個人製造

「我家地下室裡有間工作室，就會出現給小朋友用的3D打印機、雷射裁切器。我們在螢幕上用CAD軟體設計，然後輸出成型，把這些物件組裝起來……」《Wired》美國版總編輯Chris Anderson這樣形容他自己家裡的小工廠，”打印”自己需要或自己設計的東西出來。

我不知道個人製造(Self-fabrication）會不會成就第三次工業革命，或甚至《Wired》引述波士頓顧問公司（BCG）的預估，在2020年，有一到三成美國現在從中國進口的產品會變成在地製造，讓美國一年出口額增加兩百億到五百五十億美元。我沒有水晶球，我也不是經濟分析師，但我肯定，個人製造／製作的文化，肯定為我們的消費模式帶來改變。

當然我們大部份人不可能在空間上（至少我們很多香港人連住的地方要放一張床也放不下）或財力上像Chris Anderson一樣可以在家裡擁有一台3D打印機或Laser Cutter，但DIY這個個人製造／製作的文化的確把我們一向消費的東西變成手造。

DIY Revolution的爆發，由技術手工以至成本門檻較低的皮革製作，以至需要懂得基本電子成本也稍高的電子玩意製作，甚至連製作電子玩具也變成像砌模型一樣只要剪剪貼貼就成，都看到個人消費由單純的物件消費，變成了個人化或製作過程的消費。

Makerbot 的共同創辦人Bre Pettis，將3D Printer推到家用，變成桌上物件打印，改變了生產到銷售的產品流程。

麻省理工學院（MIT）畢業的工程師Limor Fried，由個人網站ladyada.net分享其創作的古怪電子玩具，到成立專賣DIY零件的公司Adafruit，在Makers 圈內是位重要的人物

Arduino的共同創辦人Massimo Banzi，因為他參與設計的Arduino，全世界從事設計及藝術的人更容易的創作了包含電子或互動的作品。

《Wired》雜誌在2011至2012年就有多期跟DIY或個人製作的封面，有三期甚至是開發相關產品的人仕登上封面：麻省理工學院（MIT）畢業的工程師Limor Fried，封面是”The DIY Revolution Starts Now – How to Make Stuff”，而他創立專賣DIY零件的公司Adafruit，2011就賣出了五百萬美元的產品；封面是”Re-Made in Italy”，Arduino的共同創辦人Massimo Banzi，設計出一開放資料(Open Source）的微控制器（Microcontroller），讓Microcontroller成為可負擔的設備，讓互動設計師、產品設計師、藝術家以及DIYer簡單及設計出他們腦裡想像的東西；3D Printer Makerbot 的共同創辦人Bre Pettis，搭配封面Tag ”This Machine Will Change The World” ，預示家用桌上3D打印物件的時代正式來臨。這家本身由幾個Makers創立的Makerbot，今天是一家有82名員工的公司，在2012獲得曾投資過Zynga（facebook最大的遊戲商）的知名創投Foundry Group投資一千萬美金，而他們的營收在過去的三年也達到了一千萬美元。

MIT的物理學家Neil Gershenfeld，Fab Lab的創辦人。其Fab Lab的概念在世界各位遍地開花，成為個人製造運動的重要推手。

物理學家Neil Gershenfeld 1998年在麻省理工學院開了一門課，教授「如何製作(幾乎)任何東西」（How to make (almost) anything)，課程由介紹工具使用、材料特性及製作方法等都包含在內。後來2006年TED大會上 Neil 分享了他在這課程和Center for Bits and Atoms中的觀察，他們的中心和學校裡都有很多很大型先進高科技機器，這的確幾乎可以製作任何東西，但學生們就是拿這堆高端機器來做一堆有的沒的東西出來。甚至開始了跨領域的合作，唸藝術課的或其他課的學生們都來製作一些屬於他們自己的東西、作品。Fab Lab 這個概念就是由這個觀察中出來的﹣讓人們能夠透過電子以及類比型工具來建造物件的實驗室。

Makerbot的三位創辦人（由左至右）：Adam Mayer, Zach “Hoeken” Smith, 和 Bre Pettis

Fab Lab 在全世界遍地開花，被《Economist》和《Wired》形容為第三次工業革命的重要推手，也是很多世界各地的 Makers 聚首、醞釀、創製及交流的小社區。

Fab Lab 裡其實有甚麼樣的東西和人成就這一場Chris Anderson所說的Makers 運動？下週待續。

展示．空間．互動

展示和空間，這個關係是必然存在的。無論是用擴增實境(Augmented Reality)的方來創造一個虛擬的世界，以實物來作為觀眾與虛擬世界的連接，展示也必然是在一個空間上建構出來，即使它可能只是一個屏幕或甚至是Holographic。人和展示品，不論是藝術作品還是一個櫥窗裝置，他們在一個空間點上之互動，就是作為設計師的創作場。

對於修讀藝術，甚至建築或室內設計的朋友來講，指定場地（site specific）是一個必需徹底了解的項目，也是必需要有一定程度的執行才可以駕御你所要設計的空。裝置藝術，場景設計，我們可以有不同形式。

