CinePipocaCult :: bom cinema independente de estilo

Adeus, Lenin

2009-11-10T11:23:00.002-03:00

O mundo ontem comemorou 20 anos da queda do muro de Berlim. Em um mundo globalizado, com União Européia cada vez mais forte, é até difícil lembrar que há tão pouco tempo, um país era separado por um muro que simbolizava a divisão entre comunistas e capitalistas da Guerra Fria. A queda do muro é considerada símbolo da liberdade, de um mundo melhor, o que chega a ser contraditório, já que a ideologia comunista era exatamente trazer o bem estar a todos. Os sonhos de uma geração caíram naquele dia, o sonho de um mundo igualitário, justo e mais humano. É disso que fala muito bem o filme dirigido e roteirizado por Wolfganger Becker, com a ajuda de Bernd Lichtenberg.

Em 1989, pouco antes da queda do muro de Berlim, a Sra. Kerner, uma comunista convicta, passa mal, entra em coma e fica desacordada durante os dias que marcaram o triunfo do regime capitalista na Alemanha (ou seja, a queda do muro). Ao voltar do coma, em meados de 1990, sua cidade, ex-Berlim Oriental, está sensivelmente modificada. Com medo que as mudanças causem algum trauma e piore a situação, seu filho Alexander, decide esconder os acontecimentos, tendo que se virar para construir programa de televisão falso, esconder painéis de Coca-Cola e trocar o rótulo dos alimentos e produtos utilizados. E o mais interessante é que tudo é construído com leveza e até mesmo com humor. Não é sofrido, mas nos comovemos com aquela história.

Esconder o capitalismo em uma cidade sedenta por ele, é uma verdadeira saga para Alexander. Até porque as mudanças ocorrem rápido demais. Parece que o povo alemão oriental estava esperando na beira do muro que ele caísse. A invasão do consumo é como uma onda que atinge a todos e dá a sensação de que todos "merecem" a sociedade atual. A história é contada pelos vencedores e o que vemos na mídia e livros escolares é um socialismo caótico, ditador e vilão, porém, tudo tem seu outro lado. O roteiro é sensível e inteligente ao constratar as duas visões da queda: os que se sentiam presos pelo regime e os que acreditavam com toda força em seus ideais. A simbologia maior está na Sra. Kerner e em seu sonho utópico de uma sociedade melhor. Isso torna a luta de seu filho tão comovente e interessante. Ficamos torcendo para que ele consiga manter aquele mundo harmônico para sua mãe doente. Um drama humano que emociona e nos faz refletir.

Anselmo Duarte, uma última homenagem

2009-11-09T08:20:00.108-03:00

Como todos já devem saber, faleceu, nesse fim de semana, Anselmo Duarte. Nascido na cidade de Salto, interior de São Paulo, em 21 de abril de 1920, começou ainda criança molhando telas de cinema mudo. Foi galã de diversos filmes da Vera Cruz e da Atlântida, como Tico-Tico no Fubá, onde fez par romântico com Tônia Carrero, e Aviso aos Navegantes. Trabalhou como roteirista em diversos longas e digiriu alguns de certo destaque como "Vereda de Salvação" (1964) que concorreu ao Urso de Ouro em Berlim, além de longas como "Absolutamente Certo" (1957), "Um Certo Capitão Rodrigo" (1971) e "O Crime do Zé Bigorna" (1977).

Seu maior feito, no entanto, foi mesmo a conquista da Palma de Ouro em Cannes (1962) com O Pagador de Promessas. O filme concorria com ícones do cinema, como O Anjo Exterminador de Luis Buñuel, O Eclipse de Michelangelo Antonioni, Le Proces de Jeanne DArc, além de Electra de Michael Cacoyannis, seu mais forte concorrente segundo anúncios da época.

Ao contrário do que deveria, no entanto, a conquista parece ter mexido com os brios dos cineastas brasileiros que preferiram desdenhar a comemorar o feito. O estilo clássico do paulista, com sua forma narrativa direta, era criticada pelos jovens em busca de inovações. Sua situação piorou quando não quis aderir ao movimento do Cinema Novo. A inveja e a cobiça quase acabaram com a carreira desse grande homem, mas ele continou firme naquilo que acreditava, fazendo os filmes que ele queria fazer.

O Pagador de Promessas, baseado na peça de Dias Gomes, conta a história de Zé do Burro e sua saga para pagar a promessa que fez a Santa Bárbara pela vida de seu burro de estimação. Com cunho altamente político, em prol dos menos favorecidos, mostrando a intolerância da igreja e a esperteza da imprensa que se aproveita do fato, o filme fez sucesso e continua atual. Não tem uma linguagem inovadora, nem as alegorias tão comuns em filmes de Gláuber Rocha, por exemplo, mas nem por isso é um filme menor. No elenco nomes como Leonardo Villar, Glória Menezes, Othon Bastos e Geraldo Del Rey ajudam a contar a comovente história. Talvez a honestidade com que o cineasta fez o filme, querendo passar a sua mensagem o tenha tornado universal. Zé do Burro é uma espécie de novo Cristo e Anselmo Duarte parece ter sido crucificado junto com ele. Uma pena, porque talento ele mostrou ter de sobra. O Pagador de Promessas é um clássico, um marco que merece ser lembrado e relembrado sempre. Esta é a melhor homenagem que podemos fazer a esse grande cineasta.

Dicas da semana

2009-11-08T16:50:00.003-03:00

Cinema

Amanhã é o Projeta Brasil na Rede Cinemark. Diversos filmes nacionais lançados esse ano serão exibidos a ingressos de apenas R$ 2,00. Uma iniciativa interessante e uma boa oportunidade para conferir e prestigiar o cinema brasileiro, além de ajudar novas produções, já que a renda é revertida para projetos. Pena que seja apenas em uma segunda-feira, quando a maioria do público trabalha ou estuda. Destaque para bons filmes que já saíram de cartaz como O Contador de Histórias, Feliz Natal, Tempos de Paz e Divã.

DVD

O Pagador de Promessas
Não é um lançamento em DVD, mas uma homenagem a Anselmo Duarte, cineasta falecido ontem. Este grande filme, único brasileiro a levar Palma de Ouro em Cannes, merece ser visto e revisto por todos. Pode ser encontrado nas melhores locadoras e lojas do país. Baseado na peça de Dias Gomes, o filme traça a trajetória de Zé do Burro e sua necessidade de pagar sua promessa, além de tocar em assuntos como intolerância religiosa, poder da imprensa e luta de classes.

Sinopse: Zé do Burro (Leonardo Villar) e sua mulher Rosa (Glória Menezes) vivem em uma pequena propriedade a 42 quilômetros de Salvador. Um dia, o burro de estimação de Zé é atingido por um raio e ele acaba indo a um terreiro de candomblé, onde faz uma promessa a Santa Bárbara para salvar o animal. Com o restabelecimento do bicho, Zé põe-se a cumprir a promessa e doa metade de seu sítio, para depois começar uma caminhada rumo a Salvador, carregando nas costas uma imensa cruz de madeira. Mas a via crucis de Zé ainda se torna mais angustiante ao ver sua mulher se engraçar com o cafetão Bonitão (Geraldo Del Rey) e ao encontrar a resistência ferrenha do padre Olavo (Dionísio Azevedo) a negar-lhe a entrada em sua igreja, pela razão de Zé ter feito sua promessa em um terreiro de macumba.

Televisão

Bee Movie, a história de uma abelha
Quarta-feira, 13:35, Telecine Light
Uma animação inusitada, com uma metáfora muito interessante sobre as relações humanas e as funções de cada ser no planeta

Sinopse: Barry B. Benson (voz de Jerry Seinfeld) é uma abelha que acaba de se formar na faculdade, mas não se sente satisfeito em executar uma única função durante toda a sua vida, na fabricação de mel. Em uma viagem fora da colméia, ao lado das abelhas que colhem néctar, Barry tem sua vida salva pela florista nova-iorquina Vanessa (Renée Zellweger). Enquanto o relacionamento entre os dois cresce, ele descobre que seres humanos colhem e vendem mel. Por isso, decide processar toda a raça humana.

Joana D´Arc, de Luc Besson
Sábado, 22h, Universal
O diretor francês Luc Besson conta a história verídica de Joana D'Arc (vivida pela bela Milla Jovovich, mulher de Besson na época), a heroína mais famosa da França que foi queimada como bruxa, de uma forma muito interessante.

Sinopse: Nascida em 1412, Joana desenvolve uma religiosidade tão intensa que a fazia se confessar mais de uma vez ao dia, ainda jovem. A Guerra dos Cem Anos, travada com a Inglaterra, se prolongava desde 1337 e, em 1420, os reis Henrique V e Carlos VI assinam o Tratado de Troyes, declarando que após a morte de seu rei a França pertencerá a Inglaterra. Porém, ambos os reis morrem e Henrique VI é o novo rei dos dois países, mas tem poucos meses de idade e Carlos (John Malkovich), o delfim da França, não deseja entregar seu reino para uma criança. Assim, os ingleses invadem o país e ocupam Compiègne, Reims e Paris, com o rio Loire detendo o avanço dos invasores. Surge, então, Joana D'Arc para libertar a França dos ingleses. Desesperado por uma solução, o delfim resolve lhe dar um exército, com o qual ela recupera Reims. Mas seu amor pelo exército e pela França não é reconhecido e, graças às visões premunitórias que tinha, Joana foi tida como bruxa e condenada à morte pelos mesmos franceses que libertou.

A bela da tarde
Sábado, 18h, Canal Brasil
Vencedor do Leão de Ouro no Festival de Veneza, este filme de Buñuel chocou muita gente e trouxe Catherine Deneuve no auge de sua beleza. Uma boa reflexão sobre a insatisfação humana.

