Fundasiatica

Reseña: Akumu Tantei (Nightmare Detective / Entre los Sueños y la Muerte)

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Wed, 23 Sep 2009 20:38:27 PDT

Sinopsis

Kagenuma Kyoichi (Matsuda Ryuhei) es un atormentado joven obligado a usar su don de penetrar físicamente en el subconsciente de las personas, para sobrevivir como detective.

Su peculiar poder será requerido por la agente policial Kirishima Keiko (Hitomi), quien lo utilizará para investigar un caso de extraños suicidios colectivos, que tienen como punto común una llamada telefónica que las víctimas realizan al marcar el “0”.

Tras estos aparentes suicidios creen que hay una persona capaz de manipular a distancia y hacer que las personas atenten contra su propia vida. Si eso fuera cierto, Kyoichi se encontrará por primera vez ante alguien con poderes similares a los suyos.

Trailer

Comentario

De las cintas hasta ahora visionadas de este autor, ésta es quizá la que más concesiones comerciales permite. Lo que no quiere decir que la huella de Tsukamoto esté ausente en esta producción. Al contrario, su impronta aparece, como siempre, en la participación musical de Ishikawa, en el tratamiento de la fotografía y de la cámara, así como en los sorprendentes y acertados efectos especiales. Sin olvidar, por supuesto, la acostumbrada participación de Tsukamoto como el malvado demiurgo de la trama.

Tsukamoto utilizará el valor comercial intrínseco a esta historia para llevar al público masivo su concepto, criterio estético y su lenguaje cinematográfico.

Aunque desconocemos que Nightmare…, sea una versión live action de algún anime o manga, su intrínseco carácter gráfico, ciertamente vinculado con estos géneros japoneses es evidente. Sin embargo el autor obliga a los personajes y a la trama a escapar de este lastre, para ajustarlos a un ritmo más introspectivo, más pausado y sobrio.

Esto, quizás, con el fin de darles mayor perspectiva humana, aunque con ello se sacrifica el apreciado dinamismo que Tsukamoto le impone al ritmo de sus cintas.

El éxito comercial logrado por esta producción permitió a Tsukamoto realizar una secuela (Nightmare Detective II, 2008) que aún esperamos visionar.

Ficha Técnica
Año: 2006
Guión, edición, fotografía y diseño de producción: Tsukamoto Shinya
Música: Ishikawa Chu
Reparto: Matsuda Ryuhei (Kagenuma Kyoichi), Hitomi (Kirishima Keiko), Ando Masanobu (detective Wakamiya), Ôsugi Ren (detective Sekiya), Harada Yoshio (Oishi Keizo), Tsukamoto Shinya (0).
Duración: 106 min.

MAGA & SHINIGAMI

Reseña: Haze

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Wed, 23 Sep 2009 20:40:00 PDT

Sinopsis

Un hombre anónimo (Tsukamoto) despierta en medio de la oscuridad y en un reducido espacio físico, sin saber dónde y por qué se encuentra allí.

Precariamente se traslada sin ninguna orientación dentro del limitado espacio. Sufre la angustiante sensación del encierro y de los obstáculos y trampas con los que se encuentra, hasta que se topa con otra persona, una mujer (Saitô Mao) en similares circunstancias que él.

Juntos intentarán hallar la razón de su encierro, sin saber que la misma está más cerca de lo que creen.

Trailer

Comentario

Quizás la más osada y experimental producción de Tsukamoto que, ya de por sí, es mucho decir. Con extremadamente reducidos recursos materiales, el autor logra un ambiente claustrofóbico, asfixiante e intensamente desesperante, en el que los espectadores experimentarán el terror de la forma más pura.

Sin una trama inicialmente identificable (tan sólo inicialmente) que se soporte en artificios dramáticos ni anecdóticos, Tsukamoto expone los mecanismos del pánico en su quintaesencia. Ninguna respuesta, ninguna razón, ninguna explicación, sólo la oscuridad y el encierro parcial que apenas permite la movilidad. Pero gracias a esa mínima movilidad, sus protagonistas podrán superar el ahogo de la agonía.

Ficha Técnica
Año: 2005
Guión, edición, fotografía y diseño de producción: Tsukamoto Shinya
Música: Ishikawa Chu
Reparto: Tsukamoto Shinya (hombre), Saitô Mao (mujer).
Duración: 49 min.

MAGA & SHINIGAMI

Reseña: Vital

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Wed, 23 Sep 2009 20:39:41 PDT

Sinopsis

Un joven, Takagi Hiroshi (Asano), despierta del coma del que permanecía hace algunos meses, pero sufre de amnesia y sus padres (Kushida y Lily) intentarán ayudarlo a recobrar su pasado, pero no todo.

Apenas descubre que tuvo un accidente de tránsito y que estudiaba medicina. En su lucha por reconstruir su identidad, decide llevar una vida independiente de sus padres y retomar sus estudios.

Sin querer y sin saber, con la fatalidad impulsando su voluntad, Hiroshi ha dado el paso para conocer la verdad de su último amor, de un modo inaudito.

Trailer

Comentario

Como en el resto de sus cintas, para ésta Tsukamoto no se reserva límites y expone la problemática que le interesa de la manera más extrema y cruda posible, pero alcanzando un elevado sentido poético. Sino, cómo poder calificar el tratamiento de la idea central de la película, que es la de desmembrar el amor, diseccionarlo, tomarlo con las manos y retratarlo, no sólo para postergarlo en la memoria, sino para exorcizarlo del corazón. Y, en este caso, no se tratan de metáforas.

Como dato adicional, hay que destacar que es de las pocas realizaciones en las que Tsukamoto no aparece en el reparto. Según sus propias palabras, fue porque el papel que le interesaba era el del Hiroshi, y el no lo podía representar por la juventud que exigía el rol.

Ficha Técnica
Año: 2004
Guión, edición, fotografía y diseño de producción: Tsukamoto Shinya
Música: Ishikawa Chu
Reparto: Asano Tadanobu (Takagi Hiroshi), Tsukamoto Nami (Ooyama Ryôko), Kiki (Ikumi), Kushida Kazuyoshi (padre de Hiroshi), Lily (madre de Hiroshi).
Duración: 86 min.

MAGA & SHINIGAMI

Reseña: Rokugatsu No Hebi (A Snake of June)

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Wed, 23 Sep 2009 20:39:16 PDT

Sinopsis

Iguchi (Tsukamoto) es un fotógrafo que ofrece su interesante trabajo a las editoriales de folletines porno. Sufre de cáncer y en reiteradas ocasiones ha intentado infructuosamente suicidarse.

En algunas ocasiones, recurre al servicio de atención telefónica para personas maníaco depresivas. Su teleoperadora favorita es Tatsumi Rinko (Kurosawa) una joven mujer casada con un tímido hombre de mediana edad (Koutari), que sufre de impotencia sexual y con una obsesión por el voyeurismo y por la limpieza, en especial por la de los desagües.

Ambos viven sin problemas materiales, en un hogar confortable, decorado con un estilo minimalista, ultramoderno y frío.

La anodina relación de la pareja se alterará cuando Iguchi irrumpe de un modo inusitado en sus vidas.

Trailer

Comentario

Exquisita cinta erótica que, como todas las de Tsukamoto, posee una elaborada fotografía, trabajada con un elevado sentido plástico y una perspectiva personalista con la que el autor explora los límites del espectador.

Al igual que en el resto de su filmografía, Tsukamoto se expone a si mismo como el demiurgo de la trama, un personaje atormentado, cuya mortalidad lo obliga a remover las precarias bases de esa pareja clase media japonesa.

En la selección de los personajes que interpreta, subyace la necesidad de exorcizar su visión conflictiva sobre la relación hombre/mujer. En algunos casos apuesta por una visión trágica (como en Vital), por una solución polarizada (como en Tetsuo) o por una visión conciliadora (como en Nightmare Detective).

