El Servicio de Salud de las Islas Baleares ha presentado su nueva identidad corporativa, que gira en torno a la marca IBSalut. Esta denominación, según el propio organismo, es la que la ciudadanía emplea de forma habitual para referirse a la sanidad pública del archipiélago. Con este cambio, el Servei de Salut dispondrá de un logotipo propio, aunque mantendrá su vínculo institucional con el Govern mediante el escudo oficial.

La nueva imagen busca unificar la presencia de hospitales, centros de salud y otros dispositivos asistenciales bajo un mismo paraguas visual. El objetivo es reforzar la coherencia y la confianza en todo el sistema, al tiempo que se dota de una estética moderna, clara y reconocible. La elección de los colores y la tipografía refuerza la continuidad con la identidad del Govern balear.

Una marca común para todo el sistema sanitario

El principal propósito de esta renovación es que todos los centros dependientes del Servei de Salut sean reconocibles bajo una misma imagen. Hospitales, centros de salud, consultorios y demás dispositivos asistenciales pasarán a usar IBSalut como marca común. Esto aportará mayor claridad, cohesión y confianza al conjunto del sistema, evitando la dispersión visual que existía hasta ahora.

La marca no solo se aplicará en los edificios, sino que también llegará a la señalización, los espacios digitales, las redes sociales, los documentos administrativos, los materiales impresos, los uniformes y los vehículos. El nuevo manual de identidad establece los criterios para cada uno de estos soportes, garantizando un uso homogéneo y sostenible en el tiempo.

Colores y tipografía institucionales

El diseño adopta el azul ciencia como color corporativo principal, complementado con el azul mediterráneo. Esta gama cromática se comparte con la identidad gráfica del Govern, lo que refuerza la vinculación institucional sin perder personalidad propia. Además, se mantiene la tipografía Noto Sans, la misma que utiliza la administración balear en sus comunicaciones.

La combinación de estos elementos busca proyectar una imagen profesional, cercana y moderna. No se trata de un cambio radical, sino de una evolución que conserva la esencia de la sanidad pública balear mientras la actualiza para los nuevos tiempos. Así, la ciudadanía podrá identificar fácilmente cualquier servicio del sistema sanitario público.

Manual de identidad y aplicación

El nuevo manual de identidad corporativa define con precisión cómo debe aplicarse la marca en cada soporte. Desde la señalización de los centros hasta la documentación administrativa, pasando por los espacios web, las redes sociales y los uniformes del personal. También se establecen pautas para la utilización en vehículos y otros elementos de comunicación externa.

El manual no es un documento cerrado, sino que contempla su adaptación a futuros materiales y necesidades. Esta flexibilidad permitirá que la identidad de IBSalut evolucione sin perder coherencia, garantizando una presencia estable y perdurable en el tiempo.

Implantación progresiva

La sustitución de la imagen actual no se hará de golpe. El Servei de Salut ha decidido implantar la nueva identidad de forma gradual, aprovechando la renovación natural de los soportes y la puesta en marcha de nuevas infraestructuras. Así, durante un tiempo convivirán elementos con la imagen anterior junto a otros que ya luzcan la nueva marca.

Esta estrategia evita costes innecesarios y minimiza el impacto en el día a día de los ciudadanos. El proceso continuará a medida que se vayan reemplazando carteles, señales, vehículos y otros materiales. De este modo, la marca IBSalut se extenderá progresivamente hasta abarcar todo el sistema sanitario público de las islas.

Con esta renovación, la sanidad pública balear da un paso firme hacia una identidad unificada y reconocible. La combinación de los azules institucionales, la tipografía compartida y un logotipo propio de IBSalut refuerzan el vínculo con el Govern y, al mismo tiempo, dotan al servicio de una personalidad diferenciada. La implantación paulatina garantiza una transición ordenada, mientras que el manual de identidad asegura la coherencia en todos los canales. En definitiva, la nueva imagen no solo mejora la estética, sino que también contribuye a generar confianza y proximidad con la ciudadanía balear.

Madrid se prepara para celebrar la primera edición de Tinta de los Molinos, un festival dedicado a la microedición que tendrá lugar el próximo domingo 27 de septiembre en el Espacio Abierto Quinta de los Molinos. La cita, impulsada junto al Colectivo HUL, pretende romper las barreras entre el público y el proceso editorial a través de actividades prácticas y participativas.

El evento se concibe como una experiencia lúdica y formativa donde el libro se convierte en excusa para experimentar. Los asistentes podrán acercarse al fanzine y a la autoedición, al collage y a la publicación artesanal en un ambiente abierto a familias y curiosos de todas las edades. La jornada contará con tres ámbitos diferenciados, aunque todos con un mismo hilo conductor: la creación autónoma.

Una jornada en tres frentes

La zona denominada ‘Talleres Wais’ será el corazón práctico del festival, con cinco propuestas que se desarrollan en horario de mañana y tarde. Por su parte, la muestra ‘SFW. Solo Fanzines Wais’ reunirá una selección de publicaciones independientes que van desde el cómic hasta los libros de artista, prestando especial atención a las obras infantiles. Además, el auditorio acoge un duelo escénico llamado ‘Gigantes y Molinos’, una actividad interactiva que fusiona teatro de improvisación y dibujo en vivo, con el público como parte activa.

En cuanto a los talleres, hay propuestas para todos los gustos. Ay Ediciones propone ‘La merienda’, un taller donde se crean libros ilegibles inspirados en Bruno Munari, con una ambientación que recuerda a una charcutería. Kit Caníbal, por su lado, ofrece ‘Trompa, papel y pegatinas’, una aventura con acertijos sobre empatía y cuidado del entorno. También se podrá participar en ‘Minicuento-fanzine-collage’ con Marta Quijano, que enseñará a ilustrar historias cortas usando materiales reciclados; ‘Fanzine de bolsillo’ de Paw Salcés, para diseñar historias plegables; y ‘Atrapar cosas’ de Ruango, que incita a explorar el entorno para capturar ideas inusuales.

La exposición, aunque no es una feria comercial, sirve como escaparate de la creatividad emergente. La muestra ‘SFW. Solo Fanzines Wais’ ofrece una visión panorámica de la microedición actual y permitirá a los visitantes descubrir obras que difícilmente llegarían a las librerías convencionales.