Sinopse: Séverine é uma jovem e bela mulher casada com um médico. Ela ama o marido, mas não consegue se satisfazer sexualmente com ele. Então entrega-se aos seus desejos e acaba por se tornar uma prostituta, mantendo uma vida dupla.

Sintonia de Amor, tarde demais para esquecer

2009-11-07T23:26:00.095-03:00

Comédias românticas possuem sempre a mesma fórmula: Rapaz conhece moça, rapaz perde moça e rapaz reconquista moça. Ou algo parecido com isso. Tem até um filme brasileiro que brinca com os clichês do gênero. Talvez, por isso, Sintonia de Amor tenha chamado tanta atenção quando estreou em 1993, sendo indicado a todos os prêmios de melhor roteiro do ano seguinte. Para começar, o casal principal, vivido por Tom Hanks e Meg Ryan, ficam menos de dois minutos em uma mesma cena. Não há beijos, nem declarações apaixonadas. Há ainda um link engraçadíssimo com o clássico dos anos 50, Tarde demais para esquecer. O sucesso do filme de Nora Ephron foi tanto que Hollywood tratou de lançar uma refilmagem do antigo clássico no ano seguinte.

O filme conta a história de Annie, uma mulher que está prestes a se casar quando ouve um depoimento de um viúvo e seu filho em uma rádio e se apaixona apesar de estar a milhas de distância. Toda a construção do filme é inteligente ao contrastar a fantasia de Annie e Jonah com o pragmatismo de Sam. Annie, uma mulher madura, com a vida resolvida, mas que assiste ao filme romântico, já tendo decorado todas as falas. Jonah, um garoto que quer uma nova mãe que seja uma mulher legal para o seu pai. E Sam, o insone de Seattle, um homem normal que ainda não superou a perda de sua esposa e não encontrou a mulher ideal. A beleza da construção narrativa está nos detalhes, nas pequenas cenas. Podemos definir Sintonia de Amor da mesma forma que Sam define o que sua esposa tinha de especial: "são várias pequenas coisas que juntas me davam a certeza de que deveríamos estar juntos".

Tarde demais para esquecer, dirigida por Leo McCarey, conta a história de um casal, vividos por Cary Grant e Débora Kerr, que se conhecem e se apaixonam em um cruzeiro marítimo. O problema é que ambos são comprometidos e dependem financeiramente de seus parceiros. Resolvem, então, marcar um encontro para seis meses depois, no topo do Empire State, quando já com a vida reorganizada poderiam se casar. Um acidente, no entanto, impede que ela chegue ao local. Por ter ficado paraplégica não esclarece o mal entendido e os dois ficam separados. Mas, como toda boa história de amor, a história não acaba assim...

As melhores cenas de Sintonia de Amor são justamente os cruzamentos com referências a obra de Leo McCarey. Annie e sua amiga assistindo ao filme chorando e repetindo cada fala, a irmã de Sam contando a história e sofrendo, a constatação de Annie que só conseguiu dizer "olá" a Sam, da mesma forma que Débora Kerr. E, claro, o encontro marcado no topo do Empire State.

É um filme despretensioso e muito gostoso de assistir. Assim como o clássico que o inspirou. Aos fãs de Warren Beatty, é interessante ver a refilmagem também, apesar de eu achar que não tem o mesmo charme do primeiro. Uma coisa comum aos três é a bela música An Affair to Remember (título original do filme de 1959).

Grandes Cenas: O grande ditador

2009-11-06T23:34:00.002-03:00

Grandes cenas marcam por motivos diversos. Algumas possuem um técnica espetacular, outras uma atuação soberba, há ainda aquelas em que o clímax da emoção tornam-na inesquecível. E há finalmente, aquelas que simbolizam algo maior. Em todas as listas de melhores cenas da história do cinema encontramos uma citação ao Grande Ditador e à cena em que Chaplin brinca com o mundo. Até paródia em abertura de novela já foi feita pela Rede Globo. A cena foi uma grande sacada que sintetizou uma crítica não apenas a Hitler, mas a todos os ditadores que já passaram pelo planeta. O descaso com o mundo, com as pessoas que nele vivem, como se tudo fosse um grande brinquedo, um deboche de um ego inflado.

O grande ditador foi o único grande filme de Charles Chaplin após o cinema adquirir o som (Tempos Modernos tem apenas algumas falas). Ele era o gênio dos gestos. As palavras parecem ter tornado sua arte menor, ele não se adaptou muito, uma pena. Ironicamente, apesar da famosa cena do discurso final, o grande momento do filme não possui uma única palavra.

Para quem não conhece, o filme conta a história paralela de duas figuras muito parecidas fisicamente: um barbeiro judeu e um ditador intolerante. A alusão a Hitler é clara, tanto na constituição física, quanto no gesto de saudação e na perseguição aos judeus. Na cena em questão, o ditador acaba de confirmar que a última fronteira está perto de ser conquistada. Ele já se imagina Imperador do mundo. Em uma euforia sonhadora, pendura-se na cortina e se imagina no topo. Pede, então, para ficar sozinho e começa sua "brincadeira".

Ele desce, escorregando pela cortina, a câmera o acompanha. Já no chão, põe as mãos na cintura e se aproxima do globo terrestre. A câmera se afasta um pouco e enquadra o ditador atrás do globo, observando-o. Ele então se aproxima e a câmera se aproxima junto dando uma sensação de dimensão maior do pequeno homem. Ele pega o globo em suas mãos e diz quase em êxtase que é imperador do mundo. Começa então, a brincar com o globo tal qual uma bola de criança. A câmera se afasta um pouco para enquadrá-lo junto ao objeto sendo arremessado ao alto. Por vezes, a esfera vai a uma grande altura e a câmera a acompanha, tirando o ditador do quadro.

A preocupação do olhar é com esse mundo que está sendo arremessado (administrado) com leviandade. Será que ele corre o risco de cair? A música é doce, porém triste. O efeito que quer passar ao espectador não é o da felicidade do homem inconsequente, mas a angústia e frustração daqueles que são dominados por ele. É com esse povo que o espectador se identifica. E é nisso que está a genialidade da cena.

Em determinado momento, ele deita sobre a mesa, e, sem nunca parar de arremessar o globo, agora ele pode tocá-lo também com os pés e com as nádegas. A simbologia é ainda maior. Apesar das caras e bocas de Charles Chaplin, essa cena não é uma clássica de humor. Não é a risada, mas a preocupação que impera. Há um close nos dois, depois um novo corte para plano inteiro. O balé do homem e da bola é bem conduzido. Ele chega a pular em cima da mesa, até que o mundo não suporta tanta pressão e estoura. O ditador se assusta e chora como uma criança que perdeu seu brinquedo.

Só para constar, a última cena do filme, que sintetiza tudo que Chaplin queria passar ao mundo.

This is it

2009-11-04T08:42:00.010-03:00

Sucesso total de bilheteria, This is it, ganhou mais duas semanas de exibição nos Estados Unidos, mais precisamente até o dia de Ação de Graças. O filme que mostra os ensaios de Michael Jackson para sua turnê já arrecadou US$ 101 milhões (cerca de R$ 180 milhões), nos cinco primeiros dias de exibição mundial segundo o Portal MSN. O lucro já ultrapassou o prejuízo do cancelamento dos tais 50 shows que o artista faria em Londres.

É isso aí, nome mais feliz não poderia existir para este filme. Michael Jackson é um fenômeno mundial e seu talento impressiona. Nos últimos anos de carreira, estava quieto, sem grandes sucessos, mas nunca esquecido. Sua volta nos shows de Londres era aguardada com grande expectativa e é essa mesma sensação que leva seus fãs e admiradores ao cinema. A oportunidade de ver pela última vez algo inédito do cantor é valiosa, mesmo que sejam pedaços de ensaios, gravados sem a finalidade de se tornar público, pelo menos não dessa maneira. Não havia nenhuma intenção em se fazer um documentário dos ensaios, nem da turnê. Eram apenas registros. Que bom que eles gostam de registrar tudo.

Há clipes gravados que passariam em telão, muita cena de dança e algumas estripulias do artista, mostrando que apesar dos remédios, Michael Jackson ainda tinha fôlego para muita coisa. Toda explosão e energia do cantor estão expressas nas imagens do documentário através de suas atitudes, expressão corporal e voz.

Além disso, This is it é uma oportunidade de ver a intimidade do astro, já que ao ensaiar ele se mostra sem máscaras, à vontade naquele que sempre foi o seu lugar. Michael sofreu todas as humilhações possíveis na infância, tornou-se um homem recluso, com problemas psicológicos, mas nunca deixou de ficar a vontade no palco. Ali ele estava em casa, como dizem.

O perfeccionismo do artista é grande, mas também a sua capacidade de compreender e se comunicar com sua equipe. O diretor Kenny Ortega soube aproveitar o que Michael tinha de melhor e presentear aos admiradores da boa arte com uma homenagem merecida ao rei do pop. Sem choro, nem vela, muito menos escândalos pessoais. This is it é uma ode à boa música, um resumo do que foi a carreira do artista (com direito a nova versão de Thriller). Como não há confirmação de prorrogação da exibição aqui no Brasil, melhor correr para o cinema.

Hiroshima Mon Amour

2009-11-03T08:26:00.027-03:00

História, filosofia, técnicas cinematográficas e quebras de regras respaldadas nas questões humanas e capacidade de esquecimento de nossa traumatizada memória. Quando Alain Resnais apresentou ao mundo o seu primeiro longa-metragem solo, misturou um pouco de tudo isso em um legítimo representante do movimento conhecido como Nouvelle Vague. Falar deste longa é correr o risco de cair na repetição. Muita coisa já foi dita, muitas interpretações já existiram e continuam a surgir. O desafio é, então, observar o filme como se nunca se houvesse ouvido falar dele. Para compreender a profundidade de Hiroshima Mon Amour é preciso compreender o momento, fazendo um esforço de olhar a época vivida.

