Il fut l’un des plus grands, il inspira des générations de chanteurs, mais aujourd’hui, Bad Blake n’est plus que l’ombre de lui-même. De salles de concert miteuses en motels de seconde zone, Bad ressert sans flamme ses anciens succès aux derniers fans qu’il fait se déplacer. Quand sa route croise celle de Jean, une jeune journaliste locale, Bad retrouve goût à la vie. Mais il doit puiser dans ce qu’il a de plus précieux – sa musique – pour éviter de se laisser rattraper par ses vieux démons, l’alcool et l’autodestruction.

Voilà, c’est fait : Jeff Bridges a enfin reçu un Oscar. Généralement quand un acteur ou un réalisateur talentueux reçoit son Oscar après plusieurs nominations infructueuses, c’est pour réparer une erreur et non récompenser son récent travail (l’oscar de Martin Scorsese, anyone…). Mais fort heureusement, ce n’est pas le cas ici puisque Crazy Heart est un des meilleurs films de Bridges. Et quand on connait sa très bonne filmographie, ce n’est pas rien.

Il interprète une ancienne gloire de la country, devenu alcoolique et enchainant les concerts dans des bars miteux (ça aussi ça plait beaucoup à l’académie). Pourtant, s’il y’a bien une chose que même les alcooliques remarquent, ce sont les jolies femmes. Sa rencontre avec la journaliste interprétée par Maggie Gyllenhaal va donc tout changer. Et à partir de là, le scénariste/réalisateur Scott Cooper s’est mis en mode automatique et on voit tous venir la fin à des kilomètres.

Mais à vrai dire, peu importe. Crazy Heart est un film d’acteurs où la performance compte plus que le scénario. Et le moins que l’on puisse dire, c’est que c’est très réussi. Jeff Bridges fait des miracles, comme à son habitude. Maggie Gyllenhaal reste fidèle à elle-même (putain de famille d’acteurs doués…). Et même Colin Farrel s’intègre bien à l’ensemble, malgré sa queue de cheval ridicule. Tous réussissent l’impossible : nous faire apprécier un film sur une star de la country. Ce genre musical, très prisé par les Américains, reste encore méconnu chez nous. C’est donc un véritable défi relevé par le film qui, avec sa très bonne bande originale, peut facilement servir d’introduction au genre.

Bref, si on passe outre l’histoire un peu prévisible, Crazy Heart offre une autre vision d’un comeback avec des acteurs parfaits. Et c’est déjà pas mal.

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Lorsqu’à seize ans, Precious apprend à lire et à écrire dans une école alternative, un monde nouveau s’ouvre à elle. Un monde où elle peut enfin parler, raconter ce qui l’étouffe. Un monde où toutes les filles peuvent devenir belles, fortes, indépendantes. Comme Precious…

À première vue, Precious est un film que j’aurai facilement pu détester. Lee Daniels met un tas de problèmes sur le dos de son héroïne et ne se fixe aucune limite. Precious est donc obèse, pauvre, illettrée, violée à plusieurs reprises par son père (pendant que sa mère regarde, sinon c’est pas fun), mère de deux petits enfants dont un est handicapé, et ça ne s’arrête pas là. Rien n’est épargné à ce personnage atypique. À tel point qu’il m’est arrivé de me demander si tout ceci n’était pas une blague. Une sorte de parodie pas drôle des frères Wayans, avec Marlon interprétant Precious dans un costume en latex. Pourtant, l’intérêt du film réside ailleurs. Sous la couche de misérabilisme se cache l’histoire simple d’une jeune fille qui voudrait être plus belle, plus mince, plus blonde aux yeux bleus.

Et c’est la que Gabourey Sidibe, la jeune actrice récemment nominée aux Oscars, fait des miracles. Tout le lourd passé de son personnage se ressent dans son regard, mais elle laisse aussi place à l’espoir. L’espoir d’un jour vivre avec ses enfants et son prince charmant, l’espoir d’enfin apprendre à lire. Malheureusement, ces rares moments sont gâchés par une réalisation beaucoup trop tape-à-l’oeil. Daniels enchaine des effets visuels amateurs, gâchant totalement l’imagination de Precious. Qu’à cela ne tienne, le casting viendra plusieurs fois à la rescousse du réalisateur, celui-ci ayant clairement démontré son but : faire pleurer dans les chaumières pour s’assurer un max de récompenses.