En el caso de A Snake…, la esperanza de la pasión se iguala al deseo de vivir de Iguchi, y es el motor que lo impulsa desaforadamente a intervenir en la vida amorosa de Rinko, superando su natural afección voyeurista para ubicarse como mediador desinteresado entre la pareja.

Soportando esta trama, el autor logra imágenes de gran factura estética, gracias a la escogencia del blanco y negro y a un elaborado trabajo fotográfico que se aprovecha de fórmulas usuales en el pinku eiga (cine porno japonés) y en el hentai (anime porno) pero superándolas con su sofisticado sentido audiovisual.

Como dato adicional, vale la pena señalar que Koutari, quien interpreta al esposo de Rinko, no es un actor profesional y se ofreció voluntariamente para dar vida a ese personaje.

Ficha Técnica
Año: 2002
Guión, fotografía y montaje: Tsukamoto Shinya
Música: Ishikawa Chu
Producción: Kawahara Shin-Ichi & Tsukamoto Shinya
Reparto: Kurosawa Asuka (Tatsumi Rindo), Tsukamoto Shinya (Iguchi) y Yuji Kohtari (Koutari).
Duración: 77 min.

MAGA & SHINIGAMI

Reseña: Tetsuo (Tetsuo. The Iron Man / Tetsuo. El Hombre de Hierro)

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Wed, 23 Sep 2009 20:38:53 PDT

Sinopsis

Un hombre de la clase obrera (Tsukamoto), vive rodeado de sus fetiches: desechos industriales de metal y recortes fotográficos de atletas afrodescendientes.

Se apresta para continuar con su plan de incorporar objetos metálicos en su anatomía, pero algo sale mal y es presa del terror. Sufre un ataque de pánico y en la huida es atropellado por un automóvil.

El accidente desatará una serie de eventos en el que víctima y victimarios sufrirán las consecuencias de la venganza y del ansia desaforada que comparten íntimamente.

Trailer

Comentario

Objeto de innumerables y disímiles abordajes , Tetsuo es ese tipo de cintas que provocan reacciones extremas, animosidades polarizadas y mucha incomprensión.

Rodada en 16 mm, en blanco y negro, con un precario presupuesto y un equipo de trabajo mínimo, encabezado por el propio Tsukamoto y Fujiwara Kei (ID, 2005, disponible en nuestra videoteca), destacada cineasta experimental poco conocida en Occidente, con quien no sólo compartió la protagonización, sino también el guión, la edición y el trabajo de cámara.

Con ésta, su tercera película, alcanzó una inesperada atención internacional, que le ganó el calificativo de autor de culto y le permitió desarrollar una secuela (Tetsuo II. Body Hammer, 1992) y un remake (Tetsuo. The Bullet Man, 2009), hecho a petición de Quentin Tarantino, a color y coproducido en EEUU, que acaba de estrenarse en la 66ma., edición del Festival de Cine de Venecia 2009.

Muchas decisiones autorales acertadas confluyen en esta cinta para hacerla merecedora de un sitial de honor en la cinematografía contemporánea japonesa y mundial. En seguida las enumeramos:

El preciso y trepidante montaje genera un dinamismo inquietante, aparentemente caótico, que atrapa y obliga al espectador a doblar su atención.
Su selección del percusionista Ishikawa Chu - en la que sería el inicio de una colaboración recurrente a lo largo de la carrera de Tsukamoto -, para componer una banda sonora cargada con trashmetal, industrial, post punk, complementa a la perfección la corrosiva textura de la cinta.
Su apuesta por técnicas más cercanas al videoarte (como lo son el time lapse y el stop motion) que a la típica espectacularidad de los largometrajes de terror , no sólo le permitió a Tsukamoto superar los límites técnicos de un presupuesto estrecho, sino que brindó al producto final un exquisito acabado artesanal, a la altura de los trabajos de Jan Svankmajer y los hermanos Quay. A nuestro juicio, la rusticidad lograda en los efectos especiales, en el vestuario y el maquillaje, cumple eficientemente su fin de acentuar el sinsentido apocalíptico, el carácter precario, frágil y decadente de la naturaleza de los personajes.
Similar apreciación hay que hacer sobre el trabajo actoral, que responde a la necesidad de mantener a los personajes enmarcados dentro de las performáticas del manga y el anime, auténticas fuentes de inspiración de Tetsuo, en nuestra opinión.

Esta consideración sobre el posible origen gráfico de Tetsuo se puede apreciar en la apuesta por el blanco y negro, que brinda un grano de la imagen que, junto a los encuadres, el trabajo de cámara y el montaje, aportan una particular perspectiva plana, bidimensional, y una dramática intensidad ambiental que es muy usual en las obras del manga y el anime.

Esta apreciación también toma vuelo cuando se considera cierta similitud entre esta cinta y un clásico de esos géneros japoneses: Akira (Otomo Katsuhiro, 1988, disponible en nuestra videoteca). En ésta, el coprotagonista, Shima Tetsuo, vive atormentado por su complejo de inferioridad y su frustrante competencia con Kaneda Shōtarō, el líder de la pandilla de la que el propio Tetsuo forma parte. Hasta que accidentalmente descubre los poderes sobrehumanos que posee y que lo llevarán a creerse omnipotente.

Si bien es cierto que entre una producción fílmica y otra sólo distan algunos meses, hay que recordar que el manga se publicó exitosamente entre 1982 y 1993, de modo que no se descarta que Tsukamoto conociera esta obra tan popular para entonces. Por otro lado el tratamiento de ciertos arquetipos y ciertos temas en ambas obras, es común entre los creadores audiovisuales japoneses.

Ambos Tetsuo (el de Otomo y el de Tsukamoto) sufren una falta edípica, evidente en su ansia por hallar una fuerza sobrenatural que ampare y supere su frágil personalidad. Ésta fuerza será su objeto de goce y, finalmente, el único medio por el cual alcanzarán una fútil felicidad.

Por otro lado, tanto en Akira, como en Tetsuo, la forma gráfica que poseen los monstruos biomecánicos es muy similar: desechos metálicos se amalgaman indiscriminadamente para constituir un ser amorfo, repugnante, de apariencia inestable, inacabada e inconsistente, toda una metáfora del humano atomizado y sobresaturado, propio de una sociedad postindustrial.

Sin embargo, el Tetsuo de Tsukamoto tomará un rumbo diferente al de Otomo, cuando finalmente asume que su búsqueda no es más que la de lograr la unidad fálica. Prefiere combatir su Layo -que se presenta en su mente como un viejo vagabundo (Ishibashi), en directa referencia a una imagen paterna repulsiva y agresiva-, asimilando su cuerpo al del conductor (Taguchi), su contendiente, y proclamando su lucha contra todo lo orgánico.

Tsukamoto subraya la derivación edípica de su Tetsuo, al presentarlo como una especie de virus artificial, que se inocula en las únicas 2 mujeres de la trama tan sólo para alcanzar a su contendiente. Tras cumplir su objetivo, serán desechadas.

La carga homoerótica también se evidencia en las ocasiones en que Tetsuo halla el amor, un amor que evidentemente es narciso, y que el director enmarca con una intencionadamente ridícula pieza de jazz mainstream. El resto de la cinta, se desenvuelve pendularmente entre la incomunicación de la pareja y el rechazo de la mujer como objeto de amor y como simple vehículo para penetrar en el contendiente.

No es casual que la forma final del monstruo en el cual se transformó Tetsuo y su contendiente, sea la de un falo gigante, como tampoco es casual que el primer componente dramático de la trama sea el momento cuando Tetsuo, rodeado de amasijos de metales (Tetsuo es un nombre propio masculino japonés, cuyos dos kanji leídos independientemente significan hierro "鉄" y hombre "男") y recortes de atletas afrodescendientes, se introduce una estaca de hierro en la herida que abre en su propio muslo. La misma estaca que el vagabundo utiliza como pene y arma contra Tetsuo.

