2011.

Mawaru Penguindrum. Ikuhara. Génie, sauveur de l’animation japonaise, messie, superlatifs exagérés.

Star Driver. Fabuleux. Beau gosse galactique. Creux, mais fabuleux tout de même.

The Idolm@ster ? Fantastique surprise… et je dois des excuses à ceux qui m’ont suivi jusqu’au bout (… à savoir euh, Lyn, et Tetho mais il compte qu’à moitié parce qu’il a déjà vu et aimé la série) en regardant Idolmaster Xenoglossia.

Je n’oublierai pas que je ne connais toujours pas le nom de cette fleur que j’ai vu ce jour d’été.

Le dernier Ghibli est plus qu’agréable, mais apparemment sa création a été plus que difficile pour le duo Miyazaki…

Plus personne ne veut devenir une mahô shôjo.

Super Robot OG The Inspector était par moment un rêve de méchaphile devenu réalité. MAXIMUM MAXIMUM !

KyoAni s’est planté avec Nichijô. J’hésite entre en rire comme un maniaque et regretter la fin d’une époque où le studio transformait (presque) tout ce qu’il touchait en or. Dans tous les cas, aucun des deux ne me ramènera Full Metal Panic!.

Gundam 00 – A Wakening of the Trailblazer était tellement pourri que je m’étonne que des gens puissent râler contre Gundam AGE. Sérieusement, à choisir, je crois que je préfèrerais revoir Buddha Saitan.

Kawamori a ramené la franchise Macross à son meilleur avec Sayonara no Tsubasa. Pour compenser, il prépare Aquarion Evol et AKB0048. Yay.

Redline c’est la folie des yeux.

Mardock Scramble c’est cool.

Makoto Shinkai est de retour de Londres.

Panty and Stocking with Garterbelt.

Haruhi a disparu.

Je hais Chirico Cuvie.

Osamu Dezaki et Shingo Araki (entre autres) nous ont quitté.

L’animation japonaise se meurt. Qu’elle continue, son agonie est sacrément cool à observer.

2011 sur FFenril.info ? Moins d’articles. Mauvaise année. Heureusement qu’il y a les copains pour boire dans des mugs AnoHana avec des bagues Utena. L’an prochain c’est la fin du monde, on va tenter de partir en laissant une bonne impression.

Je vous souhaite une bonne et heureuse année 2012.

C’est un super projet collaboratif de Noël ! Après Gundam 0080 l’an dernier, on remet le couvert avec un nouveau miracle de blogging de Noël. Un peu plus libre et bordélique cette fois, mais c’est pas grave, c’est comme ça qu’on aime ça.

Toujours mené par l’ami nyo@Hourai Neetwork, le projet permettait cette fois à tous les bloggueurs de voter pour ce que les autres allaient écrire.

C’est ainsi que vous pouvez trouver :

• Wakfu (par Axel)
• Infinite Stratos (par Amo)
• Steins;Gate (par nyo)
• Redline (par Ialda)
• Buddha Saitan (par Tetho)
• Birdy the Mighty Decode (par jonas)
• Gurren-Lagann (par mt-i)
• Kakko Kawaii Sengen (par Exelen – Beeeeuh j’avais voté pour qu’elle écrive sur FMP! moi :()
• Seto no Hayanome (par Jevanni)
• Lingerie Soldier Papillon Rose (par Yuki)
• Urotsukidoji (par Ryuurei)
• Shinryaku Ika Musume (par Gamera)
• Basilisk (par Aer)
• Hidan no Aria (par Zrat)

Personnellement j’avais proposé d’écrire sur Full Metal Panic!, Mawaru Penguindrum, Star Driver, Idolm@ster et Galaxy Express 999, parce que c’est effectivement les séries que j’ai vu récemment et dont j’avais le plus envie de parler. Comme on est quand même une sacrée bande d’élitistes (ou alors qu’ils se  sont rendus compte que j’avais déjà parlé de presque tout le reste), je me retrouve donc  avec le plus vieil anime que j’ai vu récemment, Galaxy Express 999.

Ben bien, c’est le plus compliqué. Si j’avais parlé de Mawapen j’aurais abandonné toute tentative de bavardage sur l’anime pour vous parler de l’album de Triple H, si j’avais écrit sur FMP! j’aurais pu vous redire comme la première série est plus cool que dans mes souvenirs, si j’avais pu vous parler de Star Driver j’aurais pu causer du fait que cet anime n’était que de l’esbrouffe sans vraiment de fond… et que c’est en bonne partie pour ça que je l’avais adoré, et si je vous avais parlé d’Idolm@ster j’aurais simplement pu écrire en taille 72 gras : « A tous ceux qui m’ont suivi pour Xenoglossia… Je suis vraiment désolé ».

Mais bref.

Galaxy Express 999 est un manga de science-fiction de Leiji Matsumoto, qui s’est retrouvé adapté en série animée puis en film, sorti en 1979 par le réalisateur Rintaro. C’est ce film qui est l’objet de cet article.

Mais je ne vais pas vous en parler tout de suite.

Avant ça je voudrais vous parler assez rapidement d’un autre film, qui est pourtant sorti bien des années plus tard au cinéma, en 1982. Un film qui s’appelle Waga Seishun no Arcadia, qui a été la première fois que je voyais une oeuvre centré sur un personnage emblématique de l’animation japonaise : Le capitaine Harlock. Le film commence même par nous parler de l’histoire de l’un de ses illustres ancêtres, Phantom F. Harlock, et de la manière dont une amitié s’est formée durant la seconde guerre mondiale entre l’un de ces ancêtres et un homme du nom de Toshiro.

Bien de années plus tard, au 30ème siècle, Harlock, officier d’une armée terrestre vaincue par des extraterrestres, prend les armes, en compagnie de son ami Toshiro, pour se rebeller contre leur joug, devenant ainsi, lui, son équipage, ainsi qu’une autre pirate, Emeraldas, les criminels les plus recherchés de la galaxie.

Dans ce film, Harlock est un grand héros romantique. Un homme, un vrai, qui vit et cache sa souffrance face à la tragédie de l’amour de sa vie, et se consacre à sa quête de liberté. Un grand héros à l’histoire passionnante, dans un fort bon film. Vraiment, Waga Seishun no Arcadia est un film qui me semble idéal pour aborder le personnage d’Harlock ainsi que les personnages de son équipage, et ce même si le film souffre clairement de quelques longueurs, même dans son combat final.