Horarios y reservas

El festival se desarrollará en dos sesiones: una matinal de 11:00 a 14:15 y otra vespertina de 16:00 a 19:15. Las entradas ya se pueden reservar a través de la web www.espacioabiertoqm.es y también se dispondrá de un cupo en la taquilla una hora antes del inicio de cada sesión. Se aconseja anticiparse dado que la demanda podría ser alta.

La iniciativa se enmarca en los esfuerzos del Área de Cultura, Turismo y Deporte para acercar propuestas culturales a las nuevas generaciones. En un momento en que el ocio digital domina el tiempo libre, este tipo de encuentros apuestan por el valor de lo artesanal y analógico y por recuperar la experiencia táctil y creativa que ofrece el papel.

Así, Tinta de los Molinos se revela como un espacio de experimentación y encuentro donde la microedición se convierte en un lenguaje accesible. Una oportunidad única para que niños y adultos compartan una jornada de creatividad alrededor del libro y para recordar que la edición también puede ser un juego.

Cuando hablamos de retratos, mucha gente piensa simplemente en alguien pintando la cara de otra persona, pero la verdad es que el asunto tiene mucha más miga. No se trata solo de copiar rasgos físicos como quien hace una fotocopia, sino de capturar la esencia y el alma de quien posa, intentando que esa imagen nos diga algo sobre su personalidad, sus miedos o el lugar que ocupa en el mundo.

Este género artístico ha sido un espejo donde se refleja la historia de la humanidad. A lo largo de los siglos, el retrato ha servido para rendir homenaje, presumir de poder o simplemente para que alguien no sea olvidado con el paso del tiempo, transformándose desde las rígidas figuras del Antiguo Egipto hasta las experimentaciones más locas del historia del arte y su evolución visual y la era digital.

¿Quiénes han sido los protagonistas del retrato?

Si miramos hacia atrás, nos daremos cuenta de que no cualquiera podía permitirse el lujo de ser inmortalizado. Durante siglos, el retrato fue un símbolo de estatus y prestigio. En el Imperio romano o en el Egipto antiguo, las obras se centraban en dioses, faraones, gobernantes y altos cargos del clero. Eran los comerciantes y mercaderes adinerados quienes, gracias a su bolsillo, podían encargar una obra para dejar constancia de sus logros.

La gente común estuvo fuera del juego durante muchísimo tiempo, hasta que llegó el siglo XIX. Con el Romanticismo en el arte, los artistas empezaron a fijarse en personas sencillas, como campesinos o jardineros, dándoles el protagonismo que antes estaba reservado a las élites. Ya en el siglo XX, el Pop Art rompió todos los esquemas, convirtiendo a figuras públicas y celebridades en el centro de atención absoluto.

Clasificaciones y variantes del género

No todos los retratos son iguales, ya que existen diversas formas de abordar la representación humana. Podemos hablar de diferentes enfoques según la intención del artista:

• Retrato intencional: Es la forma más ingenua, como los dibujos infantiles donde se asigna un nombre a una figura genérica.
• Retrato simbólico: Aquí la imagen se vincula al individuo mediante valores o elementos religiosos.
• Retrato tipológico: No busca la exactitud fisonómica, sino representar una categoría social o un tipo de persona mediante el vestuario o atributos específicos.
• Retrato fisonómico: Es el auténtico retrato, donde se imitan los rasgos reales y se busca transmitir la psicología del sujeto.
• Retrato de reconstrucción: Se utiliza cuando el artista no conoce al sujeto y lo recrea basándose en descripciones o sensibilidad propia, algo común en imágenes de personajes históricos antiguos.

Además, el encuadre juega un papel fundamental. Dependiendo de cuánto cuerpo veamos, tenemos el retrato de cabeza, de busto, media figura o figura completa. También influye el ángulo, pudiendo ser una vista frontal, de perfil, de medio perfil o de tres cuartos.

El viaje histórico: desde la piedra hasta el lienzo

Los primeros pasos del retrato se dieron en la escultura. En Mesopotamia y Egipto, predominaba un estilo esquemático para resaltar la majestad del soberano, aunque hubo paréntesis como el de Akenatón y Nefertiti, donde apareció un realismo psicológico sorprendente. Los griegos, por su parte, fueron quienes realmente impulsaron el retrato fisonómico, aunque empezaron con representaciones idealizadas antes de llegar a la fidelidad de los rasgos en la época helenística.

Roma llevó el realismo al extremo, especialmente en el periodo republicano, donde se prefería mostrar la piel curtida y las arrugas como signo de virtud y experiencia. Sin embargo, al llegar a la Edad Media, el interés por la individualidad se desplomó debido a la mentalidad cristiana, que priorizaba el símbolo sobre la persona. Solo con el resurgir de la burguesía en la Baja Edad Media volvimos a ver rostros reales, a menudo como donantes arrodillados en escenas religiosas.

El Renacimiento fue la gran explosión. Con la llegada del óleo, artistas como Van Eyck, Da Vinci o Rafael lograron una precisión técnica y una profundidad psicológica asombrosas. Surgieron los retratos en miniatura para fines matrimoniales y se consolidó el autorretrato, donde el pintor se convertía en su propio modelo para explorar su autoconciencia o simplemente para practicar.

Evolución hacia la modernidad y la fotografía

El Barroco y el Rococó utilizaron el retrato para reafirmar el poder de la burguesía y la aristocracia, con genios del Barroco que llevaron el arte al límite, como Rubens y Van Dyck. Más tarde, los impresionistas como Monet o Renoir prefirieron un estilo más íntimo y espontáneo, pintando a amigos y familiares al aire libre. Ya en el siglo XX, las vanguardias rompieron la forma: Picasso fragmentó los rostros con el cubismo y Matisse simplificó la línea para ganar fuerza expresiva.

La llegada de la fotografía cambió las reglas del juego. Al principio, los daguerrotipos eran la opción barata para las familias, aunque ya se aplicaban retoques manuales para embellecer a los sujetos, una práctica que hoy conocemos como el precursor del Photoshop. La fotografía pasó de ser un registro burocrático (como las fotos del DNI) a ser una herramienta para impactar visualmente donde fotógrafos como Richard Avedon defendieron que un retrato es una opinión y no una simple semejanza.