新媒體的科技帶給我們很多生活上不同的影響，而它作為一個創作媒介，在空間和作品之間帶來了很多不同層次的互動的可能。

新媒體帶給展示空間的衝擊，是它有改變空間形態的能力。

Golan Levin 的作品 Messa di voce，演出是知名劇場人Jeff Blonk

Camille Utterback的作品Text Rain

抓觀眾入虛擬空間

還記得多年前曾經出現在地鐵站和商場的 Interactive Floor嗎？一個投影加點感應器，投在地上的是一個虛擬的世界，但這個虛擬世界會因為真實世界的人的互動而反應。人和展示品本來就是分開的，透過感覺器這個互動介面（interface）讓兩個分開的個體連接在一起而且發生互動。這類我會稱呼為非實體介面 （Invisible Interface）， Xbox的 Kinect也許是暫時市面上最經典的例子。

如Camille Utterback的作品Text Rain觀眾可以看到自己在虛擬世界裡跟裡面的文字發生互動，或者是Golan Levin 的作品 Messa di voce ，觀眾直接可以利用身體所產生的影子觸碰到投影內容的球，兩件作品都是讓觀眾／用家通過介面走入虛擬世界裡。但它們的分別卻是展示的場所。Text Rain發生互動的場所是虛擬世界裡，觀眾被抓進到顯示裡看見自己在互動。而Messa Di Voce發生互動的場所則是在一個真實和虛擬混合的地方，觀眾沒有被抓進虛擬世界裡，而作品利用投影的方法把場所augment成為混合空間。

回歸手感

哪麼實體介面呢？不用說了吧，你的mouse和keyboard不就是讓你連接到電腦的虛擬世界裡去嗎？不過也可能是之前提到的Invisible Interface被太多「創作者」用到膩或者受Retro 風影響，這陣子看到的佳作都偏向以真實的觸碰或呈現作為互動方式。

這是我們家的作品Dimension Gear，圖為作品在台灣科技及文化博覽的版本

記得2008底時正在和我Dimension+的拍檔創作一個作品時，遇上了台灣科技及文化博覽的策展人。他本來想找我的拍檔為他的博覽會創作一個類似提到的Interactive floor。但當他看到我們正在構思的Dimension Gear和我們一副玩膩了Interactive Floor的樣子，就說可不可以把Dimension Gear借給並改造成為博覽會的作品。Dimension Gear就是一個通過實體介面去控制虛擬空間的例子。通過改變或重構虛擬的空間，我們可以讓觀眾完全掌握整個空間塑造的能力。觀眾在轉動Dimension Gear，去控制地板上的投影內容。而投影內容則是一個線性時間，關於台灣新媒體藝術的發展過程。觀眾轉動Dimension Gear來轉動這個時間的流向，向前或向後，甚至進入當中一個特定的時間再看詳細內容。

Niklas Roy的My little piece of Privacy，利用了櫥窗和觀眾的互動作為創作點。

Tokujin Yoshioka 為Hermes所創作的櫥窗

Window display和新媒體

誠然我多年前已經對Window Display和新媒體的結合很有興趣，直至最近有幾個機會做這樣的創作就開始想更多可能性。如果有商場把他們一系列的Window Display 變成藝術館，這應該會很有趣。（因為我相信香港的商場是全世界最多Window Display的其中之一，除了東京，我想不到其它城市可以和香港比拼）為什麼Window Display作為一個展示場所過癮，是因為它本身相當含蓄的互動性。一方面它要吸引觀眾的目光，走近看看並勾起觀眾的購買意慾。這從來都是單向的互動：Window Display單向給觀眾訊息。新媒體的加入讓整個Window Display創作熱鬧起來（香港沒份…）。Tokujin Yoshioka 為Hermes所創作的櫥窗就是一經典例子。雖然這個裝置沒有讓觀眾跟櫥窗內容互動，但他利用一個顯示屏，顯示屏內一位秀麗的女子吹一口氣，而這口氣卻吹動了櫥窗內掛著的絲巾。這個也是虛擬空間跟現實發生互動的另一個想考點。而HBO於2009時製作的櫥窗直接就讓觀眾跟櫥窗內的雪球互動，櫥窗外的人直接把櫥窗內的東西動起來。而Niklas Roy的My little piece of Privacy也許像笑笑小電影的搞惡一樣，但正正就是利用了Window Display和觀賞者的互動關係。Niklas的工作室正好有一個櫥窗，很多人都會在櫥窗外看看／偷看窗內的種種。這就是Niklas的創作點：為自己給點隱私。

延伸閱讀:

Dimension Gear: http://www.d-p.cc/dimension_gear/
Messa Di Voce: http://www.flong.com/projects/messa/
My Little Piece of Privacy: http://www.niklasroy.com/project/88/my-little-piece-of-privacy
Tokujin Yoshioka : http://www.tokujin.com/
Text Rain: http://camilleutterback.com/projects/text-rain/

也許你會偶爾在電視中看到BMW的廣告，那個像是電腦特技效果的飄浮的球上上下下動態十足，構成一個像立體抽象派的雕塑。對，那不是電腦效果。那是ART+COM 為在德國的BMW Museum 所創作的Kinetic Sculpture （機能雕塑），是館內的地標。當然，這個Art & Technology 的呈現，不單單是配合BMW本身的企業理念，更加多的也許是這家由Joachim Sauter共同創辦的工作室的創作精神。