Waga Seishun no Arcadia est un prologue à Mugen Kidô SSX, série connue sous nos latitudes sous le nom d’Albator 84, dont je ne pourrai pas vous parler vu que je ne l’ai pas vue. Qu’importe, l’important pour moi était de vous parler de Harlock et de plusieurs de ses compagnons, dont Toshiro. En effet, Harlock, ainsi que Toshiro et plusieurs autres personnages, apparaissent dans le film qui est l’objet de cet article : Galaxy Express 999. Etant donné cependant que ce film ne prend pas la peine d’expliquer qui ils sont, Waga Seishun no Arcadia se révèle donc comme un excellent visionnage pour comprendre qui il sont.

Nous voici donc à Galaxy Express 999 ! Tetsuro, héros de ce film, est un jeune garçon dont la mère a été tuée par un chasseur d’humains, le Comte Mecha, et qui souhaite maintenant se retrouver transformé en machine pour pouvoir tuer ce dernier et venger sa mère. Alors qu’il tente de s’infiltrer dans le Galaxy Express 999, train qui parcourt les différentes planètes de la galaxie, il rencontre Maetel, une mystérieuse femme qui lui permet de l’accompagner à bord du train. Le voilà parti pour une aventure qui l’amènera sur bien des planètes habitées de la galaxie, avec un seul impératif : toujours être de retour dans le train avant que celui-ci ne reparte, exactement 24h après son arrivée à un arrêt…

Galaxy Express 999 est un grand film d’aventure, simplement, et ce même s’il souffre clairement de son âge. Un grand film d’aventure couplé à une histoire d’avancée vers l’âge adulte pour un jeune garçon qui réalise peu à peu la futilité de ses motivations et se voit contraint d’avancer plus il rencontre de nouvelles personnes sur de nouvelles planètes. Et ces deux aspects se complètent parfaitement bien. L’évolution du héros, Tetsuro, est visible et fort bien portée alors que le film – et le train – avancent de plus en plus vers sa fin, et ce alors que le mystère autour de sa mystérieuse guide, Maetel, s’épaissit de plus en plus.

On sent véritablement que le film prend de plus en plus d’ampleur au fil des minutes en voyant les personnages que croisera Tetsuro au fur et à mesure de son voyage. Après sa rencontre avec Maetel, qui l’accompagne dans son périple vers les étoiles, Tetsuro fera diverses rencontres qui le changeront peu à peu, de Claire, serveuse dans le Galaxy Express 999, ou encore le célèbre Capitaine Harlock (la boucle est bouclée) et ses compagnons, qui prennent un rôle non négligeable dans la seconde partie de l’histoire. Et lorsque le voyage prend fin et que le focus de l’histoire revient de nouveau vers Maetel, le spectateur est forcé d’admirer comme Galaxy Express 999 était complet et bien construit.

Mon cadeau de Noël à la blogosphère sera donc une invitation à (re)découvrir Waga Seishun no Arcadia, puis d’avancer vers Galaxy Express 999, un magnifique film, beau (la récente sortie en blu-ray du film est à ne pas manquer tant l’image est belle), prenant, un véritable plaisir offert par Rintaro.

De là, plusieurs possibilités s’offrent à vous : découvrirez-vous la suite de l’histoire d’Harlock dans Mugen Kidô SSX ? Ou peut-être dans la première série Captain Harlock, diffusée bien avant, en 1978 ? Regarderez-vous le second film de Galaxy Express 999 (dont je ne puis vous parler, ne l’ayant pas encore vu), Adieu Galaxy Express 999 ?

2 films à découvrir, l’univers entier de Leiji Matsumoto à explorer ensuite si vous les avez appréciés.

Joyeux Noël !

(0h14. Manque un peu de mise en forme, mais l’article est fini. Pfiou. Des updates seront faites dans les heures / jours qui viennent, avec les liens vers le reste du projet notamment. Revenez !)
(Edit : Mise en forme faite. S’cusez moi, on m’appelle pour le repas de Noël qui heureusement est à la bourre. Retrouvez la liste des autres liens chez nyo : http://blog.eientei.net/2011/12/25/noel-2011-un-nouveau-projet-sous-le-signe-de-lesprit-doujin/, pas le temps de les lister là)  
Edit du 25/12 : liens vers les autres articles du projet ajoutés ~

En apprenant que Gorô Miyazaki allait être chargé du film Ghibli suivant Karigurashi no Arrietty (Arrietty – Le petit monde des chapardeurs), je dois bien avouer ne pas avoir été des plus enthousiastes. Il faut bien dire que Les contes de Terremer (Gedo Senki) est bien loin d’être mon Ghibli préféré. Ou plus simplement, c’est celui que j’aime le moins. Je garde un souvenir amer de ma découverte du film au cinéma, me souvenant en être sorti en me disant… « oui, et ? »

Ceci dit, cette fois, le fils Miyazaki était bien accompagné. C’est son père qui s’est chargé, tout comme pour le Arrietty de Hiromasa Yonebayashi l’an dernier, du scénario de son nouveau film, adaptation libre d’un manga nommé Kokuriko-zaka kara, traduit en français par La colline aux coquelicots.

Dans les années 60, au Japon, la jeune Umi hisse tous les matins des drapeaux sur le mat se trouvant près de sa maison, afin de faire signe à son père disparu pendant la guerre de Corée. Elle se retrouve embarquée dans un mouvement des élèves de son lycée qui se réunissent pour protester contre la disparition de leur foyer, nommé le Quartier Latin. Elle y rencontre notamment Shun Kazama, un garçon en charge du journal de l’école, et se prend rapidement d’affection pour lui…

La colline aux coquelicots est beau. Ca peu paraitre évident venant des studios Ghibli, mais des premiers paysages que l’on découvre à des flashbacks donnant droit à des dessins à l’aspect un peu plus crayonné à l’animation de l’héroïne en train de nouer ses nattes, le film est un plaisir pour les mirettes. Un calme et doux plaisir.

C’est un plaisir à écouter aussi. La musique de Satoshi Takebe n’est pas aussi omniprésente que celle de Cécile Corbel l’était dans Arrietty l’an dernier, mais elle est toujours juste, et souligne avec justesse les différentes scènes de la série. J’ai particulièrement noté plusieurs scènes de flashback / rêves dans lesquelles une simple note de piano semblait faire toute la différence… Beaucoup de chansons agrémentent également le film. Elles vont en deux types, les chansons se jouant en arrière-plan, chantées par Aoi Teshima (qui doublait et chantait Teru dans Gedo Senki), par exemple pour illustrer Shun et Umi marchant côte à côte dans la rue, et les diverses chansons des élèves du lycée, qui reviennent plusieurs fois au cours du film.

