Fino al 3 marzo, la Cineteca Nazionale dedica un omaggio a Eric Rohmer, scomparso nel gennaio scorso a 89 anni.
Scrittore, critico, professore, ma soprattutto regista, Rohmer, il più anziano dei cineasti della Nouvelle Vague, organizzava le sue opere secondo cicli, come i grandi narratori dell’800: i sei racconti morali girati nel decennio tra il 1962 e il 1972; le commedie e i proverbi realizzati negli anni ‘80. Il suo è stato sempre e coerentemente un cinema parlato sull’amore e sulle infedeltà, dove il paesaggio, preferibilmente di campagna, e i rumori si uniscono volentieri al sublime e aristocratico chiacchiericcio.

La rassegna sarà arricchita dai lavori di Michelangelo Buffa, autore indipendente, invisibile ed eccentrico. Documentarista attivo dagli inizi degli anni ‘60, ha preservato una dimensione amatoriale, realizzando, nell’ambito della produzione underground italiana, film in 8mm, Super8, 16mm, ed in video, a partire dal 1992.
L’omaggio a Eric Rohmer offre l’occasione per tracciare un’affinità elettiva fra il cinema del grande Maestro e l’opera di uno dei filmaker che, sulla scia della nouvelle vague, ha cercato di rinnovare il linguaggio filmico.
Buone visioni…

Programma delle proiezioni
Martedì 2 marzo
ore 17.00
La Femme de l’aviateur (La moglie dell’aviatore, 1981)
Regia: Eric Rohmer; soggetto e sceneggiatura: E. Rohmer; fotografia: Bernard Lutic; montaggio: Cécile Decugis; interpreti: Philippe Marlaud, Marie Rivière, Anne-Laure Meury, Mathieu Carrière, Philippe Caroit, Coralie Clement, origine: Francia; produzione: Les Films du Losange; durata: 106’
«Innamorato di Anne che rilutta, François suppone, sbagliando, che abbia per amante un aviatore. Quando s’accorge dell’errore, forse è tardi per riparare. Girato in 16 mm e 1° della serie Commedie e proverbi. Nel suo calcolato equilibrio tra patetismo e ironia è un film delizioso, di una frivolezza che ha echi profondi nelle regioni del cuore» (Morandini). «E se è vero, come riteniamo, che il cinema di Rohmer è sempre legato alla sfera del narcisismo (se non altro per i narratori dei contes, sintomaticamente prigionieri dell’autosservazione, propensi a elaborare sistemi morali di tipo speculativo, ossessionati dalla voce che vigila e sorveglia dall’esterno), ebbene anche François, che non è protagonista di un conte moral, rientra nella costellazione narcisista e ne assume il sintomo più classico, quello del ritiro dell’interesse libidico dagli oggetti, quel distacco dal mondo esterno che i black-out del sonno ben rappresentano» (Mancini).
Versione originale con sottotitoli in italiano

ore 19.00
Il bel matrimonio (1982)
Regia: Eric Rohmer; soggetto e sceneggiatura: E. Rohmer; fotografia: Bernard Lutic, Romain Winding, Nicolas Brunet; musica: Ronan Girre, Simon des Innocents; montaggio: Cécile Decugis, Lisa Heredia; interpreti: Béatrice Romand, André Dussolier, Arielle Dombasle, Féodor Atkine, Huguette Faget, Thamila Mezbah; origine: Francia; produzione: Les Films du Losange, Les Films du Carrosse; durata: 100’
«Sabina fa la spola fra Parigi, dove ha un pied-à-terre, la casa della mamma e un negozio di antiquariato di Le Mans nel quale è commessa. Liquidato l’ultimo amante, guarda al matrimonio come all’antico traguardo delle nonne: la condizione naturale di quante vogliono sistemarsi con una bella casa, un bell’uomo, bei figli. Ed è sicura di raggiungerlo, fidando nella propria volontà e nelle proprie virtù di seduttrice. Invece fa un buco nell’acqua. Perché l’avvocato parigino su cui ha posto gli occhi, un buon partito ma il primo venutole a tiro, non pensa affatto ad accasarsi, e per quanto Sabina gli faccia la corte se ne tiene alla larga. [...] Chicca deliziosa, Il bel matrimonio è tutto un ricamo psicologico, trapunto da Rohmer e dall’attrice adorabile Béatrice Romand d’origine algerina (l’avvocato è André Dussollier) con un senso squisito dei ritmi di recitazione e della tenera ironia. [...] Splendido erede dei moralisti e di Marivaux, osservatore divertito delle ragazze di oggi, dotato di qualche punta amarognola e cattiva, Rohmer ci ha dato una opera soltanto in apparenza frivola. Al contrario, un referto sui giochi del Caso, un racconto di filosofia della vita incentrato sul tema della menzogna. Ma brillante e vivace, con dialoghi frizzanti e limpide immagini, da andare a vedere di corsa» (Grazzini).

a seguire
Scarti di memoria (1970-2001)
Regia: Michelangelo Buffa; origine: Italia; durata: 27’
«Quando è venne il tempo di abbandonare il video analogico per il digitale si sperimentò la grande duttilità e fluidità di manipolazione e gestione delle immagini facilmente immesse in un computer, con programma di montaggio, quindi organizzate, ripulite, ritoccate come meglio ci pareva. Allungai quindi questa duttilità … a ritroso… cioè tutto il materiale in pellicola che avevo accumulato sotto forma di film in 8mm, Super8mm e 16mm venne poco alla volta digitalizzato. A questo punto avevo tutto lì, a portata di mano, a disposizione, tutto il materiale era uscito dalla linea temporale vicino/lontano, per presentarsi su una linea orizzontale, totalmente compresente. Tutto era come nuovo! Così cominciai a rivedere i montaggi, non per cambiarli ma per ripulirli, ridando una veste meno “sporca” a tutti i film che da allora non potevano che presentarsi come dei…”videofilm”. In questa vasta ed ingombrante operazione di attualizzazione delle immagini girate e dei film e video montati, mi imbattei in una scatola di ex biscotti Lazzaroni… conteneva piccole bobine 8mm accompagnate da un foglio con la scritta “Scarti”… erano pellicole al tempo scartate poiché, per il contenuto o per la mediocre qualità, non avevano trovato ospitalità in nessuno dei film allora realizzati, erano rimasti scarti! Il mio amore per le immagini, per l’immagine intesa come cosa facente resistenza alla trasparenza (che considero oscena, pornografica ed oggi viviamo sotto il dominio ideologico della trasparenza assoluta!), come superficie opaca che non invita al farsi trapassare dallo sguardo ma invita a materializzarsi nella sua impurità espressiva, mi diede l’idea di riutilizzare quelle immagini abbandonate per realizzare dei microfilm dove la loro opacità, la loro materialità venisse esaltata al fine di produrre emozioni visive. Per realizzare ciò ho feci appello alla musica senza la quale i microfilm in questione perderebbero parte del loro potere evocativo. Sono dieci e più che “racconti” sono ambienti emozionali capaci di evocare tempi, luoghi, momenti più immaginari e onirici, che reali» (Buffa).
Ingresso gratuito

ore 21.15
Perceval (1978)
Regia: Eric Rohmer; soggetto: Perceval ou le roman du Graal di Chrétien de Troyes; sceneggiatura: E. Rohmer; fotografia: Nestor Almendros; scenografia: Jean-Pierre Kohut-Svelko; costumi: Jacques Schmidt; musica: Guy Robert; montaggio: Cécile Decugis; interpreti: Fabrice Luchini, André Dussolier, Pacale de Boysson, Clémentine Amouroux, Jacques Le Carpentier, Antoine Baud; origine: Francia; produzione: Les Films du Losange, FR3, ARD, SSR, Rai, Gaumont; durata: 140’
«I personaggi di Chrétien de Troyes sono i protoeroi del romanzo moderno. Credo che dopo quest’opera del XII secolo non sia stato più inventato nulla che abbia profondamente sconvolto il genere letterario. Prendiamo un romanzo di Stendhal o di Dashiell Hammett: gli eroi e il modo di raccontare non sono cambiati affatto. Come Perceval questi eroi seguono un tortuoso itinerario morale, sono tormentati, dubbiosi, scossi nella loro fede che mettono in discussione per poi riconquistarla dopo profondi conflitti interiori, contrariamente agli eroi dell’antichità che – presa una posizione morale – la mantenevano fino in fondo, a qualsiasi costo. Perceval è la dimostrazione che l’eroe moderno si modella su quello del passato» (Rohmer). «Intensamente convinto della bellezza e della musicalità dei versi di Chrétien, Rohmer vuole sollecitare lo spettatore a lasciarsi a catturare – al di là dei significati – dalla loro armonia, dall’incanto sonoro, dal fascino del loro ritmo arcaico» (Giulio Fedeli).

Mercoledì 3 marzo
ore 17.00
Pauline alla spiaggia (1982)
Regia: Eric Rohmer; soggetto e sceneggiatura: E. Rohmer; fotografia: Nestor Almendros; musica: Jean-Louis Valéro; montaggio: Cécile Decugis; interpreti: Amanda Langlet, Arielle Dombasle, Pascal Greggory, Féodor Atkine, Simon de La Bosse, Rosette; origine: Francia; produzione: Les Films du Losange, Les Films Ariane; durata: 95’
«Pauline alla spiaggia ha la stessa leggerezza intinta di malinconia degli altri film dell’autore, obbliga di nuovo a riferimenti letterari che vanno da Marivaux a Musset e riporta in mezzo a un gruppo di interpreti spiritosi e disinvolti la bionda Arielle Dombasle [...]. Marion ha invitato la cuginetta Pauline nella sua villa in Normandia per la fine dell’estate. Sulla spiaggia trovano Pierre, un antico flirt di Marion, e lui presenta alle ragazze l’affascinante antropologo Henry. [...] Tra discorsi sull’amore e incontri amorosi, amori grandi che divampano minacciosi e amoretti che si consumano in rapide delusioni, la vacanza settembrina termina prima del tempo. Rohmer imbastisce i dialoghi nella linea della grande tradizione e gioca in economia facendo fugacemente balenare davanti ai nostri occhi ora il panorama del Mont Saint-Michel ora il nudo abbagliante della protagonista. Partendo dal motto di Chrétien de Troyes “chi parla troppo si scava la fossa”, l’autore perviene a certe classiche situazioni da “albergo del libero scambio” degne del più acre Feydeau. È un film giovanile e molto antico, scherzoso e tragico; un altro minicapolavoro di un’arte della scrittura e dell’immagine rimasta a lungo misconosciuta. Un’arte che si pratica solo a Parigi» (Kezich).

ore 18.45
L’amico della mia amica (1987)
Regia: Eric Rohmer; soggetto e sceneggiatura: E. Rohmer; fotografia: Bernard Lutic; scenografia: Sophie Mantigneux; musica: Jean-Louis Valéro; montaggio: María Luisa García; interpreti: Emmanuelle Chaulet, Sophie Renoir, François Gendron, Anne Laure Meury; origine: Francia; produzione: Les Films du Losange; durata: 102’
«Léa e Blanche hanno poco più di vent’anni, l’età che sta sulla soglia tra la prima giovinezza e quella che sarà, per sempre, la vita di ognuno. Dunque, Léa e Blanche stanno scegliendo, o così immaginano. Scelgono e decidono in quel territorio sconosciuto e difficile che è la passione: l’attrazione dei corpi, i fantasmi che danno forma al desiderio e l’angoscia che ne viene. L’una vorrebbe essere maestra all’altra, in questa scelta e in questa decisione. Blanche insegna a Léa nello scoperto simbolismo dell’acqua. Che sia quella di una piscina o quella del mare, la sua amica la teme fino a essere bloccata da un panico così fuori misura da rivelare ben più profonde angosce. Le stesse che, più apertamente, tormentano Blanche. E a lei, a propria volta, è Léa che vorrebbe insegnare ad amare. L’una e l’altra, insieme maestre e allieve, si tengono per mano in un’avventura che nessuna ancora conosce davvero. [...] Nel mio film, ha detto a proposito di L’amico della mia amica, cerco l’anima dei personaggi (per questo un apologo sulla passione può essere girato senza che nulla o quasi venga mostrato dei corpi) [...]. E [...] l’anima che egli cerca in Léa e in Blanche è “un’idea” sulla giovinezza, “un’ipotesi” sulla passione, [...] che non si impongono allo spettatore perché siano vere, ma proprio solo in forza della loro suggestione architettonica e poetica (cinematografica). Come negli altri suoi film, anche in L’amico della mia amica Rohmer muove poco la cinepresa, preferendo invece le immagini statiche. Un po’ come se non dovesse essere il cinema a rincorrere la vita e a copiarla per conoscerla, ma fosse proprio la vita a doversi adattare alla “forma” del cinema, a una sua idea e a una sua ipotesi» (Escobar).

a seguire
Io, Nico e il cinema (1979-2004)
Regia: Michelangelo Buffa; origine: Italia; durata: 23’
«Mi sembra di ricordare che lo spunto per questo super8mm mi venne da una serie di proiezioni dedicate a Von Stroheim. Io mi ero fatto prestare pellicole e proiettore e seguendo il mio istinto feticista e cinefilico avevo filmato alcune parti di film… a quei tempi non era facile trovare copie di film e non esistevano ancora le videocassette, se ricordo bene! Così possedevo immagini di questi film mitici… meraviglia! Possedere queste immagini voleva dire anche fagocitarle nella propria cinefilia produttiva dove io stesso avrei potuto mettermi in scena… ma erano gli ultimi fuochi della mia cinefilia, il cinema stava cambiando e l’amore di prima era ormai sempre più sprecato! È forse per questo che entra in scena la cantante Nico, la cui voce è in assoluto quella che amo di più… è densa di passione, viene da una lontananza quasi mitica e vibra di nostalgia… era perfetta per dare anima alle immagini di un “cinéphile” in disarmo!» (Buffa).
Ingresso gratuito

ore 21.00
Gli amori di Astrea e Celadon (2007)
Regia: Eric Rohmer; soggetto: L’Astrée di Honoré d’Hurfé; sceneggiatura: E. Rohmer; fotografia: Diane Baratier; scenografia: Pierre-Jean Larroque, Pu-Laï; musica: Jean-Louis Valero; montaggio: Mary Stephen; interpreti: Andy Gillet, Stéphanie Crayencour, Cécile Cassel, Véronique Raymond, Rosette, Jocelyn Quivrin; origine: Francia/Italia/Spagna; produzione: Compagnie Eric Rohmer, Rezo Productions, Bim Distribuzione, Alta Produccion, Eurimages, Cofinova 3, Arte/Cofinova 2, Cinemage, Soficinéma 2, Canal +, Centre National de la Cinématographie; durata: 109’
«Il testo è di un erotismo delicato e sottile e occorreva rappresentarlo con la stessa leggerezza. Mi sono reso conto che potevo mostrare sullo schermo cose che forse sarebbero diventate volgari, o persino licenziose, se fossero state narrate con parole attuali, come per esempio la crescita del desiderio. Ma L’Astrée non è un testo libertino, né perverso. Nei miei precedenti adattamenti di testi letterari, Perceval, La marchesa von… e La nobildonna e il duca, la natura è o molto stilizzata o poco presente. Qui ha un ruolo essenziale e il mio sguardo di cineasta era costantemente sollecitato dalla libertà della natura. [...] Se ho avuto voglia di adattare questo testo, è naturalmente perché vi ho trovato numerose tematiche dei miei film precedenti, come per esempio, quella centrale della fedeltà. È un tema quasi costante in La mia notte con Maud come in Racconto d’inverno, in La collezionista come in Le notti della luna piena. L’unico testo teatrale che ho scritto, Il trio in mi bemolle, è costruito su una suspense analoga a quella di L’Astrée: vediamo il protagonista ostinarsi in modo folle, come fa Céladon, nel non pronunciare la parola che farebbe scattare la frase che egli attende dalla sua amata, frase che solo la donna può pronunciare» (Rohmer).