Aproveitando o clima do pós-guerra e os questionamentos humanitários sobre as bombas atômicas em Hiroshima e Nagasaki, Resnais fez um filme que questiona a própria essência humana e sua capacidade de lembrar e esquecer traumas e amores vividos. Uma aula filosófica com monólogos internos, momentos angustiantes de silêncio profundo e diálogos verdadeiros entre uma atriz francesa e um arquiteto japonês que misturam passado e presente em emoções dúbias.

Alain Resnais começou sua carreira dirigindo filmes independentes sobre estudos de artistas plásticos a exemplo de Van Gogh e Picasso. Ao entrar para o movimento da nouvelle vague, os documentários passam a ser de roteiros literários como Nuit et Brouillard, Toute la Memórie du Monde. Não é de se estranhar, então, que o seu primeiro longa de ficção tenha um pouco de documentário, uma estética plástica forte, além de muita poesia.

O filme começa com uma linguagem próxima a um documentário, intercalando o casal na cama trocando carícias com imagens de Hiroshima. A narração de Emanuele Riva expõe elucubrações sobre a cidade destruída dizendo “eu vi tudo em Hiroshima”, enquanto que Eiji Okada rebate dizendo que ela “não viu nada em Hiroshima”. As imagens dos braços entrelaçados e do dorso masculino nu acariciado pelas mãos femininas dão um contraste com as imagens de horror da guerra, criando uma expectativa inicial impressionante.

O roteiro de Marguerite Duras é preciso em criar a cadência, quase musical desse primeiro momento, em que a afirmação e a negação se intercalam com as imagens impactantes de corpos queimados, sobreviventes e construções precárias. São quinze minutos de projeção inicial que prendem o espectador, principalmente por ser totalmente diferente de tudo que já havia sido visto.

A partir de então, somos apresentados ao casal protagonista e ao seu drama de viver algo impossível, burlando a memória e querendo esquecer o passado. Ela, uma atriz francesa, casada, que está em Hiroshima para participar de um filme sobre a paz. Ele, um arquiteto japonês, também casado, com a mulher viajando, que se encanta pela possibilidade de viver momentos com aquela mulher diferente. Dois dias ela ficará na cidade e eles têm apenas esses momentos para viver intensamente o presente e esquecer o passado, porém ambos querem mais daquilo. Os diálogos se intercalam com o silêncio, forte elemento do filme, em uma linguagem contemplativa e intimista.

Com a insistência dele em querer compartilhar algo íntimo, ela acaba recordando o drama do seu primeiro amor, quando vivia em Nevers e se apaixonou por um oficial alemão. Nesse momento, o filme começa a intercalar imagens em flashback com momentos presentes, uma inovação para a época. Somos então apresentados a esse jogo temporal, resgatando o amor proibido, comparando-o ao horror da guerra e ao dilema vivido pelo casal atual. É um momento de catarse, em que as emoções estão à flor da pele e Emanuele Riva demonstra toda a sua capacidade emotiva, em olhares e gestos desesperados que evocam a escalada da loucura pelo sofrimento vivido.

É um momento único, mágico, entre duas pessoas que, como a maioria dos seres humanos, não tem a capacidade de controlar as próprias emoções, nem escolher o que suas mentes conseguem lembrar ou esquecer. Eiji Okada também surpreende em sua interpretação, principalmente se levarmos em conta que ele não sabia uma única palavra em francês e teve que decorar foneticamente cada palavra. Sua emoção é transmitida em olhares contidos.

O drama se passa em um nível emocional, está apenas na cabeça deles. A simbologia é tanta que eles não se chamam por nomes ou pronomes. Em um pacto silencioso, ele é para ela, Hiroshima. Ela é para ele, Nevers. As cidades que guardam seus maiores segredos, suas maiores dores, aquilo que eles querem esquecer, mas não conseguem.

A grande genialidade de Resnais nesse filme é montar a cadência de imagens intercalando silêncio e som, claro e escuro, beleza e destruição. Os opostos se completam em um jogo psicológico de reflexão sobre a verdadeira condição humana e os limites de sua mente. Uma inovação não apenas para época, mas que consegue ser atual mesmo nos dias de hoje, quando a linguagem cinematográfica parece ter esgotado sua capacidade de inovação.

Por tudo isso, Hiroshima Mon Amour é um clássico do cinema mundial, em que a capacidade criativa de Alain Resnais compôs um retrato preciso da fragilidade humana, dos traumas e horrores da guerra e da força controladora do amor. É uma obra que merece ser sempre revisitada.

Fica comigo esta noite

2009-11-02T09:40:00.004-03:00

No dia de Finados, trago um filme controverso de João Falcão, o mesmo diretor de A Máquina, mais uma vez adaptando uma peça de teatro para o cinema. A comédia é divertida, dinâmica e completamente nonsense, bem no estilo debochado do diretor.

A história gira em torno do casal Edu e Laura, que estão passando por uma crise conjugal. Sempre que a discussão começa a ficar séria, Edu se finge de morto, o que começa a irritar a moça. No dia em que Laura não acredita, é exatamente quando ele morre repentinamente. Sua luta, então, é para se comunicar com a amada, se despedir e descobrir o que ela queria falar com ele. Para isso, conta com a ajuda de um defunto muito estranho. O homem do sotão, o fantasma do coração de pedra, que ele sempre temeu em sua infância, interpretado muito bem por Gustavo Falcão.

A comédia mistura música, diálogos escrachados e romance, levando o público a sensações diversas. Uma das melhores cenas do longa é o velório de Edu, que tem a participação de Zéu Brito como um agente funerário esquisito e faz uma referência direta ao filme Os fantasmas se divertem. A mistura de exoterismo e realidade alterada também contribuem para que o espectador compre o argumento do filme, sem questionar muito alguns detalhes.

Na verdade, o filme começa com Edu se apresentando ao público, já como morto, em narração over e aos poucos vai contando sua história. "O que você faria se soubesse que hoje é o seu último dia de vida?" Além da estética surreal e clipes musicais, o filme trabalha com a dicotomia entre o homem pop que parece não ter crescido e a mulher erudita, uma espécie de Eduardo e Mônica estilizado. O primeiro encontro dos dois é em uma biblioteca, ele vendo quadrinhos, fã de Frank Miller e Neil Gaiman e ela fã de Fernando Pessoa.

A estética desses dois mundos é construída na fluição da história de uma maneira interessante, mas logo se perde, quando cai nas regras da comédia romântica. Os atores Vladimir Brichta e Aline Moraes parecem não achar o tom dos personagens. Ficam em cima do muro entre o universo estranho que o diretor imprime à história e o romance clássico, tornando algumas cenas maçantes.

Para completar, o final parece jogado na tela sem muito cuidado, tornando a resolução vazia e mesmo previsível. Principalmente pela revelação da identidade do anjo da guarda e do fantasma do sotão. No geral, no entanto, é uma boa diversão para o feriado.

Dicas da semana

2009-11-01T18:17:00.002-03:00

Cinema

This is it
Ainda dá tempo de ver o filme que traz os últimos ensaios de Michael Jackson para a turnê que faria em Londres. Para os fãs, um momento único, para os admiradores da boa arte, uma oportunidade de ver um pouco mais do perfeccionismo e talento do artista. O filme arrecadou US$ 20 milhões em sua estreia.

Sinopse: O filme mostra aos fãs de Jackson um raro olhar sobre o artista criando e ensaiando para os shows que seriam realizados na O2 Arena, em Londres. O filme foi montado a partir de mais de cem horas de cenas de bastidores, com Jackson ensaiando várias músicas para o show.

Televisão

O Quatrilho
Terça-feira (03/11), 18:10 - TV Brasil
Na expectativa de Lula, o filho do Brasil, vale a pena rever o último bom filme do diretor Fábio Barreto, que por coincidência é estrelado também por Glória Pires e foi nosso primeiro representante no Oscar.

Sinopse: Filme baseado no livro homônimo de José Clemente Pozenato. A história de dois casais numa colônia de italianos no sul do Brasil, no começo do século 20. Um conturbado relacionamento se estabelece quando os quatro passam a morar juntos e uma inesperada e proibida paixão acontece entre a esposa de um e o marido da outra. Indicado ao Oscar de Melhor Filme Estrangeiro em 1996.

Juno
Quinta-feira (05/11), 16:40 - Telecine Light
Um drama adolescente pode se tornar uma comédia divertida, basta mudar o seu ponto de vista e ter uma personagem tão interessante e sarcástica como Juno. Oscar de melhor roteiro original e com uma das melhores aberturas da história do cinema, um belo filme de Jason Reitman.

Sinopse: Juno MacGuff (Ellen Page) é uma adolescente que engravida de maneira inesperada de seu colega de classe Bleeker (Michael Cera). Com a ajuda de sua melhor amiga, Leah (Olivia Thirlby), e o apoio de seus pais, Juno conhece um casal, Vanessa (Jennifer Garner) e Mark (Jason Bateman), que está disposto a adotar seu filho, que ainda nem nasceu.

DVD

Amar e Morrer
Clássico de guerra de 1958, dirigido por Douglas Sirk, que finalmente é lançado em DVD.

Sinopse: Em 1944, uma companhia do Exército Alemão combatendo no front russo está completamente aterrorizada pelos confrontos da II Guerra Mundial. Nesse cenário, o soldado Ernst Graeber é finalmente chamado de volta para a Alemanha e ao chegar encontra seu lar em destroços devido aos bombardeios. Enquanto procura seus pais desaparecidos, conhece a jovem Elizabeth Kruse, filha de um preso político. O casal irá lutar por suas vidas e por esse belo amor.