Otras dimensiones del retrato

El retrato no se limita a lo visual. En la literatura, un retrato es una descripción detallada de los rasgos físicos (prosopografía) y morales (etopeya) de un personaje. Del mismo modo, en el cine, el tipo de plano (desde el primerísimo primer plano hasta el plano detalle) define la carga emocional y la distancia íntima entre el espectador y el personaje retratado.

Desde las transparencias honestas de la acuarela hasta las series repetitivas de Andy Warhol, el retrato ha demostrado ser una herramienta versátil. Ha pasado de ser un privilegio de reyes a una práctica cotidiana y digital, manteniendo siempre ese impulso primario de fijar la identidad de alguien en el tiempo, fusionando la técnica artística con la curiosidad insaciable por la naturaleza humana.

Seguramente te has encontrado en esa situación en la que tu proyecto crece tanto que ya no puedes con todo tú solo. Gestionar los mensajes, programar el contenido y estar al día con las tendencias consume un tiempo brutal, por lo que delegar la gestión de tu perfil de Instagram se vuelve una necesidad para no acabar quemado.

El problema es que, cuando queremos que alguien nos eche una mano, surge el gran dilema de la seguridad. No todo el mundo se siente cómodo soltando su contraseña a la primera de cambio, y con razón, ya que el acceso total a una cuenta puede ser un riesgo si no se hace con cabeza y utilizando las herramientas adecuadas que la propia plataforma ofrece.

¿Es posible compartir el perfil con otra persona?

La respuesta corta es que sí, pero el «cómo» depende totalmente del tipo de perfil que tengas. Si hablamos de una cuenta personal, la verdad es que Instagram no ha implementado un sistema de invitaciones, por lo que la única vía es pasar el usuario y la clave. Eso sí, no es nada recomendable porque pierdes el control sobre quién entra y hace qué, además de que expones tu privacidad innecesariamente.

Para quienes buscan algo más serio, las cuentas de empresa o de creador son el camino. Estas permiten utilizar el ecosistema de Meta para conceder permisos específicos sin tener que revelar la contraseña maestra, lo que supone un salto enorme en seguridad y organización.

Diferencias entre los tipos de cuenta y su gestión

Antes de meterte en faena, debes saber que no todas las cuentas son iguales. La cuenta personal es la básica, ideal para el día a día con amigos, pero carece de herramientas de análisis y, sobre todo, de opciones para gestionar colaboradores.

Por otro lado, la cuenta de empresa es una joya para quienes venden productos o servicios, ya que permite usar anuncios y etiquetas de compra. Lo más potente es que permite la vinculación con Business Manager para añadir usuarios. Finalmente, tenemos la cuenta de creador, que es un híbrido perfecto para los Instagram Creators, influencers o artistas, ofreciendo estadísticas detalladas y una visibilidad optimizada para que las marcas te localicen fácilmente.

Tutorial para añadir usuarios mediante Facebook Business Manager

• Vincula tu perfil: Primero entra en Facebook Business Manager, ve a la configuración de la empresa y, en el apartado de cuentas, añade tu cuenta de Instagram introduciendo los datos de acceso una sola vez.
• Invita al colaborador: Dirígete a la sección de «Personas» dentro de Usuarios y haz clic en añadir. Aquí deberás poner el correo electrónico de la persona. Es vital que revises el email dos veces para no darle las llaves de tu casa a un desconocido por un error de dedo.
• Asigna el rol adecuado: No todo el mundo necesita ser administrador. Puedes elegir roles como Editor o Analista según lo que necesiten hacer. Una vez seleccionado, confirma la invitación.
• Aceptación del acceso: La otra persona recibirá un aviso en su correo. En cuanto acepte, ya podrá gestionar el perfil desde Business Manager sin haber tocado nunca tu contraseña personal.

Roles y permisos: ¿Quién puede hacer qué?

• Administrador: Tiene el control total. Puede echar a otros usuarios o cambiar la configuración básica. Solo dale este poder a alguien de extrema confianza.
• Editor: Se encarga de la parte creativa. Puede subir posts, escribir pies de foto y revisar las métricas.
• Moderador: Su fuerte es la comunidad. Responde mensajes y comentarios para que los clientes no se sientan ignorados.
• Anunciante: Solo gestiona la publicidad y el presupuesto, asegurando que el dinero se invierta bien.
• Analista: Solo puede leer datos y estadísticas para optimizar las métricas de tu cuenta y elaborar informes de rendimiento.

Casos comunes para compartir el acceso

Hay situaciones muy concretas donde delegar es la mejor opción. Por ejemplo, cuando contratas a un Community Manager profesional. Estos expertos saben cómo hacer crecer la comunidad y optimizar el algoritmo, liberándote a ti de la carga operativa diaria.

También ocurre cuando trabajas con freelances externos. Un autónomo puede encargarse de programar el contenido en las horas punta, interactuar con la audiencia para mejorar el engagement o incluso organizar directos para presentar un producto. En estos casos, supervisar la actividad periódicamente es clave para detectar errores antes de que se conviertan en un problema.

En situaciones más informales, alguien podría querer compartir el acceso temporalmente con un amigo para que vea historias archivadas o contenido de una cuenta privada que no quiere hacer pública, aunque esto último sigue siendo un riesgo de seguridad si se hace mediante contraseñas.

Otras dudas frecuentes y soluciones avanzadas

Mucha gente se pregunta si es posible fusionar dos cuentas en una sola. La respuesta corta es no; Instagram no permite combinar perfiles. Lo que sí puedes hacer es usar la función de cambio rápido de cuenta para saltar de una a otra sin cerrar sesión, o trasladar el contenido manualmente descargándolo y volviéndolo a subir.

Si tienes un equipo gigante y los límites estándar se te quedan cortos, existe la API de Instagram. Esta es una solución técnica que permite integrar el perfil con un CRM o crear chatbots personalizados. Eso sí, requiere un equipo de desarrollo ya que no tiene una interfaz visual propia, pero es la forma más profesional de centralizar la atención al cliente a gran escala.

