Cineacademia

"Stalker", a mais nova produção da Agência Clap

2015-11-25T10:45:00.000-02:00

Por Verônica Rocha

A produção do primeiro curta-metragem produzido pela Agência Clap Filmes teve muito trabalho de todos desde o início. Para dar vida à história de Júlia, uma garota que após a morte dos pais acaba se envolvendo um relacionamento perigoso com um desconhecido as produções iniciaram em outubro, primeiro com a idealização e fechamento do roteiro, na sequência a busca pelos atores, por fim a gravação e edição. As filmagens duraram um dia, aconteceram em vários pontos da zona norte de Curitiba e contaram com a participação de Marina Franchi, Stéfani Munhoz e Paulo Napoleão, todos estudantes do curso de teatro da PUCPR.

O curta contou com a direção de Lucas Neves, roteiro de Caroline Paulart e produção de Gilberto Stori Junior, José Helinton, Marjorie Coelho e Verônica Rocha. Intitulado "Stalker", a produção da agência teve estreia na terça-feira (24/11/2015) em sessões abertas ao público na PUCPR. Abaixo você confere o cartaz e a sinopse oficial:

Júlia (Marina Franchi) é uma garota de dezesseis anos que, após a morte de seus pais, vai morar com a irmã mais velha, Giovana (Stéfani Munhoz), e muda radicalmente seus comportamentos, envolvendo-se com um rapaz (Paulo Napoleão) pela internet sem ter consciência dos reais riscos que está correndo. Sua irmã até tenta alertá-la, mas a menina não se importa com os conselhos dela e o que parecia ser um romance a distância se torna um pesadelo da vida real.

Festival Ação, na PUCPR, apresenta curta Tempo Final

2015-11-24T22:06:00.001-02:00

A Pontifícia Universidade Católica do Paraná – PUCPR está organizando o Festival Ação

para que os alunos de cinema possam estrear os curta-metragens que produziram durante o ano. Neste ano, a equipe da Claquete Produções apresenta a filmagem de Tempo Final, que conta a história do casal Amanda e Henrique, dois jovens apaixonados que vivem juntos e planejam a vida juntos, quando algo completamente inesperado acontece fazendo com que ambos deixem de lado a vida normal que tinham, vivendo algo completamente misterioso.

Tempo Final traz como referência filmes conhecidos mundialmente como Os Outros, de Alejandro Amenábar, e Passageiros, de Rodrigo García.

A estreia irá acontecer dia 24 de novembro, nos auditórios da PUCPR e conta com a exibição de 8 curta metragens e 8 documentários. Vale a pena conferir!

Cinema de qualidade em Curitiba é feito com vontade

2015-09-30T20:47:00.000-03:00

Cinema é uma expressão cultural para os brasileiros e está longe de se tornar uma grande indústria

            Produzir cinema no Brasil não é fácil. Diferente dos Estados Unidos nosso país ainda não tem o cinema como uma grande indústria, e os profissionais da área têm que agir de maneira independente na maioria das vezes.

            O Brasil conta com leis de incentivo para tentar estimular a iniciativa privada a patrocinar eventos e criar editais, essas leis são políticas de incentivos fiscais, nas quais as pessoas jurídica ou física podem aplicar parte do imposto de renda na cultura.

            Para o estudante de cinema Guilherme Yuki Machado, as iniciativas são bem vindas, “sem isso haveria uma lacuna ainda maior na produção e distribuição cinematográfica no Brasil, atrasando e dificultando ainda mais os desejos de pequenos realizadores ao redor do país”.

            Cineastas, roteiristas, diretores e produtores por vezes acabam investindo o próprio dinheiro para fazer seus filmes, mas Yuki ressalta “vale lembrar que filmar não é o principal problema. O que vai te empacar de verdade é distribuir e exibir a sua obra”.

            Problema enfrentado pelo pessoal da produtora Arquiteto, Nyck Maftum, Ruy Marques e Guata Maftum, concretizaram uma ideia ousada, um filme de ficção científica rodado em Curitiba, e outros locais do Paraná.

            Caçadores de espécies e o símbolo secreto enfrentou problemas de baixo orçamento, principalmente se comparado com obras de HollyWood. Mas para o pessoal da produtora, as dificuldades eram oportunidades.

  Um fato curioso é o filme ter chamado mais atenção no exterior a princípio. E somente, agora chega ao Brasil com o devido respeito. “A ficção científica é bem vista no mercado americano principalmente quando o tema é ufologia. Tivemos também a oportunidade de trazer para o filme, pessoas de renome, como Erich Von Daniken, autor do livro “Eram os Deuses Astronautas?”. Isso contribuiu muito para a distribuição internacional.

O que aconteceu no Brasil infelizmente, é que tudo que é novo a primeira vista, causa uma estranheza. Mas podemos perceber que o paradigma foi quebrado.”

            E sobre as partes da produção a equipe explica o procedimento “gravar um filme na cidade de Curitiba, envolvendo militares fortemente armados, um extraterrestre e diversas conspirações e locações especiais como um navio no porto de Paranaguá, túneis subterrâneos, pirâmide de uma sociedade secreta e gravações no alto de uma montanha com mais de 1.370 metros de altura”.

  A crise pode atrapalhar o futuro de pequenas produtoras, mas para o pessoal da Arquiteto é também uma alternativa “essa crise que vivemos hoje, pode piorar com cortes nos investimentos, prejudicando todos os setores ligados com a cultura em nosso país, Mas o cinema como indústria pode inclusive tirar nosso país da crise. Foi o que aconteceu no passado com os Estados Unidos”.

A febre dos quadrinhos no cinema

2015-09-24T21:53:00.000-03:00

As adaptações dos quadrinhos para o cinema estão transformando os super-heróis em um dos fenômenos mais rentáveis para as telonas, quebrando vários recordes de público, além de conquistar ainda mais fãs pelo caminho.

Quem começou essa nova leva de filmes com heróis foi a franquia X-Men, nos anos 2000. Com o sucesso dessa série, outras começaram a ser filmadas, como os filmes do Homem – Aranha, estrelado por Toby Maguire.

Fernando Lemos, designer gráfico e fã de quadrinhos, fala sobre essa onda de heróis que estamos vivendo atualmente. "Eu sempre fui muito fã das HQ’s, na escola eu andava com camiseta de super herói e todo mundo me chamava de nerd. Eu colecionava os quadrinhos, adorava os filmes, conhecia alguns heróis que não eram populares como um Super-Homem, por exemplo, então era muito raro encontrar alguém pra falar sobre isso comigo e hoje não, em qualquer rede social hoje tem algum fã, você sai na rua e as pessoas usam camisetas do Hulk ou com o raio do The Flash e isso é muito legal".

Até 2020 a previsão é de que a Marvel Comics, em parceria com a Sony e a Fox, e a DC Comics, em parceria com a Warner, lancem 31 filmes. Entre os mais esperados estão: Batman Vs Superman: A Origem da Justiça, Esquadrão Suicida e Capitão América 3: Guerra Civil.

Warner Bros

Mundialmente temos heróis muito conhecidos, mas e nacionalmente? Existe algum herói tipicamente brasileiro? Se você falou que não, então está errado! Conheça O Gralha, um super-herói nacional que viveu pelas ruas de Curitiba na década de 90.

www.ogralha.com.br

A primeira aparição do Gralha foi em 1997, em uma edição especial da extinta revista Metal Pesado. O nosso super-herói teve apenas dois números de suas aventuras publicadas, até que um ano depois um grupo se juntou e resolveu criar uma nova versão do Capitão Gralha, um adolescente que segue os passos do capitão original. O novo formato estava presente em uma página semana no caderno Fun da Gazeta do Povo.

Este grupo é formado por 10 pessoas, onde cada um ficou responsável por uma parte do trabalho. Alessandro Dutra criou o visual do Gralha, Gian Danton e José Aguiar cuidaram da história. Antonio Eder, Luciano Lagares, Tako X, Edson Kohatsu, Augusto Freitas e Dutra e Aguiar ficaram incumbidos de fazer a arte e Nilson Miller foi quem fez a capa da edição.

"Além destes tem uma galera que participou dos projetos d’O Gralha, só no facebook tem um grupo onde conseguimos juntar mais de quarenta colaboradores que fizeram parte de algum projeto ligado ao personagem", disse Tako X no site oficial d’O Gralha.

Já em entrevista, o caricaturista, que foi um dos criadores do super-herói, conta um pouco sobre o projeto. “O personagem tem um lado místico muito forte, as pessoas se interessam e se encantam por ele assim que o conhecem, pois O Gralha é bem paranaense, criado por autores daqui de Curitiba e com uma linguagem universal”.

E os projetos pra O Gralha não param. A equipe acabou de aprovar a criação do ArtBook do super- herói – álbum ilustrado que celebra os 18 anos do Vigilantes das Araucárias. Segundo Tako X, outros lançamentos também já começaram a ser planejados, “A próxima edição a ser produzida depois do ArtBook é “As Aventuras Perdidas do Capitão Gralha” que no caso conta a história do antecessor do Gralha”.

O personagem pode voar e possui uma super-força, e sim, tem seus aliados e vilões. Entre os super-heróis parceiros podemos destacar o Super-Oleoso, Mulher-Pinheiro e O Vaga-Lume. Já entre os malvados temos O Homem-Aranha-Marrom, Lady Geada, Piá-da-Cola e A Vampira-Polaquinha.

Para quem se interessou pela história d’O Gralha, uma boa notícia: vai ter filme sobre o super-herói paranaense! De acordo com Tako, uma produtora paranaense está produzindo o filme, que ainda está na fase de roteiro, e tem previsão para estrear em 2018.

Podemos perceber que os autores brincaram bastante com a cultura paranaense e suas características, o que torna a história ainda mais divertida para os moradores do Estado. E como Tako X diz em seu site O Gralha é "um verdadeiro ícone dos quadrinhos paranaense e por que não dizer, nacional".

Produção: Agência Claquete Produções

Texto: Caroline Ribeiro

Edição: Manoela Campos

Over The Top: a influência dos serviços de streaming na forma de fazer e consumir cinema

2015-09-24T14:30:00.000-03:00

Na TV, no computador, no tablet ou até mesmo no celular, o acesso a produções audiovisuais é cada vez mais facilitado pelos serviços de streaming popularizados na última década. Aliando praticidade e baixo custo, esses serviços de Over The Top (OTT), como são classificados, oferecem produtos, em sua maioria filmes e seriados, utilizando modos alternativos de distribuição de conteúdo, como a internet, e de novos recursos em hipermídia, como a Smart Tv (televisão inteligente).

No Brasil, a Netflix é sem dúvidas um dos exemplos de maior sucesso desse tipo de serviço. No país desde 2011, a empresa contava com 310 mil assinantes em seu ano de lançamento e hoje já ultrapassa a marca dos 4 milhões, segundo dados do instituto de pesquisa Dataxis, empresa americana especializada em telecomunicação.