Cinema Trevi, vicolo del Puttarello, 25 – Roma tel. 06-6781206
Per informazioni 0672294301 – salatrevi@fondazionecsc.it

Ufficio stampa CSC:
Susanna Zirizzotti, Valentina Contessi tel. 06/72294260 – 339/1411969
susanna.zirizzotti@fondazionecsc.it,valentina.contessi@fondazionecsc.it

Eddie, la compagna Sara e il fedele amico Tony rapinano con successo sontuose ville. La loro è una squadra affiatata e compatta ma ad un tratto qualcosa di inaspettato rompe questo equilibrio.

L’affabulazione dell’inconscio, in un trattamento di contaminazione che con gli anni modula la nostra percezione (o semplicemente il nostro modo di vivere), non smuove nel profondo di un uomo quelle deformazioni che crescono come innesti marci, frutti di un trauma. Se la lucidità di un individuo fosse la silenziosa volontà di camminare nel proprio presente, in questo film perderebbe tutta la sua funzione e acquisirebbe un risentimento capace di tramutare dal passato al presente sino a diventare un’ alterazione illusoria.

Terrible Truth è il nuovo lavoro dei napoletani Angelo e Giuseppe Capasso che, ispirati ad (o da?) una memoria tanto dolorosa quanto incosciente, hanno diretto un corto dal ritmo incalzante, girato e fotografato molto bene.

La disposizione delle scene e la sospensione (che man mano si riforma in tensione) sono distribuite nel film, in modo tale che scivoli via senza mezzi termini, traducendo in scansione l’azione dei tre protagonisti. In alcuni punti, inoltre, il film confluisce verso dei flashback che nascondono alla base il forte malessere di uno dei personaggi.

Tralasciando la notevole professionalità del cast tecnico, l’occhio è presto catturato dall’armonia di Eddie, Sara e Tony. In momenti molto forti creano una simbiosi con le proprie maschere, esasperando i movimenti del capo come a simboleggiare l’agitazione del trio.
Saper creare non solo una consequenzialità a lama di rasoio ma anche una dualità nel carattere dei personaggi, costruisce la visione del film in una grafia di ottima coerenza, dove lo spettatore con facilità si integra nel mood della storia.

Terrible Truth, nella sua vivacità, pone quelle domande che non sono mai fine a se stesse e che, per volere della sorte, hanno sempre un seguito e pongono sostanziali differenze nel percorso di un individuo dove gli sbagli sono sempre degli altri. E il miglioramento nell’uomo, di cui non è facile capirne il senso, prende una piega malsana non offrendo (dopo la consapevolezza di un gesto) nessuna via di uscita. Spietato.

Autore: Donato Arcella

Regia: ANGELO E GIUSEPPE CAPASSO
Sceneggiatura: ANGELO E GIUSEPPE CAPASSO
Produzione: APC INDEPENDENT PRODUCTION
Interpreti principali: VALERIO AMORUSO, ANDREA DE BRUYN, VALENTINA D’ANDREA
Direttore della fotografia: MIRCO SGARZI
Compositore: LUCA TOLLER
Montaggio: GIUSEPPE PETRUZZELLIS
Doppiaggio e Missaggio: MEDIAVOX & SOUND

Genere: Drammatico/Noir
Durata: 20’
Anno di produzione: 2009

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http://indie.horror.it/2010/01/news-terrible-truth

Che palle. A furia di parlar bene di tutti i cortometraggi che ci mandano finiremo di perdere di credibilità. E’ che ultimamente la sfortuna ci perseguita e ci arrivano cortometraggi sempre migliori. Ma che fine hanno fatto i registi inetti? Finirò per restare solo.
Stavolta giochiamo in casa. Napoli, ambientazione vomerese, ma sfido chiunque a trovare una collocazione geografica qualsiasi a Terrible Truth, corto noir molto ma molto pulp (pure troppo avrebbe detto Thomas Prostata) opera seconda dei fratelli Angelo e Giuseppe Capasso.
Comincio subito a dire cosa c’è di negativo in questo lavoro. Si tratta sicuramente di una scelta precisa, ma l’ostentazione del turpiloquio tipico della cinematografia pulp di oltreoceano a volte sembrano caricaturali (ricordate la recestrip di “Death Proof” di Stefano Disegni). per il resto siamo di fronte a un gioiellino davvero niente male.
Storia essenziale, caratteri ben definiti, uso ottimo della voce fuoricampo mai invadente e recitazione davvero di buon livello (nonostante il fottuto doppiaggio di cui sopra).
I fratelli Capasso ci presentano una sorta di Jules et Jim in chiave noir, la storia di tre amici con l’hobby del furto di appartamenti. Tra due di loro c’è una passionale storia d’amore ma, come spesso i noir ci hanno spiegato, sesso, amore e crimine sono incredibilmente inconciliabili.
La fotografia è di Mirco Sgarzi (32 di Michele Pastrello) che ormai ha trovato il modo di firmare ogni suo intervento con giochi di chiaroscuri e colori forti molto personale, e la sceneggiatura degli stessi fratelli Capasso, e forse è proprio questa la caratteristica migliore del film. Una scrittura che si ispira più alle Graphic Novel di genere che al quel cinema che il fumetto ha fortemente influenzato negli ultimi anni. Ogni tanto si ha l’impressione di veder comparire un cartoon da qualche parte sullo schermo.
Infine è doveroso ricordare il tocco magico delle musiche del musicista Luca Toller, anche lui napoletano ed anche lui bravissimo.
Bello davvero.

Autore: Ferdinando Carcavallo

http://kinemazone.blogspot.com/2010/01/terrible-truth.html

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Sta spopolando in Italia, plauso e favori di critica e pubblico per l’ultimo Sherlock Holmes, film diretto dal genio di Guy Ritchie e supportato da un cast hollywoodiano di assoluta eccezione e prestigio. E’ l’Iron Man Robert Downey Jr, infatti, a rivestire i panni del più grande investigatore del Regno Unito, l’uomo più sexy della terra Jude Law (secondo la rivista People) è il fidato Dottor Watson, compagno di vita e avventure del celebre personaggio di Arthur Doyle, la figura femminile, infine, affidata alla bravura e all’interpretazione della giovane canadese Rachel McAdams, la bionda esplosiva di Hot Chick, già spalla di attori di punta come Russell Crowe o Ben Affleck in State of Play.

L’ultima opera dello sceneggiatore inglese ha già incassato in Italia, dalla sua ufficiale uscita natalizia, oltre 12.000.000€, un traguardo forse inatteso, un successo finalmente indiscutibile e concreto, un riconoscimento atteso per Guy Stuart Ritchie, noto ai tanti più per la vita mondana e per le vicende sentimentali ed ex-coniugali che lo legano alla regina del pop rock Madonna, che per le sue doti cinematografiche di intessitore e creatore di trame e stili narrativi del tutto nuovi, del tutto inediti. Il miglior Guy Ritchie lo si è visto negli intrecci indefiniti, nelle storie parallele e reticolari di Snatch – Lo Strappo, con lo zingaro irlandese Brad Pitt e le caratterizzazioni del cattivo ma buono Jason Staham, il peggiore, forse, nel sequel di Travolti da un insolito destino, celebre pellicola del ’74 di Lina Wertmuller, opera atipica e inconsueta per il regista inglese, con la Madonna popstar ad imitare l’inimitabile Mariangela Melato e un non noto Adriano Giannini a cercare di difendere, invece, un cognome del cinema  troppo importante, autorevole, fiero.

Salotto del Cinema, la tua vetrina online con il database più completo e assoluto della rete, i titoli più premiati e i generi più richiesti, le serie tv più amate e seguite, ancora, le uscite dvd, i cofanetti da collezione e i registi più acclamati, presenta ogni giorno le offerte di acquisto più convenienti ed esclusive per le tue anteprime dvd, sconti e super sconti per creare il tuo cinema da salotto, per arricchire e impreziosire la tua videoteca personale. Per chi non conosce le produzioni, i lavori cinematografici nè le sperimentazioni del regista inglese, Salotto del Cinema offre, infatti, l’opportunità di visionare e analizzare ogni sua opera, di approfondire le tematiche narrative più interessanti di un Guy Ritchie moderno e progettuale, il genio di un regista britannico che, purtroppo, solo adesso, con un più hollywoodiano Sherlock Holmes, ha finalmente conquistato la ribalta che merita.   

Tutto procede con ilarità  e affiatamento fino a quando la maschera di Eddie finisce distrutta, dai morsi di un cane da guardia, proprio durante uno dei colpi. In quel momento sembra che le loro “vite perfette” inizino ad incrinarsi e a prendere delle strade prima inimmaginabili.

Angelo e Giuseppe Capasso firmano un perfetto dramma della gelosia: Eddie che in infanzia aveva involontariamente assistito ad un appassionato incontro carnale tra sua madre e suo padre, e questo suo trauma infantile si risveglia, stranamente, proprio in concomitanza con la perdita della sua maschera.

Come spogliato dalla sua instabile facciata di falsa sicurezza e aggressività, l’equilibrio mentale di Eddie inizia un processo inarrestabile che lo porterà ad un fragoroso tracollo.

Ossessionato da un possibile tradimento, da parte della sua Sara, l’uomo inizia a mischiare realtà e fantasia, perdendosi all’interno di miraggi in cui immagina modalità e possibilità di accoppiamenti meschini e lascivi.

Terrible Truth è un lavoro davvero molto curato, in tutte le sue sfaccettature.

I fratelli Capasso, che già erano riusciti a farsi notare per il cortometraggio L’Occhio, libera rielaborazione del racconto “Il cuore rivelatore” di Edgar Allan Poe, costruiscono con una perfezione maniacale la sequenza di inquadrature, amalgamandole in un montaggio senza intoppi. Decisamente sopra la media dell’indie, il lavoro fatto sulla fotografia.

La giusta commistione di pulp e ironia, fa di Terrible Truth un degno figlio del cinema post-tarantiniano.

La trama lineare e credibile non ha cedimenti strutturali, nell’arco dei 20 minuti di durata.

Molto buona anche la scelta degli interpreti, sempre credibili e nella parte, solo un passo sopra gli altri l’attore che interpreta il personaggio di Eddie.

La pianta della gelosia partorisce solo frutti velenosi, nel cupo gioiello pulp dei fratelli Capasso, che regalano al pubblico un finale [magari un po' prevedibile] ma davvero molto amaro.

Autore: Luca Ruocco

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http://www.mpnews.it/index.php?section=articoli&category=49&id=4976/cinema/underground/HORROR-PARADISE:-recensione-di-%E2%80%9CTERRIBLE-TRUTH%E2%80%9D-di-Angelo-e-Giuseppe-Capasso

Con questa rassegna, che ruba il titolo a un film realizzato da Alain Fleischer, La Cineteca Nazionale intende non soltanto riproporre le opere sopravvissute del “futurismo cinematografico italiano” di stretta osservanza, quanto soprattutto mostrare le linee di interferenza tra il futurismo e il cinema, mettendo in evidenza le contaminazioni e i furti reciproci di immagini, costruzioni linguistiche, tematiche ricorrenti, suggestioni dinamiche e iconografiche.
Un mondo agitato: il Futurismo al cinema tenta così di ricostruire un rapporto possibile tra il Futurismo e il cinema ritrovandone le tracce attraverso i titoli dei libri di Marinetti o nelle esaltazioni della bellezza dell’automobile e dell’aeroplano dei primi documentari sulla grande industria allo stato nascente; senza dimenticare gli “uomini meccanici” delle comiche di André Deed e la trasposizione cinematografica di Pinocchio fatta da Polidor
Il programma si riferisce soprattutto al cinema italiano con l’unica eccezione del film russo La signorina e il teppista di Evgenij Slavinskij, con Vladimir Majakovskij che recita nel ruolo del teppista, in quanto tratto dal racconto La maestrina degli operai di Edmondo De Amicis.
La rassegna si completa con una selezione di documentari sul futurismo e soprattutto con il film televisivo Il sogno del futuro di Italo Moscati e con Futurismo, che passione! di Silvana Palumbieri, una produzione Teche Rai e Quadriennale di Roma con la collaborazione dell’Istituto Luce realizzata per celebrare il centenario del Futurismo.
Per la Cineteca Nazionale, infine, la rassegna è anche un’occasione per proporre film recentemente ritrovati e restaurati, alcuni tra i quali sfuggiti finora alle stesse storie del cinema, come Volo su Vienna, ricostruzione dell’impresa aviatoria per eccellenza di Gabriele D’Annunzio; e soprattutto i Radiogiornali di Giorgio Simonelli (qui presentiamo il n. 5), che si affiancano alle già note Riviste Cines tra le prime produzioni sonore del cinema italiano.
La retrospettiva è curata da Sergio Toffetti e dalla Cineteca Nazionale con la collaborazione di Archivio Nazionale del Cinema d’Impresa di Ivrea, Museo Nazionale del Cinema di Torino, Cineteca di Bologna, Cineteca del Friuli, Cinecittà Luce, Rai Teche, Ripley’s Film.

