Cet article parlant du film de manière relativement généraliste, vous pouvez le lire sans craintes pour les spoils (autres que de l’exploration des éléments du synopsis). Et la plupart des bêtises bien peu françaises qui plombaient le texte à sa publication ont été supprimées.

Ce mardi 23 février, Mamoru Hosoda était présent à l’UGC Ciné Cité les Halles de Paris pour présenter son film Summer Wars en avant-première plus de 3 mois avant la sortie officielle française.

Mamoru Hosoda, avant Summer Wars, aurait pu être révélé au grand public en réalisant Le Chateau Ambulant s’il n’avait pas quitté le projet suite à des problèmes avec Ghibli. Sa filmographie n’est pourtant déjà plus des moindres : Il a réalisé des épisodes des séries Ojomajo Doremi et Digimon Adventure, ainsi que par la suite 2 films Digimon (Digimon Adventure et Bokura no War Game, durant respectivement 20 et 40 minutes, qui furent comprimés avec un troisième film pour donner un… mix batard sorti en occident). Par la suite, c’est par l’excellent 6ème film de One Piece : Omatsuri Danshaku to Himitsu no Shima qu’il se fit remarquer, avant de réaliser Toki wo Kakeru Shôjo, (sorti en France en 2007 sous le nom La Traversée du Temps) qui fit sensation et rendit le réalisateur bien plus connu et populaire sous nos latitudes. Son Summer Wars était donc attendu au tournant…

Dans un futur proche, Oz est un monde virtuel sans limites. Tâches administratives, jeux, travaux, communication… On peut tout faire via Oz, et plus d’un milliard de personnes utilisent ce réseau. Kenji, un jeune garçon qui travaillait sur des tâches secondaires de Oz, arrête ce travail pour aller aider sa senpaï, Natsuki, pour un petit boulot pendant quelques jours de l’été. Une fois parti avec elle, il arrive dans un énorme domaine où il rencontre les membres de la grande, grande famille de Natsuki rassemblés pour fêter l’anniversaire de la matriarche de la famille, fêtant ses 90 ans. A la grande surprise de Kenji, Natsuki le présente à sa famille comme étant son petit ami, suite à une promesse qu’elle avait faite à sa grand-mère. Dans le même temps cependant, le réseau Oz est hacké, et le monde se retrouve en proie au chaos…

Summer Wars, comme on le sent au synopsis, a comme thème principal l’un des thèmes préférés de Mamoru Hosoda : le net, le monde digital, les réseaux sociaux. En fait, le film est très facilement comparable au film Digimon Bokura no War Game sur ce point, tant la représentation du monde digital y est similaire; mais aussi tant certains rebondissements en sont directement repris.

Pourtant, Summer Wars est beaucoup, beaucoup plus qu’une simple upgrade de Bokura no War Game. Bien plus riche, il y associe d’autres thèmes, plus d’humour, et un impact émotionnel bien plus important. Le second thème du film, en effet, est bien différent des éléments que l’on peut trouver dans les films de Hosoda, étant donné que Summer Wars traite de la famille. En fait, autant la (superbe) affiche du film peut faire croire que l’héroïne du film sera Natsuki, autant à le regarder on se rend bien compte que, « le héros »… C’est bien la famille Jinnouchi. Chacun des personnages a son petit rôle à jouer dans l’histoire, mais aussi sa manière de percevoir les événements s’y déroulant; et c’est agréable de voir un cast si bien utilisé. Par exemple, comment les plus agés peuvent-ils comprendre que ce qu’il se passe dans le film sur l’ordinateur de leurs enfants puisse être autre chose qu’un jeu ? Chaque « héros » est travaillé, surtout que, même si seuls quelques uns sont véritablement utilisés, ils ont tous leurs alter-egos dans le monde virtuel de Oz.

Parlons-en justement du monde de Oz. Monde virtuel réseau social parfait (sauf dans sa sécurité « parfaite » craquable en 10 minutes), il est intégré dans le film comme un élément de la vie de tous les jours et; alors que chacun des passages du film dans ce monde est une expérience pour les yeux du spectateur; il est parfaitement intégré par les personnages de Summer Wars comme un élément du quotidien. Comme Mamoru Hosoda le déclare, son film n’est pas un avertissement de plus sur les dangers d’internet ou des réseaux sociaux. Lui-même avide utilisateur de Twitter, il a construit un film d’action en partant de ce postulat : l’action se déroule à la fois dans le monde réel et numérique, et y sont mis en avant à la fois les liens que l’on peut avoir avec une communauté virtuelle et les liens que l’on peut avoir avec sa famille… Sans montrer aucune préférence pour l’un des deux. En bref, ce grand réseau social, Oz, n’est pas diabolisé, là où le scénario « habituel » serait celui de l’entreprise manipulant Oz à ses propres fins et s’en servant pour contrôler la société, et où la morale serait « les liens sur internet, c’est virtuel, faites-y attention ».

Techniquement, le film est un sans-fautes. Comme pour TokiKake, Yoshiyuki Sadamoto (Evangelion) a assuré le character design du film… Du moins pour la partie « réelle », étant donné que d’autres character designers ont travaillé sur les personnages de Oz (Mamoru Hosoda a cité celui qui a réalisé le character design de King Kazma, mais son nom m’échappe). L’animation est belle, fluide et particulièrement jolie à voir durant les scènes d’action dans Oz… Bref, c’est un bonheur pour les yeux de découvrir le monde de Summer Wars. Auditivement parlant, on ne ressent pas pour Summer Wars la préférence que Mamoru Hosoda semblait présenter dans ses précédents films pour la musique classique, et le film manque peut-être à ce titre d’un thème fort, hors de son générique, Bokura no Natsu no Yume.

Finalement, Summer Wars est tout simplement un film incroyablement fun. L’enchainement des rebondissements du film entrecoupés de traits d’humour (prêtant véritablement à éclater de rire et pas simplement à sourire) se fait à un rythme effrené, devant lequel le spectateur est comme hypnotisé pendant quasiment deux heures. Drôle, émouvant, amusant, intéressant, prenant… Summer Wars est l’un des films d’animation japonaise les plus agréable à voir qui soit, rivalisant sans problème, en film grand public, avec les productions Ghibli.