Para o mestre em Tecnologia (UFPR), Rodrigo Freese Gonzatto, a expansão dos serviços de streaming e seu crescente número de usuários tem origem em hábitos já há muito estabelecidos na internet. “O crescimento do OTT tem por base a experimentação anterior (e atual) feita por milhares de pessoas na própria internet, com a disponibilização de mídias livres, conteúdo aberto e, também, da chamada ‘pirataria’. Foi esta experimentação criada pelos próprios ‘consumidores’, que criaram sites e portais, que deu origem ao modelo que vem sendo discutido no OTT”, explica Gonzatto.

Diante dessas estatísticas, a reflexão sobre como esses serviços afetam a indústria cinematográfica ganha cada vez mais força. Segundo Denize Araujo, doutora em Literatura Comparada, Cinema e Artes (University of California), é preciso que as produtoras e distribuidoras encontrem soluções diferenciadas para atrair novamente o público, que agora pode preferir assistir a um filme no conforto da sua casa, com a possibilidade de realizar pausas e quantos intervalos desejar, ao invés de se deslocar para uma sala de cinema. “É impossível determos as novas tecnologias digitais que estão se desenvolvendo com muita rapidez, proporcionando maneiras de ver filmes quase ao mesmo tempo em que estes são produzidos, e sem muito custo”, afirma ela.

Por outro lado, é preciso ressaltar que mesmo com a variedade de filmes disponíveis no catálogo dessas plataformas, eles nem sempre suprem todas as necessidades dos consumidores, muitas vezes limitando-se a filmes mais rentáveis, como blockbusters, por exemplo. Além disso, atualização desses catálogos exige um tempo, que, muitas vezes, os fãs ou consumidores mais assíduos não querem esperar. “[O serviço de streaming] aumentou a média de filmes e séries que eu assisto, mas não deixei de ir ao cinema por causa da Netflix”, esclarece a bancária Nayra Fernanda, 23 anos.

NOVOS MODOS DE PENSAR CINEMA

Com um catálogo extenso, até o momento a Netflix não apresenta filmes originais. Porém, o serviço conta com um extenso número de séries originais que fazem sucesso entre os usuários da plataforma e a crítica. Entre eles estão o drama político House of Cards, a comédia dramática Orange is the New Black e, mais recentemente, o seriado Narcos, com os brasileiros Wagner Moura e José Padilha.

Além disso, a empresa também possui documentários originais, como é o caso do filme The Square, que segue a repercussão da Primavera Árabe no Egito, que culminou com a queda de Hosni Mubarak. The Square ganhou em 2014 um Emmy de melhor documentário e concorreu ao Oscar em 2015 nessa categoria.

Porém, ainda neste ano a Netflix lança o seu primeiro filme original. Beasts of no Nation, dirigido por Cary Fukunaga e com Idris Elba em seu elenco, terá estreia mundial em outubro. Além disso, o filme estreará em alguns cinemas selecionados nos Estados Unidos.

É esse modelo de produção e divulgação que acaba gerando um conflito com as salas de exibição tradicionais, visto que os serviços de streaming tornam-se concorrentes da indústria convencional de cinema. Para Denize,“a competição do streaming com as salas de cinema está fazendo com que estas se renovem, colocando equipamentos cada vez mais sofisticados e poltronas cada vez mais confortáveis. As salas VIPs se assemelham cada vez mais às poltronas caseiras, fazendo com que os espectadores saiam de suas casas para ter conforto igual ou melhor”.

Produção: Agência Clap Filmes

Texto: Verônica Rocha e José Helinton

Edição: Verônica Rocha

Imagem: Verônica Rocha

O cinema e os sentimentos

2015-09-24T13:51:00.003-03:00

Ao assistir filme, é comum a sensação de identificação, seja com o roteiro ou um personagem. O cinema nos permite sair da rotina e sonhar com situações diferentes do normal, nos trazendo as mais variadas emoções, desencadeando sentimentos e memórias.

Desde que surgiu, essa mídia busca não somente entreter, mas também informar, representar, divulgar e esclarecer ideias e/ou pensamentos de algo ou alguém, o que acaba gerando identificação por parte de muitas pessoas. E ao projetar a realidade, o cinema já nos transporta para o mundo da imaginação.

Segundo a psicóloga Claudia Basso, o cinema permite a identificação com os personagens e com a vida real muito mais do que qualquer outro segmento. “O cinema é usado como tela de projeção da nossa realidade, usando os simbolismos da vida, o surreal, a complexidade das relações entre as pessoas”. Para ela, o destaque que se dá atualmente aos filmes, também ajuda nesse comportamento da sociedade atual. “O cinema tem sido um espaço privilegiado para a maior compreensão que cada pessoa tem de si mesmo. O espectador vê com clareza o que se passa com os outros e automaticamente compreende seus próprios significados facilitando seu autoconhecimento. Ao assistirem um filme, os espectadores colocam todo o seu arcabouço cultural, seu padrões, conceitos, condicionamentos, enfim, toda a emoção que compõe a história de suas vidas, fazendo com que o filme se torne uma obra única e intransferível”.

Mas, de acordo com Evandro Scorsin, diretor e roteirista da produtora de cinema “O Quadro”, a identificação com um personagem vai além de empatia por sentimentos ou identificação com o papel desenvolvido por um ator na trama. “ A identificação é relativa, pois nem todos os filmes procuram isso, o personagem pode não ser feito para trazer esse sentimento. O espectador de identifica com aquilo que ele conhece e sente prazer, independente da forma da construção. Você pode gostar de um personagem que não tenha nada a ver com você”. É por isso que nem sempre gostamos de um mesmo segmento de filme, ou gostamos mais de um personagem do que de outro.

Por esse motivo e vários outros, existem muitas pessoas apaixonadas por cinema. É o caso da jovem Betina Parolin, que costuma se ausentar do próprio mundo quando assiste algo que a agrada. “Ás vezes eu gostaria de estar no filme, vivenciar o que o personagem está vivendo, a vontade de ser alguém diferente”. Já a jovem Jessica Almeida, apesar de não sentir tanto essa aproximação, acredita que o cinema tenha sim sua influência do espectador. “Lembro de um filme que me marcou e acho que ele me disse exatamente o que eu precisava ouvir na época, o que foi bom”.

Cinema é considerado lazer, descanso, sossego. É o espectador quem faz a trama acontecer, através da emoção e percepção. Assim como disse Orson Welles, “o cinema não tem fronteiras e nem limites. É um fluxo constante de sonhos”.

Agência Asterismos
Texto: Letícia Zan e Renata Fernandes

Nova edição

2015-09-24T13:46:00.000-03:00

Charles Chaplin disse: "Num filme o que importa não é realidade, mas o que dela possa extrair a imaginação". Mais do que imagens em movimento, o cinema é uma poderosa fonte de entretenimento cultural, com seu poder de comunicação universal. Não importa o suporte, duração ou formato. O grande desafio é contar uma história e encantar o espectador. nos transportar para novos mundos, novas realidades, e por alguns momentos, nos permitir vivenciar novas coisas.

E com esse propósito, nos próximos posts traremos trabalhos das novas agências da turma de Jornalismo da PUCPR. Começaremos com reportagens abordando assunto variados como as sensações e sentimentos que o cinema traz ao espectador, as dificuldades das produções cinematográficas que passaram a valorizar os efeitos especiais, os reflexos dos serviços streaming na indústria atual que conta com serviços como o Netflix , e adaptações dos quadrinhos para o cinema geral e curitibano como os filmes de super heróis.

Acompanhem em breve as primeiras produções baseadas nas vanguardas cinematográficas.
Até breve!
Agência Asterismos, Clap Filmes, Claquete Produções, Agência Delta 9

Apague as luzes, prepare a pipoca e veja: À Flor da Pele!

2015-06-21T19:40:00.000-03:00

Foto: Alana Dombrowski

Se você quer ser impactado de modo que se pergunte “mas o que foi isso?” não pode deixar de conferir o curta À Flor da Pele, fruto da Agência Vertigo, produzido experimentalmente por alunos do quinto período de Jornalismo da PUCPR com orientação de Celina Alvetti.

Quem vê À Flor da Pele é embalado ao som de Arctic Monkeys à Miley Cyrus. Do início ao fim, o curta é regado a elementos de transição constante, onde o conflito é a protagonista Ana, interpretada por Hevelyn Ribeiro que sofre com problemas de personalidade.

Foto: Alana Dombrowski

Agressiva, feliz, triste, com raiva. Vivendo nos limites. À beira dos mistérios da vida, da angústia e de gotas de felicidade Ana é retratada em várias fases e momentos da sua vida, onde sua personalidade explosiva está sempre amparada por seu amigo, interpretado por Amarildo Siqueira.

Se o amigo de Ana é real, se é sua consciência ou se é mais um delírio de sua mente contraditória não se sabe. O expectador fica livre para imaginar a vontade.

A diretora Daniele Dalla conta detalhes da produção ao falar de como o curta desafiou a equipe, ainda mais por ser o primeiro trabalho (e com um viés complexo).

"Foi bem difícil como a primeira experiência. Você apende a lidar com tudo, horários, equipamentos, atores e produção. De tudo um pouco. E às vezes há coisas que não saem do jeito que você imagina, mas o esforço vale a pena”.

Daniele ainda faz uma comparação do trabalho de produção do curta com a própria temática tratada.

“À Flor da Pele é resultado de muito suor, correria e um pouco de confusão também, que considero como um tempero na produção”, brinca.

O roteirista Caio Porthus, que desde o início demonstrou desejo em escrever a história e se responsabilizar pelo roteiro fala de sua experiência.

“Sempre gostei de escrever, ter ideias e histórias e coloca-las no papel. E claro que não foi fácil, juntar as ideias de oito cabeças de forma que fique o mais agradável possível para todos. É uma missão complicada. Mas penso que o aprendizado foi algo muito importante e que certamente termino o semestre melhor do que iniciei e a experiência foi muito boa para minha pessoa”.

Por: Kauany Miguel

O convite está feito. Os ingressos são livres para quem quer embarcar nesta viagem que ocorre nesta terça-feira, 16 de Junho no auditório Newton Stadler de Souza às 8h30 da manhã. Venha com a gente e conheça o efeito Vertigo!

Produção: Agência Vertigo

Texto: Bruna Martins

Schlimazel: quando o destino brinca com a sorte e o azar.

2015-06-16T21:55:00.001-03:00

Confira um pouco como foi a produção deste curta-metragem e o relato sobre a experiência de produzir por cada participante da agência Maktub.

Gravando em pleno feriado.

Maktub significa “estava escrito” ou “era para acontecer”. Partimos do significado dessa palavra para criar o conceito da agência e do curta “Schlimazel”, que conta a história de Pedro, um cara azarado que teve sua vida mudada após ser presenteado com uma viagem para a Irlanda. No curta, exploramos muito a relação entre sorte, azar e destino, deixando em questão para o espectador: o que realmente move a vida de Pedro? O que realmente move nossas vidas?

