Educación Musical en Venezuela

Proyecto Alma Llanera

noreply@blogger.com (alfredo447) — Fri, 20 Apr 2012 19:05:00 +0000

El vicepresidente de la República, Elías Jaua, destacó este jueves que, tras la aprobación de 395 millones de bolívares para el proyecto Alma Llanera, se incorporarán 41.170 niños y jóvenes a 275 orquestas de música tradicional venezolana. El anuncio lo hizo durante la puesta en práctica del proyecto en el Centro de Acción Social por la Música, sede principal de las Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles, situado en el Bulevar Amador Bendayán de Caracas. El objetivo de Alma Llanera es crear la Red de Orquestas de Música Tradicional Venezolana. El primer fruto de esta iniciativa es la orquesta Cantaclaro, con 20 músicos, que debutó el 11 de marzo pasado. Jaua refirió que su consolidación y expansión en todo el territorio nacional impactará positivamente en el empleo, puesto que generará 1.375 puestos de trabajo directo y 4.175 de manera indirecta para los maestros de música y constructores de instrumentos. También está contemplado adquirir 41.130 instrumentos musicales, entre ellos arpas, cuatros, guitarras, bandolas, violín y flautas. "En nombre del comandante (Hugo) Chávez y el pueblo venezolano, damos la bienvenida a este hermoso proyecto. Qué bueno que haya sido escogido el día de hoy (19 de abril), que conmemoramos 202 años del inicio del proceso de liberación nacional", para ponerlo en práctica, manifestó Jaua. Refirió que desde el inicio del proceso revolucionario, el presidente Chávez ha considerado la música una forma de engrandecer a la patria, tal y como lo ha hecho el maestro José Antonio Abreu, fundador del sistema de orquestas del país. Por su parte, Abreu destacó que de esta forma se garantiza el estudio de los instrumentos tradicionales, una poderosa alternativa de estudio para dignificar a los niños y jóvenes de bajos recursos económicos. "El proyecto Alma Llanera permite imponer todo el infinito universo de propuestas estéticas que identifica la trayectoria, personalidad e idiosingracia de los pueblos y comunidades, todo expresado desde lo más profundo de su alma". Añadió: "Alma Llanera se propone formar una maravillosa red comunal de coros y orquestas, la cual, junto al sistema coral y los planteles bolivarianos, cubrirá con el manto sublime del sonido a un pueblo que se impone como la potencia músical en el mundo". Tomado de AVN Música, Educación Musical, Alma Llanera.

¿Por qué se nos pega una canción?

noreply@blogger.com (alfredo447) — Sat, 10 Mar 2012 20:14:00 +0000

La música tiene una tendencia a quedarse en nuestra mente. Usted conoce la experiencia: una tonada se mete cual intrusa en nuestros pensamientos y suena, una y otra vez, en un loop interminable. Me ocurrió recientemente y, como reportera científica, pensé en tratar de descubrir por qué.

Rhitu Chatterjee
The World

Hace varias semanas, estaba en casa un domingo por la mañana cuando, sin ninguna razón en particular, tres palabras se metieron en mi cabeza: "Funky Cold Medina".
Ese es el título de una canción del rapero Tone Loc. Me dicen que fue un éxito en la década de 1990, pero yo no la había escuchado hasta la noche anterior, cuando un amigo la cantó en un bar karaoke.
Seguía escuchando la letra: "El frío se apodera del bar, y estoy buscando algo de acción. Pero como decía Mick Jagger, no puedo obtener satisfacción".
Cuando la canción reapareció en mi cabeza, podía oír a mi amigo cantándola de nuevo... y de nuevo... y de nuevo.
La tuve metida en la cabeza durante casi día y medio, antes de que por fin se fuera.
Pero me dejó una pregunta persistente: ¿Para empezar, por qué las canciones se quedan en nuestra mente?
Algo similar le ocurrió hace algunos años a la doctora Vicky Williamson, una psicóloga musical que comenzó a estudiar este fenómeno que le ocurría "con mucha frecuencia".
"Personalmente no podía creer qué poquito había en términos de investigación sobre este fenómeno", confiesa.

Miles de gusanos
Williamson, experta en memoria en el Goldsmith's College de Londres, descubrió que los científicos usan una cantidad de términos para describir el asunto: síndrome de la canción pegada, música pegadiza y picazón cognitiva, o el más común "earworm" (garabato musical en América Latina o gusano musical en España), una palabra que alguna gente malinterpreta.
Williamson colaboró con un programa de radio de la BBC que preguntaba a sus oyentes con qué gusanitos se estaban despertando.
También recolectó más historias y experiencias a través de una encuesta en su sitio en internet, earwormery.com.
La información ha mostrado algunos hallazgos sorprendentes. "Cuando tuve 1.000 canciones de gusanos musicales en mi base de datos, sólo media docena se habían mencionado más de una vez; así de heterogénea fue la respuesta. Es un fenómeno muy individual", afirma.
Ahora tiene registradas más de 2.500 experiencias del gusano musical y aquella individualidad permanece, aunque ocasionalmente cambia, cuando se populariza una película o un programa de TV.
"De pronto tienes a cinco o seis personas reportando la canción de una nueva película, porque la acaban de ver. Cuando comenzamos, una canción del show de la TV estadounidense Glee, titulada 'Don't Stop Believing' llegó al primer lugar", dice.
La psicóloga musical identificó una serie de disparadores que aparentemente habían causado que estas tonadas se metieran en la cabeza de la gente y se quedaran allí.
"El primero es la exposición a la música, que significa que la persona ha escuchado la música recientemente", indica. (No me sorprende. Eso explica por qué se me pegó Funky Cold Medina.)

En la repetición ¿está el gusto?
Otro hallazgo no sorprendente fue que si escuchas repetidamente una canción, es más probable que se te pegue.
Pero a veces las canciones aparecen en nuestra mente incluso cuando no las hemos escuchado mucho. En este caso, algo en nuestro entorno actual podría disparar la memoria.
Williamson experimentó esto recientemente, cuando estaba en su oficina y se fijó en una vieja caja de zapatos.
"Es de una tienda llamada Faith", dice. "Y sólo por leer la palabra 'Faith', mi memoria hizo como un juego de fichas de dominó y finalmente apareció la canción 'Faith' de George Michael. Y se quedó en mi cabeza por el resto de la tarde". Ahora ha sacado la caja de zapatos de oficina.
Otro disparador que identificó fue el estrés.
Una mujer en la encuesta de Williamson dijo que una canción -'Nathan Jones', de Bananarama- se le pegó por primera vez cuando tenía 16 años y estaba rindiendo un importante examen.
"Ahora se le pega esa canción en cada momento de estrés en su vida", comenta Williamson. "Boda, parto, todo".
Hay varias teorías que pueden explicar por qué ocurre esto.
Williamson afirma que los gusanos musicales podrían ser parte de un fenómeno mayor, llamado "memoria involuntaria", una categoría que también incluye el deseo de comer algo después de la idea de que apareció en tu mente. "Un deseo repentino de comer sardinas en la cena, por ejemplo", según dice. O de pronto pensar en un amigo que no has visto durante años.
Hay un par de razones por las cuales esto ocurre con la música, asegura.

Codificación, evolución, canción
"Primeramente, porque la música puede ser codificada de tantas maneras, es lo que llamamos un 'estímulo multisensorial'", dice.
"Esto es especialmente cierto si eres músico, porque uno codifica cómo tocarla, cómo luce en una partitura, y cómo suena.
"En segundo lugar, la música con frecuencia es codificada de una manera muy personal y emocional, y sabemos que cuando codificamos cualquier cosa con connotaciones emocionales o personales, se recuerda mejor en la memoria".
Otros expertos sugieren que la música puede alojarse en nuestra mente por el modo en que los seres humanos evolucionaron.
"Por largos periodos de tiempo necesitábamos recordar información", señala Daniel Levitin, de la Universidad McGill en Montreal, un experto en la neurociencia de la música.
"Información como dónde está el pozo, o qué alimentos son venenosos y cuáles no, y cómo curar heridas para que no se infecten".
Los humanos modernos llevan unos 200.000 años en el planeta, pero el lenguaje escrito puede haber sido inventado apenas hace unos 5.000, afirma Levitin. Así que mediante mucho de la historia humana, la gente memorizó información importante a través de canciones.
Esa práctica continúa hoy en culturas con fuerte tradición oral.
Levitin explica que la combinación de ritmo, rima y melodía ofrece señales reforzadas que hacen que las canciones sean más fáciles de recordar que las palabras solas.
El experto en neurociencia dice que la principal pregunta que le hace la gente acerca de los gusanos musicales es: "¿Cómo los apagamos?".
Levitin ofrece un consejo: "Simplemente piense en otra canción y espere que ésa empuje a la primera".
La doctora Williamson está actualmente tratando de encontrar las mejores "curas" para los gusanos musicales. Dice que la estructura de una tonada podría tener relación con si es útil para desplazar otra.
También está investigando si funcionan estrategias cotidianas, como ir a correr o hacer un crucigrama.
Tanto Levitin como Williamson aceptan que sacarse de la mente una canción no deseada es un alivio. Pero, por supuesto, la canción que lo cure podría terminar siendo la siguiente que se le pegue.

Reportaje adicional de Rob Hugh-Jones

Tomado de BBC Mundo

Música, Educación Musical.

Links for 2012-01-18 [del.icio.us]

Thu, 19 Jan 2012 00:00:00 PST

Blog de mandolina Venezolana
Diseñado para la publicación de partituras de los diversos generos musicales venezolanos que tienen como instrumento principal la mandolina. Para abrir la mayoría de estos documentos, debes tener PDF instalado. Si deseas las tablaturas de las partituras, escribeme y te las hago.

La canción más relajante jamás compuesta: “Weightless”, de Marconi Union

noreply@blogger.com (alfredo447) — Thu, 05 Jan 2012 12:11:00 +0000

320px; height: 130px;" src="http://chrismunoz.files.wordpress.com/2011/12/feeling-relax-now-520x33011.jpg?w=580" border="0" alt="" />El tríó británico Marconi Union, por cierto uno de los más refinados proyectos de música ambient de la última década, aprovechó el 2011 para acuñar una pieza que ha sido considerado como el track más relajante que jamás haya compuesto un ser humano. Apoyándose en terapeutas sonoros, sumergiéndose en un arduo estudio de diversas teorías del sonido, y aprovechando su innegable talento para tejer atmósferas con sintetizadores, estos chicos de Manchester crearon Weightless, la cual ha sido considerada como la canción “perfecta” para relajarse. Incluso, esta pieza se incluyó entre los mejores 50 inventos del 2011 por parte de la revista Time.