Per informazioni:
Ufficio Stampa CSC
Susanna Zirizzotti – Valentina Contessi tel 0672294260
Email: susanna.zirizzotti@fondazionecsc.it ; valentina.contessi@fondazionecsc.it

Programma delle proiezioni:
lunedì 21 ore 16.30
Il cinema: antigrazioso, deformatore, impressionista, sintetico, dinamico, parolibero

Una tragedia al cinematografo (1913, 5’); Al cinematografo guardate… ma non toccate (1912, 5’)
Copie provenienti dal Museo Nazionale del Cinema di Torino

a seguire
L’illustre attrice cicala formica di Lucio D’Ambra (1920, 30’)

ore 17.20
Futurismo & Futuristi. Palazzo Grassi di Gianni Amico (1986, 39’)?; Futurismo, che passione di Silvana Palumbieri (2009, 38’)
Per gentile concessione di Rai Teche

Serata cinefuturista
ore 19.00
La Conquista delle stelle
Un matrimonio interplanetario di Enrico Novelli (1910, 13’ )
Copia proveniente dal Museo Nazionale del Cinema di Torino

a seguire
Poupées électriques
La storia di Lulù di Arrigo Frusta (1909-1910, 7’)
Copia proveniente dalla Cineteca del Friuli

a seguire
Guerra sola igiene del mondo…
La paura degli aeromobili nemici di André Deed (1915, 16’)
Copia proveniente dal Museo Nazionale del Cinema di Torino

a seguire
Les Dieux s’en vont, D’Annunzio reste
Volo su Vienna (192?, 5’)

a seguire
Milano tradizionale e avanguardista
Stramilano presentato da Za Bum di Corrado D’Errico (1929, 15’)
Per gentile concessione di Cinecittà Luce

a seguire
Zang Tumb Tumb
Velocità di Tina Cordero, Guido Martina, Pippo Oriani (1930, 12’)

a seguire
Un mondo agitato
Radiogiornale n. 5 di Giorgio Simonelli (1933, 10’)
Copia ritrovata e restaurata dalla Cineteca Nazionale

a seguire
Il paesaggio e l’estetica futurista della macchina
Terra, mare, cielo: Velocità (1934, 5’)
Copia proveniente dall’Archivio Nazionale del Cinema d’Impresa di Ivrea

ore 20.30
Marinetti, De Amicis e Majakovskij
I poeti e gli scrittori futuristi ed avanguardisti donano a Marinetti un’automobile a Torino (Cinegiornale Luce, maggio 1934, 18”)
Per gentile concessione di Cinecittà Luce

a seguire
Il sogno del futuro di Italo Moscati (1986, 56’) ?
Per gentile concessione di Rai Teche

a seguire
La signora e il teppista di Evgenij Slavinskij, da La maestrina degli operai di Edmondo De Amicis, con Vladimir Majakovskij (1918, 35’)

ore 22.10
Totò, Bonaventura e Petrolini
Il medico per forza di Campogalliani. Petrolini prova il finale del film (Rivista Cines n. 1, 1’40”); Provino di Totò (Rivista Cines n. 4, 1’33”); Il Sig. Bonaventura e Pierino, il fantoccio automatico oltremanica (Rivista Cines n. 18, 3’); Petrolini di Alessandro Blasetti e Carlo Campogalliani (1949, 71’)

martedì 22
ore 17.00
Documentari sul Futurismo
Il futurismo di Emilio Lavagnino (1959, 10’); La pittura di Boccioni di Maria Cristina Gagliardo (1994, 11’); Fantapittura di Prampolini di Carlo Di Carlo (1972, 10’); I pittori con le ali. Dall’aeropittura allo spazialismo di Paolo Scaglietto (1972, 10’)

ore 18.00
Più belle della Vittoria di Samotracia
Sfilata di vetture Fiat a Ferrara (1909, 1’11”); Gran Premio vetturette di Monza (1922, 4’); La Fiat vince il Gran Premio di Francia (1922, 4’); Circuito di Brescia: la vittoria di Alessandro Cagno su Fiat 803 (1923, 2’46”)
Copie provenienti dall’Archivio Nazionale del Cinema d’Impresa di Ivrea

ore 18.20
Futurismo e Fascismo
Mussolini agli stabilimenti Fiat (1923, 30’); Mussolinia di Sardegna di Raffaello Matarazzo (1933, 10’); Milizie della civiltà di Corrado D’Errico (1940-41, 14’)

ore 19.30
Guerra sola igiene del mondo…
La presa di Zuara di Luca Comerio (1912, 10’); La guerra degli animali di Luca Comerio (1912, 17’); Sogno patriottico di Cinessino di Gennaro Righelli (1915, 9’)

a seguire
Duello allo shrapnel di Enrico Vaser (1913, 11’)
Copia proveniente dalla Cineteca di Bologna

a seguire
La guerra e il sogno di Momi di Segundo de Chomon e Giovanni Pastrone (1917, 45’)
Copia proveniente dal Museo Nazionale del Cinema di Torino

ore 21.30
I due Bragaglia
Vele ammainate di Anton Giulio Bragaglia (1931, 62’)

ore 22.40
O la borsa o la vita di Carlo Ludovico Bragaglia (1933, 68’)

mercoledì 23: La civiltà delle macchine
ore 16.30
Col ferro e col fuoco
Stabilimenti Fiat di Corso Dante (1911, 8’); Sotto i tuoi occhi (1931, 6’)
Copie provenienti dall’Archivio Nazionale del Cinema d’Impresa di Ivrea

ore 17.00
Un mondo agitato
Capriccio di miliardario (1914, 58’)
Copia proveniente dalla Cineteca di Bologna

a seguire
Excelsior di Luca Comerio (1913, 12’)

ore 18.20
Creature meccaniche e bambole elettriche
Amor pedestre di Marcel Fabre (1914, 10’); Le avventure di Pinocchio di Giulio Antamoro (1911, 54’); L’uomo proiettile (1927, 13’); L’uomo torpedine (1907, 6’); Il risveglio delle marionette (1914, 14’); Gek e Pompon (1921, 5’); La notte insonne di Topolino di Goffredo Alessandrini (1931, 41’); La bambola vivente di Luigi Maggi (1924, 40’)

a seguire
L’uomo meccanico di André Deed (1925, 26’)
Copia proveniente dalla Cineteca di Bologna

ore 22.40
Totò, Bonaventura e Petrolini
Fermo con le mani di Gero Zambuto (1937, 73’)
Per gentile concessione di Ripley’s Film

Per questa rassegna con un unico biglietto è possibile assistere a tutte le proiezioni giornaliere

Il grande Philippe Leroy , Patrizio Rispo e Nina Soldano  (volti noti di Un posto al sole) e la giovane promessa del cinema Katia Oliveto Bellucci, protagonisti del film d’impegno sociale sui giovani e l’alcolismo. Produce la Elite Group International srl e la DAC – Diffusione Arte Cinematografica d’Essai.

“Ho deciso di realizzare questo film, dichiara il regista Angelo Antonucci- dopo che con “Nient’altro che noi” ho avuto ottimi riscontri di pubblico e critica trattando del bullismo nelle scuole. L’esperienza di poter raccontare  tematiche giovanili che vanno oltre ai consueti film d’more adolescenziali, mi gratifica molto e mi  da allo stesso tempo una grande responsabilità  verso  il pubblico nel modo di   trattare con la massima precisione e motivazione artistica e personale storie di attualità come questa sull’alcolismo. Attraverso una storia d’amore e di amicizia di una ragazza ( interpretata dall’esordiente Katia Oliveto Bellucci affiancata da altri giovani interpreti , tutti selezionati tra oltre 1500 provini)  e di rapporto tra genitori e figli racconto storie vere di giovani che si perdono  negli eccessi dell’alcool e del facile divertimento. Ma la vita può avere anche risvolti positivi e di cambiamento e il mio vuole essere un messaggio positivo di speranza per una presa di coscienza del problema dell’alcool tra i giovani che purtroppo ogni anno causa migliaia di vittime”.

Nel cast ci sono oltre allo stesso regista Antonucci nel ruolo del sassofonista Steven, anche Matteo Ramundo, Melania Tragni, Benedetta Cimatti, Mauro Fabiani , Bonaria Decorato e Giancarlo del Monte.Samy, lle soglie della maturità e dei 18 anni, si ritrova a entrare sempre di più nel mondo dell’alcolismo con tutte le conseguenze che ne derivano. Un po’ per entrare in maggiore amicizia con gli amici , abituali consumatori di bevande alcoliche: Laura, Micaela, Skizzo, Luca, Kira e l’ex ragazzo Roby.. Una sera ,Samy  conosce in un locale, Steven, sassofonista, piu’ grande di lei, anche lui perso nell’alcol e nella droga. Samy se ne invaghisce e i due diventano solidali nel voler cercare una via d’uscita al loro problema di dipendenza alcolica.Roby, l’ex di Samy, intanto viene arrestato per aver causato un un’incidente stradale mortale…Tra fughe, storie d’amore e di amicizia, sbronze anche con conseguenze gravi, rapporti tesi con i genitori, si snoda la vicenda tra Samy e Steven.Un giorno Steven ,  ricaduto nella dipendenza, tradisce Samy con una ragazza che frequentava da tempoLa vicenda porta Samy nello sconforto, tanto da farla riprendere a bere , fino ad arrivare ad un coma etilico dal quale ne esce fortunosamente bene.Steven si sente responsabile di tutto ciò e decide di andarsene via da lei…forse per sempre…

Samy riesce con l’aiuto dei genitori ad uscirne…cercando anche di essere da esempio agli amici…

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Marzo 2002 e le sale cinematografiche statunitensi presentavano all’America, un anonimo film d’animazione, made nei Blue Sky Studios di New York, prodotto e distribuito dalla 20th Century Fox.

Diretto dal regista Carlos Saldanha in collaborazione con lo statunitense Chris Wedge e basato su un racconto di Micheal J.Wilson, il lungometraggio proiettava in 80 minuti le gelide avventure di un insolito branco a 4 zampe ambientate nell’ angusto pianeta Terra di 20.000 anni fa, pianeta interamente coperto dai ghiacci. Un mese dopo anche l’Italia avrebbe potuto apprezzare le magnificenze degli scenari, le caratterizzazioni dei personaggi, gli intrecci tematici di uno dei racconti più divertenti, esilaranti, per qualcuno totalmente stravagante, degli ultimi anni del genere. E forse l’irrazionalità di mettere insieme uno degli ultimi mammut del pianeta con ansie da pre-estinzione a un bradipo maldestro e casinista e a una tigre dai denti a sciabola minacciosa e intimidatoria ma dal cuore tenero e puro, è stata una delle certezze e conferme per il successo seguito al film. Incrociare poi quelle stesse avventure del nostro branco a quelle di uno sfortunato scoiattolo, vittima e carnefice della sua brama e appetito insaziabile da ghianda, inserto narrativo parallelo, filtro e indotto della trama principale, è questo il reale colpo di genio.

Con queste premesse la storia scivola via leggera, tra un incontro e uno scontro, tra un sussulto e una sorpresa, giustificando giudizi e critiche positive di adulti e piccini. Il resto viene da sé, ampi incassi internazionali, nomination all’oscar, premi di giuria, l’Era Glaciale viene proclamato, in breve tempo, come cult del settore, senza dubbio tra i più apprezzati e stimati dal pubblico. Il 2006, a soli 4 anni di distanza, Carlos Saldanha ritenta il colpaccio, con un nuovo capitolo l’Era Glaciale 2, il Disgelo: nuovi personaggi, nuove avventure, e saranno forse questa volta, le new-entry dei due fratelli opossum, dall’accento francese e dalla burla continua, o la scoperta di una nuova presenza mammut che invalida le paure e le preoccupazioni del nostro protagonista, a decretarne un successo ancora più acclamato ai botteghini. Troppo semplice a questo punto realizzare per Saldanha anche la terza avventura, l’Alba dei Dinosauri, che, in almeno in teoria dovrebbe chiudere la saga, (anche se indiscrezioni già parlano di un quarto episodio in lavorazione), e poter confermare il successo e la popolarità di un film d’animazione che, anno dopo anno, si arricchisce di citazioni sempre più ghiotte, di un ironia sempre più sottile, di una grafica e una sceneggiatura sempre migliore, sempre più audace.

Per quei pochi che hanno perso la comicità e l’umorismo della saga glaciale, per tutti coloro che hanno guardato con occhio di sufficienza a una delle più grandiose produzioni di animazione degli ultimi anni, Salotto del Cinema offre la possibilità di tornare sulle proprie scelte ed evitare una mancanza grave, diremo, forse, imperdonabile. Salotto del Cinema, il tuo spazio sul web con le migliori offerte di vendita dvd propone ogni giorno novità di film, promozioni sottocosto, un catalogo invidiabile che copre ogni genere e categoria, autori e attori, tutti i più affermati titoli del cinema nazionale e internazionale. Anteprime dvd, un’ampia collezione di serie tv, ma anche vendita di gadget e action figures, un portale online a tua completa disposizione per poter conoscere e ri-conoscere il cinema, per poter apprezzarlo, per custodirlo e compiacersene comodamente seduto dal divano di casa tua.

Giovedì 15 ottobre la Cineteca Nazionale dedica un omaggio al regista recentemente scomparso con una giornata di proiezioni al cinema Trevi. Tra i film in programma la riedizione di Picasso e il restauro de La ragazza in vetrina di cui è stata ripristinata la versione originale a suo tempo censurata.

Il 16 settembre di quest’anno si è spento un altro grande del cinema italiano: Luciano Emmer. Più volte la Cineteca Nazionale ha omaggiato il cinema di questo regista schivo, ironico e particolare (l’ultima volta è stata proprio con la Mostra del Cinema di Venezia 2009 nella retrospettiva Questi fantasmi 2: cinema italiano ritrovato con la proiezione della versione integrale de La ragazza in vetrina). Come scrive giustamente Silvio Danese, Emmer «era un cordiale riottoso. Non la mandava a dire a nessuno. E poi il cinema. Francesca Bertini, abbarbicata lasciva a qualche cortina, domina l’atrio di casa Emmer nei primi anni ’20, quando c’erano ancora i calessi e le lampade a carbone. Emmer, ha scoperto il cinema così, a cinque anni. Ha studiato al liceo, a Milano, con Dino Risi. Ha diretto documentari insostituibili sull’arte, nell’immediato dopoguerra, facendo sobbalzare Mussolini sulla poltrona di Villa Torlonia con la celebre frase “Non eravamo più ignari del dolore e della morte” nel documentario su Predappio. Ha esordito nel 1950: Domenica d’agosto è una commedia che, in pieno neorealismo, sovvertì le regole del racconto, con una fragilità narrativa che diventa forza di verità. Per un decennio Emmer ha lasciato il segno. Poi ha lasciato il cinema. L’incorruttibile personalità di un autore da rimpiangere si era scontrata con la censura, l’ipocrisia morale dei politicanti, l’indifferenza degli intellettuali. L’addio di Emmer al cinema fu intemperante, cioè profondamente onesto. La vedeva così: “Una bella lapide con una data e un’iscrizione: 1960 (o giù di lì), il cinema italiano è morto qui” [...]. Seduto nel suo minuscolo ufficio tra i prefabbricati anonimi di Saxa Rubra, qualche anno fa ci affidò questa riflessione sul cinema: “La storia del cinema alla mia maniera è la storia di uno che anziché fare l’idraulico ha fatto il cinema. Cioè un mestiere. La gente lo piglia per chi sa che cosa. Io non l’ho mai considerato di più. I film lasciano tracce forti? Come i rubinetti buoni, che fanno la tranquillità di una famiglia. Se un rubinetto funziona per quattro o cinque anni, è stato riparato bene. Ma poi, chi decide se si fa bene o male un film?”». Senza troppe inutile retoriche che sicuramente sarebbero risultate indigeste al cineasta, lo si è voluto ricordare con alcuni suoi film e un documentario d’arte, Incontrare Picasso, ovvero una recente rivisitazione dell’autore su un suo lavoro degli anni ’50 Picasso, giocando sul tempo e sulle sue strane relazioni (Basta! Adesso tocca a noi! ideale continuazione – trentasei anni dopo! – di Terza liceo).