Malgré ces défauts, force est de constater que Daniels à atteint son but. Bien qu’exagérée, l’histoire de Precious reste touchante. Les acteurs s’occupent du reste, avec des performances très justement saluées. Gabourey Sidibe, Mo’Nique, Paula Patton et même Mariah Carey, toutes font un travail formidable. Et c’est bien là le principal.

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Tales from the Golden Age se compose de quatre histoires courtes liées entre elles par leur état d’esprit, leur structure narrative et leur contexte historique : la seule marque de voiture qu’on voit partout dans les rues, c’est la Dacia, fabriquée en Roumanie ; tout le monde survit en volant l’Etat ; il faut obéir aux ordres du Parti même s’ils sont illogiques et absurdes. Les gens semblent abattus, pourtant au fond d’eux, ils sont en vie. Ce qu’ils désirent, c’est aimer et être aimés.

Mû par ces récentes et nombreuses récompenses, le cinéma roumain n’en finit plus de produire des longs métrages de sa nouvelle garde talentueuse. C’est ici Cristian Mungiu (palme d’or à Cannes en 2007 avec “4mois, 3 semaines, 2 jours”) qui chaperonne 4 jeunes réalisateurs se proposant de revisiter ces petites histoires du quotidien qui sont devenues légendes, puis mythes. Et si la qualité n’est pas au rendez-vous à chaque conte, on peut définitivement se faire une bonne idée de la santé resplendissante de ce cinéma en pleine ascension.

Des 4 histoires proposées, une seule tient réellement la route. Tant au niveau scénaristique, rythmique que de sa réalisation, le premier conte est celui qui donnera le plus envie. Les 3 autres, animés d’une bonne idée, lambinent en chemin et se languissent d’en finir. C’est là tout le paradoxe de ce cinéma: il peut produire du très bon et rapidement dégringoler. Sans se départir pour autant d’une certaine audace, les 4 contes se défendent pas mal face à d’autres productions hollywoodiennes ou encore européennes récentes. Une certaine maturité se fait néanmoins attendre, mais les débuts sont prometteurs.

Tentez donc l’aventure et un dépaysement total, Tales from the golden age charmera par un éclectisme parfait au niveau de la bande-son, un casting qui ne manque pas de piment et des réalisations qui n’ont pas froid aux yeux. Les 4 contes, d’une réelle qualité scénaristique, ont quelques pépites à offrir, même si pour cela, vous deviez prospecter à vous en briser le dos!

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Actor in a Supporting Role

• Matt Damon pour Invictus
• Woody Harrelson pour The Messenger
• Christopher Plummer pour The Last Station
• Stanley Tucci pour The Lovely Bones
• Christoph Waltz pour Inglourious Basterds

Best Animated Feature

• Coraline
• Fantastic Mr. Fox
• The Princess and the Frog
• The Secret of Kells
• Up

Music (Original Song)

• Crazy Heart : T-Bone Burnett, Ryan Bingham(« The Weary Kind »)
• Faubourg 36 : Reinhardt Wagner, Frank Thomas(« Loin de Paname »)
• Nine : Maury Yeston(« Take It All »)
• The Princess and the Frog : Randy Newman(« Down in New Orleans »)
• The Princess and the Frog : Randy Newman(« Almost There »)

Writing (Original Screenplay)

• The Hurt Locker : Mark Boal
• Inglourious Basterds : Quentin Tarantino
• The Messenger : Oren Moverman, Alessandro Camon
• A Serious Man : Joel Coen, Ethan Coen
• Up : Bob Peterson, Pete Docter

Short Film (Animated)

• French Roast
• Granny O’Grimm’s Sleeping Beauty
• La dama y la muerte
• Logorama
• Wallace and Gromit in ‘A Matter of Loaf and Death’

