaque jour, vous vous rapprochez lentement, mais sûrement, du guitariste que vous désirez être! Ne soyez pas trop dur envers vous-même, si une technique vous donne du fil à retordre ou si vous songez à tout ce que vous ne savez pas encore faire… car c’est inutile. Apprenez à être patient tout simplement.

Astuce #4. Concentrez-vous sur le perfectionnement des différentes techniques de la main gauche et de la main droite

Un autre excellent moyen d’amener votre jeu comme guitariste à un niveau supérieur est de vous axer pendant plusieurs jours consécutifs sur le perfectionnement des techniques propres aux deux mains. C’est-à-dire que pour la durée de quelques séances de pratique, ou même pour une semaine entière de leçons de guitare, vous ne vous exercerez strictement qu’aux « hammer-ons », aux « pull-offs » et au « finger-picking » ainsi qu’à des exercices d’assouplissement; si vous êtes plus avancé en guitare, pratiquez le « tapping », le « sweep picking » et l’« alternate picking ».

Ainsi, pas de pratique de chansons; vous faites strictement de la technique! Après cette séance ou cette semaine d’entrainement intensif, revenez à votre routine de guitare habituelle. Le perfectionnement de toutes ses techniques donnera un second souffle à votre jeu à la guitare!

Astuce #5. Apprenez à jouer ce que les cuivres et les bois jouent normalement

Excellent truc (si vous savez lire la musique, bien sûr)! Non, il ne s’agit pas de reproduire le son des cuivres et des bois à la guitare, mais de jouer ce que le saxophone, la clarinette, le hautbois, la trompette joueraient normalement. De quoi vous ouvrir les yeux…!

Car en premier lieu, vous découvrirez, surtout si vous pratiquez des morceaux jazz, que les parties d’instruments à vent sont très difficiles à jouer à la guitare. « Mais alors, pourquoi s’y mettre? », direz-vous? Mais parce que si vous jouez un solo de saxophone de Lester Young à la guitare vous devrez bûcher, et par conséquent… vous améliorer!

Astuce #6. Apprenez un morceau pour piano à la guitare

Pour cela, 3 options s’offrent à vous. Vous pourrez soit apprendre les accords, soit interpréter la mélodie de la chanson (et l’adapter pour la guitare), ou encore vous pourrez créer un arrangement dans lequel vous effectuez les deux. En optant pour cette façon de faire, vous adopterez un style contrepointique : vous créerez un arrangement où vous pouvez jouer à la fois les accords et la mélodie d’une pièce. Les guitaristes classiques le font couramment, et les guitaristes jazz appliquent également cette méthode pour développer leur sens musical.

Astuce #7. Adaptez une pièce de violon pour la guitare

Cela est tout à fait amusant! Choisissez une pièce de Mozart, Vivaldi, Bach ou Paganini et adaptez les parties de violon afin de pouvoir les jouer à la guitare. Ces morceaux sonnent très bien quand on les interprète à la guitare, par ailleurs, ce truc permet une excellente séance d’entrainement (au niveau de la technique) en guitare. Pensez entre autres aux morceaux « guitarosymphoniques » d’Yngwie Malmsteen!

Astuce #8. Faites des exercices de « string skipping »

Si l’on demeure dans l’aspect de la technique à la guitare, un bon moyen de vous « débloquer » est de faire des exercices de « string skipping ». Ce sont des exercices que beaucoup de guitaristes omettent ou oublient de pratiquer… Faire ce genre d’exercices vous permettra d’améliorer votre jeu de la main d’attaque, celui de votre main frettante et votre coordination!

Astuce #9. Pratiquez vos gammes de façon différente

Considérant que les gammes vous permettent ultimement de couvrir tout le manche de la guitare en jouant, connaître les gammes et les différentes positions, c’est plus que commode! Toutefois, les jouer simplement de manière ascendante et descendante peut rapidement devenir monotone et fastidieux. C’est pourquoi vous pouvez agrémenter vos exercices de gammes en ajoutant à votre jeu différentes mélodies et séquences de notes. Lorsque vous êtes plutôt confortable avec celles-ci, essayez de vous balader d’une position à une autre, par exemple en jouant à la fois des notes des premières et deuxièmes positions, jusqu’à ce que vous soyez capable d’incorporer à votre jeu des notes de chacune des positions.

Astuce #10. Apprenez de nouvelles sortes de gammes à la guitare

Si vous ne maitrisez pour l’instant que les gammes pentatoniques mineures et majeures, c’est très bien! Mais le moment est venu de vous familiariser avec un plus grand nombre de gammes, car il y en a beaucoup! De cette manière, vous donnerez à vos doigts de nouveaux défis et surtout, vous acquerrez progressivement de plus en plus d’outils pour enrichir vos improvisations et compositions.

C’est que quand on y pense, un solo de guitare est tout simplement « une mélodie qui utilise une ou plusieurs gammes s’agençant bien et correspondant à la progression d’accords employée dans le morceau ». Voilà donc pourquoi apprendre de nouvelles gammes vous ouvrira des portes en guitare « lead », et vous permettra d’entrevoir de nouvelles perspectives musicales; vous pourrez bientôt jouer des solos d’enfer encore plus variés, et ce, dans plus d’un style…!

En outre, assurez-vous de ne pas simplement apprendre une nouvelle gamme, mais plutôt d’explorer tous les motifs qui la composent. Car l’apprentissage de ses différentes positions vous donnera de multiples idées de plans, de « licks » et de mélodies. De cette manière, vous en viendrez à combiner ceux-ci et arriverez à couvrir tout le manche de votre guitare, peu importe le style ou la tonalité.

Astuce #11. Apprenez de nouveaux accords de guitare

Après tout, la plupart des partitions de guitare des chansons populaires contiennent des accords! Et cela signifie que vous aurez parfois à jouer des accords qui sortent de l’ordinaire, surtout si vous jouez à l’explorateur, au cours de votre apprentissage et développement en guitare, et parcourez les divers courants musicaux!

Si vous êtes débutant en guitare, il serait donc important d’apprendre de nouveaux types accords, tout particulièrement si vous avez l’impression de ne plus évoluer en musique! Procurez-vous un ouvrage sur les accords ou faites une recherche sur Internet, et apprenez-en au minimum 3 chaque semaine, par exemple. En apprenant 12 nouveaux accords par mois, vous progresserez rapidement en accompagnement.

L’important, lorsque l’on apprend de nouveaux accords, c’est d’incorporer ceux-ci à son jeu le plus souvent possible – c’est nécessaire, pour les assimiler. Car si vous apprenez un nouvel accord, mais ne l’utilisez pas du tout, ce sera un peu comme apprendre un mot dans une langue que vous n’utilisez jamais… Vous l’oublierez rapidement. Il en est de même pour l’apprentissage d’accords : si vous ne jouez pas régulièrement les accords après les avoir appris, vous les oublierez en peu de temps.

Astuce #12. Pratiquez la guitare [plus] régulièrement

Cela ne s’appliquera pas à chacun d’entre vous, mais si vous êtes le genre de guitariste qui ne pratique par exemple que la fin de semaine ou quand il a beaucoup de temps libre, alors il est normal que vous ne progressiez pas ou plus du tout! Pour devenir un guitariste confirmé, il faut pratiquer son instrument au moins une fois par jour (ou le plus souvent possible du moins!).

Bien sûr, de temps à autre vous ne pourrez pratiquer, il y aura des « urgences », d’autres événements deviendront vos priorités, ou encore vos bras et vos mains auront besoin de repos – cela est normal et tout à fait pardonnable –, toutefois, si les journées où vous ne pratiquez pas la guitare excèdent les jours où vous en faites, alors ça ne va pas du tout!

Sachez que même pratiquer 10 à 15 minutes quotidiennement vous avancera davantage que pratiquer pendant des heures une seule fois par semaine… C’est pourquoi, si vous tenez à devenir un guitariste talentueux, promettez-vous de pratiquer la guitare de façon assidue. Adoptez d’abord une routine de pratique vous convenant, par la suite assurez-vous de ne pas la délaisser, même ces jours où vous aurez envie d’autre chose… De toute façon, vous vous rendrez sûrement compte que lorsque vous commencez votre pratique de la guitare et jouez, votre réticence et votre résistance à cette routine disparaissent comme par magie… Après tout, vous adorez la guitare, non?

Astuce #13. Jouez avec un métronome!

Le métronome ne devrait pas servir qu’à amasser de la poussière… Comme suite à l’astuce 13, l’utilisation du métronome est aussi une méthode vers laquelle un guitariste « en panne » devrait se tourner. Utilisez davantage votre métronome; en fait, pratiquez tout avec le métronome!

Si au contraire vous pratiquez déjà tout avec le métronome, eh bien, cessez de l’utiliser pour une semaine.

Vous pouvez aussi vous servir du métronome pour mesurer votre progression. Par exemple, supposons que vous soyez en train d’apprendre une nouvelle gamme en guitare. Pratiquez votre gamme avec le métronome et notez le tempo auquel vous êtes capable de bien la jouer. Fixez-vous comme objectif d’augmenter votre vitesse de 1, 2 ou même 3 bpm. Faites cela à chaque séance de pratique ou bien chaque semaine, etc.

Votre but devra toutefois être réalisable et surtout rappelez-vous que la vitesse viendra avec la précision de jeu. Si vous jouez une gamme ou un plan plus vite que vous en êtes capable, vous pratiquez alors vos erreurs…

Astuce #14. Si habituellement vous faites de la guitare avec un médiator, alors axez-vous sur le « finger-picking » pour un bout de temps. Si au contraire la plupart du temps vous jouez avec les doigts (« finger-picking »), alors apprenez des chansons en utilisant un médiator (« flatpicking »).

Astuce #15. Faites de la guitare « slide »!

Ce style de jeu est très populaire chez les bluesmen; il est par ailleurs amusant pour tous les guitaristes. Ajouter cette technique à votre bagage de guitariste ne peut être inutile! Au contraire, le défi devrait vous plaire et raviver votre flamme comme guitariste.

Astuce #16. Regardez sur YouTube des vidéos de concert mettant en vedette votre guitariste préféré

Regarder son guitariste favori jouer sur scène est si inspirant!

Astuce #17. Abonnez-vous à un magazine musical ou de guitare

Rendez-vous au kiosque à journaux du coin et choisissez un magazine de guitare ou deux. Vous y trouverez de nouvelles chansons à apprendre, des tonnes d’articles intéressants et des conseils qui vous aideront assurément à vous perfectionner comme guitariste. Autre truc : achetez un magazine dans lequel se trouve une partition pour apprendre une chanson dans un style que vous ne connaissez pas ou peu seulement.

Astuce #18. Étudiez le rythme et les signatures rythmiques, et jouez des morceaux en 3/4, en 5/4, en 7/8, etc.

Il existe plusieurs façons d’améliorer votre jeu en guitare rythmique. Et pas seulement votre technique en guitare rythmique en tant que telle, mais aussi vos compétences et aptitudes comme guitariste « lead », au fur et à mesure que vous améliorez votre sens de la rythmique.

Car le fait de n’être confortable que pour jouer des morceaux sur une signature rythmique de 4/4 peut évidemment limiter considérablement votre jeu… Vous familiariser avec différentes palettes de rythmiques et de « grooves » vous permettra de jouer de la guitare (tant rythmique que « lead ») plus aisément et d’enrichir férocement vos compositions!

Pour améliorer vos connaissances en rythme, écoutez également beaucoup de musique de différents genres. Écoutez le plus de musique possible – des albums de différentes cultures –, car cela vous exposera à des rythmes très intéressants!

Après avoir expérimenté avec plusieurs signatures rythmiques, vous devriez prendre du temps pour jouer vous-même des morceaux les utilisant. Écrivez un morceau en 3/4, en 5/4, en 7/8, etc.

Astuce #19. Évaluez-vous; pratiquez en faisant preuve de jugement

Nous avons vu plus haut que pratiquer son instrument régulièrement est nécessaire pour progresser comme guitariste, mais cela ne vous mènera nulle part si, quand vous vous exercez à la guitare, vous faites sans arrêt les mêmes erreurs ou conservez de mauvaises habitudes. Ainsi, vous devez faire preuve de jugement et être capable de vous auto-évaluer constamment lorsque vous pratiquez votre instrument. Enregistrez-vous jouer, et écoutez-vous! Cela vous permettra de repérer vos erreurs, de conserver (ou de prendre) de bonnes habitudes en guitare et de vous éviter d’en acquérir de mauvaises!

Astuce #20. Apprenez un morceau dans un style de musique différent

Supposons que vous ayez un faible pour le « metal ». Alors, si vous êtes en panne, apprenez une chanson blues, jazz, une pièce classique ou encore « reggae », par exemple. Trouvez une chanson à interpréter dans un genre tout à fait différent de ceux auxquels vous êtes habitué, ou encore choisissez une pièce d’un style de musique similaire ou voisin.

Si vous possédez une bonne oreille musicale, apprenez le morceau ainsi; sinon, trouvez une tablature ou une partition de la chanson. Rappelez-vous qu’il existe plusieurs sites sur Internet où vous pourrez trouver un nombre infini de tablatures et de partitions.

Astuce #21. Suivez un plan de cours adapté à votre niveau actuel

De quelle manière avez-vous appris la guitare, jusqu’à maintenant? Pour débuter, avez-vous suivi un plan de cours élaboré selon votre niveau de connaissances? Ou êtes-vous plutôt passé d’une technique à l’autre, et avez appris un accord par-ci, un « riff » par-là…? Eh bien, si c’est le cas, inutile de vous dire que le progrès et l’atteinte de vos buts n’étaient certainement pas rapides et « assurés » chez vous…

Normal que vous soyez en panne! Pour parvenir à exceller en guitare, vous devez au départ acquérir de solides compétences théoriques et techniques en guitare – une base sûre sur laquelle vous pourrez ensuite empiler les briques de votre progrès comme guitariste. Et la meilleure façon d’acquérir cette « base » en guitare est de suivre un plan de cours qui a été créé dans le but de vous fournir progressivement, selon un ordre précis, tous les outils dont vous avez besoin pour évoluer nettement en guitare (selon votre niveau de départ). Évidemment, un professeur de guitare privé pourrait élaborer pour vous un tel plan de cours, cependant, à l’heure actuelle, il existe de très bonnes méthodes de guitare au format électronique, DVD ou papier – des cours que vous pourrez d’ailleurs suivre dans le confort de votre foyer! Lorsque vous aurez choisi un cours de guitare et aurez débuté les leçons, ne délaissez par la suite jamais le plan de cours proposé, car si vous ne suivez pas le cours en entier, plusieurs éléments importants manqueront à votre bagage de guitariste, quand vous aurez terminé!

Voilà de quoi débloquer les guitaristes « en panne de progrès »!

Nous vous conseillons de relire cet article et d’appliquer une nouvelle astuce chaque mois environ. Vous servir des trucs de cette liste de façon constante peut vous garantir – ou presque – que votre jeu à la guitare se développera rapidement. De plus, vous arriverez à vous sortir de ces périodes de « non-évolution » qui vous guettent en chemin…

Bonne gratte!

Bien que le tapping à la guitare – une technique qui consiste à jouer des notes en faisant successivement des hammer-ons et des pull-offs de la main gauche tout en tapant une note de la main droite (plutôt que de la pincer ou la gratter) – ait été popularisé assez récemment par Eddie Van Halen, il aura été utilisé longtemps auparavant par un grand nombre de musiciens, sous différentes formes. Par exemple, Paganini, un violoniste et compositeur italien célèbre du 19e siècle, faisait régulièrement usage de la technique du tapping sur son violon. Aussi, à la même époque, on retrouvait une technique très similaire dans la musique folklorique turque. Mais c’est du milieu des années 50 jusqu’à la fin des années 70 que le tapping proprement dit s’est développé, notamment avec Merle Travis, Jimmy Webster, Emmett Chapman, Randy Resnick, Harvey Mandel, pour ne nommer que ceux-là.

Eddie Van Halen, pour sa part, a adapté la technique du guitar tapping repérée dans le solo endiablé de Heartbreaker joué par Jimmy Page lors d’un concert de Led Zeppelin à Los Angeles en 1972.

Comme vous pouvez le constater dans cette vidéo, le tapping à la guitare est l’une des techniques les plus efficaces pour jouer des plans complexes avec beaucoup de vélocité.

Comment faire du tapping à la guitare à la manière d’Eddie Van Halen?

Vous désirez vous initier à la technique du tapping? Il vous faut tout d’abord savoir que cette technique de guitare est le plus souvent utilisée dans les solos – étant donné le gain élevé et la distorsion (ils contribuent à bien faire résonner les notes lorsque l’on tape les cordes). Bien sûr, il est possible de jouer du tapping sur une guitare acoustique ou sur le clean, mais la technique s’effectue beaucoup plus difficilement sans la présence de gain et de distorsion – en particulier sur le pull-off.

De façon générale, faire sonner clairement chaque note désirée demande une excellente dextérité et une synchronisation impeccable des mains, chose qui ne sera pas facile au début.

Pour exécuter correctement un plan de tapping à la guitare, on ne doit pas se contenter d’effleurer les cases avec la main droite —  on doit taper assez fort (mais pas trop) et, idéalement, tirer légèrement la corde vers le bas de manière à bien faire sonner les notes.

Le tapping peut s’effectuer à l’aide de la main droite de deux manières différentes :

1. On place sa main droite parallèlement au manche de la guitare, les doigts pointant vers les mécaniques; on tape ainsi les cordes selon un angle de 90 degrés.

ou

2. On place sa main droite par-dessus le manche et perpendiculairement à celui-ci – un peu comme s’il était le clavier d’un piano –, de manière à taper les cordes selon un angle de 180 degrés (les doigts pointent alors vers le bas).

Une fois que vous êtes à l’aise avec l’une de ces positions, vous devriez normalement être capable d’exécuter l’autre assez facilement; de plus, le feel sera relativement semblable.

Toutefois, rappelez-vous que jouer un hammer-on et un pull-off avec la main droite au lieu de la main gauche ne signifie pas que le son produit sera différent. Les hammer-ons et pull-offs devraient tous sonner de la même manière, peu importe la main que vous utilisez.

Apprendre le guitar tapping – méthode simple en 3 étapes

Avant de commencer, on prend une grande respiration, on se dégourdit les doigts… Saisissez maintenant votre guitare, allumez votre ampli et mettez-y de la distorsion! C’est parti!

1. Choisissez un doigt de la main droite avec lequel vous serez le plus confortable pour faire le tapping

La plupart des guitaristes effectuent le tapping à l’aide du majeur. Pourquoi? Mais parce que si vous jouez un morceau à l’aide d’un pick et devez soudainement – et d’un seul geste – passer à une phrase nécessitant du tapping, le doigt du milieu sera disponible; aussi, vous pourrez placer le plectre entre l’index et le pouce, le temps du guitar tapping, puis le ressaisir vite fait lorsque vous revenez au plan habituel.

L’autre option est de placer votre pick entre le pouce et l’annulaire et d’effectuer le tapping avec votre index. Certains guitaristes utilisent à même le pick pour faire le guitar tapping.

En réalité, il n’existe pas réellement de « mauvaise technique » pour jouer en tapping. Il vous suffira d’adopter celle qui vous convient.

2) Jouez ensuite de petits exercices de tapping à la guitare

Si vous n’avez jamais joué de tapping à la guitare auparavant, commencez par faire de petits exercices de quelques notes seulement, comme ceux se trouvant plus bas. Jouez-les d’abord lentement, puis accélérez progressivement. De cette manière, vous habituerez vos doigts à ces nouveaux mouvements prompts.

Faites de votre mieux pour taper suffisamment fort dans le milieu des cases; de plus, maintenez un rythme constant (il ne s’agit pas de taper aussi vite que l’on peut sans se soucier de l’exactitude rythmique!).

Au début, vous pourriez entendre des notes indésirables, en raison de la force exercée sur les frettes, de la vibration et du manque de dextérité. L’idée est de pratiquer le motif jusqu’à ce que chaque note sonne clairement.

Si vous jouez du tapping à la guitare avec un gain élevé, les notes les plus fortes et les plus importantes devraient en temps normal dominer.