O objetivo da equipe era fazer um curta

usando pouca verba. Todas as despesas

foram divididas e o cenário foi composto

por pertences da equipe.

A proposta da agência foi fazer um curta com o menor orçamento possível, sendo que os atores que contracenaram no curta aceitaram participar voluntariamente. A locação dos cenários foi de um dos integrantes da agência e os custos de alimentação (e outros adicionais) foram divididos por toda a equipe

As gravações aconteceram no feriado de Corpus Cristhi, dias 4 e 5 de junho, no bairro Santa Quitéria. A casa em que filmamos era repleta de histórias um tanto quanto macabras, o que descontraiu muito a equipe e fez com a produção se tornasse divertida e prazerosa para todos.

Confira o relato de cada um da agência Maktub sobre a produção do curta-metragem:

Beatriz Lima (Diretora): Para ser sincera, fiquei surpresa com o resultado final do nosso curta. A falta de tempo e, principalmente, de experiência, me fizeram acreditar que não conseguiríamos alcançar nossos objetivos de produção. O mais importante do filme é a mensagem que queremos passar sobre como o destino pode brincar com a vida e o cotidiano das pessoas. Queremos mostrar também que às vezes os problemas aparecem, atrapalham, alteram nossos planos e, muitas vezes, mudam até o nosso jeito de perceber o mundo, mas que isso pode vir para o nosso próprio bem. No curta, Pedro acredita que sua falta de sorte serve apenas para atrapalhar sua rotina, mas, quando menos espera, a sequência quase interminável de azares acaba salvando sua vida.

Camila Costa (Roteirista): Foi uma experiência incrível fazer um curta. É muita responsabilidade e dedicação a fim de atingir um único objetivo. Fiquei responsável pela elaboração do roteiro, mas acredito que cada integrante da equipe também o fez, colaborando com ideias e dando soluções para os problemas encontrados ao decorrer das gravações. O roteiro é uma das partes essenciais para a produção de um produto cinematográfico, pois é ele que premissa as ideias iniciais e norteia a produção. Contudo se alguém não fizer a história acontecer o roteiro será esquecido e deixado ao pó. Acredito que é isso, uma produção é um conjunto de fatores que fazem o produto acontecer. Cada pessoa da equipe Maktub foi essencial para que esse curta tomasse forma. Cada pessoa da equipe Maktub foi indispensável para agregar ideias e deixar a história rica em conteúdo e detalhes. Um roteiro sem pessoas para fazer a história acontecer só será mais um roteiro. E claro, acredito que esse grupo e essa história eram para acontecer.

Giulie Carvalho (Diretora de Arte): Satisfação é a palavra para descrever. Na língua portuguesa, isto significa ‘contentamento; prazer resultante da realização daquilo que se espera ou do que se deseja.’. A Agência MAKTUB, nesta terça (16 de junho de 2015) apresentou seu maior produto: o curta-metragem Schlimazel. Este, tendo todo o seu processo de produção de dois meses. Foram ideias que desde a origem se complementaram. Precisávamos de um tema em que o destino fosse o foco, mas tínhamos que criar todo um bom enredo para a narrativa cinematográfica. O roteiro foi modificado uma, duas, três e até o momento da gravação ele sofreu alterações. Consequentemente, entraram em ação as outras vertentes. A diretoria de produção ajustou o cenário, a câmera, a luz, o ator. O marketing precisou analisar qual a melhor forma de exibir a criação. A roteirista teve de rever suas ideias. A fotografia teve de se reposicionar e ter outra visão. A direção geral precisou analisar com calma cada aspecto, tomar as rédeas e gerenciar as diferenças. E eu, diretora de arte, precisei pensar no público. Precisei ter empatia, tomar o lugar. O que os espectadores querem ver? Como transmitir? Como fazer como que eles entendam, com seus olhos, o que a agência enxerga com tanta clareza nos bastidores? E foi isto. Foi buscar o melhor ângulo, o enquadramento modelo, pesquisar a música ideal. Este foi o meu trabalho, se assim dizer, definido. No entanto, cada pedacinho de Schlimazel tem um toque de cada uma das integrantes da agência. Todas nós queríamos um produto incrível, e por isso opinamos, mexemos, construímos o curta de acordo com o consenso, o bom senso. Dentro dos parâmetros e limites estabelecidos, é uma grande obra. Um filme e uma agência de cinema que nos envolveu. Uma ‘gestação acadêmica’, que nasceu, cresceu, deu fruto, e não nos esqueceremos. Se terá vida pós quinto período, não sabemos. Talvez, e só talvez, deixaremos ao destino o poder de cuidar.

Lana Gillies (Produtora): Produzir um curta-metragem não é um processo nada fácil. Agora, produzir um curta com o mínimo de gastos possíveis torna-se um trabalho desafiante. Desafio que recomendo à todos que amam a sétima arte. Para amá-la é preciso compreendê-la. E nada como realizar uma produção cinematográfica para compreender, em passos pequenos, desde os aspectos técnicos até as vertentes que uma narrativa pode seguir. Schlimazel é um mosaico de ideias construído a partir de cinco corações que batiam em sintonia entre si para a construção de uma unidade narrativa. O roteiro, por mais que tenha sido escrito por uma - Camila Costa - só materializou-se com o olhar de cada uma da Agência Maktub. A produção reuniu todas, a medida de que, cada objeto do cenário, cada ângulo da câmera, cada palavra do ator - Muryllo Mendonça - tivesse um pouco de cada uma em sua composição. Aos que desejam produzir um curta-metragem minha dica é: reúna um grupo de pessoas em que você goste e possua sintonia. O resto se resolve em aspectos técnicos e risadas.

Letícia Joly (Marketing): Minha experiência com a produção do curta-metragem foi muito boa, mesmo com pouco tempo conseguimos ter um ótimo resultado. Achei muito interessante o fato do roteiro se transformar durante as filmagens, devido a dificuldades ou melhorias na produção. Tivemos um bom relacionamento de equipe, o que foi fundamental para que nossa produção ocorresse sem problemas. Depois de pronto, pude tirar algumas conclusões do processo de produção de um curta-metragem. O que mais me impressionou foi o trabalho que ele exige, muito maior do que imaginávamos. Desde as dificuldades com o roteiro até o cenário, tudo deve ser feito com cuidado para que fique perfeito. Algo que também me chamou atenção foi o a importância de incorporar trilhas sonoras no curta, o que dá muito mais emoção as cenas. No fim, foi um processo trabalhoso e demorado, mas tivemos um resultado satisfatório.

E assim, a agência Maktub torna o seu maior compromisso possível, repleto de realizações e experiências levadas na bagagem.

Uma pessoa cronicamente sem sorte.

SINOPSE: Pedro é um rapaz azarado e sua vida segue como uma combinação de pequenas tragédias. Certo dia Pedro recebe uma ótima notícia, o fato de ter ganhado uma viagem para fora do país, o que poderia mudar sua vida. Porém, nem tudo dá certo. Ou dá. Será que as coisas acontecem por um motivo? Confira nesse divertido curta-metragem como a vida pode ser irônica.

Texto: Beatriz Lima, Camila Costa, Giulie Carvalho, Lana Gillies e Letícia Joly

Edição: Beatriz Lima, Camila Costa e Giulie Carvalho.

Fotos: Beatriz Lima, Camila Costa e Lana Gillies.
Agência MAKTUB

"Sob as Pontas" transpõe a arte renascentista

2015-06-16T21:39:00.003-03:00

Foto:

A agência Chez Les Femmes tem o prazer de apresentar a sua mais nova produção cinematográfica: o curta-metragem experimental “Sob as Pontas”, dirigido por Lara Pessôa e Julia Baggio. O curta é uma narrativa alternativa às produções cinematográficas industriais e conta a história de Nora, uma jovem de 17 anos apaixonada pela dança e que, com determinação e horas exaustivas de ensaio diários, tenta entrar para o grupo de bailarinas do Teatro Bolshoi.

A produção desse curta tenta, até inocentemente, caminhar aos filmes de Lars Von Trier, com a abordagem aparentemente sutil dos problemas comuns dos homens e da profundidade da consciência humana. Isso é demostrado nas relações que o diretor dinamarquês constrói para suas histórias e, desta forma, “Sob as Pontas” tenta produzir algo parecido com a genialidade desse cineata tão polêmico através da arte renascentista. O roteiro, produzido por Beatriz Peccin sob a orientação de Celina Alvetti, traz a rotina comum da garota até descobrir que terá o seu sonho interrompido.

A trama é, sem dúvida, questionadora e consegue emocionar os mais sensíveis. Lara Pessôa afirma ter se superado neste primeiro trabalho como diretora de cinema. “Depois de tanto estudo sobre como conseguir realizar a grande tarefa de direção e, inclusive, de ter tido o contato com Wellington Sari – representante da nova geração de diretores no Paraná -, digo que dirigir ‘Sob as Pontas’ foi uma experiência muito gratificante no sentido de desafios e superações”.

A diretora orgulhosa de sua primeira produção complementa, “tenho muito orgulho de ter acompanhado todo o processo do trabalho e também, de ter alcançado o resultado final que a Chez Les Femmes queria mostrar, uma vez que a produção, ao mesmo tempo em que intensa, estava muito focada no que era executado”.

A interpretação de Manuella Niclewicz, como a protagonista Nora e de Flávia Retamal, como a amiga Anastácia conseguem prender a atenção do espectador durante os oito minutos de filme que alinha fotografia, trilha e narração, de modo que estes elementos sejam fundamentais para o efeito de sentido a que se quer dar. Além disso, a construção desta narrativa permeia os conflitos psicológicos inerentes às pessoas e consegue personificá-los de maneira original e atraente. A interpretação final da história fica por conta do espectador. Contudo, a produção reforça, a seu modo, a superação dos problemas físicos e conflitos psicológicos.

Para a intérprete Manuella Niclewicz, Sob as Pontas também foi um grande desafio, “fui desafiada pela agência a atuar e dançar. Já danço há muitos anos, mas interpretar - ainda mais uma personagem tão complexa, como a Nora – principalmente, quanto as emoções, foi o maior desafio. Confesso que relutei no começo deste trabalho e vendo o resultado final, me surpreendi. Posso dizer que estou muito feliz com a o resultado final do filme”.

E você, vai perder este curta tão ousado? Confira:

Equipe: Chez Les Femmes
Texto: Beatriz Peccin
Edição: Aryane Monteiro

Borda do Campo e o limiar da memória

2015-06-16T18:47:00.000-03:00

No imaginário popular, a relação entre irmãos é rica em simbolismos: a semelhança, a repetição, a dualidade, a simetria. Pensando nesses signos, a agência Gamma produziu o curta "Borda do Campo", um relato sobre a infância de duas irmãs que voltam a ter contato depois de muitos anos.