Para quienes venden su cuenta, la transferencia es sencilla: se pasan las credenciales y el nuevo dueño cambia el correo y el teléfono. Ojo, que en el momento en que se cambien esos datos, perderás el acceso permanentemente, así que asegúrate de que el trato esté cerrado antes de hacer el cambio.

Para mantener la seguridad al máximo, lo ideal es combinar el uso de Business Manager con una revisión periódica de permisos y la actualización de contraseñas si alguien del equipo deja de trabajar contigo. Gestionar el acceso de forma inteligente no solo protege tu activo digital, sino que permite que tu marca crezca de forma organizada y profesional mientras tú te centras en lo que realmente importa.

La impresión 3D se ha convertido en una tecnología transversal que ya no solo se utiliza para crear prototipos, sino que se aplica directamente en la fabricación de piezas finales para sectores tan exigentes como la automoción, la aeronáutica o el ferroviario. En España, la actividad de centros tecnológicos y empresas especializadas ha crecido hasta el punto de que el país se ha posicionado como un referente en el sur de Europa. La combinación de conocimiento técnico, maquinaria de vanguardia y materiales de altas prestaciones cada vez más sofisticados está permitiendo que esta tecnología dé el salto definitivo desde los laboratorios a las líneas de producción, con un impacto directo en la competitividad de las compañías.

Este auge se apoya en una red de actores muy diversos, desde centros de investigación hasta ingenierías que producen piezas por miles. Mientras algunos se centran en la investigación de nuevos materiales o la automatización de sus procesos, otros han optado por especializarse en el diseño y la fabricación de series cortas. La tendencia es clara: la fabricación aditiva se ha consolidado como una herramienta estratégica para la industria, y su evolución apunta hacia una mayor integración con la inteligencia artificial y la robótica.

Centros tecnológicos que marcan el ritmo

Uno de los nombres propios es Aitiip, un centro tecnológico privado con sede en Zaragoza que lleva más de dos décadas investigando en la transformación de plásticos y la fabricación aditiva. Su laboratorio es uno de los más completos de Europa, ya que cuenta con tecnologías como SLM, MJF, FDM industrial o SLS, lo que les permite trabajar con materiales que van desde el impresión 3D de metal hasta polímeros de alta resistencia como el ULTEM o el PA12. Esta infraestructura ha servido para transferir conocimiento a más de 150 proyectos industriales, y su actividad investigadora ha dado como resultado 11 patentes. Trabajan para sectores como el ferroviario, el aeronáutico o la automoción, y ofrecen desde lotes de pocas unidades hasta tiradas de miles de piezas.

En la misma línea, IMES3D, una ingeniería barcelonesa, ha superado los seis millones de piezas fabricadas y trabaja con más de 400 clientes B2B en sectores como la alimentación, la defensa o la electrónica. Su propuesta se basa en el uso de materiales técnicos como plásticos con detección magnética para la industria alimentaria o polímeros con fibra de carbono, junto con la automatización robotizada de la producción y la aplicación de inteligencia artificial para optimizar geometrías. Fabrican series desde 10 hasta más de 10.000 unidades sin necesidad de moldes, lo que permite a sus clientes reducir costes y plazos de fabricación de forma significativa.

La innovación colaborativa aterriza en la sanidad

El sector sanitario es uno de los que más está aprovechando las ventajas de esta tecnología. Catalunya ha puesto en marcha un proyecto pionero en Europa que conecta directamente los hospitales con una infraestructura de fabricación 3D. El Consorci de la Zona Franca de Barcelona (CZFB), el Hospital Clínic y el Hospital del Mar han firmado un convenio para desarrollar un modelo compartido de impresión 3D médica. La idea no es que cada hospital tenga sus propias impresoras, sino concentrar los equipamientos en la Incubadora 3D de Zona Franca y conectar ese espacio con el conocimiento de los profesionales de la salud. Así, los médicos pueden solicitar aplicaciones personalizadas y sostenibles, modelos anatómicos o guías quirúrgicas, y la infraestructura se encarga de diseñarlas y fabricarlas.

Este proyecto, presentado en septiembre de 2026, contempla aplicaciones en planificación quirúrgica, simulación y formación de especialistas. Por ejemplo, a partir de un TAC se puede reconstruir digitalmente la anatomía del paciente y fabricar una réplica física para que el equipo médico la estudie antes de la operación. También se pueden diseñar guías quirúrgicas a medida para procedimientos de columna o maxilofacial. Los impulsores del proyecto destacan que el objetivo es que se sumen más hospitales, empresas y startups, y han fijado marzo de 2027 como fecha prevista para completar el proceso de certificación como producto sanitario.

La IA y el software marcan el futuro del diseño 3D

En el ámbito del diseño, las herramientas basadas en inteligencia artificial están empezando a cambiar la forma de trabajar de arquitectos e ingenieros. Una de las propuestas más ambiciosas es Cartesian, desarrollada por Formas, que promete convertir cualquier cosa en un modelo 3D editable y listo para fabricar. La plataforma entiende instrucciones en lenguaje natural, bocetos o fotografías y produce geometría exacta basada en sólidos NURBS, es decir, no aproximaciones de malla. Los modelos se pueden exportar a formatos como Rhino, STL o SketchUp, lo que significa que se pueden utilizar directamente en flujos de trabajo profesionales de CAD y fabricación.

No es la única iniciativa en este campo. Un estudio del MIT y Google ha presentado InstructMesh, una herramienta que permite reparar modelos 3D generados por IA, mientras que la startup vienesa Synaps ha cerrado una ronda de 3,6 millones de dólares para su tecnología que reduce los comandos necesarios para dibujar y acelera el rendering. La conclusión es que, cada vez más, la IA generativa se está abriendo paso en el CAD profesional, compitiendo directamente con los gigantes del sector como Autodesk.

La industria española, en plena transformación

El sector de la fabricación aditiva en España vive un momento dulce. Empresas como Diprotype, en Barcelona, y Los Hacedores, en Madrid, ofrecen soluciones integrales que van desde el escaneado de objetos y el diseño hasta el post-procesado, con acabados profesionales como pinturas técnicas o baños de metal. Estas compañías son un ejemplo de cómo se ha diversificado la oferta: ya no se trata solo de imprimir piezas, sino de asesorar a los clientes para que elijan la tecnología más adecuada para cada aplicación, buscando el equilibrio entre diseño, coste y funcionalidad.

