Depuis la fin de ses études à l’Université des Beaux Arts et de Musique de Tokyo, Takashi Murakami revendique la pratique d’un art japonais autonome et analyse la manière dont celui-ci peut se démarquer face au modèle occidental. Faussement joyeuse, elle s’inspire avant tout des dérèglements du monde moderne depuis Hiroshima.

Ses œuvres cristallisent la nouvelle subculture de Tokyo, puisant directement ses sources à la fois dans la peinture japonaise historique et dans l’imagerie manga, qu’il détourne ou amplifie sur des thèmes où émergent des questionnements souvent absents des bandes dessinées japonaises.

Il est probable que le Versailles de mon imagination corresponde à une exagération et à une transformation de mon esprit jusqu’au point d’être devenu une sorte de monde irréel à part entière. C’est ce que j’ai essayé de saisir dans cette exposition.

Murakami Versailles, Takashi Murakami
Jusqu’au 12 décembre
Lieu : au Château de Versailles, Place d’Armes, 78000 Versailles
Horaires : Tous les jours, sauf lundi de 9h à 18h30 (jusqu’à 17h30 dès le 1er novembre)
Tarif : 13,50€, gratuit pour les moins de 18 ans

Trois années se sont écoulées depuis Foley Room, le dernier album d’Amon Tobin. Pourtant les expérimentations sonores du prodige brésilien frappent toujours autant les esprits.

Album incontournable dans la progression rythmique et la sophistication mélodique d’Amon Tobin, Foley Room s’enrichi aujourd’hui d’une préquelle de choix avec la vidéo réalisée par Charles de Meyer (aka Chuck Eklectric) pour le titre Esther’s.

Loin de s’éteindre, Amon Tobin nous conduit une nouvelle fois à explorer de nouvelles variations avec application et passion. Tendance organique.

23 août 2009, Prague. Plusieurs dizaines de fans de Radiohead s’arment de caméras pour filmer l’intégralité du concert donné par le groupe.

Une salle saturée d’objectifs c’est autant d’angles de vue différents et un résultat forcément stupéfiant. A tel point que Thom Yorke et sa bande ont décidé de participer à l’aventure en offrant gracieusement l’enregistrement audio de ce concert.

Deux heures de films amateurs, une vingtaine de titres, un an de travail. Le live est aujourd’hui disponible ici ou là.

Plongée au cœur d’un groupe à l’énergie inépuisable.

Auteur de toutes les campagnes publicitaires pour la Maison Chanel, il est l’auteur de plusieurs livres de photographies dont les récents La beauté de la violence et Métamorphoses d’un Américain. Caché derrières ses intemporelles lunettes noires, il regarde et saisit le monde et la mode avec l’œil de l’appareil.

La Maison Européenne de la Photographie propose de découvrir son travail en deux temps : une première partie dévoilant ses clichés mêlant portraits, images de mode, et photographies plus personnelles, tandis que la seconde partie livre ses réflexions et expérimentations autour du tirage.

Au delà de son travail de créateur, l’homme tient aussi les rênes de la librairie parisienne de photographies 7L, située au-dessous de son studio personnel. La sélection de livres exposée reflète les passions personnelles du Kaiser, un mélange d’ouvrages rares et classiques.

Parcours de travail, Karl Lagerfeld
Du 15 septembre au 10 octobre 2010
Lieu : à la Maison Européenne de la Photographie, 5/7 rue de Fourcy, 75004 Paris
Horaires : du mercredi au dimanche de 11h à 20h
Tarif : de 3,50€ à 6,50€

Un an après sa mise à disposition au format numérique, l’objet se révèle au public dans une version disque / livre collector accompagnée de photos originales de David Lynch, indispensable pour les collectionneurs et les fétichistes du maître du social surréalisme.

Mystifié par les ténors de la scène musicale indie, The Flaming Lips, Gruff Rhys (Super Furry Animals), Jason Lytle (Grandaddy), Julian Casablancas (The Strokes), Black Francis (Pixies), Iggy Pop (The Stooges), James Mercer (The Shins), Nina Persson (The Cardigans), Suzanne Vega et Vic Chesnutt, Dark Night of the Soul rend hommage à la griffe inimitable de l’écriture de Mark Linkous, décédé depuis.