Los 8:16 minutos que dura la canción resultan en una disminución del ritmo cardiaco, la presión sanguínea, y la presencia de la hormona cortisol, la cual esta asociada con el estrés. Durante un estudio científico en el que participaron cuarenta mujeres, los investigadores concluyeron que Weightless es, por lo menos, 11% más relajante que cualquier otra pieza musical (neutraliza el 65% de la presencia de ansiedad y relaja un 35% más a las personas que en su estado habitual de descanso). Durante la prueba se evaluaron los ritmos cardiaco y sanguíneo, la respiración, y la actividad cerebral.

Para su composición, Marconi Union recurrió a sonidos generados con guitarra, piano, y sampleos electrónicos de atmósferas naturales. Al inicio de la canción el ritmo corresponde a 60 beats, y va gradualmente disminuyendo hasta 50. Además, los intervalos armónicos, es decir los silencios que separan cada nota, fueron minuciosamente elegidos para generar una sensación de comodidad. “La canción recurre a múltiples principos musicales que probadamente implican un efecto calmante en las personas. Y al combinar estos elementos, de la manera en la que Marconi Union lo logró, dan vida a la canción perfecta para relajar” afirma Lyz Cooper, fundadora de la Academia Británica de Terapia con Sonido.

Y pues que mejor herramienta aural para acompañarnos en este excitante 2012 que esta angelical composición, la cual nos invita, irremediablemente, a practicar la ligereza.

Tomado de Pijamasurf

Musicoterapia, Relajación, Música, Educación Musical.

Mozart y las funciones armónicas

noreply@blogger.com (alfredo447) — Wed, 04 Jan 2012 14:33:00 +0000

Dentro de la armonía tonal, se designan los grados de la escala como cada una de las siete notas que la forman. Por ejemplo, en la tonalidad de Do Mayor: do, re, mi, fa, sol, la y si; en la tonalidad de La menor: la, si, do, re, mi, fa y sol. Y se etiquetan con números romanos: I, II, III, IV, V, VI y VII, respectivamente. Sobre estos grados, se forman acordes por superposición de intervalos de tercera, y cada uno de estos acordes tiene una función dentro de la tonalidad:

I -> Tónica
II -> Subdominante de segundo grado
III -> Tónica de tercer grado
IV -> Subdominante
V -> Dominante
VI -> Tónica de sexto grado
VII -> Dominante de sensible
Toda esta breve explicación que no tiene mayor pretensión que la de servir de introducción, no ha sido más que una excusa para lo que os presento a continuación. Cada una de estas funciones armónicas, por su sonoridad, tienen diferentes caracteres. En los siguientes vídeos, se ponen de manifiesto estos caracteres de forma gráfica: se toman dos obras de Mozart y se van poniendo caras a los diferentes grados por los que pasa la música. Curioso cuando menos.

Tomado de Enchufa2

Educación, Mozart, Música, Educación Musical.

Percussucata: Ecología, Música y Ciudadanía.

noreply@blogger.com (alfredo447) — Tue, 03 Jan 2012 10:51:00 +0000

Profesor aficionado a la batería, Marcelo Capucci decidió un día unir la conciencia ambiental con la enseñanza de la música. Con el Proyecto Percussucata utiliza botellas de PET (Polietileno Tereftalato) y materiales reciclados para construir auténticas baterías y ensambles de percusión en las escuelas públicas en el Distrito Federal (Brasil). Alrededor de 1.200 niños de cinco escuelas han participado en el taller desde que el proyecto comenzó en 2007.

El Proyecto Percussucata consta de tres fases: Una conferencia socio-ambiental, la producción de instrumentos y hacer música. En la primera etapa, los estudiantes asisten a una conferencia sobre la contaminación, el efecto contaminante del PET, el calentamiento global, la clasificación de residuos, el reciclaje y la reutilización de materiales, entre otros. Durante esta conferencia también se habla sobre la historia de la batería e instrumentos de percusión, los cuales toca delante de los estudiantes.

A continuación se presentan algunas alternativas para hacer los instrumentos de percusión: Ganz (botellas de PET llenas de piedras, formando una especie de sonaja), pandereta (botella PET tocada con palos de bambú) y Filomena (botellas de PET tocada con un palo de escoba reutilizada). Así, los estudiantes se van a sus escuelas, donde, en una clase de arte divertida, "producen" sus propios instrumentos, con la ayuda de los profesores.

La etapa final marca el momento más esperado para los estudiantes: la hora de tocar. Bajo la dirección de Capucci y tomando la batería como una referencia visual y auditiva, los estudiantes realizan un grupo de ensambles de percusión. "Armados con su alternativa musical, los estudiantes construyen sus propias experiencias de respeto por los demás, aumento de la autoestima, aprendizaje de la música (el tiempo y el ritmo) y sobre todo una herramienta de socialización a través del juego-sociomusical", explica.

Tomado de OEI (original en portugués)

Educación, Educación Ambiental, Música, Educación Musical.

En Brasil, estudiantes aprenden música con método de grandes artistas.

noreply@blogger.com (alfredo447) — Mon, 02 Jan 2012 11:44:00 +0000

Aprender a tocar la guitarra, el teclado o la batería de la misma manera como lo hicieron los más grandes talentos de la música. O tal vez el uso de botellas de plástico para la fabricación de sus propios instrumentos. En el pasado, la formalidad y disciplina de las puntuaciones de los ejercicios alejó a la generación más joven, ahora aprender música puede ser sinónimo de un aprendizaje más interactivo, informal y dinámico. Sea cual sea la metodología, lo que importa es que los estudiantes interesados en la música aprendan de la manera más divertida posible.

Profesora del Departamento de Música de la Universidad de Brasilia, Cristina Grossi empezó a probar en Brasil en 2008, un nuevo método de educación musical. Desarrollado en Inglaterra por la investigadora Lucy Green, el método se basa en la manera en que la mayor parte de las grandes bandas y músicos aprendieron a tocar sus instrumentos: de manera informal. "El secreto de este método es simple: tocar canciones de oído", dice la profesora.

De acuerdo con Cristina, se observó que en Inglaterra hay un alto nivel de estimulación que los niños cuando están empezando a aprender música, pero en la edad de 14 años, la falta de interés se incrementa en gran medida. Para tratar de cambiar este fenómeno, Lucy Green entrevistó bandas, músicos principiantes, músicos y estrellas de rock ya formadas, durante cuatro años con el fin de averiguar la forma en que aprendieron a tocar. El resultado de la investigación de Green fue una metodología que se basa en cinco principios básicos.

Con estos conceptos en mente, Cristina decidió poner a prueba la metodología de Green en las escuelas brasileñas. Todavía en fase piloto, en el Centro Educativo Paulo Freire, con sede en Brasilia, el proyecto se llevó a cabo con 150 estudiantes. Durante dos meses, estudiantes y profesores exploraron los instrumentos musicales, trabajaron juntos para hacer música por oído y se familiarizaron con las habilidades técnicas de la música.

La metodología consta de siete pasos. Al principio, los estudiantes se dividen en grupos, eligen una canción para tocar por oído y presentar a la clase. De acuerdo con Christina, no es necesario que los estudiantes toquen a la perfección, y mucho menos que se puede tocar toda la canción. El objetivo de este paso es ofrecer a los estudiantes un primer contacto con el instrumento.

En un primer momento, la reacción de los alumnos es peculiar. "La primera pregunta es: no sé tocar un instrumento, ¿cómo puedo lograr tocar una canción de oído?", dice Cristina. Sin embargo, la metodología permite que los estudiantes aprendan unos de otros, descubriendo poco a poco los instrumentos. "Siempre hay alguien en la clase ya sabe cómo tocar la guitarra, la pandereta o la flauta. Entonces el maestro asume el papel de coordinador, organizar la clase e interferir sólo cuando sea necesario ", explica la docente.

El siguiente paso implica el uso de riffs (acordes básicos para cada instrumento). En este momento, explican cuáles son los acordes, interpretado junto con otros elementos que constituyen un cierto ritmo o la música. Con estos antecedentes, los estudiantes van a la tercera fase, que tratará de conseguir otra canción de oído. "Es muy alentador, porque ven que la música se compone de partes de los instrumentos que juntos forman una melodía", subraya.

Luego, un músico de la comunidad es llamado a dar una charla, a decir cómo aprendió a tocar y dar algunos consejos. En la siguiente fase, los profesores enseñan sobre la música clásica, y los dos últimos pasos se dedican a la experimentación, en la que una vez más los grupos tocan e improvisan de oído. En la sexta etapa profundizan sobre música clásica y el último escogen una canción que les gusta.

Tomado de OEI (original en portugués)

Educación, Oído Musical, Música, Educación Musical.

La música mejora el rendimiento académico

noreply@blogger.com (alfredo447) — Sun, 01 Jan 2012 10:33:00 +0000

Trabajo en equipo, compromiso, rigurosidad, llevar objetivos adelante, son algunos de los beneficios que puede entregar la música, la cual mejora notablemente los resultados académicos de quienes la ejercitan.

Diversos estudios han asociado los resultados escolares al entorno, a la familia, a la educación de los padres, a la sala de clases, etc. A esto se agrega la primera investigación chilena que determina la influencia de la música en el desempeño académico, realizada por el economista de la Universidad de Chile, Pablo Egaña.
Para demostrar esta tesis (cuyos tutores fueron Juan Pablo Valenzuela y Dante Contreras), el economista, se internó en los beneficios que entregó a sus participantes, Orquesta Infantil Juvenil de Curanilahue, existente entre 1996 y 2003 y, cuya población presenta altas tasas de cesantía y pobreza (ver recuadro).

En sus inicios, los alumnos comenzaron sin instrumentos, aprendiendo de la movilidad de dedos y manos con simples lápices y clases de teoría musical en abstracto, dejando en claro que cuando se quiere realizar algo, no hay adversidad que lo impida.

En este trabajo, se vio los efectos de la participación intensiva en orquestas infantiles y juveniles (en Chile surgen de la mano del director de orquesta Jorge Peña hace más de treinta años) que comienza en la educación básica y termina en la media, como un elemento relevante detrás de los logros académicos.

Se siguió el rastro de los jóvenes de la orquesta y se comparó con un grupo de control de 70 estudiantes del mismo liceo Polivalente Mariano Latorre que no participaron del proyecto. Siete jóvenes, que rindieron la PSU en 2003: lograron 50 puntos más en Lenguaje y 30 puntos más en Matemáticas que el grupo de control. Ello no sólo les permitió entrar a la universidad, sino mantenerse en ella.

