Escuchar Es Aprender

Y no...

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Thu, 18 Aug 2011 10:20:10 PDT

... Escuchar Es Aprender (el blog, no el programa de radio) no volverá por el momento, amigos. Prefiero dejárselos como un hermoso recuerdo o algo así (?). No, de verdad, hay muchos discos aquí posteados que son difíciles de conseguir y las crónicas -modestamente- están bastante bien logradas -además de que me llevaron un buen laburo, claro (?)- por lo que el blog seguirá abierto. De todos modos, vale aclarar que si hay links caídos acá -como ya se habrán dado cuenta, pero nunca viene mal para los nuevos avenidos- los mismos no se resubirán. No insistan que ni el mail que está en el sidebar anda (?).

Pero igualmente, este post tiene un final feliz y descaradamente autobombero (?). Hace apenas un par de semanas acabo de comenzar un nuevo proyecto de blog musical llamado demidiscoteca.cc el que les recomiendo por varias razones: en primer lugar, es mío (?). En segundo, estoy intentando mantener una frecuencia de actualización diaria con más de un disco por vez (hasta el viernes serán seis, pero de allí en adelante, de a tres) en calidad de MP3 óptima como le gusta al audiófilo promedio que aún disfruta de comprar los discos y por ello no baja en FLAC que es de vago que sólo piratea (?).

Así que ya saben, amigos seguidores de Escuchar Es Aprender el blog: vayan por el lado de demidiscoteca.cc que tiene todo lo que disfrutaban de este humilde espacio que fue mi hogar durante varios años y unos cuantos y esporádicos posts. Les agradezco tanto la compañía, el interés, tanto que no puedo ni creerlo ni expresarlo en palabras, y los invito, si gustan, a seguirla por allá. Gracias, de verdad, por todo. ¿Nos vemos ahí?

Se viene...

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Thu, 18 Mar 2010 09:14:01 PDT

Five Man Electrical Band - Ídem

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Wed, 15 Jul 2009 21:22:22 PDT

El otro día, mientras -inspirado en este post- me acordaba de las mejores aventuras grupales que se dieron en los hermanos menores del país del Norte, Canadá, inmediatamente -además de ciertas obvias menciones que pueden ver aquí- apareció de forma casi automática en mi mente la banda a la que haré mención en este post justamente con el disco que lo ilustra. Y es que difícilmente pueda hablarse del rock en Canadá sin mencionar a los geniales Five Man Electrical Band y a este, su álbum autotitulado de 1969.

Originalmente llamados The Staccatos, estos muchachos empezaron a sacar discos a mediados de los '60 y a caballo de un precioso pop psicodélico rápidamente se hicieron conocidos en la escena canadiense de la época. La consagración en su país natal les llegó con su segundo disco de estudio, un split con los mucho más populares The Guess Who? llamado A Wild Pair donde incluían una bella canción llamada "Half Past Midnight" que les valió varios arqueos de cejas en radios de la época y un prometedor boleto a Los Ángeles.

Como para esa época ya eran cinco, el grupo decidió renombrarse muy ad hoc y editar su tercer álbum -primero en EE.UU.- en 1969. Five Man Electrical Band, su autotitulado, profundizaba dos aspectos interesantísimos de la música del grupo: el primero, sus sutiles armonías vocales; el segundo, el notable talento compositivo de su líder y factótum Les Emmerson. Las voces de Five Man Electrical Band -si bien buscaban emular a los Turtles, Beach Boys o a sus compatriotas Lovin' Spoonful- eran el complemento perfecto para las temáticas de Emmerson: mucho más arraigadas en el blues que las de sus coetáneos, otorgaban a la música del grupo una atmósfera emocional alejada del lavado dream pop de la época y mucho más cercana (por su crudeza) a la psicodelia.

Los cinco cantaban, y lo hacían muy bien. Pero además, eran músicos muy complementarios. Sobre todo el dúo de bateristas hermanos de Rick y Mike Belanger, cuya estructura -donde uno mantiene el ritmo junto al buen bajista Brian Rading y el otro ejecuta cuidados patrones de exquisita sutileza- era el perfecto soporte para las muy buenas canciones que contiene este larga duración, dos de las cuales muestran a las claras las influencias de Emmerson y los suyos: "Fancy Dancin' Man" es de Gary Bonner y Alan Gordon (compositores para Lovin' Spoonful y los Turtles, entre otros) y "You're Gonna Lose That Girl" es, claro, de Lennon y McCartney (si bien no está incluida en la versión estadounidense -que aquí ofrecemos- sí se encuentra en la original canadiense y en esta recomendable reedición).

Lamentablemente, en un mercado saturado de oferta por bandas de esta raigambre, los Five Man Electrical Band pasaron desapercibidos. Capitol, su disquera, les soltó la mano y casi los condenó al ostracismo. Al menos hasta 1971, cuando la pequeña Lion Records reedita un ignorado single del grupo en MGM -que los tuvo por menos de un año- llamado "Signs" como adelanto del disco que estaban próximos a lanzar allí, Goodbyes & Butterflies. El simple fue un éxito, llegando al #3 en las listas de EE.UU., pero eso no ayudó a las ventas del disco y el fracaso, esta vez, fue demasiado: la banda se separó en 1973 con un par de discos más -Coming Of Age en el '72 y Sweet Paradise en el '73- en el medio.

Pero eso, como siempre, no evita que podamos disfrutar de las viejas joyas olvidadas de este querido y querible grupo canadiense.

Five Man Electrical Band, Ídem
Capitol Records, 1969

1. Five Man Electrical Band (3:21)
2. Last Time I Saw Memphis (3:29)
3. Private Train (2:21)
4. Half Past Midnight (2:24)
5. Black Sheep Of The Family (2:23)
6. Maple Lane (3:00)
7. Fancy Dancin' Man (2:26)
8. We Go Together Well (2:24)
9. Didn't Know The Time (2:26)
10. Running Back (2:32)

Rippeado @ 192 kbps. | 37 MB aprox.

Personal
Les Emmerson - guitarra, voz
Brian Rading - bajo, voz
Ted Gerow - piano, órgano, voz
Mike "Bell" Belanger - batería, voz
Rick "Bell" Belanger - batería, voz

Ejemplo musical: originalmente lanzado como simple en 1967, "Half Past Midnight" fue -como dijimos arriba- el primer gran éxito de Five Man Electrical Band cuando aún eran The Staccatos. Esto hizo que los muchachos, obviamente, también lo incluyeran en su LP del '69.

Bajátelo de este lugar o de este.

Pacífico - La Bella Época

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Mon, 13 Jul 2009 09:17:18 PDT

Hemos hablado sobradamente en este blog de los inicios de la década del '70 en el rock de nuestra Argentina. En este sentido, hemos dejado bastante establecido que en aquellos días existían dos vertientes bien diferenciadas: por un lado -y de la mano de Billy Bond- se estilaba un rock pesado con raíces bluseras que propendían grupos como Pappo's Blues, Vox Dei o Pescado Rabioso. Por el otro, una ebullente vertiente acústica y folk de cuidados arreglos y armonías bellísimas era ignorada por el público masivo y confinada a devenires cási cofrádicos.

Es el caso de la banda que ilustra nuestro post del día, Pacífico. Se trata del segundo proyecto del artista plástico y fotógrafo Eduardo Martí quien, luego del breve trío Trieste (junto a Héctor Starc y Machi Rufino) se había aventurado con toda su lírica a cuestas a un proyecto de folk-rock progresivo junto al guitarrista Hugo Arbe y al flautista Miguel Ángel Pezzolano. Martí era, obviamente, un hombre de muchos amigos en el ambiente del rock nuestro y fueron algunos de ellos (el mencionado Starc, Emilio Del Guercio y Rodolfo García, por ese entonces promocionando su primer disco como Aquelarre) los que ayudaron inmensamente a que la banda pudiera publicar en 1972 y por Trova su primer y a la postre único registro discográfico, La Bella Época, que aquí ofrecemos.

Esto fue, claro, antes de disolverse tan silenciosamente como se habían formado, culpa esto de esta situación que describíamos más arriba: el público masivo evidentemente no comprendió la sutileza de los arreglos -por momentos plagados de ribetes de bossa nova, por otros herederos de Crosby, Stills & Nash y con inteligentes toques de jazz y momentos rockeros- de Pacífico, volcado mediática y publicitariamente a álbumes como Desatormentándonos, Pappo's Blues Vol. 2, el Volumen 2 de La Pesada (el disco de la oreja) o, en la faceta folk, al complaciente y adolescente estilo de los debutantes Sui Generis de Vida.

Porque si hay algo que La Bella Época no posee es simpleza, complacencia: Martí y sus compañeros rescatan los últimos atisbos del hippismo y la bohemia porteña en un clima intencionadamente amigable, calmo y agreste. Se trata de una propuesta, paradójicamente, nada improvisada pero evidentemente hecha en un clima de amistad y compañerismo que se traslada a cada nota y a cada armonía. Es sumamente destacable el fino trabajo de voces -aún pese a ciertos desatinos- y el entrecruzamiento y exploración de estilos de este disco, lo que a su vez acrecienta el fantasma de la "dificultad" con que se lo etiquetó en su tiempo.

Se trata, sin embargo, de uno de los mejores registros de aquel 1972, un reflejo claro de qué era lo alternativo al rock y blues entonces reinante; uno de los discos más olvidados de nuestro rock que, sin embargo, posee una peculiar reivindicación que tardó más de 30 años: en 1995, en su fundamental disco Chaco, los Illya Kuryaki And The Valderramas de Emmanuel Horvilleur (hijo de Martí) incluyeron como cierre de su poderosa "Remisero" los últimos versos de una de las canciones de La Bella Época, la bossa nova "Una Estela Sin Final", a manera de transición entre esta canción y la balada "Abismo". Este hecho, no más que una curiosidad, no logró rescatar demasiado del olvido a este grupo y su único y muy disfrutable registro.

Esperemos, sin embargo, que ustedes sí lo disfruten.

Pacífico, La Bella Época
Trova, 1972

1. Canción Para Un Pequeño Ladrón (7:02)
2. No Eras Vos, No Era Yo (3:12)
3. Ella Es Tu Hermana (6:07)
4. Mi Mágico Amigo (4:38)
5. Una Estela Sin Final (4:06)
6. Llanto de Un Atardecer (4:13)
7. Escapatoria (5:37)

Rippeado @ 192 kbps. | 50 MB aprox.

Personal
Eduardo Martí - guitarra acústica, percusión, voz
Hugo Arbe - guitarra acústica, percusión, viola, voz
Miguel Ángel Pezzolano - flauta, percusión, voz
Pedro Botti - piano
Héctor Starc - guitarra eléctrica en "Ella Es Tu Hermana" y "Escapatoria"
Emilio Del Guercio - bajo en "Ella Es Tu Hermana" y "Escapatoria"
Rodolfo García - batería en "Ella Es Tu Hermana" y "Escapatoria"

Ejemplo musical: una de las grandes canciones acústicas de La Bella Época, "Llanto De Un Atardecer", refleja perfectamente la esencia de Pacífico.

Bajátelo de acá y/o acá.

Bert Jansch & John Renbourn - Bert And John

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Mon, 25 May 2009 17:55:15 PDT

Si bien ustedes, caros lectores, quizás no lo recuerden, ya hemos hablado anteriormente de quienes hoy ilustran y adornan este post. Se trata de una alianza que unió a lo más interesante de la escena folk inglesa que, a mediados y finales de los años '60, era un hervidero de creatividades y propuestas. En medio de todos estos pujantes músicos que buscaban hacerse un lugar había dos tipos que se destacaban del resto.

