Vendredi 31/05 à 20h au Nouveau Latina et et samedi 1/5, à 14h au Cinéma Les Lumières à Nanterre, 9 neuf films courts en compétition, mêlant BD et cinéma, seront projetés au Nouveau Latina.

Pour le jury de la compétition courts métrages, Collectif Prod a fait appel à :

- Florent RUPPERT & Jérôme MULOT, dessinateurs, réalisateurs de films d’animation
- Chloé MAZLO, réalisatrice de films d’animation
- Katia BAYER, rédactrice en chef du Webzine Format Court
- Rurik SALLÉ, journaliste spécialisé, rédacteur en chef du magazine Metaluna.

Deux conférences donneront un aperçu des passerelles possibles entre le 7ème et le 9ème art :

- Le Découpage comme art séquentiel au Cinéma et dans la Bande Dessinée, en présence de Florent RUPPERT & Jérôme MULOT - David LE BOZEC - Marie EYNARD – Loïc Nicoloff, le dimanche 2 juin, à 12h au Nouveau Latina

- L’Adaptation de la Bande Dessinée au Cinéma, en présence de Nicolas DUVAL - Marc SYRIGAS - Julien MOKRANI – un représentant de la SACD, le 1er juin à 12h au Nouveau Latina

Pour plus d’informations, retrouvez le programme complet en ligne

Le Prix Jean Vigo 2013 du long métrage a été remis la semaine passée à Jean-Charles Fitoussi pour « L’Enclos du temps », “film poétique et lumineux, l’art cinématographique dans toute sa pureté”, selon les jurés.

Le prix du court métrage récompense, lui, Yann Le Quellec (réalisateur du dansant « Je sens le beat qui monte en moi ») pour « Le Quepa sur la Vilni » dont “la liberté de ton et le goût du burlesque font penser à la fois à Jacques Tati, Luc Moullet et Jacques Rozier”, selon le jury. Pour information, ce film est sélectionné à la prochaine Quinzaine des Réalisateurs et fera partie de notre focus imminent sur le Festival de Cannes.

Lors de la remise des prix Jean Vigo, un prix d’honneur a également distingué le cinéaste Léos Carax pour l’ensemble de son oeuvre.

PREMATUR
Gunhild Enger
Norvège / 2012 / fiction / 17′

Prematur narre l’histoire d’un Norvégien, Martin, et de sa petite amie espagnole, Lucia, qui est enceinte. On suit le couple pendant leurs quinze premières minutes ensemble sur le sol norvégien, et notamment la rencontre de Lucia avec cette nouvelle culture, et surtout sa belle-famille.

LA PETITE DAME
Elisabeth Silveiro
Belgique / 2012 / documentaire / 8′

À travers une discussion banale dans un café, entre une dame très âgée et une amir plus jeune, la solitude qui pèse sur ces deux personnes apparaît au grand jour. Ces deux dames ne s’écoutent pas vraiment, et pourtant, elles restent ensemble.

ON THE BEACH
Marie-Elsa Sgualdo
Suisse / 2012 / fiction / 17′

C’est l’été, mais la vie est bien compliquée pour Sara, quinze ans. Son petit frère sur le dos, la voilà expédiée chez sa mère pour les vacances. Son père y tient, même s’il s’est fait larguer. Sa mère, elle crèche dans une caravane, au camping. Drôle d’endroit pour refaire sa vie! Heureusement, il y a la plage et les garçons. Encore faudrait-il qu’elle se laisse vivre, Sara…

LIVING JUKE BOX
Thomas Freteur
Belgique / 2013 / documentaire XP / 8′

Le duo musical “Les Anchoises”, c’est un peu un juke-box vivant. Il suffit de choisir un titre… et la musique est! Il suffit que la musique soit pour que s’éveille un cortège de souvenirs. C’est ainsi qu’est née chez “Les Anchoises” l’envie de rendre visite à leurs grands-parents respectifs avec pour fil rouge un mot-clé: partage.