Soyez patient, la technique du guitar tapping prend un certain temps à maîtriser.

Note : surtout en ce qui concerne les plans un peu plus lents, il est préférable de tirer légèrement la corde avec son doigt afin de mieux faire résonner la note jouée (ne le retirez pas trop brusquement, pour éviter que le tout sonne comme un bend!). En outre, lorsque vous commencerez à jouer à la guitare des séquences de tapping un peu plus rapides, le pull-off sera moins important, car vous n’aurez littéralement qu’une fraction de seconde pour effectuer le mouvement.

Exercice de guitar tapping #1.

Pour ce premier exercice de guitar tapping, positionnez d’abord votre annulaire (ou votre auriculaire – à vous de choisir!) sur la 8e case, puis effectuez un pull-off jusqu’à la 5e case, suivi promptement d’un tapping sur la 10e case à l’aide du majeur de la main droite! Dans la mesure du possible, placez les autres doigts de la main droite de manière à ce qu’ils bloquent les autres cordes, pour atténuer les sons parasites et les notes indésirables.

http://www.guitaredomination.com/blogue/wp-content/uploads/2010/09/TAPPING1.mp3

Exercice de guitar tapping #2.

Cette fois, nous allons incorporer à notre jeu une corde à vide. L’utilisation des cordes à vide a pour avantage de nous laisser le temps de placer nos doigts entre chaque suite de notes.

Commencez par pincer légèrement la troisième corde (à vide) à l’aide de l’index; enchaînez avec un hammer-on, toujours à l’aide de l’index et du majeur, pour lier les notes des 4e et 5e cases, puis jouez un tapping à la 12e case (toujours avec le majeur de la main droite)!

http://www.guitaredomination.com/blogue/wp-content/uploads/2010/09/TAPPING2.mp3

3) Jouez des plans plus complexes de tapping à la guitare!

Si, lors d’un plan de guitar tapping, vous effectuez une succession de hammer-ons et de pull-offs autant avec la main gauche qu’avec la main droite, vous pouvez littéralement doubler l’effet obtenu et accentuer la régularité de chaque note.

Tout ce que vous devez faire, c’est affecter une séquence rapide de hammer-ons et de pull-offs, et les disposer dans le bon ordre pour optimiser l’effet du guitar tapping (en n’oubliant pas, bien entendu, de soutenir le rythme).

Car l’idée est de conserver le rythme initial; dès qu’une suite de notes est ajoutée, vous devez la jouer sans perdre le rythme initial! Cela est essentiel pour augmenter la souplesse de vos doigts, la synchronisation et l’exactitude rythmique!

Maintenant que vous êtes capable de faire sonner clairement une suite de 3 à 4 notes, ajoutons-en quelques autres, et jouons-les sur différentes cordes. Réussir ce changement de position de façon naturelle et sans perdre le rythme exige une certaine agilité et une plus grande concentration – vous devrez donc être patient et pratiquer souvent pour le réussir. Mais, après tout, rien ne presse et nous avons tout le temps nécessaire, n’est-ce pas?

Exercice de guitar tapping #3.

Essayons maintenant de jouer une autre succession de notes en tapping, mais cette fois-ci en jouant sur plusieurs cordes et en augmentant la vitesse!

Tout d’abord, à l’aide de l’annulaire nous maintenons une note fixe à la main gauche, à la 15e case de la plus petite corde (note mi). Ensuite, l’index vient frapper la case 12 (mi) à la façon d’un pull-off; ensuite, du majeur de la main droite, nous venons taper à la case 19. Enfin, l’index est retiré de la case (tout en tirant la corde vers l’extérieur) une fois de plus, afin de jouer de nouveau le sol à la 15e case.

http://www.guitaredomination.com/blogue/wp-content/uploads/2010/09/TAPPING3.mp3

Surtout, veillez à garder un rythme constant et à ce que le passage de la première corde à la deuxième corde (puis à la troisième corde, et vice-versa), se fasse de manière naturelle et sans notes parasites.

Exercice de guitar tapping #4.

Dans cette dernière séquence de guitar tapping, nous utiliserons à nouveau la courte suite de notes de l’exercice #2, mais nous allons le jouer à la deuxième corde (au lieu de la troisième), puis en ajouterons de nouvelles. Donc, encore une fois, on pince d’abord légèrement la deuxième corde (à vide) à l’aide de l’index; on enchaine avec un hammer-on à l’aide de l’index et du majeur pour lier les notes des 4e et 5e cases; enfin, on effectue un tapping à la 12e case, toujours avec le majeur de la main droite! Ensuite, on joue de nouveau cette suite, mais cette fois-ci en enchaînant avec les 4e et 7e cases, au lieu de la 5e. La suite du plan de tapping se poursuit sur la troisième corde, sans l’utilisation de la corde à vide, puis on enchaîne aux troisième et quatrième mesures avec un slide, pour terminer avec un vibrato sur la note do#.

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Pour terminer, n’oubliez pas votre timing! Dans la mesure du possible, pratiquez le tapping à la guitare avec un métronome, à une vitesse très lente, par exemple à 60 battements par minute. Jouez les exercices ci-dessus à ce tempo. Lorsque vous serez parfaitement à l’aise avec cette vitesse, augmentez-la progressivement. Puis, quand vous atteindrez votre rapidité maximale, continuez de pratiquer ces exercices de tapping durant quelques jours (ou semaines, dans certains cas), et vous devriez pouvoir augmenter votre vitesse de jeu davantage!

Le turnaround, une formule très typique du blues, est une suite de notes ou d’accords servant à relancer une grille de blues ou à lier la fin d’une progression (ou d’un plan). En guitare blues, les turnarounds sont ce que vous voulez apprendre et pratiquer une fois que vous pouvez jouer quelques morceaux blues de 12 mesures dans différentes tonalités et maitrisez les principaux accords (majeur et septième) qui les constituent.

Un turnaround débute le plus souvent à la 11e mesure et se termine à la 12e, en mineur comme en majeur. Un turnaround, lorsqu’il est bien joué, sert essentiellement à donner une fin emphatique à une progression blues, et est le signal que vous êtes sur le point de retourner une fois de plus au tout début de la progression ou séquence (d’où son nom…).

Nous vous proposons ci-dessous un assortiment de cinq turnarounds de base en blues – issus de gammes et degrés de difficultés différents – à incorporer dans votre jeu à la guitare. Prenez le temps d’analyser les notes et accords de ces turnarounds avant de les jouer. La descente et la montée aux deux dernières mesures de la progression sont très typiques du turnaround en guitare blues.

Pour déplacer un turnaround dans une clé différente, identifiez d’abord la note fondamentale de la progression. Ensuite, déplacez la structure pour l’adapter à la nouvelle position. Certains turnarounds seront plus difficilement transposables, étant donné l’utilisation des cordes à vide.

Amusez-vous!

Blues turnaround #1.

Ce premier turnaround est inspiré du jeu de Robert Johnson, une légende du blues et une grande source d’inspiration pour des artistes tels que Jimi Hendrix, Jimmy Page, Bob Dylan, Brian Jones, Keith Richards ou encore Eric Clapton (Cream). On ouvre le turnaround dès la troisième mesure sur un accord de E7, et il se conclut à la quatrième mesure sur un accord de B7. Entre les deux, seulement des notes des deuxième et cinquième cordes seront employées.

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Blues turnaround #2.

Les blues en tonalité de E, comme celui-ci, permettent une plus grande variété de turnarounds et, généralement, ils sont transposables assez facilement. Encore une fois, le turnaround débute à la troisième mesure sur un E, et se conclut à la quatrième mesure sur un accord B7.

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Blues turnaround #3.

La fin de ce turnaround est agrémentée d’un phrasé rapide combinant un hammer-on et un pull-off. Cette dernière nous ramène enfin au riff shuffle en tonalité de E (à la première mesure).

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Blues turnaround #4.

Ce turnaround très typique du jeu de B.B King, qui débute sur un accord de C5 à la troisième mesure et se termine sur deux accords neuvième, met à l’épreuve votre capacité d’exécuter la technique du slide.

http://www.guitaredomination.com/blogue/wp-content/uploads/2010/09/TURNA_4.mp3

Blues turnaround #5.

Cette progression blues rapide en tonalité de E, qui rappelle beaucoup le style texan de Stevie Ray Vaughan, peut être jouée avec un médiator, mais elle est plus facile à effectuer avec les doigts. C’est à votre guise! Dans le cas du fingerpicking, on utilise le pouce pour jouer les bases et on pince les petites cordes avec l’annulaire et le majeur. La deuxième piste audio (backing track) qui suit vous permet de jouer accompagné d’autres instruments. Le turnaround de ce morceaux blues est représenté par la couleur bleu clair. Soyez attentif au hammer-on sur la dernière mesure!

Blues texan rapide :

http://www.guitaredomination.com/blogue/wp-content/uploads/2010/09/TURNA_5.mp3

backing track :

http://www.guitaredomination.com/blogue/wp-content/uploads/2010/09/TURNA_5_backing_track.mp3

Répétez ces différents turnarounds le plus souvent possible pour les assimiler et arriver à les ajouter à votre jeu rythmique en blues. Vous pouvez créer vos propres turnarounds en vous inspirant de ceux-ci, par exemple en modifiant la transposition ou encore en changeant quelques notes.

Tel qu’annoncé le 31 août dernier, c’est aujourd’hui le 10 septembre 2010 qu’avait lieu le tirage au sort pour déterminer le gagnant du concours « Gagnez un Pocket POD de Line6 grâce à GD! ».

Rappelons que Guitare Domination faisait tirer au hasard, parmi tous ses fans sur Facebook et abonnés Twitter, un Pocket POD de Line6 d’une valeur de 109 €!

L’heureux gagnant est Olivier Dumont, Caen – France.

Félicitations Olivier!

Vous aimeriez partager votre passion pour la musique avec d’autres musiciens? Vous joindre à un band? Donner de la visibilité à votre propre groupe et dénicher de nouveaux membres pour celui-ci?

Depuis à peine 3 mois est en ligne un tout nouveau réseau social pour musiciens (en français), un site qui gagne sans cesse en popularité : Mupiz! Ce site et outil de réseautage social, qui dit combiner « les meilleures fonctionnalités des sites Facebook et MySpace autour d’un réseau social dédié aux musiciens », a pour buts de permettre tant aux amateurs qu’aux professionnels – tous genres, âges et instruments confondus – d’entrer en contact avec d’autres musiciens et d’offrir une visibilité à leurs projets.

Sur Mupiz, chaque musicien (et ses groupes) peut disposer d’un profil public complet comprenant sa musique, un « mur » (babillard où publier liens, photos, etc.), un album de photos et un design à personnaliser. Le tout agit comme une véritable carte de visite virtuelle!

Vous êtes guitariste? Drummer? Trompettiste, ou autre? Vous n’avez donc qu’à vous inscrire au Mupiz.com, puis utiliser le moteur de recherche hyper sympa; il vous permettra de trouver facilement musiciens et groupes par influences, styles de musique, instruments et ville, entre autres.

De plus, notez qu’une fois sur le site, même les personnes qui ne sont pas membre de Mupiz peuvent s’inscrire à la newsletter des bands (pour recevoir de l’information, des nouvelles) et se mettre en relation avec ceux-ci par un formulaire de contact en ligne.

Certaines des fonctionnalités intéressantes de Mupiz :

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• Possibilité de choisir l’url de son profil Mupiz (exemple : http://www.Mupiz.com/votrenom);
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• Statistiques complètes pour chaque musicien (nombre de lectures par chanson, nombre de visites quotidiennes, etc.);
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Voilà un excellent moyen de se faire de nouveaux amis musiciens et la promotion de sa musique!

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En réponse à des centaines de courriels d’élèves embêtés par l’accord de fa majeur barré à la guitare, GD vous enseigne exactement comment jouer celui-ci, même si vous ne savez pas encore bien faire un accord « barré »!

Pour les débutants en guitare, l’accord de fa majeur est l’un des accords les plus difficiles à jouer, puisque c’est un accord « barré » – un accord impliquant qu’au moins l’un des doigts de votre main frettante presse plusieurs cordes à la fois sur le manche. Cette position peut en effet être difficile pour les guitaristes débutants, car elle nécessite beaucoup de force dans la main et les doigts pour obtenir un son d’accord clair, net.

De ce fait, entreprendre la maitrise de l’accord de fa barré tôt dans votre apprentissage de la guitare pourrait vous faire perdre de la motivation, ou pire, vous pourriez ne plus vouloir apprendre à jouer de la guitare!

Alors, ne vous en faites pas trop. Avoir de la difficulté à maitriser cet accord est tout à fait normal! Bon nombre de guitaristes, certains même expérimentés ont de la difficulté à faire sonner l’accord de fa barré correctement…

Donc, si vous aussi avez de la difficulté à jouer l’accord de F, ou à l’enchaîner de façon fluide avec d’autres accords, il est préférable de le mettre de côté pour l’instant (mais pas pour toujours, évidemment!). Tournez-vous plutôt vers les 5 astuces pour éviter de jouer l’accord de fa majeur ci-dessous, des trucs qui vous permettront aussi d’aborder l’apprentissage de l’accord de fa en douceur, progressivement.

1. Évitez la tonalité de do

Lorsqu’on débute en guitare, il est préférable de commencer avec des morceaux en tonalité de sol (G) et de ré (D). Ensuite, lorsque vous maitrisez bien celles-ci et les principaux accords à trois sons qui les animent, passez à l’apprentissage des accords à trois sons dans les tonalités de la (A) et mi (E). Ces quatre tonalités vous permettront de jouer des milliers de progression d’accords, et aucune d’entre elles ne contient l’accord de fa majeur. N’est-ce pas merveilleux pour vos pauvres doigts?

L’accord de fa (F) est souvent présent dans l’armature de la tonalité de do (C). Les débutants en musique travaillent souvent en tonalité de do parce qu’il s’agit d’une tonalité très employée en piano, et cet instrument constitue la base de la théorie de la musique occidentale. Au piano, dans cette tonalité, on ne joue que les notes blanches du clavier… cela rend les choses très simples pour les apprentis. Mais en guitare, jouer en tonalité de do oblige le guitariste à faire face à ce vilain accord de fa et son barré… Au début de votre apprentissage de la guitare, il est donc préférable d’éviter la tonalité de do!

2. Utilisez un capodastre (capo)

Vous pourrez jouer de la guitare en do avec un capodastre, pour éviter d’avoir à jouer l’accord de fa barré. Le capodastre est un petit système mécanique que l’on utilise pour transposer le manche de sa guitare sans avoir à toucher à l’accordage : on « limite » ainsi l’accès au manche, on joue en effet sur une plus petite partie du manche. En fait, en l’utilisant, les cordes de votre guitare sont plaquées contre le manche, comme si vous jouiez un accord barré! Grâce au capo, la longueur à vide des cordes de votre guitare devient plus courte, et l’on obtient de cette manière des sons plus aigus.

En jouant avec un capo placé à la troisième frette du manche, les accords A (la), D (ré) et E (mi) joués à cordes ouvertes sont en réalité les accords C (do), F (fa) et G (sol) - tous dans la tonalité de C (do), mais aucun accord barré pour vous embêter…!

Comme ceci :

Accord de fa (avec capo) – position de D

Tout cela est bien sympa jusqu’à maintenant, mais il y a un petit problème : on retrouve l’accord de fa dans de si nombreuses chansons… Voici davantage de solutions! Il existe en effet plusieurs façons de jouer l’accord de fa de manière « simplifiée ».

3. Jouez l’accord de fa à 3 notes seulement

Vous pouvez jouer l’accord de fa majeur avec seulement 3 notes – essentielles : la fondamentale, la tierce et la quinte. Ces trois notes forment ce que l’on appelle une triade. Les guitaristes utilisent fréquemment les triades pour créer de nouveaux sons, en jouant des accords ou des solos.

L’accord de fa est un accord en tonalité majeure. La gamme de fa majeur comprend les notes suivantes : fa (F) sol (G), la (A), si bémol (Bb), do (C), ré (D), mi (E) et fa (F). Pour connaitre l’accord de fa majeur, il faut localiser les fondamentale, tierce et quinte de la gamme de fa majeur…

On a donc fa, la et do.

Voici l’une des façons de jouer l’accord de fa de façon simplifiée (observez le diagramme ci-dessous. Vous ne devez jouer que les quatrième, troisième et deuxième cordes – la fondamentale, la tierce et la quinte respectivement.) :

Si par mégarde vous jouez la corde de mi aigu, vous obtenez un accord de fa majeur septième. Cela sonnera tout de même bien en tonalité de do, toutefois, pour obtenir un bon accord de fa, tâchez d’éviter la petite corde de mi en jouant. Notez que vous pouvez aussi abaisser légèrement votre premier doigt pour atténuer le son de la corde.

4. Utilisez la position de l’accord de mi (E)

Placez vos doigts sur les cordes de manière à former l’accord de mi ouvert (E) – accord qui devrait vous être familier –, mais une frette plus « bas » sur le manche. Votre index se trouvera donc sur la deuxième frette de la corde de sol (G). Voilà une autre position simplifiée vous permettant de jouer la triade de l’accord de fa. Comme ceci :

Accord de fa majeur (motif simplifié) – position de E

Jouez les cinquième, quatrième et troisième cordes seulement, qui sont les quinte, fondamentale et tierce de l’accord respectivement.

5. Utilisez une position en accord de ré plus bas sur le manche

Cette fois, nous utiliserons une autre triade de l’accord de fa, mais un peu plus bas sur le manche, soit à la cinquième frette. La position des doigts sera la même que lorsque vous jouez l’accord de ré (D) ouvert, toutefois vous jouerez plus bas sur le manche. Vous n’avez qu’à déplacer vos doigts – vous rapprocher du bas du manche – de 3 frettes, mais vous ne devez pas jouer la corde de ré à vide! Donc, nous jouez que les 3 premières cordes, pour obtenir un vrai accord de fa majeur! Comme ceci :

Accord de fa majeur (motif simplifié) – position de D

Chouette, n’est-ce pas?

Pour un accord de fa plus « complet », vous pourriez aussi ajouter le fa (note) à la troisième frette de la corde de ré. Servez-vous du diagramme ci-dessous pour connaitre la position de doigts sur le manche. Cette position demande un peu plus de flexibilité que la précédente, mais avec de la pratique, vous y arriverez en peu de temps assurément. Nous vous suggérons de commencer par vous habituer à placer vos deuxième, troisième et quatrième doigts sur le manche. Quand cela sera facile pour vous, alors ajoutez la fondamentale – la position avec votre premier doigt (index) sur le manche :

Accord de fa majeur (position D) avec la note fondamentale

Pour terminer, les accords barrés sont très importants en guitare, et il ne faut pas omettre de les apprendre ou de les pratiquer. Jouez donc l’accord de fa barré de temps à autre, afin que vous arriviez à délaisser ces positions simplifiées avec le temps. Bien jouer l’accord de fa n’est pas chose impossible à réaliser…; il vous faudra simplement développer la force et souplesse nécessaire dans votre main frettante et le pratiquer régulièrement!

Allez « hop », à vos guitares!

Êtes-vous de ces musiciens qui tardent à apprendre le solfège pour guitare ou qui doutent de la nécessité d’apprendre la théorie musicale pour devenir un meilleur guitariste? Peut-être vous demandez-vous en quoi un guitariste débutant ou expérimenté qui ne maitrise pas des notions de théorie de la musique peut se trouver « désavantagé » et « limité » dans plusieurs aspects de son jeu? Guitare Domination s’est penché sur la question de l’utilité (de la nécessité…?) d’apprendre le solfège en guitare – en se basant d’ailleurs sur l’expérience d’apprentissage de milliers d’élèves à travers le monde – et vous présente ses conclusions dans le présent article.