Enfin, sur cette avant-première de Summer Wars, on pourra décerner un bon point au public très réceptif (malgré un staff UGC incapable de prononcer « Mamoru Hosoda » correctement) qui s’est levé pour applaudir le réalisateur à la fin de la séance et a posé d’intéressantes questions durant la (courte) séance de questions-réponses; séance qui a été l’objet de quelques questions insolites : Devant un public hilare, Hosoda a justifié pourquoi on ne voyait que des DS et pas des PSP dans son film (il est fan de Nintendo et connait Shigeru Miyamoto), mais a aussi parlé de la similitude des mondes digitaux de Summer Wars et de ceux de Superflat Monogram (court-métrage réalisé pour Louis Vuitton) et Bokura no War Game. Pour finir, Mamoru Hosoda a aussi parlé de son prochain film, auquel il commence juste à réfléchir, mais pour lequel il pense mettre un peu de côté le digital et l’internet, et réduire le nombre de personnages comparé à Summer Wars, qui a effectivement un cast relativement gigantesque.

Enfin, après ces quelques questions, Mamoru Hosoda s’est éclipsé pour mieux aller s’installer dans un coin de l’UGC et répondre aux sollicitations de ses fans avides de dédicaces.

En bref, Mamoru Hosoda est un réalisateur génial et on ne peut plus sympathique, et Summer Wars était un film superbe. Ne le manquez pas, dès le 9 juin dans les salles françaises !

Un article à lire après celui d’Animint qui relate la première partie de cette carte blanche. On innove ici, on fait de la collaboration inter-blogs ! (Bon Pazu n’est pas prévenu mais détail détail)

Au forum des images à Paris ce 9 février 2010, on pouvait retrouver une carte blanche de Sunao Katabuchi, qui a ainsi présenté pendant 2 séances, tout d’abord ses inspirations et influences (cf article d’Animint), puis ensuite ses propres travaux dans une deuxième séance qui s’est étendue de 21h15 à près de 23h45. J’y étais, en compangie d’un monsieur très postmoderne.

Sunao Katabuchi a livré un récit de sa vie professionnelle était à la fois intéressant historiquement parlant, étant lié aux créations du Studio Ghibli et du Studio 4°C, mais aussi pour son histoire personnelle, en découvrant le parcours de cet homme, qui avait dû, pour en arriver à pouvoir réaliser « ses » oeuvres, travailler dur et patiemment pendant bien des années.

Les projections ont commencé avec un épisode de la série Sherlock Holmes (réalisée par Hayao Miyazaki), Le Rubis Bleu, que Katabuchi a réalisé alors qu’il n’était qu’étudiant. Miyazaki, en effet, avait quelques années avant fait appel à un scénariste professionnel pour le film Lupin III Le Chateau de Cagliostro, mais obtenu un résultat peu satisfaisant et avait dû le reprendre entièrement. Pour cette raison, il a par la suite décidé de donner leur chance à de jeunes gens, comme des étudiants… Et c’est de cette manière que Katabuchi est entré dans les productions animées.

L’invité d’honneur de la soirée a ensuite précisé que le travail sur Sherlock Holmes avait été interrompu, Miyazaki et son équipe étant appelés à travailler sur l’adaptation animée de Little Nemo, gros projet de en collaboration avec les Etats-Unis. Ce projet verra l’abandon successif de Miyazaki, puis d’Isao Takahata, puis encore de Yoshifumi Kondô… Qui pu tout de même produire un (superbe) pilote de 3 minutes 30 qui fut donc diffusé (le projet vit encore la création d’autres pilotes, comme celui d’Osamu Dezaki).

Sur ce projet, Katabuchi a travaillé directement avec Takahata (qui avait, dit-il, déjà quasiment prêt le storyboard qui a servi au pilote de Kondô) sur le travail de prise de vue, insistant sur la technique particulière utilisée, avec notamment l’utilisation de pellicules de 70mm. C’est avec ce travail qu’il a pu passer de scénariste à concepteur d’images, a-t-il déclaré.

Katabuchi a ensuite retracé la naissance du studio Ghibli en la liant avec par exemple l’échec du projet Little Nemo, et le rassemblement autour d’Hayao Miyazaki. Il a décrit Ghibli comme une petite structure qui, avant Kiki la petite sorcière, était composé de personnes qui se rassemblaient pour un film puis se dispersaient, et que le studio n’avait vraiment grossi qu’après cet … Et ainsi, la projection suivante était celle de Kiki. Un film particulier pour Sunao Katabuchi, étant donné qu’il devait au départ en assurer la réalisation mais qu’il a finalement cédé sa place à Miyazaki. Il est néanmoins resté assistant et proche collaborateur et a pu mettre en avant sur les extraits visionnés son travail sur les prises de vues.

Katabuchi a alors narré la naissance du Studio 4°C : Après Kiki, l’équipe allait de nouveau se séparer, certains ont proposé de continuer à travailler ensemble… Et ainsi est né le petit Studio 4°C, dans des appartements où on travaillait jusque dans la cuisine. A cette époque, déjà, était lancée pour Katabuchi le projet de « son » long métrage, Arite-hime (Princesse Arête). Cependant, il fallait de l’argent pour que le Studio 4°C puisse avoir les reins assez solide pour produire de tels longs métrages, et Katabuchi a ainsi expliqué comment son projet a connu une période trouble alors qu’il a été appelé à travailler avec Katsuhiro Otomo (Akira) sur Memories (pour le travail de caméras de la partie Canon Fodder).

Racontant ce projet, Katabuchi a rit en racontant que par une ironie du sort, le Studio 4°C avait alors déménagé dans de nouveaux locaux… Ceux qu’il avait auparavant connu avec Ghibli avant qu’ils ne déménagent.

Katabuchi a ensuite été appelé à réaliser sa première série, Lassie chien fidèle, pour lequel il a donc également dû mettre de côté le projet Arite-hime. L’auteur a commenté que les personnes travaillant sur les projets Memories ou Lassie étaient au final « un peu les mêmes personnes », et que les fortes différences de rendu de l’image étaient dûes au temps et au budget alloué.

Enfin, Sunao Katabuchi a pu réaliser le film Arite-hime, terminé en 2000 et sorti en 2001, première production du Studio 4°C à bénéficier d’un traitement numérique. Depuis Little Nemo, pendant 15 ans, a raconté Katabuchi, il s’était heurté à de nombreux problèmes, de nombreux murs, et il était donc heureux de pouvoir enfin produire son propre film.

Des mots de Katabuchi, il a pour ce film remis en doute sa tendance à mettre en scène des personnages naturellement joyeux et enjoués, les jugeant peut-être un peu trop artificiels, pour faire un film dont l’enjeu est la recherche de soi… Enjeu qu’il a placé en parallèlle avec ses difficultés, et au fait qu’au final il n’ait pas pas renoncé à lui-même face aux difficultés.