O Segredo de Kells

2009-10-29T15:29:00.063-03:00

"Em um mosteiro, o mais fantástico dos livros, o livro dos Kells, precisa ser concluído e mostrado ao mundo. Esta misteriosa tarefa é dada a um menino de 12 anos, Brendan. Para completar o lendário livro, ele conta com os ensinamentos do mestre Aidan e com a ajuda de Aisling, uma menina-lobo. Contudo, para isso ele precisa desobedecer seu tio, perder-se na floresta encantada e enfrentar uma serpente diabólica que protege o incrível olho de cristal."

A principal sensação que tive ao terminar de assistir ao Segredo de Kells foi a de anseio por mais conhecimento, por saber qual o significado daqueles símbolos celtas no famoso livro e por alguma explicação mais exata de tudo que acabei de ver nessa produção franco-belga-irlandesa. Mas o filme é voltado para o público infantil e o sensorial é mesmo a principal ferramenta. Não digo com isso que seja uma aventura ruim para um adulto. Pelo contrário, qualquer um fica encantado com a animação que mistura simbologia, religiosidade e fábulas infantis para contar uma história tão real.

O traço é simples, sem ser simplista, a animação em 2D não tem preocupação com perspectivas, mas investe nas cores e nos efeitos sensoriais, produzindo efeitos visuais e sonoros que atingem diretamente o nosso inconsciente tornando a experiência única. Dirigida por Tomm Moore é ousada quando traz a mitologia celta e seu sincretismo com a religião católica na tentativa de proteger os mistérios milenares das invasões bárbaras que assolaram a Europa no início da Idade Média.

A menina Aisling é o símbolo dessa civilização perdida, com o poder do feminino e a integração com a natureza, sua colaboração na introdução de Brendan nos grandes mistérios é bastante sutil, mas muito interessante. Assim como toda a questão de censura por parte do Abade dentro do mosteiro, simbolizando o medo dessa nova civilização que se forma.

O livro de Kells é real, não uma simples ficção simbólica. E foi produzida por monges, sendo a principal peça do cristianismo irlandês. Encontra-se exposto permanentemente na biblioteca do Trinity College de Dublin, República da Irlanda.

Além de todo simbologismo sensorial, o filme incentiva o gosto pela leitura e ilustração nas crianças, sendo algo totalmente diferente das animações Disney a que estamos acostumados. Não sei se entrará em circuito oficial, por enquanto, ele faz parte do Festival de Animação Infantil que está ocorrendo em alguns pontos do país. Para mim, foi uma grata surpresa.

Linha de Passe

2009-10-29T00:24:00.002-03:00

A violência está presente no cinema brasileiro, desde o início até os dias de hoje. Se podemos dizer que somos feitos de algum tema para definir o cinema nacional, temos que citar: miséria, violência e problemas sociais. Seja na Seca do Sertão Nordestino ou no sol quente das favelas do Rio de Janeiro. Temos um país imenso, repleto de diversidades culturais, talentos e compreensões, mas é na miséria que reina a nossa vanguarda cinematográfica. Filmes marcantes como Rainha Diabo, Madame Satã, Assalto ao Trem Pagador, Vidas Secas, Deus e o Diabo na Terra do Sol, além dos mais recentes como Cidade de Deus são fáceis de lembrar e serem comentados seja para elogiar ou criticar.

Neste panorama, no entanto, poucas vezes vemos na tela o retrato dos verdadeiros excluídos. Pessoas de classe baixa, com poucas oportunidades que lutam de forma honesta para sobreviver a cada dia. Assim é Linha de Passe, filme de Walter Sales que ganhou destaque e deu a Palma de Ouro de melhor atriz para Sandra Coverloni.

Sandra interpreta Cleuza, empregada doméstica, batalhadora, corinthiana doente, que cria seus filhos não admitindo brigas nem desonestidade em casa. São três rapazes mais velhos: Denis, Dario e Dinho. O caçula Reginaldo, filho com outro homem, que sente-se diferente dos irmãos por ser negro assim como o pai. E um quinto que está na barriga e serve para mostrar o incômodo dos filhos em relação a este fato. Cleuza bebe no bar, xinga nos jogos e não mede palavras ao brigar com os filhos que saem da linha. Uma cena forte é quando ela serve o jantar para o filho Dinho com uma raiva imensa por aquela situação sem esperanças.

Cada filho busca o sonho de realização a sua maneira. Denis, motoboy, procura o trabalho informal, sempre com dificuldades financeiras, tendo uma ex-mulher e um filho para dar pensão. Cai na tentação do dinheiro fácil, mas demonstra a dificuldade de ser um invisível para sociedade dominante. Dinho trabalha em um posto de gasolina e encontra refúgio na religião. Frequentador de uma igreja evangélica questiona a própria fé ao ver problemas que parecem intransponíveis. Dario é um jogador de futebol com talento, mas que já passou da idade de participar de peneiras para clubes. Lida com a frustração de ser considerado velho aos dezoito anos, porém ainda não desiste, chegando a burlar a lei, falsificando carteira de identidade e ouvindo do técnico que "você joga bem, mas, como você, tem vários por aí com quinze anos".

Reginaldo é um caso a parte. Garoto ainda, sente-se a par da família, por ser negro e sonha em encontrar com o pai. Passa o dia andando nos coletivos, observando aquele que imagina ser seu pai e imitando os gestos do motorista. Bastante esperto, é capaz de dirigir apenas pela observação dos gestos do motorista.

Sandra Coverloni está muito bem no papel da matriarca, sabendo dosar os momentos de descontração quando está no estádio de futebol torcendo pelo Corinthians e no bar da esquina, com os dramas e preocupações diárias com os filhos. No momento em que é preciso uma carga emotiva maior, a atriz não deixa o ritmo cair, expressando toda a dor e ética de uma mulher que só quer viver e criar os seus filhos dignamente.

Outro destaque do filme é o ator Vinícius de Oliveira. Revelado ainda criança pelo próprio diretor em Central do Brasil, o garoto defende bem o drama de seu personagem Dario que sonha em ser um jogador de futebol de talento. Para a preparação do filme, o ator chegou a estudar na escolinha de futebol de Zico, o que deu mais realidade às suas cenas com a bola.

Com a mesma parceria que fez com Daniela Thomas em Terra Estrangeira, Walter Salles trabalha com uma linguagem realista, crua que salta aos olhos do espectador e mostra a angústia de uma sociedade esquecida. É o seu retorno ao cinema brasileiro após a experiência com Diários de Motocicleta e do hollywoodiano Água Negra. A fotografia é lavada, com tons claros e enquadramentos precisos. Walter Salles buscou inspiração em dois filmes documentários de seu irmão João Salles para construir os personagens deste filme: Futebol e Santa Cruz. A montagem paralela mostra a vida dos cinco integrantes da família em tempo real, comparando suas ações e realidade, dando um ritmo confuso no início, mas que vai se organizando até o final aberto. Não há conclusão, a vida continua a partir dali e cabe aos espectadores imaginar, assim como é a realidade que só tem fim com a morte.

Contraditoriamente ao dito até então, no entanto, o filme é tão tenso e real que se torna cansativo. A estética humanista impressa em seus demais filmes é um pouco esquecida aqui, na tentativa, talvez, de burlar a crítica que a considera um falseamento da realidade. Salles sempre teve na poesia das imagens sua marca registrada. Em sua busca por uma identidade nacional menos dura, sempre produziu dramas humanos sensíveis e bastante reais. Em Linha de Passe, essa linha parece extrapolada com uma necessidade exacerbada de sensibilizar o espectador. É impressionante que todos os cinco membros da família estejam passando por dificuldades e momentos decisivos ao mesmo tempo. O argumento acaba soando falso, forçando um drama excessivo àquela família.

Além disso, a linguagem se arrasta em pontos diversos, prolongando o sofrimento da família e aumentando o drama na tela. Talvez bastasse metade do tempo para passar a mensagem sem precisar expor tão minuciosamente alguns detalhes. Por isso, Linha de Passe cai um pouco o ritmo e o interesse da metade para o fim, perdendo a força do filme e fazendo deste apenas uma obra mediana, bem diferente de Abril Despedaçado, Central do Brasil ou mesmo Terra Estrangeira, outras obras marcantes do diretor.

Continua chovendo Hambúrguer

2009-10-27T22:38:00.006-03:00

Após 4 semanas, ignorando grandes estreias como Bastardos Inglórios, Distrito 9 ou a animação da Disney/Pixar Up - Altas Aventuras, Tá Chovendo Hambúrguer continua liderando as bilheterias brasileiras. Uma animação divertida, bem produzida e que levanta temas importantes como obesidade, gula, valor da comida e questões ambientais.

O fato chama a atenção já que o filme da Sony Pictures não estava entre os mais esperados do ano. Ao ver o trailer pela primeira vez, pensei que seria uma história boba, vazia, daquelas que tem aos montes por aí. O que chama a atenção em Tá Chovendo Hambúrguer é exatamente o fato de usar um tema de um sonho infantil para tocar em assuntos importantes. Quem nunca sonhou em ver guloseimas caindo do céu? Contando a história do protagonista Flint desde garoto com seu sonho inventivo, a história segue um crescente de ações até culminar na adrenalina do mundo quase destruído por, pasmem, comida. A metáfora é muito interessante e daria para fazer análises profundas. Mas acredito que o sucesso da bilheteria do longa é mesmo a capacidade de entreter adultos e crianças, com um humor clichê, facilmente reconhecível, utilizando-se de desejos inconscientes em todo ser humano.Muita gente que está indo ao cinema, nem mesmo percebe todas as mensagens por trás do filme, mas, com certeza, todos se divertem e por isso indicam. Com o boca-a-boca, a bilheteria só tende a crescer.