Avant de passer au plat principal, voyons 5 grands mythes reliés à l’apprentissage du solfège pour guitare - ces raisons (fausses!) qui vous empêchent peut-être d’apprendre le solfège… :

Mythe #1. « Le solfège pour guitare, c’est difficile; il faut être très intelligent pour arriver à bien la connaître, on doit l’étudier à l’université ou au conservatoire de musique, etc. »

Mythe #2. « Si j’apprends le solfège, j’aurai moins de temps pour jouer de la guitare; cela me fera carrément perdre du temps, puisque je suis musicien autodidacte. »

Mythe #3. « Apprendre le solfège, cela consiste uniquement à mémoriser les notes, les accords, le système tonal, les altérations, les armatures, etc. »

Mythe #4. « Je n’ai pas besoin de connaitre le solfège en guitare, car si j’en apprends trop, cela m’influencera et nuira à ma créativité comme guitariste. »

Mythe #5. « Quand on connait le solfège et la théorie musicale, on a tendance à sur-analyser et ne pas laisser libre cours à ses idées; ce n’est pas comme cela que l’on crée de la bonne musique! Je veux me laisser aller, écrire et jouer ce qui me chante à la fin! »

Passons maintenant à la vérité, aux faits!

Alors, à quoi le solfège sert-il en guitare?

Il est vrai que l’on peut bien jouer de la guitare sans connaître une seule règle du solfège… Après tout, plusieurs icônes de la guitare, par exemple Jimi Hendrix et Stevie Ray Vaughan, possédaient très peu, voire aucune connaissance du solfège et de la théorie de la musique; ils sont néanmoins encore vénérés aujourd’hui et considérés comme de véritables « légendes » en musique et en guitare!

Cela dit, les opinions divergent grandement, en ce qui concerne la question de la nécessité d’apprendre le solfège, et ce sera probablement toujours ainsi. Cependant inutile de se le cacher, une compréhension de base du solfège (comme les intervalles ou la construction des triades) permet indiscutablement de faire face plus aisément à certains arrangements et techniques de jeu plus difficiles, notamment les solos, l’improvisation et la composition.

Ainsi, par la maitrise de certaines bases du solfège en guitare, vous ajouteriez quelques flèches à votre carquois – et vous auriez le bagage nécessaire, si vous décidiez de faire carrière en musique ou de composer vos propres chansons par exemple.

Mais, étudier le solfège, c’est d’abord et avant tout apprendre à bien s’exprimer par la musique. Le solfège constitue en fait un ensemble de règles et de directives qui ont pour but d’aider les musiciens à comprendre les différents moyens d’exprimer des émotions par le son.

Par ailleurs, l’apprentissage du solfège est indéniablement une très bonne façon de créer chez vous des automatismes musicaux, de surmonter les obstacles, des impasses créatives et de progresser nettement à la guitare, et ce, dans les meilleures conditions et en éprouvant le plus de satisfaction et de plaisir possible.

Apprendre le solfège pour guitare est essentiel pour tous les guitaristes, et c’est un acquis chez la plupart des grands musiciens et « artistes du son ». D’ailleurs vous est-il déjà arrivé de vous dire « Comment pourrais-je arriver à écrire ce genre de musique? », en écoutant une chanson que vous adorez? Eh bien, c’est tout simple, la réponse à la question précédente est : apprenez les bases du solfège!

En quoi étudier le solfège consiste-t-il?

Théoriquement, le solfège est tout simplement un ensemble de règles et d’usages attachés à un type de musique particulier.

Sans doute possédez-vous quelques notions de base de musique sans même le savoir.

Par exemple, si vous savez que la lettre C est utilisée pour désigner l’accord de do, vous connaissez un peu le solfège en guitare; si vous pouvez différencier la grosse corde de la petite corde sur votre guitare, vous connaissez un peu le solfège; si vous vous surprenez à compter les temps d’un morceau à la radio, vous connaissez un peu de théorie musicale…

Par ailleurs, étudier le solfège, cela ne consiste pas seulement à apprendre à construire des accords, se familiariser avec les intervalles, connaitre les différentes armatures, etc. En fait, chacun des concepts reliés à celle-ci est une « idée » ou une « fondation » pouvant servir à exprimer ses pensées à l’aide du son et de la musique.

Certains affirment qu’apprendre la théorie de la musique n’est pas nécessaire en guitare ou s’avère le plus souvent superflu, car lorsque l’on analyse trop ce que l’on crée, on a tendance à omettre de « sentir » la musique (plan émotionnel), ou encore parce que ce ne sont pas « tous » les guitaristes qui doivent l’apprendre pour arriver à créer de la bonne musique ou à bien jouer de la guitare. Pourtant, plus l’on en sait sur la théorie de la musique, plus l’on peut comprendre ce que l’on joue, et par conséquent, parvenir à susciter plus aisément, par sa musique, des idées, des pensées ou des émotions chez l’auditeur.

Vous êtes guitariste; vous êtes « athlète »

Imaginez que vous aviez pour objectif de commencer à vous entrainer pour développer vos muscles et devenir plus fort. Vous ne vous diriez sûrement pas « Je désire à tout prix faire de l’exercice et bientôt avoir de gros muscles, mais pas question que j’en apprenne davantage sur la santé, la nutrition et la façon adéquate de m’entrainer avec les poids pour parvenir à mes fins, car cela va m’empêcher de devenir plus fort! Tout ce que je dois faire, c’est aller au « gym » pour soulever des poids quand j’en ai envie, et c’est certain que j’attendrai mon but… »

Vous voyez que cette façon de penser n’a aucun sens?

Après un certain temps, tous les musiciens vivront un certain « blocage créatif », s’ils manquent d’information pour traduire leurs idées en musique. Mais par l’apprentissage du solfège, vous apprenez à utiliser les sons et les rythmes de manière à générer une émotion chez l’auditeur – le plus important quoi. Maitriser le solfège et les processus et les modèles qui y sont utilisés s’avère également un excellent vaccin contre « la page blanche musicale »…

En outre, bien connaitre la théorie de la musique devrait enrichir vos improvisations à la guitare! Apprendre pourquoi certains accords ou gammes évoquent telles ou telles émotion ou image chez vous vous permettra de prendre des décisions plus rapides à la guitare, peu importe la « situation musicale » dans laquelle vous vous trouvez.

Étude du solfège en guitare – la bonne approche

Parlons maintenant de l’apprentissage du solfège pour la guitare en tant que tel. Beaucoup de gens croient qu’étudier la théorie musicale est très difficile. Mais pensez-y… n’importe quel sujet que l’on aborde pour la toute première fois semble le plus souvent complexe, mais plus on le découvre et s’y exerce, plus le tout devient peu à peu plus facile… Nul besoin d’être un génie pour apprendre le solfège, tout comme l’on n’a pas besoin d’être un Einstein, pour apprendre à conduire, à lire ou à jouer à un jeu, etc.

Votre approche de l’étude de la théorie de la musique dépendra aussi de vos buts. Quels sont vos objectifs en tant que guitariste? Bien jouer des chansons, être un compositeur doué et créatif, jouer des chansons seulement pour vous amuser, maitriser certaines techniques avancées en guitare, faire partie d’un groupe, enseigner la guitare, être capable d’improviser comme un dieu de la guitare, la musique, etc.? Eh bien, apprendre le solfège vous sera utile dans chacun de ces scénarios… D’ailleurs, si vous avez pour but de devenir un maître de la musique ou un guitariste professionnel, alors maitriser le solfège vous sera nécessaire; elle devrait être une priorité pour vous!

Mettre sur papier vos buts en musique serait un bon départ. Déterminez aussi les raisons pour lesquelles vous voulez atteindre ces buts. Que voulez-vous accomplir grâce à la musique? Comment vous sentirez-vous quand vos atteindrez ces objectifs? De quelle manière vous sentiriez-vous, si jamais vous n’arriviez pas à les atteindre? Répondre à ces questions devrait vous donner de la motivation et vous inciter à faire en sorte de faire le nécessaire pour parvenir à réaliser vos objectifs. Vous devriez relire ces phrases de temps à autre, pour ne jamais perdre de vue vos buts et préserver votre détermination. Vos objectifs guitaristiques changeront peut-être avec le temps – cela ne serait pas surprenant –, donc n’omettez pas de modifier votre feuille de route en conséquence.

Apprendre et évoluer en guitare, c’est plaisant!

Pour terminer, les musiciens qui se demandent toujours si oui ils ou elles devraient apprendre le solfège pour guitare ne réalisent pas ceci : étudier le solfège est loin d’être compliqué; en fait, celui-ci est relativement facile d’approche quand on s’y prend correctement. Bien connaître le solfège n’est qu’une question de temps et de dévotion. C’est comme apprendre une nouvelle langue!

Aussi rappelez-vous que, au départ, la musique vous passionne… Ainsi, comme guitariste, il est tout à fait excitant et stimulant pour vous d’apprendre de nouvelles choses! Et n’oubliez pas qu’apprendre la musique impliquera toujours de travailler d’une certaine manière. Par ailleurs, il faut travailler dur et beaucoup pour exceller dans un domaine, et c’est bien souvent le fait que vous aimiez ou n’aimiez un type de « travail » qui déterminera votre niveau de réussite dans celui-ci… Prenez goût à apprendre le solfège, faites chacun des exercices que l’on vous demande de faire, et gardez en tête le but que vous désirez atteindre afin d’éviter de perdre votre motivation. Aussi, il ne faut pas vous en tenir à faire les exercices que l’on vous demande de faire; faites-en plus! Vous devriez vous exercer jusqu’à ce que vous connaissiez la base du solfège sur le bout des doigts!

Pour étudier le solfège en profondeur, à la maison, Guitare Domination recommande l’utilisation du logiciel « Crescendo édition complète version 6 », un cours complet et efficace disponible sur amazon.fr au prix de 49 euros.

Voici tout ce que vous pourrez faire après avoir appris les bases du solfège :

Comprendre pourquoi votre guitariste favori a utilisé tel ou tel accord, ou encore telle gamme en particulier dans l’une de ses chansons;

Écrire vos propres chansons;

Devenir un guitariste talentueux;

Comprendre quelles notes il vous faut employer lorsque vous jouez une mélodie pour accompagner une progression d’accords;

Créer de belles progressions d’accords;

Comprendre pourquoi la musique peut vous faire ressentir certaines émotions;

Écrire des chansons très accrocheuses, belles, joyeuses ou tristes, etc.;

Vous aider à éliminer ou surmonter le syndrome de la page blanche musicale;

et beaucoup plus encore…

Et vous, qu’elle est votre opinion sur la nécessité d’apprendre le solfège pour s’améliorer en guitare? Partagez avec nous votre expérience personnelle en ce qui concerne la connaissance de la théorie musicale en guitare!

D’ici au 10 septembre 2010, devenez fan de Guitare Domination sur Facebook ou suivez-nous sur Twitter, et courez la chance de gagner un processeur d’effets et de modélisations d’amplis Pocket POD de Line6 – un cadeau d’une valeur de 109 €!

Guitare Domination souhaite vous dire « merci » pour avoir dépassé les 1000 « adeptes » sur Facebook et fera donc tirer, parmi tous ses fans sur Facebook et abonnés Twitter (que vous soyez élève de GD ou non), un Pocket POD de Line6 d’une valeur de 109 €!

Le prix : Un pocket Pod de Line6 (ce concours est TERMINÉ!)

« De la taille d’un accordeur, le Pocket Pod est le seul processeur d’effets et de modélisations d’amplis pour le travail personnel à offrir plus de 300 « presets » réalisés spécialement par les plus grandes vedettes « rock » et les meilleurs musiciens de studio professionnels. Avec ses 32 modélisations d’amplis vintage et modernes, ses 16 modélisations d’enceintes et ses 16 effets, le Pocket POD vous permet de créer des sons de guitare époustouflants n’importe où, dès que l’inspiration vous envahit. »

Comment participer? (ce concours est TERMINÉ!)

1) Devenez adepte de Guitare Domination sur Facebook;

ET, pour augmenter vos chances de gagner…

2) Suivez-nous sur Twitter!

Faites vite, le tirage au sort aura lieu le 10 septembre 2010!

Note : Le CONCOURS « Gagnez un Pocket Pod de Line6 grâce à GD! » est offert aux nouveaux fans de GD sur Facebook et nouveaux abonnés à GD sur Twitter, toutefois, si vous êtes déjà adepte (et abonné à notre compte Twitter), vous êtes automatiquement inscrit et courez la chance de gagner le Pocket POD de Line6 d’une valeur de 109 €.

Mise à jour du 10 septembre 2010 : Ce concours est TERMINÉ, cliquez ici pour connaître le résultat du tirage!

À l’heure actuelle, Twitter est l’une des meilleures façons de mieux connaitre ses artistes préférés et de rester en contact avec eux. Plusieurs guitaristes connus utilisent maintenant cet outil de microblogage afin d’établir un lien avec leurs fans. Bien entendu, plusieurs de vos guitaristes préférés ne posséderont jamais de compte Twitter, mais voici 10 « twittaristes » que vous aurez certainement envie de lire sur Twitter!

N’oubliez pas de suivre Guitare Domination sur le site de Twitter!

1. Steve Vai (http://twitter.com/stevevai)

En direct de « Vénus », Steve publie sur Twitter des nouvelles en tous genres et partage ses réflexions de guitariste chevronné. Son tout dernier conseil aux élèves en guitare qui cherchent à améliorer leur vitesse de jeu : « Si votre but est de jouer de la guitare à la fois très vite et nettement, il vous faut commencer par jouer lentement et parfaitement ce que vous pratiquez. Chaque note jouée doit être juste, jouée au bon endroit – car chaque note possède son « adresse » sur la guitare. Dès le moment où ce que vous apprenez sonne parfaitement quand vous le jouez à un tempo lent, vous pouvez commencer à le jouer plus rapidement. » C’est noté?

2. The Edge (http://twitter.com/360FromTheEdge)

Malheureusement, The Edge a cessé son activité sur le site il y a quelques mois. Mais auparavant, c’était un « twittariste » très actif, et son approche de Twitter était unique : il n’y publiait que des photos! Lors d’une entrevue, le guitariste de U2 s’est expliqué à ce sujet : « Ces nouveaux mouvements du domaine digital m’intéressent. Puis, un jour, Twitter est arrivé. L’idée d’un « dialogue » sur le Web ne me plaisait pas, par contre. Selon mon expérience personnelle, il est très facile de mal interpréter les mots d’une personne, sur le Net, mais j’ai eu l’idée d’utiliser Twitter d’une manière différente. J’ai décidé d’en faire un journal de photos. J’y envoie des tonnes de photos et les gens semblent aimer cela… ». Oui, et tu nous manques, The Edge!

3. John Mayer (http://twitter.com/johncmayer)

John Mayer est actuellement l’un des guitaristes les plus « influents » et actifs sur Twitter. Le guitariste blues et chanteur américain qui s’est fait connaitre par la chanson « Your Body Is a Wonderland » a en effet l’habitude de publier plusieurs commentaires chaque jour sur son Twitter… En voilà un qui a toujours quelque chose d’intéressant et de drôle à raconter!

4. Keb’ Mo’ (http://twitter.com/kebmomusic)

Ces derniers temps, Kevin Moore – chanteur et guitariste de blues américain lauréat de plusieurs prix Grammy – aura principalement utilisé Twitter pour venir en aide aux victimes de l’inondation qui a eu lieu à Nashville, au Tennessee au début de mois de mai. Lui-même et sa famille ont dû être relogés avant l’inondation, mais depuis l’artiste a travaillé dur et s’est produit plusieurs fois avec de ses amis musiciens – dont Amy Grant –; Twitter lui aura servi à annoncer tous ces concerts de « dernière minute » aux abonnés qui le suivent en ligne.

5. Joe Perry (http://twitter.com/admiralperry)

Le guitariste d’Aerosmith a délaissé son compte Twitter depuis plus d’un mois, mais il y reviendra probablement bientôt… en tout cas, on le souhaite! Perry avait l’habitude de publier fréquemment sur sa page Twitter des photos, des messages pour sa femme et des confidences à l’image de son statut de « rock star », par exemple son désir de parvenir à « établir la set list parfaite pour un concert ».

6. Slash (http://twitter.com/slash)

Malgré son « look » dur et froid –  le chapeau haut-de-forme et ces verres fumés qui le caractérisent – Slash serait un homme sympathique et approchable, selon le contenu de ses « tweets » (les messages qu’il publie sur Twitter). Sur le site, le guitariste raconte ses sorties, des virées à des concerts et à des événements sportifs, et ce qui se passe dans sa famille. Ces temps-ci, Slash publie des messages dans Twitter plusieurs fois par semaine, même si sa très longue tournée promotionnelle pour son album solo l’occupe largement…

7. Dave Mustaine (http://twitter.com/davemustaine)

Le chanteur et guitariste fondateur du groupe Megadeth n’était jusqu’à dernièrement pas très actif sur sa page Twitter, toutefois, depuis la parution américaine le 3 août dernier de son autobiographie, « A Heavy Metal Memoir », Dave nous tient au courant de ses activités davantage. Espérons que cela continue!

8. Tom Morello (http://twitter.com/tmorello)

Le guitariste des groupes américains Rage Against the Machine et Audioslave publie au moins un message par semaine sur Twitter. Par ses billets, l’on découvre un homme sympathique et drôle. Le jour de la Fête nationale américaine, Morello a d’ailleurs partagé une recette de cocktail avec ses abonnés… « Le Cocktail du Jour de l’Indépendance : le Summertime Morello. Recette : 1 mesure de vodka Absolut à la pêche; 1 mesure de Snapple thé de citron; 1 mesure de Sprite, le tout servi sur glace. Régalez-vous! »

9. Zakk Wylde (http://twitter.com/zakkwyldebls)

Le guitariste américain qui a longtemps joué aux côtés d’Ozzy Osbourne publie si souvent des messages sur Twitter qu’il est difficile de croire qu’il puisse, en une journée, faire autre chose qu’écrire des billets pour le site, jouer de la guitare et dormir! Wylde se sert également assez souvent de Twitter pour faire la promotion de ses guitares électriques Gibson « signature », dont la Zakk Wylde Les Paul Bullseye.

10. Vernon Reid (http://twitter.com/vurnt22)

Le fondateur et le principal parolier du groupe de fusion Living Colour est un utilisateur de Twitter ne chômant pas du tout! Reid publie des messages dans sa page Twitter plusieurs fois par jour! Nouvelles personnelles et musicales, vidéos, réflexions personnelles… monsieur Reid est un « twittariste » prolifique!

C’est il y a un an, le 13 août 2009, que le guitariste et inventeur Lester William Polfuss – davantage connu sous le nom de Les Paul – nous a quittés, à l’âge de 94 ans, des suites de complications reliées à une pneumonie. Son apport à l’histoire de la musique et à celle de la guitare électrique est bien sûr colossal : en plus d’avoir été un musicien prolifique, Les Paul a contribué au développement des guitares électriques à corps plein (« solid body »), a créé divers systèmes d’effets sonores qui se sont avérés les fondements mêmes de la musique populaire – dont l’écho, le « delay » et  l’« overdubbing » – et a élaboré les  premières techniques d’enregistrement multipiste. Sans cette invention, les chefs-d’œuvre musicaux de groupes comme The Who, The Beatles et Led Zeppelin n’auraient pu être créés – sans mentionner chacune des chansons populaires enregistrées jusqu’à ce jour. On doit beaucoup à l’inventeur de « La Bûche » (The Log) et l’équipe de Guitare Domination lui rend hommage aujourd’hui en présentant un survol de sa vie et de sa carrière exceptionnelle. 

Biographie de Les Paul

Lester William Polsfuss nait à Waukesha, au Wisconsin, le 9 juin 1915. Il empoigne sa première guitare à l’âge de 9 ans. Dès lors il est fasciné par cet instrument et par les innombrables possibilités que celui-ci présente. À 13 ans, c’est déjà un guitariste professionnel; il se produit au sein de groupes western et country, et commence à bricoler dans son atelier des inventions qui changeront à jamais le son de la musique populaire moderne…

De Polfuss à Rhubarb Red à… Les Paul

Longtemps appelé « Polfuss » par sa maman, Paul abandonne ses études à l’âge de 17 ans pour se joindre à groupe de musique de Saint-Louis : le Sunny Joe Wolverton’s Radio Band. Le leader du groupe le surnomme alors « Rhubarb Red », un surnom qu’il conserve lorsqu’il déménage à Chicago en 1934 et y anime ensuite une émission de musique « hillbilly » à la radio; il joue également de la guitare jazz sous le nom de Les Paul. En 1938, il s’installe à New York où il se joint au groupe Fred Waring and the Pennsylvanians. Il fera partie du groupe pendant 2 ans.