Documentary Short

• China’s Unnatural Disaster: The Tears of Sichuan Province
• The Last Campaign of Governor Booth Gardner
• The Last Truck: Closing of a GM Plant
• Królik po berlinsku
• Music by Prudence

Short Film (Live Action)

• The Door
• Istället för abrakadabra
• Kavi
• Miracle Fish
• The New Tenants

Makeup

• Il divo
• Star Trek
• The Young Victoria

Writing (Adapted Screenplay)

• District 9 : Neill Blomkamp, Terri Tatchell
• An Education : Nick Hornby
• In the Loop : Jesse Armstrong, Simon Blackwell, Armando Iannucci, Tony Roche
• Precious: Based on the Novel Push by Sapphire : Geoffrey Fletcher
• Up in the Air : Jason Reitman, Sheldon Turner

Actress in a Supporting Role

• Penélope Cruz pour Nine
• Vera Farmiga pour Up in the Air
• Maggie Gyllenhaal pour Crazy Heart
• Anna Kendrick pour Up in the Air
• Mo’Nique pour Precious: Based on the Novel Push by Sapphire

Art Direction

• Avatar : Rick Carter, Robert Stromberg
• The Imaginarium of Doctor Parnassus : Anastasia Masaro
• Nine : John Myhre
• Sherlock Holmes : Sarah Greenwood
• The Young Victoria : Patrice Vermette

Costume Design

• Bright Star : Janet Patterson
• Coco avant Chanel : Catherine Leterrier
• The Imaginarium of Doctor Parnassus : Monique Prudhomme
• Nine : Colleen Atwood
• The Young Victoria : Sandy Powell

Sound Editing

• Avatar
• The Hurt Locker
• Inglourious Basterds
• Star Trek
• Up

Sound Mixing

• Avatar
• The Hurt Locker
• Star Trek
• Transformers : Revenge of the Fallen
• Inglourious Basterds

Cinematography

• Avatar : Mauro Fiore
• Das weisse Band – Eine deutsche Kindergeschichte : Christian Berger
• Harry Potter and the Half-Blood Prince : Bruno Delbonnel
• The Hurt Locker : Barry Ackroyd
• Inglourious Basterds : Robert Richardson

Music (Original Score)

• Avatar : James Horner
• Fantastic Mr. Fox : Alexandre Desplat
• The Hurt Locker : Marco Beltrami, Buck Sanders
• Sherlock Holmes : Hans Zimmer
• Up : Michael Giacchino

Visual Effects

• Avatar
• District 9
• Star Trek

Documentary Feature

• Burma VJ: Reporter i et lukket land : Anders Østergaard
• The Cove : Louie Psihoyos
• Food, Inc. : Robert Kenner
• The Most Dangerous Man in America: Daniel Ellsberg and the Pentagon Papers : Judith Ehrlich, Rick Goldsmith
• Which Way Home : Rebecca Cammisa

Film Editing

• Avatar : Stephen E. Rivkin, John Refoua, James Cameron
• District 9 : Julian Clarke
• The Hurt Locker : Bob Murawski, Chris Innis
• Inglourious Basterds : Sally Menke
• Precious: Based on the Novel Push by Sapphire : Joe Klotz

Foreign Language Film

• Ajami : Scandar Copti, Yaron Shani (Israel)
• Das weisse Band – Eine deutsche Kindergeschichte : Michael Haneke (Germany)
• El secreto de sus ojos : Juan José Campanella (Argentina)
• Un prophète : Jacques Audiard (France)
• La teta asustada : Claudia Llosa (Peru)

Actor in a Leading Role

• Jeff Bridges pour Crazy Heart
• George Clooney pour Up in the Air
• Colin Firth pour A Single Man
• Morgan Freeman pour Invictus
• Jeremy Renner pour The Hurt Locker

Actress in a Leading Role

• Sandra Bullock pour The Blind Side
• Helen Mirren pour The Last Station
• Carey Mulligan pour An Education
• Gabourey Sidibe pour Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
• Meryl Streep pour Julie & Julia