Curiosidade: No portal do MSN, fala que para lançamento nos Estados Unidos, foi feita uma ação de marketing interessante. Chefs de cozinha foram contratados para criar a maior almôndega já feita. Com 50kg, a ação foi parar no livro dos recordes. Seria interessante ver algo parecido por aqui.

Para quem ainda não viu, fica a dica.

'Tá Chovendo Hamburguer'
Sinopse (fonte: msn): Durante toda a sua vida, Flint Lockwood sempre sonhou em se tornar um grande cientista, reconhecido pela sua contribuição à humanidade. Para isso, desde pequeno fez de tudo para inventar máquinas que pudessem facilitar a vida de todos. Porém, seus inventos nunca foram compreendidos como deveriam, e nem a população da pequena Chewandswallow, onde vive, confia nas maluquices que saem da cabeça deste criativo rapaz. Um dia, no entanto, Flint tem uma grande ideia que pode causar uma grande revolução, acabando com a fome no mundo. Ele descobre uma maneira de transformar água em comida, e logo percebe que Tá Chovendo Hamburguer. O invento tem tudo para ser um sucesso, não fosse a ambição de um rico empresário, que tenta se dar bem às custas de Flint. Quando o cientista percebe, sua máquina causou um grande caos no mundo todo.

Besouro

2009-10-26T08:36:00.199-03:00

A expectativa nunca é uma boa amiga. Esperei tanto por esse filme que ao assisti-lo me senti da mesma forma que Walter da Silveira ao ver Bahia de Todos os Santos, frustrada. Tal qual o antigo crítico baiano eu esperei ver uma revolução cinematográfica e me decepcionei, não era o filme que esperava. Mas também não é uma desilusão total. As belas cenas de ação estão ali, a capoeira é reverenciada e o jogo de cenas final é muito bom, fechando bem a história. Se toda a projeção fosse igual aos seus vinte minutos finais, seria um grande filme.

Besouro tem problemas de direção, tem problemas de elenco, mas principalmente, tem problemas de roteiro. Se era para fazer um filme comercial, Patrícia Andrade poderia recorrer à trajetória do herói traçada por Joseph Campbell e traduzida passo a passo por Christopher Vogler. Seria um belo filme. Suas escolhas, no entanto, são confusas e o nascimento do herói dá-se em um passe de mágica que fica pouco crível, por mais que os Orixás sejam forças poderosas. Tirando essa premissa básica, o filme começa com um didatismo insuportável. Primeiro temos uma cartela com um texto explicando a época e a situação do negro, como se não bastasse ouvirmos a voz over de Milton Gonçalves narrando-o. A maioria das pessoas não conhece a história do Brasil? É verdade, mas será que era tão necessária assim aquela informação? No início do cinema, os filmes possuíam um prólogo, tudo era muito recente e as pessoas poderiam se perder. Mas, hoje, mais de cem anos depois, o espectador está refinado, certas explicações são mais do que dispensáveis. Gostamos de ir descobrindo o filme aos poucos, principalmente com imagens. Cinema é imagem, não é texto. E o pior é ver a mesma cartela voltar para fechar o filme com uma explicação pífia. Do jeito que o texto (e a voz inconfundível de Milton Gonçalves, não esqueçam) fala, fica parecendo que a luta de Besouro era apenas para regularizar a situação da capoeira. E a situação do negro, como é que fica?

Apesar de toda explicação inicial, o roteiro ainda insiste na linguagem didática. O filme começa com diálogos forçados que não tem como soar naturais em uma construção paralela óbvia que não gera o impacto necessário para o espectador se identificar com o protagonista. As situações vão sendo jogadas na tela e não convencem. A aparição dos Orixás também não foge ao didatismo com uma apresentação de cada ser e suas características que no geral estão bem desenvolvidas, com exceção de Oxum que ganha um sentimento de maternidade que não condiz com sua personalidade. Pensei que veria um treinamento mais gradativo e, do jeito que o roteiro constrói, Exu fica deslocado. Mas como é ele quem abre os caminhos, sua aparição abre uma brecha para o filme começar a engrenar. Após a cena na feira, a história melhora sensivelmente, com a ação tomando conta da tela. Para não dizer que só falei mal do roteiro, a virada final é muito boa, uma construção inteligente, visual e satisfatória. Ela não podia fazer isso desde o início?

Mas, se o roteito é fraco, a direção também não ajuda. O início do filme é claustrofóbico, com excesso de enquadramentos fechados. Aquele velho vício televisivo. O espectador urge por uma imagem aberta, por um movimento de câmera que o situe na locação, por um olhar que contemple a história e ajude a contruir o pacote de efeitos. Raros são os momentos como a câmera subjetiva do besouro pela feira. O recôncavo baiano e a Chapada Diamantina tem paisagens tão belas, ele poderia tê-las explorado melhor. Mesmo as cenas de luta, são pouco aproveitadas pelas câmeras. O chinês Hiuen Chiu Ku fez a sua parte, mas João Daniel não soube aproveitar a plástica e estética que tinha nas mãos para construir cenas memoráveis. Ainda assim, tem bons momentos como quando quebram a perna de Chico, a luta na árvore de Besouro e Quero-Quero, a já falada cena final e, principalmente, o belo balé-capoeira entre Besouro e Dinorá, disparado a melhor cena do filme.

O elenco, quase todo novato, foi um desafio a parte. Claro que Fátima Toledo tem uma técnica boa e consegue construir exercícios incríveis. Mas, com diálogos forçados e enquadramento fechado fica complicado para os estreantes. Anderson Santos de Jesus (o Quero-quero) é o mais caricatural, tendo cenas complicadas, com entonação errada e dificuldades em expressar emoção. Em contrapartida temos Irandhir Santos, ator já experiente e grande nome do filme com seu feitor Noca de Antonia. Flavio Rocha também está bem como o coronel Venâncio e Macalé cumpre o seu papel como o mestre Alípio. Sergio Laurentino tem um papel fundamental como Exu e consegue manter-se neutro como a entidade deve ser. Ailton Carmo encara a grande responsabilidade de protagonista com momentos difíceis que não comprometem a história e outros bem interessantes. O mesmo pode-se dizer de Jéssica Barbosa e sua Dinorá.

Besouro é o filme mais caro já produzido da história do cinema brasileiro. Fala de um assunto necessário, da nossa cultura, de um herói de verdade, com uma linguagem de ação em uma tentativa de inovação no filme de gênero no país. Por isso a expectativa era grande. Vindo da publicidade (mesma escola de Fernando Meirelles) e tendo estudado tantos anos na França, esperava um apuro cinematográfico maior de João Daniel Tikhomiroff. Sua iniciativa, no entanto, é louvável. Por isso, bati palmas no final.

Dicas das Semana

2009-10-25T22:06:00.006-03:00

Cinema

Festival de Cinema Infantil
Ocorre até o dia 01 de novembro no Cinemark Salvador Shopping, com ingressos a R$ 4,00. Uma boa oportunidade para ver clássicos como Castelo Rá Tim Bum e O Garoto de Chaplin, ou para pré-estreias como O Segredo de Kells, um filme parceria entre Irlanda, França e Bélgica que conta uma bela história de um lendário e precioso livro.

Alô, Alô, Terezinha
Leia crítica
O documentário de Nelson Hoineff sobre Chacrinha estreia em todo o Brasil na sexta-feira dia 30/10, mas no dia 27 é possível assistí-lo no Circuito Sala de Arte (Cine Vivo), às 21h.

Sinopse: Documentário sobre o maior fenômeno da televisão brasileira, o apresentador Abelardo Barbosa, mais famoso como Chacrinha. O público assistirá ao apresentador de auditório jogando bacalhau para a platéia, soltando seus bordões, buzinando calouros ou até dando o famoso troféu abacaxi, e ainda apresentando os maiores ídolos da época.

Televisão

O mistério da Libélula
Sexta-feira - Cinemax - 22:15
Esse suspense estrelado por Kevin Costner é uma surpresa interessante, apenas com alguns excessos em cenas de susto.

Sinopse: Depois da morte de sua mulher, Emily (Susanna Thompson), o médico Joe Darrow (Costner) fica completamente desnorteado. Em meio ao inferno no qual sua vida se tornou, Joe começa a desconfiar que sua esposa está tentando se comunicar com ele por meio das experiências de seus pacientes à beira da morte e de misteriosas libélulas (de diversas formas) que o perseguem e o assombram. Com ajuda de uma vizinha (Kathy Bates), o médico começa a tentar desvendar as mensagens supostamente enviadas por Emily.

Mamma Mia
Quinta-feira - TeleCine Premium - 19:55
Para quem gosta de musical e da banda ABBA é imperdível. Divertido e com Meryl Streep, como sempre, muito bem.

Sinopse: Donna (Meryl Streep) é dona de um pequeno hotel e mãe solteira da espirituosa Sophie (Amanda Seyfried), que vai casar. Donna precisa superar o fato de que irá ficar sozinha e convida duas amigas especiais para o casamento da filha, do tempo que era vocalista de uma banda chamada Donna and the Dynamos. Procurando conhecer a verdadeira identidade de seu pai, Sophie convida secretamente três homens especiais.

DVD

A Mulher Invisível
Leia crítica
Quem não conseguiu ver no cinema, já pode conferir a comédia de Cláudio Torres.