LE CRI DU HOMARD
Nicolas Guiot
Belgique / 2012 / fiction / 30′

D’origine russe et installée depuis peu en France avec ses parents, Natalia, six ans, attend impatiemment le retour de son frère, Boris, parti combattre en Tchétchénie. Le grand jour est arrivé, mais la fillette doit rapidement déchanter. Cet homme est-il vraiment le frère qu’elle a connu ?

A FAMILY PORTRAIT
Joseph Pierce
Royaume-Uni / 2009 / animation / 5′

Un portrait de famille tourne mal à mesure que jalousie et soupçons se font jour, sous le regard implacable du photographe. Le malaise règne à la fin de la séance, laissant présager une journée mémorable.

PAF : 6 euros
Une initiative de l’asbl Artatouille et Format Court

Aventure Cinema
Galerie du Centre 57, 1000 Bruxelles

Après « Pas de peau pour l’ours » en 2010, « Comme des lapins » est le deuxième chapitre d’une série de courts métrages d’animation, réalisé par Osman Cerfon, intitulée « Chroniques de la Poisse ». La Poisse en question est un personnage d’homme à tête de poisson, protagoniste principal de chaque film dont on suit l’itinéraire chaotique le menant d’un décor à un autre pour vivre de nouvelles aventures. Ici, la Poisse arrive dans un parc d’attractions au thème singulier : les lapins. Le voici confronté à une faune hostile et malveillante : celle des humains pervers venus moins pour profiter des festivités que pour se laisser aller à leurs déviances les plus sadiques.

Comme les personnages de Charlie Chaplin ou de Buster Keaton, la Poisse déplace son corps burlesque à l’intérieur du cadre et devient l’élément perturbateur à l’origine des catastrophes physiques. Il lui suffit en effet d’une simple contrariété pour laisser s’échapper de sa bouche une «bulle de malheur» qui dérive au gré du vent avant de s’arrêter au-dessus de la tête d’un autre personnage, qui subira à son tour les foudres de la malchance. Et les conséquences sont souvent désastreuses : chute d’une montgolfière, accident de voiture, enfant assassiné (clin d’oeil savoureux à M le Maudit de Fritz Lang), … . C’est un spectacle d’une grande désolation que nous offre Osman Cerfon. Heureusement, pour qui goûte l’humour noir, le film offre son lot de scènes et de détails comiques qui provoquent le rire et établissent une distance salutaire avec la noirceur des événements qui sont dépeints.

Utiliser le cinéma d’animation pour raconter les aventures de la Poisse permet au réalisateur de déployer un univers graphique riche et cohérent où l’on devine l’influence de grands auteurs de comics contemporains. On pense beaucoup à Winshluss (auteur de bandes-dessinées et réalisateur entre autres de « Il était une fois l’huile », produit par la même boîte de production, Je Suis Bien Content) ou encore au dessinateur Charles Burns. Des références prestigieuses jamais écrasantes tant le jeune cinéaste parvient à trouver sa propre singularité et à développer un univers personnel en l’espace de deux films. Il va s’en dire que la suite des « Chroniques de la Poisse » est attendue avec impatience !

Marc-Antoine Vaugeois

Consulter la fiche technique du film

Synopsis : Second volet des Chroniques de la Poisse. L’homme à tête de poisson poursuit sa balade mélancolique dans une fête foraine, distribuant aux hasard, ses bulles de malheurs.

Pays : France

Année : 2012

Durée : 8′

Réalisation : Osman Cerfon

Création graphique : Osman Cerfon

Décors : Darshan Fernando, Benoit Audé

Animation : Grégory Duroy, Osman Cerfon

Son : Julien Baril

Montage : Nazim Meslem

Producteur : Je Suis Bien Content

Article associé : la critique du film

Pour prétendre à la compétition de Silence on court !, il faut avoir moins de 30 ans, du moins lors de la réalisation du film (le plus dur restant de le prouver). Une compétition regroupant des jeunes gens donc, parfois inconnus au bataillon des festivals (Rémi Gendarme, les frères Denis) ou bien déjà primés ailleurs (Franco Lolli, Osman Cerfon, Jan Czarlewski).