Katabuchi a ensuite présenté son travail sur les cinématiques du jeu Ace Combat 4, disant qu’il s’était attaché à donner une dimension profondément humaine aux ennemis que le joueur doit abattre, le prenant ainsi à contrepied. Niveau contrepied, Katabuchi a ensuite été servi… Car en 2006, il est chargé de Black Lagoon, l’adaptation du manga hyper-bourrin/violent de Rei Hiroe, bien différent des travaux de Katabuchi… Pour autant, réalisateur sur les deux séries, il a dit s’être efforcé de ne pas avoir une posture de rejet face à la violence de ce manga et avoir voulu tenter de donner tout de même un côté plus humain au pires des tueurs, sans pour autant dénaturer l’oeuvre originale.

Une fois Black Lagoon terminé, Sunao Katabuchi a enfin pu revenir à ses premiers amours, les personnages mignons et enjoués… Qu’il met en avant dans son nouveau long métrage, Mai Mai Shinko (Mai Mai Miracle), en avant-première cette semaine, et dont il a parlé avec entrain sur la fin de la séance avant de se rappeler que le public présent n’avait pas encore vu le film.

Dans les anecdotes narrées, il a noté que le film, recommandé par le ministère de l’éducation nationale japonais en temps que film jeune public et familial, avait au final beaucoup touché les spectateurs adultes, qui pleuraient devant son film. Au final, peu avant son départ du Japon, ont eu lieu des événements rassemblant des personnes ayant aimé le film et voulant réfléchir à comment en faire une meilleure promotion et comment mieux le diffuser…

Pour un réalisateur qui a vu pendant des années ses projets mis entre parenthèses, voir son film aimé de cette manière est sûrement pour lui une belle revanche sur la vie.

Et ainsi s’est terminée, bien tard, la carte blanche de Sunao Katabuchi qui, inébranlable avec le décalage horaire dans les pattes et après avoir bavardé pendant 4h, a bien voulu signer quelques autographes au public de la salle.

Une fort belle carte blanche donc que celle de Sunao Katabuchi, précédent les projections de son film cette semaine et ce week-end, film qui sortira en DVD en août chez Kaze. A tenter !

(Je vous invite aussi à consulter le résumé d’Animint au sujet de la projection du film Yona Yona Penguin de Rintarô en sa présence fin janvier au forum des images également. Genre j’aurais fait ce compte-rendu ici si Pazu n’allait pas si vite ou si j’avais eu quelque chose d’intéressant à ajouter)

Ouais, désolé d’avance, je sais qu’il y a des trucs bien plus intéressants comme le génialissime Lagann-hen ou Macross dont je dois bavarder, mais ça va bien faire un mois que j’ai écrit ceci, fallait bien que ça soit publié un jour…

J’aime beaucoup Ken Akamatsu.

C’est à cause de Ken Akamatsu (grâce à Ken Akamatsu?) que je suis tombé dans la potion manga quand j’étais petit au lycée. Dévorant les Love Hina d’abord à la Fnac puis à la maison une fois que j’en ai eu assez de passer pour un cinglé qui riait aux éclats tout seul devant son bouquin, j’ai eu envie d’en savoir plus sur la suite de l’histoire, puis sur ce qu’avait pu faire d’autre l’auteur, puis sur quelles autres oeuvres pouvaient ressembler à la sienne, puis quelles autres oeuvres pouvaient être intéressantes, puis… Nous voici en 2010.

De l’eau a coulé sous les ponts, je ne peux plus vous clamer que Love Hina est un manga trop bon trop top génial sans aucun défauts, mais il gardera toujours une place spéciale pour moi, comme étant le manga qui m’a plongé dans l’otakisme.

Et je suis toujours, en l’appréciant beaucoup, le Negima! de monsieur Akamatsu, qui après ses deux tomes de Love Hina * 31 filles * Harry Potter (une image que le manga a malheureusement gardé, pas aidé par Kaze qui a sorti ses coffrets DVDs de la série de Xebec [pourrie] en utilisant la police de caractères de HP), est devenu un shonen ayant une histoire plus qu’agréable.

Mais revenons un peu dans le passé. Après avoir terminé la parution de Love Hina en France, Pika Edition, surfant sur le succès de la chose, commence la parution de deux nouveaux mangas du sieur Akamatsu : AI ga Tomaranai (sous le nom de AI Non-Stop), et Negima! dans le maintenant défunt Shonen Magazine. Evidemment, le petit FFenril, en manque après la fin de son manga préféré, achète les 8 tomes dès leur sortie.

Et les oublie tout aussi vite.

Début 2010, je me rends compte que… Un de mes confrères de Sama publie un article vantant les mérites de Ai Toma, qui se termine par ceci : « Pour conclure Ken Akamatsu nous livre ici, comme à son habitude, un très bon manga débordant de bonne humeur et de légèreté. »

Et le petit FFenril voit son traumatisme se réveiller.

UN TRES BON MANGA ?

AI Toma est une DAUBE. Une belle daube bien grasse les enfants, le genre qui vous fait dire « Ah ouais, il en est quand même passé par là » avant de détourner les yeux et de prétendre ne pas connaître cette partie du passé de votre auteur préféré. Que faut-il pour en arriver là ? Constater que AI Toma est une espèce de croisement bâtard et sans inspiration entre Ah! My Goddess et Video Girl Ai, le tout saupoudré d’un humour proprement navrant et d’un dessin fort moyen.

Ou, dit en raccourci, c’est de la MERDE.

Nan, sérieusement. Les débuts de Akamatsu, c’était pas beau à voir. Avec ses concepts complètement repompés et ses personnages à la limite du plagiat (Hitoshi = Keichi, Satie = Belldandy, Tweenie = Urd, Fortie = Skuld) et ses histoires répétitives. D’aucuns diront que c’est identique au début de Ah My Goddess… Ouais, mais Fujisawa n’a pas tout été recopier. Alors oui, AI Toma s’améliore un peu au fur et à mesure des tomes, mais le tout est au mieux médiocre. Déjà que pour pas mal, l’humour de Love Hina ne faisait pas mouche, alors imaginez le massacre…

Alors oui, AI Toma s’améliore un peu. Au fur et à mesure des 8 tomes, Akamatsu commence à montrer quelques signes qui font deviner qu’il pondra plus tard Love Hina. Le dessin devient (très très) progressivement plus agréable, une ou deux histoires font sourire, Akamatsu arrête de montrer son héros en train de dégobiller… Mais honnêtement, voudriez vous vous taper 8 tomes très médiocres pour découvrir ça ?