Album choral obscur et étincelant, Dark Night of the Soul peut assurément aider à se détourner du tourment de l’âme humaine et sa difficulté à atteindre Dieu, expression prononcée par Saint Jean de la Croix, en écho au titre si symbolique du disque.

Sa sensibilité à l’environnement citadin fait de lui un « peintre de la vie moderne » attaché aux mots dans l’art, à l’objet, aux reflets. Ses œuvres génèrent des sortes d’ovnis à l’image de Proteus IV, le robot du film de Donald Cammell, qui se fabrique un corps géométrique à partir d’un cube ayant la faculté de se mouvoir dans l’espace en se déployant en formes pyramidales.

Si chez beaucoup de photographes la sculpture est virtuellement présente dans la façon de creuser l’espace, de jouer avec les modèles, de cadrer l’architecture, chez Platéus les photographies, les graffitis en néons, les patchs, renvoient à la sculpture comme rêve d’une image parfaite.

Phantom Works, Frédéric Platéus
Jusqu’au 31 juillet 2010
Lieu : à la Galerie Marion Meyer Contemporain, 3 rue des Trois Portes, 75005 Paris
Horaires : du mardi au samedi de 11h à 19h
Tarif : entrée libre

Stéréo, symétrie, dialectique : à travers la multiplicité des techniques et des approches stylistiques, le projet vise à révéler l’énergie qui habite ces artistes, mais aussi leurs interrogations, leurs ambiguïtés ou leurs paradoxes. Le projet se propose de prendre le pouls de la sensibilité artistique émergente en France, d’en marquer les points de rencontres et de divergences et de participer à son rayonnement sur la scène artistique internationale.

La formule, bien que séduisante, est périlleuse. Toute exposition monographique ou thématique trouve son unité dans son propos : découverte d’un artiste dans un cas, réflexion historique, sociologique ou esthétique dans l’autre.

Un projet comme Dynasty, en revanche, s’expose à un écueil de taille : à vouloir montrer la multitude, on risque de sacrifier la pertinence et l’intérêt. En découvrant une succession d’œuvres sans homogénéité, on est tenté de rester en surface, en jetant des coups d’œil ici et là sans sonder chaque travail avec l’attention qu’il mériterait. Un patchwork peut-il faire office d’étendard ?

Dynasty
Jusqu’au 5 septembre 2010
Lieu : au Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris et au Palais de Tokyo, 11 et 13 avenue du Président Wilson, 75016 Paris
Horaires : du mardi au dimanche de 12h à 18h (le jeudi jusqu’à 22h)
Tarif : de 6€ à 9€

Dominique Tarlé connu par tous les fans comme étant le seul photographe à avoir vécu avec les Rolling Stones, lors de l’enregistrement d’Exile en 1971 dans le Sud de la France, à la célèbre Villa Nellcôte. Venu saluer son ami Keith, et passer une journée à la Villa, il fut invité à rester et partagea la vie des artistes, exilés fiscaux à l’époque, pendant plus de six mois ; témoignant ainsi de leur vie de famille, de leur quotidien, et de l’enregistrement de l’album.

Quant à Ethan Russell, il commença à photographier le groupe dès 1969, les suivant lors de multiples tournées, vivant à leur côté la tournée américaine de 1972 lors de la sortie de l’album.

Bien que réalisées dans des conditions différentes, les photos de Dominique et d’Ethan se répondent, se complètent; leur bienveillance, leur discrétion, leur simplicité et l’émotion qu’elles dégagent, les rapprochent.

Soul Survivors, Dominique Tarlé et Ethan Russell
Jusqu’au 22 septembre 2010
Lieu : à la Galerie de l’Instant, 46 Rue de Poitou, 75003 Paris
Horaires : du mardi au vendredi de 11h à 19h, le samedi jusqu’à 18h30

Plus abouti que Horehound, premier album massif et décharné, Sea of Cowards est un nouveau brûlot mordant dont l’assaut électrique est enrichi des mélodies qui faisaient défaut à son prédécesseur. Leur secret ? Un disque de rock exalté et spontané enregistré dans l’urgence.