Bref, le film est beau, et a une belle bande son… mais il a surtout une jolie histoire à raconter. Une histoire qui se place dans un contexte qui semble être celui d’une nostalgie d’une époque que le réalisateur lui-même n’a pas connu, mais qui ne touche pas moins pour autant. Une jolie histoire d’amour et de famille qui ne laissera pas indifférent, et qui est fort habilement réalisée. Une plongée dans un Japon des années 60 qui nous entraîne avec joie dans le quotidien d’élèves amoureux de leur foyer, au milieu de leurs chansons et activités farfelues.

Oui, Gorô Miyazaki a réalisé avec La colline aux coquelicots un film qui est véritablement un plaisir à voir, qui est touchant, qui est juste, et qui raconte une belle histoire. Quelques accrocs dans la réalisation (une scène de flashback sort vraiment de nulle part) n’entachent que bien peu La colline aux coquelicots, qui est un bon film que je ne peux que vous conseiller de découvrir lorsqu’il sortira au cinéma.

Je ne peux cependant m’empêcher de me demander s’il est juste de faire travailler les jeunes réalisateurs de Ghibli sur des projets qui semblent bien plus être des histoires qui tiennent à coeur à leurs ainés que d’eux mêmes : c’était Hayao Miyazaki qui voulait adapter The Borrowers pour en faire Arrietty, et ce n’est sûrement pas Gorô Miyazaki qui a la nostalgie d’une époque qu’il n’a pas connu (surtout que l’action du manga Kokuriko-zaka kara se situe dans la fin des années 70, pas dans les années 60 comme le film). Le studio Ghibli, perdu dans sa quête d’un nouveau Miyazaki, ne ferait-il pas bien mieux de les laisser la voie… complètement libre ?

Pour autant, peut-on se plaindre du résultat ? Si j’ai des reproches à faire à Arrietty, il n’en était pas moins un bon film (sa première partie particulièrement), et La colline aux coquelicots est encore un rang au dessus. Si la qualité de Gorô Miyazaki en tant que réalisateur se reflète sur ce film plus que dans Terremer, alors j’ai hâte de découvrir ses prochains projets. En espérant qu’il se soit bien réconcilié avec son père et que leurs problèmes ne se refléteront plus dans son travail… même si, quand on l’entend parler de « Miyazaki Hayao » (et pas « mon père » ou autre) lorsqu’il présente son film, on peut avoir quelque doutes.

La colline aux coquelicots sortira dans les salles obscures françaises  le 11 janvier 2012, mais était projeté en présence de Goro Miyazaki ce 14 novembre en avant-première à l’UGC des Halles de Paris.

Note que je ne savais pas où placer : Tout le long du film, l’héroïne est surnommée « Meru » par ses amis, et il me semblait bien que ça n’était pas son nom de famille… Bah oui, c’est « Meru » pour « Mer », à savoir ce que signifie son nom, « Umi ». J’avais pas réussi à faire  la connexion avant l’article de Kamui.

Edit : Oh, puis Pazu me fait remarquer que j’ai complètement oublié de citer l’article de Exelen sur le film. Tant que ça ne l’empêche pas de regarder Full Metal Panic!…

Quand je s’rai grand, j’aurai plein de sous et je l’utiliserai pour racheter les droits de Full Metal Panic! afin d’adapter en 7 films d’animation les 7 romans de la série principale non-animés. Kyoto Animation ayant oublié comment animer autre chose que des lycéennes mignonnes en train de faire des choses mignonnes, faudra étudier à quel studio présenter le projet, mais en tout cas je tiens à réembaucher Yasuhiro Takemoto à la réalisation, comme pour The Second Raid. A côté des films, je produirai deux nouvelles séries Fumoffu à partir des histoires courtes de l’auteur. Il y a du boulot…

Bref, ce 16 novembre 2011 marque le passage du compteur sous le header du site à 2000. Ca signifie qu’il s’est écoulé 2000 jours depuis l’OVA FMP! sur la journée de Tessa… qui a été diffusée près d’un an après la série FMP! TSR. Etant donné que ça fait des années que je pleure contre la non-mise en production de la suite animée de FMP! et que la licence est agonisante (du moins en anime, les light novels vivent toujours grâce aux histoires courtes à un spin-off débuté cet année, FMP! Another), je me suis dit que j’allais faire la promotion de la série différemment.

Parait qu’une image vaut mille mots, du coup à l’époque de la culture moe (*rires enregistrés*), ça devrait carrément marcher.

C’est mon meilleur argumentaire.

Enjoy.

Bref, la publicité mensongère (si j’ai pas au moins une personne qui va jeter un oeil à la série après ça…) c’est cool, mais FMP! c’est plus tout ça :

Et c’est génial.

Le saviez-vous ? Les romans Full Metal Panic! sont à priori tous fantraduits. Les PDF que j’ai récupéré ont en tout cas l’air complets… et Tokyopop ayant mis la clef sous la porte après avoir mis des années pour sortir les romans jusqu’à… Owaru Day By Day (soit l’équivalent de TSR, pile poil avant l’inédit), il reste une chance de connaître le fin mot de l’histoire… et je viens donc de me relancer dans un nouveau visionnage de la série depuis son début, avec cette fois l’objectif de tout lire. Si j’ai le courage, il y aura des articles.

Vous êtes arrivés jusqu’ici en espérant avoir du contenu ? Désolé. Pour vous récompenser, j’ai des settings de la série Full Metal Panic! de Gonzo. En espérant qu’ils vous diront. Sur ce, je me (re)lance à l’assaut de FMP!.

Il y a maintenant un peu plus d’un an, je vous faisais part de mon enthousiasme face au film Macross Frontier : Itsuwari no Utahime. Première partie d’un retelling de la décevante série anniversaire des 25 ans de la franchise Macross, Itsuwari no Utahime était un film étonnamment convaincant, car il recentrait l’intrigue sur les personnages et évènements principaux. En supprimant des sous-intrigues (toute la partie au lycée), des personnages secondaires inutiles (Nanase), en retravaillant l’histoire de manière à garder le focus sur le triangle amoureux principal, en étoffant l’histoire des héros… le parfois fort navrant Macross Frontier est devenu un très agréable spectacle, dont le défaut principal se situait au niveau de l’espacement des scènes d’action du film.