Au cours de la même période où il se produit comme guitariste et fait partie de groupes jazz, country et pop, déterminé à créer des instruments électriques – il n’aimait pas le son et le manque de « sustain » des guitares à corps vide – le « Magicien de Waukesha » passe des fins de semaine à travailler sur sa « guitare électrique à corps plein » (qui était au départ un morceau de 4 par 4 muni de cordes en acier)…; puis, grâce au soutien d’Epi Stathopoulo (le directeur général d’Epiphone) qui lui permet de travailler dans l’usine Epiphone et d’utiliser l’équipement de son entreprise, Les Paul termine son œuvre en 1941 et appelle l’instrument « The Log » (La Bûche).

« Je voulais prouver qu’une guitare dont le corps ne vibre pas était la solution pour gagner en puissance et en « sustain », a-t-il raconté lorsqu’on lui a demandé de parler de sa détermination à mettre au point sa guitare « sans résonance ». J’ai même construit une guitare à partir d’un rail de chemin de fer pour le prouver. Ce que je voulais faire, c’est amplifier la vibration de la corde uniquement, et que le son émis par la guitare soit tout à fait dépourvu du son de résonance du bois. »

Une carrière électrisante

Pendant la Deuxième Guerre mondiale, on appelle Les Paul sous les drapeaux, mais lui permet de demeurer en Californie où il devient un musicien jouant régulièrement au service radio des forces armées américaines. Il forme ensuite un trio avec le bassiste Ernie Newton et le chanteur Jimmy Atkins. Le Les Paul Trio, au son alors unique et innovateur (peu de gens connaissent la guitare électrique à l’époque) se produit fréquemment en direct à la radio et enregistre des V-Discs. Le 2 juillet 1944, la scène jazz s’ouvre à Paul : il remplace Oscar Moore aux côtés de Nat King Cole, Illinois Jacquet et d’autres stars de la musique lors du tout premier concert Jazz at the Philharmonic.

Les Paul accompagne des artistes populaires, durant les années 40, comme Bing Crosby, Dinah Shore et les Andrews Sisters. En 1947 sort le morceau instrumental révolutionnaire « Lover (When You’re Near Me) », le précurseur de l’enregistrement multipiste, chanson sur laquelle on peut l’entendre jouer 8 parties de guitare différentes. Il enregistre également des « hits » avec sa femme, la chanteuse Mary Ford, dont 36 disques d’or, 11 numéros 1 au palmarès, par exemple « How High the Moon », « Lover » et « Vaya Con Dios », la plupart utilisent la technique de l’« overdubbing », technique que Les Paul aura contribué à développer.

Dès la mi-trentaine, Les Paul possède un style de jeu particulier, unique et électrisant combinant un doigté à la Reinhardt et le son honky-tonk de son personnage « Rhubarb Red ». Au sein de son groupe, le Les Paul Trio, il transforme les lancées et les harmonies complexes et ultra-rapides pour les rendre plus lentes, plus subtiles et agréables aux oreilles de monsieur tout-le-monde. Le « son Les Paul » est un son  à la fois puissant, net, et doux.

En 1948, Les Paul frôle la mort dans un accident de voiture qui lui brise le bras droit. Il arrive à convaincre les médecins de placer son bras dans la position qui lui permet de jouer de la guitare. Alité mais certainement pas démonté, en 1949,  l’homme acquiert par la suite une enregistreuse Ampex de première génération qui appartient à Bing Crosby et débute son aventure en enregistrement multipiste, en modifiant l’appareil en lui ajoutant des têtes d’enregistrement et de lecture supplémentaires, et crée ainsi par son expérience le tout premier système d’enregistrement multipiste à bande (le procédé permet à un artiste d’enregistrer plusieurs pistes sonores en même temps, puis de les mélanger pour créer un son plus riche, plus « plein »). Alors qu’il expérimente avec le magnétophone Ampex, il développe aussi le « delay ».

La naissance des guitares Les Paul

Pendant les années où il enregistre avec sa femme, il continue de travailler à mettre au point de sa guitare parfaite, sa « guitare à corps plein ». Bien qu’avec « La Bûche » il se soit rapproché de son but, l’instrument n’est pas exactement ce qui cherche à créer. Au début des années 50, l’entreprise Gibson et Les Paul s’unissent et leur collaboration permet à Paul de créer cette guitare qui n’existait auparavant que dans ses rêves. En 1948, Gibson avait décidé de concevoir sa toute première guitare à corps plein et Les Paul, un amateur de Gibson invétéré, avait été choisi pour accomplir la tâche à partir de son prototype de corps-plein, « La Bûche ». Gibson aura courtisé grandement le guitariste dès son association avec celui-ci; ses représentants ont même livré le tout premier modèle aux nouveaux mariés Les Paul et Mary Ford quand il fut prêt.

Selon le directeur général de Gibson à l’époque, Ted McCarty, « Les a pris la guitare et a commencé à jouer, et ses yeux scintillaient. » Ainsi les guitares Les Paul, les guitares les plus importantes et respectées de l’histoire de la musique, voient le jour en 1952 avec le lancement de la Goldtop, puis de la Black Beauty en 1954, une guitare luxe complètement noire avec accastillage doré et au corps d’acajou. La Junior et la Special suivent en 1954 et en 1955 respectivement, avant que la Standard, guitare canonique, ne soit lancée en 1958. La Standard est aujourd’hui le modèle le plus convoité, et la plupart sont d’ailleurs maintenant dans des coffres de collectionneurs.

Après l’explosion du « rock and roll » dans les années 50, sa guitare signature, la Les Paul, est devenue la guitare de prédilection pour des musiciens de plusieurs générations, dont Chuck Berry, the Everly Brothers et B.B. King, puis, plus tard, Pete Townshend de The Who, Eric Clapton, Bob Marley, Carlos Santana, Dave Grohl (Foo Fighters), The Edge (U2), Lenny Kravitz, Neil Young, Joan Jett, Eddie Van Halen, Billie Joe Armstrong de Green Day, Jimmy Page de Led Zeppelin et plusieurs autres encore. Sa Goldtop est devenue l’une des guitares électriques les plus populaires de tous les temps.

Déclin de la santé et consécration

En 1975, il est victime d’une crise cardiaque et d’une commotion cérébrale. Au fil des ans, il a également développé une surdité permanente. Toutefois, déterminé comme toujours, Les Paul se remet et retourne sur les planches avec propre spectacle, et ce, pour la plupart des années 80 jusque vers la moitié des années 90, au club de jazz de New York le Fat Tuesday’s.

En 1977, Les Paul remporte un Grammy en 1977 pour un album instrumental de duos avec Chet Atkins, « Chester and Lester ». Il gagne 2 autres prix Grammy en 2005 (il était alors âgé de 90 ans) pour le disque « American Made, World Played », un album « all-star » sur lequel on peut entendre, entre autres,  Peter Frampton, Joe Perry d’Aerosmith, Steve Miller, Buddy Guy, Keith Richards, Jeff Beck et Billy Gibbons de ZZ Top. En 1988, il est intronisé au Rock and Roll Hall of Fame comme « architecte du rock and roll »; avant sa mort, il a également été intronisé au Grammy Hall of Fame, au National Inventors Hall of Fame et au National Broadcasters Hall of Fame – c’est le seul guitariste de l’histoire à avoir obtenu tous ces honneurs.

Jusqu’à peu de temps avant son décès, Les Paul se produisait toujours deux fois par semaine avec son groupe le Les Paul Trio sur les planches du Iridium Jazz Club à New York, et ces concerts mettaient souvent en vedette des invités et grands noms du rock tels que Keith Richards et Paul McCartney.

L’une des  figures les plus importantes de l’histoire de la guitare électrique s’est éteinte il y a un an, mais longtemps encore le feu de Les Paul brillera avec nous les guitaristes!

Merci, Les Paul!

La musique du tout dernier film de Christopher Nolan – à qui l’on doit aussi, entre autres, « Memento » et « The Black Knight » – a été composée par Hans Zimmer, et Johnny Marr, ex-guitariste du groupe britannique The Smiths, a participé à l’enregistrement de l’album.

« Au beau milieu de la nuit, j’étais en train d’écrire un morceau et je me suis dit Ouah! C’est Johnny Marr qui devrait jouer cela…, a expliqué Zimmer en entrevue.  Alors j’ai décidé de l’appeler, et il a accepté de participer au projet. »

Marr, qui a un parcours extrêmement varié comme guitariste professionnel, n’en est pas à ses débuts en musique de films : il a composé la musique du film « The Big Bang » du producteur et réalisateur Tony Krantz (« Sublime », « Mulholland Drive », « Felicity ») dont la sortie est prévue pour l’automne 2010. Lorsqu’il n’est pas en tournée avec Modest Mouse, le guitariste prête sa guitare et son talent à des musiciens et groupes variés; il a travaillé sur des albums d’artistes tels que les Pet Shop Boys, Beck, Oasis et, plus récemment, The Cribs.

« La trame sonore d’« Inception » a des sonorités très électroniques, a ajouté Zimmer. Oui, il y a un orchestre, mais l’électronique a aussi une grande place dans l’enregistrement. Mis à part l’orchestre et la guitare de Johnny, tout demeure virtuel dans le mix. »

Pour Marr, travailler avec le compositeur allemand était un but à atteindre : « J’ai beaucoup aimé travailler à la création de la trame sonore d’« Inception », raconte-t-il en entrevue. Et le résultat est excellent. Je voulais travailler avec Hans depuis longtemps… Créer la trame sonore a été super, et le film est très bon. »

Le soir de la première du film, le 13 juillet dernier, Zimmer et lui (ainsi qu’un orchestre composé de 20 musiciens) se sont d’ailleurs produits sur la scène du El Capitan Theatre de Los Angeles pour interpréter la trame sonore du film. Voici une vidéo de la première et du concert (le tout était diffusé en direct sur le Web ce soir-là) qui eut lieu peu de temps après la projection du film au Mann’s Chinese Theatre :

Vous avez vu le film? Qu’en pensez-vous? Et que pensez-vous de la trame sonore de Zimmer, du travail des deux artistes?

Alerte aux fans de John5! La guitare Squier qui a été utilisée – et « pulvérisée » (voir la vidéo ci-dessous) - par le guitariste pendant un concert de Rob Zombie le 27 juillet dernier est présentement en vente sur eBay! Ce concert, un événement rattaché au festival Mayhem, avait lieu à Boston, aux États-Unis. La Squier a été autographiée par John5; le musicien a également inscrit la date du concert sur celle-ci.

Chers amis guitaristes, n’essayez pas ceci à la maison!

L’enchère de la pauvre Squier, qui a débuté à 9,99 $ US, se terminera le 7 août à 9 h 29 PDT (heure d’été du Pacifique) et est présentement de 1500,00 $ US [NDR : Ce fut également le prix de vente final de la guitare de John5, après 21 enchères.]!

Pour miser et suivre les enchères, c’est ici… : http://cgi.ebay.com/ws/eBayISAPI.dll?ViewItem&item=120603695103

Vous commencez tout juste votre apprentissage de la guitare? Ou comme musicien plus expérimenté, vous tâchez de faire monter votre jeu d’un cran? Que vous soyez débutant en guitare ou de niveau supérieur, il vous faut être prudent dans l’apprentissage et la pratique de la guitare, car vous pourriez acquérir de mauvaises habitudes assez rapidement – sans peut-être même vous en rendre compte! Ci-dessous vous trouverez les mauvaises habitudes les plus communes chez le guitariste moins expérimenté/en formation et que faire pour vous en libérer.

Depuis des décennies, les scientifiques essaient d’en savoir toujours plus sur la façon dont une habitude se développe – autant d’un point de vue physiologique que neurologique – chez un individu. Les résultats d’études ont d’ailleurs permis d’établir que l’on peut se débarrasser d’une mauvaise habitude après 21 jours de conditionnement; cela prend également le même nombre de jours – au minimum – pour en développer une nouvelle. C’est que les muscles et les voies neurologiques d’une personne en viennent à se rappeler, à assimiler les « actions répétées » de cette dernière et, éventuellement, ces sensations sont ce qui devient une « habitude » (bonne ou une mauvaise) chez elle.

La « mauvaise habitude » chez le guitariste débutant

Comme guitariste en pleine évolution, vous êtes grandement susceptible de développer de mauvaises habitudes de jeu et de pratique. Par ailleurs, sachez que ces habitudes sont le plus souvent ce qui vous empêche de développer votre plein potentiel comme guitariste!

Que ce soit de placer ses doigts trop loin du manche, d’effectuer son « picking » selon un mauvais angle ou encore d’essayer de jouer 300 notes à la seconde en se défonçant le bras, chaque guitariste semble posséder au moins une mauvaise habitude à la guitare… Mais il faut savoir détecter ces mauvaises habitudes pour ensuite remédier à la situation, et cela pour plusieurs raisons (avant que votre corps ne se fâche et manifeste son mécontentement par une blessure, par exemple…). En reconnaissant et en acceptant le fait que vous avez une mauvaise habitude en jouant de la guitare, vous pourrez par après vous attaquer directement au problème; vous fixer des buts au quotidien pour éviter de conserver cette habitude, quelle qu’elle soit. Puis, assez rapidement, des aspects positifs remplaceront les aspects négatifs dans votre vie… et vous parviendrez lentement à remplacer ces mauvaises habitudes par de bonnes qui, au fil des mois, ne vous quitteront plus et feront de vous un meilleur musicien!

Dites « Bye bye, mauvaise habitude! » : c’est essentiel

La première étape à franchir pour se débarrasser d’une mauvaise habitude en guitare est de définir son problème. Plusieurs habitudes à enrayer? Courage! Vous pourriez vous sentir accablé par toutes ces choses que vous devez changer dans votre manière de jouer de la guitare, mais n’oubliez pas que même cette façon de penser peut se transformer en mauvaise habitude, donc ne soyez pas trop dur envers vous-même! La clé est de se munir de confiance en soi… et de patience! Vous pouvez tous réussir.

Concentrez-vous donc sur un seul aspect à améliorer à la fois. Aussi, ne vous attardez pas constamment et outre mesure à vos défauts; et rien ne sert de vous inquiéter, cela ne vous avancera en rien. Il ne faut pas non plus vous arrêter aux choses que vous ne pouvez changer (par exemple la longueur de vos doigts ou la taille de vos mains – en bout de ligne, ces facteurs auront bien peu à faire dans votre capacité à bien jouer de la guitare…). C’est pourquoi, au lieu de vous vautrer dans ce sur quoi vous n’aurez jamais une influence, analysez votre « mauvaise habitude » en profondeur, puis axez vos efforts sur ce que vous devez faire pour vous améliorer comme guitariste.

Les « mauvaises habitudes » les plus communes chez les guitaristes débutants

Voyons maintenant ces erreurs et mauvaises habitudes les plus fréquentes chez les guitaristes essayant d’améliorer leur technique à la guitare.

1- Un doigté douteux, et omettre de faire des exercices d’assouplissement des doigts

Un mauvais doigté : plusieurs guitaristes font l’erreur de fatiguer leur main qui frette les cordes en éloignant un peu trop leurs doigts du manche quand ils effectuent des « licks » et quand ils jouent des « riffs » et des gammes. Aussi ce mouvement inutile ajoute un petit délai entre chaque note jouée. Un autre aspect d’un doigté mal effectué : un mauvais placement du pouce derrière le manche. Un grand nombre de guitaristes ont tendance à enrouler leur main « frettante » autour du manche de sorte que leur pouce se trouve sur le dessus du manche, en jouant. Cela réduit considérablement l’amplitude de mouvement de la main et cause un placement des doigts déficient.

Assouplir vos doigts : en effectuant des exercices pour assouplir vos doigts au début de chaque pratique de guitare, vous les rendrez plus « agiles » et vous pourrez jouer des accords complexes facilement et jouer des solos plus aisément. De plus, en effectuant des exercices pour les doigts au début de chaque séance, vous rendrez vos doigts plus résistants et vous pourrez jouer plus longtemps sans qu’ils se fatiguent.

2- Ne pas écouter assez de musique, ou encore n’écouter qu’un seul style de musique

Cela pourrait vous nuire énormément dès le début. Écouter beaucoup de musique, et beaucoup de musique de styles différents vous permettra d’être ouvert à toutes les possibilités. Même si vous détestez le country ou le jazz, par exemple, eh bien, il vous faut ne pas fermer la porte à toute cette musique qui pourrait faire de vous un meilleur musicien en bout de ligne. En écoutant beaucoup de musique, vous demeurez motivé, aussi vous pourriez faire des découvertes bien intéressantes.

3- Une technique de « picking » incorrecte

Bien souvent, une technique de « picking » mal effectuée vient freiner la progression d’un guitariste. Cette mauvaise habitude sournoise prend des formes diverses : mauvaise tenue du médiator, médiator tenu trop près du manche/du chevalet en jouant, coups de médiator trop « puissants », etc. Toutes ces mauvaises façons de faire peuvent vous ralentir dans votre quête pour devenir un guitariste talentueux, un guitariste qui joue correctement et qui sait tirer profit de sa guitare…

4- Penser trop

L’une des grandes erreurs du musicien est de « trop réfléchir », de suranalyser tout ce qu’il fait en jouant. Bien jouer de la guitare ne devrait pas impliquer de réfléchir énormément à ce que l’on fait sur scène ou dans le local de pratique : cela ne nécessite qu’une maitrise de la technique ainsi qu’une pratique assidue de son instrument. En comprenant le concept résidant derrière une technique de guitare que vous utilisez pour gagner en précision de jeu, vous transformez une connaissance théorique en connaissance pratique. Mais lorsque vous avez assimilé une notion et la technique qui y est associée, vous ne devriez que jouer et cesser d’y penser!

5- Ne pas accorder sa guitare CHAQUE FOIS avant de jouer

Ne pas accorder sa guitare avant le début de chaque pratique pourrait nuire grandement à votre oreille musicale : assez rapidement votre oreille s’habituera à entendre des notes et des accords qui ne sont pas « justes ».

6- Jouer avec trop de force

Voilà un autre frein important au progrès du guitariste débutant. User de trop de force en effectuant le « picking » à la guitare est tout à fait inutile – cela est même désagréable pour l’auditeur; de plus, il est possible que vous vous blessiez. En fait, jouer de la guitare de façon précise requiert une amplitude de mouvement réduite ainsi qu’un mouvement précis. Ainsi, jouer en utilisant tout le bras et « trop fort » – matraquer les cordes et faire résonner le plus de notes le plus fort possible – ne peut vous mener quelque part d’« harmonieux ».

7- Avoir une mauvaise posture et pas la bonne position

Votre posture et la position de vos membres en faisant de la guitare influenceront beaucoup votre vitesse d’apprentissage et pourraient déterminer si vous vous blesserez ou non. Si vous jouez assis, tenez-vous droit! Sinon, les maux de dos vos guettent! Lorsque vous jouez debout, adoptez une posture le plus naturelle possible et relâchez toutes les tensions inutiles dans vos membres. Portez une bretelle pour guitare et assurez-vous de bien l’ajuster afin que celle-ci ne glisse pas de votre épaule! Votre guitare et vous devez être dans la même position chaque fois que vous jouez de votre instrument!

8- Essayer d’apprendre toutes les gammes sans en maitriser une seule parfaitement

Bien sûr, maitriser les gammes vous aidera dans plusieurs aspects de votre jeu à la guitare, mais ce ne sont pas de la musique, ce sont de outils pour jouer de la musique… Disons que vous n’iriez pas à la quincaillerie pour y acheter tous les outils qui s’y trouvent sans même savoir ce que vous allez construire… Apprenez à jouer des trucs sympa avec une seule gamme, dans une seule position, peut-être même dans une seule octave de cette position. Travaillez cette gamme le plus possible. Pendant ce temps, les autres gammes ne se sauveront pas, elles seront là pour vous quand vous atteindrez un certain plateau dans les gammes de base que vous apprendrez (majeure, pentatoniques) et que vous serez prêt à en découvrir davantage.