Se trataba del escocés Bert Jansch, habilidosísimo guitarrista que -mudado a Londres en los albores de la década- tuvo la dicha de conocer a otro violero prodigioso, londinense él: John Renbourn. Jansch y Renbourn, ambos jóvenes, compartían un ávido interés por el folk instrumental y la mitología celta y -con esos antecedentes- se mudaron juntos a un apartamento en el suburbio (del noroeste de Londres) Kilburn, lugar que sería la base de operaciones del dúo de allí en más: Bert y John, además de compañeros de cuarto, serían en adelante partenaires en el escenario.

Juntos desarrollaron, a caballo de un complejo y fascinante interjuego de guitarras, un estilo propio conocido como folk baroque y que sirvió para que un disco maravilloso como Jack Orion de Jansch (donde Renbourn cumplió un rol clave) se convirtiera en material de referencia para todo el folk del Reino Unido. Pero no fue hasta que la alianza se cristalizó también de manera acreditada que este juego guitarrístico dio un salto de calidad fundamental.

Allí es donde entra a tallar el disco que ilustra este post, Bert And John. Primero -y único- de Jansch y Renbourn como dúo, es la muestra más cabal de cómo dos habilidades únicas para las seis cuerdas pueden unirse perfectamente, complementarse y crear algo sugestivo y novedoso. Es el pico más alto de creatividad de dos sujetos y se da en forma conjunta, lo que le confiere esa estela de simpleza aún en la complejidad de lo propuesto.

Sólo hay un par de canciones cantadas aquí -en la voz de Jansch- pero también eso alcanza para ver que sus dulces voces y sabias composiciones terminan de cimentar una idea que no sólo vive de instrumentales. Son canciones (algunas de ellas clásicos y tradicionales) breves, de apariencia simple y sentimiento cándido. Nada pretenciosas, conectan con la emoción del intérprete y el escucha a través de suaves melodías y de una cadencia singular dada por este interjuego que mencionábamos y que prueba ser un aspecto fundamental del álbum.

A partir de este dúo y mediante la añadidura de talentos (más notoriamente el contrabajista Danny Thompson y la cantante Jacqui McShee), la unión de Bert y John crecería hasta transformarse en un grupo clave de la mixtura entre folk y rock progresivo, Pentangle. Pero esa es otra historia: la clave de ambas carreras -extensas, prolíficas, geniales- la semilla de todo lo que iba a venir está aquí, en Bert And John. Dos talentos en su etapa más genial. Disfruten, amigos.

Bert Jansch & John Renbourn, Bert And John
Transatlantic Records, 1966

1. East Wind (1:22)
2. Piano Tune (1:37)
3. Goodbye Pork Pie Hat (3:51)
4. Soho (2:56)
5. Tic-Tocative (1:57)
6. Orlando (1:41)
7. Red's Favourite (1:33)
8. No Exit (1:26)
9. Along The Way (2:01)
10. The Time Has Come (2:49)
11. Stepping Stones (2:41)
12. After The Dance (2:26)
Bonus Tracks [Reedición Wooden Hill Recordings, 1998]
13. The Waggoner's Lad (de Jack Orion, Bert Jansch, 1966) (3:25)
14. Lucky Thirteen (de It Don't Bother Me, Bert Jansch, 1965) (3:34)
15. In This Game (outtake Nicola, Bert Jansch, 1967) (4:04)
16. Dissatisfied Blues (outtake Nicola, Bert Jansch, 1967) (2:55)
17. Hole In The Coal (orig. Pentangle) (5:23)
18. Bells (orig. Pentangle) (4:00)

Rippeado a 128-229 kbps. [VBR] | 67 MB aprox.

Personal
Bert Jansch - guitarra, piano, voz
John Renbourn - guitarra

Ejemplo musical: una de las pocas canciones cantadas del álbum es la rendición de Jansch y Renbourn de un (a la postre) clásico de la cantautora Anne Briggs, "The Time Has Come".

Escuchá acá y acá .

Roque Narvaja - Primavera Para Un Valle De Lágrimas

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Fri, 03 Apr 2009 15:23:55 PDT

Cuando en 1971 un joven cantautor llamado Roque Narvaja se retira del grupo que lo había lanzado a la fama, La Joven Guardia, para proseguir una carrera solista alejada del facilista beat que practicaba con su grupo emulando la moda de los EE.UU. de la época; contrariamente a lo que hoy -lejanamente- se idealiza del rock nacional de entonces su advenimiento no fue del todo bien recibido.

Y es que desde los comienzos el rock nacional, o música progresiva (como se la llamaba entonces), se había divorciado explícitamente de lo que llamaban "música complaciente", categoría en la que entraban grupos como Conexión Nº5 y, justamente, La Joven Guardia. Éxitos que en la Argentina de entonces eran los primeros estertores de una maquinaria comercial como el simple (compuesto por Narvaja) "El Extraño De Pelo Largo" lejos estaban de ser respetados. Eran combatidos, vilipendiados, estaban en la otra vereda.

En este aciago contexto, entonces, es lógico que el deseo de Narvaja -aunque auténtico- fuera recibido como una señal de oportunismo por todos.

O por casi todos, porque hubo desde los albores del rock argentino un músico que además de pionero se destacó por su apertura -heterodoxa, pero desprejuiciada- hacia músicos de toda extracción y estilo. Estamos hablando, claro, de Félix Litto Nebbia. Nebbia, un innovador desde el momento en que tomó una guitarra, entendió perfectamente que para que el rock fuera aceptado y venerado como una nueva expresión cultural nativa tan válida como el tango o el folclore había que llevar el mensaje a todas partes, comulgar con otros estilos, aprender y enseñar.

Y claro que fue lo que hizo: si para 1972 estaba grabando con el legendario percusionista (de profunda raigambre folclórica) Domingo Cura, luego se uniría a los veteranos jazzistas Jorge González y Néstor Astarita (con quienes grabaría discos claves como Melopea o Muerte En La Catedral) y, ya más adelante en el tiempo, juntaría esfuerzos con músicos tan diversos como Los Músicos Del Centro, el Cuarteto Zupay o Rubén Rada para grabar materiales siempre originales y respetuosos de una auténtica fusión.

Nebbia había conocido a Narvaja en sus primeros días en Buenos Aires, llegando incluso a colaborar en una película -que Litto protagonizó- llamada como el más grande éxito de La Joven Guardia, El Extraño De Pelo Largo, en 1969.

Ya por esos días Roque -junto con su compañero de grupo, el bajista Enrique Masllorens- había conocido la realidad sudamericana de la época, cambiando su hasta entonces liviana mirada por una mucho más comprometida. Por supuesto que a RCA (compañía que los había contratado) esto no le caía del todo bien, por lo que le cerraron todas las puertas a la nueva faceta de las canciones de Narvaja, que se aleja primero temporalmente del grupo en 1970 y luego definitivamente un año más tarde.

Nebbia, contrariamente a casi todo el rock de la época, apadrina a Narvaja quien gracias a su gestión edita en 1972 su primer y magnífico larga duración, Octubre (Mes De Cambios). Altamente politizado ("Camilo Y Ernesto" se inspira en los revolucionarios cubanos Cienfuegos y Guevara, por ejemplo), casi de protesta, se trata de un álbum magnífico en el que se advienen colaboraciones de Pedro Y Pablo y Domingo Cura además de netos aires folclóricos latinoamericanos en melodías sentidas y delicadas. Esta es la tendencia que Narvaja profundizaría en el disco que hoy presentamos, Primavera Para Un Valle De Lágrimas (1973).

La protesta sigue ahí, vehemente, en las sensacionalmente folclóricas "Balada Para Piba", "Palos Y Piedras" (con su pegadiza melodía que esconde metáforas de lucha) o "Voy A Comenzar"; pero también la melodía y el amor, omnipresente para Narvaja: "Acuérdate De Vivir..." y la "Dos Razones" que dedica a Raquel, su entonces mujer, son un fiel ejemplo de la pluma sensible por momentos, endurecida y determinada por otros de un Narvaja que además despliega todo el caudal de su bellísima voz en un volumen injustamente olvidado, datado pero igualmente eterno.

Narvaja llegó a grabar otro magistral disco, Chimango (1974) antes de que su férrea militancia peronista y su fama de cantor de protesta lo obligaran -amenazas de muerte mediante, claro- a emigrar a España cuando preparaba su cuarto material (el inédito Amén) en 1977. Allí se convierte -con éxito también- en un popular cantautor de pop lejos de la protesta.

Probablemente todos los problemas que sus ideas le habían causado, aunado esto a la obvia madurez y al triste final de la utopía peronista (que Narvaja ya había podido percibir en 1977, cuando emigró en plena dictadura militar) lo forzaran a replantearse muchas cosas y por ello haya abandonado su faceta más comprometida y menos popular. Pero los discos, afortunadamente, quedan como manifiestos y retratos de una época, a salvo del olvido. Bon appetit.

Roque Narvaja, Primavera Para Un Valle De Lágrimas
Talent, 1973

1. Palos Y Piedras (3:23)
2. Despedida De La Infancia (2:47)
3. Voy A Comenzar (3:37)
4. Zamba Para Daniel (3:27)
5. Acuérdate De Vivir... Acuérdate De Amar (4:18)
6. Dos Razones (4:31)
7. Zamba Del "Negro" Rosario (3:39)
8. Balada Para Piba (2:51)
9. Abismo Claro (3:46)
10. Primavera Para Un Valle De Lágrimas (4:00)

Rippeado @ 320 kbps. | 79 MB aprox.

Personal
Roque Narvaja - guitarras, armónica, flauta, voz
Enrique Masllorens - bajo
Freddy Zorogastúa - batería
"Litro E' Media" [Litto Nebbia] - piano, órgano
Rodolfo Alchourrón - cuerdas, coro

Ejemplo musical: primer y hermoso tema de Primavera Para Un Valle De Lágrimas: la conmovedora y combativa canción de protesta "Palos Y Piedras" donde Narvaja recurre a la metáfora del dragón que asusta para graficar el sentimiento de opresión de la década del '70 argentina.

Bajate este disco de acá o de acá.

Psiglo - Ideación

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Fri, 30 Jan 2009 09:47:09 PST

Este humilde blog suele tener como temática habitual los coletazos de brillantez que -quizás como ningún otro género- el rock progresivo generó en todo el mundo. Hemos visto ejemplos europeos de fuste (en Holanda, España, Alemania, Italia) y también algún argentino, pero el alcance del progresivo se nota muchísimo también al otro lado del Río de la Plata, en el vecino país de Uruguay. Es así que en los primeros años '70 nacieron allí propuestas como la que es hoy objeto de este post, Psiglo.

Psiglo fue una efímera -aunque reiteradamente reunida- agrupación que, cabalgando en un denodado hard rock en la moda de Deep Purple y Led Zeppelin (principales deudos) añadió sofisticadas instrumentaciones y tufillos psicodélicos para crear una propuesta original y que fue sorpresivamente exitosa: ya en su segundo single, "No Pregunten Porqué"/"Vuela A Mi Galaxia" sus ventas llegaban a disco de oro, cifra -no hace falta decirlo- sorprendente para una banda (y mucho más una de música progresiva) en Uruguay.