Le groupe continue ainsi sur sa lancée, en approfondissant ce qu’il avait commencé. Même perspective de fin du monde, climat à peine plus festif. Qu’importe, s’endormir sous les douces invectives mortuaires d’Alison Mosshart reste un régal pour celui qui demeure hypersensible à ses braillements lascifs.

Puissant, efficace, indispensable.

Voyages, engagements, couleurs, il y a là des découvertes. Fils d’un émigré juif d’Odessa, en Ukraine, et d’une pianiste juive lituanienne, le temps s’est arrêté sur cette âme forte de la photographie humaniste, comme le démontre cet hommage en 150 images.

Pour lui, la photo est moins une forme d’expression artistique qu’un moyen de communication. Il se considérait avant tout comme un homme de reportage. Il était polyglotte, curieux et ouvert sur le monde. Voilà sûrement l’aspect le moins connu de son travail et la raison d’être principale de cette exposition. Une œuvre abordée à travers 5 thèmes : la rue, le travail, les voyages le corps et sa propre biographie.

J’ai creusé mes sillons avec mon instinct, ma petite honnêteté, chanté ma chanson à mi-voix ; je me suis souvent fait plaisir et cela compense le reste que, par bonheur, on oublie facilement.

Ces instants suspendus, volés au temps recèlent une mélodie qui touche dans l’immédiat. il y a bien souvent dans ces photos une incongruité qui renversent les choses et nous plonge dans l’imaginaire. Une exposition plus intemporelle et poétique que l’ordinaire.

Une poétique de l’engagement, Willy Ronis
Jusqu’au 22 août 2010
Lieu : à l’Hôtel de la Monnaie, 11 Quai de Conti, 75006 Paris
Horaires : du mardi au dimanche de 11h à 19h (le jeudi jusqu’à 21h30)
Tarif : de 5€ à 7€

Le texte libéré par cette sculpture électronique est une génération complexe de mots de 4 lettres prenant en compte sens de la rime, séquençage du texte et association d’idées. Le tout retranscrit dans un arrangement de néons.

La matière sauvage et bestiale générée par l’algorithme mis au point par l’Université de Floride du Sud entre 1976 et 1998 est influencée par une multitude de langues et de perceptions, singulièrement retranscrits dans l’étude de Elliot McGinnies publiée en 1949, Emotionality and Perceptual Defense.

Le thème ? Une jeune femme, polymorphe dans cet exercice, part à la recherche de sa jumelle dans le dédale parisien, que l’on perçoit rapidement comme un personnage à part entière à travers une centaine de clichés.

Voilà donc Rose cherchant dans les rues, les cafés, les cabarets, les musées, le métro, les épiceries. Occasion de multiples photos et de multiples références aux artistes Man Ray, Duchamp, Magritte. Occasion surtout de célébrer Paris. L’atmosphère y est envoûtante, onirique, sensuelle, érotique, en une gradation fétichiste.

Bettina Rheims considère Rose, c’est Paris comme un projet de maturité. Dans ses images, elle dévoile le territoire de ses rêves et une partie de son intimité. Le tout s’accompagne d’une musique d’un Paris intemporel et d’un film tourné par Serge Bramly.

Un propos littéraire ? « La photo est assez littéraire quand on y réfléchit » remarque l’écrivain. « C’est plus proche du poème que du roman. L’originalité de ce travail est que chaque image, chaque scène de film, est comme une scène de fiction dont on ne connaît pas le début, ni la fin. C’est à vous de reconstituer l’histoire. »

Rose, c’est Paris, Bettina Rheims
Jusqu’au 11 juillet 2010
Lieu : à la BNF Richelieu, 5 rue Vivienne, 75002 Paris
Horaires : du mardi au samedi de 10h à 19h, le dimanche de 12h à 19h
Tarif : de 5€ à 7€

Trésor introspectif et rétrospectif, le documentaire d’Emmett Malloy, fan et réalisateur, s’applique à retranscrire l’univers visuel codifié des White Stripes avec minutie et simplicité.