Un an plus tard, me voici donc à vous parler de la suite et fin de Macross Frontier, Sayonara no Tsubasa.

Sayonara no Tsubasa est un film que j’attendais à moitié en piaffant d’impatience, à moitié avec la peur au ventre. Le film pourrait-il être du niveau de Itsuwari no Utahime alors qu’il devait terminer l’histoire de Macross F… sachant que la deuxième partie de la série était la plus mauvaise ? A quel point le travail de réécriture affecterait-il les pires points du scénario de la série comme la chute de Sheryl, la balade dans l’espace de Ranka, ou le complot d’état ? Le triangle amoureux qui allait, c’était promis par Shôji Kawamori, être enfin résolu, le serait-il de manière convenable ?

En bref, c’était loin d’être gagné d’avance. Et pourtant…

Et pourtant, Sayonara no Tsubasa est un fantastique spectacle. Un film fantastiquement fun, qui a tout pour plaire, qui continue dans la lignée de Itsuwari no Utahime à centrer son intrigue sur ses héros, à réécrire son histoire, et à donner dans le grand spectacle. Le film revendique en effet, plus encore que Itsuwari no Utahime, un côté blockbuster, et tout est là pour assurer le spectacle et repousser l’ennui : le grand final du film est tellement over the top que c’en est presque hilarant ! Cette seconde partie de Macross F en film réussit également à  justifier et à boucler les nouvelles sous-intrigues rajoutées par Itsuwari no Utahime,  et arrive vraiment à rendre son scénario passionnant à suivre, multipliant les rebondissements inattendus tout en jouant également un peu sur les attentes des spectateurs de la série.

C’est simple, ce n’est plus le même Macross Frontier. De très loin, les choses semblent être les mêmes : on nous présente toujours la guerre de l’humanité contre ces espèces d’insectes géants que sont les Vajras. D’un peu plus près, on se rend déjà compte que les enjeux ont bien changé. Presque tous les personnages gagnent à la réécriture, certains voyant leurs rôles complètement changés et bien mieux intégrés. Adieu à Grace, méchante parce qu’être méchant c’est cool, au moe-blob Ranka désespérément navrant, à Sheryl perdue qui tombe dans la boue et que personne ne reconnait… Sayonara no Tsubasa ne donne pas qu’une résolution au triangle amoureux de la série, il étoffe ses protagonistes du début à la fin jusqu’à donner des conclusions à leurs histoires à chacun, et même aux histoires de kabuki du héros, Alto. Et puis, plus de 3 ans après le début de la série, ce fameux triangle amoureux est finalement résolu de manière définitive ! Il fallait y arriver, après tout ce temps.

Si je dois trouver un reproche à faire à ce Sayonara no Tsubasa (outre un tantinet trop de blabla hippie, « mais comment peut-on savoir que les plantes n’ont pas de sentiments ? », et trop de Alto travesti), il se trouve dans l’OST. Si elle est agréable à écouter, elle n’est pas à la hauteur de ce que proposait la série ou le premier film : Kindan no Elixir, qui ouvre le film, n’arrive pas à la cheville de Universal Bunny, Houkago Overflow est loin de Anata no Oto… et surtout, le medley qui se trouve à la fin du film est très, très loin d’égaler le nyan nyan medley. Là où le film se sauve sur ce plan ? C’est simple, à mon sens, Sayonara no Tsubasa ~ the end of triangle, la chanson finale, celle qui donne son nom au film, est le chef d’oeuvre du film, la cerise sur le gâteau d’un final fantastique, la meilleure chanson de l’intégralité de la franchise. Simplement.

Sinon, pour vous le résumer de manière plus simple : Itsuwari no Utahime et Sayonara no Tsubasa ensemble donnent Macross Frontier, fait correctement. Tout y est présent, tout y est mieux résolu, tout y est plus satisfaisant.  Si vous n’avez pas vu la série, ne prenez même pas la peine de la regarder et passez directement aux films, qui sont eux, enfin, un digne cadeau d’anniversaire pour la saga Macross, qui n’avait pas su donner de tel spectacle depuis Macross Plus. Entre Macross 7, Macross Zero et la série Frontier, la saga Macross a été mise à mal pendant de nombreuses années, mais aujourd’hui, je n’ai qu’une chose à dire…

Vivement que l’on fête les 30 ans !

Plus de lecture si vous avez vu Macross Frontier Sayonara no Tsubhasa (et uniquement, sinon spoils dans tous les sens) : La série d’article de We Remember Love.

VALKYRIAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAA !

Vous l’avez probablement remarqué, ces derniers temps, sur ce site, c’est un peu la panne sèche en matière de jolies jeunes filles. Heureusement qu’il y a le header, parce ces derniers mois, il n’y a guère eu que la bande de Haruhi Suzumiya pour éclaircir un quotidien rempli de boxeurs suants et de gros robots…

Bon en fait c’est pas vrai du tout, depuis il y a eu  Holo et les donzelles d’Idolm@ster, mais l’accroche de mon article original disait l’inverse, et mon brouillon date d’il y a QUATRE MOIS. Faites un effort, s’il vous plait.

Je disais donc. Comment ai-je fait pour survivre tous ces mois sans moe ?

J’ai un secret.

Ça s’appelle Snow Halation.

Un peu d’histoire, parce que j’adore prétendre que mes articles ont un contenu réel alors que la seule chose importante dans celui-ci est la vidéo en bas de la page : mi 2010, le magazine Dengeki G, en collaboration avec la Sunrise (vous savez, les gens qui font Gundam) et le label de musique Lantis annoncent un, je cite, « School idol project » nommé Love Live!. De base, ça commence bien.

Le mois suivant, tous les futurs fans intéressés par le projet (à savoir vraiment pas grand monde, en occident du moins) apprennent le principe de la chose : Hatsune Miku et autres vocaloids, chanteurs virtuels sont populaires ? Okay ! On va donc préparer des idols virtuelles, ici des bishôjos (jolies jeunes filles), leur faire chanter des chansons, et danser aussi, parce que rien ne buzze autant que des filles mignonnes qui dansent (la franchise Precure, Suzumiya Haruhi ou Kannagi vous le prouveront bien) ! Globalement, des idols, mais bien animée !