ART+COM為德國的BMW Museum創作的Kinetic Sculpture
很難想像在1988 年已經有一家以新媒體設計的工作室在世界上成本，那是23年前！當我們的世界手提電話像軍用對講機一樣在的年代，ART + COM已經開始從事新媒體設計和藝術的研究，直至1994年開始從事相關的工作。那是Apple 沒有Steve Jobs，Toy Story 還沒有面世的時間。也許這是共同創辦者之一，現任創作總監的Joachim Sauter所提到的：這是一個跨媒的創作工作室。大學時諗Fine Art的他，畢業後在柏林的德國電影及電視學院，大概從這個背景已經可以想像到他的跨媒介創作力量。1988年他找來藝術家，設計師，科學家和技術人員共同創立了ART+COM，這種前衛的思想也許是承傳了普普藝術跨界性。

2010在German Salt Museum的創作 “Salt Worldwide”，作為這個位於在中世紀開設的鹽礦的博物館之總結裝置。
藝術和科技從前，甚至是現在大部份還覺得是兩個極端的東西。於是，它們走在一起的時候也許就是這種創作最過癮的爆炸點。我在上兩期提到的微波國際藝術節也一直在提出這種想法。

記得Pixel 的首席創意官John Lasseter 說過：” The art challenges the technology, and the technology inspires the art” 。這句話套在ART + COM的作品身上就是個完整的演繹。當我們早兩三前看到Projection Mapping 而興奮及後開始瘋狂的使用在不同的商業項目上時，ART+COM 在2002的Virtual Opera 計劃簡直就是預早六七年在玩這種創作。Responsive Architecture（反應性建築），Wearable Technology（可穿性科技）等等，Virtual Opera 一次過將建築，時裝，舞台，舞蹈和科技結合成就了一場前衛的表演。以舞者的肢體動作作為整個場景的調度，以整合創作到科技去帶來的並非單純是一種視覺宴會，而是思考和挑戰表演者和場景道具的互動關係。

Virtual Opera絕對是前衛的創作，在2002 已大玩Projection Mapping 和Responsive Architecture等等現在大熱的新媒體領域。
Joachim 在不同的訪問中被問到他們在世博的作品 “Mobility“時，就凸顯了骨子裡對作品的基本養份的要求和見解。他覺得當2010 世博整個場地都氾濫著LED和超高解像的投影和顯示時，要顯示 ”溝通“ 這個議題這些耀眼的東西是不是個好的創作媒介？結果 “Mobility” 帶來的反差：沒有閃動的燈泡，利用機械搭配鏡子創造出來Kinetic Installation （機能裝置藝術）。單純利用了溝通最基本的方法：鏡面反射。這個4米x 4米的作品舖滿了機動的手掌，手掌拿著鏡子，集合反射成不同的中文單字。這個作品簡約直接地帶出他們要說的議題，更厲害的是落在一個被LED強光以及高科技的顯示設備包圍的環境下，這種簡潔及相對低科技的展示好像在提示從事新媒體創作的人要重回到創作的最基本的原點一樣。

Mobility 為2010上海世博Life & Sunshine館的創作

Floating Numbers是ART+COM在2004年為Jewish Museum Berlin創作的裝置。同樣是Interactive Table，其有如時間軸的線性造型完美地呈現整個主題。

所以你不會在ART+COM的網站裡面找到“產品” 這個項目，因為他們沒有推出所謂的互動媒體產品；也不會找到詳列他們能做這能做那的清單，比如說 “我們誠意提供Multitouch，Augmented Reality”等等技術的列表細明；也不會找到你可以選擇我們餐A＝multitouch一張Augmented Reality 兩枚的創作套餐，因為他們不是為了狂賺錢的創作快餐廳。取而代之，你可以在他們的作品和Joachim的訪問對談中看到他們對“使用” 新媒體創作的誠意。即使你沒有在他們的作品看到十分前衛的科技，也即使同樣是技術相同的Interactive Table，但在ART+COM的作品中卻看得見ART和Technology 的創作的完美配合。期待在今年的BODW中Joachim Sauter的分享，讓各位聽聽這位新媒體藝術設計先驅的跨媒介創作前瞻思維。

ART＋COM的創作總監及共同創辦人，2012年bodw嘉賓之一。
延伸閱讀：

ART+COM：
http://www.artcom.de/

《經濟學人》2012年4月21-27日期，第三次工業革命，一個人，一台桌上機器，產出一系列東西，個人製造的工業革命的概念看圖即知

第三次工業革命

“Someday Artists will work with capacitors, resistors, and semi-conductors as they work
today with brushes, violins and junk”

這句話在60年代由白南準這位前衛到不能的藝術家口中說出來，也許有人給他的話當場吊住了頸，或者高呼大前瞻者萬歲：看誰的藝術觀夠前衛而帶革命性。

話說要我們去或印證或證實這句話在不到二三十年就成真並且普遍起來，看來是多此一舉。

也許因為科技的入門門檻已經低得我們不用再諗個甚麼電腦或電子工程學位，或者連初中的物理綜合科學都不再要連番實驗，我們的小朋友們就可以弄一弄扭一扭就可以生出個電子玩具，製造了一個樂器，或者一台電玩給自己玩。