Pero la confianza del ambiente musical en el crecientemente popular quinteto que integraban el soberbio cantante Rubén Melogno, el talentoso guitarrista Luis Cesio, el bajista César Rechac, el tecladista Jorge García y el magnífico baterista Gonzalo Farrugia era mucha, y así es que en los albores de 1973 (y tras haber participado en multitudinarios recitales como el Festival de la Solidaridad) ingresan al estudio a grabar lo que a la postre sería su primer larga duración: Ideación, el álbum que ilustra este post.

Ideación, además de incluir nuevas versiones de los temas más populares de sus primeros singles (la evangélica "En Un Lugar Un Niño" y la explosión progresiva de "Vuela A Mi Galaxia") resultó una perfecta demostración de todas las potencialidades que Psiglo había demostrado en sus breves dos años de existencia: las canciones vadeaban entre riffs poderosos, sutilezas psicodélicas e incluso arreglos sinfónicos -revisar la preciosa balada "Catalina"- para conformar un cohesivo disco que inmediatamente capturó la atención del público convirtiéndose en el más importante de la historia de su país.

Mucho tenían que ver las temáticas que Psiglo (desde sus inteligentes letristas Melogno y Cesio) desarrollaba en sus canciones. La épica "Es Inútil" -que abre la cara B del álbum original- es una exhibición clara de esto: la voz de Melogno obsta a combatir la (por entonces creciente en ambos lados del Río de la Plata) represión de las ideas jóvenes, expresadas también por los músicos del grupo en las banderas comunistas que lucían en sus shows. Justamente por desarrollar estas ideas fue que su segundo álbum, Psiglo II, fue censurado tanto en Uruguay como en Argentina precipitando la separación del grupo; hecho que se vio aún más alimentado por los cruentos golpes de Estado que se dieron casi simultáneamente en ambos países.

Pese a esto nadie olvida a Ideación, que fue la muestra de que se podía hacer y pensar las cosas de manera muy diferente al orden establecido. Psiglo representó la rebelión en un momento en que esta era necesaria, y es por eso que fueron y son tan recordados: Ideación es una fotografía de sus tiempos, un muestrario de la vida de la juventud uruguaya.

Psiglo, Ideación
Clave I.E.M.S.A., 1972

1. Siénteme (2:15)
2. En Un Lugar Un Niño (3:54)
3. Catalina (3:38)
4. Vuela A Mi Galaxia (4:31)
5. Nuestra Calma (4:26)
6. Es Inútil (9:03)
7. No Pregunten Porqué (3:27)
8. Piensa Y Lucha (4:40)
Bonus Tracks
9. Gente Sin Camino (cara B, simple 1972) (6:09)
10. En Un Lugar Un Niño (cara A, simple 1972) (3:10)
11. Vuela A Mi Galaxia (cara B, simple 1972) (4:42)

Rippeado @ 192 KB | 67 MB aprox.

Personal
Rubén Melogno - voz, percusión
Luis Cesio - guitarra, voz
César Rechac - bajo, voz
Gonzalo Farrugia - batería, percusión
Jorge García - teclados, flauta dulce, voz
Cuarteto de Cuerdas del SODRE - cuerdas en "Catalina"
Nelson Pito Varela - saxo en "Es Inútil"
Eduardo Giovinazzo - trompeta en "Es Inútil"

Ejemplo musical: uno de los momentos altos de Ideación fue este festival de teclados con un riff furibundo llamado "Vuela A Mi Galaxia", canción que en formato simple había sido un éxito para la banda pese a ser un lado B.

Te lo podés bajar de acá.

Rage Against The Machine - The Battle Of Los Angeles

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Wed, 10 Dec 2008 12:38:27 PST

Pocos discos del mainstream de la década del '90 tuvieron lo que tenía éste, el tercer disco de los californianos de Rage Against The Machine: 45 minutos de pura violencia sónica desatada.

Así las cosas, lo que a la postre sería el último grupo de canciones originales del (afortunadamente) hoy reunido cuarteto que integran los mediáticos Zack De La Rocha (voz) y Tom Morello (guitarras) junto al bajista Tim Commerford y al baterista Brad Wilk se enorgullece -ya desde su arte- de que todos los sonidos que allí se escuchan han sido realizados con guitarras, bajo, percusión y voz en una suerte de reivindicación de lo orgánico.

Y es que lo que aquí se siente es un incendiario, apasionado, furioso manifiesto de raíces orwellianas (Nineteen Eighty-Four es influencia lírica primal, casi basal de las rimas de De La Rocha) en una mezcla de estilos que bien podría decirse refleja a las claras la mixtura que es y fue Rage Against The Machine: bases funk implacables y potentes, los rapeos de un De La Rocha indudablemente influido por Public Enemy, KRS-One y otros popes del hip-hop de protesta de finales de los '80 y las alucinantes, impactantes, efectivas guitarras de un dotado como Morello.

Rage Against The Machine es una tromba, no para. En la cara del mal, de todo lo que odia, escupe sus ideales con la fuerza indetenible de una verdad desatada, de una bronca contenida que debe salir. Si todos los discos de Rage son así, desde su autotitulado en el '92 pasando por el consagratorio Evil Empire del '96, The Battle Of Los Angeles es de alguna manera la amalgama de ambos: la violencia de aquel primer disco con los aires funk del segundo.

Todo esto abrazado íntimamente a la convulsión social de un 1999 difícil para los EE.UU.: el brutal asesinato de Amadou Diallo a manos de la policía de New York, la masacre de Columbine, el epicentro de la guerra de Kosovo, el cruento asesinato de Matthew Sheperd (que instauró las leyes por crímenes de odio), los asesinatos raciales perpetrados por John William King y Benjamin N. Smith, la muerte de John John Kennedy; todo eso sumado a lo que pasaba entonces en el mundo (la guerra entre rusos y chechenos, el tiroteo en el parlamento armenio) eran un caldo de cultivo casi ideal para una declaración de principios de esta magnitud y características. Casi se podría decir que las circunstancias lo necesitaban y ameritaban.

Así, Rage Against The Machine te grita, te apabulla con consignas sociales, con realidades duras y visiones inteligentes dentro de una de las propuestas musicales más interesantes de aquellos tiempos. Lo interesante es que fue el álbum más exitoso del grupo (elegido disco del año por la Rolling Stone, #1 según Billboard) en un movimiento atípico que seguramente podemos atribuir en parte al auge del nu metal pero quizás, sólo quizás, a la necesidad de una música que dejara un mensaje, que concientizara en tiempos de crisis y dolor caracterizados, a su vez, por una apatía alarmante por parte de la opinión pública mayoritaria.

Cuando en 2000 se separan, incluso, sonó como reconocer una derrota frente a la elección de George W. Bush como presidente de su país. Una vez más, su voz de denuncia hubiese sido necesaria, como lo fue durante estos siete años de ausencia y vacío de contenido en el rock (sensación aumentada por la separación de System Of A Down y el ostracismo de los cantantes de protesta). Hoy que han vuelto (proyectos solistas interesantes mediante: The Nightwatchman, One Day As A Lion), uno no puede hacer más que escuchar discos como éste y decir: ¡en buena hora!

Rage Against The Machine, The Battle Of Los Angeles
Epic Records, 1999

1. Testify (3:30)
2. Guerrilla Radio (3:26)
3. Calm Like A Bomb (4:58)
4. Mic Check (3:33)
5. Sleep Now In The Fire (3:25)
6. Born Of A Broken Man (4:41)
7. Born As Ghosts (3:21)
8. Maria (3:48)
9. Voice Of The Voiceless (2:31)
10. New Millenium Homes (3:44)
11. Ashes In The Fall (4:36)
12. War Within A Breath (3:36)

Rippeado @ 128 kbps. | 45 MB aprox.

Personal
Zack De La Rocha - voz
Tom Morello - guitarra, efectos
Tim Commerford - bajo
Brad Wilk - batería, percusión

Ejemplo musical: Rage Against The Machine en vivo en la Ciudad de México, presentando The Battle Of Los Angeles en uno de los DVDs musicales más incendiarios jamás editados: The Battle Of Mexico City, recomendadísimo de este espacio. Los vemos interpretando "Sleep Now In The Fire", tema insigne del disco cuyo provocador video musical -una intervención al NYSE, la bolsa de New York- fue dirigido por Michael Moore.

Bajátelo desde acá o acá.

Huinca - Ídem

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Wed, 10 Dec 2008 12:38:27 PST

En 1971 se termina el grupo iniciático de lo que fue el rock nuestro: Los Gatos. Las eternas diferencias entre el líder y compositor del grupo, Litto Nebbia, y el influyente guitarrista Pappo Napolitano sobre la dirección artística futura de la banda terminaron en una salomónica decisión: cada cual por su lado y todos contentos. Así, entonces, Pappo enfiló por fin hacia su esperado grupo solista Pappo's Blues (con Lebón y Black Amaya) y Litto terminó de decorar nuevas canciones para un futuro disco en solitario.

Por ciertos problemas contractuales, el disco no podría salir con la firma de Nebbia y entonces Litto decidió bautizar a su grupo de músicos como Huinca. Huinca era, entonces, un proyecto solista del ex-Los Gatos donde, pese al predominio de su guitarra y su voz, el resto de los integrantes aportaba -y mucho- de lo suyo: después de todo, el baterista era otro ex-Gatos, el maravilloso Oscar Moro; el bajista era Cacho Lafalce (quien había tocado en La Pesada de Billy) y el teclado era para un virtuoso llamado Gabriel Ranelli. Buenos músicos, de los mejores de su época, y en sintonía.

Sin embargo, lejos de ser lo más importante, la formación -e incluso el liderazgo de Nebbia- era anecdótico: lo sumamente interesante de aquel primer disco autotitulado de Huinca era lo ajustadas, rockeras y arriesgadas que sonaban sus composiciones. Nebbia definitivamente buscaba una dirección entre el blues ("Cadenas Y Moneda", quizás el tema más simbólico de este período, así lo demuestra), el folk ("Alunar" es un pleno ejemplo de ésto y de la poesía de Litto) y el rock denodado y avasallante pero delicado de soberbias piezas como "Chocolates (Para Ud.)", "Gritar Y Amar Es Luchar" o "Por Algo Es" donde como dijimos antes lejos queda la figura de Nebbia como punta de lanza sino que se nota una sinergia grupal, un calor llamativo. El entendimiento de la batería de Moro con el bajo de Lafalce, los diálogos y soleos de Nebbia y Ranelli, los corales que adornan cada canción, todo nos habla de una banda que parecía bien formada.

Lamentablemente para el rock nacional, tanto no lo era que no sólo el disco -editado por el pequeño sello Trova- tuvo una bajísima tirada que importó muy poco al lado de monstruos como el segundo disco de Pappo's Blues (irónicamente), el debut de Pescado Rabioso o Vida y fue el detonante para que Nebbia decidiera prescindir de los servicios de los tres músicos que lo acompañaban; quienes formarían el brevísimo trío instrumental Aquarium para luego iniciar la diáspora (que, por ejemplo, terminaría con Moro en Color Humano) y dejar olvidada esta efímera formación.

Tan olvidada está que la única edición disponible de Huinca es en un disco conjunto con Despertemos En América, disco solista de Nebbia en el que ambos álbumes aparecen con la autoría de Litto (quien, claro, es dueño de las grabaciones con su sello Melopea). Desde este pequeño espacio, entonces, optamos por divorciar este disco de aquel -como se debe- para darle su justo y merecido lugar como uno de los secretos mejor guardados de todo el rock nuestro. Disfruten.