Programma delle proiezioni:

Giovedì 15 ottobre

ore 17.00

Terza liceo (1954)

Regia: Luciano Emmer; soggetto: Giulio Moreno; sceneggiatura: Sergio Amidei, Carlo Bernari, Vasco Pratolini, L. Emmer; fotografia: Mario Bava; scenografia: Mario Chiari; costumi: Maria Rosaria Crimi; musica: Carlo Innocenzi; montaggio: Eraldo Da Roma; interpreti: Giulia Rubini, Isabella Redi [Ilaria Occhini], Roberta Primavera, Anna Maria Sandri, Christine Carère, Giovanna Turi; origine: Italia; produzione: INCIM – Industrie Cinematografiche Milanesi; durata: 85’

«Il film narra la storia di una terza liceo classico seguendo le storie dei vari ragazzi e raccontando dei loro amori e dei loro rapporti con i genitori e i professori. Buona la regia» (Farinotti). «È interessante segnalare (per comprendere il clima in cui i cineasti erano costretti a lavorare nei primi anni ’50) che un film innocente e pulito come questo ebbe noie con la censura a causa di una partita di pallacanestro giocata da ragazze… in pantaloncini corti!» (Chiti/Poppi). «Non credo che i ragazzi di oggi, anche se girano travestiti da punk, abbiano emozioni diverse da quelle dei giovani protagonisti del mio film Terza Liceo. [...]. Perché girai il film al Mamiani? [...]  Perché [...] c’era, allora, il più democratico e illuminato preside che avessi mai incontrato nel mio giro di richieste. Era un uomo dolce, gentile e, quando mi ritrovai alla fine della produzione abbandonato dalla Incom, senza soldi per una crisi del nostro cinema, quel preside mi offrì gratis come comparse tutti i ragazzi della scuola. [...] Mi piace pensare che Terza Liceo e altri miei lavori forse hanno aiutato qualche ragazzo ad avvicinarsi alla vita con serenità, con speranza, anche se, come in Terza Liceo, i sogni e gli ideali, sia privati che pubblici, alla fine dell’anno svanivano e ognuno seguiva poi la sua strada» (Emmer).

ore 18.45

Basta! Adesso tocca a noi (1990)

Regia: Luciano Emmer; soggetto e sceneggiatura: L. Emmer, David Emmer, Paolo Taggi; fotografia: Elio Bisignani; scenografia e costumi: Alessandra Cardosi; musica: Antonello Venditti; montaggio: Adriano Tagliavia; interpreti: David Emmer, Gianluca Angelini, Verde Visconti, Claudio De Rossi, Carlo Marino, Barbara Troiani; origine: Italia; produzione: Emmer Production di Luciano Emmer & C., Film 7 International; durata: 101’

«Dadi e Andrea, assieme ai loro amici, hanno concluso le scuole superiori. La loro idea è di rimanere uniti durante i due mesi di vacanze. Le loro vite sono in una importante fase di cambiamento che li vedrà più maturi. A distanza di ben 36 anni, da un suo film con un tema identico come Terza liceo, Emmer affronta il difficile momento, ma se vogliamo ancora spensierato, di passaggio tra la scuola e ciò che si vuole diventare nella vita. Del film del 1954 c’è anche una divertente autocitazione quando viene proiettato all’aperto e bersagliato dagli studenti che non vogliono più sentir parlare di scuola. Il titolo originale, voluto dal regista, è Basta! Ci faccio un film» (Farinotti).

a seguire

Incontrare Picasso (2000)

Regia: Luciano Emmer; soggetto e testo: Antonio Del Guercio, Renato Guttuso, Antonello Trombadori; fotografia: Giulio Gianini; musica: Roman Vlad; origine: Italia; produzione: Sergio Amidei per Rizzoli Film; durata: 42’

Nuova edizione del Picasso di Luciano Emmer (1954) realizzata a cura dell’autore, nell’autunno 2000, utilizzando varie copie positive dell’edizione originale, parte provenienti dall’Archivio della Cineteca di Bologna e parte dall’archivio personale dell’autore. Questa edizione contiene anche un brano di repertorio dal film Gloria (Istituto Luce: scene di bombardamenti aerei) e del documentario di Emmer Il dramma di Cristo. Le musiche originali di Roman Vlad sono state trascritte da un master in vinile dell’epoca, rimasterizzate (Cinetrack) e rimontate nel film sotto la supervisione del regista.

Riedizione e restauro a cura della Cineteca Nazionale e di Luciano Emmer

ore 21.30

La ragazza in vetrina (1961)

Regia: Luciano Emmer; soggetto: Rodolfo Sonego; sceneggiatura: L. Emmer, Vinicio Marinucci, Luciano Martino, Pier Paolo Pasolini; fotografia: Otello Martelli; scenografia: Alexandre Hinkis; musica: Roman Vlad; montaggio: Emma Le Chanois, Jolanda Benvenuti; origine: Italia/Francia; produzione: Nepi Film, Sofitedip, Zodiaque Productions; durata: 92’

«La ragazza in vetrina reca i segni di una meditazione, di una ispirazione non occasionale, di un irrobustimento della vena narrativa. [...] Il prologo del film, nella miniera, è dotato di un vigore drammatico, di un vigore realistico insoliti per Emmer, e costituisce forse quanto di più intenso il cinema abbia dato sull’aspro lavoro dei minatori e sulla presenza incombente, assidua della morte nei cunicoli del sottosuolo. [...] Nella pittura della celebre strada delle vetrine – dietro le quali le prostitute stanno in offerta come una merce –, nello scorcio di certi locali (come quelli per uomini soli), nell’introduzione di talune antitesi (l’Esercito della Salvezza), nella definizione delle psicologie Emmer ha spiegato una lucidità di linguaggio resa più accattivante dalla discrezione, dal pudore di cui egli ha dato prova» (Castello). «Uno dei più felici film di Emmer e non solo per agilità di racconto, intelligenza di notazioni e direzione di attori. C’è anche uno scavo psicologico più profondo. Il film ebbe gravi noie con la censura democristiana che impose tagli, modifiche al dialogo e il divieto ai minori di 16 anni, nonostante la castità della rappresentazione». (Morandini).

Copia restaurata e ricostruzione della versione originale a cura della Cineteca Nazionale

Il film racconta la vita di Linda, che vive a Torino, ha trent’anni e fa l’attrice, o quantomeno ci prova. Divide un grazioso appartamento con gli amici Sara ed Edoardo, giovane poeta, amico a sua volta di Arturo, un vecchio libraio con cui condivide la passione letteraria. Linda, oltre che con Sara, divide le sue ansie e i suoi problemi con Cloe, la proprietaria di un negozio di articoli etnici ed esoterici. La vita di Linda subisce un’improvvisa svolta quando – dopo una visita medica – scopre di avere l’endometriosi. Il dottor De Luna la mette di fronte ad un bivio: operarsi oppure avere un figlio entro un anno.

Sara – Ci racconta Francesca – è la migliore amica di Linda, ne condivide i tempi e gli spazi. Abita insieme a lei e le è sempre vicina. Conosce molto bene le esagerazioni e le fobie alle quali la sua amica è solita e ne critica con franchezza le sue scelte più astruse. Cerca di smontare i problemi che per Linda sembrano insormontabili vedendo sempre il lato positivo delle cose.

Su Torino Francesca ha idee decisamente “golose”.
Quando torno in città – ci racconta – le “creme” occupano una priorità assoluta. In base al punto in cui sono mi dirigo, a volte anche con la valigia, al gelato o pasticcino migliore. Amo la gelateria Fiorio che chiude a tarda notte e i vari laboratori di pasticceria in centro.
Certamente l’atmosfera dei luoghi è molto cambiata dai tempi in cui, da bambina, per mano alla nonna camminavo per via Po o osservavo la città da un appartamento di piazza Vittorio.
Ora Torino è una città più bella,che ha saputo reinventarsi, dove i progetti moderni sono ben fatti e ben integrati nella città (salvo piazzale Valdo Fusi), l’opera di ristrutturazione è stata grande e a mio avviso ben riuscita ed è un vero piacere passeggiare nella città illuminata dalle sue luci d’artista.

Per leggere l’intervista completa www.feeltorino.it

In occasione della XXVIII edizione de Le Giornate del Cinema Muto di Pordenone (3-10 ottobre), il Centro Sperimentale di Cinematografia – Cineteca Nazionale presenta, nella sezione Dive, tre pellicole con Francesca Bertini: Mariute di Eduardo Bencivenga, Marion artista di caffè concerto di Roberto Leone Roberti e l’edizione restaurata di Amore senza stima di Baldassarre Negroni. Nella stessa sezione verrà proiettato il film tedesco Wenn das Herz in Hass erglüht (Vampa d’odio) di Kurt Matull (1917) con protagonista Pola Negri.

AMORE SENZA STIMA [L’AVVOLTOIO?] (Celio Film Roma, 1912)

Regia: Baldassarre Negroni; fotografia.: Giorgio (Giorgino) Ricci; produzione: Celio Film, Roma, 1912. Cast: Francesca Bertini (Maria), Emilio Ghione (il seduttore), Alberto Collo (uomo nel bar), Noemi de’ Ferrari (la fidanzata), Angelo Gallina (il maggiordomo); data di disponibilità della copia: dicembre 1912; 35mm, l.o. presunta: 1066m; l. copia: 817m, l. attuale: 917m; 47’ (17 fps); fonte copia: Cineteca Nazionale, Roma. Didascalie in italiano.

A quasi un secolo dalla sua realizzazione, il film della Bertini è stato recuperato dalla Cineteca Nazionale e restaurato con la tecnologia più aggiornata. Protagonisti un istrionico Emilio Ghione e una giovanissima e naturale Francesca Bertini, il film è stato oggetto di equivoci nella storiografia cinematografica italiana. Narra la storia di Maria (il nome è stato reperito da Riccardo Redi, da fonti non precisate), giovane dattilografa che si innamora di un distinto gentiluomo. Rimane incinta, senza sapere che l’uomo è sposato. Il gentiluomo – assillato dai debiti prodotti dalla sua vita dissipata – dipende dalla moglie, ricca, e non intende sposare la povera ragazza. Dopo aver rifiutato il denaro che gli viene offerto come riparazione al disonore, Maria prosegue il suo vagare disperato, con il bambino in braccio, finché decide di accettare le profferte di uno sconosciuto con l’unico scopo di comprare un’arma per vendicarsi.

In questa storia trasgressiva, capolavoro del primo naturalismo del cinema romano, la protagonista si prostituisce per farsi giustizia da sola, eroina col bambino in braccio e la pistola in pugno. La Celio Film era marchio della Cines, fondato nel 1912, orientato alla produzione di qualità intesa come raffinamento nella messa in scena e realismo nelle storie di argomento contemporaneo, all’epoca fuori dai «canoni di mercato». I drammi editi dalla «valente Casa» furono salutati come «la fedele ed artistica espressione della vita», secondo il redattore della rivista «La vita cinematografica». Nel contempo conservano una certa freschezza e trasparenza dovute agli originali soggetti, alla sapiente direzione artistica che, insieme a una delicata direzione della fotografia e nonostante i limitati mezzi di produzione, riusciva a ottenere momenti unici dai suoi attori. La copia a noi pervenuta reca il titolo Amore senza stima e data del 1923, epoca in cui Francesca Bertini, da diva, si era ritirata dallo schermo. Poiché il pubblico rivedeva volentieri i suoi vecchi successi, il film probabilmente è frutto di un’operazione di rimontaggio, effettuato eliminando alcune didascalie; resta incerto il titolo con cui fu inizialmente distribuito. La ricerca preparatoria al restauro ci permette di escludere che si tratti del film fino a questo punto individuato, e cioè La bufera (1913). L’ipotesi più plausibile è che si tratti invece di un altro film di Baldassarre Negroni, annunciato verso la fine del 1912, L’avvoltoio, oppure L’avvoltoio nero (come rilanciato nel 1913), soprattutto per la caratterizzazione del personaggio di Emilio Ghione, l’attore che alcune fonti segnalano come aiuto-regista o addirittura regista. Il film contiene alcuni elementi che permettono di accomunarlo ad Amore senza stima, un dramma teatrale di Paolo Ferrari: il rapporto tra il giocatore e la moglie, specialmente per quanto riguarda il crimine. Lo stesso dramma di Ferrari servì d’ispirazione a un film della Cines, del 1914.

Per il restauro eseguito al laboratorio Prestech di Londra ci si è basati sull’unica copia esistente, rinvenuta quasi senza didascalie e più volte rimaneggiata. L’acquisizione è stata realizzata a 4K ed è stata effettuata una lavorazione digitale, preferibile per il grave stato della pellicola. Sono stati aggiunti alcuni intertitoli, sia allo scopo di facilitare la comprensione della storia, che di creare cesure temporali nel racconto, piuttosto ellittico, nello stile asciutto delle poche didascalie sopravissute. Le colorazioni sono state effettuate col Metodo Desmet.

MARIUTE (Bertini Film per Caesar-Film, 1918)

Regia: Edoardo Bencivenga; soggetto: Robert Des Flers; fotografia: Giuseppe Filippa; scenografia: Alfredo Manzi; produzione: Bertini Film per Caesar Film, Roma, 1918.

Cast: Francesca Bertini (se stessa e Mariute), Gustavo Serena, Livio Pavanelli, Camillo De Riso (se stessi), Alberto Albertini (il reduce); visto di censura: n. 13506 del 1/05/1918; prima visione romana: 17/05/1918; 35mm, lunghezza originale: 743m; lunghezza attuale (copia d’archivio): 564m; durata 27’ 49”; velocità di proiezione: 18 fps; bianco e nero. Didascalie in italiano.

«Cinedramma in due parti», in realtà film di propaganda a metà tra realtà e finzione, del tutto inconsueto per l’epoca, Mariute presenta lo stridente contrasto tra la giornata tipo della diva Francesca Bertini, che giunge sul set a mattina alta, dopo aver fatto attendere a lungo la troupe, e il dramma di Mariute, una contadina friulana, che, sola con tre bambini, con il marito in guerra, subisce violenza da tre soldati austriaci e viene vendicata dal suocero.

Le due situazioni sono legate dal filo tenue del sogno: Francesca Bertini, dopo aver ascoltato sul set i racconti di un attore reduce dal fronte, rimane turbata e sogna le vicende della povera contadina vittima della guerra, immedesimandosi in lei e proponendosi, in uno slancio di patriottica solidarietà, di alzarsi prima al mattino e di presentarsi sul set con «appena mezz’ora di ritardo».

Di questo film Francesca Bertini non solo è protagonista assoluta, ma anche produttrice, con la casa di produzione che nella denominazione contiene il suo stesso cognome (d’arte), la Bertini Film, e che, dal 1918 al 1925, realizzò ben venticinque opere. In realtà, da quanto si evince in Vittorio Martinelli, Il cinema muto italiano, 1918, I film della Grande Guerra, in «Bianco e Nero», Roma: CSC-Nuova Eri, anno L, nn. 1-2 1989, rist. 1991, p. 141), Mariute fu probabilmente  commissionato dall’Istituto Nazionale delle Assicurazioni e doveva contenere un epilogo, andato perduto, in cui la stessa Bertini invitava gli spettatori ad acquistare i buoni dell’INA per sostenere lo sforzo bellico.

MARION ARTISTA DI CAFFÈ-CONCERTO (Bertini Film/U.C.I., Roma, 1920)

Regia: Roberto Roberti; adattamento e sceneggiatura: Vittorio Bianchi; soggetto: dal romanzo di Annie Vivanti (1891); fotografia: Giuseppe Alberto Carta; scenografia: Alfredo Manzi.

Cast: Francesca Bertini (Marion), Mario Parpagnoli (Mario Stena), Giorgio Bonaiti (Max Fredberg), Mary Fleuron (Anna Krauss); data uscita: 27/12/1920; lunghezza originale: 2019 m.; 35mm; lunghezza copia attuale: 982 m., 53′ (16 fps), colore. Didascalie in italiano / Italian intertitles.

Preservato nel 2000 a cura della Cineteca Nazionale sulla base di un positivo d’epoca largamente incompleto e colorato con imbibizioni e viraggi, questo film viene ora presentato dopo un tentativo di ricostruzione basato su fonti d’epoca e, per quanto possibile – considerate le differenze introdotte nell’adattamento cinematografico – sul romanzo di Annie Vivanti da cui è tratto.