“La participación en las orquestas (pienso que se podrían encontrar resultados similares en teatro) potencia el desarrollo de habilidades no cognitivas: autoestima, trabajo en equipo, tolerancia a la frustración, etc. que generan un impacto en aspectos cognitivos, como son los puntajes en la PSU”, dice Egaña, quien ejemplifica: “Los profesores te cuentan cómo cambia la actitud de los niños en clases: aumenta su participación y están más concentrados, lo que hace que la misma clase sea más provechosa. Es decir, lo que antes el alumno estudiaba en dos horas en su casa, parándose, mirando televisión, etc., ahora puede hacerlo en 30 minutos de manera más concentrada y efectiva”.

El músico, profesor, director de la sede de Concepción de la Fundación Orquesta Juveniles e Infantiles, y mentor de la Orquesta Infantil Juvenil de Curanilahue, Américo Giusti, tiene claro los beneficios académicos: “La música entrega disciplina, un componente vital para obtener logros. Cuando el niño aprende por una experiencia propia es más potente que la vía del premio o el castigo, ya que hace un trabajo y un esfuerzo que tiene una meta y entrega un logro, una realización. Es otra forma de aprender”.

Para el maestro Giusti, si al proceso de aprender un instrumento se suma el incentivo de la familia es aún mejor: "Cuando un instrumento llega al niño, es toda la familia que se abre al disfrute del arte, la cultura y al trabajo duro, cotidiano y de equipo”.

“Este aprendizaje logra resultados desde un comienzo, lo que le entrega al alumno el valor del trabajo y del esfuerzo. Esto trae consigo una autoafirmación del niño, una mejora en la autoestima”, dice Giusti quien no sólo recuerda la parábola de los Talentos para ejemplificar el enorme beneficio que entrega la música, sino también se da el tiempo de relatar la parábola de los Picapedreros, donde unos sólo sienten que pican piedras y otros sienten que construyen catedrales. Con éstas y otras historias como Aquiles y la Tortuga, que entre otras cosas habla de la motivación por el trabajo y el esfuerzo, Giusti dice que el aprender música, además, mejora la continuidad", explica.

“A través del aprendizaje de un instrumento fortalecemos, también, el carácter y la voluntad. En la Fundación que ayudamos a 270 orquestas que se han formado, hemos tratado de cultivar una cierta cultura al mérito, a través de las becas, las cuales las ganan los mejores".

UN DIRECTOR QUE SABE DE ESTAS NOTAS DE ENSEÑANZA

La orquesta de Curanilahue surgió bajo el alero del director, de ese entonces, del Liceo Mariano Latorre, Francisco Ruiz Burdiles, quien -con Giusti- tuvo la visión de que creando una orquesta disminuiría la baja expectativa que tenían sus alumnos frente a su futuro.

Desde su experiencia, nos cuenta los beneficios de la música en el rendimiento escolar: “Entrega disciplina a los estudiantes, incluso en aquellos que no la tienen. En la orquesta Curanilahue, no sólo se logró eso con horas de ensayo, sino también les dio resultados. Se internó en los alumnos el concepto de que vale la pena sacrificarse ya que después hay una retribución y un aplauso”, dice Ruiz.

Este profesor y ex director de ese liceo sureño, no cree que la música sea la única que entrega esos efectos. Es un convencido de que las artes y el deporte también lo hacen, sin embargo la música tiene una estructura que permite una educación más igualitaria: “Los profesores les enseñaban a los niños a tomar físicamente un instrumento, entonces la interacción entre el profesor y el alumno es más cercana. Es ponerse de igual a igual, lo que favorece el aprendizaje y hace que el estudiante tenga un compromiso con el maestro", explica Ruiz, quien agrega: "Participar de una orquesta, además, desarrolla el trabajo en equipo: para tocar una pieza musical hay que hacerlo en grupo”.

Según estudios internacionales, el arte influye para:

* Inducir a ser y sentirse parte de una comunidad o escuela.
* Desarrollar a los estudiantes en áreas que de otra forma no desarrollaría.
* Conectar a los estudiantes con ellos mismos y con los otros.
* Transformar el ambiente de aprendizaje.
* Otorgar una oportunidad para que los adultos (padres, profesores y otros) aprendan de los jóvenes.
* Proveer nuevos desafíos a los jóvenes.
* Conectar las experiencias de aprendizaje a las del mundo laboral, ya que ayuda a aprender sobre el desenvolvimiento y funcionamiento de organizaciones propias del mercado laboral.

Tomado de EducarChile.

Educación, Aprendizaje, Música, Educación Musical.

México reinventa sistema de enseñanza de la música

noreply@blogger.com (alfredo447) — Mon, 26 Dec 2011 20:54:00 +0000

El Programa Musical Esperanza Azteca es un proyecto social operado por Fundación Azteca de Grupo Salinas, que reinventó y hasta mejoró el Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles creados en Venezuela, un ejemplo para el mundo en el tema de educación musical.
“Los métodos evolucionan. Hoy, en un año, Orquesta Esperanza Azteca hace mucho más que cualquiera en el mundo... incluyendo Venezuela”, explicó a El Economista Esteban Moctezuma, director de Fundación Azteca.
“No se trata de decir si es mejor o no, pero hemos mejorado el sistema creado por el maestro José Antonio Abreu, él mismo cuando vino a México se impresionó con los resultados. Ahora, tenemos un sistema sólido que muy rápido va dando grandes resultados”, agregó Esteban Moctezuma.
El año pasado, el programa apenas tenía 23 orquestas (seis de ellas en asociación con el Conaculta) pero hoy, al cierre del 2011, ya existen 50.
Pero todo es posible, comentó Moctezuma, gracias a los apoyos que han recibido de varias instancias, como el gobierno federal, que desde el año pasado aporta 100 millones de pesos al programa.

·¿Ese apoyo provocó algunas críticas?

El dinero es de los niños, no de la fundación… nosotros sólo somos un conducto. Te puedo decir que no hay una instancia pública o privada que haya logrado lo que nosotros en dos años.
El entrevistado aseguró que todo el dinero se maneja de forma transparente por medio de un fideicomiso, no lo maneja Fundación Azteca.
“Cualquiera puede auditar las cuentas... Existe total transparencia”, afirmó.

Moctezuma puntualizó que las críticas que recibieron por obtener dinero público siendo una empresa privada... ya no existen.
“Se dieron pero fueron muy poquitas... pero a todo aquel que tuvo una duda lo invitamos a conocer el proyecto. Hoy saben que debemos de apoyarlo para que crezca, pues es algo urgente para México”, explicó.

Las orquestas son de todos

Para crear una Orquesta Esperanza Azteca se necesita voluntad y recursos “el apoyo del gobierno estatal y de empresarios… pero hemos hecho más con menos”, expuso.
Tener una Orquesta Esperanza Azteca cuesta alrededor de 6 millones de pesos; por eso, el Estado que la tendrá, debe de poner 2 millones de pesos, Fundación Azteca una cantidad igual y el gobierno federal 2 millones más.
“El dinero nos asegura por tres años la continuidad del proyecto. Pero al segundo año, conformamos un patronato (en donde esté la orquesta) que aportara 1 millón de los gastos que se genere”, indicó el entrevistado.
Con la participación del patronato, se asegura que la orquesta continúe si en algún momento se pierde el apoyo estatal o federal.
Sin el apoyo del gobierno federal, estatal y la Iniciativa Privada, Moctezuma aseguró que en vez de 50 orquestas se tendrían tres o cuatro.
“No podríamos trabajar sin esos apoyos... y ellos han encontrado un sistema que ha logrado cumplir sus objetivos sin burocracia y muy eficaz”, agregó.
La manera de financiar el programa es notable, pues se asegura la permanencia de las orquestas Esperanza Azteca.
“El proyecto está diseñado como una mesa de muchas patas; la federal, estatal, privada, la fundación y el patronato… entonces, si una de ellas se desajusta están las otras para seguir adelante y que los niños sigan aprendiendo y tocando”, explicó.

Azteca y el Conaculta, una buena relación

Esperanza Azteca trabaja en conjunto con el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) con el programa Vive con Música.
·¿No se contrapone su labor con lo que hace el Sistema Nacional de Fomento Musical del gobierno?
No, somos complementarios, lo que sucede es que la sociedad está participando más en asuntos que antes era responsabilidad del gobierno.
El Sistema Nacional de Fomento Musical (SNFM) cuenta con un presupuesto de 100 millones de pesos, lo mismo que el gobierno federal le da a programa musical Esperanza Azteca. El programa de Esperanza Azteca aprovecha “los núcleos” que crea el SNFM para captar talento en todo el país.
“Tenemos una gran relación con ellos y estamos haciendo que sus núcleos crezcan a una orquesta y juntos vamos por buen camino”, comentó.
El sueño es tener una orquesta en cada ciudad de México con más de 100,000 habitantes.
“Es decir, queremos crear más de 138 orquestas y coros en un plazo corto y vamos tan rápido que estamos al límite de nuestra capacidad”, explicó Moctezuma. Además, ya se construye la sede de Esperanza Azteca en la ciudad de Puebla.
“Es un lugar maravilloso que se llama La Constancia, una fábrica textil abandonada que estamos rescatando y será la meca de la música clásica infantil”, opinó.
La sede será una escuela, se llevarán músicos y maestros de alto renombre para que impartan clases y conciertos.
“Vamos a arrancar de manera formal en febrero y será un importante espacio musical”, detalló.
Otro de sus proyectos es crear la primera orquesta juvenil Esperanza Azteca y capacitar a esos jóvenes músicos como maestros del propio sistema, lo que al mismo tiempo generaría empleos.
“En menos de dos años vamos a tener una Orquesta Sinfónica Esperanza Azteca Nacional, que será más pequeña de la que tenemos ahora, con los músicos más talentosos, para llevarla al mundo y será el orgullo de México”, enfatizó.

EN NÚMEROS

El programa
50 orquestas Esperanza Azteca existen en México.
6 millones de pesos se necesitan para implementar y sostener a una Orquesta Azteca por tres años.
800,000 pesos se utilizan para mantener a una orquesta.
1 millón de pesos aporta cada patronato.
200,000 pesos puede costar un timbal.

El desarrollo de las orquestas
Zacatecas, Colima y Baja Sur aún no tienen una orquesta.
La primera Orquesta Esperanza Azteca se fundó en Puebla en el 2009.
DF y Puebla cuentan cada uno con cuatro orquestas Esperanza Azteca.
En El Salvador ya existe una orquesta Esperanza Azteca y en Los Ángeles quieren aplicar el programa.

Tomado de El Economista. Credito:
Vicente Gutiérrez.

Música, Educación, Educación Musical, Aprendizaje Musical, Desarrollo Musical, Fundación Azteca.