Huinca, Ídem
Trova, 1972

1. Preludio (1:42)
2. Gritar Y Amar Es Luchar (6:26)
3. Harlem (2:13)
4. Cadenas Y Moneda (7:11)
5. Posludio (0:56)*
6. Yo Soy Tu Voz (3:26)
7. Alunar (4:43)
8. Chocolates (Para Ud.) (4:21)
9. Canción Para Ramona (2:42)
10. Por Algo Es (5:37)

Rippeado @ 128 kbps. | 36 MB aprox.

* El lado "A" del vinilo terminaba en esta canción, por ello la sucesión de "Preludio" en track #1 y "Posludio" en el #5.
Pequeña anécdota: la tapa muestra a los miembros de la banda, incluyendo a Nebbia quien, para burlar la prohibición de grabar con otra disquera que no fuera RCA (con quienes se había peleado por la no-edición de Nebbia's Band tras la disolución de Los Gatos), aparece de espaldas a la cámara.

Personal
Litto Nebbia - voz, guitarras eléctrica y española, armónica, coros
Cacho Lafalce - bajo, coros
Gabriel Ranelli - piano eléctrico, órgano
Oscar Moro - batería, percusión
Mario Tenreyro - corno en "Por Algo Es"
Chino Rossi - percusión en "Por Algo Es"

Ejemplo musical: soberbia canción de Huinca es su octavo tema, "Chocolates (Para Ud.)". Furioso pero sutil rock donde los teclados, la guitarra y las cuidadas voces y arreglos se entrecruzan con inteligencia.

Bajalo de por acá.

Gorky's Zygotic Mynci - How I Long To Feel That Summer In My Heart

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Thu, 13 Dec 2007 17:22:46 PST

Siguiendo con lo que hablábamos en la entrada anterior es justo que mencionemos a la otra importantísima pata de aquella interesantísima oleada galesa de finales de los '90. Se trata de un cuarteto de Carmarthen (al oeste del país) llamado con el excéntrico nombre de Gorky's Zygotic Mynci, cuya carrera arrancó cuando eran muy jóvenes, a finales de los '80. Sin embargo, no se establecen profesionalmente hasta el '91 cuando a su vez logran catalizar la formación que los caracterizará durante el resto de su carrera: Euros Childs en voz y teclados, John Lawrence en guitarra, Richard James en bajo, Euros Rowlands en batería y la hermana de Childs, Megan, en violín.

Como los Furries, Gorky's Zygotic Mynci (cuyo nombre es un homenaje al filósofo ruso Maxim Gorky) practicaban en sus inicios un rock de netas raíces psicodélicas de variadas influencias, entre las que se pueden citar a la escena de Canterbury de fines de los '60, a Captain Beefheart y a algo del folk psicodélico inglés. Sus primeros discos Patio ('92), Tatay ('94) y Bwyd Time ('95) fueron editados por el sello galés Ankst y son bastante variados tanto en lenguaje (introducen canciones en galés como en inglés) como en estilística, mezclando un poco de todo lo antedicho: temas muy calmos con algunos momentos más densos y climáticos, canciones convencionales con volátiles y desestructuradas composiciones.

Su pasaje al sello Fontana, así como su decisión por optar por Gorwel Owen (de trabajo con Super Furry Animals) como productor marcaba sus deseos de entrar al mercado estadounidense. Y así lo hicieron, primero con una despareja compilación de sus años en Ankst (Introducing, '96) y luego con un decidido acercamiento al folk de delicados arreglos llamado Barafundle (1997). Este disco les abrió las puertas a este mercado y también les definió un sonido decididamente relajado y sutil, línea que mantendrían en buenos volúmenes como Gorky 5 ('98) y Spanish Dance Troupe ('99), y refinarían con mucho mejor acierto en su mejor trabajo, How I Long To Feel That Summer In My Heart (2001).

Lamentablemente los conflictos internos (producto del desgaste de una relación de años y de las constantes giras, grabaciones, ensayos pero fundamentalmente del desarraigo de un grupo que ya se había instalado en los EE.UU.), que habían hecho a las salidas de Lawrence y James, miembros fundadores, llevaron al grupo a llamarse a un largo silencio después de un irregular disco llamado Sleep/Holiday ('02); hiato que duró hasta mayo de 2006, cuando anunciaron su separación definitiva.

Gorky's Zygotic Mynci, How I Long To Feel That Summer In My Heart
Mantra, 2001

1. Where Does Yer Go Now? (3:56)
2. Honeymoon With You (2:15)
3. Stood On Gold (2:54)
4. Dead-Aid (3:23)
5. Cân Megan (3:18)
6. Christina (5:18)
7. Easy Love (2:20)
8. Let Those Blue Skies (3:01)
9. These Winds Are In My Heart (4:24)
10. How I Long (4:08)
11. Her Hair Hangs Long (5:01)
12. Hodgeston's Hallelujah (2:36)

Rippeado @ 160 kbps. | 50 MB aprox.

Personal
Euros Childs - guitarras acústica, eléctrica, española, piano, hammond, moog, armonio, clave, autoharp, percusión, voz
Peter Richardson - bajo, batería, percusión, clave, pandereta, efectos
Euros Rowlands - batería
Megan Childs - violín, piano eléctrico, hammond, rhodes, armonio, clave, vibráfono, würlitzer, voz, coros
Gorwel Owen - órgano, piano, hammond, rhodes, armonio, clave, vibráfono, glockenspiel, e-bow, cítara, sho, efectos
Les Morrison - banjo
Gary Alesbrook - trombón, trompeta
Frank Schaefer - cello
Anthony Lewis - cello
Rebecca Brown - viola
Bruce White - viola
Harriet Davies - violín
Sally Herbert - violín
Jacqueline Norrie - violín
Sonia Slany - violín
Norman Blake - voz, coros

Ejemplo musical: el tema que da cierre al disco se llama "Hodgeston's Hallelujah" y es una verdadera delicia. Disfruten.

Se baja de acá.

Gastr Del Sol - Camoufleur

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Wed, 10 Dec 2008 12:38:28 PST

En la entrada anterior discurrimos plácidamente sobre el math rock, este extraño subgénero cuya peculiar etiqueta entraña una habilidad particular para crear extrañas estructuras y aún más peculiares canciones. Pues si de pioneros del estilo se trata, algo que nos gusta hacer acá es descubrirlos. En este estilo, una luz guía fue la emitida durante la década del '90 por Gastr Del Sol, colectivo de ilustres desconocidos que dieron a luz algunos de los discos más interesantes de toda la movida.

Básicamente Gastr Del Sol fue en un principio el proyecto solista del pope del math rock David Grubbs quien del '93 al '98 se rodeó de otros habitués de bandas de la movida. Grubbs tenía, antes de la banda que nos convoca, un nutrido currículum que lo ubicaba en bandas clave del estilo como Squirrel Bait y Bastro. Para la primer encarnación de su nuevo proyecto convoca a Bundy Brown y John McEntire, dos ex Bastro también. Pero estos lo abandonan y se unen a Tortoise; por lo que el multitalentoso Jim O'Rourke se acerca a la banda.

O'Rourke y Grubbs formarían desde entonces una interesante alianza que haría su primer mella en el rock en el '94, con un disco mayormente acústico llamado Crookt, Crackt Or Fly. La genialidad de Gastr Del Sol estaba en reducir la bola sónica del math a una expresión cuasi minimalista sin perder ni un poco de la actitud desafiante y la frescura de sus coetáneos. Por eso todos empezaron a seguir el derrotero de este grupo que tuvo otras dispares y experimentales piezas en su haber: el EP Mirror Repair del '95, donde agregan elementos electrónicos que a la postre serían característicos del grupo; el proyecto de música de cámara The Harp Factory On Lake Street ('95) y un relajado y exquisito volumen con adiciones de cuerdas, Upgrade And Afterlife ('96).

Como no podía ser de otro modo, el éxito les era esquivo, lo que tenía dos ramificaciones (o visiones) posibles: la primera es que esto les permitía experimentar; la otra, que los frustraba. Algo de ambos factores hubo, porque si bien en 1997 O'Rourke abandona el barco, éste deja un bellísimo canto de cisne: Camoufleur, una colección de piezas de entramado pop con orquestaciones y momentos electrónicos de fuste, líricas laberínticas y, por sobre todo, nada de pretensión. Una joya.

Gastr Del Sol, Camoufleur
Drag City, 1998

1. The Seasons Reverse (5:50)
2. Blues Subtitled No Sense Of Wonder (6:31)
3. Black Horse (5:23)
4. Each Dream Is An Example (5:40)
5. Mouth Canyon (3:47)
6. A Puff Of Dew (6:19)
7. Bauchredner (7:09)

Rippeado @ 128 kbps. | 45 MB aprox.

Personal
David Grubbs - guitarra, voz, sintetizadores, teclados, programaciones
Jim O'Rourke - guitarra, sintetizadores, teclados, programaciones, percusión
Markus Popp - guitarra, bajo, teclados, programaciones
Darin Gray - bajo
John McEntire - batería
Edith Frost - voz
Julie Pomerleau - violín, viola
Maureen Loughnane - violín
Jeb Bishop - trombón
Ken Vandermark - clarinete
Rob Mazurek - corneta
Jeremy Ronkin - trompa
Steve Butters - percusión
Stephen Prina - coros

Ejemplo musical: la apertura de Camoufleur es una bella composición pop llamada "The Seasons Reverse".

Bajalo acá.

Hella - Hold Your Horse Is

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Wed, 10 Dec 2008 12:38:28 PST

Nuestro primer coqueteo con el casi absurdo término math rock se dio muy por la tangente, cuando en una semblanza mencionábamos al ex baterista de una banda pionera del subgénero, Bastro. Al ser este tratamiento tan secundario, nunca nos dimos tiempo para describir de qué iba toda la idea de una etiqueta tan peculiar y de apariencia caprichosa. Entonces, qué les parece si antes de referirnos a la banda y al disco que son objeto de nuestro post hacemos una breve semblanza del género?

Se denomina math rock a un derivado del rock progresivo caracterizado por sus complejas estructuras rítmicas, ordenadamente caóticos contratiempos, riffs disonantes, baterías de compases poblados y algún que otro influjo electrónico (en especial en las bases). Toda esta maraña sónica da como resultado un prolijo desorden sin control, una fuerza implacable y abrumadora que genera una música única, absolutamente atípica y que automáticamente llama la atención.

Pese a ser sólo moderadamente popular en su tiempo, el math rock se las arregló para sobrevivir con bastante cancha gracias a la severa influencia que la electrónica está teniendo en el rock actual. Esto genera una revalorización de aquellos primeros valores heterogeneizantes, aunado este factor a un cierto rescate vintage de la idea de recrear las máquinas con instrumentos. Algo así sucedió con la banda que nos ocupa, los californianos de Hella.

Formados en 2001 como un dúo cuyos miembros eran el guitarrista Spencer Seim y el soberbio baterista Zach Hill, su propuesta es un sanguíneo, poderoso math rock con mucha influencia hardcore. En 2002 editan su primer producción, Hold Your Horse Is, gracias al apoyo conseguido a partir de sus poderosísimos shows. La habilidad interpretativa del dúo es tal que parecen robots, Hill desde sus inhumanos ritmos percusivos y Seim ejecutando riff tras riff de guitarra.