於是《Wired》 的總編輯 Chris Anderson 出版了一本《Makers》。撰寫過《免費（Free）》、《長尾理論（The Long Tail）》的Chris Anderson，一直對數位時代的經濟發展和變化有深入而前瞻的獨到見解和分析。這回他再寫《Makers》。

《Wired》的總編輯Chris Anderson 所撰寫的新書《Makers》，分析及預測了這一波個人製造的運動所帶來革命

書中Chris Anderson 由Maker的運動開始，探討Maker文化和運動對商品發展及製造業的影響，以及作出一系列對未來的預測。當中有幾個現在我們常常在技術的領域上聽到的議題，開放硬體（Open Hardware），開放資源（Open Source）甚至是 開放設計（OpenDesign），當中的這一堆Open，混合了資金成本的大幅縮小，構成了現在一個很熱門的討論，或者應該說，是未來的製造或創作業的新模式：個人製造（Self-Fabrication)。

「我家地下室裡有間工作室，就會出現給小朋友用的3D印表機、雷射裁切器。我們在螢幕上用CAD軟體設計，然後輸出成型，把這些物件組裝起來……」Chris Anderson 形容自己的家也成立了一家小工廠。他把自己喜歡的東西「印」出來，給小朋友印玩具，給自己印一個 iPhone 保護套。如果覺得也許可以賣出去，甚至可以拿去銷售賣錢。

這台3D Printer Makerbot 是個人製造運動的催化劑，如Chris Anderson 所形容，他自己在家，就可以為自己「印」想要的產品。

第三次工業革命﹣這是 《The Economist》對這種個人製造的運動的形容詞。

第一次工業革命，由手造工業開始，機器的推動下，成就了工廠；第二次工業革命，機械式流水作業，引發大量製造；現在，在技術成本下降，數位技術的發展，資訊網絡的高速，由工廠，回歸到個人，Self-Fabrication的年代正式開始。

工業革命在十八世紀後期為英國紡織業帶來機械化

這有別於一般的DIY，但又和DIY 的熱潮相關。DIY 的熱潮，由工廠回歸到個人製作，是一在發達國家厭倦大批量生產的倒模產品，重回個性化的度身訂造製作。由技術不再只由專業人仕壟斷的情況下，個性化和手造大量而熱情地回歸，特別在創作這個議題上，這樣的DIY讓非專業和專業人仕共同擁有創造屬自己的產品﹣由製造到消費，都是屬一個個人的過程。
而Chris Anderson《Makers》一書提到的，或是《The Economist》震撼的形容的第三次工業革命，是比DIY 的手工製造，讓群眾得以簡單製作出有如工廠生產般的個人產品。

Self-Fabrication的模式或過程，到底是個怎麼樣的東西？下回待續。

都說不要看T＊B的資訊節目！

我忘了何時，大約一年多前吧，該台財經X視有一個大約十分鐘的環節，介紹Augmented Reality （AR，擴增實境）。這應該是介紹各行業的所謂「前景」，發展經會等等，反正就是研究個什麼賺快錢的機會。節目中提到愈來愈來品牌利用這種「新興」的「高科技」為產品作推銷。OK，這簡單的六個字，不是節目時間短就是胡混過去的二秒結論。「新興的高科技」中兩個詞一個連接詞／字，「新興」和「高科技」都是觀察的結論。

我不知道該節目編輯對「新興」的見解是如何，也不完全否定AR在當時是否「新興」。但確定是在當時非常流行，流行到做一個簡單網頁介紹個公司資料都有AR。「高科技」就一定不是，因為這種AR 利用到的視覺辨識(Computer Vision, Image Recognition) 方法已經相當多年，直到日本多年年大量利用QR Code，即市面常說所謂的二維條碼(2D barcode)，才開始為人熟悉。

及至Reactable 這件石破天驚，既是媒體又是發明的藝術品出現後，加上日本的AR 搭配上動漫文化（初音這個虛誕偶像的AR產品簡直是極致，成為一眾宅男的痴迷電腦玩物），AR宣佈全面爆發。

該節目把AR 視為新興的產品宣傳方去是無可厚非的，在當時AR的叫價已經可以造到很低。完全符合該節目推介給商人的便宜且人有我有的新媒體設計手法。

Adidas 也推出了Augmented Reality 鞋。雖然把AR Tag 放在鞋子上有點奇怪，也相信沒有太多人拿出鞋對著屏幕玩。但利用AR Tag把鞋子變成介面，確實創意十足。

我沒有刻意留意該節目，但又太巧合地再一次遇上了該節目，又再一次介紹到「新媒體」。天意！這次是Projection mapping，即很多人口中的立體投影。首先，立體投影這個詞我不知道是如何被翻譯出來。讓人對投出來的效果有無限的暇想，只因為立體二字。其實基本上就是普通的投影，只是投影在立體的東西上。好玩在，如果立體的表面本身是有很多形狀很多層次變化的玩，利用projection mapping 的方法可以將實體創造出會變化，扭曲等等的虛擬效果，其實是個上佳的虛實結合的手法。

我記得我以前在城大教書時對哪些覺得學藝術無用的現實派同學說，學的除了是一種思維，不做藝術，也可以嘗試把這些過癮的手法放到設計中。尤其新媒體藝術可便性，藝術作品的「方法」可以在幾年內被應用到商業上，也可以是很酷商業作品。以前的motion tracking 成了後來很多interactive floor/wall projection 就是。現在以internet 的速度，應用速度更快。