Esta transformación también se nota en la apuesta por la formación y la investigación. El mercado laboral demanda cada vez más perfiles especializados en BIM y modelado 3D, y son numerosos los recursos gratuitos para aprender desde cero, como las bibliotecas de familias Revit que ofrecen miles de archivos listos para cargar. El futuro pasa por una mayor integración entre la inteligencia artificial, la automatización de procesos y una industria que necesita reducir plazos y costes de producción.

Por tanto, la impresión 3D se ha consolidado como una tecnología con capacidad para transformar la industria y la salud en España. Con centros tecnológicos de referencia, proyectos colaborativos pioneros y herramientas de diseño cada vez más potentes, el país se sitúa en la vanguardia europea de la fabricación aditiva.

El séptimo arte vive un momento fascinante para el cine de animación. Las cifras no engañan: 17 de las 65 películas más taquilleras de toda la historia son animadas, una muestra evidente del tirón que este género tiene entre el público. Ese dato, sin embargo, también pone de relieve una curiosidad que llama poderosamente la atención: la película animada más cara jamás producida se estrenó hace ya 16 años y nadie ha vuelto a invertir una cantidad semejante en un proyecto de estas características desde entonces.

Ese honor tan particular pertenece a ‘Enredados’ (‘Tangled’), la ambiciosa apuesta con la que Disney quiso recuperar su estatus de rey de la animación tras unos primeros años de siglo XXI marcados por la irregularidad. Lo que comenzó como una adaptación del cuento de los Hermanos Grimm acabó convirtiéndose en una producción mastodóntica que estuvo a punto de no ver la luz. Pero el resultado final, con sus luces y sus sombras, terminó siendo clave para el resurgir del estudio.

Un presupuesto de récord que marcó un punto de inflexión

Rodar ‘Enredados’ no fue un encargo al uso. Disney llevaba tiempo queriendo versionar la historia de Rapunzel, pero el proyecto estuvo en el dique seco durante décadas. El presupuesto final, 260 millones de dólares, lo convirtió en la producción animada más cara de todos los tiempos y no hay ninguna otra que se le acerque ni siquiera hoy, cuando la tecnología ha evolucionado tanto. Esa inversión se notó sobre todo en el diseño de escenarios y en el nivel de detalle de sus personajes, con un estilo que mezclaba el 3D con pinceladas de las técnicas de animación tradicionales.

La película, dirigida por Nathan Greno y Byron Howard, no batió récords de taquilla: recaudó 592 millones de dólares en todo el mundo, una cifra que en cualquier otro contexto se habría considerado un fracaso estrepitoso. Sin embargo, en Disney lo entendieron como un gran éxito. Aquello supuso un antes y un después, ya que devolvió la confianza del estudio en las producciones animadas y animó a seguir apostando por ellas. Aunque si hay algo que realmente se recuerda de la cinta, más allá del pelo mágico de Rapunzel, es a Gothel, interpretada en la versión original por Donna Murphy: una villana que se ha convertido en referente por su obsesión con la eterna juventud y su retorcido sentido del humor.

Ahora el estudio prepara una nueva versión de imagen real, cuyo rodaje se está llevando a cabo en España. Está previsto que llegue a los cines en 2028 y ya hay un fichaje que ha generado muchas expectativas: Kathryn Hahn dará vida a Gothel en carne y hueso, un acierto que promete ser de los más comentados. De momento, los fans de esta historia pueden volver a disfrutar de la versión animada en Disney+, donde sigue estando disponible para todos los suscriptores.

Una mirada al presente: la otra gran apuesta del año

Mientras el recuerdo de ‘Enredados’ sigue siendo un referente inevitable, el género no deja de reinventarse. Un ejemplo clarísimo es ‘Coyote vs. Acme’, la película que todos daban por muerta y que ha acabado convertida en una de las grandes sorpresas de la temporada. Dirigida por Dave Green y protagonizada por Will Forte y John Cena, la cinta ha logrado algo que parecía imposible: mezclar la locura de los Looney Tunes con una trama que funciona tanto para adultos como para niños.

La producción, que se estrenó en Estados Unidos hace unas semanas, ha sido un éxito rotundo de crítica y público. La valoración en Rotten Tomatoes alcanza el 95% de críticas positivas y su primer fin de semana en taquilla superó los 15 millones de dólares, un dato especialmente destacable si se tiene en cuenta que fue distribuida por una compañía independiente y no por un gran estudio. En su mercado local logró colocarse en el segundo puesto del ranking y el boca a boca ha hecho el resto.

La película cuenta la historia de un Coyote que, harto de que los productos de la Corporación Acme le fallen una y otra vez, decide contratar a un abogado para demandar a la empresa. Una premisa sencilla, extraída de un artículo humorístico de The New Yorker publicado en 1990, que ha dado lugar a una aventura tan disparatada como entrañable. Su camino hasta la gran pantalla no ha sido sencillo: el proyecto estuvo guardado en un cajón durante años y hasta llegó a cancelarse su estreno, pero finalmente encontró distribuidor en Europa.

El próximo 18 de septiembre llega a los cines españoles y se presenta como una opción ideal para ir en familia. Es una oportunidad única para redescubrir a estos personajes con una factura técnica impecable y una historia que sabe mantener el equilibrio entre nostalgia y modernidad. Los que ya peinamos canas podrán presumir de conocer al Coyote y al Correcaminos, mientras que los más pequeños tendrán la oportunidad de conocerlos por primera vez.

La animación también llega a las series y los videojuegos

El género no se limita a las salas de cine. En el ámbito de las plataformas digitales, la animación sigue ganando terreno y las grandes compañías lo saben. Un ejemplo reciente lo ha protagonizado Blizzard Entertainment, que ha confirmado el desarrollo de una serie animada de ‘Diablo’ para Netflix. El anuncio se realizó durante la ceremonia inaugural de la BlizzCon 2026, celebrada en Anaheim, y se espera que sea solo el principio.