Para que pudéssemos reproduzir esses símbolos - da dualidade, da repetição -, a direção de arte foi fundamental no processo. "Procuramos utilizar figurinos semelhantes nas personagens, para que passasse realmente a impressão de conexão e ligação entre as duas", diz a diretora de arte do filme, Aline Bonn.

Foto: Natália Moraes

O filme é conduzido por uma das irmãs, que através de uma narração poética revive os acontecimentos de suas infâncias até a triste separação enquanto a outra, exilada de seu passado, retorna às suas origens, tanto geográficas quanto emocionais. A separação das personagens remete à película de Lars von Trier, "Melancolia", que analisa a distância emocional entre duas irmãs diante do fim do mundo.

Para a construção das personagens, as referências foram muitas: desde as irmãs melancólicas e cheias de segredo de "As Virgens Suicidas" até as irmãs cheias de inocência e vontade de explorar o desconhecido de "O Espírito da Colmeia". Ultimamente, as personagens simbolizam aquilo que todas as infâncias passam por: o seu término e a nostalgia que se tem dela na vida adulta.

Filme "O espírito da Colmeia"

O roteirista responsável pela narração, Luciano Simão, teceu um trabalho em sintonia com a arte do curta, contribuindo para uma identidade onírica e reflexiva, que tornou-se o objetivo deste trabalho desde a sua concepção. "As minhas maiores inspirações tiveram a ver com a atmosfera que o filme passa".

Com a arte, a fotografia e o roteiro caminhando na mesma direção, tentamos criar um curta etéreo, beirando o onírico, que atuasse nas bordas do real e do imaginário. Para a diretora do filme, Natália Moraes "a ideia era captar uma atmosfera, priorizar o sensorial ao invés da história em si".

Texto: Gabriel Massaneiro e Natália Moraes

O cinema e a representação do mundo

2015-05-16T20:23:00.002-03:00

Nossa mente pode nos proporcionar
um universo de ideias e possibilidades!

Nesta edição da Cinemacademia, os estudantes foram convidados a produzir uma matéria que tocasse no tema do curta que será produzido para a matéria de cinema.

Nesse universo cheio de ramificações e possibilidades que é o cinema, vamos abordar, por exemplo, histórias de pessoas que saem do lugar de onde nasceram e voltam, anos depois, em busca de um recomeço do ponto de origem, como vemos no filme “Garden State”.

Passaremos também pela narrativa que tem a superação como tema, acompanhando a personagem que pode fazer o espectador repensar suas atitudes na vida.

Também vamos adentrar no universo dos jovens com polêmicos filmes que retratam a vida de adolescentes atualmente, como no filme “Azul é a Cor Mais Quente”. E por fim, questionar se são nossas escolhas que provocam o impacto que causarão em nosso futuro. Será mesmo que destino existe? Os cineastas Paulo Munhoz e Juliana Sanson, em uma conversa descontraída dão sua opinião sobre essa dúvida que move montanhas e também nos dão dicas de como produzir um bom curta.

A melhor forma de expressar uma ideia é a pondo no papel.

Deixamos uma pergunta para você, caro leitor: É a arte que imita a vida ou a vida que imita a arte?

Uma boa leitura!

Texto: Camila Beatriz Costa

Edição: Lana Gillies e Letícia Joly

Produção: Agência Vertigo, Chez Les Femmes, Agência Lumiére, Agência Gamma e Agência Maktub

Foto: Arquivo

Do roteiro ao destino

2015-05-12T23:29:00.001-03:00

A grande sacada do I Ching é que quando você

começa a usa-lo, você começa a formular

melhor suas perguntas sobre você mesmo.

Pelo menos uma vez você já respondeu ou foi até mesmo quem fez essas perguntas: “Você já assistiu esse filme?”, “você é fã de algum ator/atriz?” “você tem acompanhado os trabalhos daquele diretor de cinema?”. As produções cinematográficas tem tomado cada vez mais seu espaço na vida das pessoas. Desde filmes curtos a grandes sucessos de bilheteria, muita gente acompanha roteiristas, atores, diretores e se permitem fazer julgamentos daquilo que assistem.

Muitos até mesmo se aventuram a produzir. É o caso de Paulo Munhoz, que com formação em engenharia mecânica, passando por computação gráfica e chegando a ser mestre em tecnologia e interação, produziu a animação Brichos, o curta metragem A Grande Depressão, entre outras obras. Este segundo serviu de inspiração para Munhoz superar um antigo problema “Eu tive depressão quando era jovem. Eu já trabalhava e estudava, e estava meio perdido e tive uns momentos bravos em minha vida, e é engraçado porque o filme me curou.”. A sinopse do filme é a de que um jovem cientista é abandonado pela namorada na véspera de um feriado prolongado, e então ele resolve buscar uma solução e orientação no I Ching, mas não leva o sistema de oráculo muito a sério. Devido a isto, no decorrer do filme percebe-se que suas forças vão se esgotando e suas ações tomando outros rumos, levando o personagem a passar por várias situações estranhas. Mas calma. Você sabe o que é I Ching?

Munhoz nos conta, “O I Ching é um sistema que os sábios chineses desenvolveram com o tempo. Ele é um sistema muito inteligente porque é matemático, é visual, é um oráculo na medida em que ele não responde, mas te faz aprender a perguntar.” Ele ainda confessa ter usado e usar o método até hoje, já que garante funcionar muito bem, “Eu respeito muito o I Ching porque funciona. Ele não tem nada a ver com misticismo ou esoterismo, e é muito diferente dos outros oráculos. O processo é o seguinte, você pega três moedas e estabelece que um lado vale dois e o outro lado vale três, então você faz uma pergunta ao oráculo e joga essa moeda seis vezes. Esses número vão gerar exagramas que são baseados na regra de Yin e Yang e por aí você acaba tendo uma resposta tão generalista que você dentro dela acaba encontrando sua resposta.”. Então, caso utilize o sistema chinês, melhor se lembrar de A Grande Depressão e, só por cautela, respeitar a ordem do processo.

PRODUÇÃO

Assim como a depressão do cineasta Paulo Munhoz, as próprias experiências e vivências, medos e desejos servem como combustível para alimentar a imaginação de inúmeros diretores e produtores. Então você, que quer produzir um curta-metragem mas não sabe por onde começar, aqui está o primeiro passo: tenha uma boa história pra contar. E nenhuma história pode ter mais detalhes que uma propriamente vivenciada. Juliana Sanson, formada em Letras pela PUCPR, atua na área de projetos multimídia e audiovisuais voltados para a educação, além de ser roteirista, diretora e produtora de cinema. Dirigiu e roteirizou Coração Magoado, Delírio Curitibano, entre outras produções.

Para a elaboração de um roteiro a principal questão é querer anunciar alguma coisa, é você querer contar alguma
coisa para alguém em imagem e som.

A cineasta dá quatro dicas para quem quer iniciar carreira cinematográfica e a primeira é ter um bom roteiro com uma história complexa de forma sucinta. “O curta pode ser narrativo, ter início, meio e fim, sendo original e impactante. Original no sentido de buscar novas maneiras de contar uma história ou novos olhares sobre situações banais. Gosto das histórias cíclicas que começam ruins e terminam pior. Gosto de ir do negativo para o negativo elevado à segunda potência, pois me atrai os erros que cometemos mais de uma vez, a força de desejos ou medos que nos fazem piorar ao invés de melhorar uma situação, ou terminar uma história de um jeito muito parecido com seu começo.”.

Para conseguir transformar em imagens sua ideia, Juliana indica um planejamento impecável, pois uma pré mal feita é garantia de um set confuso e de muitas dores de cabeça. “Não é no set que um filme é feito, é na pré, no planejamento. Então essa etapa tem que ser longa para dar sustentação para o que vai ser feito nas filmagens”. E nada melhor para interpretar uma história do que atores que possuam qualidade na interpretação. “Uma atuação ruim estraga o trabalho de uma equipe boa, uma boa atuação salva o trabalho de uma equipe ruim”, comenta a cineasta. Por isso a importância de uma equipe onde cada um entenda o que está fazendo, gerando uma boa fotografia, uma boa captação de som e uma boa edição. O último passo de uma produção cinematográfica está na edição e a diretora destaca a relevância da finalização do produto como forma de concretizar a história, mas não de salvá-la. “De nada adianta todo o trabalho se o filme for mal editado ou tiver um péssimo som.

A edição é o final da roteirização, é quando a história realmente mostra sua força. Nessa etapa, um filme pode ficar medíocre ou pode ser completamente revisto e refeito. Mas uma coisa é importante dizer: a finalização não dá jeito em roteiro ruim, nem em fotografia ruim, nem em som mal captado. Também não melhora péssimas atuações e nem corrige problemas de edição. Para Paulo Munhoz, a necessidade que um cineasta tem em contar uma história a alguém através de imagem e som é o princípio básico para se produzir um curta. “A primeira questão é você ter o elemento que você quer passar, adequado a linguagem audiovisual. Tem coisas que são melhores contadas verbalmente, tem coisas que são melhores contadas num texto, então as vezes uma poesia escrita é melhor do que a transposição dela pro cinema.”.

RUMO, DESTINAÇÃO

O cineasta Munhoz foi questionado pela equipe da Agência de Cinema Maktub sobre como o destino influencia em sua vida, e de maneira cortês e divertida, nos respondeu que é ele quem influencia no destino, mas argumenta o porquê “Algumas pessoas acreditam no destino e outras no livre-arbítrio. Eu como filósofo Paulo Munhoz acho que, na verdade, a estrutura é uma rede multinacional e que você tem as duas coisas, destino e livre arbítrio. Ou seja, você nasce com uma capacidade para chegar a algum lugar, mas são suas opções e condições de vida que vão te levando por outros caminhos. Então, você nasce com uma estrela, agora fazê-la brilha na condição que ela tem pra isso é o livre-arbítrio.”. A Agência Maktub tem como norte e principal objetivo falar e produzir trabalhos sobre o destino e o acaso que premedita a vida das pessoas.

Para ele, temas profundos no cinema são pedras brutas riquíssimas e que a vertente “destino” é uma delas. “É um tema importante que está dentro daquela linha de questões irresolvíveis, que ao longo dos anos essa questão do que é destino e o que é livre arbítrio nunca vai se esgotar. Então vocês estão lidando com uma pedra bruta riquíssima, e o processo de produção do curta é a lapidação desta pedra.

Coincidência ou tinha que acontecer? O destino esta em cartaz.