Ya en su forma final, los protagonistas pierden su distinción entre víctima/victimario y avanzan unidos en ese falo gigante - un recurso que reutilizará el cineasta Miike Takashi en Dead or Alive III. Duelo Final (2002, disponible en nuestra videoteca), como metáfora de la unidad perdida -, precariamente autoportante, pero autocomplacidos y en pleno éxtasis masturbatorio.

Pero Tetsuo, también es una cinta sobre el ansia, sobre el goce, sobre el hambre que domina a sus personajes principales y que los hace esclavos hasta perderse en si mismos, enajenados de sentido. Para Tetsuo, su ansia está en metalizar su cuerpo. Para el conductor y su novia (Fujiwara), está en ciertos gustos sexuales extremos (exhibicionismo, necrofilia, sadomasoquismo). Diferentes ansias, pero que comulgan en una misma estructura alienante y autodestructiva.

Es así que Tsukamoto utiliza, magistralmente, recursos mínimos para tratar temas de profunda raigambre existencial, que trascienden los códigos convencionales del cine de género de Suspenso y Terror del cual parte, para abordarlo de una forma muy personal, sin artificios dramáticos y con un elevado valor estético.

Ficha Técnica
Año: 1988
Guión: Tsukamoto Shinya & Fujiwara Kei
Música: Ishikawa Chu
Fotografía, edición y dirección de arte: Tsukamoto Shinya
Vestuario: Fujiwara Kei
Reparto: Taguchi Tomorowo (El Conductor), Fujiwara Kei (Novia del Conductor), Nobu Kanaoku (Mujer con lentes), Ishibashi Renji (Vagabundo), Musaka Naomasa (Médico), Tsukamoto Shinya (Tetsuo).
Productora: Kaijyu Theater
Duración: 67 min.

MAGA & SHINIGAMI

Aportes: Cine asiático y animé contemporáneo en TV

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Tue, 14 Jul 2009 13:54:45 PDT

Recien he descubierto que el canal argentino de TV por cable ISAT (canal 520 por Directv Venezuela) tiene un segmento semanal de su programación dedicado al cine que nos compete, Asian Connection, cada lunes a las 10:30 PM hora nacional. Para el mes en curso tienen pautados los siguientes títulos:

Heroic Trio 2: Executioners (Johnnie To, Hong Kong,1993) el 06;

Dead or Alive: Hanzaisha (Miike Takashi, Japón, 1999) el 13;

Shaolin Soccer (Stephen Chow, Hong Kong, 2001), el 20; y,

The Promise (Chen Kaige, Hong Kong, 2004), el 27.

Por si fuera poco, para este mismo mes ISAT tiene [Adult Swim], dedicado al anime, todos los jueves y viernes, a partir de las 12:30AM y en el siguiente orden:

Osamu Tezuka's Metropolis (Rintaro, 2001) el 02 y 31 a las 12:30 AM;

Memories of Katsuhiro Otomo (Otomo Katsuhiro, 1995) el 03 y 30 a las 12:30 AM;

Trigun (Nishimura Satoshi, 1998) el 09, 16 y 23 a las 12:30 AM y 1:00 AM;

Gungrave (Tsuru Toshiyuki, 2003) el 09, 16 y 23 a la 1:30 AM y 2:00 AM;

Saint Seiya, The Hades Chapter (Kikuchi Kazuhito, 1989) el 10, 17 y 24, a la 1.30 AM y 2:00 AM;

Y 12 episodios de Samurai Champloo (Watanabe Shinichiro, 2004) el 10, 17 y 24, a las 12:30AM.

Felicitamos a ISAT por su iniciativa para con esta cinematografía, esperamos que mantengan estos espacios y que otros medios sigan ejemplo. Sin embargo, vale decir que cedimos esta publicidad gratituta debido a que la programación centralizada a la web de este canal no es accesible. Esperamos que resuelvan el problema para que podamos conocer la programación vía on line con más facilidad.

SHINIGAMI

Aportes: Sen to Chihiro no kamikakushi (El Viaje de Chihiro) de Hayao Miyazaki

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Tue, 18 Aug 2009 10:26:56 PDT

"Con cada nueva película, Hayao Miyazaki pone el listón de la animación más alto. Su visión es tan singular que resulta difícil dondo colocarlo. No es un amante del pasado, porque en el pasado nadie ha hecho películas como las suyas. Tampoco es un precursor, porque resulta dífícil imaginar a otro que no sea Miyazaki que haga lo mismo. Es único, y como tal sus películas ocupan un lugar muy especial en el corazón de los amantes del cine.

En su Japón natal, cada una de sus películas tiene mayor éxito de taquilla que la anterior y eclipsan las producciones más poderosas de Hollywood. Miyazaki crea mundos fantásticos libres de los personajes empalagosos y el tono paternalista de tantas otras películas de animación. Sus inteligentes películas gustan a niños y adultos por igual: son sencillas para que los niños disfruten, y complejas para que el adulto las valore en un plano diferente.

Trailer

La tímida e inquieta Chihiro, va con sus padres de camino a casa y se desvían por un misterioso túnel. Cuando salen al otro lado, descubren una ciudad en apariencia desierta. Los padres se atiborran de comida y se transforman en cerdos, y entonces Chihiro se da cuenta de que no están solos. Cuando cae la noche, la ciudad se llena de espíritus y Chihiro debe sobreponerse a sus miedos para salvar a sus padres y encontrar el camino de vuelta a su casa. Guiada por un espíritu benóvolo llamado Haku, se dedica a atisbar la ciudad y descubre a una bruja llamada Yubaba. Es ella quien dirige esta nube de espíritus como negocio próspero. Chihiro tendrá alguna esperanza congraciándose con esta enigmática arpía y sus impredecibles amigos.

El viaje de Chihiro es la Alicia en el país de las maravillas de Miyazaki. Las escenas dibujadas a mano por el guinosta/director rebosan energía e inventiva, y Miyazaki diseña docenas de espíritus y variopintas criaturas que vagan por un mundo de normas inescrutables y de lógica impenetrable. Bebés gigantes con pataletas destructivas. Espíritus malignos que regalan oro y luego devoran todo lo que hay a la vista. Los personajes cambian de forma (y de personalidad) sin previo aviso: uno de ellos aparece como niño, dragón y espíritu del río. Chihiro reacciona con confusión, luego con miedo y, finalmente, con valor. Comprende que debe controlar ese extraño mundo si quiere volver a casa, y así como los espíritus alteran su concepto de la vida, también ella influye en los espíritus. Es una extraña en una tierra extraña cuyos ciudadanos la consideran lo más extraño de todo".

Joshua Klein. 1001 películas que hay que ver antes de morir.

Andy Cheung

Aportes: Entrevista a Kitano Takeshi, a propósito de Achilles to Kame

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Fri, 10 Jul 2009 21:00:17 PDT

Antes que nada, nos excusamos por el abandono, pero tengan por seguro que muy pronto nos reincorporaremos para restablecer nuestras actividades y reseñas. Mientras llega ese momento repito con otro trabajo periodístico, esta vez se trata de la entrevista que el periodista Luciano Monteagudo le realizó a Kitano Takeshi a propósito del estreno internacional de su más reciente producción, Achilles to Kame (disponible en nuestra videoteca), y que el diario argentino Página 12, publicó aprovechando la proyección de la misma en el marco de la undécima edición del Buenos Aires Festival Internacional de Cine Independiente BAFICI, finalizada el pasado 05 de abril. Esperamos que los festivales de cine nacionales tomen ejemplo y también proyecten esta cinta tan ansiada por los seguidores de Kitano, que no son pocos. Como en el anterior Aportes, le adjunto al texto original trailer de la película.