Au Canada, les White Stripes ne font pas la tournée des stades : ils jouent dans des petites salles et, en off, collectionnent les concerts-performances dans des lieux improbables. A Winnipeg, ils jouent dans un bus, entourés de voyageurs hystériques. A Saskatoon, ils jouent dans une salle de bowling. A Halifax, dans un billard. A Charlottetown, sur un bateau.

Under Great White Northern Lights est aussi un triomphe dans la quête permanente de Jack White à démontrer qu’il persiste de la beauté et du romantisme dans les choses les plus simples et les plus spontanées. Son aversion persistante pour la technologie peut paraître obstinée mais une grande partie de la puissance de ce set réside dans son aspect physique.

Une conception esthétique inébranlable dans sa forme la plus minimale.

Toujours chez Record Makers, Kavinsky revient avec nouvel opus baptisé Nightcall. Guy-Manuel Homem-Christo des Daft Punk à la production (un habitué du label puisqu’il a aussi produit le dernier album de Sébastien Tellier) suivit de la machine à turbine SebastiAn au mixage, ces prémices composés de deux morceaux et deux remixes s’avèrent particulièrement savoureux.

L’album se découvre en ligne. A suivre, Pacific Coast Highway, deuxième titre de cette dragée électronique.

Si Beat Takeshi est surtout connu en Europe pour ses films, au Japon, il est reconnu pour ses émissions comiques. L’exposition qu’il a conçue à la Fondation Cartier rassemble les deux versants de son talent.

Gosse de peintre révèle l’univers décalé, fantastique, impertinent, empreint de la nostalgie de l’artiste pour le monde de l’enfance. Passionné par la connaissance et la transmission, curieux de tout, Takeshi Kitano transforme la Fondation Cartier en un parc d’attractions, selon un itinéraire alternant pédagogie, gags, jeux et images. Un univers joyeux, riche, complexe, dont les clés de compréhension s’apprécient à travers l’esprit satirique de son concepteur.

Projet kaléidoscopique dont la dimension autobiographique est évidente, le monde ludique de Beat Takeshi n’est finalement pas tant enfantin que cela, un parcours peut-être aussi un peu philosophique voire initiatique.

Gosse de peintre, Beat Takeshi Kitano
Jusqu’au 12 septembre 2010
Lieu : à la Fondation Cartier pour l’art contemporain, 261 boulevard Raspail, 75014 Paris
Horaires : du mardi au dimanche de 11h à 20h, nocturne le mardi jusqu’à 22h.
Tarif : de 5€ à 7,50€

L’œuvre d’Yves Saint Laurent rappelle plus que jamais que la mode est un instrument de liberté pour les femmes. En 40 ans de création, Yves Saint Laurent a profondément renouvelé les codes vestimentaires, et par là, révolutionné la vie des femmes tout au long de la seconde partie du XXe siècle. En empruntant au vestiaire masculin le smoking, le tailleur pantalon et la saharienne, il vêtit les femmes et fit passer les attributs du pouvoir d’un sexe à l’autre.

S’inspirant de la rue, de ses voyages imaginaires asiatiques et africains et de son dialogue avec l’Art (Mondrian, Picasso, Matisse, Van Gogh), Yves Saint Laurent n’a cessé de servir les femmes ; leurs corps, leurs gestes, leurs attitudes, leurs envies.

Du social à l’intime, son œuvre aura été celle d’un homme habité par le tourbillon des sens, comme un secret chuchoté à l’oreille, un rêve inchangé, un trouble inspiré.

Yves Saint Laurent
Jusqu’au 29 août 2010
Lieu : au Petit Palais, avenue Winston Churchill, 75008 Paris
Horaires : du mardi au dimanche de 10h à 18h
Tarifs : de 5,50€ à 11€

Margaret Durow photographie les instants de sa vie depuis 2005, quand elle a commencé à prendre des clichés de ses amies. Ses photos sont toujours très personnelles. La plupart sont remplies de souvenirs, de mondes imaginaires et d’émotions intimes.

Je pense que mes photos sont une façon pour moi de revenir sur des moments de ma vie, mes sentiments et mes pensées. Mon objectif principal dans la prise de photos est de m’aider à trouver une sorte de bon sens à la vie, le temps, l’amour, et c’est pourquoi je me sens toujours effrayé et nerveuse, excitée et heureuse à la fois.