例如Moving Brands 2007年就應用了Reactable 所創造的方法，華麗地利用該方法還未發展的特點為London College of Fashion 的Fashion Show 連續兩年創作了很好的Graduation Students Information table。同樣的技術，創作者就是通過思考該技術的展示方法，發掘該方法的更多可能性。這個由Moving Brands創作的Interactive Table思考畢業展的觀眾對畢業生們或對其畢業作品的了解不足程度，配合Reactable 的介面擴充能力，以簡約的互動讓觀眾瀏覽更多該學生及其作品的資料。

Moving Brands 連續兩年為London Collage of Fashion 畢業展的創作，運用了Reactable 的技術，發掘了Rectable 的互動特點成為簡潔優雅的互動桌子。

再看看他們在2009年為Nokia Siemens Networks而創作的NSN Experience Cloud。Branding 的主題是 “The.World.Connected”。這次他們利用到AR的技術，但不再是在屏幕看見自己拿著AR的Tag然後在Tag上生出東西。利用AR能分辨角度和位置的能力，把Tag放到一個實體的雕塑上。這個小型的實體由觀眾親自在一個大型的裝置中拿下，對住牆壁，小東西就會成為觀眾手上的小小控制介面。隨意扭動而看到不同的資料。

Moving Brands2009年為Nokia Siemens Networks而創作的NSN Experience Cloud，主題是 “The.World.Connected”

如果是Projection Mapping，真的差一點就做到便利店都有。可是多不一定代表濫。看1024 Architecture 或Urban Screen 每次都帶給觀眾新的Projection Mapping 的視點。不是一味變樓粉碎，華人的就飛龍，老外的就放波，這兩個團隊真正思考該建築物的特性如何和主題結連。

法國的創作團隊1024 Architecture 創作的Perspective Lyique除了Projection Mapping，還搭配了聲音互動。建築物隨著觀眾的聲音而變形

其實講這麼久，關鍵還是離不開請大家創作時要回歸到創作本身，而不是開個清單A餐三個Interactive Table加一個AR，B餐一個Interactive projection 加個所謂的立體投影。當然作為一家科技公司賣互動系統這也是無可厚非也十分理解。然而作為設計或創作或甚至藝術創作，當我們只想到科技帶來的視覺糖果而去利用該技術進行創作的話，這就跟我們去拍電影只考慮顏色美不美，或聲效好不好一樣。有次跟幾位朋友討論到這些新媒體展示方式一旦落到廣告Agency手上就會極速變濫然後變爛。其實，爛的也許不是Agency，更加多可能是照單執藥的創作或製作團隊。正如財經透X主持的結論：”這個方法可以為品牌帶來多少的收益？而成本是不是划算呢？” 工廠式創作？錢嘛，誰不想狂賺！

延伸閱讀：

電視節目：立體投影

http://mytv.tvb.com/news/financemagazine/121756/146?path=news&programme=financemagazine&video_id=121756&chapter_id=146#page-1

London College of Fashion – Gestural Table 2007:

London College of Fashion – Gestural Table 2008:

NSN Experience Cloud

adidas Original – Augmented Reality Sneaker Experience

1024 Architecture

http://www.1024architecture.net/en/2010/11/perspective-lyrique/

蘇貞昌在上屆選舉時的 “台北超越台北“ 籌款活動，也用到AR。非常好的概念。

甫走進大會當的展覽廳，今年的微波國際新媒體藝術節，當下的第一個感覺是走進了一個擁有六個「劏房」的藝術及科學實驗室。每間劏房各自各精彩，各自展示不同領域的藝術和科技的創作。但它們都有一個共通點：在實驗室裡，藝術家和科學家開派對。

Victoria Vesna和她的團隊在跟觀眾解說他們的「實驗室」

實驗室派對
今年再次遇見 Victoria Vesna，她代表的不再是個人，是UCLA的 ART | SCI 中心。這位UCLA的 ART | SCI 中心的創辦人及主席，說到藝術和科學的合作，就滔滔不絕的分享她在不同地方尤其是在香港和大陸的經驗。正好當天的工作坊圍在桌上的是一堆中藥，搭配著這些經驗加上同場兩位來自這個中心的生物科學家，正好演繹他們之間的合作和互動。藝術家、科學家，誰都沒有是首先進入或介入實驗室，但彼此之間相互的影響著。這也許就是他們口中的實驗室派對。

談到實驗室，一堆工具、儀器和試管等等我們覺得應該屬於科學的東西必然會出現在這個空間。但UCLA的 ART | SCI 中心的實驗室，只有幾張桌子。是的，科學家不可能沒有儀器和工具吧。哪究竟是個甚麼樣的實驗室，在幹甚麼樣的事情讓我們看見他們創作出一個又一個很有議題性的作品呢？「那只是我們其中一個互動的地方。我們的實驗室在咖啡廳，在喝酒的地方，在派對，在任何地方」。旁邊的科學家們連連點頭。也許這就是一個空間之所以是一個創作的空間：重點不是真實的空間，更重要的是人和人之間的有趣的互動。