La seule chose qui vaille véritablement le coup dans AI Toma au final, ce sont les couvertures de la nouvelle édition (qui est celle sortie un peu partout dans le monde), qui permettent de refiler plus facilement ce bousin moche en l’enduisant d’une petite couche de vernis… Forcément, Akamatsu a dessiné ces nouvelles couvertures bien plus tard, en terminant Love Hina. Bien plus facile dès lors, de refiler ça aux quelques naifs qui sortent de l’oeuvre la plus célèbre de l’auteur…

Parce que celles d’avant, elles étaient vraiment trop hideuses.

Allez zieuter les quelques bons artworks sur internet. Et évitez AI Toma un manga qui se vautre sur tous les plans. Fiou, exorciser ses démons, ça fait du bien.

(Et sinon, Lux ayant écrit le 2000e commentaire de ce site sur cet article, il gagne le droit d’avoir un lien géant vers son site dans ce paragraphe, ho ho ho)

Ookami to Kôshinryô, en anglais Spice & Wolf, est une série de light novels à succès débutée en 2006 par Isuna Hasekura, qui a depuis donné naissance à deux séries animées (et une OVA introduisant la seconde série) et une série de mangas.

Tous narrent la même histoire : Le marchand ambulant Kraft Lawrence trouve un jour une jeune fille nue dormant dans son wagon… Et cette jeune fille se révèle être Holo, la déesse-louve protectrice de la moisson du village dont il sort. La donzelle, à la queue et aux oreilles de loup fort visibles, rêve de rentrer dans sa contrée natale, loin dans le nord. Commence alors le voyage de nos deux protagonistes…

Qu’est-ce que Spice & Wolf ? Un récit de fantasy dans un monde moyen-ageux qui n’a que très peu en commun avec ce que l’on voit d’habitude : Bien loin des récits héroïques de valeureux héros affrontant des périls toujours plus incroyables, les aventures d’Holo et Lawrence sont un habile mélange d’économie et de comédie sentimentale, (« moéconomie »).

Lawrence est un marchand, voyez-vous, pas un chevalier en armure ! Point de combats mais des négociations, point de destin épiques mais des ruses pour gagner plus d’argent, point de demoiselle en détresse mais une compagne de voyage fort taquine avec lui.

Et la recette marche, et marche même sacrément bien, notamment grâce à la relation qui se lie entre les deux protagonistes, bien plus raffraichissante que les amourettes prudes auxquelles nous habitue un peu trop l’animation japonaise. La grande histoire du voyage de Holo et Lawrence se découpe en petites histoires (correspondant aux tomes du romans) introduisant chacun de charismatiques nouveaux personnages et des histoires mettant en scène un nouveau principe économique… Tout en cultivant la relation entre Holo et Lawrence. Et on ne s’en lasse pas, bien au contraire.

Bref, suivre les voyages de Holo et Lawrence et leur relation de « couple » se révèle être un plaisir, et je ne peux que vous conseiller de partir avec eux sur la route de Yoitsu.

Mais… sous quel format ?

Le roman, tout d’abord, est disponible aux Etats-Unis aux éditions Yen Press dans une édition à la traduction de qualité qui tente comme possible de préserver la manière de parler un peu particulière de Holo. Tout serait parfait dans le meilleur des mondes si… Dans un choix d’édition assez peu compréhensible, Yen Press n’avait pas décidé de supprimer la jolie couverture japonaise illustrée par Jû Ayakura pour la remplacer par euh… Ca :

Une photo photoshopée à la va-vite dans l’espoir d’atteindre un public plus large qui pourrait être trompé et ne pas comprendre que ce qu’il tient en main vient d’un de ces vulgaires trucs de japonais pour les ados… Sauf que à l’instant où la personne qui voudra l’acheter ouvrira le bouquin, elle tombera nez à nez avec le reste des illustrations de Jû Ayakura, en couleur au début du bouquin et un peu partout en noir et blanc dans le livre… Un choix à moitié assumé qui a levé une petite polémique chez les fans, qui se sont rabattus sur les différents moyens d’obtenir la « vraie » couverture, via l’achat en d’un magazine ou par exemple le site RightStuf. En espérant que l’opération sera répétée pour les prochains romans… En attendant, si vous êtes tentés maintenant, il est probablement trop tard pour cette opération, et vous devez vous contenter de la couverture ricaine.

Quoi qu’il en soit, le roman est, forcément, de par sa nature, parmi les trois manières de découvrir Spice & Wolf, celle qui vous permettra d’avoir le plus d’informations sur le monde dans lequelle se déroule cette histoire, le plus de détails sur les manières de penser et de faire dans ce monde. C’est aussi celle où le rythme est le mieux posé et où l’on peut le plus tranquillement prendre le temps de comprendre par quel astuce comptable Lawrence va se sortir de sa prochaine négociation avec un profit, et est donc peut-être la plus compréhensible… Bien entendu, comme on pouvait s’en attendre de l’oeuvre originale.

Cependant, le roman d’Isuna Hasekura est peut-être aussi la version où l’on est le moins charmé par les personnages et l’ambiance de l’histoire, même si c’est par les illustrations de Jû Ayakura que l’on a découvert pour la première fois la charmante Holo…

Sinon, vous avez la possibilité de tenter le manga, Illustré par Keito Koume, déjà à l’origine des adaptations de Uta-Kata ou du (soupir, quel gachis) Kujibiki Unbalance de 2006.

Il adapte avec fidélité l’histoire de Isuna Hasekura… Avec la particularité de donner à Holo un look très « loli ». Certes, elle est décrite dans le roman comme semblant très jeune, mais des 3 versions, la Holo « manga » l’est clairement le plus… Ce qui ne l’empêche pas d’être toujours absolument charmante et très bien rendue par le mangaka. Le manga ne se presse pas et prend le partir de dévoiler très doucement son histoire, adaptant le premier roman en un peu plus d’une quinzaine de chapitres : Un rythme paisible plus qu’appréciable et tout à fait dans l’esprit de la série, plus qu’appréciable quand on pense aux dizaines d’adaptations baclées qui se retrouvent chaque années dans les rayons.

Le trait de Keito Koume sert aussi particulièrement bien l’ambiance de l’oeuvre, son crayonné rendant particulièrement bien l’impression de traverser des villes, maisons, auberges vieillissantes dans un monde ancien… En revanche, Koume a aussi la particularité de rendre les traits du visage, particulièrement des hommes, très anguleux, et les expressions des personnages sont parfois chez lui très, voire trop prononcés ou étranges. Cependant, dans tous les cas, grâce à ses qualités précédemment énoncées, le manga de Spice & Wolf mérite au moins autant le coup d’oeil que le roman, et le premier tome sera disponible aux USA dès avril 2010.