Directing

• Kathryn Bigelow pour The Hurt Locker
• James Cameron pour Avatar
• Lee Daniels pour Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
• Jason Reitman pour Up in the Air
• Quentin Tarantino pour Inglourious Basterds

Best Picture

• Avatar
• The Blind Side
• District 9
• An Education
• The Hurt Locker
• Inglourious Basterds
• Precious: Based on the Novel Push by Sapphire
• A Serious Man
• Up
• Up in the Air

Los Angeles, 1962. Depuis qu’il a perdu son compagnon Jim dans un accident, George Falconer, professeur d’université Britannique, se sent incapable d’envisager l’avenir. Solitaire malgré le soutien de son amie la belle Charley, elle-même confrontée à ses propres interrogations sur son futur, George ne peut imaginer qu’une série d’évènements vont l’amener à décider qu’il y a peut-être une vie après Jim.

Après s’être occupé de Gucci pendant plusieurs années, le génial Tom Ford se penche sur le 7e art en adaptant le roman éponyme de Christopher Isherwood. Le résultat? Un film à l’esthétique ultraléché, mais au scénario parfois trop mou. Visuellement, il faut dire que Ford s’y connait pas mal. Des costumes aux décors, en passant par certains plans quasiment chorégraphiés, tout est mis en scène avec talent. Colin Firth se balade dans une sublime maison, avec des chemises parfaitement repassées, et va jusqu’à ranger son bureau de façon à ce que tous les éléments y soient correctement disposés. Se mêlent également plusieurs références parfois trop poussées, mais toujours bienvenues, comme le faux James Dean, la fausse Brigitte Bardot et l’ambiance Grease sur certains plans. Pourtant, l’histoire de cet homme seul, au coeur brisé suite à un tragique accident, peine à convaincre sous cette couche hautement élégante.

Tom Ford prend son temps avant de faire décoller son histoire. Et ce n’est que lors de l’arrivée de la toujours parfaite Julianne Moore que le film reprend vie. Sans se débarrasser du look 60’s et de l’esthétique qui l’accompagne, Ford réveille son acteur principal et crée une tension sexuelle parfaite entre Colin Firth et Nicholas Hoult. Une tension qui restera malheureusement au stade de l’envie, sans jamais passer à l’acte. Les acteurs se rapprochent jusqu’à se frôler, mais tout est très vite désamorcé. Le spectateur est alors pris pour un con puisque Ford continue, après 1h de film, d’accumuler les sous-entendus sexuels alors que tout le monde a compris depuis bien longtemps.

A Single Man reste donc un joli film, mais doté d’un scénario qui aurait mérité autant d’attention que le côté visuel. Beaucoup trop renfermé sur lui-même, ce premier essai de Tom Ford frustre plus qu’il n’excite. Mais pour une première réalisation, on ne peut que saluer l’audace de l’artiste. En espérant que le deuxième film sera meilleur.

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Guido Contini est le plus grand réalisateur de son époque. Vénéré par les critiques et adulé par le public, il n’a qu’un seul point faible : les jolies femmes !
Tiraillé entre sa sublime épouse et sa sulfureuse maitresse, harcelé par une séduisante journaliste, subjugué par la star de son prochain film, Guido ne sait plus où donner de la tête. Soutenu par sa confidente et sa mère, parviendra-t-il à résister à toutes ces tentations ?

Rob Marshall a toujours aimé Broadway. Depuis ses débuts, en passant par Chicago (vous savez ce film où Richard Gere fait des claquettes), le bonhomme est toujours revenu à la comédie musicale. Pas étonnant donc de le voir se pointer cette fois-ci avec Nine et son juke-box des années 60. Là où Marshall voit un hommage à Fellini, il n’y a rien de plus qu’un “Ghost of the Girlfriends Past” en musique! Triste vision de ce que le Maestro avait réalisé comme Chef-d’oeuvre avec 8 ½ …

Tout le film se base sur un homme qui n’a plus de script et l’on se demande bien vite si cet homme n’est pas Rob Marshall lui-même. Cette inspiration italienne ne lui vaut rien et ne ressemble à rien. Fellini a monté un monstre de subversion, de mysoginie. Marshall quant à lui à juste de quoi aligner 5 pauvres actrices flétries (les filles, dites merci au technicien lumière de vous avoir pourri votre image) et sans saveur. Toutes ont oublié leur talent au vestiaire et celles qui n’en avaient pas avant d’arriver ne peuvent même pas se cacher derrière celles qui en ont un tant soit peu.