UN ARTISTA ES COMO UN LEÓN DETRÁS DE UNA GACELA

Aquiles y la tortuga, la nueva película de Kitano –que hoy tiene su última exhibición en el Bafici– es tan autorreferencial como sus dos films anteriores, Takeshi’s y Glory to the Filmmaker. Aquí explica por qué hizo esta trilogía sobre el artista frustrado.

Por Luciano Monteagudo

Una de las primeras películas –si no la primera– de todo el Bafici en agotar sus entradas por anticipado fue Achilles and the Tortoise, la nueva realización de Takeshi Kitano, lo que confirma el fervor del público porteño por un cineasta que, paradójicamente, para los distribuidores locales ya cayó en el olvido. Desde Zatoichi (2003) que ninguna de sus películas se estrena comercialmente en Buenos Aires. Pero tanto el Bafici como el Festival de Mar del Plata se han ocupado de mantener actualizada la obra de Kitano, que desde entonces parece haber entrado en una profunda zona de autocrítica y de reflexión interior acerca de sus distintas facetas: como showman cómico, como cineasta y también como pintor.

No puede decirse que Aquiles y la tortuga sea precisamente un autorretrato, pero la nueva película de Kitano –que hoy tiene su última exhibición en el Bafici– es evidentemente autorreferencial, como lo eran también sus dos films anteriores, Takeshi’s (2005) y Glory to the Filmmaker (2007). Este nuevo aporte vendría a conformar entonces una suerte de trilogía sobre el fracaso del artista. Porque de una u otra manera, las tres tienen que ver con la frustración y la impotencia de alcanzar aquello que –como la tortuga a la que Aquiles en su carrera nunca llega a igualar– es tan inasible como el arte.

El nuevo film de Kitano se inicia de manera completamente clásica, casi dickensiana, narrando el desamparo de un niño que vive todo tipo de pérdidas y padeciendo todo tipo de sufrimientos, pero sin resignar nunca su absorbente pasión por la pintura. Que poco a poco el film –cuando el propio Takeshi asume el mismo personaje ya de grande– vaya desquiciándose, volviéndose literalmente enfermizo y oscuro (a pesar de la vibrante paleta de colores que el director le impone a la película), le da su carácter verdadero, en la medida en que casi todas las pinturas que aparecen en la película son las que el mismo Kitano pinta y no duda en destruir. Se diría que el nihilismo que siempre fue muy propio del director es aquí más intenso que nunca.

Página/12 tuvo oportunidad de conversar largamente con Kitano en el Festival de Tesalónica, Grecia, en noviembre pasado. Rodeado por su productor de siempre, Masuyuki Mori, y por un traductor que es como su segundo yo, que lo sigue a sol y a sombra por todo el mundo y que parece conocer su obra tanto como si fuera él mismo, Kitano se toma su tiempo para responder y, cuando finalmente, lo hace suele dar un rodeo, apelar a un ejemplo o metáfora, con la que ilustra su pensamiento. Lo que sigue es parte de esa charla.

¿Sería apropiado decir que sus últimas tres películas son autobiográficas?
–Son tres películas que tratan acerca de tres actividades a las que he estado y estoy vinculado. Takeshi’s es acerca de un comediante muy exitoso que tiene una pesadilla recurrente con los fantasmas de su pasado: su ex novia, sus antiguos colegas de profesión y la gente que conoció en sus comienzos y que quedaron perdidos en el camino y que reaparecen en sus sueños como figuras simbólicas. Por eso pienso que esas pesadillas que mi personaje tiene en la película representan una suerte de sentimiento de culpa que ese comediante tiene en su carrera. La segunda película de la trilogía, Glory to the Filmaker (Kantoku-Banzai), es acerca de un director de cine obsesionado con conseguir un éxito, y con cada nueva película que hace sólo tiene fracasos. Cuanto más se esfuerza en lograr un éxito menos repercusión alcanza. El director, en esta película en particular, es el tipo que piensa que es más talentoso que otros cineastas, y que está confiado en su habilidad para hacer buenas películas, pero ninguna consigue interesar al público, como muchas veces me ha pasado a mí. Y con Achilles and the Tortoise, que es la tercera película de la trilogía, el protagonista está convencido de su talento, pero el resto del mundo no. La conclusión del film es que el mero hecho de estar involucrado en el proceso de creación es, en sí mismo, un momento feliz en la vida del artista. Si uno tiene éxito, o si los críticos te adoran, es irrelevante al tema de la creación en sí. La alegría está en el proceso de la creación de la obra, no en el éxito, ni en la repercusión, ni en cómo uno es visto por otra gente, sino cómo el artista se ve a sí mismo.

Zatoichi fue una película tan alegre y con tanta energía que uno se pregunta por qué la trilogía que le siguió es tan pesimista. ¿Qué sucedió?
–Mirando hacia atrás, creo que lo que pasó es que Zatoichi fue mi primer éxito comercial en el mercado japonés. Fue un éxito enorme. Entonces me dije a mí mismo: “Bueno, ahora que hice este súper éxito es un excelente momento para hacer cualquier película que yo quiera, porque no va a haber ninguna otra oportunidad en mi carrera en la que pueda ser más extremo, probar mis límites”. Por eso hice estas tres películas, tan diferentes entre sí, pero sobre todo muy diferentes de toda mi obra previa. Con las dos primeras tengo que confesar que me quedé sin aliento, porque fueron dos películas muy arduas de hacer, que me exigieron mucho en lo personal. La tercera, en cambio, la sobrellevé mejor, es una película más tradicional en algún sentido.

En Glory to the Filmmaker el director trata de filmar en distintos estilos, entre ellos el de Yasujiro Ozu, un cineasta muy alejado de su cine. Y en Achilles and the Tortoise el protagonista intenta pintar primero como Picasso, y después como Miró y como Jackson Pollock.
¿Es tan difícil para un artista encontrar su propia voz?
–La imitación en el arte es todo un tema. Una vez, hace mucho tiempo, vi una película, Mondo Cane (n.d.r.: de los italianos Paolo Cavara y Gualtiero Jacopetti, realizada en 1962). Y me impresionó mucho una escena: un nativo de Papua Nueva Guinea ve por primera vez sobre su cabeza volar un avión. Y decide imitar lo que acaba de ver con unas cañas de bambú y un poco de paja. Lo que construye apenas si se parece al avión, pero a sus ojos se le acerca bastante. Considero que ésta debería ser la forma ideal de imitación en el arte. No hay por qué duplicar el objeto en todos y cada uno de sus detalles. Lo más importante es reproducir la representación subjetiva de lo que uno vio. No tiene que lucir exactamente como lo que uno está imitando. Y algo de eso es lo que quiero de decir en Achilles... De hecho, todas las pinturas que aparecen en la película las pinté yo y son las que critica el marchand: “¡Usted cree que pinta como Pollock, Klee o Mondrian, pero sus cuadros ni siquiera se le parecen!”. Pero eso no es algo necesariamente malo. Porque como le sucedía al nativo de Papua Nueva Guinea, que imitaba al avión con cañas de bambú, el protagonista de Achilles... que yo interpreto, ese pintor sin talento ni éxito, lo que puede hacer con su habilidad tan limitada es crear una suerte de imitación. Pero la brecha con la realidad es tan grande como la del avión con las cañas de bambú. Y esa brecha es la que me interesa explorar en la película.