La vicenda è quella della piccola Marion, che, rimasta orfana della madre, canzonettista morta di tisi, ne ripercorre le orme e cresce dietro le quinte, destreggiandosi nel corrotto e licenzioso mondo del cafè-chantant. Marion diviene rapidamente una stella e ha molti corteggiatori. Tra questi, un vecchio commendatore, che la prende come protetta, e un giovane poeta squattrinato, Mario, con cui intreccia una relazione. Ben presto, però, il poeta raggiunge in Germania l’amico Max, che lo presenta a un editore, e stringe una promessa di matrimonio con Anna, la figlia di quest’ultimo. Tornato in Italia, Mario riprende l’idillio con Marion e le chiede di sposarlo, ma la giovane, pur profondamente innamorata, respinge la sua proposta perché sente che entrambi tradirebbero le rispettive arti, il palcoscenico e la poesia. Mario parte ancora per la in Germania e lì sposa Anna, mentre Max, che aveva accompagnato in Italia l’amico poeta, rimane vicino a Marion e se ne innamora. Marion, che accusa i primi sintomi della tisi, aspetta con disperata tenacia il ritorno di Mario. Dopo un po’ di tempo, il poeta si ripresenta a Roma in compagnia della moglie ma, ancora invaghito di Marion, ha con lei un incontro notturno, al termine del quale le confessa di essersi sposato. Marion chiede solo di poter vedere “l’altra”, invitando la coppia in teatro per la serata in suo onore. Dopo lo spettacolo si consuma l’epilogo: Anna s’introduce per curiosità nel camerino dell’artista e Marion, nel diverbio che segue, afferra un fermacarte, regalo di Mario, e la colpisce, uccidendola. Max entra in camerino, vede la scena e coglie la disperazione di Marion, che invoca la madre morta stringendo un medaglione con la sua immagine. Vedendolo, Max scopre, atterrito, di essere il padre di Marion e prende su di sé la colpa dell’omicidio: «Sono stato io,…va’… e canta!»…

La copia conservata dalla Cineteca Nazionale s’interrompe qui e la ricostruzione del finale è problematica. Nella sinossi ricostruita da Vittorio Martinelli la fine del film presenta un coup de théatre, perché Marion, entrata in palcoscenico, non riesce a cantare perché soffocata dal sangue (Vittorio Martinelli, Il cinema muto italiano, 1920, in «Bianco e Nero», Roma:  CSC – Nuova Eri, anno XLI, Luglio/Dicembre 1980, rist. 1995, p. 196). Il racconto termina dversamente nella trama pubblicata in una rivista d’epoca, con Marion che «fugge mentre il pubblico ancora l’acclama». (Marion, di Annie Vivanti. Interpretazione di: Francesca Bertini, «Lux. Rivista Internazionale dell’Industria Cinematografica», Roma, anno III, n. 2, febbraio 1921, p. 75) e questo finale troverebbe anche una conferma nel romanzo, che si chiude con l’esortazione di Max a Marion: «Va’ presto, va’ e canta. Ed essa andò». Entrambi i finali sono plausibili e supportati da fonti autorevoli. Nell’edizione che si presenta al Festival di Pordenone si è scelto di inserire un cartello in cui si dà conto di entrambi.

Meritano un cenno le vicende di censura di Marion artista di caffè-concerto. Per l’argomento passionale e scabroso il film fu approvato “con riserva”, a condizione che venissero soppresse e/o sostituite alcune didascalie. La prima didascalia soppressa («No, è la bocca che voglio», inclusa nella prima parte del film) appartiene a un episodio della gavetta di Marion (molto lacunoso nella copia conservata), in cui la ragazza si accorda con l’impresario, vecchio e vizioso, e si lascia baciare sulla bocca. Nel secondo caso le modifiche introdotte dalla censura, riguardanti due delle ultime didascalie del film, cambiano radicalmente la psicologia dei personaggi, rendendo Marion meno spietata e Max spontaneamente consapevole del proprio errore di gioventù e non sottomesso alla volontà della giovane. Nelle didascalie originali, infatti, Marion istiga Max ad autoaccusarsi dell’omicidio di Anna («Sei stato tu! sei stato tu! tu la volevi, ti ha resistito e l’hai uccisa», sostituita con un «Sei stato tu!»), mentre Max ammette passivamente: «Sì, sono stato io, va’ e canta». In questo punto la censura chiede di eliminare il “Sì”, perché risultasse che «il padre si accusa spontaneamente dopo aver riconosciuto la figlia, e non per istigazione di questa». (Trascrizione delle condizioni di censura in: Vittorio Martinelli, Il cinema muto italiano, 1920, in «Bianco e Nero», Roma: CSC – Nuova Eri, anno XLI, Luglio/Dicembre 1980, rist. 1995, p. 198).

WENN DAS HERZ IN HASS ERGLÜHT (Saturn-Film AG, Berlin, 1917)

Vampa d’odio (titolo italiano)

Regia: Kurt Matull; fotografia: Otto Jäger; Cast: Pola Negri (Hilka), Tilli Bébé (lydia Bébé), Harry Hopkins (il direttore del circo), Hans Adalbert Schlettow (Holzer), Magnus Stifter (Ilfingen), Anna von Palen (la madre di Ilfingen).

Visto di censura tedesco del 01/11/1917, visto di censura italiano n. 15541 del 18/11/1920. Lunghezza visto di censura italiano 1350 metri, lunghezza copia: 993 metri. Imbibito, didascalie in italiano

La ballerina Hilka, innamorata di Ilfingen, un barone dedito al gioco, lascia il circo in cui lavora. La donna è corteggiata anche da Holzer, che, per rovinare Ilfingen, chiede a Hopkins, il padrone del circo, di aiutarlo a incastrare Ilfingen, accusandolo ingiustamente di aver barato. Hopkins accetta perché vuole far tornare Hilka a lavorare per lui. Il barone viene, però, scagionato da Lidma, la compagna del direttore del circo, che rivela tutto alla polizia. Lidma, a sua volta, gelosa di Hilka, decide di ucciderla liberando un coccodrillo nella casa della ballerina, che sarà salvata dal suo serpente in una spettacolare lotta. Hilka potrà così finalmente ritrovare l’amore del barone.

Il nitrato imbibito con didascalie in italiano, conservato presso la Cineteca Nazionale, è incompleto. La copia, infatti, mancante della prima parte, comincia dalla didascalia 21. Inizialmente fu scambiata per il film polacco Jego Ostatni Cyzn, di Stanislaw J. Kozlowski (1917). Solo di recente è stata identificata come Wenn das Herz in Hass erglüht e quindi corredata di nuovi cartelli.

Uscito negli Stati Uniti il 6 febbraio di quest’anno, dopo tre anni di intensa e minuziosa lavorazione, Coraline e la porta magica è stato distribuito nelle sale cinematografiche italiane a giugno e dal 14 ottobre sarà finalmente disponibile, per tutti, anche in formato dvd.

Film d’animazione diretto da Henry Selick,  produttore cinematografico americano già regista di Nightmare Before Christams in collaborazione con un più noto Tim Burton, basato sull’intreccio narrativo del Coraline di Gaiman, vincitore del premio internazionale Hugo 2003. Coraline e la porta magica ha registrato in poche settimane, negli Stati Uniti così come in Italia, successo di pubblico e soprattutto di critica, una fiaba colorata, a metà strada tra tinte d’oscurità e d’orrore e paesaggi e luoghi di meraviglia, una versione dark per Alice e il suo paese, storia che cattura interesse e favori del pubblico di ogni età, affascinando in egual modo grandi e piccini. Un incipit essenziale che sembrerebbe condurre a un intreccio evolutivo della storia già definito e consolidato, e invece, ecco una struttura narrativa che dalla scoperta del nuovo apre a risvolti inediti, imprevedibili, originali, di attesa e di sorpresa. Una porta magica, un mondo parallelo da visitare, da comprendere, un viaggio d’avventura, ma anche di crescita personale, una riflessione, forse, fin troppo cupa dell’infanzia e delle sue solitudini, ma comunque una fiaba per bambini e una verità da approfondire per i più adulti.

Per chi, purtroppo, ha guardato con sufficienza alla fiaba di Selick, per chi è in debito con i propri figli, dal 14 ottobre Salotto del Cinema, portale web con la più ampia disponibilità e offerta di dvd online, titoli di successo, serie tv e cofanetti da collezione, ti offre l’occasione di acquisto del dvd online a un prezzo conveniente e vantaggioso. Salotto del Cinema offre ogni giorno le novità e le uscite dvd più recenti e ricercate a prezzi super scontati;  punto di riferimento per realizzare il tuo cinema privato, la dvd-teca più esclusiva, su Salotto del Cinema tutti i generi e categorie di film per la più piacevole serata in famiglia, per l’appuntamento settimanale con gli amici e il cinema

Avvicinare la Scena: La scuola prevede materie di insegnamento propedeutiche al lavoro dell’attore sia nel teatro che nel cinema e nella televisione. Le materie di base sono Recitazione, Dizione, Fonetica, Mimo.

Le materie complementari variano a seconda dei corsi prescelti di Regia, Recitazione, Drammaturgia, storia dello spettacolo, storia del costume, scenografia, cinema, tv e pubblicità. Il tutto all’interno di una didattica che accompagna ogni singolo allievo attraverso un percorso accurato e costantemente seguito nei progressi che porteranno ad una più precisa conoscenza delle sue capacità artistiche, al fine di poter far parte di un gruppo di lavoro che individua nella qualità un elemento di distinzione ma soprattutto il suo punto di forza. Ogni corso prepara uno Spettacolo/Saggio di fine anno(Giugno)

Corso Base di Recitazione

Il corso è l’ideale per chi ha poca esperienza o lavora e studia, infatti la cadenza delle lezioni è bisettimanale il Metodo Nuovo adottato all’interno della didattica del corso accademia comprende delle verifiche trimestrali e un confronto sempre costante con il palcoscenico senza trascurare le tecniche di base che fanno la differenza tra il dilettantismo e il professionismo. Una volta conclusa la prima fase del Metodo didattico (Veloce e qualitativo) gli allievi possono essere segnalati dagli insegnati per la compagnia accademica; in ogni caso tutti gli allievi prendono parte ad un unico saggio di fine anno.

Dizione e Doppiaggio

Le lezioni sono rivolte a professionisti e non professionisti che vogliono, nel primo caso esercitarsi e tenere in allenamento lo strumento vocale; e nel secondo caso per chi vuole migliorare la pronuncia per il suo lavoro. Naturalmente il corso è indicato anche e soprattutto per studenti e lavoratori che vogliono eliminare i problemi di forti cadenze regionali e problemi di pronuncia legati alle abitudini sbagliate. Gli insegnanti sono professionisti e lavoratori dello spettacolo tutt’ora impegnati in teatro, radio, cinema e tv

Corso Biennale Completo

Il corso è l’ideale per chi vuole entrare nel mondo dello spettacolo attraverso l’apprendimento delle tecniche di base e un proseguimento nell’applicazione delle stesse in maniera pratica. Il laboratorio prevede un esame ogni tre mesi per valutare i progressi insieme agli insegnanti. Le materie di base sono Recitazione e Dizione e ogni tre mesi cambiano quelle complementari tra cui: Mimo, Canto, espressione corporea, recitazione in lingua Inglese, drammaturgia, regia, doppiaggio, dizione e speaker pubblicitario, fonetica, recitazione cinematografica, televisiva, classica e contemporanea.

Il metodo è efficace e moderno permette di apprendere con velocità ed efficacia.La qualità e la professionalità è l’elemento distintivo di questa scuola che vanta i migliori risultati a parità di tempo.

Gli insegnanti sono professionisti e lavoratori dello spettacolo tutt’ora impegnati in teatro, radio, cinema e tv e sempre a disposizione per un incontro e/o colloqui di presentazione con gli allievi.

Drammaturgia Contemporanea

Il corso-laboratorio prevede un lavoro teorico e pratico sui testi di drammaturgia contemporanea.

Interessante anche per gli interpreti e gli attori che si confronteranno con i testi di drammaturgia emergente e dei primi anni 2000. Inoltre gli allievi avranno la possibilità di lavorare e sperimentarsi in maniera pratica con dei testi moderni e contemporanei, non mancherà la possibilità di confrontarsi con alcuni autori e registi del panorama nazionale come: Cervo, Bassetti , Branchetti, Bottaro, Manfridi; su i loro testi gli allievi potranno cimentarsi interpretando, adattando o addirittura scriverne altri ex novo, che potranno trovare spazio per una messinscena e/o partecipare a festival o rassegne teatrali.

Regia Teatrale

Il corso di Regia è condotto da Luciano Bottaro, il corso proposto presso l’accademia è unico nel suo genere per l’intensità e la qualità dello stesso. Infatti prevede una prima parte che vede una serie di lezioni teoriche che spaziano dalla storia dello spettacolo alla storia dell’arte, la fotografia, la psicologia e la percezione visiva; ed una seconda parte pratica che vede l’applicazione della teoria imparata durante la prima fase. Durante il secondo periodo gli allievi che hanno seguito il corso saranno inseriti nello staff per la preparazione di alcuni spettacoli con la qualifica di assistenti alla regia.

Recitazione in Lingua Inglese

L’ideale per professionisti e non che vogliono prepararsi per provini-audizioni-casting con produzioni straniere. La qualità del corso è di indubbia valenza in quanto gli insegnati sono professionisti e attori madrelingua. Il corso è inserito all’interno della didattica ufficiale dell’accademia ma è possibile anche prendere parte alle lezioni rivolte a piccoli gruppi di allievi.

Laboratorio di Ricerca Teatrale

Il laboratorio è rivolto a tutti gli allievi attori che vogliono cimentarsi con tecniche nuove di ricerca teatrale ed espressioni di linguaggi che uniscono le belle arti e le nuove arti visive multimediali. Il laboratorio è finalizzato al perfezionamento delle tecniche di base, condotto da Luciano Bottaro e altri giovani registi Italiani. di ogni attori ad affinare e rispolverare le idee dell’immaginario personale e di gruppo.

Master di recitazione

Il Programma della durata di una settimana è finalizzato all’accrescimento delle potenzialità artistiche di chi ha già qualche esperienza anche minima di palcoscenico. Si tratta di un lavoro su di un unico spettacolo che comprende la varie discipline accademiche quali: recitazione, dizione, mimo, canto, espressione corporea, fonetica. E quindi un solo lavoro intensivo su di un unico testo per l’anno accademico 2006-2007 il gruppo di docenti lavorerà sul Musical Cats di E.L Webber

Per: Tutti (previo colloquio) / iscrizione: tutto l’anno / periodicità : annuale / durata: una settimana / frequenza: tutti igiorni da lunedì a venerdì/ Orari: Mattina o Pomeridiani o Serali / Posti Disponibili: max 20 / costo: Variabile secondo il corso prescelto (base o avanzato)

Scuola di Teatro Classico e Moderno

Il corso è l’ideale per chi vuole entrare nel mondo dello spettacolo attraverso l’apprendimento delle tecniche del teatro classico e moderno. Il laboratorio prevede un esame ogni tre mesi per valutare i progressi insieme agli insegnanti. Le materie di base sono Recitazione e Dizione e ogni tre mesi cambiano quelle complementari tra cui: Mimo, Canto, espressione corporea, recitazione in lingua Inglese, drammaturgia, regia, doppiaggio, dizione e speaker pubblicitario, fonetica, recitazione cinematografica, televisiva, classica e contemporanea.

Il metodo è efficace e moderno permette di apprendere con velocità ed efficacia.La qualità e la professionalità è l’elemento distintivo di questa scuola che vanta i migliori risultati a parità di tempo.

Gli insegnanti sono professionisti e lavoratori dello spettacolo tutt’ora impegnati in teatro, radio, cinema e tv e sempre a disposizione per un incontro e/o colloqui di presentazione con gli allievi.