Para Juliana Sanson, o destino está presente em muitas obras de ficção, mas cabe à toda a equipe cinematográfica reinventá-lo a cada produção, “esse tema é sempre um tema a ser explorado. Tudo depende da capacidade de lançar um olhar novo e fresco para algo que vai ficando desbotado pelo uso.”. A cineasta comenta que o uso deste assunto é muito comum em filmes, principalmente de uma história estruturada da jornada de um herói, quando algo muda o rumo da vida do protagonista e ele busca resgatar o equilíbrio mudando algo negativo para algo positivo e assim transformando seu destino. Juliana fala sobre ‘Amor Fati’, criação que roteirizou, como exemplo para exemplificar a importância do destino em seus trabalhos “Amor Fati significa "Amor ao destino" e a história falava sobre um cara que se sentia tão bem, tão feliz e tão realizado que queria poder escolher a hora da sua morte. Ele queria decidir seu destino e isso incluía se despedir dos amigos, arrumar suas coisas, cuidar de seu próprio funeral e escolher a maneira de morrer.”, diz.

Por fim, a sina, a sorte e o futuro, depende da sina, da sorte, e do futuro de cada um. Seja ele pré determinado ou simplesmente deixado ao acaso.

Produção: Agência Maktub
Texto: Giulie Carvalho e Lana Gillies
Edição: Beatriz Lima, Camila Costa e Letícia Joly
Fotos: Arquivo

Superação: da realidade para a ficção

2015-05-12T22:37:00.003-03:00

Comumente, vemos filmes que transmitem uma mensagem de superação nas telonas. É aquela história que nos faz repensar no atual sentido da vida, faz conhecer novas pessoas e ensinar grandes lições. Além de servir como forma de entretenimento, há diversos filmes que são capazes de ajudar nos problemas e nas situações corriqueiras do dia-a-dia. Se analisarmos a lista de ganhadores do Oscar, por exemplo, os filmes mais premiados abordam este aspecto da superação de alguma forma, seja dentro do esporte, na vida profissional, dentro da família, e, até mesmo, dentro da própria sociedade.

De acordo com a roteirista e produtora de cinema, Diana Moro, há duas maneiras do tema “superação” ser visto nos filmes e há, também, duas razões pelas quais este tema atinge as pessoas. “A primeira se dá pelo fato do mundo já estar cheio de maus exemplos, fazendo com que as pessoas criem certa esperança na sociedade através das lentes das câmeras e da tela do cinema. Isso se torna uma forma de escape da realidade. Já a segunda, são as formas de campanha que este formato de filme trás, pois em sua maioria são abertos para o público em geral”, afirma.

Atualmente, Diana acompanha duas experiências de produções baseadas em histórias de superação. “A primeira é a produção de um documentário a respeito dos sobreviventes da II Guerra Mundial, onde tivemos a honra de conversar e receber material de pessoas que passaram por tal situação. A segunda, é o caso de uma menina que ficou tetraplégica prestes a completar 18 anos e, hoje é símbolo de busca e luta da acessibilidade para cadeirantes em meio à cidade”.

O filme “O óleo de Lorenzo”, do diretor George Miller, é um exemplo clássico que traz a superação como forma de narrativa. A trama, baseada em um fato real, retrata a história de um garoto, chamado Lorenzo, que levava uma vida saudável até aparecer sintomas da doença diagnosticada como adrenoleucodistrofia (ALD), enfermidade que provoca degeneração no cérebro e leva o paciente a óbito em dois anos. Inconformados com o quadro preocupante do garoto somado à falta de medicamentos para a cura da doença, os pais iniciam uma pesquisa alucinante na esperança de descobrir algo que possa deter o avanço da enfermidade.

Assim como o filme, que traz a releitura de uma história verídica, a vida real nos presencia com diversas histórias semelhantes. O caso da jovem Verônica Secco é um exemplo de superação diária. As suspeitas surgiram quando Verônica tinha oito anos de idade. A menina começou a cair com frequência na escola e perdeu a força da locomoção das pernas. Após buscar a opinião de inúmeros médicos, Verônica foi encaminhada para o setor de reumatologia do Hospital Albert Einsten, em São Paulo, e lá que perceberam a gravidade do caso. Internada durante uma semana, realizou vários exames e finalmente chegou ao diagnóstico correto: dermatopoliomiosite.

Neste período, a doença ia avançando rapidamente e, além das dificuldades já vivenciadas com a perda dos movimentos, começaram a aparecer manchas pelo corpo e dificuldades na deglutição, o que gerou um emagrecimento acentuado. Aos nove anos, Verônica pesava apenas 14 kg e, por este motivo, começou a se alimentar através de sondas. Em 2006, dois anos em cima de uma cadeira de rodas, Verônica passou por cirurgias para a reconstrução dos nervos e tendões. Finalmente, foi em 2007, que a menina voltou a andar.

Mesmo com todas as dificuldades e apesar de todas as consequências, Verônica teve uma adolescência normal graças ao apoio da família e das amigas. Participava das festas, dos trabalhos escolares e ainda foi campeã das olimpíadas de dança do colégio com suas amigas, no período em que ainda estava sob cadeira de rodas.

Segundo a jovem, atualmente com 20 anos e estudante em Biomedicina, a superação é um fator constante em sua vida. “É como uma vitória. Me fazia bem superar meus objetivos, fazer o que eu sabia que precisava conquistar para poder melhorar”, finaliza.

Texto: Julia Baggio, Lara Pessoa e Manuella Niclewicz

Edição: Aryane Monteiro

Produção: Chez Les Femmes

Retorno para casa no cinema

2015-05-12T19:48:00.000-03:00

Andrew Largeman (Breff) volta para New Jersey após 9 anos de ausência

É no inverno que Felipe Rebello, estudante de doutorado, mais sente saudade da terra natal. Embora o frio curitibano não se compare às temperaturas glaciais que enfrenta na Suíça, onde está radicado há quase seis anos, o jovem doutorando relata que refugiar-se contra o inverno dentro do apartamento traz fortes lembranças de casa, dos amigos, da família — sobretudo da comida das avós. “Quentão, pinhão, milho, café com leite, bolo de fubá... fico aqui babando só de pensar”, ri Rebello, que não pisa em terras tupiniquins há mais de quatro anos. Embora tenha deixado o Brasil com a intenção de voltar após terminar um mestrado em genética na renomada Universidade de Genebra, a oportunidade de continuar os estudos adiou o aguardado retorno. Apesar de ter perspectivas de emprego e visto permanência após o término do doutorado, o estudante explica que não pretende estender a estadia no país dos Alpes e relógios mais do que o necessário. “Muita gente fica com cara de espanto quando digo que quero logo voltar pra casa. Não entendem como pode alguém preferir morar no Brasil do que na Suíça! Por mais que a qualidade de vida seja maior, aqui eu sempre serei estrangeiro. Apesar de todos os defeitos, o meu país é o único lugar onde me sinto em casa”, diz, com grande saudosismo no olhar.

Enquanto isso, em Curitiba, a aposentada Marta Balbinoti não vê a hora de voltar para sua terra natal. Vinda de Pelotas, a 250km de Porto Alegre, veio para a capital paranaense para ajudar a filha a cuidar dos netos e agora sonha em aproveitar o resto de sua vida com a família em Pelotas, a 250 km de Porto Alegre. “Eu não consigo viver sem pelo menos ir para lá umas seis vezes por ano. É uma saudade muito grande da minha querência”, afirma Marta.

Ao contrário de Marta, sua filha, Jeanete Luz, veio para há 25 anos para trabalhar. Casou-se, teve dois filhos e não pretende voltar lá para morar, só para visitar. “Eu gosto de morar aqui em Curitiba, os climas são parecidos, mas a diferença é que eu já estou adaptada aqui, sem falar que não tem mercado de trabalho na minha área”, ressalta Jeanete.

CINEMA

Conhecido como o cômico e ingênuo J.D. da série Scrubs, nenhum crítico jamais esperou que Zach Braff se tornaria um roteirista e diretor de sucesso. Em Garden State (A Hora de Voltar, no Brasil), Braff não apenas tratou de temas relacionáveis como também de sentimentos ocultos e sem definição. Quando perguntado sobre o que era o filme, Braff simplesmente disse que se tratava de um “despertar”, e sentimentos que teve no começo de sua vida adulta: “O personagem principal está perdido e sozinho, algo que definitivamente senti nos meus 20 e poucos anos. ”

Mas é muito mais difícil entender o que se passa com Garden State. Andrew, o protagonista, retorna para Nova Jersey, a cidade onde cresceu, após a morte da mãe. O sentimento de culpa perpetua no filme, fortemente associado à sensação de retorno para o lugar onde se passa a infância. Andrew tem dificuldades em lidar com todos os seus amigos e os familiares dali se sentindo deslocado e sem pertencer nem à Los Angeles, onde tenta sem sucesso se tornar um ator, e Nova Jersey, onde é julgado constantemente por aqueles que conhece.

Ator Zach Braff no filme Garden State

O estudante de cinema e produtor do Kinoforum SP, João Piovan, lembra do filme iraniano “O Espelho”, de Jafar Panahi que problematiza a situação do retorno: uma garota de pouco mais de 10 anos é esquecida após um dia na escola e decide atravessar toda a cidade sozinha com o objetivo de chegar em casa. “Temos uma garota contra a cidade e ela, ao fim, vence contra tudo e contra todos. Voltar para casa, neste caso, se mostra uma experiência limite e transformadora”, diz João.

O produtor também reforça a relevância da temática no cinema contemporâneo “Casa é o lugar do pertencimento e do conforto, mesmo com todos os conflitos que lá podem habitar. Em um embate entre espaços privados e públicos cada vez mais em voga, esta é uma temática que não pode ser abandonada e que deve ser cada vez mais debatida, explicitando suas contradições e diversas variantes.”

Filme iraniano O Espelho

Produção: Agência Gamma
Texto: Luciano Simão, Gabriel Massaneiro e Vithor Marques
Edição: Michel de Alcantara
Imagem: Divulgação

O olhar do cinema sobre a juventude

2015-05-11T21:41:00.000-03:00

Juventude é prato cheio para os roteiros cinematográficos

Foto: Divulgação

A juventude e seus dilemas é um dos temas mais abordados pelas diferentes formas de expressão pelo mundo. Na música, literatura, nas artes, e claro que o cinema não ficaria de fora. Filmes que contam a história de jovens, seus conflitos e sua jornada até se tornarem adultos, não faltam nas telas do cinema ou das televisões.

Os temas abordados pela sétima arte enfocando os jovens são infinitos. Desde um mundo fantasioso que mostra a maturação de um bruxo e seus amigos que precisam enfrentar o senhor das trevas para salvar o mundo, até obras realistas como o premiado Boyhood (2014), de Richard Linklater , que por 12 anos mostrou a relação de um garoto com seus pais e com a vida como um todo enquanto este deixava de ser criança. Se fossemos citar um filme para cada fragmento importante da juventude o texto poderia facilmente se transformar num livro.