Las escenas en Achilles... en las que el pintor es un niño, en un paisaje rural, tienen una luz que parece la de la pintura impresionista, pero luego, a medida que el personaje crece, cambia completamente esa estética. ¿Cómo trabajó esos contrastes? ¿Hay algún período de la historia del arte que le interese más que otros?
–Para la gente de mi generación, hay una fantasía típica: si uno aspira a ser un artista debe viajar a París y reunirse con pintores en los cafés de Montmartre y llevar una vida bohemia. Esa fantasía, hoy más absurda que nunca, está reflejada en mi película a través del protagonista. En cuanto a mí en particular, el período de la historia del arte que más me interesa es el que va del Impresionismo al Cubismo, la progresión de esos movimientos y cómo los artistas trataron los temas de su época. Pero no tengo un conocimiento más que superficial del asunto, soy apenas un aficionado. Ahora bien, me esforcé por darles un color y un tono diferente a los tres movimientos en los que dividí la película. Los años de infancia tienen un tono casi sepia. Gradualmente, la película empieza a ganar en color y para cuando yo asumo como actor al protagonista ya predominan colores primarios, los tonos muy vivos. Esa evolución de la paleta de la película acompaña el proceso del personaje y fue algo en lo que me esforcé mucho.

El protagonista de Achilles... nunca tiene la posibilidad de estudiar, es un autodidacta. ¿Piensa que el arte no se puede enseñar?
–Bueno, definitivamente creo que algunas de las técnicas básicas hay que aprenderlas, alguien te tiene que enseñar. No necesariamente en una escuela, pero puede ser un amigo o incluso alguien del barrio. Es como cuando uno juega béisbol: antes que nada hay que aprender a catchear. En este sentido, hay cosas elementales que uno no las puede aprender por sí mismo, uno necesita de otros, no necesariamente de una escuela, pero sí de un mentor.

Y como cineasta, ¿quién fue su mentor?
–Humm... (piensa). Yo diría que aprendí cine cuando hacía stand-up comedy y desde mis números arriba del escenario criticaba mucho los clichés que veía en el cine. Y esos clichés son los que traté de evitar cuando empecé a dirigir. Recuerdo especialmente un número en el que me burlaba de un mal director y las películas estúpidas que hacía y allí decidí que eso era algo que nunca iba a hacer si empezaba a filmar mis propias obras. Ese fue quizá mi mejor aprendizaje como cineasta. En cuanto a la pintura, soy todavía un amateur, técnicamente soy muy malo. Y no me gusta andar explicando lo que pinto. Empecé a pintar por el placer de hacerlo, para divertirme y para disfrutar. Me inicié haciendo caricaturas, burlándome un poco de alguna gente, y ése fue un buen aprendizaje sobre cómo plantear la figura humana sobre papel.

Usted se desempeña en distintos campos: el cine, la televisión, la pintura. ¿A cuál le da prioridad?
–El secreto está en no perder tiempo en detalles. Puedo estar concentrado en una actividad, pero a la vez prestarles atención a otras cosas. Si uno se ata demasiado a algo y descuida el resto, hay elementos de la propia personalidad o potencialidades que se desaprovechan, o que directamente se pierden.

En Achilles... al protagonista se le plantea una disyuntiva: ¿el arte es más importante que la vida o la vida debería ser un arte?
–Eso depende de cada persona, de uno y de nadie más. Para algunos, el arte es toda su vida y para otros, por el contrario, la vida es un arte en sí misma. No hay una única respuesta a esa pregunta. Depende de quién es cada uno.

¿Le parece que los artistas deben tener alguna responsabilidad especial acerca del mundo en el que viven?
–Hay una tendencia muy fuerte, en todo el mundo, a que los artistas sean conscientes acerca de una variedad infinita de temas: sociales, ambientales, conflictos raciales, desigualdades de todo tipo. Yo en cambio pienso que el artista es otra cosa, que no debería necesariamente pensar en todo eso. El artista no es un activista social. Tiene otro lugar en el mundo.

¿El artista entonces debe aislarse de la sociedad en la que vive?
–No necesariamente. El artista no debe ni aislarse ni ser apartado de la sociedad. Lo pienso más bien como un león que está bien alerta detrás de una gacela: se ubica a la distancia justa de la manada, ni demasiado cerca, porque la ahuyentaría, ni demasiado lejos, porque si no se moriría de hambre.

Trailer de Achilles to Kame

SHINIGAMI

Aportes: Reportaje soñado

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Tue, 30 Jun 2009 07:39:09 PDT

A pesar de diferir del enfoque, no puedo resistir la tentación de compartir éste reportaje "Orientales y muy extremos" del periodista español Jaume Esteve Gutiérrez, por tratar no sólo de los tres títulos más esperados en la actualidad por cualquier cinéfilo-asiático -Thirst, Mother y Vengeance-, sino por el lujo de incorporar la conversación con sus reconocidísimos autores: Park Chan-wook, Bong Joon-ho y Johnnie To, tres entrevistados de altura que representan el panel soñado por cualquier periodista de esa fuente.

Así que les invito a extraer lo mejor de este trabajo periodístico. Para completar la lectura, al final adjunto los trailers de las películas mencionadas.

Orientales y muy extremos

Tiros, vísceras y peleas en lo último de Johnnie To, Park Chan-Wook y Bong Joon-Ho. Los tres realizadores presentaron sus nuevas películas en Cannes. Los entrevistamos para que hablen sobre la violencia en el cine asiático.

Mutilaciones, sangre a mansalva, cambios de género en la misma película... Que el cine oriental tiene un imaginario propio es un tópico, pero ha gozado de un protagonismo especial en el reciente Festival de Cannes. Seis filmes de la sección oficial llevaban la firma de realizadores nacidos en Extremo Oriente. Tres destacan por una aproximación más propia de Occidente y por un tratamiento peculiar y común de temáticas recurrentes: violencia, venganza, terror... Son Park Chan-Wook (1963), Bong Joon-Ho (1969) y Johnnie To (1955).

El primero la lio parda en 2004 cuando se plantó en Cannes con Oldboy. Su película de venganza ganó el Premio Especial del Jurado y nos descubrió a un esteta enamorado de la violencia extrema. Cuanta más sangre, mejor. Este año ha participado con Thirst, sobre un cura convertido en vampiro, y ha ganado otra vez el mismo galardón. «Es una aproximación realista al cine de vampiros. Quería que el personaje fuera una persona muy pura que se ve en el dilema de tener que herir a otra gente para poder sobrevivir», explica. El protagonista necesita beber sangre, tiene impulsos sexuales que desconocía y siente celos.

El cine directo y sin complejos de Chan-Wook (es capaz de arrancarle los dientes a sus personajes uno a uno y con un martillo) contrasta con una gran timidez en persona: un hilo de voz, zapatos de cordones desanudados y mirada perdida. La aproximación explícita de Thirst la justifica para «dar una expresión fiel y sincera de los sentimientos de los personajes. De cara a la audiencia, mostrar de manera abierta el sexo y todo lo relacionado con la sangre es un vehículo para que se entienda mejor mi mensaje». ¡Y vaya si se entendió! En un pase en Cannes un espectador sufrió un desmayo.

El realizador coreano fue el exponente en su día de una llamada corriente asiática que apostaba por dar cancha a las escenas sangrientas. «Siempre me preguntaban eso cuando iba a promocionar Oldboy y Sympathy for Lady Vengeance a Europa», admite, pero no cree que exista una tendencia y se toma con humor la cuestión: «Los directores orientales no nos hemos sentado en una convención a tratar el tema». El director cree que sus motivaciones tienen que ver con su experiencia personal: «Mis recuerdos están muy marcados por mi juventud en Corea del Sur. Vivíamos una dictadura militar y el día a día estaba lleno de situaciones violentas; especialmente entre los jóvenes manifestantes y la Policía. Recuerdo el miedo tan grande que se vivía antes de que los antidisturbios cargaran contra la gente; es comparable al que sufres cuando te torturan. Muchos de mis amigos pasaron por eso. Tuve suerte de librarme, pero tengo un recuerdo muy intenso de esa época».