El disco es un compendio de abrasivos, ácidos rompecabezas instrumentales sin un solo momento de calma, plagado de una potencia que a veces abruma pero que generalmente impacta. Lo más increíble de Hella es que parecen no poder parar, querer mejorarse a cada momento, regodearse en su propio poder. Cada silencio es tan solo un impulso que toman para volver a golpear una y otra y otra vez.

A partir de este duro inicio, los chicos comenzaron a experimentar. Para sus posteriores grabaciones agregaron sintetizadores y bajos, mientras que en 2005 editaron un disco doble llamado Church Gone Wild/Chirpin' Hard que es un doble con material solista de cada miembro por separado. A fines de ese año agregan dos miembros más y en 2006 delinean el quinteto con el que en enero de este año editaron su última producción, There's No 666 In Outer Space por Ipecac, el sello de Mike Patton.

Hella, Hold Your Horse Is
5 Rue Christine, 2002

1. The D. Elkan/Biblical Violence (3:47)
2. Been A Long Time Cousin (3:50)
3. Republic Of Rough And Ready (3:44)
4. 1-800-GHOST-DANCE (3:40)
5. Brown Metal (3:58)
6. Cafeteria Bananas (3:40)
7. City Folk Sitting, Sitting (7:06)
8. Better Get A Broom! (4:26)

Rippeado @ 192 kbps. | 48 MB aprox.

Personal
Spencer Seim - guitarra
Zach Hill - batería

Ejemplo musical: momento altísimo de velocidad, urgencia y perfección sónica de Hold Your Horse Is: "1-800-GHOST-DANCE". Agárrense.

Bajalo acá.

Neutral Milk Hotel - In The Aeroplane Over The Sea

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Mon, 10 Dec 2007 17:42:14 PST

Existen ocasiones en las que se hace extremadamente difícil no caer en la complacencia de elogiar sobremanera a un determinado disco o artista. Pues en este caso esta profecía se cumple: In The Aeroplane Over The Sea, el segundo y final registro de Neutral Milk Hotel, es sencillamente una de esas ineludibles obras maestras que aparecen muy de vez en cuando en el rock y que, cuando salen, hacen un ruido que sólo es equiparado por su brillantez.

Neutral Milk Hotel no era más que el proyecto solista de Jeff Mangum, pope de un sello clave de la movida indie de los '90: Elephant 6. Extremadamente tímido, introspectivo hasta casi la misantropía, sensible y multi talentoso, Mangum decidió un buen día que era hora de mostrar sus atributos y, entre el '91 y el '93, sacó varios demos y en el '94 el EP Everything Is. La repercusión para este bohemio que vivía en los armarios de sus amigos llegó en marzo del '96 con el primer lanzamiento formal de Neutral Milk Hotel: On Avery Island.

El disco recibió ilimitadas loas por parte de la prensa especializada, y le ganó a Mangum un status que le permitió completar su banda y fundar Elephant 6. En el '98 todo explota: radicado en New York definitivamente da la forma y edita su más preciado material, In The Aeroplane Over The Sea. Las extrañas instrumentaciones y voces del grupo, las líricas de temáticas infantiles pero con sombrías referencias mortuorias y poéticas intrincadas, todo estaba perfectamente expresado en once gemas de tanta influencia folk como actitud rockera, experimentalidad velada y una sensibilidad sumamente particular.

Toda esta atención intimidó al naturalmente introspecto Mangum quien, a consecuencia de tanto éxito tan repentino, se volvió errático hasta decidir terminar el grupo en diciembre de ese año. Un solo show más hubo, en Australia en 2001 y luego Neutral Milk Hotel desapareció para siempre. Planes de lanzar discos de rarezas fueron desestimados por las terminantes negativas de Mangum quien tampoco piensa volver a la música.

Enjuguen la pena de un genio que no está con su máxima maravilla.

Neutral Milk Hotel, In The Aeroplane Over The Sea
Merge, 1998

1. The King Of Carrot Flowers Part One (2:00)
2. The King Of Carrot Flowers Parts Two And Three (3:06)
3. In The Aeroplane Over The Sea (3:22)
4. Two-Headed Boy (4:26)
5. The Fool (1:53)
6. Holland, 1945 (3:12)
7. Communist Daughter (1:57)
8. Oh Comely (8:18)
9. Ghost (4:08)
10. Untitled (2:16)
11. Two-Headed Boy Part Two (5:14)

Rippeado @ 224 kbps. | 61 MB aprox.

Personal
Jeff Mangum - voz, guitarra, bajo, órgano, tom, radio de onda corta, cassettes
Robert Schneider - bajo, órgano, piano, coros
Jeremy Barnes - batería, órgano
Julian Koster - Wandering Genie, serrucho, banjo, acordeón, ruido blanco
Scott Spillane - trompeta, flugelhorn, trombón, bombardino
Merissa Bissinger - saxo, flugelhorn
Laura Carter - zanzithophone
Michelle Anderson - gaita irlandesa
Rick Benjamin - trombón

Ejemplo musical: el tema que le da título al disco, preciosa y ensoñada canción de amor. Nótense la fuerte presencia del serrucho y la extraña guitarra de Mangum.

Bajate esta maravilla de acá.

Stephen Malkmus And The Jicks - Stephen Malkmus

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Mon, 10 Dec 2007 15:39:41 PST

En 1999 se terminó el recorrido musical como grupo de la banda más relevante de la década pasada: Pavement. Desde una posición absolutamente libre e independiente, el grupo liderado por el señor a quien refiere este post le mostró tanto a sus colegas como al resto del mundo una forma tanto o más valedera y auténtica de hacer rock: la indie. A partir los preceptos (sonoros y de los otros) de esta banda californiana crecieron (y aún crecen) infinidad de grupos de rock a los que la experiencia Pavement les ayudó a creer en sí mismos.

Stephen Malkmus era el alma máter de esa agrupación. Cierto es que compartía el liderazgo del grupo con el exótico Scott Spiral Stairs Kannberg. Pero la mayor parte del cúmulo compositivo, discursivo, melódico y creativo corría por parte de Malkmus, un tipo singularmente prolífico y con un particular sentido del humor; cualidades a las que le suma una aguda certeza para ver el mundo. Por eso fue exitoso en sus tiempos, y por eso aún hoy muchos lo seguimos con ansiedad.

Es que después de Pavement, Stephen obviamente no se pudo quedar quieto. Si bien recién en 2001 sus ideas tuvieron registro discográfico con Stephen Malkmus, su banda soporte The Jicks data de principios de 2000. Los miembros iniciales de esta banda eran dos trotamundos under de Portland como el baterista John Moen y la bajista Joanna Bolme, ambos ex Elliott Smith. Con ellos Malkmus grabaría entonces su primer registro post-Pavement, el que Matador obligaría a titular con el nombre del líder de la banda como ya lo había hecho previamente con el grupo (la intención de Malkmus era llamarla sólo The Jicks).

El álbum es un buen paso adelante en lo mostrado por Pavement en Terror Twilight. Las canciones son delicados entramados de guitarra con la extrañamente atractiva voz de Malkmus canturreando sagaz. Hay un componente amoroso interesante (y ausente en Pavement), así como una saludable propensión a la indulgencia guitarrística que nos exhibe al gran Stephen como un buen intérprete de las seis cuerdas. Es importante decir que este disco lo trajo a nuestro país allá por el '02.

El torrente compositivo de Malkmus no se detendría: dos años después editaría otro soberbio disco, Pig Lib. En 2004 y sin The Jicks, graba Face The Truth (presentando éste disco volvió y dio un par de shows soberbios) y este año termina de grabar un disco. Con fecha de edición marzo '08 y título Real Emotional Trash, lo muestra unido a los Jicks de nuevo y, a juzgar por los adelantos, en gran salud.

Esperemos a marzo mientras disfrutamos esta joyita.

Stephen Malkmus And The Jicks, Stephen Malkmus
Matador, 2001

1. Black Book (4:23)
2. Phantasies (2:40)
3. Jo Jo's Jacket (4:01)
4. Church On White (3:20)
5. The Hook (3:03)
6. Discretion Grove (3:14)
7. Troubbble (1:40)
8. Pink India (5:54)
9. Trojan Curfew (4:06)
10. Vague Space (2:56)
11. Jenny And The Ess-Dog (2:45)
12. Deado (3:35)

Rippeado @ 192 kbps. | 60 MB aprox.

Personal
Stephen Malkmus - voz, guitarra, bajo, sintetizador, teclados
Joanna Bolme - bajo
John Moen - batería, percusión, coros

Ejemplo musical: uno de los singles de Stephen Malkmus fue esta gran canción de amor llamada "Jenny And The Ess-Dog" donde el talento como cantautor de Malkmus construye una historia conmovedora y verosímil.

Bajátelo de acá.

Santana - Abraxas

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Sun, 09 Dec 2007 12:43:34 PST

Pese a su ahora devaluada figura de compositor adult contemporary, Carlos Santana tuvo en los años '70 un rol clave en el establecimiento y la expansión del rock latino en los Estados Unidos.

A partir de su ya mítica actuación en el no menos legendario festival de Woodstock de 1969, la atención del ávido público de rock estadounidense comenzó a centrarse en este guitarrista y compositor mexicano nacido en 1947. Santana, junto con la banda que nucleó bajo su apellido, había editado en el año del festival un soberbio primer disco autotitulado que llegó a doble platino apoyándose en sofisticadas estructuras percusivas mezcladas con un rock que tenía mucho que ver con lo que estaba en auge en aquel momento: el blues-rock ya en los albores del progresivo.

La habilidad guitarrística de Santana (un intérprete con mucho feel e inteligencia, capaz de crear patrones muy personales) era ya motivo de conversación y admiración, llegando en aquel agosto de 1969 a un punto álgido. Santana y los suyos entendieron que era necesario entonces dar un salto adicional de calidad. Mucha de la responsabilidad de que Abraxas, su segundo disco, se convirtiera en un éxito tan impensado como enorme la tiene el pianista Alberto Gianquinto, quien le sugirió al grupo concentrarse en hacer canciones y no en las extensas improvisaciones percusivas que habían marcado el primer álbum del grupo.

Así, los temas propios del grupo eran matizados con inteligentes versiones de lo más diverso: la eficaz reinterpretación del clásico del Fleetwood Mac "Black Magic Woman" era sucedida por una revisión no menos sagaz de "Oye Como Va", del legendario salsero cubano Tito Puente. Todo esto le daba a Abraxas una tonalidad tañida de contenido latino, pero indudablemente rockera en lo que era un acercamiento innovador y seductor a la música hispana.

Sea como fuere, el espaldarazo de Woodstock fue perfectamente aprovechado por un grupo que se mostraba en su plenitud: después de Abraxas, Santana editaría los increíbles Santana III ('71) y Caravanserai ('72). A esto le seguiría una especie de viaje espiritual de Carlos con John McLaughlin (en el '72 editaron juntos un soberbio LP llamado Love, Devotion, Surrender). Esto resultó en una deserción masiva de los miembros de la banda, disconformes con un Santana decididamente inclinado a la fusión que desde la Mahavishnu Orchestra fogonaba su gurú.

De la etapa latina de Santana, entonces, nos queda esta joyita. A disfrutar.