Margaret Durow étudie actuellement à l’Université de Wisconsin-Madison, où elle envisage de donner corps à sa passion pour la botanique.

Après l’aventure commencée avec La folle et véritable vie de Luigi Prizzoti puis Looking for Mister Castang, Edouard redevient Luigi et nous propose un menu épicé avec réflexion sur l’art théâtral en hors d’œuvre, humour en plat principal et attendrissement au dessert !

La dernière création tout droit sortie de l’imaginaire prolifique de l’histrion en chef et facétieux Edouard Baer a donc pour cadre un restaurant ! Le coeur du cyclone, là où se posent les questions les plus essentielles de notre époque. Et puis les hasards, les hasards des rencontres, des gens qui entrent, qui sortent, qui s’entrechoquent. Le hasard : le sel de la vie.

Edouard Baer, Léa Drucker, Atmen Kelif et toute leur troupe de comédiens nous entraînent dans le doute et l’angoisse des coulisses d’un restaurant, rien ne se perd, tout se mastique. Une histoire où on espère le client, le beurre et l’argent du beurre. Miam Miam, un dernier restaurant avant la fin du monde !

Miam Miam, Edouard Baer et sa troupe
Jusqu’au 13 mars 2010
Lieu : au Théâtre Marigny, avenue de Marigny, 75008 Paris
Horaires : du mardi au samedi à 21h (représentation supplémentaire le samedi à 17h)
Tarifs : de 33€ à 60€

Atmosphère faussement neurasthénique, Delphic joue en équilibre instable. Voix retravaillées, rythmiques répétitives, nappes claires-obscures de synthés, l’état de torpeur apparent n’est que trop nerveux, voué à l’agitation. Les machines sont là pour donner une énergie et une étrangeté supplémentaires à la musique des Britanniques.

La volupté pesante de Delphic ne laisse pas indifférente car saisissante dans son appel au rêve.

Christian Boltanski poursuit depuis près d’un demi-siècle une activité artistique très personnelle où le travail de mémoire se mêle à une recherche sur les mythologies individuelles. Avec Personnes, l’œuvre qu’il a conçue pour le Grand Palais, le plasticien français franchit un nouvelle étape dans l’échelle de ses propositions.

L’installation inédite est conçue comme une expérience frappante, à la fois physique et psychologique, un moment d’émotion qui questionne la nature et le sens de l’humanité. Investissant l’ensemble de la grande nef, Christian Boltanski crée un lieu de commémoration visuel et sonore d’une densité exceptionnelle. L’œuvre engage une réflexion sociale, religieuse et humaine sur la vie, la mémoire, la singularité irréductible de chaque existence, mais aussi la présence de la mort, la déshumanisation des corps, le hasard de la destinée.

Conçue comme une production unique, qui transforme l’ensemble du bâtiment par la création d’une ambiance particulièrement émouvante, l’installation s’offre au visiteur comme un gigantesque tableau animé. Personnes inspire une torpeur froide, violente, douloureuse, angoissante… et toute sa puissance est là.

Monumenta 2010, Christian Boltanski
Du 13 janvier au 21 février 2010
Lieu : au Grand Palais avenue Winston Churchil, 75008 Paris
Horaires : les lundi et mercredi de 10h à 19h et du jeudi au dimanche de 10h à 22h (fermé le mardi)
Tarif : de 2€ à 4€

Oublié, voire discrédité, pendant de longues années, l’Art Nouveau fait l’objet au cours des années 1960 d’une réhabilitation touchant aussi bien l’histoire et le marché de l’art que la création contemporaine. Les origines de ce renouveau sont multiples : les femmes alanguies aux longs cheveux flottant de Mucha trouveront un écho dans la revendication d’une libération du corps féminin, les arabesques délirantes de Guimard, Gaudí ou Van de Velde résonneront avec les expériences hallucinogènes en vogue.

Entre design, illustration et mode, l’exposition explore les correspondances méconnues entre un mouvement esthétique purement formel et sa réappropriation contemporaine, collection à l’influence variée et inattendue.