« Riolette autopsie »

Au fil des programmes, on passe ainsi de films produits sur un schéma classique et professionnel à des films aux budgets beaucoup plus fragiles. Cette cohabitation fait toute la force de Silence on court ! et son équipe de programmation se fait un malin plaisir à brouiller les pistes et à prendre des risques. Preuve en est le Prix du public remis à « Riolette autopsie » de Rémi Gendarme, un autoportrait à travers des interviews en plans fixes des amis et des amants qui ont croisé la vie du réalisateur. Un dispositif minimal parfois bancal (le cadre est souvent approximatif et l’image assez mauvaise) mais qui dégage une sincérité et une force insoupçonnées laissant le champ libre à la parole. Ce type de film, presque amateur dans sa forme, n’aurait sans doute jamais passé les filtres de programmation de festivals plus “installés” où l’on finit souvent par recroiser des films déjà vus ailleurs.

Le film des frères Denis qui a remporté le premier Prix du Jury en est un autre bon exemple. Foutraque, bordélique et extrêmement libre, leur dernier opus « Chantier 00 » emprunte autant aux codes d’Indiana Jones et de James Bond qu’à ceux des Monty Python, le tout sans moyens mais avec une énergie folle, quasiment épileptique. Rares sont les films courts en festivals se revendiquant de la série B avec autant de plaisir. Même si le tout aurait gagné à être raccourci de dix bonnes minutes tant ses excès filmiques en tous genres demandent une capacité importante d’ingurgitation de la part du spectateur, on ne peut que saluer cette prise de risques et cette opposition frontale à une fiction classique à la française, souvent tiède formellement.

Pour autant, la présence de « Rodri » de Franco Lolli, qui avait commencé sa carrière en festivals à la Quinzaine, de « Comme des lapins » d’ Osman Cerfon, récompensé à Clermont ou « L’Amour Bègue » de Jan Czarlewski, en compétition à Premiers Plans ne vient pas “écraser” ces films plus fragiles, souvent autoproduits. Au contraire, en les mettant sur le même plan et en leur accordant la même place (et non pas en les concentrant dans une section non compétitive ou un panorama comme par exemple à Côté Court), les programmateurs accordent à ces films une visibilité accentuée ressentie d’ailleurs fortement dans le palmarès final.

Les trois films cités ci-dessus impressionnent par leur éloquence narrative dans des genres très différents. Lolli avec sa chronique colombienne hyperréaliste et d’une maîtrise rare qui rappelle notamment le travail de l’Argentine Lucrecia Martel (« La Cienaga ») ; Osman Cerfon qui confirme son génie sarcastique et son humour très noir avec le second volet des ses chroniques de la poisse qui ne se refuse rien, allant parfois très loin (avec un personnage pédophile arrivant à ses fins) mais qui touche juste dans sa description d’une société cynique et individualiste.

« Comme des lapins »

Malheureusement (et aussi logiquement), certains films sélectionnés se révèlent moins engageants et prometteurs. C’est le cas de « Les compliments d’amour » de Marie Madinier, petite bluette assez fade sur la difficulté de l’enfance malgré la justesse de l’enfant qui en tient le rôle principal. Même chose pour « Snail trail » (Philipp Artus) et « Pièce à nouer » (Ornella Macchia), deux films d’écoles assez mineurs qui aussitôt vus sont déjà oubliés.