Um bom exemplo é o filme francês Azul é a Cor Mais Quente, de Adbellatif Kechiche que em 2013 ganhou destaque ao explorar a sexualidade da adolescente Adèle, que após passar por uma fria experiência um rapaz se apaixona perdidamente por Emma, e inicia com esta uma relação cheia de amor e descobertas. O crítico de cinema Pablo Villaça comenta pontualmente a sensação que o filme passa ao espectador. “Ver esta jovem se transformar de uma adolescente sexualmente confusa a uma mulher que, mesmo pontualmente insegura, sabe o que quer e age segundo este querer, é uma experiência envolvente e bela”

Foto: Divulgação

O Brasil apesar de sofrer preconceito de seu próprio povo quando o assunto é cinema nacional, tem um grande arsenal de filmes. Cidade de Deus é um dos mais premiados e reconhecidos da história cinematográfica brasileira, e em um contexto mais social também explora as nuances da vida de um adolescente.

Pablo Villaça, em sua crítica sobre o realismo duro de se assistir do filme Cidade de Deus comenta: “Há uma cena, em especial, que se torna particularmente aterrorizante ao ilustrar algo que é um fato: não há crianças em um campo de batalha; todos são soldados – e Zé Pequeno aplica esta regra com ferocidade quando um grupo de garotos assalta uma padaria protegida pelo tráfico”.

Em A Personagem Brasileira como Protagonista em Quatro Filmes Brasileiros Cardoso, Santos e Vargas fazem uma análise sobre personagens adolescentes no cinema brasileiro, e logo no início já deixam claro o que ocorre nas telas nacionais. “Personagem que vivencia os conflitos gerados pelas transformações típicas de sua faixa etária, o adolescente tem sido mostrado pelo Cinema brasileiro de forma estereotipada”.

O diretor e roteirista do cenário local de Curitiba, William Biagioli, acha que a concentração nos personagens da trama é a principal característica dos longas deste tipo. “Se tratando de longas-metragens, acredito que esteja tudo nos personagens. Já nos curtas, acho que existe uma modulação maior e mais propícia à experimentação e a aventura. Ao desprendimento de uma narrativa clássica e uma tentativa de se aproximar à experimentação visual e sonora. E qualquer método que seja utilizado mais de uma vez deve ser sumariamente ignorado. Métodos existem para serem aprimorados”.

Produção: Agência Vertigo
Texto: Caio Porthus e Daniel Malucelli
Edição: Bruna Martins
Fotos: Divulgação

Eloi Pires Ferreira: um caminho na realidade brasileira

2015-04-28T14:00:00.000-03:00

Eloi Pires Ferreira na gravação do curta-metragem "Curitiba Zero Grau" (2010).

Após a segunda guerra mundial uma nova percepção cinematografia nasceu na Itália, o Neo-realismo. Com o objetivo de retratar a realidade, foi a primeira vanguarda a se preocupar com causas sociais e o cotidiano das pessoas. Durante e após a guerra, a sociedade consequentemente mudou sua visão de mundo e o cinema acompanhou esta transformação. A técnica neorrealista caracteriza-se por gravações fora do estúdio, interpretação de papéis por autores não profissionais, iluminação ambiente, atenção aos problemas sociais e proximidade de histórias de pessoas comuns. Com esta forte representação da realidade, sem o uso de um embelezamento estético ou romântico, ele se aproxima mais do documentário jornalístico.

O filme “Ladrões de Bicicleta”, produzido em 1948 pelo italiano Vittorio De Sica é um dos filmes mais consagrados desse movimento. O filme retrata a história de Antonio Ricci (Lamberto Maggiorani), um homem humilde que luta para sustentar sua família. Após ter seu único meio de locomoção roubado, uma bicicleta, Antonio e seu filho saem pela cidade à procura do objeto furtado.

No Brasil esta vanguarda eclodiu em 1953 com o Alex Viany, com o filme “Agulha no Palheiro”, e sobretudo, com Nelson Pereira dos Santos com “Rio 40 Graus” (1955) e “Rio Zona Norte” (1957).

No cenário local, somos bem representados. O jornalista e diretor-roteirista Eloi Pires Ferreira trouxe para Curitiba o prêmio Margarida de Prata, pelo longa-metragem “Sal da Terra” produzido em 2008. O filme conta a história de um padre caminhoneiro que por meio da estrada descobre personagens marcantes e a diversidade humana. Pelos quilômetros rodados o padre pretende ajudar cada personagem que passa pelo seu caminho tendo como ponto final de sua viajem a celebração da Santa Missa.

Em entrevista, Eloi Pires Ferreira nos conta como descobriu sua paixão por cinema, um pouco mais sobre a produção de seus longas e também sobre o futuro do cenário local curitibano.

Como você descobriu sua paixão pelo cinema?

Indo ao cinema. E muito cedo. O primeiro filme que vi (no colo dos meus pais) eu tinha menos de dois anos. Foi no antigo Cine Guarani, no Portão, era um filme alemão que eu não lembro mais o nome e segundo minha mãe eu fiquei muito entusiasmado principalmente com os trailers e curtas que passavam antes do filme. De lá pra cá eu nunca mais parei de ver filmes.

Quando decidiu focar suas obras na vanguarda neo-realista?

Eu não decidi assim calculadamente e nem sei se é bem isso. Os filmes que eu fiz têm influência neo-realista, sem dúvida, mas também outras. Acho que o primeiro filme neo-realista que eu vi foi "Ladrões de Bicicleta", do Vittorio De Sica, pelo qual me apaixonei no ato. No "Curitiba Zero Grau", os personagens pai e filho catadores de papel remetem diretamente ao pai e ao filho do "Ladrões". Mas também aquela relação pai e filho lembra a relação pai e filhos de "Vidas Secas" do Nelson Pereira dos Santos (outro dos meus filmes preferidos de todos os tempos) e a minha própria relação com meu pai quando eu era criança. Mas minha preferência é antes de tudo por personagens. De resto as coisas vão acontecendo.

Fale um pouco da experiência e as dificuldades de fazer o longa Sal da Terra, filme que ganhou o prêmio Margarida de Prata. Qual a importância desse prêmio para sua carreira e para o longa?

Fazer o "O Sal da Terra" foi antes de tudo uma grande aventura. É um filme estradeiro, portanto, de produção muito complicada. Eu sempre digo que filmar na estrada é insalubre, tinha que ter "adicional de periculosidade". Foram nove semanas de filmagens entre 2003 e 2004. Aí o dinheiro acabou e só conseguimos terminar e lançar o filme em 2008. Foi um projeto que exigiu muita garra de todos os envolvidos na produção, sendo que a maior dedicação veio da parte do meu principal sócio no projeto e também um dos roteiristas, o J.Olimpio (já falecido), que se mostrou um valoroso guerreiro. O filme trata de temas que me são caros e fala da condição humana pelo viés da espiritualidade. Teve uma trajetória interessante e além do Margarida recebeu também o prêmio de melhor longa de ficção no "European Spiritual Film Festival", realizado em Paris, em 2010. Sim, ganhar algum prêmio é sempre muito bom, massageia um pouco o ego e é uma forma de reconhecimento, fazendo você acreditar que toda aquela trabalheira e seu resultado, enfim, tudo aquilo não foi algo completamente inútil. E no caso do Margarida de Prata, ele é um prêmio antigo e reconhecido no meio cinematográfico brasileiro e a gente tá muito bem acompanhado, já que vários filmes importantes da nossa cinematografia foram agraciados com ele ("Central do Brasil", entre outros). Mas tirante o Oscar e, num segundo lugar bem distante, a Palma de Ouro, o público em geral, que é quem pretendemos atingir com os filmes, não tá nem aí, não tem a menor ideia do que sejam os outros prêmios.

O enredo de "Curitiba, Zero Grau" cruza a vida de um vendedor de automóveis, um catador de papeis, um motoboy e um motorista de ônibus em uma noite de inverno da fria capital paranaense.

Como surgiu a ideia para o filme Curitiba Zero Grau? Muitos aspectos neo-realistas estão presentes no filme, você poderia me falar sobre as técnicas de produção e as dificuldades?

São várias ideias que foram se somando. Mas, basicamente, tudo vem da observação do cotidiano, da vida do cidadão comum, das pessoas que nos cercam, do que aparece no noticiário e das minhas próprias vivências e das pessoas próximas a mim. Isso também se aplica aos outros dois roteiristas, o Altenir Silva e o Erico Beduschi. Como mencionei acima, o filme tem propositalmente elementos que remetem ao neo-realismo, guardadas as diferenças de tempo, meios de realização e opções estéticas. Quanto às dificuldades, eu havia dito que filmar na estrada é insalubre, mas filmar nas ruas de uma grande cidade não é diferente. O "Zero" também levou em torno de 8 a 9 semanas de filmagens, com muitas locações, sendo a maioria externas, muitos atores e figurantes, além de uma equipe bastante grande (para os nossos padrões fora do eixo), equipamento pesado (rodamos em película), variações climáticas etc. Então dá pra imaginar o grau, não é?! Sugiro que vocês assistam ao making of que está nos extras do DVD.

Quais são seus projetos futuros?

Mais de uma dezena, sendo 3 longas de ficção, 3 documentários e vários seriados pra TV. Tudo em projeto, por enquanto. Alguns em fase de captação de recursos, outros aguardando resultado de editais e todos com roteiros prontos.

Como você vê o momento atual do cinema brasileiro? E o cenário local curitibano?

O audiovisual brasileiro está num momento superinteressante, com muitos mecanismos de financiamento de produção amadurecendo, muitas oportunidades de negócio, a profissionalização avançando, mas com alguns velhos gargalos. As estruturas de distribuição e exibição nas mãos das majors norte americanas e a concentração dos recursos ainda no eixo Rio- São Paulo, e tendo o Rio praticamente como único cenário (o que eu tenho chamado de riocentrismo), apesar de o nosso Brasil ser tão diverso. Mesmo assim, dá pra dizer que a regionalização está em processo, com alguns avanços bem evidentes. Saindo do eixo, Curitiba está numa posição bacana, mas podia ser melhor, principalmente se os curitibanos gostassem um pouco mais do que se faz aqui, como acontece com Porto Alegre, Recife, Fortaleza...

Produção: Agência MAKTUB

Texto: Camila Beatriz Costa, Giulie Carvalho e Letícia Joly

Edição: Lana Gillies e Beatriz Lima

Foto: Arquivo

Do inconsciente para as telas

2015-04-17T19:33:00.001-03:00

Nesta edição, entenda como os devaneios da mente se materializam no mundo do cinema

Sétima arte, imagem em movimento, produção cinematográfica. Nomenclaturas que fazem referência ao cinema. Mas o que é o cinema? Para alguns, uma imitação da vida sobre a tela, para outros a união da fantasia e da realidade. Independente de definições, o fato é que o cinema tem o poder de seduzir, criar, transformar e causar as mais variadas sensações e experiências em quem está do outro lado da tela.
Desejamos à todos uma boa leitura e boas reflexões.