Le résultat du tout ? Révélé dès l’été avec le premier single du « groupe » μ’s (Muse, ce jeu de mots), Bokura no LIVE, Kimi to no LIFE :

Et le tout fut suivi à Noël dernier par le second single, Snow Halation :

Particulièrement notable sur les deux vidéos, le mélange d’animation traditionnelle et de 3D. Les gros plans (particulièrement sur Snow Halation) sont généralement très jolis, mais dès qu’on passe à des scènes de danse qui montrent l’intégralité des filles, on se retrouve généralement avec 2-3 filles animées et le reste en 3D. Pas belle la 3D. En fait on a ici le paradoxe inverse de ce que l’on peut voir dans des beaux films d’animations : vous savez cette tendance que l’on a à observer les décors et les alentours pour profiter de la beauté du monde que nous font découvrir les créateurs comme Makoto Shinkai ? Ici c’est l’extrême inverse. Il FAUT regarder le premier plan. Toujours, toujours, regarder la fille qui danse devant. Jamais faire glisser vers les yeux vers l’arrière plan, sous peine de vouloir se les crever tant la 3D est parfois immonde.

A côté de ça, le projet tente apparemment de développer une histoire autour de ses « héroïnes ». Ou du moins de les présenter. Ou je ne sais pas trop quoi. Mais il est clair qu’il vaut mieux en rester éloigné, tant la MINUTE de drama qui entoure Snow Halation est absolument insipide. Est-il vraiment utile d’avoir de ça sur un projet qui se base de toute manière sur des images de stéréotypes ambulants faciles à distinguer pour plaire au plaisir le plus large possible ?

J’adore Snow Halation, la vidéo qui démontre (avec Christmas Angel… eeeeeeuh Snow Angel) que les filles heureuses sous la neige c’est bien mieux que les filles tristes (dans ta face Kanon) et j’espère que le 3e single de μ’s sera aussi bon (parce que je suis aussi fan de la chanson Snow Halation, oui) et agréable à regarder. Du moins je l’espérais à l’époque où j’ai écrit cet article, mais depuis il est sorti ! Moins bon que Snow Halation (… soit, je veux juste dire que j’ai pas la même fascination malsaine devant), il est exactement comme ses prédécesseurs, et, comme l’a fait remarquer mon collègue d’Anime-Janai, prouve au moins qu’à Tôkyô aussi, Paris Plage c’est un concept qui marche. Démonstration en vidéo avec ce Natsu-iro Egao de 1,2, Jump ! :

Ceci dit, et même si je me ruerai sur un éventuel 4e single,  j’espère aussi de tout cœur ne pas avoir à supporter autre chose que ça. Parce que si le projet Love Live! devait donner naissance à autre chose qu’à des jolis clips de demoiselles mignonnes dansant, ça serait probablement vide à mourir… d’ailleurs hey ! Il y a déjà eu des side-projects, d’autres singles sortis en prenant seulement une partie des demoiselles du groupe, mais sans clip correctement animé et du coup, forcément, c’était… franchement oubliable. Reste que si la chose vous intéresse, sachez que le school idol project est un projet participatif, étant donné que les fans votent pour leurs idols préférées et que ça décide qui sera mis en avant dans les prochains singles. C’est pour ça que la copie d’Azunyan s’est retrouvée au centre sur la 3e vidéo. Voilà, voilà.

(Hey, j’ai réussi à tenir tout l’article sans dire une connerie genre « Quoi que, un anime d’un truc aussi vide pourrait en fait avoir du succès vu ce qu’a fait K-ON! » … Ah zut. Enfin bon, c’est de la mauvaise foi, j’ai beaucoup aimé K-ON!! et je passe un excellent moment devant Idolm@ster. Adieu mon reste de crédibilité.)

Il y a maintenant quasiment 2 ans, je vous parlais du premier tome du roman Ôkami to Kôshinryô (Spice and Wolf).

Il y a quelques mois, le tome 4 est sorti aux Etats-Unis. Pourquoi parler de ce tome en particulier ? Parce que, vous le savez peut-être, les séries animées Spice and Wolf l’ont sauté ! La première série adaptait bien les tomes 1 et 2, mais la seconde série a, pour une raison ou une autre, choisi de sauter le 4ème volume de l’histoire de Holo et Kraft Lawrence pour adapter à la place les 3 et 5èmes tomes.

Et autant le dire, je ne comprends pas vraiment pourquoi cette 4ème histoire a été sautée. Elle contient tous les éléments qui ont fait le succès de la série : joutes verbales incessantes entre les deux protagonistes, introduction de quelques sympathiques personnages le temps de l’histoire qui se déroule cette fois dans un tout petit village, petite leçon sur un principe économique… à part une fin joyeuse possiblement un peu trop « facile », je ne vois vraiment pas quoi reprocher à ce roman. L’écriture de Isena Hasekura est toujours aussi agréable, que ça soit dans la description du monde de la série que dans les dialogues des protagonistes, et Jû Ayakura signe encore une très jolie couverture, ainsi que quelques illustrations un peu plus oubliables dans le livre.

Après les événements de Kumersun (première partie de Spice and Wolf II), les protagonistes ont appris deux choses : qu’il y a une légende à propos d’un loup gigantesque dans la région de la ville de Renos (seconde partie de Spice and Wolf II) qui s’appellerait Holo… mais aussi que de nombreuses légendes seraient consignées à l’abbaye proche du village de Tereo. c’est donc là que Lawrence et Holo se rendent au cours de ce quatrième tome. Là, ils font la rencontre d’un meunier nommé Evan, et à l’église de la ville, sont stupéfaits de découvrir que ce n’est pas un homme mais une femme qui en a la charge, et même une très jeune femme nommée Elsa. Le village semble vivre dans une opulence assez incroyable pour un petit village de cette taille, et, grand problème pour nos héros, tous les habitants qu’ils croisent nient connaître l’abbaye, mais sont de bien piètres menteurs…

Spice & Wolf IV est donc disponible en anglais chez Yen Press, et si vous avez aimé les séries TV, vous ne pourrez qu’aimer ce tome. Evolution de la relation entre Lawrence et Holo, informations sur Yoitsu… si la relative indépendance des romans entre eux fait qu’il a été aisé pour l’anime de le passer, je ne peux que vous conseiller de le lire, il le mérite.