Según las declaraciones de su presidenta, Johanna Faries, el proyecto con la plataforma de streaming ya está en marcha y no se descarta que Overwatch o Warcraft reciban un tratamiento similar en el futuro. De hecho, la compañía ya está negociando para que otras de sus licencias también cuenten con adaptaciones transmedia. La quinta entrega del videojuego, que se espera para primavera de 2029, parece que irá acompañada de este ambicioso plan de expansión narrativa.

Este tipo de movimientos confirma algo que el público lleva tiempo sospechando: la animación se ha convertido en un pilar fundamental de la industria del entretenimiento. No solo por el éxito en taquilla, sino por su capacidad para adaptarse a cualquier formato, desde el cine hasta las series de streaming, pasando por los videojuegos. Y todo apunta a que esta tendencia no hará que más que crecer en los próximos años.

Por último, cabe destacar que la animación española vive su mejor momento, aunque los grandes récords sigan en manos de producciones americanas. La llegada de rodajes como el de la versión en imagen real de ‘Enredados’ a territorio español demuestra que nuestro país es un destino cada vez más atractivo para la industria. Pero esa es otra historia, igual de interesante, que seguro merecerá la pena contar dentro de no mucho tiempo.

La capital aragonesa se convierte por vigésima primera vez en un lienzo al aire libre. El Festival Asalto, que celebra su edición más ambiciosa, llenará de color, imaginación y compromiso social las calles de los barrios de San Pablo y Zamoray-Pignatelli entre el 17 y el 27 de septiembre. Con la participación de artistas nacionales e internacionales, la cita propone un recorrido que va más allá de la pintura mural, transformando también portales, solares y fachadas en espacios de encuentro y memoria colectiva.

Lo que distingue a esta edición es su apuesta por escuchar al vecindario. Desde principios de año, el equipo del festival ha mantenido reuniones con entidades y colectivos para diseñar un programa que responda a las inquietudes reales de la zona. Así, temas como los cuidados, la convivencia, la diversidad o la memoria urbana se convierten en ejes de intervenciones artísticas que buscan no solo embellecer, sino también generar comunidad y reflexión.

Innovación social y proyectos comunitarios

Dentro de las novedades destacan dos proyectos pioneros. Por un lado, el ‘Proyecto Invernadero’ convertirá un solar de la calle Miguel Ara en un espacio de cuidado de plantas y encuentro, donde el diseño industrial y la participación ciudadana se fusionan. Por otro, el ‘Proyecto Portales’, en colaboración con Zaragoza Vivienda, lleva obras de menor escala al interior de viviendas y portales, una manera de integrar el arte en la vida cotidiana de los residentes.

Especial atención merecen las llamadas ‘intervenciones asalto’, que incluyen propuestas como la del artista Curro Claret, cuyo invernadero-barrio funcionará como un faro urbano iluminado, o la fotógrafa zaragozana Estefanía Abad, que recuperará la memoria de ventanas y balcones tabicados mediante la recreación de escenas domésticas. La idea es que cada obra cuente una historia y que el espectador se convierta en parte activa del proceso artístico.

Artistas y murales: un abanico internacional

La lista de creadores que participan este año es un reflejo de la diversidad del arte urbano actual. La brasileña Land of Julia intervendrá las fachadas del Centro de Salud de San Pablo, creando un paisaje colectivo a partir de las aportaciones de los vecinos. El argentino Nicolás Romero, conocido por sus bodegones contemporáneos, recopilará objetos cotidianos de los comercios del barrio para componer dos grandes naturalezas muertas. Junto a ellos, el gallego MAZ pintará un mural con una carga crítica sobre el urbanismo gris, mientras que el jienense Ase Torralba aportará una abstracción geométrica que dialoga con el edificio donde se ubica. Completan la nómina los artistas barceloneses Curro Claret y Carlos Spogo, así como la fotógrafa Estefanía Abad, todos ellos con propuestas que exploran la relación entre el arte y el entorno.

La participación del vecindario se ha convertido en una seña de identidad del festival. Muchas de las piezas se diseñan después de escuchar las historias y experiencias de quienes viven en la zona. Por ejemplo, el mural de Spogo surgió de un proceso de creación colectiva con personas migrantes, trasladando al muro emociones asociadas al duelo migratorio. Esta metodología colaborativa no solo enriquece la obra, sino que también fortalece el tejido social del barrio.

Talleres, actividades y un gran cierre con feria de artistas

El festival no se limita a las intervenciones murales. Se han organizado talleres para adultos y público profesional, como el de sketchbooking con Zane Prate, poesía visual con Sergio Delicado, o mediación artística con Raposuroxu. También se ofrecen actividades familiares, entre las que sobresalen el taller de cianotipia ‘Revelando en colectivo’, el de construcción de máscaras con la compañía Paprika y una sesión de estampación con objetos cotidianos para público infantil. El programa incluye, además, charlas con artistas y un encuentro sectorial sobre arte urbano.

El corazón del festival estará en el Espacio Asalto, ubicado en la calle San Pablo 59. Allí se celebrarán encuentros con los creadores, reuniones con espacios independientes y el mercadillo Asalto Fair, que reunirá a más de veinte expositores ofreciendo obras originales, ediciones limitadas e ilustraciones. La entrada es gratuita y todas las actividades son accesibles para todos los públicos hasta completar aforo.

Con todo, el Festival Asalto se consolida como una cita imprescindible para los amantes del arte urbano y, sobre todo, como un ejemplo de cómo la cultura puede transformar los barrios. La combinación de grandes murales, proyectos comunitarios y talleres participativos hace que esta edición sea la más inclusiva y comprometida hasta la fecha. Quienes se acerquen a Zaragoza durante estas dos semanas descubrirán un museo al aire libre que nace de la conversación con sus habitantes y que invita a mirar la ciudad con otros ojos.

Cuando hablamos de diseño gráfico ambiental, no nos referimos simplemente a poner un logo en una pared, sino a una disciplina supercompleta que mezcla el arte, la arquitectura, la luz y el paisaje. La idea es básicamente transformar el espacio físico para que la experiencia de quien lo transita sea mucho más fluida y agradable, traduciendo conceptos abstractos en elementos visuales que cualquiera pueda entender al primer golpe de vista.