Per: Tutti (previo colloquio) / iscrizione: tutto l’anno / periodicità : mensile / durata: un mese (teoria) un mese (Pratica) / frequenza: 1 volte a settimana / Orari: Mattina o Pomeridiani o Serali / Posti Disponibili: max 5 / costo: Variabile secondo il corso prescelto (base o avanzato)

00183 via Statilia 5 a San Giovanni (100 mt dalla Metro Manzoni)

tel. 06.72672141- 3294180593-339.8481926

http://www.lamascherainsoffitta.com

lasoffitta@hotmail.com

La Lucta  ( Libera Università per il cinema, la televisione, le arti) è una scuola di formazione professionale nel settore cinetelevisivo. I principali corsi sono di recitazione cinetelevisiva e regia cine-tv. I corsi oltre alla formazione teorico-pratica prevedono la realizzazione e partecipazione degli allievi a produzioni esterne e ai  laboratori della scuola, oltre alla messa in onda dei filmati su Sky 863 ( canale Lucta television). Inserimento nell’agenzia interna e nei casting della Elite Group International di Roma .

La direzione Artistica è del regista Angelo Antonucci ( autore del recente successo del film “Nient’altro che noi” con Philippe Leroy. Antonella Ponziani, Claudio Botossi, Francesca Rettondini e di “Dio ci ha creato gratis” con Nino Manfredi e Leo Gullotta per Canale 5 e “Amore e Libertà-Masaniello” con Franco Nero ed Anna Galiena- www.angeloantonucci.it )Tel 800.587.037 – 393.5608850  – info@lucta.it -  www.lucta.it . La particolarità del corso consiste nella forte impronta pratica e di importante promozione per i propri iscritti  attraverso la partecipazione a Festival, rassegne, trasmissioni tv, produzioni. I corsi si svolgeranno nelle sedi di Roma e Caserta a partire da fine ottobre. Durata media 200 ore.

IL CINEMA ITALIANO E’ UNA LOBBY. GORAN PASKALIEVIC, MI PORTERA’ A VENEZIA

Fabrizio Buompastore, attore Barese trapiantato a Roma, alla Biennale di Venezia in Honeymoon di Goran Paskaljevic, nel ruolo del cinico e spietato  poliziotto di frontiera   italiano.
HONEYMOON parla di  due storie parallele, una coppia serba e una coppia albanese. Nell’episodio albanese, un ragazzo e la sua fidanzata decidono di andare in luna di miele in Italia (gli albanesi non sono necessariamente esuli o emigranti) e così inizia il loro viaggio attraverso l’Albania e il traghetto, dove li attenderà il drammatico incontro con un poliziotto italiano violentoe razzista, simbolo di un pensiero diffuso, di un atteggiamento spesso più devastante di una guerra, perché non ha limiti né fine.
“Il cinema italiano è una lobby” dichiara Fabrizio Buompastore, “Ringrazio Goran Paskaljevic che ha creduto in me. Così un attore italiano arriva alla Biennale di Venezia. Sono pochi oggi i registi e produttori italiani che sperimentano: Pupi Avati, regista che mi ha fatto innamorare di questo lavoro con “Regalo di Natale” e intraprendere questa carriera e Pietro Valsecchi, produttore, che riesce a produrre fiction sempre più vicine alla magia cinematografica.”
Buompastore conclude: “Sono felice, è una grande soddisfazione che ripaga tutti i miei sforzi e mi da energia per il futuro.”

Rovera, già Sponsor ufficiale della Nazionale Italiana TennisTavolo, da oggi sarà sponsor anche del Corto “SHOT – L’ultimo Punto”.

In questo cortometraggio l’ eclettico Claudio Colombo -sceneggiatore, attore, e, in questo caso specifico, anche protagonista (Matteo) e regista – condivide la scena con: un formidabile Enrico Beruschi che riveste i panni di un grande allenatore; e il grande campione di livello mondiale di tennistavolo, il cinese “YANG MIN” avversario nel gioco. I due si sfideranno in una mitica partita su uno splendido tavolo da PING PONG Rovera.

Il cortometraggio verrà iscritto ai maggiori Festival cinematografici nazionali e internazionali.

L’anteprima ufficiale del Corto “SHOT –L’ultimo Punto”
avverrà
il 4 giugno alle ore 19
presso il REVEL-Scalo Isola in via Thaon De Revel 3, Milano.

“ho trovato molto interessante il progetto di Claudio Colombo. La decisione di condividere questa esperienza, ha dichiarato Gianni Rovera è nata non solo dal soggetto, che ci permette di ribadire i concetti che, già negli anni ‘50, ci permisero di essere riconosciuti come uno tra i brand più affidabili in questo sport -nel quale ancora oggi crediamo-, ma anche per il racconto appassionato e l’ entusiasmo che mi ha trasmesso Claudio”.

E.R. ROVERA fondata nel 1948 dal Prof. Ernesto Rovera, nel 1955 ha iniziato a produrre attrezzature per Tennis da Tavolo e negli anni è diventata una delle maggiori produttrici in questo settore.
Oggi Rovera, capitanata da Gianni Rovera è una tra le aziende italiane più importanti nel settore dell’ home fitness è presente su tutto il mercato nazionale ed internazionale tramite negozi specializzati e grande distribuzione e, proseguendo la tradizione, ha in catalogo 10 modelli di tavoli da ping pong (da interno, da esterno e da competizione).

Ufficio Stampa ROVERA: PR Manager Meri Ariemma
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E.R. ROVERA spa Via Tripoli,45 – 20035 Lissone (Mi) Tel. 039.2459333 www.rovera.com

Ufficio Stampa SHOT: Responsabile Isabella Rhode
Lo Scrittoio sas Tel. +39 02 4983111 irhode@scrittoio.net

Francesco Barilli incontra il pubblico del Cinema Trevi

venerdì 29 maggio alle ore 20.45

«La figura di Francesco Barilli all’interno del cinema italiano è a dir poco curiosa. Di origini parmensi, appartenente a una nobile e famosa dinastia di artisti, Francesco si innamora del cinema molto giovane e, complice Antonio Pietrangeli, esordisce come attore in La parmigiana a cui fa immediatamente seguito il film di contestazione di Bernardo Bertolucci, Prima della rivoluzione. Debutta dietro la macchina da presa nel 1968 con un documentario dal titolo Nardino sul Po e nel 1974 dirige il suo primo lungometraggio, Il profumo della signora in nero. Nonostante l’entusiasmante esito (anche commerciale) del film, Barilli non proseguirà a lungo e con costanza la carriera di regista, ma con sole due pellicole per il cinema (più un segmento del film collettivo La domenica specialmente) lascerà un segno indelebile del suo passaggio nel cinema italiano. Come Lado, più di Lado [...], Barilli ha in ogni suo film minato gli stilemi del genere cercando di scardinarne le regole per assurgere a una cinematografia “astratta”, di difficile collocazione. Si pensi a un film come Il profumo della signora in nero che, partendo come un giallo classico, finisce per fondere al suo interno intuizioni favolistiche (Alice nel paese delle meraviglie) e oniriche (il pasto cannibalico nel truculento finale). Ancora di meglio farà nel successivo film, il fin troppo sottovalutato Pensione paura, dove il delirio psichico di una ragazzina che vive isolata dal mondo (reale) in un decadente albergo di provincia sul finire della Seconda Guerra Mondiale, si trasforma in un incubo (reale) dai risvolti inquietanti. Pur nascondendosi dietro a una facciata neorealistica, i film di Barilli hanno sempre cercato una dimensione onirica più affine a certa arte astratta che non al mondo del cinema in cui si è mosso – e ne è una piena dimostrazione l’episodio Le chiese di legno di La domenica specialmente, dove finalmente il regista è libero di sfociare nel surrealismo puro. Incapace di scendere a compromessi con il “castrante” mondo della produzione romana, Francesco Barilli abbandona il cinema troppo presto e, salvo sporadiche apparizioni come attore, più per amicizia che per un reale desiderio di tornare sul set, come nel caso del Sabato italiano (1992) di Luciano Manuzzi o di USD – Uomini senza donne (1996) di Angelo Longoni, preferisce dedicarsi al suo antico amore: la pittura. Gli ultimi suoi lavori come regista sono per il piccolo schermo, come, ad esempio, la personale rilettura delle proprie radici in Casa Barilli o l’ambizioso progetto di Giuseppe Verdi. Nel 2002 è andata in onda la miniserie Giorni da leoni con Barbareschi, la sua ultima fatica dietro e davanti la macchina da presa». Nocturno dossier n. 30: Percorsi alternativi (Controcorrente 2). Guida al cinema di Aldo Lado, Francesco Barilli, Romoli Guerrieri.

Programma delle proiezioni:

ore 17.00 La domenica specialmente (1991)

origine: Italia/Francia/Belgio; produzione: Basic Cinematografica, Titanus Distribuzione, Rai, Paradis Film, Intermédias, Dusk Motion Pictures; durata: 112’

1° episodio: Il cane blu; regia: Giuseppe Tornatore; soggetto: tratto da quattro racconti di Tonino Guerra dal suo libro Il polverone; sceneggiatura: T. Guerra; fotografia: Tonino Delli Colli; musica: Ennio e Andrea Morricone; montaggio: Mario Morra; interpreti: Philippe Noiret, Nicola Di Pinto

2° episodio: La neve sul fuoco; regia: Marco Tullio Giordana; soggetto: tratto da quattro racconti di T. Guerra dal suo libro Il polverone; sceneggiatura: T. Guerra; fotografia: Franco Lecca; musica: Ennio Morricone; montaggio: Sergio Nuti; interpreti: Maria Maddalena Fellini, Ivano Marescotti

3° episodio: La domenica specialmente; regia: Giuseppe Bertolucci; soggetto: tratto da quattro racconti di T. Guerra dal suo libro Il polverone; sceneggiatura: T. Guerra; fotografia: Fabio Cianchetti; musica: E. Morricone; montaggio: Fiorella Gionnelli; interpreti: Ornella Muti, Bruno Ganz

4° episodio: Le chiese di legno; regia: Francesco Barilli; soggetto: tratto da quattro racconti di T. Guerra dal suo libro Il polverone; sceneggiatura: T. Guerra; fotografia: Gianni Marras; musica: Ennio Morricone; montaggio: Cecilia Zanuso; interpreti: il mago Bustric [Sergio Bini], Betty Romani

«Quel ruolo di gran provocatore, suggeritore, autocontestatore del cinema romano che fu svolto entusiasticamente per decenni dall’emiliano Cesare Zavattini, oggi è stato assunto dal romagnolo Tonino Guerra. È strano che non si sottolinei abbastanza l’affinità fra questi due maestri: scrittori innanzitutto, ma anche pittori, sceneggiatori, politici o ruspanti fabulatori instancabili. Due profeti contadini che celebrano, sull’arco di oltre mezzo secolo e a non troppi chilometri di distanza, il trionfo di Strapaese (l’uno con Suzzara, l’altro con Sant’Arcangelo). [...] Da Il polverone (magnifico libretto edito da Bompiani, che non si trova più: a quando l’opera omnia di Tonino Guerra?) il film ruba, traducendolo, il titolo di una breve poesia dialettale, “La dmenga specialment”. [...] I capitoli derivano da scritti sparsi e l’ultimo da un’altra poesia, affidati a registi in grado di fare ciascuno il proprio dovere senza rinunciare a se stessi» (Kezich).

Film vietato ai minori di anni 14

ore 19.00 Pensione paura (1978)

Regia: Francesco Barilli; soggetto: Barbara Alberti, Amedeo Pagani; sceneggiatura: B. Alberti, A. Pagani, F. Barilli; fotografia: Gualtiero Manozzi; musica: Adolfo Waitzman; montaggio: Amedeo Salfa; interpreti: Leonora Fani, Francisco Rabal, Luc Merenda, Jole Fierro, Lidia Biondi, José Maria Prada; origine: Italia/Spagna; produzione: Aleph Cinematografica, Alexandra Cinematográfica; durata: 95’

«Non ho voluto fare [...] la ricostruzione di un’epoca, ma un film d’incubi infantili. Per questo, i miei anni Quaranta sono quelli della memoria, appena intravisti nella prima età: la fine della guerra più raccontata che vissuta, le storie di sesso grevi e romantiche, e tutto ciò che si può aver visto dalla fessura di una porta: un cappello di donna, un vecchio fonografo, l’ombra di una pistola contro il muro… come da un vecchio libro. O da un vecchio sogno [...]. È una storia di mostri, gli adulti; contro una ragazzina che passa da un’adolescenza tutta incanti agli incubi di una maturità forzata. Ed è anche una storia di violenza, che partorisce violenza, ambientata nel ’45, con un apologo che riguarda, ahimé, anche il presente. La guerra sta per finire: in un piccolo albergo sulla riva di un lago, ai confini con la Svizzera, i prototipi dell’Italia sbandata consumano la loro violenza oziosa e crudele contro la figlia dell’albergatore, che aspetta un mitico padre partito per la guerra. Ci sono uomini inquietanti e pericolosi nascosti in soffitta, antiche bellezze, mantenuti; e corridoi bui, grida soffocate, canzoncine spensierate che accompagnano l’angoscia delle notti. Le fonti? [...] Ora, è come se mi fossi liberato della mia infanzia, fosca e sognante. Da domani, mi dedicherò a temi del tutto diversi: raccontando, magari, la mia pazzia di uomo adulto che vuol disobbedire» (Barilli).

Film vietato ai minori di anni 14

ore 20.45

Incontro moderato da Marco Giusti con Francesco Barilli e Massimo D’Avack

a seguire

Cinecittà 50 (1987)

Regia: Francesco Barilli; soggetto e sceneggiatura: F. Barilli, Pier Danio Forni, Vanni Ricottini; testo: Oreste Del Buono, Lietta Tornabuoni; fotografia: Massimo Pau; montaggio: Luigi Zitta; origine: Italia, produzione: Cinecittà; durata: 30’

Documentario girato in occasione del cinquantenario di Cinecittà, vincitore di diversi premi qualità fra cui Filmselezione e il Festival di Vienna IIFC. Contiene importanti testimonianze come le interviste a Vittorio Storaro, Dante Ferretti, Ferdinando Scarfiotti, Terry Gilliam, oltre ad alcune riprese girate sul set de L’ultimo imperatore.