L’anime enfin… Est probablement la manière de voir Spice & Wolf. Ses génériques lancinants, ses endings mignons tout pleins donnent déjà le ton, mais une fois face aux épisodes… Spice & Wolf prend véritablement une autre dimension grâce au duo de doubleurs derrière les protagonistes Holo et Lawrence, à savoir Ami Koshimizu et Jun Fukuyama (Kallen et Lelouch dans Code Geass), dont l’association fait des merveilles. Koshimizu en Holo est particulièrement géniale, tant elle fait briller le personnage : Taquine, moqueuse, bougonne, poivrote, flirteuse, Holo, dans sa version la plus « agée » (comprendre : 20 ans), canalyse simplement absolument tout l’intérêt du spectateur, et suivre le couple Lawrence/Holo est simplement un régal dans cette version.

Cette version est d’ailleurs celle qui diverge un peu plus des romans, sur le plan de l’histoire, prenant quelques libertés par rapport au romans originaux : De nouveaux personnages (Chloé) ou nouvelles histoires (l’OVA 0) sont introduites… Rien de bien incroyable, mais cela reste bon à noter.

L’animation, produite par IMAGIN pour la première série, a été reprise par Brain’s Base pour Spice & Wolf II… Et Brain’s Base s’est attelé à travailler sur ce qui passionnait le plus les fans : Holo, son animation, ses expressions, quitte à sacrifier un peu de la qualité des dessins de la série sur les plans à moyenne distance… Et ça marche à merveille : La Holo de Spice & Wolf II est encore plus charmeuse, cabotine, fascinante que celle de la première série. On en redemande !

En bref, les séries animées de Spice & Wolf vous sont hautement recommandées, et sont clairement parmi les meilleures adaptations de light novels que l’on a pu avoir ces dernières années. Il reste un élément fort étrange à élucider pour : Là où la première série animée adaptait les romans 1 et 2, la seconde série adapte les romans… 3 et 5, sautant complètement les événements du 4e roman. Et c’est problématique, dans la mesure où le voyage de Lawrence et Holo est à sens unique et où adapter le roman 4 après le 5 créerait de grosses incohérences dans une probable 3e série… Un Spice & Wolf Gaiden ou OVA en vue, ou un oubli délibéré à combler avec le manga et/ou les romans ? Dans le second cas, ce serait fort dommage.

Toujours est-il que la première série Spice & Wolf est déjà disponible aux USA et que sa découverte vous est fortement recommandée ! Et oui, les USA, les USA, je sais, mais aucune sortie de Spice & Wolf n’est prévue en France actuellement… Allez pétitionner chez vos éditeurs préférés ? (S’il pouvaient éviter des affaires comme ça, ça serait mieux)

En espérant vous avoir donné envie de partir en voyage pour Yoitsu en compagnie de Holo et Lawrence…

(Merci à Tetho, qui parle très bien de tout cela durant nos discussions et/ou skouetchs, et qui a commandé plein de tomes 1 chez RightStuf :))

Dance in the Vampire Bund est la dernière production du studio Shaft (en parallèle avec la 3e série toute mignonne toute pleine de bon moe, Hidamari Sketch) estampillée Akiyuki Shinbo, même si le réalisateur vedette du studio ne fait probablement pas grand chose sur Vampire Bund tant on y sent peu sa patte.

Une mini polémique a accompagné la diffusion du premier épisode de la série… En effet, au lieu d’adapter directement le manga, l’anime de Dance in the Vampire Bund prend des grandes libertés et s’éloigne du scénario original, à la demande du mangaka Nozomu Tamaki. L’anime de Dance in the Vampire Bund va donc narrer une histoire globalement identique mais au déroulement différent.

Si le résultat était fantastique, bien évidemment, il n’y aurait pas de polémique… Mais le remplacement de l’introduction des personnages par un épisode 1 consistant majoritairement en une parodie de talk show, ça déçoit forcément ceux qui s’attendaient à des explosions dans tous les sens. On aime ou on déteste, mais j’ai toujours trouvé personnellement que la recherche d’une nouvelle interprétation de la série lors du passage en animation est une bonne chose étant donné que cela permet de découvrir l’oeuvre d’un autre point de vue… Et que cette introduction à la série était des plus originales qui soit. (Si un vampire me lit, je voudrais bien qu’il vienne pimenter le Questions pour un champion de demain)

Toujours est-il qu’au second épisode, Dance in the Vampire Bund n’a pour attirer le spectateur qu’un pitch moyennement attirant : Des vampires pas très jolis, un character design pas vraiment fameux (mais déjà une amélioration agréable comparé au manga) et des personnages pas très intriguants… Sauf un, l’héroïne de dix ans d’aspect physique qui s’amuse à se balader à poil dans des scènes au goût questionnable. Mouais. Le talk-show éveillait plus la curiosité.

Alors, quand le générique, Friends, s’est lancé au début second épisode, je ne m’attendais certainement pas à me retrouver fasciné à ce point. Ce n’est pas qu’il soit particulièrement original, c’est juste qu’il est parfaitement monté. La scène qui se déroule sur une très jolie chanson d’une chanteuse à la voix profonde est intriguante en elle-même, alors qu’elle montre le héros apparemment à la recherche de quelque chose dans des endroits sombres, alors que chaque nuance dans la musique se ressent à l’écran, où s’affichent des images de fleurs…

Et lorsque le héros trouve l’héroïne, arrive alors une magistrale scène où l’héroïne (toujours à moitié nue) danse et tourbillone à toute vitesse, éclairée d’une lune argentée pendant que son animation est des plus fluides et est toujours aussi parfaitement accordée à la mélodie qui s’accélère, alors que les images sont devenues plus claires, d’un jaune-sepia contrastant encore plus avec les fleurs pourpres s’affichant ensuite à l’écran, pour un enchantement visuel certain…

Je suis fasciné, vraiment… Qu’une scène qui aurait pu être de fort mauvais goût (mauvais goût que l’on retrouve d’ailleurs par la suite dans l’épisode) puisse être rendue aussi jolie. Chapeau bas pour le travail de Shaft sur cet opening, qui mérite probablement son propre focus dans un sakuga dump de manganimation (Parce que je suis incapable de trouver tout seul qui a bien pu travailler dessus)

Ceci dit, à part ça, Dance in the Vampire Bund ? Bah, des vampires (très) moches, un loup-garou, et un pitch toujours moyennement attirant, même si une histoire avec des vampires révélant leur existence aux humains peut toujours se révéler sympathique. Ceci dit, il est intéressant de voir, avec Vampire Bund, Shaft faire enfin autre chose que des comédies (romantiques ou non), et  la présence de quelques personnalités sur cet anime font qu’on peut en espérer un petit quelque chose : Akiyuki Shinbo certes, mais aussi Hiroyuki Yoshino, qui a à son palmarès la composition de pas mal de séries Sunrise récentes (de Gundam SEED à Code Geass en passant par Mai-Otome ou, hors de chez Sunrise, Macross Frontier) et a donc la capacité de rendre une série soit ridiculement fun, soit… Juste ridicule. On notera d’ailleurs de manière intéressante que le monsieur bosse également actuellement sur So-Ra-No-Wo-To.