Terror sin sangre y violencia fuera de plano

La elegante violencia de Park es reconocida por Bong Joon-Ho (Memories of murder, The host), que participó en la sección Un certain regard con Mother, la historia de una madre que trata de exculpar a su hijo de un asesinato al estar convencida de que es inocente. «Creo que a Park le llama la atención la belleza de la violencia», asegura en un encuentro relajado, a pocos metros del bullicio que cada día sacude la Croisette. «Su cine tiene unas imágenes muy poderosas. A mí, al contrario que a él, me gusta que la violencia esté fuera de plano. Así consigo que sea más fuerte». Menciona como referente de este tratamiento tácito de lo violento a Alfred Hitchcock: «Me encanta. Nunca hay sangre en sus películas, pero sabe crear y mantener la tensión y el terror durante todo el metraje».

El tercero de nuestros orientales violentos es Johnnie To. Es de Hong-Kong y en sus obras la casquería, los tiros y las emociones fuertes están asegurados. Aunque se le acusa con frecuencia de rodar siempre la misma película de mafiosos, ahora se ha sacado de la manga un wéstern crepuscular con envoltorio de cine de gánsteres, Vengeance.

Ver una película de To es como viajar al pasado. En ocasiones, a los tiempos del gran cine del Oeste. No es casual que admire a «Kurosawa, Leone y Peckinpah», tres artistas que saben «crear su propio estilo y concentrarse en contar las historias que les interesan. En Vengeance yo quería hacer una cinta con mi propio estilo», asegura To, cuyo aspecto no difiere mucho del de sus protagonistas: eternas gafas de sol y un sello enorme en la mano izquierda.

El cine To es único por dos motivos. El primero concierne a las extremadamente planificadas escenas de acción, en las que la coreografía tiene una importancia vital. Los tiroteos no son un medio, son un fin en sí mismos: «En esas escenas ruedo lo que tengo en mi cabeza. No las preparo o hago una lista de lo que quiero trasladar a la pantalla. Cuando pienso en un tiroteo, quiero que esté conectado con los personajes y la historia. En Vengeance el protagonista tiene problemas con su memoria. Por eso le situé en una reyerta a la luz de la luna».

«La película te dirige a ti»

Su segundo gran rasgo es que en las películas de To no hay guión. «Rodar con o sin guión es la misma cosa. Al principio, tú eres el jefe. Tú diriges la cinta. A la semana, es ella la que te dirige a ti», asegura. Pero en Vengeance rompió su credo y escribió el guión antes de tiempo para que Johnny Hallyday, añeja estrella del rock francés y protagonista principal, le echara un vistazo. «¡Ése fue el verdadero reto de esta película!», exclama el responsable de Exiled y las dos partes de Election.

Así es To. Un hombre que adora la comida (no hay filme suyo en el que los protagonistas no se junten alrededor de una mesa) y al que Anthony Wong, uno de sus actores fetiche, admira porque no le dirige: «Sólo me dice que empiece en un lugar, vaya a otro y acabe más allá. Y si no le gusta lo que hago, volvemos a repetirlo».

Si los astros convergen de manera conveniente y los caprichos de las distribuidoras lo consienten, es probable que las tres películas lleguen a España. Desde la trilogía de la venganza (Sympathy for Mr. Vengeance, Oldboy y Sympathy for Lady Vengeance), Park Chan-Wook se ha hecho un nombre en algunos círculos y sus películas se han exhibido. Lo mismo se puede decir de Bong Joon-Ho, que admite la posibilidad de acudir al próximo Festival de San Sebastián con Mother. Vengeance, el wéstern de To, lo tiene más difícil, pero Ángel Sala, director del Festival de Sitges, ha dejado caer que le «gusta» y que la intentará llevar al certamen.

Trailer de Thirst

Trailer de Mother

Trailer de Vengeance

SHINIGAMI

Programación Jueves 25/06

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Fri, 19 Jun 2009 06:45:36 PDT

Hora: 6:30 p.m
Telf: 632 52 91
Ver mapa
L@s esperamos

Aportes: Deadline, de Bunliu

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Wed, 17 Jun 2009 21:06:32 PDT

Como ya hicimos con el japonés Takeuchi Taijin, seguimos compartiendo los cortos en formato stop motion. Esta vez el turno es del taiwanés Liu Bang-yao (Bunliu), que tiene más trabajos en su canal de Youtube que invitamos a conocer. Vía Mira y Calla.

SHINIGAMI

Programación Jueves 18/06

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Sun, 14 Jun 2009 19:10:43 PDT

Hora: 6:30 p.m
Telf: 632 52 91
Ver mapa
L@s esperamos

Reseña: Janghwa, Hongryeon (A Tale of Two Sister / Dos Hermanas)

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Sun, 14 Jun 2009 19:42:36 PDT

Sinopsis

Una joven retenida en un psiquiátrico debe restablecer el orden de los acontecimientos que la hicieron llegar allí. Su-mi inicia un relato introspectivo que la lleva al momento cuando, junto a su hermana menor, Su-yeon, llega a la casa donde las espera su padre, recientemente viudo, en compañía de su nueva esposa que, a los ojos de ambas, es una cruel madrastra.

Esta sensación de rechazo irá generando una atmósfera que se enriquece con las apariciones de fantasmas que provocarán un terror irrespirable.

Trailer

Comentario

Drama psicológico revestido de cinta de terror que recurre a una leyenda coreana de la era Joseon, conocida como Janghwa, Hongryeon-jon (literalmente Flor Rosada y Loto Rojo).

Una historia llena de complejidades, donde el principio y el final están intercambiados sin más pistas para entender el desenlace. No es fácil distinguir si todo existe sólo en la cabeza de Su-mi o si su madre y hermana menor realmente están con ella y quiénes son esos fantasmas.

Maravillosas actuaciones que han sido nominadas en varios festivales de cine internacionales. La madrastra desarrolla en su actuación a una mujer llena de frustraciones y paranoia, mientras que el padre muestra durante el dolor innumerable que le ha causado su perdida. Im Soo-jung ganó el premio a la Mejor Nueva Actriz en el Festival Internacional de Cine de Pusan en 2003. Mientras que el director recibió el trofeo a la mejor película en los premios Screamfest, en Los Angeles, EE.UU.

Conjuntamente con una música llena de melancolía y delicadez está la elegante fotografía, llena de colores rojos y verdes. La oscuridad que le brindan el ambiente a los momentos lúgubres y de suspenso destacan como atributos de este rodaje. Los movimientos de cámara tan sutiles detallan cada escena, retratando los hermosos paisajes que rodean la casa.

La pobreza creadora de Estados Unidos es evidente desde hace cientos de adaptaciones. Pero lo peor no es el remake que de ésta lanzaron en enero de 2009, sino la aniquilación artística de películas tan buenas como A Tale of Two Sister, privando al espectador del deleite de conocer un buen argumento.

Se trata de The Uninvited (EEUU/Canadá, 2009), de los directores Charles y Thomas Guard, con Emily Browning, Arielle Kebbel, David Strathairn, Elizabeth Banks. en los roles estelares.

En esta cinta comercial de terror, nada queda del espíritu de la oriental, a pesar de que su costo fue calculado en millones de dólares.

Ficha Técnica
Dirección y guión: Kim Jee-woon
Productor: Oh Ki-min y Oh Jung-wan
Fotografía: Lee Mogae
Música: Lee Byoung-woo
Montaje: Go Im-pyo
Vestuario: Ok Soo-kyung
Reparto: Yum Jung-ah (madrastra), Im Soo-jung (Su-mi), Moon Geun-young (Su-yeon).

MAGA

Reseña: Koshikei (Death by Hanging / La Ejecución)

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Sun, 14 Jun 2009 19:35:09 PDT

Sinopsis

En una cárcel japonesa de la década de los 60, se efectúa la sentencia de ejecución por la ahorca de Lee Jun-u (Yu Do-yun), un estudiante de origen coreano acusado de violar y asesinar a dos mujeres.