Aprendizaje Invisible

noreply@blogger.com (alfredo447) — Tue, 20 Dec 2011 17:54:00 +0000

"El aprendizaje invisible es una propuesta conceptual que surge como resultado de varios años de investigación y que procura integrar diversas perspectivas en relación con un nuevo paradigma de aprendizaje y desarrollo del capital humano, especialmente relevante en el marco del siglo XXI. Esta mirada toma en cuenta el impacto de los avances tecnológicos y las transformaciones de la educación formal, no formal e informal, además de aquellos metaespacios intermedios. Bajo este enfoque se busca explorar un panorama de opciones para la creación de futuros relevantes para la educación actual. Aprendizaje invisible no pretende proponer una teoría como tal, sino una metateoría capaz de integrar diferentes ideas y perspectivas. Por ello ha sido descrito como un protoparadigma, que se encuentra en fase beta y en plena etapa de construcción."

Tomado de Aprendizaje Invisible. Hacia una nueva ecología de la educación.

Educación, Aprendizaje, Aprendizaje Invisible, TIC.
Educación, Aprendizaje, Aprendizaje Invisible, TIC.

Concurso Lipdub Inter: Gracias al video de UNET Táchira supe de José Rafael Ramírez Ramos

noreply@blogger.com (alfredo447) — Sat, 17 Dec 2011 00:37:00 +0000

El video donde supe del Ingeniero Industrial José Rafael Ramírez Ramos fue grabado por la UNET como parte del Concurso Lipdub Inter Te invito a verlo:

José Rafael Ramírez Ramos se graduó en la UNET en diciembre de 2010, quedando en la posición 20 por calificaciones académicas de un total de 84 estudiantes graduados. Padece una discapacidad física producto de una parálisis cerebral desde el nacimiento que sólo afecta sus capacidades motrices y de habla, aun así no le impidió formarse académicamente. Ha tratado de comunicarse mediante carta abierta al Presidente Chávez pero aún no ha recibido ayuda oficial.

Dando a conocer su historia, invitando a visitar su página y aportando nuestra colaboración podemos ayudar a que éste muchacho, orgullo nacional, llegue aún más lejos.

Espacios permanentes para el desarrollo cultural endógeno (EPDCUE)

noreply@blogger.com (alfredo447) — Tue, 08 Nov 2011 12:39:00 +0000

Los Espacios Permanentes para el Desarrollo Cultural Endógeno (EPDCUE) surgen para ser insertos en el currículo ya que poseen un mundo rico en saberes y contenidos propios y pertinentes dignos de ser aprendidos y preservados por la escuela, dando cabida al maestro pueblo dentro de ámbito de formación de niños, niñas, adolescentes, jóvenes, adultos y adultas. Es en sus diferentes ámbitos: local, parroquial, municipal, regional y nacional. Toma en cuenta los acervos con que cuenta la comunidad y los reconoce como sujetos preservadores en la cultura, propiciando el desarrollo integral en estos espacios (EBN La Ovallera, 2010)

Ejemplo de un EPDCUE

Para la ejecución de las actividades planificadas en el siguiente mini proyecto, se toma como contexto cultural la Unidad Educativa Estatal “Sergio Medina”, en conjunto con la coord inadora de los Espacios Permanentes para el Desarrollo Cultural Endógeno (EPD CUE) y los docentes de la Primera Etapa de Educación Básica, han acordado ensayar y practicar una serie de bailes diferentes géneros que permitan desarrollar habilidades y destrezas motrices de los escolares, relacionándo los en la línea investigativa del año escolar vigente 2009 2010, que comprende el Desarrollo de las habilidades del pensamiento de los niños y niñas cursantes de los grados 1° (“A” y “B”), 2° (“A” y “B”), 3° (“A” y “B”), de la mañana, y a los di ferente Proyectos de Aprendizaje (PA) de cada docente, que toman como base l os resultados del diagnóstico inicia instrumentos los registros anecdóticos, escalas de estimación, pruebas diagnósticas, entre otras; que luego son s mencionados mediante los Colectivos de Formación Docente.

Mi Espacio Favorito _Segundo Caso

Música, Educación Musical, EPDCUE, Venezuela.

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Wed, 12 Oct 2011 00:00:00 PDT

Recursos Musicales

La educación musical en Venezuela expresa su categoría en Derechos Humanos

noreply@blogger.com (alfredo447) — Wed, 05 Oct 2011 23:41:00 +0000

El maestro José Antonio Abreu, director y fundador del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela destacó que el derecho de los niños a la música expresa, más que nada, la categoría de un país en cuanto a Derechos Humanos se refiere.
Desde Ginebra, Suiza, donde las autoridades de Venezuela realizará el examen periódico universal en materia de Derechos Humanos, Abreu hizo un llamado a replicar la experiencia criolla en otras partes del mundo.
“Multipliquemos la música millones de veces, con el ejemplo de Venezuela, con la ayuda de Venezuela y con el alma de Venezuela”, resaltó Abreu, quien explicó que, en el país, el Estado ha asumido con fuerza, convicción y persistencia ejemplar la educación musical de los niños.
La Orquesta Sinfónica, Simón Bolívar, de Venezuela, ofreció este miércoles un concierto en el Victoria Hall, de Ginebra, alzando el lema: “Que sea más humana la humanidad”.
La orquesta que subió a la tarima está conformada por cuatro generaciones de músicos provenientes de sectores humildes del territorio venezolano.
Actualmente 370 mil niños y jóvenes integran el Sistema y se plantea como meta llegar a los 500 mil.
“Aquí no hay elitismo, aquí hay educación artística para el pueblo, y eso es revolución, y eso es uno de los perfiles más notables de la revolución en Venezuela”, expresó.

Publicado en: Agencia Venezolana de Noticias

Música, Educación Musical, Derechos Humanos, Venezuela.

Normas UPEL

noreply@blogger.com (alfredo447) — Fri, 16 Sep 2011 21:36:00 +0000

Con ese particular nombre es como se le conoce comúnmente al Manual de Trabajos de Grado de Especialización y Maestría y Tesis Doctorales de la Universidad Pedagógica Experimental Libertador. "Las presentes Normas establecen las condiciones, procedimientos y criterios exigidos por la Universidad Pedagógica Experimental Libertador (UPEL), para la elaboración y presentación de los Trabajos Especiales de Grado de las Especializaciones Profesionales, los Trabajos de Grado de las Maestrías y las Tesis de Doctorado, a que hacen referencia tanto el Reglamento de Estudios de Postgrado de la Universidad, como la Normativa General de los Estudios de Postgrado del Consejo Nacional de Universidades" (UPEL,1998). Todo estudiante de la universidad, desde su ingreso, es iniciado en el correcto uso del Manual; su conocimiento y aplicación es una tarea básica y no es concebible que un egresado tenga dudas o fallas en su manejo. Es punto de referencia en la elaboración de tesis de grado de la mayoría de las universidades del país; a su vez estas normas son una adaptación de las usadas por la American Psychological Association (APA). Las "normas APA" se publicaron inicialmente en 1929, en un artículo de Psychological Bulletin, con el fin de estandarizar la presentación de los artículos enviados a revisión a las revistas adscritas a la APA. Estas normas permiten reseñar de manera ordenada y técnica la información que utilizadas en los trabajos de investigación proveniente de otros investigadores y otras investigaciones.
Al señalar en un trabajo de investigación las fuentes de información utilizadas o mejor dicho, al colocar en un trabajo realizado de dónde se ha obtenido la información es donde cobran gran importancia las normas APA, puesto que permiten ofrecer muestras de respeto y ética en la labor investigativa. Ahora bien, estas normas han sido asumidas por Universidades, Institutos de desarrollo Profesional, Facultades, escuelas y Departamentos en distintas disciplinas de varias partes del mundo y constituyen un referente para los psicólogos de diferentes nacionalidades en el manejo de un estilo común en la publicación de investigaciones en psicología, así como para acceder con mayor facilidad a las investigaciones de otros profesionales y dar a conocer las propias. Igualmente, es preciso señalar que estas normas se van adecuando y actualizando cada año, debido a las modalidades y aportes de la comunidad científica mundial (D´silva, 2008).

El Manual de las Normas UPEL se puede conseguir en cualquiera de los institutos de la universidad, o en la sede de FEDUPEL en Caracas. Si eres de los que saben aprovechar y usar la información en formato electrónico, también puedes descargarlo.

Comenio: Padre de la Pedagogía

noreply@blogger.com (alfredo447) — Sun, 04 Sep 2011 20:55:00 +0000

Jan Amos Komenský, en latín Comenius, nació el 28 de marzo de 1592. Sus padres decidieron bautizarlo con el nombre de Juan Amós Comenio en honor a Juan de Huss del cual deseaban fuera imitador. El lugar de nacimiento es incierto, pues pudo ser Komná (de ahí Komenský), una pequeña aldea en la que vivieron sus padres, Nivnice, donde pasó su niñez o Uherský Brod en Moravia (actual república Checa), pueblo al que fue a vivir durante su niñez y en el que se conserva un museo a su nombre. Murió en Ámsterdam el 15 de noviembre de 1670.
Se le conoce como el Padre de la Pedagogía, ya que fue quien la estructuró como ciencia autónoma y estableció sus primeros principios fundamentales.

La propuesta pedagógica de Comenius
Comenius proclama claramente que todos los hombres tienen una aptitud innata hacia el conocimiento y no lo restringe solamente a una elite o para algunos iluminados, así crea la concepción de una escuela popular de gran cubrimiento y a la que todos tengan acceso. El fin es lograr la paz mundial ya que consideraba que la educación es el camino más rápido para llegar a ella.

Concepción de la educación
Comenio definió la educación como el arte de hacer germinar las semillas interiores que se desarrollan no por incubación sino cuando se estimulan con oportunas experiencias, suficientemente variadas y ricas y sentidas siempre como nuevas, incluso por quién la enseña.
Su método pedagógico tenía como base los procesos naturales del aprendizaje: la inducción, la observación, los sentidos y la razón.
Parte de su propuesta pedagógica era eliminar totalmente la violencia del proceso educativo.
Exigió con firmeza que la educación primaria fuera obligatoria.
La educación debe ser comprensiva, no memorística, y un proceso para toda la vida, que integre las actividades creativas humanas y sus principios para una amplia reforma social basada en la unión de la teoría, la práctica y la crisis (estímulo para el pensamiento).

La educación como desarrollo integral permanente de la persona
De la misma forma que hay armonía en el macrocosmos Comenio dedujo que el hombre, igualmente, debe convertirse en un todo armónico si han de desarrollarse plenamente todas sus potencialidades y habilidades, y no simplemente la razón.
A los hombres se les ha dado una oportunidad para la perfectibilidad continua e interminable, para la creatividad, para la educación permanente y para la autoeducación. Todo el mundo tiene el deber de aprovechar esta oportunidad, un deber tanto filosófico, como político y religioso.