9- Croire que vous êtes nul en guitare

Se débarrasser d’une opinion que l’on a sur soi peut être très difficile… Cependant, pour atteindre vos buts comme guitariste, il est très important que vous cessiez de croire que « vous n’êtes pas bon » à la guitare. Chacun de nous est passé par là : l’on parle aux autres de nos aptitudes à la guitare en nous jugeant, en nous rabaissant et en leur disant tout ce que l’on n’arrive pas à faire à la guitare, ce que l’on n’effectue pas assez bien ou encore ce que l’on ne sait pas faire…

Inutile! Toute cette énergie négative émise est loin d’être la bonne voie pour avancer et évoluer en musique, mais aussi comme individu… Croire en vous, et croire que tout est possible, que vous POUVEZ accomplir ce que vous désirez accomplir est LA bonne voie à suivre tout simplement. Non seulement elle vous permettra de ne jamais perdre de vue votre objectif en musique et d’atteindre celui-ci, mais elle vous mènera probablement aussi plus loin que là encore!

10- Ne pas pratiquer la guitare assez régulièrement

Vous ne progresserez et évoluerez que très difficilement si vous voyez vos pratiques de guitare comme une corvée, si elles vous ennuient. Pour devenir un guitariste talentueux, il vous faudra travailler dur et de façon constante. Mieux vaudra jouer 30 minutes par jour que 1 heure deux fois par semaine!

Alors, n’oubliez pas que derrière chaque mauvaise habitude que vous puissiez avoir à la guitare se cache la clé pour ouvrir la porte de votre réussite comme guitariste! Allez, hop! Au travail!

Les guitares de luxe peuvent être fascinantes; celle que nous présentons aujourd’hui est la « reine » de toutes les guitares de prestige. Après La fille à un million de dollars, voici la guitare électrique à 1 million de dollars – la Goldcaster, la guitare la plus chère du monde :

Jhoseph King est le créateur de cet instrument, la guitare la plus dispendieuse au monde à l’heure actuelle. Sur le site de la Goldcaster, on peut lire que cette guitare possède une sonorité fabuleuse, en plus d’être d’un luxe sans pareil comparativement aux guitares communes (chose qui n’est pas tout à fait surprenante…!).

Comme son nom l’indique, c’est une guitare principalement composée d’or. En effet, de l’or 18 carats recouvre la caisse cette impressionnante et unique hollow body née en Californie; de plus, 33 de ses parties et composants sont faits d’or, soit :

• Le sillet de tête (nut)
• Le chevalet (bridge)
• Les sillets de chevalet (saddles), au nombre de 6
• Le bouton de tonalité (tone knob)
• Le bouton de volume (volume knob)
• Les interrupteurs (switch knobs), au nombre de 2
• L’œillet de rétention (string tree)
• Les ferrules, au nombre de 6
• La plaque du manche (neck plate)
• Les fixations de courroie (strap buttons), au nombre de 2
• Le logo de la tête (headstock logo)
• Les caractères apparaissant sur la tête (headstock lettering), au nombre de 10

Pour en savoir plus sur la Goldcaster et l’admirer dans toute sa splendeur, visitez le site suivant (en anglais) : http://www.goldcaster.net/index.html

Et la Strat à 2,8 millions de dollars US?

Bien que la Goldcaster soit la guitare valant le plus cher au monde, la guitare qui a été vendue au prix le plus élevé est une Fender Standard Series Stratocaster. En effet, le 16 novembre 2005, une Strat arborant les autographes de plusieurs guitaristes connus a été vendue lors d’une collecte de fond sous forme d’encan à Doha, au Qatar. L’événement en question, qui avait été organisé par Reach Out to Asia (organisation non gouvernementale du Qatar), visait à venir en aide aux victimes du tsunami de 2004 et avait rassemblé des noms aussi importants que Bill Clinton, l’ex-président des États-Unis. Selon le site de Fender, le projet de la guitare autographiée est né « [...] lorsque Jamie Crompton (Fender) a d’abord communiqué avec le Canadien Bryan Adams, après la tragédie, pour voir si les membres de l’industrie musicale voulaient agir pour venir en aide aux victimes de la catastrophe naturelle dévastatrice. Bryan a par la suite donné un coup de fil à dix-neuf des figures les plus « chéries » du rock afin que ceux-ci apposent leur signature sur une guitare Standard Series Fender Stratocaster offerte par Crompton et Fender Europe. »

Cette guitare avait au départ été achetée par la famille royale du Qatar pour 1 million de dollars, puis celle-ci l’a offerte au programme d’aide pour l’Asie. Ainsi, techniquement, la Strat a généré 3,7 millions de dollars US, ce qui en fait la guitare la plus « chère » au monde.

Les artistes qui ont signé la Strat à 2,8 millions… : Jimmy Page, Eric Clapton, Pete Townshend, Mick Jagger, Keith Richards, Angus Young, Paul McCartney, Liam Gallagher, Jeff Beck, Ray Davies, Noel Gallagher, David Gilmour, Bryan Adams, Tony Iommi, Mark Knopfler, Malcolm Young, Ronnie Wood, Brian May et Sting.

Ces jours-ci, le guitariste exceptionnel Carlos Santana – dont c’est l’anniversaire aujourd’hui!! –, se porte à merveille : longue tournée estivale, réédition de l’excellent « Supernatural » lancé en 1999, demande en mariage sur scène à sa percussionniste Cindy Blackman, parution prochaine de l’album de reprises « Guitar Heaven »… L’agenda du guitariste de 63 ans déborde…! Le 17 juillet dernier, Santana est d’ailleurs retourné sur le site de Woodstock 1969 pour donner un concert à un pavillon d’art inauguré récemment et se trouvant tout près de la scène originale. Il a commencé le concert en jouant « Soul Sacrifice », cette pièce et une performance qui a tout changé pour lui et sa formation musicale.

L’équipe de Guitare Domination souligne aujourd’hui la carrière et l’anniversaire de Carlos Santana par la publication sa biographie et un survol de sa carrière prolifique.

Carlos Santana… en bref

Guitariste prodige, musicien respecté et accompli, Carlos Santana est depuis plusieurs années un artiste phare dans le monde de la « world music »; c’est aussi un magicien, un sorcier du « rock » qui a pour baguette magique la guitare. Sa musique, c’est cet endroit divin où passion et mélodie ne font qu’un, où génie et virtuosité festoient, et où chanson et âme convergent pour séduire nos oreilles. Son œuvre jusqu’à ce jour est bel et bien sans frontières – dans l’histoire de la musique « rock » et de la musique aux influences multi-ethniques, Carlos Santana occupe une place toute spéciale.

Pour les critiques, pour ses contemporains et pour les amateurs de guitare « rock », le talent de Carlos Santana, en termes d’« innovation » et de « flamboyance au niveau technique », se rapproche drôlement de celui de Jimi Hendrix (les deux « guitar heroes » auront d’ailleurs partagé la même scène lors du célèbre festival de Woodstock en 1969). En effet, des solos fascinants et mélodieux forment la base même de son groupe, Santana. Depuis maintenant près de 40 ans, Carlos captive ses fans, il les envoûte par des compositions électrisantes et des performances tout à fait impressionnantes. Les concerts donnés par Carlos Santana ont toujours débordé d’énergie et jamais le guitariste n’a perdu son charisme légendaire sur scène.

La « world music » telle que l’on la connait de nos jours doit certainement une fière chandelle à cet homme qui a osé combiner différents genres de musique établis dans la culture populaire (par exemple le jazz, le « rock » et le blues) avec des styles musicaux comme les musiques afro-cubaine, latine et fusion ainsi que la salsa.

Santana a également incorporé à sa musique des instruments de percussion tels que la conga et les timbales; ceux-ci ont donné un son distinct à sa musique. Le résultat : ce son « typiquement Santana »  – un son légendaire et reconnaissable si facilement… Pour emprunter les mots du magnifique guitariste : « Je gratte une seule note, et les gens peuvent me reconnaitre… »

Santana, récompensé maintes fois au cours de sa longue carrière, aura récolté l’un de ses plus grands honneurs lorsque le magazine « Rolling Stone » lui a accordé en 2003 la 15^e position sur sa liste des « 100 plus grands guitaristes de tous les temps ». Plutôt respectable, non?

Biographie de Carlos Santana  – ses débuts en guitare

Carlos Santana est né le 20 juillet 1947 à Autlan de Navarro, dans l’État de Jalisco, au Mexique. Son père était un mariachi violoniste accompli; celui-ci a enseigné à Carlos l’instrument à cordes quand il avait 5 ans. Le petit Carlos passe son enfance à se produire dans les rues de Tijuana avec son père. C’est à l’âge de 8 ans qu’il développe sa passion pour la guitare, après avoir écouté du blues et du rock and roll à la radio (le « roi du blues » B.B. King et le Californien Richie Valens sont de ses toutes premières influences). Peu de temps après, il troque définitivement le violon pour la guitare il devient vite un guitariste accompli.

Adolescent, Carlos commence à jouer du blues et du « rock » dans les clubs et les bars de Tijuana. En 1960, sa famille déménage aux États-Unis, à San Francisco; Carlos la rejoint un an plus tard. À l’époque, San Francisco est la source de plusieurs groupes de « rock » de la scène alternative, par exemple The Grateful Dead, groupe que Santana verra en concert. Le jeune guitariste assiste aussi à des concerts de B.B. King et de Muddy Waters. Bassin culturel et musical, San Francisco expose le jeune Carlos à de la musique de tous genres; aussi c’est dans cette ville qu’il découvre la conga…

En 1966, Carlos Santana forme la première version du Santana Blues Band avec le guitariste Tony Frazier ainsi que le bassiste et pianiste / claviériste Greg Rolie et Mike Carabello aux percussions. Le groupe porte le nom de famille de Carlos car, quand des musiciens s’unissent dans le but de former un groupe, cela implique souvent qu’il y ait un leader… Le groupe se produit par la suite dans la région de San Francisco – Carlos et sa bande apprennent le métier de « rock band » de jour en jour. En 1969, lorsque le groupe enregistre son premier album, un album éponyme, Santana est entouré des cinq musiciens suivants : Greg Rolie, Mike Carabello, Mike Shrieve, Jose Chepito Areas aux percussions et David Brown à la basse.

Woodstock 1969 – l’occasion de rêve

Par la suite, Bill Graham, une connaissance de Carlos depuis son adolescence, devient le gérant du groupe. Celui-ci convainc le guitariste de participer au festival qui allait tout changer pour lui et son groupe : le Woodstock Festival of Music and Art de 1969. Santana et le groupe y donnent une performance du tonnerre.

Ce que présente le groupe au public de Woodstock, un mélange de jazz, de rock et de musique latine, conquit les cœurs. Quand l’album « Santana » parait, quelques mois plus tard, en octobre, le succès est quasi immédiat… et monstre. L’album obtient la position numéro 4 au palmarès Billboard et y demeure pendant deux ans; les tubes « Evil Ways » et « Jingo », qui sont aujourd’hui des classiques, se répandent dans le monde.

En 1970, le film et la trame sonore de Woodstock parait. On peut y entendre « Soul Sacrifice », un morceau qui fait alors exploser la popularité de Carlos et son groupe. Au cours de la même année parait l’album « Abraxas »; le disque obtient encore plus de succès que le précédent et gagne rapidement la première position au « Billboard Hot 100 ». Quatre millions d’exemplaires sont vendus…

Parmi les grands succès de Santana, l’on trouve « Black Magic Woman », « Samba Pa Ti » et « Oye Como Va » qui ont tous fait partie du Top 10 au hit-parade. Chacune de ces chansons ont été des tubes à l’étranger et sont passées à l’histoire; aujourd’hui ce sont des classiques dans leur genre.  « Santana 3 », le 3^e album du groupe parait en 1971 et est aussi  un « hit » : il obtient la première position au palmarès Billboard, deux millions d’exemplaires sont vendus et deux singles deviennent des tubes, soit « Everybody’s Everything » and « No One To Depend On ». Avec cette suite de succès, Carlos Santana conquiert une quantité importante de fans dévoués et devient l’une des stars du « rock latino » les plus importantes du monde.

All That Jazz…

Puis Carlos, fasciné par les exploits en musique jazz de Miles Davis et John Coltrane, décide d’incorporer des éléments de musique jazz au son préétabli de son groupe. Des membres du groupe, dont Rolie, ne sont pas du tout chaud à l’idée, mais ce sont David Brown et Mike Carabello qui quittent le groupe en premier.

L’album qui suit « Santana 3 », « Caravanserai », qui parait en 1972, ne change rien à la popularité du groupe, malgré un changement de direction net du « son » qui est passé du « rock » au jazz. Après le lancement de l’album, Greg Rolie quitte le groupe à son tour et Santana prend les rênes du groupe.

En 1973, Carlos épouse Deborah King, la fille du prodigieux guitariste blues Saunders King. Peu de temps après, il fait la connaissance de John McLaughlin, le guitariste « lead » du groupe de musique fusion The Mahavishnu Orchestra, découvre la méditation et devient un adepte de son gourou Shri Chinmoy. Les années qui suivent sont ponctuées de changements dans le « line-up » du groupe de Santana. Ce dernier entre en collaboration avec de nombreux musiciens jazz et enregistre quelques albums en solo – des œuvres saluées par la critique, mais qui n’ont pas eu de succès commercial. La seule exception : « Moonflower » qui sort en 1977. Deux millions d’exemplaires de ce disque ont été vendus, et un tube en est issu « She’s Not There ». Au début des années 80, Santana réalise que son approche musicale et son intense spiritualité lui fait perdre des fans. Il rompt son association avec Shri Chinmoy.

Dans les années 80, Carlos Santana se produit avec des grands noms de la chansons et du « rock », par exemple Aretha Franklin, John Lee Hooker, Vernon Reid et Mickey Hart des Grateful Dead.  En 1998 sort l’album « Blues for Salvador »; Santana remporte, grâce à ce disque, le Grammy de la « meilleure performance rock instrumentale ».  En 1990, Carlos quitte Columbia Records après une association de 22 années et passe à Polygram.

Une popularité flanche… pour enfin regagner des pouvoirs « Surnaturels »

Deux albums paraissent ensuite : « Milagro » en 1992 et « Sacred Fire (Live en Amérique du Sud) » en 1993. Ces deux disques n’obtiennent pas le succès escompté – la popularité de Santana en souffre, et le guitariste se trouve dans la pire période de sa carrière. Au moment où il est sur le point de voir son nom ajouté à la liste des « has-been » du « rock », Clive Davis et son label Arista Records se pointent le bout du nez et aident Santana à créer l’un des retours sur disque (et sur scène) les plus remarquables de l’histoire du « rock ».

Davis croit aux capacités musicales de Carlos et en son attrait commercial. Il l’encourage à enregistrer un album truffé de collaborations avec de plus jeunes artistes. L’idée fonctionne et, en 1999, parait « Supernatural », un disque auquel ont participé, entre autres, les Bobby Martin, Wyclef Jean, Rob Thomas de Matchbox 20, Eric Clapton, Lauryn Hill et Dave Matthews.

L’album s’avère le plus grand succès commercial de Santana : 26 millions d’exemplaires sont vendus dans le monde et l’album est quinze fois disque platine. Par la suite, la résurgence musicale de Santana est honorée : en 2000,  « Supernatural » reçoit 9 prix Grammy, dont celui de l’« Album de l’année ». La chanson « Smooth » est numéro 1 au Billboard pendant douze semaines, tandis que « Maria Maria » le demeure pendant dix semaines. De plus, Santana et Rob Thomas reçoivent un Grammy pour leur collaboration. Enfin, Santana passe à l’histoire encore une fois; cette année-là, il est devient l’artiste ayant reçu « le plus de Grammy pour la même année » – record qu’il détient au même titre que Michael Jackson.

Les guitares de Santana

Première guitare de Carlos Santana : Les Paul Special

Deuxième guitare de Santana : Gibson SG (celle dont il a joué à Woodstock 1969)

Troisième guitare de Carlos Santana : Yamaha SG

Vers la fin des années 70, Santana fait la connaissance de Paul Reed Smith et commence à jouer de ses guitares. Ce n’est qu’une vingtaine d’années plus tard que les deux hommes conçoivent les guitares PRS Santana. Aujourd’hui, il utilise essentiellement 6 modèles « Signature » de marque PRS.

PRS Santana SE (en joue rarement, et cette guitare est fabriquée en Asie)

PRS Santana 1980 West Street

PRS Santana I, II et III (En concert, Carlos utilise le plus souvent la II)

PRS Santana MD

Carlos a au départ adopté la guitare PRS notamment pour sa sonorité semblable à celle du saxophone. Et Santana est aujourd’hui l’un des plus grands noms associés à celui de PRS; au fil des décennies, il aura immanquablement contribué à la popularité de la marque de guitares.

PRS Santana 25th

PRS Santana SE One Abraxas

Après 2000…

Les disques « Shaman » (2002) et « All That I Am » (2005) sont créés selon la même formule que « Supernatural » et reçoivent un accueil plutôt chaleureux du public. Carlos Santana ainsi que les membres initiaux de Santana – le groupe – sont intronisés au Rock and Roll Hall of Fame en 1998. En 2009, il reçoit le prix du « Lifetime Achievement Award » aux Billboard Latin Music Awards.

Après toutes ces années de carrière, Santana continue de composer, d’enregistrer et de se produire avec autant de passion qu’à ses débuts (il y a plus de 40 ans!). Voilà un musicien qui porte le feu de la musique en lui et qui influencera encore des générations de guitaristes et de musiciens à venir…

« Je veux que les gens parviennent à une « extase spirituelle », en écoutant ma musique. Pendant mes concerts, les gens pleurent, rient et dansent… S’ils atteignent cet « orgasme spirituel » quand je joue, alors je sais que j’ai bien fait mon travail, que je l’ai fait honnêtement et dignement.

Si l’histoire peut inciter les prochaines générations de musiciens à continuer d’agir, de changer et de créer, de continuer d’être inspirés, affamés de spiritualité, eh bien, tant mieux, car c’est ce que à quoi j’aurai visé moi-même.

Carlos Santana »

Merci, Carlos (et joyeux anniversaire!).

Le 9 juillet dernier, le géant de la guitare américain Fender a fait savoir au grand public par la publication d’un communiqué de presse que l’incomparable Jimi Hendrix ainsi que George Fullerton, l’un des fondateurs de l’entreprise américaine, allaient être intronisés au Fender Hall of Fame cette année. Cette quatrième cérémonie d’intronisation aura lieu le 13 août prochain au Tempe Center of the Arts à Tempe, en Arizona.

Qu’est-ce que le Fender Hall of Fame?

Le Fender Hall of Fame a été créé en 2007 afin de rendre hommage, et ce, une fois par année, aux fondateurs, aux artistes, aux leaders, aux créateurs et à plusieurs figures importantes de la musique reliés à Fender; c’est également une institution par laquelle la contribution importante de ces individus à l’héritage du fabricant de guitares est honorée à jamais.

La cérémonie du 13 août 2010

À propos des intronisés…

Jimi Hendrix: James Marshall Hendrix, né à Seattle en 1942 et décédé en 1970, est considéré comme le meilleur guitariste de l’histoire du « rock » et l’un des musiciens les plus influents du XX^e siècle. En 2003, le magazine américain « Rolling Stone » lui a d’ailleurs accordé la position numéro 1 de son classement des 100 meilleurs guitaristes de tous les temps. Hendrix un artiste à l’œuvre tout simplement phénoménale; de plus, il a à la fois défini et personnifié une période importante de l’histoire du « rock » et, bien sûr, de celle de Fender.

Innovateur, énigmatique et archi-talentueux, vers la fin des années 60 et au cours d’une carrière météoritique qui a été aussi aventureuse au niveau musical qu’elle ne fut trop brève, Hendrix a donné un tout nouveau rôle – un rôle « explosif » – à la guitare électrique. S’il avait vécu au-delà de l’âge de 27 ans, Hendrix aurait assurément poursuivi son ascension remarquable et fascinante vers des hauteurs incroyables en musique.