Se sigue el protocolo respectivo sin mayores contratiempos. Sin embargo, los testigos comprueban que el condenado sobrevive inexplicablemente a la ejecución, pero sin memoria acerca de si mismo ni de lo que ocurrió en su vida para haber llegado hasta su derrotero presente.

Los funcionarios gubernamentales a cargo de atestiguar el cumplimiento de la sentencia, entre los que se encuentran autoridades de la cárcel, guardias de seguridad, el médico, el fiscal y un sacerdote católico, se ven obligados a improvisar una decisión fuera del procedimiento establecido, para retomar la condena: ayudar a Lee a recuperar conciencia de su crimen.

La tarea de rehacer la memoria de Lee abrirá las puertas a un severo cuestionamiento de los fundamentos sobre los que se erige la condena, su legitimidad y su naturaleza social, política y ética.

Trailer

Comentario

Una cinta con ambiciones omniabarcantes que parte de un alegato político contra la pena de muerte, pasa por cuestionamientos metafísicos sobre la voluntad y deriva en una denuncia contra la discriminación sufrida por la minoría coreana que habita en Japón.

Esta película de Oshima es clara representante del estilo avant garde, experimental, atrevido y comprometido del cine político de la Nouvelle Vague francesa, del Cinema Novo brasileño y tantas otras corrientes nacionales que surgieron en la década de los 60 del siglo pasado.

Para ese entonces, el director japonés, ex líder estudiantil y licenciado en Derecho e Historia, ya había expuesto su postura política en su emergente trayectoria fílmica que contaba con 14 años, tanto en la televisión como para la gran pantalla.

Como tantos otros cineastas de ese entonces, no se contentaba con un abordaje comercial del cine y lo utilizó como una plataforma comunicativa y formativa para denunciar el chauvinismo y racismo imbricado en el sistema y la cultura japonesa.

Antes de la presente cinta, en su etapa de documentalista para televisión, Oshima había rodado Wasurerareta Kogun (Un Ejército Forzoso, 1963), en el que reflejaba el drama de los soldados coreanos obligados a luchar en el ejército japonés. Además, en Corea del Sur, rodó también para televisión, documentales como Seishun no Ishibumi (Los Días de la Juventud, 1964) y Yunbogi no Nikki (Diario de Yunbogi, 1965), en los que adelantaba su denuncia contra la forma en que Japón trata a su minoría coreana que, lamentablemente se hace extensiva aún hoy a otras minorías migrantes de ese país.

El personaje de Lee (o R, tal como el espectador lo escucha de la boca de los personajes secundarios, debido a la forzada pronunciación japonesa, que no posee la consonante L en su fonética), no sólo sirve a Oshima para reiterar su crítica a la xenofobia japonesa, sino que es aprovechado como catalizador para exponer al sistema jurídico japonés que, como cualquier otro que aplique la pena de muerte, evade problemas más profundos como la discriminación y la exclusión social.

Sin embargo, ésta cinta no se agota en una declaración política. La absurda apuesta que hacen los testigos, ante la también insólita resurrección de Lee, por recuperar la conciencia del condenado, permite al cineasta (coautor del guión) develar una intención más integral, plantear asuntos más profundos como la existencia de dios, el sentido de la vida, la familia, entre otros más.

En otros términos, la osadía argumental de esta cinta va de la mano con su atrevimiento estético. El dramático uso del blanco y negro busca reflejar el maniqueísmo que sostiene a la pena de muerte y a la xenofobia. La utilización ocasional de la voz en off de un narrador (el propio Oshima), a modo documentalista, obliga al espectador a tomar una perspectiva objetiva que le impide dejarse llevar exclusivamente por el desarrollo dramático de la historia. El tratamiento teatral del trabajo actoral y del dispositivo escénico, recuerda el Teatro del Absurdo que a Ionesco, a Becket y a muchos otros, sirvió para desmontar la impostura racionalista de la sociedad moderna.

Éstos y otros elementos ayudan a Oshima a expresar con creatividad, ingenio y atrevimiento su postura política, convirtiendo a esta cinta en una obra original, que lejos de sacrificar cualidades formales en pos de un mensaje ideológico específico, exhibe con lucidez autoral el carácter magistral que éste cineasta desarrolló a lo largo de su carrera.

Ficha Técnica
Director: Oshima Nagisa
Fecha y País: 1968, Japón
Guión: Fukao Michinori, Oshima Nagisa, Sasaki Mamoru y Tsutomu Tamura (aka Tamura Takeshi).
Música: Hayashi Hikaru
Edición: Uraoka Keiichi
Producción: Sozosha y Art Theater Guild of Japan
Reparto: Yu Do-yun, Sato Kei, Watanabe Fumio, Ishido Toshirô, Adachi Masao, Toura Rokko, Komatsu Hosei, Matsuda Masao, Koyama Akiko.
Género: Drama.
Duración: 117 min.
Formato: Blanco y negro, DVD con subtítulos en castellano

SHINIGAMI

Programación: Fundasiatica en el Centro de Arte de Maracaibo Lia Bermudez

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Mon, 15 Jun 2009 19:53:30 PDT

Como parte de las estrategias para llevar a cabo nuestra tarea de difusión del cine del lejano oriente en nuestro país, en Fundasiatica hemos organizado el ciclo 5 Autores Asiáticos Contemporáneos para el prestigioso CAMLB.

Nuestra selección para esta primera experiencia con esta institución cultural zuliana, obedeció al deseo de introducir al exigente público marabino en las alucinantes visiones de algunos de los cineastas asiáticos más característicos, provocativos y consecuentes con sus propias búsquedas, a partir de algunas de las obras más destacadas de su producción. Es así que se exhibirán, en algunos casos por primera vez en la capital zuliana, los siguientes títulos en el siguiente orden:

Lunes 15/06: Wong Kar wai, con 2046 (Hong Kong, 2004)
Trailer

Martes 16/06: Miike Takashi, con Sukiyaki Western Django (Japón, 2007)
Trailer

Miercoles 17/06: Kim Ki duk, con Breath (Corea del Sur, 2008)
Trailer

Jueves 18/06: Pen-Ek Ratanaruang, con Last Life in the Universe (Tailandia, 2003)
Trailer

Viernes 19/06: Park Chan wook, con Old Boy (Corea del Sur, 2003)
Trailer

El horario de todas las funciones es a las 7:30 PM y el acceso requiere una colaboración para el CAMLB que tiene un costo (prácticamente simbólico) de BsF. 2,oo.

Esperamos contar con la cálida acogida zuliana y aspiramos a que esta sea tan sólo la primera de muchas colaboraciones interinstitucionales que podamos efectuar con el CAMLB. En este sentido agradecemos a Ramón Bazó su abnegación y apertura a ésta iniciativa. Estamos a su entera disposición así como a la de quienquiera que se interese en nuestra misión.

Para más detalles, visite el sitio del CAMLB o contáctel@s por los telfs: 58-261-723.01.66 / 723.14.28 / Correo-e: cinearte_cam_lb@cantv.net

Programación Jueves 11/06

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Thu, 11 Jun 2009 09:00:08 PDT

Hora: 6:30 p.m
Telf: 632 52 91
Ver mapa
L@s esperamos

Programación Jueves 28/05

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Fri, 22 May 2009 05:50:43 PDT

Hora: 6:30 p.m
Telf: 632 52 91
Ver mapa
L@s esperamos

Programación Jueves 21/05

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Sun, 17 May 2009 08:37:10 PDT

Hora: 6:30 p.m
Telf: 632 52 91
Ver mapa
L@s esperamos

Programación Jueves 14/05

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Tue, 12 May 2009 07:44:28 PDT

Hora: 6:30 p.m
Telf: 632 52 91
Ver mapa
L@s esperamos

Programación: Fundasiatica l@s invita a la Feria de las Madres del Ateneo de Caracas

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Sun, 17 May 2009 08:45:59 PDT

A partir de este domingo 03 de mayo, Andy Cheung estará presente en la Feria de las Madres organizada por el Ateneo de Caracas, con los mejores títulos de la cinematografía mundial y a los mejores precios.