Función social de la educación
La reforma educativa que propuso estaba íntimamente ligada con la búsqueda de una renovación moral, política y cristiana de la humanidad.
Defendió la idea de una escuela para todos, hombres y mujeres, señalando a las autoridades gubernamentales como responsables de su difusión y organización.
Decía que «el aprendizaje debe comenzar en el hogar (siguiendo las ideas sustentadas a partir de la Reforma) siendo de esta manera que los padres serían los primeros educadores. Y esto significaba la inclusión de la madre. Entonces si las madres no fueran educadas, después no educarían a sus niños».
La instrucción ayudaba a aumentar el bienestar de un país, así como también sus buenos modales.
Para los niños de escasos recursos pedía que recibieran ropa, libros y los materiales escolares, gratis a fin de que tuvieran las mismas oportunidades que los ricos.

Desempeño del docente
Le costó un gran trabajo cambiar los métodos tradicionales basados en el uso de golpes y violencia.
El maestro no solo debe encarnar el método de enseñanza, sino él como modelo para sus alumnos. Comenio, centra su esfuerzo, en un modelo pedagógico para reglamentar y prescribir qué se debe, cómo y cuándo enseñar dando fundamental importancia al niño como objeto del acto educativo al que se le debe estimular positivamente para que ame el conocimiento, dando éste de manera metódica, sencilla y primordialmente que aprenda haciendo, es decir activando todos sus sentidos.
El maestro según Comenius debía conocer primero las cosas que enseñaba. Además, debe aprender que no debe avanzar mientras los conocimientos básicos no estén firmes en la mente del alumno
La docencia para Comenius era el oficio más noble entre todos.

El método
Para Comenio, enseñar se debe a una disposición de tres cosas: tiempo, objeto y método. Así como la naturaleza es única, igual que Dios, así también el método como imitación de la naturaleza debe ser único, desplegándose entre enseñar-aprender, leer-escribir, palabras-cosas.
Para aprender y enseñar recomendó proceder de lo conocido a lo desconocido, desde lo simple a lo complejo, etc.
Criticó los métodos de enseñanza basados en el castigo y la amenaza, que solamente despertaban el terror de los muchachos para con el conocimiento e impedían la creatividad y el ingenio. Comenius plantea un método práctico de aprender en el que los conocimientos se infiltren suavemente en las almas, llevando al entendimiento la verdadera esencia de las cosas e instruir acerca de los fundamentos, razones y fines de las más principales cosas que existen y se crean. Insta a formar primero el entendimiento de las cosas, después de la memoria y por último la lengua y las manos.
Rompió con la práctica usual en las escuelas de basar el discurso del conocimiento en los clásicos, y situó al niño y al joven como observadores de la naturaleza, de la que aprendían, utilizando además su propia lengua materna y no el latín.
Cuatro son, por tanto, las condiciones que se deben procurar en el adolescente que desea investigar los secretos de las ciencias:
I Que tenga limpios los ojos del entendimiento.
II Que se le presenten los objetos.
III Que preste atención.
IV Que se le presenten unas cosas después de otras, con el debido método; así conocerá todas las cosas con certeza y expedición.

La importancia de la educación desde la primera infancia
Da mucha importancia Comenius a la aptitud innata hacia el conocimiento, por lo que consideró imprescindible la educación en los primeros 6 años de vida Escribió una obra para este fin llamada «Escuela Materna» que concibe a la madre como una educadora e instaurando así lo que hoy conocemos con el nombre de jardines o preescolares.
«Solamente es firme lo que en la primera edad se aprende».

La concepción del alumno
Concibe la educación como un sistema donde el niño y el sujeto del acto educativo en general es el centro de la atención. Su concepción paidocéntrica de la educación pone todos los componentes educativos al servicio del aprendiz, estableciendo un nuevo modelo, pues anteriormente al alumno no se le daba tal importancia, siendo considerado como simple receptor-pasivo del conocimiento.
Los jóvenes son seres como la cera, por eso se puede educar mejor sin represión ni dureza.
Todo cuanto el alumno ha de aprender debe escalonarse conforme a los grados de la edad, de tal manera que no se proponga nada que no este en condiciones de recibir.

La educación de mujeres y hombres
Comenio decía, extraño para la época, que se debe reunir en las escuelas a toda la juventud de uno u otro sexo, plantea una igualdad de géneros y considera a la mujer igualmente dotada de entendimiento, ágil y capaz de la ciencia y lo mismo destinadas a elevadas misiones; y no entendía por qué razón se les apartaba del conocimiento y entendimiento de las ciencias.
Exigía con firmeza que la educación primaria fuera obligatoria para todos.

Las escuelas
Era necesario reformar las escuelas, para que fueran talleres de humanidad y punto de partida de la educación permanente para llegar a una cultura humana universal.
Imaginó una escuela primaria en cada pueblo de Checoslovaquia y deseó que ésta llamara la atención de los alumnos: con árboles alrededor y flores en las huertas. Las paredes de los salones debían ser adornados con cuadros. Cerca de ella debían estar los talleres y junto a las aulas los campos para los juegos de los alumnos.
Diseñó una arquitectura de cómo debían ser construidas las escuelas: con patios, jardines, etc En importante exaltación hacia la universalidad de la escuela, Comenius hizo un llamamiento en su favor a los padres, preceptores, eruditos, teólogos, pero en especial a los magistrados y políticos para apoyar la reforma de las escuelas sin reparar gasto alguno. De una u otra forma comprometió a toda la humanidad en esta obra.

Concepto de los valores
Dado el contexto bélico en el cual vivió, uno de los ideales más importantes para Comenius era la paz. Desde su punto de vista, la paz era un valor que debía ser resguardado por un tribunal internacional encargado de evitar las causas de los conflictos bélicos. Su reforma educativa estaba íntimamente ligada a una renovación moral, política y cristiana de la humanidad.

La utilización de lo audiovisual
Otro aporte de gran importancia, con una de sus obras «Orbis-Pictus», es la inclusión de ilustraciones para enseñar y la utilización del teatro y la interpretación teatral como un instrumento importante de motivación y estimulación del aprendizaje.

Algunas ideas de Comenius
Lo que se conoce como Escuela Moderna, se basa en gran medida en lo escrito por Comenius hace cuatrocientos años y que se refiere a la educación en la infancia y primera juventud. Entre otras cosas, Comenius postuló lo siguiente:
Un sólo maestro debe enseñar a un grupo de alumnos.
Que ese grupo debe ser homogéneo respecto de la edad.
Que se debe reunir en las escuelas a toda la juventud de uno y otro sexo (Cap. IX de Didáctica Magna)
Que los alumnos de la escuela deben ser distribuidos por grados de dificultad, principiantes, medios y avanzados.
Que cada escuela no puede ser completamente autónoma sino que deben organizarse sistemas de educación escolar simultánea.
Que todas las escuelas deben comenzar y finalizar sus actividades el mismo día y a la misma hora (un calendario escolar único).
Que la enseñanza debe respetar los preceptos de facilidad, brevedad y solidez.
Recomendaciones para los maestros: 1° enseñar en el idioma materno, 2° conocer las cosas para luego enseñarlas, y 3° eliminar de la escuela la violencia.
Que el medio más adecuado para aprehender a leer es un libro que combine: lecturas adaptadas a la edad con gráficos e imágenes, etc.
El aprendizaje debe ser un juego, los niños ir a la escuela con alegría y la visita de los padres a la escuela, una fiesta.
Diseñó una arquitectura de cómo debían ser construidas las escuelas: con patios, jardines y espacios alegres y abiertos.

La realidad o sus representaciones
Para Comenius, un principio clave para aprender es presentar directamente la realidad. «Puede también, si en alguna ocasión falta el original, emplearse modelos o representaciones. Esto es, modelos o imágenes preparadas para la enseñanza (...)»
Comenio plantea algunos principios claves para el futuro pedagógico de las presentaciones y representaciones de la realidad:
El primero es de orden psicológico: no hay nada en el entendimiento que no haya estado previamente en el sentido.
El segundo, epistemológico: la verdad y la certeza provienen del testimonio de los sentidos.
El tercero, metodológico: percepción primero, explicación (análisis y síntesis).
Es de gran utilidad para Comenius que el contenido de los libros se reproduzca en las paredes de la clase, o los textos expresados con concisión o dibujos de imágenes y emblemas que impresionen constantemente los sentidos, la memoria y el entendimiento de los discípulos.
«¿Por qué, pues, ha de darse comienzo a la enseñanza por la narración verbal y no mediante la inspección de la cosa? Después, una vez presentada la cosa, venga la narración para explicar más profundamente lo expuesto»

Publicado en: Aula Creativa

Comenio, Educación, Pedagogía, Comenius.

Note´s Peak: Método para aprender a leer música.

noreply@blogger.com (alfredo447) — Mon, 15 Aug 2011 23:51:00 +0000

Note´s Peak es un programa integrado de educación musical el cual se forja alrededor una serie de metodologías que permiten hacer de la enseñanza-aprendizaje de la música un lenguaje incluyente, sencillo y divertido en el que todas las personas son capaces de aprender y disfrutar aún más de este maravilloso lenguaje de manera impresionantemente fácil y rápida. El trabajo que se realiza alrededor de las metodologías Note´s Peak comprende cinco ejes principales: la lectura musical, el desarrollo rítmico, el desarrollo del oído armónico y melódico, la musicalidad y la práctica instrumental.

Misión
Facilitar y agilizar el proceso de enseñanza-aprendizaje de la música a todas las personas, sin importar su edad, por medio de la creación de metodologías estratégicas, innovadoras, prácticas y eficaces que respondan a las distintas necesidades de estudiantes, educadores musicales y profesores de instrumentos.

Visión
Hacer de la música un lenguaje accesible, entendible e incluyente para que la mayor cantidad de personas sin importar su edad o clase social se sientan empoderadas de hacer y disfrutar la música.

Publicado en: Note´s Peak

Música, Educación Musical, Lectura Musical, Método Musical.
Música, Educación Musical, Lectura Musical, Método Musical.

Niños guitarristas en Corea del Norte

noreply@blogger.com (alfredo447) — Sun, 10 Jul 2011 06:06:00 +0000

Corea del Norte es un país comunista, limítrofe con China, que ha sido cuestionado muchas veces por infinidades de causas (como a todo país comunista)y blanco de sanciones por parte de la ONU y EEUU. Algo que muchos ignoran es el sentido de la disciplina en los países orientales, muy diferente al que tenemos en occidente.
Un caso que me llama particularmente la atención es el nivel musical que lograron con el siguiente ensamble de guitarras conformado por niños de 5 años de edad en Ch’ŏngam-guyŏk, Ch’ŏngjin-si, Corea del Norte. Sin más preámbulos...