Avec ses groupes The Jimi Hendrix Experience et Band of Gypsys, Hendrix a enregistré de nombreux singles et albums à succès, dont « Are You Experienced » et « Axis: Bold as Love » (sortis en 1967), « Electric Ladyland » (paru en 1968) et « Band of Gypsys » (de 1970) – toutes des œuvres qui, encore aujourd’hui, sont aussi vantées et influentes qu’au moment de leur parution. Jimi Hendrix était un artiste fabuleux et ses performances étaient ensorcelantes; plusieurs de celles-ci ont d’ailleurs marqué l’histoire de la musique « rock » (le concert donné au Monterey Pop Festival en 1967 et celui de Woodstock en 1969, entre autres).

Guitariste gaucher, mais jouant de sa Stratocaster de droitier aux cordes inversées, il est rapidement devenu, par son usage inventif de la distorsion, du feedback et d’autres effets à la guitare, le « père » d’un son qui ne nous a depuis jamais quittés. Hendrix a légué au « rock » un héritage artistique si puissant qu’il est encore aujourd’hui plus qu’une star, mais bien une légende, un phénomène culturel à part entière.

George Fullerton: Le concepteur et musicien américain George William Fullerton a joué un rôle pivot dans l’émergence de Fender au cours des années 40 à 60.

Vers la moitié des années 40, George, artiste doué et musicien bûcheur ayant un intérêt vif pour l’électronique, se lie d’amitié avec Leo Fender (né le 10 août 1909 et décédé le 21 mars 1991). Ce dernier était à l’époque en train de mettre sur pied une entreprise d’instruments électriques. Les deux hommes sont par la suite devenus des associés, après que monsieur Fender ait demandé à Fullerton d’entrer au service de sa compagnie. Grâce à sa créativité et à sa facilité à transposer des idées en processus pratiques et en machines, George Fullerton a contribué grandement à la création de plusieurs des instruments les plus importants du XX^e siècle, par exemple la Telecaster, la Stratocaster, la Precision Bass et la Jazz Bass.

Fullerton est officiellement devenu un employé chez Fender le 2 février 1948, après plusieurs années de travail indépendant pour Leo. Il a ensuite occupé le poste de responsable du petit atelier de l’entreprise; il supervisait l’équipe d’ouvriers et aura donné une ambiance agréable et familiale à la compagnie naissante. En 1959, il est devenu vice-président de la production chez Fender. Par après, jamais il n’a perdu sa popularité auprès des employés; il est également toujours demeuré loyal envers Leo avec qui il a développé des liens très solides au fil des années. Les deux hommes sont demeurés proches après leur retraite en 1970.

George Fullerton est décédé d’une crise cardiaque l’été passé (le 4 juillet 2009); il était âgé de 86 ans.

Les invités de la cérémonie

Seront présents le soir de l’événement comme invités spéciaux : Janie Hendrix, Eddie Kramer, Geoff Fullerton, Kenny Wayne Shepherd et Chris Layton.

Janie Hendrix

Janie Hendrix est la présidente-directrice générale d’Experience Hendrix, L.L.C.; depuis plusieurs années, elle agit donc comme agent principal dans la préservation et la protection de l’héritage musical de son demi-frère légendaire, Jimi Hendrix. Elle participera à la cérémonie d’intronisation pour recevoir l’honneur au nom de Jimi et de la famille Hendrix.

Eddie Kramer

Au cours de sa carrière – entamée il y a maintenant près d’un demi-siècle –, le producteur et ingénieur du son de renommée internationale Eddie Kramer a été le technicien derrière chacun des révolutionnaires albums de Hendrix. Il a en effet enregistré tous les disques du musicien, de l’opus paru en 1967 « Are You Experienced? » à « The Cry of Love » de 1971.

Kramer est l’un des producteurs et ingénieurs de son les plus connus de l’histoire du « rock »; il a d’ailleurs travaillé avec – et donc contribué à définir le son sur disque – des artistes aussi importants que les Beatles, les Rolling Stones, David Bowie, Led Zep, Peter Frampton et plusieurs autres.

Geoff Fullerton

Geoff Fullerton est le fils de George Fullerton. Comme mentionné plus haut, ce dernier fut l’un des meilleurs amis de Leo Fender, l’un des premiers employés de Fender ainsi que l’un des alliés principaux de monsieur Fender au cours de l’émergence de son entreprise durant les années 40 à 60.

Aujourd’hui, fiston, Geoff Fullerton est lui-même membre de la grande famille Fender et prête quotidiennement son talent de créateur à l’usine Fender Custom Shop de Corona, en Californie. Lors de la cérémonie du 13 août, il acceptera l’honneur remis par Fender au nom de son père et de sa famille.

La cérémonie en musique

La cérémonie d’intronisation de Jimi Hendrix et George Fullerton au Fender Hall of Fame inclura une performance musicale par l’auteur-compositeur et guitariste de blues Kenny Wayne Shepherd. Celui-ci sera accompagné à la batterie par le talentueux musicien de « blues électrique » Chris Layton, qui a au fil des années travaillé avec des artistes tels que Doyle Bramhall II, Storyville, Arc Angels et plusieurs autres.

Pour en savoir plus sur l’événement, visitez le site officiel de Fender : http://www.fender.com/ (en anglais)

Guitaristes, collectionneurs de guitares insolites et curieux, nous avons préparé un festin pour vos yeux… et prévoyons que des sourires se glisseront sur vos lèvres lorsque vous verrez ces photos!

Voici la liste des 30 guitares les plus étranges dénichées sur le Web par l’équipe de Guitare Domination… Dites-nous ce que vous en pensez!

1.

Au nom du Père – et du Fils – et du rock…

La guitare en bois sculpté (carved guitar)

Cette guitare (au « body » de Fender Stratocaster) a été créée en 1969 pour Mike Deasy (musicien au parcours impressionnant ayant accompagné à la guitare, entre autres, les Beach Boys, Barbra Streisand, Elvis Presley et Frank Sinatra). La sculpture est une représentation de Jésus qui pose la main sur le chevalet. Cette guitare a été dérobée à Deasy pour être retrouvée 25 ans plus tard grâce à une annonce sur Internet!

2.

La guitare « siège de toilettes » (toilet seat guitar)

Tout y est… même le papier de toilettes!

Nous n’avons trouvé en ligne aucun renseignement concernant le prix et le créateur de cette guitare…; aussi nous présumons qu’il n’en existe qu’un exemplaire!

3.

L’une transparente…, et l’autre aussi illuminée!

La guitare Dan Armstrong Plexi d’Ampeg

Cette guitare lourde (elle pèse près de 4,5 kilogrammes (10 livres)!) et dont le premier exemplaire est paru en 1969 est le fruit de la collaboration entre le luthier et guitariste Dan Armstrong et la compagnie Ampeg. Vous avez envie de l’entendre? Eh bien, notez que les talentueux Keith Richards (des Rolling Stones) et Dave Grohl (Foo Fighters, Nirvana) sont de ceux qui possèdent une Plexi… On peut aussi admirer l’instrument dans le vidéoclip de la chanson nommée pour un Grammy « Sick, Sick, Sick » de Queens of the Stone Age, sortie en 2007.

Le leader du groupe Foo Fighters utilise cette guitare dans le clip de leur single All my life.

+

La guitare ToneBlaster de Bell Custom Guitars

La ToneBlaster est fabriquée à la main et possède des caractéristiques uniques : son corps combine le frêne avec l’acrylique transparent et comprend 15 LED puissantes (ici en rouge)!

Pour en savoir plus sur la ToneBlaster : http://bellcustomguitars.com/10toneblaster.html (en anglais)

4.

La guitare « Sasquatch » (Bigfoot guitar)

Cette photo a été prise au cours du Miami Beach Guitar Festival, en avril 2008. La « Bigfoot guitar » est une création du luthier américain George Marlin.

5.

Éclipsez la concurrence…

La guitare « vampire » (Abstract Rockingbat Guitar)

La guitare « vampire » est fabriquée aux États-Unis et distribuée par Ed Roman Guitars, un détaillant se trouvant à Las Vegas (cela explique peut-être l’excentricité de la chose…). Cette « belle ténébreuse » est entièrement sculptée à la main!

Pour en savoir plus : http://www.edroman.com/guitars/abstract/rockingbat.htm

6.

La guitare « Pikasso »

La guitare Pikasso a été créée en 1984 pour le guitariste jazz Pat Metheny. C’est une création de la luthière canadienne Linda Manzer. L’instrument possède 42 cordes!

7.

Armés pour… jouer!

La guitare « fusil de tireur d’élite » (sniper rifle guitar)

Voilà l’œuvre d’un luthier inconnu… Il en est peut-être mieux ainsi…!

8.

La guitare « soucoupe » (satellite dish guitar) de Fred Mangan

Pour voir d’autres créations surprenantes de Fred Mangan, visitez le site suivant : http://fredmangan.com/gallery.html

9.

La guitare « ciseaux » (scissors’ double-neck guitar)

10.

Kenny Guitar…?

La guitare « saxophone » (sax-string electric guitar)

11.

Fière bête…

La guitare « pur-sang » (Squier’ Thoroughbred)

Cette Stratocaster (ou presque) amuse les petits comme les grands…

12.

La guitare « birdfish »

Billy Gibbons, Dusty Hill et Page Hamilton jouent de cette guitare très « design ». Pour en savoir davantage, c’est ici : http://www.teuffelguitars.de/english/guitars/birdfish/birdfish_main.htm (en anglais)

13.

Rock like an Egyptian…

La guitare « égyptienne »

14.

Et maintenant, un deux en un : instrument et moyen de transport!

La guitare « planche à roulettes » (skate guitar)

15.

Vous avez faim?

La guitare «petit déjeuner à l’américaine »

16.

Pour le « Beach Boy » et les « California Girls » en vous…

La guitare « planche de surf » (surfboard guitar)

17.

Une création japonaise…

La guitare « Heat Hawk »

La Heat Hawk est/était fabriquée par la compagnie japonaise Banpresto et a été mise sur le marché en 2002. Apparemment, elle n’émet que 3 sons différents (en appuyant sur la gâchette). La Heat Hawk possède un petit ampli et un haut-parleur intégrés. Elle mesure 1 mètre, pèse 3,5 kilos et fonctionne avec des piles.

18.

La musique… à l »envers!

La guitare inversée Dewey Decibel’s Flipout (Dewey Decibel’s Flipout Guitars)

19.

Votre compagnon dans le « feu de l’action »…

La guitare « dragon »

20.

Un autre 2 en 1… Si seulement vous aviez quatre mains!

La guitare/basse (guitar and bass)

Voilà une création du luthier américain David Minnieweather. Le côté basse de l’instrument possède 14 frettes et le côté guitare en possède 22!

21.

Jouer… à faire peur!

La guitare « squelette » (Skull N Bones guitar) par J. Frog

Cette guitare a été popularisée par George Lynch du groupe de « hard rock » Dokken et l’un des premiers guitaristes à faire du « two-handed tapping »!

Pour en savoir plus sur cette guitare, veuillez visiter le site suivant : http://www.edroman.com/detail_sheets/jfrog_skull&bones_d475.html

22.

La guitare « Sirène » (Mermaid guitar) par Andy Manson

La guitare « sirène » est une création magnifique du luthier britannique Andy Manson. Lorsque celle-ci sera vendue, la moitié des profits de vente seront remis à Self Help Africa. Notez qu’un étui sur mesure a également été fabriqué par Manson (heureusement…!).

Pour entendre le « chant de la Sirène », cliquez sur le lien suivant (YouTube) : http://www.youtube.com/watch?v=wd8IfxYvbUE

Plusieurs autres photos de l’œuvre se trouvent ici : http://www.andymanson.co.uk/photos-group-105.html

23.

La guitare « faucille » (sickle guitar)

24.

À la Vai…

La guitare « Ultra Zone » (Ultra Zone Guitar) par Emerald Guitars

La Ultra Zone a été fabriquée en 2001 par Alistair Hay d’Emerald Guitars, une entreprise irlandaise. C’est en fait une réplique de l’instrument bien étrange qui se trouve sur la pochette de l’album « The Ultra Zone » de Steve Vai! La guitare mesure 1,55 mètres (61 pouces)!

Pour plus de renseignements, lisez cet article sur le site de Vai : http://www.vai.com/Machines/guitarpages/guitar119.html

25.

La guitare « alligator » (Gator Guitar) par GatorTar

La fascinante guitare « alligator » est l’œuvre de John Preble, un luthier de Louisiane. Celle que nous vous présentons, le modèle de base produit par GatorTar, est faite à partir d’une Telecaster.

26.

L’œuvre d’un casse-gratte…?

La guitare « destructocaster »

27.

De métal et d’idéaux…

La guitare « Sprinkler » (Sprinkler guitar) par Ken Butler

La guitare « Sprinkler » a été créée au début des années 90 par Ken Butler. Celui-ci aura modifié une vieille guitare électrique à l’aide d’objets métalliques variés (dont un arroseur pour gazon, d’où le nom de la guitare), en s’axant sur le design, l’aspect visuel de l’instrument plutôt que son aspect « fonctionnel »… En faisant « fonction » et « forme » se rencontrer à l’intersection de l’art et de la musique, chacune des œuvres de Butler vise à explorer la transformation et l’interaction d’objets communs ou moins communs, de sons et d’images altérées.

Le site de Ken Butler : http://www.mindspring.com/~kbhybrid/

28.

La guitare « scorpion » (scorpion guitar)

29.

La guitare « fille » (Teenar) par Lou Reimuller

Voici une création de Lou Reimuller (« Sunset Lou », qui est musicien, collectionneur et luthier), la Teenar, la guitare « fille ». L’homme a transformé un mannequin « vintage » en guitare électrique!

30.

La guitare à 12 manches « Present Arms »

Voilà une création de l’artiste japonais Yoshihiko Satoh, passé « maitre » dans l’art de multiplier et d’agrandir… Voyez par vous-même en visitant son site Web : http://www2.tbb.t-com.ne.jp/hipopo-art/e_profile.html

Quelle guitare est la plus étrange, selon vous? Vous connaissez d’autres guitares insolites? Lesquelles? Enfin, connaissez-vous des personnes qui possèdent des grattes « spéciales »? Nous vous invitons à laisser un commentaire ci-dessous…

Si vous avez aimé cet article, partagez le plaisir; partagez le lien avec vos amis ou encore placez-le sur votre site de guitare préféré! Merci beaucoup!

L’équipe de Guitare Domination a le plaisir de vous annoncer qu’elle lance aujourd’hui sa page fan sur Facebook!

Pour vous, voilà donc l’occasion de devenir « adepte » de Guitare Domination!

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• Vous faire connaitre les nouvelles de Guitare Domination;

• Vous permettre d’avoir accès rapidement à toutes nos ressources en lignes (articles du blog, cours, etc.);

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Depuis des semaines, Robert, un mordu de guitare, navigue quotidiennement dans eBay : il est à la recherche de la Les Paul de ses rêves. Un jour de chance, il découvre, dans une liste d’instruments Gibson mis aux enchères, la guitare qu’il convoite. La guitare est en tous points ce qu’il recherche – elle est même de sa couleur préférée. Par ailleurs, elle n’est pas chère (pas assez, possiblement… N’empêche que… la voilà enfin!). Robert enchérit et remporte la Les Paul. Quelques semaines plus tard, sa guitare arrive par la poste; il la déballe, tout excité, puis se rend compte que quelque chose ne va pas. La Gibson Les Paul de ses rêves émet un son caverneux…, ses micros sont fades…, ses mécaniques craquent…; l’interrupteur n’est pas solide. Robert comprend soudainement : il s’est fait arnaquer.

La contrefaçon de guitares n’est pas un problème nouveau. L’industrie de plusieurs millions d’euros existe depuis des dizaines d’années et, depuis ses débuts, le nombre de fabricants ayant été trainés en justice pour vol de droits – dans le but de protéger la réputation et la marque de commerce d’instruments parmi les plus prestigieux au monde – est important. Parmi celles-là, un géant dont le nom ne rime certainement plus avec imitation, de nos jours.

Le cas Ibanez

Au cours des années 70, le fabricant japonais Ibanez produisait des répliques de designs Gibson et Fender. C’est d’ailleurs essentiellement en copiant que l’entreprise aujourd’hui renommée pour la qualité de ses guitares s’est fait connaitre – avant même de produire ses propres modèles! Ses copies étaient si semblables aux instruments authentiques que les avocats qui représentaient alors les plaignantes auront exigé qu’Ibanez modifie ses designs et s’axe sur la création de modèles originaux – des guitares aux formes et aux caractéristiques uniques. Par ailleurs, les guitares Ibanez issues de la lawsuit period sont aujourd’hui des objets de collection!

Par exemple, observez ces imitations des guitares Gibson Gold Top Classic et SG par Ibanez, puis comparez-les avec les modèles véritables.

Répliques des guitares Gibson SG et Gold Top par Ibanez dans les années 70

Maintenant…

La « vraie » Gibson SG

La « vraie » Gibson Gold Top

Très semblables, non?

De nos jours, la tâche de poursuivre une compagnie comme Ibanez s’avère cependant simple si on la compare à celle de combattre le problème de la production de guitares de contrefaçon. Avec l’avènement d’Internet et l’apparition de nombreux sites de vente de produits en ligne, le problème semble s’être amplifié. Et depuis l’apparition d’eBay, une vague imposante de guitares de contrefaçon – que l’on dit être des instruments authentiques – a jailli en ligne.

Guitare de contrefaçon ou… copie?

De façon simplifiée, disons qu’une contrefaçon est une fausse guitare arborant toutefois le logo d’une entreprise importante de l’industrie (Fender, Gibson, PRS, etc.); une copie (ou réplique), quant à elle, est un clone de la guitare en quelque sorte, mais n’en n’affichant pas le logo.

Ainsi, il existe une différence d’intention entre une copie (réplique) et une copie en contrefaçon : la première imite un produit, mais en ne prétendant pas qu’il s’agit du même instrument, tandis que le fabricant de guitares de contrefaçon laissera faussement croire que ses produits sont des instruments/modèles authentiques.

Il existe essentiellement deux types de répliques :

- Les répliques de pacotille (copies chinoises de mauvaise qualité);

- Les lawsuit (copies majoritairement japonaises) de bonne qualité.

Notez qu’une véritable copie de Gibson lawsuit (Burny [excellente copie de Gibson... La compagnie appartient à ESP, une très bonne marque qui est également la compagnie-mère d'Edward], Greco, etc.) vaudra dans les 625 euros, dans la plupart des cas. Aussi, les guitares Burny ont la réputation d’être de meilleure qualité que les Gibson produites au cours de certaines années : dans les années 80, il y a eu un déclin de la qualité chez les guitares Gibson. Ainsi, rapport qualité/prix, une bonne guitare Burny s’avèrera un excellent choix.

Copies en contrefaçon : la faute à qui? L’Asie?

En Asie, les lois concernant la propriété intellectuelle sont beaucoup moins sévères qu’en Occident. Du fait, de là proviennent des quantités incroyables de produits de contrefaçon, par exemple des DVD, des DC, des chaussures, du parfum, des articles de sport, etc. Cette caractéristique des lois sur la propriété intellectuelle rend également très difficiles à localiser les fabricants de marchandise de mauvaise qualité…

Faux bijou

Prenons par exemple la guitare Ibanez Jem. Ce modèle signature de Steve Vai est sur le marché depuis presque vingt ans, et des collectionneurs de partout autour du monde recherchent certaines variations en particulier de ce modèle, ou encore tentent de dénicher la 7VWH blanche qui est depuis longtemps associée à Vai. Il y a un si grand nombre de Jem disponibles sur eBay que, dans l’industrie, on les a surnommées les Chibanez!

De loin, ces guitares peuvent drôlement ressembler aux modèles authentiques – le mot Ibanez est lisible sur la tête de l’instrument, le corps possède la forme et les caractéristiques de la Jem et la vigne grimpante apparait sur la touche –, mais si l’on examine bien la guitare, l’on voit très bien que celle-ci ne tient pas la route. En fait, certains éléments permettent toujours de détecter une guitare de contrefaçon, même si la guitare est une quasi-jumelle du modèle original, par exemple, le manche : ce dernier, sur une guitare de contrefaçon, n’est jamais tout à fait exact, fidèle à l’original. C’est pourquoi,  si vous prévoyez acheter une Jem, passez préalablement du temps sur le site officiel d’Ibanez pour regarder des photos de la guitare que vous convoitez et, de cette façon, vous familiariser avec son apparence réelle.