Ingresso gratuito – Copia proveniente da Cinecittà Holding

a seguire

Il profumo della signora in nero (1974)

Regia: Francesco Barilli; soggetto e sceneggiatura: F. Barilli, Massimo D’Avack; fotografia: Mario Masini; musica: Nicola Piovani; montaggio: Enzo Micarelli; interpreti: Mimsy Farmer, Maurizio Bonuglia, Mario Scaccia, Jo Jehkins, Nike Arrighi, Daniela Barnes; origine: Italia; produzione: Euro International Films; durata: 103’

«Silvia Hackerman, una giovane chimica, è traumatizzata dal ricordo di un amplesso della madre con un amante, al quale ha assistito da piccola. La fragile psiche della ragazza, che vive di piccoli riti e di fobie, tracolla nel momento in cui il suo universo viene invaso da una serie di segnali sinistri. Ma è proprio follia, la sua, o esiste davvero un oscuro disegno intorno a Silvia?. [...] Il nostro [Francesco Barilli, n.d.r.] esordì nella non facile arte del lungometraggio proprio con questo Il profumo della signora in nero. Che all’epoca – anno di grazia 1974 – venne accolto con annoiata sufficienza dai critici “togati”[...]. Il profumo della signora in nero è senza dubbio diretto da un regista degno di questo nome: e senza dubbio da un “autore”, nonostante Barilli ci abbia donato, per il cinema solo un altro lungometraggio e mezzo. A dimostrazione, del suo solido mestiere basterebbe prendere in considerazione l’accorta direzione degli attori [...] e soprattutto il sapiente uso delle locations, l’accorta scelta degli ambienti: non è da tutti trasformare il quartiere romano di Coppedè in un asfittico labirinto degli orrori: non tutti sanno illuminare i tendaggi di un salotto piccolo-borghese alla Gozzano per mostrarne le polveri sedimentate e il putridume che si cela sotto alle sottocoppe di peltro e alla bottiglietta del rosolio… Francesco Barilli vi riesce con rara maestria [...], spogliando sempre di più gli interni nei quali si agita la tremula “vittima designata” di Mimsy Farmer, fino all’agghiacciante finale, a quell’osceno rito precipitato tra i chiaroscuri di uno scantinato già preludio di catacomba, eseguito in un gorgogliante e cerimoniale silenzio e ripreso con il lucido distacco dell’esteta» (Andrea Bruni).

Ingresso gratuito – Film vietato ai minori di anni 14

Cinema Trevi vicolo del puttarello, 25 Roma

ufficio stampa: Susanna Zirizzotti tel. 0672294260- cell. 3391411969 susanna.zirizzotti@fondazionecsc.it

Il Centro Sperimentale di Cinematografia proroga al 25 maggio i termini di consegna per la presentazione della domanda di ammissione alle selezioni.

La Scuola Nazionale di Cinema del Centro Sperimentale di Cinematografia con il Bando 2010-2012 (scaricabile dal sito www.fondazionecsc.it) si propone di cercare, selezionare e formare giovani talenti per potenziare il cinema it aliano e di fornire ai partecipanti una formazione culturale, artistica, tecnica e professionale nei vari settori della cinematografia, valorizzando le capacità creative, organizzative e di lavoro in gruppo degli allievi.
La Scuola Nazionale di Cinema del Centro Sperimentale di Cinematografia mette a concorso n. 66 posti, per cittadini appartenenti all’Unione Europea e per cittadini extracomunitari, per questi ultimi limitatamente a un posto in ciascuno dei corsi. Il programma didattico comporta la frequenza obbligatoria. I posti messi a concorso sono così suddivisi:
Corsi triennali: 8 posti Fotografia; 6 posti Montaggio; 8 posti Produzione; 8 posti Recitazione donne; 8 posti Recitazione uomini; 6 posti Regia; 8 posti Scenografia, Arredamento, Costume.
Corsi biennali: 6 posti Sceneggiatura; 8 posti Tecnica del suono.

Per informazioni: orientamento@fondazionecsc.it

Giovedì 21 maggio dalle ore 17.00

Il Cinema Trevi dedica un omaggio al regista Nico D’Alessandria con una giornata di proiezioni.

Orgogliosamente indipendente. Controcorrente. Indefinibile come il suo cinema. Sempre e comunque d’autore. In due parole: Nico D’Alessandria (1941-2003). Si diploma in regia al Centro Sperimentale di Cinematografia nel 1967 con il bellissimo saggio d’esame Il canto d’amore di Alfred Prufrock, da una poesia di Eliot. Lavora come aiuto regista (La bambolona, Cuore di mamma, L’urlo…) e come documentarista televisivo, dedicandosi spesso e volentieri al cinema militante (Occupazione delle case a Decima e Cinegiornali ideati da Zavattini). La sua voglia di sperimentare non si ferma solamente al cinema e nel 1978 realizza un programma radiofonico Processi mentali dedicato alla follia che successivamente verrà “proiettato” in sala “a schermo bianco”. Il suo vero e proprio esordio alla regia avviene con Passaggi in 16mm sul problema degli anziani. Ma il suo capolavoro è L’imperatore di Roma (1988), al quale seguiranno L’amico immaginario (1994) e Regina Coeli (1999).

ore 17.00

Regina Coeli (1999)

Regia: Nico D’Alessandria; soggetto: N. D’Alessandria; sceneggiatura: N. D’Alessandria, Giuliana Mancini, Cecilia Mangini Del Frà; fotografia: Piergiorgio Bottos; musica: Antonello Neri; montaggio: Maurizio Baglivo; interpreti; Magali Noël, Luciano Curreli, Rossella Or, Victor Cavallo, Mario Cipriani, Gerardo Sperandini; origine: Italia; produzione: D’Alessandria Domenico Produzione; durata: 88’

«Una donna, non più giovane ma ancora piacente, è assistente volontaria nel celebre carcere romano. Soprannominata “Regina Coeli”, da un po’ di tempo dedica il suo tempo e le sue attenzioni ad un giovane detenuto sardo, accusato di sequestro di persona, che si proclama innocente» (Poppi). «500 milioni, completamente autoprodotto. Ho perfino dato in garanzia l’ipoteca sulla casa. Mi viene anche rimproverato che io l’ho potuto fare perché avevo la casa. Ma io ho la risposta: il 50% degli italiani lo possono fare perché hanno la casa di proprietà, per non parlare dei registi che sono il 100% a possederne anche più di una. Ma non lo farebbero mai. [...] Ho voluto usare la bellezza della vecchiaia femminile che sa essere dolcissimamente spietata. Magali l’ho conosciuta nell’’87, lei aveva 55 anni ed era bellissima, stupenda, sembrava una fata. La conobbi al festival di Annecy, praticamente mi innamorai e mi rimase nel cuore di fare un film con lei, come se fosse stata Marilyn Monroe. Mi sarebbe anche piaciuto fare un nudo…ma ci sono sempre le concessioni che si debbono fare rispetto a quello che uno vorrebbe. Questa caratteristica per esempio mi accomuna al grande Rossellini Roberto, questa trasandatezza che c’è nei suoi film o noncuranza della perfezione purché si arrivi al risultato, perché se ci si perde ad inseguire la perfezione si diventa Visconti» (D’Alessandria).

ore 19.00

L’amico immaginario (1994)

Regia: Nico D’Alessandria; soggetto e sceneggiatura: N. D’Alessandria; fotografia: Bruno Di Virgilio; fotografia: Bruno Di Virgilio; musica: Riccardo Fassi; montaggio: Maurizio Baglivo; interpreti: Victor Cavallo, Valeria D’Obici, Rocco Mortellitti, Roberto D’Alessandria, Fulvia Mosconi, Giancarlo Parodi; origine: Italia; produzione: N. D’Alessandria; durata: 85’

«Il cinquantenne Dino fa un bilancio della propria vita, dei suoi rapporti con il suo bambino, con le donne che ha amato, con il proprio lavoro e con gli amici intimi, uno dei quali, sacerdote, muore un giorno improvvisamente. Anche dall’al di là, però, l’amico continua ad essergli vicino, come un angelo custode, per sostenerlo nei momenti più angosciosi della sua esistenza» (Poppi). «C’è tutta una parte di cinema italiano che, se non proprio sommersa, è perlomeno emarginata, confinata negli angoli di uscite estive frettolose, fatte di poche sale d’essai e di cineclub. [...] Anche se girato in un evidente stato di precarietà, con pochi mezzi a disposizione e con penuria di pellicola, anche se qua e là acerbo e stentato, L’amico immaginario – interpretato da quello straordinario attore colpevolmente trascurato dal cinema italiano che è Victor Cavallo – trae il suo vigore poetico dalla commossa sincerità con la quale Nico D’Alessandria va alla ricerca di quella strada smarrita che è la concezione religiosa della vita» (Natta).

ore 20.40

Evelina e Marcoaldo (1966)

Regia: Nico D’Alessandria; soggetto e sceneggiatura: N. D’Alessandria; fotografia: Laure Caroline; origine: Italia; produzione: Csc; durata: 10’

Marcoaldo, marito oppresso, si addormenta in poltrona e sogna una partita a carte con un individuo mefistofelico in cui la posta in gioco è sua moglie Evelina.

a seguire

Il canto d’amore di Prufrock (1967)

Regia: Nico D’Alessandria; soggetto e sceneggiatura: N. D’Alessandria; fotografia: Elio Bisignani, Michele Picciaretta; operatore alla macchina: Demostene Nicolau; ambientazione: Francesco della Noce; suono: Luciano Berio; interpreti: N. D’Alessandria; voce: Carmelo Bene; durata: 20’

«Impressioni visive su uno splendido testo di Eliot, con centro nell’autore dello short. Faticata fusione tra poesia e immagini, perché la prima parla di una miseria sconfinata dell’esistere (e la dizione strascicata di Bene le si attaglia a pelle) e le seconde, invece, tendono ad esplodere – per la ricerca di plasticità corporee, per lambiccate congruenze simboliche di superficie, ecc – nell’autocompiacimento dell’autore-attore» (De Benedictis). Autentico cinema sperimentale, visionario, esperimento visivo originale… indimenticabile. Prendere o lasciare.

a seguire

L’imperatore di Roma (1988)

Regia: Nico D’Alessandria; soggetto e sceneggiatura: N. D’Alessandria; fotografia: Roberto Romei; musica: Al Luntati, Carlo Giugni; montaggio: N. D’Alessandria; interpreti: Gerardo Sperandini, Nadia Haggi, Giuseppe Amodio, Agnese De Donato, Fulvio Meloni; origine: Italia; produzione: N. D’Alessandria; durata: 89’

«Gerry vive a Roma, dormendo in squallide pensioni e camminando senza meta per la città. Vive in solitudine, per unica compagna la droga. Evitato dai “bravi” cittadini, poco considerato dagli amici, egli immagina la sua fine, come un moderno “Accattone” o con una siringa conficcata nel braccio» (Poppi). «Ricordate Accattone di Pasolini? Muore per un banale incidente di motocicletta alla curva del ponte del Mattatoio. In quella stessa curva cade l’imperatore di Roma ma si rialza imprecando, pronto a riprendere la strada a piedi. Il suo nome è Gerry ma forse è più giusto pensarlo Nerone o Commodo. Anche lui desidera trovare la morte nell’arena (magari per un buco di addio). Anche lui ama Roma, di un amore-odio e vorrebbe distruggere il Colosseo a picconate. Conosciuto il personaggio e scritta la sceneggiatura, mentre passavano gli anni in attesa di ottenere i finanziamenti dello stato, il povero Gerry finiva riconosciuto pericoloso socialmente e rinchiuso ad Aversa. Qui nasce il cult-movie. Nico D’Alessandria aspetta tre anni, scrive a Gerry 48 lettere e ne riceve 171. Si occupa di lui nel tentativo di ricucire il tessuto familiare strappato e rifiuta di realizzare il film con un attore diverso dal suo imperatore. Crede che la fatica di fare cinema possa ripagarsi meglio se aiuta un Gerry qualsiasi a riconoscere la strada per uscire dall’inferno. Raccontare un film o raccontare la vita? L’importante è raccontare… E Roma? Già … Roma! Roma in bianco e nero, per giocare con il chiaroscuro più che con i colori. Degradata e splendida. Roma Tevere e polvere, luogo di ogni delirio e set cinematografico. Protagonista e oggetto di sberleffo» (D’Alessandria).

Film vietato ai minori di anni 14

Cinema Trevi vicolo del puttarello, 25 Roma

ufficio stampa: Susanna Zirizzotti tel. 0672294260- cell. 3391411969 susanna.zirizzotti@fondazionecsc.it

Ci si è spesso posti un quesito non solamente cinefilo sulla trasposizione cinematografica di figure scomode, complesse, realmente vissute. Spesso il passaggio dal corpo reale a quello fantasmatico del film ha nuociuto, come se la macchina da presa rendesse in un unico colore, banalizzando personaggi che meriterebbero una lettura meno superficiale.

È dunque (quasi) una missione (im)possibile raccontare per immagini una figura così poliedrica come Don Lorenzo Milani Comparetti (Firenze, 27 maggio 1923 – Firenze, 26 giugno 1967).

Curiosamente, ad eccezione del conosciuto e abbastanza recente film televisivo Don Milani, il priore di Barbiana di Andrea e Antonio Frazzi, interpretato da Sergio Castellitto, i film di Don Milani sono degli autentici (In)visibili italiani degli anni Settanta.

Oltre quindi a far riemergere alla luce opere nascoste, nel consueto interesse cinetecario, l’omaggio della Cineteca Nazionale di domenica 17 maggio al priore di Barbiana può essere una riflessione utile sul perché i due film Un prete scomodo e Don Milani siano degli oggetti smarriti. In tale contesto si è voluto inserire anche Proibito rubare di Comencini, visto come archetipo neorealista al futuro Don Milani. Chicca d’inestimabile valore storico ma anche emotivo è il cortometraggio Lettera da Barbiana che descrive in soli ma intensi 10 minuti la scuola di Barbiana nel 1963.

ore 17.00

Proibito rubare di Luigi Comencini, 1948

ore 19.00

Un prete scomodo di Pino Tosini, 1975

ore 21.00

Lettera da Barbiana di Ennio Lorenzini, 1963

a seguire

Don Milani di Ivan Angeli, 1976

Domenica 17 maggio 2009

Cinema Trevi  vicolo del puttarello, 25                   Roma

La poetica di Mino Reitano si fondava sull’amore romantico, quello unico, di un’intera vita, e sul Meridione e sulla tragedia dell’esilio dell’emigrante.