Para que una marca se exprese de verdad en un entorno, hay que jugar con todo: desde la cartelería y los colores corporativos hasta cosas que a veces olvidamos, como los sonidos o los aromas. Se trata de crear una atmósfera donde el usuario no se sienta perdido, sino guiado por una trama gráfica coherente que convierta un lugar cualquiera en un espacio con identidad propia y propósito.

El compromiso con la sostenibilidad en la gráfica

Hoy en día, no se puede hablar de diseño sin meter en el saco la responsabilidad ecológica. Muchos creativos están dando un giro radical para que sus proyectos no sean solo bonitos, sino que cuiden el planeta. Ya no basta con el concepto clásico de ecodiseño; ahora se busca un activismo creativo que cuestione el impacto real de cada pieza producida, luchando contra la contaminación que a menudo acaba en nuestros océanos.

Existen estudios que están marcando el camino, apostando por la huella de carbono cero y analizando cada fase del proceso, desde que nace la idea hasta que el producto llega al cliente. Algunos se centran en generar el máximo impacto sensorial pero utilizando los materiales más respetuosos posibles, demostrando que la ética ambiental puede ser, además, una herramienta estética brutal para diferenciarse en el mercado.

Materiales y procesos que cuidan el entorno

• Soportes responsables: Es fundamental tirar de papeles reciclados o aquellos que cuenten con el sello FSC (Forest Stewardship Council). Usar fibras alternativas como el cáñamo o el bambú, y reducir el gramaje, ayuda a que no abusemos de los recursos naturales.
• Tintas y plásticos: La industria está evolucionando hacia el uso de tintas ecológicas sin químicos tóxicos y plásticos que sean realmente biodegradables o fabricados a partir de residuos alimentarios, similares a los usados en el diseño de empaques sostenibles.
• Logística verde: La distribución es el punto débil de muchos proyectos. Por eso, se recomienda priorizar los envíos digitales o, si el papel es imprescindible, recurrir a la producción local y vehículos eléctricos para recortar las emisiones.

Tener una política de proveedores transparente es otro punto clave. No sirve de nada usar papel reciclado si la imprenta no utiliza energías renovables o si el transportista llena todo de plásticos innecesarios. La clave está en elegir socios que compartan ese compromiso con la sostenibilidad, lo que al final acaba reforzando la reputación de la marca ante un consumidor cada vez más consciente.

Referencias y visiones disruptivas del sector

En el panorama actual, hay agencias que han hecho de la sostenibilidad su bandera. Desde estudios en Londres que colaboran con ONG para reducir las emisiones, hasta creativos en Barcelona que compiten con las grandes multinacionales basándose en su coherencia ecológica. Incluso hay quienes ven el diseño como una forma de dar voz a la diversidad, integrando a personas neurodivergentes en sus procesos creativos.

Para los que quieran dar el salto, existen herramientas como BlueTool o kits de guía que ayudan a replantear todo el proceso de producción. La formación en centros especializados es vital para que los nuevos diseñadores entiendan que la sostenibilidad no es una moda pasajera, sino una necesidad absoluta para sobrevivir y aportar valor en el mundo actual.

Integrar la comunicación visual en los espacios físicos requiere un equilibrio entre la estética, la funcionalidad y un respeto profundo por el medio ambiente, donde la elección de materiales biodegradables y una logística optimizada permiten que las marcas comuniquen sus valores sin dejar una huella negativa en el planeta.

Cada año, el mundo del diseño y la moda espera con expectación la elección del color que marcará las tendencias. Para 2027, el verde se alza como el protagonista indiscutible, pero no cualquier verde: un tono suave, casi plateado, que ha sido bautizado como Piedra Diáfana. Esta tonalidad, elegida por la firma Alba como Color del Año, está llamada a influir tanto en la decoración de interiores como en las pasarelas de medio mundo.

La tendencia, que ya se ha dejado ver en las semanas de la moda de Nueva York y en las propuestas de interiorismo, apuesta por una paleta que combina el verde con el rosa y otras tonalidades pastel. No se trata de un cambio radical, sino de una evolución hacia colores más serenos y conectados con la naturaleza, capaces de crear ambientes relajados y elegantes.

Piedra Diáfana, el verde que inspira calma

Este verde claro, con un sutil matiz plateado, se ha convertido en el eje de las nuevas propuestas decorativas. Su carácter desaturado permite utilizarlo en grandes superficies sin saturar, e incluso se recomienda para techos, una superficie que durante años ha permanecido en blanco y que ahora se convierte en un lienzo para crear atmósferas envolventes. Los expertos señalan que combinar este tono con tonos neutros y serenos ayuda a generar sensación de profundidad y armonía.

El verde conquista la moda

En el terreno textil, la combinación de rosa y verde ha sido una de las más repetidas en las pasarelas de primavera-verano 2027. Firmas como Carolina Herrera o Ulla Johnson han presentado conjuntos que mezclan el verde pastel con rosas edulcorados, ya sea en encajes, faldas fluidas o chaquetas estructuradas. Esta alianza cromática, además de ser visualmente atractiva, aporta frescura y modernidad a los estilismos.

La tendencia también se extiende a los complementos, donde los verdes en tonos khaki se combinan con prendas en tonos pastel. El resultado es una moda que apuesta por el contraste suave, alejándose del color block tradicional.

Otras tonalidades que marcarán el año

Aunque el verde es el gran absoluto, también cobran relevancia los tonos amarillo mantequilla, los cobrizos suaves y los castaños cálidos. En el ámbito de la belleza, los colores de pelo con efecto antiedad se inclinan por los bronde caramelo y los auburn, mientras que en el vestir, los amarillos mostaza y los berenjenas aportan profundidad. La clave está en combinar estos colores con neutros para lograr un equilibrio.

Así pues, el color tendencia 2027 se define por la serenidad y la conexión con lo natural. El verde Piedra Diáfana, ya sea en las paredes de casa, en un techo o en una prenda de vestir, se presenta como una opción versátil y atemporal. Combinado con rosas, ocres o grises, permite crear espacios y looks que invitan a la calma sin renunciar al estilo. Una tendencia que, sin duda, veremos repetida en tiendas y hogares a lo largo del año.