家中的物理實驗室
「這是物理實驗室，你可以在家裡也進行物理實驗」Romie Littrell，UCLA的 ART | SCI 中心的 Instructor，對在場一位小朋友的「What is it?」提問如是說。Romie 這次主持了「生物 DIY LA 工作坊」，以黑客的心態進行物理DIY。他手上的Arduino配上他設計的電路裝置，小小的一個東西，不單可以在家，也許在街頭上也可以來個DIY Biology。是的，只要有一個能促成人和人互動的空間，無論在哪裡，都是一個創意的衍生器。

(上三圖）Time’s Up 的「創作廚房」，和大家在互動
(下）這不是大家吃東西前喪拍的食物照，這是「共同創作」的結果之一！

UCLA Art | Sci Center 的作品 Sniffing Booth ，培養皿裡的是中藥

不過也許人和人走在一起，互相討論，是需要一個場所。君不見 Walter Benjamin或村上春樹對咖啡廳的迷戀。Time’s Up 的咖啡廳就是他們的廚房。 那天他們和參加者進行「工作坊」：煮飯造菜。有些參加者一副認真的表情，筆記本原子筆齊全。呵，認真就輸了！Time’s Up的創作過程，包括所有重要的活動，都在廚房裡進行，這裡也體現他們由1996開始在新媒體藝術重鎮 Linz 的歷史。廚房裡每天有不同的成員為其他人準備午餐。在造菜和分享食物的過程，人和人之間有著最基本的互動，引發的討論也許是最自然的。工作坊當日大伙兒一起造菜，聊聊各種事，上至創作概念，下至香港特色。看似閒聊，但這種基本的人和人之間的互動，即使是簡單的話題，也許就是一個驚艷作品的開始。比起我們常說的：網上留言，facebook group 開個討論組的互動方法，Time’s Up這種實在的交流，也許才是我們真正需要的創作基本方法。

創作空間共同體
當 Hackerspace, Open Space在世界各地愈來愈多時，其實我們需要一個怎樣的開放空間才可以作為創作的催化劑？是不是來一堆工具開一個共享圖書館就可以呢？今年的微波國際新媒體藝術節七個實驗室也許可以為香港正進行的空間或將要開設的類似空間作為一個參考點。誰願意有心有力有時間和大家進行一場實驗室的藝術派對？

LA Biohackers
http://biohackers.la/

UCLA ART | SCI Center
http://artsci.ucla.org

time’s Up
http://www.timesup.org

微波國際新媒體藝術節
http://www.microwavefest.net

hackerspace
http://hackerspaces.org

自從認識新媒體藝術，微波國際新媒體藝術（下稱微波）是每年在香港一定要看的展覽。由近乎是每年香港唯一一個新媒體藝術展，到現在愈來愈多，微波默默的帶領香港看到新媒體藝術的不同面。今年是微波的15周年，我特別找了節目總覽Joel Kwong談一下。除了今年的展覽，也談談香港的新媒體藝術。

K：Keith Lam
J：Joel Kwong

K：Joel 你可否說一下除了在官方網頁看到策展理念以外，你和策展各位最終極的策展理念？

J：其實我從2006 加入微波開始就一直討論一些關於社會的議題，例如有生物藝術，環境科學等等。今年這個主題其實都隱藏在我們過去兩三年的主題內，這也是為什麼微波在今年年中也舉行 Invention and Intervention 的展覽，這也是新媒體藝術的跨界別／類型性。

J：微波其實一直是作為一個讓觀眾去認識媒體藝術的平台。例如很多認為新媒體藝術是數位藝術，一定和電腦有關。於是我們過去幾年就用了不同主題去讓人認識新媒體藝術不是等於數位和電腦。我們要為這個本身不容易被定義的藝術界別去讓人去深入認識。

年中的 Invention and Intervention 是在討論發明與介入，這是新媒體藝術的本質之一：發明如何介入了藝術創作。而經過那次展覽，和過去這麼多年微波的經驗，我們看到不同的藝術家來自不同的地方，學院，Lab等等，也看到他們從事從作的過程。於是Lab 這個概念：一個創作和討論的地方 其實一直都發生在過去的展覽。於是今年我們決定以Lab除代單一藝術家作為單位，去展示一個創作如何在一個Lab 發生。透過邀請世界不同的Lab來展覽，展示這種 collaboration culture 是如何形被形成的，一個新媒體藝術家是如何在一個場所來成就他的作品。很多時候一個人是很難成就一件作品，於是合作和互相結集在新媒體藝術中也是一個很特別的創作過程，我們很願意透過這次展覽讓觀眾看到這種過程。

DIYBio La Workshop 是UCLA Art|Sci center帶來的工作坊，Art|Sci center的羅米萊特爾將帶領一個手作工作坊,令參加者投入「生物DIY」。

K：這種Lab 的概念好像很科學，會否很高科技？

J：作品不一定也不性要是高科技的東西，也許只是非常 lo-fi 的。但一個科學家進駐一個Lab 當中，影響的不單純是科技層面的東西，更加多的是藝術的想法，和他對不同媒介和媒體的認識層面。又或者反過來藝術家的進駐讓科學家的想法有所改變，以不同的角度探討同一個研究議題。這種互動往往得出有趣而預期不到的變化。

K：亞洲區這種Lab的文化是相對較慢的，這讓我想起現在世界各地開始有不同形式的hackerspace 出現，當然原來是一種科學開放交流的平台，發展成現在很多以藝術創作為目的的hackerspace。