Kate Hudson fait pitié, ses yeux de biche implorant le chasseur de lui coller une balle en plein front. Judi Dench chante en français, rien que ça ruine sa performance. Sofia Loren, pour le peu qu’on la voit, n’a pas pris beaucoup de risque (on ne lui en voudra pas). Nicole Kidman ferait bien de rejoindre son ex-mari et les millions faciles de la scientologie tant son talent semble définitivement brûlé sous les mauvaises lumières du film. Pénélope Cruz est juste une catin sans charme, exaspérante et maquillée comme un transsexuel. Reste Cotillard, fidèle à elle-même, c’est-à-dire extrêmement mauvaise. Aucune phrase ne prend de l’ampleur dans sa bouche et le peu de poésie que dégage son visage est ruiné par sa voix. Ah, oui, et Fergie… Ben, une pute, et pas à 5000$ la nuit, vous me suivez.

Côté homme, Daniel Day-Lewis assure un minimum vital. Très, très loin de sa performance de There Will Be Blood, l’anglais n’enthousiasme pas plus que d’avoir un caillou coincé dans sa chaussure. Mais le pire restera leur accent italien. Tous n’ont jamais mis un pied en Italie, c’est impossible autrement. S’il vous plaît! Aussi mauvais que l’accent du Lt Aldo Raines d’Inglourious Basterds…

Quant à la réalisation, la photographie, les chorégraphies, il n’en faudra pas trois lignes pour en dire plus. Minable résume bien le tout. Rien n’est vrai. Ce film est en carton-pâte et Marshall veut être sûr que tout le monde puisse s’en rendre compte. Passez votre chemin, mes amis et amies. Une fois les paillettes de la bande-annonce estompée, il ne vous restera que celles logées dans vos yeux pour pleurer vos 9 euros de ticket…

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Chantal, Gabrielle et Nelly se rendent au mariage d’un ex à La Rochelle. Elles décident de faire le trajet ensemble. Au cours de cette virée pleine de péripéties, les trois femmes partageront coups de coeur, coups de gueule et coups de blues de la cinquantaine, tout à tout drôles, fragiles et émouvantes…

«J’ai voulu, en faisant ce film, parler de ma mère et de ses amies et leur rendre hommage » déclare le réalisateur Benoît Pétré. Quelle belle attention, non ? Bon, tu le passes à la fête des Mères, on tendra un drap blanc et t’iras chez papy chercher son projo. Comment, ça non ? Tu veux le passer sur grand écran ! Un film d’une génération oubliée ?

Je suppose que c’est comme cela que c’est retrouvé sur nos pauvres écrans Thelma, Louise et Chantal… Roadmovie féminin à la française, ce film se définit par les trois aspects suivants : mal écrit, mal interprété et mal filmé. Oh, bien sûr, c’est facile de critiquer, me direz-vous. On veut des preuves ! Je vous dis : « Tenez ! »

Mal écrit

Quand les ¾ des blagues font références au cul, on n’appelle plus ça de l’humour, mais un spectacle de Bigard. Si la seule préoccupation des femmes de 50 ans est de jouir, qu’elles se louent un gigolo et on n’en parle plus. Pas besoin de deux heures de film pour sortir une analyse sociologique bidon des désirs d’une femme de 50 piges !

L’humour, on ne peut pas toujours y accrocher. Peut-être, mais pour une comédie, c’est dur ! Le reste n’est qu’un enchaînement de plans soulignant des effets se voulant drôle et des situations équivoques puériles dites et montrées parce qu’à 50 ans, y a pas que la libido qui baisse apparemment. Le final se devine après exactement 10 minutes, montre en main.