Música, Educación Musical, Guitarra, Corea del Norte.
Música, Educación Musical, Guitarra, Corea del Norte.

Bohemian Rhapsody, arreglo para 4 violines.

noreply@blogger.com (alfredo447) — Wed, 29 Dec 2010 11:49:00 +0000

Siempre me ha parecido que Rapsodia Bohemia es una de las composiciones mas espectaculares que he escuchado en mi vida. Siendo nino recuerdo cuando estuvo de moda, y creo que jamas estara de estarlo, como la misma banda britanica Queen. En esta cancion, Freddie Mercury despliega sus condiciones de compositor, musico y cantante. No en vano es considerada una de las mejores composiciones de todos los tiempos. Sobre el significado de la letra se ha comentado mucho; sin embargo es un secreto que Mercury siempre guardo, afirmando que es una cancion para disfrutarla escuchandola, no para romperse el coco buscando mensajes. Aun asi, considera valido que cada quien, al escucharla, le de su propio significado, segun la vision de la vida.
En fin, sobre esta pieza pueden escribirse millones de lineas. Lo que quiero presentar a continuacion es el performance de un arreglo para cuatro violines realizado por Joe Edmonds, demostrando una vez mas lo que ya habia hecho Mercury: Combinar la musica academica con el rock y otros generos modernos.
Como detalle original, en el video los cuatro violines son interpretados por el mismo Edmonds.

Con este post, quiero despedir el 2010 haciendoles llegar mis mejores deseos a los lectores del mismo, esperando tener pronto la oportunidad de volver a escribir, porque a pesar de las circunstancias no dejo de creer en la educacion, en la educacion musical, y sobre todo en la educacion musical en Venezuela.

Música, Educación Musical.
Música, Educación Musical.

Juegos con Música

noreply@blogger.com (alfredo447) — Sat, 09 Oct 2010 23:55:00 +0000

Mucho se ha escrito sobre la influencia de la música clásica en el desarrollo cognoscitivo de los niños, y del beneficio de exponerlos a estos ritmos desde que están el vientre de la madre. El tema es polémico y algunos padres no se fían del resultado de estos experimentos, mientras otros francamente exageran atribuyéndole resultados “mágicos” al llamado Efecto Mozart.
Pero independientemente de quien tenga la razón, lo cierto es que escuchar música no les hará daño -ya sea clásica, popular, urbana, tradicional- y si es un recurso precioso que puede ponerse en función del aprendizaje, para el desarrollo de la sensibilidad artística, la creatividad y la concentración en las diferentes etapas de crecimiento del niño.
Te propongo estos sencillos juegos con música, que puedes practicar regularmente en casa con los chicos y hacer que aprendan mientras se divierten:

Momentos clásicos

Mozart, Vivaldi, Debussy, Beethoven, Tchaikovski, Frank Liszt: es la mejor música para imaginar historias. Proponles cerrar los ojos, dejarse llevar por la melodía y trasportarse con ella a otro lugar, a una dimensión en la que trascurre otra realidad. Ayúdalos a romper el hielo siendo el primero en contar lo que la pieza musical escogida te sugiere. (Apropiado para niños de 4-6 años).Una complementación de este juego es que terminen dibujando lo que imaginaron y contaron.

El DJ: música para escoger e identificar

Este es un juego que animara perfectamente una fiesta de cumpleaños, pero que también pueden hacer en un día de lluvia, o de mucho frio para estar fuera de casa.
Primero se designa al DJ, y este escoge la música. Los demás escuchan e intentan identificar ritmo, género, titulo de la pieza, letra. Quien ofrezca más información gana el derecho de ser el próximo DJ. (Apropiado para niños de seis años en adelante).

¿Qué instrumento está tocando?

Este es un ejercicio intelectual que los ayudará a conocer e identificar los diferentes instrumentos musicales. Puede complementarse con imitación para ayudarles a recordar y hacer el juego más divertido.
Puedes escoger cualquier tipo de musical, aunque los instrumentales simplificarán la tarea. Pídeles que imiten el movimiento que realiza el músico al tocar el instrumento que suena. También puede jugarse imitando el sonido del instrumento y adivinando cuál es.

¡Vamos a bailar!

Es un juego que disfrutan especialmente los chicos inquietos. Prepara un área despejada de casa, pon la música de su preferencia y hagan parejas. Si son pocos de familia, mamá y papá pueden ayudar.
Si se tienen al menos dos parejas pueden organizar un concurso de baile, poner un popurrí y tratar de seguir todos los ritmos con gracia y sin pausas largas. Es un juego contagioso, que puede romper la modorra de un día aburrido, y les aseguro que si le ponen impulso terminará bailando hasta el gato.

Por Chely P. Mayan.

Música, Educación Musical.
Música, Educación Musical.

El poder de la música

noreply@blogger.com (alfredo447) — Mon, 06 Sep 2010 07:41:00 +0000

Jackie Roy Tuner es un veterano estadounidense de la II Guerra Mundial aficionado a la trompeta, cuya pequeña y emotiva historia he conocido hoy gracias a un enlace en Amazings.es.

Con voz temblorosa y notoriamente emocionado, este anciano soldado relata en el vídeo que adjunto lo que le sucedió en el frente francés un par de semanas después del mítico desembarco de Normandía, cuando ya era obvio que los alemanes perderían la guerra.
Al parecer, su mando le pidió que no tocara esa noche porque en las proximidades había un francotirador alemán que podría detectarle y alcanzarle con su arma. Desoyendo el consejo, aquella fría y lluviosa noche en la trinchera, el capitán Jackie pensó que aquel tirador alemán estaría tan solo y asustado como él, así que decidió tocar algo de su tierra. Tomó su trompeta e interpretó para él, seguramente sin demasiado virtuosismo, el famoso Lili Marleen.
A la mañana siguiente, un soldado estadounidense llegó en un Jeep para contarle que había un soldado alemán dispuesto a ser trasladado a Inglaterra, así que lo llevaron ante él.
“¿Quién tocó anoche la trompeta?”, le preguntó el alemán en un mal inglés.
“Cuando oí la canción, me acordé de mi novia en Alemania, de mi madre muerta, de mis hermanos y hermanas… y ya no pude disparar“.
Ambos hombres se dieron la mano.

Jackie nos cuenta emocionado: “no era mi enemigo, era únicamente un hombre asustado y solo como yo“.

Música, Video.
Música, Video.

Las Bodas de Fígaro, en stop motion para guitarra.

noreply@blogger.com (alfredo447) — Mon, 05 Jul 2010 15:55:00 +0000

El stop motion (parada de imagen, paso de manivela o cuadro por cuadro) es una técnica de animación que consiste en aparentar el movimiento de objetos estáticos por medio de una serie de imágenes fijas sucesivas. En general se denomina animaciones de stop motion a las que no entran en la categoría de dibujo animado, ni en la animación por ordenador; esto es, que no fueron dibujadas ni pintadas, sino que fueron creadas tomando imágenes de la realidad.
La frecuencia de grabación es, igual que en el cine, de 24 imágenes por segundo, para que el ojo humano pueda percibir un movimiento continuo. Para 1 minuto de grabación se necesitan 1500 imágenes fijas aproximadamente.
En más de mil cortes, seis horas de grabación a digitaciones de guitarra y una hora de edición; el guitarrista, animador y cineasta brasilero Joe Penna creó el siguiente video, el cual fue considerado como uno de los mejores del 2009 por Youtube.

Música, Video, Stop Motion, Mozart, Joe Penna.
Música, Video, Stop Motion, Mozart, Joe Penna.

La Revolución Educativa

noreply@blogger.com (alfredo447) — Sun, 27 Jun 2010 01:05:00 +0000

¿Es hoy más difícil la convivencia en las aulas? ¿Están bien preparados los maestros para acompañar al niño hasta su adolescencia con una educación que englobe emociones e inteligencia social? Las necesidades de un adulto para vivir en sociedad no son las mismas que hace 50 años, ni lo son tampoco las condiciones de vida de los adolescentes, ni las tecnologías que rodean a todos. Sin embargo, los programas educativos han cambiado muy poco en el último siglo. El psicólogo Robert Roeser nos ayuda a redefinir el papel de profesores y maestros, y a buscar en la ciencia algunas propuestas para mejorar la educación de los futuros ciudadanos.

Si hay algo de lo que estamos casi seguros hoy día es que debemos, no tenemos más remedio, que transformar la educación de nuestros maestros. Descartemos de momento las responsabilidades de la familia a la hora de incidir sobre los niños; lo que sí sabemos es que no nos sirven maestros que sólo destilen contenidos académicos en las mentes de los treinta niños que forman su clase, a veces gritando casi todo el rato. Hoy sabemos que es importantísimo el que estos maestros aprendan a gestionar las emociones básicas y universales de sus alumnos.

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Publicado en: Redes para la Ciencia.

Redes, Educación, Docencia, Pedagogía.
Redes, Educación, Docencia, Pedagogía.

Links for 2010-06-20 [del.icio.us]

Mon, 21 Jun 2010 00:00:00 PDT

¿Cómo puedo mejorar la comunicación con mi hij@?
EVENTOS EDUCATIVOS (Eventos Educativos)
Eventos Educativos es una propuesta sin fines del lucro que tiene como propósito hacer llegar información a todos los interesados relacionados con la Educación con el objetivo de promover y difundir de propuestas y actividades educativas de corte Nacional e Internacional.