Santana, Abraxas
Columbia, 1970

1. Singing Winds, Crying Beasts (4:53)
2. Black Magic Woman/Gypsy Queen (5:17)
3. Oye Como Va (4:17)
4. Incident At Neshabur (4:59)
5. Se A Cabo (2:52)
6. Mother's Daughter (4:30)
7. Samba Pa Ti (4:47)
8. Hope You're Feeling Better (4:19)
9. El Nicoya (1:41)

Rippeado @ 128 kbps. | 35 MB aprox.

Personal
Carlos Santana - voz, guitarra
David Brown - bajo
Michael Shrieve - batería
Gregg Rolie - teclados, voz
Alberto Gianquinto - piano
José Chepito Areas - percusión, congas, timbales
Michael Carabello - percusión, congas
Rico Reyes - percusión

Ejemplo musical: breve botón de muestra de lo que Santana proponía: "Se A Cabo", buena mixtura de raíces latinas y dejos progresivos.

Bajátelo de acá.

Screeching Weasel - Boogadaboogadaboogada!

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Sat, 08 Dec 2007 14:53:04 PST

Cada vez que este blog se ponga muy solemne, podría venir una patada de éstas para mover un poco otra cosa que no sean las neuronas. Y es que con su sentida e intencional fuerza, su descarnada velocidad y su ácido y sencillo humor el punk rock muchas veces nos hace entender a todos los que apreciamos la música que hay más en este mundillo que métricas insondables, arreglos sofisticados y líricas profundas.

En el rock también es más que necesario apreciar cosas como ésta: Screeching Weasel. Gracias a este tremendo grupo de punk rock formado en Chicago a mediados de los '80, muchos chicos entusiastas supieron que con un sentido del humor y una afición musical que les permitiera tocar rápido un par de acordes, podían hacer ruido. Esos chicos hoy son los Green Day y los All-American Rejects de nuestra generación.

Seguramente algo de ruido les habrá hecho en la cabeza este Boogadaboogadaboogada!, segundo álbum de los liderados por Ben Weasel (Foster en el documento) y John Jughead Pierson. Es que fue uno de los primeros discos en comprimir dentro de intensísimos cuarenta minutos una compulsión por las canciones divertidas, rápidas, dinámicas e impactantes. Weasel y los suyos no son sólo chicos que no saben tocar muy bien todavía. Más bien todo lo contrario: saben bien a lo que apuntan y cómo hacerlo.

Cómo explicar las irónicas letras, las estructuras tañidas de ska y hardcore, los gritos de rebeldía cuasi anárquica y todos esos altos momentos que Boogadaboogadaboogada! le dejó a muchos. Falta decir que hasta el momento se mantiene como el más exitoso disco del extenso catálogo de Screeching Weasel, una banda con un desfile casi interminable de miembros y tres rupturas/reuniones (sí, tres) hasta su separación definitiva en 2004.

Disfruten.

Screeching Weasel, Boogadaboogadaboogada!
Lookout! Records, 1988

1. Dingbat (2:00)
2. Love (1:50)
3. Zombie (1:37)
4. This Ain't Hawaii (1:52)
5. We Skate (0:12)
6. Police Insanity (1:17)
7. Stupid Over You (2:11)
8. Runaway (0:33)
9. I Hate Led Zepplin (1:07)
10. My Right (2:57)
11. Nicarauga (0:58)*
12. Sunshine (2:45)
13. I Wanna Be Naked (1:45)
14. Ashtray (2:01)
15. American Suicide (1:13)
16. Psychiatrist (2:33)
17. Mad At The Paper Boy (1:07)
18. I Love To Hate (1:03)
19. More Problems (1:19)
20. Supermarket Fantasy (1:30)
21. Holy Hardcore (1:25)
22. Professional Distribution (1:47)
23. Used Cars (0:47)
24. Hunter (0:22)
25. I Believe In UFOs (3:17)
26. Hey Suburbia (1:58)

Rippeado @ 160 kbps. | 49 MB aprox.

* No es un error de tipeo sino uno de los tantos chistes de Ben Weasel, quien llamando así la canción enfatiza la temática de la misma, en la que afirma que no le interesa el convulsionado estado político de la Nicaragua sandinista.

Personal
Ben Weasel Foster - voz, guitarra
John Jughead Pierson - guitarra
Warren Fish Fischer - bajo
Steve Cheese - batería

Ejemplo musical: buena muestra de lo melodiosos que podían ser los Screeching Weasel: "Sunshine", punto álgido de Boogadaboogadaboogada!.

Bajá este disco haciendo click acá.

Blue Cheer - Vincebus Eruptum

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Wed, 10 Dec 2008 12:38:28 PST

Si tuviéramos que definir un punto desde donde el metal, el stoner y hasta el grunge comenzaran, muy probablemente se trataría de enero de 1968, mes en el que saliera el primer disco de un entusiasta trío de rock duro y psicodélico llamado Blue Cheer. Vincebus Eruptum se llamaba el disco, y era una obra que se distanciaba bastante de lo que el psych de aquellos años tenía para ofrecer.

El álbum que Dickie Peterson (bajo y voz), Leigh Stephens (guitarra) y Paul Whaley (batería) habían concebido era descarnadamente agresivo, poderoso y directo. Parecía un mal viaje de LSD por su psicodélica fuerza: guitarras elevadas, batería estruendosa y la voz de Peterson confrontacional, implacable. Su rendición del clásico de Eddie Cochran "Summertime Blues", que abría el disco, era casi un manifiesto: habían deformado la canción hasta transformarla en un torrente de poder con un ritmo indetenible (y que un largo tiempo después muchas bandas siguen intentando emular). En sus breves seis temas Blue Cheer se mostraba duro pero inteligente, distorsionado pero cuidado.

El grupo se había formado en San Francisco (California) en 1966 y como cuarteto. Ya en 1967 eran el trío que se menciona arriba; con el que grabaron en el mismo 1968 este disco y su estupendo continuador OutsideInside, doble de mayor injerencia psicodélica, más sutileza y menos fuerza. El gran tema de la banda fueron sus permanentes cambios de alineación que los llevaron de cuarteto (con teclados) a trío y viceversa. Aún pese a esto sacaron un par de discos muy interesantes en 1969: New! Improved! (disco doble entre cuarteto y trío) y Blue Cheer; y uno más, The Original Human Being (1970) ya sólo con un miembro fundador (Peterson).

En 1971 editaron un sexto e irrelevante disco, Oh! Pleasant Hope, y al ver que éste fracasaba, se separaron. La llama mística que Peterson, Stephens y Whaley habían encendido se apagaba, y nadie más que ellos podía conservarla. En los '80, vuelven otra vez como trío y, con Whaley en el sillín, editan un nuevo disco (The Beast Is Back, 1984) y un soberbio directo, Blitzkrieg Over Nüremberg ('89).

Nunca el suceso los alcanzó como en Vincebus Eruptum, pero el status místico alcanzado con sus primeros discos les ha servido para seguir activos hoy en día.

Blue Cheer, Vincebus Eruptum
PolyGram, 1967

1. Summertime Blues (3:47)
2. Rock Me Baby (4:23)
3. Doctor Please (7:53)
4. Out Of Focus (3:58)
5. Parchment Farm (5:50)
6. Second Time Around (6:18)

Rippeado @ 256 kbps. | 44 MB aprox.

Personal
Dickie Peterson - bajo, voz
Leigh Stephens - guitarra
Paul Whaley - batería

Ejemplo musical: la increíble versión del "Summertime Blues" de Eddie Cochran que Blue Cheer registrara en Vincebus Eruptum.

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Astor Piazzolla - Libertango

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Wed, 10 Dec 2008 12:38:28 PST

Había que volver. Y qué mejor manera de hacerlo que publicando uno de esos discos que de verdad cambió la cabeza de mucha gente, derribando prejuicios y uniendo inquietudes en una sola música, maravillosa y muy seductora?

Eso es lo que hizo en 1974 Astor Piazzolla, soberbio bandoneonista y arreglador nacido en 1921 en Mar Del Plata. Desde muy joven ya, y apadrinado por Aníbal Troilo (de quien fuera orquestador), se hizo fama de músico ambicioso. Esta fama le ganaría también una obvia incomprensión por parte de la raíz más profunda del tango clásico que lo tildaba (poco más) de hereje. Y tal vez así era: Astor no componía tangos bailables sino profundas e intrincadas suites donde las guitarras eléctricas se entrecruzaban con arreglos de bandoneón de corte progresivo e instrumentaciones neoclásicas y barrocas muy impropias de un estilo al que, era ya obvio, superaba.

Quizás por eso su fama se extendió más en países que no fueran el suyo, lo que motivó a Piazzolla a alejarse de la Argentina en 1954. A su regreso, este hombre que ya tenía estudiados a Bartók, Strawinski y el jazz es otro. Su revolucionario Octeto Buenos Aires coquetea con la clásica, las rítmicas jazzeras, el rock; se dan cita tanto violines como guitarras como bandoneones; largas zapadas son un sello. Todas las discográficas locales lo boicotean. No le importa: se va a New York (donde era inmensamente popular) para desde allí saltar, en 1970, a París, y en 1972 volver con gloria al Colón, aquí en Buenos Aires.

En el '73 sufre un infarto que lo obliga a replantearse muchas cosas. La conclusión de estos pensamientos es un viaje a Italia donde (con una troupe de músicos locales) compone y graba lo que tal vez sea su obra más popular: Libertango. El grupo se denominaba el Conjunto Electrónico y agregaba a la ya seductora mística piazzolliana un uso sensible e intrigante de los sintetizadores. El resultado es una música verdaderamente de quiebre, revolucionaria y diferente. Las suites se suceden con una cohesión admirable, y son pequeñas operetas de una fuerza y una perfección envidiable.

Un disco que nadie debería dejar de escuchar.

Astor Piazzolla, Libertango
Tropical Music, 1974

1. Libertango (2:48)
2. Meditango (5:38)
3. Undertango (4:08)
4. Adiós Nonino (5:35)
5. Violentango (3:34)
6. Novitango (3:33)
7. Amelitango (3:59)
8. Tristango (6:54)

Rippeado @ 128 kbps. | 34 MB aprox.

Personal
Astor Piazzolla - bandoneón
Filippo Daccò - guitarra
Giuseppe Prestipino - contrabajo eléctrico
Tulio De Piscopo - batería, percusión
Andrea Poggi - timbales
Felice Da Via - piano, hammond
Gianni Ziloli - hammond, marimba
Umberto Benedetti Michelangeli - violín
Elsa Parravicini - viola
Paolo Satvi - cello
Hugo Heredia - flauta
Gianni Baiocco - flauta
Gianni Bedori - fagot
Marlene Kessik - fagot

Ejemplo musical: "Libertango" circa 1974. A callar y disfrutar.

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July - Ídem

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Mon, 05 Nov 2007 10:53:03 PST

Cuando se habla de grandes discos perdidos de la generación de la psicodelia, es consenso general referirse a este álbum como definición exacta del término. Todos los demás podemos discutirlos. Pero no éste, genial y olvidado como lo es.

Se trata, una vez más (y como en el post anterior) de una banda signada por el infortunio y el olvido, cuya corta existencia y aún más breve registro discográfico así lo testimonian. En 1968, un grupo inglés de R&B llamado The Second Thoughts habían regresado de España (donde habían obtenido cierto éxito) absolutamente quemados por el trajín de la gira, por la rutina y principalmente por las drogas. El LSD los había convertido en una irreverente banda de psicodelia llamada July.