Venerdi 15 maggio dalle ore 17:00 – Cinema Trevi

la Cineteca Nazionale dedica una giornata ai film dei quali è stato interprete

Il 27 gennaio 2009 si è spento Beniamino Reitano, noto come Mino, un’icona indiscussa della musica nazional popolare italiana. La sua poetica si fondava sull’amore romantico, quello unico, di un’intera vita, ma anche sul Meridione e sulla tragedia dell’esilio dell’emigrante, costretto ad abbandonare le proprie radici per trovare lavoro. Il corpo e la voce di Mino hanno “raccontato” tutto ciò con autenticità inarrivabile, rappresentando simbolicamente i milioni di volti silenziosi lontani dai loro paesi natii. Basta ritornare alla memoria dei titoli di alcuni suoi album degli anni ‘70 come L’uomo e la valigia, Ti amo tanto tanto, Partito per amore, Omaggio alla mia terra per regalarci subito l’idea di un uomo semplice ma mai banale. Autore delle musiche di quasi tutte le canzoni da lui incise (spesso in collaborazione con il fratello Franco), ha scritto brani anche per altri artisti (quello più celebre è Una ragione di più, cantato da Ornella Vanoni) nonché celebri canzoni per bambini, prima fra tutte La sveglia birichina. Al cinema, contrariamente ad altri suoi colleghi, non si è mai concesso al musicarello, interpretando ruoli a tutto tondo, ben svincolati dalla sua professione di cantante. Anche se i film da lui interpretati sono da considerarsi dei veri e propri “oggetti smarriti” del nostro cinema italiano: dagli introvabili Tara Pokì (1971) di Amasi Damiani e Lady Football (1979) di Italo Martinenghi agli (in)visibili italiani Una vita lunga un giorno (1973) di Ferdinando Baldi e Povero Cristo (1975) di Pier Carpi. Ha inoltre interpretato se stesso in film quali Sono pazzo di Iris Blond (1996) di Carlo Verdone e L’ultimo mundial (1999) di Antonella Ponziani e Tonino Zangardi. Sulla sua profonda fede cattolica, incrollabile anche durante la dolorosa malattia che lo portò alla morte, ecco che cosa disse a Bruno Volpe, giornalista di «Petrus», il quotidiano on-line sul Pontificato di Benedetto XVI: «Non voglio lasciare nulla in sospeso con alcuno. Il cristianesimo è saper dimenticare, lasciarsi alle spalle rancori e risentimenti, abbandonarsi liberamente alla misericordia. Senza perdono la nostra fede sarebbe vuota. Io stesso chiedo perdono nel caso abbia danneggiato qualcuno, anche se, mi creda, nel limite delle mie possibilità, ho sempre cercato di aiutare e comprendere tutti. Se non ci sono riuscito, spero davvero vogliano scusarmi».

ore 17.00

Sono pazzo di Iris Blond di Carlo Verdone, 1996

ore 19.00

Una vita lunga un giorno di Sam Livingstone [Ferdinando Baldi], 1973

ore 21.00

Povero Cristo di Pier Carpi, 1975

Cinema Trevi vicolo del puttarello, 25  Roma

www.fondazionecsc.it

La Scuola Nazionale di Cinema del Centro Sperimentale di Cinematografia annuncia la pubblicazione del bando di Concorso per i corsi ordinari del triennio 2010 – 2012

Anche quest’anno la Scuola Nazionale di Cinema del Centro Sperimentale di Cinematografia mette a concorso 66 posti per 8 corsi: Fotografia; Montaggio; Produzione; Recitazione donne; Recitazione uomini; Regia; Scenografia, Arredamento, Costume; Sceneggiatura; e Tecnica del suono. La Scuola offre la possibilità a giovani dell’Unione Europea ed extracomunitari, per questi ultimi limitatamente a un posto in ciascuno corso, di avere una formazione culturale, artistica, tecnica e professionale nei vari settori della cinematografia, valorizzando le capacità creative, organizzative e di lavoro in gruppo degli allievi. Il percorso formativo è costituito da discipline teoriche di base, corsi professionali sistematici, seminari, esercitazioni, stages in Italia e all’estero, sino alla realizzazione di un saggio di diploma. E’ inoltre obiettivo della scuola favorire al massimo l’inserimento dei diplomati nei settori professionali del cinema. Il Bando è scaricabile dal sito www.fondazionecsc.it. la domanda di ammissione al concorso che dovrà pervenire inderogabilmente entro il 21 maggio 2009, sarà valida solo se inviata per via telematica, a decorrere dal 20 aprile 2009, a questo link: http://bandodiconcorso.fondazionecsc.it/

Prima di inviare la domanda si invitano i candidati a leggere attentamente il testo del bando e le FAQ – Domande frequenti presenti sul sito.

Dopo una prima selezione dei materiali richiesti dal bando, i candidati ammessi, sosterranno le prove di ammissione nella sede di Roma Gli aspiranti allievi ammessi agli esami dovranno dimostrare di possedere un’ottima cultura generale e cinematografica e di conoscere la lingua inglese (i giovani stranieri dovranno dimostrare il loro livello di conoscenza anche della lingua italiana). Durante l’esame verranno poi valutati i materiali prodotti dai candidati e inviati con la domanda. I candidati ammessi frequenteranno un seminario propedeutico al termine del quale saranno selezionati i 66 allievi che frequenteranno la Scuola. I corsi sono, a seconda della disciplina scelta, triennali o biennali e soggetti al pagamento di una retta. La frequenza è obbligatoria.

Per ulteriori informazioni: orientamento@fondazionecsc.it

Il regista Roberto Faenza è il presidente della giuria del 1° Festival del cortometraggio “I Corti sul Lettino – Cinema e Psicoanalisi”, ideato da Ignazio Senatore, psichiatra e critico cinematografico ed organizzato con il festival cinematografico estivo “accordi @ DISACCORDI”.

Una selezione dei centotrentacinque cortometraggi, pervenuti da tutt’Italia e dall’estero, saranno proiettati a Napoli il 17 ed il 18 aprile 2009 (ore 16,00 -19,30) presso il Penguin Café di Via Santa Lucia, 88.  Folta la pattuglia di videomakers napoletani che hanno partecipato al Concorso.

Tra i corti finalisti si segnalano quelli di Iole Masucci “Apparenze” interpretato da Maria Luisa Santella, e di Raffaele Manco “Ci vediamo presto”; tra i corti segnalati quelli girati da Franco Diana “Sdeng!”, Marco Latour “Capo!” ed Antonio Manco “Come se niente fosse”.

Non può mancare un omaggio al mitico Pibe de oro con “Maradona baby”, cortometraggio di Nino Sabella, regista siciliano di Sciacca. Al fianco di Roberto Faenza, a premiare il 18 aprile il migliore cortometraggio, il miglior attore, la migliore attrice, il miglior regista ci saranno gli altri componenti della giuria: Mario Franco, Teresa Mancini, Diego Nuzzo, Pietro Pizzimento ed Ignazio Senatore.
Per maggiori informazioni:

http://www.cinemaepsicoanalisi.com

http://www.accordiedisaccordi.com

Il regista Roberto Faenza è il presidente della giuria del 1° Festival del cortometraggio “I Corti sul Lettino – Cinema e Psicoanalisi”, ideato da Ignazio Senatore, psichiatra e critico cinematografico ed organizzato con il festival cinematografico estivo “accordi @ DISACCORDI”.

Una selezione dei centotrentacinque cortometraggi, pervenuti da tutt’Italia e dall’estero, saranno proiettati a Napoli il 17 ed il 18 aprile 2009 (ore 16,00 -19,30) presso il Penguin Café di Via Santa Lucia, 88.  Folta la pattuglia di videomakers napoletani che hanno partecipato al Concorso.

Tra i corti finalisti si segnalano quelli di Iole Masucci “Apparenze” interpretato da Maria Luisa Santella, e di Raffaele Manco “Ci vediamo presto”; tra i corti segnalati quelli girati da Franco Diana “Sdeng!”, Marco Latour “Capo!” ed Antonio Manco “Come se niente fosse”.

Non può mancare un omaggio al mitico Pibe de oro con “Maradona baby”, cortometraggio di Nino Sabella, regista siciliano di Sciacca. Al fianco di Roberto Faenza, a premiare il 18 aprile il migliore cortometraggio, il miglior attore, la migliore attrice, il miglior regista ci saranno gli altri componenti della giuria: Mario Franco, Teresa Mancini, Diego Nuzzo, Pietro Pizzimento ed Ignazio Senatore.
Per maggiori informazioni:

http://www.cinemaepsicoanalisi.com

http://www.accordiedisaccordi.com

Il portale magazinepragma.com ha stretto, nella settimana corrente, importanti collaborazioni con riviste cartacee di livello nazionale, che hanno intuito l’importanza dell’iniziativa del “giornale sfogliabile online” e non si sono fatte sfuggire l’occasione di coglierla. Anche questa iniziativa è gratuita. L’applicazione flash garantisce leggerezza, fruibilità, alta definizione ed interattività. Tutti i direttori sono entusiasti dell’iniziativa, la quale ha già nuovi contatti con testate che saranno inserite prossimamente. Le testate che sono entrate nella famiglia del portale MagazinePragma.com sono sparse su tutto il territorio nazionale e sono tutte ambiziose, ed a giudicare dai contenuti e grafica di impaginazione c’è solo da esserlo.

Le riviste sfogliabili sul magazinepragma.com (oltre a “Il giornale Week-End” che ha aperto le danze ed è presente già da 2 mesi), in rigoroso ordine alfabetico, sono: L’arca di Noè, Outside, Spray, Volume, ZR-Zona Rossa. A breve saranno presenti anche le riviste Square e Stylish Magazine.

Dopo il successo di “Freddo dentro”, cortometraggio selezionato fuori concorso al festival di Cannes 2008, torna dietro la macchina da presa l’attore stabiese Fabio Massa; previsti infatti il 3 marzo i casting per la ricerca di attori e attrici del film “Linea di Konfine”, sua opera prima. La realizzazione dell’opera è prevista dal 4 al 23 maggio e sarà girata interamente a Castellammare di Stabia in provincia di Napoli. Il film, ispirato all’omonima sceneggiatura scritta da Massa e in uscita a marzo per conto da La mongolfiera editrice, narra le vicende del giovane Christian alle prese con le tematiche, le difficoltà, le gioie e le speranze di chi vive pienamente gli anni un pò turbolenti della propria adolescenza. La pellicola, prodotta da Video Editing e Pragma Production (http://www.magazinepragma.com) , destinata essenzialmente ad un target giovanile, strizza l’occhio anche ad un pubblico maturo che riesce facilmente ad identificarsi nei contesti di vita proposti: rapporto tra madre, patrigno e figlio, il dramma della violenza domestica, la piaga dell’alcol. Protagonisti del lungometraggio l’attore Fabio Massa, Paolo Russo (entrambi reduci dal successo cinematografico al fianco di Maria Grazia Cucinotta nel film “Io non ci casco” di Pasquale Falcone) e Mirko Zagarella. Confermata al momento la presenza di tre importanti guests : gli attori Gaetano Amato, Lucio Ciotola e Vincenzo Merolla che interpreteranno ruoli cruciali all’interno del film. Ancora tanti i profili da ricercare: nello specifico interpreti di età compresa tra i 18 e i 50 anni per personaggi primari e secondari. Gli interessati possono inviare il proprio curriculum vitae e due foto, primo piano e figura intera, all’indirizzo di posta elettronica: lineadikonfine@fabiomassa.com. Ai selezionati verrà comunicato via e-mail, e in tempo utile, il giorno e il luogo dei provini.

Continua il grande successo del form per l’inserimento degli eventi. La gratuità senza alcuna iscrizione la fa da padrona, e le newsletter settimanali (martedi, giovedì e sabato) aumentano l’utilità del form.

27.01.2009 – Sabato 31 Gennaio alle ore 17.30 appuntamento al Centro Congressi, Sala Azzurra, per una lezione del tutto particolare: le tecniche del doppiaggio nel cinema.

Per l’occasione sbarcheranno a Capri i grandi doppiatori del piccolo e grande schermo. Monica Ward ed Ilaria Stagni, le voci di Lisa e Bart Simpson, spiegheranno ai giovani delle scuole medie e superiori dell’isola l’arte del doppiaggio adattata ai cartoni animati.

Con loro ci saranno anche Francesca Guadagno, doppiatrice di attrici di spessore come Cameron Diaz e Jennifer Aniston, e Stella Musy, voce di Winona Ryder, Lyv Tyler e Diane Kruger.

Nel corso dell’evento una simpatica sorpresa: i giovani partecipanti doppieranno direttamente con gli ospiti i celebri personaggi con la proiezione di clip tratte dai film e dalle puntate più famose e divertenti.

Ufficio stampa:
Capri Art Film Festival
info@capriartfilmfestival.com
Antonino Esposito  3491583890
Teodorico Boniello 3389253287

Scalda i motori il Capri Art Film Festival, la rassegna di cinema, teatro, musica e letteratura interamente incentrata sul tema della Diversità, giunta alla sua terza edizione, che animerà l’isola di Capri dal 15 al 18 Aprile 2009.

Dopo l’incredibile successo di critica e pubblico delle due passate edizioni,  l’associazione Capri Film Festival, organizzatrice dell’evento, ha pubblicato sul proprio sito ufficiale (http://www.capriartfilmfestival.com), il bando per le iscrizioni per “CortoinCapri”, il concorso di cortometraggi incentrato sul tema della Diversità che ogni anno vede la partecipazione di giovani registi, di massimo 30 anni,  provenienti da tutta Italia.

Il bando per l’invio dei lavori scadrà il 1 Aprile 2009.  Poi sarà una giuria tecnica a scegliere i 10 finalisti che gareggeranno nella finale caprese per i premi di miglior cortometraggio, di miglior regia, di miglior sceneggiatura e per il premio Axel Munthe, assegnato dagli studenti delle scuole dell’isola di Capri.

Anche quest’anno la giuria per la finale vedrà la partecipazione di personaggi di primo piano del mondo del cinema, della cultura e dello spettacolo italiani  accompagnati dal presidente onorario della kermesse  Liliana Cavani.

Ufficio stampa:
info@capriartfilmfestival.com
Teodorico Boniello: 3389253287
Antonino Esposito: 3491583890

Scalda i motori il Capri Art Film Festival, la rassegna di cinema, teatro, musica e letteratura interamente incentrata sul tema della Diversità, giunta alla sua terza edizione, che animerà l’isola di Capri dal 15 al 18 Aprile 2009.

Dopo l’incredibile successo di critica e pubblico delle due passate edizioni,  l’associazione Capri Film Festival, organizzatrice dell’evento, ha pubblicato sul proprio sito ufficiale (http://www.capriartfilmfestival.com), il bando per le iscrizioni per “CortoinCapri”, il concorso di cortometraggi incentrato sul tema della Diversità che ogni anno vede la partecipazione di giovani registi, di massimo 30 anni,  provenienti da tutta Italia.

Il bando per l’invio dei lavori scadrà il 1 Aprile 2009.  Poi sarà una giuria tecnica a scegliere i 10 finalisti che gareggeranno nella finale caprese per i premi di miglior cortometraggio, di miglior regia, di miglior sceneggiatura e per il premio Axel Munthe, assegnato dagli studenti delle scuole dell’isola di Capri.

Anche quest’anno la giuria per la finale vedrà la partecipazione di personaggi di primo piano del mondo del cinema, della cultura e dello spettacolo italiani  accompagnati dal presidente onorario della kermesse  Liliana Cavani.

Ufficio stampa:
info@capriartfilmfestival.com
Teodorico Boniello: 3389253287
Antonino Esposito: 3491583890

Prorogata al 15/01/2009 la scadenza per partecipare al concorso “Il preservativo..è Comodo!” – Spot video in concorso

 Comodo.it, il portale dei preservativi, riconferma anche per quest’anno l’appuntamento con la prevenzione e la comunicazione, il binomio che verrà giudicato e premiato nel 5° concorso nazionale  “Il preservativo..è Comodo!” – spot video in concorso

Il concorso, a partecipazione gratuita e aperto a tutti, richiede di cimentarsi nella realizzazione di spot video che attraverso un linguaggio chiaro, immediato e ironico possano incentivare l’uso del profilattico come unico comportamento efficace per la prevenzione di tutte le malattie sessualmente trasmissibili e le gravidanze indesiderate.

Comodo.it vuole portare avanti la sua campagna di informazione e sensibilizzazione sull’ uso cosciente dei profilattici, e lo ritiene un impegno sociale necessario dopo aver riflettuto sul risultato di un recente sondaggio che vede i “giovani italiani bocciati nella contraccezione consapevole”

 L’iniziativa è realizzata in collaborazione con un partner d’eccezione, la Coming Soon Television.

In giuria saranno presenti Pippo Mezzapesa, regista emergente del panorama cinematografico italiano e vincitore del David di Donatello e Marco Asunis, vicepresidente della Federazione Italiana Circoli del Cinema (Ficc).

 Impegnarsi in una nobile causa farà vincere al primo classificato un premio di 800 euro, e sono previsti premi anche per chi salirà sugli altri due gradini del podio: 200 euro per il secondo posto e 100 euro in buoni acquisto per il terzo

Il bando di concorso è on-line su:  http://www.comodo.it/cat/canali/utilita/concorsi/realizza-uno-spot-anno-2008/  

Per ogni altra informazione contattateci tramite:

Ufficio stampa Comodo.it
e-mail: ufficio.stampa@comodo.it
Tel./fax: 080 3968115