En tout cas, ne serait-ce que pour l’opening et son épisode 1 décalé, Dance in the Vampire Bund mérite un coup d’oeil, et si elle offre ensuite à son spectateur une histoire intéressante (lire : la loli à poil, ça va deux minutes, mais on peut espérer que la série n’a pas que ça à offrir…), ça sera tant mieux. Sans oublier que cette série est tout de même proposée, avec Durarara!!, en simulcast en France par Dybex ! En espérant que cette bonne surprise de la part de l’éditeur que l’on pensait un peu dans les choux ne se transforme pas en mauvaise blague pour eux… Parce que la loli à poil là, elle est vraiment trop abusée pour que, si elles la remarquent, les associations de bien pensants de France ne lui déclarent pas la guerre.

Depuis une dizaine de jours, dans la sphère otaku, c’est la guerre. Une guerre fractricide, au sujet de cette nouvelle série, première production Anime no Chikara, nommée So-Ra-No-Wo-To (Ou Sora no Oto, soit « Les sons du ciel »). Pourquoi ça ? Parce que So-Ra-No-Wo-To ressemblerait à K-On!.

Horreur, malheur, branle-bas de combat, trolls et contre-trolls… Pourtant, tout avait si bien commencé. Lors de l’annonce du projet en juillet 2009, ce qui avait été dévoilé de So-Ra-No-Wo-To, c’est uniquement ce très joli artwork de Mel Kishida :

So-Ra-No-Wo-To s’annonçait donc comme une série originale mettant en avant des thèmes à priori originaux, musique et guerre (mêlés autrement que dans Macross bien entendu), et cette petite production du studio A-1 Pictures déjà à l’origine de l’adaptation animée de Kannagi aurait pu, et peut-être dû, au final n’être que ça : La première production originale d’un projet ayant pour objectif la création de productions originales. Sympathique, mais pas assez pour faire le buzz.

Sauf que, lors de la diffusion des premiers visuels de l’anime, on s’aperçoit que le character design d’Akai Toshifumi rappelle fortement quelque chose… Donc allez, c’est parti, faisons le point :

Oui So-Ra-No-Wo-To a un character design ressemblant énormément à celui de K-On!

Non So-Ra-No-Wo-To n’est pas une copie de K-On! au pays des militaires.

Réveillez-vous, messieurs-dames. L’identité (et pas seulement graphique) d’une série ne se limite pas à son character design. Au cours de son premier épisode, So-Ra-No-Wo-To a mis en avant, et, si je puis me permettre, avec brio, un monde très joli, s’inspirant des villes espagnoles que les créateurs ont visité, ce qui est on ne peut plus visible lorsque l’héroïne l’explore et que l’on découvre son architecture. Dans cette ville, se mêlent tradition et légendes, le tout mis en exergue par des représentations graphiques pertinente (ces peintures !) et une ambiance sonore vraiment particulière (ce français !) durant leurs présentations.

Et ce qu’en ont retenu la majorité des spectateurs ? K-On! au pays des militaires trompettistes, parce que euh, les characters designs se ressemblent, et qu’il y a de la musique.

Je ne dis pas que So-Ra-No-Wo-To sera la bombe de l’année ou même de la saison (je suis d’ailleurs pour l’instant plus attiré par Durarara!!). Je dis qu’il est bien dommage que le jugement de pas mal de spectateurs de la série ne soit assombri parce qu’ils ont passé leur temps à comparer cette série avec K-On!.

Et au passage… Avec tout ce cirque autour de la ressemblance de So-Ra-No-Wo-To avec K-On!, les vrais gagnants pourraient bien être les producteurs de la série et Anime no Chikara… Imaginez un instant que la So-Ra-No-Wo-To ait eu un character design tout autre. Même en étant une série de qualité raisonnable, elle n’aurait probablement pas fait autant parler d’elle. Au lieu de ça, aujourd’hui, la plupart des otakus qui ont vu K-On! (c’est à dire énormément au vu du nombre monstrueux de Blu-Rays de la série écoulés au Japon) vont au moins s’intéresser rapidement à So-Ra-No-Wo-To.

C’est peut-être au final ça la conclusion : Tout ce foin autour du character design de So-Ra-No-Wo-To aura certainement été dommageable pour l’identité de la série… Mais si ça peut lui permettre d’avoir une meilleure exposition, alors, à n’en pas douter, que ça soit pour Anime no Chikara ou pour les futures ventes de Blu-Ray de la série… C’est un sacré bon coup.

(Ouais ouais, rien d’écrit depuis des semaines et des semaines, méchant FFenril, tout ça…)

Chers amis otakus. Aimez-vous chanter ? Moi j’aime chanter ! J’adore les karaokés et chanter comme un fou les thèmes de séries diverses et variés, je passe mon temps à fredonner mes thèmes préférés, et si on était sur le Macross et que j’étais une demoiselle, je m’inscrirais sûrement pour le concours de miss Macross afin de voir mon talent reconnu par tous, comme la légendaire Lynn Minmay ou le moe blob Ranka Lee ! (… Nan c’est une blague, soyez gentils, n’allez pas m’inscrire à la nouvelle star, merci)

Alors pendant les conventions, au milieu des énormes réductions, des jeux funs, des concours de toutes sortes et des lots à gagner… Le karaoké reste toujours mon activité préférée. L’occasion de s’en donner à coeur joie avec les amis, de donner toute notre passion en hurlant DIVIDING DRIVEEEEEEEEEEEEEEEEEEEER ! sur Yûsha-oh Tanjô (GaoGaiGar), de chanter Last Regrets (Kanon 2006) de manière virile et intense, d’admirer le joli clip de Snow Angel (tout en tentant désespérément de ne pas perdre ses cordes vocales en tentant d’imiter les tons aigus impensables de KOTOKO), je montre que je connais bien mes classiques en gueulant comme les autres sur X et je demande mon opening perso inconnu qu’il y a que moi qui chante dans la salle.