En pleno auge de la movida en el Reino Unido, al poco tiempo tenían su primer disco autotitulado en la calle. Poco sabrían ellos que éste sería el único material que registraran, principalmente porque lo tenía todo para ser exitoso. En efecto, July contenía dosis iguales de R&B con dejos psicodélicos, momentos acústicos, rocks de furia y fuzz y, claro, viajes muy en el estilo de sus tiempos. El disco era un manual de instrucciones sobre cómo hacer psych que, lamentablemente, pasó muy desapercibido.

La banda se separó ese mismo año. Algunos de sus integrantes hicieron mella en el rock: el violero Tony Duhig (quien se avergüenza de este disco) formó los interesantes progres de Jade Warrior junto al multiinstrumentista Jon Field, Tom Newman (voz) es un respetado ingeniero de sonido y el bajista Alan James ha trabajado como sesionista de Cat Stevens [Yusuf Islam] y Kevin Coyne. O sea, ninguno es una superestrella, pero todos tienen lo suyo.

Afortunadamente, el instinto revisionista del ser humano convirtió a este disco en una pieza coleccionable de fuste, y revivió July al menos por un rato. Como lo hago yo.

July, Ídem
Epic Records, 1968

1. My Clown (3:23)
2. Dandelion Seeds (4:29)
3. Jolly Mary (2:20)
4. Hallo To Me (2:59)
5. You Missed It All (2:51)
6. The Way (3:23)
7. To Be Free (2:44)
8. Move On Sweet Flower (3:25)
9. Crying Is For Writers (2:36)
10. I See (2:40)
11. Friendly Man (3:09)
12. A Bird Lived (2:39)
Bonus Tracks
13. The Way (Alternative Version) (4:14)
14. Hello Who's There (Unreleased) (3:11)

Rippeado @ 192 kbps. | 58 MB aprox.

Personal
Tom Newman - voz
Tony Duhig - guitarra, coros
Alan James - bajo
Chris Jackson - batería
Jon Field - teclados, flauta traversa

Ejemplo musical: uno de los singles más reputados de la era psicodélica fue "My Clown", primer tema del disco aquí ofrendado.

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Tomorrow - Ídem

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Mon, 29 Oct 2007 13:45:10 PDT

Tomorrow fue una de esas bandas que se pasearon discretamente por entre la muy fecunda oleada de la psicodelia en el Reino Unido. Pese a tocar palmo a palmo con luminarias de la talla de Pink Floyd o Soft Machine, pioneros de las primeras horas del psych británico, fueron una banda de escueta duración y aún más breve discografía. En esos tiempos era muy común que, si el éxito no te llegaba, te movieras raudo hacia otro proyecto que pudiera reportarte más trascendencia. Había muchos músicos, y un campo de acción propicio para el suceso.

Eso fue lo que hicieron los miembros de Tomorrow después de la banda. Y fíjense qué miembros: el violero era Steve Howe, que más tarde descollara en Yes; el cantante era el popular Keith West del A Teenage Opera de Mark Wirtz y el baterista era Twink (John C. Alder), músico que aparecería, por ejemplo, en S.F. Sorrow de los Pretty Things.

Estos tres, junto al bajista John Junior Wood, conformaban Tomorrow. El grupo tuvo una breve vida del '67 al '68, pero les alcanzó para ser los primeros en grabar un show para John Peel en la BBC Radio 1 y editar su único larga duración autotitulado. En él demuestran ser cultores de un correcto rock psicodélico, de tintes garage y temáticas algo peculiares. El disco es una estupenda colección de canciones psych que, sin embargo, no hicieron mella en el corazón de la sociedad de aquellos días.

Sin embargo, vistos con la lupa del hoy, son una indudable joya, y una influencia para los que vinieron después.

Tomorrow, ídem
Parlophone, 1968

1. My White Bicycle (3:18)
2. Colonel Brown (2:53)
3. Real Life Permanent Dream (3:17)
4. Shy Boy (2:27)
5. Revolution (3:50)
6. The Incredible Journey Of Timothy Chase (3:18)
7. Auntie Marie's Dress Shop (2:47)
8. Strawberry Fields Forever* (3:59)
9. Three Jolly Little Dwarfs (2:28)
10. Now Your Time Has Come (4:53)
11. Hallucinations (2:43)
Bonus Tracks
12. Claramount Lake (1967 Single B-Side) (3:02)
13. Why (Demo)** (3:59)

Rippeado @ 256 kbps. | 80 MB aprox.

* Es la de Lennon/McCartney, sí.
** Cover de The Byrds.

Personal

Keith West - voz
Steve Howe - guitarras eléctrica y acústica
John Junior Wood - bajo
John Twink Alder - batería
Mark Wirtz - teclados

Ejemplo musical: primer single de Tomorrow que a su vez es el primer tema de este disco: "My White Bicycle", inspirado en el programa de bicicletas comunales de los Provos holandeses.

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The Stone Roses - Ídem

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Fri, 21 Dec 2007 07:19:12 PST

Hay algo que queda claro después de escuchar el primer disco de The Stone Roses y revisar su efecto posterior en el rock: los músicos ingleses deberían juntar plata para hacerle un monumento a esta influyente obra maestra.

Y es que The Stone Roses cementó con sus canciones el camino que años después recorrerían muchachos como Blur u Oasis, el del brit pop. Si bien para ser exactos estos cuatro muchachos no se movían en aquel estilo, esto era porque éste aún no existía formalmente. En efecto la movida Madchester (simpático juego de palabras que sugería un "Mad Manchester", Manchester loco) fue el caldo de cultivo para lo que en nuestros días conocemos como brit pop.

Y qué era Madchester? Pues muy simple: era un movimiento joven creado alrededor de Haçienda, el club nocturno de los New Order, y que tenía en sus filas a bandas como los Happy Mondays, Charlatans [UK] o los mismísimos Stone Roses que profesaban una exótica mezcla de infuencias. Disco, dance e indie rock se daban cita en distintas medidas para fabricar un grupúsculo de bandas de éxito moderado pero infinita influencia.

De entre éstos, los Stone Roses sobresalían por el peso propio de su genialidad. Se habían formado en 1984 y en el '89, con una formación ya establecida y cinco años de fogueo en la escena de Manchester, lograron editar por Silvertone el disco que los haría inmensamente populares en el Reino Unido. The Stone Roses era básicamente la unión creativa entre los inteligentes Ian Brown (voz y composición) y John Squire (guitarras y arte) quienes habían delineado todo un estilo (visual y musical) junto a una base rítmica de precisión quirúrgica: el batero Alan Reni Wren y el bajista Gary Mani Mounfield, astuto instrumentista quien en 1986 había terminado de conformar el grupo.

Su música era un dance rock lánguido, con bases bailables y letras de un humor inglés finísimo. La guitarra de Squire era reina y hacía un dúo imbatible con la increíble voz de Ian Brown, hoy imitado hasta el hartazgo por cuanto cantante de brit pop aparece. Su primer colección de canciones era absolutamente granítica e imbatible, sin grietas ni momentos de baja. Trabajados durante cinco años, los temas sobresalían tanto por una confección puntillosa como por una ejecución impecable.

Este primer disco, sensacional, los catapultó. Como consecuencia, los conflictos arreciaron: cuando Warner los quiso firmar, su disquera Silvertone se los impidió. Para el final de esta ardua lucha legal, cuando en 1994 editaban Second Coming (finalmente por una multinacional) su esperado segundo disco sonaba arcaico y anacrónico, como si el tiempo los hubiese pasado de largo, impiadoso.

Sin embargo, escuchar este disco nos hace pensar todo lo contrario. Se ofrece la versión estadounidense, con dos temas no editados en la versión original: "Elephant Stone" y el instrumental "Fools Gold".

The Stone Roses, Ídem
Silvertone, 1989

1. I Wanna Be Adored (4:52)
2. She Bangs The Drums (3:44)
3. Elephant Stone (3:04)
4. Waterfall (4:40)
5. Don't Stop (5:21)
6. Bye Bye Badman (4:04)
7 Elizabeth My Dear (0:55)
8. (Song For My) Sugar Spun Sister (3:26)
9. Made Of Stone (4:16)
10. Shoot You Down (4:13)
11. This Is The One (4:59)
12. I Am The Resurrection (8:14)
13. Fools Gold (9:57)

Rippeado @ 160 kbps. | 73 MB aprox.

Personal
Ian Brown - voz
John Squire - guitarras
Gary Mani Mounfield - bajo
Alan Reni Wren - batería

Ejemplo musical: primer tema y canción más popular de The Stone Roses: "I Wanna Be Adored", o por qué estos pibes son tan grossos.

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Vox Dei - Jeremías Pies De Plomo

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Thu, 18 Oct 2007 07:14:44 PDT

Hoy que se está haciendo una revalorización de nuestro rock nacional aprovechando los 40 años de la salida de sus primeras grabaciones, podemos decir que hay un grupo de esos llamados pioneros que está siendo muy injustamente olvidado. Más aún porque todavía, y desde hace cuarenta años, están en actividad. Sí, así es, tienen la misma "edad" que el propio movimiento al que pertenecen.

Claro que se trata de la banda que es objeto de este post, Vox Dei. Este cuarteto primero, trío después, se hizo legendario después de su adaptación de la Biblia de la religión católica en formato de álbum conceptual allá por su segundo disco en 1971. Lo que el grueso de la gente no sabe (o se permite omitir) es que a partir de su volátil debut de 1970 (Caliente) y hasta la primer salida de Ricardo Soulé en 1974, Vox Dei se las ingenió para sacar media docena de discos igualmente geniales que son parte una de las discografías más frondosas y creativas del rock nacional todo.

La capacidad de Vox Dei de escribir canciones era inagotable, cimentada en la sinergia existente entre sus igualmente talentosos miembros Ricardo Soulé en guitarra y voz, Willy Quiroga en bajo y voz y Rubén Basoalto en batería y coros. En 1971, ni bien terminado La Biblia, el miembro fundador Jorge Carlos Yody Godoy (guitarrista que había sido clave en los dos primeros discos) abandona la banda. Pero éstos absorben perfectamente el golpe volviéndose un eficaz y audaz power trío que graba durante 1972 dos álbumes extraordinarios: Cuero Caliente y el que aquí les ofrezco, Jeremías Pies De Plomo.

En este tiempo Soulé se convierte en el alma del grupo, expandiendo las habilidades de la banda hacia temas con mucho más blues que en sus progresivos inicios. Vox Dei se vuelve atronador, denodadamente rockero y despiadado. Siguen escribiendo letras profundamente introspectivas y de una poética cuidada, pero las rodean con distorsiones y ritmos cabalgantes. Lejos de amilanarse, el grupo se hace más duro, más críptico e interesante.

Como habíamos dicho, esta catarata creativa le dura a Vox Dei lo suficiente como para editar discos sensacionales como el feroz directo La Nave Infernal (1973), Es Una Nube, No Hay Duda (1974) o el irregular Vox Dei Para Vox Dei de 1974. A fines de ese año Soulé abandona el grupo, pero la banda seguiría tocando con una lista de guitarristas cambiante.

Sin embargo, el trío Quiroga-Basoalto-Soulé se reúne varias veces: en 1978 (para el estupendo Gata De Noche), 1986 y 1996; siempre sacando nuevos discos. Hoy por hoy (ya sin Soulé) siguen tocando y grabando. Recientemente festejaron su 40º aniversario con un show a sala llena en el Teatro Coliseo. Vaya entonces la reivindicación a unos pioneros injustamente olvidados.