Art Nouveau Revival
Jusqu’au 4 février 2010
Lieu : au Musée d’Orsay, 1 rue de la Légion d’Honneur, 75007 Paris
Tarifs : de 7€ à 9,50€
Horaires : du mardi au dimanche de 9h30 à 18h (nocturne le jeudi jusqu’à 21h45)

Deux décennies pour s’alléger d’un répertoire musical aussi génial qu’encombrant, une éternité pour faire oublier sa filiation, la mission est fragile et exquise. Charlotte s’offre un collaborateur de prestige en la personne de Beck pour réanimer la beauté vaporeuse laissée en suspens depuis 1986 et la sortie de Charlotte Forever sous tutelle paternelle.

Plus audacieux que 5:55, IRM possède une densité et une richesse musicale qui le rendent attachant. Le ton, les mots, les notes font écho à l’envie de jouer dans le terrain que dominait son père. Un spectre sonore épousant les cordes et les percussions du folk, du blues et de l’électro. Charlotte convainc habilement à dissoudre l’équation familiale.

La vidéo superpose le style photographique de Slimane sur la dynamique et la fluidité des mouvements du danseur. A l’instar de son travail photographique, le designer français exploite toutes les subtilités de lumière pour en révéler son hyperréalisme : dépouillement de la palette noir et blanc, utilisation de l’espace négatif, esquisse des formes.

Puissant et délicat à la fois.

Coincé entre leur dernier album Third paru en 2008 et leur probable prochain en 2010, les bristoliens sortent en cette période de Noël un nouveau single intitulé Chase The Tear.

Plus proche du son expérimental de Third que des deux précédents opus, Portishead nous livre un morceau tout en tension, à la rythmique mécanique que seul vient atténuer la voix toujours exquise de Beth Gibbons.

Cet inédit est disponible en téléchargement sur le site Internet 7digital, les bénéfices sont intégralement reversés à Amnesty International.

Avec pour seul élément de décor, une chaise à roulettes, celle qui aurait permis à Bashung de se déplacer sur scène si le projet d’être partie prenante du show avait pu aboutir, c’est un rock requiem à deux têtes bandantes qui fait la danse du ventre.

Sur la scène, pas de fantaisie : une nuit de lune narquoise en guise d’atmosphère, forcément bleu pétrole. Besoin de rien d’autre. Des corps dans le décor. A eux de propager le parfum de mort et d’amour qui traverse les mots et la musique de Gainsbourg, et l’histoire de la petite garce Marilou, insaisissable shampouineuse qu’un homme « aveuglé par sa beauté païenne » fera disparaître sous la mousse.

Les corps de Marilou et de l’homme à la tête de chou se croisent, se frôlent, se caressent. Violence et érotisme se superposent sauvagement. L’histoire d’amour meurtrière est presque adoucie par la voix de Bashung.

La collaboration posthume Gainsbourg / Bashung est sans équivoque : majestueuse et immortelle.

L’Homme à tête de chou, mise en scène de Jean-Claude Gallotta
Jusqu’au 19 décembre 2009
Lieu : au théâtre du Rond-Point, 2bis avenue Franklin D. Roosevelt, 75008 Paris
Tarifs : de 20€ à 35€
Horaire : 20h30

Retraçant le parcours imaginatif et graphique de Tim Burton, à partir de ses premiers dessins d’enfants jusqu’à la maturité atteinte dans ses films, l’exposition réunit plus de 700 œuvres rarement ou jamais vues : dessins, peintures, storyboards, images d’animation, marionnettes, maquettes, costumes, documents cinématographiques éphémères et une vaste série de films couvrant les 27 ans de carrière de l’artiste conceptuel.

L’exposition explore la façon dont Tim Burton s’est inspiré de la pop culture américaine et a réinventé le cinéma hollywoodien comme l’expression de sa vision unique, influençant toute une génération de jeunes artistes.