Ensuite, un peu de patience : dès le tome 6, les romans passeront dans l’inédit ! Joie et bonheur, surtout que cette édition américaine est probablement la seule manière de connaître la suite de l’histoire : chaque mois qui passe, il parait de plus en plus improbable que soit mise en production une série animée Spice & Wolf III…

Vous le savez peut-être, en cette période de flemme pause estivale a commencé la diffusion de l’anime basé sur le très populaire (au Japon) jeu The Idolm@ster. Produit par le studio A-1 Pictures, et réalisé par Atsushi Nishigori, notamment connu pour ses travaux chez Gainax. Le monsieur est clairement impliqué à fond dans son projet étant donné qu’il s’occupe aussi du chara design, du storyboard et de la supervision de plusieurs épisodes, et en fait de tellement de trucs qu’il n’est pas dur de croire qu’il est un grand fanboy de la franchise.

L’anime est beau, vivant, mignon, « moe« , et est partie pour raconter sa petite histoire mignonne pouvant s’apprécier sans jouer aux jeux (synopsis : « une bande de filles mignonnes sont des idols et veulent devenir célèbres »), contrairement à, par exemple, le récent Super Robot Taisen The Inspector. De quoi faire plaisir aux fans du jeu Idolm@ster, et de quoi le faire découvrir aux occidentaux.

Pourtant, les fans du jeu (comme le maître de Meido-Rando) ont la mémoire courte : ce n’est pas la première fois que The Idolm@ster est adapté en anime ! En 2007, la Sunrise s’est emparé des droits de la franchise, et a confié à Tatsuyuki Nagai (AnoHana, Honey and Clover 2, Toradora!, Railgun) le soin de réaliser Idolmaster Xenoglossia. Qu’est-ce que Xenoglossia ? C’est une série TV de 26 épisodes, qui met en scène les personnages du jeu Idolm@ster, dans une aventure un tantinet plus dantesque que ne l’est celle de la vie d’idol. Étant donné que c’est une série où les demoiselles pilotent des mechs pour défendre la Terre contre des météorites qui menacent de faire des dégâts, et autres mystérieux ennemis.

La série n’est jamais sortie du Japon, où elle n’a pas rencontré un grand succès pour des raisons relativement évidentes : les fans du jeu n’étaient pas exactement ravis d’être servis avec une série pareille alors qu’ils auraient voulu une adaptation bien plus fidèle des jeux (la série actuelle d’A-1 Pictures, quoi), et les amoureux de gros robots n’étaient pas tout à fait enchantés par l’idée de regarder un anime originaire d’un jeu assez emblématique du phénomène moe, et bien loin des bonnes vieilles valeurs viriles véhiculées par le fier Char Aznable. On a vraiment de quoi se demander pourquoi la licence Idolm@ster a été utilisée pour une telle série, alors qu’elle n’a absolument rien à voir avec les jeux : le titre change (adieu au @ de idolm@ster), le concept de base change, et même les doubleuses ne reprennent pas leurs rôles, laissant leur place à un cast original.

Pour autant Xenoglossia est-elle une mauvaise série ? Non ! … Bon, du moins c’est mon hypothèse, et c’est la thèse défendue par le proprio d’Anime-Janai, fan de la série. Pour la vérifier, j’ai convié sur Twitter tous ceux qui étaient intéressés à joindre le projet Idolm@ster VS Xenoglossia : Chaque semaine, nous regardons un épisode d’Idolm@ster et un épisode de Xenoglossia, afin de profiter au maximum des différentes interprétations des personnages de la série… et de préférence dans le sens Xenoglossia –> Idolm@ster, parce que le character design du premier n’arrive pas à la cheville du second et que le retour aux tronches des personnages de Xenoglossia est rude (comparer les deux versions des personnages d’Iori et Ritsuko est assez fantastique). Ensuite, on tweete nos impressions avec le tag #imasfr, et nous enrichissons notre quotidien de discussions passionnantes, ne parvenant pas à décider s’il est plus agréable de voir les jeunes filles danser dans des tenues afriolantes ou casser des météorites dans leur gros robots.

Pour l’instant, à mon humble avis, The Idolm@ster est sur son démarrage la série la plus intéressante, principalement parce que Xenoglossia prend beaucoup, beaucoup trop d’épisodes à poser le début de son histoire… mais arrivé au 6ème épisode et suite au premier véritable combat (de plus de 30 secondes) de la série, Xenoglossia commence à devenir intéressant. Et apparemment ça va continuer à s’améliorer…

Si vous regardez The Idolm@ster, tentez de regarder Xenoglossia, ne serait-ce que pour voir les mignonnes idols en train de faire autre chose que d’avoir l’air jolies à l’écran ! Et si aucune des séries ne vous intéresse… l’une est une série jolie et vivante, l’autre est une honnête et récente série de robots de la Sunrise… donnez leur une chance ? Vous aurez ainsi la joie de faire partie d’un projet communautaire porté par des personnalités fortes et charismatiques et promis à un bel avenir. Pendant les 5 prochains mois, au moins.

Ça vous détendra pendant le reste de l’été, cette belle période d’inactivité justifiée par un soleil de tous les instants.

(Oh, et entre Xenoglossia et Idolm@ster, il y a eu une OVA de 15 minutes, mais il parait qu’elle est naze. On oublie)

La flemme de l’été me fait annuler le second article prévu sur Japan Expo. Je posterai quelques trucs sur Twitter.

L’événement de cette Japan Expo 2011, hors invités, c’était la diffusion en avant-première internationale, Japon exclus, du dernier film Fullmetal Alchemist : Milos no Sei-naru Hoshi (L’étoile [sacrée] de Milos). Les réjouissances ont été méchamment entâchées par les problèmes de distribution des tickets, mais on ne va pas s’y attarder : aujourd’hui, on parle du film !

Ce nouveau film FMA est probablement la dernière occasion de retrouver animées les aventures d’Edward et Alphonse Elric… et ils partent vraiment sur un superbe coup d’éclat.

Milos no Sei-naru Hoshi se situe, nous a-t-on dit avant la projection, entre les tomes 11 et 12 du manga. Concrètement, l’histoire est une side-story complète n’ayant vraiment aucune influence, ni même de liens, avec l’histoire principale. Pas d’homonculus, pas de « Père », et même très peu de personnages de la série sont de retour sur grand écran. La seule raison de placer le film chronologiquement entre ces tomes est l’utilisation dans le scénario de discussions sur la nature de la pierre philosophale, ce qui le place après les événements du labo n°5, qui étaient aussi dans l’anime FMA de Seiji Mizushima (celui de 2004 donc). Ce nouveau long-métrage est donc très accessible (et ne porte d’ailleurs pas le sous-titre « Brotherhood » de la dernière série) et je ne peux que vous conseiller de vous jeter dessus dès sa sortie française.