Mal interprété

Aligner Jane Birkin, Caroline Cellier et Catherine Jacob, ça le fait peut-être à Paris, mais passé le périph’, ça craint ! Il n’y a pas l’once d’une direction d’acteur, ni de répétition d’ailleurs. Elles ont à peine plus de talent que la vieille DS qui leur sert de véhicule. Les actrices ne proposent aucune intention pour renouveler des personnages usés tels que la garce, la cruche et la naïve. Les rares moments qui touchent à l’intimité sont bâclés avec une aisance rare par Benoît Pétré himself ! À noter la performance honteuse, une fois de plus, de ce cher Thierry Lhermitte. L’homme qui n’est bon qu’à montrer sa bite…

Mal filmé

À croire qu’en France, si l’on voit un script de 3 femmes mal dans leur peau, le fric s’allonge tout seul et personne ne checke si le gars sait tenir une caméra ou pas. Parce que le Benoît, il vient juste de découvrir que la petite lumière rouge signifie que ça tourne et donc que tout ce qu’il ne croyait pas filmer est dans la boîte. Et qu’il va devoir monter son film avec ses pauvres prises.

J’arrête là. C’est une honte, tout simplement.

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1954. Teddy Daniels et Chuck Aule enquêtent sur la disparition d’une patiente échappée d’un hôpital psychiatrique à sécurité maximale. L’hôpital en question est basé sur Shutter Island, une île située à environ une heure au large de Boston.

Peut-on vraiment se planter en adaptant un roman de Dennis Lehane? En trois adaptations et autant de réalisateurs différents, Hollywood a réalisé un sans-faute. Que ce soit dans le Mystic River de Clint Eastwood ou le Gone Baby Gone de Ben Affleck, jamais un auteur n’avait eu autant de chance et de talent au service de ses oeuvres. Signant la quatrième collaboration entre Marty et Leo (ouais, on est très proches), Shutter Island ne déroge pas à la règle. Au contraire, il élève le niveau pour mieux se classer aux côtés de ce qu’on appelle les chefs-d’oeuvre. Et ouais, rien que ça.

Dès les premières minutes, le ton est donné. L’arrivée sur Shutter Island se fait sur une musique qui en fait des tonnes. On va assister à quelque chose de grand, nous voilà prévenus. Et effectivement, tout ou presque semble être bigger than life, à commencer par la réalisation. Martin Scorsese se sent pousser des ailes, se faufilant partout sur l’île. D’une grotte sombre au sommet d’un phare, sa caméra colle à DiCaprio, filmant sa lente plongée dans la folie. Pour l’entourer, un casting de rêve interprète avec sobriété des rôles marquants. Évidemment, DiCaprio étant au centre de l’histoire, il vole un peu la vedette à ses collègues. Mais cela ne les empêche pas de briller chacun à leur tour. Chapeau donc à Mark Ruffalo, Ben Kingsley et au reste du casting.

De mémoire de cinéphile, il faut remonter très loin dans le temps pour trouver un film traitant de la folie avec autant de talent et de justesse. Il est en effet facile d’interpréter la folie, en gesticulant dans tous les sens comme la plupart des acteurs le feraient. Mais la direction que prend le film de Scorsese se rapproche d’un de mes films préférés, à savoir Shock Corridor. Là vous vous dites surement que mes goûts, on s’en branle un peu, sauf que Shock Corridor est également un des films préférés de Scorsese. Et en voyant son Shutter Island, il est difficile de ne pas y voir un hommage au chef d’oeuvre de Simon Fuller. La construction de l’histoire, sa lenteur (que certains auront vite fait de critiquer) et son ambiance en font une version moderne d’un classique que je ne peux que vous inviter à regarder.