Sinopse: Pedro (Selton Mello) acreditava no casamento, mas foi abandonado pela esposa. Após três meses de depressão e isolamento, ele ouve batidas na sua porta. É a mulher mais linda do mundo pedindo uma xícara de açúcar: Amanda (Luana Piovani), sua vizinha. Pedro se apaixona por aquela mulher perfeita, carinhosa, sensível, inteligente, uma amante ardente que gosta de futebol e não é ciumenta. Seu único defeito era não existir.

Alô, Alô, Terezinha!

2009-10-24T09:55:00.065-03:00

Abelardo Barbosa foi um ícone na televisão brasileira. Com seu jeito palhaço, sua linguagem escrachada, marcou a vida de muitas pessoas, inclusive a minha, uma criança que cresceu assistindo o Cassino do Chacrinha aos sábados. Nada é parecido com aquilo, tão autêntico como a cultura brasileira. Os programas de auditório de hoje são cópias de programas americanos, por vezes, com o mesmo nome. Não há mais a espontaneidade, a cultura popular, o espaço para o povo e novos artistas. Como foi dito no filme, apareceu no Chacrinha, era certeza de música tocando nas rádios.

Por isso, senti uma tristeza ao ver uma sala de pré-estreia (normalmente disputada com filas enormes) tão esvaziada. As pessoas demonstraram um certo preconceito com o popular, como se fosse algo menor, brega. Temo pela bilheteria do longa, se a visão continuar essa, até porque o público de Chacrinha, ou seja a grande massa, não frequenta cinema. Segundo pesquisa recente apenas 9% da população vai aos cinemas. Loucura, não é?

Voltando ao longa, o diretor Nelson Hoineff fez uma escolha muito feliz. Como ele declarou antes da exibição do filme não é um documentário biográfico, é um resgate do clima do programa de auditório e do mundo criado por Chacrinha. Em um estilo clássico, há depoimentos atuais intercalados com cenas dos antigos programas. Levando em consideração que ele utiliza tanto os dois da extinta TV Tupi (A buzina e a discoteca do Chacrinha) e o da Rede Globo (Cassino do Chacrinha), foram muitas horas de decupagem. Com a ajuda de Newton Cannito, o roteiro é inteligente e a montagem constrói discussões interessantes como a real situação das Chacretes, as figuras emblemáticas e os calouros sem noção. É possível rir com um desafinado que diz ter alma de artista e afimar ser melhor que Roberto Carlos, a quem considera uma enganação.

Todas as chacretes são homenageadas, vemos a situação atual de cada uma delas, em sua maioria, longe da fama, como cozinheira, dona de mercadinho, entre outras. E o contraste com Rita Cadillac, a única que conseguiu se manter na mídia. O filme vai sendo construído a partir da lembrança das pessoas. Vários artistas se revezam na tela, com maior ou menor destaque. E um depoimento emocionante de Russo, o eterno ajudante de palco.

Apesar de ser um documentário, percebe-se uma preocupação com a direção de arte. O cenário é escolhido de acordo com a personalidade que fala, como Wanderley Cardoso ao lado de uma placa "o bom rapaz", Beth Carvalho em um sofá todo verde e rosa, ou Elimar Santos com um lindo piano. Sendo assim, surgiu a idéia do parapente na sequência de Biafra cantando "Sonho de Ícaro", que virou hit na internet por causa do acidente que está na íntegra no filme.

É um filme que diverte, resgata uma cultura que começa a ser esquecida e dá voz a pessoas que perderam o seu espaço na mídia. Por isso, é tão belo e fundamental. Que o nosso país não seja de um povo sem memória, viva a Alô, Alô, Terezinha!

9, a salvação

2009-10-23T09:40:00.003-03:00

O trailer de 9 não me empolgou, sua premissa de um futuro caótico, onde máquinas dominam e a humanidade está perdida me pareceu batida e cansativa. Duas coisas me atrairam ao cinema: a produção ser de Tim Burton e a curiosidade de entender melhor o que significavam aqueles bonequinhos. Originalmente um curta-metragem que concorreu ao Oscar de 2006, o novato Shane Acker me surpreendeu. O filme constrói uma relação interessante e nos identificamos com aquela criaturinha esperta e decidida chamada 9, que na versão original é dublado por Elijah Wood.

9, último bonequinho de pano feito por um cientista, acorda em um mundo destruído e vai vagando sem rumo. O início do filme é mudo e solitário, lembrando Wall-E em alguns aspectos. A diferença é que o mundo sombrio de Tim Burton está ali, uma melancolia domina todo o filme, não foi à toa que o diretor se interessou pelo projeto. Logo 9 encontra 2, outro bonequinho, visivelmente um cientista, que é capturado por um monstro-máquina. Na tentativa de encontrar o novo amigo, 9 conhece os demais bonequinhos do cientista e analisando-os juntos, percebemos que cada um parece simbolizar uma emoção humana. 1 é o líder, ancião que teme mudança e prefere se esconder. 3 e 4 são gêmeos curiosos, que catalogam cada coisa que encontram (lembram muito Wall-E), 5 é o aprendiz e amigo fiel, 6 é a intuição, visionário que sabe a chave do mistério, 7 é a garota corajosa e 8 é o forte, mas com pouco raciocínio. A questão de serem nove bonequinhos parece mesmo ter algo de cabalístico.

O problema é que acabou aí. Pamela Pettler vai recheando seu roteiro de cenas e mais cenas de ação, porque a narrativa não tem muito a dizer, não desenvolve. No final do filme vem uma explicação mística/filosófica para tudo aquilo, que faz sentido, mas cai no vazio. Não tinha necessidade de manter como uma surpresa, uma revelação final. Se desde o início trabalhasse a idéia, não ficaria no superficial e poderia ser um grande filme, marco da história cinematográfica. Porque tecnologia e efeitos especiais eles tem. Cada boneco, cada cenário, cada cena de ação é de uma perfeição ímpar. A construção dos nove personagens também é muito feliz. São completos, verossímeis e coerentes. Faltou uma história mais bem amarrada para eles passearem.

Perto do fim, "Somewhere over the rainbow" trilha uma sequência absolutamente desnecessária, que corta todo o clima e soa falso naquele mundo caótico e não finalizado. Mas, o final do filme é bem construído, com uma pincelada de espiritualismo que soa surreal, mas que tem uma explicação plausível.

Besouro - pré-estreia em Salvador

2009-10-22T15:45:00.009-03:00

Ontem foi a pré-estreia de Besouro, o aguardado filme de João Daniel Tikhomiroff no Multiplex Iguatemi Salvador. Lotado, foram reservadas três salas para exibição que contou com a presença do diretor e elenco, com direito a roda de capoeira enquanto aguardávamos o início. A minha crítica sobre o filme deixarei para postar na segunda-feira para digerir melhor uma certa frustração. Por enquanto, vai apenas um pouco do evento e da festa que foi termos a Bahia e a capoeira representadas na tela do cinema. Tomara que Besouro chame a atenção para essa luta secular, de uma beleza ímpar e com uma cultura tão vasta.

Eu até consegui falar com João Daniel, mas a confusão e a correria não me permitiram uma declaração exclusiva. Transcrevo, então, aqui a fala do diretor antes da exibição, já dentro do cinema:

J.D.T - "Estou muito feliz de estar lançando esse filme em Salvador, que é a própria mistura de raças e eu como sou uma pessoa que me apaixonei por um personagem baiano, a história do Besouro e todas as suas lendas, eu vim para Bahia para conhecer melhor isso, passei quatro anos pesquisando isso, baseado na inspiração de um livro que eu li “Feijoada no Paraíso” do Marco Carvalho. Então eu comecei a ficar apaixonado por essa terra, cada vez mais e resolvi fazer um filme que alguns estão dizendo que é uma homenagem à Bahia, homenagem a capoeira e uma reverência ao candomblé. Eu fiz com muita paixão esse filme, usei recursos nunca utilizados no cinema brasileiro, uma grande produção que acho que dignifica muito o nosso cinema. E acho que dignifica a nossa (se me permitem chamar assim) Bahia. Espero que vocês se apaixonem pelo filme, que viajem pelas asas do Besouro. É um filme que homenageia a capoeira de modo generalizado, não é um documentário, é um filme de ficção, então, eu utilizo imagens de capoeira com ângulos e movimentos nunca demonstrados antes para transformar em uma arte linda, visual e cinematográfica. Eu acho que isso vai encantar o Brasil e espero que o mundo. Estamos recebendo vários convites de festivais que querem o filme, outros distribuidores. Então, quem sabe, tenhamos criado um herói brasileiro nascido na Bahia."

Como muita gente está perguntando, adianto aqui a síntese do que achei e coloquei no twitter: os primeiros minutos de Besouro são assustadores, mas resistindo a eles o filme engrena, tem boas cenas de ação e o final é muito bom.

Ailton Carmo, o ator que faz Besouro, também participou da roda de capoeira montada no meio da praça do Multiplex.

Um pouco mais da roda de capoeira para vocês sentirem o clima que precedeu o filme.

Deixe ela entrar

2009-10-21T09:06:00.057-03:00

Se você é daqueles que ao falar de cinema sueco pensa logo em Ingmar Bergman, comece a aumentar seu repertório. Tomas Alfredson lançou um filme que tem encantado a todos os cinéfilos que o vêem, pela poesia e metáfora da passagem da infância. Não tenho receio em dizer que Deixe ela entrar é um dos melhores filmes do ano.

Que ninguém vá ao cinema esperando um filme de vampiro. A premissa aqui serve apenas para um mote metafórico das dificuldades de uma época em que temos que aprender a crescer e lutar pela nossa sobrevivência. Até por isso, acho que a única coisa desnecessária do filme são as consequências de um ataque da vampirinha, principalmente na cena dos gatos e na cena do fogo no hospital. Apenas demonstração de efeitos especiais que não ajudam no avanço da narrativa.