Vox Dei, Jeremías Pies De Plomo
Mandioca, 1972

1. Jeremías Pies De Plomo (4:34)
2. Detrás Del Vidrio I/II (6:56)
3. Juntando Semillas En El Suelo (2:44)
4. Sin Separarnos Más (4:31)
5. Ahora Es El Preciso Instante (3:24)
6. Ritmo Y Blues Con Armónica (4:31)
7. Esta Noche No Parece Igual (2:55)
8. Por Aquí Se Te Echó De Menos (4:16)

Rippeado @ 128 kbps. | 32 MB aprox.

Personal
Ricardo Soulé - voz, guitarra, bajo, cajón peruano, piano
Guillermo Willy Quiroga - bajo, guitarra acústica, piano, voz
Rubén Basoalto - batería, percusión

Ejemplo musical: el tema que abre y titula este disco, "Jeremías Pies De Plomo" tal y como lo tocó Vox Dei en el festival que dio origen a la película Hasta Que Se Ponga El Sol, en 1972.

Acá hacés click y está lo bueno.

Tortoise - TNT

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Tue, 16 Oct 2007 13:42:44 PDT

Tortoise es una de esas bandas que se pueden amar u odiar, pero nunca omitir. Han logrado ganarse un sitial importante en las arcas de la música experimental a caballo de una larga trayectoria desplegando su estilo de jazz rock instrumental (aunque a veces no lo sea) con momentos que asemejan varios estilos diferentes como rock, reggae o dub.

Se formaron a finales de los '80 cuando John Herndon y Doug McCombs, músicos interesados en las rítmicas libres del reggae más improvisacional y el dub, se unieron a los percusionistas Dan Bitney y John McEntire. McEntire, quien había tocado con Bastro (banda de math rock que fue muy popular en el under estadounidense de los años '80) rápidamente puso al servicio del grupo toda su habilidad tanto compositiva como instrumental, orientándolos hacia una mixtura de rock progresivo y estilos más lánguidos con dejos electrónicos; todo desde el sillón de ingeniero de sonido.

Sólo hubo otro miembro tan importante para Tortoise como lo es McEntire, y ése es el guitarrista Jeff Parker. Parker tuvo la difícil tarea de reemplazar, en 1998, las seis cuerdas del habilidoso David Pajo y lo hizo desde su instrucción jazzística, puntillosa y prolija. Sus afiebrados ritmos lideraron a Tortoise en la realización de TNT, su cuarto y más enraizadamente jazzero disco; que a su vez es el más interesante de los que han hecho.

Editado en 1998, TNT no es más que un compendio de estándares tocados con una perspectiva muy libre y, por qué no, letrada. A veces Tortoise puede ser demasiado de todo y caer en una especie de pedantería, pero hay que destacarle sus momentos más sublimes como demostración de una sensibilidad especial.

Tortoise, TNT
Thrill Jockey, 1998

1. TNT (7:33)
2. Swung From The Gutters (5:52)
3. Ten-Day Interval (4:44)
4. I Set My Face To The Hillside (6:08)
5. The Equator (3:42)
6. A Simple Way To Go Faster Than Light That Does Not Work (3:33)
7. The Suspension Bridge At Iguazú Falls (5:38)
8. Four-Day Interval (4:45)
9. In Sarah, Mencken, Christ And Beethoven There Were Women And Men (7:29)
10. Amost Always Is Never Enough (2:42)
11. Jetty (8:21)
12. Everglade (4:21)

Rippeado @ 128 kbps. | 62 MB aprox.

Personal
Jeff Parker - guitarra
Doug McCombs - bajo
John McEntire - batería, percusión
John Herndon - batería, percusión, vibráfono
Dan Bitney - percusión

Ejemplo musical: una canción que rememora a un lindo lugar de nuestro país (y de Brasil, pero eso a quién le importa): "The Suspension Bridge At Iguazú Falls".

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Alameda - Ídem

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Wed, 10 Dec 2008 12:38:29 PST

Como temática recurrente tenemos por estos lares la tremenda influencia que el rock progresivo tuvo en países de lo más exóticos (en términos musicales, al menos). Vimos ejemplos italianos, holandeses, alemanes, argentinos... En fin, esta oleada de fines de los '70 parece no tener final. Y mucho más cuando uno encuentra cosas como ésta.

Se trata del primer disco de los españoles de Alameda, fieles exponentes del llamado rock andaluz. Resulta ser que así como a muchos países de Europa, a España no le fue ajeno un movimiento absolutamente popular en sus tiempos. Pero los españoles, fieles como son a su tradición, lo entremezclaron sabiamente con sus coplas y su flamenco para crear una propuesta rebosante de unicidad. Esto no debería resultar extraño: guitarristas como Paco De Lucía no son, después de todo, virtuosos a la altura de cualquier rockero progre de EE.UU. o Gran Bretaña?

Los pioneros de este movimiento se llamaron Triana. En 1974 estos músicos de flamenco se juntaron y empezaron toda la bola de nieve que llegó a crear grupos como los que son objeto de este post y otros igualmente geniales como Guadalquivir, Mezquita o Imán. De hecho, los fundadores de Alameda, el bajista Manolo Rosa y el guitarrista Pepe Roca, habían tocado como sesionistas de Triana y sus demás miembros habían compartido alineaciones en otras bandas de la época: los hermanos Marinelli, tecladistas, en Nuevos Tiempos con Jesús De La Rosa (Triana), y Luis Moreno (batería) en los mencionados Guadalquivir.

No resultó raro, entonces, que se unieran en un proyecto propio que, obviamente, tenía muchas cosas de aquel grupo fundacional. Pero también ideas propias: Alameda era un grupo más focalizado en lo local, con mucha copla y guitarra flamenca, con unas voces de copla y canto privilegiadas y con una raíz en el progresivo más jazz. Así, se diferenciaban notoriamente de Triana pese a la inter-influencia. Su primer disco autotitulado sirve de definición de todas estas cosas, con bellísimas melodías y temáticas ensoñadas cantadas con pasión y emotividad.

Lamentablemente, este grupo no trascendió más allá de Alameda pese a editar varios discos más, si bien ninguno resultó tan genial como este. Vivir a la sombra de las permanentes referencias a Triana y su supuesta condición de "copias" pareció limitarlos y para 1983 se separaron sin pena ni gloria.

Alameda, Ídem
CBS, 1979

1. Aires De La Alameda (4:19)
2. La Pila Del Pato (2:39)
3. Ojos De Triste Llanto (4:16)
4. Hacia El Alba (5:42)
5. Amanecer En El Puerto (6:42)
6. A La Vera Del "Jueves" (4:18)
7. Matices (6:20)

Rippeado @ 192 kbps. | 46 MB aprox.

Personal
José Roca - guitarra, voz
Manuel Rosa - bajo
Luis Moreno - batería
Manuel Marinelli - teclados
Rafael Marinelli - teclados
Enrique De Melchor - guitarra en "La Pila Del Pato" y "Ojos De Triste Llanto"
Luis Manglis Cobo - guitarra en "A La Vera Del 'Jueves'"

Ejemplo musical: la única canción de Alameda que logró cierta popularidad abría su primer disco: se llama "Aires De La Alameda".

Bajate este disco de acá.

13th Floor Elevators - The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators

noreply@blogger.com (David Irigoin) — Tue, 16 Oct 2007 07:30:42 PDT

Aquí en este blog, como ya lo habrán podido apreciar, somos amantes devotos y cultores del recuerdo a aquel mágico y bello movimiento de finales de los años '60 que fue el rock psicodélico. Y si de rock psicodélico se trata, hubo una banda y un disco que ayudaron a crear el marco teórico-musical en el que este estilo supo discurrir.

Esa banda es hoy objeto de nuestro post, y se llama 13th Floor Elevators. Formados en Austin, Texas en 1965, los 13th Floor eran la nueva escala en el periplo de un joven pero inteligente compositor llamado Roky Erickson. Instruido en las huestes del primer rock, Erickson ya había hecho sus armas iniciáticas con grupos de corta vida (y aún menor registro) como The Spades. Pero no fue hasta que se alió con quien a la postre sería su suerte de alma gemela musical, Tommy Hall, que sus esfuerzos darían como fruto creaciones que a la postre le ganarían reconocimiento y una acotada pero importante popularidad.

Hall era un guitarrista y compositor que llevaba como marca registrada una extraña habilidad: tocaba la jarra (jug), popular entre las jug bands de los Estados Unidos de los años '20 pero que parecía anacrónica en su época. Error: Hall la amplificó y fue este peculiar instrumento el que le dio a los 13th Floor Elevators un sonido característico, único y atractivo.

En realidad, para ser justos, la jarra era tan importante para el sonido de grupo como las guitarras de Stacy Sutherland y el propio Erickson. De las letras se encargaban tanto Roky como Hall y un interesante compositor de la escena folk llamado Powell Saint John, quien sabía a las claras qué sentimientos querían transmitir estos rockeros y los traducía a letras con perfección y expresividad.

El sonido era definitivamente garage: crudo, duro y con apariencia descuidada. Pero la banda tenía una llamativa capacidad para el detalle, y sus armonías, extrañas temáticas y juegos de guitarra intrincados y ambiciosos los destacaron por sobre el resto izándolos como bandera de una movida en ciernes. International Artists (popular disquera de Houston, con bandas como Red Krayola) los firma en 1966 y meses después les edita con un importante aparato de difusión éste, su primer disco The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators.

El grupo se transformó en el paladín de la contracultura consumidora de LSD como abre-conciencia tanto con este material como con el más volador y experimental Easter Everywhere (1967), álbum conceptual que los elevó de categoría: llegaron a tocar con Quicksilver Messenger Service o The Byrds. Pero variopintos escandaletes sacaron al baterista John Walton (quien al no aparecer acreditado en Easter Everywhere les hizo juicio) y al bajista Ronnie Leatherman.

Estos conflictos romperían la cohesión del grupo, como se evidencia en el irregular Bull Of The Woods de 1968 que, pese a tener a Leatherman de nuevo, ya no es lo mismo. Los 13th Floor Elevators se separaron en el '69 dejando un legado de tres discos capitales para el rock todo.

13th Floor Elevators, The Psychedelic Sounds Of The 13th Floor Elevators
International Artists, 1966

1. You're Gonna Miss Me (2:33)
2. Roller Coaster (5:09)
3. Splash 1 (3:57)
4. Reverberation (Doubt) (2:51)
5. Don't Fall Down (3:03)
6. Fire Engine (3:23)
7. Thru The Rythm (3:10)
8. You Don't Know (How Young You Are) (2:59)
9. Kingdom Of Heaven (3:11)
10. Monkey Island (2:41)
11. Tried To Hide (2:48)

Rippeado @ 192 kbps. | 50 MB aprox.

Personal
Roky Erickson - voz, guitarra
Tommy Hall - jarra eléctrica, guitarra
Stacy Sutherland - guitarra
Ronnie Leatherman - bajo
John Ike Walton - batería
Powell Saint John - letras

Ejemplo musical: 13th Floor Elevators en vivo, en una rara filmación de su canción más popular la que, incidentalmente, es la apertura de su primer disco: "You're Gonna Miss Me".

Acá hacés click para bajarlo.