Il est intéressant de noter que le comité de sélection du festival est composé de pas moins de treize membres (chiffre hautement symbolique en passant) ce qui complexifie énormément le processus de choix, pouvant aussi brouiller la ligne éditoriale souvent plus claire lorsque l’on a à faire à un comité réduit. Toutefois, les compromis et les concessions sont assez rares, semble-t-il, tant le comité privilégie les films risqués et empreints d’une certaine marginalité face au courant principal. Souhaitons que ce type d’initiative, libre et engagée mais à l’économie frêle, puisse continuer et se transmettre à une nouvelle génération d’étudiants prompts à défendre une certaine idée du court métrage.

Amaury Augé

Programmation

Une saison de Pierre Creton. France, 2002, couleur, 15 mn, 35 mm

Réalisation et scénario : Pierre Creton • Interprétation : Catherine Pernot et Yves Edouard • Production : Atlante productions

Une histoire impossible à filmer, impossible à narrer, sauf par quelqu’un d’autre.

Quod Erat Demonstrandum de Fabrice Aragno. Suisse, 2012, couleur, 26 mn, DCP

Réalisation et montage : Fabrice Aragno • Scénario : Jean-Luc Godard • Production : SRG SSR

Avec son esthétique filmique radicale, Jean-Luc Godard est l’un des réalisateurs qui a le plus marqué le cinéma, et ce bien au-delà des années 1960. Co-fondateur de la Nouvelle Vague, il a rompu avec les canons cinématographiques pour créer un langage filmique expérimental qui lui est propre. Il a personnellement écrit le scénario de ce film documentaire de la série CINEMAsuisse, produit par la Radio Télévision Suisse (RTS).

Le dispositif 50 - Le manège cosmique du Dieu-Peur de Thomas Bertay & Pacôme Thiellement. France, 2011, couleur / noir et blanc , 21 mn, DVD

Réalisation : Thomas Bertay & Pacôme Thiellement • Production : Sycomore films

Ou comment le peuple des hommes reconstitués, sous l’impulsion de leur représentant, l’homme derrière le masque, transforma la Terre en un seul grand plateau de télévision et tous les êtres qui la peuplaient en résidus psychiques.
Mais dans le manège cosmique du Dieu-Peur, rien n’est jamais définitivement joué, et la Terre s’est peut-être encore retournée, c’est très possible !

La Chinoise 115, 2e de Jacques Perconte. France, 2013, couleur, 5 mn, DCP.

D’après les films de Jean-Luc Godard : La chinoise, 1967 et One+one, 1968

“Réminiscences plastiques des 68 et lignes de front contre l’impérialisme numérique. Jacques Perconte explore et tresse la matière de deux films de JLG de 1967 et 1968, qui tant esthétiquement qu’économiquement représentaient des « viet-nam » au sein de l’industrie du cinéma, pour en faire surgir le potentiel plastique labile dans le numérique aujourd’hui. Formes et couleurs rebelles sont émues par la grâce des femmes de Godard.” Bidhan Jacobs

Puissance de la parole de Jean-Luc Godard. France, 1988, couleur, 25 mn, BETA SP

Réalisation et montage : Jean-Luc Godard • Image : Pierre-Alain Besse • Son : Marc-Antoine Beldent • Interprétation : Lydia Andrei, Jean Bouise, Laurence Côte et Jean-Michel Irribaren • Production : France Télécom

Après la rupture du couple, un homme tente de joindre la femme aimée au téléphone. En miroir, un couple d’anges dialogue à propos de la puissance matérielle de la parole. Des images de la Terre, références à la création du monde et à l’Apocalypse, se mêlent à des tableaux de Max Ernst, Francis Bacon, Picasso. Jean-Luc Godard accole de multiples références picturales, cinématographiques, littéraires, musicales.