A trama se centra mesmo no relacionamento de Eli com Oskar. Adaptação do livro de mesmo nome de John Ajvide Lindqvist, que também escreveu o roteiro, o filme conta a construção da amizade e amor inocente entre duas crianças solitárias. O fato de uma delas já ter doze anos há muito tempo não muda a questão de que são duas pessoas carentes. Oskar é um garoto ingênuo, mas que desde sua primeira cena demonstra uma sede de vingança contra seus algozes na escola. Talvez por ver isso, Eli se aproxime dele, ambos são sobreviventes de um sistema excludente.

A garota tem um guarda-costas misterioso, provavelmente um Oskar do passado que cresceu, que mata pessoas para levar o sangue que alimentará sua vampirinha. A cena em que ele pede para que Eli pare de encontrar Oskar e esta responde com um carinho em seu rosto é o maior indício de que eles tiveram alguma relação no passado. Por outro lado, a vampira não deixa transparecer suas emoções positivas, no início, ela grita muito com o velho homem. Fica assim a dúvida, será que ela gosta de Oskar ou está apenas conquistando-o para ser seu novo guarda-costas? Afinal, ela precisa de alguém que a proteja de dia.

Tomas Alfredson e o diretor de fotografia, Hoyte Van Hoytema, são muito felizes na escolha das cenas, quase sempre apenas sugeridas, sem explicitar os ataques, nem chocar a platéia com excesso de sangue. A fotografia sombria, ajuda na construção do clima de tensão e no suspense, principalmente da personagem principal, que primeiro aparece apenas através de silhuetas e voz. Um encanto de filme, que deixa uma sensação boa de ter visto algo sublime.

Encurralado

2009-10-20T08:15:00.063-03:00

1971, surge nos cinemas o filme de um novo diretor, seu nome: Steven Spielberg. Totalmente diferente do que vai se configurar sua carreira como cineasta, Encurralado é um típico filme de suspense com todos os elementos defendidos por Hitchcock, mestre do gênero. A trama criada por Richard Matheson conta a história de David Mann, um homem comum que sai para mais uma de suas viagens a trabalho, corriqueiras, quando encontra na estrada um caminhão-tanque. Ao ultrapassá-lo, o motorista do Plymouth Valiant vermelho parece irritar o caminhoneiro que passa a perseguí-lo pela estrada.

É um road movie aterrorizante, por assim dizer. A tensão é construída a cada cena. A começar pelo início do filme, que tem mais de cinco minutos de uma câmera subjetiva desde a saída da garagem até atingir a estrada. O caminhão começa sua perseguição em doses homeopáticas. Sem nunca ser revelado o rosto do motorista, ele começa a fazer pequenas ultrapassagens e depois não deixa o carro passar, andando em zig zag pela pista. O motorista do carro, em uma boa interpretação de Dennis Weaver, vai percebendo aos poucos que aquele homem não pode ser normal. O que parecia uma birra de estrada, passa a ser um surto obssessiva.

O momento mais brilhante do filme é quando David Mann para no Chuck´s Café, após uma fuga espetacular que o faz bater na cerca de uma fazenda. Ele entra no local e percebe que o caminhão está parado no lado de fora. Ou seja, o caminhoneiro está lá dentro, mas como saber quem é ele? Espectador e personagem ficam em uma tensão crescente observando cada pessoa ali presente. Para complicar a situação, vários figurantes estão com a mesma bota do tal caminhoneiro, que foi vista outra parada, em um posto de gasolina. E ainda há um jogo de cena, com olhares direcionados ao protagonista de maneira suspeita.

A única coisa não fica bem resolvida é o final. Spielberg caiu em um lugar comum da escalada da loucura e não conseguiu resolver bem o seu suspense.

Hotxuá - a poesia que encanta

2009-10-19T08:18:00.006-03:00

Preciso começar esse post explicando a experiência que foi o Cine Papo na última sexta-feira, no Festival Internacional de Cinema de Salvador. Uma desorganização que ainda não entendi direito como foi possível em um Festival desse porte, quase estraga a noite, deixando Letícia Sabatela sem graça e pedindo milhares de desculpas à platéia. Trata-se da exibição de seu primeiro longa-metragem como diretora: Hotxuá. O filme tem parte de sua película falada na língua original da tribo Krahô. Detalhe que parece ter sido esquecido pela produção. Resultado: filme sem legenda em português. A solução foi exibir a cópia com legenda em inglês, que foi preparada para o Festival de Nova York. Algo, realmente surreal, mas será que não dava para testar a cópia antes da exibição?

A sorte da Sala de Arte é que a atriz (e agora diretora) é uma simpatia de pessoa e muito educada. E o mais importante: o filme é muito bom, pura poesia retratando um tema de extrema importância. Então, assisti feliz, apesar de alguma dificuldade no vocabulário.

Hotxuá é o nome dado a uma espécide de sacerdote do riso, na tribo indígena localizada no Tocantins. O documentário, feito em dez dias, mostra a relação desse povo com o riso, com seus rituais sagrados e com a aproximação do homem branco. A princípio, Letícia não pretendia dirigir o filme. Conheceu a tribo em 1996 e vinha mantendo uma relação próxima com eles, até que partiu dos próprios índios o pedido. Como o diretor inicial acabou saindo do projeto, a atriz chamou Gringo Cardia para co-dirigir com ela esta espécie de observatório ritualístico. Como disse no Cine Papo, boa parte do mérito do resultado é do diretor de fotografia Silvestre Camp, que abraçou o tema, se infiltrando entre os índios e dando ao documentário um tom mais íntimo.

Esse é o clima que predomina, estamos quase imersos na tribo, ouvindo as histórias daqueles seres antigos e sábios sobre suas raízes. O sagrado é tratado com respeito pelos diretores que não procuram interferir muito no ritual local. Há cenas de grande impacto como a brincadeira dos Hotxuá que abrem o filme. Ou quando os mais velhos explicam aos mais novos a área onde não podem caçar, para manter o equilíbrio. Eles estão embaixo de uma árvore, quando começa a chover e o índio explica os dois mundos na visão dos Krahô: Kayamarê e Wayamarê.

A única falha do filme, é a falta de direcionamento. Mostrar a cultura Krahô e o riso sagrado é uma opção confusa, pois cita questões que mereciam aprofundamento, como a visão de mundo daquele povo e a ameaça do homem branco, com a exploração da soja, que pode destruir toda a multicultura da terra. Letícia falou muito bem no Cine Papo sobre isso, só que não está presente no filme. Por outro lado, tenta explorar a questão do riso em outras culturas, ao levar um palhaço de origem européia para tribo. O objetivo ali fica confuso, pois cria uma espécie de disputa sem sentido entre os dois palhaços, quando uma das funções do Hotxuá é exatamente diluir disputas através do riso. O índio fica perdido em meio as brincadeiras com mais malícia do palhaço branco.

É contudo, um belo filme, a fotografia possui um colorido forte, quente, sintetizando o espírito Hotxuá. A montagem também é feliz, intercalando momentos de observação pura com outros onde os índios falam diretamente para câmera. Uma viagem interessante, mesmo com legendas em inglês.

CinePipocaCult Na Sequência - com promoção

2009-10-18T20:54:00.003-03:00

Hoje fui entrevistada pelo programa Na Sequência, da Rádio Metrópole, apresentado pelo professor Ricardo Carvalho. O programa é direcionado a jovens e vai ao ar todos os domingos às 11h. Minha participação foi para falar do CinePipocaCult, ainda um reflexo do prêmio TOP BLOG e gostei muito do clima, do Rick e da troca com os demais participantes. Confesso, que no início estava um pouco nervosa (meu negócio é escrever, não falar, ainda mais ao vivo), mas depois fui me acostumando. Ouçam parte do programa.

E para não ficar apenas em propaganda, tem prêmio para o comentário mais criativo deste post, uma cortesia do programa. Infelizmente, só vai servir para quem mora em Salvador: um convite duplo para a pré-estreia de "Alô, Alô, Terezinha!" que ocorre no dia 20/10, no Multiplex Iguatemi (Salvador-Ba), às 21:30. Valem os comentários até as 12h da terça-feira. Resultado às 14h no meu twitter e no e-mail do vencedor. Ao comentar, não esqueça de deixar o seu contato.

Dicas da Semana

2009-10-18T15:57:00.003-03:00

Cinema

Distrito 9
Neil Blomkamp constrói uma história instigante com uma bela metáfora sobre o Apharteid na África do Sul, ao falar de alienígenas e preconceito. O filme é produzido por Peter Jackson.

Sinopse: Em um mundo fictício, extraterrestes tornam-se refugiados na África do Sul, onde ficam segregados dos humanos em uma área chamada Distrito 9. Após quase 30 anos, porém, as autoridades decidem mudá-los de local, o que gera conflitos.

Festival Internacional de Cinema

Herbert de Perto
21/10 - 20:30 - Cine Vivo
Cine Papo com Pedro Bronz após sessão.
Última semana do Festival Internacional de Cinema, uma boa pedida é o documentário sobre o líder dos Paralamas do Sucesso. Quem não puder conferir na quarta-feia, com a presença do diretor Pedro Bronz, pode assistí-lo na quinta-feira, no mesmo cinema (às 18:45).

Sinopse: Herbert de Perto é um mergulho na vida de um dos mais talentosos músicos brasileiros. Uma visão íntima e corajosa da vida e carreira do líder da banda Paralamas do Sucesso. Herbert Vianna confronta-se com imagens de sua vida para contar sua história de luta, persistência e superação.