Fundasiatica l@s invita a visitar su stand, solicite su completa asesoría y llévese las películas asiáticas que por aqui tenemos a bien mencionar.

Por cierto, muchisimas gracias por la acogida que nos han brindado y que se reflejó en la pasada Feria del Libro, en la que Andy Cheung recibió con gratitud sus peticiones y comentarios. Como entonces, también contamos con Uds., para esta ocasión.

Reseña: Salinui Chueok (Memories of Murder / Crónicas de un Asesino en Serie)

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Fri, 19 Jun 2009 06:45:01 PDT

Sinopsis

Inspirada en hechos reales acaecidos en una pequeña localidad de Corea del Sur, donde se descubre el cuerpo de una joven brutalmente violada y asesinada, a los que meses después le seguirán otros asesinatos con los mismos estándares.

La incapacidad de hallar al asesino colocará en hostilidad a la policía local y a un detective asignado desde la capital. Todos intentaran descubrir al criminal con las disímiles herramientas que posee cada quien, un factor que incrementará la desesperación e impotencia entre ellos.

Trailer

Comentario

Advierto que el presente comentario incluye datos muy ilustrativos sobre el devenir de la historia.

Maravilloso filme surcoreano que, con originalidad, se aleja de las convenciones que definen al género policíaco. La narración se centra en la búsqueda de un asesino, pero apostando al fracaso de dicha investigación.

El rodaje cinematográfico esta basado en una historia real. Cada secuencia está llena de significativos detalles que demandan la atención total del espectador, que sucumbirá con facilidad debido al trepidante ritmo del montaje. Un ejemplo es la persecución en la noche lluviosa, cerca de la fabrica y la canción que suena en la radio. Otro, la discusión en un bar entre los policías y que termina en una tragicómica pelea. La autopsia de las victimas, la angustiosa espera de los resultados de ADN, la perversa tranquilidad del asesino, la escena dentro del túnel del tren, a partir de la cual los protagonistas deciden dar un cambio radical a sus vidas.

Pero a mi criterio, una de las escenas más destacadas es cuando los detectives planean una trampa al asesino que se ve frustrada porque las fuerzas policiales fueron asignadas a reprimir una manifestación estudiantil . Todo un retrato que ilustra, con tintes documentales, la realidad histórica del país para ese momento. Lo mismo se puede decir del crudo enfoque que el director plantea sobre la incompetencia policial, la violencia institucional, la falta de medios para lograr resolver el caso y el manejo mediático del mismo. Esto sería un elemento cinematográfico que sería igualmente explotado en la siguiente cinta de Bong, me refiero a la inapelable The Host.

Por otra parte, las brillantes caracterizaciones de los tres detectives a cargo del caso (Song Kang-ho, Kim Sang-kyung y Kim Roe-ha), llenan la pantalla con las grandezas y miserias de sus personajes.

Cada plano, lleno de colores oscuros, sepias, apagados; con una densa musicalización, contribuyen a retratar con un hiperrealismo sucio un ambiente rural mísero, descuidado, que enmarca la historia de un fracaso, un desencanto que refleja el estado de una generación de coreanos marcados por la crisis institucional, que también es una crisis de valores. Tal como lo muestra esa última escena en la que, pasados los años, el ex policía provinciano interpretado por Song, pese a tener una nueva vida como pujante comerciante, no puede evitar dejarse llevar por la culpa y se asoma a ese hoyo donde todo comenzó.

Ficha técnica
País: Corea del Sur
Año: 2003
Director: Bong Joon-ho
Guión: Bong Joon-ho, Kim Kwang-rim y Shim Seung-bo
Productor: Cha Seoung-jae
Música: Iwashiro Taroh
Fotografía: Kim Hyeong-gyu
Reparto: Song Kang-ho, Kim Sang-kyung, Kim Roe-ha, Song Jae-ho, Byun Hee-bong, Koh Seo-hee, Park No-sik, Park Hae-il, Choi Jong-ryol, Jeon Mi-seon.
Genero: Policial, Suspenso.
Duración: 130 min.
Formato: DVD con doblaje al castellano.

MAGA

Reseña: Gonggongui Jeog (Public Enemy / Enemigo Público)

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Tue, 05 May 2009 20:23:40 PDT

Sinopsis

Cheul-jung (Sol Kyung-gu) es el peor detective policial que se pueden imaginar: pendenciero, corrupto, taimado, insolente, irresponsable y mediocre. Está a punto de perder su trabajo bajo amenaza de sus superiores, cuando en un servicio choca con un misterioso sujeto que le agrede dejándolo herido. Una semana más tarde, encuentran los cuerpos de una pareja de ancianos salvajemente asesinados. La investigación no da ningún resultado hasta que Cheul jung encuentra una pista que lo lleva a una dirección de la que nadie se fía.

Trailer

Comentario

El éxito alcanzado por esta producción motivó la realización de 2 secuelas con irregular reconocimiento por parte de la crítica, pero igual aceptación del público.

Me gustaría destacar la apuesta que toma el director de plantear una narrativa que no busca ocultar nunca la identidad del asesino, si no más bien representarlo en toda su compleja personalidad y como se desarrolla ante la interacción con el resto de personajes en momentos llenos de suspenso e incluso humor.

La figura del asesino adquiere en este filme forma propia, llegando a veces a ser tan importante como nuestro antihéroe el policía Cheul-jung, frente al cual se muestra con las cualidades socialmente más aceptadas, excepto que éste posee una completa incapacidad de empatizar con el prójimo. De manera que el espectador se enfrentará a un paradójico juego de yin yang, en el que lo negativo y lo positivo se transmutan constantemente.

El guión está formado por diálogos enriquecidos con dosis exactas de comedia, drama, que muy pronto trasladan al expectador a escenas de acción donde el movimiento de cámara y la coreografía de las peleas brindan impactantes imágenes.

Public Enemy es una muestra representativa de la huella que en el mundo del cine están dejando los cineastas coreanos, porque si en algo se destacan los filmes de éste país es en su originalidad, dominio técnico y una explosiva mezcla de géneros. Su director ha demostrado gran capacidad como creador de un film sumamente interesante, en cuanto a su forma de tratar el género policíaco y de acción.

Ficha técnica
Año: 2002
País: Corea del Sur
Dirección: Kang Woo-suk
Música: Jo Yeong-wook
Fotografía: Kim Sung-bok
Reparto: Sol Kyung-gu, Lee Sung-jae, Kang Shin-il, Kim Jeong-hak, Do Yong-gu
Género: Comedia, Suspenso, Policial
Duración: 138 min
Formato: DVD con menú.

MAGA

Programación de Mayo

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Thu, 30 Apr 2009 19:58:33 PDT

Hora: 6:30 p.m
Lugar: Organización Nelsón Garrido. Av. Maria Teresa Toro, Residencias Carmencita, Apto 5, Los Rosales, a seis cuadras de la estación del Metro Los Símbolos, paralelo a la Av. Victoria.
Ver mapa
Telf: 0212 632 52 91
ENTRADA LIBRE. L@S ESPERAMOS.

Fundasiatica en Expreso Oriental

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Tue, 28 Apr 2009 12:15:46 PDT

Entrevistas a Shinigami y a Juniper sobre cine asiático en el blog argentino Expreso Oriental.
Para leer las entrevistas completas, haga click en cada una de las citas:

Shinigami

Juniper

Programación Jueves 30/04

noreply@blogger.com (Fundasiatica) — Tue, 28 Apr 2009 00:25:06 PDT

Hora: 6:30 p.m
Telf: 632 52 91
Ver mapa
L@s esperamos