Infos pratiques

Mardi 14 mai. Séance à 20h30

MK2 Quai de Seine
14 Quai de la Seine
75019 Paris
M° Jaurès ou Stalingrad
Tarif : 7,90 € (cartes illimitées acceptées)

Prochaine séance (dernière de l’année !) : jeudi 13 juin 2013, soirée spéciale Quinzaine des Réalisateurs (réservations : soireesformatcourt@gmail.com)

Dès la première scène du film, on découvre Sabrina à moitié nue se dandinant gaiement avec une candeur juvénile dans une chambre sans meubles remplie de peluches d’enfant. D’entrée, Eve Duchemin choisit de montrer le corps de cette femme-enfant pour poser la question qui traverse son film, celle du passage à l’âge adulte et de la frontière toute métaphysique entre l’innocence et la responsabilité. Comme la marque de la proximité entre les deux femmes, le corps de Sabrina est cadré très étroitement par la réalisatrice pendant les 56 minutes du film et devient très vite un vecteur de questionnement pour le spectateur, particulièrement dans sa dimension psychologique. Symbole du déni de soi-même, le corps de Sabrina apparaît rapidement comme désacralisé, instrumentalisé et martyrisé. Une désacralisation qui s’exprime ouvertement comme dans la scène où elle montre avec un cynisme plein d’humour les mouvements caricaturaux qu’elle exécute lorsqu’un client s’isole avec elle pour un show privé. D’ailleurs, le discours de Sabrina est très clair sur ce sujet, et on n’est pas surpris de l’entendre dire : “Si je dois montrer mon cul pour de l’argent, je le fais”.

Pour autant, Sabrina n’est certainement pas strip-teaseuse par vocation et la trop grande proximité du métier avec la prostitution hante l’acceptation qu’elle a d’elle-même. Il lui faut alors s’abîmer dans des quantités terrifiantes d’alcool pour arriver à assumer cette situation. Un rapport au sexe et à l’alcool en complet déséquilibre qui s’exprime parfaitement dans une scène filmée dans les vestiaires de la boîte de nuit où, ivre de colère, elle détruit symboliquement l’image d’elle-même en dénigrant impitoyablement devant le miroir tout les défauts qu’elle trouve à son corps, ce corps qu’elle n’aime pas, pas plus qu’elle n’aime ce que la recherche d’argent rapide la pousse à faire avec. Car Sabrina voudrait autre chose pour elle-même, et au milieu de cette vie chaotique, elle tente de préparer un concours d’entrée dans une école d’aide-soignante. Ce qu’elle voudrait c’est un emploi, un revenu, une stabilité, gravir une marche vers cet âge adulte idéal qui semble tellement loin, presque inaccessible.

Le film de Eve Duchemin est une mine de questionnements pour celui qui cherche à comprendre notre époque, et le destin de Sabrina peut apparaître emblématique de celui de cette jeunesse amère et désenchantée minée par la rage, la dépression et l’absence de sens. Car si l’on peut lire en filigrane l’effondrement des modèles d’intégration par le travail, l’école ou la famille au profit de schéma simple d’utilitarisme individuel et consumériste à court terme, « L’âge adulte » nous adresse surtout une piqûre de rappel douloureuse où la place de l’espoir, de la tendresse et de l’amour est dramatiquement mis en question.

Xavier Gourdet

Consulter la fiche technique du film

Synopsis : Vivant en colocation dans une maison inachevée, Sabrina, 20 ans, enchaîne les petits boulots non qualifiés pour essayer de garder la tête hors de l’eau. Inscrite à une formation pour tenter de reprendre l’école et avoir un jour un diplôme, elle commence parallèlement la nuit un job de strip-teaseuse, sur le Vieux Port de Marseille. Vouloir « devenir adulte » n’est ni une quête vaine, ni chose facile. Mais personne ne pourra lui dire que 20 ans, c’est le plus bel âge de la vie.

Genre : Documentaire

Pays : Belgique, France

Durée : 56′

Année : 2011

Réalisation : Eve Duchemin

Image : Eve Duchemin

Avec : Sabrina Himeur et Loïc Guiraud

Montage Image : Joachim Thome

Montage son: Jean-François Levillain

Mixage : Aline Gavroy

Musique : Dez Mona (Belgique)

Production : Les Films grain de sable, Eklektik Productions

Article associé : la critique du film