Tim Burton
Jusqu’au 26 avril 2010
Lieu : au MoMA, 11 West 53rd Street, New York City 10019
Tarifs : de 12$ à 20$
Horaires : lundi, mercredi, jeudi, samedi et dimanche de 10h30 à 17h30, le vendredi de 10h30 à 20h

Un jour je peignais, le noir avait envahi toute la surface de la toile. Dans cet extrême, j’ai vu en quelques sorte la négation du noir, les différences de texture réfléchissant plus ou moins faiblement la lumière, du sombre émanait une clarté, une lumière picturale dont le pouvoir émotionnel particulier animait mon désir de peindre – j’aime que cette couleur violente incite à l’intériorisation. Mon instrument n’était plus le noir mais cette lumière secrète venue du noir. D’autant plus intense dans ses reflets qu’elle émane de la plus grande absence de lumière. Je me suis engagé dans cette voie. J’y trouve toujours des ouvertures nouvelles.

Pierre Soulages

Soulages
Jusqu’au 8 mars 2010
Lieu : au Centre Pompidou, Place Georges Pompidou, 75004 Paris
Tarifs : de 10€ à 12€
Horaires : tous les jours de 11h à 21h (nocturne le jeudi jusqu’à 23h)

Mais il y a aussi quelque chose de brillant, voire d’impressionnant, chez ce jeune homme de 36 ans… Sa noirceur très esthétique, et finalement très attirante ; son écriture à nu, s’ouvrant sur des abîmes de désillusion ; son raffinement musical, se moquant de la mode.

Et puis il y a ses mélodies, circulaires, tourbillonnantes, qui happent et qui s’enroulent à en donner le vertige. La Superbe est riche de tout cela ; mieux, elle livre de vrais joyaux.

Fini le chanteur propret des débuts, le voici donc plus que jamais sur la brèche, incisif et fragile, qui proclame tout de go « je ne crois plus en rien ». Que ce soit sincère ou teinté de provocation, Biolay interpelle et remue celui qui tend l’oreille.

Son sixième album studio a beau être long, il est magnifique. Traversé par une ambition artistique et un souffle si rares dans la chanson d’aujourd’hui qu’on ne peut que s’incliner.

La Superbe est un journal intime, aux allures de testament sur certains titres, il y a tout ce que son auteur a pu donner de lui même, nulle doute que la tournée qui suivra la sortie de l’album en 2010 sera une rude épreuve pour celui qui a décidé de ne plus prendre un rôle.

Du 13 septembre au 13 décembre 2009, l’artiste français y installe une quinzaine d’œuvres, essentiellement des sculptures, réparties entre la cour d’honneur, la cour royale, les escaliers Gabriel et de la Reine, et les jardins.

Artiste attaché aux perspectives et aux systèmes de construction des représentations, Xavier Veilhan s’est permis de mettre en scène un nouveau tableau dans l’écrin parfait de Louis XIV, une trajectoire fluide et dynamique concentrée sur les rapports d’échelles, les équilibres et les points d’observation. Les œuvres appartiennent pour la plupart au galeriste Emmanuel Perrotin.

Seul, le Carrosse est une commande publique du CNAP et rejoindra la collection du Centre National des Arts Plastiques après l’exposition. Les six chevaux lancés au galop du Carrosse semblent avoir traversé le mur du temps. Inspirée de l’attelage de Louis XIV, pixelisée et réalisée en tôle pliée et soudée, la sculpture est l’attraction du château de Versailles.

Il y a un an, lorsque Laurent Le Bon et Jean-Jacques Aillagon m’ont invité à réaliser une exposition, je ne savais pas à quel point Versailles allait envahir ma vie (…) Mon intervention présentera plusieurs œuvres ou groupe d’œuvres spécialement créées pour l’occasion, en établissant une continuité entre l’histoire du lieu et son existence contemporaine, souligne Veilhan sur son site. Il faut se confronter aux désirs mis en forme par nos ancêtres. Montrer comment nos propres désirs peuvent les prolonger et les compléter, sans innocence, mais avec la fraîcheur des ambitieux. L’art est un outil de vision au travers duquel il faut regarder pour comprendre notre passé, notre présent et notre futur.

Veilhan Versailles, Xavier Veilhan
Jusqu’au 13 décembre
Lieu : au Château de Versailles, Place d’Armes, 78000 Versailles
Horaires : Tous les jours, sauf lundi de 9h à 18h30 (jusqu’à 17h30 dès le 1er novembre)
Tarif : 13,50€, gratuit pour les moins de 18 ans