La Unión Europea ha dado un paso histórico en la protección de la infancia en el entorno digital. La presidenta de la Comisión Europea, Ursula von der Leyen, ha anunciado una propuesta legislativa que busca poner coto al acceso de los menores a las redes sociales. El plan, bautizado como EU Kids Act, establece un sistema de acceso gradual que comienza con una prohibición total para los menores de 13 años y que se extiende con restricciones hasta la mayoría de edad. Esta iniciativa, presentada durante el discurso sobre el Estado de la Unión en Estrasburgo, llega después de que países como Francia y España reclamen una respuesta coordinada a nivel comunitario.

El anuncio se ha producido en un contexto de creciente preocupación social por el impacto de las pantallas en la salud mental de los jóvenes. La propia Von der Leyen ha citado el caso de una niña belga de 14 años que se suicidó el mes pasado tras sufrir acoso en Internet, un episodio que ha conmocionado a la opinión pública europea. La futura ley, que deberá ser aprobada por el Parlamento Europeo y el Consejo, también obligará a las grandes plataformas a rediseñar sus servicios para que sean seguros desde el diseño, invirtiendo la carga de la prueba y poniendo fin a la era de la autorregulación.

Acceso gradual y supervisión parental

La propuesta de la Comisión Europea plantea un itinerario claro para los menores. Se prohíbe por completo el acceso a las redes sociales antes de los 13 años, una edad que se convierte en el nuevo estándar comunitario. Para la franja de 13 a 15 años, la norma contempla la creación de las denominadas «minicuentas», que estarán gestionadas y supervisadas por los padres o tutores. Estas cuentas tendrán funcionalidades limitadas, un número de contactos reducido y un tiempo de uso máximo de una hora diaria, según se detalla en el texto presentado.

A partir de los 15 años, los adolescentes podrán abrir una cuenta personal, pero las plataformas deberán aplicar un «diseño seguro» que garantice su protección. Todo este entramado normativo también alcanza a otros servicios digitales que utilizan los jóvenes, como los videojuegos en línea y los chatbots basados en inteligencia artificial. La Comisión quiere eliminar los elementos adictivos de estas plataformas, como el desplazamiento infinito o las notificaciones automáticas durante las horas de sueño, así como el contacto no solicitado por parte de desconocidos.

Desde el Gobierno español, el ministro de Transformación Digital, Óscar López, ha valorado positivamente la medida, aunque ha recordado que el Congreso de los Diputados ya tiene una ley sobre la mesa con un enfoque distinto. La propuesta del Ejecutivo de Pedro Sánchez planteaba elevar la edad mínima a los 16 años, mientras que la UE ha optado por un enfoque más escalonado. Este contraste de posturas refleja la complejidad de regular un fenómeno que evoluciona muy rápido.

Las plataformas deberán demostrar que son seguras

Uno de los puntos más novedosos de la propuesta es la denominada «inversión de la carga de la prueba». Hasta ahora, eran los reguladores quienes debían demostrar que una plataforma era peligrosa. Con la nueva ley, las grandes tecnológicas serán las que tengan que acreditar que sus servicios son seguros para los menores. Esto implica la realización de auditorías independientes y la presentación de un plan de cumplimiento ante la Comisión, con procedimientos acelerados en caso de detectarse fallos.

Para verificar la edad de los usuarios, se propone la creación de un ecosistema europeo de verificación que respete la privacidad, utilizando herramientas como la aplicación de verificación de edad de la UE, que no almacena datos biométricos. Este sistema es crucial para garantizar que las normas se cumplen sin vulnerar los derechos fundamentales. El enfoque de la Comisión busca evitar el colapso de la libertad de expresión, como ha ocurrido con la ley francesa que fue bloqueada por el Tribunal Constitucional del país.

Von der Leyen ha sido muy contundente en su intervención: «Somos nosotros quienes decidimos las normas, no las grandes empresas tecnológicas». La presidenta ha insistido en que los ciudadanos no tienen por qué aceptar funciones diseñadas para generar adicción, ni que se utilicen las fotografías de las niñas para crear imágenes sexualizadas con IA. Una declaración de intenciones que busca dar respuesta a la preocupación de las familias y de los educadores.

Pioneros a nivel mundial, con matices

La UE sigue así los pasos de Australia, que se convirtió en el primer país del mundo en prohibir las redes sociales para los menores de 16 años. Sin embargo, el enfoque europeo es más gradual, tratando de adaptarse a las distintas edades. Por el contrario, Francia aprobó una prohibición similar a la australiana que posteriormente fue anulada por su Tribunal Constitucional, lo que demuestra la dificultad de legislar en este terreno. España, Dinamarca y Suecia están impulsando sus propias normativas, por lo que una ley común de la UE simplificaría el cumplimiento para las plataformas.

No obstante, el proceso aún es largo. El texto deberá ser negociado con los Estados miembros y con el Parlamento Europeo, y podría sufrir modificaciones sustanciales. Las organizaciones de defensa de los derechos digitales ya han alertado de los riesgos de la verificación de edad masiva, que podría derivar en un sistema de vigilancia y censura. A pesar de ello, la iniciativa refleja una voluntad política clara de abordar un problema que preocupa al 92% de los europeos, según el último Eurobarómetro, que considera prioritario reforzar la protección de los menores en línea.

La ley de la UE propone, además, un marco de educación digital para que los menores, sus padres y los profesores aprendan a hacer un uso responsable de estas herramientas. El objetivo no es solo poner límites, sino dotar a los jóvenes de las habilidades necesarias para navegar en un mundo digital cada vez más complejo, donde los riesgos van más allá del acoso escolar. La Comisión trabaja también en una futura Ley de Equidad Digital para proteger a todos los ciudadanos de estos diseños adictivos.

La presión social por actuar es innegable, especialmente tras conocerse que los jóvenes europeos pasan una media de 4 a 6 horas diarias frente a las pantallas. La UE quiere poner coto a un modelo de negocio que se basa en la captación de la atención de los más vulnerables. Aunque las medidas tardarán en aplicarse, el mensaje es claro: los gigantes de Internet ya no podrán operar sin tener en cuenta el bienestar de los menores, que dejarán de ser un campo de pruebas para sus algoritmos.