Pensando no cinema como uma experiência que mescla a realidade e o sonho, começamos mais uma edição da revista CineAcademia, traçando pontos interessantes entre as vanguardas do Surrealismo, Expressionismo e da Nouvelle Vague (onde, inclusive, os clássicos do cinema francês Alphaville e Pierrot le Fou completam 50 anos em 2015).

Mesmo que estas vanguardas tenham aspectos diferentes, o inconsciente e o ‘brincar’ com a realidade as une. Por meio de cada cena, seja a da mulher cortando o olho em o Cão Andaluz, ou a as cenas da vida mecanizada em Metrópole e as cenas futuristas e de ficção científica em Aphaville e Pierrot le Fou, é evidente o cuidado que cada diretor e cada roteirista teve ao pensar na produção como uma expressão máxima de comunicação aos espectadores.

Texto: Bruna Martins

Edição:Samantha Mahara e Aryane Monteiro

Produção: AgênciaVertigo, Chez Les Femmes, Agência Lumiére, Agência Gamma e Agência Maktub

Underground Americano e suas variações

2015-04-16T23:02:00.000-03:00

Conhecido também como cinema experimental, é um estilo que comporta tantas variações e tendências que é até difícil de defini-lo, contudo, pode muitas vezes ser representada como a fuga da comodidade e dos padrões do cinema – principalmente Hollywoodiano – Os traços catastróficos, características peculiares e temas diferenciados fazem com que o Underground Americano se torne um estilo único.

Para muitos, o inventor foi o Norte Americano Kenneth Anger, muito famoso por representar em seus filmes elementos surrealistas. “Sou um solitário e me orgulho disso. Trabalho sozinho por opção. Que fique claro que Hollywood nunca veio bater à minha porta; por isso, tive que me virar com o que tinha em mãos, liberdade e independência, guiado pelo meu espírito e pelo meu cérebro.", mais ou menos assim, Anger explica o que é o cinema Underground Americano.

Este estilo é muito usado por cineastas que fogem dos padrões comuns de cinema, as características de livre criação, técnicas criativas e ironias ao cinema hollywoodiano são os pontos principais de diretores desta vanguarda. Os diretores constantemente colocam seus sentimentos dentro dos filmes, como Kenneth Anger fazia suas artes com seu universo intimo, se baseando bastante em elementos homoeróticos em suas produções.

Kenneth Anger o invetor do Cinema Underground.

Underground Curitibano

Próximo de nós, aqui em Curitiba, temos um forte representante desta vanguarda no Brasil, Paulo Biscaia não trabalha necessariamente com o Underground Americano, ele faz seu próprio estilo, mas ainda com características da vanguarda, possui uma companhia chamada Vigor Mortis, que veio da ideia de sua pesquisa de mestrado em 1997 e é baseada no teatro de horror francês (Grand-Guinol).

Paulo Biscaia é um dos cineastas underground em Curitiba.

Biscaia se aproxima do Underground, pois na produção de seus filmes, procura explorar de forma artística diversas possibilidades de horror e violência utilizando métodos multimídias. Como já cita Paulo Biscaia “A apresentação conta com o horror, representado pela violência e pela loucura, e ainda assim também reconhecemos e o ridículo das ações”.

O ano de 2015 foi de realização para a Vigor Mortis, depois de cinco anos ausente, a companhia voltou a participar do Festival de Curitiba. Vitor Almeida está em seu primeiro ano como estudante de Cinema da PUCPR e esse ano teve a oportunidade de assistir uma das peças. “Conhecia um pouco das artes do Paulo Biscaia, mas nunca tinha presenciado uma peça, achei impressionante como ele nos proporciona algumas reflexões e até mesmo risadas em cenas de horror.”, relata o estudante.

Produção: Agência Lumière

Texto: Helcio Weiss

Edição: Leonardo Dulcio

Imagem: Divulgação

50 anos de Alphaville e Pierrot le Fou

2015-04-16T21:20:00.001-03:00

Duas obras transgressoras do cinema francês completam cinquenta anos de existência em 2015

Alphaville e Pierrot le Fou, de 1965, eternizaram Jean Luc Godard na história do cinema pela sua inovação. Apesar de serem do mesmo ano e dizerem respeito a um mesmo momento da cinematografia de Godard, são filmes bem diferentes.

ALPHAVILLE
Fazendo uma mistura de ficção cientifica e de film noir, Godard retrata uma cidade futurista que vive sob um regime totalitário controlado pelo computador Alpha 60. Os habitantes de Alphaville são proibidos de expressar opiniões próprias e todo e qualquer tipo de sentimento. O agente Lemmy Caution é enviado a cidade com a missão de destruir Alpha 60 e acaba se apaixonando pela personagem de Anna Karina, filha do professor Von Braun que inventou Alpha 60, e tenta "resgatá-la" desse mundo soturno.

No livro O século do Cinema, do diretor brasileiro Glauber Rocha, é feito um paralelo entre Alphaville e o cinema, pois para ele "ditaduras vivem de uma superconsciência que depende da não-consciência do dominado". Alpha 60, o cérebro eletrônico, representa as produções espetáculo, feitas apenas extrair da massa uma grande quantidade de entradas, enquanto Lemmy é o artista que denuncia o poder dominante. "Por isto quando Lemmy Caution revela ao cérebro a poesia, o cérebro degringola, entorta os filamentos, enlouquece. Começa a revolução", escreve o diretor.

PIERROT LE FOU
O cineasta curitibano, Fernando Severo, revela que entre Alphaville e Pierrot le Fou, prefere o segundo e o descreve como "uma ode à anarquia com visual sessentista ultrapop". Ao contrário de Alphaville, em Pierrot le Fou, imperam o humor e a ironia. Ferdinand, (Jean-Paul Belmondo) é um sujeito burguês, que entendiado com sua vida de casado seduz a babá de seus filhos, Marianne (Anna Karina). Juntos, eles fogem e se envolvem com tráfico de armas e conspirações políticas.

Em Pierrot le Fou é recorrente o uso de referências pictóricas, que Phillippe Dubois no livro Cinema, vídeo, Godard descreve como uma forma de Godard inscrever na ficção um efeito de assinatura e metalinguagem, "uma espécie de comentário oblíquo sobre um elemento do relato". As referências de pinturas vão desde o impressionismo à art pop.

50 ANOS DEPOIS

O AUTOR
O legado deixado por Godard também diz respeito aos modos de produção do filme. Ainda que no começo do cinema, com Griffith e Eisenstein houvesse uma figura que tivesse domínio das etapas do filme, a noção de autor ficou clara apenas depois dos anos 50, com Godard e seus contemporâneos franceses. O cinema de autor concentra a força criativa do filme em uma figura, o diretor. Jacques Aumont, em A Teoria dos Cineastas, descreve que o autor "aborda sua arte de maneira mais íntima e que no filme conjuga os dois aspectos de forma e de conteúdo que as noções de encenador técnico e de autor temático acentuavam". Para o diretor Fernando Severo, a noção de autor foi muito válida no seu tempo, mas não se sustenta mais nos dias de hoje, pois o cinema é uma arte coletiva. "Acredito muito mais em filmes geniais do que em autores geniais", diz Severo.

GODARD

O Godard do século XXI mostra-se menos ativo, porém ainda inventivo. Em seus poucos trabalhos recentes, Godard tem usado, com sucesso, novas tecnologias mal recebidas por críticos de cinema, como o 3D, presente em “Adieu au Langage” de 2014. O diretor francês também tem usado a tecnologia a seu favor para elevar os temas recorrentes de seus trabalhos. Em Éloge de l'amour, de 2001, Godard combinou câmeras analógicas e digitais para subir a escala do paradoxo, tema recorrente em seus filmes. Para Fernando Severo, a revolução mais marcante no cinema dos últimos 50 anos foi "a estética resultante do uso das tecnologias digitais".

Produção: Agência Gamma

Texto: Gabriel Massaneiro e Natália Moraes

Imagem: Arquivo

Surrealismo: ilusão sobre as telas, distorção da vida

2015-04-15T22:44:00.001-03:00

Brincar com a realidade e causar o choque no espectador é a base da vanguarda

Contextos não lineares e sem lógica são essenciais no surrealismo

O movimento surrealista, nascido no início do século XX na França, esteve presente nas mais diversas áreas de criação exercidas pelo homem. Suas fortes características puderam e ainda podem ser hoje encontradas nas mais belas e incompreensíveis obras de arte, nos textos literários e também, por que não, no cinema.

Sempre destacando a esfera do inconsciente, o surrealismo no cinema buscou quebrar o tradicionalismo cinematográfico, fugindo de alguns padrões como, por exemplo, o enredo dos filmes. Muitos foram surpreendidos pelos roteiros inusitados e chocantes do cinema surrealista, e isso sim pode ser considerado um padrão.

Talvez por este mesmo motivo, o choque e a surpresa com os quais nos aguarda um filme surrealista, possamos entender o porquê da falta de popularidade deste gênero nas estantes de blockbusters espalhadas pelo mundo. De uma maneira simples, as produções inseridas neste gênero tendem a confundir e distorcer o raciocínio lógico do pensamento humano – como acontece no inconsciente, nos sonhos.
A fim de tentar desvendar e entender um pouco os sentimentos que envolvem esta vanguarda, nossa equipe realizou uma enquete com 26 pessoas pela rede social Facebook através da qual disponibilizamos um pequeno trecho de O Cão Andaluz (1929), de Luiz Buñel,uma cena curta e aparentemente simples na qual a personagem corta o próprio olho.(Confira a cena abaixo)

O intuito da enquete foi causar espanto, surpreender e receber em retorno a reação do público ao assistir a cena. A maioria das pessoas sentiu agonia, dor, aflição, não gostaram de assisti-la e não a veriam novamente, como foi o caso de Márcia Rodrigues da Silva.

Por outro lado, o gênero surrealista também agrada o gosto de outro tipo de público, no qual se inclui o estudante de jornalismo Getúlio Xavier. “Essa é uma das melhores cenas do cinema. Me causa agonia também, mesmo gostando muito”, disse. E mesmo gerando tanto desconforto, a cena também chamou atenção. “além de aflição, curiosidade. Tanto que pesquisei a origem da cena”, comentou Luan Maoski.

Lembrando que o surrealismo trabalha também com o mundo dos sonhos, do inconsciente, o psicólogo Diogo Guimarães esclarece alguns pontos relevantes da mente humana. “Tudo aquilo que não pertence a nossa consciência está designado ao inconsciente. Na consciência estão todos os conteúdos que possuem atributo pessoal, ou seja, são experimentados como exclusivos de uma pessoa. Já o inconsciente é formado em parte através das colisões entre a consciência e as experiências, e de estruturas inatas e herdadas pela espécie”, explica.

Podemos perceber o tom bizarro que a maioria dos filmes surrealistas dispõem, assim como a interpretação deles varia de pessoa para pessoa, como acontece com nossos próprios sonhos.