Je m’étalerais encore avec plaisir sur Shutter Island, devant lequel j’ai pris un pied incroyable (ce qui ne m’était pas arrivé depuis très longtemps), mais je risquerai de vous gâcher la surprise plutôt que de vous donner envie. Alors avant d’en finir, sachez juste que Shutter Island n’est PAS UN FILM À TWIST. On n’est clairement pas chez M. Night Shyamalan et à vrai dire, si vous ne voyez pas venir la fin à des kilomètres, c’est que votre QI n’est pas bien élevé. Non, ce qui rend Shutter Island aussi intéressant, c’est la performance de DiCaprio et la folie qui d’abord l’entoure et puis grandit en lui. Je pense très franchement que le film s’apprécie au fil des visionnages et le fait d’en connaitre l’histoire m’a sans doute aidé à sortir de cette attente vaine afin de savoir le pourquoi du comment en fin de film. Shutter Island n’a rien à voir avec des films comme Identity. Et ça méritait d’être dit.

Sur ce, ne vous laissez pas rebuter par les 2h30 du film et foncez dans les salles. Vous m’en direz des nouvelles.

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Sur plus de vingt ans et d’un continent à l’autre, Mary et Max raconte l’histoire d’une relation épistolaire entre deux personnes très différentes : Mary Dinkle, une fillette de 8 ans joufflue et solitaire, vivant dans la banlieue de Melbourne, en Australie, et Max Horowitz, un juif obèse de 44 ans, atteint du syndrome d’Asperger et habitant dans la jungle urbaine de New York.

Mary and Max risque fort de passer inaperçu dans nos salles. Pourtant, ce film d’animation d’Adam Elliot vaut vraiment le détour. Avec ses personnages attachants et son univers si particulier, ce film est un véritable bol d’air frais dans un cinéma d’animation parfois trop enfantin ou loufoque. En mettant en avant une histoire d’amitié atypique et très jolie, entre une petite fille sans amis et un juif new-yorkais de 45 ans, le réalisateur sort des sentiers battus pour mieux nous surprendre.

À travers l’échange permanent de lettres se construit le passé et le futur de ces deux personnages. Leurs doutes, craintes et autres petits plaisirs de la vie sont couchés sur papier sans aucune honte. Mary et Max se livrent pour mieux se connaitre et se découvrir, à une époque où internet et les autres moyens de communication n’existaient pas. Elliot aborde avec humour des thèmes rarement abordés en animations, comme la dépression, le suicide et la différence sans jamais alourdir le film.

Mary and Max est une histoire fraiche et légère que je vous conseille chaudement. Car sous la grisâtre des décors se cache une histoire simple et franche comme on en voit rarement au cinéma.

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1961, Angleterre. Jenny a 16 ans. Elève brillante, elle se prépare à intégrer Oxford. Sa rencontre avec un homme deux fois plus âgé qu’elle va tout remettre en cause.

Malgré sa traduction française classique, An Education aurait très bien pu s’appeler « Tout ça pour ça ». Après tout, on connait le talent des distributeurs français pour traduire des titres de façons totalement ridicules. Mais cette fois-ci, ils l’ont joué aussi classique que le film. An Education devient Une Éducation… où « Tout ça pour ça » donc.

Car le film de Lone Scherfig, bien que très léché visuellement, est totalement inutile. La direction d’acteur est plutôt bonne, le casting est solide, la photographie est réussie. Mais on se fait royalement chier pendant une heure et demie et ça, c’est rarement bon signe. Regarder An Education, c’est un peu comme visiter un musée sans jamais pouvoir approcher les tableaux pour y déceler les coups de pinceau, les couches de peinture, les courbes et les détails. On se tient à l’écart, les mains dans le dos et là aussi, on s’emmerde. Scherfig enfonce un nombre impressionnant de portes ouvertes sans jamais se remettre en question. Et ce jusqu’à plomber son film. Le double sens du titre est un bon exemple. Oh, l’éducation sérieuse de la jeune Jenny (Carey Mullligan, cependant parfaite) est confrontée à une autre éducation, celle de la vie. Waw, profond avec ça…

Et ce n’est pas le mini twist de fin de film, lui aussi totalement inutile, qui viendra nous sortir de notre demi-sommeil. Premièrement, car il est beaucoup trop téléphoné, mais surtout, car ce qui en découle est complètement stupide. Pour ne rien vous dévoiler (vous ne savez pas ce que vous ratez), je me contenterai d’un « tout ça pour ça ». Et la boucle est bouclée. Dommage, l’ambiance était assez chouette…

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