Crítico
20/10 - 14:00 - MAM
Outra oportunidade de conferir o filme de Kléber Mendonça Filho sobre o crítico de cinema. Documentário com depoimentos de diversos cineastas e críticos cinematográficos.

Televisão

Os doze macacos
18/10 - 22h - MGM
Excelente ficção científica. Dirigido por Terry Gilliam, o longa é baseado em um filme do francês Chris Marker: "La Jetée" (1962) que é todo montado através de fotografias e vozes sobrepostas.

Sinopse: "James Cole (Bruce Willis), um prisioneiro do ano de 2035, troca sua liberdade por uma missão nada convencional: voltar no tempo e evitar a propagação de um vírus que devastou a maioria da população sobre a terra. Os sobreviventes são obrigados a morar no subterrâneo porque o ar está envenenado. Ele retorna no ano de 1990, seis anos antes da praga, e é logo internado num manicômio, pois seus avisos soam como crises de loucura. Lá, conhece a doutora Kathryn Railly (Madeleine Stowe) e o louco Jeffrey Goines (Brad Pitt), filho de um importante virologista (Christopher Plummer)".

DVD

Patch Adams, o amor é contagioso
Hoje é o dia do médico, então, indico aqui para quem ainda não viu o filme Patch Adams, o amor é contagioso, uma lição de amor à verdadeira vocação da medicina: ajudar aos outros. Que o juramento de Hipócrates possa vibrar nos corações de todos aqueles que exercem ou pretendem exercer essa bela profissão.

Sinopse: "No ambiente silencioso e esterilizado de um hospital, um palhaço com sapatos gigantescos e um enorme nariz vermelho surge pela porta. Os pacientes que se cuidem... Rir é contagioso. A história real de Patch, paciente e, mais tarde, médico de uma instituição para doentes mentais, celebra o triunfo da busca insistente por um ideal. Sua vontade de tornar-se médico surgiu quando, ainda adolescente, foi internado numa clínica devido a uma depressão. Seu sonho começou a se tornar realidade no final dos anos 60, quando Patch estudou na Escola de Medicina da Virgínia e, em seguida, abriu o Instituto Gesundheit com uma abordagem mais personalizada da prática médica. Tudo estava bem, mas em meados dos anos 80, o Instituto Gesundheit começou a receber atenção da mídia sobre seus procedimentos terapêuticos nada ortodoxos. Os conflitos começaram. O doutor Patch proclama: 'Todos sabemos como o amor é importante e, mesmo assim, quão frequentemente o demonstramos? Quantas pessoas doentes neste mundo sofrem de solidão, tédio e medo que não podem ser curadas com uma simples pílula?'. Utilizando métodos nada convencionais e surpresas incríveis para aplacar a ansiedade dos pacientes, Patch foi o pioneiro na idéia, até então radical, de que os médicos devem tratar as pessoas, e não apenas a doença. Compaixão, envolvimento e empatia têm tanto valor quanto remédios e avanços tecnológicos".

Cinema Baiano no Festival do Paraná

2009-10-16T13:20:00.010-03:00

"Pau Brasil" e "Doido Lelé" ganharam prêmios no 4ª Festival do Paraná de Cinema Brasileiro Latino. O longa do baiano Fernando Belens, primeiro de sua carreira, levou Melhor Ator (Bertrand Duarte), Melhor Atriz Coadjuvante (Fernanda Belling e Milena Flick) e Melhor Direção de Arte (Moacyr Gramacho). Já o curta-metragem de Ceci Alves, levou o prêmio de Melhor Ator (Vinícius Nascimento).

Devo confessar que não assisti nenhum dos dois, a chance que tinha de ver "Pau Brasil" fiquei impedida de ir, mesmo com o ingresso já nas mãos, devido a tal gripe que me deixou de cama por uma semana. Já "Doido Lelé" não tive oportunidade. Mesmo assim, as notícias me animam, principalmente pelas recentes críticas que o longa levou no blog de André Setaro.

O filme conta a história das famílias de Joaquim e Nives que vivem lado a lado em um pequeno e perdido povoado no coração do Brasil chamado Pau Brasil. Apesar de conviverem com a mesma estrutura perversa de opressão social, lidam com a vida de modo radicalmente diferente. A intolerância com o outro e a pobreza são os ingredientes desse drama trágico, onde cada personagem carrega suas contradições, coexistindo com mitos clássicos e afro brasileiros. Segundo Setaro, este filme retrata a maturidade do cinema baiano e é baseado no livro homônimo de Dinorah do Valle, vencedor do prêmio Casa de las Americas (Havana). Interessante, parece ser.

Destaco aqui o prêmio de Bertrand Duarte, grande ator baiano que tive o privilégio de entrevistar em julho. Venceu concorrendo com atores como Caco Ciocler, Chico Diaz, Thiago Luciano, Beto Schultz, além de Oswaldo Mil, seu colega de cena. O prêmio após tantos anos dedicado à publicidade, deixando a carreira de ator em segundo plano, demonstra o talento desse artista que merece ser reconhecido não apenas na Bahia e no Brasil, como no mundo.

Oh Captain, My Captain!

2009-10-15T08:51:00.002-03:00

Peguei a idéia desse post do blog de Cíntia Carvalho do Cinecabeça. Sem querer ser uma copia e cola, acho importante falar dessa data e dessa figura tão importante para a nossa formação pessoal e profissional: Dia 15 de outubro, dia do professor. Em um país que paga tão mal aos seus mestres e dá pouca importância à educação, são corajosos seres que ainda insistem em educar. O cinema está repleto de exemplos de professores que com sua filosofia tentaram mudar o mundo. Escolhi aqui três exemplos marcantes para homenagear a todos os mestres que passaram e ainda passarão por minha vida.

O primeiro é quase obrigatório em qualquer lista de filme com professor. Sociedade dos Poetas Mortos trouxe a temática sob um ângulo fundamental para mim na questão de educar: a de fazer o aluno pensar do si próprio e se preparar para vida. É isso que o Sr. Keating faz ao entrar na sala de aula e começar a instigar os alunos a ver o mundo de uma maneira diferente. Sua forma de encarar o magistério incomoda, e o resultado todos provavelmente já sabem. A cena final (E atenção que tem spoilers) é uma lição de vida, um contraste do velho autoritarismo contra o novo sonhador e a prova de que sim, somos seres pensantes e capazes de mudar, pelo menos, o nosso mundo.

O segundo filme é um clássico dos anos 60. Ao mestre com carinho de James Clavell levou para as telas a história de um professor que enfrenta uma turma que mais parece uma gangue. O diferencial aqui do professor Mark Thackeray é tratar os garotos como adultos e não como meninos marginais. Com sua postura, vai amolecendo e educando a turma aos poucos. A música da cena final virou hino de professor e aluno.

O terceiro filme não consegui uma cena marcante no Youtube, mas encontrei um resumo interessante. Filhos do silêncio conta a história de um professor idealista, John Leeds, que assume uma turma de deficientes auditivos ensinando-os não apenas a falar, mas a sentir a música, podendo assim cantar e dançar. É uma lição de vida e uma bela história de amor, já que, na escola, ele conhece a arredia Sarah, funcionária local que a princípio, se recusa a tentar seus métodos. As cenas dos dois são cheias de poesia, aguçando os sentidos e dando uma nova percepção de mundo para ambos.

Gamer

2009-10-14T08:23:00.003-03:00

Fui ao cinema sem grandes pretensões. Não esperava um novo Matrix, nem mesmo um grande filme de ação. Difícil definir Gamer, que recebeu duras palavras da crítica especializada. O filme não é tão ruim assim, apesar de evocar O Sobrevivente em uma versão hitech. A premissa, na verdade, é a mesma desde o início da humanidade: homens escravos servindo de diversão aos que tem dinheiro. Afinal, o que eram os gladiadores da Roma antiga? Há uma cena, inclusive, em que Gerard Butler faz um gesto muito parecido com o de Russell Crowe no filme de Ridley Scott, que é quando ele pega um punhado de areia e observa os treinos dos Slayers.

A diferença é que agora, tal qual um desses vídeos games de luta em primeira pessoa, os jogadores controlam os lutadores em brigas reais. A desculpa é que todos que estão ali são condenados a morte e tem uma chance de liberdade se permanecerem vivos por 30 sessões. Perto disso está Kable, controlado pelo adolescente Simon, que virou uma espécie de herói pós-moderno e sonha voltar para sua família. Seria uma premissa interessante, com boas cenas de ação, se Mark Neveldine e Brian Taylor não quisessem ir além, buscando uma crítica pseudo-intelectual ao mostrar uma luta velada contra o sistema implantado pelo empresário sulista Ken Castle (Michael C. Hall), uma reporter irritada e um grupo de hackers liderados por um negro e uma mulher (alguém lembrou de Morpheus e Trinity?) que têm uma tecnologia capaz de libertar o cérebro de Kable...

Além disso, ainda tem as intermináveis cenas na outra plataforma criada por Castle. Society: uma espécie de Second Life degradada, onde sexo e drogas são as principais atividades. Aqui, assim como em Slayers, os jogadores controlam pessoas reais. A diferença é que, dessa vez, são funcionários do jogo, não prisioneiros. Uma espécie de prostituição futurista. É nesse ambiente que vemos a participação quase tosca de Milo Ventimiglia (Peter da série Heroes), como um avatar prestes a ter relações com a esposa de Kable (vivida pela atriz Amber Valletta).

Como se não bastasse, os momentos finais do filme são quase um anti-climax. A começar pela performance estranha de Michael C. Hall, em uma dança surreal ao som de "I've Got You Under my Skin", à conclusão em si na quadra de basquete. A trama parece se perder, deixando a sensação ruim. Os primeiros momentos do filme possuem boas cenas de ação e podem salvar a sua ida ao cinema.