Il vous faudra également vous attarder à l’examen du chevalet. Les guitares Ibanez possèdent des types de chevalets en particulier, soit les suivants :

- Un modèle Edge pour les premières Jems créées

- Un Lo Pro Edge à partir du début des années 90 et plus

- Le Edge Pro de 2004 à aujourd’hui

- La Jem Jr 555, quant à elle, devrait posséder un Lo TRS II ou un Edge Pro II, si elle a été fabriquée après 2004. Ainsi, si vous trouvez une Jem possédant un tremolo de marque Floyd Brand, c’est assurément une guitare de contrefaçon (et le tremolo également)… Encore une fois, prêtez attention au chevalet et comparez-le à l’original, car c’est une partie de la guitare techniquement très difficile à copier.

D’autres éléments à inspecter : les micros (ceux-ci devraient être des Dimarzios), l’incrustation de vigne, la coupe du col du manche et la forme du corps : certains fabricants de guitares de contrefaçon n’arrivent pas à recréer à 100 % la Jem et la RG.

Voici un exemple d’une fausse Jem (fabrication chinoise) :

Donc, si vous désirez vous procurer l’une de ses guitares et tenez à éviter de vous procurer une copie, il est important que vous effectuez de bonnes recherches et sachiez d’avance ce que vous achèterez exactement – il est préférable de bien connaitre votre futur instrument, ses caractéristiques, son apparence, tout! Visitez le site ibanez.com et familiarisez-vous avec les guitares. De cette manière, à l’avenir, vous saurez en un coup d’œil si la guitare que vous vous apprêtez à acheter est une guitare authentique ou de contrefaçon. Par ailleurs, sachez qu’Ibanez a mis à la disposition des internautes tous ses catalogues moins récents; vous pourrez donc vérifier l’authenticité d’une guitare même si c’est un modèle que l’on ne fabrique plus. De plus, si vous avez accès direct à la guitare, retirez le manche afin de vérifier si celui-ci et le neck pocket affichent le nom de modèle de l’instrument. Ne soyez pas gêné de demander la permission de le faire! Retirer le manche d’une guitare pour s’assurer qu’il s’agit bien d’un instrument authentique et pour vérifier un numéro de modèle est une demande tout à fait raisonnable, lorsque l’on est à la recherche (et tient à investir dans) un instrument de qualité.

En outre, sachez que certains fabricants laissent de petits indices qui ne peuvent vous tromper lorsque vous les connaissez. Par exemple, plusieurs copies des Jem sont marquées Jem Jr, un nom qui apparait sur le modèle 555, mais certainement pas sur une 7VWH! Nous avons également observé des instruments de contrefaçon qui arboraient le nom Gibsun et non pas Gibson – un détail qui, toutefois, de loin, s’effaçait dans le tout génial qu’était l’instrument et passait inaperçu…

Quelques trucs pour savoir déceler les fausses-amies

GUITARES FENDER

- Vérifier l’authenticité du logo : dans le cas d’une guitare de contrefaçon, celui-ci pourrait être un decal de moins bonne qualité (pixelé, numéro de patent quasi illisible). Ainsi, s’il y a un numéro de série sur l’instrument, il vous faudrait faire une recherche sur internet avec le numéro de série pour savoir s’il s’agit d’une guitare de contrefaçon et un decal.

- Examinez également les signatures et codes de dates sur l’extrémité du manche

Neck pocket de copie :

Un « kit » Fender original :

• Puisque le pickguard d’une gratte peut être amovible, par exemple chez les Gibson SG ou les Fender Stratocaster, il vous faudrait vérifier la qualité du filage et si des inscriptions sont présentes dans le corps à l’emplacement des micros (par exemple une signature d’employé. Note : Informez-vous bien sur les caractéristiques propres à la guitare que vous désirez vous procurer, afin de déceler tout ce qui cloche chez un instrument et ne pas vous faire avoir.).

• Regardez derrière la tête du manche pour voir si un logo (ou un numéro de série/une signature – cela dépendra encore une fois du modèle et de la marque de l’instrument) y apparait bien. S’il y a un numéro de série, vérifiez-le sur le site du fabricant et cherchez sur Internet pour en savoir plus sur celui-ci… et sur la guitare!

• Sous les micros devrait se trouver le logo du fabricant et le numéro de modèle. Ainsi, une originale devrait posséder des micros du fabricant (une Gibson aurait des micros Gibson; une Epiphone aurait des micros Epiphone, une Fender posséderait des micros Fender); sinon, les micros de la guitare devraient tout de même être de qualité (Seymour Duncan, DiMarzio, TV Jones, Lace Sensor, etc.)

• Sous l’électronique se trouve (dans la plupart des cas) un matériel isolant, soit en aluminium ou en peinture grise (chaque compagnie possède sa méthode; cet élément est donc à surveiller pour éviter une contrefaçon).

GUITARES GIBSON
- L’angle de la tête devrait être de X degrés précisément (pour plus d’info, rendez-vous au http://www2.gibson.com/Products.aspx)
- Vérifiez ou faites vérifiez le numéro de série de la guitare.
http://www.gibson.com/en-us/Support/SerialNumberSearch/ (en anglais)

GUITARES EPIPHONE

- Il vous faudra être prudent lors de l’achat d’une Epiphone. Encore une fois, tâchez de ne rien vous procurer sur les sites listés pour haut (prenez garde, certains vendeurs prétendront que leur guitare provient directement des usines Epiphone – plusieurs d’entres elles se trouvent en Asie…)!

Pour vous familiariser avec les numéros de série Epiphone :

http://forums.epiphone.com/default.aspx?g=posts&t=8067

Créer une guitare est un art nécessitant passion, recherche et dextérité manuelle. Quand vous achetez une guitare de contrefaçon, la qualité est en rapport avec le prix (que vous payez), comme dit l’adage. Si la guitare produit un son de mauvaise qualité, celle-ci l’est probablement aussi… Pensez-y, personne ne vous vendra une guitare valant 4 000 euros au prix de 250 euros! Ainsi, les bonnes affaires n’existent pas vraiment, dans le milieu. Comme guitariste, vous vous devez de vous procurer un instrument authentique; les fabricants ayant conçus ces instruments ont tout mis en place afin que vous possédiez un instrument à la hauteur de vos attentes et de vos compétences. Une guitare de contrefaçon pourrait posséder l’apparence de l’instrument de vos rêves, mais jamais le son qu’elle produira ne sera à la hauteur de son nom et jamais ce que vous ressentirez en jouant de celle-ci ne sera comparable à ce qu’un instrument authentique pourrait vous faire vivre…

Lisez la suite de notre article sur la contrefaçon de guitares au courant des prochains mois…!

Whole Lotta Love se trouve sur l’album Led Zeppelin II qui est paru en 1969. En 2004, le magazine Rolling Stone a classé ce morceau au 75^e rang sur sa liste des 500 meilleures chansons de tous les temps, puis, en 2009, VH1 l’a choisie comme 3^e meilleure chanson hard rock qui ait été écrite.

Lors de l’enregistrement de Whole Lotta Love, le guitariste Jimmy Page a joué d’une Sunburst 1958 Les Paul Standard reliée à une tête Marshall 100W Plexi.

Pour réussir ce riff, il est tout d’abord essentiel que votre guitare soit bien accordée. Vous aurez à jouer deux notes enharmoniques, soit le D se trouvant sur la corde de la (A) à la 5^e frette ainsi que le D en corde vide.

Page joue premièrement le B se trouvant à la 7^e frette de la corde de E. Ensuite, il joue les deux notes en unisson mentionnées plus haut. Cependant, le guitariste ne se contente pas de jouer ces deux notes, il effectue également un léger bend sur la corde de A – afin de créer juste assez de dissonance pour donner l’impression que l’on entend deux guitares.

Tout de suite après, Page joue un accord de E5; l’index est à la 7e frette sur la corde de A, l’annulaire effectue un barré à la 9^e frette sur les cordes D et G et la corde de E grave est jouée à vide.

Et voilà ce qui compose le riff complet!

Révisons :

- À l’aide du doigt 3 (annulaire), jouez le B qui se trouve sur la corde de E grave à la 7^e frette

- Jouez ensuite les deux notes enharmoniques (D sur la corde de la (A) à la 5^e frette à l’aide du doigt 1 (index) + D en corde vide) tout en effectuant un léger bend (un bend d’un quart de ton) sur la corde A

- Jouez l’accord de E5 (doigt 1 à la 7^e frette sur la corde A et doigt 3 – couvrant deux notes – à la 9^e frette sur les cordes D et G) avec la corde de E grave à vide

En ce qui concerne le picking et le jeu de la main droite, rien n’est bien compliqué : votre poignet devrait être relâché, jouez en allers, mettez l’accent sur certains accords, effectuez un léger palm muting… Mais ne vous en faites pas trop! Écoutez la chanson, suivez votre feeling; votre jeu doit à la fois être rythmé et souple, et tout cela devrait venir naturellement.

L’été est à nos portes, et qui dit « été » dit « festivals de musique »!

Amateurs de guitare et de blues, voici la liste des festivals de guitare à ne pas pas manquer ce printemps ou cet été, que vous vous trouviez en Europe ou au Québec!

Cliquez sur les liens pour avoir accès à toute l’information dont vous aurez besoin.

L’équipe de Guitare Domination vous souhaite une bonne « saison des festivals »!

En Europe :

Cognac Blues Passions
Le Festival Guitare en scène
Le Festival Guitare d’Issoudun
Le Festival International de Guitare de Patrimonio
Blues en Bourgogne

Au Québec :

Le Salon de Guitare de Montréal
Le Festival des Guitares du Monde
Festival International de Blues de Tremblant
Festiblues International de Montréal
Festival de Blues de Victoriaville

Ces temps-ci, avec la réédition de l’excellent Disintegration, beaucoup de gens semblent découvrir ou redécouvrir The Cure. Est-ce votre cas?

Aux côtés de Joy Division, le groupe fait partie de ces bands qui ont défini le son new wave issu de l’Angleterre dans les années 80. Mené par Robert Smith, The Cure s’est formé en 1976 et portait initialement le nom de The Easy Cure. Il a eu, au fil des ans, une influence importante sur plusieurs groupes, et cette influence est toujours audible dans la musique actuelle, par exemple celle de Placebo, d’Interpol et d’APC (A Perfect Circle). Ces groupes, de leur côté, auront fait découvrir à certains de leurs fans The Cure, et cela aura généré un tout nouveau public pour l’excellent groupe britannique – qui est d’ailleurs toujours actif de nos jours – dont nous analyserons le son aujourd’hui et tenterons de le recréer.

The Cure, c’est un son aux ambiances tour à tour mélancoliques, rock, pop, froides, psychédéliques et créant souvent des contrastes forts; c’est aussi une musique où la basse est mise au premier plan et n’est pas qu’un instrument d’accompagnement. Le chanteur et guitariste du groupe, Smith, aime créer des atmosphères en utilisant des effets de modulation ainsi que du delay à la guitare.

Le son de The Cure à la… Disintegration

Ah! Disintegration… Lovesong, Fascination Street, Pictures of You, Plainsong… Le chef-d’œuvre de Smith  ne contient que des succès!

Si l’on passe à une analyse du sonore, l’élément-clé pour imiter le The Cure de Disintegration serait sans doute l’utilisation des guitares barytones : plusieurs des chansons du disque paru en 1991 (et aujourd’hui réédité) ont été construites à partir d’une Fender Bass VI. Cet instrument ressemble beaucoup à une Fender Jaguar, cependant – trait particulier -, il a un accordage de mi à mi, mais une octave en dessous d’une guitare classique. La Bass VI ne sonne pas exactement comme une vraie bass; aussi, elle permet de jouer des accords qui ne sont pas trop graves.

On peut imiter approximativement le son de la Fender VI se servant d’une guitare régulière – accordée normalement – et en jouant sur les wound strings des notes se trouvant dans la partie inférieure du manche seulement. En utilisant cette méthode, vous remarquerez probablement que la sonorité est moins juste que ce qu’elle devrait être : c’est que la tension de la corde est tout à fait différente, même si vous jouez des notes qui sont de la même hauteur. Pour y remédier quelque peu, il vous faut vous jouer très près du chevalet. Cela produira du coup le son si caractéristique de la guitare Fender Bass VI – de plus, cela vous permettra de réduire les effets de pitch drift. Par ailleurs, la rigidité de la note est l’une des caractéristiques de cet instrument le rendant unique et lui permettant d’être une guitare rythmique apportant solidité à un morceau.

Un autre aspect important du son de The Cure est l’utilisation des claviers. Cela peut soulever des problèmes, pour un guitariste, mais il n’est pas nécessaire de dépenser des milliers d’euros et s’acheter un synthétiseur! Plusieurs pédales multi-effets comprennent des patchs qui peuvent modifier le signal provenant de la guitare de manière à reproduire le son des synthétiseurs analogiques. Ces éléments s’avèrent très utiles quand on peut y mélanger le son original, inaltéré de la guitare.

Le son de The Cure à la… A Forest

Les atmosphères musicales de The Cure sont très faciles à reconnaitre. C’est par l’utilisation de plusieurs effets (flanger, delay et reverb) que le groupe est parvenu à créer celle que l’on retrouve dans la chanson de 1980 A Forest. Au début du morceau, le son produit par la guitare est plutôt sec – il n’y a qu’un peu de modulation –, et vers la fin de la pièce, plus de delay s’ajoute.

The Cure live au Japon - A Forest (1984)

Nous pouvons réussir à reproduire le son de la guitare de Robert Smith dans A Forest en utilisant les pédales à effets suivantes :

- Une Boss BF-2 (Flanger) — on l’a remplacée par la BF-3, mais si vous en achetez une d’occasion, elle sera plutôt facile à trouver. La configuration : manuel à 60%, depth à 75%, rate à 50 % et res placé à 25 %.

- Une Boss DD-3 (Delay). La configuration : les boutons de contrôle sont positionnés à plus ou moins 50 %.

- Une Boss RV-3 (Reverb) — aujourd’hui, elle est n’est plus sur le marché; on l’a remplacée par la RV-5. La configuration : Balance à 25 %, tone à 30 %, r.time à 40 % et mode à 10.

À vous d’expérimenter…

Amusez-vous!

B.B. King en bref…

Depuis près de 60 ans, le roi de la musique blues, c’est B.B. King. Né au Mississippi, le King aura toujours fait preuve d’une générosité incroyable comme musicien; à l’heure actuelle, il donne des centaines de concerts annuellement, pour le plus grand plaisir de ses admirateurs qui se trouvent par millions. La chanson la plus célèbre de B.B. King, The Thrill is Gone, fait maintenant partie de la trame sonore de plusieurs séries et œuvres cinématographiques; quant à son titre, qui en dit beaucoup en peu de mots seulement, c’en est un ancré dans la culture populaire et l’esprit des gens depuis son lancement.

Le son du roi

B.B. est celui qui a osé mélanger le blues traditionnel, le jazz, le swing, le pop pour créer un son tout à fait unique. Au fil des années, il a développé un des styles les plus faciles à identifier à la guitare. Style qu’il aura créé en s’inspirant des techniques de jeu de Blind Lemon Jefferson, T-Bone Walker et bien d’autres, en ajoutant bien sûr ses bends complexes et son vibrato de la main gauche – deux éléments quoi sont aujourd’hui indispensables aux guitaristes rock. Sa façon économe de jouer et sa philosophie des phrasés prônant l’importance de chaque note ont été repris par de nombreux guitaristes, comme Clapton, Harrison, Jeff Beck, etc; on peut donc dire que son influence sur le monde de la guitare a été plus que notable.

En 2008, le magazine Rolling Stone l’a d’ailleurs classé au troisième rang sur sa liste des meilleurs guitaristes de tous les temps.

Voici de ses paroles :

Quand je chante, je joue dans ma tête, et dès l’instant où j’arrête de chanter, je m’y remets en commençant à jouer de [ma guitare] Lucille. (Cette citation est tirée du site BBKing.com)

Le parcours de B.B. King

Riley B. King est né le 16 septembre 1925 dans une plantation d’Itta Bena, au Mississippi. C’est à l’âge de 12 ans qu’il a acheté sa première guitare pour presque rien, direz-vous, (15 $), mais à l’époque, ce montant représentait l’équivalent d’une somme de 230 $ aujourd’hui… – on peut donc dire que le jeune Riley était bel et bien déterminé à posséder une guitare!

Pendant sa jeunesse, B.B. a travaillé sur une ferme. Dans sa vingtaine, il s’est rendu à Memphis, la Mecque de tous les musiciens du Sud. Il a alors vécu avec son cousin Bukka White qui était un bluesman bien connu dans la région; c’est lui qui a principalement aidé King à se familiariser avec la guitare blues.

En 1948, B.B. a commencé sa carrière en jouant live à la radio de Memphis. Avec sa popularité grandissante, il a choisi de changer son nom pour Blues Boy King – qui est devenu B.B. King plus tard. Autre aspect typique de B.B. King : son amour pour sa guitare nommée Lucille. Celle-ci a été baptisée après une quasi tragédie lors d’un concert de B.B. donné dans une salle de danse : deux hommes s’étaient mis à se battre (à cause d’une femme prénommé Lucille) et, pendant le chahut, ils avaient accidentellement mis le feu à l’endroit. Après être sorti de toute vitesse avec les autres, B.B. s’est rendu compte qu’il avait oublié sa guitare à l’intérieur. Bravant le danger, il s’est précipité dans la salle pour sauver l’instrument des flammes…

Cet épisode dans la vie de B.B. aura démontré clairement son amour pour l’instrument qu’il a par la suite appelé Lucille. Le musicien raconte d’ailleurs cette aventure dans la chanson Lucille qui se trouve dans le coffret-rétrospective King of the Blues.

B.B. a commencé à enregistrer en 1949 sous RPM Records. Plusieurs de ses premiers disques ont été produits par Sam Philllips (qui a plus tard fondé Sun Records). Ce dernier aura également été le producteur pour plusieurs artistes blues ou R&B, par exemple Bobby Blue Band et Howlin’ Wolf. De plus, il a joué un rôle important dans l’émergence du rock’n’roll, en lançant les carrière de nul autre qu’Elvis Presley ainsi que celles de Johnny Cash et de Roy Orbison.

Durant les années 50, B.B. King a fait partie de la tournée Chitlin’ Circuit. L’artiste donnait alors jusqu’à 300 concerts par année! Son premier hit a été Three O’Clock Blues – le single a été numéro 1 au hit-parade R&B des États-Unis. Autre fait intéressant : c’est en 1968 qu’il s’est produit devant un public composé d’une majorité de Blancs, au Newport Folk Festival et lors d’une série de concerts au Fillmore West (où il a d’ailleurs partagé la scène avec des musiciens et groupes rock contemporains tels que Booker T & the MG’s et The Mothers of Invention). Ensuite, les Rolling Stones ont invité B.B. King (ainsi que Ikke et Tina Turner) à assurer la première partie de leurs concerts. Les performances courtes mais endiablées de King découlant de cette tournée sont présentées sur la nouvelle édition de Get Yer Ya’ Ya’s Out.

The Thrill is Gone (live) de B.B. King (2001)

Après une décennie de hits R&B et blues comme Payin’ The Cost To Be The Boss, How Blue Can You Get et Why I Sing The Blues, B.B. King a lancé son plus célèbre titre, soit The Thrill is Gone (en 1970). Le morceau a atteint la 15e position au hit-parade pop et s’est en ce temps ancré dans la culture populaire. Cette pièce avait originalement été écrite par Rock Darnell et Roy Hawkins en 1951, cependant, la reprise de King est dissemblable à la fois de son propre style et de l’originale, de par, entre autres, le fait qu’elle inclut une section de cordes.