Car pour l’adieu de Ed et Al à l’écran, Bones a vraiment mis les bouchées doubles pour rendre son film, réalisé par Kazuya Murata, impressionnant. N’y allons pas par quatre chemins : techniquement, le film est un incroyable tour de force, et rarement l’action a autant détonné à l’écran ! Kenichi Konishi, character designer (comme sur Bokurano, Tokyo Godfathers), et directeur de l’animation (comme sur Millennium Actress de Satoshi Kon et le film les Yamada de Ghibli), signe un character design un peu plus simplifié que celui des séries, mais qui est particulièrement bien mis à profit dans des scènes absolument démentielles. Explosions en séries, combats physiques, batailles aériennes et sur le toit de trains lancés à pleine vitesse, tout y est, et ça décoiffe vraiment. Insérez encore quelques mots du même champ lexical (éberluant, époustouflant, à couper le souffle, à laisser sans voix), et vous aurez le résumé de mes impressions face à l’animation du film, et à la performance du studio. Shamballa wo Yuku Mono, qui, a défaut de convaincre par son histoire avait au moins impressionné techniquement… peut aller se rhabiller.

Et l’histoire alors ? Eh bien, encore un autre point de satisfaction. Contrairement à beaucoup de shonen dont les films semblent être essentiellement des fillers tentant de plaire à tous les fans en ramenant en 90 minutes tous les personnages de la série (Bleach, c’est de toi dont je parle), FMA tranche sec dans le sujet : En plus de Ed et Al, le nombre de personnages de retour dans ce film sont au nombre de quatre. QUATRE. Dont un pendant moins de 30 secondes… et les autres sont clairement simplement là pour faire plaisir aux fans et n’ont que peu de temps à l’écran et de prise sur l’intrigue. Le scénario a vraiment été pensé comme une histoire à part, comme une grande aventure qui devait pouvoir s’apprécier seule. En fait, Milos no Sei-naru Hoshi m’a en fait beaucoup fait penser au film Cowboy Bebop, Tengoku no Tobira sur ce point : l’équipe du film a vraiment une dernière histoire à raconter, et semble vraiment vouloir faire partir Ed et Al sur un grand « bang! ».

Toutefois, nul risque de s’y perdre, le scénario étant clairement un mélange de grands classiques des thèmes de FMA : l’amour entre frères, l’injustice de l’armée et la recherche du pouvoir à n’importe quel prix sont centraux dans l’intrigue, et d’aucuns le trouveront même trop classique pour la franchise. Toutefois, si vous n’avez pas de pouvoir supra-naturels vous permettant de tout comprendre en 5 minutes (comme ma camarade d’Ankama qui était assise à côté de moi pendant le film et se reconnaîtra), le scénario réserve quelques bonnes surprises, et alterne à un bon rythme action et moments plus calmes, faisant du film un excellent moment.

J’ai vraiment, vraiment été emballé par ce Milos no Sei-naru Hoshi, un film fidèle à l’esprit de la série dont il est tiré, mais qui pour ce faire, ne se sacrifie pas sur l’autel de la satisfaction des fans ou de la facilité… et est un véritable festival. C’est toujours les meilleurs qui s’en vont le plus vite, et à la fin des 2h de film, Edward et Alphonse Elric quittent vraiment le grand écran en beauté. On les regrettera.

Des résumés interminables de la Japan Expo, il y en a partout, et tout le monde veut en faire, moi y compris. On va tenter de faire ça de manière agréable, et concise !

Généralités

• Japan Expo 2011, 12 e édition
• Du 30 juin au 3 juillet
• Un festival qui s’annonçait globalement moins intéressant que l’an dernier, parce que niveau invités c’était pas la joie : Yumiko Igarashi en invitée d’honneur manga n’a pas exactement transcendé les foules, peu d’annonces… au final l’intérêt du tout est largement remonté, sur le tard, avec l’annonce de deux invités Dybex : Noboteru Yûki, character designer notamment d’Escaflowne, et Yasuhiro Nightow, créateur de Trigun.
• Malgré ça, Japan Expo a manifestement atteint une taille critique et n’a plus vraiment besoin de ses grands noms pour attirer du public : dès lundi 4 en effet, la SEFA a annoncé un nouveau record, avec près de 200 000 visiteurs.

Invités

• Yumiko Igarashi avait beau être l’invitée d’honneur manga… je l’ai pas vue. Du tout. Ouais, désolé.

• La rumeur veut que Noboteru Yûki n’ait pas passé un très bon moment en France, ayant été ultra-sollicité… comme pour l’illustrer, sa conférence, dont je n’ai pu suivre que la moitié, n’était pas exactement un modèle de convivialité : le character designer d’Escaflowne a en effet entrepris de dessiner à l’acrylique Hitomi et Van (sur un papier fatigué et absolument pas prêt à être torturé de cette manière), et a donc tourné le dos à la foule qui s’était pressée pour le voir pendant la quasi-intégralité de la conférence, même lorsque des membres du public lui posaient directement leurs questions en japonais, ne se tournant que vers son traducteur pour répondre. Ceci dit, l’échange avec le public a bien eu lieu : pour un résumé de cette conférence, je vous invite à lire l’article de Pazu sur Animint.

• Yasuhiro Nightow, par contre, semblait bien plus enthousiaste, et sa conférence fut un plaisir à suivre. Il souriait, plaisantait, le Vash The Stampede qu’il a réalisé était superbe… et la fierté de l’auteur qui posait devant son dessin était belle à voir ! Il a au final beaucoup parlé durant sa conférence de son dernier manga, Kekkai Sensen, donnant assez envie de découvrir son nouveau manga, non disponible en France. Il a aussi expliqué que si son oeuvre regorgeait de croix (en temps qu’armes par exemples), ce n’était pas tellement en temps que symbole religieux que pour un souci de design… et parce que c’est cool. Il a aussi livré plusieurs anecdotes, comme le fait qu’il crée les univers de ses mangas simplement en y fourrant tout ce qu’il aime et mélangeant un bon coup, mais aussi que la production du film de Trigun avait était une telle surprise que les doubleurs avaient eu énormément de mal à se libérer… beaucoup étaient occupés sur Bleach !