Sistema de Orquestas de Venezuela afina convenio con Conservatorio Tchaikovsky de Moscú

noreply@blogger.com (alfredo447) — Sat, 19 Jun 2010 03:10:00 +0000

Miembros del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela y del Conservatorio Tchaikovsky de Moscú, sostuvieron en la capital Rusa, la primera reunión para definir la creación de un convenio entre las orquestas de ambos países.
Este acuerdo abarcará el intercambio entre las orquestas juveniles, grupos de cámaras, maestros, así como de material musical de repertorio de ambos países y la fabricación de instrumentos.
Así lo indicó el maestro, director y fundador del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, José Antonio Abreu.
“Este convenio trascendental para Venezuela, englobará todos los elementos que conforman ambas orquestas, y nos permitirá tener vínculos permanentes con este importante conservatorio'.
Abreu agregó además que tanto el presidente como el vicepresidente del conservatorio ruso recibió a los integrantes del sistema venezolano 'con una muestra de júbilo y señalando la importancia que para ellos ha tenido este primer contacto”.
Asimismo, destacó que el convenio no sólo comprenderá la actividad de las orquestas, sino también el arte del canto, canto coral y la formación coral infantil.
Con respecto a la gira por ocho ciudades europeas que lleva a cabo desde el 7 de junio la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, bajo la batuta del aclamado director venezolano Gustavo Dudamel, expresó sentirse impresionado por el recibimiento que ha tenido la orquesta.
“Esta gira ha superado con creces nuestras expectativas. Audiencias masivas, salas llenas y ovaciones interminables en cada ciudad que hemos visitado”.
“Este jueves la orquesta ofreció un concierto en el Teatro Mariinsky de San Petesburgo, Rusia y obtuvo una maravillosa ovación interminable en presencia del más grande maestro actual, Valery Gergiev, quien al final del concierto no solamente se acerco a felicitar a los muchachos sino que los invitó a regresar a Rusia”
Señaló también que Gergiev visitará Venezuela en el curso de los próximos meses para concretar los acuerdos para la creación de una orquesta juvenil ruso-venezolana que tendrá carácter permanente y que sellará la hermandad entre ambos países.
Abreu agradeció en primer lugar al Gobierno Bolivariano por todo el apoyo brindado y por hacer posible la visita de la orquesta venezolana a las ciudades europeas, en las que ha dado muestra del talento criollo.
Reconoció también el apoyo de las autoridades musicales de Rusia y del pueblo venezolano 'que siempre nos ha seguido con amor y solidaridad”, expresó.
La gira de la orquesta venezolana por Europa culminará el próximo 26 de junio en Granada, España donde ofrecerá un concierto en el Festival Internacional de Música y Danza de esa ciudad.

Tomado de: ABN

Música, Educación Musical, Gustavo Dudamel, FESNOJIV,José Antonio Abreu, Rusia, Venezuela.
Música, Educación Musical, Gustavo Dudamel, FESNOJIV, José Antonio Abreu, Rusia, Venezuela.

El Himno de Chile y Don Andrés Bello.

noreply@blogger.com (alfredo447) — Sun, 30 May 2010 14:13:00 +0000

En los archivos audiovisuales de la Biblioteca Nacional reposaban hacía décadas partituras del siglo XIX llegadas de la Escuela Superior de Música y del archivo de José Ángel Montero, estos vendidos a la Biblioteca en 1938. Entre ellos estaban dos, en anverso y reverso de una misma hoja, con el título de Canción Nacional N° 1 y Canción Nacional N° 2, ordenadas para que se ejecutaran una después de otra. La N° 1 era el Gloria al Bravo Pueblo, de 1840, considerado el más antiguo manuscrito de lo que después fue nuestro Himno Nacional.
Rescatadas por Ignacio Barreto, de la BN, y el compositor e investigador Diego Silva Silva, fueron restauradas y es cuando se decide su ejecución, todo con el patrocinio de Pdvsa La Estancia. Cuando ensayaban encontraron que el estilo de la Canción Nacional N° 2 era distinto, modo frigio español; no se parecía a ninguna de las otras, y un día de abril de 2008 el tenor Andrés Algara, solista de esa canción, les comentó que un chileno que había escuchado los ensayos les dijo que ese era el Himno Nacional de Chile. Mayúscula sorpresa. ¿Cómo era posible que una pieza seguramente compuesta en 1827-30 en Caracas pudiese ser el Himno de Chile?
Comenzaron a investigar, y lo primero que observaron fue la similitud en la música. Se enteraron del origen del himno chileno, supieron que el embajador de Chile en Londres, Mariano Egaña, envió a Santiago en 1827 una nueva versión; en 1841 el presidente Bulnes hizo cambiar su letra por una no tan antiespañola; después hubo un vacío, hasta 1867 cuando fue reconstruido.
¿Tuvo alguna injerencia Andrés Bello en ese proceso? Barreto y Silva creen que hay razones, pues Bello sabía música y seguramente la escribía, estuvo varios años en Londres incluso como funcionario del Consulado de Chile, y señalan cómo se valora el exilio (él fue un exiliado) en sus estrofas finales:

"Dulce Patria recibe los votos
Con que América toda juró
Que a la tumba será de los libres
O el asilo contra la opresión"

El caso es que le escribieron a varios músicos en Santiago y a la Biblioteca Nacional y no han encontrado ninguna respuesta que demuestre algún interés por aclarar la dudas que aparecieron junto a la partitura igual, pero muy anterior, al himno nacional chileno. Es raro que los chilenos no tengan ningún interés en despejar esas interrogantes.

Tomado de: Los Domingos de Díaz Rangel

Andrés Bello, Historia, Educación Musical, Musicología,Música, Himno de Chile, Venezuela.
Andrés Bello, Historia, Educación Musical, Musicología, Música, Himno de Chile, Venezuela.

Lesiones en los Músicos

noreply@blogger.com (alfredo447) — Tue, 27 Apr 2010 01:40:00 +0000

Un alto porcentaje de músicos sufre alguna lesión a lo largo de su vida profesional. Una buena formación y unos hábitos adecuados podrían ayudar a evitar las lesiones relacionadas con la praxis musical. Tomás Martín es profesor superior de percusión, percusionista de la Orquesta de Castilla y León, osteópata especializado en el tratamiento de las lesiones en los músicos y Doctor por la Universidad de Valladolid, y ha tenido la amabilidad de hablar con nosotros acerca de estos temas.

¿Cómo llegaste a ejercer la doble faceta de músico y terapeuta?

Yo era un músico normal, estudie mi carrera de percusión, y cuando tenía dieciocho años me lesioné el antebrazo y la mano izquierda y tuve que dejar de tocar durante un año. Tras muchas vueltas (fui a traumatólogos, me hice todas las pruebas diagnósticas que estaban en la época, incluyendo dos escayolas, hice meses de rehabilitación, y hasta me infiltraron en los tendones) me encontraba en el mismo punto, sin tocar absolutamente nada. Ya a punto de dejar la profesión, encontré un osteópata y en unas 3 semanas me recuperé para tocar con normalidad. Por eso me decidí, después de padecer esta lesión, a tratar a otros músicos, ya que no parecía tener mucho sentido que después de tanto calvario la solución resultara ser tan obvia para otras disciplinas, y sin embargo para la traumatología llevara tanto tiempo

¿Por qué los músicos somos tan propensos, en general, a tener dolores y lesiones de diferentes tipos?

Pues por la falta de educación. Nos educan en muchas materias, pero ninguna asignatura se utiliza para intentar solucionar los problemas que al final "acaban teniendo todos los músicos", que son siempre muchos, y que ocurren por realizar siempre los mismos gestos sin prepararse para realizarlos Ese es el problema, si lo comparamos con los deportistas, todos los días de entrenamiento empiezan con un calentamiento. En el caso de los músicos, el profesor que se preocupa, enseñará a los alumnos a evitar lesiones y el que no haya tenido esa formación posiblemente acabará teniéndolas.

¿Con eso quieres decir que con una buena prevención se podrían evitar las lesiones?

Claro, si tú incorporas estas disciplinas y estos conocimientos a los alumnos, éstos se hacen mucho más resistentes a las patologías, y sobre todo los estudiantes crean unos hábitos regulares de estudio, en los cuales entre el calentamiento, los descansos y el enfoque inteligente del estudio se puede evitar que finalmente se lesionen.

¿Entonces no hay relación entre la técnica y las lesiones?

No, no. Hay mucha gente que piensa que los músicos se lesionan porque tocan mal, pero eso es incorrecto, no es que toquen mal, es que sobrepasan su límite fisiológico, o también que no toman una serie de pautas para evitar lesiones. Si eso fuera verdad sólo se lesionarían los músicos que tienen mala técnica, y eso no es verdad, se lesionan tanto aquellos que tienen una mala técnica como los que la tienen buena. Con mala técnica tendrás más riesgo pero con buena técnica también lo hay aunque sea menor.

Has hablado de la importancia de la prevención. ¿Qué rutinas referentes a ésta deberíamos incluir en nuestras actividad cotidiana?

Calentamiento previo siempre a la sesiones de estudio y descanso. Los descansos tienen que ser cronometrados, 40/50 minutos de música y 10 de parar automáticamente, sin irse al ordenador, ni a la consola, ni hacer absolutamente nada con las manos. Si te apetece puedes estirar, beber un vaso de agua e hidratarte o simplemente descansar.

Un estudiante de grado superior o un profesional necesita dedicarle muchas horas al instrumento. ¿Cuál es el máximo de horas diarias que recomiendas para tocar?

Depende de la persona pero normalmente entre seis y siete horas como mucho.

¿Sobrepasar ese tiempo puede acarrearnos problemas?

Claro, además es que si piensas en la cantidad de horas, a lo mejor es que el estudio no se está realizando de manera inteligente. Al igual que en un deporte programas tu entrenamiento, también podrías programar tu estudio en función de lo que quieres conseguir, cuantos días tienes hasta la siguiente clase, o el siguiente concierto. Yo creo que tampoco nos han enseñado cómo estudiar, eso es un problema que también es fundamental. Repetir por repetir no sirve para nada, si repites los pasajes siempre igual a la misma velocidad siempre fallarás en lo mismo.

Dedicarle tantas horas al instrumento y el agotamiento que ello conlleva suele dejar poco tiempo para otras actividades, entre ellas el deporte. ¿La forma física en general influye?

Si claro, si los músculos y tendones son más fuertes, son más resistentes a las lesiones, por eso hacer alguna actividad física aparte del instrumento es importantísimo. La alimentación también es fundamental.

¿Y qué tipo de actividad física es más recomendable?

Pues correr, nadar... yo siempre recomiendo a mis pacientes que vayan al gimnasio al menos una vez a la semana a fortalecer la musculatura.

¿Hay algún deporte que no sea recomendable?

El tenis para pianistas e instrumentistas de cuerda, ya que haces que los músculos flexores y extensores, que trabajan continuamente, trabajen más aún. También los deportes de mano como el baloncesto pero por el riesgo de lesión que conllevan en las extremidades superiores más que por el deporte en sí.

Todo lo relacionado con mantener una buena postura ante el instrumento también es fundamental. En este sentido, ¿yoga, técnica Alexander y otras disciplinas relacionadas son recomendables?

Si, claro, y taichí o Feldenkrais también, todas esas técnicas que trabajan el equilibrio entre mente y cuerpo son muy recomendables, lo único es que ese tipo de disciplinas no curan si uno tiene una patología. Estas técnicas son muy saludables para tomar conciencia de nuestro cuerpo, de que tensiones tienes y de cómo eliminarlas, pero una vez que uno ya está curado de la enfermedad o lesión que pudiera tener.

Centrándonos en los pianistas, ¿cuales son los problemas más comunes?