J：這也是我們為什麼很想帶這個Lab的想法來今年的微波的展覽中，這種發展在新媒體藝術是催化劑，透過不同界別的人的集體碰撞是會加速作品的創作。

（上）Times Up帶來他們集體創作空間／平台：廚房，讓大家看見他們的創作場所和過程
（下二圖）Times Up 的廚房同時是個Gallery ，展示他們收集了多年，激發他們創作的小東西

K：我看當中 Time’s Up 帶了一個廚房來展出，你當初是怎樣和他們溝通以致他們要把他們的廚房來展？

J：當初我跟他們說Lab 這個概念，他們想了一會就說帶一個廚房來。我當時也問他們那即是什麼。他們的想法是很多人對Lab 的想法是硬件，要有什麼工具什麼空間。但他們的想法是比較注重軟件，就是創作的想法和人和人的互動。他們很多創作也是在廚房分享食物和煮是發生的。而這次展覽在這廚房裡也會展出很多他們收集激發了他們創作的小東西，全部都是 low-tech且便宜的小東西，以廚房作為Gallery。而他們今次在微波的工作坊也是要和參加者造菜，目的是帶一個通流的文化給觀眾。

K：這也同時看到一個有趣的想法，就是 Time’s Up的作品都是相對的 Low-tech。我很常發現很多觀眾觀賞作品時以科技程度作為切入，會以 “好不好玩” 或 “夠不夠high-tech” 去觀賞評論。最嚴重就是學生們也會單純以這種思維去學習和從事他們的創作。Time’s Up這個Lab 也正正好像要為大家調整這個思維，微波這次是不是要刻意要同時進行這方面的藝術教育？

J：其實上一年都有這種所謂 “Low-Tech” 的作品：M.O.M. (Multi Oriented Mirror)，這是一件利用了簡單的折射的原理創作的作品。其實這種技術很多人都會，就是如何利用這種媒體去創作才是重點。微波一直以來就是想利用不同的策展方向去讓大眾去認識一個不是一般心目中的片面的層次，讓他們看到更多層次。

後記：
對談後的一個星期是城大的創意媒體中心的開幕藝術節的開始，加上今年從年中的Invention & Intervention，創意媒體中心開幕，以至年底微波和稍後我的工作室的展出，新媒體藝術今年在香港沒有停過。不用遠看，近看台灣就有一個數位藝術中心（即使沒有辦得好）。回頭看香港，很多策展人，團體和藝術家的努力讓我們看到一陣的熱鬧。當英國出了一個文化產業的政策而香港隨即而跟，我們確實得到更多展覽和文化節目。但我們何時才能有一個完整的文化政策，去成就文化藝術，而不是每項都是談產業？

Mission Eternity是 etoy.Corporation 帶來的作品，它是一個探尋死後生命的數碼文化計劃。工作坊的參加者能把任何數據存於他們的迷你奧秘膠囊， 膠囊會連接到永恆任務的偷渡儲存器，透過在一個名為永恆任務天使的社交網絡系統裡無休止地被拷貝，使數據永遠存活著。

2011年中香港藝術發展局主辦，微波統籌和策劃的 Invention & Intervention，首次以全本地藝術家陣容展示本地新媒體藝術力量

微波國際新媒體藝術節節目總監Joel Kwong，在dimension+的工場對談中順道隨手創作

Microwave 網址：http://www.microwavefest.net

Invention & Intervention: http://www.microwavefest.net/ii

IxDC 互動設計系列講座 – 「品牌與體驗策略」於1月26日在 LAB by Dimension+ 舉行！當日迫爆了空間，謹對來到但已經沒座位的朋友致歉！

之後的 LAB 核心會員首次聚會氣氛也非常熱烈！期待在下一次的聚會再跟大家聊天和Fab & Craft!

microNTS第一gig：Micro Bend
由RE-Records 和 LAB by Dimension+ 合辦

microNTS，一個結合近距離交流、微作業、非常空間的流動表演系列。

我們非常榮幸找到來自波蘭-瑞典的音樂人／作曲家 Zbigniew Karkowski的新audio-visual 作品優先看 為microNTS系列掀序幕。作品將於2013年以 2 x DVD 形式推出，由 Re-Records發行。

*來自波蘭-瑞典Zbigniew Karkowski的作曲家／音樂，現於東京生活及工作。過去15年的創作生涯裡，以創作contemporary music，工業音樂、流行音樂及實驗音樂為主。Karkowski在30多個國家演出過他的作品。他深信作為藝術家需要不斷的遊走及工作於世界各地，以認識不同的文化及傳統，發掘我們身處的星球。他拒絕傳統對音樂的定義，他認為所有音樂的理論及系列應該被消滅。而他的近作裡以廢墟建築配合電子聲音及Acoustic walls而成的音符實現的劇目，都足以看得出Karkowski 的音樂理念。

現場聲音表演：
Zbigniew Karkowski (波蘭)

開幕嘉賓：
Naturalismo (義大利)

由Audiovisual 談起，談到Generative Arts，由表演，到平面的靜態視覺，及至流動有節奏的 motion graphic，創作者一直在探索 art & code 的不同的可能性。
前一期提過的 Marius Wats 早前最觸目的動向就是加入一年多兩年前開始爆紅的3D printing 陣營﹣當了makerbot 的駐場藝術家(makerbot 為一開源3D printer）。一個用coding 寫視覺得創作者，和3D 打印技術有什麼關係？