En 1988, B.B. King a enregistré le morceau When Love Comes to Town avec le groupe irlandais U2; le morceau se trouve sur l’album Rattle and Hum qui se veut un hommage à la musique américaine. Au cours de sa carrière, King a enregistré avec plusieurs artistes qu’il aura influencés, par exemple Eric Clapton. Le duo a enregistré Riding with the King en 2000. Le plus récent album de B.B. King, One Kind Favor, a été produit par T-Bone Burnett. C’est un disque contenant un blues épuré, dépouillé qui a d’ailleurs remporté un Grammy.

B.B. King a récemment été introduit au Blues Foundation Hall au Fame ainsi qu’au Rock and Roll Hall of Fame. Il a gagné 15 Prix Grammy et a reçu de nombreux autres honneurs. En plus de 50 ans de carrière, il aura donné plus de 15 00 concerts autour du monde. Et 23 années après avoir reçu le prix Grammy du Lifetime Achievement Award, il continue de se produire sans relâche, nous rappelant souvent qu’il ne faut jamais dire « plus jamais »…

Le roi du blues se produira plus de 40 fois aux États-Unis et au Canada en 2010. Pour consulter la liste des dates de concert, veuillez visiter le http://www.bbking.com/events/

1. Dean EVO XM

La guitare électrique Dean EVO XM est la guitare ultime pour le rocker qui débute à la guitare. Un manche angulaire fait de la Dean EVO XM une guitare électrique agréable, avec laquelle il est étonnamment facile de jouer.

Spécifications Dean Evo XM :

Corps : acajou
Manche : érable
Touche : palissandre
2 humbuckers Dean
Mécaniques bain d’huile
Chevalet Tune-o-matic
Accastillage noir

2. Epiphone Les Paul Standard

La guitare électrique Epiphone Les Paul Standard est probablement, par son design classique, mais intemporel, l’une des plus belles guitares qui soient.

Le type de bois dont elle est faite (acajou) influence énormément sa résonance (ou sustain). Toutefois,  ce matériau a un inconvénient, soit son poids : l’acajou n’est pas du tout un type de bois léger.

Les touches sont du palissandre. Celles-ci sont donc très convenables au toucher et sont faciles à jouer – cela ne fait cependant pas de cette guitare une véritable Gibson.

Un sélecteur 3 positions assez tenaces, vous permet de passer du micro manche (son assez épais) au micro chevalet (son plus agressif), voire à un mix des 2. Chaque micro a son propre contrôle de volume et de tonalité; ces contrôles sont assez progressifs donc pleinement utilisables. Les contrôles de tonalité vous font passer d’un son assez sourd à un son bien défini, selon l’effet recherché.

Par conséquent, la guitare Epiphone Les Paul Standard n’est pas faite pour tous les styles de musique, elle fait essentiellement du rock et du blues.

Spécifications Epiphone Les Paul Standard :

Micros : 2 humbuckers
Accastillage : Chrome
Manche collé en acajou
Corps : acajou/aulne
Table : Érable
Diapason 24″25′
Radius : 1.68″

3. Squier Affinity Series Stratocaster

La guitare électrique Squier Affinity Series Stratocaster a un fier héritage… mais un maigre prix! Le corps profilé en aulne massif fait partie du même style de renom qui a alimenté les feux de Hendrix, Clapton, SRV et plusieurs autres. Le ton vintage pur de cette guitare peut être contrôlé à partir des sélecteurs de micros à single-coil. La Squier Affinity Series Stratocaster, qui rend hommage aux classiques des années 70, est aussi munie d’un trémolo classique et d’un sélecteur 5 positions. Le manche en érable permet une touche facile et fluide. En bref, c’est un petit bijou polyvalent et idéal pour un premier achat.

Spécifications Squier Affinity Series Stratocaster :

Corps : aulne
Manche : érable forme C
Touche : palissandre radius 241 mm
21 frettes medium jumbo
3 micros simples
Contrôles : 1 volume, 2 tones
Sélecteur 5 positions

4. Paul Reed Smith SE Soapbar II

La guitare électrique PRS SE Soapbar II exerce dans la tradition de l’original Soapbar SE mais avec la coupe distinctive de la guitare PRS originale. Cette guitare possède un beau corps en acajou massif et un manche fait du même bois ainsi que 2 micros et un pont spécialement conçus pour la guitare Paul Reed Smith SE Soapbar Soapbar II.

Spécifications PRS SE Soapbar II

Corps : acajou
Manche collé acajou
22 cases
Touche : palissandre
1 contrôle de volume et 1 contrôle de tonalité
Sélecteur 3 positions
Mécaniques à bain d’huile
Accastillage chromé
Livrée en housse luxe PRS
Repères par diagonale nacrés incrustés
2 micros humbucker

5. Dean ML X

La première guitare électrique ML a été créée par Dean Zelinsky en 1977; c’était une guitare qui avait beaucoup de sustain et un ton unique. Cette Drean ML X rend en quelque sorte hommage à son précurseur et est composée d’un corps d’une grande superficie, mais la Dean ML X a quelque chose de plus. La forme triangulaire particulière de cette guitare électrique ajoute à sa résonance et aide à produire un son distinctif et unique.

Spécifications Dean ML X :

Corps : basswood
Manche : érable
Touche : palissandre
2 humbuckers zebra Dean
Mécaniques grover bain d’huile
Chevalet Tune-o-matic
Accastillage chromé
22 frettes

6. Epiphone SG G-400

La G-400 est une  reproduction fidèle de la magnifique Gibson SG 1962. Elle possède le même ton et son confort, à une fraction du coût. Les incrustations de type trapèze sur le manche en bois en font une guitare unique. Et les deux micros humbuckers Alnico V Chrome conviennent à différents styles de musique.

Spécifications Epiphone SG G-400 :

Corps : acajou
Manche collé acajou / touche palissandre 22 cases
2 micros humbucking Alnico V
2 volumes et 2 tonalités
Chevalet Tune-o-matic + cordier stop bar
Accastillage chrome

7. Ibanez ARX140

La Ibanez Artist ARX140 a un prix abordable. Elle dispose d’un design à double pan coupé qui permet un accès plus facile à la plus haute frette. Le corps en acajou renforce son ton et son sustain. Nous la recommandons pour les débutants qui sont à la recherche d’une bonne guitare à prix abordable  – à l’achat, vous obtiendrez bien plus qu’un instrument décent et agréable à jouer.
Spécifications Ibanez ARX140 :

Corps : Acajou
Table : Érable
Manche : ARX, collé, 1 pièces, Acajou
Frettes : Medium
Chevalet : Gibraltar III
Cordier : Quik Change III
Micro manche : ACH1-S (H)
Micro chevalet : ACH2-S (H)
Diapason : 628mm/24.75″
Largeur au sillet : 43mm
Largeur à la dernière frette : 58.5mm
Épaisseur à la 1re frette : 20mm
Épaisseur à la 12e : 22.5mm
Radius : 305mmR

8. Squier Affinity Series Telecaster

La Squier Affinity Series Telecaster au solidbody est la quintessence des guitare dédiées au rockabilly et au blues. C’est une Telecaster moderne, mais avec la forme classique qu’elle avait dans les années 50! On parle d’une guitare pour débutant qui fournit un son convenable et une stabilité de l’accord sans égale, dans cette tranche de prix.

Spécifications Squier Telecaster Affinity :

Corps : aulne
Manche : érable forme C
Touche : érable radius 241 mm
21 frettes medium jumbo
2 micros simples
Contrôles : 1 volume, 1 tone
Switch 3 positions

9. Schecter 006 Deluxe

De The Cure à Mark Knopfler, ce sont les guitaristes les plus exigeants qui ont fait la réputation des guitares Schecter. Elles sont en mesure de satisfaire les meilleurs guitaristes des styles les plus variés. Elle fournit un sustain et des qualités tonales optimales.

Spécifications Schecter 006 Deluxe :

Corps : basswood
Manche vissé 25.5″ en érable, touche palissandre 22 frettes
Touche : palissandre
Mécaniques Schecter à bain d’huile Diamond
2 micros humbucking Schecter Diamond Plus
1 volume / 1 tonalité / sélecteur 3 positions

Une guitare est un objet délicat et coûteux. Entretenir et nettoyer régulièrement votre guitare pour éliminer la sueur, les empreintes, le sel et la saleté prolongera la vie de votre instrument adoré et préservera aussi son apparence.

Cependant, avant d’envisager le nettoyage de votre guitare, il faut savoir que l’eau, l’humidité et les changements de température sont les pires ennemis de la guitare. Cela signifie qu’il faut éviter de laisser votre instrument dans le garage ou dans le sous-sol de votre maison, par exemple. Gardez votre guitare dans un endroit propre où la température est stable, et sur un trépied (non pas par terre!).

Pareillement, les cires, les détergents, les huiles et certains nettoyants peuvent endommager votre guitare. Le meilleur conseil serait d’essuyer l’instrument avec un chiffon en microfibre (sans silicone) très propre.

Pour nettoyer votre instrument, évitez d’utiliser des produits ménagers courants : ceux-ci pourraient abîmer le verni de la guitare. Utilisez plutôt un produit spécialisé. Afin de bien choisir un nettoyant pour votre guitare, demandez conseil à un luthier d’expérience. Il vous conseillera un produit convenant au bois et au vernis de votre guitare.

En effet, vous devrez choisir un produit nettoyant selon la nature du vernis (cellulosique (guitares américaines et de luthiers) ou polyester ou polyuréthane (guitares en provenance d’Asie ou moyen et bas de gamme)) de votre guitare. Le vernis cellulosique est plus délicat et peut notamment mal réagir à certains produits ménagers, tandis que les deux autres ne sont pas réactifs du tout.

Pour ce qui est des cordes, de façon générale, elles doivent être changées une fois par mois (en fonction de la fréquence de jeu et de la propreté de vos mains lorsque vous jouez).

Profitez également du changement des cordes pour donner un coup de chiffon aux frettes et à la touche du manche… Cela vous prendra 15 minutes tout ou plus.

Tout le monde rêve de maîtriser un instrument de musique, et, le plus souvent, les gens arrêtent leur choix sur la guitare (que ce soit électrique ou acoustique). Cependant, devenir guitariste n’est pas simplement une question d’apprendre quelques accords – la motivation et l’enthousiasme sont essentiels à la réussite.

Vous devrez d’abord apprendre à tenir l’instrument de la bonne manière, à remplacer les cordes et à jouer quelques accords. Jouez de la guitare régulièrement et, en peu de temps, vous en maîtriserez plusieurs.

Lorsqu’on connaît les accords de base, s’exercer à la guitare est plus facile et motivant, car même en n’utilisant que ces quelques accords, on peut jouer plusieurs chansons populaires.

Puisque que ce sont les doigts qui forment un accord; assurez-vous donc d’appuyer assez fort sur les cordes, car sinon il sonnera « étouffé ». Les premières fois que vous jouerez un accord, celui-ci sonnera probablement un peu « brouillon ». Exercez-vous à jouer les accords jusqu’à ce que vos gestes deviennent fluides et naturels.

Pour vous aider à déterminer quelle méthode vous convient pour l’apprentissage de la guitare, tenez compte des éléments suivant : votre budget, le temps dont vous disposez et votre situation. Vous aimeriez prendre des cours privés? Souvent, des annonces pour de tels cours se trouvent dans le journal local ou le magasin de musique de votre quartier. Vous préférez apprendre par vous-même? Des ressources sont disponibles en ligne; vous pouvez également vous procurer un livre pour apprendre la guitare seul. Aussi, sur Internet, vous trouverez un grand nombre de sites utiles contenant des suggestions et des conseils pour vous aider à bien débuter en guitare.

Si vous désirez vraiment apprendre la guitare – et faire évoluer rapidement votre technique -, il est plus efficace de jouer plusieurs fois par semaine, à raison de 15 à 60 minutes par jour, que de faire une seule session hebdomadaire d’une durée de plusieurs heures. C’est logique! Assimiler des connaissances prend du temps, car votre cerveau ne mémorise qu’un certain nombre de renseignements à la fois. Alors, exercez-vous à la guitare souvent, mais pendant peu de temps.

Si vous n’avez jamais touché une guitare, il est normal que vous ayez de la difficulté à assimiler certaines notions au début. Il ne faut pas vous décourager ou sauter des étapes. Ayez confiance en vos moyens!

Travaillez dur! Voilà la clé! Jouez tous les jours, même si ce n’est que pendant 15 minutes. Les meilleurs guitaristes sont ceux qui s’exercent à la guitare quotidiennement, car ils ont à la fois une soif d’apprendre et du plaisir à jouer. Soyez patient, mais discipliné! Vous deviendrez ainsi un guitariste talentueux.

Lorsque l’on apprend la guitare, rien n’est plus ennuyeux que de devoir jouer à répétition des accords et des notes durant des heures, sans la possibilité de jouer une « vraie » chanson, accompagné d’une batterie et d’autres instruments de musique.

Heureusement, depuis l’apparition d’Internet et des cours de guitare en ligne, apprendre à jouer de cet instrument est de nos jours beaucoup plus facile, accessible et agréable qu’autrefois. Ces cours en ligne sont de plus en plus populaires, et plus abordables que les méthodes traditionnelles pour apprendre la guitare (les leçons privées, par exemple).

De plus, des logiciels ont permis à des instructeurs de créer des cours de guitare de qualité sous forme de courts films. Ces vidéos éducatives montrent, selon plusieurs angles de caméra en même temps, les mains et la guitare d’un musicien faisant la démonstration d’une technique, jouant un morceau, etc.

Ces vidéos sont de bons outils d’apprentissage : contrairement à une méthode « papier », on peut observer les mouvements d’un enseignant en temps réel et imiter ses gestes. Cela aide à assimiler les techniques de jeu.

Un autre des nombreux avantages d’apprendre la guitare par le truchement de cours en ligne est l’accès facile aux ressources d’apprentissage. Du fait, il n’est pas nécessaire de se déplacer ou d’attendre que quelque chose arrive par la poste. Et puisque l’on apprend à jouer de la guitare à la maison, l’on peut donc revoir les leçons autant de fois que l’on veut, sans avoir à payer de frais supplémentaires.

Un autre avantage de l’utilisation des nouvelles formations vidéo et audio en ligne, est l’apparition des JamTracks. Plutôt que de jouer des accords ou plusieurs notes au hasard, ces pistes permettent de mettre en pratique tout ce vous apprenez, c’est-à-dire de jouer accompagné d’une bande audio! Cela rend l’apprentissage plus efficace et agréable.

Les cours de guitare en ligne permettent d’apprendre tout en s’amusant!

Vous n’avez pas encore de guitare, mais souhaitez vous y mettre?

Poser la question « Je suis débutant, quelle guitare devrais-je choisir? » sur un forum de musiciens provoque dès les premières réponses des débats où les guitaristes s’estimant les plus accomplis sont convaincus que leur opinion est meilleure que celle des autres membres. Toutefois, le plus souvent, tous finissent par s’entendre et à en venir à la même conclusion pouvant se résumer ainsi : « Essaie plusieurs guitares et prends celle que tu préfères. »

La première guitare est un objet auquel on attache toujours beaucoup de valeur. En général, on ne la revend jamais – on la garde précieusement et on la ressort à quelques occasions spéciales.

Afin de bien choisir votre première guitare, il faudra vous rappeler certains critères de sélection, lors de l’achat, dont le fait que vous soyez débutant.

Contrairement à d’autres objets que l’on conserve durant plusieurs années, une voiture ou une télévision, par exemple, la durée d’utilisation d’une première guitare est limitée. Pourquoi? Car votre guitare devrait refléter votre évolution et le développement de vos compétences de guitariste!

Vous serez donc conduit à acquérir d’autres guitares… Il n’est pas rare de rencontrer un simple amateur possédant cinq, six, ou parfois même une dizaine de guitares!

Tout d’abord, déterminez si vous jouerez de la guitare acoustique ou électrique. Cela dépend essentiellement du style de musique que vous prévoyez jouer. Lorsque vous essayez une nouvelle guitare, placez votre index sur la première case de la plus grosse corde (E6) et faites raisonner cette dernière. Assurez-vous que la guitare ne produise aucun bourdonnement ou bruit inhabituel. Si le moindre son « non musical » se fait entendre, demandez au vendeur d’ajuster l’instrument. Si le problème persiste, cette guitare n’est pas faite pour vous.

N’hésitez pas à magasiner et à faire l’essai – assis et debout – de plusieurs guitares. Lors de l’essai de l’instrument, si celui-ci ne vous semble pas confortable et votre posture « naturelle », c’est que cette guitare ne vous convient pas. Vous devez trouver une guitare que vous aimiez tenir et « porter ».

Avant l’achat de votre première guitare, vous pouvez aussi vous adresser à un proche qui joue de cet instrument depuis un certain temps. Demandez-lui son avis sur les marques et les types de guitares (« Quelles sont les marques que tu aimes? Et lesquelles me déconseilles-tu? », etc.). Par exemple, Fender, Gibson et Takamine sont des marques connues et représentent des instruments de qualité.

Au besoin, demandez à un ami guitariste de vous accompagner à quelques boutiques pour vous aider à choisir votre première guitare.

Bien entendu, si vous n’avez jamais joué de la guitare, acheter la plus chère n’est pas nécessaire… Si vous êtes débutant, achetez un instrument à un prix raisonnable. Il existe beaucoup de guitares fiables, mais peu coûteuses (suggestion : consultez les enchères en ligne). Lorsque vous serez habile et connaîtrez le type de guitare que vous aimez  et qui vous convient, vous pourrez alors vous gâter un peu.

Les cordes de votre première guitare ne devraient pas être trop grosses : vous éviterez ainsi de vous couper ou de vous blesser les doigts. Aussi, l’acquisition d’une guitare lourde n’est pas conseillée.

Lors de l’achat, demandez : une garantie; des cordes de rechange; un étui (ou une housse); et un accordeur (car contrairement au piano, la guitare est un instrument qui se désaccorde tout le temps). Il est important de toujours accorder sa guitare avant de jouer.

Accorder une guitare à l’oreille peut être complexe pour les débutants comme vous. L’utilisation d’un accordeur électronique vous facilitera la tâche. Aussi, en prenant l’habitude d’accorder votre instrument avant d’en jouer, vous demeurerez assurés que chacune de ses cordes produira un son juste lorsque vous vous y exercerez.

Si possible, prenez des leçons privées de guitare, car si les livres et méthodes traditionnelles peuvent vous apprendre la théorie, ils ne vous enseigneront pas une technique correcte (la position des doigts, des mains, des bras, du dos, la lecture de la musique, etc.). Si des cours privés ne sont pas offerts dans votre région – ou sont trop dispendieux -, les cours en ligne seront le moyen tout indiqué d’acquérir une bonne technique. Ces cours, à la popularité croissante, sont plus abordables que les cours privés et les autres méthodes traditionnelles pour apprendre la guitare.

Guitare Domination lance aujourd’hui (6 mai 2010) son blog pour mieux communiquer avec vous et vous permettre d’être à l’affut des nouveautés et des questions d’actualité du monde de la guitare!

Étant donné la popularité indéniable de notre cours de guitare en ligne Guitare Domination, au cours des derniers mois, nous aurons observé sa communauté grandir; du fait, il nous aura bien vite fallu trouver un cyberlieu où rassembler nos élèves pour les informer à notre guise – et de façon continuelle – sur différents sujets les concernant et pour les tenir au courant de ce qui se prépare dans les coulisses de GD. Nous devions aussi trouver un lieu ils pourraient nous faire connaitre leur avis sur différents sujets à tout moment et prendre part à la discussion…

La solution était bien simple : il nous fallait créer un blog!

Eh bien, le voila! Nous sommes convaincus que l’information pertinente dont vous prendrez connaissance et tout ce que vous découvrirez grâce au blog de Guitare Domination s’avéreront des outils et des ressources hyper pratiques de votre bagage de guitariste – des essentiels.

Voici l’occasion de faire de nous vos cybercompagnons en musique!

N’hésitez pas à nous visiter fréquemment et à partager, dans le respect de chacun, vos commentaires sur le site.

Merci d’avance pour votre soutien et votre contribution à notre blog!

L’équipe de Guitare Domination