Pues lesiones en las manos, tendinitis, codo de tenista y codo de golfista, tendinitis del bíceps y sobre todo problemas de contracturas a nivel cervicodorsal, dolores de espalda (dorsalgias y lumbalgias). Hay especialistas que dicen que unos instrumentistas generan unas patologías y otros otras, pero en realidad casi siempre son las mismas porque se utilizan siempre las extremidades superiores para tocar, así que la gran mayoría están relacionadas con el sobreuso de las extremidades superiores.

¿Y para este tipo de lesiones cual es el tratamiento más adecuado?

Una mezcla entre osteopatía, masaje tradicional, masaje cyriax, la técnica de los puntos gatillo y utilización de frio. Esas cinco disciplinas juntas solucionan muy bien los problemas de tejido blando, como tendinitis o epicondilitis. Estas técnicas son con las que yo trabajo y los resultados son muy buenos.

Cuando uno tiene un problema y acude al médico le suelen mandar reposo y antiinflamatorios. ¿Es eficaz este tratamiento?

No, el reposo no cura ninguna lesión. Si ha sido una lesión leve, producida por un momento puntual, el descanso sí que cura (siempre que descanses un par de días), pero si se trata de una lesión más severa no te va a hacer absolutamente nada.

Hay una creencia muy extendida entre los instrumentistas y es que hay cosas que duelen, seguro que muchos de nosotros hemos escuchado cosas como “para que esto salga tiene que doler”, ¿es eso cierto?

Eso es un error gravísimo. Si duele significa que te estás lesionando y tu cuerpo te va avisando. Y si lo sigues haciendo, vas a acabar lesionado. Esa creencia de que esa extensión o ese ejercicio deben crear dolor no tiene ningún sentido. Si hay ejercicios que son más complicados hay que trabajarlos más lento, más relajados, para que no produzcan dolor.

Entonces, ¿cuáles son los síntomas realmente preocupantes para decir tengo que ir al médico o dejar de tocar, porque esto ya no es una cosa puntual como comentaste antes?

Si es algo puntual normalmente paras, descansas esa tarde o un día y al día siguiente al realizar tu actividad deja de doler. Si dura más días significa que la lesión es más grave y si se mantiene en el tiempo, significa que el cuerpo no ha podido solucionarlo, entonces se empieza a cronificar. Cuando la lesión es permanente y siempre que tocas te molesta o ya incluso haciendo actividades de la vida diaria molesta también, significa que es una lesión seria y tienes que parar e intentar solucionarlo.

¿Lo óptimo que sería, parar de tocar?

Para de tocar, a no ser que sea algo muy, muy grave y que el dolor te impida tocar, no lo recomiendo nunca; se debería tocar un poquito para que no perder masa muscular y no perder agilidad.

Y en el caso de que el músico note molestias pero tenga compromisos profesionales (conciertos, exámenes de cualquier tipo o sea pianista acompañante) y no pueda dejarlo, entonces ¿qué debería hacer?

Si te ocurre eso tienes que buscar un terapeuta que te trate a la vez, en ese momento. Si no, lo que vas a hacer es acabar destrozado.

¿O sea, que se puede compaginar lo que es la práctica con el tratamiento?

Si, yo he tratado a gente de alto nivel que tienen un calendario que no pueden cancelar, y se han curado. Depende también de tu edad, de tu técnica, como estés físicamente, si estás más saludable o menos. Si la lesión es muy grave tienes que parar totalmente, pero si la lesión no es demasiado grave se puede compaginar las dos cosas, y cambiando sobre todo la mentalidad del músico, que ha venido lesionado y cuando vuelve a su actividad tiene que cambiar unos parámetros, no puede hacer lo mismo que hacía antes, tiene que calentar, descansar, fortalecer un poco la musculatura, y esa es la piedra angular de toda esta historia, hay que intentar concienciar y que realmente cambie el concepto de músico y verse casi como un deportista.

¿Hay algún momento en el que la curación ya no sea posible, alguna frontera en la que la lesión sea ya irreversible?

Yo no me he encontrado con nadie, pero supongo que si te han infiltrado, se ha degenerado el tendón y el tendón se ha calcificado (lo que significa que la hidrocortisona se ha quedado dentro del tendón), entonces ahí el único remedio es la cirugía, y ésta a veces puede empeorar aún más las cosas en vez de solucionarlas, pero en cuanto a lesiones músculo-esqueléticas que es lo que yo trato, no me he encontrado a ningún músico que haya tenido que dejarlo, a no ser que sea distónico, que es otra enfermedad totalmente distinta, un desorden del patrón de movimiento de origen neurológico que yo no trato.

En España este tema como vemos está muy descuidado, apenas aparece en los planes de estudios de los conservatorios superiores, ¿por qué es eso?

La medicina de la música es una disciplina que empieza en 1981, hace treinta años, por lo que es bastante novedosa. Los músicos no han interesado demasiado a la medicina porque es un colectivo muy pequeño. Poco a poco habría que ir concienciando a los directores y sobre todo a los políticos de que los músicos son un campo en el cual el índice de lesiones es muy alto y si se previene desde los grados medios y grados superiores sería excelente para que pudieran realizar su carrera completamente. Pero el problema es que si los directores y los profesores no demandan esta asignatura, los planes de estudio se hacen siempre orientados a los aspectos teórico-prácticos de música, pero no de otras cuestiones, lo cual es un error lamentable.

El hecho de que exista una asignatura en los conservatorios superiores ya es un avance, pero ¿sería bueno empezar desde grados inferiores, incluso desde grado elemental?

Grado elemental creo que no. En mi opinión el curso óptimo para empezar sería entre quinto y sexto de grado profesional. En el grado elemental los alumnos casi no tienen tiempo de estudiar, ahí se produce un filtro, y el otro filtro grande se produce entre quinto y sexto de grado profesional, ya que son alumnos que tienen que estudiar mínimo unas cuatro o cinco horas a la semana o más, y entonces los alumnos que no estudian esa cantidad lo suelen dejar. En el quinto sería un buen año porque ya toman conciencia de quien quiere ser músico profesional y quien quiere acabar el grado medio con una técnica y unos conocimientos más o menos aceptables. Aquí en el conservatorio de Valladolid se intentó incluir la asignatura en el Grado profesional, pero la Junta de Castilla y León dijo que no porque había que contratar a otro profesor. Yo sé que se ha intentado en más conservatorios pero la administración suele decir que no. La solución sería que un profesor del centro la impartiera, pero claro, hay que formarse para estas materias.

¿En otros países es igual?

No, en otros países, por ejemplo en Estados Unidos o Inglaterra, las universidades de música tienen un departamento que colabora con las universidades de medicina, así que hay cursos permanentes donde los alumnos si se lesionan tienen orientación y formación. En España estamos siempre un poquito atrás pero estamos trabajando para que eso deje de ocurrir.

¡Gracias a gente como tú!

Bueno, yo entré en esto por lo que me ocurrió, casi tengo que estar agradecido, pero yo conseguí curarme. Lo malo es la gente que no lo consigue y tiene que dejar su carrera, o que se tira muchos años lesionada, y eso es lo lamentable. Lo importante es que los profesores tomen conciencia de que los alumnos tienen que hacer ejercicio físico, calentar antes, y que adquieran unos hábitos posturales que van a ser luego cruciales, porque manos sólo tenemos dos y antebrazos igual y no podemos cambiarlos. Que sea algo constante, y de verdad que si se hace se consiguen resultados muy buenos.

¿Nos puedes recomendar alguna bibliografía para aquella gente que esté interesada en este tema?

En español está muy bien el libro de Esther Sardá Rico “En forma: ejercicios para músicos”. Hay otro libro que también está muy bien para pianistas que se llama “Aspectos posicionales y enfermedades profesionales de los pianistas”, de Marina Ferreira, pero es más complicado de conseguir ya que está editado en Chile. Yo, si tengo tiempo dentro de un año más o menos intentaré publicar un libro, si alguien me lo quiere publicar claro, porque cuando diga que los tratamientos convencionales no funcionan, no dan una solución real… pero intentaré hacerlo de todas formas, ya os contaré.

Publicado en: Entre 88 Teclas.

Música, Educación Musical, Práctica Instrumental, Salud.
Música, Educación Musical, Práctica Instrumental, salud.

Gustavo Dudamel y José Antonio Abreu se reunieron con el Presidente Hugo Chávez.

noreply@blogger.com (alfredo447) — Sun, 21 Feb 2010 03:43:00 +0000

Este sábado 20-02-2010, el fundador del Sistema Nacional de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela, José Antonio Abreu, y el director de la Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar, Gustavo Dudamel, sostuvieron un encuentro con el presidente de la República, Hugo Chávez Frías, en el Palacio de Miraflores, en Caracas.
A propósito del éxito de la gira nacional del sistema de orquestas, emprendida por los estados Lara, Carabobo, Zulia y Mérida, el presidente Chávez conversó con Dudamel y el maestro Abreu acerca de la importancia del papel que ambos juegan en Venezuela y en el mundo.
El joven director catalogó la reunión con el Jefe de Estado de “maravillosa' e informó que también hablaron del Bicentenario de la Independencia y del nuevo Centro de Acción Social por la Música que tendrá su sede en Barquisimeto, estado Lara.
Afirmó Dudamel que, gracias al sistema, no solamente se está haciendo música sino que se están formando mejores ciudadanos.
"La música, como arte colectivo, empeña al niño y al joven a vivir en sociedad”, manifestó.
Resaltó Dudamel que la meta del sistema de orquestas es cubrir todos los estados de Venezuela.
"Ya he organizado el resto de la gira que es por etapas. La receptividad ha sido maravillosa, logramos reunir 150 mil personas entre toda la gira y todavía falta. La música para todos es el lema de la orquesta”, enfatizó.
Asimismo, resaltó la importancia de que los jóvenes venezolanos tengan gran interés por la música, refiere un comunicado de prensa.
“El sistema de orquestas se ha convertido en un símbolo en nuestro país. Los niños construyen una vida a través de la música y eso es gracias a este hombre soñador (el maestro Abreu) que ha trabajado sin escatimar esfuerzos y ya ha sido copiado por muchísimos países”, acotó Dudamel.
Expresó que la música "es el mensaje de la unión, es el arte, una manera de poner ese granito de arena para hacer de esta patria algo maravilloso”.
Por su parte, el maestro Abreu comentó que “Venezuela es ejemplo grandísimo y símbolo a nivel mundial. Se ha logrado este crecimiento con el apoyo de las familias, de los planteles y de los maestros”.

Publicado en: Agencia Bolivariana de Noticias.

Música, Educación Musical, Venezuela, FESNOJIV.
Música, Educación Musical, Venezuela, FESNOJIV.

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