• Yoshiki Tonagai, mangaka auteur de Doubt et Judge, très populaires en France, n’a effectué que des séances de dédicaces pour Ki-Oon, et on pouvait voir les fans sortir heureux comme des rois lorsqu’ils sortaient avec les dédicaces de l’auteur qui dessinait pour l’occasion… Pas de conférence, et c’est dommage : il aurait vraisemblablement eu bien du monde pour l’écouter et lui poser des questions.

• Je n’ai pas compris que Shiitake (attention, ça c’est du site web qui pète…), qui réalisait de superbes illustrations sur un stand dans la section fanzines, était une invitée « officielle » du festival jusqu’au dernier jour où je l’ai vue partir en séance de dédicaces depuis son stand de fanzines… de très jolies illustrations réalisées sur place ainsi que des artbooks que la dessinatrice signait étaient d’ailleurs vendues sur ce stand, et elle dédicaçait le livre de jeunesse de Alice Brière-Haquet dont elle a réalisé les illustrations.

• Si vous avez vu Macross Frontier (ce qui n’est pas gagné vu l’absence totale de diffusion de la série à l’international), vous ne pouviez pas rater May’n, la voix chantée de Sheryl Nome, l’une des deux héroïnes de l’histoire. La meilleure des deux chanteuses de la série (ceci était une pique personnelle) était donc présente, et s’est produite une première fois sur 15 minutes le jeudi pour un avant-goût de ce que fut le concert d’une heure de dimanche. C’était à ne pas manquer, mais les photos n’étaient malheureusement pas autorisées.
• Playlist du Showcase : Iteza Gogo Kuji Don’t Be Late et Diamond Crevasse. Ben oui, ça va vite 15 minutes.
• Playlist du concert : If you…,  Iteza gogo kuji don’t be late, Northern Cross, Universal Bunny, Ready Go!, Diamond Crevasse, Lion, Scarlet Ballet et Phonic Nation. A noter que Lion était une version, forcément, sans Megumi Nakajima, et qu’il n’y a pas eu de rappel, même si la chanson finale a bien duré.

• Michiru Oshima, compositrice de la BO de Fullmetal Alchemist ou Xam’d, était présente sur la convention, mais son passage à la JE a été annoncé tellement discrètement (et seulement 2 jours avant le début de la convention !) qu’elle ne semble pas avoir attiré les foules pour parler de son projet de soutien au Japon…

• Elle n’était même pas sur la liste des invités… mais Halko Momoi, seiyuu (San dans Seto no Hanayome, Maromi dans Paranoia Agent, Komugi dans The SoulTaker et… Komugi) et chanteuse était présente le jeudi et le vendredi sur le stand Nico Nico Douga où elle jouait la présentatrice face aux caméras qui retransmettaient les images sen live du Japon. Elle a même poussé la chansonette et signé les dédicaces de quelques fans !

• Masayuki Ozaki, producteur de Sunrise, est venu présenter les derniers projets du studio durant une conférence remplis de fans avides d’informations sur les séries Gundam. On retiendra de tout cela une confirmation, celle que le projet de Gundam the Origin (dont monsieur Ozaki n’a pas voulu révéler le format) devrait bien normalement couvrir l’intégralité de l’histoire et pas seulement les parties inédites du manga, mais aussi que Code Geass – Bôkoku no Akito, le gaiden de Code Geass prévu pour 2012, se déroulerait en grande partie en France. Et je regrette d’avoir oublié de prendre des photos de l’homme, qui s’était volontairement habillé de manière à ressembler au héros de la série (publicitaire) Tiger & Bunny, actuellement diffusée au Japon et simulcastée par Kaze.

• Je ne l’ai pas vue en action mais en bon français ayant vu sa jeunesse bercée par les Minikeums, je suis contractuellement obligé de vous mentionner la présence de MEG. Qui est MEG ? Quelqu’un qui a fait une cover de « Ma Mélissa ». Ecoutez la chanson, ça vaudra mieux que tous les mots du monde.

• Les autres… je ne pourrai pas vraiment vous en parler. Je vais quand même mentionner la présence de X Japan en conférence et en concert sur Paris le 1er juillet, des deux autres invités d’honneur, Akira Yamaoka (compositeur de Silent Hill) et h.Naoto, invité d’honneur mode, du fait qu’il y avait 2 auteurs de boy’s love, Suda51, réalisateur et scénariste des jeux Killer 7 et No More Heroes… voilà voilà… pour une liste exhaustive qui comprendrait les catcheurs et autres comiques, le site de Japan Expo est toujours là.

Projections

• L’avant première mondiale (simultanément avec la sortie du film au Japon) du nouveau film de Fullmetal Alchemist a été… un désastre absolu d’organisation en ce qui concernait la distribution des places, particulièrement sur le stand de Dybex. L’éditeur a d’ailleurs publié un long message durant lequel il reconnaît en partie ses torts et tente d’expliquer sa version des faits. Un moment qui fut vraiment le plus pénible de la convention, dont je vous épargnerais les détails, ça vaut mieux comme ça.

• Une fois sur place, ceci dit, la projection de Fullmetal Alchemist : Milos no Sei-naru Hoshi (traduit « L’étoile de Milos » sur les billets mais « L’étoile sacrée de Milos » lors de l’apparition du titre du film, va falloir se décider) s’est déroulée sans plus de problèmes, malgré les conditions moins qu’idéales de la Japan Expo (disposition du public, bruit de l’extérieur). Des invités d’Aniplex et Square Enix sont venus du Japon présenter le film, tout en faisant jouer le public à un jankenpon géant pour que quelques gagnants repartent avec des goodies et… des planches signées par Hiromu Arakawa pour les plus veinards. Oh et le film ? Spectaculaire, et un digne adieu aux frères Elric !

• Bien moins remarquée, l’avant-première de Mardock Scramble – The First Compression, premier volet de l’adaptation du roman de Tow Ubukata abandonnée par Gonzo et redéveloppée par GoHands, était pourtant l’occasion de passer un bon moment dans un film que je situerais à mi-chemin entre un Ghost in the Shell light et Cencoroll. A tenter lors de sa sortie en France par Kaze, qui projetait le film… mais qui contrairement à Dybex pour FMA, n’avait pas pris la peine de le sous-titrer : les sous-titres du film étaient en anglais, probablement issus du DVD japonais, et ça a fait fuir pas mal de monde (dont mes voisins immédiats) de la salle.

Et les stands ? Les activités ? Les copains ? On verra ça au prochain article !

Credits : nyo @ hourai neetwork pour la photo de l’acrylique de Van & Hitomi