本身3D printer 其實已經有相當久的歷史，但makerbot 以開源的方法，便宜地創造本來屬於高價的產品設計造型的家用工具。而3D printer 當然後就是 print 出立體的東西，你可以在電腦弄個什麼3D model 然後打印。 雖然打印出來的成品質素不是很好，但作為Rapid Prototyping（快速成型）或實驗或創作也是個非常好的方法。

作為Makerbot的首位駐場藝術家，Marius Wats 利用它的Generative Arts轉化成 Generative Objects，讓觀眾用皮膚觸摸他的數學

用皮膚感受數學
相對一般使用3D printer的用家，Marius Wats把他的 generative objects 的 organic 3D 實體化。本來在屏幕上看到的已經是這麼震撼，如今能化成實體。這樣的generative 已經不只是看得到更加上摸得到﹣手觸摸到的演算，皮膚感受到的數學。
無疑3D printer 對大部份用家來說是一個相當好的快速成型工具，而便宜的3D printer能把做首辦的成本大大降低，讓桌上用家 (desktop user）都可以打印3D物件。Makerbot 或 Reprap （比Makerbot 更早出現，Makerbot的原型也是從Reprap中學習過來）的出現當然讓大大打開了3D printing 這個領域。但這個技術其實已出現了相當多年，為何在Reprap 或 Makerbot 出現之後這個領域才熱鬧起來？

正是因為Reprap當時的Open Source 理念，讓其他人都可以學習到3D Printer 的實在運作，進行複製及改造，所以Makerbot接著出現，也承繼了這個開源的理念。之前講Generative Arts時也提到Open source讓作品以不同模式承傳下去。Makerbot快速的流傳當然是因為其成本便宜，但更大的原因也許在於它是Open Source Hardware。因為Open Source 的原因，Makerbot 除了是它本身的形態外，創作者或改造或連接成為自己的新型Makerbot。

以Reprap為原型的3D 打印機，Makerbot 讓開源的3D技術領出更多創作的可能性

“Be Your Own Souvenir!” 是以巴塞羅那為基地的創作團隊 blablabLAB 創作的

技術啟發創作
也因為Open Source，人們可以改造一個3D Printer的運作進行創作。這個時候3D Printer的概念再不局限於一台機器這麼簡單。今年 Ars Electronica Interactive Arts組別的其中一件得獎作品 “Be Your Own Souvenir!” ，結合 Kinect 和 以Reprap 為原型的3D Printer。如果我們在街頭上給畫家畫個肖像，我們要坐的畢直，一停不動給畫家把我們的樣子畫下來，成果是一個平面， “Be Your Own Souvenir!” 某程度上是一個立體版本。你也要在一個位置上站好，然後動作會被記錄下來，打印成一個立體的肖像。（誠然我不覺得這是一件藝術品，比較多於是一個有趣的互動裝置）

《Speaker》採用了「3D造型」原理，觀眾只要對著《Speaker》講話，Sound Wave 便會立即轉換成實體﹣耳環。

觀眾成為塑雕家
相對 “Be Your Own Souvenir!”利用本身Reprap 的技術來創作，“Speaker” 這個作品更加是利用3D 打印最根本的精神：3D造型。觀眾可以向著 “Speaker” 講話，講的話的 Sound Wave 會被立即轉換成實體﹣耳環。於是觀眾其實變成了雕塑家，只是用聲音不是用手，而 “Speaker“ 則是一個提供觀眾去創作聲音耳環的平台。

今年年中時我為國際人權組織的50周年Light Up 活動創作了一個作品 “Stand Up, Light Up, Shape Up”。組織提供是一個長方形的蠟燭，方法是創作者自行決定，議題是關注貧窮和人權的關係。我沒有有雕刻的方法，反而創作了一個平台讓觀眾走近我的平台。當人願意走近平台前，燈泡會亮起來，燈的高度也會調校。平台中我放了大會給的蠟燭，因為燈泡的熱量和不同的高度，蠟燭最後出來的形就會不同（蠟燭最後的形狀，就是展覽結束的當日）。當人願意走近，關注及照亮別人，我們其實可以改造原來的狀態。也只要我們願意關注貧窮帶來的人權問題，其實或許我們可以改變這個狀態。

Pixar的首席創作官John Lasseter說：”The art challenges the technology, and the technology inspires the art.”。3D打印技術以開源方法出現，刺激創作靈感，讓創作者關注更多的議題和創造一個又一個經典有意義的作品。

“Light Up”我為國際特赦組織的五十周年，以Light Up 為主題創作的作品

Marius Wats 為Makerbot的首為駐場藝術家：
http://workshop.evolutionzone.com/2011/02/07/makerbots-first-artist-in-residence-me/

“Be Your Own Souvenir!” :
http://vimeo.com/21676294

“Speaker”:
http://www.interactivefabrication.com/projects/speaker/

“Stand Up, Light Up, Shape Up”:
http://www.d-p.cc/portfolio/stand-up-light-up-shape-up/

MakerBot:
http://www.makerbot.com/

Reprap:
http://reprap.org