“Entende-se que o sonho é uma criação particular e única do indivíduo e diz respeito somente a ele e a mais ninguém, os símbolos lá encontrados, naquele contexto só podem afetar a pessoa que o sonhou (...). O inconsciente tem uma maneira singular de expressão e atua de maneira diferente da lógica consciente, ou seja, não apresenta tempo, espaço, relação causa-efeito e lógica, por isso a atividade onírica ganha este tom bizarro”, completa Guimarães.

O cineasta Rodrigo Grota, que já usou dos recursos e técnicas do surrealismo em seus curta-metragem, fala de seu olhar sobre a vanguarda. “Geralmente o público vai ao cinema para acompanhar a evolução de uma trama, uma história com certa dramaticidade. O Surrealismo rompe os princípios básicos da narrativa clássica - ele frustra certas expectativas. Ele decepciona o público, não cede ao seu gosto. Acho que de certa forma o público se enraivece diante dessa postura de "narrar recusando qualquer narrativa", diz.
Quanto ao novo século em que vivemos, e a partir da vinda do surrealismo, Grota ainda complementa. “Antes todos estavam ali para se compreenderem mutuamente. Após o Surrealismo e outras manifestações de ruptura do começo do século XX, o pacto se tornou outro: enquanto alguém narra, o outro talvez compreenda, talvez não se relacione com nada que está sendo proposto. Isso já não é essencial. O mundo passa a permitir o grito em silêncio, o monólogo em multidão, a voz única que não se identifica. São novas possibilidades sensoriais, nem melhores nem piores. O mundo é sempre insuficiente”.

Produção: Agência Vertigo

Texto: Laís Holzmann

Edição: Bruna Martins

Imagem: Divulgação

Expressionismo: início de tudo

2015-04-15T15:20:00.000-03:00

Historicamente, as artes sempre acompanharam as mudanças ideológicas, políticas, econômicas, sociais e tecnológicas que circundam as sociedades. Com o cinema, que é uma vertente da arte, não foi diferente. Pode-se considerar o cinema como a caixa de discurso daquilo que se apresenta na realidade. Logo, o que chamamos de sétima arte é a expressão da realidade na ilusão e alusão dos signos com seu significado.

Desde a criação pelos irmãos Lumière, em 1895, o cinema desenvolveu-se, principalmente, aliado a movimentos artísticos mundiais, criando formas distintas e marcos referenciais dentro do próprio “fazer” arte.
Posterior ao impressionismo nas artes plásticas, a primeira vanguarda cinematográfica é o expressionismo alemão que, desenvolvido no pós-guerra em 1919, traz a reflexão do inconsciente na representação do interior dos seres, exteriorizando a miséria e destruição que tanto afligiam os alemães. Tais sentimentos se expressam na linguagem cinematográfica com sombras, loucura e modo grotesco.

Como estudioso e apreciador da arte da imagem em movimento, Marden Machado é crítico paranaense há 32 anos. Considerado um dos maiores conhecedores da sétima arte do Paraná, Machado lista seu Top 3 das obras cinematográficas expressionistas que mais o marcaram. Confira:

1. O Gabinete do Dr. Caligari (Robert Wiene, 1919)

É colocado pelo crítico com o marco zero da produção expressionista alemã. Machado define, “esse filme mostra que o cenário, o posicionamento da câmera e a iluminação são combinados para enriquecer dramaticamente a história e mostra como eles podem se tornar um elemento narrativo adicional”.

2. Nosferatu (F.W. Murnau, 1922)

Machado destaca Nosferatu - adaptação cinematográfica do livro Drácula, romance de Bram Stoker de 1897- como a interação mais perceptível entre o cenário e o personagem distorcido, resultando na personificação da deformação psicológica do homem. Assim, o mais notório em Nosferatu é a capacidade do filme de entrar na mente dos personagens e a capacidade de visualização disto pelo expectador. Desta forma, a dualidade do caráter psicológico do personagem e de quem o assiste causa impacto proposital ao expectador.

3. Metrópolis (Fritz Lang, 1927)

Por fim, o auto denominado “cinéfilo incurável” traz Metrópolis como a melhor proposta estética da narrativa apresentada até então. Machado classifica Metrópolis como o mais influente filme produzido, o qual, segundo ele, “Orson Welles bebeu muito d’água para a composição de Cidadão Kane em 1941”.

Assim, o expressionismo buscou a reconfiguração estética para o produto industrial de cinema, trabalhando fenômenos interiores através de representações exteriores.

Produção: Chez Les Femmes

Texto: Beatriz Peccin

Edição: Aryane Monteiro e Samantha Mahara

Imagem: Divulgação

Prazer, Religar!

2014-11-25T21:40:00.000-02:00

Um documentário sobre música e religião

Cartaz do documentário Religar, da Agência Slide

Gravar um documentário é como dar a luz. Primeiro nos deparamos com várias ideias.. “Este é o tema certo?”, “O que fazer para impressionar?”, ”O que o futuro nos reserva?”. Com o passar dos dias, essas dúvidas inventadas por nossas mentes são substituídas por perguntas reais. “Como fazer para juntar as histórias?”, “O público vai entender o que quisemos passar com elas?”.

O tema escolhido foi arriscado, trabalhar com diferentes estilos musicais, invadindo um espaço sagrado para diversas pessoas que encontram na música um meio de mostrar suas crenças e afirmar sua fé, não é tarefa fácil. Após intensas gravações, nas quais pudemos conhecer melhor a música de cada religião, percebemos que as letras e sons podem ser diferentes para cada uma delas, mas é por meio da música que os seguidores se sentem mais próximos do que acreditam.

Esperamos que através do documentário Religar as pessoas se sintam conectadas com seu interior e com aquilo em que acreditam, e percebam que independente de religião, a música une todos em uma só voz.

Não podemos também deixar de agradecer todos os envolvidos no documentário por nos auxiliarem com seus conhecimentos a respeito do tema escolhido. Em especial à Shirley Oliveira – da Igreja Metodista Manancial do Boqueirão -, Diana Nakamura - do Templo Budista -, Iris Knopfholz - da Sinagoga Humanista Teshuvá e Eduardo Robazza, ator e estudante de relações públicas da Pontifícia Universidade Católica do Paraná (PUC PR)

Agora é só sentar e conhecer um pouco mais sobre música. Mas atenção, se você espera algo que aborde aspectos técnicos, esse documentário não é para você. Pelo contrário, se busca por emoção e fé, desejamos a todos bom divertimento!

Confira a sinopse: Um jovem músico, motivado pela carência emocional de suas canções, busca por novas experiências no campo musical. O menino viaja por três religiões para compor seu processo criativo, que vai além do som. Um documentário sobre emoção, fé e música, que vai mudar o seu jeito de encarar diferentes religiões.

https://vimeo.com/religar

Produção: Agência Slide

Texto: Karla Fernandes e Maria Fernanda Schneider

Edição: Gustavo Lavorato

Imagem: Agência Slide

Alegria nos pés, um documentário da Agência Lens

2014-11-25T10:03:00.001-02:00

O novo documentário produzido pela Agência Lens vai te emocionar e mostrar a verdadeira batalha que é se tornar jogador de futebol, confira:

O documentário da Agência Lens mostra o sonho de diversas crianças que lutam para se tornar um jogador de futebol profissional, é uma história narrada por atletas de categorias de base, professores, e até mesmo um atleta profissional que conta a sua luta para realizar este sonho. Ela se desenvolve nos contos dos personagens apresentados na história que tentam comover o espectador e mostrá-lo a verdadeira realidade de tentar ser um jogador, assim como buscar convencer de que ter sucesso no esporte é tão difícil como a busca de qualquer sucesso que as populações almejam.

A produção ocorreu durante o último bimestre de 2014. A ideia surgiu logo após a catástrofe brasileira na Copa do Mundo em que foi sede. Obviamente que durante essa época de festividade do futebol, muito se falou e se produziu a respeito do que estava em maior destaque nos noticiários. Com isso, buscamos uma visão diferenciada do sonho dos atletas, para que eles cativem o seu público. O mercado favoreceu a realização deste documentário, pois estamos em época pós Copa do Mundo, mas mesmo assim a concorrência não foi elevada, até porque projetos sobre um tema como o futebol, ou os sonhos de ser um atleta profissional abrangem diversos ganchos durante as tramas propostas.

Ao jornalismo, a reflexão na tela

2014-10-08T23:11:00.001-03:00

Consagrado pelos curtas como Ilha das Flores, Jorge Furtado lança agora um documentário essencial à imprensa

Em agosto deste ano, estreiou o documentário O Mercado de Notícias, com direção de Jorge Furtado, o filme é recomendado principalmente a todos os jornalistas e estudantes de jornalismo por trazer o debate e a reflexão sobre a profissão, utilizando depoimentos e apelando para o humor.

Para o jornalista, crítico de cinema e professor, Paulo Camargo, “O Mercado de Notícias debate a própria essência do ofício, ouvindo um time de 13 profissionais escolhidos a dedo. Para ele, a intercalação dos depoimentos trouxe “um diálogo intertextual interessantíssimo” com o texto de Ben Jonson.

O filme “debate critérios jornalísticos, e este é o seu sentido e o sentido da peça de Jonson (linha condutora a peça homônima do dramaturgo inglês Ben Jonson (1572- 1637), “The staple of news”). É também uma defesa da atividade jornalística, do bom jornalismo, sem o qual não há democracia”.

Para a estudante de jornalismo, Priscila Murr, que num primeiro momento ficou decepcionada pelo formato não habitual de documentário, mesclando teatro e jornalismo, “a inovação tornou o formato mais atrativo e ficou muito interessante, mas faltou um William Bonner, uma Renata Vasconcellos falando, pelo fato de terem grande simpatia com o público”. “Gostei bastante do filme, da ideia central, mas a duração das entrevistas, alguma estavam ótimas, na medida, eram muito longas, impossível não se distrair”, completa ela.

“Os entrevistados discutem temas como a obrigação de escolher o que publicam ou não, o que cobrem ou não, a complexa relação com as fontes, a necessidade de surpreender o público, de revelar histórias. Mas também coloca em debate outro aspecto, não menos essencial: a sobrevivência econômica das empresas de comunicação em um momento de profundas transformações tecnológicas e dos hábitos de consumo de notícias”, finaliza Camargo.

Há dois meses em cartaz, o documentário venceu dois prêmios no Festival do Audiovisual 2014 do Cine Pe como melhor documentário e júri popular. No site do filme é possível encontrar as entrevistas e encenações, além dos horários e locais onde o filme está sendo exibido. Em Curitiba, a temporada chegou ao fim há dez dias.

Bastidores de gravação do documentário O Mercado de Notícias.

Produção: Agência Bellum

Texto: Bruna Carvalho

Edição: Amanda Schause

Imagem: Divulgação