Les karaokés, c’est le pied.

Cependant, depuis quelque temps, il m’est apparu un fait fort étrange : Certaines personnes ne s’en sortent pas avec les karaokés.

En effet, en durant l’année 2009, année du cancer (et de ta mère), j’ai eu plusieurs expériences de karaoké… Ma foi fort étrange.

Etant donné que je garde foi en mes compères, voici donc un léger point sur le fonctionnement d’un karaoké :

1- Un clip vidéo se lance. Ce clip vidéo est accompagnée d’une musique.

2- Peu de temps après, un chanteur ou une chanteuse commence à, fort logiquement, chanter. Jusque là, pas trop dur.

3- Votre mission, votre SEUL et UNIQUE *DEVOIR*, est de chanter les paroles affichées à l’écran.

3 bis – ATTENTION ! Les paroles affichées à l’écran sont composées de syllabes qui sont habituellement mises en évidence au moment où elles doivent être prononcées dans la chanson. VOUS DEVEZ PRONONCER CETTE SYLLABE.

3 ter – La prononciation de cette syllabe doit effectuée conformément à la langue dans laquelle est la chanson. Cette règle est absolue. Oui, même pour les chansons dans des langues barbares et même pour les langues inventées ! Je me fiche que votre chanson soit chantée en Zentradi ou soit la dernière invention de Yoko Kanno/Gabriela Robin, vous chantez bien !

De ces règles simplissimes, on peut donc déduire la règle finale, et la plus importante…

CHANTEZ VOS PUTAINS DE CHANSONS CORRECTEMENT DANS LA BONNE LANGUE ET ARRETEZ DE FAIRE CHIER VOTRE MONDE EN GUEULANT DES PAROLES FRANCAISES AU DESSUS DES PAROLES JAPONAISES.

*hum*

Ce texte part bien sûr de la supposition que vous n’êtes pas un analphabète ou un illettré. Et veuillez noter que je ne suis pas en train de vous demander, comme un odieux élitiste prétentieux, de ne chanter que les versions japonaises de vos génériques préférés. Le sadomasochisme est une pratique qui semble pratiquée fort couramment chez les amateurs de japanimation, et apparemment certaines personnes semblent grandement préférer les chansons de Mikuni Shimokawa quand elles sont interprétées par Valérie Uzan (ou Anaïs Nyl, je ne remercie pas celui qui a su me préciser ça). Qui chante ma chanson préférée en français. En changeant complètement le sens des paroles. Et en chantant faux. Soit.

Ces fautes de goût seules devraient vous faire mériter la pendaison par les tripes après avoir été forcé de regarder School Days en boucle pendant 666 ans.

Mais je ne vous demande même pas de devenir des personnes dignes d’être considérées comme des êtres humains. Vous voulez votre remix pourrave français de Hikaru no Go ? Chantez-le, tous les goûts sont dans la nature, il y a même des gens qui demandent à chanter Kaidoku Funou parfois ! (J’ai toujours soupçonné ces personnes d’avoir de vouer une haine féroce à la race humaine d’ailleurs). Mais dans tous les cas…

Ne soyez pas stupides au point de faire chier tout le monde pour vous faire bien marrer (Je vous invite à aller mourir non-stop dans le jeu Epitanime de Néant Vert si vous persistez dans votre connerie) et CHANTEZ LA VERSION AFFICHEE A L’ECRAN. Demandez votre opening en français si vous voulez le chanter en français. Demandez le en italien, en turc, en breton, en valencien si ça vous chante ! Mais arrêtez de créer ces putains de cacophonies débiles.

De cette manière, on vous tabassera seulement pour vos fautes de goût, pas parce que vous emmerdez le monde.

Ceci était un message du bureau pour la prévention des meurtres de masse en convention de japanimation, en collaboration avec les bureaux pour l’exécution des connards qui emmerdent leur monde pendant les karaokés, et pour l’étranglement des connards qui mutilent Sore ga, Ai Deshou. Veuillez diffuser nos messages de prévention.

C’est avec un plaisir incroyable que je souhaite… Un très joyeux anniversaire à FFenril.info, qui a fêté ses 4 ans ce 31 décembre 2009!

Oui bon, aussi, bonne année 2010 à tous, tout ça.

En espérant que l’année 2010 sera meilleure pour les animes que l’année 2009, au moins au niveau du nombre de productions originales. Dans tous les cas, pour ma part j’attends avec impatience de voir ce que donneront les productions du projet Anime no Chikara, mais aussi des beaux projets comme Katanagatari, ou Gundam Unicorn, ainsi qu’une pléthore de films déjà sortis sur le territoire nippon (Gurren-Lagann Ragan-Hen, Summer Wars, ou alors ENFIN Evangelion 2.0, ou, avec beaucoup moins d’impatience, Macross Frontier) ou à venir (Haruhi no Shôshitsu, Higashi no Eden, Mahô Shôjo Lyrical Nanoha The Movie First ou Fate/stay night Unlimited Blade Works)…
Et, bien sûr, la série culte avant même son premier trailer, K-On! 2.
(Non, cette liste n’était pas une liste exhaustive des trucs les plus importants de l’année, ne m’engueulez pas parce que j’ai oublié Mudazuno Naki Kaikaku ou autre)

Et sinon, la bonne résolution que je ne tiendrai pas est bien entendu qu’en 2010, je ferai en sorte qu’il y ait plus d’articles de manière régulière sur FFenril.info ! :)
(Bon sans rire, s’il y a des gens que ça intéresse, le style rédactionnel ici changera ptet un tantinet parce que de l’inspiration, y en a plus sinon)

Sur ce, bonne année 2010 à vous, meilleurs voeux, vous pouvez maintenant retourner dévorer les restes du réveillon en jouant avec la Fender pour gaucher que vous avez reçu à Noël :)
Moi je vais aller pleurer avec mon Arm Slave, POURQUOI KYOTO ANIMATION, POURQUOI ? FULL METAL PANIC BROTHERHOOD AAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAAH

Chers amis,

Le temps est venu ! Enfin, après tout ce temps, c’est avec une grande fierté un tantinet de honte que je vous annonce que, avec un retard incroyable, le 4ème Skouetch (En mettant à part le mini-skouetch) est disponible !

Avec plus de 3 mois de retard et à l’époque des bilans de l’année, retrouvez notre bilan de… L’été (quoi, c’est toujours ça), et venez entendre nos doux débats et nos voix suaves 100% garanties saturées grâce à nos micros de diverses qualités.

Au programme du Gay-On! K-On!, du Queen’s Boobs Blade, du Mazinger, du Saki, du Full Metal Panic Alchemist Brotherhood, du Higashi no Eden (nous vous incitons à tabasser le propriétaire de Meido-Rando à l’écoute de ce passage), du Ookami to Kôshinryô II (Holooo), du Canaan (un anime qu’il est mauvais), du Umineko no Naku Koro ni, du Candy Boy (mais pourquoi Candy « BOY » ?), du Suzumiya Haruhi no Yûutsu 2009 (même qu’on ne se répète pas 8 fois !) et du Weiss Survive. Et puis des coups de coeur de tout le monde, mais ça double la liste donc tant pis.

Tout cela présenté par Mereck, et en compagnie de Axel Terizaki@Meido-Rando, Enthousiaste@Enthousiasme , kardhafi@Legendmoon, Mereck@L’autre bout, nyoro no roy’n@Hourai Neetwork, Tetho@<pub>Anime-janai.com, qu’il vient d’ouvrir et qu’il est tout beau</pub>, Yuki@BakOtak et moi-même.

Et c’est promis, la prochaine fois on essaiera de ne pas avoir des mois de retard…

www.skouetch.net

Et comme d’hab, les commentaires sont désactivés ici, allez nous dire qu’on est des bouseux qui doivent s’acheter des micros (on prend les dons) là bas.

Étiez vous déjà passionné par les animes il y a maintenant 8 ans quand ont commencé les aventures de Mahoro à la télévision ? Moi, c’est sûr que non. Mahoromatic est pourtant devenue une série emblématique du début des années 2000 (à plus ou moins juste titre), en marquant quelques âmes (sensibles ?) jusqu’au plus profond de leur être… On se demande toujours comment.

Car Mahoromatic et Mahoromatic ~Motto Utsukushii Mono~, séries diffusées fin 2001 puis fin 2002, narrant l’histoire de l’ex-androïde de combat Mahoro Andô qui a décidé de se reconvertir en maid et de vivre paisiblement au service d’un jeune garçon pour les 398 jours qu’il lui reste à vivre, ne sont pas vraiment rentrées dans les annales de l’animation japonaise grâce à leur qualité. Le plus marquant était probablement le fait que Mahoromatic était une série complètement bipolaire, oscillant entre une comédie légère des plus agréables (oppai missile!) et une partie sérieuse des plus… Insipides. Le tout était d’ailleurs terminé par une Gainax End complètement hors de propos, qui tuait complètement le spectateur, et pas dans le bon sens, s’il y en a un.

Tout le concept de Mahoromatic reposait sur ce double aspect léger/sérieux : Chaque épisode, quel que soit son thème, rappelait au spectateur la mort prochaine de Mahoro, et ce même si le drame de l’épisode avait consisté en un débat sur la manière de faire gonfler en volume la taille des seins de jeunes demoiselles. Pas forcément une mauvaise idée au départ, mais bien mal géré. L’histoire de Mahoromatic s’est terminée, mal, et si on pouvait regretter l’agréable compagnie du doux personnage de Mahoro et son « ecchi nano wa ikenai to omoimasu! » (« Les trucs cochons, c’est mal! »), il était néanmoins bon que la série finisse enfin au vu de la chute vertigineuse de la qualité du scénario.

Alors en 2009, personne, absolument personne, ne s’attend à ce que Gainax ne remette le couvert… Et pourtant en août sont annoncés 2 TV spéciaux portant le nom de Mahoromatic Tadaima Okaeri, se situant quelque part dans la chronologie de la deuxième série. Et on se demande bien pourquoi faire revenir Mahoro maintenant pour une side-story, surtout après un Summer Special pas vraiment plébiscité après la fin de la série… Entre 2 projets, quelqu’un a été nostalgique et a eu l’idée de commémorer  le bon vieux temps ? (Un projet du même genre a été annoncé pour Abenobashi)

En tout cas, quelle que soit la raison qui a poussé ce retour de la maid androïde sur le petit écran… On ne peut que s’en réjouir. Parce que ce Mahoromatic Tadaima Okaeri est un pur bonheur pour qui a vu (et tout de même un minimum apprécié) la série originale, et ce pour une simple et bonne raison… La nostalgie.

Une nostalgie sur laquelle les 2 épisodes jouent à fond, du début à la fin. Faisant oublier comme un mauvais rêve la fin de l’histoire de la série, dès l’opening, le ton est donné : Mahoro est enfin de retour. « Okaeri, okaeri, okaeri, okaeri » (très traduit rapidement par « bon retour chez nous! ») sont affichés à répétition durant l’opening à chaque fois que Mahoro croise l’un de ses amis, avant qu’elle ne déclare « tadaima » (« je suis rentrée ») une fois arrivée chez le héros de la série, Suguru Misato. Simple, mais pas moins touchant. C’est bête, vraiment, mais ça fait mouche. L’ending est d’ailleurs tout autant dans l’esprit des séries, chanté une nouvelle fois par les personnages secondaires représentés en SD mignonne comme tout.

Quand aux épisodes, il reprennent la recette du « bon » Mahoromatic : Un peu de comédie (légère et prêtant juste à sourire), un peu de fanservice, un peu de combats (très sympathiques pour ces spéciaux, je vous invite à aller consulter le très bon article dédié de manganimation.net pour  plus de détails), un peu de romantisme (dans la limite du temps disponible) et quelques instants d’amère tristesse alors que Mahoro pense à sa fin qui se rapproche de plus en plus. Et puis on finit dans une note de bonne humeur, juste assez pour donner envie de voir les épisodes suivants… Et on se rappelle que Tadaima Okaeri, c’est déjà fini. Avec juste le bon dosage pour rappeler les bons souvenirs.

Honnêtement, si vous n’avez pas vu Mahoromatic, ce n’est pas une série que je vous conseillerais (contrairement à d’autres). Les trops grandes faiblesses de son histoire couplées à une plus que moyenne dans les parties sérieuses en font un anime à deux vitesses,  qui, même si elle amuse son spectateur durant sa première partie, ne tient pas ses promesses et déçoit incroyablement avec sa fin en carton.

En revanche, si vous connaissez déjà Mahoro, n’hésitez pas : La voir de retour pour 2 nouveaux épisodes est un pur bonheur.

Pour finir, trivia : Aux Etats-Unis, voulant probablement surfer sur le succès d’autres séries, ADV a sorti un box complet de Mahoromatic sous le nom… « Mahoromatic – Full Metal Maid« . Comme si avec Panic, Alchemist et Jacket on n’en avait pas déjà assez…